Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Ang Renaissance ay ang kasagsagan ng lahat ng sining (Teatro, Musika, pagpipinta, arkitektura, Panitikan, atbp.). Pag-uusapan ko ang tungkol sa panitikan at sining.

panitikan ng Renaissance- isang pangunahing kalakaran sa panitikan, isang mahalagang bahagi ng buong kultura ng Renaissance. Sinasakop ang panahon mula XIV hanggang XVI siglo. Naiiba ito sa panitikang medyebal dahil nakabatay ito sa mga bago, progresibong ideya ng humanismo. Kasingkahulugan ng Renaissance ang terminong "Renaissance", na nagmula sa Pranses. Ang mga ideya ng humanismo ay nagmula sa unang pagkakataon sa Italya, at pagkatapos ay kumalat sa buong Europa. Gayundin, ang panitikan ng Renaissance ay kumalat sa buong Europa, ngunit nakuha sa bawat indibidwal na bansa ang sariling pambansang katangian. Ang terminong Renaissance ay nangangahulugang pagpapanibago, ang apela ng mga artista, manunulat, palaisip sa kultura at sining ng unang panahon, ang paggaya sa matataas na mithiin nito.

Ang konsepto ng humanismo

Ang konsepto ng "humanismo" ay ginamit ng mga siyentipiko noong ika-19 na siglo. Nagmula ito sa Latin na humanitas (kalikasan ng tao, kulturang espirituwal) at humanus (tao), at nagsasaad ng ideolohiyang nakadirekta sa isang tao. Sa Middle Ages, mayroong isang relihiyoso at pyudal na ideolohiya.

Sa Renaissance, nagkaroon ng pag-alis mula sa pyudal-church ideology, may mga ideya ng emancipation ng indibidwal, paggigiit ng mataas na dignidad ng tao, bilang isang libreng lumikha ng makalupang kaligayahan. Naging mapagpasyahan ang mga ideya sa pag-unlad ng kultura sa kabuuan, naimpluwensyahan ang pag-unlad ng sining, panitikan, musika, agham, at naipakita sa pulitika. Ang humanismo ay isang pananaw sa mundo ng isang sekular na kalikasan, anti-dogmatiko at anti-eskolastiko. Ang pag-unlad ng humanismo ay nagsimula noong ika-14 na siglo, sa gawain ng mga humanista tulad nina Dante, Petrarch, Boccaccio, at iba pa.Sa ika-16 na siglo, bumagal ang proseso ng pagbuo ng bagong pananaw sa mundo dahil sa epekto ng pyudal na reaksyong Katoliko. Ito ay pinalitan ng Repormasyon.

Renaissance panitikan sa pangkalahatan

Sa pagsasalita tungkol sa Renaissance, direktang pinag-uusapan natin ang tungkol sa Italya, bilang tagadala ng pangunahing bahagi sinaunang kultura, at tungkol sa tinatawag na Northern Renaissance, na naganap sa mga bansa sa hilagang Europa: France, England, Germany, Netherlands, Spain at Portugal.

Ang panitikan ng Renaissance ay nailalarawan sa mga humanistikong mithiin na nakabalangkas sa itaas. Ang panahong ito ay nauugnay sa paglitaw ng mga bagong genre at sa pagbuo ng maagang realismo, na tinatawag na "Renaissance realism" (o Renaissance), sa kaibahan sa mga huling yugto, pang-edukasyon, kritikal, sosyalista.

Sa gawain ng mga may-akda tulad ng Petrarch, Rabelais, Shakespeare, Cervantes, isang bagong pag-unawa sa buhay ang ipinahayag ng isang tao na tumatanggi sa mapang-aliping pagsunod na ipinangangaral ng simbahan. Kinakatawan nila ang tao bilang pinakamataas na nilikha ng kalikasan, sinusubukang ihayag ang kagandahan ng kanyang pisikal na anyo at ang kayamanan ng kanyang kaluluwa at isip. Ang pagiging totoo ng Renaissance ay nailalarawan sa laki ng mga imahe (Hamlet, King Lear), ang poeticization ng imahe, ang kakayahang magkaroon ng isang mahusay na pakiramdam at sa parehong oras ang mataas na intensity ng trahedya na salungatan ("Romeo at Juliet ”), na sumasalamin sa sagupaan ng isang taong may pwersang kalaban sa kanya.

Ang panitikan ng Renaissance ay nailalarawan sa iba't ibang genre. Ngunit nanaig ang ilang anyong pampanitikan. Ang pinakasikat na genre ay ang maikling kwento, na tinatawag na Renaissance short story. Sa tula, ito ang nagiging pinaka-katangiang anyo ng isang soneto (isang saknong ng 14 na linya na may isang tiyak na tula). Ang dramaturgy ay umuunlad nang husto. Ang pinakakilalang manunulat ng dula sa Renaissance ay sina Lope de Vega sa Spain at Shakespeare sa England.

Ang pamamahayag at pilosopikal na prosa ay laganap. Sa Italya, tinuligsa ni Giordano Bruno ang simbahan sa kanyang mga gawa, lumikha ng kanyang sariling mga bagong konseptong pilosopikal. Sa Inglatera, ipinahayag ni Thomas More ang mga ideya ng utopiang komunismo sa kanyang aklat na Utopia. Kilalang-kilala ang mga may-akda gaya nina Michel de Montaigne ("Mga Eksperimento") at Erasmus ng Rotterdam ("Papuri sa Katangahan").

Kabilang sa mga manunulat noong panahong iyon ay may mga nakoronahan ding tao. Ang mga tula ay isinulat ni Duke Lorenzo de Medici, at si Marguerite ng Navarre, kapatid ni Haring Francis I ng France, ay kilala bilang may-akda ng koleksyon ng Heptameron.

Ang Renaissance ay isa sa mga pinakakahanga-hangang pahina sa kasaysayan ng sining ng mundo. Sinasaklaw nito ang mga tatlong siglo (XIV - XVI siglo). Kung ihahambing sa mga panahon ng Sinaunang Mundo (mga 5000 libong taon), ang Middle Ages (mga 1000 taon), ang Renaissance ay tila isang napakaikling yugto ng panahon. Gayunpaman, sa bilang ng mga makikinang na gawa ng sining, bago at tapang ng paghahanap ng mga masters ng panahong iyon. pamana ng sining Ang Renaissance ay hindi mas mababa sa mga nakaraang yugto sa pag-unlad ng sining ng mundo.

Ang Italya ay ang lugar ng kapanganakan ng Renaissance. Nasa XIV na siglo, sa mga gawa ng mahusay na makatang Italyano na humanist na si Francesco Petrarca (1304-1374), lumitaw ang konsepto ng Rinascimento - Renaissance (sa Pranses na "Renaissance").

Sa oras na ito, inilatag ang mga pundasyon modernong agham, mataas na lebel umabot sa panitikan, na, sa pag-imbento ng pag-iimprenta ng Aleman na si Johannes Gutenberg, ay nakatanggap ng mga hindi pa nagagawang pagkakataon para sa pamamahagi. Sa oras na ito, Christopher Columbus, Copernicus gumawa ng kanilang mga pagtuklas, isulat ang kanilang walang kamatayang mga gawa ang mga dakilang Italyano na sina Dante, Petrarch, ang Pranses na si Francois Rabelais, ang may-akda ng nobelang "Gargantua at Pantagruel", si Michel Montaigne, ang lumikha ng sikat na "Mga Eksperimento". Ang mga trahedya ni Shakespeare, "Don Quixote" ni Cervantes, na kapansin-pansin sa lalim ng pagtagos sa sikolohiya ng tao, kaalaman sa kanyang mga hilig at hangarin, ay isinulat sa Renaissance.

Ang pilosopikal na direksyon ng humanismo (mula sa Latin na "humanus" - isang tao) ay nagiging ideolohikal na batayan ng kultura ng Renaissance. Ang tao ay muling naging "sukat ng lahat ng bagay." Ang motto ng Renaissance art ay maaaring kunin mula sa mga salitang naka-embed ng Italian humanist noong ika-15 siglo. Bilangin si Pico della Mirandola sa kanyang panegyric, sa bibig ng Diyos na Lumikha, na tinutugunan ang tao: "Inilalagay kita sa gitna ng mundo ..."

Hindi tulad ng Romanesque at Gothic na kultura kultura ng medyebal Ang Renaissance ay sekular sa kalikasan, bagaman ang pangunahing hanay ng mga paksa ay nanatiling konektado sa mga mitolohiko at biblikal na tema. Ang panahon ng Renaissance ay sumalungat sa pananaw sa mundo ng mga humanista, na iginiit ang halaga ng pagkatao ng tao.

Isa sa mga pundasyon ng sining ng Renaissance ay ang bagong pag-unawa sa pamana ng sinaunang panahon.

Ang mga mithiin ng humanismo ay makikita rin sa arkitektura: ang mga gusali ay nakakakuha ng isang malinaw na maayos na hitsura, ang kanilang mga proporsyon at kaliskis ay nauugnay sa isang tao.

Ang tunay na tagapagtatag ng mga pinong sining ng High Renaissance ay ang makikinang na Florentine Leonardo da Vinci (1452-1519)

Ang mga manuskrito ni Leonardo ay nagpapatotoo na siya ay hindi lamang isang mahusay na pintor at iskultor, kundi isang arkitekto, mekaniko, inhinyero, botanista, at anatomista.

Bilang isang multi-talented na tao, interesado si Leonardo da Vinci sa lahat ng bagay na nakapaligid sa kanya, isinulat ang kanyang mga impression sa isang kuwaderno na palaging dala niya. "Pagsuko sa isang hindi mapawi na uhaw sa kaalaman, pinapangarap kong maunawaan ang pinagmulan ng maraming nilalang ng kalikasan," sabi niya tungkol sa kanyang sarili. Sa buong buhay niya, isinasaalang-alang ng artista ang mundo kasama ang lahat ng pagkakaiba-iba ng mga anyo nito, bilang isang paglikha ng kalikasan, na may sariling "isip", na nananawagan sa mga pintor na maging tagapamagitan sa pagitan ng kalikasan at sining.

MOOU Sanatorium boarding school №2

"Sining ng Renaissance"

Nakumpleto ang trabaho

Morozova K 9 "A"

Sinuri ang trabaho

Nesterova A.S.

Magnitogorsk 2010

Panimula

Ang sangkatauhan ay may sariling talambuhay: kamusmusan, kabataan at kapanahunan. Ang panahon, na tinatawag na Renaissance, ay malamang na maihahalintulad sa panahon ng pagsisimula ng kapanahunan na may taglay na pag-iibigan, ang paghahanap ng sariling katangian, ang pakikibaka laban sa mga prejudices ng nakaraan. Kung wala ang Renaissance, walang makabagong sibilisasyon. Ang duyan ng Renaissance art, o ang Renaissance (French Renaissance), ay Italya.

Ang sining ng Renaissance ay bumangon batay sa humanismo (mga pagbabayad, humanus "tao") - isang takbo ng panlipunang pag-iisip na nagmula noong ika-14 na siglo. sa Italya, at pagkatapos ay sa ikalawang kalahati ng XV - XVI siglo. kumalat sa iba mga bansang Europeo. Ang mga humanista ay binigyang inspirasyon ng sinaunang panahon, na nagsilbi para sa kanila bilang isang mapagkukunan ng kaalaman at isang modelo ng artistikong pagkamalikhain. Ang dakilang nakaraan, na patuloy na nagpapaalala sa sarili nito sa Italya, ay nakita sa oras na iyon bilang ang pinakamataas na pagiging perpekto, habang ang sining ng Middle Ages ay tila walang kakayahan, barbariko. Lumitaw noong ika-16 na siglo ang terminong "muling pagkabuhay" ay nangangahulugang ang paglitaw ng isang bagong sining, muling pagbuhay sa klasikal na sinaunang panahon, sinaunang kultura.

Sa sining ng Renaissance, ang mga landas ng siyentipiko at masining na pag-unawa sa mundo at tao ay malapit na magkakaugnay. Ang nagbibigay-malay na kahulugan nito ay hindi mapaghihiwalay na nauugnay sa kahanga-hangang patula na kagandahan; sa kanyang pagsusumikap para sa pagiging natural, hindi ito bumaba sa maliit na pang-araw-araw na buhay. Sa panahon ng Renaissance ng Italya, kaugalian na makilala ang ilang mga panahon: ang Proto-Renaissance (ang ikalawang kalahati ng ika-13-14 na siglo), ang unang bahagi ng Renaissance (ika-15 siglo), ang Mataas na Renaissance (ang katapusan ng ika-15 - ang mga unang dekada ng ika-16 na siglo), ang huling Renaissance (ang huling dalawang-katlo ng ika-16 na siglo)

1. Proto-Renaissance

Sa kulturang Italyano noong XIII-XIV na siglo. laban sa backdrop ng malakas pa ring tradisyon ng Byzantine at Gothic, nagsimulang lumitaw ang mga tampok ng isang bagong sining - ang hinaharap na sining ng Renaissance. Samakatuwid, ang panahong ito ng kasaysayan nito ay tinawag na Proto-Renaissance (iyon ay, inihanda nito ang simula ng Renaissance; mula sa Greek na "pro-tos" - "una").

Walang katulad na panahon ng transisyon sa alinman sa mga bansang Europeo. Sa Italy mismo, ang proto-Renaissance art ay umiral lamang sa Tuscany at Rome.

Sa kulturang Italyano, ang mga tampok ng luma at bago ay magkakaugnay. "Ang huling makata ng Middle Ages" at ang unang makata bagong panahon Nilikha ni Dante Alighieri (1265-1321) ang wikang pampanitikan ng Italyano na sinimulan ni Dante ay ipinagpatuloy ng iba pang mga dakilang Florentine ng XIV siglo - Francesco Petrarca (1304-1374), ang nagtatag ng European lyric poetry, at Giovanni Boccaccio (1313-1375), ang nagtatag ng genre ng nobela (maikling kuwento ) sa panitikang pandaigdig. Ang ipinagmamalaki ng panahon ay ang mga arkitekto at iskultor na sina Niccolo at Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio at ang pintor na si Giotto di Bondone.

2. Maagang Renaissance

Noong ika-XV siglo. Ang sining ng Italyano ay nangibabaw sa masining na buhay Europa. Ang mga pundasyon ng isang makatao na sekular (i.e., hindi eklesiastikal) na kultura ay inilatag sa Florence, na nagtulak sa Siena at Pisa sa background. Ang Florence noong panahong iyon ay tinawag na "bulaklak ng Italya, ang karibal ng maluwalhating lungsod ng Roma, kung saan ito nagmula at kung saan ang kadakilaan ay ginagaya nito." Ang kapangyarihang pampulitika dito ay pag-aari ng mga mangangalakal at artisan, at ang ilan sa pinakamayayamang pamilya ay may espesyal na impluwensya sa mga gawain sa lungsod. Patuloy silang nakikipagkumpitensya sa isa't isa. Ang pakikibaka na ito ay natapos sa pagtatapos ng ika-14 na siglo. tagumpay ng Medici banking house. Ang ulo nito, si Cosimo de' Medici, ay naging hindi sinasalitang pinuno ng Florence. Ang mga manunulat, makata, siyentipiko, arkitekto at pintor ay dumagsa sa korte ng Cosimo de' Medici (at pagkatapos ay ang kanyang apo na si Lorenzo, na binansagang Magnificent).

Isang tunay na rebolusyon ang naganap sa arkitektura noong panahong iyon. Nagbukas ang malawak na konstruksyon sa Florence, na binago ang mukha ng lungsod sa harap ng aming mga mata.

1. Mataas na Renaissance

Ang High Renaissance, na nagbigay sa sangkatauhan ng mga dakilang masters tulad ng Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione, Titian, Bramante, ay sumasaklaw sa isang medyo maikling panahon - mula sa katapusan ng ika-15 siglo. hanggang sa katapusan ng ikalawang dekada ng ika-16 na siglo. Sa Venice lamang ang pag-usbong ng sining ay nagpatuloy hanggang sa kalagitnaan ng siglo.

Mga pangunahing pagbabago na nauugnay sa mga mapagpasyang kaganapan sa kasaysayan ng mundo, ang mga tagumpay ng mga advanced siyentipikong kaisipan, walang katapusang pinalawak na mga ideya ng mga tao tungkol sa mundo - hindi lamang tungkol sa lupa, kundi pati na rin tungkol sa Cosmos. Ang pang-unawa sa mundo at sa pagkatao ng tao ay tila pinalaki; sa artistikong pagkamalikhain, ito ay makikita hindi lamang sa maringal na sukat ng mga istruktura ng arkitektura, monumento, solemne fresco cycle at pagpipinta, kundi pati na rin sa kanilang nilalaman, ang pagpapahayag ng mga imahe. larawang wika, na, ayon sa kahulugan ng ilang mananaliksik, noong panahon maagang renaissance maaaring mukhang masyadong "madaldal", naging pangkalahatan at nakalaan. Ang sining ng High Renaissance ay isang buhay na buhay at kumplikado masining na proseso na may nakakabulag na maliwanag na up at kasunod na krisis.

1.1 Leonardo da Vinci

Sa kasaysayan ng sangkatauhan hindi madaling makahanap ng ibang tao na kasingtalino ng tagapagtatag ng sining ng High Renaissance, si Leonardo da Vinci (1452 - 1519). Ang komprehensibong katangian ng mga aktibidad ng mahusay na pintor at siyentipikong ito ay naging malinaw lamang nang suriin ang mga nakakalat na manuskrito mula sa kanyang pamana. Ang napakalaking panitikan ay nakatuon kay Leonardo, ang kanyang buhay ay pinag-aralan nang detalyado. Gayunpaman, marami sa kanyang gawain ang nananatiling misteryo at patuloy na nagpapasigla sa isipan ng mga tao.

Si Leonardo da Vinci ay ipinanganak sa nayon ng Anchiano malapit sa Vinci, hindi kalayuan sa Florence; siya ay anak sa labas ng isang mayamang notaryo at isang simpleng babaeng magsasaka. Napansin ang pambihirang kakayahan ng batang lalaki sa pagpipinta, ibinigay siya ng kanyang ama sa pagawaan ni Andrea Verrocchio. Sa larawan ng guro na "The Baptism of Christ", ang pigura ng isang espiritwal na blond na anghel ay kabilang sa brush ng batang Leonardo.

Kabilang sa kanyang mga unang gawa ay ang pagpipinta na "Madonna na may Bulaklak" (1472). Hindi tulad ng mga masters ng XV century. Tinanggihan ni Leonardo ang salaysay, ang paggamit ng mga detalye na nakakagambala sa atensyon ng manonood, puspos ng mga larawan ng background. Ang larawan ay nakikita bilang isang simple, walang sining na eksena ng masayang pagiging ina ng batang si Maria. Dalawang malalaking pigura ang pumupuno sa buong espasyo ng larawan, tanging sa labas ng bintana sa madilim na pader ay makikita mo ang isang malinaw na malamig na asul na kalangitan. Ang isang tiyak na sandali ay nakuha: ang ina, ang kanyang sarili ay isang mapagmahal at buhay na buhay na batang babae, ay nag-abot ng isang bulaklak sa kanyang anak, nakangiti, at pinapanood kung paano maingat na sinusuri ng isang seryosong bata ang isang hindi pamilyar na bagay. Pinag-uugnay ng bulaklak ang magkabilang pigura. Nag-eksperimento si Leonardo sa paghahanap ng iba't ibang komposisyon ng mga pintura, isa siya sa mga una sa Italya na lumipat mula sa tempera patungo sa pagpipinta ng langis. "Ang Madonna na may Bulaklak" ay naisakatuparan sa pamamaraang ito, noon ay bihirang pa rin. Nagtatrabaho sa Florence, hindi nakita ni Leonardo ang paggamit ng kanyang mga kapangyarihan bilang isang scientist-engineer o bilang isang pintor, ang pinong sopistikado ng kultura at ang mismong kapaligiran ng korte ni Lorenzo Medici ay nanatiling malalim sa kanya. Sa paligid ng 1482, pumasok si Leonardo sa serbisyo ng Duke ng Milan, Lodovico Moro. Inirerekomenda ng master ang kanyang sarili, una sa lahat, bilang isang inhinyero ng militar, arkitekto, dalubhasa sa hydraulic engineering, at pagkatapos lamang bilang isang pintor at iskultor. Gayunpaman, ang unang panahon ng Milan ng trabaho ni Leonardo (1482-1499) ay naging pinakamabunga. Ang master ay naging pinakatanyag na artista sa Italya, ay nakikibahagi sa arkitektura at iskultura, naging fresco at pagpipinta ng altar.

Hindi lahat ng magagandang plano, kasama na mga proyekto sa arkitektura, nagawa ni Leonardo. Ang equestrian statue ni Francesco Sforza, ang ama ni Lodovico Moro, ay nagpatuloy (paputol-putol) sa loob ng higit sa sampung taon, ngunit hindi ito kailanman ginawang tanso. Isang life-size na clay na modelo ng monumento, na naka-install sa isa sa mga courtyard ng ducal castle, ay nawasak ng mga tropang Pranses na nakakuha ng Milan.

Ito ang tanging pangunahing gawaing iskultura ni Leonardo da Vinci na lubos na pinahahalagahan ng kanyang mga kontemporaryo. Ang isang ideya ng estatwa ay maaaring mabuo batay sa mga guhit na naglalarawan ng iba't ibang mga pagpipilian at yugto ng trabaho dito. Sa una, ang estatwa ay naglalarawan ng isang mangangabayo sa mabilis na paggalaw, sa isang rearing kabayo, ngunit ang paghahagis nito ay naging teknikal na imposible, nang maglaon ang master ay nakahanap ng isang mas kalmadong solusyon. Ang Sforza monument ay dapat na higit sa isa at kalahating beses na mas mataas kaysa sa equestrian monuments na ginawa nina Donatello at Verrocchio. Ang monumento ay tinawag na Great Colossus.

Umabot na tayo sa ating panahon mga kuwadro na gawa Leonardo ng panahon ng Milanese. Una komposisyon ng altar Ang High Renaissance ay "Madonna in the Grotto" (1483-1494). Ang pintor ay umalis mula sa mga tradisyon ng ika-15 siglo, kung saan ang mga relihiyosong pagpipinta ay nanaig ang solemne na katigasan. Mayroong ilang mga pigura sa altarpiece ni Leonardo: ang babaeng si Maria, ang Sanggol na Kristo na nagbabasbas sa maliit na si Juan Bautista, at isang nakaluhod na anghel, na parang nakatingin sa labas ng larawan. Ang mga imahe ay ganap na maganda, natural na konektado sa kanilang kapaligiran. Ito ay isang uri ng grotto sa mga madilim na basalt na bato na may puwang sa kalaliman - isang landscape na tipikal ni Leonardo: sa pangkalahatan, hindi kapani-paniwalang misteryoso, ngunit sa partikular - sa imahe ng bawat halaman, bawat bulaklak sa gitna ng siksik na damo - ginawa gamit ang isang tumpak. kaalaman sa mga likas na anyo. Ang mga pigura at mukha ay nababalot ng maaliwalas na ulap, na nagbibigay sa kanila ng isang espesyal na lambot. Tinawag ng mga Italyano ang pamamaraang ito na Leonardo sfumato.

Sa Milan, tila, nilikha ng master ang canvas na "Madonna and Child" ("Madonna Litta"). Dito, sa kaibahan sa Madonna na may Bulaklak, siya ay nagsusumikap para sa higit na pangkalahatan at pagiging perpekto ng imahe. Hindi ito naglalarawan ng isang tiyak na sandali, ngunit isang tiyak na pangmatagalang estado ng kalmado na kagalakan, kung saan ang isang batang magandang babae ay nahuhulog, nagpapasuso sa isang bata. Ang kalinawan ng balanseng komposisyon na may dalawang simetriko na matatagpuan na mga bintana ay nagpapahayag, sa pagitan ng kung saan ang isang buhay na buhay at nababaluktot na silweta ng isang babaeng kalahating pigura ay nakasulat. Ang malamig na malinaw na liwanag ay nag-iilaw sa kanyang manipis, malambot na hinulma na mukha na may kalahating ibabang tingin at isang magaan, halos hindi mahahalata na ngiti. Ang larawan ay pininturahan sa tempera, na nagbibigay ng sonoridad sa mga tono ng asul na balabal at pulang damit ni Mary. Ang malambot na maitim na ginintuang kulot na buhok ng Sanggol ay kamangha-mangha na nakasulat, ang kanyang maasikasong titig na nakadirekta sa manonood ay hindi seryosong bata.

Ang isang kakaiba, dramatikong mood ay nakikilala ang monumental na pagpipinta ni Leonardo " Ang huling Hapunan", na ginawa niya noong 1495-1497. kinomisyon ni Lodovico Moro para sa refectory church ng Santa Maria della Grazie sa Milan. Ang kapalaran ng sikat na gawaing ito ni Leonardo ay trahedya. Kahit na sa panahon ng buhay ng master, ang pintura ay nagsimulang gumuho. Noong ika-17 siglo isang pinto ang nasira sa dingding ng refectory, na sumira sa bahagi ng komposisyon, at noong ika-18 siglo. Ang gusali ay ginawang tindahan ng dayami. Ang hindi maayos na pagpapanumbalik ay nagdulot ng malaking pinsala sa fresco. Noong 1908, isinagawa ang trabaho upang linisin at palakasin ang mural. Noong Ikalawang Digmaang Pandaigdig, ang kisame at ang timog na pader ng refectory ay nawasak ng bomba. Ang pagpapanumbalik na isinagawa noong 1945 ay nagligtas sa pagpipinta mula sa karagdagang pagkawasak, ang mga labi ng pagpipinta ni Leonardo ay nakilala at sinigurado. Gayunpaman, tanging ang pinaka-pangkalahatang ideya ay maaari na ngayong mabuo tungkol sa mahusay na paglikha ng master.

Isang malaking fresco (4.6 x 8.8 m) ang sumasakop sa buong dulong dingding ng refectory. Si Kristo, na ang pigura ay nasa gitna, sa likuran ng pintuan, at ang mga apostol ay nakaupo sa hapag. Inilalarawan ang dramatikong kasukdulan ng pagkain, nang bigkasin ni Kristo ang nakamamatay na mga salita: “Ipagkakanulo ako ng isa sa inyo.” Pinupukaw nila ang iba't ibang damdamin sa mga apostol, kawalan ng pag-asa, takot, pagkalito, galit; ang ilan ay tumalon mula sa kanilang mga upuan, marahas na kumikilos. Upang hindi makalikha ng impresyon ng pagmamadali, pinagsama ng pintor ang mga tauhan sa apat na grupo ng tig-tatlong pigura at inilagay ang mga ito sa kaliwa at kanan ng Tagapagligtas. Tinalikuran ni Leonardo ang tradisyunal na paglalagay ni Judas sa kabilang panig ng mesa, ngunit ang taksil ay agad na kinikilala sa mga kalahok sa pagkain sa pamamagitan ng pigurang umuurong pabalik, ang nanginginig na kilos ng kamay na nakahawak sa pitaka, at ang nagbabantang profile. Ang imahe ni Kristo ay hindi lamang ang spatial, coloristic, kundi pati na rin ang espirituwal na sentro ng komposisyon. Ang guro ay nag-iisa sa kanyang matalinong kalmado at pagbibitiw sa kapalaran.

Nang makuha ang Milan ng mga tropang Pranses noong 1499, umalis si Leonardo sa lungsod. Nagsimula na ang oras para sa kanyang paglalagalag. Sa loob ng ilang oras ay nagtrabaho siya sa Florence. Doon, ang gawa ni Leonardo ay tila naliwanagan ng isang maliwanag na kislap: nagpinta siya ng larawan ni Mona Lisa, asawa ng mayamang Florentine na si Francesco di Giocondo (circa 1503). Ang larawan, na kilala bilang "La Gioconda", ay naging isa sa mga pinakatanyag na gawa ng pagpipinta sa mundo.

Ang isang maliit na larawan ng isang kabataang babae, na nababalutan ng maaliwalas na ulap, nakaupo sa backdrop ng isang mala-bughaw-berdeng kakaibang mabatong tanawin, ay puno ng napakasigla at malambot na panginginig na, ayon kay Vasari, makikita ang tibok ng pulso sa paglalim. ng leeg ni Mona Lisa. Mukhang ang larawan ay madaling maunawaan. Samantala, sa malawak na panitikan sa Gioconda, ang pinakakabaligtaran na interpretasyon ng imaheng nilikha ni Leonardo ay nagbanggaan.

Sa kasaysayan ng sining ng daigdig, may mga akda na pinagkalooban ng kakaiba, mahiwaga at mahiwagang kapangyarihan. Mahirap ipaliwanag, imposibleng ilarawan. Kabilang sa mga ito, ang isa sa mga unang lugar ay inookupahan ng imahe ng batang Florentine na si Mona Lisa. Siya, tila, ay isang namumukod-tanging, malakas ang loob na tao, matalino at buong kalikasan. Namuhunan si Leonardo sa kanyang kamangha-manghang hitsura na nakadirekta sa manonood, sa sikat, na parang dumudulas misteryosong ngiti, sa isang ekspresyon ng mukha na minarkahan ng hindi matatag na pagkakaiba-iba, isang singil ng gayong intelektwal at espirituwal na kapangyarihan na nagpapataas ng kanyang imahe sa isang hindi matamo na taas.

Sa mga huling taon ng kanyang buhay, si Leonardo da Vinci ay nagtrabaho nang kaunti bilang isang artista. Nakatanggap ng imbitasyon mula sa Pranses na Haring Francis I, umalis siya patungong France noong 1517 at naging pintor ng korte. Hindi nagtagal ay namatay si Leonardo. Sa isang self-portrait drawing (1510-1515), ang gray-bearded patriarch na may malalim na malungkot na hitsura ay mukhang mas matanda kaysa sa kanyang edad.

Imposibleng isipin na si Leonardo da Vinci ay maaaring mabuhay at lumikha sa ibang panahon. Gayunpaman, ang kanyang pagkatao ay lumampas sa oras nito, tumaas sa itaas nito. Ang gawa ni Leonardo bago si Vinci ay hindi mauubos. Ang sukat at pagiging natatangi ng kanyang talento ay maaaring hatulan ng mga guhit ng master, na sumasakop sa isa sa mga lugar ng karangalan sa kasaysayan ng sining ng mundo. Sa mga guhit ni Leonardo da Vinci, mga sketch, sketch, diagram, hindi lamang ang mga manuskrito na nakatuon sa mga eksaktong agham, kundi pati na rin ang mga gawa sa teorya ng sining ay hindi mapaghihiwalay. Sa sikat na "Treatise on Painting" (1498) at ang kanyang iba pang mga tala, maraming pansin ang binabayaran sa pag-aaral ng katawan ng tao, impormasyon sa anatomya, proporsyon, ang relasyon sa pagitan ng mga paggalaw, ekspresyon ng mukha at emosyonal na estado ng isang tao. Maraming espasyo ang ibinibigay sa mga problema ng chiaroscuro, volumetric modeling, linear at aerial na pananaw.

Ang sining ni Leonardo da Vinci, ang kanyang siyentipiko at teoretikal na pananaliksik, ang pagiging natatangi ng kanyang pagkatao ay dumaan sa buong kasaysayan ng kultura ng mundo at nagkaroon ng malaking epekto dito.

1.2 Rafael

Ang ideya ng napakagandang kagandahan at pagkakaisa ay nauugnay sa gawain ni Raphael (1483-1520) sa kasaysayan ng sining ng mundo. Karaniwang tinatanggap na sa konstelasyon ng mga makikinang na master ng High Renaissance, kung saan ipinakilala ni Leonardo ang talino, at Michelangelo - kapangyarihan, si Raphael ang pangunahing tagadala ng pagkakaisa. Siyempre, sa isang antas o iba pa, ang bawat isa sa kanila ay nagtataglay ng lahat ng mga katangiang ito. Walang alinlangan, gayunpaman, na ang walang humpay na pagsusumikap para sa isang maliwanag, perpektong simula ay tumatagos sa lahat ng gawain ni Raphael at bumubuo sa panloob na kahulugan nito.

Si Rafael sa una ay nag-aral sa Urbino kasama ang kanyang ama, pagkatapos ay sa lokal na pintor na si Timoteo Vite. Noong 1500 lumipat siya sa Perugia, ang kabisera ng Umbria, upang ipagpatuloy ang kanyang pag-aaral sa isang workshop sikat na pintor, pinuno ng Umbrian school ng Pietro Perugino. Mabilis na nalampasan ng young master ang kanyang guro na si Raphael ay tinawag na Master of the Madonnas. maagang panahon Raphael - "The Betrothal of Mary" (1504) Ang eksena ng pagpapakasal nina Maria at Joseph, na nagaganap laban sa backdrop ng kahanga-hangang arkitektura, ay isang imahe ng mataas na kagandahan. Ang maliit na larawang ito ay ganap na nabibilang sa sining ng High Renaissance . mga karakter, ang mga grupo ng mga batang babae at lalaki ay nagtagumpay sa kanilang likas na biyaya Mapagpahayag, malambing, marka at plastik ang kanilang mga galaw, postura at kilos, halimbawa, ang papalapit na mga kamay nina Maria at Jose, na naglalagay ng singsing sa kanyang daliri Walang labis, pangalawa sa ang larawan Ang mga ginintuang, pula at madilim na berdeng tono , na kaayon ng malambot na asul ng kalangitan, ay lumikha ng isang maligaya na kalagayan.

Noong 1504 lumipat si Raphael sa Florence. Dito ang kanyang trabaho ay nakakuha ng kapanahunan at kalmado na kadakilaan. Sa cycle ng Madonnas, iniiba niya ang imahe ng isang batang ina na may Christ Child at maliit na John the Baptist laban sa backdrop ng isang landscape. Lalo na maganda ang Madonna in the Green (1505). Ang pagpipinta ay gumagamit ng pyramidal na komposisyon ni Leonardo, at ang banayad na pagkakaisa ng mga kulay ay likas sa pangkulay.

Napakahalaga ng mga tagumpay ni Raphael na noong 1508 ay inanyayahan siya sa korte ng papa sa Roma. Nakatanggap ang pintor ng utos na ipinta ang mga seremonyal na apartment ng Papa, ang tinatawag na stanz (mga silid) sa Vatican Palace.

Sa mga silid na ito, pinalamutian ni Raphael at ng kanyang mga estudyante ang mga kisame na may ginintuang katok at mga pintura, ang sahig ay inilatag na may pattern na marmol, at ang bawat dingding ay natatakpan ng mga multi-figured na fresco hanggang sa panel ng dekorasyon. Ang mga mural ng Vatican stanzas (1509-1517) ay nagdala ng katanyagan kay Raphael, hinirang siya sa mga nangungunang masters hindi lamang ng Roma, kundi pati na rin ng Italya.

Gaya ng dati, lumingon ulit si Rafael paboritong larawan Madonna kasama ang Bata. Ang master ay naghahanda upang lumikha ng kanyang mahusay na obra maestra - ang "Sistine Madonna" (1515-1519) para sa simbahan ng St. Sixtus sa Piacenza. Sa kasaysayan ng sining, ang "Sistine Madonna" ay isang imahe ng perpektong kagandahan. Ang malaking larawan ng altar na ito ay naglalarawan hindi lamang sa Banal na Ina kasama ang Banal na Sanggol, ngunit ang himala ng pagpapakita ng Langit na Reyna, na dinadala ang kanyang Anak sa mga tao bilang isang redemptive na sakripisyo. Naka-frame sa pamamagitan ng berdeng mga kurtina sa magagaan na ulap ay nakatayo si Maria kasama ang Bata sa kanyang mga bisig. Ang titig ng Kanyang maitim, kumikinang na mga mata ay nakadirekta sa nakaraan at, kumbaga, sa pamamagitan ng tumitingin. Ang titig na ito ay nakikita kung ano ang nakatago sa iba. Sa larawan ni Kristo, isang malaking magandang bata, may nahulaan na hindi parang bata na panahunan at pangitain. Dito nakamit ng artist ang isang bihirang dynamic na balanse: maliwanag na malinaw na pagiging simple, mga tampok ng abstract ideality, ang kabanalan ng isang himala at ang tunay na bigat ng mga form ay magkakaugnay, umakma at nagpapayaman sa bawat isa. Sa kaliwa ng Madonna, pinag-isipan ni Pope Sixtus IV ang isang himala sa madasalin na lambing. Si Saint Barbara, na magalang na ibinaba ang kanyang tingin, na, tulad ni Maria, ay kabilang sa langit, madaling pumailanglang sa mga ulap. Dalawang anghel, nakasandal sa parapet, tumingala at ibinalik ang atensyon ng manonood sentral na imahe. Sa unang pagkakataon sa trabaho ni Raphael, ang relihiyosong imahe ay nagtatatag ng buong pakikipag-ugnayan sa manonood. Ito ang tumutukoy sa mataas at kapana-panabik na sangkatauhan ng larawan.

Sa mga huling taon ng kanyang buhay, nilikha ni Raphael ang mga mural ng Roman villa na Farnesina. Sa pangunahing bulwagan nito ay mayroong isang fresco na "The Triumph of Galatea" (1519). nymph ng dagat Ang Galatea ay lumulutang sa dagat sa isang shell, na naaakit ng mga dolphin. Ang mga kamangha-manghang nilalang na nakapalibot sa kanya at lumilipad na maliliit na cupid ay bumubuo ng isang komposisyon na puno ng masayang kagalakan. Pinagsasama nito ang mga ginintuang tono ng mga hubad na katawan, ang bughaw ng dagat at kalangitan.

Sa pamumuno ni Raphael noong 1519, natapos ang pagpipinta ng tinatawag na Loggias - isang malaking arched gallery na itinayo ni Bramante sa ikalawang palapag ng Vatican Palace. Maraming mga pandekorasyon na fresco ang ginawa ng mga estudyante ni Raphael batay sa kanyang mga guhit. Nang maglaon, ang mga kuwadro ay nasira sa pamamagitan ng magaspang na pagpapanumbalik. Ang malikhaing imahinasyon ni Raphael at ang kanyang talento bilang isang dekorador ay maaaring hatulan nang bahagya mula sa kopya ng mga pintura ng loggia na pinalamutian ang mga dingding ng gallery ng Hermitage Palace (itinayo sa St. Petersburg noong 80s ng ika-18 siglo ng arkitekto na si Giacomo Quarenghi) .

Si Rafael ay isang mahusay na master sa pagguhit. Dito ay malinaw na ipinakita ang kanyang hindi nagkakamali, magaan, malayang kahulugan ng linya. Gumawa rin siya ng makabuluhang kontribusyon sa arkitektura. Ang mismong pangalan ni Raphael - Divine Sanzio - kalaunan ay naging personipikasyon ng isang perpektong artista na pinagkalooban ng isang banal na regalo.

Sa malaking karangalan, inilibing siya sa Roman Pantheon, kung saan nananatili ang kanyang abo hanggang ngayon.

1.3 Michelangelo

Michelangelo Buonarroti (1475 - 15b4) - ang pinakadakilang master ng High Renaissance, na lumikha ng mga natatanging gawa ng iskultura, pagpipinta at arkitektura.

Ang pagkabata ni Michelangelo ay lumipas sa maliit na bayan ng Tuscan ng Cap Prese malapit sa Florence. Ginugol niya ang kanyang kabataan at mga taon ng pag-aaral sa Florence. AT paaralan ng sining sa korte ni Duke Lorenzo Medici, natuklasan niya ang kagandahan ng sinaunang sining, nakipag-usap siya sa mga dakilang kinatawan ng kulturang makatao. Halos lahat ng mga sculpture ni Michelangelo ay pag-aari ng Florence. Siya ay inilibing sa simbahan ng Florentine ng Santa Croce. Gayunpaman, ang Roma ay maaaring pantay na matatawag na lungsod ng Michelangelo.

Noong 1496, dumating siya sa Roma, kung saan ang katanyagan ay dumating sa kanya. Karamihan sikat na gawain ang unang panahon ng Romano - "Pieta" ("Panahoy ni Kristo") (1498-1501) sa kapilya ng St. Peter's Cathedral. Sa kanyang mga tuhod, napakabata para sa isang may sapat na gulang na anak ni Maria, ang walang buhay na katawan ni Kristo ay nakaunat. Ang kalungkutan ng ina ay magaan at kahanga-hanga, tanging sa kilos ng kaliwang kamay, na parang ang pagdurusa sa isip ay lumalabas. Puting marmol na pinakintab sa ningning. Sa paglalaro ng liwanag at anino, tila mahalaga ang ibabaw nito.

Pagbalik sa Florence noong 1501, nagsagawa si Michelangelo na isagawa ang napakalaking marmol na estatwa ni David (1501-1504). Ang estatwa ay umabot ng lima at kalahating metro ang taas. Siya ay nagpapakilala sa walang limitasyong kapangyarihan ng tao. Naghahanda na lang si David na hampasin ang kalaban gamit ang isang batong pinaputok mula sa lambanog, ngunit nararamdaman na na ito ay isang mananalo sa hinaharap, puno ng kamalayan ng kanyang pisikal at espirituwal na lakas. Ang mukha ng bayani ay nagpapahayag ng hindi matitinag na kalooban.

Ginawa sa pamamagitan ng utos ng Florentine Republic, ang estatwa ay inilagay sa pasukan ng Palazzo Vecchio. Ang pagbubukas ng monumento noong 1504 ay naging isang pambansang pagdiriwang. Pinalamutian ni "David" ang parisukat nang higit sa tatlo at kalahating siglo. Noong 1873, ang monumento ay na-install sa Gallery ng Academy of Fine Arts sa Florence. Sa lumang lugar kung saan mismong si Michelangelo ang naglagay ng rebulto, mayroon na ngayon kopya ng marmol.

Itinuring ni Michelangelo ang kanyang sarili na isang iskultor lamang, na, gayunpaman, ay hindi pumigil sa kanya, isang tunay na anak ng Renaissance, mula sa pagiging isang mahusay na pintor at arkitekto. Ang pinaka engrande na gawain monumental na pagpipinta Mataas na Renaissance - pagpipinta sa kisame Sistine Chapel sa Vatican, na ginawa ni Michelangelo noong 1508-1512.

Ang puntod ni Pope Julius II ay maaaring maging tuktok sa larangan ng eskultura kung mabubuhay ni Michelangelo ang kanyang orihinal na intensyon. Ang proyekto ni Michelangelo ay matapang at engrande: apatnapung estatwa ng marmol ang dapat na palamutihan ang mausoleum. Ang master ay nagsagawa ng paglilok sa kanila mismo. Ngunit ang libingan sa anyo kung saan ito ay ipinaglihi ni Michelangelo ay hindi kailanman nilikha. Matapos ang pagkamatay ni Julius II, ang kanyang mga tagapagmana ay paulit-ulit na pumasok sa mga kontrata kay Michelangelo upang ipagpatuloy ang trabaho. Sa mga estatwa na inilaan para sa libingan, ang "Nakadena na Alipin" ay bumaba sa amin - isang malakas, matipunong binata na walang kabuluhang naghahangad na palayain ang kanyang sarili mula sa mga tanikala, at ang "Namamatay na Alipin" - isang magandang binata na umaasa sa kamatayan bilang pagpapalaya mula sa pagdurusa (mga 1513).

Para sa ikalawang palapag ng libingan ni Julius II, isang estatwa ng propetang Hebreo na si Moses (1515-1516) ang inilaan. Ang kanyang balbas ay nahuhulog sa masikip na namimilipit na mga hibla, ang mga kalamnan ng kanyang makapangyarihang katawan ay nagyelo sa pag-igting, ang titig ng mga dilat na mata ay nagbabanta. Si Moses sa interpretasyon ni Michelangelo ay isang pinuno ng mga tao, isang tao ng mga hilig ng bulkan, isang mapang-akit na pantas.

Karamihan sa gawain ni Michelangelo ay nanatiling hindi natupad o hindi natapos. Nagtataglay ng isang hindi pangkaraniwang independiyente, matalas at direktang karakter, gayunpaman ay napilitan siyang maglingkod sa mga customer na makapangyarihan sa lahat. Ang mga panginoon ay nagbago sa trono ng papa, at ang bawat isa ay sumunod sa kanyang sariling panlasa, dinastiko at personal na mga interes. Noong 1520, nakatanggap si Michelangelo ng utos mula kay Pope Clement VII ng pamilya Medici. Sa simbahan ng Florentine ng San Lorenzo, kung saan inilibing ang mga miyembro ng pamilyang Medici, kinailangan ng master na magtayo at magpalamuti ng iskultura ng isang bagong kapilya - ang libingan ng kanilang pamilya. Gayunpaman, ang mga kalunus-lunos na pangyayari sa Italya ay naantala ang gawain sa kapilya. Noong 1527, sinakop at natalo ng mga tropang Espanyol ni Charles V ang Roma. Isang tanyag na pag-aalsa ang sumiklab sa Florence, at ang Medici ay napabagsak. Bilang karagdagan, nagsimula ang isang epidemya ng salot sa lungsod. Si Pope Clement VII, sa alyansa kay Charles V, ay nag-organisa ng isang kampanya laban sa Florence, na buong kabayanihang lumaban. Sa panahon ng pagkubkob, pinangasiwaan ni Michelangelo ang pagtatayo ng mga kuta. Matapos ang pagbagsak ng republika, tanging ang walang kabuluhan ni Clement VII, na nangarap na mapanatili ang kanyang pamilya sa mga kamay ng pinakadakilang panginoon, ang nagligtas sa kanya mula sa paghihiganti. Sa ilalim ng mga kondisyon ng malupit na takot ng Medici na bumalik sa kapangyarihan, ang malalim na kahihiyan ng Italya, ang pagkamatay ng mga kaibigan at kasama noong 1531, ipinagpatuloy ni Michelangelo ang naantala na gawain sa paglikha ng kapilya, na isa sa kanyang pinaka-kahanga-hangang mga gawa. .

Hindi naramdaman ni Michelangelo na ligtas siya sa Florence. Noong 1534, iniwan niya ang kanyang sariling lungsod at lumipat sa Roma, kung saan, sa utos ni Pope Paul III, sumulat siya sa dulong pader ng Sistine Chapel. sikat na fresco"Ang Huling Paghuhukom" (1536-1541) Laban sa background ng malamig na asul-abo-abo na kalangitan, maraming pigura ang nilamon ng ipoipo. Ang oras ng paghihiganti ay nalalapit na, ang mga anghel ay nagpahayag ng pagdating ng Huling Paghuhukom. Ang paggalaw ng napakalaking pulutong ay nagbubukas sa isang bilog, sa kanan, ang mga makasalanan ay itinapon sa impiyerno sa isang hindi maiiwasang batis. Kinaladkad sila ng mga demonyo, hinahabol sila ng mga anghel na walang pakpak, ang mga matuwid ay umaakyat sa langit mula sa kaliwa. Sa gitna ay tumataas ang makapangyarihang hubad na pigura ni Kristo, na nangangasiwa sa Paghuhukom. Kakila-kilabot, matigas ang ulo, maganda sa galit na kalupitan, mas mukhang isang paganong diyos ng kulog. Ang nakalugmok na Ina ng Diyos ay puno ng matinding kalungkutan sa harap ng hindi masusukat na pagdurusa ng tao. Ang Saint Bartholomew ay isang simbolo ng nakakatakot na kawalan ng pag-asa. Sa mga kamay ng santo ay ang balat na napunit mula sa kanya, kung saan inilarawan ni Michelangelo ang kanyang mukha sa anyo ng isang maskara na binaluktot ng pagdurusa.

Ang fresco ay kinumpleto ni Michelangelo noong 1541. Para sa Italya, ito ang panahon ng pagtaas ng presyon mula sa Simbahang Katoliko sa kulturang makatao. Ang mataas, maliwanag na mga mithiin, na sinamba ng master sa buong buhay niya, ay isang bagay ng nakaraan. Ang paglikha ng animnapu't anim na taong gulang na si Michelangelo ay nagdulot ng matinding kawalang-kasiyahan sa mga pinuno ng simbahan. Itinuring ni Pope Paul IV Caraffa na malaswa ang gawaing ito, dahil naglalaman ito ng maraming hubad na pigura. Hiniling kay Michelangelo na i-drape ang ilan sa mga figure, kung saan sumagot ang artist: "Sabihin kay tatay na ito ay isang maliit na bagay at madali itong ayusin. Hayaan siyang ayusin ang mundo, at masasabi mo ang pagiging disente sa mga pagpipinta nang napakabilis ”Si Daniele de Valterra, isang tapat na mag-aaral ni Michelangelo, ay gumawa ng mga kinakailangang pagbabago sa fresco, na sinusubukan, gayunpaman, na protektahan ito mula sa matinding pagbaluktot. Sa mga huling dekada ng kanyang buhay, ang master ay nakikibahagi lamang sa arkitektura at tula. Ang gawain ng dakilang Michelangelo ay bumubuo ng isang buong panahon at nauna sa panahon nito, ito ay may malaking papel sa sining ng mundo, at naimpluwensyahan din ang pagbuo ng mga prinsipyo ng baroque.

muling pagbabangon italy

2. Huling Renaissance

Sa ikalawang kalahati ng siglo XVI. sa Italya, ang paghina ng ekonomiya at kalakalan ay lumalaki, ang Katolisismo ay pumasok sa isang pakikibaka sa kulturang makatao ang sining ay nasa malalim na krisis. Pinalakas nito ang anti-Renaissance na anti-classical tendencies, na nakapaloob sa mannerism (tingnan ang artikulong "The Art of Mannerism")

Ang mannerism ay halos hindi nakakaapekto sa Venice, na sa ikalawang kalahati ng ika-16 na siglo ay naging pangunahing sentro ng huli na sining ng Renaissance. Bagama't ang komersyal at pampulitikang kahalagahan ng Republika ng Venetian ay patuloy na bumababa, gayundin ang kapangyarihan nito, ang Lungsod ng Lagoon ay malaya pa rin mula sa kapangyarihan ng Papa at mula sa dayuhang dominasyon, at ang yaman na naipon nito ay napakalaki. Sa panahong ito, ang paraan ng pamumuhay sa Venice at ang likas na katangian ng kultura nito ay nakikilala sa pamamagitan ng gayong saklaw at ningning na walang tila nagpapahiwatig ng paghina ng humihinang estado ng Venetian. Alinsunod sa mataas na makatao na tradisyon ng Renaissance sa bagong makasaysayang mga kondisyon sa Venice, nabuo ang gawain ng mga dakilang master na pinayaman ng mga bagong anyo. huling Renaissance- Palladio, Veronese, Tintoretto.

2.1 Andrea Pallaaio

Andrea Palladio (1508-1580) - ang pinakamalaking arkitekto ng Renaissance ng Northern Italy noong huling bahagi ng Renaissance. Ipinanganak siya sa Padua at lubos na naimpluwensyahan ng hilagang Italyano na mga humanista. Ang makata na si Giangiorgio Trissino ng Vicenza, ang guro ni Andrea di Pietro della Gondola, ay nagbigay sa kanya ng pangalang Palladio (mula sa diyosang Griyego Pallas Athens), dahil itinuturing niyang ang binatang ito ay may kakayahang buhayin ang kagandahan at karunungan ng mga sinaunang Griyego. Upang pag-aralan ang mga sinaunang monumento, paulit-ulit na binisita ni Palladio ang Roma, gayundin ang Verona, Split sa Croatia, Nimes sa France. Inilatag ni Palladio ang mga prinsipyo ng arkitektura na binuo sa arkitektura Klasisismo sa Europa XVII-XVIII na siglo at natanggap ang pangalan ng Palladianism. Binalangkas ni Palladio ang kanyang mga ideya sa teoretikal na akdang “Apat na Aklat sa Arkitektura” (1570) Ang mga komposisyon ni Palladio ay puno ng pagiging natural, kapayapaan, kumpleto, mahigpit na kaayusan, malinaw at kapaki-pakinabang ang layout ng mga gusaling may kaugnayan sa kapaligiran. Pinalamutian ng mga gusali ng Palladio ang Vicenza, Venice at ang nakapaligid na kanayunan.

Ang Vicenza ay itinuturing na lungsod ng Palladio. Ang kanyang unang pangunahing gusali dito ay ang Basilica (1549), ang batayan nito ay ang town hall noong ika-13 siglo. Pinalibutan ng arkitekto ang lumang gusali sa isang two-tier order arcade ng puting marmol. Ang arkitekto ay madalas na nagtatayo ng mga palasyo at country villa sa Vicenza. Nagtalaga siya ng isang mahalagang papel sa kanila sa harapan. Halimbawa, ang harapan ng Palazzo Chiericati (1560), na nakaunat sa kahabaan ng parisukat, pagkatapos ng Basilica ng pinaka-monumental na gusali sa Vicenza, ay literal na natatakpan ng hangin. Ang ibabang palapag nito ay inookupahan ng tuloy-tuloy na makapangyarihang colonnade - isang gallery; sa itaas na palapag, ang malalim na loggias ay matatagpuan sa mga sulok.

Iba-iba ang mga villa na itinayo ni Palladio sa paligid ng Vicenza. Ngunit sila ay nagkakaisa pangkalahatang mga prinsipyo na nakakatugon sa mga kinakailangan ng kaginhawahan, isang pakiramdam ng proporsyon, mahusay na proporsyon at kalayaan ng komposisyon, harmoniously konektado sa nakapaligid na kalikasan. Ang pinakasikat na villa na "Rotonda" (1551-1567) malapit sa Vicenza ay ang unang central-domed na gusali para sa sekular na layunin. Ang komposisyon at plastik na solusyon ng Rotunda, na napakatalino na natagpuan ni Palladio, ay nagsilbing prototype para sa maraming mga templo at mausoleum sa hinaharap. Ang puting villa ay nakatayo sa isang burol, sa isang lambak, sa isang magandang magandang lugar. Ito ay kumakatawan sa mga tuntunin ng huling gawain ni Palladio sa Vicenza, na nagsimula sa taon ng kanyang kamatayan, ang Teatro Olimpico (1580) - ang unang monumental. gusali ng teatro sa Italya Ang pagtatayo ay natapos ng arkitekto na si Scamozzi Palladio na ginamit dito ang uri ng Romanong teatro, bagaman binigyan niya ang auditorium na hindi isang bilog, ngunit isang elliptical na hugis. Parehong ang colonnaded na oval na ito at ang harapan ng entablado ay pinalamutian ng maraming estatwa. ang entablado doon ay may mga permanenteng tanawin na naglalarawan ng limang magkakaibang, built-up na mga palasyo at bahay na mga kalye May isang bagay na kapana-panabik, solemne at malungkot sa isang tahimik walang laman na espasyo teatro, na minsang namangha ang imahinasyon sa mga mahiwagang salamin nito.

Ang mga gusali at ideya sa arkitektura ng Palladio ay nagkaroon ng malakas na impluwensya sa kasunod na pag-unlad ng arkitektura ng Europa, lalo na sa England, France at Russia, isang parisukat na may isang bilog na bulwagan na nakasulat dito, na sakop ng isang simboryo.

Sa Venice, itinayo ni Palladio ang mga simbahan ng San Giorgio Maggiore (nagsimula noong 1565) at Il Redentore (1577-1592), na may hugis ng Latin cross sa plano. Ang simbahan ng San Giorgio Maggiore, na matatagpuan sa isla ng parehong pangalan, kasama ang isang anyong tubig sa gitnang grupo ng mga lagoon ng Venice, na kinukumpleto ng silweta nito ang pinakamahalagang aspeto ng lungsod

2.2 Paolo Veronese

Ang maligaya, nagpapatunay sa buhay na kalikasan ng Venetian Renaissance ay pinaka-malinaw na ipinakita sa gawain ni Paolo Veronese Paolo Cagliari (1528-1588), isang katutubong ng Verona, at samakatuwid ay binansagan na Veronese, na ginugol ang kanyang pagkabata at mga taon ng pag-aaral sa kanyang sariling lungsod. Noong 1558, ang master ay nakatanggap ng isang imbitasyon upang makilahok sa dekorasyon ng Doge's Palace sa Venice, kung saan siya ay mabilis na naging sikat Ang kagandahan ng Venice, ang marangyang buhay at artistikong mga kayamanan ay gumawa ng isang hindi maalis na impresyon sa batang pintor Ang muralist, nilikha niya ang kahanga-hanga. pandekorasyon ensembles ng pader at kisame paintings na may maraming mga character at nakakaaliw na mga detalye Isang makinang na master ng kulay, Veronese ipininta sa isang makinang na hanay ng mga puspos na tunog na mga kulay at ang pinakamahusay na mga kulay, na pinagsama ng isang karaniwang kulay-pilak na tono.

Isa sa ang pinakamahusay na mga gawa batang Veronese - mga kuwadro na gawa sa kisame ng simbahan ng San Sebastiano sa Venice (1556-1557), na nakatuon sa kasaysayan ng pangunahing tauhang babae sa Bibliya na si Esther Ginamit ng master ang epekto ng isang "breakthrough" ng kisame, bilang isang resulta kung saan ang asul na kalangitan "binuksan" sa harap ng madla. Ang mga pigura ay inilalarawan sa nakakahilo na mga anggulo. Sa komposisyon na " Triumph of Mordecai " pag-aalaga ng mga kabayo, mga mangangabayo at mga mandirigma, nagliliyab na mga damit at isang banner, isang fragment na nakataas sa taas istraktura ng arkitektura na may masikip na tao sa likod ng balustrade - lahat ay lumilikha ng impresyon ng isang tunay na matagumpay na pagdiriwang Ang kumbinasyon ng malamig na pilak at asul na mga tono, mainit na kislap ng purple, orange, contrasts ng itim at pink na walang katapusang nakalulugod sa mata Ang pagpipinta ni Veronese ay nagdala sa kanya ng isang matunog na tagumpay sa Venice

Sa mga taon malikhaing umuusbong Pinalamutian ng Veronese ang Villa Barbaro-Volpe sa Masere (1560-1561), na itinayo ni Andrea Palladio, na may mga kuwadro na gawa. Ang mga fresco na ito ay naging isa sa mga pinakadakilang tagumpay ng monumental at pandekorasyon na pagpipinta.

Ang gitnang lugar sa easel painting ni Paolo Veronese ay inookupahan ng kanyang sikat na monumental canvases sa mga kuwento ng ebanghelyo, na kung saan ang pintor, na nakakuha ng inspirasyon mula sa panlipunang buhay ng Venice, ay napuno ng mga impresyon mula sa masikip at makulay na kasiyahan ng Venetian. Ang mga gawang ito ay sama-samang kilala bilang mga Veronese Feasts. Kabilang dito, sa partikular, ang mga painting na The Marriage at Cana (15b3 d) at The Feast at the house of Levi" (1573) Sa malaking canvas na "Marriage at Cana", na naglalarawan ng humigit-kumulang isang daan at tatlumpung pigura, ang tagpo ng kapistahan ay nagbubukas sa paanan ng isang marangyang terrace ng palasyo na may puting arcade at balustrade laban sa background ng nagniningning na asul na kalangitan Sa isang masikip, makulay na pulutong na puno ng paggalaw, inilagay ng pintor ang mga European sovereigns, at sa pagkukunwari ng mga musikero sa harapan ay inilalarawan sina Titian, Tintoretto at ang kanyang sarili.

Kahit na mas engrande at mas pandekorasyon ay ang "Pista sa Bahay ni Levi", na nagaganap sa isang napakagandang monumental na three-bay loggia. Ang paganong kasayahan ng larawan ay nakakuha ng atensyon ng Banal na Inkwisisyon. Isang interogasyon ng artist ang nakaligtas, kung saan inakusahan siyang naglalarawan ng "mga jester, lasing na Aleman, iba pang kalokohan"

2.3 Tintoretto

Ang ganap na kabaligtaran ng Veronese ay ang kanyang kontemporaryong Tintoretto (1518 - 1594), na ang tunay na pangalan ay Jacopo Robusti Ipinanganak siya sa Venice at anak ng isang dyer, kaya palayaw ng master - Tintoretto, o ang Little Dyer

Ang kasaganaan ng panlabas na artistikong mga impluwensya ay natunaw sa natatanging malikhaing indibidwalidad ng huling ito sa mga dakilang master ng Italian Renaissance. Sa kanyang trabaho, siya ay isang napakalaking pigura, ang lumikha ng volcanic temperament, marahas na hilig at heroic intensity. Kasunod ng yumaong Michelangelo at Titian, si Tintoretto ay naghanda ng mga bagong landas sa sining. tagumpay kapwa sa mga kontemporaryo at mga susunod na henerasyon Si Tintoretto ay nakikilala sa pamamagitan ng isang tunay na hindi makatao na kakayahang magtrabaho, walang pagod na paghahanap. Siya ay mas matalas at mas malalim kaysa sa karamihan ng kanyang mga kontemporaryo, naramdaman niya ang trahedya ng kanyang panahon. Ang master ay nagrebelde laban sa itinatag na mga tradisyon sa visual arts - paggalang sa simetrya, mahigpit na balanse , static, pinalawak ang mga hangganan ng espasyo, puspos ito ng dinamika, dramatikong aksyon, nagsimulang ipahayag ang damdamin ng tao nang mas malinaw. Siya ang lumikha ng mga eksenang masa na puno ng pagkakaisa ng karanasan.

Noong 1539, binuksan ng pintor ang kanyang pagawaan sa Venice. Ang maagang gawain ni Tintoretto ay hindi gaanong kilala. Ang pagpipinta na "The Miracle of St. Mark" (1548) ay nagdala sa kanya ng katanyagan. Ang pagpapahayag ng mga anyo at ang rich color scheme ng malalaking spot ng pula at asul ay lumilikha ng impresyon ng isang himala na nangyayari sa harap ng mga mata ng isang dismayadong karamihan. Mabilis na lumilipad nang pabaligtad, si Saint Mark sa mga nagliliyab na damit na iskarlata ay huminto sa pagbitay sa mga hindi makatarungang hinatulan. Ang pagpapanumbalik ng mga huling dekada ay nagsiwalat sa lahat ng ningning nito ang mayaman at makulay na palette ng master.

Hindi pangkaraniwan ang pagpipinta na "Introduction to the Temple" sa simbahan ng Santa Maria del Orto (1555). Inilarawan ni Tintoretto ang isang kalahating bilog na walang simetriko na hagdanan na paakyat ng matarik. Naabot na ni Maria ang kanyang rurok, at ang mga pangalawang karakter sa harapan, kabilang ang isang babae na may babae, ay itinuon ang atensyon ng manonood sa kanya sa pamamagitan ng mga kilos at tingin. Ang artist ay nagpapahayag at matapang na binuo ang komposisyon nang pahilis - ang pinaka-dynamic na pamamaraan sa pagpipinta. Sa pagpipinta, ipinahayag ni Tintoretto ang ideya ng espirituwal na pagiging perpekto ng tao.

Sa Venice, dahil sa klimatiko na mga kondisyon, hindi mga fresco ang ginamit upang palamutihan ang mga gusali, ngunit malalaking mga kuwadro na ipininta sa pamamaraan ng pagpipinta ng langis. Si Tintoretto ay isang master ng mga monumental na pagpipinta, ang may-akda ng isang napakalaking grupo na binubuo ng ilang dosenang mga gawa. Ginawa ang mga ito para sa itaas at ibabang bulwagan ng Scuola di San Rocco (School of Saint Roch; 1565-1588).

Sinimulan ng master ang disenyo ng Scuola di San Rocco sa paglikha ng isang napakagandang monumental na komposisyon na "The Crucifixion". Ang imahe na may maraming mga character - mga manonood (lalaki at babae), mandirigma, berdugo ay sumasaklaw sa gitnang eksena ng pagpapako sa krus sa isang kalahating bilog. Sa paanan ng krus, ang mga kamag-anak at disipulo ng Tagapagligtas ay bumubuo ng isang grupo na bihira sa espirituwal na lakas. Sa ningning ng mga kulay sa takip-silim na kalangitan, si Kristo ay tila niyakap ng kanyang mga kamay ang hindi mapakali, nababagabag na mundo, ipinako sa mga crossbeam, pinagpapala at pinatawad ito. At sa mga huling taon ng kanyang buhay, si Tintoretto ay naakit ng mga eksena sa masa. Ang "Labanan ng Tsar" na nilikha niya para sa Palasyo ng Doge (circa 1585) ay sumasakop sa isang buong pader. Sa esensya, ito ang unang tunay na makasaysayang pagpipinta sa European painting. Upang maiparating ang tensyon ng labanan sa larawan, ginamit ng master ang hindi mapakali na ritmo ng mga linya, mga stroke ng kulay, at mga kislap ng liwanag. All in motion, ang larawan ay tila sumasalamin sa marahas na sagupaan ng mga elemento.

Ang gawain ni Tintoretto ay nakumpleto ang pagbuo ng artistikong kultura ng Renaissance sa Italya.

Konklusyon

Ang Renaissance ay tunay na pinakamagagandang panahon sa kasaysayan. Gaano karaming mga kahanga-hangang gawa ang nilikha noong panahong iyon, na hindi napapagod sa paghanga ngayon. Habang ginagawa ang gawaing ito, natuklasan ko ang kahanga-hangang mundo ng Renaissance.

Italya

Ang Renaissance ay ang kasagsagan ng kultura pagkatapos ng mahabang pagwawalang-kilos - una itong nagsimula sa Italya. Kung sa ibang mga bansa sa Europa ang mga manunulat, artista at siyentipiko ng ika-15 - ika-16 na siglo ay iniuugnay sa panahong ito, kung gayon sa Italya, sa lugar ng kapanganakan ng Renaissance, ang mga tampok nito ay lumilitaw sa mga gawa ng mga makata, sa mga gawa ng mga siyentipiko, sa mga kuwadro na gawa ng mga pintor mas maaga - noong ika-13 - ika-14 na siglo.

Sa lupain ng Italya, maraming mga monumento ng kultura ng sinaunang Roma ang napanatili. Mula sa sinaunang greece maraming magagandang gawa ng sining ang dinala dito noong unang panahon. Sa mga monumento ng sining at panitikan ng sinaunang Romano at Griyego, nakita ng mga humanist ang imahe ng isang maganda, malakas, maayos na binuo na tao. Salamat sa aktibidad ng mga humanista, ang mga gawa ng sining at mga ideya ng sinaunang sinaunang panahon ay natagpuan, napanatili, pinag-aralan, nabuhay muli. Dito nagmula ang salita. muling pagbabangon. Ngunit sa lalong madaling panahon ang salita ay nagkaroon ng mas malawak na kahulugan. Nagsimula itong nangangahulugang hindi lamang ang muling pagkabuhay ng luma, kundi pati na rin ang pagsilang ng mga bago. kultural na ari-arian. Ang Renaissance ay ang panahon ng isang bago, walang uliran na pag-usbong ng panitikan at sining.

Mayroong tatlong pangunahing yugto sa pag-unlad ng sining ng Italian Renaissance.

Ang unang yugto - ang Maagang Renaissance, o ang Maagang Renaissance - ay ang panahon ng mastering ng isang bagong estilo. Ang sentro ng artistikong buhay ng Italya ng siglong ito ay Florence.

Dante Alighieri (1265 - 1321) tinawag huling makata Middle Ages at ang unang makata ng Renaissance. Si Dante ay ipinanganak at nanirahan sa Florence. Nang magkaroon ng pagkakahati sa naghaharing partido, pumanig siya sa mga ayaw payagan si Florence na mahulog sa ilalim ng awtoridad ng papa. Pinahalagahan ng mga taong bayan ang katapangan ng makata at inihalal si Dante sa pamahalaang lungsod. Tatlumpu't anim na taong gulang siya noon. Ngunit ang mga tagasuporta ng papa ay nanaig at nagsimulang sumira sa kanilang mga kalaban. Kailangang matutunan ni Dante kung gaano kahirap ang kapalaran ng isang pagpapatapon, kung gaano mapait ang tinapay sa ibang bansa. Sa loob ng halos dalawampung taon ay gumagala ang makata iba't ibang lungsod Italy, umaasa at nawalan ng pag-asa. Namatay siya noong 1321 sa Ravenna, hindi kailanman nakatawid sa mga hangganan ng lungsod ng kanyang katutubong Florence. Nang magsimulang magsulat ng tula ang batang si Dante, hindi pabor sa mga makata ang katutubong wikang Italyano. Mas gusto nila ang Latin, na hindi sinasalita ng mga tao. Ngunit buong tapang na ipinahayag ni Dante ang karapatan at tungkulin ng makata na magsulat sariling wika. Sa lahat ng mga huling taon ng kanyang mahirap at magulong buhay, sumulat si Dante ng isang tula, na tinawag niyang "Komedya" (sa kanyang panahon, ang gayong pangalan ay ibinigay sa mga gawa na may masayang pagtatapos). At binigyan siya ng mga inapo ng pangalang "Divine Comedy"upang ipahayag ang kanilang paghanga sa paglikha ni Dante. Ang "Divine Comedy" ay hinangaan ng mga kontemporaryo at mga inapo. Si A.S. Pushkin, na paulit-ulit na binanggit ang pangalan ni Dante sa kanyang mga gawa, ay iniugnay ang "Banal na Komedya" sa makikinang na mga likha ng panitikan sa mundo.

Sa tabi ni Dante, ang pangalan ng isa pang mahusay na makatang Italyano ay palaging tinatawag - Francesco Petrarch (1304 - 1374). Inasahan ni Dante ang ilang ideya ng Renaissance, ngunit si Petrarch ang unang humanist sa Italya. Siya ang una sa isa sa kanyang mga isinulat na sumalungat sa pag-aaral ng tao sa medieval science ng Diyos. Nabuhay si Petrarch sa isang mahirap, magkasalungat na panahon, at ang kanyang buhay ay kasalungat din at masalimuot. Malapit siya sa makapangyarihang hukuman ng papa at naglingkod sa kardinal, ngunit sumulat tungkol sa mga bisyo ng papa at ng kanyang mga kasama. Sa lahat ng pagliko ng kanyang mahirap na landas sa buhay, pinanatili ni Petrarch ang isang masigasig na pagmamahal para sa kanyang tinubuang-bayan. Ang mga makabayang tula ni Petrarch, tulad ng kanyang canzona na "My Italy", ay naging mga paboritong gawa ng mga makabayang Italyano. Kilala si Petrarch, pangunahing naaalala bilang isa sa mga pinaka-kahanga-hangang makata ng liriko sa lahat ng panahon at mga tao. Ang kaluwalhatiang ito ay dinala sa kanya ng mga tula tungkol sa pag-ibig sa magandang Laura.

Ang Italya ay ang lugar ng kapanganakan ng hindi lamang mga makikinang na makata, kundi pati na rin ang mga manunulat ng prosa. Ang pinaka-kapansin-pansin sa kanila ay Giovanni Boccaccio (1313 - 1375). Sumulat siya ng mga kwento kung saan malisyosong kinukutya niya ang mga kathang-isip ng pari tungkol sa mga santo at mga himala, inilantad ang pagkukunwari ng mga monghe, at tinanggihan ang medieval na pangangaral ng pagtalikod sa buhay. Ang mga bayani ng kanyang mga kuwento ay malakas, malusog, masayahin, matatalinong tao, tapat sa pagkakaibigan, kayang panindigan ang kanilang sarili at ang kanilang pagmamahalan. Ang mga akdang ito ay totoong naglalarawan sa buhay at kaugalian ng Italya noong mga taong iyon.

Sa unang kalahati ng ika-15 siglo tatlong artista ang nanirahan at nagtrabaho sa Florence, na tumanggap ng palayaw "Mga Ama ng Renaissance": arkitekto Brunelleschi, iskultor Donatello at pintor na si Masaccio. Ang wika ng arkitektura, eskultura at pagpipinta, niluwalhati nila ang pisikal na kagandahan ng tao. Taliwas sa mga turo ng simbahan, iginiit nila ang karapatan ng mga tao sa kalayaan at kaligayahan, sinabi nila na ang isang tao, sa pamamagitan ng kapangyarihan ng katwiran, ay maaari at dapat matuto ng mga batas ng mundo.

Ang pinakakilalang arkitekto ng Early Renaissance ay Filippo Brunelleschi (1377 - 1446). Siya ang unang lumikha ng mga anyo ng arkitektura na ginamit at pinahusay ng mga arkitekto ng Italyano sa susunod na dalawang siglo, at nang maglaon ay nagsimulang gamitin ng mga arkitekto sa maraming bansa sa Europa. Si Brunelleschi din ang unang mananaliksik ng mga batas ng pananaw. Sa loob ng 14 na taon, maingat niyang pinag-aralan ang mga napanatili na monumento ng sinaunang panahon sa Roma: sinusukat niya, nag-sketch, pinag-aaralan ang mga diskarte sa komposisyon at pagtatayo ng mga sinaunang masters. Sa mga sinaunang monumento, nakahanap siya ng mga prototype ng mga anyo ng bagong istilo. Ang pangkalahatang tinatanggap na obra maestra ng gawa ni Brunelleschi, na nagpapakilala sa lahat ng inobasyon ng arkitekto, ay isang maliit na simbahan sa Florence, ang Pazzi Chapel (c. 1430).

Sculptor Donatello (1386 - 1466) nakamit ang mga kahanga-hangang taas ng pagiging totoo sa kanyang mga gawa. Kasama ang mga pigura ng mga sinaunang bayani at mga santo, sinimulan ni Donatello na muling likhain ang imahe ng kanyang mga kontemporaryo. Sa parehong sigasig, nagtrabaho siya sa equestrian statue ng kumander na si Gattamelata (1446 - 1453) at ang pigura ng isang Florentine, na may palayaw na Zuccone. Ang mga bayani ng Donatello ay suwail at mapagmataas, nakadarama sila ng kahandaang lumaban at pagkauhaw sa hustisya.

pintor Masaccio (1401 - 1428) inihambing ito ng mga kontemporaryo sa isang kometa - ito ay kumikinang nang napakaliwanag at mabilis na nasunog. Si Masaccio ay nabuhay lamang ng 27 taon, ngunit sa kanyang maikling buhay ay nagawa niyang magdala ng maraming bagong bagay sa pagpipinta. Siya ang unang nag-apply sa kanyang mga gawa ng siyentipikong pananaw, na binuo ng arkitekto na si Brunelleschi.

Sina Masaccio, Donatello at Brunelleschi ang natuklasan noong ika-15 siglo. Sinundan sila ng isang napakatalino na serye ng mga kahanga-hangang artista na nagtrabaho sa loob ng isang siglo sa iba't ibang lugar ng mga lungsod ng Italya. Ang kaluwalhatian ng sining ng Florentine noong ika-15 siglo. ay binubuo ng mga pintor na sina Paolo Uccello, Andreo del Castagno, Benozzo Gozzoli, Fra Filippo Lippi, Domenico Ghirlandaio. Sa pagliko ng ika-15 - ika-16 na siglo, isang bilog ng mga artista at makata ang nagtipon sa paligid ng palasyo ng hindi nakoronahan na pinuno ng Florence, si Lorenzo Medici, o - kung tawagin siya - ang Magnificent. Mayroong mga pintor na sina Sandro Botticelli, Antonio Pollaiolo, Filippino Lippi, iskultor na si Andrea Verrocchio. Si Piero dela Francesca ay naging tanyag sa Umbria - palaging maharlika at monumental sa kanyang sining. Sa Padua - malubha at mahigpit si Andrea Mantegna.

Ang mga paghahanap sa mga namumukod-tanging Italyano na artista ng Early Renaissance ay natapos sa napakatalino na gawain ng mga masters ng unang kalahati ng ika-16 na siglo. Ang oras kung kailan nagtrabaho ang mga masters na ito - ang pangalawang yugto ng Italian Renaissance, ay tinatawag na High Renaissance o High Renaissance.

Isa sa pinakadakilang Italyano na pintor ng High Renaissance Leonardo da Vinci (1452 - 1519) Isa rin siyang natatanging scientist, thinker at engineer. Sa buong buhay niya ay napagmasdan at pinag-aralan niya ang kalikasan - ang mga makalangit na katawan at ang mga batas ng kanilang paggalaw, ang mga bundok at ang mga lihim ng kanilang pinagmulan, tubig at hangin, ang liwanag ng araw at ang buhay ng mga halaman. Itinuring ni Leonardo ang tao bilang bahagi ng kalikasan. Ipinakita niya ang kanyang matanong, aktibo, hindi mapakali na pagmamahal sa kalikasan sa lahat ng bagay. Siya ang tumulong sa kanya na matuklasan ang mga batas ng kalikasan, inilagay ang kanyang mga puwersa sa paglilingkod sa tao, siya ang gumawa kay Leonardo na pinakadakilang artista, na may parehong atensyon na nakakuha ng isang namumulaklak na bulaklak, isang nagpapahayag na kilos ng isang tao at isang hamog na ulap. sumasakop sa malalayong bundok. Ang sining, agham, imbensyon ay malapit na magkakaugnay sa mga aktibidad ni Leonardo da Vinci. Si Leonardo ay ipinanganak noong 1452 sa paligid ng maliit na bayan ng Vinci (kaya naman tinawag siyang Leonardo da Vinci). Sa edad na labing-apat ay lumipat siya sa Florence. Ipinadala ng kanyang ama si Leonardo upang mag-aral sa art workshop ni Andrea Verrocchio - isang pintor, arkitekto at natatanging iskultor, isang maraming nalalaman na tao, tulad ng maraming edukadong tao ng Renaissance. Maraming natutunan si Leonardo sa pagawaan ni Verrocchio, ngunit hindi nagtagal, ayon sa kanyang mga kapanahon, naiwan niya kapwa ang kanyang mga kapwa mag-aaral at ang kanyang guro sa malayo. Ang isa sa mga pinakaunang gawa ni Leonardo da Vinci na dumating sa ating panahon ay ang Madonna with a Flower, o Benois Madonna (1478). Pagkamit ng impresyon ng katotohanan, sinubukan ni Leonardo na gawing madilaw ang imahe, embossed. Ang pangunahing visual na paraan ng artist, na tumutulong sa kanya sa ito, ay chiaroscuro, iyon ay, ang paglipat ng kaluwagan ng mga bagay sa eroplano ng larawan gamit ang paglalaro ng liwanag. Si Leonardo, na nakakaalam at nag-aral ng mga isyu ng saklaw at pagmuni-muni ng isang sinag, sinasadya, bilang isang siyentipiko, ay napansin at naghatid ng maraming mga kakulay ng liwanag, ang pinakamadaling paglipat ng anino, kung minsan ay nakakagambala sa isang makapal na anino na may banayad na guhit ng liwanag. Ginamit ni Leonardo ang mga visual na paraan sa kabuuan ng kanyang trabaho. Noong 1481, umalis si Leonardo da Vinci sa Florence at lumipat sa Milan. Ang unang pagtatalaga sa Milan ay ang paglikha ng isang bronze equestrian monument. Ngunit ang engrandeng pangmatagalang gawain ni Leonardo ay nawala. Ang isa pang mahalagang gawaing ginawa sa Milan ay nagdusa din - ang fresco na "The Last Supper", na isinulat noong 1495 - 1497. sa dingding ng refectory sa monasteryo ng Santa Maria delle Grazie. Ginugol ni Leonardo ang huling dalawang dekada ng kanyang buhay sa pagala-gala, palipat-lipat ng lugar, hindi nakahanap ng tunay na gamit para sa kanyang mga talento. Ang pinakamahalaga sa mga gawa ng panahong ito ay ang larawan, na kilala sa buong mundo sa ilalim ng pangalang "La Gioconda" (simula ng ika-16 na siglo BC). ). Ginugol ni Leonardo da Vinci ang mga huling taon ng kanyang buhay sa France at namatay noong 1519 sa kastilyo ng Cloux malapit sa Amboise. Mga sampung painting lamang ni Leonardo ang nakaligtas hanggang sa ating panahon, walang alinlangan na ginawa niya, ngunit bilang karagdagan, mayroong maraming mga guhit, mga guhit at iba't ibang mga tala.

Ang pinakamaliwanag at pinakamasayang artista ng Renaissance ay Raphael Santi (1483 - 1520) mula sa lungsod ng Urbino. Sa lahat ng kanyang gawain, sinabi ni Rafael: ang isang tao ay dapat na maganda - siya ay dapat na may maganda at malakas na katawan, isang komprehensibong binuo na pag-iisip, isang mabait at nakikiramay na kaluluwa. Ang ganitong mga tao ay inilalarawan ni Raphael sa kanyang mga pintura. Siya mismo ay ganoong tao. Ipinanganak si Rafael noong 1483. Natanggap niya ang kanyang unang mga aralin sa pagguhit at pagpipinta mula sa kanyang ama, ang pintor at makata na si Giovanni Santi. Sa edad na labimpito, dumating si Rafael sa lungsod ng Perugia at naging estudyante ng artistang Perugino. Isa sa mga painting ni Raphael sa panahong ito ay " Knight's dream»

(huli ng ika-15 siglo). Noong 1504, dumating si Raphael sa Florence, ang lungsod kung saan nanirahan at nagtrabaho ang pinakadakilang mga artistang Italyano na sina Leonardo da Vinci at Michelangelo noong panahong iyon. May mga tao dito para matuto. At nag-aaral si Raphael. Nag-aaral at nagtatrabaho. Higit sa lahat, naakit siya sa oras na ito ng imahe ng Madonna na may isang bata. Ang panahon ng Florentine ng trabaho ni Raphael ay tinatawag na "Panahon ng mga Madonna". Pagkatapos ay nilikha niya ang pagpipinta na "Madonna Grandouquet" (c. 1505 - 1506). Ang self-portrait na ipininta ni Raphael sa mga taong ito ay natural na pumapasok sa gallery ng magagandang larawan na nilikha niya. Noong 1508, ipinatawag ni Pope Julius II si Raphael sa Roma at, kasama ng iba pang mga artista, ipinagkatiwala sa kanya ang pagpipinta ng mga stanza - ang mga seremonyal na bulwagan ng Vatican Palace. Hindi nagtagal ay inutusan ni Julius 2 na kalkulahin ang lahat ng mga artista at iniwan si Raphael nang mag-isa. Mula 1509 hanggang 1517 tatlong bulwagan ang pininturahan, ang pinakamaganda sa mga ito ay ang Signature Hall. Sa paligid ng 1511, isang larawan ng Julius 2 ang nilikha. Isang kontemporaryo ng artist, ang art historian na si Vasari ay nagsabi: "Ipininta niya ang larawan ni Pope Julius nang napakalinaw at kapani-paniwala na nakakatakot tingnan siya, na para bang siya ay talagang nakaupo. sa harap natin na buhay...”. Alam kung paano tumpak na ihatid sa larawan ang natatanging hitsura, ang natatanging espirituwal na buhay ng isang tao, nagtrabaho si Raphael sa mga imahe ng Madonnas sa isang ganap na naiibang paraan. Ang kaakit-akit na imahe ng isang babae ay nilikha ni Raphael sa sikat na pagpipinta na "The Sistine Madonna" (1515 - 1519). Si Raphael ay hindi lamang isang mahusay na pintor, kundi isang mahusay na arkitekto. Nagtayo siya ng mga palasyo, villa, simbahan, maliliit na kapilya. Noong 1514, inilagay ng papa si Raphael na namamahala sa pagtatayo ng pinakadakilang domed church sa mundo - ang Cathedral of St. Peter. Naantala ng kamatayan ang gawaing ito ni Raphael. Abril 6, 1520, sa edad na 37, siya ay namatay. Siya ay inilibing sa isa sa pinakamagagandang gusali sa Roma - sa Pantheon, na naging libingan ng mga dakilang tao ng Italya.

Michelangelo Buonarroti (1475 - 1564) ipinanganak noong Marso 6, 1475, ginugol ang kanyang pagkabata sa Florence. Siya ay 13 taong gulang nang siya ay naging estudyante ng pintor na si Ghirlandaio. Sa edad na 25, nakagawa na siya ng maraming sculptural works, ang pinakamaganda sa mga ito ay Bacchus (c. 1497 - 1498) at Lamentation of Christ (1498 - 1501). Sa edad na 26, ang artista ay nagsasagawa ng isang hindi kapani-paniwalang mahirap na trabaho. Isang iskultor ang nagsimulang mag-ukit ng isang estatwa mula sa isang bloke ng marmol na higit sa 5m ang taas, ngunit sinira ang marmol at itinapon ito. Ang pinakamahuhusay na manggagawa, maging si Leonardo da Vinci, ay tumanggi na gumawa ng eskultura mula sa sira-sirang marmol na ito. Sumang-ayon si Michelangelo. Makalipas ang tatlong taon, handa na ang rebulto. Ito ay ang batang Hudyo na si David, na natalo ang kaaway ng kanyang tinubuang-bayan sa isang labanan - ang pinakamakapangyarihang higanteng Filisteo na si Goliath. Noong 1505 ang rebulto ay inilagay sa plaza ng Florence, sa bukas na hangin, upang makita ito ng lahat. Sa loob ng higit sa tatlong siglo, nakatayo dito ang minamahal na marmol na estatwa ng mga Florentine, na tinawag ng mga naninirahan na Higante. Noong 1873, ang estatwa ay inilipat sa Academy of Arts, sa isang bulwagan na espesyal na itinayo para dito. Sa lugar nito, sa kahilingan ng mga naninirahan, isang kopya ng marmol ang inilagay, at noong 1875, sa Michelangelo Square, nang ipagdiwang ang ika-400 anibersaryo ng kapanganakan ng iskultor, isang tansong kopya ni David ang itinayo. Noong 1508, inutusan ni Pope Julius II si Michelangelo na ipinta ang kisame ng Sistine Chapel sa Roma. Ang mga sukat ng hinaharap na pagpipinta ay lumampas sa 600 metro kuwadrado. m. Sa hindi kapani-paniwalang mahirap na mga kondisyon, nakahiga sa kanyang likod, sa mataas na plantsa, ang artist mismo, nang walang mga katulong, ay muling nilikha sa mga imahe sa kisame ng kapilya ng isang alamat sa Bibliya na nagsasabi tungkol sa mga kaganapan mula sa paglikha ng mundo hanggang sa baha. Ang pinakamagandang larawan ng pagpipinta na ito ay ang unang taong si Adan. Si Michelangelo ay gumugol ng apat na taon sa gawaing ito. Mula sa labis at patuloy na pag-igting, sumakit ang buong katawan ng artista. Ang kanyang mga mata ay halos hindi na makakita: upang magbasa ng isang libro o masuri ang isang bagay, kailangan niyang itaas ito sa itaas ng kanyang ulo. Unti-unti, lumipas ang sakit na ito. Noong 1520, nagsimulang itayo ni Michelangelo ang libingan ng Medici sa Florence, ang mga pinuno ng lungsod, at noong 1534 (naantala ang oras ng pagtatayo dahil sa pag-aalsa noong 1527, kung saan aktibong bahagi ang Republican Michelangelo) kapilya at ang mga puntod nina Giuliano at Lorenzo na matatagpuan dito Medici. Noong 1534 - 1541. sa parehong Sistine Chapel kung saan siya nagpinta ng kisame, ang artist ay lumikha ng isang fresco na "The Last Judgment". Noong 1545, sa wakas ay natapos niya ang libingan ni Pope Julius II, kung saan nakatanggap siya ng utos 40 taon na ang nakalilipas. Ang pinakamahusay na mga estatwa para sa libingan na ito ay nilikha noong 1513-1516. Ito ang pigura ni Moses, ayon sa biblikal na alamat - ang kakila-kilabot at matalinong pinuno ng mga Judio, at ang mga estatwa ng dalawang nakagapos na bihag na kabataan ("Mga Alipin"). Namatay si Michelangelo noong Pebrero 18, 1564. Palihim na kinuha ang kanyang bangkay mula sa Roma at inilibing sa bahay. At ngayon sa Florence sa Piazzale Michelangelo mayroong isang tansong kopya ni David bilang isang monumento sa artist, na iginiit at ipinagtanggol ang kalayaan at kagandahan ng tao sa kanyang sining.

Ang High Renaissance, pati na rin ang Early Renaissance, ay nag-iwan sa amin ng ilang mga gusali na nararapat na ituring na mga obra maestra ng arkitektura ng mundo.

Ang may-akda ng marami sa kanila ay isang kahanga-hangang arkitekto Donato d'Angelo Bramante (1444-1514). Ang pinaka-makikinang na mga gusali na nagdala kay Bramante ng kaluwalhatian ng pinakadakilang arkitekto ng kanyang panahon, nilikha niya sa Roma. Kabilang sa kanyang pinakamahusay na mga gawa ay ang mga magagarang gusali ng Vatican (nagsimula sa simula ng ika-16 na siglo). Sa isa sa mga monasteryo ng Roma, nagtayo si Bramante ng isang maliit na simbahan - Tempietto (1502 - 1503). Itinuring na ito ng mga kontemporaryo na isang obra maestra. Ang proyekto ng St. Peter's Cathedral (1506 - 1514), na noon ay nilikha ni Bramante, ay hindi niya ipinatupad. Ngunit ang ideya ng arkitekto na lumikha ng isang engrandeng domed na istraktura ay hindi walang kabuluhan. Ginamit ito sa kanilang proyekto ng Cathedral of St. Peter nina Raphael at Michelangelo.

Mga pintor ng Venetian noong ika-15 siglo (mamaya Renaissance) ay nakatanggap ng mga komisyon para sa mga pagpipinta pangunahin mula sa simbahan. Kadalasan ay inilalarawan nila ang Madonna na taimtim na nakaupo sa isang trono na napapalibutan ng mga anghel at mga santo.

Sa ikalawang kalahati ng ika-15 c. ang pinakadakilang pintor sa Venice ay Giovanni Bellini (1430-1516). Ang mga pigura ng mga tao sa kanyang mga pagpipinta ay nakasulat sa dami, ang kanilang mga pose ay natural at sa parehong oras ay walang paltos na marilag. Kapag naglalarawan sa kalangitan, nagawa niyang ihatid ang lalim ng kalawakan, ang airiness ng distansya. Ngunit ang mga mag-aaral ni Bellini - sina Giorgione mula sa Castelfranco at Titian Vecellio ay iniwan ang kanilang mga guro, na nagbukas ng mga bagong pagkakataon para sa pagpipinta ng kanilang panahon. Sa kanyang bayan ng Giorgione (1477 - 1510) nilikha niya para sa simbahan ang isang pagpipinta na kilala bilang Madonna ng Castelfranco (c. 1505). Sa simula ng ika-16 na siglo. Natutunan na ng mga European artist na mapansin ang mga tampok ng kanilang katutubong kalikasan, ngunit ang tanawin ay nagsisilbi pa rin pangunahin bilang background para sa mga figure. Sa pagpipinta na "Thunderstorm" (c. 1505), itinalaga ni Giorgione ang pangunahing papel sa landscape. Sa Renaissance, si Judith, ang pangunahing tauhang babae ng isang sinaunang alamat, ay madalas na inilalarawan bilang simbolo ng kabayanihan at gawa. Hindi nalampasan ni Giorgione ang paksang ito at lumikha ng sarili niyang "Judith" (c. 1502). Noong 1510 si Giorgione, bata pa, ay namatay sa salot. Ang kanyang pagpipinta na "Sleeping Venus" (1507 - 1508) ay nanatiling hindi natapos. Ang gawain ng namatay na kaibigan ay natapos ng isa sa mga pinakadakilang master ng Renaissance, si Titian.

Titian Vecellio (1477 o 1485 - 1576) nabuhay ng mahabang buhay. Mga likhang sining late period ibang-iba ang trabaho niya sa mga nauna. Sa pagitan ng 1500 at 1516 ay nagpinta siya ng ilang mga pagpipinta sa ebanghelyo, mitolohiya, alegorikal na mga paksa. Ang mga ito ay nauugnay sa pamamagitan ng enerhiya at lakas ng kulay, ang banayad at masiglang paglipat ng isang hubad na katawan, ang mainit na ningning ng sikat ng araw. 1517 - 1530 - ang oras kung kailan umabot sa kapanahunan ang talento ni Titian, at ang kanyang katanyagan ay lumampas sa Italya. Malayang pinangangasiwaan ng artista ang mga paksang pipiliin niya. Ganap na pinagkadalubhasaan ni Titian ang sining ng pagpapahayag ng mga damdamin at mood ng isang tao sa mga kumbinasyon ng mga kulay. Ang isang halimbawa nito ay ang kanyang canvas na "The Feast of Venus" (1518) at ang malaking painting na "Assunta" ("Ascension of Mary", 1518). Ang artist ay nagbigay ng maraming pagsisikap sa portraiture. Napapaligiran ng karangalan at paghanga ng kanyang mga kontemporaryo, namuhay siya nang mayaman at malaya. Ang maharlikang Venetian, ang emperador ng Aleman at ang haring Espanyol ay humingi ng pahintulot kay Titian na magtrabaho para sa kanila. Ngunit ang mga utos lamang na ayon sa gusto niya ang kanyang isinagawa. Sa mga portrait, hinahangad ni Titian hindi lamang ang panlabas na pagkakahawig, ngunit matapang ding inihayag ang mga katangian ng karakter. Pagsapit ng 60s ng ika-16 na siglo. ay tumutukoy sa kanyang pagpipinta na "Penitent Magdalene" (1560 - 1565). Ang hindi pangkaraniwan para sa panahong iyon ay ang gawain ng huling panahon ng gawain ni Titian - "St. Sebastian" (1570). Hindi lamang natuto ang kanyang mga nakababatang kontemporaryo mula sa mga gawa ni Titian, nagkaroon sila ng pinakamalaking epekto sa pagpipinta ng Europa sa loob ng maraming siglo.

Mga pangunahing artista ng ikalawang kalahati ng ika-16 na siglo. naroon din sina Paolo Veronese at Jacopo Tintoretto.

Paolo Veronese (1528 - 1588) – Mahusay na master pandekorasyon na pagpipinta, Tagalikha ng malalaking kamangha-manghang mga pintura na nagpapalamuti sa mga kisame at dingding ng Palasyo ng Doge. Ang mga kuwadro na ito ay may mga paksang alegoriko at mitolohiko. Ang isa sa kanyang mga gawa ay ang napakalaking pagpipinta na "Kasal sa Cana ng Galilea" (1563). Pagpinta ni Veronese na may kasiglahan at kasiyahan, flexibility ng pantasya, maliwanag, kumikinang na kinang, banayad na pakiramdam ng liwanag. Gayunpaman, sa mga huling yugto ng pagkamalikhain at sa kanyang sining na nakakagambala, ang mga madilim na kalooban ay tumagos. Ganito ang kanyang pagpipinta na "The Last Supper" (hanggang 1573), na kalaunan ay pinangalanang "Feast in the House of Levi".

Jacopo Tintoretto (1518 - 1594) sa kanyang kabataan ginawa niya ang kanyang motto ang mga salitang: "pagguhit ni Michelangelo, pangkulay ni Titian." Ang kumikinang na kinang ay gumagawa ng kanyang pagpipinta na nauugnay sa sining ng iba pang mga Venetian. Ngunit ang Tintoretto ay maraming orihinal na tampok. Sa pagpipinta na "Ang Labanan ng Arkanghel Michael kasama si Satanas" (huli ng 80s ng ika-16 na siglo), ang aksyon ay inilipat sa hangin. Sa kanyang mga huling gawa, karamihan ay malungkot at nabalisa, si Tintoretto ay naghahatid ng mga kakulay ng kalunos-lunos na kalagayan ng kanyang mga bayani, ay naglalarawan ng mga pulutong na nabihag ng isang pagmamadali ng marahas na damdamin.

Sa parehong mga taon nang ipininta nina Veronese at Tintoretto ang kanilang mga pintura, nagtrabaho siya sa hilagang Italya Andrea Palladio (1508 - 1580)- ang pinakamahusay na arkitekto ng huling Renaissance. Sa kanyang akda, ginamit ni Palladio ang mga pamamaraan ng arkitektura ng Griyego at Romano, ngunit iniwasan niya ang direktang pagkopya ng mga ito at lumikha ng mga orihinal na gawa. Ang mga magagandang gusali na itinayo ni Palladio ay nagpapalamuti sa kanyang bayan ng Vicenza at Venice.

Inglatera

Sa Inglatera, nagsimula ang Renaissance nang medyo huli kaysa sa Italya, at mayroon itong sariling mahahalagang pagkakaiba dito. Tulad ng sa Italya, sa Inglatera ang unang nagpahayag sa kanilang mga aklat ng mga kaisipan at damdamin ng bagong panahon ay ang mga humanista. Hindi lang nila masasabi kung gaano kaganda ang maging tao; nakita nila kung paano naghihirap ang isang tao sa England.

Sa simula ng ika-16 na siglo lumitaw ang unang dakilang humanist ng England Thomas More (1478 - 1535)- Utopia. Sa harap niya, walang nangahas na magsalita ng totoo nang direkta. Sumulat si Thomas More tungkol sa kalupitan ng mga batas laban sa mahihirap, tungkol sa kawalang-saysay ng mga agresibong digmaan, tungkol sa kawalan ng katarungan ng kaayusang panlipunan. Sa panahon ng Renaissance sa England ay marami mahuhusay na makata Gumawa sila ng mga gawa tungkol sa pag-ibig, tungkol sa pagkakaibigan, tungkol sa kagandahan ng nakapaligid na mundo. Ngunit higit sa lahat, ang mga ideya ng Renaissance sa England ay nakapaloob sa mga yugto ng mga sinehan.

William Shakespeare (1564 - 1616). Kaunti ang nalalaman tungkol sa buhay ni Shakespeare. Hindi siya nagsulat ng mga memoir at hindi nag-iingat ng diary. Ang mga manuskrito ng kanyang mga dula ay nawala. Ang ilang mga piraso ng papel na kung saan ang ilang mga linya na isinulat ng sariling kamay ni Shakespeare, o simpleng may hawak ng kanyang lagda, ay itinuturing na pinakapambihirang halaga sa kasaysayan. Si William Shakespeare ay isinilang noong Abril 23, 1564 sa maliit na bayan ng Stratford sa Ingles, na matatagpuan sa Avon ilog. Ang kanyang ama ay isang artisan at mangangalakal. Noong si Shakespeare ay nasa maagang twenties, pumunta siya sa London. Nahuli sa malaking lungsod nang walang pondo, walang mga kaibigan at kakilala, si Shakespeare, ayon sa alamat, ay kumikita sa una sa pamamagitan ng pagbabantay sa mga kabayo malapit sa teatro, kung saan dumating ang mga marangal na ginoo. Nang maglaon - tiyak na kilala ito - nagsimulang maglingkod si Shakespeare sa teatro mismo: tiniyak niya na ang mga aktor ay pumunta sa entablado sa oras, muling isinulat ang mga tungkulin, pinalitan ang nag-udyok - sa isang salita, nalaman niya ang buhay sa likod ng entablado ng maayos ang teatro. Pagkatapos ay sinimulan ni Shakespeare na ipagkatiwala ang maliliit na tungkulin sa teatro. Hindi siya naging isang mahusay na artista, ngunit siya ay nagsalita nang husto sa kanyang mga dula tungkol sa pag-arte, at higit sa lahat, ginawa niya ang kanyang mga dula nang napakahusay na ito ay nagpatotoo sa kanyang kamangha-manghang kaalaman sa entablado. Sumulat si Shakespeare ng higit pa sa mga dula. Ang kanyang mga tula - ang mga sonnet ay nakabihag ng mga kontemporaryo at patuloy na binihag ang mga inapo na may kapangyarihan ng damdamin, lalim ng pag-iisip, biyaya ng anyo. Ngunit ang pangunahing negosyo ni Shakespeare, ang hilig ng kanyang buhay, ay ang paglikha ng mga dula. Ang masayang kagalakan ng buhay, ang pagluwalhati ng isang malusog, malakas, matapang, maliwanag na pakiramdam, matapang na nag-iisip na tao - ito ang pangunahing bagay sa mga unang dula ni Shakespeare - mga komedya: "The Taming of the Shrew", "Comedy of Errors", " Two Veronian", "A Midsummer Night's Dream", " Much Ado About Nothing", "As You Like It", "Twelfth Night" (1593 – 1600). Marahil ang pinakatanyag na gawa ni Shakespeare ay ang Romeo at Juliet (1597), ang unang malaking trahedya. Matapos itanghal si Julius Caesar, mula 1601 hanggang 1608, nilikha ni Shakespeare ang pinakadakilang trahedya: Hamlet, King Lear, Macbeth at Othello. Sa mga huling taon ng trabaho ni Shakespeare (1608 - 1612), ang kanyang mga dula ay nakakuha ng iba't ibang karakter. Medyo inalis na sila sa totoong buhay. Ang mga kamangha-manghang motif ay nagsisimulang tumunog sa kanila. Noong 1612 isinulat ni Shakespeare ang kanyang huling dula, The Tempest. Hindi nagtagal ay umalis siya sa teatro, at noong 1616, sa araw na siya ay naging 52, siya ay namatay. Si Shakespeare ay inilibing sa simbahan ng kanyang katutubong Stratford. Ang mga tagahanga ng kanyang talento ay nagpupunta pa rin dito mula sa iba't ibang panig ng mundo upang yumukod sa libingan ng mahusay na manunulat ng dula, bisitahin ang bahay na kanyang tinitirhan, at panoorin ang kanyang mga dula sa Stratford Memorial Theatre.

France

Sa France, ang Renaissance (Renaissance) ay nagsimula ng isang siglo at kalahati mamaya kaysa sa Italya - sa pagtatapos ng ika-15 siglo. Ang French Renaissance, na nagsimula nang huli, ay nakakuha ng isang malaking saklaw at mga tampok ng isang nasyonalidad na hindi pa nagagawa kahit sa Italya.

Una sa lahat, masasabi natin ang tungkol sa gawain ng pinakadakilang manunulat sa panahong ito - Francois Rabelais (1494 - 1553). Si Rabelais ay isang tunay na anak ng kanyang panahon, ang Renaissance. Tulad ng pinakamahusay na mga numero nito, natamaan niya ang versatility ng kanyang kaalaman: siya ay isang doktor, abogado, makata, arkitekto, pilosopo, guro at naturalista. Si Rabelais ay nakilala sa pamamagitan ng kanyang napakatalino na talino, ang ugali ng isang mandirigma, at ang pagiging maalalahanin ng isang siyentipiko. Inilathala niya ang unang bahagi ng kanyang sikat na aklat na "Gargantua at Pantagruel" noong 1532, ang huli, ikalima ay lumabas pagkalipas ng 32 taon, noong 1564.

Isang grupo ng pitong makata, mga nakababatang kontemporaryo ng Rabelais, ang kumuha ng pangalan Pleiades(ito ang pangalan ng konstelasyon ng pitong bituin na nagniningning nang maliwanag sa kalangitan sa gabi). Sa ulo nito ay Pierre Ronsard (1524 - 1585), kahanga-hangang lyricist. Sa isa sa mga sonnet, hinulaan ni Ronsard ang imortalidad para sa babaeng mahal niya. Siya ay naging tama: ang simpleng babaeng magsasaka na si Marie Dupont, kung saan inialay ni Ronsard ang koleksyon na Love for Mary (1555), ay nabubuhay sa alaala ng kanyang mga inapo sa loob ng apat na raang taon salamat sa tula. Malaki ang ginawa ni Ronsard upang pagyamanin ang wikang Pranses, na, sa nangyari, ay nakapagpapahayag ng mga banayad na lilim ng damdamin at kaisipan. Ang "Pleiades" ay lalo na nag-aalala tungkol sa kapalaran ng kanilang katutubong wika: pagkatapos ng lahat, ang pag-unlad ng kultura ay tiyak na nangangailangan ng kakayahang umangkop, mayaman, matingkad na pananalita. Ang kasamahan ni Ronsard, si Joaquim du Bellay, ay nagpahayag ng mga ideyang ito ng Pleiades sa kanyang akdang The Defense and Glorification of the French Language (1549). Sa kanyang maikling buhay (namatay si du Bellay sa edad na tatlumpu't walo, noong 1560), lumikha siya ng mga tula na naging mga aklat-aralin para sa Pranses na tula. Ang Sonnets du Bellay ay itinuturing na huwaran.

Espanya

Ang pinakadakilang manunulat - ang humanist ng Espanya, isa sa mga pinaka-kahanga-hangang realista sa panitikan ng Renaissance ay isang napakatalino. Miguel Cervantes de Saavedra (1547 - 1616). Ang buhay ni Cervantes, ang lumikha ng Don Quixote, ay hindi madali. Siya ay nagmula sa isang mahirap na marangal na pamilya. Bagama't nakatanggap si Cervantes ng magandang humanitarian education, hindi siya nakahanap ng aplikasyon para sa kanyang kaalaman at kakayahan sa mahabang panahon: isang hindi nakakainggit na serbisyo sa retinue ng cardinal, bahagi ng isang sundalo at maraming taon ng pagkabihag sa Algeria, at sa wakas, ang lugar ng isang paglalakbay. opisyal ng pangongolekta ng buwis. Dahil nasa serbisyong ito, napunta siya sa bilangguan dahil sa kasalanan ng ibang tao. Pumasok si Cervantes sa kapaligirang pampanitikan, ngunit hindi nakatanggap ng tunay na pagkilala sa kanyang gawain sa panahon ng kanyang buhay. Sa pagpasok sa larangan ng panitikan nang maaga, natuklasan ni Cervantes ang buong kapangyarihan ng kanyang henyo na talento lamang sa kanyang mga pababang taon, nang likhain niya ang mga kahanga-hangang kwento na "Instructive Novels", makatotohanang mga eksena mula sa katutubong buhay - "Interludes" at, sa wakas, ang sikat na nobela na "Don Quixote" - ang epiko tungkol sa malungkot na imahe ng Knight at ang kanyang tapat na eskudero na si Sancho Panza.

Sa gawa ni Cervantes, naging pag-aari ng buong sangkatauhan ang nobelang Espanyol, at Lope de Vega (1562 - 1635) sa kanyang mga drama ay inilagay niya ang teatro ng Espanyol sa tabi ng teatro ni Shakespeare.

Nahanap ni Lope de Vega ang kanyang lugar sa buhay nang walang gaanong kahirapan. Hindi tulad ni Cervantes, nakatanggap siya ng panghabambuhay na pagkilala para sa kanyang trabaho. Sa anong mga genre ng panitikan ang ginawa ni Lope de Vega: sa dramaturhiya, epikong tula at liriko, teorya at kritisismong pampanitikan, mga maikling kwento! Gayunpaman, ang unang lugar sa kanyang trabaho, walang alinlangan, ay kabilang sa dramaturgy. Mahigit limang daang dula ni Lope de Vega, karamihan ay mga komedya, ang dumating sa atin. Alam ng manunulat - humanist na si Lope de Vega kung paano hindi lamang pasayahin ang manonood - pinalawak niya ang kanyang mga abot-tanaw, ipinakilala siya sa makasaysayang nakaraan, ang buhay ng ibang mga tao - malayong Rus' at sa ibang bansa ng Amerika. Sa lakas ng pampulitikang protesta sa gawain ni Lope de Vega, ang kanyang kahanga-hangang drama na Fuente Ovejuna (Sheep Spring) ay sumasakop sa isang espesyal na lugar. Ang mga komedya ay nagtatamasa ng patuloy na tagumpay kasama ng manonood: "Aso sa sabsaban", "Babaeng may pitsel", "Guro ng Sayaw", "Valencian Widow".

Alemanya

“Napakasayang mabuhay! Ang agham ay umuunlad, ang mga isipan ay nagigising: ikaw, barbarismo, kunin ang lubid at maghanda para sa pagpapatapon! - kaya isinulat noong 1518 ang pinakamalaking German humanist, talentadong satirist, manunulat at pilosopo Ulrich von Hutten (1488-1523). Siya ay nagmula sa isang matandang kabalyero na pamilya at nagmamay-ari hindi lamang isang panulat, kundi isang espada. Nais ng kanyang ama na makita siya bilang isang ministro ng simbahan, ngunit ang batang si Hutten ay tumakas mula sa monasteryo at kalaunan ay naging isa sa pinakamapangahas na kalaban ng papa Roma. Noong 1522, aktibong bahagi si Hutten sa pag-aalsa ng kabalyero laban sa Elector (Prinsipe) Arsobispo ng Trier. Ngunit hindi ang mga taong bayan, lalo na ang mga magsasaka, na dumanas ng pyudal na pang-aapi, ang ayaw sumuporta sa mga mapanghimagsik na kabalyero. Tumakas si Hutten sa Switzerland, kung saan namatay siya sa kahirapan. Ang kanyang "Mga Dialogue", na nilikha noong 1520, ay napaka-matalino at mapang-akit. Ang napakatalino na pangungutya - ang sikat na "Mga Sulat ng Madilim na Tao" (1515 - 1517) - ay isinulat na may malapit na pakikilahok ni Hutten. Ang "Mga Sulat mula sa Madilim na Tao" ay isang internasyonal na tagumpay. Binasa ang mga ito nang may sigasig kapwa sa London at sa Paris.

Albrecht Durer (1471 - 1528) ay ang pinakadakilang pintor at innovator ng German painting. Ipinanganak siya sa Nuremberg, isang lungsod kung saan umunlad ang paglilimbag. Ang ama ni Dürer ay isang panday-ginto. Natanggap ni Durer ang kanyang unang kasanayan sa pagguhit sa pagawaan ng kanyang ama. Napansin, gayunpaman, na ang kanyang anak ay nagpakita ng higit na pagkahilig sa pagpipinta kaysa sa alahas, ibinigay ni Dürer Sr. ang labinlimang taong gulang na si Albrecht bilang isang baguhan sa pintor ng Nuremberg na si Wolgemut. Makalipas ang apat na taon, nagpunta si Durer sa isang mandatoryong paglalakbay para sa bawat naghahangad na artista sa mga lungsod ng Aleman. Kailangan niyang pagbutihin ang kanyang sining upang matanggap ang titulong master. Sa kalagitnaan ng 90s ng ika-15 siglo. isang batang Aleman na artista ang dumating sa Italya. Ang paglalakbay sa Italya ay hindi karaniwan sa mga pintor ng Aleman, at ang batang Aleman ay isa sa iilan na nangahas na gawin ito. Pagbalik sa bahay, ang pintor ay nagpinta ng isang self-portrait (1498), na inilalarawan ang kanyang sarili hindi bilang isang simpleng artisan, tulad ng artist noong mga taong iyon sa Germany, ngunit bilang isang marangal na maharlika. Ang kagalingan sa maraming bagay ng mga interes, na katangian ng mga tao ng Renaissance, ay nakikilala din si Dürer. Nagpinta siya ng mga larawan, lumikha ng mga ukit sa kahoy, isa sa mga unang bumaling sa pag-ukit sa mga tabla ng tanso, ay isang inhinyero at arkitekto, nag-aral ng matematika, ay isang art theorist, nagbasa ng mga sinaunang may-akda, binubuo ng mga tula. Labing-isang taon pagkatapos ng unang paglalakbay sa Italya, na isang kinikilalang master, muling nagpunta si Dürer sa Venice. Nagulat siya sa mga Italyano sa kahusayan ng kanyang sining, ngunit siya mismo ay natutunan ng maraming mula sa kanila. Mula sa mga Italian art theorists, pinagtibay ni Dürer ang doktrina ng mga proporsyon ng katawan ng tao, at kalaunan siya mismo ang nagpakilala ng maraming bagong bagay sa agham ng mga proporsyon. Binalangkas ng artista ang mga resulta ng kanyang pananaliksik at mga obserbasyon sa Apat na Aklat sa Proporsyon. Noong 1520 - 1521. Nilibot ni Dürer ang Netherlands. At kung nasaan man siya, nagpinta siya kung saan-saan. Ang artist ay pumasok sa kanyang mga album sa paglalakbay mga tanawin ng bundok at mga tanawin ng mga lungsod, isang liyebre at isang rhinoceros, mga larawan ng mga taong nakilala niya. Naakit siya sa mga asal at kaugalian ng bansa, pananamit, mga lokal na atraksyon at mga kakaibang bagay. Ang mga guhit na ito ay nakatulong sa kanya pagkatapos ay lumikha ng mga guhit at mga ukit. Gumawa si Dürer ng mahigit 200 ukit. Isa sa pinakamagagandang ukit niya ay ang “Saint Jerome in a cell” (c. 1514). Ang sining ni Dürer bilang isang engraver ay natuwa sa kanyang mga kontemporaryo. Si Durer ay hindi gaanong mahusay sa pagpipinta. Ang mga santo sa kanyang mga pintura ay mga buhay na tao, malakas sa kaluluwa at katawan. Ang kanyang Madonna with the Christ Child (Mary and Child, 1512) ay kasing ganda ng batang Venetian na ipininta ni Dürer sa Italya noong 1505. Ang iba pa niyang mga gawa ay kilala rin: Three Peasants (c. 1497), "Apocalypse" (1498), "Apat na Apostol" (1526), ​​​​"Young Man" (1512), "Jerome Holtzschuer" (1526), ​​​​etb.

Ang isang makabuluhang master ng German Renaissance ay Lucas Cranach the Elder (1472 - 1553). Malawakang naglakbay si Cranach, ngunit ginugol ang halos buong buhay niya sa korte ng mga prinsipe ng Saxon sa Wittenberg. Bilang isang pintor ng korte at valet ng prinsipe, nagpinta siya ng mga seremonyal na larawan, maraming mga pagpipinta sa mga tema ng relihiyon at mitolohiya, pinalamutian ang mga bulwagan para sa mga pagtanggap at kasiyahan. Nakuha ng isa sa mga kuwadro na gawa ng artista ang pangangaso ng prinsipe - ang paboritong libangan ng maharlika (1529). Si Cranach ay isa sa mga una sa Germany na nagpinta ng kalikasan ng kanyang sariling bansa. Ang tanawin ay naroroon sa kanyang mga pagpipinta ng relihiyosong nilalaman na "Magpahinga sa Paglipad patungong Ehipto" (1504). Nagpinta si Cranach ng maraming larawan. Ngunit higit sa lahat, siya, marahil, ay nagtagumpay sa larawan ni Martin Luther (1532).

Isa pang mahusay na pintor ng portrait na Aleman, Hans Holbein the Younger (1497 - 1543), Nang hindi nakahanap ng pagkakataong makapagtrabaho sa Germany, maaga siyang umalis sa kanyang bayan sa Augsburg. Siya ay nanirahan sa Switzerland, sa Basel, isang pangunahing sentro ng paglilimbag. Sa Basel, naglarawan si Holbein ng mga aklat, nagpinta ng mga harapan ng mga bahay, at gumawa ng mga guhit para sa mga ukit. "Ang Sayaw ng Kamatayan (1524 - 1526) ay ang pinaka makabuluhang serye ng kanyang mga ukit. Iniwan sa amin ni Holbein ang isang magandang larawan ni Erasmus ng Rotterdam sa profile (1523), isang larawan ng isang batang mangangalakal na si George Giese (1532). Si Holbein ay madalas na nagpinta ng mga larawan ng mga natitirang tao, na nakikilala sa pamamagitan ng kanilang mga kakayahan at katalinuhan. Ganito si Charles de Morette, sugo ng haring Pranses sa Inglatera (1534-1535). Ang larawan ni Morette ay ipininta sa London, kung saan lumipat si Holbein sa pagtatapos ng kanyang buhay. Dito siya naging pintor ng korte ng hari ng Ingles na si Henry VIII. Bilang karagdagan sa mga seremonyal na larawang larawan ng mga miyembro ng maharlikang pamilya at malalapit na kasama ng hari, gumawa si Holbein ng maraming larawang lapis sa panahong ito. Ang mga ito ay nakasulat sa magaan, may kumpiyansa na mga stroke at kadalasang naka-highlight ng may kulay na chalk.

Mahirap at trahedya ang naging kapalaran ng artista Matthias Grunewald (pagkatapos ng 1460 - 1528). Para sa kanyang pangako sa mga mithiin ng Repormasyon at pakikiramay sa mga rebeldeng magsasaka, nawalan siya ng lugar sa korte ng obispo sa Mainz, kung saan siya ay itinuturing na pintor ng korte, napilitang tumakas, at mahimalang nakatakas lamang sa korte ng simbahan. Ang kanyang pagpipinta ay nakikilala sa pamamagitan ng emosyonal na kayamanan ng kulay, bihira para sa mga artistang Aleman. Si Grunewald ay nagpinta ng mga kuwadro na eksklusibo sa mga relihiyosong paksa. Ang pinakatanyag na gawain ay ang altar para sa monasteryo sa Isenheim (c. 1512 - 1516).

Netherlands

Ang maagang Netherlandish Renaissance, na pumalit sa Middle Ages, ay maihahambing sa isang tao na nagising pagkatapos ng mahabang pagtulog at nakikita nang may pagtataka at galak kung gaano kaganda ang mundo sa paligid niya. Ang lahat ay tila maganda sa kanya, puno ng malalim na kahulugan - at ang kulay-pilak na liwanag ng umaga na tumatagos sa mahalumigmig na hangin, at mga bulaklak, at mga tahimik na kalye na may mga bahay sa ilalim ng mga bubong na bubong, at ang apuyan, at mga simpleng kagamitan sa bahay, at, siyempre, mga tao. Sa Netherlands, hindi kami makakahanap ng mga fresco, tulad ng sa Italya, ngunit sa Middle Ages, dito, tulad ng sa ibang mga bansa sa Hilagang Europa, ang pinong sining ng miniature ng libro ay umunlad. Ang mga ilustrasyon ng mga manuskrito ay ginawa nang may gayong kagalingan, na may napakaniningning na mga kulay na ang mga aklat ay naging tunay na mga hiyas. Oo, sulit ang kanilang timbang sa ginto. Ito ay ang Dutch, na humingi ng juiciness at saturation ng kulay mula sa pintura, na ang karangalan ng pagpapabuti ng pamamaraan ng oil painting, na kalaunan ay kumalat sa buong Europa sa ilalim ng pangalan ng Flemish na paraan, ay kabilang. Ito ay pinaniniwalaan na ang mga imbentor ng pamamaraan na ito ay sikat magkapatid na Hubert van Eyck (c. 1370 - 1426) at Jan van Eyck (c. 1390 - 1441). Ang sikat na Ghent Altarpiece (1426 - 1432) ay nilikha ng magkakapatid na van Eyck. Nagtatalo pa rin ang mga iskolar, sinusubukang alamin kung aling mga eksena sa altar ang ipininta ni Hubert at kung alin sa kanyang nakababatang kapatid na si Jan. Malinaw, sinimulan ni Hubert ang gawain, at pagkatapos ng kanyang kamatayan ay natapos ito ni Jan. Maaari rin itong ipalagay na ang pinaka-makabagong pagpipinta ay pag-aari ni Jan, na mas advanced kaysa kay Hubert, na nauugnay pa rin sa Gothic art. Si Jan van Eyck - isang artist, mathematician at diplomat - ay isang tunay na tao ng Renaissance. Ang katahimikan at kalmado ay nagmumula sa larawan ng mag-asawang Giovanni at Giovanna Arnolfini (1434).

Ang perpektong sining ng van Eycks, kumbaga, ay nagbukas ng mga mata ng mga Dutch masters noong ika-15 siglo. kapwa sa mga posibilidad ng pagpipinta at sa kahalagahan ng totoong mundo. Napakatalino at malupit Rogier van der Weyden (1399 - 1464), magaling magkwento Mga Bangka ng Direk (c. 1410 - 1475), isang pambihirang talento at orihinal na master, na naging pinakamalapit sa Italian Renaissance, Hugo van der Goes (c. 1435 - 1482) nasakop ang sining ng Dutch noong ika-15 siglo. katanyagan sa mundo. Inanyayahan pa nga ang mga Northern artist sa Italya, natutunan mula sa kanila ang sining ng pagpipinta.

Sa maliit na bayan ng probinsya ng Hertogenbosch, nagtrabaho ang isa sa mga kakaiba at pinaka misteryosong master sa buong kasaysayan ng sining. Hieronymus van Aken (c. 1450 - 1516), na kilala bilang Bosch. Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay pinaninirahan ng mga kakaiba at mabangis na nilalang: mga buntot na halimaw, isda sa mga binti ng kabayo, walang uliran na mga reptilya. Si Bosch, tulad ng higit sa isang artista bago siya, ay konektado sa mga tao, sa kanilang mga pamahiin, sa kanilang katatawanan at alamat. Mayroong isang matandang kasabihang Flemish: "Ang mundo ay isang haystack: lahat ay kumukuha mula dito kung ano ang maaari nilang makuha"; at ipininta ni Bosch ang pagpipinta na "Hay Carriage" (huli ng ika-15 - unang bahagi ng ika-16 na siglo). Ang sining ni Bosch ay kawili-wili dahil ipinakilala niya ang mga pang-araw-araw at landscape na motif sa kanyang mga komposisyon sa mga relihiyosong tema.

Ang artista ay isang palaisip Pieter Brueghel the Elder (sa pagitan ng 1525 at 1530 - 1569), marubdob na iniisip ang kahulugan ng pag-iral ng tao, nauna siya sa kanyang panahon. Ang kanyang maliwanag na talento ay malapit sa loob ng balangkas ng pangkalahatang tinatanggap na mga plot at maging ang mga genre ng kontemporaryong pagpipinta. Ang sining ng Europa noong panahong iyon ay hindi alam ang tunay na tanawin - ang kalikasan ay isang background lamang, isang yugto kung saan kumilos ang mga tao. At tanging si Brueghel ang natuklasan para sa pagpipinta ng buhay ng kalikasan, ang kahulugan ng pagbabago ng mga panahon, ang kadakilaan at kagandahan ng tanawin, na puno ng independiyenteng kahalagahan. Bilang isang napakabata na artista, nagpunta si Brueghel sa Italya, kung saan nagtrabaho noon si Michelangelo at ang mga dakilang Venetian, ngunit ang kanyang personalidad ay naging napakalakas upang maimpluwensyahan kahit na ng gayong mga panginoon. Ang mas malakas at mas mahalaga para sa Brueghel ay ang mga impresyon ng mga magagandang panorama ng dagat at ng Alps. Ang kalikasan ang naging pangunahing katangian ng kanyang mga gawa. At kasama ang magaan at tumpak na mga linya ng mga guhit sa paglalakbay ni Brueghel sining ng daigdig pumasok sa tanawin. Nang maglaon, isa nang mature master, ipininta ni Brueghel ang sikat na serye ng mga landscape na "The Seasons". Ang katumpakan at pagpapahayag ng kanyang mga silhouette ay maaaring mainggit ng pinakamahusay na mga draftsmen ng sining ng mundo. Ang isang halimbawa nito ay ang pagpipinta na "Hunters in the Snow" (1565). Ang mabait na atensyon ng artista ay naaakit ng mga simpleng magsasaka. At dito si Brueghel ay naging pioneer ng isang bagong genre - araw-araw na magsasaka, kung saan natanggap niya mula sa kanyang mga inapo ang palayaw na Magsasaka ("Peasant Dance", 1567). Ang sining ng artist ay nagiging mas madilim at pesimista sa pagtatapos ng 1560s. Noong 1568, ilang sandali bago siya namatay, isinulat ni Bruegel ang kanyang pinakamahalaga at madilim na pagpipinta, The Blind.

Pagkamalikhain ng mahusay na Dutch humanist Desiderius Erasmus ng Rotterdam (1469 - 1535) malapit na nauugnay sa Renaissance ng Aleman. Si Desiderius Erasmus ng Rotterdam ay nasiyahan sa katanyagan ng isa sa mga pinaka-edukadong tao sa Europa. Matatag niyang sinalungat ang obscurantism ng simbahan, naglakbay sa maraming bansa, at saanman siya ay masigasig na binati ng maraming tagahanga. Isang pambihirang tagumpay ang nahulog sa kanyang kahanga-hangang satire na "Eulogy of Stupidity."

Isinasaalang-alang namin na ang sining ng Renaissance sa iba't ibang bansa ay may sariling katangian. Ngunit binibigyang-diin namin na ang pagiging totoo ay karaniwan at pangunahing para sa sining ng panahong iyon. Ang pagiging totoo ng sining ng Renaissance ay isang mahusay na hakbang pasulong mula sa simboliko at kumbensyonal na sining ng Middle Ages. Ang kagandahan ng katawan ng tao at ang nakapaligid na kalikasan ay nabuksan sa harap ng mga mata ng mga panginoon. Ang isang buhay na buhay na interes sa isang tao, ang kanyang mga karanasan, kaisipan at aksyon ay nagbunga sa pagpipinta, eskultura, panitikan, mga graphic sa isang mahalaga, matingkad at kumplikadong imahe ng isang tao, at higit sa lahat ang isang tao - isang pigura, isang palaisip, isang bayani.

Ay isang termino na, bilang ... Ang agham ay produkto ng teoretikal na "I" Moralidad ay ang praktikal na "I"

Mga ideya. 28. muling pagsilang Humanismo ang batayan ng halaga ng kultura Renaissance Epoch Renaissance isinasaalang-alang ng mga mananaliksik ng Kanlurang Europa ... pampulitika 2) pang-ekonomiya 3) legal 4) moral 5) sining 6) relihiyon 7) agham 8) teknolohiya Mga tradisyong pangkultura...

Ang pagsusulat

Ang Italya ay ang lugar ng kapanganakan ng Renaissance. Ang panitikan ng Renaissance ay hindi mapaghihiwalay mula sa kalakaran sa espirituwal na buhay ng panahong ito - humanismo (proteksyon sa kalayaan ng pag-iisip, pagkawasak ng mga hangganan ng klase, pagpapalaya ng indibidwal). Sa pag-unlad ng kultura ng Renaissance, 2 yugto ay nakikilala: maaga at huli. Sa pagitan ng mga pangunahing yugto, maaaring kondisyon na makilala ng isa ang yugto ng "mataas" na Renaissance.

Ang simula ng Renaissance ay nauugnay sa pangalan at gawain ni Dante Alighieri. Ang buhay at gawain ni Dante Alighieri. Ang tula ni Dante Si Dante ay ipinanganak noong ikalawang kalahati ng Mayo 1265 sa Florence, ang pangunahing sentro ng kultura ng Italya noong ika-12-14 na siglo. Nabatid na ang mga Alighieri ay nagmamay-ari ng mga bahay at kapirasong lupa sa Florence at sa mga paligid nito at mga middle-class na tao.Sa edad na 18, nawalan ng ama si Dante at naging panganay sa pamilya. Noong 1283, nagpatala siya sa guild ng mga apothecaries at mga doktor. Si Dante ay pinag-aralan sa dami ng isang medyebal na paaralan, pagkatapos ay nag-aral ng Pranses at Provençal. Maingat na pinag-aralan ng batang makata ang mga sinaunang makata, lalo na si Virgil, na itinuturing niyang "pinuno, guro at guro" sa buong buhay niya.

Ang pangunahing hilig ng batang Dante ay tula. Nagsimula siyang magsulat ng tula nang maaga at nasa unang bahagi ng 80s ng ika-13 siglo. nagsulat ng maraming liriko na tula, halos puro nilalaman ng pag-ibig. Sa edad na 18, nakaranas si Dante ng isang malaking sikolohikal na krisis - pag-ibig kay Beatrice, ang anak na babae ng Florentine Folco Portinari, isang kaibigan ng kanyang ama, na kalaunan ay nagpakasal sa nobleman na si Simone de Bardi at namatay noong 1290 sa edad na 25. Ang kwento ng kanyang pagmamahal kay Beatrice Dante ay nakabalangkas sa isang maliit na koleksyon " Bagong buhay". Pagkamatay ni Beatrice, ang makata ay masinsinang nag-aral ng teolohiya, pilosopiya at astronomiya at naging isa sa mga pinaka-maalam na tao sa kanyang panahon. Si Dante ay aktibong bahagi sa buhay pampulitika Florence.

Noong 90s, umupo siya sa mga konseho ng lungsod, nagsagawa ng mga diplomatikong misyon, at noong Hunyo 1300 siya ay nahalal na miyembro ng kolehiyo ng anim na priors na namuno sa Florence. Sa pakikibaka sa pagitan ng White at Black party, sumali si Dante sa Whites. Noong Nobyembre 1301, pinatay ni Prinsipe Charles ng Valois ang mga tagasuporta ng White party. Noong Enero 1302, si Dante ay sinentensiyahan ng isang mabigat na multa. Siya ay personal na inakusahan ng panunuhol. Ang makata, na natatakot sa pinakamasama, ay tumakas mula sa Florence. Ginugol niya ang natitirang bahagi ng kanyang buhay sa pagkatapon. Ginugol ni Dante ang mga huling taon ng kanyang buhay sa Ravenna kasama si Prinsipe Guido da Polenta, ang pamangkin ni Francesca da Rimini, na kanyang kinanta. Dito siya nagtrabaho sa kanyang sikat na "Divine Comedy".

Si Dante ay umaasa ng isang marangal na pag-uwi, ngunit hindi nabuhay upang makita ito. Namatay siya noong Setyembre 14, 1321. sa Ravenna. Kasunod nito, hindi malinaw na sinubukan ni Florence na mabawi ang abo ng dakilang pagpapatapon, ngunit palaging tinatanggihan siya ni Ravenna. gawaing pampanitikan Nagsimula si Dante bilang makatang pampanitikan. Noong 1292 (sa edad na 27), isinulat ni Dante ang kauna-unahang pagkakataon Panitikan sa Kanlurang Europa kwentong autobiograpikal"Bagong Buhay", kung saan isinama niya ang tatlumpung tula na nakatuon kay Beatrice. Hindi isinama ni Dante ang lahat ng kanyang mga tula sa aklat, ngunit ang mga itinuring niyang pinaka malapit na nauugnay kay Beatrice. Bilang resulta ng naturang pansariling pagpili, isang bilang ng mga mahusay ang mga tula ay nanatili sa labas ng aklat Ang mga tula ay nakaayos sa phonological order.Ang Bagong Buhay ay nagsisimula sa isang kuwento tungkol sa unang pagkikita ng siyam na taong gulang na makata kay Beatrice, sa kanyang edad.

Kahit noon pa, nanginginig ang puso niya. Pagkaraan ng 9 na taon, naganap ang pangalawang pagpupulong ng makata kay Beatrice, na nagdulot ng matinding pananabik sa kaluluwa ni Dante. Ang batang babae ay yumuko nang magiliw sa kanya, at napuno nito ang kanyang kaluluwa ng kaligayahan. Ang makata ay nakakita ng isang panaginip: ang diyos ng pag-ibig ay dinadala ang kanyang minamahal sa kanyang mga bisig at binibigyan siya ng lasa ng puso ng makata. Kinukutya ng mga kaibigan si Dante at idineklara itong may sakit. Ito ang nagtulak kay Dante na itago ang kanyang pagmamahal kay Beatrice. Nagpapanggap siya na may ibang babae. Ang pagkukunwari ay napakakumbinsi kaya tumigil si Beatrice sa pagyuko sa kanya.

Ang makata ay nasa kawalan ng pag-asa. Sa kabuuan ng libro, pinag-uusapan niya ang tungkol sa nakagagaling na epekto ni Beatrice sa kanya at sa mga nakapaligid sa kanya. Ang pangunahing pagbabago ng "Bagong Buhay" ay ang pagkamatay ni Beatrice. Ang kuwento ng pagkamatay ni Beatrice ay inihanda ng kuwento ng pagkamatay ng kanyang ama at ng kalungkutan ni Beatrice. May premonisyon ang makata na malapit nang mamatay ang kanyang minamahal. Mayroon siyang panaginip kung saan ipinaalam sa kanya ang pagkamatay ni Beatrice. Nang magising siya, sinabi ng isa niyang kaibigan na namatay na si Beatrice. Ang kawalan ng pag-asa ng isang makata ay walang hangganan. Sa kanyang mga tula, ang lalim at katapatan ng damdamin ay tunog:

Kawalan ng pag-asa ng mga luha, galit ng pagkalito

Sundin mo ako nang walang humpay

Na bawat sulyap ay nanghihinayang sa aking kapalaran.

Ano ang naging buhay ko mula noong sandaling iyon,

Habang ang Madonna ay umalis sa ibang mundo,

Hindi masasabi ng wika ng tao.

Lumipas ang ilang taon ng walang pag-asa na pananabik, nakilala ng makata ang isang uri ng "maawaing ginang" at saglit na dinadala niya. Ngunit sa lalong madaling panahon siya ay nagsisi at nagpasya na italaga ang kanyang sarili nang buo sa pag-awit ni Beatrice. Nais niyang makaipon ng kaalaman upang may maikwento tungkol sa kanyang minamahal na hindi pa sinasabi tungkol sa sinumang babae.