Ang propesyon ng isang kompositor ay nangangailangan ng talento sa musika at malalim na kaalaman sa komposisyon ng musika. Masasabi nating ligtas na ang kompositor ang pinakamahalagang pigura sa mundo ng musika. Samakatuwid, ang bawat sikat na kompositor sa kasaysayan ng musika ay may malaking impluwensya sa pag-unlad ng musika sa bawat tiyak na yugto. Mga kompositor ng ika-18 siglo Sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo, dalawang magagaling na kompositor ang nabuhay at nagtrabaho - sina Bach at Mozart - na nakaimpluwensya sa buong kasunod na pag-unlad ng sining ng musika. Si Johann Sebastian Bach (1685-1750) ay ang pinakakilalang kinatawan ng musikal na tradisyon noong ika-17 at ika-18 siglo, na inuri ng mga istoryador bilang panahon ng Baroque. Si Bach ay isa sa mga pinakamahalagang kompositor sa kasaysayan ng musika, na sumulat ng higit sa isang libong mga musikal na gawa sa iba't ibang genre sa kanyang 65 taong buhay. Si Johann Sebastian Bach ang nagtatag ng isa sa mga pinakasikat na dinastiya sa mundo ng musika. Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) – maliwanag na kinatawan Viennese school, mahusay na pinagkadalubhasaan ang maraming mga instrumento: violin, harpsichord, organ. Sa lahat ng mga genre na ito nagtagumpay siya hindi lamang bilang isang tagapalabas, ngunit pangunahin bilang isang kompositor ng musika. Si Mozart ay naging sikat dahil sa kanyang kamangha-manghang tainga para sa musika at talento para sa improvisasyon Ang ikatlong pinakamahalagang pangalan para sa kasaysayan ng musika ay Ludwig Van Beethoven. Nagtrabaho siya sa pagliko ng ika-18 at ika-19 na siglo sa lahat ng umiiral noon mga genre ng musika. Ang kanyang pamana sa musika ay lubos na magkakaibang: sonata at symphony, overtures at quartets, mga konsyerto para sa kanyang dalawang paboritong instrumento - violin at piano. Si Beethoven ay itinuturing na unang kinatawan ng romantikismo sa klasikal na musika. Ang mga gawang ito ay isinulat ni Ludwig van Beethoven 01-Für Elise 02-Sonata No.14 Lunar 03-Symphony No.5 04-Sonata Appasionata No.23 05-Sonata No.13 Pathétique 06-Egmont Overture 07-Sonata No.17 Tempest 08-Symphony No.9 09- Sonata No. 21 Mozart wrote “The Imaginary Simpleton” “The Dream of Scipio” “Misericordias Domini” Mocarta 40. simfonija, 4. temps Overture to Don Giovanni “Figaro kāzu” uvertīra Concerto in D for Flute I.T. 1 Vocal works 2 Organ works 3 Works for harpsichord 4 Works for solo non-keyboard instruments 5 Works for harpsichord duet with another instrument Siya ang may-akda ng 90 opera May-akda ng higit sa 500 konsiyerto May-akda ng higit sa 100 sonata para sa iba't ibang instrumento sinamahan ng basso continuo; sekular na cantatas, serenades, symphony, Stabat Mater at iba pang gawaing simbahan. Mga Opera, pasticcios, ballets Terpsichore (prologue sa ika-3 edisyon ng opera na The Faithful Shepherd, 1734, Covent Garden Theater); oratorio, odes at iba pang mga gawa para sa koro at boses na may orkestra, concerto para sa orkestra, suite, concerto para sa instrumento at orkestra para sa isang grupo ng mga instrumento - para sa piano sa 2 kamay, para sa piano sa 4 na kamay para sa 2 piano, para sa boses na sinamahan ng isang piano o gamit ang isa pang instrumento para sa mga koro na walang kasama, musika para sa mga dramatikong pagtatanghal - Sa kasaysayan ng sining ng musika, ang ika-18 siglo ay nagkamit ng napakalaking kahalagahan at higit na mahalaga pa rin. Ito ang panahon ng paglikha ng mga klasikong musikal, ang pagsilang ng mga pangunahing konsepto ng musika na may mahalagang sekular na makasagisag na nilalaman. Ang musika ay hindi lamang tumaas sa antas ng iba pang mga sining na umunlad mula noong Renaissance, sa antas ng panitikan sa mga pinakamahusay na tagumpay nito, ngunit sa pangkalahatan ay nalampasan ang nakamit ng maraming iba pang sining (lalo na, ang visual arts) at sa pagtatapos ng siglo ay may kakayahang lumikha ng isang malaking estilo ng synthesizing ng ganoon kataas at pangmatagalang halaga, tulad ng Viennese symphony klasikal na paaralan. Ang Bach, Handel, Gluck, Haydn at Mozart ay kinikilalang mga taluktok sa landas na ito ng sining ng musika mula sa simula hanggang sa katapusan ng siglo. Gayunpaman, makabuluhan din ang papel ng mga orihinal at naghahanap ng mga artista gaya ni Jean Philippe Rameau sa France, Domenico Scarlatti sa Italy, Philip Emanuel Bach sa Germany, hindi pa banggitin ang maraming iba pang mga masters na sinamahan sila sa pangkalahatang kilusang malikhain.

1 ng 24

Presentasyon sa paksa:

Slide no

Paglalarawan ng slide:

Slide no

Paglalarawan ng slide:

Slide no

Paglalarawan ng slide:

Antonio Vavaldi (1678-1741) Antonio Vivaldi - Italyano na kompositor, biyolinista, guro, konduktor. Nag-aral siya ng violin kasama ang kanyang ama na si Giovanni Battista Vivaldi. Isa sa pinaka mga tanyag na gawa- isang cycle ng 4 violin concerto na "The Seasons" - isang maagang halimbawa ng programa symphonic music. Malaki ang kontribusyon ni Vivaldi sa pagbuo ng instrumentasyon (siya ang unang gumamit ng mga obo, sungay, bassoon at iba pang instrumento bilang independyente, sa halip na mga duplicate). Antonio Vivaldi - kompositor ng Italyano, biyolinista, guro, konduktor. Nag-aral siya ng violin kasama ang kanyang ama na si Giovanni Battista Vivaldi. Ang isa sa mga pinakatanyag na gawa ay ang ikot ng 4 na konsiyerto ng biyolin na "The Seasons" - isang maagang halimbawa ng symphonic music ng programa. Malaki ang kontribusyon ni Vivaldi sa pagbuo ng instrumentasyon (siya ang unang gumamit ng mga obo, sungay, bassoon at iba pang instrumento bilang independyente, sa halip na mga duplicate).

Slide no

Paglalarawan ng slide:

Johann Sebastian Bach (1685-1750) Johann Sebastian Bach - Aleman na kompositor at organista, kinatawan ng panahon ng Baroque. Ang kanyang pangalan ay regular na binabanggit sa mga listahan ng mga pinakasikat na kompositor sa mundo. Sa kanyang buhay, sumulat si Bach ng higit sa 1000 mga gawa. Kinakatawan ng kanyang gawa ang lahat ng mahahalagang genre ng panahong iyon, maliban sa opera; buod niya ang mga nagawa ng musikal na sining noong panahon ng Baroque. Si Bach ay isang master ng polyphony. Pagkatapos ng kamatayan ni Bach, ang kanyang musika ay nawala sa uso, ngunit noong ika-19 na siglo, salamat sa Mendelssohn, ito ay muling natuklasan. Ang kanyang trabaho ay nagkaroon malakas na impluwensya sa musika ng mga sumunod na kompositor, kabilang ang mga nasa ika-20 siglo.

Slide no

Paglalarawan ng slide:

Franz Joseph Haydn(1732-1809) Franz Joseph Haydn - mahusay Austrian kompositor, kinatawan ng Viennese classical na paaralan, isa sa mga tagapagtatag ng mga genre ng musika tulad ng symphony at string quartet. Ang kadakilaan ni Haydn bilang isang kompositor ay higit na ipinakita sa kanyang dalawang huling mga gawa: ang dakilang oratorio na “The Creation of the World” (1798) at “The Seasons” (1801). Ang oratorio "The Seasons" ay maaaring magsilbi bilang isang huwarang pamantayan musikal na klasiko. Sa pagtatapos ng kanyang buhay, nasiyahan si Haydn ng napakalaking katanyagan.

Slide no

Paglalarawan ng slide:

Antonio Salieri (1750-1825) Si Antonio Salieri ay isang Italyano na kompositor, konduktor at guro. Siya ay nagmula sa isang mayamang pamilya ng mga mangangalakal at nag-aral sa bahay upang tumugtog ng biyolin at alpa. Sumulat si Salieri ng higit sa 40 mga opera, kung saan ang "Danaides", "Tarare" at "Falstaff" ay sikat hanggang ngayon. Lalo na para sa pagbubukas ng teatro ng La Scala, isinulat niya ang opera na "Kinikilalang Europa," na ginagawa pa rin sa yugtong ito. Sumulat din si Salieri ng maraming orkestra, silid, at sagradong musika, kasama. "Requiem", na isinulat noong 1804, ngunit unang gumanap sa kanyang libing.

Slide no

Paglalarawan ng slide:

Si Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) Si Wolfgang Amadeus Mozart ay isang kilalang kinatawan ng Viennese classical school of composition. Isa rin siyang virtuoso violinist, harpsichordist, organist, at conductor. Ayon sa mga kontemporaryo, siya ay may kahanga-hangang tainga para sa musika, memorya at ang kakayahang mag-improvise. Sumulat si Mozart ng 68 sagradong gawa, 23 gawa para sa teatro, 22 sonata para sa harpsichord, 45 sonata at mga variation para sa violin at harpsichord, 32 string quartets, 49 symphony, 55 concerto, atbp., para sa kabuuang 626 na gawa.

Slide no

Paglalarawan ng slide:

Si Ludwin van Beethoven (1770-1827) Si Ludwig van Beethoven ay isang mahusay na kompositor, konduktor at pianista ng Aleman. Si Beethoven ang may-akda ng maraming mga gawa na namangha sa kanyang mga kontemporaryo sa kanilang drama at novelty ng musikal na wika. Kabilang sa mga ito: piano sonatas No. 8 (“Pathetique”), 14 (“Moonlight”), sonata No. 21 (“Aurora”).

Slide no

Paglalarawan ng slide:

Niccolò Paganini (1782-1840) Si Niccolò Paganini ay isang Italyano na biyolinista at birtuoso na gitarista at kompositor. Isa sa pinaka maliliwanag na personalidad kasaysayan ng musika noong ika-18-19 na siglo. Kinikilalang henyo ng sining ng musikal sa mundo. Mula sa edad na anim, tumugtog ng biyolin si Paganini, at sa edad na siyam ay nagsagawa siya ng isang konsiyerto sa Genoa, na isang malaking tagumpay. Bilang isang batang lalaki, sumulat siya ng ilang mga gawa para sa biyolin, na napakahirap na walang sinuman kundi ang kanyang sarili ang maaaring gumanap ng mga ito.

Slide no

Paglalarawan ng slide:

Gioachino Rossini (1792-1868) Gioachino Antonio Rossini - Italyano kompositor, may-akda ng ilang dosenang mga opera. Mula pagkabata, nag-aral si Gioachino ng pagkanta, pagtugtog ng cymbal at violin, pati na rin ang teorya ng musika. Pagmamay-ari magandang boses, kumanta sa choir ng simbahan, gumanap bilang accompanist at choir conductor sa mga opera house. Ang unang opera, "Promissory Note for Marriage," ay isinulat noong 1810. Sa mga sumunod na taon, regular siyang nagsulat ng mga opera para sa mga teatro sa Venice at Milan.

Slide no

Paglalarawan ng slide:

Franz Peter Schubert (1797-1828) Franz Peter Schubert ay isang Austrian kompositor, isa sa pinakamalaking kinatawan ng Viennese classical music school at isa sa mga tagapagtatag ng romanticism sa musika. Pagkatapos ng kanyang kamatayan, isang masa ng mga manuskrito ang nanatili na kalaunan ay nakakita ng liwanag (6 na misa, 7 symphony, 15 opera, atbp.). Si Franz Schubert, isang Aleman na kompositor, ay nabuhay lamang ng 31 taon, ngunit sumulat ng higit sa 600 mga kanta, maraming magagandang symphony at sonata, malaking bilang mga koro at musika sa silid. Siya ay nagtrabaho nang husto.

Slide no

Paglalarawan ng slide:

Felix Mendelssohn (1809-1847) Si Felix Mendelssohn ay isang Aleman na kompositor at konduktor, isa sa pinakamalaking kinatawan ng romantikong kilusan sa musika, ang may-akda ng sikat na martsa ng kasal. Ang istilo ng kompositor ay nakikilala sa pamamagitan ng filigree technique, kagandahan at kagandahan, at kalinawan ng presentasyon. Para sa maliwanag at masayang kalikasan ng musika, tinawag ni Schumann si Mendelssohn na "ang Mozart ng ika-19 na siglo." Mahusay din ang mga merito ni Mendelssohn bilang konduktor.

Slide no

Paglalarawan ng slide:

Frederic Chopin (1810-1849) Si Frederic Chopin ay isang Polish na kompositor at pianista na nanirahan sa France sa mahabang panahon. May-akda ng maraming mga gawa para sa piano. Binibigyang-kahulugan niya ang maraming mga genre sa isang bagong paraan: binuhay niya ang pasimula sa isang romantikong batayan, lumikha ng ballad ng piano, nagpatula at nagsasadula ng mga sayaw - mazurka, polonaise, waltz; naging scherzo malayang gawain. Pinayaman ang pagkakatugma at pagkakayari ng piano; pinagsamang klasikal na anyo na may melodic na kayamanan at imahinasyon. Ang kanyang pagganap sa piano ay pinagsama ang lalim at katapatan ng mga damdamin na may biyaya at teknikal na pagiging perpekto.

Slide no

Paglalarawan ng slide:

Robert Schumann (1810-1856) Si Robert Schumann ay isang Aleman na kompositor at pianista. Isa sa mga pinakasikat na kompositor ng una kalahati ng ika-19 na siglo siglo, na kumakatawan sa direksyon ng romantisismo. Ang musika ni Schumann sa madulang tula"Manfred" ni J. Byron. Si Schumann ay gumawa ng mahusay na kontribusyon sa musikal na kritisismo. Ang pagtataguyod ng gawain ng mga klasikal na musikero sa mga pahina ng kanyang magasin, paglaban sa mga anti-artistic na phenomena sa ating panahon, sinuportahan niya ang bagong European romantikong paaralan.

Slide no

Paglalarawan ng slide:

Franz Liszt (1811-1886) Franz Liszt - kompositor, pianista, guro, konduktor, publicist, isa sa mga nangungunang kinatawan musical romanticism. Si Liszt ang naging pinakadakilang pianista noong ika-19 na siglo. Ang kanyang panahon ay ang kasagsagan ng concert pianism, si Liszt ang nangunguna sa prosesong ito, na may walang limitasyong mga teknikal na kakayahan. Hanggang ngayon, ang kanyang virtuosity ay nananatiling isang reference point para sa mga modernong pianista, at ang kanyang mga gawa ay nananatiling tuktok ng piano virtuosity.

Paglalarawan ng slide:

Giuseppe Verdi (1813-1901) Giuseppe Fortunino Francesco Verdi - Italyano na kompositor, sentral na pigura ng paaralan ng opera ng Italya. Ang kanyang pinakamahusay na mga opera (Rigoletto, La Traviata, Aida), na kilala sa kanilang mayamang melodic expressiveness, ay madalas na itanghal sa mga opera house sa buong mundo. Noong nakaraan, madalas na hinahamak ng mga kritiko (para sa "pagpapasaya sa panlasa ng ordinaryong tao", "pinasimpleng polyphony" at "walang kahihiyang melodramatization"), ang mga obra maestra ni Verdi ay bumubuo ng batayan ng ordinaryong operatic repertoire isang siglo at kalahati pagkatapos ng mga ito ay isulat.

Slide no

Paglalarawan ng slide:

Modest Mussorgsky 1839-1881 Modest Petrovich Mussorgsky ay isang Russian kompositor, may-akda ng mga sikat na opera sa mga tema ng kasaysayan ng Russia. Nakamit niya ang katanyagan mula sa opera na "Boris Godunov", na itinanghal sa entablado Teatro ng Mariinsky sa St. Petersburg. noong 1874 at kinilala sa ilan mga music club isang huwarang gawain. Sa Moscow, ang "Boris Godunov" ay itinanghal sa unang pagkakataon sa Bolshoi Theater noong 1888.

Slide no

Paglalarawan ng slide:

Si Pyotr Ilyich Tchaikovsky 1840-1893 Si Pyotr Ilyich Tchaikovsky ay isang kompositor na Ruso, isa sa mga pinakamahusay na melodista, konduktor, guro, musikal at pampublikong pigura. Si Tchaikovsky ay aktibong lumahok sa musikal na buhay ng Moscow, ang kanyang mga gawa ay nai-publish at ginanap dito, at ang mga pangunahing genre ng pagkamalikhain ay natukoy. Ang resulta ng pagpupulong noong 1868 at malikhaing pakikipag-ugnayan sa mga miyembro ng "Mighty Handful" ay ang paglikha ng programa mga gawang simponiko. Ang nilalaman ng musika ni Tchaikovsky ay unibersal: sinasaklaw nito ang mga larawan ng buhay at kamatayan, pag-ibig, kalikasan, pagkabata, pang-araw-araw na buhay, inihayag nito sa isang bagong paraan ang mga gawa ng panitikan ng Russia at mundo - A. S. Pushkin at N. V. Gogol, Shakespeare at Dante.

Slide no

Paglalarawan ng slide:

Nikolai Rimsky-Korsakov (1844-1908) Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov - Ruso na kompositor, guro, konduktor, pampublikong pigura, kritiko ng musika; kinatawan ng "Mighty Handful", may-akda ng 15 opera, 3 symphony, symphonic na gawa, mga instrumental na konsiyerto, cantatas, chamber instrumental, vocal at sagradong musika. Ang mga nangungunang gawa ni Rimsky-Korsakov para sa orkestra ay ang Capriccio Espagnol (1887) at ang symphonic suite na Scheherazade (1888). Makabuluhang lugar sa malikhaing pamana Ang Rimsky-Korsakov ay inookupahan ng chamber vocal lyrics. Nagsulat ng 79 na romansa, kasama ang vocal loops"Sa Spring", "Sa Makata", "Sa tabi ng Dagat".

Paglalarawan ng slide:

Sergei Rachmaninov (1873-1943) Si Sergei Vasilyevich Rachmaninov ay isang mahusay na kompositor, pianista at konduktor ng Russia. Ang pinakamalaking kompositor ng huling bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo, si Rachmaninov ay na-synthesize sa kanyang trabaho ang mga prinsipyo ng mga paaralan ng komposisyon ng St. Petersburg at Moscow (pati na rin ang mga tradisyon ng musika sa Kanlurang Europa), at lumikha ng isang bagong pambansang istilo, na kasunod nito nagkaroon ng makabuluhang impluwensya sa parehong Russian at mundo ng musika XX siglo. Ang pinakamalaking pianist sa mundo, itinatag ni Rachmaninov ang pandaigdigang priyoridad ng Russian pianistic na paaralan at ang aesthetic at artistikong prinsipyo nito.

Slide no

Paglalarawan ng slide:

Dmitri Shostakovich (1906-1975) Dmitri Dmitrievich Shostakovich - Ruso kompositor ng Sobyet, pianista, guro at pampublikong pigura, isa sa mga pinakamahalagang kompositor ng ika-20 siglo. Patuloy na nag-aaral ng mga klasikal at avant-garde na tradisyon, binuo ni Shostakovich ang kanyang sariling wikang pangmusika, emosyonal na sisingilin at umaantig sa puso ng mga musikero at mahilig sa musika sa buong mundo. Ang pinaka-kilalang mga genre sa gawa ni Shostakovich ay mga symphony at string quartets - sumulat siya ng 15 gawa sa bawat isa sa kanila. Kabilang sa mga pinakasikat na symphony ay ang Fifth at Eighth, kabilang sa mga quartets ay ang Eighth and Fifteenth.

Interpretasyon ng musika bilang isang resulta ng pakikipag-ugnayan ng notasyon ng musika, mga tradisyon ng pagganap at ang malikhaing kalooban ng tagapalabas.

Ang impormasyon ng may-akda ay naghihikayat sa gumaganap na mag-isip, mag-isip, maghanap ng mga asosasyon, at magdulot ng mga emosyon. Ang gumaganap na impormasyon ay nakakaimpluwensya sa impormasyon ng may-akda, nagpapaliit o nagpapalawak nito, pinupunan ito, binabago ito, iyon ay, ang muling pag-iisip ng gawaing musikal ay nangyayari, bilang isang resulta kung saan ang isang masining na imahe ay nilikha. Ang muling interpretasyon ng impormasyon ng may-akda ay hindi dapat humantong sa pagbaluktot sa intensyon ng may-akda. Ang tunay na gumaganap na co-creation ay posible lamang kapag ang impormasyon ng may-akda ay nakahanap ng katumbas na damdamin sa gumaganap.

Ang paggawa sa isang piraso ng musika ay isang malikhaing proseso, ang pagkakaiba-iba nito ay nauugnay sa mga artistikong tampok ng trabaho at sa iba't ibang mga indibidwal na katangian ng tagapalabas. Anong mga gawain ang kinakaharap niya? At kung ano ang nagtataguyod ng pag-unlad pagkamalikhain tagapalabas, pinasisigla ang pagbuo ng kanyang panlasa ng musika, propesyonal na kasanayan?

Ang magsagawa ay nangangahulugan ng paglikha sa pamamagitan ng malalim na pagtagos sa mga nilalaman ng gawain at sagisag nilalamang musikal batay sa isang masining na imahe. Ang muling paglikha ng nilalaman ng isang gawa ay nagpapahiwatig ng katapatan sa teksto ng may-akda, pag-unawa sa ideolohikal na oryentasyon ng akda, at emosyonal na kayamanan (ang sining ng musikal ay nakakaapekto sa emosyonal na globo ng pang-unawa ng tao).

Ang paglikha ng isang masining na imahe ay imposible nang hindi isinasaalang-alang ang pagka-orihinal makasaysayang panahon kung saan nilikha ang gawain; ang mga tampok ng genre nito, ang mga pambansang tampok ng pananaw sa mundo ng kompositor, ang likas na katangian ng paggamit ng mga nagpapahayag na paraan ng musika, iyon ay, lahat ng tinatawag nating mga tampok na pangkakanyahan o katangian.

Interpretasyon -(mula sa Latin interpretatio - paglilinaw, interpretasyon) - ang proseso ng tunog na pagsasakatuparan ng isang musikal na teksto. Ang interpretasyon ay nakasalalay sa mga aesthetic na prinsipyo ng paaralan o kilusan kung saan kabilang ang artist, sa kanya indibidwal na katangian at ideolohikal at masining na konsepto. Ipinagpapalagay ng interpretasyon ang isang indibidwal na diskarte sa musikang ginaganap, isang aktibong saloobin, at ang pagkakaroon ng sariling malikhaing konsepto ng tagapalabas para sa sagisag ng intensyon ng may-akda. Hanggang sa simula ng ika-19 na siglo, ang sining ng interpretasyon ay malapit na nauugnay sa gawain ng mga kompositor: bilang isang panuntunan, ang mga kompositor mismo ay gumanap ng kanilang mga gawa. Ang pag-unlad ng interpretasyon ay dahil sa pagtindi ng aktibidad ng konsiyerto.

Bilang isang malayang sining, ang interpretasyon ay nakakuha ng espesyal na kahalagahan noong 20-30s ng ika-19 na siglo. Sa pagsasanay sa pagganap, isang bagong uri ng musikero-interpreter ang itinatag - isang tagapalabas ng mga gawa ng iba pang mga kompositor. Sa parallel, may mga tradisyon ng orihinal na pagganap. Ang mga banayad na tagapagsalin ng mga gawa ng iba pang mga may-akda ay sina F. Liszt, A.G. Rubinstein, S.V. Mula noong ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, umuunlad ang teorya ng interpretasyong musikal (pinag-aaralan ang iba't ibang mga paaralang gumaganap, mga prinsipyo ng aesthetic ng interpretasyon, mga problema sa teknolohikal ng pagganap), na sa simula ng ika-20 siglo ay naging isa sa mga lugar. ng musicology. Ang isang makabuluhang kontribusyon sa pagbuo ng teorya ng interpretasyon ng Russia ay ginawa ni G.M. Kogan, G.G.

Layunin at subjective, intuitive at rational sa musical performance. Kalikasan ng pagiging malikhain pagganap.

Sumulat ang tanyag na pianista na si I. Hoffman: “Ang tamang interpretasyon ng isang gawaing musikal ay sumusunod sa wastong pagkaunawa nito, at ito naman, ay nakasalalay sa isang masusing tumpak na pagbasa.” Nangangahulugan ito na ang wastong katangian ng pagtatanghal ay napatunayan, una sa lahat, sa pamamagitan ng isang makabuluhang interpretasyon na mahigpit na tumutugma sa teksto ng may-akda "Ang musikal na teksto ay yaman na ipinamana ng kompositor, at ang kanyang mga tagubilin sa pagganap ay ang kasamang liham sa kalooban, ” sabi ng kompositor at pianista na si S. Feinberg. Gayunpaman, mayroong hindi lamang teksto, kundi pati na rin ang subtext ng trabaho. Ang kahanga-hangang pianista na si K. Igumnov ay naniniwala na ang tagapalabas ay dapat ding magdala ng "isang magandang kalahati" sa teksto mula sa kanyang sarili, iyon ay, dapat niyang lapitan ang panloob na katangian ng trabaho, ihayag ang subtext nito. Ang maalamat na si G. Neuhaus ay patuloy na nagpapaalala sa amin ng pangangailangan na patuloy na bungkalin ang mood ng gawaing ginagampanan, dahil ito ay tiyak sa mood na ito, na hindi ganap na pumapayag sa musikal na notasyon, na ang buong kakanyahan ng masining na imahe ay namamalagi. Mula sa lahat ng nasa itaas, sumusunod na ang eksaktong pagpapatupad ng teksto ng kompositor ay hindi dapat mangahulugan ng pormal na pagpaparami nito, ngunit isang makabuluhang malikhaing "pagsasalin" ng recording-scheme sa totoong tunog na mga imahe.

Ang pag-unawa at interpretasyon bilang dialectically interconnected na mga aspeto ng interpretasyon. Ang henerasyon ng mga bagong kahulugan bilang resulta ng interpretasyon. Pagtitiyak ng artistikong interpretasyon, intuitive na pag-unawa sa bagay ng interpretasyon (karanasan, synergetics).

Ang papel ng semantiko at pagsusuri ng aesthetic gumagana para sa pagsasagawa ng interpretasyon

Intentionality at unintentionality sa musical interpretation

Tandaan natin na ang pagtatanghal ng musika ay, una sa lahat, isang pamamaraan at dinamikong sandali. Nangangahulugan ito na ang pagbabago ng isang musikal na imahe sa entablado ay natural, kung saan ang ilang partikular na pagbabago sa interpretasyon ng musikal na imahe ay nangyayari. Pinag-uusapan ng mga mananaliksik ang pagkakaiba-iba ng pagpaparami ng musika ng isang performer o kumbinasyon ng variable at invariant na mga elemento.

Ang proseso ng interpretive ay maaaring iharap bilang interaksyon ng dalawang magkasalungat na prinsipyo - sinadya (bilang pokus ng matatag sa proseso) at hindi sinasadya (bilang pokus ng nababago sa proseso). Ang dalawang malaki at kumplikadong mga layer na ito ay bumubuo sa istraktura ng proseso. Ang paglalahad ng istrukturang ito sa oras, ang kabuuan at koneksyon ng mga elemento nito ay bumubuo ng isang gumagalaw na integridad ng tunog, na, sa katunayan, ay isang proseso ng interpretasyon.

Sinadyang Simula ay isang pangkalahatang pagpapahayag ng ibinigay na katangian ng proseso. Kasama sa mga sinadyang elemento ang mga elemento na ang mga parameter ng kalidad ay na-program ng musikero bago magsimula ang mga aksyon na gumaganap at kung saan nilalayon niyang ipatupad sa paparating na proseso. Magkasama, ang mga elementong ito ay bumubuo ng sinasadyang binalak na bahagi ng gumaganap na interpretasyon at bumubuo ng quantitative dominant ng proseso. Ang kanilang mga natatanging tampok ay: panloob na pagganyak, katiyakan at kahalagahan ng semantiko. Sa isang antas o iba pa, sinasaklaw ng intensyonalidad ang lahat ng antas ng istraktura ng disenyo. Ang sinadyang simula ay nagtataglay ng selyo ng indibidwal na artistikong kamalayan ng artist at isang tanda ng kanyang pagiging malikhain.

Ang proseso ng interpretative ay hindi mababawasan sa sunud-sunod na ipinatupad na intentionality. Dumating sa sarili nitong hindi sinasadyang pagsisimula, na kung saan ay hindi maaaring hindi naroroon sa mga gawa ng objectification at may isang pangunahing kakaibang katangian. Ang isang hindi sinasadyang simula ay isang dinamikong bahagi ng proseso, ang mga elemento na kung saan ay kusang bumangon, lumilitaw sa anyo ng mga paglihis mula sa kurso na itinakda ng orihinal na plano at bumubuo ng isang "existential field" ng kawalan ng katiyakan. Ang bahaging ito, na sumasalamin sa hindi makatwiran na aspeto ng pagsasagawa ng pagkamalikhain, ay nagiging tagapagdala ng mismong posibilidad ng isang hindi nahuhulaang, self-generating na pagbabago sa image-plan. Ang hindi sinasadyang simula ay kinabibilangan ng mga elemento ng ibang kalikasan. Kung isasaalang-alang natin ang mga ito sa content-semantic plane, kung gayon ang pangangailangan ay lumitaw na hatiin ang mga hindi sinasadyang elemento sa dalawang subtype: semantic at asemantic.

Semantiko (improvisasyon) pinag-iisa ng pananaw ang isang grupo ng mga elementong incidental na pinagkalooban ng masining at nagpapahayag na kahulugan. Ang pagiging isang malikhaing produkto ng "libre" (hindi tinukoy) na aktibidad ng walang malay, ang resulta ng panandaliang "aktibidad" ng intuwisyon, imahinasyon, pantasya at panloob na paggalaw ng mga damdamin, karaniwang tinatawag na artistikong karanasan, bumubuo sila ng isang artistikong produktibong layer ng isang hindi sinasadyang simula. Ang kanilang mga katangian ay: hindi sinasadya, bagong bagay at semantiko na kahalagahan, at ang huli ay bumubuo ng batayan ng pagkakaisa at pagkakamag-anak ng mga improvisasyon at sinasadyang mga elemento, na bumalik sa isang pinagmulan - ang tunog na imahe. Kasama sa hindi sinasadyang simula ang improvisasyon, ngunit hindi limitado dito.

Asemantic (magulo) pinagsasama ng pananaw ang isang pangkat ng mga hindi sinasadyang elemento, ang hitsura nito ay hindi sanhi ng artistikong mga kadahilanan, ngunit sa pamamagitan ng isang "pagkabigo" sa aktibidad. Ang pinagmulan ng mga elementong ito ay nauugnay sa mga paglabag sa mga teknolohikal at regulasyong lugar ng pagpapatupad. Lumilitaw ang mga ito sa anyo ng mga error sa pagganap, mga depekto at mga sandali ng disorganisasyon ng proseso. Ang mga elemento ng asemantiko ay nagdudulot ng pinsala sa kung ano ang nilalayon, hindi nagbibigay ng isang "layunin" na semantikong resulta, ngunit nagpapakilala lamang ng higit pa o hindi gaanong makabuluhang pagkasira sa proseso, at samakatuwid ay bumubuo ng isang artistikong hindi produktibong layer ng isang hindi sinasadyang simula. Isinasaalang-alang ang labis na hindi naaangkop, malinaw na mapanirang antas ng paggana ng sangkap na ito, maaari itong tawaging "magulo".

Ang tanong ng kasapatan ng gumaganap na interpretasyon ng isang gawaing musikal.

Ang isang musikero ay hindi lamang dapat makabisado ang teksto, ang kanyang pangunahing gawain ay upang maunawaan ang intensyon ng kompositor, muling likhain ang kanyang mga musikal na imahe na nakapaloob sa isang musikal na gawain, at piliin paraan ng pagpapahayag para sa pinakatumpak na paghahatid.

Sumulat si A. France: “Ang pag-unawa sa isang perpektong gawa ng sining ay nangangahulugan, sa pangkalahatan, na muling likhain ito sa iyong sarili panloob na mundo" Sinabi ni K.S. Stanislavsky na "ang malalim na pagtagos ng aktor sa ideya ng may-akda, na nasanay sa imaheng nakapaloob sa entablado, kapag ang aktor ay nabubuhay, nararamdaman at iniisip sa parehong paraan tulad ng papel, pagkatapos lamang ang kanyang mga aksyon ay maaaring humantong sa tagumpay sa entablado. ”

Ang Italyano na pianista na si F. Busoni ay nagsalita tungkol sa bagay na ito gaya ng sumusunod: “Isang halos nakahihigit sa tao na gawain ang itapon ang sariling damdamin upang mabago ang damdamin ng pinakamaraming magkakaibang mga indibiduwal at mula rito ay pag-aralan ang kanilang nilikha.” Masyadong subtly napansin ang creative kakanyahan sining ng pagtatanghal Ang kritiko ng Russia na si V.G. Belinsky: "Kinukumpleto ng aktor ang ideya ng may-akda sa kanyang pag-arte, at ang karagdagan na ito ay binubuo ng kanyang pagkamalikhain."

A.N. Si Serov, isang sikat na kompositor ng Russia at kritiko ng musika, ay sumulat:“Ang papel - kahit man lang mula sa isang dula ni Shakespeare, ang musika - kahit man lang mula kay Beethoven mismo, kaugnay ng napakatalino na pagganap, isang sketch lamang, isang sanaysay; mga pintura, buong buhay Ang mga gawa ay ipinanganak lamang sa ilalim ng kaakit-akit na kapangyarihan ng tagapalabas."

Halimbawa, ang pinakasikat na unang konsiyerto para sa piano at orkestra ng P.I. Si Tchaikovsky, ay nakakuha ng malawak na katanyagan 4 na taon lamang pagkatapos ng unang pagganap, nang ito ay mahusay na ginanap ni N. Rubinstein. Ang parehong kuwento ay nangyari sa violin concerto ni P. Tchaikovsky, na pagkatapos lamang ng pagganap ni L. Auer ay kinuha ang nararapat na lugar sa repertoire ng konsiyerto ng mga biyolinista.

Ang mga halimbawang ito ay nagpapakita ng pagiging malikhain ng pagganap na aktibidad, na hindi isang simple, pormal na pagsasalin ng teksto ng may-akda sa tunog, ngunit ang malikhaing pagpapatupad nito. Ang sikolohikal na kakanyahan ng interpretasyon ay napakatumpak na ipinahayag ni A.N. Serov: “ Mahusay na misteryo Ang mga magagaling na tagapalabas ay ang kanilang pinapaliwanag kung ano ang kanilang ginagampanan sa pamamagitan ng kapangyarihan ng kanilang talento mula sa loob, pinatingkad ito, at inilalagay dito ang isang buong mundo ng mga sensasyon mula sa kanilang sariling kaluluwa.

Ang interpretasyon ay hindi limitado sa mga propesyonal na merito at kasanayan ng tagapalabas. Ito ay isang pagpapahayag ng lahat ng aspeto ng personalidad, at nauugnay sa pananaw sa mundo, oryentasyong ideolohikal, karaniwang kultura, maraming nalalaman na kaalaman at paraan ng pag-iisip na bumubuo sa panloob na nilalaman ng personalidad.

Ang panlipunan, moral at propesyonal na responsibilidad ng tagapalabas ay tumaas mula sa katapusan ng ika-18 hanggang sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo, nang ang sining ng pagtatanghal ay nahiwalay sa sining ng komposisyon. Ang kapalaran ng trabaho ay higit na nakasalalay sa tagapalabas.

A. Rubinstein: “Lubos na hindi maintindihan sa akin kung ano ang karaniwang ibig sabihin ng layunin na pagganap. Anumang pagganap, kung ito ay hindi ginawa ng isang makina, ngunit ng isang tao, ay sa sarili nitong subjective. Ang wastong paghahatid ng kahulugan ng isang bagay (komposisyon) ay ang batas para sa tagapalabas, ngunit ginagawa ito ng lahat sa kanilang sariling paraan, iyon ay, subjectively; at ito ba ay naiisip kung hindi man? Kung ang pagtatanghal ng isang komposisyon ay dapat na layunin, kung gayon isang paraan lamang ang magiging tama, at lahat ng mga gumaganap ay kailangang gayahin ito; Ano kaya ang magiging mga performers? Mga unggoy? Iisa lang ba ang pagganap ng papel ng Hamlet, o King Lear, atbp.? Kaya, sa musika, subjective performance lang ang naiintindihan ko.”

Pagbuo ng masining at gumaganap na mga ideya at pagpapatupad nito

Sa mga usapin ng interpretasyon, ang pambihirang kahalagahan ay kabilang sa imahinasyon - ang proseso ng pag-iisip ng pagbuo ng isang imahe ng aktibidad sa hinaharap, o paglikha ng bago sa anyo ng isang pangkalahatang ideya, o isang mas tiyak na representasyon ng panghuling produkto ng aktibidad. Ang imahinasyon ay palaging isang mental na pagbuo ng isang programa para sa kasunod na aktibidad, na nauuna sa materyal na katawan nito. May mga libangan at malikhaing imahinasyon. Ang malikhain ay ang paglikha ng mga bagong ideya at larawan. Ang muling paglikha ay ang pagbuo ng mga imahe batay sa musikal na teksto, atbp. Muling nililikha ang imahinasyon - sikolohikal na batayan paglikha ng interpretasyon ng pagganap ng musika.

Dalawang uri ng mga performer - emosyonal na uri (tagasunod ng "sining ng karanasan") at intelektwal na uri ng mga artista (theater art, Stanislavsky).

May mga performer ng synthetic type. Ang isang kahanga-hangang kumbinasyon ng dalawang prinsipyong ito ay matatagpuan sa mga aktibidad ng S.V. Rachmaninov, at P. Casals, A. Toscanini at J. Heifitz, D. Oistrakh at S. Richter, L. Kogan at E. Gilels, E. Svetlanov at V. Fedoseev. Ang mga ito ay nakikilala sa pamamagitan ng malalim na pagtagos sa nilalaman ng isang gawaing musikal, napakatalino na pagkakaisa ng nilalaman at anyo, kawili-wili, orihinal na interpretasyon at mahusay na teknikal na kasanayan. Ang ganitong uri ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang balanse sa pagitan ng emosyonal at intelektwal na mga prinsipyo, na sinasadya na kinokontrol.

Iba't ibang aspeto ng interpretasyon: 1. interpretasyon ng gumaganap ng intensyon ng may-akda; 2. makasaysayang pamana; 3. ugnayang interkultural at intrakultural. Tunay na pagganap, pagsasawsaw sa kontekstong pangkasaysayan at kultural.

Ang paggawa sa isang piraso ng musika ay dapat na nakabatay sa isang komprehensibong pag-aaral nito. Ito ay magbibigay-daan sa iyo upang bungkalin nang mas malalim sa matalinghagang globo, mapanatili ang interes ng tagapalabas sa trabaho at, sa wakas, maunawaan ang intensyon ng may-akda.

Ang pinakamahalagang panimulang punto sa mahaba at kumplikadong landas na ito ay ang panahon kung saan ito o ang gawaing iyon ay nilikha. Ang mga kompositor ay tila nagsasalita ng iba't ibang mga wika sa iba't ibang panahon, naglalaman ng iba't ibang mga mithiin, sumasalamin sa mga aspeto ng buhay, pilosopikal at aesthetic na pananaw, at mga konsepto na katangian ng isang partikular na panahon. Alinsunod dito, ginagamit ang mga nagpapahayag na paraan. Kinakailangang maunawaan kung bakit lumitaw ang partikular na istilo sa isang partikular na panahon, upang ikonekta ito sa personalidad ng kompositor, na isang "produkto" ng panahon, ay kabilang sa isang tiyak na pangkat ng lipunan, nasyonalidad, upang ilagay ang gawaing musikal. ang mga kundisyong ito at itatag kung anong kaugnayan ito sa lumikha at panahon.

Kunin natin ang kaugnayan sa pagitan ng panahon at pagtatalaga ng paggalaw (tempo). Sa iba't ibang panahon, iba ang interpretasyon ng mga tempo designation. Sa pre-classical na panahon, ang tempo na "Allegro", "Andante", "Adagio", halimbawa, ay hindi nagpapahiwatig ng bilis ng paggalaw, ngunit ang likas na katangian ng musika. Ang Allegro ni Scarlatti ay mas mabagal (o mas pinigilan) kaysa sa Allegro ng mga klasiko, habang ang Allegro ni Mozart ay mas mabagal (mas pinigilan) kaysa sa Allegro sa modernong kahulugan nito. Mas mobile ang Andante ni Mozart. Kaysa sa naiintindihan natin ngayon. Ang parehong ay maaaring sabihin tungkol sa relasyon panahon ng musika may dynamics at articulation. Siyempre, ang awtoridad na naroroon ay nagpapahintulot sa iyo na makipagtalo sa isang lugar na may mga dynamic na tagubilin, upang makita ang piano, pianissimo, forte, fortissimo sa isang bagong paraan.

Pag-record ng tunog

Ang mga unang aparato para sa pag-record at pagpaparami ng tunog ay mga mekanikal na instrumentong pangmusika. Maaari silang tumugtog ng mga melodies, ngunit hindi nakapag-record ng mga di-makatwirang tunog, tulad ng boses ng tao. Ang awtomatikong pag-playback ng musika ay kilala mula noong ika-9 na siglo, nang imbento ng magkakapatid na Banu Musa ang pinakalumang kilala. mga kasangkapang mekanikal- isang haydroliko o "organ ng tubig" na awtomatikong naglalaro ng mga mapapalitang silindro. Ang silindro na may nakausli na "mga cam" sa ibabaw ay nanatiling pangunahing paraan para sa mekanikal na pagpaparami ng musika hanggang sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. Sa panahon ng Renaissance, maraming iba't ibang mekanikal na makina ang nilikha. mga instrumentong pangmusika, na nagpaparami nito o ang melody na iyon sa tamang sandali: mga organo ng bariles, mga music box, mga kahon, mga snuff box.

Noong 1857, naimbento ni de Martinville ponograpo. Ang aparato ay binubuo ng isang acoustic cone at isang vibrating membrane na konektado sa isang karayom. Ang karayom ​​ay napunta sa ibabaw ng isang manu-manong pinaikot na silindro ng salamin na pinahiran ng uling. Ang mga tunog na panginginig ng boses na dumadaan sa kono ay naging sanhi ng pag-vibrate ng lamad, na nagpapadala ng mga panginginig ng boses sa karayom, na sumubaybay sa hugis ng mga tunog na vibrations sa soot layer. Gayunpaman, ang layunin ng device na ito ay puro pang-eksperimento - hindi nito mai-reproduce ang ginawang recording.

Noong 1877, naimbento ni Thomas Edison ang ponograpo, na maaari nang magpatugtog ng sarili nitong recording. Ang tunog ay naitala sa daluyan sa anyo ng isang track, ang lalim nito ay proporsyonal sa dami ng tunog. Ang ponograpo soundtrack ay inilalagay sa isang cylindrical spiral sa isang maaaring palitan na umiikot na drum. Sa panahon ng pag-playback, ang isang karayom ​​na gumagalaw sa isang uka ay nagpapadala ng mga vibrations sa isang nababanat na lamad, na naglalabas ng tunog.

Edison Thomas Alva (1847-1931), Amerikanong imbentor at negosyante. May-akda ng higit sa 1000 mga imbensyon sa larangan ng electrical engineering at komunikasyon. Inimbento niya ang unang sound recording device sa mundo - ang ponograpo, pinahusay ang incandescent lamp, telegraph at telepono, at itinayo ang unang power station sa mundo noong 1882.

Sa unang ponograpo, ang isang metal na roller ay pinaikot gamit ang isang pihitan, na gumagalaw nang axially sa bawat rebolusyon dahil sa mga thread ng tornilyo sa drive shaft. Ang tin foil (staniol) ay inilagay sa roller. Hinawakan ito ng isang bakal na karayom ​​na konektado sa isang lamad ng pergamino. Ang isang metal cone horn ay nakakabit sa lamad. Kapag nagre-record at nagpe-play pabalik ng tunog, ang roller ay kailangang paikutin nang manu-mano sa bilis na 1 rebolusyon kada minuto. Kapag ang roller ay umiikot sa kawalan ng tunog, ang karayom ​​ay pinalabas ang isang spiral groove (o groove) na pare-pareho ang lalim sa foil. Kapag ang lamad ay nag-vibrate, ang karayom ​​ay pinindot sa lata alinsunod sa pinaghihinalaang tunog, na lumilikha ng isang uka ng variable depth. Ito ay kung paano naimbento ang "deep recording" na paraan.

Sa unang pagsubok ng kanyang apparatus, mahigpit na hinila ni Edison ang foil papunta sa silindro, dinala ang karayom ​​sa ibabaw ng silindro, maingat na sinimulang paikutin ang hawakan at kinanta ang unang saknong ng awiting pambata na "Mary Had a Little Lamb" sa isang megaphone. Pagkatapos ay binawi niya ang karayom, ibinalik ang silindro sa orihinal na posisyon nito gamit ang hawakan, ipinasok ang karayom ​​sa iginuhit na uka at nagsimulang iikot muli ang silindro. At mula sa megaphone ay isang awiting pambata ang tumunog nang tahimik ngunit malinaw.

Noong 1885, binuo ng Amerikanong imbentor na si Charles Tainter (1854-1940) ang graphophone - isang foot-operated phonograph (tulad ng foot-operated sewing machine) - at pinalitan ng wax paste ang mga sheet ng lata ng mga roller. Binili ni Edison ang patent ng Tainter, at ang mga naaalis na wax roller ay nagsimulang gamitin para sa pagre-record sa halip na mga foil roller. Ang pitch ng sound groove ay humigit-kumulang 3 mm, kaya ang oras ng pag-record sa bawat roller ay napakaikli.

Ang ponograpo ay umiral sa halos hindi nagbabagong anyo sa loob ng ilang dekada. Itinigil nito ang produksyon bilang isang aparato para sa pagre-record ng mga musikal na gawa sa pagtatapos ng unang dekada ng ika-20 siglo, ngunit ginamit bilang isang voice recorder sa halos 15 taon. Ang mga roller para dito ay ginawa hanggang 1929.

Pagkalipas ng sampung taon, noong 1887, pinalitan ng imbentor ng gramophone, E. Berliner, ang mga roller na may mga disk, kung saan maaaring gumawa ng mga kopya - metal matrice. Sa kanilang tulong, ang pamilyar na mga tala ng gramopon ay pinindot (Larawan 4 a.). Ginawang posible ng isang matrix na mag-print ng isang buong edisyon - hindi bababa sa 500 record. Ito ang pangunahing bentahe ng mga rekord ng Berliner kumpara sa mga wax roller ni Edison, na hindi maaaring kopyahin. Hindi tulad ng ponograpo ni Edison, nakabuo ang Berliner ng isang aparato para sa pag-record ng tunog - isang recorder, at isa pa para sa muling paggawa ng tunog - isang gramopon.

Sa halip na malalim na pag-record, ginamit ang transverse recording, i.e. ang karayom ​​ay nag-iwan ng paikot-ikot na bakas ng patuloy na lalim. Kasunod nito, ang lamad ay pinalitan ng mga napakasensitibong mikropono na nagko-convert ng mga sound vibrations sa electrical vibrations, at mga electronic amplifier. Ang 1888 ay ang taon na naimbento ng Berlinger ang talaan at pag-record ng gramopon.

Hanggang 1896, ang disc ay kailangang paikutin nang manu-mano, at ito ang pangunahing hadlang sa malawakang paggamit ng mga gramopon. Inihayag ni Emil Berliner ang isang kumpetisyon para sa isang spring motor - mura, advanced sa teknolohiya, maaasahan at makapangyarihan. At ang naturang makina ay dinisenyo ng mekaniko na si Eldridge Johnson, na dumating sa kumpanya ng Berliner. Mula 1896 hanggang 1900 Mga 25,000 sa mga makinang ito ang ginawa. Noon lang naging laganap ang gramophone ni Berliner.

Ang mga unang tala ay single-sided. Noong 1903, unang inilabas ang isang 12-pulgadang disc na may recording sa dalawang panig.

Noong 1898, ang Danish engineer na si Woldemar Paulsen (1869-1942) ay nag-imbento ng isang apparatus para sa magnetically recording ng tunog sa steel wire. Kasunod nito, nag-imbento si Paulsen ng isang paraan ng magnetic recording sa isang umiikot na steel disk, kung saan ang impormasyon ay naitala sa isang spiral ng isang gumagalaw na magnetic head. Noong 1927, binuo ni F. Pfleimer ang isang teknolohiya para sa paggawa ng magnetic tape sa isang non-magnetic na batayan. Batay sa pag-unlad na ito, noong 1935 ang German electrical engineering company na AEG at ang kemikal na kumpanya na IG Farbenindustri ay nagpakita sa German Radio Exhibition ng magnetic tape sa isang plastic base na pinahiran ng bakal na pulbos. Mastered in industriyal na produksyon, ito ay nagkakahalaga ng 5 beses na mas mababa kaysa sa bakal, ay mas magaan, at pinaka-mahalaga, pinapayagan ang mga piraso na konektado sa pamamagitan ng simpleng gluing. Upang magamit ang bagong magnetic tape, isang bagong sound recording device ang binuo, na nakatanggap ng brand name na "Magnetofon". Ang magnetic tape ay angkop para sa paulit-ulit na pag-record ng tunog. Ang bilang ng mga naturang tala ay halos walang limitasyon. Ito ay tinutukoy lamang ng mekanikal na lakas ng bagong carrier ng impormasyon - magnetic tape. Ang unang two-track tape recorder ay inilabas ng German company na AEG noong 1957, at noong 1959 ang kumpanyang ito ay naglabas ng unang four-track tape recorder.

1

Ang artikulo ay naglalahad teoretikal na pagsusuri mga problema sa pagsasagawa ng interpretasyon ng isang gawaing musikal. Ang konsepto ng "interpretasyon" ay isinasaalang-alang pareho sa pangkalahatang kahulugan at sa konteksto ng musikal na sining, pati na rin ang proseso ng paglitaw ng ideya ng pag-unawa sa pagganap ng isang gawa bilang interpretasyon nito. Ang papel ng performer-interpreter ay nakabalangkas, ang mga kinakailangang sikolohikal at propesyonal na katangian ng isang musikero ay natukoy, na nag-aambag sa isang tamang pag-unawa sa intensyon ng may-akda at ang pagkakakilanlan ng personal na kahulugan. Ang problema ng layunin at subjective na interpretasyon ay pinag-aralan komposisyon ng musika, pati na rin ang iba't ibang mga diskarte sa pag-unawa sa "tamang" interpretasyon ng isang akda. Ibinigay pangkalahatang plano nagtatrabaho sa isang piraso ng musika upang mas tumpak na maunawaan at maihatid ang masining na imahe. Ang partikular na atensiyon ay binabayaran sa pagtatrabaho sa mga akdang tinig sa isang wikang banyaga dahil sa pagkakaroon ng mga partikular na tampok sa lingguwistika.

personal na kahulugan

malikhaing inisyatiba

indibidwalidad ng performer

pagganap sa musika

improvisasyon

masining na imahe

malikhaing interpretasyon

1. Gadamer G.-G. Ang kaugnayan ng kagandahan. - M.: Sining, 1999. - 368 p.

2. Ovsyankina G.P. Sikolohiyang pangmusika. - St. Petersburg: Union of Artists, 2007. - 240 p.

3. Stanislavsky K.S. Mga nakolektang gawa: monograph sa 9 na volume - M.: Art, 1991. - 4 na volume - 400 pp.

4. Feinberg S.E. Pianismo bilang isang sining. - 2nd ed. - M.: Musika, 1969. - 608 p.

5. Kholopova V.N. Musika bilang isang anyo ng sining: aklat-aralin. allowance. - St. Petersburg: Lan, 2000. - 320 p.

6. Shalyapin F.I. Maskara at kaluluwa. Apatnapung taon ko sa mga sinehan. - Paris: Modern Notes, 1932. - 357 p.

S.E. Si Feinberg, isang pianistang Sobyet, guro ng musika at kompositor, ay sumulat: “Ang musikal na teksto ay ang kayamanan na ipinamana ng kompositor, at ang kanyang mga tagubilin sa pagganap ay ang kasamang liham sa testamento.” Ang kanyang walang kamatayang mga salita ay sumasalamin sa isa sa mga diskarte na gumagabay sa mga musikero kapag nagbabasa ng isang piraso ng musika. Gayunpaman, kilalang-kilala na hindi lamang isang teksto, kundi pati na rin ang isang subtext ng isang gawa na naghahatid ng isang espesyal na mood na hindi palaging pumapayag sa musikal na notasyon. At ito ay tiyak na "pagpasok" sa mood na ito na nagbubukas ng daan para sa tagapalabas na maunawaan ang masining na imahe ng buong trabaho.

Ang kalabuan ng isyu ng pagtukoy ng isang masining na imahe sa sining ng musika ay nakasalalay sa katotohanan na ang isa ay dapat palaging mapanatili ang isang balanse sa pagitan ng "katumpakan" ng intensyon ng may-akda at ang malikhaing inisyatiba ng tagapalabas.

Ang mahusay na pagpapatupad ay kasingkahulugan ng salitang "pagkamalikhain". At ito ay nakasalalay lamang sa tagapalabas kung iespiritwal niya ang isang piraso ng musika o, kabaligtaran, pababain ito. Ito ay ang indibidwal na interpretasyon ng trabaho na nagpapataas sa pagganap ng aktibidad sa isang malikhaing antas. Pagkatapos ng lahat, kahit na ang pinakadetalyado at puno ng pag-record ng mga puna ay kamag-anak, at nananatili itong hindi lamang basahin, kundi pati na rin "muling buhayin," iyon ay, isang "malikhaing pagsasalin" ng recording-scheme ng may-akda sa mga tunay na tunog na imahe ay dapat na ginawa.

Ngunit paano ito makakamit? Sapat na bang maingat na sundin ang musikal na teksto at mga tala ng may-akda?

Sa isang banda, ginagarantiyahan ng marka ang isang pagganap na katulad ng sa may-akda, ngunit sa kabilang banda, ito ay isang eskematiko na pagpaparami lamang ng gawa ng may-akda. Ang anumang pagtatanghal ng isang musikal na teksto na nilikha ng isang kompositor ay subjective at kumakatawan sa interpretasyon o interpretasyon ng performer. Gayunpaman, sa makasaysayang itinatag na espesyal na propesyonal na pag-unawa sa pagsasagawa ng interpretasyon, hindi lahat ng pagpaparami ng musikal na teksto ay itinuturing na isinasaalang-alang.

Ang terminong "interpretasyon" mismo ay nagmula salitang Latin"interpretario" - interpretasyon, interpretasyon, pagsisiwalat ng kahulugan. Bukod dito, ang proseso ng interpretasyon ay nauugnay hindi lamang sa pagtatatag ng isang layunin na kahulugan, kundi pati na rin sa mas malaking lawak- na may pagkakakilanlan ng personal na kahulugan ng mga binibigyang kahulugan. Sa larangan ng musikal na sining, ang interpretasyon ay tumutukoy sa iba't ibang multiplicity ng indibidwal na pagbabasa at pagpaparami ng isang musikal na gawa, na nagpapakita ng ideolohikal at matalinghagang nilalaman nito at mga bagong kahulugan.

Sa una, ang salitang "interpretasyon", na lumitaw sa wikang Ruso, at ang mga analogue nito sa Europa ("interpretasyon" sa Ingles, "interpretasyon" sa Pranses, "Auslegung" sa Aleman, atbp.) ay walang kinalaman sa musika. Ang ideya ng pag-unawa sa pagganap ng isang trabaho bilang interpretasyon nito ay lumitaw hindi pa matagal na ang nakalipas. Sa mga panahon ng Bach, Mozart, Chopin o Schubert, halimbawa, walang sinuman ang maaaring mag-isip ng isang pagtatalo tungkol sa kung paano wastong bigyang-kahulugan ang isang piraso ng musika. Pagkatapos ng lahat, sa oras na iyon ang mga kompositor, bilang panuntunan, ay gumanap ng kanilang mga gawa mismo. Ang pag-unlad ng interpretasyon bilang isang independiyenteng sining ay naging posible sa simula ng ika-19 na siglo, pagkatapos ng pagpapasikat ng mga aktibidad sa konsiyerto at ang paglitaw ng isang bagong uri ng musikero-interpreter - isang tagapalabas ng mga gawa ng iba pang mga kompositor. Ang mga tradisyon ng orihinal na pagganap ay lumitaw din. Ang nasabing mga interpretive na musikero ay sina F. Liszt, A.G. Rubinstein, S.V. Rachmaninov. Mula sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, nagsimulang magkaroon ng isang teorya ng interpretasyong musikal, na pinag-aaralan ang iba't ibang mga paaralang gumaganap at mga prinsipyo ng aesthetic ng interpretasyon. Noong ika-20 siglo, ang teoryang ito ay naging sangay ng musicology.

Tulad ng mahusay na pagganap, ang proseso ng paggawa sa isang piraso ng musika ay isa ring malikhaing proseso. Bukod dito, ang pagkamalikhain dito ay nauugnay hindi lamang sa pagsisiwalat ng mga artistikong tampok ng trabaho, kundi pati na rin sa pagpapatupad ng iba't ibang mga indibidwal na katangian ng tagapalabas, na itinalaga sa halip na magkasalungat na mga gawain. Sa isang banda, ang pinakatumpak na pagsisiwalat ng intensyon ng may-akda batay sa kanyang istilo, mga tampok ng genre, emosyonal na nilalaman, atbp., at sa kabilang banda, ang pagpapahayag ng kanyang sariling emosyon at damdamin. Sa kasong ito, ang isang direktang koneksyon sa pagitan ng personalidad ng may-akda at ng personalidad ng tagapalabas ay malinaw na ipinakita, at ang interpretasyon ng akda ay maaaring kinakatawan bilang mga diyalogo sa pagitan ng kompositor at tagapalabas, ang tagapalabas at ang tagapakinig, kasama ang personalidad. ng gumaganap na gumaganap ng isang mapagpasyang papel sa prosesong ito.

Ang anumang interpretasyon ay nagpapahiwatig ng isang indibidwal na diskarte sa musikang ginaganap, at sa kasong ito ang mga intensyon ng kompositor ay muling ginawa sa pamamagitan ng prisma ng sariling katangian ng tagapalabas, sa pamamagitan ng kanyang panloob na kalayaan. Gayunpaman, ang kalayaan sa sining ay dapat ding palakasin ng panloob na disiplina.

Artistic na sagisag Ang interpretasyon ay nakasalalay sa sikolohikal at propesyonal na mga katangian ng musikero: ang kanyang mga pang-unawa sa musika at pandinig, katalinuhan, ugali, emosyonal na pagtugon, karanasan sa musika, pagganap ng pagtitiis, konsentrasyon, karunungan, kakayahang kontrolin ang kanyang paglalaro.

Sa modernong musikaolohiya, mayroong klasipikasyon ng mga gumaganap ayon sa kanilang paraan ng pagbibigay kahulugan sa isang akda sa tinatawag na "mga uri ng interpretasyon". Kung ang isang musikero ay muling gumagawa ng musikal na teksto nang tumpak hangga't maaari, ang interpretative na saloobin na ito ay tinatawag na attribution.

Kung, dahil sa kanyang pagnanasa at emosyonal na pagsabog, ang isang musikero ay nagsimulang baguhin ang musikal na teksto at makasagisag na kapaligiran ng trabaho, kung gayon ang gayong interpretative na saloobin ay tinatawag na imbensyon. Sa kaso kapag ang tagapalabas ay "nalilihis" ang kanyang interpretasyon mula sa eksaktong pagpapatupad ng mga direksyon na ipinahiwatig sa musikal na teksto, bilang isang panuntunan, ito ay humahantong sa isang pagbaluktot ng estilo at genre na nilalaman ng musika at nagpapahiwatig ng isang hindi propesyonal na interpretasyon ng musikal. trabaho.

Ang pagkahilig sa isang partikular na uri ng sining ng pagtatanghal ay tinutukoy ng panloob na mga katangian musikero: karakter, ugali, priyoridad ng ilang mga pag-andar sa pag-iisip. Nabatid na maaaring may nangingibabaw ang ilang performers mapanlikhang pag-iisip, kasabay nito, nakayanan nila nang maayos ang pagganap ng mahusay at musika ng programa. Para sa iba, ito ay lohikal, na nag-aambag sa mas mahusay na pagganap ng mga gawa ng isang pilosopiko, malalim na nadama na kalikasan.

Gayunpaman, aling interpretasyon ang itinuturing na tama? Sa musicology mayroong iba't ibang opinyon sa bagay na ito. Naniniwala ang ilang mananaliksik na posibleng magkaroon ng mas maraming interpretasyon gaya ng mga gumaganap na gumaganap nito. Ang iba ay nangangatuwiran na, tulad ng isang siyentipiko, ang masining na interpretasyon ay maaaring tama o mali, at ang tama ay ang isa lamang na tumutugma sa may-akda.

Ngunit paano mo malalaman kung ano ang gustong iparating ng kompositor, lalo na kung nabuhay siya maraming taon na ang nakararaan?

May paniniwala na kapag naisulat na ang musika, hindi na ito pag-aari ng kompositor, ito ay pag-aari na ng performer. Bukod dito, ito ang opinyon ng hindi lamang ng ilang mga performer, kundi pati na rin ng ilang mga kompositor. Ang Pinakamahusay na Kompositor Si Richard Strauss ay isa lamang sa kanila. Bilang isang konduktor, hindi niya ipinakita sa tagapalabas ang kanyang mga partikular na pagkakamali at palaging nakatuon sa pangkalahatang impresyon ng tunog.

Siyempre, hindi lahat ng magagaling na kompositor ay may ganitong paraan. Ang ilan ay humiling ng mahigpit na katumpakan ng pagbabasa mula sa mga gumaganap. Kaya, si Giuseppe Verdi, lalo na sa mga huling taon ng kanyang buhay, kahit na pinaalis ang mga mang-aawit na hindi malinaw na sumunod sa musikal na teksto.

Mahusay Italyano konduktor Sinabi ni Arturo Toscanini: "Bakit maghanap kung nakasulat na ang lahat? Ang mga tala ay naglalaman ng lahat, ang kompositor ay hindi nagtatago ng kanyang mga hangarin, ang mga ito ay palaging malinaw na ipinahayag sa papel ng musika...” Ang isinulat ng kompositor ay isang bagay na sagrado para sa kanya, at ito ang kanyang prinsipyo ng pagbibigay-kahulugan sa musika. Hindi kailanman lumampas si Toscanini sa mga kinakailangan ng may-akda.

Bakit sa magkaibang panahon Iba ba ang mga diskarte ng mga kompositor? Dito mo maaalala ang kasaysayan ng sinaunang “bel canto”. Noong panahong iyon, ang mga mang-aawit ng bel canto ay hindi lamang mga bokalista, sila ay mga edukadong musikero at kompositor, at pinapayagan pa silang mag-improvise kapag gumaganap ng mga obra. Ang propesyon ng pagkanta ay napakapopular at napakalaki ng kita. At ang pangangailangan para sa pag-aaral sa lalong madaling panahon ay tumaas din. Ang kaalaman sa mga pangunahing kaalaman sa komposisyon ay hindi na kailangan, at ang bilang ng mga bokalista ay lumago, ngunit hindi ang kalidad. Ang mga mang-aawit ay ginawa na parang nasa isang linya ng pagpupulong, ngunit hindi sila sapat na pinag-aralan. Matuto para sa maikling panahon Ang pagpindot sa matataas na nota ay naging mas kumikita kaysa sa pagkuha ng wastong pagsasanay sa boses.

Natural, nagbago rin ang ugali ng mga kompositor at ang istilo ng kanilang pagsulat. Nawalan ng tiwala ang mga kompositor sa kakayahan ng performer na makapag-interpret ng tama.

Mayroong ilang mga eksepsiyon, tulad ni Enrico Caruso, na pinahintulutang mag-interpret. May mga umaabuso din sa mga ganitong "pahintulot". Ito ay nagkakahalaga ng pag-alala sa dakilang Fyodor Chaliapin, na, kung hindi niya gusto ang tempo ng konduktor, ay maaaring magtapon ng galit na tingin sa kanya at magsimulang magsagawa ng kanyang sarili.

Malinaw na ang kalayaan sa interpretasyon ay direktang nakasalalay sa mga tradisyong nabuo sa isang partikular na kultura. At isa sa mga pinakamahalagang punto sa landas sa tamang interpretasyon ng isang akda at, nang naaayon, ang paglikha ng tamang masining na imahe ay isang tamang pag-unawa sa pagiging natatangi ng panahon (panahon) kung kailan ito isinulat. Ang mga kompositor ay naglalaman ng iba't ibang mga ideyal sa musika, sumasalamin sa mga aspeto ng buhay na katangian ng isang partikular na panahon, pambansang katangian buhay, pilosopikal na pananaw at konsepto, i.e. lahat ng tinatawag nating "style features", at naaayon ay gumagamit sila ng iba't ibang paraan ng pagpapahayag.

Sa kasong ito, ang isang napaka-nagpahiwatig na halimbawa ay ang iba't ibang pagtatalaga ng tempo at iba't ibang panahon. Sa pre-classical na panahon, ang tempos na "Allegro", "Andante", "Adagio" ay nagpapahiwatig hindi ang bilis ng paggalaw, ngunit ang likas na katangian ng musika. Kaya, Allegro Mas mabagal si Scarlatti kaysa Allegro kabilang sa mga klasiko, sa parehong oras Allegro Mas pinigilan si Mozart Allegro sa makabagong pag-unawa nito. Andante Mas mobile si Mozart kaysa sa pagkakaintindi natin sa kanya ngayon.

Ang gawain ng tagapalabas ay upang matukoy nang tama ang kaugnayan ng gawa sa tagalikha nito at oras at isinasaalang-alang ang lahat ng mga tampok na pangkakanyahan sa proseso ng paggawa sa trabaho. Minsan kahit mature masters- propesyonal na musikero - maunawaan mundo ng sining ang isang musikal na gawa ay higit sa lahat sensual at intuitive, kahit na alam na ang subjective na interpretasyon ng isang akda ay madalas na lumalabas na hindi sapat sa intensyon ng kompositor at maaaring humantong sa pagpapalit ng nilalaman ng akda sa nilalaman ng pang-unawa ng interpreter.

Samakatuwid, ang paggawa sa kahit isang maliit na piraso ng musika ay dapat na nakabatay sa isang komprehensibong pag-aaral nito. Ito ay magbibigay-daan sa iyo upang bungkalin nang mas malalim sa matalinghagang globo, mapanatili ang interes ng tagapalabas sa trabaho at, sa wakas, maunawaan ang intensyon ng may-akda.

Mahirap hatiin ang proseso ng paggawa sa isang gawain sa ilang mga yugto. Gayunpaman, maraming mga musicologist at guro ang kondisyong hinahati ang buong proseso sa tatlong yugto.

Sa unang yugto, sa paunang kakilala sa trabaho, ang tagapalabas ay lumilikha ng isang mental na artistikong imahe batay sa mode, melody, armonya, ritmo, anyo, estilo at genre ng trabaho, paraan ng pagpapahayag ng musika, pati na rin sa batayan. ng pag-aaral sa kasaysayan ng paglikha ng akda, pakikinig sa iba pang gumaganap na mga sample. Kasabay nito, kasama ang pagsusuri ng impormasyon, kinikilala din ng kontratista ang mga teknikal na paghihirap.

Sa ikalawang yugto, ang mga teknikal na paghihirap na likas sa musikal na teksto ay napagtagumpayan. Sa panahong ito, nagaganap ang isang mahaba at masalimuot na detalyadong pag-aaral ng lahat ng teknikal, ritmo, intonasyon at nagpapahayag na mga bahagi ng musikang pinag-aaralan, at ang perpektong imahe ng musika ay patuloy na nabubuo.

Sa ikatlong yugto, ang kahandaan para sa isang konsiyerto na pagtatanghal ng isang gawaing musikal ay nabuo na at naisasagawa na.

Kung pinag-uusapan natin ang tungkol sa pag-awit, kung gayon, tulad ng iba pang pagtatanghal, ay nagsasangkot ng maraming paunang gawain vocal work. Dapat mong bigyang pansin hindi lamang ang musikal, kundi pati na rin ang tekstong pampanitikan, kung saan hindi lamang ang mga parirala at salita, kundi pati na rin ang mga bantas, diin at mga punto, mga paghinto ng intonasyon, mga kasukdulan - lahat ng emosyonal na lilim ng pananalita ay kasangkot sa paunang yugto pagsusuri ng gawain. Sa pagsusuring ito, makakahanap ang mga performer ng mga bagong nagpapahayag na intonasyon.

Ang pinakamalaking kahirapan para sa isang bokalista ay maaaring ang proseso ng pagbibigay-kahulugan sa isang akda sa isang wikang banyaga. Ito ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng mga tiyak na katangiang pangwika na likas sa bawat partikular na wika. Ito ang mga tampok ng intonasyon ng mga parirala, na nagkakaiba depende sa setting ng komunikasyon ng pagbigkas (narrative, interrogative at exclamation), mga tampok ng phonetic system wikang banyaga, hindi katulad ng phonetic system ng wikang Ruso.

Bilang karagdagan sa teknikal na gawain sa isang teksto ng wikang banyaga, na kinabibilangan ng pagsasanay sa pagbigkas ng mga indibidwal na tunog, mga kumbinasyon ng tunog, ritmikong grupo, mga parirala, pag-uugnay sa mga ito nang magkasama, atbp., kinakailangang tandaan ang tungkol sa bahagi ng nilalaman ng teksto, ibig sabihin, maunawaan ang kahulugan ng bawat binibigkas na salita para sa paglikha ng tamang imahe. Dapat bigyan ng malaking pansin ang pagpapahayag ng pagbasa at pagsusuri ng semantiko ng tekstong pampanitikan ng akda, sa partikular, sa mga bantas, na may lohikal-gramatika at masining-gramatika. Ito ay nagkakahalaga ng pagbibigay ng espesyal na pansin sa mga parirala hindi lamang pampanitikan, kundi pati na rin sa musika, na nag-aambag sa pagpapahayag ng musikal na pagsasalita. Ang gawain ay dapat isagawa sa magandang antas kapwa sa vocal-technical at masining. At ang gawain ng tagapalabas ay ganap na paunlarin at i-assimilate ang masining na imaheng inilatag ng lumikha, maramdaman ito at maituon ang kanyang atensyon dito.

Malaki ang papel na ginagampanan ng sistema ng K.S. Stanislavsky, pagbuo ng malikhaing imahinasyon at nag-aalok na kumilos sa mga iminungkahing pangyayari. Kung tumpak na maiisip ng isang bokalista ang pinagbabatayan na kahulugan ng isang piraso ng musika at naniniwala sa "mga iminungkahing pangyayari," kung gayon ang kanyang paraan ng pagganap ay mabibigyang katwiran at gagawing kapani-paniwala ang buong pagganap.

Paggawa gamit ang "mga iminungkahing pangyayari," nararamdaman ng tagapalabas ang mga koneksyon sa pagitan ng gawain na ibinibigay ng mga pangyayaring ito at ng kanilang panlabas na sagisag, iyon ay, mga aksyon at salita. Ang pagkakaroon ng maraming paunang gawain sa piyesa, ang musikero ay lilikha ng mga kinakailangang intonasyon, at ang pagganap ay magkakaroon ng naaangkop na emosyonal na mga tono. Kasabay nito, ang nakikinig, na hindi sinasadyang nasasangkot sa nilalaman ng kung ano ang ginaganap, ay, kasama ang mang-aawit, na nakuha ng kanyang mga karanasan.

Ang pagganap ng musikal ay isang medyo kumplikadong proseso ng creative, na may sariling natatanging tampok para sa anumang espesyalidad. At ang problema ng malikhaing interpretasyon ay nagpapasigla sa pagbuo ng isang bilang ng mga propesyonal at personal na katangian sa isang musikero, tulad ng masining at mapanlikhang pag-iisip, karunungan sa mga paraan ng pagpapahayag ng musikal, at karunungan sa musika. At ang karunungan sa iba't ibang teknikal na pamamaraan at karanasan sa pagganap ng mga aktibidad ay magbibigay-daan sa musikero na malalim at ganap na ibunyag ang gawain na kanyang binibigyang kahulugan.

Mga Reviewer:

Nemykina I.N., Doctor of Pedagogical Sciences, Propesor ng Department of Cultural Studies and Methodology edukasyon sa musika Federal State Budgetary Educational Institution of Higher Professional Education "Moscow State Humanitarian University na pinangalanan. M.A. Sholokhov" Ministri ng Edukasyon at Agham ng Russia, Moscow.

Kozmenko O.P., Doctor of Cultural Studies, Propesor ng Department of Musical Performance, Moscow State Humanitarian University. M.A. Sholokhov" Ministri ng Edukasyon at Agham ng Russia, Moscow.

Bibliographic na link

Tomsky I.A. MALIKHAING INTERPRETASYON NG MGA AKDANG MUSIKA SA VOCAL PERFORMANCE // Mga modernong problema ng agham at edukasyon. – 2014. – Hindi. 1.;
URL: http://science-education.ru/ru/article/view?id=12217 (petsa ng access: Nobyembre 24, 2019). Dinadala namin sa iyong pansin ang mga magazine na inilathala ng publishing house na "Academy of Natural Sciences"

Ang isang malawak at napaka-kaakit-akit na konsepto para sa marami, ang mga tagasunod nito ay naniniwala na ang isang piraso ng musika ay isang paraan ng pagpapahayag ng sarili para sa tagapalabas. Ang konseptong ito ay umiikot kahit mula pa noong Liszt. Ibinahagi ito ng ilang kritiko sa musika, habang ang iba ay nagpoprotesta. Ako mismo ay kumbinsido na ang mga kompositor, kapag nagsusulat ng dula, ay may isang napakalinaw na ideya kung paano ito dapat tunog, at sila, siyempre, ay may higit na mga dahilan upang maging tama kaysa sa iba. Ang mga nakadokumentong pahayag ng ito o ang kompositor na iyon ay maaaring sa una ay mapapansin natin bilang hindi maliwanag, o kahit na malinaw na salungat sa bawat isa. Upang maiwasan ang mga ganitong paghatol na malito tayo, kinakailangang isaalang-alang ang mga pangyayari kung saan ginawa ang mga ito. Sa pamamagitan ng pagtingin sa isang seleksyon ng mga dokumento mula sa pamana ni Sergei Koussevitzky, makikita natin dito ang isang telegrama mula kay Igor Stravinsky, na nagsasabing: "Salamat sa mahusay na pagganap ng aking Ode." Ang mga salita ni Stravinsky ay parang tahasang papuri. Ngunit, tulad ng minsang iniulat ni Robert Kraft, sa katunayan ang telegrama ay ipinadala upang ipahayag ang pasasalamat sa isang tapat na tagasuporta, na ang kompositor sa isang makitid na bilog ay mahigpit na pinuna dahil sa kanyang sinasadyang interpretasyon ng mga dulang ipinagkatiwala sa kanya.

Noong unang bahagi ng 1920s, narinig ko ang isang pahayag ni Richard Strauss na tila pinabulaanan ang sinusubukan kong ipaglaban dito. Ang panahon ng Republika ng Weimar ay nagsilang ng maraming iba't ibang pang-eksperimentong malikhaing komunidad, kabilang ang democratically organized at touring opera troupe na Wanderbühne 1 . Ang pangunahing inobasyon na ipinakilala ng tropa ay isang sistema ng pamamahagi ng mga tungkulin, ayon sa kung saan ang mang-aawit na abala noong Martes sa papel ng Countess Almaviva ay maaaring maging isang bridesmaid sa Miyerkules, habang ang gumaganap ngayon ng isang pangalawang tungkulin, sa bisa ng parehong prinsipyo, naging prima donna kinabukasan. Ang sistema ay gumana nang ilang panahon, ngunit pagkatapos ay kinailangan itong iwanan - ang kapalaran ng lahat ng gayong mga gawain batay sa isang kathang-isip na pagkakapantay-pantay ng talento at pag-uugali. Naganap ang mga pag-eensayo sa isang gusaling tumataas sa isa sa mga burol ng Bavaria malapit sa Garmisch, kung saan

1 Lit.- naglalakbay na teatro (Aleman).

nabuhay si R. Strauss. Isang araw, habang kinukumpleto ang paghahanda para sa Intermezzo, nagpasya ang mga miyembro ng tropa na anyayahan ang may-akda ng musika sa isang run-through na rehearsal. Ang mga recitative episode na makikita sa score na ito ay nangangailangan ng pinakaperpektong declamatory technique mula sa vocalist, pangalawa sa kumplikado lamang sa mga katulad na episode sa Der Rosenkavalier. Kahit na ang pinaka mahuhusay na mang-aawit ay hindi laging ganap na nagtatagumpay sa mga pinakamahihirap na sipi na ito. parlando. Nalulugod sa pagiging masinsinan ng gawaing ginawa, ang punong konduktor ng tropa, sa isang pakikipag-usap sa kompositor na naganap sa panahon ng pahinga, ay buong pagmamalaking iginiit na ang bawat pantig, bawat nota ay inaawit nang eksakto tulad ng ipinahiwatig sa marka, "na may isang daan. porsyento ng katumpakan." Pagkatapos makinig sa kanya, biglang nagtanong si R. Strauss: “Bakit kailangan mo ng ganoong katumpakan?”

Noong una kong narinig ang kwentong ito bilang isang tinedyer, napagtanto ko retorikal na tanong ang may-akda ng "Intermezzo" sa literal na kahulugan, na naniniwala na ang musikal na notasyon ay isang tinatayang salamin lamang ng tunog na larawan, kung saan ang tagapalabas mismo ay nagpapakilala ng iba't ibang mga detalye. Habang natututo ako nang kaunti sa paglipas ng panahon tungkol sa kung paano hatulan ang kahulugan ng mga pahayag batay sa kanilang konteksto, nakita ko ang eksenang inilarawan sa isang bagong liwanag. Ang pagbabarena sa mga mang-aawit, sinusubukang sanayin sila ayon sa napatunayang pamamaraan ni Beckmesser, ang punong konduktor, na maingat na tiniyak ang maingat na pagpaparami ng bawat pantig ng mga diyalogo, ay talagang nag-alis sa mga diyalogong ito ng kanilang likas na pagpapahayag at kasiglahan. Nang, nalulugod sa kanyang sarili, sa panahon ng pahinga sa pagitan ng mga kilos, sinimulan niyang igiit na ang bawat solong nota ay tumpak na nilalaro, nagpasya ang kompositor na harapin siya, ngunit sa paraang hindi siya masaktan. Gayunpaman, sa anong iba pang paraan maipapaliwanag ni R. Strauss, bilang isang matalinong tao at isang insightful psychologist, sa konduktor na ang masipag na solfege ay hindi pa isang tunay na recitative? Paano pa siya makakagawa ng isang konduktor, na puno ng walang kabuluhan ng isang tandang, pakiramdam na, sa pag-aalala tungkol sa mga tala, nawala niya sa paningin ang pinakadiwa ng musika?

Binanggit ni Margarita Long ang isang pahayag ni Maurice Ravel, na sa unang tingin ay sumasalungat sa kahulugan ng mga salitang binigkas ni R. Strauss sa pakikipag-usap sa konduktor ng Wanderbühne. Tulad ng isinulat ng sikat na pianista, palaging hinihiling ni Ravel na ang mga nota lamang ang patugtugin sa kanyang musika at wala nang iba pa - isa pang halimbawa ng aphorism ng isang kompositor, mapanganib sa kalabuan nito para sa mga baguhan. Imposibleng tumugtog lamang ng mga tala, at ito ay lalo na nalalapat sa musika. tauhan ng alamat. Ang ilan sa mga dula ni Ravel ay gumagamit ng mga tradisyunal na ritmo ng sayaw na hindi man lang maitala sa mga recording. Ito ay tulad ng hindi maiisip na muling gawin ang pangunahing rhythmic pattern ng "Bolero" sa eksaktong alinsunod sa notasyon ng musika nito bilang upang mapanatili ang ritmo sa isang mahigpit na three-beat measure. Viennese waltz sa La Valse. Ang ganitong "literal" na interpretasyon ay sisira sa diwa ng sinuman

ng mga dulang ito, ang kanilang pagiging tunay at kulay, kung ang mga dulang ito ay nasa istilong Espanyol o Viennese. Tulad ni R. Strauss, nais ni Ravel - sigurado ako dito - na ilagay sa kanyang lugar ang mga performer na nagsusumikap na mauna at kumbinsido na nauunawaan nila ang intensyon ng kompositor, bagaman hindi sila maaaring taglayin ng espiritu na nakapaloob sa kanyang musikal na piyesa. , o lubusang naiintindihan Wala silang oras para sa kanyang musikal na teksto. Ang problemang ito ay makikita sa isang liham mula kay R. Strauss sa kanyang pamilya, kung saan nagreklamo siya na hindi siya nasisiyahan sa premiere ng Don Juan, na naganap sa ilalim ng direksyon ni Hans von Bülow at naging isang mahusay na tagumpay.

“Ano ang pakinabang ko sa tagumpay na nakabatay sa hindi pagkakaunawaan? Hindi tama ang interpretasyon ni Bülow sa mga tempo at lahat ng iba pa. Nang walang kaunting ideya tungkol sa mala-tula na nilalaman ng musika, ginampanan niya ito bilang isang pirasong pinakinis, na binuo at pinagsama sa isang bagong istilo, na mayamang orkestra. Hindi maitatanggi na siya ay nag-ensayo nang mabuti, namuhunan ng lahat ng kanyang lakas, ngunit labis na kinakabahan at natatakot sa kabiguan (na hindi na niya kayang tiisin, dahil siya ay lubhang walang kabuluhan...); Bilang resulta, ipinakilala niya sa publiko ang isang napaka-kagiliw-giliw na piraso ng musika, ngunit hindi na ito ang aking "Don Juan."

Sa dulo ng liham, si R. Strauss ay nagtapos: “Naniniwala ako na walang sinuman ang may karapatang pangunahan ng kanyang imahinasyon, maging si Bülow, ngayon ay malinaw na ito sa akin.” Ang mga salita ng kompositor, na isinulat noong 1890 at nagpapahayag ng kanyang kawalang-kasiyahan, ay tila umaalingawngaw sa isinulat ni Beethoven kay Carl Czerny: “Bukas ay pupunta ako upang makipag-usap sa iyo. Kahapon ako ay hindi napigilan at pagkatapos ay pinagsisihan ko ang nangyari, ngunit dapat mong patawarin ang may-akda na mas gustong marinig ang kanyang musika nang eksakto kung ano ang gusto niya, at walang magagawa tungkol dito, gaano man kaganda ang iyong paglalaro sa sarili nito." * Si Stravinsky at ang iba pang mga kompositor na nabuhay na sa ating panahon ay madalas na nagsasalita nang may kapaitan tungkol sa kanilang "mga santo patron," iyon ay, tungkol sa mga konduktor na sumuporta sa kanila. Si Bartók ay napunit sa pagitan ng pasasalamat para sa tulong pinansyal at galit sa mga baluktot na interpretasyon ng musika na kanyang nilikha. Tulad ni R. Strauss noong 1890, ang mga kompositor mga susunod na henerasyon Kapag nabaluktot ang kanilang mga plano, halos hindi nila maipahayag ang kawalang-kasiyahan o protesta nang hindi nanganganib na mawala ang mga serbisyo at suporta ng mga sikat na konduktor at iba pang performer na pumabor sa kanila 2 .

2 Ang lahat ng ito ay nagpapaalala sa akin ng isang kilalang biro, ang pagiging tunay na kung saan ako, gayunpaman, ay nagdududa. Habang naninirahan sa Paris, nagtalaga si Rossini ng maraming oras sa paghahanda ng mga konsiyerto para sa mga sosyal na gabi, gaganapin sa mayayamang bahay. Karaniwang iniimbitahan ng kompositor ang mga musikero, isinulat ang mga programa at tinitiyak na ang lahat ay nasa lugar at nangyari sa oras. Minsan siya mismo ay nakibahagi sa mga konsiyerto na ito. Minsan ay sinamahan niya si Adelina Patti, na kumanta ng isa sa kanyang tanyag na aria, na saganang pinalamutian siya ng lahat ng uri ng roulade, cadenza at iba pang palamuti, katulad ng madalas nating marinig mula sa mga mang-aawit na gumaganap ng mga solong numero ng opera. Nang matapos siya at umalingawngaw ang palakpakan, nagtanong si Rossini, na maraming papuri tungkol sa kanyang magandang boses,... sino ang may-akda ng dulang katatapos lamang na gumanap?

Iniuugnay ng kompositor ang hindi kasiya-siyang interpretasyon ni Bülow kay Don Giovanni, kahit sa isang bahagi, sa takot ng konduktor na mabigo, na nag-ugat sa kanyang kawalang-kabuluhan. Sa katunayan, ang vanity ay ang ating numero unong kaaway, dahil ito ay may masamang epekto sa kakayahan ng tagapalabas na makita kung ano ang inilagay ng lumikha sa musika. Freischwebende Aufmerksamkeit 3, ang sine qua non na ito sa pamamaraan ng pagtatasa ng panaginip, ay kumakatawan, sa aking palagay, isang napakahalagang kalidad ng tunay na natatanging interpreter. Sa kasamaang palad, maraming mga tao ang nag-iisip na ang mga musikero na may pinakamataas na ugali sa pagkasira at labis na pag-uugali, na nagpapakita ng walang pigil na ugali, ay tiyak na ang pinaka-talented. Maaari tayong maniwala dito hangga't hindi tayo partikular na pamilyar sa gawain ng mga kompositor na ang musika ay ipinakita sa atin. Kung hindi, ang pseudo-originality at vanity ay agad na lumalabas, tulad ng mga patak ng langis na lumulutang sa ibabaw ng tubig.

Ang katotohanan na ang isang konduktor ay obligado na maging isang exponent ng mga ideya ng kompositor ay hindi nangangahulugang bagong konsepto. Sa treatise ni Johann Matteson na “The Perfect Kapellmeister,” na inilathala noong 1739, nakita namin ang isang kahanga-hangang buod ng esensya ng dilemma ng conductor-composer:

« Ang Pinakamahirap na Hamon, na inihanda para sa gumaganap ng paglikha ng isang tao, ay talagang nakasalalay sa pangangailangan na idirekta ang lahat ng kapangyarihan ng kanyang isip upang maunawaan ang orihinal na kakanyahan ng mga iniisip ng ibang tao. Ang sinumang hindi alam kung paano tugtugin ito mismo ng lumikha ng musika ay malamang na hindi ito mahusay, ngunit masisira ang kasiglahan at kagandahan nito, at madalas na lumalabas na ang kompositor, kung narinig niya ito ng ganoon, ay hindi makikilala ang kanyang piraso sa lahat."

Ang ganitong uri ng katibayan, na nagbibigay-liwanag sa saloobin ng mga kompositor sa musika, sa kung ano ang tila hindi katanggap-tanggap sa kanila, ay lalo na kahanga-hanga kapag ito ay nagdadala sa amin ng mga salita ng mga kompositor na mismong mga konduktor. At ito ay natural: ang isang kompositor na isang propesyonal na konduktor ay mas mahigpit sa iba pang mga konduktor kaysa sa kanyang mga kasamahan na alinman ay hindi kumukuha ng baton o ginagawa lamang ito paminsan-minsan. Para sa akin ay napakaangkop na sipiin sa dulo ng pagsusuring ito ang mga salita ni Gustav Mahler, na sinabi niya sa pakikipag-usap kay Nathalie Bauer-Lechner noong tag-araw ng 1896:

“Gaano karaming oras ang lumipas, anong komprehensibong karanasan ang kailangan mong matamo, anong maturity, hanggang sa matutunan mong gawin ang lahat nang simple at natural, sa paraang nakasulat; huwag magdagdag o magdala ng anumang dagdag mula sa aking sarili, dahil ang higit sa huli ay nagiging mas kaunti... Noong nagsasagawa ako ng mga dakilang gawa sa aking kabataan, ako rin, ay hindi natural at hindi katamtaman at nagdagdag ng labis sa aking sarili, bagaman, na nagtataglay ng intuwisyon, ginawa ko. ito nang may pag-unawa. Nang maglaon ay mas napalapit ako sa tunay na katotohanan, pagiging simple at sa kaalaman na sa pamamagitan lamang ng pagtatapon ng lahat ng artificiality makakamit ng isang tao ang tunay na sining."

3 Hindi sinasadya (lit.- malayang lumulutang) pansin (Aleman).

Nagmula sa isang musikero na pantay na kompositor at konduktor, ang mga salitang "masyadong marami sa kanyang sarili" ay partikular na matimbang. Gamit ang pinaka-katangiang ekspresyong "mga dakilang gawa" sa sipi sa itaas, ang Mahler, dapat ipagpalagay, ay nangangahulugang ang musika ng mga kompositor gaya ni Beethoven at ng iba pang katulad niya. Sa katunayan, maaaring sinabi ni Mahler: "Hanggang sa narinig ko kung paano aking musika ng iba, malamang na wala akong nagawang mas mahusay kaysa sa kanila, at sinubukan kong ayusin ang interpretasyon ng mga matatandang master sa sarili kong mga ideya tungkol sa perpektong komposisyon.

Sa harap ng aking mga mata, isang katulad na pagbabago sa mga pananaw ng mga musikero ng susunod na henerasyon ang naganap. Noong una akong dumalo sa mga konsiyerto ni Bruno Walter, napansin ko na kapag gumaganap ng Mozart, Haydn at Beethoven, madalas siyang gumawa ng isang uri ng backlash - isang maikling paghinto bago ang isang partikular na mahalagang punto. Ang backlash ay isa sa mga katangiang sandali ng pagbigkas ni Mahler, at samakatuwid sa kanyang mga marka ay madalas mong mahahanap ang espesyal na pagtatalaga nito - isang kuwit. Ang pag-pause na ito ay nagagawa sa pamamagitan ng isang bahagya na nakikitang pagkaantala sa pagpasok ng naka-accent na tala at, sa parehong oras, sa pamamagitan ng pagpapaikli sa naunang tala. Ang pinakamadaling paraan upang isipin ito ay ang isipin kung paanong ang isang tao, na nag-iindayog ng martilyo, ay humawak dito nang ilang sandali sa itaas lamang ng kanyang ulo upang maghatid ng isa pang suntok na may mas malakas na puwersa. Kapag gumaganap ng mga classics, madalas na ginamit ni Bruno Walter ang backlash na ito ay itinuturing na parehong mannerism, artificiality na sinubukang iwasan ni Mahler sa kanyang mga mature na taon. Sa paglipas ng mga taon, naging mas matipid din si Walter at, tinatanggihan ang labis na mapagbigay at sa ilang mga lawak ng mga nuances ng nerbiyos, unti-unting binago ang kanyang pamamaraan sa pagsasagawa, pinasimple ito nang higit pa.

Ang mga salita ni Mahler na "gaya ng nasusulat" ay maaaring sa unang tingin ay tila isang malinaw na gabay na dapat maghatid sa atin sa ninanais na pagiging simple. Sa katotohanan, ang kanilang kahulugan ay napakalawak at hindi lubos na malabo. Kaya, halimbawa, ang tanong ay nananatili: "Ang lahat ba ay nakasulat sa mga tala?" Ang musikang lumitaw sa isang panahon kung saan ang ilang karaniwang tinatanggap na mga tradisyon ay nagpapanatili ng lahat ng kanilang lakas ay dapat na lapitan nang iba kaysa sa mga musikal na likha na nilikha kapag ang impluwensya ng mga tradisyon ay hindi gaanong mahalaga o hindi naramdaman. (Maglalaan ako ng isang hiwalay na kabanata sa isang talakayan ng mga tradisyon ng musikal, nang walang kaalaman kung saan imposibleng ganap na maunawaan ang intensyon ng kompositor ng klasikal na panahon.)

Ngunit gaano man kabuo ang pagsasaalang-alang ng tagapalabas sa mga tradisyon ng kaukulang panahon, gayundin ang mga intensyon ng kompositor na naitala sa marka, may mga pagkakataon pa rin na napipilitan siyang gabayan lamang ng kanyang sariling instinct at panlasa. Samakatuwid, mahalagang maunawaan nang malinaw kung saan nagsisimula at nagtatapos ang lugar, kung saan hindi dapat pumunta ang interpreter.