Com a ajuda da qual contadores de histórias ou cantores japoneses se acompanharam durante a apresentação. O análogo europeu mais próximo do shamisen é. Shamisen junto com flautas hayashi e shakuhachi, tambor tsuzumi e . Refere-se a instrumentos musicais tradicionais japoneses.

O nome contrasta com o gênero da música bunraku e kabuki - nagauta (música longa). O mais conhecido e complexo dos estilos de performance é Gidayu, em homenagem a Takemoto Gidayu (1651-1714), uma figura Teatro de marionetes bunraku de Osaka. Os instrumentos e palhetas de Gidayu são os maiores, e o próprio Gidayu é cantor e comentarista do que está acontecendo no palco. O trabalho do contador de histórias é tão complexo que no meio da performance o guidayu muda. O narrador deve conhecer o texto e a melodia com absoluta precisão. Desde o século 19, também surgiram onna-gidayu, mulheres contadoras de histórias.

Origem

Shamisen em sua forma original originou-se nas profundezas da Ásia Ocidental, de lá veio para a China (século XIII), onde recebeu o nome de “sansian”, depois mudou-se para as Ilhas Ryukyu (atual Okinawa) e só de lá veio para o Japão . Este evento está claramente indicado na história - ao contrário da época do aparecimento de outros instrumentos musicais - e remonta a 1562.

O antecessor do shamisen foi o sanshin, que era jogado no Reino de Ryukyu, que na época se tornou uma prefeitura. Sanshin, por sua vez, vem do instrumento chinês sanjian, que evoluiu a partir de instrumentos da Ásia Central.

O shamisen também foi um instrumento essencial para os músicos gojo cegos viajantes que surgiram no início do xogunato Tokugawa.

Ao contrário da Europa, onde os instrumentos tradicionais/antigos não recebem muita atenção, o shamisen e outros instrumentos tradicionais no Japão são amplamente conhecidos e apreciados. A popularidade se deve não apenas ao respeito dos japoneses pela sua cultura e história, mas também ao uso de instrumentos nacionais, em particular o shamisen, no teatro tradicional japonês - principalmente no teatro Kabuki e Bunraku.

O shamisen tornou-se mais difundido na era Tokugawa, e a habilidade de tocá-lo foi incluída no programa de treinamento obrigatório para maiko - estudantes gueixas. É por isso que os “bairros alegres” eram frequentemente chamados de “bairros onde o shamisen nunca para”.

Variedades e aplicações

Existem vários tipos de instrumentos que diferem entre si na espessura do braço.

Ferramentas com pescoço estreito são chamados hosozão e são usados ​​principalmente em música nagauta.

Ferramentas com escala média espessuras são chamadas chuzao e são usados ​​em gêneros musicais como Kiyomoto, Tokiwazu, Jiuta etc.

No norte do Japão, especialmente na área de Tsugaru (parte ocidental da província de Aomori), um um tipo de shamisen com pescoço grosso — Tsugarujamisen, tocando que requer virtuosismo especial. O Tsugarujamisen com a barra mais grossa é chamado futozao e é usado em jouri.

Dispositivo

O corpo do shamisen é uma moldura de madeira firmemente coberta com couro. Nas ilhas Ryukyu, por exemplo, usava-se pele de cobra, e no próprio Japão usava-se para esse fim a pele de gatos ou cachorros. O corpo é revestido de couro nas duas faces, além de um pequeno pedaço de couro colado na membrana frontal para protegê-lo de golpes da palheta (bati).

Três cordas de espessuras variadas são esticadas entre as cravelhas e a extremidade inferior da escala, que se projeta do centro da parte inferior do corpo. As cordas são feitas de seda, náilon e tetlon. O comprimento do shamisen é de cerca de 100 cm.

O shamisen é tocado com uma grande palheta “bachi”, que é feita de materiais como madeira, marfim, carapaça de tartaruga, chifre de búfalo e plástico. Bati para nagaut e dziut são triângulos quase regulares, com arestas muito vivas.

Tsugarujamisen sugere uma palheta menor, que mais lembra uma folha de árvore ginkgo.

Técnica de tocar Shamisen

Surgiram três estilos de tocar shamisen:

Uta-mono é um estilo de música. Um dos principais gêneros de acompanhamento musical para apresentações teatrais Kabuki. Este gênero é representado por longos interlúdios musicais tocados pelo conjunto Hayashi (este conjunto costuma acompanhar apresentações teatrais, é composto por uma flauta e três tipos bateria).

Katari-mono – estilo fantástico.É mais característico da música tradicional japonesa e é representado por um tipo específico de canto.

Minyo é uma canção folclórica.

Quando o shamisen apareceu pela primeira vez no Japão, as cordas eram dedilhadas com uma pequena palheta (yubikake), e só com o tempo os músicos começaram a usar uma palheta, o que expandiu significativamente as capacidades timbrísticas do instrumento. Sempre que a corda grave é dedilhada, além de seu som, ouvem-se harmônicos e leves ruídos, esse fenômeno é chamado de “sawari” (“toque”). Savaris também aparecem quando outras cordas ressoam com a corda mais grave, especialmente quando o intervalo de altura entre as cordas é uma oitava (duas oitavas, três, uma quinta, etc.). A capacidade de usar este som adicional é um sinal alta habilidade intérprete, e o efeito acústico em si é estritamente controlado pelos fabricantes de shamisen.

A palheta é segurada com a mão direita e, no momento certo, o som das cordas é interrompido por três dedos da mão esquerda no braço sem trastes. Dedão e o dedo mínimo não são usados ​​no jogo. A técnica mais característica de tocar shamisen é a batida simultânea da palheta na membrana e na corda. Além deste, existem muitos outros fatores importantes, que determinam as especificidades do som, por exemplo, a espessura das cordas, braço, membrana, local onde a palheta toca as cordas, etc. Você também pode dedilhar as cordas com a mão esquerda no shamisen, resultando em um timbre mais elegante. Essa capacidade de mudar o timbre é uma das características distintas shamisen.

Além da forma de tocar, o timbre do instrumento pode ser alterado variando o comprimento da corda, braço ou palheta, bem como seu tamanho, espessura, peso, material - indicadores de massa! Existem quase duas dúzias de shamisen, diferindo em altura e timbre, e os músicos selecionam o instrumento que mais se aproxima do seu gênero musical ou reafinam-no imediatamente antes da apresentação.

Na música para shamisen, a linha da voz praticamente coincide com a tocada no instrumento: a voz está apenas um pouco à frente da melodia, o que permite ouvir e compreender o texto, e também enfatiza o contraste entre o som da voz e o shamisen.

Shamisen na música moderna

Shamisen, devido ao seu som específico, é frequentemente usado para realçar o som “nacional” em alguns filmes e animes japoneses (assim como na Rússia). Assim, shamisen soa na trilha sonora da série de anime Naruto, Puni Puni Poemi.

Agatsuma Hiromitsu joga no estilo New Age.

É utilizado por representantes da vanguarda musical europeia (por exemplo, Henri Pousseur).

As composições executadas pelos irmãos Yoshida são bastante populares;

Michiro Sato faz improvisações no shamisen e pianista de jazz Glenn Horiuchi inseriu fragmentos de shamisen em suas composições.

O guitarrista Kevin Kmetz lidera a banda californiana God of Shamisen, na qual toca o tsugarujamisen.

Vídeo: Shamisen em vídeo + som

Graças a esses vídeos, você poderá conhecer o instrumento, assistir a um jogo real, ouvir seu som e sentir as especificidades da técnica:

Venda: onde comprar/encomendar?

A enciclopédia ainda não contém informações sobre onde você pode comprar ou encomendar este instrumento. Você pode mudar isso!

Certa vez prometi falar sobre instrumentos musicais japoneses. Essa hora chegou. Biva chegou às minhas mãos por acaso, mas coube a ela abrir o tópico :)

Hoje nossa atenção será capturada pelos sons mágicos - embora não suaves e nem arejados, mas sim duros, metálicos e rítmicos - de um instrumento musical tradicional japonês chamado biwa.
Biwa é Variedade japonesa alaúdes ou bandolins, veio da China para o Japão no século VII, na China um instrumento semelhante é chamado de pipa, mas veio da Pérsia para a China no século IV dC.
E as raízes do alaúde europeu vão também para a Ásia Central.
No Japão, ao longo de mais de mil anos de desenvolvimento do biwa, surgiram muitos modelos, muitas escolas de tocar e cantar.

(Este é um tipo de concerto para biwa com orquestra. Gion shoja. Compositor Hirohisa Akigishi
Na gravação está o prólogo de "The tale"s of Heike" (a história de Heike, que também é chamada de "Taira Monogatari") Esse é o principal trabalho moderno, que é realizado no biwa. Esta gravação foi feita em Seul, em 2004, no centro Sejong)

O formato do instrumento é semelhante a uma amêndoa apontando para cima. A parede frontal do corpo é ligeiramente curvada para a frente, as costas são planas. As paredes - ou seja, duas tábuas de madeira - não ficam distantes uma da outra, o instrumento é bastante plano. Existem três buracos na parede frontal.
O biwa tem quatro ou cinco cordas feitas dos mais finos fios de seda, coladas com cola de arroz. Existem cinco trastes muito altos no braço.

As cordas estão tensionadas de maneira bastante frouxa, ou seja, não estão muito tensas. O músico, pressionando com mais força a corda, altera sua tensão, ou seja, aumenta o tom. Podemos dizer que o instrumento não está afinado no sentido da palavra na Europa Ocidental, mas o músico pode tocar certas notas alterando a força de pressão das cordas.
Mas o objetivo do jogo não é acertar a nota certa. Portanto, não há aperto mortal na corda; o dedo muda de pressão o tempo todo, o que faz o som flutuar. Além disso, você pode mover a corda ao longo dos trastes largos com o dedo, o que faz com que a corda vibre, como nos instrumentos de cordas indianos, como a cítara ou a veena.

A biva é segurada na vertical e na hora de tocar utiliza-se uma palheta triangular de madeira, em formato de pequeno leque. Uma de suas faces chega a 30 centímetros de comprimento, é uma espécie de espátula. Fazendo essas lâminas - ótima arte, eles devem ser duros e elásticos ao mesmo tempo. A madeira para a picareta fica seca por dez anos. É claro que a madeira utilizada é uma espécie rara.
Com uma palheta você pode bater não só nas cordas, mas também no corpo, e também arranhar as cordas, porém, especialistas dizem que isso tecnologia moderna, isso nunca aconteceu antes.
Mas está claro que há muito mais de uma maneira de acertar uma corda com uma palheta tão grande – e isso, é claro, é perfeitamente audível.

BIWA (King Records, 1990)
O CD contém duas faixas instrumentais e quatro faixas vocais-instrumentais. A mais impressionante é a música épica "Kawanakajima" ("Island Between Two Rivers") interpretada por Enomoto Shisui.
Enomoto Shizui morreu em 1978 e nasceu no século XIX. Ele pertencia a mestres famosos Bivs da era pré-Segunda Guerra Mundial.
No século 19 e na primeira metade do século 20, a arte do biwa experimentou um renascimento só em Tóquio, havia 30 artesãos fazendo; instrumentos musicais, depois da guerra, sobrou apenas um em todo o Japão - e no mundo inteiro. Essa arte teve a chance de desaparecer para sempre, pois as letras estavam imbuídas do espírito samurai que se tornou politicamente incorreto.
Comparada com a nova geração de cantores, a voz de Enomoto Shizuya soa mais trágica, mais histérica e, eu diria, mais implacável.
A ilha à qual esta canção é dedicada é uma faixa de terra entre dois rios. Várias batalhas ocorreram neste local no século XVI entre os exércitos de dois líderes militares.
Não acredito que esta seja uma música divertida que as pessoas ouvem à noite quando estão cansadas de coisas importantes para fazer. Não, não, esta música lembra claramente o samurai do seu dever e acende o seu espírito de luta.

Outra coisa famosa é Atsumori, e também tem um biwa na foto.

Golpes metálicos afiados – como um golpe de espada – contrastam com a voz do cantor que se revela lentamente. As vogais se arrastam por muito tempo, o ritmo é livre, há muitas pausas na música, mas em nenhum caso pode ser chamada de lenta. Ela está muito tensa e focada.
Aliás, pausas, vazios, momentos de silêncio na tradição japonesa também são considerados um elemento acústico, ou seja, sonoro. É chamada de palavra "ma". O silêncio pode ser curto ou longo, tenso ou calmo, inesperado ou lógico. O silêncio enfatiza certos sons e muda a ênfase em uma frase musical.

Na história do biwa existiram duas correntes paralelas: em primeiro lugar, o biwa fazia parte da orquestra da corte. Um antigo biwa estava deitado horizontalmente no chão e era tocado com uma pequena palheta. Era um instrumento de percussão.
Na Idade Média, a biva era tocada por aristocratas e seus vassalos. Acredita-se que esta música era puramente instrumental. EM literatura clássica Muitas descrições do solo biwa medieval, seu som gracioso e refinado e melodias sublimes que vieram da China, foram preservadas, mas até hoje o solo biwa não foi preservado na tradição da música da corte. Na orquestra Gagaku, a parte do biwa é tão simples que é impossível escapar da impressão de que algo importante se perdeu ao longo dos tempos.
A tradição do biwa como instrumento solo foi interrompida no século XIII e reavivada apenas no século XX.

"Ichinotani" em laúd Biwa por Silvain Guignard (fragmento). Versão europeia como é fácil ver

Mas função principal Bivs são um acompanhamento para longas canções e histórias.
Até o século 20, o biwa era tocado quase exclusivamente por músicos cegos; Alguns deles eram monges budistas e recitavam sutras e hinos, mas a maioria dos cantores narrava as guerras e batalhas de heróis lendários.
Mais famoso épico heróico do repertório biwahoshi - “Heike Monogatari”.
Este é um poema enorme e bastante sangrento sobre como o clã Heike (também conhecido como Taire), após um curto apogeu, foi derrotado pelo clã Genji (também conhecido como Minamoto) na segunda metade do século XII.
O poema tem 200 episódios, dos quais 176 são comuns, 19 são secretos e os 5 restantes são ultrassecretos.

(desculpe pela qualidade da imagem e do som. Interpretado por Yukihiro Goto)
Todas as histórias ilustram, de uma forma ou de outra, as ideias budistas de causa e efeito, bem como a impermanência do destino.
Hoje, o Heike Monogatari é executado por apenas alguns tocadores de biwa. Todos os outros têm um repertório muito mais moderno.
No entanto, existe a opinião de que as canções heróicas executadas na Idade Média por monges cegos desapareceram, assim como a tradição da biva instrumental da corte. A tradição do canto heróico foi revivida várias vezes, mas provavelmente não na forma em que existia há 700 anos.
Embora a história do instrumento remonte ao século VII, a música que sobreviveu até hoje aparentemente não tem mais nada a ver com a Idade Média. O estilo, que hoje é chamado de antigo e clássico, foi formado há não muito tempo; .
Um ponto importante na história do biwa é o século XVI.
Então foi criado um novo instrumento, o Satsuma biwa: o líder do clã Satsuma deu a ordem de melhorar o alaúde modesto e de baixa potência dos monges cegos para que se tornasse um instrumento alto, com um som impressionante e agudo. Biwa ficou maior, seu corpo era feito de madeira mais dura. Seu som se tornou mais masculino, senão agressivo.
http://youtu.be/7udqvSObOo4
(melhor som, mas a incorporação é proibida)
Novas músicas também foram compostas. O objetivo desta ação era educacional e de propaganda: os jovens em treinamento militar - ou seja, os futuros samurais - deveriam fortalecer seu espírito e aprender os fundamentos do valor cavalheiresco enquanto ouviam essas canções.
Então não havia cânone de tocar e cantar - qualquer samurai poderia gritar um texto heróico e, para maior expressividade, tocar as cordas de vez em quando. As canções não apenas convidavam os jovens a atos heróicos, mas os samurais que sobreviveram à guerra também falavam sobre suas campanhas ao som de biwa.
Com o tempo, a população civil começou a ter um grande interesse por esta música militarista. Assim, surgiu um estilo para os civis: machi fu (estilo urbano) - e para os militares: shi fu (estilo samurai).
Surgiram novas variedades de instrumentos. Digamos que o chikuzen-biwa apareceu no século 19, tem um adicional - corda alta. Portanto, esse biwa é considerado feminino, mais suave. Conseqüentemente, as mulheres jogam.

Em todas as canções épicas cantadas com acompanhamento de um biwa, o texto é uma prosa rítmica intercalada com curtas passagens poéticas. Algumas frases são cantadas com melodias canônicas, seguidas de curtas passagens instrumentais. Mas, via de regra, um ou dois golpes nas cordas do biwa soam no final de cada frase ou estrofe. Essas batidas têm timbres diferentes - o biwa tem muito mais possibilidades que o tambor.
Se os sons de um biwa ilustram o que o narrador está cantando, então apenas pelo timbre - um som fino ou abafado, soa metálico ou sibilante... O texto é cantado em japonês clássico, os ouvintes devem entender o que está sendo dito : a entonação, o ritmo e a coloração do som estão relacionados ao conteúdo da dramatização.
Esta é uma música para escuta direta, para quem tem empatia com a ação e fica completamente capturado por ela.
Nós, por não conhecermos a língua, aparentemente simplesmente não percebemos muito nesta música, mas, surpreendentemente, isso não a torna exótica, bizarra ou fantástica. Não, não, ele mantém seu significado e poder de persuasão.
É interessante também que esta é uma música muito emocional, muito intensa, aberta. E os japoneses – como todos os outros budistas – parecem evitar demonstrar os seus sentimentos.

No Japão, a força que move o universo é chamada de ki. É uma força espiritual semelhante ao pneuma grego.
A expressão ki tem a prioridade mais alta em todos Artes japonesas. No macrocosmo, o ki corresponde aos ventos; no microcosmo, corresponde à respiração humana. Existem muitas palavras relacionadas ao ki em japonês: ki-shф (clima), ki-haku (espírito).
A base da voz cantada é a respiração, portanto cantar é uma das manifestações do ki.
Os antigos japoneses acreditavam que ao falar, ou melhor ainda, ao expirar uma palavra, eles estavam realizando um ato espiritual. E na língua russa, as palavras “respiração” e “espírito” não são estranhas uma à outra.
A tradição japonesa de cantar está diretamente relacionada a essa atitude em relação à palavra como um sopro carregado de significado.

E esta breve entrada não é apenas fragmento musical, este é Gagaku - música cerimonial do palácio imperial japonês.

O canto europeu - como todas as outras músicas - baseia-se na altura e na duração dos sons. No Japão antigo, o canto fundia elementos acústicos como cor, energia, volume e qualidade do som em um único hieróglifo sonoro.
Isso é algo incomensuravelmente mais do que a nota certa.
E a música biwa é, em muitos aspectos, diferente da música da Europa Ocidental. O instrumento japonês assume uma atitude completamente diferente em relação ao som e ao ritmo.
O compositor modernista japonês Toru Takemitsu escreveu diversas obras que usam biwa além de uma orquestra sinfônica. Existe uma forma tradicional de gravar música biwa - em comparação com a Europa Ocidental, parece muito aproximada.

Música Kwaidan, Haochi the Earles, Tôru Takemitsu, 1964

Isto é dedicado a Toru Takemitsu

Quando a intérprete da parte biwa de uma de suas composições se ofereceu para estudar a notação da Europa Ocidental, Takemitsu a proibiu de fazê-lo. “Esta é a última coisa que esperaria de você”, disse o compositor. - Eu mesmo estudarei a notação tradicional da música biwa e aprenderei como usá-la, você não precisará de notas ocidentais. Hoje, o sentido tradicional do som está morrendo devido ao sistema ocidental de afinação fina de instrumentos musicais e notação musical.”

Um dia, o Imperador Tennoh perdeu um antigo biwa de seu palácio. O nome dela era Genjo. Ela não tinha preço, era muito cara. O imperador não conseguiu encontrar um lugar para si. Se fosse roubado, o ladrão teria que quebrá-lo - era impossível vendê-lo. O Imperador tinha certeza de que seu biwa havia sido roubado para obscurecer sua alma.
Minamoto no Hiromasa era um aristocrata e um excelente músico. Ele também ficou muito triste com a perda.
Uma noite ele ouviu o som de uma corda - não havia dúvida: era o biwa de Genjo. Hiromasa acordou o criado e eles foram pegar o ladrão. Eles se aproximaram do som, mas ele continuou se afastando. Algum espírito tocava no biwa - apenas Hiromasa podia ouvir o som das cordas.
Ele seguiu o som até chegar ao ponto mais ao sul de Kyoto - o sinistro Portão Rashomon. Hiromasa e seu servo estavam sob o portão, os sons de um alaúde podiam ser ouvidos de cima. “Isto não é uma pessoa”, sussurrou Hiromasa, “isto é um demônio”.
Ele levantou a voz: “Ei, quem está interpretando Genjo aí! O Imperador Tenno procura o instrumento desde que ele desapareceu. Eu sei que você está aqui, eu te segui desde o palácio!
A música parou, algo caiu de cima e ficou pendurado no corredor. Hiromasa recuou – ele pensou que era um demônio. Mas pendurado em uma corda acima estava o alaúde de Genjo.
O Imperador ficou muito feliz com o retorno de Genjo e ninguém teve dúvidas de que foi o demônio quem roubou o tesouro e depois o doou. Hiromasa foi generosamente recompensado.
Genjo ainda está no palácio imperial. Isto não é apenas um alaúde, é algo vivo com caráter próprio. Se um músico incompetente pegar, não faz barulho.
Um dia houve um incêndio no palácio. Todos acabaram e ninguém pensou em salvar Genjo. Mas, misteriosamente, ela foi encontrada no gramado em frente ao palácio, onde aparentemente ela mesma chegou!

Andrey Gorokhov © 2001 Deutsche Welle

Instrumento Musical: Alaúde

Na era das velocidades supersônicas e da nanotecnologia, às vezes você realmente quer relaxar, fugir de tudo vaidade mundana e encontre-se em algum outro mundo, onde não há turbulência moderna, por exemplo, na era romântica da Renascença. Hoje em dia, você não precisa inventar uma máquina do tempo para fazer isso, basta assistir a um concerto de música autêntica em algum lugar do Kremlin de Izmailovo ou do Palácio Sheremetyev. Lá você não só ouvirá belas melodias que o transportam mentalmente para tempos passados, mas também conhecerá interessantes instrumentos musicais que nossos ancestrais distantes tocavam há vários séculos. O interesse pela música antiga está crescendo hoje; os artistas modernos dominam com entusiasmo os instrumentos de épocas passadas, que incluem a flauta transversal, viola da gamba, viola aguda, contrabaixo barroco, violino, cravo e, sem dúvida, o alaúde é um instrumento das classes privilegiadas e merece atenção especial. Na Idade Média, os árabes a chamavam com razão de rainha dos instrumentos musicais.

Som

O alaúde pertence à família corda- instrumentos dedilhados, a natureza de seu som lembra um pouco o de um violão, porém, sua voz é muito mais suave e gentil, e seu timbre é aveludado e trêmulo, pois é mais saturado de tons. A fonte do som de um alaúde são cordas duplas e simples, que o intérprete mão direita dedilha e pressiona contra os trastes com a mão esquerda, alterando seu comprimento, alterando assim o tom.

O texto musical do instrumento foi escrito com letras em uma linha de seis linhas, e a duração dos sons foi indicada por notas colocadas acima das letras. Faixa instrumento tem cerca de 3 oitavas. A ferramenta não possui uma configuração padrão específica.

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Fatos interessantes

• Para muitos povos, a imagem do alaúde servia como símbolo de harmonia, juventude e amor. Para os chineses, significava sabedoria, bem como coerência na família e na sociedade. Para os budistas - harmonia no mundo dos deuses, para os cristãos - um alaúde nas mãos dos anjos significava a beleza do céu e da reconciliação forças naturais. Na arte renascentista, simbolizava a música, e um instrumento com cordas quebradas indicava desacordo e discórdia.
• O alaúde era um emblema - uma imagem simbólica dos amantes.
• Durante a Renascença, o alaúde era frequentemente representado em pinturas; até mesmo Orfeu e Apolo foram pintados por artistas da época não com uma lira, mas com um alaúde. E não se pode imaginar uma composição mais harmoniosa do que uma menina ou um menino com este instrumento romântico.
• Ao mesmo tempo, o alaúde, muito popular, era considerado um instrumento privilegiado do círculo secular, da nobreza e da realeza. No Oriente era chamado de Sultão dos Instrumentos, e nos países europeus dizia-se que o órgão era “o Rei de todos os instrumentos”, e o alaúde era “o instrumento de todos os reis”.
• O grande poeta e dramaturgo inglês William Shakespeare mencionou frequentemente o alaúde em suas obras. Ele admirou seu som, atribuindo-lhe a capacidade de levar os ouvintes ao estado de êxtase.
• O maior escultor, artista, poeta e pensador italiano Michelangelo Buonarroti, admirando a atuação do famoso alaúde Francesco da Milano, disse que foi divinamente inspirado pela música e todos os seus pensamentos naquela época estavam voltados para o céu.
• O alaúde é chamado de alaúde, e o artesão que fabrica os instrumentos é chamado de luthier.
• Instrumentos de mestres bolonheses - os luthiers L. Mahler e G. Frey, bem como representantes da família Tiffenbrucker de artesãos de Veneza e Pádua, criados nos séculos XVII e XVIII, custam dinheiro astronômico para esses padrões.
• Aprender a tocar alaúde não foi tão difícil, mas afinar o instrumento, que tinha muitas cordas feitas de materiais naturais, mas a formação mal mantida devido às mudanças de temperatura e umidade era problemática. Havia uma piada muito famosa: um músico que toca alaúde passa dois terços do tempo afinando o instrumento e um terço tocando um instrumento desafinado.

Projeto

O design muito elegante do alaúde inclui corpo e braço, terminando com bloco de afinação. O corpo em forma de pêra inclui um deck e um corpo que atua como ressonador.

• O corpo é feito de segmentos curvos de formato hemisférico feitos de madeira dura: ébano, jacarandá, cerejeira ou bordo.
• O deck é a parte frontal do corpo que cobre o corpo. É plano, de formato oval e geralmente feito de abeto ressonador. Há um suporte na parte inferior do convés e no meio há uma abertura de som na forma de um padrão elegante e intrincado ou de uma linda flor.

O braço relativamente largo, mas curto, do alaúde é preso ao corpo no mesmo nível do tampo. Uma escala de ébano é colada nele e batentes de traste de catgut também são anexados. No topo do braço há uma porca que afeta a altura da tensão das cordas.

O bloco de pinos do alaúde, no qual estão localizados os pinos de ajuste da tensão das cordas, também possui seu próprio característica distintiva. Está no fato de o bloco estar localizado em relação ao pescoço em um ângulo bastante grande, quase reto.

O número de cordas emparelhadas em diferentes alaúdes varia muito: 5 a 16 e às vezes 24.

Peso o instrumento é muito pequeno e tem aproximadamente 400 g., comprimento instrumento - cerca de 80 cm.

Variedades

O alaúde, muito popular na sua época, evoluiu muito intensamente. Os mestres musicais experimentavam constantemente sua forma, número de cordas e afinação. Como resultado, surgiu um número bastante significativo de variedades de instrumentos. Por exemplo, alaúdes renascentistas, exceto instrumentos tradicionais, que incluía instrumentos com diferentes números de cordas emparelhadas - coros, possuíam tipos de diferentes tamanhos semelhantes aos registros da voz humana: pequena oitava, pequeno agudo, agudo, alto, tenor, baixo e oitava baixo. Além disso, a família do alaúde inclui o alaúde barroco, al-ud, arquilute, torban, kobza, theorba, kittaron, cítara, bandora, alaúde cantabile, orpharion, alaúde vandervogel, mandora, mandola.

Aplicativo

Os historiadores da arte consideram o alaúde não apenas um dos instrumentos mais interessantes, mas também de fundamental importância na história. Música europeia Séculos 16-17. Recebeu reconhecimento de vários setores da vida, desde plebeus até a realeza, e tem sido usado como instrumento de acompanhamento, solo e conjunto. A crescente popularidade do alaúde exigia constantemente reposição e atualização do repertório. Muitas vezes, os compositores de obras também eram intérpretes, razão pela qual toda uma galáxia de maravilhosos compositores alaúdes apareceu nos países europeus. Na Itália - F. Spinacino, F. Milano, V. Galilei, A. Rippe, G. Morley, V. Capirola, A. Piccinini. Na Espanha - L. Milan, M. Fuenllana. Na Alemanha - H. Neusiedler, M. Neusiedler, I. Kapsberger, S. Weiss, W. Lauffensteiner. Na Inglaterra - D. Dowland, D. Johnson, F. Cutting, F. Rosseter, T. Campion. Na Polónia - V. Dlugoraj, J. Reis, D. Kato, K. Klabon. Na França - E. Gautier, D. Gautier, F. Dufau, R. Wiese. Deve-se notar também que mesmo os maiores mestres como É. Bach, A. Vivaldi, G. Handel, J. Haydn deram atenção ao alaúde, enriquecendo seu repertório com suas obras.

Atualmente, o interesse pela música antiga e, ao mesmo tempo, pelo alaúde, não diminui. Seu som pode ser ouvido cada vez com mais frequência nos palcos salas de concerto. Entre compositores modernos que hoje compõem para o instrumento, muitos trabalhos interessantes devem ser notados por I. David, V. Vavilov, S. Kallosh, S. Lundgren, T. Sato, R. McFarlen, P. Galvao, R. MacKillop, J. Wissems, A. Danilevsky, R. Turovsky-Savchuk, M. Zvonarev.

Artista famoso

Extraordinariamente em voga na época do Renascimento e do Barroco, mas suplantado por outros instrumentos e injustamente esquecido, o alaúde hoje desperta novamente grande interesse, e não apenas entre os músicos autênticos. O seu som pode agora ser cada vez mais ouvido em vários locais de concerto, não apenas a solo, mas também em conjunto com outros belos instrumentos musicais antigos. No século 21, os intérpretes virtuosos mais famosos que muito fazem para popularizar o instrumento são V. Kaminik (Rússia), P. O'Dette (EUA), O. Timofeev (Rússia), A. Krylov (Rússia, Canadá) , A. Suetin (Rússia), B. Yang (China), Y. Imamura (Japão), R. Lislevand (Noruega), E. Karamazov (Croácia), J. Held (Alemanha), L. Kirchhoff (Alemanha), E. Eguez (Argentina), H. Smith (EUA), J. Lindberg (Suécia), R. Barto (EUA), M. Lowe (Inglaterra), N. North (Inglaterra), J. van Lennep (Holanda) e muitos outros .

História

É impossível traçar toda a história do surgimento do alaúde, que nos países orientais era considerado um dos instrumentos mais avançados. Tais instrumentos já eram difundidos em muitos países do mundo há quatro mil anos. Eles foram tocados no Egito, Mesopotâmia, China, Índia, Pérsia, Assíria, Grécia antiga e Roma. No entanto, os estudiosos da arte sugerem que o alaúde teve um antecessor imediato - o oud - um instrumento que ainda é tido em especial veneração no Médio Oriente, alegando que é o resultado da criação do neto do Profeta. O oud tinha corpo em forma de pêra, feito de nogueira ou madeira de pêra, corpo em pinho, pescoço curto e cabeça curvada para trás. O som foi extraído com uma palheta.

A conquista da Europa pelo alaúde começou no século VIII a partir de Espanha e da Catalunha, depois da conquista da Península Ibérica pelos Mouros. O instrumento não só se fundiu muito rapidamente nas culturas destes países, mas também, como resultado das Cruzadas, começou a espalhar-se rapidamente por outros países europeus: a Itália. França, Alemanha, substituindo outros instrumentos que estavam em uso na época, como a cistra e a pandura. O alaúde, que vinha ganhando popularidade, era constantemente submetido a diversas melhorias. Os artesãos fizeram alterações no design do instrumento, modificaram o corpo e o braço e acrescentaram cordas. Se inicialmente tinha de 4 a 5 cordas emparelhadas - coros, posteriormente o número aumentou gradativamente. No século XIV, o alaúde na Europa não só estava totalmente formado, mas também se tornou um dos instrumentos mais populares não só na corte, mas também na produção musical doméstica. Já não era utilizado apenas como instrumento de acompanhamento, mas também como instrumento solo. Eles compunham diversos tipos de música para alaúde, fazendo arranjos não só de canções e danças populares, mas também de música sacra. No século XV, a popularidade do instrumento aumentou ainda mais; os pintores frequentemente o retratavam em suas telas artísticas. Os compositores continuam enriquecendo intensamente seu repertório. Os intérpretes abandonam a palheta, preferindo o método de extração do dedo, o que ampliou significativamente as capacidades técnicas, permitindo a execução tanto do acompanhamento harmônico quanto música polifônica. Os alaúdes continuaram a melhorar e os instrumentos com seis cordas emparelhadas tornaram-se os mais populares.

No século XVI, a popularidade do alaúde atingiu o seu apogeu. Dominou tanto entre músicos profissionais quanto amadores. O instrumento soava nos palácios dos reis e da alta nobreza, bem como nas casas dos cidadãos comuns. Foi utilizado para realizar obras solo e em conjunto, para acompanhar vocalistas e corais e, além disso, para integrar orquestras. EM países diferentes foram criadas escolas para a produção de instrumentos de alaúde, a mais famosa delas localizada na Itália, em Bolonha. Os instrumentos foram constantemente modificados, o número de cordas emparelhadas aumentou: primeiro dez, depois quatorze e, posteriormente, seu número chegou a 36, ​​o que exigiu mudanças no design do instrumento. Havia muitas variedades de alaúde, entre elas havia sete que correspondiam à tessitura da voz humana, do disco ao baixo.

No final do século XVII, a popularidade do alaúde começou a diminuir acentuadamente, à medida que foi gradualmente substituído por instrumentos como guitarra, cravo, e um pouco mais tarde o piano. No século XVIII, já não era utilizado, com exceção de algumas variedades que existiam na Suécia, Ucrânia e Alemanha. E somente na virada dos séculos 19 e 20, devido ao interesse renovado em instrumentos antigos de entusiastas ingleses liderados pelo fabricante instrumental, músico profissional e musicólogo Arnold Dolmich, a atenção ao alaúde novamente aumentou muito.

O alaúde é um instrumento musical antigo e elegante, com uma voz bela e suave, que em certa época foi retirado de uso e injustamente esquecido. O tempo passou, os músicos lembraram-se dele, interessaram-se e trouxeram-no novamente ao palco do concerto para cativar os ouvintes com o seu som sofisticado. Hoje, o alaúde participa frequentemente em concertos de música autêntica, actuando tanto como instrumento solo como em conjunto.

Vídeo: ouça o alaúde

Dutar. Du - dois. Alcatrão - corda. Um instrumento com trastes fixos e duas cordas de nervos. Você acha que quanto menos cordas, mais fácil é tocar?

Bem, então ouça um dos os melhores mestres jogando dutar - Abdurakhim Khait, um uigur de Xinjiang, China.
Há também um dutar turcomano. As cordas e trastes do dutar turcomano são de metal, o corpo é oco, feito de uma única peça de madeira, o som é muito brilhante e sonoro. O dutar turcomano tem sido um dos meus instrumentos favoritos nos últimos três anos, e o dutar mostrado na foto foi trazido para mim de Tashkent recentemente. Ferramenta incrível!

Saz do Azerbaijão. As nove cordas são divididas em três grupos, cada um deles afinado em uníssono. Um instrumento semelhante na Turquia é chamado baglama.

Não deixe de ouvir como este instrumento soa nas mãos de um mestre. Se você tiver pouco tempo, assista pelo menos a partir das 14h30.
Derivado de saz e baglama Instrumento grego bouzouki e sua variante irlandesa.

Oud ou al-ud, se você chamar este instrumento em árabe. É do nome árabe deste instrumento que vem o nome do alaúde europeu. Al-ud - alaúde, alaúde - você ouviu? Um oud normal não tem trastes - os trastes deste exemplo da minha coleção apareceram por minha iniciativa.

Ouça como um mestre marroquino toca oud.

Do violino chinês erhu de duas cordas com corpo ressonador simples e uma pequena membrana de couro surgiu o gijak da Ásia Central, que no Cáucaso e na Turquia era chamado de kemancha.

Ouça como soa o kemancha quando Imamyar Khasanov o toca.

Rubab tem cinco cordas. Os quatro primeiros são duplicados, cada par é afinado em uníssono e há uma corda baixo. O braço longo possui trastes correspondentes à escala cromática de quase duas oitavas e um pequeno ressonador com membrana de couro. O que você acha que significam os chifres curvados para baixo vindos do pescoço em direção ao instrumento? Seu formato não lembra a cabeça de um carneiro? Mas tudo bem - que som! Você deveria ter ouvido o som deste instrumento! Ele vibra e treme mesmo com seu pescoço maciço; preenche todo o espaço ao redor com seu som.

Ouça o som do rubab Kashgar. Mas meu rubab soa melhor, honestamente.

O alcatrão iraniano tem um corpo duplo oco feito de uma única peça de madeira e uma membrana feita de fina pele de peixe. Seis cordas emparelhadas: duas de aço, depois uma combinação de aço e cobre fino, e o próximo par é afinado em uma oitava - a corda grossa de cobre é afinada uma oitava abaixo da de aço fino. O alcatrão iraniano tem trastes intrusivos feitos de veias.

Ouça como soa o alcatrão iraniano.
O alcatrão iraniano é o ancestral de vários instrumentos. Um deles é o setar indiano (se - três, tar - string), e falarei dos outros dois a seguir.

O alcatrão do Azerbaijão não tem seis, mas onze cordas. Seis são iguais ao alcatrão iraniano, outro baixo adicional e quatro cordas que não são tocadas, mas ressoam quando tocadas, adicionando eco ao som e fazendo com que o som dure mais. Tar e kemancha são talvez os dois principais instrumentos da música do Azerbaijão.

Ouça por alguns minutos começando às 10h30 ou pelo menos começando às 13h50. Você nunca ouviu isso e não poderia imaginar que tal execução fosse possível neste instrumento. Este é interpretado pelo irmão de Imamyar Khasanov, Rufat.

Existe a hipótese de que o alcatrão seja o ancestral da guitarra europeia moderna.

Recentemente, quando falei sobre o caldeirão elétrico, fui repreendido por estar tirando a alma do caldeirão. Provavelmente, a mesma coisa foi dita a uma pessoa que há 90 anos adivinhou colocar um captador em um violão. Cerca de trinta anos depois, as melhores guitarras elétricas foram criadas e continuam sendo o padrão até hoje. Outra década depois, os Beatles apareceram, Pedras rolantes, seguido pelo Pink Floyd.
E todo esse progresso não atrapalhou os fabricantes de violões e violonistas clássicos.

Mas os instrumentos musicais nem sempre se espalharam de leste a oeste. Por exemplo, o acordeão tornou-se incomumente ferramenta popular no Azerbaijão no século XIX, quando os primeiros colonos alemães chegaram lá.

Meu acordeão foi feito pelo mesmo mestre que criou os instrumentos para Aftandil Israfilov. Ouça como esse instrumento soa.

O mundo dos instrumentos musicais orientais é amplo e diversificado. Ainda nem mostrei parte da minha coleção e ela está longe de estar completa. Mas definitivamente devo falar sobre mais duas ferramentas.
Um cachimbo com um sino no topo é chamado de zurna. E o instrumento abaixo é chamado duduk ou balaban.

As celebrações e os casamentos começam com os sons da zurna no Cáucaso, na Turquia e no Irã.

É assim que se parece um instrumento semelhante no Uzbequistão.

No Uzbequistão e no Tadjiquistão, zurna é chamado de surnay. EM Ásia Central e no Irã, os sons de surnay e pandeiros são necessariamente complementados pelos sons prolongados de outro instrumento - karnay. Karnai-surnai é uma frase estável que denota o início do feriado.

É interessante que nos Cárpatos exista um instrumento relacionado ao carnai, e seu nome é familiar para muitos - trembita.

E o segundo cachimbo, mostrado na minha fotografia, chama-se balaban ou duduk. Na Turquia e no Irão, este instrumento também é denominado mei.

Ouça como Alikhan Samedov toca balaban.

Voltaremos ao balaban mais tarde, mas por enquanto quero falar sobre o que vi em Pequim.
Como você entende, eu coleciono instrumentos musicais. E assim que tive um minuto livre durante minha viagem a Pequim, fui imediatamente a uma loja de instrumentos musicais. O que comprei para mim nesta loja, contarei em outra hora. E agora sobre o que não comprei e do que me arrependo terrivelmente.
Na vitrine havia um cachimbo com um sino, cujo desenho lembrava exatamente uma zurna.
- Como é chamado? - perguntei através do tradutor.
“Sona”, eles me responderam.
“Como é parecido com “sorna - surnay - zurna” - pensei em voz alta. E o tradutor confirmou meu palpite:
- Os chineses não pronunciam a letra r no meio de uma palavra.

Você pode aprender mais sobre a variedade chinesa de zurna
Mas, você sabe, zurna e balaban andam de mãos dadas. O design deles tem muito em comum - talvez seja por isso. E o que você acha? Ao lado do instrumento filho havia outro instrumento - guan ou guanji. Ele era assim:

É assim que ele se parece. Pessoal, camaradas, senhores, isso é duduk!
Quando ele chegou lá? No século VIII. Portanto, podemos supor que veio da China - o momento e a geografia coincidem.
Até agora, tudo o que está documentado é que este instrumento se espalhou para leste a partir de Xinjiang. Bem, como eles tocam esse instrumento na Xinjiang moderna?

Assista e ouça a partir do 18º segundo! Basta ouvir o som luxuoso do balaman uigur - sim, aqui ele é chamado exatamente da mesma forma que na língua do Azerbaijão (também existe essa pronúncia do nome).

Procuremos informações adicionais em fontes independentes, por exemplo, na enciclopédia Iranica:
BĀLĀBĀN
CH. ALBRIGHT
um instrumento de sopro de calibre cilíndrico e palheta dupla com cerca de 35 cm de comprimento, com sete orifícios para os dedos e um para o polegar, tocado no leste do Azerbaijão, no Irã e na República do Azerbaijão.

Ou Iranika simpatiza com os azerbaijanos? Bem, o TSB também diz que a palavra duduk é de origem turca.
Os azerbaijanos e os uzbeques subornaram os compiladores?
Bem, ok, você definitivamente não suspeitará que os búlgaros simpatizam com os turcos!
em um site búlgaro muito sério para a palavra duduk:
duduk, duduk; duduk, dyudyuk (do turco düdük), pishchalka, svorche, glasnik, adicional - instrumento musical darven popular do tipo aerofonite, trubi semifechado.
Eles novamente apontam para a origem turca da palavra e a chamam de instrumento folclórico.
Esta ferramenta, como se viu, é difundida principalmente entre Povos turcos, ou entre povos em contato com os turcos. E cada nação considera-o legitimamente seu instrumento popular e nacional. Mas apenas um leva o crédito pela sua criação.

Afinal, só os preguiçosos não ouviram dizer que “duduk é um antigo instrumento armênio”. Ao mesmo tempo, eles sugerem que o duduk foi criado há três mil anos - isto é, em um passado improvável. Mas os factos e a lógica elementar mostram que não é assim.

Volte ao início deste artigo e dê uma nova olhada nos instrumentos musicais. Quase todos estes instrumentos também são tocados na Arménia. Mas é absolutamente claro que todas essas ferramentas surgiram de muito mais numerosos povos com uma história clara e compreensível, entre os quais viveram os armênios. Imagine um pequeno povo vivendo disperso entre outras nações com seus próprios estados e impérios. Essas pessoas criarão um conjunto completo de instrumentos musicais para uma orquestra inteira?
Devo admitir que também pensei: “Ok, eram instrumentos grandes e complexos, vamos deixá-los de lado. Mas será que os Arménios poderiam sequer inventar um cachimbo?” Mas acontece que não, eles não inventaram isso. Se o tivessem inventado, então este cachimbo teria um nome puramente armênio, e não o poético e metafórico tsiranopokh (alma do damasco), mas algo mais simples, mais popular, com uma raiz, ou mesmo onomatopeico. Entretanto, todas as fontes apontam para a etimologia turca do nome deste instrumento musical, e a geografia e as datas de distribuição mostram que o duduk começou a espalhar-se a partir da Ásia Central.
Bem, ok, vamos fazer mais uma suposição e dizer que o duduk veio da antiga Armênia para Xinjiang. Mas como? Quem trouxe isso para lá? Que povos se mudaram do Cáucaso para a Ásia Central na virada do primeiro milênio? Não existem tais nações! Mas os turcos moviam-se constantemente da Ásia Central para o oeste. Poderiam muito bem ter difundido este instrumento no Cáucaso, no território da Turquia moderna e até na Bulgária, como indicam os documentos.

Prevejo outro argumento dos defensores da versão da origem armênia do duduk. Dizem que o verdadeiro duduk é feito apenas de madeira de damasco, que em latim se chama Prúnus armeniáca. Mas, em primeiro lugar, os damascos não são menos comuns na Ásia Central do que no Cáucaso. O nome latino não indica que esta árvore se espalhou pelo mundo a partir do território da área que contém nome geográfico Armênia. Só que foi a partir daí que penetrou na Europa e foi descrito pelos botânicos há cerca de trezentos anos. Pelo contrário, existe uma versão de que o damasco se espalhou a partir de Tien Shan, parte do qual está na China e parte na Ásia Central. Em segundo lugar, a experiência de pessoas muito talentosas mostra que este instrumento pode até ser feito de bambu. E meu balaban favorito é feito de amora e soa muito melhor do que os de damasco, que também tenho e foram feitos na Armênia.

Ouça como aprendi a tocar esse instrumento em alguns anos. O Artista do Povo do Turcomenistão Hasan Mamedov (violino) e o Artista do Povo da Ucrânia, meu colega residente em Fergana, Enver Izmailov (guitarra) participaram da gravação.

Com tudo isso, quero prestar homenagem ao grande duduk armênio Jivan Gasparyan. Foi esse homem quem fez do duduk um instrumento mundialmente famoso; graças ao seu trabalho, uma escola maravilhosa de tocar duduk surgiu na Armênia.
Mas fale" Duduk armênio“Só é legítimo falar de instrumentos específicos se foram feitos na Armênia, ou do tipo de música que surgiu graças a J. Gasparyan. Origem armênia Somente aquelas pessoas que se permitem declarações infundadas podem fazer duduk.

Observe que eu mesmo não indico o local exato nem a hora exata do aparecimento do duduk. Provavelmente é impossível estabelecer isto e o protótipo do duduk é mais antigo do que qualquer um dos povos vivos. Mas estou construindo minha hipótese sobre a disseminação do duduk, com base em fatos e lógica elementar. Se alguém quiser se opor a mim, gostaria de pedir antecipadamente: por favor, ao construir hipóteses, confie da mesma forma em fatos prováveis ​​​​e verificados de fontes independentes, não fuja da lógica e tente encontrar outra explicação inteligível pelos fatos listados.

Xi Jinping, Presidente da República Popular da China, discursando num simpósio que marca o 69º aniversário da vitória sobre os invasores japoneses durante a Segunda Guerra Mundial, apelando ao Japão para que adote uma abordagem mais responsável na avaliação...

adicionado: 04 de março de 2014

Nacional música japonesa e ferramentas

Um país Sol Nascente O Japão tem uma cultura distinta e única. A herança de uma grande nação está intimamente ligada à música. A música nacional japonesa é o mesmo fenômeno original, que se deveu ao isolamento do país.

O povo do Japão sempre trata os monumentos culturais de sua terra natal com cuidado e respeito. Qualquer música é impossível sem instrumentos musicais. Cultura musical O Japão tem seu próprio gênero único. Isso explica a variedade de instrumentos usados ​​para criar obras-primas musicais.

Instrumentos musicais famosos

Um dos instrumentos musicais japoneses mais famosos é shamisen, que é análogo a um alaúde. Pertence à categoria dos instrumentos dedilhados de três cordas. Ele veio de sansina, que por sua vez veio de Sanxiano, cuja pátria é a China.

A música e a dança japonesas não podem prescindir do shamisen, que ainda hoje é reverenciado. Ilhas japonesas e é frequentemente usado no teatro japonês Bunraku e Kabuki. Também é importante que jogar shamisen esteja incluído no programa de treinamento das gueixas - maiko.

A música nacional japonesa também está intimamente ligada às flautas. Instrumento musical fue pertence a uma família de flautas conhecidas por seu som agudo. Eles são feitos de bambu. Esta flauta veio de uma flauta chinesa - “ paixiao«.

A flauta mais famosa da família fue é shakuhachi, que é usado como instrumento musical pelos monges zen-budistas. Segundo a lenda, o shakuhachi foi inventado por um camponês comum. Quando transportava o bambu, ele ouviu uma melodia maravilhosa que vinha do bambu quando o vento soprava nele.

A flauta fue, assim como o shamisen, é frequentemente usada para acompanhamento nos teatros Banraku e Kabuki e em vários tipos de conjuntos. Alguns fouet podem ser afinados no estilo ocidental, tornando-se assim solistas. É interessante que anteriormente jogar fue era característico apenas dos monges errantes japoneses.

Suikinkutsu

Outra ferramenta que representa cultura japonesaé suikinkutsu. Tem a forma de um jarro invertido com água fluindo por cima. Entrando por certos orifícios, faz com que o instrumento emita um som muito semelhante ao toque de um sino. Este instrumento é tocado antes da cerimônia do chá e também é usado como atributo de um jardim tradicional japonês.

Aliás, por conveniência, a cerimônia do chá pode acontecer no jardim. O som do instrumento mergulha a pessoa em uma inexplicável sensação de relaxamento e cria um clima contemplativo. Este estado é muito adequado para a imersão no Zen, já que relaxar no jardim durante a cerimônia do chá faz parte da tradição Zen.

A ferramenta é mais compreensível para nossa percepção taiko,que traduzido para o russo significa “tambor”. A propósito, Taiko tornou-se famoso em assuntos militares, assim como seus colegas de outros países. Como se costuma dizer, nas crônicas de Gunji Yeshu, nove vezes nove ataques significavam um chamado para a batalha e, por sua vez, nove vezes três significavam que o inimigo deveria ser perseguido.

Deve-se levar em consideração que durante a atuação de um baterista se dá atenção à estética da performance que ele oferece, pois não só a melodia e o ritmo da performance são importantes, mas também a aparência do instrumento no qual a melodia é tocada. .

Gêneros de música japonesa

A música folclórica japonesa percorreu um longo caminho em seu desenvolvimento. Suas origens foram canções mágicas; mais tarde, o confucionismo e o budismo influenciaram o desenvolvimento e a formação do gênero musical. Assim, a música japonesa está, de uma forma ou de outra, associada a rituais, feriados tradicionais, apresentações teatrais e outras atividades. japonês música étnica, ouça online que, em mundo moderno, possível a qualquer hora do dia e em qualquer lugar tornou-se uma parte importante herança cultural países.

Existem dois tipos principais e mais populares de música nacional japonesa.

• O primeiro é simyo, que representa cantos budistas.
• Segundo - gagaku, que é música de corte orquestral.

Mas também existem gêneros que não têm raízes antigas. Eles pertencem a Yasugi Bushi e Enka.

O gênero mais popular de canções folclóricas japonesas é Yasugi Bushi, que leva o nome da cidade de Yasugi. O tema do gênero está relacionado história antiga e contos míticos e poéticos. Mas Yasugi Bushi não é apenas música, mas também dança dojo sukui, bem como a arte de fazer malabarismos com música Zeni Daiko, que utiliza hastes de bambu cheias de moedas como instrumento musical.

Enka, como gênero, surgiu há relativamente pouco tempo, em período pós-guerra. Nele, os motivos folclóricos japoneses estão entrelaçados com jazz e blues. Assim, a música japonesa tem a sua própria características nacionais, e portanto difere de outros gêneros musicais outros países. Portanto, existem instrumentos musicais chamados poços cantantes, que você não verá em nenhum lugar do mundo, exceto talvez no Tibete.

A música japonesa é caracterizada por constantes mudanças de andamento e ritmo. Muitas vezes não há tamanho. A música japonesa está próxima dos sons da natureza, o que a torna ainda mais misteriosa e inusitada.

Vídeo: música japonesa online