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Por onde começar a ouvir Shostakovich

Dmitry Shostakovich ficou famoso aos 20 anos, quando sua Primeira Sinfonia foi executada em salas de concerto URSS, Europa e EUA. Um ano após sua estreia, a Primeira Sinfonia foi apresentada em todos os principais teatros do mundo. As 15 sinfonias de Shostakovich foram chamadas pelos contemporâneos de " grande era Música russa e mundial". Ilya Ovchinnikov fala sobre a ópera “Lady Macbeth de Mtsensk”, Sinfonia nº 5, Quarteto de Cordas nº 8.

Foto: telegraph.co.uk

Concerto nº 1 para piano e trompete e orquestra

O concerto é uma das últimas obras do ousado Shostakovich, autor de obras de vanguarda como a ópera “O Nariz” e a Segunda e Terceira Sinfonias. Não é por acaso que Shostakovich caminha para um estilo mais democrático. O concerto está cheio de citações ocultas e explícitas. Embora a parte do trompete na obra seja extremamente importante, não pode ser chamada de concerto duplo, onde os papéis dos dois instrumentos são iguais: o trompete ou solos, depois acompanha o piano, depois o interrompe, depois fica em silêncio por um longo tempo. . O concerto é como uma colcha de retalhos: cheio de citações de Bach, Mozart, Haydn, Grieg, Weber, Mahler, Tchaikovsky, mas permanecendo uma obra absolutamente integral. As fontes de citações incluem o rondó "Rage for a Lost Penny" de Beethoven. Shostakovich utilizou o seu tema numa cadência que inicialmente não planeava escrever: surgiu a pedido urgente do pianista Lev Oborin, que, juntamente com o autor, se tornou um dos primeiros intérpretes do Concerto. Sergei Prokofiev, que planejava tocar o Concerto em Paris, também se interessou pela composição, mas nunca chegou a esse ponto.

Ópera "Lady Macbeth de Mtsensk"

Os temas principais de uma das principais óperas do século XX foram sexo e violência; logo após sua estreia triunfante em 1934, foi oficialmente proibido em nosso país por quase 30 anos. Com base no ensaio de Leskov, Shostakovich mudou muito na imagem da heroína. “Apesar de Ekaterina Lvovna ser a assassina do marido e do sogro, ainda simpatizo com ela”, escreveu o compositor. Ao longo dos anos destino trágico a ópera fez com que fosse vista como um protesto contra o regime. No entanto, a música, permeada por um sentimento de mau presságio, sugere que a escala da tragédia é mais ampla do que a escala da época. Não é por acaso que a polícia, entediada na delegacia, fica muito satisfeita com a notícia de um cadáver no porão dos Izmailov, e a própria descoberta do cadáver - uma das cenas mais impressionantes da ópera - é acompanhada por um galope vigoroso e arrojado. A imagem de dançar sobre um túmulo – uma das principais para Shostakovich em geral – era demasiado relevante para a URSS na década de 1930 e poderia não ter agradado a Estaline. Preste atenção na dança dos convidados do terceiro ato - depois de ouvi-la, é impossível esquecê-la.

O mesmo galope - executado por Shostakovich.

Sinfonia nº 5

A sinfonia não teria nascido sem a ópera Lady Macbeth e as suas críticas devastadoras. O artigo “Confusão em vez de música”, ditado por Stalin, desferiu um duro golpe em Shostakovich: ele esperava ser preso, embora não parasse de trabalhar. A Quarta Sinfonia foi logo concluída, mas sua apresentação foi cancelada e ocorreu 25 anos depois. Shostakovich escreveu nova sinfonia, cuja estreia acabou por ser um verdadeiro triunfo: o público demorou meia hora a sair. A sinfonia logo foi reconhecida como uma obra-prima do mais alto calibre; ela foi elogiada por Alexey Tolstoy e Alexander Fadeev. Shostakovich conseguiu criar uma sinfonia que o ajudou a se reabilitar, mas não foi um compromisso. Em obras anteriores o compositor experimentou com ousadia; na Quinta, sem pisar na própria garganta, apresentou os resultados de suas complexas pesquisas em forma tradicional sinfonia romântica em quatro movimentos. Para círculos oficiais ela final principal parecia mais do que aceitável; O major obsessivo deu ao público oportunidades infinitas de pensar sobre o que o autor tinha em mente e ainda faz.

Quarteto de cordas nº 8

Ao lado de quinze sinfonias, o legado de Shostakovich inclui quinze quartetos de cordas: o seu diário pessoal, uma conversa consigo mesmo, uma autobiografia. Porém, a escala de seus outros quartetos é sinfônica, muitos deles executados em arranjos para orquestra. O mais famoso é o Oitavo, cujo título “Em Memória das Vítimas do Fascismo e da Guerra” é apenas um disfarce para a verdadeira intenção do autor. Shostakovich escreveu ao seu amigo Isaac Glickman: “...escreveu um quarteto que ninguém precisava e que era ideologicamente cruel. Achei que, se algum dia morresse, dificilmente alguém escreveria uma obra dedicada à minha memória. Então decidi escrever um sozinho. Poderia ter escrito na capa: “Dedicado à memória do autor deste quarteto”... A pseudotragédia deste quarteto é tal que, ao escrevê-lo, derramei tantas lágrimas quanto a urina escorre depois de meia dúzia. cervejas. Chegando em casa, tentei tocar duas vezes e novamente chorei. Mas não se trata apenas de sua pseudotragédia, mas também da surpresa diante da bela integridade da forma.”

Opereta “Moscou, Cheryomushki”

A única opereta de Shostakovich é dedicada à mudança dos moscovitas para nova área cidades Capitais. Para a época do degelo, o libreto de Cheryomushki é surpreendentemente livre de conflitos: além da luta dos novos colonos por espaço vital com o canalha Drebednev e sua esposa Vava, os conflitos restantes aqui são apenas entre o bom e o excelente. Até o malandro gerente Barabashkin é simpático. A caligrafia de Shostakovich é praticamente inaudível nesta opereta exemplar: é interessante imaginar como a teria percebido um ouvinte que não soubesse o nome do autor. Junto com a música, também merecem destaque os tocantes diálogos: “Ah, que lustre interessante!” - “Isto não é um lustre, mas sim um ampliador fotográfico.” - “Ah, que ampliador de fotos interessante... Do que podemos falar, as pessoas sabem viver!” A opereta “Moscou, Cheryomushki” é uma espécie de museu, onde a exposição não é tanto a nossa vida de 60 anos atrás, mas como ela era entendida naquela época.

Dmitry Dmitrievich Shostakovich (12 (25) de setembro de 1906, São Petersburgo - 9 de agosto de 1975, Moscou) - compositor soviético russo, pianista, professor e figura pública, um dos compositores mais importantes do século XX, que teve e continua a ter uma influência criativa nos compositores. EM primeiros anos Shostakovich foi influenciado pela música de Stravinsky, Berg, Prokofiev, Hindemith e, mais tarde (em meados da década de 1930), Mahler. Estudando constantemente as tradições clássicas e de vanguarda, Shostakovich desenvolveu sua própria linguagem musical, carregada de emoção e tocando os corações de músicos e amantes da música em todo o mundo.

Na primavera de 1926, a Orquestra Filarmônica de Leningrado, dirigida por Nikolai Malko, tocou pela primeira vez a Primeira Sinfonia de Dmitri Shostakovich. Numa carta ao pianista de Kiev L. Izarova, N. Malko escreveu: “Acabei de voltar de um concerto. Regeu pela primeira vez a sinfonia do jovem Leningrado Mitya Shostakovich. Eu sinto que abri nova página na história da música russa".

A recepção da sinfonia pelo público, pela orquestra e pela imprensa não pode ser considerada simplesmente um sucesso, foi um triunfo. O mesmo foi sua procissão pelos palcos sinfônicos mais famosos do mundo. Otto Klemperer, Arturo Toscanini, Bruno Walter, Hermann Abendroth, Leopold Stokowski debruçaram-se sobre a partitura da sinfonia. Para eles, pensadores-regentes, a correlação entre o nível de habilidade e a idade do autor parecia implausível. Fiquei impressionado com a total liberdade com que o compositor de dezenove anos dispôs de todos os recursos da orquestra para concretizar suas ideias, e as próprias ideias atingiram um frescor primaveril.

A sinfonia de Shostakovich foi verdadeiramente a primeira sinfonia do novo mundo, sobre a qual varreu a tempestade de outubro. O contraste era marcante entre a música, cheia de alegria, o florescimento exuberante das forças jovens, as letras sutis e tímidas e a arte expressionista sombria de muitos dos contemporâneos estrangeiros de Shostakovich.

Ignorando o estágio habitual da juventude, Shostakovich atingiu a maturidade com confiança. Esta excelente escola deu-lhe essa confiança. Natural de Leningrado, foi educado dentro dos muros do Conservatório de Leningrado nas aulas do pianista L. Nikolaev e do compositor M. Steinberg. Leonid Vladimirovich Nikolaev, que criou um dos ramos mais frutíferos da escola pianística soviética, como compositor foi aluno de Taneyev, que por sua vez foi aluno de Tchaikovsky. Maximilian Oseevich Steinberg é aluno de Rimsky-Korsakov e seguidor de seus princípios e métodos pedagógicos. De seus professores, Nikolaev e Steinberg herdaram um ódio total pelo amadorismo. Nas suas aulas havia um espírito de profundo respeito pelo trabalho, pelo que Ravel gostava de designar com a palavra métier – ofício. É por isso que a cultura da maestria já estava tão elevada na primeira grande obra do jovem compositor.

Muitos anos se passaram desde então. Mais quatorze foram adicionados à Primeira Sinfonia. Surgiram quinze quartetos, dois trios, duas óperas, três balés, dois concertos para piano, dois para violino e dois para violoncelo, ciclos de romance, coleções de prelúdios e fugas para piano, cantatas, oratórios, músicas para muitos filmes e performances dramáticas.

O período inicial da criatividade de Shostakovich coincide com o final dos anos 20, uma época de discussões acaloradas sobre as questões fundamentais da União Soviética. cultura artística quando as bases do método e do estilo se cristalizaram Arte soviética - realismo socialista. Como muitos representantes dos jovens, e não apenas da geração mais jovem da intelectualidade artística soviética, Shostakovich presta homenagem à sua paixão pelos trabalhos experimentais do diretor V. E. Meyerhold, pelas óperas de Alban Berg (Wozzeck), Ernst Kshenek (Jumping Over the Shadow , Johnny), apresentações de balé Fedora Lopukhov.

A combinação do grotesco agudo com a tragédia profunda, típica de muitos fenômenos da arte expressionista vindos do exterior, também atraiu a atenção do jovem compositor. Ao mesmo tempo, a admiração por Bach, Beethoven, Tchaikovsky, Glinka e Berlioz sempre vive nele. Ao mesmo tempo, ele estava preocupado com o grandioso épico sinfônico de Mahler: a profundidade dos problemas éticos nele contidos: o artista e a sociedade, o artista e a modernidade. Mas nenhum dos compositores de épocas passadas o choca tanto quanto Mussorgsky.

Bem no início da carreira criativa de Shostakovich, em um momento de buscas, hobbies e disputas, nasceu sua ópera “O Nariz” (1928) - uma das obras mais polêmicas de sua juventude criativa. Nesta ópera baseada no enredo de Gogol, através das influências tangíveis de “O Inspetor Geral” de Meyerhold, eram visíveis características musicais excêntricas e brilhantes que tornam “O Nariz” semelhante à ópera “Casamento” de Mussorgsky. “The Nose” desempenhou um papel significativo na evolução criativa de Shostakovich.

O início da década de 30 é marcado na biografia do compositor por uma série de obras de diversos gêneros. Aqui estão os balés “The Golden Age” e “Bolt”, música para a produção de Meyerhold da peça “The Bedbug” de Mayakovsky, música para várias apresentações do Teatro da Juventude Trabalhadora de Leningrado (TRAM) e, finalmente, a primeira entrada de Shostakovich na cinematografia, a criação de músicas para os filmes “Alone”, “Golden Mountains”, “Counter”; música para variedades e apresentações circenses do Leningrad Music Hall “Conditionally Killed”; comunicação criativa com artes afins: balé, teatro dramático, cinema; o surgimento do primeiro ciclo de romance (baseado em poemas de poetas japoneses) evidencia a necessidade do compositor de concretizar a estrutura figurativa da música.

O lugar central entre as obras de Shostakovich da primeira metade dos anos 30 é ocupado pela ópera “Lady Macbeth de Mtsensk” (“Katerina Izmailova”). A base de sua dramaturgia é a obra de N. Leskov, cujo gênero a autora designou com a palavra “ensaio”, como se assim enfatizasse a autenticidade, confiabilidade dos acontecimentos, retratos personagens. A música de “Lady Macbeth” é uma história trágica sobre uma era terrível de tirania e ilegalidade, quando tudo o que há de humano em uma pessoa, sua dignidade, pensamentos, aspirações, sentimentos, foi morto; quando os instintos primitivos eram impostos e governavam as ações e a própria vida, algemada, caminhava pelas intermináveis ​​​​estradas da Rússia. Em um deles, Shostakovich viu sua heroína - a ex-esposa de um comerciante, uma condenada, que pagou o preço total por sua felicidade criminosa. Eu vi e contei com entusiasmo o destino dela na minha ópera.

O ódio ao velho mundo, o mundo da violência, da mentira e da desumanidade, manifesta-se em muitas das obras de Shostakovich, em diferentes géneros. Ela é a antítese mais forte imagens positivas, ideias que definem o credo artístico e social de Shostakovich. Crença no poder irresistível do Homem, admiração pela riqueza paz de espírito, simpatia pelo seu sofrimento, uma sede apaixonada de participar na luta pelos seus ideais brilhantes - estas são as características mais importantes deste credo. Ela se manifesta de maneira especialmente plena em suas obras-chave e marcantes. Entre elas está uma das mais importantes, a Quinta Sinfonia, surgida em 1936, que deu início a uma nova etapa na biografia criativa do compositor, um novo capítulo na história da cultura soviética. Nesta sinfonia, que pode ser chamada de “tragédia otimista”, o autor chega a um profundo problema filosófico formação da personalidade de seu contemporâneo.

A julgar pela música de Shostakovich, o gênero sinfônico sempre foi para ele uma plataforma a partir da qual apenas os discursos mais importantes e inflamados deveriam ser proferidos, visando atingir os objetivos éticos mais elevados. A plataforma sinfônica não foi erguida para eloquência. Este é o trampolim do militante pensamento filosófico, lutando pelos ideais do humanismo, denunciando o mal e a baixeza, como se mais uma vez afirmasse a famosa posição goethiana:

Só ele é digno de felicidade e liberdade,
Quem vai batalhar por eles todos os dias!
É significativo que nenhuma das quinze sinfonias escritas por Shostakovich se afaste dos tempos modernos. O Primeiro foi mencionado acima, o Segundo é uma dedicatória sinfônica a outubro, o Terceiro é “Primeiro de Maio”. Neles, o compositor recorre à poesia de A. Bezymensky e S. Kirsanov para revelar mais claramente a alegria e a solenidade das festividades revolucionárias que neles resplandecem.

Mas já a partir da Quarta Sinfonia, escrita em 1936, alguma força estranha e maligna entra no mundo da alegre compreensão da vida, da bondade e da amizade. Ela assume diferentes disfarces. Em algum lugar ela pisa rudemente no chão coberto de vegetação primaveril, com um sorriso cínico ela contamina a pureza e a sinceridade, ela está com raiva, ela ameaça, ela prenuncia a morte. Está internamente próximo dos temas sombrios que ameaçam a felicidade humana nas páginas das partituras das três últimas sinfonias de Tchaikovsky.

Tanto no Quinto como no II movimentos da Sexta Sinfonia de Shostakovich, ela, esta força formidável, se faz sentir. Mas apenas no Sétimo, Sinfonia de Leningrado ela se levanta em toda a sua altura. De repente, uma força cruel e terrível invade o mundo dos pensamentos filosóficos, dos sonhos puros, do vigor atlético e das paisagens poéticas de estilo levitano. Ela veio para varrer este mundo puro e estabelecer a escuridão, o sangue, a morte. Insinuantemente, de longe, ouve-se o farfalhar quase inaudível de um pequeno tambor, e em seu ritmo claro emerge um tema duro e angular. Repetindo-se onze vezes com mecanicidade monótona e ganhando força, adquire sons roucos, rosnados e um tanto desgrenhados. E agora, em toda a sua terrível nudez, o homem-fera pisa na terra.

Em contraste com o “tema da invasão”, o “tema da coragem” emerge e ganha força na música. O monólogo do fagote está extremamente saturado com a amargura da perda, fazendo lembrar os versos de Nekrasov: “Estas são as lágrimas das pobres mães, elas não esquecerão seus filhos que morreram no campo sangrento”. Mas por mais tristes que sejam as perdas, a vida se afirma a cada minuto. Essa ideia permeia o Scherzo – Parte II. E a partir daqui, através da reflexão (Parte III), leva a um final que soa triunfante.

O compositor escreveu sua lendária Sinfonia de Leningrado em uma casa constantemente abalada por explosões. Em um de seus discursos, Shostakovich disse: “Olhei para minha amada cidade com dor e orgulho. E ele ficou, chamuscado pelo fogo, endurecido pela batalha, tendo experimentado o profundo sofrimento de um lutador, e era ainda mais bonito em sua imponência severa. Como não amar esta cidade, construída por Pedro, e não contar ao mundo inteiro sobre a sua glória, sobre a coragem dos seus defensores... A minha arma foi a música.”

Odiando apaixonadamente o mal e a violência, o compositor cidadão denuncia o inimigo, aquele que semeia guerras que mergulham as nações no abismo do desastre. É por isso que o tema da guerra prende por muito tempo o pensamento do compositor. Soa na Oitava, grandiosa na escala, na profundidade dos conflitos trágicos, composta em 1943, nas Décima e Décima Terceira sinfonias, no trio de piano, escrita em memória de I. I. Sollertinsky. Este tema penetra também no Oitavo Quarteto, na música dos filmes “A Queda de Berlim”, “Encontro no Elba”, “Jovem Guarda”. Num artigo dedicado ao primeiro aniversário do Dia da Vitória, Shostakovich escreveu: “ A vitória obriga nada menos que a guerra travada em nome da vitória. A derrota do fascismo é apenas uma etapa no movimento ofensivo imparável do homem, na implementação da missão progressista do povo soviético.”

A Nona Sinfonia, a primeira obra de Shostakovich no pós-guerra. Foi apresentada pela primeira vez no outono de 1945 e, até certo ponto, esta sinfonia não correspondeu às expectativas. Não há nele nenhuma solenidade monumental que possa incorporar na música as imagens do fim vitorioso da guerra. Mas há algo mais nisso: alegria imediata, piadas, risos, como se um peso enorme tivesse caído dos ombros, e pela primeira vez em tantos anos fosse possível acender a luz sem cortinas, sem escurecer, e todas as janelas das casas se iluminaram de alegria. E só na penúltima parte aparece uma dura lembrança do vivido. Mas a escuridão reina por um curto período de tempo - a música retorna novamente ao mundo da luz e da diversão.

Oito anos separam a Décima Sinfonia da Nona. Nunca houve tal ruptura na crônica sinfônica de Shostakovich. E mais uma vez temos diante de nós uma obra cheia de colisões trágicas, problemas ideológicos profundos, cativante com suas narrativas patéticas sobre uma era de grandes convulsões, uma era de grandes esperanças para a humanidade.

A Décima Primeira e a Décima Segunda ocupam um lugar especial na lista das sinfonias de Shostakovich.

Antes de passar à Décima Primeira Sinfonia, escrita em 1957, é necessário relembrar Dez Poemas para coro misto (1951) baseados em palavras de poetas revolucionários do século XIX e início do século XX. Os poemas de poetas revolucionários: L. Radin, A. Gmyrev, A. Kots, V. Tan-Bogoraz inspiraram Shostakovich a criar música, cada compasso composto por ele, e ao mesmo tempo semelhante às canções do revolucionário underground, reuniões de estudantes, que se ouviam nas masmorras de Butyrok, e em Shushenskoye, e em Lynjumo, em Capri, ao som das canções que eram e tradição familiar na casa dos pais do compositor. Seu avô, Boleslav Boleslavovich Shostakovich, foi exilado por participar do levante polonês de 1863. Seu filho, Dmitry Boleslavovich, pai do compositor, anos de estudante e depois de se formar na Universidade de São Petersburgo, ele esteve intimamente associado à família Lukashevich, um de cujos membros, junto com Alexander Ilyich Ulyanov, estava preparando uma tentativa de assassinato contra Alexandre III. Lukashevich passou 18 anos na fortaleza de Shlisselburg.

Uma das impressões mais poderosas de toda a vida de Shostakovich data de 3 de abril de 1917, dia da chegada de V. I. Lenin a Petrogrado. É assim que o compositor fala sobre isso. “Eu testemunhei os acontecimentos Revolução de outubro, estava entre os que ouviram Vladimir Ilyich na praça em frente à estação Finlyandsky no dia de sua chegada a Petrogrado. E, embora eu fosse muito jovem, isso ficou gravado para sempre na minha memória.”

O tema da revolução entrou na carne e no sangue do compositor ainda na infância e nele amadureceu junto com o crescimento da consciência, tornando-se um de seus alicerces. Este tema cristalizou-se na Décima Primeira Sinfonia (1957), denominada “1905”. Cada parte tem seu próprio nome. A partir deles você pode imaginar claramente a ideia e a dramaturgia da obra: “ Praça do Palácio", "9 de janeiro", "Memória Eterna", "Alarme". A sinfonia é permeada pelas entonações de canções do underground revolucionário: “Ouça”, “Prisioneiro”, “Você foi vítima”, “Rage, tyrants”, “Varshavyanka”. Eles conferem à rica narrativa musical uma emoção especial e a autenticidade de um documento histórico.

Dedicada à memória de Vladimir Ilyich Lenin, a Décima Segunda Sinfonia (1961) – uma obra de poder épico – continua a história instrumental da revolução. Tal como no Décimo Primeiro, os nomes dos programas das partes dão uma ideia completamente clara do seu conteúdo: “Petrogrado Revolucionária”, “Razliv”, “Aurora”, “Amanhecer da Humanidade”.

A Décima Terceira Sinfonia de Shostakovich (1962) tem um gênero próximo ao oratório. Foi escrito para uma composição inusitada: uma orquestra sinfônica, um baixo coro e um baixo solista. A base textual das cinco partes da sinfonia são os versos de Evg. Yevtushenko: “Babi Yar”, “Humor”, “Na Loja”, “Medos” e “Carreira”. A ideia da sinfonia, o seu pathos é a denúncia do mal em nome da luta pela verdade, pelo homem. E esta sinfonia revela o humanismo ativo e ofensivo inerente a Shostakovich.

Após uma pausa de sete anos, em 1969, foi criada a Décima Quarta Sinfonia, escrita para orquestra de câmara: cordas, um pequeno número de percussão e duas vozes - soprano e baixo. A sinfonia contém poemas de Garcia Lorca, Guillaume Apollinaire, M. Rilke e Wilhelm Kuchelbecker.Dedicada a Benjamin Britten, a sinfonia foi escrita, segundo seu autor, sob a influência de “Canções e Danças da Morte” de M. P. Mussorgsky. No magnífico artigo “From the Depths of the Depths”, dedicado à Décima Quarta Sinfonia, Marietta Shaginyan escreveu: “... a Décima Quarta Sinfonia de Shostakovich, o culminar de sua obra. A Décima Quarta Sinfonia - gostaria de chamá-la de as primeiras “Paixões Humanas” da nova era - fala de forma convincente de quanto nosso tempo precisa tanto de uma interpretação aprofundada das contradições morais quanto de uma compreensão trágica das provações espirituais (“paixões”) , por onde passa a humanidade.”

A décima quinta sinfonia de D. Shostakovich foi composta no verão de 1971. Após uma longa pausa, o compositor retorna a uma partitura puramente instrumental para a sinfonia. A coloração clara do “scherzo de brinquedo” do primeiro movimento está associada a imagens da infância. O tema da abertura “Guilherme Tell” de Rossini “se encaixa” organicamente na música. Música fúnebre do início da Parte II em som sombrio grupo de cobre dá origem a pensamentos de perda, da primeira dor terrível. A música da segunda parte é repleta de fantasia sinistra, de certa forma reminiscente mundo de fadas"O Quebra-Nozes". No início da Parte IV, Shostakovich recorre novamente à citação. Desta vez é o tema do destino da Valquíria, que predetermina o clímax trágico do desenvolvimento posterior.

Quinze sinfonias de Shostakovich são quinze capítulos da crônica épica do nosso tempo. Shostakovich juntou-se às fileiras daqueles que estão transformando o mundo ativa e diretamente. Sua arma é a música que se tornou filosofia, a filosofia que se tornou música.

As aspirações criativas de Shostakovich abrangem todos os gêneros musicais existentes - desde a canção de massa de "O Contador" até o oratório monumental "Canção das Florestas", óperas, sinfonias e concertos instrumentais. Uma parte significativa da sua obra é dedicada à música de câmara, uma de cujas obras, “24 Prelúdios e Fugas” para piano, ocupa um lugar especial. Depois de Johann Sebastian Bach, poucos ousaram tocar num ciclo polifónico deste tipo e escala. E não se trata da presença ou ausência de tecnologia adequada, de um tipo especial de habilidade. Os “24 Prelúdios e Fugas” de Shostakovich não são apenas um corpo de sabedoria polifónica do século XX, são o indicador mais claro da força e da tensão do pensamento, penetrando nas profundezas dos fenómenos mais complexos. Este tipo de pensamento é semelhante ao poder intelectual de Kurchatov, Landau, Fermi e, portanto, os prelúdios e fugas de Shostakovich surpreendem não só pelo alto academicismo de revelar os segredos da polifonia de Bach, mas sobretudo pelo pensamento filosófico que verdadeiramente penetra no “profundezas das profundezas” de seu contemporâneo, as forças motrizes, as contradições e o pathos da era das grandes transformações.

Ao lado das sinfonias, um grande lugar na biografia criativa de Shostakovich é ocupado pelos seus quinze quartetos. Neste conjunto, modesto no número de intérpretes, o compositor recorre a um círculo temático próximo daquele de que fala nas suas sinfonias. Não é por acaso que alguns quartetos surgem quase em simultâneo com as sinfonias, sendo os seus “companheiros” originais.

Nas sinfonias, o compositor dirige-se a milhões, continuando neste sentido a linha do sinfonismo de Beethoven, enquanto os quartetos se dirigem a um círculo de câmara mais restrito. Com ele compartilha o que excita, agrada, deprime, o que sonha.

Nenhum dos quartetos possui um título especial que ajude a compreender seu conteúdo. Nada além de um número de série. E, no entanto, o seu significado é claro para todos que amam e sabem ouvir música de câmara. O primeiro quarteto tem a mesma idade da Quinta Sinfonia. Em sua estrutura alegre, próxima do neoclassicismo, com uma sarabande pensativa do primeiro movimento, um final cintilante de Haydn, uma valsa esvoaçante e um coro de viola russa comovente, prolongado e claro, pode-se sentir a cura dos pensamentos pesados ​​​​que dominaram o herói da Quinta Sinfonia.

Lembramos como o lirismo foi importante nos poemas, canções e cartas durante os anos de guerra, como o calor lírico de algumas frases sinceras multiplicou a força espiritual. A valsa e o romance do Segundo Quarteto, escritos em 1944, estão imbuídos disso.

Quão diferentes são as imagens do Terceiro Quarteto. Ele contém o descuido da juventude e as visões dolorosas das “forças do mal”, e o campo de tensão da resistência, e letras adjacentes a reflexão filosófica. Quinto Quarteto (1952), precedendo a Décima Sinfonia, e em outra em maior medida O oitavo quarteto (1960) está repleto de visões trágicas - memórias dos anos de guerra. Na música desses quartetos, como na Sétima e Décima sinfonias, as forças da luz e as forças das trevas opõem-se fortemente. A página de título do Oitavo Quarteto diz: “Em memória das vítimas do fascismo e da guerra”. Este quarteto foi escrito durante três dias em Dresden, onde Shostakovich foi trabalhar na música do filme Five Days, Five Nights.

Junto com quartetos que refletem o “grande mundo” com seus conflitos, acontecimentos, colisões de vida, Shostakovich tem quartetos que soam como páginas de um diário. No Primeiro eles são alegres; na Quarta falam sobre auto-absorção, contemplação, paz; na Sexta - revelam-se imagens de unidade com a natureza e profunda tranquilidade; no Sétimo e Décimo Primeiro - dedicado à memória pessoas próximas, a música atinge expressividade quase verbal, principalmente em clímax trágicos.

No Décimo Quarto Quarteto, os traços característicos dos melos russos são especialmente perceptíveis. Na Parte I, as imagens musicais cativam pela forma romântica de expressar os mais diversos sentimentos: desde a admiração sincera pela beleza da natureza até explosões de turbulência mental, retornando à paz e tranquilidade da paisagem. O Adagio do Décimo Quarto Quarteto faz recordar o espírito russo do coro de viola do Primeiro Quarteto. Na III – parte final – a música é delineada por ritmos dançantes, soando mais ou menos nítidos. Avaliando o Décimo Quarto Quarteto de Shostakovich, D. B. Kabalevsky fala do “início de Beethoven” de sua alta perfeição.

O décimo quinto quarteto foi apresentado pela primeira vez no outono de 1974. Sua estrutura é inusitada: é composta por seis partes que se sucedem sem interrupção. Todas as peças vão para em um ritmo lento: Elegia, Serenata, Intermezzo, Noturno, Marcha Fúnebre e Epílogo. O décimo quinto quarteto surpreende pela profundidade do pensamento filosófico, tão característico de Shostakovich em muitas obras do gênero.

A obra do quarteto de Shostakovich representa um dos ápices do desenvolvimento do gênero no período pós-Beethoven. Assim como nas sinfonias, um mundo de ideias elevadas, pensamentos, generalizações filosóficas. Mas, ao contrário das sinfonias, os quartetos têm aquela entonação de confiança que desperta instantaneamente uma resposta emocional do público. Esta propriedade dos quartetos de Shostakovich os torna semelhantes aos quartetos de Tchaikovsky.

Ao lado dos quartetos, um dos lugares mais altos do género camerístico é justamente ocupado pelo Quinteto para Piano, escrito em 1940, uma obra que combina um profundo intelectualismo, especialmente evidente no Prelúdio e na Fuga, e uma emocionalidade subtil, que faz lembrar em algum lugar a obra de Levitan. paisagens.

O compositor recorre cada vez mais à música vocal de câmara em anos pós-guerra. Seis romances aparecem baseados nas palavras de W. Raleigh, R. Burns, W. Shakespeare; ciclo vocal"Do judeu poesia popular"; Dois romances com poemas de M. Lermontov, Quatro monólogos com poemas de A. Pushkin, canções e romances com poemas de M. Svetlov, E. Dolmatovsky, o ciclo “Canções Espanholas”, Cinco sátiras às palavras de Sasha Cherny, Cinco humorísticos às palavras da revista “Crocodile” ", Suíte baseada em poemas de M. Tsvetaeva.

Tal abundância de música vocal baseada em textos de clássicos da poesia e poetas soviéticos atesta a ampla gama de interesses literários do compositor. Na música vocal de Shostakovich, ficamos impressionados não apenas com a sutileza do senso de estilo e da caligrafia do poeta, mas também com a capacidade de recriar características nacionais música. Isto é especialmente evidente nas “Canções Espanholas”, no ciclo “Da Poesia Popular Judaica”, nos romances baseados em poemas de poetas ingleses. As tradições das letras de romance russas, vindas de Tchaikovsky, Taneyev, são ouvidas nos Cinco Romances, “Cinco Dias” baseados nos poemas de E. Dolmatovsky: “O Dia do Encontro”, “O Dia das Confissões”, “O Dia dos Ressentimentos”, “O Dia da Alegria”, “O Dia das Memórias” .

Um lugar especial é ocupado por “Sátiras” baseadas nas palavras de Sasha Cherny e “Humoresques” de “Crocodile”. Refletem o amor de Shostakovich por Mussorgsky. Originou-se em primeiros anos e apareceu primeiro em seu ciclo “Fábulas de Krylov”, depois na ópera “O Nariz”, depois em “Katerina Izmailova” (especialmente no Ato IV da ópera). Três vezes Shostakovich recorre diretamente a Mussorgsky, reorquestrando e editando “Boris Godunov” e “Khovanshchina” e orquestrando “Songs and Dances of Death” pela primeira vez. E mais uma vez a admiração por Mussorgsky se reflete no poema para solista, coro e orquestra - “A Execução de Stepan Razin” aos versos de Evg. Yevtushenko.

Quão forte e profundo deve ser o apego a Mussorgsky, se, possuindo uma individualidade tão brilhante, que pode ser inequivocamente reconhecida por duas ou três frases, Shostakovich tão humildemente, com tanto amor - não imita, não, mas adota e interpreta o estilo de escrever à sua maneira um grande músico realista.

Era uma vez, admirando o gênio de Chopin, que acabava de surgir no horizonte musical europeu, Robert Schumann escreveu: “Se Mozart estivesse vivo, ele teria escrito um concerto de Chopin”. Parafraseando Schumann, podemos dizer: se Mussorgsky tivesse vivido, teria escrito “A Execução de Stepan Razin” de Shostakovich. Dmitri Shostakovich - excelente mestre música teatral. Perto dele gêneros diferentes: ópera, balé, comédia musical, espetáculos de variedades (Music Hall), teatro dramático. Eles também incluem música para filmes. Citemos apenas algumas obras desses gêneros de mais de trinta filmes: “As Montanhas Douradas”, “O Contador”, “A Trilogia Maxim”, “A Jovem Guarda”, “Encontro no Elba”, “A Queda de Berlim ”, “The Gadfly”, “Cinco” dias - cinco noites", "Hamlet", "Rei Lear". Da música para performances dramáticas: “The Bedbug” de V. Mayakovsky, “The Shot” de A. Bezymensky, “Hamlet” e “King Lear” de V. Shakespeare, “Salute, Spain” de A. Afinogenov, “ Comédia Humana» O. Balzac.

Não importa quão diferentes em gênero e escala possam ser as obras de Shostakovich no cinema e no teatro, elas estão unidas por uma coisa: característica comum- a música cria a sua própria, por assim dizer, “série sinfónica” de incorporação de ideias e personagens, influenciando a atmosfera do filme ou performance.

O destino dos balés foi infeliz. Aqui a culpa recai inteiramente sobre o roteiro inferior. Mas a música, dotada de imagens vívidas e de humor, soando brilhantemente na orquestra, foi preservada na forma de suítes e ocupa lugar de destaque no repertório dos concertos sinfônicos. COM grande sucesso em muitos palcos soviéticos teatros musicais O balé “A Jovem e o Hooligan” é apresentado com música de D. Shostakovich baseado no libreto de A. Belinsky, que baseou o roteiro do filme de V. Mayakovsky.

Dmitri Shostakovich deu uma grande contribuição ao gênero concerto instrumental. Escrito pela primeira vez concerto de piano em dó menor com trompete solo (1933). Com sua juventude, travessura e angularidade jovem e encantadora, o concerto lembra a Primeira Sinfonia. Quatorze anos depois, surge um concerto para violino, de pensamento profundo, escopo magnífico e brilho virtuoso; seguido, em 1957, pelo Segundo Concerto para Piano, dedicado ao seu filho, Maxim, concebido para desempenho infantil. A lista de literatura de concerto da pena de Shostakovich é completada pelos concertos para violoncelo (1959, 1967) e pelo Segundo Concerto para Violino (1967). Esses concertos são, menos ainda, projetados para “intoxicar-se com brilho técnico”. Em termos de profundidade de pensamento e drama intenso, eles estão próximos das sinfonias.

A lista de obras apresentada neste ensaio inclui apenas as obras mais típicas dos principais gêneros. Dezenas de títulos em diferentes seções de criatividade permaneceram fora da lista.

Seu caminho para o mundo glória - o caminho um de maiores músicos século XX, estabelecendo corajosamente novos marcos no mundo cultura musical. O seu caminho para a fama mundial, o caminho de uma daquelas pessoas para quem viver significa estar no meio dos acontecimentos de cada um do seu tempo, aprofundar-se no sentido do que se passa, assumir uma posição justa nas disputas, embates de opiniões, em luta e para responder com todas as forças dos seus gigantescos dons por tudo o que se expressa numa grande palavra – Vida.

Para compor música Chostakovitch começou quando ele tinha apenas nove anos. Depois de visitar a ópera Rimsky-Korsakov“O Conto do Czar Saltan” o menino declarou seu desejo de levar a música a sério e ingressou no Ginásio Comercial Maria Shidlovskaya.

Por muitos anos trabalhou ativamente em sinfonias e óperas. Em janeiro de 1936 a ópera "Katerina Izmailova", para o qual Dmitry Shostakovich escreveu a música, ele visitou José Stálin. A obra chocou o ditador, cujo gosto era formado pelos clássicos populares e pela música folclórica. Sua reação foi expressa em editorial "Confusão em vez de música", que determinou o desenvolvimento da música soviética durante anos. A maioria das obras de Shostakovich escritas antes de 1936 praticamente desapareceram da circulação cultural do país.

Em fevereiro de 1948, foi publicado o Decreto do Comitê Central do Partido Comunista dos Bolcheviques de Toda a União sobre a ópera “A Grande Amizade” de Muradeli, na qual a música do maior Compositores soviéticos(incluindo Prokofiev, Shostakovich e Khachaturian) foi declarado “formalista” e “alienígena ao povo soviético”. Nova onda os ataques a Shostakovich na imprensa excederam significativamente aqueles que surgiram em 1936. O compositor, obrigado a submeter-se aos ditames e “percebendo os seus erros”, executou o oratório “Canção das Florestas” (1949), a cantata “O Sol Brilha Sobre a Nossa Pátria” (1952), bem como músicas de filmes de conteúdo histórico e militar-patriótico, o que em parte facilitou a sua situação.

Ciclos vocais e obras de piano As obras de Shostakovich estão incluídas no tesouro mundial da arte musical, mas acima de tudo ele foi um sinfonista brilhante. Foi nas suas sinfonias que tentou traduzir a história do século XX, com todas as suas tragédias e sofrimentos, para a linguagem da música. "Noite Moscou" traz à sua atenção uma seleção dos mais famosos deles.

Sinfonia nº 1

O primeiro de verdade trabalho original Shostakovich tornou-se seu trabalho de graduação. Após sua estreia em Leningrado, em 12 de maio de 1926, a crítica passou a falar de Shostakovich como um artista capaz de preencher o vazio deixado na música russa após a emigração de Rachmaninov, Stravinsky e Prokofiev. Os ouvintes ficaram surpresos quando, após uma tempestade de aplausos, um jovem, quase um menino com uma crista teimosa na cabeça, subiu ao palco para fazer uma reverência.

Já nesta partitura juvenil, era evidente a propensão de Shostakovich para a ironia e o sarcasmo, para contrastes repentinos e dramaticamente ricos e para o uso generalizado de motivos simbólicos, muitas vezes sujeitos a transformações figurativas e semânticas radicais. Em 1927, a Primeira Sinfonia de Shostakovich foi apresentada em Berlim, depois na Filadélfia e em Nova York. Os principais maestros do mundo incluíram-no em seu repertório. Foi assim que o menino de dezenove anos entrou na história da música.

Sinfonia nº 7

Enquanto nos primeiros meses do Grande Guerra Patriótica em Leningrado (até a evacuação para Kuibyshev em outubro), Shostakovich começou a trabalhar em sua sétima sinfonia, “Leningradskaya”. Ele terminou em dezembro de 1941 e, em 5 de março de 1942, a sinfonia estreou em Kuibyshev. Também aconteceram concertos em Moscou e Novosibirsk, mas a execução verdadeiramente lendária da sinfonia aconteceu na sitiada Leningrado. Os músicos foram retirados das unidades militares, alguns deles tiveram que ser levados ao hospital antes do início dos ensaios para serem alimentados e tratados. No dia da apresentação da sinfonia, 9 de agosto de 1942, todas as forças de artilharia da cidade sitiada foram enviadas para suprimir os postos de tiro inimigos - nada deveria ter interferido na estreia significativa.

É curioso o que Alexei Tolstoy escreveu sobre a sinfonia: "A sétima sinfonia é dedicada ao triunfo do humano no homem. Tentemos (pelo menos parcialmente) penetrar no caminho pensamento musical Shostakovich - nas ameaçadoras noites escuras de Leningrado, sob o estrondo das explosões, no brilho dos incêndios, isso o levou a escrever esta obra franca."

Sinfonia nº 10

A Décima Sinfonia, uma das obras autobiográficas mais pessoais de Shostakovich, foi composta em 1953. Era esperado como a apoteose da vitória, mas o que conseguiram foi algo estranho, ambíguo, que causou perplexidade e insatisfação entre os críticos. Por ela em Música soviética A era do “degelo” abriu-se simbolicamente. Foi uma confissão profundamente íntima de um artista que defendeu o seu “eu” numa oposição desesperada, quase sem esperança, ao stalinismo. Depois disso, surgiu uma crise no trabalho de Shostakovich, que durou vários anos.

Seu destino tinha tudo - reconhecimento internacional e ordens internas, fome e perseguição às autoridades. Dele herança criativa sem precedentes na cobertura de gênero: sinfonias e óperas, quartetos de cordas e concertos, balés e trilhas sonoras de filmes. Um inovador e clássico, criativamente emocional e humanamente modesto - Dmitry Dmitrievich Shostakovich. O compositor é um clássico do século XX, um grande maestro e artista brilhante, que viveu os tempos difíceis em que teve que viver e criar. Ele levou a sério os problemas do seu povo; nas suas obras ouve-se claramente a voz de um lutador contra o mal e de um defensor contra a injustiça social.

Leia uma breve biografia de Dmitry Shostakovich e muitos fatos interessantes sobre o compositor em nossa página.

Breve biografia de Shostakovich

Na casa onde Dmitry Shostakovich veio a este mundo em 12 de setembro de 1906, agora existe uma escola. E então - a Tenda de Teste da Cidade, chefiada por seu pai. Da biografia de Shostakovich aprendemos que aos 10 anos, ainda estudante do ensino médio, Mitya toma uma decisão categórica de escrever música e apenas 3 anos depois torna-se aluno do conservatório.

O início da década de 20 foi difícil - o período de fome foi agravado pela grave doença e pela morte repentina do pai. O diretor do conservatório demonstrou grande interesse pelo destino do talentoso aluno. A. K. Glazunov quem o designou aumento da bolsa e reabilitação pós-operatória organizada na Crimeia. Shostakovich lembrou que só foi a pé para a escola porque não conseguiu pegar o bonde. Apesar das dificuldades de saúde, em 1923 formou-se pianista e em 1925 como compositor. Apenas dois anos depois, a sua Primeira Sinfonia é tocada pelas melhores orquestras do mundo sob a direção de B. Walter e A. Toscanini.

Possuindo incrível eficiência e auto-organização, Shostakovich escreveu rapidamente seus próximos trabalhos. Na vida pessoal, o compositor não estava inclinado a tomar decisões precipitadas. A tal ponto que permitiu que a mulher com quem manteve uma relação estreita durante 10 anos, Tatyana Glivenko, se casasse com outra pessoa por não querer decidir sobre o casamento. Ele pediu em casamento a astrofísica Nina Varzar, e o casamento repetidamente adiado finalmente aconteceu em 1932. Após 4 anos, apareceu a filha Galina, e depois de mais 2 anos, o filho Maxim. Segundo a biografia de Shostakovich, em 1937 tornou-se professor e depois professor no conservatório.

A guerra trouxe não apenas tristeza e tristeza, mas também uma nova inspiração trágica. Junto com seus alunos, Dmitry Dmitrievich queria ir para o front. Quando não me deixaram entrar, quis ficar na minha querida Leningrado, rodeado de fascistas. Mas ele e sua família foram levados quase à força para Kuibyshev (Samara). O compositor nunca mais regressou à sua cidade natal, após a evacuação instalou-se em Moscovo, onde continuou a sua carreira docente. O decreto “Sobre a ópera “A Grande Amizade” de V. Muradeli”, publicado em 1948, declarou Shostakovich um “formalista” e sua obra antipopular. Em 1936, já tentavam chamá-lo de “inimigo do povo” após artigos críticos no Pravda sobre “Lady Macbeth de Mtsensk” e “O Sendero Luminoso”. Essa situação, na verdade, pôs fim às futuras pesquisas do compositor nos gêneros ópera e balé. Mas agora não só o público, mas a própria máquina estatal o atacou: ele foi demitido do conservatório, privado de seu status de professor e parou de publicar e executar suas obras. Porém, foi impossível não notar por muito tempo um criador deste nível. Em 1949, Estaline pediu-lhe pessoalmente que fosse para os EUA com outras figuras culturais, devolvendo todos os privilégios seleccionados com o seu consentimento; em 1950 recebeu o Prémio Estaline pela cantata “Canção das Florestas”, e em 1954 tornou-se Artista do Povo A URSS.

No final do mesmo ano, Nina Vladimirovna morreu repentinamente. Shostakovich levou a sério esta perda. Ele era forte em sua música, mas fraco e indefeso nas questões cotidianas, cujo fardo sempre foi suportado por sua esposa. Provavelmente, foi o desejo de agilizar mais uma vez sua vida que explica seu novo casamento apenas um ano e meio depois. Margarita Kaynova não compartilhava dos interesses do marido e não apoiava seu círculo social. O casamento durou pouco. Ao mesmo tempo, o compositor conheceu Irina Supinskaya, que 6 anos depois se tornou sua terceira e última esposa. Ela era quase 30 anos mais nova, mas quase não havia calúnias sobre essa união pelas costas - o círculo íntimo do casal entendia que o gênio de 57 anos estava perdendo gradativamente a saúde. Logo no show, seu braço direito começou a perder a consciência e então nos EUA foi feito o diagnóstico final - a doença era incurável. Mesmo quando Shostakovich lutava a cada passo, isso não impedia sua música. O último dia de sua vida foi 9 de agosto de 1975.

Fatos interessantes sobre Shostakovich

• Shostakovich era um torcedor apaixonado do clube de futebol Zenit e até mantinha um caderno de todos os jogos e gols. Seus outros hobbies eram cartas - ele jogava paciência o tempo todo e gostava de jogar “rei”, além disso, exclusivamente por dinheiro, e era viciado em fumar.
• O prato preferido do compositor eram os bolinhos caseiros feitos com três tipos de carne.
• Dmitry Dmitrievich trabalhou sem piano, sentou-se à mesa e escreveu notas no papel imediatamente em plena orquestração. Ele tinha uma habilidade tão única para trabalhar que podia pouco tempo reescreva completamente seu ensaio.
• Shostakovich há muito buscava o retorno de Lady Macbeth de Mtsensk aos palcos. Em meados dos anos 50, fez uma nova edição da ópera, batizando-a de “Katerina Izmailova”. Apesar do apelo direto a V. Molotov, a produção foi novamente proibida. Somente em 1962 a ópera subiu ao palco. Em 1966, foi lançado um filme de mesmo nome com Galina Vishnevskaya no papel-título.

• Para expressar todas as paixões sem palavras na música de “Lady Macbeth de Mtsensk”, Shostakovich usou novas técnicas quando os instrumentos chiavam, tropeçavam e faziam barulho. Ele criou símbolos formas sonoras, dando aos personagens uma aura única: flauta alto para Zinovy ​​​​Borisovich, contrabaixo para Boris Timofeevich, violoncelo para Sergei, oboé E clarinete - para Katerina.
• Katerina Izmailova é um dos papéis mais populares do repertório operístico.

• Shostakovich é um dos 40 compositores de ópera mais executados do mundo. Mais de 300 apresentações de suas óperas são realizadas anualmente.
• Shostakovich é o único dos “formalistas” que se arrependeu e realmente renunciou ao seu trabalho anterior. Isso causou atitude diferente de seus colegas, e o compositor explicou sua posição dizendo que, caso contrário, ele não teria mais permissão para trabalhar.
• O primeiro amor do compositor, Tatyana Glivenko, foi calorosamente recebido pela mãe e pelas irmãs de Dmitry Dmitrievich. Quando ela se casou, Shostakovich a convocou por carta de Moscou. Ela veio para Leningrado e ficou na casa de Shostakovich, mas ele não conseguiu convencê-la a deixar o marido. Ele desistiu de tentar renovar o relacionamento somente após a notícia da gravidez de Tatyana.
• Uma das canções mais famosas escritas por Dmitry Dmitrievich foi ouvida no filme “Oncoming” de 1932. Chama-se “Canção sobre o Contador”.
• Durante muitos anos, o compositor foi deputado do Soviete Supremo da URSS, recebeu “eleitores” e, da melhor maneira que pôde, tentou resolver os seus problemas.

• Nina Vasilievna Shostakovich adorava tocar piano, mas depois do casamento parou, explicando que o marido não gostava de amadorismo.
• Maxim Shostakovich lembra que viu seu pai chorar duas vezes - quando sua mãe morreu e quando ele foi forçado a participar da festa.
• Nas memórias publicadas dos filhos Galina e Maxim, o compositor aparece como um pai sensível, carinhoso e amoroso. Apesar da ocupação constante, ele passava um tempo com eles, levava-os ao médico e até tocava músicas de danças populares no piano nas festas infantis em casa. Vendo que a filha não gostava de praticar o instrumento, permitiu que ela não estudasse mais piano.
• Irina Antonovna Shostakovich lembrou que durante a evacuação para Kuibyshev ela e Shostakovich moravam na mesma rua. Ele escreveu a Sétima Sinfonia lá, e ela tinha apenas 8 anos.
• A biografia de Shostakovich diz que em 1942 o compositor participou de um concurso para compor o hino da União Soviética. Também participou da competição A. Khachaturyan. Depois de ouvir todas as obras, Stalin pediu aos dois compositores que compusessem juntos um hino. Eles fizeram isso, e seu trabalho foi incluído na final, junto com os hinos de cada um deles, versões de A. Alexandrov e do compositor georgiano I. Tuski. No final de 1943, foi feita a escolha final: foi a música de A. Alexandrov, anteriormente conhecida como “Hino do Partido Bolchevique”.
• Shostakovich tinha um ouvido único. Enquanto assistia aos ensaios orquestrais de suas obras, ele ouviu imprecisões na execução de até mesmo uma nota.

• Na década de 1930, o compositor esperava ser preso todas as noites, por isso mantinha ao lado da cama uma mala com itens essenciais. Naqueles anos, muitas pessoas de seu círculo foram baleadas, incluindo as mais próximas a ele - o diretor Meyerhold, o marechal Tukhachevsky. O sogro e o marido da irmã mais velha foram exilados para um campo, e a própria Maria Dmitrievna foi enviada para Tashkent.
• O compositor dedicou à sua memória o oitavo quarteto, escrito em 1960. Abre com um anagrama musical de Shostakovich (D-Es-C-H) e contém temas de muitas de suas obras. A dedicatória “indecente” teve de ser alterada para “Em memória das vítimas do fascismo”. Ele compôs essa música em lágrimas depois de entrar na festa.

Obras de Dmitry Shostakovich

A primeira obra sobrevivente do compositor, o fis-moll Scherzo, data do ano em que ingressou no conservatório. Durante os estudos, sendo também pianista, Shostakovich escreveu muito para este instrumento. Trabalho de formatura tornou-se Primeira Sinfonia. Este trabalho foi um sucesso incrível e o mundo inteiro conheceu o jovem compositor soviético. A inspiração de seu próprio triunfo resultou nas seguintes sinfonias - a Segunda e a Terceira. Eles estão unidos pela forma inusitada - ambos possuem partes corais baseadas em poemas de poetas atuais da época. No entanto, o próprio autor posteriormente reconheceu esses trabalhos como malsucedidos. Desde o final dos anos 20, Shostakovich tem escrito músicas para filmes e teatro dramático- para ganhar dinheiro e não obedecer a um impulso criativo. No total, ele projetou mais de 50 filmes e performances de diretores de destaque - G. Kozintsev, S. Gerasimov, A. Dovzhenko, Vs. Meyerhold.

Em 1930, aconteceram as estreias de sua primeira ópera e balé. E " Nariz"baseado na história de Gogol, e" era de ouro» sobre o tema das aventuras do Soviete time de futebol no Ocidente hostil recebeu críticas negativas dos críticos e depois de pouco mais de uma dúzia de apresentações em longos anos saiu do palco. O próximo balé, “ Parafuso" Em 1933, o compositor executou a parte de piano na estreia do seu Concerto de estreia para Piano e Orquestra, em que a segunda parte solo foi dada ao trompete.

A ópera foi criada ao longo de dois anos. Lady Macbeth do distrito de Mtsensk", que foi apresentada em 1934 quase simultaneamente em Leningrado e Moscou. O diretor de atuação da capital foi V.I. Nemirovich-Danchenko. Um ano depois, “Lady Macbeth…” cruzou as fronteiras da URSS, conquistando o palco da Europa e da América. O público ficou encantado com a primeira ópera clássica soviética. Bem como do novo balé do compositor “Bright Stream”, que tem um libreto de pôster, mas é repleto de magníficas músicas de dança. Fim bem-sucedido vida no palco Estas apresentações foram iniciadas em 1936, após a visita de Stalin à ópera e artigos subsequentes no jornal Pravda “Confusão em vez de música” e “Falsidade do balé”.

A estreia do novo estava prevista para o final do mesmo ano. Quarta Sinfonia, os ensaios orquestrais estavam em andamento na Filarmônica de Leningrado. No entanto, o concerto foi cancelado. O ano de 1937 não trouxe consigo nenhuma expectativa otimista - as repressões estavam ganhando força no país e uma das pessoas próximas a Shostakovich, o marechal Tukhachevsky, foi baleado. Esses eventos deixaram sua marca na música trágica Quinta Sinfonia. Na estreia em Leningrado, o público, sem conter as lágrimas, aplaudiu durante quarenta minutos o compositor e a orquestra regidos por E. Mravinsky. O mesmo elenco de intérpretes tocou a Sexta Sinfonia dois anos depois, a última grande composição de Shostakovich antes da guerra.

Em 9 de agosto de 1942, ocorreu um evento sem precedentes - uma apresentação no Grande Salão do Conservatório de Leningrado. Sétima Sinfonia (“Leningrado”). A apresentação foi transmitida pela rádio para todo o mundo, impressionando a coragem dos habitantes da cidade ininterrupta. O compositor escreveu esta música antes da guerra e nos primeiros meses do cerco, terminando na evacuação. Lá, em Kuibyshev, em 5 de março de 1942, a orquestra Teatro Bolshoi A sinfonia foi tocada pela primeira vez. No aniversário do início da Grande Guerra Patriótica, foi apresentada em Londres. Em 20 de julho de 1942, um dia após a estreia da sinfonia em Nova York (dirigida por A. Toscanini), a revista Time publicou um retrato de Shostakovich na capa.

A Oitava Sinfonia, escrita em 1943, foi criticada por seu clima trágico. E a Nona, que estreou em 1945, pelo contrário, pela sua “leveza”. Após a guerra, o compositor trabalhou em músicas para filmes, obras para piano e cordas. O ano de 1948 pôs fim à execução das obras de Shostakovich. Os ouvintes conheceram a próxima sinfonia apenas em 1953. E a Décima Primeira Sinfonia em 1958 teve um incrível sucesso de público e recebeu o Prêmio Lenin, após o qual o compositor foi completamente reabilitado pela resolução do Comitê Central sobre a abolição da resolução “formalista”. . A décima segunda sinfonia foi dedicada a V.I. Lenin, e os dois seguintes tiveram forma incomum: foram criados para solistas, coro e orquestra - o Décimo Terceiro para poemas de E. Yevtushenko, o Décimo Quarto para poemas de vários poetas, unidos pelo tema da morte. A décima quinta sinfonia, que se tornou a última, nasceu no verão de 1971; sua estreia foi dirigida pelo filho do autor, Maxim Shostakovich.

Em 1958, o compositor assumiu a orquestração de " Khovanshchiny" Sua versão da ópera está destinada a se tornar a mais popular das próximas décadas. Shostakovich, contando com o cravo do autor restaurado, conseguiu limpar camadas e interpretações da música de Mussorgsky. Ele havia realizado um trabalho semelhante vinte anos antes com “ Boris Godunov" Em 1959, ocorreu a estreia da única opereta de Dmitry Dmitrievich - “ Moscou, Cheryomushki”, o que causou surpresa e foi recebido com entusiasmo. Três anos depois, um popular filme musical baseado na obra foi lançado. Aos 60-70 anos o compositor escreveu quartetos de 9 cordas, trabalhou muito em trabalhos vocais. O último ensaio O gênio soviético foi a Sonata para viola e piano, executada pela primeira vez após sua morte.

Dmitry Dmitrievich escreveu músicas para 33 filmes. “Katerina Izmailova” e “Moscou, Cheryomushki” foram filmados. No entanto, ele sempre disse aos seus alunos que escrever para cinema só era possível sob a ameaça da fome. Apesar de ele ter composto músicas para filmes apenas por uma taxa, ela contém muitas melodias de incrível beleza.

Entre seus filmes:

• “O Contador”, diretores F. Ermler e S. Yutkevich, 1932
• Trilogia sobre Maxim dirigida por G. Kozintsev e L. Trauberg, 1934-1938
• “Homem com uma Arma”, diretor S. Yutkevich, 1938
• “Jovem Guarda”, diretor S. Gerasimov, 1948
• “Encontro no Elba”, diretor G. Alexandrov, 1948
• “O Gadfly”, diretor A. Fainzimmer, 1955
• “Hamlet”, diretor G. Kozintsev, 1964
• “Rei Lear”, diretor G. Kozintsev, 1970

A indústria cinematográfica moderna costuma usar a música de Shostakovich para criar cenários musicais para filmes:

Ainda hoje a figura de Shostakovich é tratada de forma ambígua, chamando-o de gênio ou de oportunista. Ele nunca se manifestou abertamente contra o que estava acontecendo, percebendo que ao fazê-lo perderia a oportunidade de escrever música, que era o principal em sua vida. Esta música, mesmo décadas depois, fala eloquentemente tanto sobre a personalidade do compositor como sobre a sua atitude perante a sua época terrível.

Vídeo: assista a um filme sobre Shostakovich

• "Moscou, Cheryomushki", opereta em três atos com libreto de V. Massa e M. Chervinsky, op. 105 (1957-1958)

Balés

Música para produções teatrais

• "Tomada", música para peça de A. Bezymensky, op. 24. (1929). Estreia - 14 de dezembro de 1929, Leningrado, Teatro da Juventude Trabalhadora

• "Terra Virgem", música para peça de A. Gorbenko e N. Lvov, op. 25 (1930); a pontuação está perdida. Estreia - 9 de maio de 1930, Leningrado, Teatro da Juventude Trabalhadora

• "Governar a Britânia", música para peça de A. Petrovsky, op. 28 (1931). Estreia - 9 de maio de 1931, Leningrado, Teatro da Juventude Trabalhadora

• "Morto condicionalmente", música para peça de V. Voevodin e E. Riess, op. 31 (1931). Estreia - 2 de outubro de 1931, Leningrado, Music Hall

• "Aldeia", música para a tragédia de W. Shakespeare, op. 32 (1931-1932). Estreia - 19 de maio de 1932, Moscou, Teatro com o nome. Vakhtangov

• "Comédia Humana", música para a peça de P. Sukhotin baseada nos romances de O. de Balzac, op. 37 (1933-1934). Estreia - 1º de abril de 1934, Moscou, Teatro com o nome. Vakhtangov

• "Saudação, Espanha!", música para a peça de A. Afinogenov, op. 44 (1936). Estreia - 23 de novembro de 1936, Leningrado, Drama Theatre. Púchkin

• "Rei Lear", música para a tragédia de W. Shakespeare, op. 58a (1941). Estreia - 24 de março de 1941, Leningrado

• "Pátria", música para a peça, op. 63 (1942). Estreia - 7 de novembro de 1942, Moscou, Central Club em homenagem a Dzerzhinsky

• "Rio Russo", música para a peça, op. 66 (1944). Estreia - 17 de abril de 1944, Moscou, Dzerzhinsky Central Club

• "Primavera da Vitória", duas canções para a peça baseada em poemas de M. Svetlov, op. 72 (1946). Estreia - 8 de maio de 1946, Moscou, Dzerzhinsky Central Club

• "Aldeia", música para a tragédia de W. Shakespeare (1954). Estreia - 31 de março de 1954, Leningrado, Drama Theatre. Púchkin

Música para filmes

• “New Babylon” (filme mudo; diretores G. Kozintsev e L. Trauberg), op. 18 (1928-1929)
• “Alone” (diretores G. Kozintsev e L. Trauberg), op. 26 (1930-1931)
• “Montanhas Douradas” (diretor S. Yutkevich), op. 30 (1931)
• “O Contador” (dirigido por F. Ermler e S. Yutkevich), op. 33 (1932)

• “O Conto do Padre e Seu Trabalhador Balda” (diretor M. Tsekhanovsky), op. 36 (1933-1934). O trabalho não terminou
• “Amor e Ódio” (diretor A. Gendelstein), op. 38 (1934)
• “A Juventude de Maxim” (diretores G. Kozintsev e L. Trauberg), op. 41 (1934)
• “Namoradas” (diretor L. Arnstam), op. 41a (1934-1935)
• “O Retorno de Maxim” (diretores G. Kozintsev e L. Trauberg), op. 45 (1936-1937)
• “Dias de Volochaev” (dirigido por G. e S. Vasiliev), op. 48 (1936-1937)
• “Vyborg Side” (diretores G. Kozintsev e L. Trauberg), op. 50 (1938)
• “Amigos” (diretor L. Arnstam), op. 51 (1938)
• “O Grande Cidadão” (diretor F. Ermler), op. 52 (1ª série, 1937) e 55 (2ª série, 1938-1939)
• “Homem com uma Arma” (diretor S. Yutkevich), op. 53 (1938)
• “O Rato Estúpido” (diretor M. Tsekhanovsky), op. 56 (1939)
• “As Aventuras de Korzinkina” (diretor K. Mintz), op. 59 (1940-1941)
• “Zoe” (diretor L. Arnstam), op. 64 (1944)
• “Pessoas comuns” (diretores G. Kozintsev e L. Trauberg), op. 71 (1945)
• “A Jovem Guarda” (diretor S. Gerasimov), op. 75 (1947-1948)
• “Pirogov” (diretor G. Kozintsev), op. 76 (1947)
• “Michurin” (diretor A. Dovzhenko), op. 78 (1948)
• “Encontro no Elba” (diretor G. Alexandrov), op. 80 (1948)
• “A Queda de Berlim” (diretor M. Chiaureli), op. 82 (1949)
• “Belinsky” (diretor G. Kozintsev), op. 85 (1950)
• “O Inesquecível 1919” (diretor M. Chiaureli), op. 89 (1951)
• “Canção dos Grandes Rios” (diretor J. Ivens), op. 95 (1954)
• “The Gadfly” (diretor A. Fainzimmer), op. 97 (1955)
• “Primeiro Escalão” (diretor A. Fainzimmer), op. 99 (1955-1956)
• “Khovanshchina” (filme-ópera - orquestração da ópera de M. P. Mussorgsky), op. 106 (1958-1959)
• “Cinco dias - cinco noites” (diretor L. Arnstam), op. 111 (1960)
• “Cheryomushki” (baseado na opereta “Moscow, Cheryomushki”; diretor G. Rappaport) (1962)
• “Hamlet” (diretor G. Kozintsev), op. 116 (1963-1964)
• “Um ano como a vida” (diretor G. Roshal), op. 120 (1965)
• “Katerina Izmailova” (baseado na ópera; diretor M. Shapiro) (1966)
• “Sofya Perovskaya” (diretor L. Arnstam), op. 132 (1967)
• “Rei Lear” (diretor G. Kozintsev), op. 137 (1970)

Obras para orquestra

Sinfonias

• Sinfonia nº 1 em Fá menor, Op. 10 (1924-1925). Estreia - 12 de maio de 1926, Leningrado, Grande Sala Filarmônica. Orquestra Filarmônica de Leningrado, maestro

• Sinfonia nº 2 em H maior “A Outubro”, Op. 14, com um refrão final com letra de A. Bezymensky (1927). Estreia - 5 de novembro de 1927, Leningrado, Grande Sala Filarmônica. Orquestra e coro da Filarmônica de Leningrado, maestro N. Malko

• Sinfonia nº 3 Es-dur “May Day”, op. 20, com refrão final com letra de S. Kirsanov (1929). Estreia - 21 de janeiro de 1930, Leningrado. Orquestra e coro da Filarmônica de Leningrado, maestro

• Sinfonia nº 5 em ré menor, op. 47 (1937). Estreia - 21 de novembro de 1937, Leningrado, Grande Sala Filarmônica. Orquestra Filarmônica de Leningrado, maestro

• Sinfonia nº 6 em Si menor, Op. 54 (1939) em três partes. Estreia - 21 de novembro de 1939, Leningrado, Grande Sala Filarmônica. Orquestra Filarmônica de Leningrado, maestro E. Mravinsky

• Sinfonia nº 8 em dó menor, op. 65 (1943), dedicado a E. Mravinsky. Estreia - 4 de novembro de 1943, Moscou, Grande Salão do Conservatório. Acadêmico Estadual Orquestra Sinfónica URSS, maestro E. Mravinsky

• Sinfonia nº 9 em Mi maior, op. 70 (1945) em cinco partes. Estreia - 3 de novembro de 1945, Leningrado, Grande Sala Filarmônica. Orquestra Filarmônica de Leningrado, maestro E. Mravinsky

• Sinfonia nº 11 em sol menor “1905”, Op. 103 (1956-1957). Estreia - 30 de outubro de 1957, Moscou, Grande Salão do Conservatório. Orquestra Sinfônica Acadêmica Estadual da URSS, maestro N. Rakhlin

• Sinfonia nº 12 em d-moll “1917”, Op. 112 (1959-1961), dedicado à memória de V. I. Lenin. Estreia - 1º de outubro de 1961, Leningrado, Grande Sala Filarmônica. Orquestra Filarmônica de Leningrado, maestro E. Mravinsky

• Sinfonia nº 14, op. 135 (1969) em onze movimentos, para soprano, baixo, cordas e percussão em versos, e. Estreia - 29 de setembro, Leningrado, Grande Salão da Academia de Arte Coral em homenagem a M. I. Glinka. (soprano), E. Vladimirov (baixo), Orquestra de Câmara de Moscou, maestro.

Concertos

• Concerto para piano e orquestra (cordas e solo) nº 1 em dó-moll, Op. 35 (1933). Estreia - 15 de outubro de 1933, Leningrado, Grande Sala Filarmônica. D. Shostakovich (piano), A. Schmidt (trompete), Orquestra Filarmônica de Leningrado, maestro.

• Concerto para piano nº 2 em Fá maior, op. 102 (1957). Estreia - 10 de maio de 1957, Moscou, Grande Salão do Conservatório. M. Shostakovich (piano), Orquestra Sinfônica Acadêmica do Estado da URSS, maestro N. Anosov.

• Concerto para violino e orquestra nº 1 em a-moll, Op. 77 (1947-1948). Estreia - 29 de outubro de 1955, Leningrado, Grande Sala Filarmônica. (violino), Orquestra Filarmônica de Leningrado, maestro E. Mravinsky

• Concerto para violino e orquestra nº 2 cis-moll, Op. 129 (1967). Estreia - 26 de setembro de 1967, Moscou, Grande Salão do Conservatório. D. Oistrakh (violino), Orquestra Filarmônica de Moscou, maestro K. Kondrashin

• Concerto para violoncelo e orquestra nº 1 Es-dur, Op. 107 (1959). Estreia - 4 de outubro de 1959, Leningrado, Grande Sala Filarmônica. (violoncelo), Orquestra Filarmônica de Leningrado, maestro E. Mravinsky

• Concerto para violoncelo e orquestra nº 2 em Sol maior, Op. 126 (1966). Estreia - 25 de setembro de 1966, Moscou, Grande Salão do Conservatório. M. Rostropovich (violoncelo), maestro

Outros trabalhos

• Scherzo fis-moll, op. 1 (1919)
• Tema e Variações em Si maior, Op. 3 (1921-1922)
• Scherzo em Mi maior, op. 7 (1923-1924)
• Suíte da ópera “O Nariz” para tenor, barítono e orquestra, Op. 15a (1928)
• Suíte do balé "A Idade de Ouro", op. 22a (1930)
• Duas peças para a ópera "Pobre Colombo" de E. Dressel, op. 23 (1929)
• Suíte do balé Bolt (Ballet Suite No. 5), Op. 27a (1931)
• Suíte da música do filme “As Montanhas Douradas”, Op. 30a (1931)
• Suíte da música do filme "Hamlet", op. 32a (1932)
• Suíte nº 1 para orquestra pop (1934)
• Cinco Fragmentos, Op. 42 (1935)
• Suíte nº 2 para orquestra pop (1938)
• Suíte de música para filmes sobre Maxim (coro e orquestra; arranjo de A. Atovmyan), op. 50a (1961)
• Marcha cerimonial para banda de música (1942)
• Suíte da música do filme “Zoya” (com coro; arranjo de A. Atovmyan), op. 64a (1944)
• Suíte da música do filme “A Jovem Guarda” (arranjo de A. Atovmyan), op. 75a (1951)
• Suíte da música do filme “Pirogov” (arranjo de A. Atovmyan), op. 76a (1951)
• Suíte da música do filme “Michurin” (arranjo de A. Atovmyan), op. 78a (1964)

Trabalha com participação de coral

• “De Karl Marx aos dias atuais”, poema sinfônico com letra de N. Aseev para vozes solo, coro e orquestra (1932), inacabado, perdido
• “Juramento ao Comissário do Povo” com letra de V. Sayanov para baixo, coro e piano (1941)

• Song of the Guards Division (“The Fearless Guards Regiments Are Coming”) com letra de Rakhmilevich para baixo, coro e piano (1941)
• “Salve, Pátria dos Sovietes” com letra de E. Dolmatovsky para coro e piano (1943)
• “Mar Negro” com letra de S. Alimov e N. Verkhovsky para baixo, coro masculino e piano (1944)
• “Canção de boas-vindas à Pátria” com letra de I. Utkin para tenor, coro e piano (1944)

• “Poema da Pátria”, cantata para mezzo-soprano, tenor, dois barítonos, baixo, coro e orquestra, Op. 74 (1947)
• “Paraíso anti-formalista” para quatro contrabaixos, leitor, coro e piano (1948/1968)

• “Canção das Florestas”, oratório com letra de E. Dolmatovsky para tenor, baixo, coro de meninos, coro misto e orquestra, op. 81 (1949)
• “Our Song” com letra de K. Simonov para baixo, coro e piano (1950)
• “Marcha dos Apoiadores da Paz” com letra de K. Simonov para tenor, coro e piano (1950)
• Dez canções com palavras de poetas revolucionários para coro desacompanhado (1951)

• “O sol brilha acima da nossa pátria”, cantata com letra de E. Dolmatovsky para coro masculino, coro misto e orquestra, op. 90 (1952)
• “Glorificamos a Pátria” (letra de V. Sidorov) para coro e piano (1957)
• “Mantemos as madrugadas de outubro em nossos corações” (letra de V. Sidorov) para coro e piano (1957)
• Dois tratamentos russos músicas folk para coro desacompanhado, Op. 104 (1957)
• “Dawn of October” (letra de V. Kharitonov) para coro e piano (1957)

• “A Execução de Stepan Razin”, poema vocal-sinfônico com letra de E. Yevtushenko para baixo, coro e orquestra, op. 119 (1964)

• “Loyalty”, oito baladas com letra de E. Dolmatovsky para coro masculino desacompanhado, op. 136 (1970)

Composições para voz com acompanhamento

• Duas Fábulas de Krylov para mezzo-soprano, coro e orquestra, Op. 4 (1922)
• Seis romances com poemas de poetas japoneses para tenor e orquestra, Op. 21 (1928–1932)
• Quatro romances com poemas de A. S. Pushkin para baixo e piano, op. 46 (1936–1937)

• Seis romances baseados em poemas de poetas britânicos, traduzidos por B. Pasternak e S. Marshak para baixo e piano, op. 62 (1942). Mais tarde orquestrado e publicado como Op. 62a (1943), a segunda versão da orquestração - como Op. 140 (1971)
• “Canção Patriótica” com as palavras de Dolmatovsky (1943)
• “Canção do Exército Vermelho” com as palavras de M. Golodny (1943), junto com A. Khachaturian

• "Da Poesia Folclórica Judaica" para soprano, contralto, tenor e piano, Op. 79 (1948). Posteriormente, a orquestração foi feita e publicada como Op. 79a
• Dois romances com poemas de M. Yu. Lermontov para voz e piano, op. 84 (1950)
• Quatro canções com letra de E. Dolmatovsky para voz e piano, op. 86 (1950–1951)
• Quatro monólogos sobre poemas de A. S. Pushkin para baixo e piano, op. 91 (1952)
• “Canções Gregas” (tradução de S. Bolotin e T. Sikorskaya) para voz e piano (1952-1953)
• “Songs of Our Days” com letra de E. Dolmatovsky para baixo e piano, op. 98 (1954)
• “Houve beijos” com letra de E. Dolmatovsky para voz e piano (1954)

• “Canções Espanholas” (tradução de S. Bolotin e T. Sikorskaya) para mezzo-soprano e piano, op. 100 (1956)
• “Sátiras”, cinco romances com letra de Sasha Cherny para soprano e piano, op. 109 (1960)
• Cinco romances baseados em textos da revista “Crocodile” para baixo e piano, Op. 121 (1965)

• Prefácio à coleção completa de minhas obras e breve reflexão sobre este Prefácio para baixo e piano, Op. 123 (1966)
• Sete poemas de A. A. Blok para trio soprano e piano, op. 127 (1967)
• “Primavera, Primavera” para poemas de A. S. Pushkin para baixo e piano, op. 128 (1967)
• Seis romances para baixo e orquestra de câmara, op. 140 (após Op. 62; 1971)

• Seis poemas de M. I. Tsvetaeva para contralto e piano, op. 143 (1973), orquestrado como Op. 143a

• Suíte com letra de Michelangelo Buonarotti, traduzida por A. Efros para baixo e piano, op. 145 (1974), orquestrado como Op. 145a

Composições instrumentais de câmara

• Sonata para violoncelo e piano em ré menor, op. 40 (1934). Primeira apresentação - 25 de dezembro de 1934, Leningrado. V. Kubatsky, D. Shostakovich