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Os clássicos vienenses entraram na história mundial da música como grandes reformadores. Seu trabalho não é apenas único em si, mas também valioso porque determinou o desenvolvimento do teatro musical, dos gêneros, dos estilos e dos movimentos. Suas composições lançaram as bases para o que hoje é considerado música clássica.

Características gerais da época

Esses autores estão unidos pelo fato de terem criado na virada de duas grandes eras culturais e históricas: o classicismo e o romantismo. Os clássicos vienenses viveram numa época de transição, em que havia uma procura activa de novas formas não só na música, mas também na ficção, na pintura e na arquitectura. Tudo isso determinou em grande parte o rumo de suas atividades e os temas de seus escritos. Os séculos XVIII e primeira metade do século XIX foram marcados por graves convulsões políticas, guerras que literalmente viraram o mapa da Europa de cabeça para baixo e tiveram um forte impacto nas mentes da intelectualidade moderna e nos círculos educados da sociedade. Os clássicos vienenses não foram exceção. Por exemplo, é sabido que as guerras napoleônicas influenciaram muito a obra de Beethoven, que em sua famosa 9ª sinfonia ("Coral") transmitiu a ideia de unidade universal e paz. Esta foi uma espécie de resposta a todos os cataclismos que abalaram o continente europeu no momento que estamos a considerar.

Vida cultural

Os clássicos vienenses viveram num período em que o barroco ficou em segundo plano e uma nova direção começou a desempenhar um papel de liderança. Buscou a harmonia das formas, a unidade da composição e, portanto, abandonou as magníficas formas da época anterior. O classicismo começou a determinar a aparência cultural de muitos estados europeus. Mas, ao mesmo tempo, mesmo então havia uma tendência para superar as formas rígidas desta tendência e criar obras fortes com elementos de drama e até tragédia. Estes foram os primeiros sinais do surgimento do romantismo, que determinou o desenvolvimento cultural de todo o século XIX.

Reforma da ópera

Os clássicos vienenses desempenharam um papel decisivo no desenvolvimento de todos os géneros musicais do período em análise. Cada um deles, por assim dizer, especializou-se em algum estilo ou forma musical, mas todas as suas conquistas foram incluídas no fundo dourado da música mundial. Gluck (compositor) foi o maior e um dos mais autores famosos do seu tempo. É difícil superestimar o seu papel no desenvolvimento do teatro: afinal, foi ele quem deu ao gênero operístico a forma acabada como o conhecemos agora. O mérito de Christopher Gluck é que ele foi o primeiro a se afastar da compreensão da ópera como uma obra de demonstração de habilidades vocais, mas subordinou o princípio musical à dramaturgia.

Significado

Gluck é o compositor que fez da ópera uma verdadeira performance. Em suas obras, assim como nas obras de seus seguidores, os vocais passaram a depender em grande parte da palavra. O enredo e a composição, e principalmente o drama, passaram a determinar o desenvolvimento da linha musical. Assim, a ópera deixou de ser um gênero exclusivamente divertido, mas se transformou em um tipo sério de criação musical com dramaturgia complexa, personagens interessantes do ponto de vista psicológico e uma composição fascinante.

Obras do compositor

A escola clássica vienense formou a base de todo o teatro musical mundial. Grande parte do crédito por isso vai para Gluck. Sua ópera “Orfeu e Eurídice” tornou-se um avanço neste gênero. Nele, o autor focou não no virtuosismo da performance, mas na dramaticidade dos personagens, graças aos quais a obra recebeu tal sonoridade e ainda hoje é executada. Outra ópera, Alceste, também foi uma palavra nova na música mundial. O compositor austríaco concentrou-se novamente no desenvolvimento do enredo, graças ao qual a obra recebeu poderosas conotações psicológicas. A obra ainda é apresentada nos melhores palcos do mundo, o que sugere que a reforma do gênero operístico realizada por Gluck foi de fundamental importância para a evolução do teatro musical como um todo e determinou o futuro desenvolvimento da ópera nessa direção.

Próximo estágio de desenvolvimento

O compositor austríaco Haydn também pertence à famosa galáxia de autores que deram um contributo significativo para a reforma dos géneros musicais. Ele é mais conhecido como o criador de sinfonias e quartetos. Graças a eles, o maestro ganhou grande popularidade não só nos países da Europa Central, mas também fora das suas fronteiras. As mais conhecidas são as suas obras, incluídas no repertório mundial sob o nome de “Doze Sinfonias de Londres”. Distinguem-se por um sentimento de otimismo e alegria, que, no entanto, é característico de quase todas as obras deste compositor.

Características de criatividade

Uma característica das obras de Joseph Haydn foi a sua ligação com o folclore. Nas obras do compositor é frequente ouvir motivos de música e dança, o que tornou as suas obras tão reconhecíveis. Isto refletia a atitude do autor, que em grande parte imitava Mozart, considerando-o melhor compositor no mundo. Dele ele emprestou melodias alegres e leves, o que tornou suas obras extraordinariamente expressivas e com um som brilhante.

Outras obras do autor

As óperas de Haydn não são tão populares quanto seus quartetos e sinfonias. No entanto, este género musical ocupa um lugar de destaque na obra do compositor austríaco, pelo que devem ser mencionadas algumas das suas obras deste género, até porque constituem uma etapa notável na sua biografia criativa. Uma de suas óperas chama-se “O Farmacêutico” e foi escrita para a inauguração do novo teatro. Haydn também criou várias outras obras desse tipo para os novos edifícios do teatro. Ele escreveu principalmente no estilo da ópera buffa italiana e às vezes combinou elementos cômicos e dramáticos.

As obras mais famosas

Os quartetos de Haydn são justamente chamados de pérola da música clássica mundial. Eles combinam os princípios básicos do compositor: elegância de forma, virtuosismo de execução, som otimista, diversidade temática e maneira original execução. Um dos famosos ciclos é chamado de “Russo” porque é dedicado ao czarevich Pavel Petrovich, o futuro imperador russo Paulo I. Outro grupo de quartetos é destinado ao rei prussiano. Estas composições foram escritas de uma forma nova, pois se distinguiam pela extraordinária flexibilidade sonora e pela riqueza de tonalidades musicais contrastantes. Foi com este tipo de género musical que o nome do compositor ganhou significado mundial. Note-se aqui que o autor recorreu frequentemente às chamadas “surpresas” nas suas composições, fazendo passagens musicais inesperadas em locais onde o público menos esperava. A “Sinfonia Infantil” de Haydn é uma dessas obras incomuns.

Características gerais da obra de Mozart

Este é um dos autores musicais mais famosos, que ainda goza de extraordinária popularidade entre os fãs de música clássica e é amado em todo o mundo. O sucesso de suas obras se explica pelo fato de se distinguirem pela harmonia lógica e completude. Nesse sentido, muitos pesquisadores atribuem seu trabalho à era do classicismo. No entanto, outros acreditam que Compositor vienense tornou-se um prenúncio do romantismo: afinal, em suas obras já havia uma tendência claramente visível para retratar imagens fortes e extraordinárias, bem como um profundo estudo psicológico dos personagens (neste caso, estamos falando de ópera). Seja como for, as obras do maestro distinguem-se pela profundidade e ao mesmo tempo extraordinária facilidade de percepção, dramatismo e otimismo. São fáceis e acessíveis a todos, mas ao mesmo tempo muito sérios e filosóficos no seu conteúdo e som. Este é precisamente o fenômeno de seu sucesso.

Óperas do compositor

A escola clássica vienense desempenhou um papel decisivo no desenvolvimento do gênero ópera. O grande crédito por isso pertence a Mozart. As apresentações encenadas com sua música ainda são extremamente populares e apreciadas não apenas pelos verdadeiros amantes da música, mas também pelo grande público. Talvez este seja o único compositor cuja música é conhecida de uma forma ou de outra por todos, mesmo que tenham uma vaga ideia da sua obra.

A ópera mais famosa é talvez As Bodas de Fígaro. Este é provavelmente o trabalho mais alegre e ao mesmo tempo extraordinariamente engraçado do autor. O humor é ouvido em quase todas as partes, o que o tornou tão popular. A famosa ária do personagem principal se tornou um verdadeiro sucesso já no dia seguinte. A música de Mozart - brilhante, divertida, divertida, mas ao mesmo tempo extraordinariamente sábia em sua simplicidade - conquistou imediatamente o amor e o reconhecimento universal.

Outra ópera famosa do autor é “Don Giovanni”. Em termos de popularidade, talvez não seja inferior ao acima mencionado: produções desta performance podem ser vistas em nosso tempo. É significativo que o compositor tenha apresentado a história bastante complexa deste homem de uma forma muito simples e ao mesmo tempo séria, demonstrando mais uma vez a sua profunda compreensão da vida. Nisso, o gênio conseguiu mostrar os componentes dramático e otimista, que estão inextricavelmente ligados entre si em todas as suas obras.

Hoje em dia, a ópera " flauta mágica" A música de Mozart atingiu seu apogeu em sua expressividade. Nesta composição é leve, arejada, alegre e ao mesmo tempo invulgarmente séria, pelo que só podemos perguntar como o autor conseguiu transmitir o todo sistema filosófico. Outras óperas do compositor também são conhecidas, por exemplo, hoje em dia pode-se ouvir periodicamente La Clemenza di Titus, tanto em apresentações teatrais como em concertos. Por isso, gênero de ópera ocupou um dos lugares principais na obra do brilhante compositor.

Trabalhos selecionados

O compositor trabalhou em diversas direções e criou um grande número de obras musicais. Mozart, cuja “Serenata Noturna”, por exemplo, há muito ultrapassou o âmbito dos concertos e se tornou amplamente conhecida, escreveu de uma forma muito simples e linguagem acessível. Talvez seja por isso que ele é frequentemente chamado de gênio da harmonia. Mesmo nas obras trágicas havia um motivo de esperança. Em "Requiem" ele expressou seus pensamentos sobre uma melhor vida futura, para que, apesar do tom trágico da música, a obra deixe uma sensação de paz iluminada.

O concerto de Mozart também se distingue pela sua harmonia harmoniosa e completude lógica. Todas as partes estão subordinadas a um único tema e unidas por um motivo comum, que dá o tom de toda a obra. Portanto, sua música é ouvida de uma só vez. Este tipo de gênero incorpora os princípios básicos do trabalho do compositor: uma combinação harmoniosa de sons e partes, um som brilhante e ao mesmo tempo virtuoso da orquestra. Ninguém mais conseguiu estruturar a sua obra musical de forma tão harmoniosa como Mozart. A “Serenata Noturna” do compositor é uma espécie de padrão para a combinação harmoniosa de partes com sons diferentes. Passagens alegres e altas, muito ritmadas, dão lugar a partes virtuosas quase inaudíveis.

Menção especial deve ser feita às massas do autor. Eles ocupam um lugar de destaque em sua obra e, como outras obras, estão imbuídos de um sentimento de esperança brilhante e alegria iluminada. Também vale a pena mencionar o famoso “Rondo Turco”, que ultrapassou o âmbito dos concertos, podendo ser ouvido com frequência até em anúncios televisivos. Mas o maior sentido de harmonia, talvez, seja encontrado no concerto de Mozart, no qual o princípio da completude lógica atingiu o seu mais alto grau.

Brevemente sobre o trabalho de Beethoven

Este compositor pertence inteiramente à era do domínio do romantismo. Se Johann Amadeus Mozart está, por assim dizer, no limiar do classicismo e de uma nova direção, então Ludwig Van Beethoven passou completamente a retratar paixões fortes, sentimentos poderosos e personalidades extraordinárias em suas obras. Ele se tornou talvez o representante mais proeminente do romantismo. É significativo que, voltando-nos para o dramático, temas trágicos, ele escreveu apenas uma ópera. O gênero principal para ele continuou sendo sinfonias e sonatas. Ele é creditado por reformar essas obras, assim como Gluck reformou a performance de ópera em sua época.

Uma característica marcante da obra do compositor foi que o tema principal de suas obras era a imagem da vontade poderosa e titânica de um indivíduo que, com um enorme esforço de vontade, supera as dificuldades e todos os obstáculos. L. V. Beethoven também dedicou muito espaço em suas composições ao tema da luta e do confronto, bem como ao motivo da unidade universal.

Alguns fatos biográficos

Ele veio de uma família de músicos. Seu pai queria que o menino se tornasse um compositor famoso, então trabalhou com ele usando métodos bastante severos. Talvez seja por isso que a criança cresceu por natureza sombria e severa, o que posteriormente afetou sua criatividade. Beethoven trabalhou e viveu em Viena, onde estudou com Haydn, mas esses estudos rapidamente decepcionaram tanto o aluno quanto o professor. Este último chamou a atenção para o facto de o jovem autor ser dominado por motivos bastante sombrios, o que não era aceite na altura.

A biografia de Beethoven também conta brevemente sobre o período de sua paixão pela luta de libertação. A princípio aceitou com entusiasmo as guerras napoleônicas, mas depois, quando Bonaparte se autoproclamou imperador, abandonou a ideia de escrever uma sinfonia em sua homenagem. Em 1796, Ludwig começou a perder a audição. No entanto, isso não interrompeu a sua atividade criativa. Já completamente surdo, escreveu sua famosa 9ª sinfonia, que se tornou uma verdadeira obra-prima do repertório musical mundial. (é impossível falar brevemente sobre isso) também contém informações sobre a amizade do maestro com pessoas marcantes de sua época. Apesar do caráter reservado e severo, o compositor era amigo de Weber, Goethe e outras figuras da era do classicismo.

Obras mais famosas

Já foi dito acima que um traço característico da obra de L. V. Beethoven era o desejo de retratar personagens fortes e emocionais, a luta de paixões e a superação de dificuldades. Entre as obras deste género destaca-se “Appassionata”, que, pela intensidade de sentimentos e emoções, é talvez uma das mais poderosas. Quando questionado sobre a ideia da sua criação, o compositor referiu-se à peça de Shakespeare “A Tempestade”, que, segundo ele, serviu de fonte de inspiração. O autor traçou um paralelo entre os motivos dos impulsos titânicos na obra do dramaturgo e a sua interpretação musical deste tema.

Uma das obras mais populares do autor é a “Sonata ao Luar”, que, pelo contrário, está imbuída de um sentido de harmonia e paz, como que em contraste com a melodia dramática das suas sinfonias. É significativo que o próprio nome desta obra tenha sido dado pelos contemporâneos do compositor, talvez porque a música lembrasse o brilho do mar numa noite tranquila. Estas são as associações que surgiram na maioria dos ouvintes ao ouvir esta sonata. Não menos, e talvez ainda mais popular, é a famosa composição “Fur Elise”, que o compositor dedicou à esposa do imperador russo Alexandre I, Elizaveta Alekseevna (Louise). Esta obra impressiona por sua incrível combinação de motivos leves e passagens dramáticas sérias no meio. Lugar especial Na obra do maestro, sua única ópera é “Fidelio” (traduzida como “Fiel” do italiano). Esta obra, como muitas outras, está imbuída do pathos do amor à liberdade e de um apelo à liberdade. “Fidelio” ainda não sai do palco dos apresentadores, embora a ópera não tenha recebido reconhecimento imediato, como quase sempre acontece.

Nona Sinfonia

Esta obra é talvez a mais famosa entre as demais obras do compositor. Foi escrito três anos antes de sua morte, em 1824. A Nona Sinfonia conclui a longa e plurianual busca do compositor para criar a obra sinfônica perfeita. Difere de todas as anteriores porque, em primeiro lugar, introduziu uma parte coral (à famosa “Ode à Alegria” de F. Schiller) e, em segundo lugar, nela o compositor reformou a estrutura do género sinfónico. O tema principal é gradualmente revelado em cada parte da obra. O início da sinfonia é bastante sombrio e pesado, mas mesmo assim soa um motivo distante de reconciliação e iluminação, que cresce à medida que a composição musical se desenvolve. Finalmente, no final, soam vocais corais bastante poderosos, convocando todas as pessoas do mundo à união. Assim, o compositor enfatizou ainda mais a ideia central de sua obra. Ele queria que seus pensamentos fossem expressos da forma mais clara possível, por isso não se limitou apenas à música, mas também apresentou a atuação dos cantores. A sinfonia foi um sucesso retumbante: na primeira apresentação, o público aplaudiu de pé o compositor. É significativo que L.V. Beethoven o tenha composto quando já era uma pessoa completamente surda.

O significado da escola vienense

Gluck, Haydn, Mozart, Beethoven tornaram-se os fundadores da música clássica, tendo uma enorme influência em toda a história musical subsequente não só da Europa, mas também do mundo. A importância destes compositores e a sua contribuição para a reforma do teatro musical dificilmente podem ser superestimadas. Trabalhando em diversos gêneros, eles criaram a espinha dorsal e a forma das obras, com base nas quais seus seguidores compuseram novas obras. Muitas de suas criações há muito ultrapassaram o âmbito dos concertos e são amplamente ouvidas em filmes e na televisão. “Rondo Turco”, “Sonata ao Luar” e muitas outras obras destes autores são conhecidas não só pelos amantes da música, mas também por aqueles que não estão familiarizados com a música clássica. Muitos investigadores consideram, com razão, a fase vienense de desenvolvimento dos clássicos como a que define a história da música, uma vez que foi durante este período que foram estabelecidos os princípios básicos para a criação e escrita de óperas, sinfonias, sonatas e quartetos.

Ryabchinskaya Inga Borisovna
Cargo: professor de piano, acompanhante
Instituição educacional: Escola de Música Infantil MBU DO em homenagem a D.D. Chostakovitch
Localização: cidade de Volgodonsk, região de Rostov
Nome do material: desenvolvimento metodológico
Assunto: "Épocas históricas. Estilos musicais" (classicismo, romantismo)
Data de publicação: 16/09/2015

Parte do texto da publicação

Instituição orçamentária municipal de educação complementar Escola de música infantil em homenagem a D. D. Shostakovich, Volgodonsk
Desenvolvimento metodológico sobre o tema:

“Épocas históricas.

Estilos musicais »
classicismo, romantismo
) O desenvolvimento foi realizado por Inga Borisovna Ryabchinskaya, professora da primeira categoria, acompanhante da categoria mais alta
Estilo e época são dois conceitos inter-relacionados. Cada estilo está intimamente ligado à atmosfera histórica e cultural em que foi formado. As tendências estilísticas mais importantes apareceram, existiram e desapareceram na sequência histórica. Em cada um deles manifestaram-se claramente princípios artísticos e figurativos gerais, meios de expressão e métodos criativos.
CLASSICISMO
As palavras “clássico”, “classicismo”, “clássico” vêm da raiz latina - classicus, isto é, exemplar. Quando chamamos um artista, escritor, poeta, compositor de clássico, queremos dizer que ele alcançou o mais alto domínio e perfeição na arte. Seu trabalho é altamente profissional e é para nós
amostra.
Existem duas etapas históricas na formação e desenvolvimento do classicismo.
Primeira etapa
remonta ao século XVII. Crescendo a partir da arte renascentista classicismo XVII V. desenvolveu-se simultaneamente com o Barroco, em parte em luta, em parte em interação com ele, e durante este período teve seu maior desenvolvimento na França. Para os clássicos deste período, exemplos insuperáveis Criatividade artística Havia obras de arte antiga, onde o ideal era a ordem, a racionalidade e a harmonia. Em suas obras buscavam beleza e verdade, clareza, harmonia, completude de construção.
Segunda fase
- classicismo tardio, com meados do século 18 até o início do século XIX, está associado principalmente a
Escola clássica vienense
. Ele entrou na história da cultura europeia como
Idade da iluminação
ou a Idade da Razão. O homem atribuía grande importância ao conhecimento e acreditava na capacidade de explicar o mundo. O personagem principal é uma pessoa que está pronta para feitos heróicos, subordinando seus interesses - gerais, espirituais
classicismo

classicismo

claro

harmonia

claro

harmonia

estrito

formulários

estrito

formulários

equilibrado

sentimentos

equilibrado

sentimentos

Os impulsos são a voz da razão. Ele se distingue pela firmeza moral, coragem, veracidade e devoção ao dever. A estética racional do classicismo refletiu-se em todos os tipos de arte.
Arquitetura
Este período é caracterizado pela ordem, funcionalidade, proporcionalidade das peças, tendência ao equilíbrio e simetria, clareza de planos e construções, organização rigorosa. Deste ponto de vista, o símbolo do classicismo é o traçado geométrico do parque real de Versalhes, onde árvores, arbustos, esculturas e fontes se localizavam segundo as leis da simetria. O Palácio Tauride, erguido por I. Starov, tornou-se o padrão dos clássicos estritos russos.
Na pintura
O desenvolvimento lógico do enredo, uma composição clara e equilibrada, uma transferência clara de volume, o papel subordinado da cor com a ajuda do claro-escuro e o uso de cores locais adquiriram a importância principal (N. Poussin, C. Lorrain, J . Davi).
Na arte poética
Houve uma divisão em gêneros “altos” (tragédia, ode, épico) e “baixos” (comédia, fábula, sátira). Representantes proeminentes Literatura francesa P. Corneille, F. Racine, J. B. Molière tiveram grande influência na formação do classicismo em outros países. Um ponto importante deste período foi a criação de diversas academias: ciências, pintura, escultura, arquitetura, inscrições, música e dança.
Estilo musical do classicismo
O classicismo na música diferia do classicismo nas artes afins e foi formado em 1730-1820. Em diferentes culturas nacionais, os estilos musicais difundiram-se em diferentes épocas; O que é indiscutível é que em meados do século XVIII o classicismo triunfou em quase toda parte. O conteúdo das composições musicais está ligado ao mundo dos sentimentos humanos, que não estão sujeitos ao controle estrito da mente. No entanto, os compositores desta época criaram um sistema de regras muito harmonioso e lógico para a construção de uma obra. Na era do classicismo, gêneros como ópera, sinfonia e sonata foram formados e atingiram a perfeição. A verdadeira revolução foi a reforma operística de Christophe Gluck. Seu programa criativo baseava-se em três grandes princípios - simplicidade, verdade, naturalidade. No drama musical ele buscava significado, não doçura. Da ópera, Gluck retira tudo o que é supérfluo: decorações, efeitos magníficos, dá à poesia maior poder expressivo, e a música fica totalmente subordinada à divulgação do mundo interior dos heróis. A ópera "Orfeu e Eurídice" foi a primeira obra em que Gluck implementou novas ideias e lançou as bases reforma da ópera. Rigor, proporcionalidade de forma, simplicidade nobre sem pretensão, sentimento
a medida artística nas obras de Gluck lembra a harmonia das formas na escultura antiga. Árias, recitativos e coros formam uma grande composição operística. O apogeu do classicismo musical começou na segunda metade do século XVIII em Viena. A Áustria naquela época era um império poderoso. A multinacionalidade do país também afetou a sua cultura artística. A maior expressão do classicismo foi a obra de Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, que trabalhou em Viena e formou uma direção na cultura musical - a escola clássica vienense.
Os fundadores do classicismo vienense em

música

W. Mozart

J.Haidn L.

Beethoven
A estética do classicismo baseava-se na crença na racionalidade e harmonia da ordem mundial, que se manifestava na atenção ao equilíbrio das partes da obra, no acabamento cuidadoso dos detalhes e no desenvolvimento dos cânones básicos da forma musical. Foi nesse período que se formou finalmente a forma sonata, baseada no desenvolvimento e oposição de dois temas contrastantes, e se determinou a composição clássica das partes da sonata e da sinfonia.
vienense

classicismo

vienense

classicismo

Forma sonata
Sonata - (do italiano sonare - soar) é uma das formas de música instrumental de câmara, que possui diversas partes. Sonatina - (sonatina italiana - diminutivo de sonata) - uma sonata pequena, de tamanho mais conciso, muito mais simples em conteúdo e mais fácil tecnicamente. Os instrumentos para os quais as sonatas foram originalmente compostas incluem violino, flauta, cravo - o nome geral para todos os instrumentos de teclado - cravo, clavicórdio, piano. O gênero sonata de cravo (piano) atingiu seu maior florescimento na era do classicismo. Nessa época, tocar música em casa era popular. A primeira parte da sonata, apresentada em forma de sonata, distingue-se pela maior tensão e nitidez. A primeira parte (sonata allegro) consiste em três seções: A primeira seção da sonata allegro inclui as partes principal e secundária, de ligação e final: reprise, desenvolvimento, exposição
A segunda seção da sonata allegro - desenvolvimento A terceira seção da sonata allegro - reprise:
exposição

lar

consignacao

Principal

chave

lado

consignacao

Chave

dominantes

desenvolvimento

desenvolvimento

oposição

festas

oposição

festas

modificação

festas

modificação

festas

"tecer"

festas

"tecer"

festas

Possível seção do código sonata allegro:
Segunda parte
forma sonata - lenta. A música transmite um fluxo tranquilo de pensamento, glorifica a beleza dos sentimentos e pinta uma paisagem requintada.
A terceira parte
sonatas (final). Os finais das sonatas costumam ser executados em andamento rápido e têm caráter dançante, por exemplo, um minueto. Freqüentemente, os finais das sonatas clássicas são escritos na forma
rondó
(do italiano rondo - círculo). Parte repetida -
A
-
refrão
(tema principal),
B, C, D
- contrastante
episódios
.
reprise

lar

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Principal

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Principal

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lote vinculativo lote final
código

código

a tonalidade é fixa

a tonalidade é fixa

contrastes são removidos

contrastes são removidos

som dos temas principais

som dos temas principais

José Haydn

"Haydn, cujo nome brilha tão intensamente no templo da harmonia..."
Joseph Haydn é o fundador do classicismo vienense, movimento que substituiu o barroco. Sua vida ainda ocorrerá principalmente na corte de governantes seculares, e novos princípios musicais serão formados em seu trabalho, novos gêneros surgirão. Tudo isso
mantém seu significado em nosso tempo... Haydn é considerado o fundador da música instrumental clássica, o fundador da orquestra sinfônica moderna e o pai da sinfonia. Ele estabeleceu as leis da sinfonia clássica: deu-lhe um aspecto harmonioso e completo, determinou a ordem de seu arranjo, que se preserva em suas características principais até hoje. A sinfonia clássica tem um ciclo de quatro dígitos. A primeira parte ocorre em um ritmo acelerado e na maioria das vezes parece enérgica e animada. A segunda parte é lenta. Sua música transmite o humor lírico de uma pessoa. A terceira parte - minueto - é uma das danças favoritas da época de Haydn. A quarta parte é o final. Este é o resultado de todo o ciclo, uma conclusão de tudo o que foi mostrado, pensado, sentido nas partes anteriores. A música do final é geralmente dirigida para cima; é uma afirmação da vida, solene e vitoriosa. Na sinfonia clássica foi encontrada uma forma ideal que pode conter um conteúdo muito profundo. Na obra de Haydn, também se estabelece o tipo de sonata clássica em três movimentos. As obras do compositor são caracterizadas pela beleza, ordem, simplicidade sutil e nobre. Sua música é muito brilhante, leve, principalmente em tom maior, cheia de alegria, maravilhosa alegria terrena e humor inesgotável. Seus ancestrais foram camponeses e trabalhadores, cujo amor pela vida, perseverança e otimismo foram herdados pelo clássico. “Meu falecido pai era fabricante de carruagens de profissão, súdito do Conde Harrach e, por natureza, um ardente amante da música.” Haydn já descobriu o interesse pela música quando criança. Percebendo o talento do filho, seus pais o enviaram para estudar em outra cidade - lá o menino morava sob os cuidados de um parente. Haydn mudou-se então para outra cidade, onde cantou no coral. Na verdade, desde os 6 anos de idade, Joseph Haydn levou uma vida independente. Podemos dizer que foi autodidata, pois não tinha dinheiro nem ligações para estudos sistemáticos com professores famosos. À medida que envelhecia, sua voz tornou-se mais áspera e o muito jovem Haydn se viu na rua sem teto sobre sua cabeça. Ele ganhava a vida ensinando lições que já havia dado a si mesmo. O auto-estudo continua: Haydn estuda cuidadosamente a música de C.F.E. Bach (filho de J.S. Bach), ouve músicas que soam nas ruas (incluindo melodias eslavas), e Haydn começa a compor. Ele é notado. Na Europa, os nobres procuravam superar-se contratando os melhores músicos. Os anos que o jovem Haydn passou como artista livre foram frutíferos, mas ainda assim foi uma vida difícil. O já casado Haydn (todos descrevem o casamento como extremamente malsucedido) aceita o convite do Príncipe Esterhazy. Na verdade, na corte de Esterhazy, Haydn
durará 30 anos. Suas responsabilidades incluem compor música e dirigir a orquestra principesca. O príncipe Esterhazy (ou Esterhazy) era, segundo todos os relatos, um homem decente e um grande amante da música. Haydn poderia fazer o que amava. A música foi escrita sob encomenda - sem "liberdade criativa", mas esta era uma prática comum na época. Além disso, o pedido tem uma vantagem significativa: a música encomendada certamente foi executada imediatamente. Nada estava escrito na mesa.
Desde o primeiro contrato oficial entre o príncipe Esterhazy e

Vice Kapellmeister Joseph Haydn:
“Pela primeira ordem de Sua Senhoria, o Grão-Duque, o vice-kapellmeister (Haydn) compromete-se a compor qualquer música que Sua Senhoria desejar, a não mostrar novas composições a ninguém e, mais ainda, a não permitir que ninguém as copie, mas guardá-los exclusivamente para seu senhorio e sem seu conhecimento e permissão graciosa para não compor nada para ninguém. Joseph Haydn é obrigado a comparecer ao salão todos os dias (seja em Viena ou em qualquer uma das propriedades principescas) antes e depois do jantar e apresentar-se caso sua senhoria se digne ordenar a execução ou composição de música. Espere e, tendo recebido o pedido, leve-o ao conhecimento dos demais músicos. Com tanta confiança, Sua Alteza Sereníssima concede-lhe, vice-kapellmeister, um subsídio anual de 400 florins do Reno, que receberá trimestralmente no tesouro principal. Além disso, ele, Joseph Haydn, tinha direito a receber um kosht da mesa do oficial ou meio florim por dia de dinheiro da mesa, às custas do mestre. (O salário foi posteriormente aumentado várias vezes). Haydn considerou seus trinta anos de serviço com os príncipes de Esterhazy um bom período de sua vida. No entanto, ele sempre foi um otimista. Além disso, Joseph Haydn teve todas as oportunidades para compor e sempre escreveu muito e rápido. Foi durante o seu serviço na corte dos príncipes de Esterhazy que Haydn ganhou fama. A relação entre Esterhazy e Haydn é perfeitamente ilustrada pelo famoso caso da Sinfonia de Despedida. Os membros da orquestra recorreram a Haydn com um pedido para influenciar o príncipe: seus apartamentos revelaram-se pequenos demais para a mudança de suas famílias. Os músicos sentiam falta de suas famílias. Haydn influenciou a música: escreveu uma sinfonia com mais um movimento. E quando essa parte soa, os músicos vão saindo aos poucos. Restam dois violinistas, mas eles também apagam as velas e vão embora. O príncipe entendeu a dica e atendeu às “exigências” dos músicos.
Em 1790, o Príncipe Esterhazy, Miklos, o Magnífico, morre. O novo príncipe, Anton, não estava com disposição para música. Não, Anton deixou os músicos do regimento, mas dissolveu a orquestra. Haydn permaneceu desempregado, embora com uma grande pensão que Miklos lhe atribuiu. E ainda havia muita energia criativa. Então Haydn tornou-se novamente um artista livre. E ele irá para a Inglaterra a convite. Haydn fará 60 anos em breve, ele não sabe línguas! Mas ele parte para a Inglaterra. E novamente - triunfo! “Minha língua é perfeitamente compreendida em todo o mundo”, disse o compositor sobre si mesmo. Na Inglaterra, Haydn não teve apenas um sucesso impressionante. De lá trouxe mais 12 sinfonias e oratórios. Haydn testemunhou sua própria glória – e isso é muito raro. O fundador do classicismo vienense deixou um grande número de obras, e esta é uma música equilibrada e de afirmação da vida. O oratório "A Criação" é uma das obras mais famosas de Haydn. Esta é uma pintura musical monumental, contemplação do universo, por assim dizer... Haydn tem mais de 100 sinfonias que Hoffmann as chamou de “Alegria infantil da alma”. Um grande número de sonatas, concertos, quartetos, óperas... Joseph Haydn é o autor do hino nacional alemão.

Wolfgang Amadeus Mozart

27 de janeiro de 1756 – 5 de dezembro de 1791
A arte de Haydn teve uma influência tremenda na formação do estilo sinfônico e de câmara de Wolfgang Mozart. Depender
Suas realizações no campo da sonata e da música sinfônica de Mozart contribuíram com muitas coisas novas, interessantes e originais. Toda a história da arte não conhece personalidade mais marcante que ele. Mozart tinha memória e audição fenomenais, tinha habilidades brilhantes como improvisador, tocava violino e órgão lindamente e ninguém poderia desafiar sua primazia como cravista. Ele era o músico mais popular, mais reconhecido e mais querido de Viena. Suas óperas são de grande valor artístico. Há dois séculos, “As Bodas de Fígaro” (uma ópera buffa, mas realista e com elementos líricos) e “Don Giovanni” (uma ópera definida como um “drama alegre” - é ao mesmo tempo uma comédia e uma tragédia com muito forte e imagens complexas) tiveram sucesso com melodia encantadoramente elegante, simplicidade e harmonia luxuosa. E “A Flauta Mágica” (ópera é um singspiel, mas ao mesmo tempo conto filosófico sobre a luta entre o bem e o mal) ficou na história da música como o “canto do cisne” de Mozart, como uma obra que revela de forma mais completa e vívida sua visão de mundo e seus pensamentos acalentados. A arte de Mozart é perfeita em habilidade e absolutamente natural. Ele nos deu sabedoria, alegria, luz e bondade. Johann Chrysostom Wolfgang Theophile Mozart nasceu em 27 de janeiro de 1756 em Salzburgo. Amadeus é o análogo latino do nome grego Theophilus - “o favorito de Deus”. Mozart costuma ser chamado por dois nomes. Wolfgang Amadeus é uma criança prodígio. O pai de Mozart, Leopold Mozart, foi ele próprio um músico famoso, professor e compositor bastante prolífico. Sete filhos nasceram na família, dois sobreviveram: Nannerl, a irmã mais velha de Mozart, e o próprio Wolfgang. Leopold começou a ensinar as duas crianças desde a infância e saiu em turnê com elas. Foi um verdadeiro período de peregrinação. Foram vários passeios, no total duraram mais de 10 anos (com pausas para voltar para casa ou doenças infantis). O pai não apenas mostrou aos filhos a Europa, incluindo os monarcas. Ele estava procurando conexões que permitissem que seu filho maduro conseguisse um futuro emprego de acordo com seu talento brilhante. Mozart começou a compor no mesmo primeira infância, e sua música antiga é tocada quase com a mesma frequência que sua música madura. Além disso, durante as viagens, o pai contratou para o filho os melhores professores da Europa (na Inglaterra era o filho mais novo de J. S. Bach - “London Bach”, na Itália - o famoso Padre Martini, com quem estudou, aliás , e um dos fundadores das escolas de composição profissional na Rússia, Maxim Berezovsky). Na mesma Itália, o muito jovem Mozart cometeu um “pecado terrível”, que está incluído em todas as biografias: na Capela Sistina, depois de ouvi-lo uma vez, lembrou-se completamente e anotou o guardado
A obra do Vaticano "Miserere" de Allegri. “E aqui Wolfgang passou no famoso “exame” de sutileza de audição e precisão de memória. De memória, escreveu o famoso “Miserere” de Gregorio Allegri que ouviu. Esta obra foi amplamente considerada a coroa do gênero e o auge da música papal para a Sexta-Feira Santa. Não é de surpreender que a capela tenha tomado muito cuidado para proteger esta obra de copistas indesejados. O que Wolfgang conseguiu fazer naturalmente criou uma grande sensação. O pai conseguiu acalmar a mãe e a irmã em Salzburgo, que temiam que ao gravar “Miserere” Wolfgang tivesse pecado e pudesse ter problemas.” Mozart não só não se formou na universidade, como nem sequer foi à escola. Dele Educação geral Meu pai também estudou (matemática, línguas). Mas eles cresceram cedo e em todas as camadas da sociedade. Não havia tempo para a subcultura adolescente. As crianças, claro, estavam muito cansadas. Por fim, cresceram, o que fez com que deixassem de ser crianças prodígios, que o público perdesse o interesse por eles. Na verdade, Mozart teve que voltar a “conquistar” o público, já como músico adulto. Em 1773, o jovem Mozart começou a trabalhar para o Arcebispo de Salzburgo. Ele pôde continuar viajando e, claro, trabalhar duro. Sob o próximo arcebispo, Mozart deixou seu posto na corte e tornou-se um artista livre. Depois de uma infância composta por contínuas viagens pela Europa e serviço ao arcebispo, Mozart mudou-se para Viena. Continua a viajar periodicamente para outras cidades europeias, mas a capital austríaca tornar-se-á a sua residência permanente. “Mozart foi o primeiro dos grandes músicos a permanecer um artista livre e foi o primeiro compositor da história - um representante da boemia artística. É claro que trabalhar para o mercado livre significava pobreza." A vida “com pão de graça” não é tão simples e otimista quanto pode parecer. Na música do Mozart maduro, a tragédia de seu destino brilhante é sentida através do brilho e da beleza da música, a tristeza e a compreensão, a expressão, a paixão e o drama são destacados. Wolfgang Mozart deixou mais de 600 obras durante sua curta vida. É preciso entender que estamos falando de obras de grande porte: óperas, concertos, sinfonias. Mozart é um compositor universal. Escreveu música instrumental e vocal, ou seja, em todos os gêneros e formas existentes em sua época. No futuro, tal universalismo tornar-se-á um fenómeno raro. Mas Mozart é universal não só por esta razão: “A sua música contém um mundo enorme: contém o céu e a terra, a natureza e o homem, a comédia e a tragédia, a paixão em todas as suas formas e profunda
paz interior" (K. Barth). Basta relembrar algumas de suas obras: óperas, sinfonias, concertos, sonatas. As obras para piano de Mozart estavam intimamente ligadas ao seu ensino e prática performática. Ele foi o maior pianista de seu tempo. No século 18 É claro que havia músicos que não eram inferiores a Mozart em virtuosismo (nesse aspecto, seu principal rival era Muzio Clementi), mas ninguém se comparava a ele no sentido profundo de sua atuação. A vida de Mozart ocorreu durante o período em que vida musical O cravo, o clavicórdio e o piano forte (como o piano era chamado anteriormente) eram comuns ao mesmo tempo. E se em relação às primeiras obras de Mozart se costuma falar do estilo do cravo, então a partir do final da década de 1770 o compositor escreveu, sem dúvida, para piano. Sua inovação se manifestou mais claramente em seus trabalhos para teclado de plano patético. Mozart é um dos maiores melodistas. A sua música combina as características das canções folclóricas austríacas e alemãs com a melodia das canções italianas. Apesar de suas obras se distinguirem pela poesia e graça sutil, muitas vezes contêm melodias com grande pathos dramático e elementos contrastantes. A criatividade instrumental de câmara de Mozart é representada por uma variedade de conjuntos (de duetos a quintetos) e obras para piano (sonatas, variações, fantasias). O estilo de piano de Mozart se distingue pela elegância, clareza e acabamento cuidadoso da melodia e do acompanhamento. V. Mozart escreveu 27 concertos para piano e orquestra, 19 sonatas, 15 ciclos de variações, 4 fantasias (duas em dó menor, uma em dó maior, combinadas com uma fuga, e mais uma em ré menor). Juntamente com os ciclos de grande escala, a obra de Mozart contém muitas pequenas peças, às quais ele próprio nem sempre dava a devida importância. Estes são minuetos, rondos, adágios, fugas separados. A ópera era uma arte socialmente significativa. No século XVIII, para além das casas de ópera da corte, já existiam dois tipos de casas de ópera públicas: as sérias e as cómicas domésticas (seria e buffa). Mas na Alemanha e na Áustria o Singspiel floresceu. Entre a grande quantidade de obras criadas pelo gênio de Mozart, as óperas são suas criações favoritas. A sua obra revela uma rica galeria de imagens da vida de óperas - seria, buffa e singspiel, sublime e cómica, gentil e travessa, inteligente e rústica - todas elas retratadas de forma natural e psicologicamente autêntica. A música de Wolfgang Amadeus Mozart combina harmoniosamente o culto da razão, o ideal da nobre simplicidade e o culto do coração, o ideal de uma personalidade livre. O estilo de Mozart sempre foi considerado a personificação da graça, leveza, vivacidade de espírito e sofisticação verdadeiramente aristocrática.
P.I. Tchaikovsky escreveu: “Mozart é o ponto mais elevado e culminante que a beleza alcançou na esfera da música... o que chamamos de ideal”.
Ludwig van Beethoven

16 de dezembro de 1770 – 26 de março de 1827
Ludwig van Beethoven tornou-se famoso como o maior sinfonista. Sua arte é permeada pelo pathos da luta. Implementou as ideias avançadas do Iluminismo, que estabeleceram os direitos e a dignidade da pessoa humana. Ele possuía nove sinfonias, uma série de aberturas sinfônicas (“Egmont”, “Coriolanus”) e trinta e duas sonatas para piano que formaram uma era na música para piano. O mundo das imagens de Beethoven é diverso. Seu herói não é apenas corajoso e apaixonado, ele é dotado de um intelecto bem desenvolvido. Ele é um lutador e um pensador. Em sua música, a vida se manifesta em toda a sua diversidade - paixões violentas e devaneios desapegados, pathos dramático e confissões líricas, imagens da natureza e cenas da vida cotidiana. Completando a era do classicismo, Ludwig van Beethoven abriu simultaneamente o caminho para o próximo século. Beethoven é uma década e meia mais novo que Mozart. Mas esta é uma música qualitativamente diferente. Pertence aos “clássicos”, mas nas suas obras maduras aproxima-se do romantismo. O estilo musical de Beethoven é uma transição do classicismo para o romantismo. Mas para compreender a sua obra é necessário primeiro olhar para o panorama da vida social e musical da época. No final do século XVIII, surgiu e se desenvolveu o fenômeno do “Sturm und Drang” (Sturm und Drang) - um período em que os padrões foram quebrados
classicismo em favor de maior emotividade e abertura. Este fenômeno capturou todas as esferas da literatura e da arte, tem até um nome interessante: contra-Iluminismo. Os maiores representantes do Sturm und Drang foram Johann Wolfgang Goethe e Friedrich Schiller, e este próprio período antecipou o surgimento do Romantismo. A carga de energia e a intensidade dos sentimentos na música de Beethoven estão inextricavelmente ligadas aos fenômenos listados na vida social da Europa Ocidental daquela época e às circunstâncias da vida pessoal do gênio. Ludwig van Beethoven nasceu em Bona. A família não era rica, flamengos de origem, músicos de profissão. O pai estava ansioso para fazer do filho um “segundo Mozart”, mas a carreira de virtuoso concertista como criança prodígio não deu certo, mas houve um “treinamento” constante no instrumento. Já criança, Ludwig começou a trabalhar meio período (teve que abandonar a escola) e aos 17 anos assumiu a responsabilidade pela família: trabalhava com salário permanente e dava aulas particulares. O pai tornou-se viciado em álcool, a mãe morreu cedo e os irmãos mais novos permaneceram na família. Mesmo assim, Beethoven encontra tempo e frequenta a Universidade de Bonn como voluntário. Toda a juventude universitária foi então capturada pelo impulso revolucionário vindo da França. O jovem gênio admirava os ideais do Grande revolução Francesa. Ele até dedicou sua Terceira Sinfonia “Eroica” a Napoleão Bonaparte, porém, riscou a dedicatória, decepcionado com a “corporificação terrena dos ideais”, e em vez disso indicou: “Em memória de um grande homem”. “Ninguém é tão mesquinho quanto os grandes” - as famosas palavras de Beethoven. Os ideais de “liberdade, igualdade, fraternidade” permaneceram para sempre os ideais de Beethoven – e isso também implicou grandes decepções na vida. Ludwig van Beethoven estudou e reverenciou exaustivamente a obra de J. S. Bach. Em Viena ele se apresenta diante de Mozart, que elogia muito o jovem músico. Logo Beethoven mudou-se completamente para Viena e posteriormente ajudou seus irmãos mais novos a se mudarem para lá. Toda a sua vida estará ligada a esta cidade. Em Viena, ele tem aulas de disciplinas especiais, entre seus professores estão Haydn e Salieri (três sonatas para violino de Beethoven são dedicadas a Salieri). Apresenta-se nos salões da aristocracia vienense e depois nos seus próprios concertos, perante um vasto público. Seus dedos no teclado foram apelidados de “demoníacos”. “Quero agarrar o destino pela garganta; ele certamente não será capaz de me derrubar completamente” (das cartas de Beethoven). Já na juventude, Beethoven percebeu que estava ficando surdo (“Há dois anos, tenho evitado cuidadosamente toda a sociedade, porque não posso dizer às pessoas: “Estou surdo!” Isso ainda seria possível se eu tivesse
Tenho outra profissão, mas com o meu ofício nada pode ser pior” (das cartas de Beethoven). As intervenções médicas periódicas não trouxeram cura e a surdez progrediu. No final da vida, ele não ouviu mais nada. Mas a audição interna permaneceu - porém, não era mais possível ouvir “pessoalmente” o que se ouvia lá dentro. E a comunicação com as pessoas era extremamente difícil; com amigos eu praticava escrever em cadernos de “conversa”. O surdo que tudo ouve - era assim que às vezes era chamado. E ele ouviu o principal: não só música, mas também ideias e sentimentos. Ele ouvia e entendia as pessoas. “Esse amor, esse sofrimento, essa perseverança de vontade, essas alternâncias de desânimo e orgulho, dramas internos - encontramos tudo isso nas grandes obras de Beethoven”... (Romain Rolland). O afeto de Beethoven é conhecido: a jovem condessa Juliet Guicciardi. Mas ele permaneceu sozinho. Quem foi sua “amada imortal”, a carta a quem foi encontrada após a morte do compositor, não se sabe ao certo. Mas alguns pesquisadores consideram Teresa Brunswik, aluna de L. Beethoven, a “amada imortal”. Ela tinha talento musical - tocava piano lindamente, cantava e até regia. Ludwig van Beethoven teve uma longa amizade com Teresa. Em 1814, Beethoven ganhou fama mundial. O Congresso de Viena começa - após a vitória sobre Napoleão e a entrada das tropas russas, austríacas e prussianas em Paris - e o famoso Congresso pacífico de Viena começa com a ópera Fidelio de Beethoven. Beethoven torna-se uma celebridade europeia. Ele é convidado ao palácio imperial para uma celebração em homenagem ao dia do nome da Imperatriz Russa, a quem dá um presente: uma Polonaise escrita por ele. Ludwig van Beethoven compôs muito.
32 sonatas para piano
A sonata para piano foi para Beethoven a forma mais direta de expressão dos pensamentos e sentimentos que o entusiasmavam, suas principais aspirações artísticas. Sua atração por esse gênero foi particularmente forte. Se suas sinfonias surgiram como resultado e generalização de um longo período de busca, então a sonata para piano refletia diretamente toda a variedade de buscas criativas. Beethoven, como um notável virtuose do piano, até improvisou na maioria das vezes em forma de sonata. Nas improvisações ardentes, originais e desenfreadas de Beethoven nasceram imagens de suas futuras grandes obras. Cada sonata de Beethoven é uma obra de arte completa; juntos eles formam um verdadeiro tesouro do pensamento clássico na música. Beethoven interpretou a sonata para piano como um gênero abrangente, capaz de refletir toda a diversidade estilos musicais modernidade. EM
Nesse aspecto, ele pode ser comparado a Philipp Emanuel Bach (filho de J.S. Bach). Este compositor, quase esquecido no nosso tempo, foi o primeiro a dar à sonata para teclado do século XVIII o seu o significado de um dos principais tipos de arte musical, imbuindo suas obras para teclado de pensamentos profundos. Beethoven foi o primeiro a seguir o caminho de F. E. Bach, porém, superando seu antecessor na amplitude, variedade e significado das ideias expressas nas sonatas para piano, em sua perfeição e significado artístico. Uma enorme variedade de imagens e humores - da pastoral suave à solenidade patética, da efusão lírica à apoteose revolucionária, das alturas do pensamento filosófico aos momentos do gênero folclórico, da tragédia ao humor - caracterizam as trinta e duas sonatas para piano de Beethoven, criadas por ele ao longo de um quarto de século. O caminho da primeira (1792) à última (1822) sonata de Beethoven marca uma era inteira na história da música para piano mundial. Beethoven começou com um modesto estilo de piano classicista (ainda amplamente associado à arte de tocar cravo) e terminou com música para piano moderno, com sua enorme gama sonora e inúmeras novas possibilidades expressivas. Chamando suas últimas sonatas de “uma obra para instrumento de martelo” (Hammerklavier), o compositor enfatizou sua modernidade
pianístico
expressividade. Em 1822, com a criação da Sonata Trigésima Segunda, Beethoven completou sua longa jornada neste campo da criatividade. Ludwig van Beethoven trabalhou muito em problemas de virtuosismo no piano. Em busca de uma imagem sonora única, desenvolveu incansavelmente o seu estilo original de piano. A sensação de amplo espaço aéreo obtida pela justaposição de registros distantes, acordes massivos, textura densa, rica e multifacetada, técnicas timbre-instrumentais, rico uso de efeitos de pedal (em particular, o pedal esquerdo) - essas são algumas das técnicas inovadoras características de Estilo de piano de Beethoven. Começando com a primeira sonata, Beethoven comparou a música de câmara com a música para teclado do século XVIII. seus majestosos murais sonoros pintados com traços grandes e ousados. A sonata de Beethoven começou a se assemelhar a uma sinfonia para piano. Pelo menos um terço das 32 sonatas para piano são bem conhecidas, mesmo por pessoas que se consideram "não amadores". Destas: sonata “Pathétique” nº 8. Um começo imperioso, orgulhoso e trágico - e ondas fortes de música. Um poema inteiro em três partes, cada uma delas linda. Alegria, sofrimento, rebelião e luta - um círculo de imagens típico de Beethoven, expresso aqui com violência e grande
nobreza. Esta é uma ótima música, como qualquer sonata ou sinfonia de Beethoven. “Quasi una fantasia”, a chamada sonata “Moonlight” nº 14, dedicada à jovem condessa Giulietta Guicciardi, que foi aluna de Beethoven. O compositor se interessou por Julieta e até pensou em casamento, mas ela preferiu outra pessoa. Normalmente o ouvinte se limita à primeira parte, sem saber qual é o final - “uma cachoeira subindo” - como diz figurativamente um dos pesquisadores. E há também “Appassionata” (nº 23), “A Tempestade” (nº 17), “Aurora” (nº 21)... As sonatas para piano são uma das melhores e mais preciosas partes do brilhante legado de Beethoven. Numa longa e emocionante sequência de suas magníficas imagens, passa diante de nós toda a vida de um grande talento, de uma grande mente e de um grande coração, não alheio a nada humano, mas justamente por isso deu todas as suas batidas ao mais querido , ideais mais sagrados da humanidade avançada. L. Beethoven é o sucessor das tradições de Mozart. Mas a sua música ganha expressões completamente novas: o drama na música chega à tragédia, o humor chega à ironia e a letra torna-se uma revelação de uma alma sofredora, uma reflexão filosófica sobre o destino e o mundo. A música para piano de Beethoven é um exemplo de gosto artístico. Os contemporâneos frequentemente comparavam o clima emocional das sonatas de Beethoven com o pathos das tragédias de Schiller. Além de 32 sonatas para piano, também existem sonatas para violino. Uma é definitivamente familiar para muitos, pelo menos pelo nome - “Kreutzer Sonata” - Sonata nº 9 para violino e piano. E há também os famosos quartetos de cordas de Beethoven. Destes, os “Quartetos Russos” são especialmente populares. Você pode realmente ouvir melodias russas nelas (“Ah, talento, meu talento”, “Glória” - Beethoven conheceu especialmente essas músicas da coleção de Lvov). Não é por acaso: os quartetos foram escritos a pedido do diplomata russo Andrei Razumovsky, que viveu muito tempo em Viena e foi patrono de Beethoven. Duas sinfonias do compositor são dedicadas a Razumovsky. Beethoven tem nove sinfonias, a maioria delas conhecidas do público. Deixe-me lembrá-lo da Terceira Sinfonia (Heroica), a Quinta Sinfonia com o famoso Tema do Destino. Esses “golpes do destino” caem e caem novamente, o destino continua batendo na porta. E a luta não termina na primeira parte. O resultado só é visível no final, onde o tema do destino se transforma na exultação da alegria da vitória. Pastoral (6ª sinfonia) – o próprio nome sugere uma celebração da natureza. A impressionante 7ª Sinfonia é finalmente a mais famosa,
a Nona Sinfonia que marcou época, cuja ideia Beethoven vinha fermentando há muito tempo. Beethoven também viveu a vida de um “artista livre” (no entanto, a partir de Mozart, isso se tornou a norma) com todas as suas dificuldades e incertezas. Várias vezes Beethoven tentou deixar Viena, então a nobreza austríaca ofereceu-lhe um salário, desde que ele não fosse embora. E Beethoven permaneceu em Viena. Aqui ele conheceu seu principal triunfo. Do abismo da tristeza, Beethoven decidiu glorificar a Alegria. (Roland). Beethoven já estava muito doente. Este não é apenas o início da surdez, o compositor desenvolve uma grave doença hepática. Também não havia dinheiro suficiente e houve problemas na minha vida pessoal (criar o meu sobrinho). Nessas condições nasceu o que às vezes era difícil considerar como uma criação humana. Abraço, milhões! (Beethoven. 9ª Sinfonia, final). É também chamada de Sinfonia Coral, pelo fato de no final o já conhecido coro ali soar a letra de Friedrich Schiller - “Ode à Alegria”, que periodicamente se transformava em hinos diversos, agora é o Hino do União Europeia. Beethoven morreu em 26 de março de 1827. Em 2007, o patologista vienense e especialista em medicina forense Christian Reiter (professor associado do Departamento de Medicina Forense da Universidade Médica de Viena) sugeriu que a morte de Beethoven foi involuntariamente acelerada por seu médico Andreas Wavruch, que repetidamente perfurou o peritônio do paciente (para retirar o líquido), após o que aplicou loções contendo chumbo nas feridas. Os testes capilares de Reuter mostraram que os níveis de chumbo de Beethoven aumentavam acentuadamente cada vez que ele visitava o médico.
Beethoven - professor
Beethoven começou a dar aulas de música ainda em Bonn. Seu aluno de Bonn, Stefan Breuning, permaneceu o amigo mais dedicado do compositor até o fim de seus dias. Breuning ajudou Beethoven na revisão do libreto de Fidelio. Em Viena, a jovem condessa Juliet Guicciardi tornou-se aluna de Beethoven na Hungria, onde Beethoven ficou na propriedade de Brunswick, Teresa Brunswik estudou com ele; A aluna de Beethoven também foi Dorothea Ertmann, uma das melhores pianistas da Alemanha. D. Ertman ficou famosa por sua execução das obras de Beethoven. O compositor dedicou-lhe a Sonata nº 28. Ao saber que o filho de Dorothea havia morrido, Beethoven tocou para ela por muito tempo. Karl Czerny também começou a estudar com Beethoven. Karl foi talvez o único filho entre os alunos de Beethoven. Ele tinha apenas nove anos, mas já se apresentava em shows. Czerny estudou com Beethoven durante cinco anos, após os quais o compositor lhe entregou um documento no qual anotava
"o sucesso excepcional do aluno e sua incrível memória musical." A memória de Cherny era realmente incrível: ele sabia tudo de cor obras de piano professores.
Czerny começou cedo sua carreira docente e logo se tornou um dos melhores professores de Viena. Entre seus alunos estava Theodor Leschetizky, que pode ser considerado um dos fundadores da escola russa de piano. Leshetitsky, tendo se mudado para a Rússia para São Petersburgo, por sua vez foi professor de A. N. Esipova, V. I. Safonov, S. M. Maikapara. Franz Liszt estudou com K. Czerny durante um ano e meio. Seu sucesso foi tão grande que seu professor lhe permitiu falar em público. Beethoven esteve presente no concerto. Ele adivinhou o talento do menino e o beijou. Liszt guardou a memória desse beijo por toda a vida. Foi Liszt, e não Czerny, quem herdou o estilo de tocar de Beethoven. Tal como Beethoven, Liszt interpreta o piano como uma orquestra. Durante a digressão pela Europa, promoveu a obra de Beethoven, executando não só as suas obras para piano, mas também sinfonias que adaptou para piano. Naquela época, a música de Beethoven, especialmente a música sinfônica, ainda era desconhecida do grande público. Foi graças aos esforços de F. Liszt que o monumento ao compositor Ludwig van Beethoven foi erguido em Bonn em 1839. É impossível não reconhecer a música de Beethoven. Laconismo e relevo de melodias, dinâmica, ritmo muscular claro - este é um estilo heróico-dramático facilmente reconhecível. Mesmo nos movimentos lentos (onde Beethoven reflete), o tema principal de Beethoven soa: do sofrimento à alegria, “dos espinhos às estrelas”. M. I. Glinka considerou Beethoven o auge do classicismo vienense, o artista que mais profundamente penetrou nas profundezas da alma humana e a expressou perfeitamente em sons. Beethoven disse: “A música deveria lançar fogo na alma humana!”
Conclusão
Mudanças fundamentais ocorreram nas orquestras; não houve mais necessidade do cravo ou do órgão como principais instrumentos musicais - clarinete, flauta, trompete e outros, pelo contrário, tomaram seu lugar na orquestra e criaram um novo, som especial. Nova formação orquestra levou ao surgimento da sinfonia, o gênero musical mais importante. Um dos primeiros compositores a utilizar o formato sinfônico foi filho de I.S. Bach - Carl Philipp Emmanuel Bach. Junto com a nova composição da orquestra, surge

quarteto de cordas composto por dois violinos, viola e violoncelo. As composições são criadas especificamente para um quarteto de cordas com padrão próprio de quatro tempos. Formou-se uma forma sonata-sinfônica multimovimento (ciclo de 4 partes), que ainda é a base de muitas composições instrumentais. Na mesma época, foi criado um piano, cujo desenho remonta ao século XVIII. sofre mudanças significativas, o mecanismo teclado-martelo é melhorado, uma estrutura de ferro fundido, pedais e um mecanismo de “ensaio duplo” são introduzidos, o arranjo das cordas muda e o alcance se expande. Todas essas inovações evolutivas permitiram aos pianistas executar com mais facilidade obras virtuosas em diversas versões, utilizando diversos meios de expressão e dinâmicas enriquecidas. Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart e Ludwig van Beethoven - três grandes nomes, três “Titãs” que entraram para a história como
vienense

clássicos
. Os compositores da escola vienense dominaram com maestria uma variedade de gêneros musicais - desde canções do dia a dia até sinfonias. O alto estilo musical, em que o rico conteúdo figurativo se materializa numa forma artística simples mas perfeita, é a principal característica da obra dos clássicos vienenses. Nomeadamente, os compositores da música vienense escola clássica elevou o gênero da sonata para piano e do concerto clássico ao mais alto nível. A descoberta do classicismo consistiu na expressão do desejo do mais elevado ideal de perfeição, da estrutura celestial da alma e da vida. Haydn disse que Deus não ficaria ofendido por ele por louvá-Lo em um estilo novo, brilhante e claro. A cultura musical do classicismo, assim como a literatura, assim como as artes plásticas, glorifica as ações do homem, suas emoções e sentimentos, sobre os quais reina a razão. Artistas criativos em seus trabalhos são caracterizados pelo pensamento lógico, harmonia e clareza de forma. O classicismo é o estilo de uma época historicamente específica. Mas o seu ideal de harmonia e proporcionalidade permanece até hoje um modelo para as gerações subsequentes.
Enquanto isso, os séculos de classicismo já recuavam; na poliestilística sem precedentes de “Don Juan”, no espírito rebelde de “Egmont”, discerniu-se um século de romantismo com sua ironia trágica, consciência artística desordenada e liberdade de intimidade lírica.
Princípios do classicismo
1. A base de tudo é a razão. Só o que é razoável é belo. 2. A principal tarefa é fortalecer a monarquia absoluta, o monarca é a personificação da razão. 3. O tema principal é o conflito de interesses, sentimentos e deveres pessoais e civis. 4. A maior dignidade de uma pessoa é o cumprimento do dever, o serviço à ideia de Estado. 5. Herança da antiguidade como modelo. 6. Imitação da natureza “decorada”. 7. A categoria principal é a beleza.
Literatura
Keldysh Yu. - Classicismo. Enciclopédia Musical, Moscou: Enciclopédia Soviética, de " Compositor soviético", 1973 - 1982. Classicismo - Grande Dicionário Enciclopédico, 2000 Yu. A. Kremlev - Sonatas para Piano de Beethoven, Editora do Compositor Soviético, Moscou 1970
Compositores da Era Clássica

Friedrich Kalkbrenner Joseph Haydn Johann Nepomuk Hummel Jan Vanhal Giovanni Battista Pescetti Dominico Cimarosa Ivan Laskovsky Leopold Mozart Christian Gottlob Nefe Wolfgang Amadeus Mozart Giovanni Battista Grazioli Andre Gretry Johann E. Hummel Daniel Steibelt Ignaz Pleyel Ludwig van Beethoven Niccolò Paganini Anton Diabelli Alexander Lvovich Gurilev Jan Ladislav Dussek Jacques Aubert Christoph Willibald Gluck Giovanni Paisiello Alexander Ivanovich Dubuk Lev Stepanovich Gurilev Karl Czerny Daniel Gottlob Türk Wilhelm Friedemann Bach Antonio Salieri Johann Christian Bach Mauro Giuliani Johann Christoph Frederick Bach John Field Carl Philip Emmanuel Bach Alexander Taneyev Frédéric Duvernoy Gaetano Donizetti Johann Wilhelm Hessler Eustigney Fomin Johann Benda Tobias Haslinger Luigi Cherubini Vincenzo Bellini Albert Behrens Johann Philipp Kirnberger Muzio Clementi Henri Jerome Bertini Henri Kramer
Luigi Boccherini Johann Baptiste Kramer Dmitry Bortnyansky Rodolphe Kreutzer Peter Bulakhov Friedrich Kuhlau Carl Maria von Weber Johann Heinrich Leo Henri Lemoine Genishta Joseph Iosifovich Mikhail Cleophas Oginsky Giovanni Battista Pergolesi
ROMANTISMO
O Romantismo é um movimento ideológico e artístico que surgiu na cultura europeia e americana no final do século XVIII. - primeira metade do século XIX. - foi uma reação à estética do classicismo, uma reação peculiar ao Iluminismo com seu culto à razão. O surgimento do romantismo deveu-se a vários motivos. O mais importante deles
-
decepção com os resultados da Revolução Francesa
,
não correspondeu às expectativas depositadas nele. A visão de mundo romântica é caracterizada por um forte conflito entre a realidade e os sonhos. A realidade é baixa e não espiritual, está permeada pelo espírito do filistinismo, do filistinismo e só vale a pena ser negada. Um sonho é algo lindo, perfeito, mas inatingível e incompreensível à razão. O romantismo surgiu e se desenvolveu pela primeira vez na década de 1790. na Alemanha, no círculo de escritores e filósofos da escola de Jena, cujos representantes são considerados W. G. Wackenroder, Ludwig Tieck, Novalis, irmãos F. e A. Schlegel). A filosofia do romantismo foi sistematizada nas obras de F. Schlegel e F. Schelling e era que existe um prazer positivo no belo, expresso na contemplação serena, e existe um prazer negativo no sublime, informe, infinito, causando não alegria, mas espanto e compreensão. O canto do sublime está associado ao interesse do romantismo pelo mal, ao seu enobrecimento e à dialética do bem e do mal. No século 18 Tudo o que era estranho, pitoresco e existente nos livros e não na realidade era chamado de romântico. No início. Século XIX O Romantismo tornou-se a designação de uma nova direção, oposta ao classicismo e ao Iluminismo. De época em época, de estilo em estilo subsequente no campo da arte, você pode “construir uma ponte” e expressar o correspondente
definição de movimentos artísticos: o barroco é um sermão, o romantismo é uma confissão. Assim, eles estão “espalhados” para os lados do classicismo harmonioso e ordenado. Na arte barroca, uma pessoa se dirige a uma pessoa (prega) algo globalmente importante; no romantismo, uma pessoa se dirige ao mundo, declarando-lhe que as menores experiências de sua alma não são menos importantes que tudo o mais. E aqui não está apenas o direito a um sentimento individual, mas também o direito de agir. O Romantismo, substituindo o Iluminismo, coincide com a revolução industrial, marcada pelo aparecimento da máquina a vapor, da locomotiva, do navio a vapor, da fotografia e da periferia fabril. Se o Iluminismo se caracteriza pelo culto à razão e à civilização baseado em seus princípios, então o romantismo afirma o culto à natureza, aos sentimentos e ao natural no homem. Foi na época do romantismo que se concretizaram os fenómenos do turismo, do montanhismo e dos piqueniques, destinados a restaurar a unidade do homem e da natureza. A imagem de um “nobre selvagem”, armado de “sabedoria popular” e não estragado pela civilização, é procurada. O romantismo contrasta a ideia educativa de progresso com o interesse pelo folclore, pelo mito, pelos contos de fadas, pelo homem comum, pelo retorno às raízes e à natureza. Em seu desenvolvimento posterior, o romantismo alemão foi distinguido por um interesse por contos de fadas e motivos mitológicos, que foi especialmente expresso nas obras dos irmãos Wilhelm e Jacob Grimm e de Hoffmann. G. Heine, iniciando a sua obra no quadro do romantismo, submeteu-a posteriormente a uma revisão crítica. O romantismo filosófico exige um repensar da religião e a busca do ateísmo. "A verdadeira religião é o sentimento e o sabor do infinito." Mais tarde, na década de 1820 estilo romântico espalhou-se pela Inglaterra, França e outros países. O romantismo inglês inclui as obras dos escritores Racine, John Keats e William Blake. O romantismo na literatura generalizou-se em outros países europeus, por exemplo: na França - Chateaubriand, J. Stael, Lamartine, Victor Hugo, Alfred de Vigny, Prosper Merimee, Georges Sand, Stendhal; na Itália - N. U. Foscolo, A. Manzoni, Leopardi, na Polônia - Adam Mickiewicz, Juliusz Słowacki, Zygmunt Krasinski, Cyprian Norwid; nos EUA - Washington Irving, Fenimore Cooper, W. C. Bryant, Edgar Allan Poe, Nathaniel Hawthorne, Henry Longfellow, Herman Melville.
No romantismo russo surge a liberdade das convenções clássicas, uma balada é criada, drama romântico. Uma nova ideia está sendo estabelecida sobre a essência e o significado da poesia, que é reconhecida como uma esfera independente da vida, uma expressão das aspirações ideais e mais elevadas do homem. O romantismo da literatura russa mostra o sofrimento e a solidão do personagem principal. Na Rússia, V. A. Zhukovsky, K. N. Batyushkov, E. A. Baratynsky, N. M. Yazykov também podem ser considerados poetas românticos. A poesia inicial de A. S. Pushkin também se desenvolveu no âmbito do romantismo. A poesia de M. Yu Lermontov pode ser considerada o auge do romantismo russo. As letras filosóficas de F. I. Tyutchev são ao mesmo tempo a conclusão e a superação do romantismo na Rússia. O romantismo começou como movimento literário, mas teve uma influência significativa na música e na pintura. EM belas-Artes O romantismo manifestou-se mais claramente na pintura e na arte gráfica, e menos na arquitetura. O desenvolvimento do romantismo na pintura ocorreu em acirradas polêmicas com os adeptos do classicismo. Os românticos censuraram os seus antecessores pela “racionalidade fria” e pela falta de “movimento da vida”. No século XVIII, os motivos preferidos dos artistas eram paisagens montanhosas e ruínas pitorescas. Suas principais características são composição dinâmica, espacialidade volumétrica, cores ricas, claro-escuro (por exemplo, obras de Turner, Géricault e Delacroix). Nas décadas de 20 e 30, as obras de muitos artistas eram caracterizadas pelo pathos e pela excitação nervosa; mostravam tendência para motivos exóticos e jogos de imaginação, capazes de afastar o “quotidiano monótono”. A luta contra as normas classicistas congeladas durou muito tempo, quase meio século. O primeiro que conseguiu consolidar a nova direção e “justificar” o romantismo foi Theodore Gericault. Representantes da pintura: Francisco Goya, Antoine-Jean Gros, Theodore Gericault, Eugene Delacroix, Karl Bryullov, William Turner, Caspar David Friedrich, Carl Friedrich Lessing, Carl Spitzweg, Carl Blechen, Albert Bierstadt, Frederic Edwin Church, Fuseli, Martin.
ROMANTISMO NA MÚSICA
A música do período romântico é um período da história da música europeia que abrange aproximadamente os anos 1800-1910. Na música, a direção do romantismo surgiu na década de 1820, seu desenvolvimento durou todo o século XIX. - o século do apogeu da cultura musical da Europa Ocidental. O romantismo não é apenas letra, mas o domínio de sentimentos, paixões, elementos espirituais, que só são conhecidos nos cantos da própria alma. Um verdadeiro artista os identifica com a ajuda de uma intuição brilhante.
A música deste período desenvolveu-se a partir de formas, géneros e ideias musicais estabelecidas em períodos anteriores, como o período clássico. Os compositores românticos tentaram expressar a profundidade e a riqueza do mundo interior de uma pessoa com a ajuda de meios musicais. A música se torna mais proeminente e individual. Gêneros musicais estão sendo desenvolvidos, incluindo baladas. As ideias e a estrutura das obras que se estabeleceram ou surgiram em períodos anteriores foram desenvolvidas durante o romantismo. Como resultado, as obras relacionadas ao Romantismo são percebidas pelos ouvintes como mais apaixonadas e emocionalmente expressivas. É geralmente aceito que os predecessores imediatos do romantismo foram Ludwig van Beethoven - na música austro-alemã e Luigi Cherubini - na música francesa; Muitos românticos (por exemplo, Schubert, Wagner, Berlioz) consideraram K.V. O período de transição do classicismo para o romantismo é considerado o período pré-romântico - um período relativamente curto na história da música e da arte. Se na literatura e na pintura o movimento romântico basicamente completa o seu desenvolvimento em meados do século XIX, então a vida do romantismo musical na Europa é muito mais longa. O romantismo musical como movimento surgiu no início do século XIX e desenvolveu-se em estreita ligação com vários movimentos da literatura, pintura e teatro. Os principais representantes do romantismo na música são: na Áustria - Franz Schubert, e os românticos tardios - Anton Bruckner e Gustav Mahler; na Alemanha - Ernest Theodor Hoffmann, Carl Maria Weber, Richard Wagner, Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Johannes Brahms, Ludwig Spohr; na Inglaterra - Edward Elgar; na Hungria - Franz Liszt; na Noruega - Edvard Grieg; na Itália - Niccolo Paganini, Vincenzo Bellini, antigo Giuseppe Verdi; na Espanha - Felipe Pedrel; na França - D. F. Aubert, Hector Berlioz, J. Meyerbeer e o representante do romantismo tardio Cesar Frank; na Polónia - Frederic Chopin, Stanislaw Moniuszko; na República Tcheca - Bedrich Smetana, Antonin Dvorak;
na Rússia, Alexander Alyabyev, Mikhail Glinka, Alexander Dargomyzhsky, Mily Balakirev, N.A. Rimsky-Korsakov, Modest Mussorgsky, Alexander Borodin, Caesar Cui, P.I.

Não é por acaso que a forma de arte ideal foi declarada a música, que, pela sua especificidade, expressa da forma mais plena os movimentos da alma. Foi a música da era do romantismo que ocupou um lugar de destaque no sistema artístico. O romantismo na música é caracterizado por um apelo ao mundo interior do homem. A música tem a capacidade de expressar o incognoscível, de transmitir o que as palavras não conseguem transmitir. O romantismo sempre se esforça para escapar da realidade. Toque a vida pessoas comuns, compreender seus sentimentos, contando com a música - isso ajudou representantes do romantismo musical a tornar suas obras realistas. O principal problema da música romântica é o problema da personalidade, e sob uma nova luz - no seu conflito com o mundo exterior. Herói romântico sempre sozinho quando é uma pessoa extraordinária e talentosa. O tema da solidão é talvez o mais popular em toda a arte romântica. Um artista, um poeta, um músico são os heróis favoritos nas obras dos românticos (“O Amor de um Poeta” de Schumann, “A Sinfonia Fantástica” de Berlioz com o subtítulo “Um Episódio da Vida de um Artista”). A revelação do drama pessoal muitas vezes adquiriu um toque de autobiografia entre os românticos, o que trouxe especial sinceridade à música. Por exemplo, muitas das obras para piano de Schumann estão relacionadas com a história de seu amor por Clara Wieck. Richard Wagner enfatizou fortemente a natureza autobiográfica de suas óperas. A atenção aos sentimentos leva a uma mudança de gêneros - as letras, nas quais predominam as imagens do amor, adquirem posição dominante. O tema da natureza está muitas vezes entrelaçado com o tema da “confissão lírica”. O desenvolvimento do gênero e do sinfonismo lírico-épico está intimamente ligado às imagens da natureza (uma das primeiras obras é a “grande” sinfonia em dó maior de F. Schubert). O tema da fantasia tornou-se uma verdadeira descoberta para os compositores românticos. A música aprendeu pela primeira vez a incorporar imagens fabulosamente fantásticas por meios puramente musicais. Nas óperas dos séculos XVII a XVIII. personagens "sobrenaturais" (como a Rainha da Noite de "A Flauta Mágica" de Mozart) falavam em linguagem "convencional"
linguagem musical, pouco se destacando da formação de pessoas reais. Os compositores românticos aprenderam a transmitir o mundo da fantasia como algo completamente específico (com a ajuda de cores orquestrais e harmônicas incomuns). Um exemplo notável é a "Cena da Garganta do Lobo" em The Magic Shooter, de Weber. O interesse pela arte popular é altamente característico do romantismo musical. Tal como os poetas românticos, que enriqueceram e actualizaram a linguagem literária através do folclore, os músicos recorreram amplamente ao folclore nacional - músicas folk, baladas, épico (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, J. Brahms, B. Smetana, E. Grieg). Tudo o que foi ouvido pelos ouvidos foi imediatamente traduzido em criatividade. O folclore - canções, danças, lendas - é processado, temas, enredos, entonações são retirados daí. Entre os românticos, a música (na Rússia - romance) adquire um valor especial. Surgem novas danças - mazurcas, polonesas, valsas. Incorporando imagens da literatura nacional, da história e da natureza nativa, eles confiaram nas entonações e ritmos do folclore nacional e reviveram antigos modos diatônicos. Sob a influência do folclore, o conteúdo da música europeia mudou dramaticamente
.
Novos temas e imagens exigiram que os românticos desenvolvessem novos meios de linguagem musical e princípios de formação, ampliando o timbre e a paleta harmônica da música (modos naturais, comparações coloridas de maior e menor). E nos meios de expressão, o geral dá cada vez mais lugar ao individualmente único.

Na orquestração, o princípio dos grupos ensemble deu lugar ao solo de quase todas as vozes orquestrais. Durante o apogeu do romantismo, surgiram vários novos gêneros musicais, incluindo gêneros musicais de programas (poemas sinfônicos, baladas, fantasias, gêneros musicais). O aspecto mais importante da estética do romantismo musical foi a ideia de uma síntese das artes, que encontrou sua expressão mais viva na obra operística de R. Wagner e na música programática de G. Berlioz, R. Schumann, F. .
CONCLUSÃO
O surgimento do romantismo foi influenciado por três acontecimentos principais: a Grande Revolução Francesa, as Guerras Napoleónicas e a ascensão do movimento de libertação nacional na Europa. O romantismo como método e direção na música e na cultura artística foi um fenômeno complexo e contraditório. Em todos os países ele teve um brilhante
expressão nacional. Os românticos rebelaram-se contra os resultados da revolução burguesa, mas rebelaram-se de formas diferentes, pois cada um tinha o seu ideal. Mas com todas as suas múltiplas faces e diversidade, o romantismo tem características persistentes: decepção com o mundo que nos rodeia, sentimento de fazer parte do Universo, insatisfação consigo mesmo, busca de harmonia, conflito com a sociedade. Todos eles vieram da negação do Iluminismo e dos cânones racionalistas do classicismo, que restringiam a iniciativa criativa. Interesse por uma personalidade forte, que se opõe a todo o mundo circundante e depende apenas de si mesma, e atenção ao mundo interior de uma pessoa. A ideia de uma síntese das artes encontrou expressão na ideologia e na prática do romantismo. Uma visão individualizada e pessoal do mundo levou ao surgimento de novos gêneros musicais. Em conjunto com a tendência de desenvolvimento da produção musical caseira, da performance de câmara, não projetada para um público de massa e da técnica de execução perfeita, isso deu origem ao surgimento do gênero de miniaturas de piano - improvisados, momentos musicais, noturnos, prelúdios, muitos gêneros de dança que não haviam aparecido anteriormente na música profissional. Temas, motivos e técnicas expressivas românticas entraram na arte de diferentes estilos, tendências e associações criativas. As forças que se opõem ao romantismo começaram a surgir na segunda metade do século XIX (Brahms, Brückner, Mahler). Com o seu aparecimento, houve uma tendência ao retorno ao mundo real, à objetividade e à rejeição do subjetivo. Mas, apesar disso, a atitude ou visão de mundo romântica revelou-se um dos movimentos estilísticos artísticos mais fecundos. O romantismo como atitude geral, característica principalmente dos jovens, como desejo de liberdade ideal e criativa, ainda vive na arte mundial.
LITERATURA
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L.Karankova

1. Características do estilo criativo de Beethoven.

L. V. Beethoven é um compositor alemão, representante da escola clássica vienense (nascido em Bonn, mas passou a maior parte de sua vida em Viena - desde 1792).

O pensamento musical de Beethoven é uma síntese complexa:

realizações criativas dos clássicos vienenses (Gluck, Haydn, Mozart);

as artes da Revolução Francesa;

novo emergente na década de 20. Século XIX movimento artístico - romantismo.

As obras de Beethoven trazem a marca da ideologia, da estética e da arte do Iluminismo. Isso explica em grande parte o pensamento lógico do compositor, a clareza das formas, a consideração de todo o conceito artístico e os detalhes individuais das obras.

Vale ressaltar também que Beethoven se manifestou mais plenamente nos gêneros sonata e sinfonia (gêneros característicos dos clássicos). Beethoven foi o primeiro a usar o chamado “sinfonismo de conflito”, baseado na oposição e colisão de elementos contrastantes imagens musicais. Quanto mais dramático o conflito, mais complexo é o processo de desenvolvimento, que para Beethoven se torna a principal força motriz.

As ideias e a arte da Grande Revolução Francesa deixaram a sua marca em muitas das criações de Beethoven. Das óperas de Cherubini há um caminho direto para Fidelio de Beethoven.

As obras do compositor incorporam entonações atraentes e ritmos precisos, respiração melódica ampla e instrumentação poderosa dos hinos de canções, marchas e óperas desta época. Eles transformaram o estilo de Beethoven. É por isso que a linguagem musical do compositor, embora ligada à arte dos clássicos vienenses, era ao mesmo tempo profundamente diferente dela. Nas obras de Beethoven, ao contrário de Haydn e Mozart, raramente se encontra ornamentação requintada, padrões rítmicos suaves, câmara, textura transparente, equilíbrio e simetria da temática musical.

Compositor nova era, Beethoven encontra outras entonações para expressar seus pensamentos - dinâmico, inquieto, agudo. O som de sua música torna-se muito mais rico, denso e dramaticamente contrastante. Seus temas musicais adquirem um laconicismo e uma simplicidade severa até então sem precedentes.

Os ouvintes educados no classicismo do século XVIII ficaram atordoados e muitas vezes incompreendidos pelo poder emocional da música de Beethoven, manifestado em um drama violento, ou em um escopo épico grandioso, ou em um lirismo comovente. Mas foram precisamente estas qualidades da arte de Beethoven que encantaram os músicos românticos. E embora a ligação de Beethoven com o romantismo seja inegável, sua arte em seus principais contornos não coincide com ela. Não se enquadra inteiramente na estrutura do classicismo. Pois Beethoven, como poucos outros, é único, individual e multifacetado.

Temas da obra de Beethoven:

O foco de Beethoven está na vida do herói, que ocorre em uma luta constante por um futuro belo e universal. A ideia heróica corre como um fio vermelho por toda a obra de Beethoven. O herói de Beethoven é inseparável do povo. Ao servir a humanidade, ao conquistar a liberdade para ela, ele vê o propósito da sua vida. Mas o caminho para a meta passa por espinhos, luta, sofrimento. Muitas vezes um herói morre, mas a sua morte é coroada pela vitória, trazendo felicidade à humanidade libertada. A atração de Beethoven pelas imagens heróicas e pela ideia de luta se deve, por um lado, à sua personalidade, ao destino difícil, à luta contra ele e à superação constante das dificuldades; por outro lado, a influência das ideias da Grande Revolução Francesa na visão de mundo do compositor.

O tema da natureza também foi ricamente refletido na obra de Beethoven (6ª sinfonia “Pastoral”, sonata nº 15 “Pastoral”, sonata nº 21 “Aurora”, 4ª sinfonia, muitos movimentos lentos de sonatas, sinfonias, quartetos). Beethoven é estranho à contemplação passiva: a paz e a tranquilidade da natureza ajudam a compreender mais profundamente perguntas emocionantes, reúna pensamentos e força interior para a luta da vida.

Beethoven também penetra profundamente na esfera dos sentimentos humanos. Mas, revelando o mundo da vida interior e emocional de uma pessoa, Beethoven desenha o mesmo herói, capaz de subordinar a espontaneidade dos sentimentos às exigências da razão.

Principais características da linguagem musical:

Melódica. A base fundamental da sua melodia está nos sinais de trombeta e nas fanfarras, nas exclamações oratórias convidativas e nas voltas de marcha. O movimento ao longo dos sons de uma tríade é frequentemente usado (G.P. “Sinfonia Eróica”; tema do final da 5ª sinfonia, G.P. I parte 9 da sinfonia). As cesuras de Beethoven são sinais de pontuação na fala. As fermatas de Beethoven são pausas após perguntas patéticas. Os temas musicais de Beethoven geralmente consistem em elementos contrastantes. A estrutura contrastante dos temas também é encontrada nos antecessores de Beethoven (especialmente Mozart), mas com Beethoven isso já se torna um padrão. O contraste dentro do tópico se transforma em conflito G.P. e P.P. em forma de sonata, dinamiza todas as seções da sonata allegro.

Metrorritmo. Os ritmos de Beethoven nascem da mesma fonte. O ritmo carrega uma carga de masculinidade, vontade e atividade.

Ritmos de marcha são extremamente comuns

Ritmos de dança (em fotos de diversão folclórica - final da 7ª sinfonia, final da sonata Aurora, quando depois de muito sofrimento e luta chega um momento de triunfo e alegria.

Harmonia. Com a simplicidade do acorde vertical (acordes das funções principais, uso lacônico de sons não acordes), há uma interpretação contrastante e dramática da sequência harmônica (conexão com o princípio da dramaturgia do conflito). Modulações nítidas e ousadas em tons distantes (em oposição às modulações plásticas de Mozart). Em suas obras posteriores, Beethoven antecipa as características da harmonia romântica: tecido polifônico, abundância de sons sem acordes, sequências harmônicas requintadas.

As formas musicais das obras de Beethoven são estruturas grandiosas. “Este é o Shakespeare das massas”, escreveu V. Stasov sobre Beethoven. “Mozart era responsável apenas pelos indivíduos... Beethoven pensava na história e em toda a humanidade.” Beethoven é o criador da forma de variações livres (final da sonata para piano nº 30, variações sobre um tema de Diabelli, 3º e 4º movimentos da 9ª sinfonia). Ele é creditado por introduzir a forma de variação na forma grande.

Gêneros musicais. Beethoven desenvolveu a maioria dos gêneros musicais existentes. A base de seu trabalho é a música instrumental.

Lista das obras de Beethoven:

Música orquestral:

Sinfonias - 9;

Aberturas: “Coriolanus”, “Egmont”, “Leonora” - 4 opções para a ópera “Fidelio”;

Concertos: 5 piano, 1 violino, 1 triplo - para violino, violoncelo e piano.

Música de piano:

32 sonatas;

22 ciclos de variação (incluindo 32 variações em c-moll);

Bagatelas (incluindo “Fur Elise”).

Música de conjunto de câmara:

Sonatas para violino e piano (incluindo “Kreutzerova” nº 9); violoncelos e piano;

16 quartetos de cordas.

Música vocal:

Ópera "Fidélio";

Músicas, inclusive. ciclo “To a Distant Beloved”, adaptações de canções folclóricas: escocesas, irlandesas, etc.;

2 Missas: Dó maior e Missa Solene;

oratório “Cristo no Monte das Oliveiras”.

2. A vida e o percurso criativo de Beethoven.

Período de Bona. Infância e juventude.

Beethoven nasceu em Bonn em 16 de dezembro de 1770. Em suas veias, além do alemão, corria sangue flamengo (por parte de pai).

Beethoven cresceu na pobreza. O pai bebeu seu parco salário; ele ensinou seu filho a tocar violino e piano na esperança de que ele se tornasse uma criança prodígio, um novo Mozart, e sustentasse sua família. Com o tempo, o salário do pai foi aumentado em antecipação ao futuro de seu filho talentoso e trabalhador.

A educação geral de Beethoven foi tão assistemática quanto a sua educação musical. Neste último, porém, a prática teve um papel importante: tocou viola na orquestra da corte e atuou como intérprete de instrumentos de tecla, inclusive órgão, que conseguiu dominar rapidamente. KG. Nefe, o organista da corte de Bonn, tornou-se o primeiro verdadeiro professor de Beethoven (entre outras coisas, ele passou com ele todo o "HTK" de S. Bach).

Em 1787, Beethoven conseguiu visitar Viena pela primeira vez - na época a capital musical da Europa. Segundo as histórias, Mozart, depois de ouvir a peça do jovem, apreciou muito as suas improvisações e previu-lhe um grande futuro. Mas logo Beethoven teve que voltar para casa - sua mãe estava morrendo. Ele continuou sendo o único ganha-pão de uma família composta por um pai dissoluto e dois irmãos mais novos.

O talento do jovem, a sua ganância por impressões musicais, a sua natureza ardente e receptiva atraíram a atenção de algumas famílias iluminadas de Bonn, e as suas brilhantes improvisações de piano proporcionaram-lhe entrada livre em qualquer reunião musical. A família Breuning fez muito por ele especialmente.

Primeiro período vienense (1792 - 1802).

Em Viena, onde Beethoven veio pela segunda vez em 1792 e onde permaneceu até o fim de seus dias, ele rapidamente encontrou amigos nobres e mecenas das artes.

Pessoas que conheceram o jovem Beethoven descreveram o compositor de 20 anos como um jovem atarracado, com tendência à ostentação, às vezes impetuoso, mas bem-humorado e doce no relacionamento com os amigos. Percebendo a inadequação de sua educação, ele procurou Joseph Haydn, uma reconhecida autoridade vienense no campo da música instrumental (Mozart havia morrido um ano antes) e por algum tempo trouxe-lhe exercícios de contraponto para teste. Haydn, entretanto, logo perdeu o interesse pelo aluno obstinado, e Beethoven, secretamente dele, começou a ter aulas com I. Schenck e depois com o mais meticuloso I. G. Albrechtsberger. Além disso, querendo aprimorar sua escrita vocal, visitou por vários anos o famoso compositor de ópera Antonio Salieri. Logo ele se juntou a um círculo que reunia amadores titulados e músicos profissionais. O príncipe Karl Lichnowsky apresentou o jovem provincial ao círculo de seus amigos.

A vida política e social da Europa naquela época era alarmante: quando Beethoven chegou a Viena em 1792, a cidade estava agitada com as notícias da revolução na França. Beethoven aceitou com entusiasmo slogans revolucionários e elogiou a liberdade em sua música. A natureza vulcânica e explosiva da sua obra é, sem dúvida, a personificação do espírito da época, mas apenas no sentido de que o carácter do criador foi, em certa medida, moldado por esta época. A ousada violação das normas geralmente aceitas, a poderosa autoafirmação, a atmosfera estrondosa da música de Beethoven - tudo isso seria impensável na era de Mozart.

No entanto, as primeiras obras de Beethoven seguem em grande parte os cânones do século XVIII: isto se aplica a trios (cordas e piano), sonatas para violino, piano e violoncelo. O piano era então o instrumento mais próximo de Beethoven; em suas obras para piano, ele expressava seus sentimentos mais íntimos com a maior sinceridade. Primeira Sinfonia (1801) - primeira pura composição orquestral Beethoven.

Aproximando-se da surdez.

Só podemos adivinhar até que ponto a surdez de Beethoven influenciou o seu trabalho. A doença desenvolveu-se gradualmente. Já em 1798, queixava-se de zumbido; Horrorizado com a perspectiva de se tornar objeto de pena - um compositor surdo, ele falou sobre sua doença para um amigo próximo- Karl Amenda, assim como os médicos que o aconselharam a cuidar ao máximo da audição. Continuou a frequentar o círculo dos amigos vienenses, participou em noites musicais e compôs muito. Ele conseguiu esconder tão bem sua surdez que até 1812 mesmo as pessoas que o encontravam com frequência não suspeitavam da gravidade de sua doença. O fato de durante uma conversa ele muitas vezes responder de forma inadequada foi atribuído ao mau humor ou à distração.

No verão de 1802, Beethoven retirou-se para o tranquilo subúrbio de Viena - Heiligenstadt. Ali apareceu um documento impressionante - o “Testamento de Heiligenstadt”, a dolorosa confissão de um músico atormentado pela doença. O testamento é dirigido aos irmãos de Beethoven (com instruções para ler e executar após sua morte); nele ele fala sobre seu sofrimento mental: é doloroso quando “uma pessoa que está ao meu lado ouve de longe uma flauta tocando, inaudível para mim; ou quando alguém ouve um pastor cantando, mas não consigo distinguir nenhum som.” Mas então, em uma carta ao Dr. Wegeler, ele exclama: “Vou pegar o destino pela garganta!”, e a música que ele continua a escrever confirma essa decisão: no mesmo verão a brilhante Segunda Sinfonia e magníficas sonatas para piano op . 31 e três sonatas para violino, op. trinta.

O período de criatividade madura. " Nova maneira"(1803 - 1812).

O primeiro avanço decisivo rumo ao que o próprio Beethoven chamou de “novo caminho” ocorreu na Terceira Sinfonia (Eroica, 1803-1804). Sua duração é três vezes maior que qualquer outra sinfonia escrita anteriormente. Afirma-se frequentemente (e não sem razão) que Beethoven inicialmente dedicou a “Eroica” a Napoleão, mas ao saber que se tinha proclamado imperador, cancelou a dedicação. “Agora ele pisoteará os direitos do homem e satisfará apenas a sua própria ambição”, estas são, segundo as histórias, as palavras de Beethoven quando rasgou a página de rosto da partitura com a dedicatória. No final, “Heroico” foi dedicado a um dos patronos das artes - o Príncipe Lobkowitz.

Durante esses anos, criações brilhantes saíram de sua caneta, uma após a outra. As principais obras do compositor formam um fluxo incrível de música brilhante; este mundo sonoro imaginário substitui para o seu criador o mundo dos sons reais que o deixa. Foi uma autoafirmação vitoriosa, um reflexo do árduo trabalho do pensamento, uma evidência da rica vida interior de um músico.

Obras do segundo período: sonata para violino em lá maior, op. 47 (Kreutzerova, 1802-1803); Terceira Sinfonia, (Eroica, 1802-1805); oratório Cristo no Monte das Oliveiras, op. 85 (1803); sonatas para piano: “Waldstein”, op. 53; "Appassionata" (1803-1815); concerto para piano nº 4 em Sol maior (1805-1806); A única ópera de Beethoven é Fidelio (1805, segunda edição 1806); três quartetos “russos”, op. 59 (dedicado ao Conde Razumovsky; 1805-1806); Quarta Sinfonia (1806); Abertura da tragédia de Collin, Coriolanus, op. 62 (1807); Missa em dó maior (1807); Quinta Sinfonia (1804-1808); Sexta Sinfonia (Pastoral, 1807-1808); música para a tragédia Egmont de Goethe (1809), etc.

A fonte de inspiração para uma série de composições foram os sentimentos românticos que Beethoven sentia por alguns de seus alunos da alta sociedade. A sonata, que mais tarde ficou conhecida como “Lunar”, é dedicada à Condessa Giulietta Guicciardi. Beethoven até pensou em pedi-la em casamento, mas percebeu com o tempo que um músico surdo não era um par adequado para uma beldade social sedutora. Outras senhoras que ele conhecia o rejeitaram; um deles o chamou de “aberração” e “meio maluco”. A situação foi diferente com a família Brunswick, na qual Beethoven dava aulas de música às suas duas irmãs mais velhas, Teresa e Josephine. Há muito que se descarta a suposição de que o destinatário da mensagem ao “Amado Imortal”, encontrada nos documentos de Beethoven após a sua morte, era Teresa, mas os investigadores modernos não descartam que este destinatário fosse Josephine. De qualquer forma, a idílica Quarta Sinfonia deve a sua concepção à estada de Beethoven na propriedade húngara de Brunswick, no verão de 1806.

Em 1804, Beethoven aceitou de bom grado a encomenda para compor uma ópera, já que em Viena o sucesso no palco da ópera significava fama e dinheiro. A trama resumida era a seguinte: uma mulher corajosa e empreendedora, vestida com roupas de homem, salva seu amado marido, preso por um tirano cruel, e o expõe ao povo. Para evitar confusão com uma ópera pré-existente baseada neste enredo, Leonora de Gaveau, a obra de Beethoven foi chamada de Fidelio, nome adotado pela heroína disfarçada. É claro que Beethoven não tinha experiência em compor para teatro. Os clímax do melodrama são marcados por excelente música, mas em outras seções a falta de talento dramático impede o compositor de se elevar acima da rotina operística (embora ele tenha se esforçado muito para fazê-lo: há fragmentos em Fidelio que foram retrabalhados até dezoito anos). vezes). No entanto, a ópera conquistou gradualmente os ouvintes (durante a vida do compositor houve três produções em edições diferentes - em 1805, 1806 e 1814). Pode-se argumentar que o compositor não se esforçou tanto em nenhuma outra composição.

Beethoven, como já mencionado, reverenciava profundamente as obras de Goethe, compôs diversas canções baseadas em seus textos, músicas para sua tragédia Egmont, mas conheceu Goethe apenas no verão de 1812, quando acabaram juntos em um resort em Teplitz. Os modos refinados do grande poeta e o comportamento severo do compositor não contribuíram para a sua reaproximação. “Seu talento me surpreendeu extremamente, mas, infelizmente, ele tem um temperamento indomável e o mundo lhe parece uma criação odiosa”, diz Goethe em uma de suas cartas.

A amizade de Beethoven com Rudolf, o arquiduque austríaco e meio-irmão do imperador, é uma das histórias históricas mais interessantes. Por volta de 1804, o arquiduque, então com 16 anos, começou a ter aulas de piano com o compositor. Apesar da enorme diferença status social, o professor e o aluno sentiam um carinho sincero um pelo outro. Aparecendo para aulas no palácio do arquiduque, Beethoven teve que passar por inúmeros lacaios, chamar seu aluno de “Vossa Alteza” e lutar contra sua atitude amadora em relação à música. E fazia tudo isso com uma paciência incrível, embora nunca hesitasse em cancelar as aulas se estivesse ocupado compondo. Encomendadas pelo Arquiduque, foram criadas obras como a sonata para piano “Farewell”, o Triplo Concerto, o último e mais grandioso Quinto Concerto para Piano e a Missa Solene (Missa solenis). O arquiduque, o príncipe Kinsky e o príncipe Lobkowitz estabeleceram uma espécie de bolsa de estudos para o compositor que trouxe glória a Viena, mas não receberam apoio das autoridades da cidade, e o arquiduque acabou por ser o mais confiável dos três patronos.

Últimos anos.

A situação financeira do compositor melhorou sensivelmente. Os editores procuraram suas partituras e encomendaram obras como grandes variações para piano sobre o tema da valsa de Diabelli (1823). Quando seu irmão Kaspar morreu em 1815, o compositor tornou-se um dos guardiões de seu sobrinho Karl, de dez anos. O amor de Beethoven pelo menino e seu desejo de garantir seu futuro entraram em conflito com a desconfiança que o compositor sentia pela mãe de Karl; como resultado, ele apenas brigava constantemente com ambos, e essa situação coloriu o último período de sua vida com uma luz trágica. Durante os anos em que Beethoven buscou a tutela plena, ele compôs pouco.

A surdez de Beethoven tornou-se quase completa. Em 1819, ele teve que mudar completamente para a comunicação com os interlocutores usando uma lousa ou papel e lápis (os chamados cadernos de conversação de Beethoven foram preservados). Completamente imerso em obras como a majestosa Missa Solene em Ré Maior (1818) ou a Nona Sinfonia, ele se comportou de maneira estranha, causando alarme a estranhos: ele “cantava, uivava, batia os pés e geralmente parecia estar envolvido em uma luta mortal com inimigo invisível" (Schindler). Os brilhantes últimos quartetos, as últimas cinco sonatas para piano - grandiosas em escala, incomuns em forma e estilo - pareciam a muitos contemporâneos obras de um louco. E, no entanto, os ouvintes vienenses reconheceram a nobreza e a grandeza da música de Beethoven; sentiram que estavam a lidar com um génio. Em 1824, durante a execução da Nona Sinfonia com seu final coral baseado no texto da ode “To Joy” de Schiller, Beethoven ficou ao lado do maestro. A sala foi cativada pelo clímax poderoso no final da sinfonia, o público enlouqueceu, mas o surdo Beethoven não se virou. Um dos cantores teve que pegá-lo pela manga e virá-lo de frente para o público para que o compositor se curvasse.

O destino de outras obras posteriores foi mais complicado. Muitos anos se passaram após a morte de Beethoven, e só então os músicos mais receptivos começaram a executar seus últimos quartetos e últimas sonatas para piano, revelando às pessoas essas conquistas mais elevadas e belas de Beethoven. Às vezes, o estilo tardio de Beethoven é caracterizado como contemplativo, abstrato, em alguns casos negligenciando as leis da eufonia.

Beethoven morreu em Viena em 26 de março de 1827 de pneumonia, complicada por icterícia e hidropisia.

3. Obra para piano de Beethoven

O legado da música para piano de Beethoven é grande:

32 sonatas;

22 ciclos de variação (entre eles - “32 variações em dó menor”);

bagatelas, danças, rondós;

muitas pequenas obras.

Beethoven foi um pianista brilhante e virtuoso que improvisava qualquer tema com criatividade inesgotável. Nos concertos de Beethoven, a sua natureza poderosa e gigantesca e o seu enorme poder de expressão emocional revelaram-se muito rapidamente. Já não se tratava do estilo de um salão de câmara, mas de um grande palco de concerto, onde o músico podia revelar não só imagens líricas, mas também monumentais, heróicas, pelas quais gravitou apaixonadamente. Logo tudo isso se manifestou claramente em suas composições. Além disso, a individualidade de Beethoven foi revelada, em primeiro lugar, nas suas obras para piano. Beethoven começou com um modesto estilo de piano classicista, ainda largamente associado à arte de tocar cravo, e terminou com música para piano moderno.

Técnicas inovadoras do estilo de piano de Beethoven:

expansão até o limite da gama sonora, revelando meios expressivos até então desconhecidos dos registros extremos. Daí a sensação de amplo espaço aéreo obtida pela justaposição de registros distantes;

mover a melodia para registros graves;

uso de acordes massivos, textura rica;

enriquecimento da tecnologia de pedal.

Entre os vastos herança do piano Destacam-se as 32 sonatas de Beethoven. A sonata de Beethoven tornou-se como uma sinfonia para piano. Se a sinfonia para Beethoven era uma esfera de ideias monumentais e amplos problemas “totalmente humanos”, então nas sonatas o compositor recriou o mundo das experiências e sentimentos internos humanos. Segundo B. Asafiev, “as sonatas de Beethoven são toda a vida de uma pessoa. Parece que não estados emocionais, o que de uma forma ou de outra não estaria refletido aqui.”

Beethoven interpreta suas sonatas no espírito de diferentes tradições de gênero:

sinfonias (“Appassionata”);

fantasia (“Lunar”);

Abertura ("Patética").

Em várias sonatas, Beethoven supera o esquema clássico de 3 movimentos, colocando um movimento adicional - um minueto ou scherzo - entre o movimento lento e o final, comparando assim a sonata a uma sinfonia. Entre as sonatas posteriores existem dois movimentos.

Sonata nº 8, “Patética” (dó menor, 1798).

O nome “Pathetique” foi dado pelo próprio Beethoven, definindo com muita precisão o tom principal que domina a música desta obra. “Patético” - traduzido do grego. - apaixonado, animado, cheio de pathos. Existem apenas duas sonatas conhecidas cujos títulos pertencem ao próprio Beethoven: “Pathetique” e “Farewell” (Es-dur, op. 81 a). Entre as primeiras sonatas de Beethoven (antes de 1802), a Pathétique é a mais madura.

Sonata nº 14, “Moonlight” (cis-moll, 1801).

O nome “Lunar” foi dado pelo poeta contemporâneo de Beethoven, L. Relshtab (Schubert escreveu muitas canções baseadas em seus poemas), porque a música desta sonata estava associada ao silêncio e ao mistério de uma noite de luar. O próprio Beethoven designou-a como “Sonata quasi una fantasia” (uma sonata como se fosse uma fantasia), o que justificou o rearranjo de partes do ciclo:

Parte I - Adagio, escrito de forma livre;

Parte II - Allegretto em forma de prelúdio-improvisação;

Parte III - Finale, em forma sonata.

A originalidade da composição da sonata se deve à sua intenção poética. Drama mental, as transições de estados por ele causadas - da auto-absorção triste à atividade violenta.

Parte I (cis-menor) - um monólogo-reflexão triste. Uma reminiscência de um coral sublime, de uma marcha fúnebre. Aparentemente, esta sonata capturou o clima de solidão trágica que tomou conta de Beethoven no momento do colapso de seu amor por Julieta Guicciardi.

A Parte II da sonata (Des major) é frequentemente associada à sua imagem. Cheio de motivos graciosos, jogo de luz e sombra, Allegretto difere bastante da Parte I e do final. Segundo a definição de F. List, esta é “uma flor entre dois abismos”.

O final da sonata é uma tempestade que varre tudo em seu caminho, um elemento furioso de sentimentos. O final da Sonata ao Luar antecipa a Appassionata.

Sonata nº 21, “Aurora” (C-dur, 1804).

Nesta composição, revela-se uma nova face de Beethoven, enfraquecida por paixões tempestuosas. Tudo aqui respira com pureza imaculada e brilha com uma luz deslumbrante. Não é à toa que ela foi chamada de “Aurora” (na mitologia romana antiga - a deusa amanhecer, o mesmo que Eos no grego antigo). “Sonata Branca” - é como Romain Rolland a chama. Imagens da natureza aparecem aqui em todo o seu esplendor.

A Parte I é monumental, correspondendo à ideia de uma imagem real de um nascer do sol.

R. Rolland denota a parte II como “o estado da alma de Beethoven entre campos pacíficos”.

O final é o deleite com a beleza indescritível do mundo que nos rodeia.

Sonata nº 23, “Appassionata” (Fá menor, 1805).

O nome "Appassionata" (apaixonado) não pertence a Beethoven, foi inventado pela editora Kranz de Hamburgo. A fúria dos sentimentos, o fluxo furioso de pensamentos e paixões de poder verdadeiramente titânico são incorporados aqui em formas classicamente claras e perfeitas (as paixões são contidas por uma vontade de ferro). R. Rolland define "Appassionata" como "um fluxo de fogo em um volante de granito". Quando Schindler, aluno de Beethoven, perguntou ao professor sobre o conteúdo desta sonata, Beethoven respondeu: "Leia A Tempestade de Shakespeare". Mas Beethoven tem sua própria interpretação da obra de Shakespeare: em sua obra, a batalha titânica entre o homem e a natureza assume conotações sociais pronunciadas (a luta contra a tirania e a violência).

"Appassionata" - peça favorita V. Lenina: “Não conheço nada melhor do que “Appassionata”, estou pronta para ouvi-la todos os dias. Música incrível e desumana. Sempre penso com orgulho, talvez ingenuamente: estes são os milagres que as pessoas podem fazer!”

A sonata termina tragicamente, mas ao mesmo tempo ganha-se o sentido da vida. "Appassionata" torna-se a primeira "tragédia otimista" de Beethoven. O aparecimento na coda do final de uma nova imagem (um episódio no ritmo de uma pesada dança em massa), que tem o significado de um símbolo em Beethoven, cria um contraste brilhante sem precedentes de esperança, impulso para a luz e desespero sombrio.

Uma das características de “Appassionata” é o seu extraordinário dinamismo, que expandiu o seu alcance a proporções colossais. O crescimento da forma da sonata allegro ocorre devido à elaboração, penetrando em todas as seções da forma, incl. e exposição. O próprio desenvolvimento atinge proporções gigantescas e, sem qualquer cesura, vira uma reprise. A coda se transforma no segundo desenvolvimento, onde se atinge o ápice de toda a parte.

As sonatas que surgiram após a Appassionata marcaram um ponto de viragem, marcando uma viragem para um novo estilo tardio de Beethoven, que em muitos aspectos antecipou as obras dos compositores românticos do século XIX.

4. As obras sinfônicas de Beethoven.

Beethoven foi o primeiro a dar à sinfonia um propósito social e elevou-a ao nível da filosofia. Está na sinfonia com maior profundidade a visão de mundo democrática revolucionária do compositor foi incorporada.

Beethoven criou tragédias e dramas majestosos em suas obras sinfônicas. A sinfonia de Beethoven, dirigida a grandes massas humanas, tem formas monumentais. Assim, o primeiro movimento da sinfonia “Eroica” é quase duas vezes maior que o primeiro movimento da maior sinfonia de Mozart, “Júpiter”, e as dimensões gigantescas da 9ª sinfonia são geralmente incomensuráveis ​​com qualquer uma das obras sinfônicas escritas anteriormente.

Até os 30 anos, Beethoven não escreveu nenhuma sinfonia. Qualquer obra sinfônica de Beethoven é fruto de um trabalho muito longo. Assim, a “Eroica” levou 1,5 anos para ser criada, a Quinta Sinfonia - 3 anos, a Nona - 10 anos. A maioria das sinfonias (da Terceira à Nona) ocorre durante o período de maior ascensão da criatividade de Beethoven.

Symphony I resume a busca Período inicial. Segundo Berlioz, “este não é mais Haydn, mas ainda não é Beethoven”. Na Segunda, Terceira e Quinta são expressas imagens de heroísmo revolucionário. O Quarto, o Sexto, o Sétimo e o Oitavo se distinguem por suas características líricas, de gênero e scherzo-humorísticas. Na Nona Sinfonia, Beethoven retorna pela última vez ao tema da luta trágica e da afirmação otimista da vida.

Terceira Sinfonia, "Eroica" (1804).

O verdadeiro florescimento da criatividade de Beethoven está associado à sua Terceira Sinfonia (o período de criatividade madura). O aparecimento desta obra foi precedido por acontecimentos trágicos na vida do compositor - o aparecimento da surdez. Percebendo que não havia esperança de recuperação, ele mergulhou no desespero, os pensamentos de morte não o abandonaram. Em 1802, Beethoven escreveu um testamento para seus irmãos, conhecido como Heiligenstadt.

Foi nesse momento terrível para o artista que nasceu a ideia da 3ª sinfonia e começou uma viragem espiritual, a partir da qual começou o período mais fecundo da vida criativa de Beethoven.

Esta obra refletia a paixão de Beethoven pelos ideais da Revolução Francesa e de Napoleão, que personificava em sua mente a imagem de um verdadeiro herói popular. Terminada a sinfonia, Beethoven chamou-a de “Buonaparte”. Mas logo chegou a Viena a notícia de que Napoleão havia traído a revolução e se autoproclamado imperador. Ao saber disso, Beethoven ficou furioso e exclamou: “Esta também é uma pessoa comum! Agora ele pisoteará todos os direitos humanos, seguirá apenas a sua ambição, colocar-se-á acima de todos os outros e tornar-se-á um tirano! Segundo testemunhas oculares, Beethoven foi até a mesa, agarrou a página de título, rasgou-a de cima a baixo e jogou-a no chão. Posteriormente, o compositor deu à sinfonia um novo nome - “Heroica”.

Com a Terceira Sinfonia, iniciou-se uma nova era na história da sinfonia mundial. O significado da obra é o seguinte: durante a luta titânica, o herói morre, mas seu feito é imortal.

Parte I - Allegro con brio (Es-dur). G.P. é a imagem de um herói e de uma luta.

Parte II - marcha fúnebre (dó menor).

Parte III - Scherzo.

Parte IV - Finale - uma sensação de diversão folclórica abrangente.

Quinta Sinfonia, Dó menor (1808).

Esta sinfonia dá continuidade à ideia da luta heróica da Terceira Sinfonia. “Através das trevas - para a luz”, foi assim que A. Serov definiu este conceito. O compositor não deu título a esta sinfonia. Mas seu conteúdo está associado às palavras de Beethoven, ditas em carta a um amigo: “Não há necessidade de paz! Não reconheço outra paz além do sono... Vou agarrar o destino pela garganta. Ela não será capaz de me dobrar completamente.” Foi a ideia de lutar contra o destino, com o destino, que determinou o conteúdo da Quinta Sinfonia.

Após o grandioso épico (Terceira Sinfonia), Beethoven cria um drama lacônico. Se a Terceira for comparada à Ilíada de Homero, então a Quinta Sinfonia será comparada à tragédia classicista e às óperas de Gluck.

A parte 4 da sinfonia é percebida como 4 atos de tragédia. Eles estão ligados pelo leitmotiv com o qual a obra começa, e sobre o qual o próprio Beethoven disse: “Assim o destino bate à porta”. Este tema é descrito de forma extremamente sucinta, como uma epígrafe (4 sons), com um ritmo forte. Este é um símbolo do mal que invade tragicamente a vida de uma pessoa, como um obstáculo que exige um esforço incrível para ser superado.

Na Parte I, o tema do rock reina supremo.

Na Parte II, às vezes as suas “batidas” são alarmantes.

No movimento III - Allegro - (Beethoven aqui recusa tanto o minueto tradicional quanto o scherzo (“piada”), já que a música aqui é alarmante e conflitante) - soa com nova amargura.

No final (celebração, marcha triunfal), o tema do rock soa como uma memória de acontecimentos dramáticos do passado. O final é uma apoteose grandiosa, atingindo o seu apogeu numa coda que expressa o júbilo vitorioso das massas tomadas por um impulso heróico.

Sexta Sinfonia, “Pastoral” (Fádur, 1808).

A natureza e a fusão com ela, uma sensação de paz de espírito, imagens da vida popular - este é o conteúdo desta sinfonia. Entre as nove sinfonias de Beethoven, a Sexta é a única com programa, ou seja, tem um nome geral e cada parte é intitulada:

Parte I - “Sentimentos de alegria ao chegar à aldeia”

Parte II - “Cena à beira do riacho”

Parte III - “Uma alegre reunião de aldeões”

Parte IV - “Trovoada”

Parte V - “O Canto do Pastor. Uma canção de agradecimento à divindade após uma tempestade.”

Beethoven procurou evitar a figuratividade ingênua e no subtítulo do título enfatizou - “mais uma expressão de sentimento do que pintura”.

A natureza, por assim dizer, reconcilia Beethoven com a vida: em sua adoração pela natureza, ele se esforça para encontrar o esquecimento das tristezas e ansiedades, fonte de alegria e inspiração. O surdo Beethoven, isolado das pessoas, muitas vezes vagava pelas florestas nos arredores de Viena: “Todo-Poderoso! Sou feliz nas florestas onde cada árvore fala de você. Lá, em paz, poderemos atendê-lo.”

A sinfonia "pastoral" é frequentemente considerada um prenúncio do romantismo musical. Uma interpretação “livre” do ciclo sinfónico (5 partes, ao mesmo tempo, já que as últimas três partes são executadas sem interrupção, são três partes), bem como um tipo de programação que antecipa as obras de Berlioz, Liszt e outros românticos.

Nona Sinfonia (ré menor, 1824).

A Nona Sinfonia é uma das obras-primas da cultura musical mundial. Aqui Beethoven volta-se novamente para o tema da luta heróica, que assume uma escala pan-humana e universal. Pela grandiosidade do seu conceito artístico, a Nona Sinfonia supera todas as obras criadas por Beethoven antes dela. Não foi à toa que A. Serov escreveu que “toda a grande atividade do brilhante sinfonista tendia para esta “nona onda”.

A sublime ideia ética da obra - um apelo a toda a humanidade com um apelo à amizade, à unidade fraterna de milhões - está concretizada no finale, que é o centro semântico da sinfonia. É aqui que Beethoven apresenta pela primeira vez um coro e cantores solo. Esta descoberta de Beethoven foi utilizada mais de uma vez por compositores dos séculos XIX e XX (Berlioz, Mahler, Shostakovich). Beethoven usou versos da ode "To Joy" de Schiller (a ideia de liberdade, fraternidade, felicidade da humanidade):

As pessoas são irmãs entre si!

Abraço, milhões!

Junte-se à alegria de um!

Beethoven precisava de uma palavra, porque o pathos da oratória tem um poder de influência cada vez maior.

A Nona Sinfonia contém recursos programáticos. O final repete todos os temas dos movimentos anteriores - uma espécie de explicação musical do conceito da sinfonia, seguida de uma verbal.

A dramaturgia do ciclo também é interessante: primeiro são duas partes rápidas com imagens dramáticas, depois a terceira parte é lenta e o final. Assim, todo o desenvolvimento figurativo contínuo avança continuamente em direção ao final - o resultado da luta pela vida, cujos vários aspectos são apresentados nas partes anteriores.

O sucesso da primeira execução da Nona Sinfonia em 1824 foi triunfante. Beethoven foi saudado com cinco salvas de aplausos, enquanto até a família imperial, segundo a etiqueta, deveria ser saudada apenas três vezes. O surdo Beethoven não conseguia mais ouvir os aplausos. Somente quando ele se virou para o público, ele pôde ver a alegria que tomou conta dos ouvintes.

Mas, apesar de tudo isso, a segunda apresentação da sinfonia aconteceu poucos dias depois em uma sala meio vazia.

Aberturas.

No total, Beethoven tem 11 aberturas. Quase todos eles apareceram como introdução a uma ópera, balé ou peça teatral. Se anteriormente o objetivo da abertura era preparar-se para a percepção da ação musical e dramática, então com Beethoven a abertura se desenvolve em uma obra independente. Com Beethoven, a abertura deixa de ser uma introdução à ação subsequente e passa a ser um gênero independente, sujeito às suas próprias leis internas de desenvolvimento.

As melhores aberturas de Beethoven são Coriolanus, Leonore No. 2, Egmont. Abertura "Egmont" - baseada na tragédia de Goethe. O seu tema é a luta do povo holandês contra os escravizadores espanhóis no século XVI. O herói Egmont, lutando pela liberdade, morre. Na abertura, novamente, todo o desenvolvimento passa da escuridão para a luz, do sofrimento para a alegria (como na Quinta e Nona Sinfonias).

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Bagatelle (francês - “trinket”) é uma peça musical pequena e fácil de tocar, principalmente para um instrumento de teclado. O nome foi usado pela primeira vez por Couperin. Bagatelas foram escritas por Beethoven, Liszt, Sibelius e Dvorak.

Existem 4 aberturas Leonora no total. Foram escritas como 4 versões da abertura da ópera “Fidelio”.

Beethoven teve a sorte de nascer em uma época que combinava perfeitamente com sua natureza. Esta é uma época rica em grandes acontecimentos sociais, sendo o principal deles o golpe revolucionário em França. A Grande Revolução Francesa e seus ideais tiveram forte impacto no compositor - tanto em sua visão de mundo quanto em sua obra. Foi a revolução que deu a Beethoven o material básico para a compreensão da “dialética da vida”.

A ideia de luta heróica tornou-se a ideia mais importante na obra de Beethoven, embora estivesse longe de ser a única. Eficiência, desejo ativo de um futuro melhor, herói em união com as massas - é isso que o compositor traz à tona. A ideia de cidadania e a imagem do personagem principal - um lutador pelos ideais republicanos - tornam a obra de Beethoven semelhante à arte do classicismo revolucionário (com as pinturas heróicas de David, as óperas de Cherubini, canções de marcha revolucionárias). “Nosso tempo precisa de pessoas com espírito poderoso”, disse o compositor. É significativo que tenha dedicado a sua única ópera não à espirituosa Susana, mas à corajosa Leonora.

No entanto, não só os acontecimentos sociais, mas também a vida pessoal do compositor contribuíram para que temas heróicos ganhassem destaque na sua obra. A natureza dotou Beethoven da mente curiosa e ativa de um filósofo. Seus interesses sempre foram extraordinariamente amplos, estendendo-se à política, literatura, religião, filosofia, Ciências Naturais. O potencial criativo verdadeiramente imenso foi combatido por uma doença terrível - a surdez, que aparentemente poderia fechar para sempre o caminho para a música. Beethoven encontrou forças para ir contra o destino, e as ideias de Resistência e Superação tornaram-se o principal sentido de sua vida. Foram eles que “forjaram” o caráter heróico. E em cada linha da música de Beethoven reconhecemos seu criador - seu temperamento corajoso, vontade inflexível, intransigência para com o mal. Gustav Mahler formulou esta ideia da seguinte forma: “As palavras supostamente ditas por Beethoven sobre o primeiro tema da Quinta Sinfonia - “Então o destino bate à porta”... para mim, longe de esgotar o seu enorme conteúdo. Em vez disso, ele poderia dizer sobre ela: “Sou eu”.

Periodização da biografia criativa de Beethoven

• I - 1782-1792 - Período Bonn. O início de uma jornada criativa.
• II - 1792-1802 - Início do período vienense.
• III – 1802-1812 – Período central. É hora de florescer criativo.
• IV – 1812-1815 – Anos de transição.
• V – 1816-1827 – Período tardio.

A infância e o início da vida de Beethoven

Infância e primeiros anos Beethoven (até o outono de 1792) estão associados a Bonn, onde nasceu em Dezembro de 1770 Do ano. Seu pai e seu avô eram músicos. Perto da fronteira francesa, Bonn foi um dos centros do iluminismo alemão no século XVIII. Em 1789, foi inaugurada aqui uma universidade, entre cujos documentos educacionais foi posteriormente encontrado o livro de notas de Beethoven.

Na primeira infância, a educação profissional de Beethoven foi confiada a professores “aleatórios” que mudavam frequentemente - conhecidos de seu pai, que lhe deram aulas de órgão, cravo, flauta e violino. Tendo descoberto o raro talento musical do filho, o pai quis fazer dele uma criança prodígio, um “segundo Mozart” - uma fonte de renda grande e constante. Para tanto, ele próprio e os amigos do coro que convidou começaram a treinar tecnicamente o pequeno Beethoven. Ele foi forçado a praticar piano mesmo à noite; no entanto, as primeiras apresentações públicas do jovem músico (os concertos foram organizados em Colónia em 1778) não corresponderam aos planos comerciais do seu pai.

Ludwig van Beethoven não se tornou uma criança prodígio, mas descobriu seu talento como compositor bem cedo. Teve uma grande influência sobre ele Christian Gottlieb Nefe, que lhe ensinou composição e tocar órgão desde os 11 anos, é um homem de avançadas convicções estéticas e políticas. Sendo um dos músicos mais educados de sua época, Nefe apresentou Beethoven às obras de Bach e Handel, esclareceu-o sobre questões de história, filosofia e, o mais importante, criou-o no espírito de profundo respeito por sua cultura nativa alemã. Além disso, Nefe tornou-se a primeira editora do compositor de 12 anos, publicando uma das suas primeiras obras - variações de piano sobre um tema da marcha de Dressler(1782). Essas variações foram a primeira obra sobrevivente de Beethoven. No ano seguinte, três sonatas para piano foram concluídas.

Nessa época, Beethoven já havia começado a trabalhar na orquestra de teatro e ocupava o cargo de organista assistente na capela da corte, e pouco depois também ganhava dinheiro dando aulas de música em famílias aristocráticas (devido à pobreza da família, ele foi forçado a entrar no serviço muito cedo). Portanto, não recebeu uma educação sistemática: frequentou a escola apenas até os 11 anos, escreveu com erros durante toda a vida e nunca aprendeu os segredos da multiplicação. No entanto, graças à sua própria perseverança, Beethoven conseguiu se tornar uma pessoa educada: dominou de forma independente o latim, o francês e o italiano e leu muito constantemente.

Sonhando em estudar com Mozart, Beethoven visitou Viena em 1787 e conheceu seu ídolo. Mozart, após ouvir a improvisação do jovem, disse: “Preste atenção nele; um dia ele fará o mundo falar sobre si mesmo.” Beethoven não conseguiu se tornar aluno de Mozart: devido à doença fatal de sua mãe, ele foi forçado a retornar com urgência a Bonn. Lá ele encontrou apoio moral nos iluminados a família Breuning.

As ideias da Revolução Francesa foram recebidas com entusiasmo pelos amigos de Beethoven em Bonn e tiveram forte influência na formação de suas crenças democráticas.

O talento de Beethoven como compositor não se desenvolveu tão rapidamente quanto o talento fenomenal de Mozart. Beethoven compôs bem devagar. Durante 10 anos do primeiro - Bona período (1782-1792) Foram escritas 50 obras, incluindo 2 cantatas, várias sonatas para piano (agora chamadas sonatinas), 3 quartetos de piano, 2 trios. Grande parte da criatividade de Bonn também consiste em variações e canções destinadas à produção musical amadora. Entre eles está a conhecida canção “Marmot”.

Período vienense inicial (1792-1802)

Apesar do frescor e do brilho de suas composições juvenis, Beethoven entendeu que precisava estudar seriamente. Em novembro de 1792, ele finalmente deixou Bonn e mudou-se para Viena, o maior centro musical da Europa. Aqui estudou contraponto e composição com I. Haydn, I. Schenk, I. Albrechtsberger E A. Salieri . Ao mesmo tempo, Beethoven começou a atuar como pianista e logo ganhou fama como improvisador insuperável e virtuoso brilhante.

O jovem virtuoso foi patrocinado por muitos amantes da música ilustres - K. Likhnovsky, F. Lobkowitz, o embaixador russo A. Razumovsky e outros, as sonatas, trios, quartetos e mais tarde até sinfonias de Beethoven foram ouvidas pela primeira vez em seus salões; Seus nomes podem ser encontrados nas dedicatórias de muitas obras do compositor. No entanto, a maneira de Beethoven lidar com seus clientes era quase inédita na época. Orgulhoso e independente, não perdoou ninguém pelas tentativas de humilhar a sua dignidade humana. São conhecidas as lendárias palavras proferidas pelo compositor ao patrono que o insultou: “Houve e haverá milhares de príncipes, mas só existe um Beethoven.” Embora não gostasse de lecionar, Beethoven foi, no entanto, professor de K. Czerny e F. Ries em piano (ambos mais tarde ganharam fama europeia) e do arquiduque Rodolfo da Áustria em composição.

Na primeira década vienense, Beethoven escreveu principalmente para piano e música de câmara: 3 concertos para piano e 2 dúzias de sonatas para piano, 9(de 10) sonatas para violino(incluindo o nº 9 - “Kreutzerova”), 2 sonatas para violoncelo, 6 quartetos de cordas, uma série de conjuntos para vários instrumentos, o balé “Criações de Prometheus”.

Com o início do século XIX, a obra sinfônica de Beethoven também começou: em 1800 ele completou sua Primeira sinfonia, e em 1802 - Segundo. Ao mesmo tempo, foi escrito seu único oratório, “Cristo no Monte das Oliveiras”. Os primeiros sinais de uma doença incurável, a surdez progressiva, que surgiu em 1797 e a constatação da desesperança de todas as tentativas de tratamento da doença levaram Beethoven a uma crise mental em 1802, que se refletiu no famoso documento - "Testamento de Heiligenstadt" . A saída da crise foi a criatividade: “...faltou um pouco para eu me suicidar”, escreveu o compositor. - “Foi só a arte que me impediu.”

Período central da criatividade (1802-1812)

1802-12 - época do brilhante florescimento do gênio de Beethoven. Suas ideias arraigadas de superar o sofrimento através do poder do espírito e da vitória da luz sobre as trevas após uma luta feroz revelaram-se em consonância com as ideias da Revolução Francesa. Estas ideias foram concretizadas na 3ª (“Eroica”) e na Quinta sinfonias, na ópera “Fidelio”, na música para a tragédia “Egmont” de J. V. Goethe, na Sonata nº 23 (“Appassionata”).

No total, o compositor criou durante estes anos:

seis sinfonias (nº 3 a nº 8), quartetos nºs 7 a 11 e outros conjuntos de câmara, a ópera Fidelio, concertos para piano 4 e 5, Concerto para violino, bem como o Concerto Triplo para violino, violoncelo e piano com orquestra .

Anos de transição (1812-1815)

Os anos 1812-15 foram momentos decisivos na vida política e espiritual da Europa. O período das Guerras Napoleónicas e da ascensão do movimento de libertação foi seguido por Congresso de Viena (1814-15), após o que as tendências monárquicas reacionárias se intensificaram nas políticas internas e externas dos países europeus. O estilo do classicismo heróico deu lugar ao romantismo, que se tornou a tendência dominante na literatura e conseguiu se dar a conhecer na música (F. Schubert). Beethoven prestou homenagem ao júbilo vitorioso criando a espetacular fantasia sinfônica “A Batalha de Vittoria” e a cantata “Happy Moment”, cujas estreias foram programadas para coincidir com o Congresso de Viena e trouxeram um sucesso sem precedentes a Beethoven. Contudo, outras obras de 1813-17 reflectiram uma busca persistente e por vezes dolorosa de novos caminhos. Nessa época, foram escritas sonatas para violoncelo (nº 4, 5) e piano (nº 27, 28), várias dezenas de arranjos de canções de diferentes nações para voz e conjunto, e o primeiro ciclo vocal da história do gênero. "Para um Amado Distante"(1815). O estilo destas obras é experimental, com muitas descobertas engenhosas, mas nem sempre tão integral como no período do “classicismo revolucionário”.

Período tardio (1816-1827)

A última década da vida de Beethoven foi marcada pela atmosfera política e espiritual opressiva geral na Áustria de Metternich e pela adversidade e convulsão pessoal. A surdez do compositor tornou-se completa; a partir de 1818, foi obrigado a utilizar “cadernos de conversação” nos quais seus interlocutores escreviam perguntas que lhe eram dirigidas. Tendo perdido a esperança de felicidade pessoal (o nome da “amada imortal” a quem foi endereçada a carta de despedida de Beethoven datada de 6 a 7 de julho de 1812 permanece desconhecido; alguns pesquisadores a consideram J. Brunswick-Dame, outros - A. Brentano) , Beethoven aceitou cuidar da criação de seu sobrinho Karl, filho de seu irmão mais novo, falecido em 1815. Isto levou a uma batalha legal de longo prazo (1815-20) com a mãe do menino sobre os direitos à custódia exclusiva. O sobrinho capaz, mas frívolo, causou muita dor a Beethoven.

O período tardio inclui os últimos 5 quartetos (nºs 12-16), “33 variações da valsa Diabelli”, piano Bagatelles op. 126, duas sonatas para violoncelo op.102, fuga para quarteto de cordas, Todas estas obras qualitativamente diferente de tudo anterior. Isso nos permite falar sobre estilo tarde Beethoven, que tem clara semelhança com o estilo dos compositores românticos. A ideia da luta entre a luz e as trevas, central em Beethoven, assume criatividade tardia enfatizou som filosófico. A vitória sobre o sofrimento não é mais alcançada através de ações heróicas, mas através do movimento do espírito e do pensamento.

Em 1823 Beethoven terminou “Missa Solene", que ele mesmo considerou sua maior obra. A “Missa Solene” foi realizada pela primeira vez em 7 de abril de 1824 em São Petersburgo. Um mês depois, aconteceu em Viena o último concerto beneficente de Beethoven, no qual, além de partes da missa, foi realizado seu último concerto. Nona Sinfonia com um refrão final sobre a letra de “Ode to Joy” de F. Schiller. A Nona Sinfonia com seu chamado final – “Abrace, milhões”! - tornou-se o testamento ideológico do compositor para a humanidade e teve forte influência na sinfonia dos séculos XIX e XX.

Sobre tradições

Costuma-se falar de Beethoven como um compositor que, por um lado, encerra a era classicista da música e, por outro, abre caminho para o romantismo. Em geral isso é verdade, mas sua música não coincide completamente com as exigências de nenhum dos estilos. O compositor é tão universal que nenhuma característica estilística cobre toda a sua aparência criativa. Às vezes, no mesmo ano, ele criou obras tão contrastantes entre si que era extremamente difícil reconhecer características comuns entre elas (por exemplo, a 5ª e a 6ª sinfonias, que foram executadas pela primeira vez no mesmo concerto em 1808). Se compararmos obras criadas em diferentes períodos, por exemplo, no início e na maturidade, ou na maturidade e no final, então às vezes são percebidas como criações de diferentes épocas artísticas.

Ao mesmo tempo, a música de Beethoven, apesar de toda a sua novidade, está inextricavelmente ligada à cultura alemã anterior. É inegavelmente influenciado pelas letras filosóficas de J. S. Bach, pelas solenes imagens heróicas dos oratórios de Handel, pelas óperas de Gluck e pelas obras de Haydn e Mozart. A arte musical de outros países, principalmente a França, e os seus géneros revolucionários de massa, tão distantes do estilo galantemente sensível do século XVIII, também contribuíram para a formação do estilo de Beethoven. Suas típicas decorações ornamentais, prisões e finais suaves estão se tornando coisas do passado. Muitos dos temas da fanfarra das obras de Beethoven estão próximos das canções e hinos da Revolução Francesa. Ilustram vividamente a simplicidade estrita e nobre da música do compositor, que adorava repetir: “É sempre mais simples”.

PARA compositores da Escola Clássica de Viena

Quando se fala hoje em classicismo na música, na maioria dos casos se refere à obra de compositores do século XVIII. - J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart e L. van Beethoven, a quem chamamos Clássicos vienenses ou representantes Escola Clássica de Viena. Esta nova direção na música tornou-se uma das mais fecundas da história da cultura musical.

A cultura musical nacional austríaca da época revelou-se um ambiente maravilhoso para a criação de uma camada na arte musical que respondia a novas ideias e estados de espírito. Os compositores clássicos vienenses foram capazes não só de resumir o que de melhor a música europeia tinha alcançado, mas também de incorporar na música os ideais estéticos do Iluminismo e de fazer as suas próprias descobertas criativas. A maior conquista da cultura musical desta época foi a formação dos gêneros musicais clássicos e dos princípios do sinfonismo nas obras de J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart e L. van Beethoven.

Sinfonia Clássica de Haydn

Na história da cultura musical mundial José Haydn(1732-1809) foi reconhecido como o criador da sinfonia clássica. Ele também merece crédito pela criação da música instrumental e pela formação de uma composição estável da orquestra sinfônica.

O legado criativo de Haydn é verdadeiramente impressionante! É autor de 104 sinfonias, 83 quartetos de cordas, 52 sonatas para teclado, 24 óperas... Além disso, criou 14 missas e vários oratórios. Em tudo o que foi escrito pelo famoso compositor austríaco, pode-se sentir um talento insuperável e uma habilidade brilhante. Não é por acaso que seu não menos famoso compatriota e amigo Mozart disse com admiração:

“Ninguém é capaz de fazer tudo: brincar e chocar, provocar risos e emocionar profundamente, e tudo igualmente bem, como Haydn pode.”

A obra de Haydn já durante a vida do compositor adquiriu fama europeia e foi apreciada pelos seus contemporâneos. A música de Haydn é “música de alegria e lazer”, é cheia de otimismo e energia eficaz, leve e natural, lírica e refinada. A imaginação do compositor de Haydn parecia não ter limites. A sua música é rica em contrastes, pausas e surpresas inesperadas. Assim, na 94ª sinfonia (1791), no meio do segundo movimento, quando a música soa calma e tranquila, poderosas batidas de tímpanos são repentinamente ouvidas apenas para que o espectador “não fique entediado”...

As sinfonias de Haydn são o verdadeiro ápice de sua obra. A forma musical da sinfonia não tomou forma imediatamente. Inicialmente, o número de suas partes variava, e apenas Haydn conseguiu criar seu tipo clássico em quatro partes, cada uma das quais diferia na natureza da música sonora, no andamento e nos métodos de desenvolvimento do tema. Ao mesmo tempo, as quatro partes contrastantes da sinfonia complementavam-se mutuamente.

A primeira parte da sinfonia (sinfonia grega - consonância) era geralmente executada em ritmo acelerado. É ativo e dramático, geralmente transmitindo o conflito principal de duas imagens. De forma generalizada, transmitia a atmosfera de vida do personagem principal. A segunda - lenta, lírica, inspirada na contemplação de belas imagens da natureza - penetrou mundo interior herói. Pode evocar pensamentos, bons sonhos e sonhos de memórias na alma. Na terceira, contando sobre as horas de lazer e relaxamento do herói, sua comunicação com as pessoas, havia música animada e comovente, inicialmente com seus ritmos que remontavam ao minueto - uma calma dança de salão do século XVIII, e mais tarde - ao scherzo - uma alegre música dançante - linguagem de cunho humorístico. A rápida quarta parte resumiu os pensamentos do herói e destacou o que é principal em sua compreensão do significado da vida humana. Na forma, lembrava um rondó com alternâncias de tema constante - refrão (refrão) e episódios constantemente atualizados.

O caráter geral da música das sinfonias de Haydn foi expresso figurativamente e poeticamente pelo escritor alemão E. T. A. Hoffmann (1776-1822):

“As obras de Haydn são dominadas pela expressão de uma alma infantil e alegre; suas sinfonias nos levam a vastos bosques verdes, a uma multidão alegre e heterogênea pessoas felizes, meninos e meninas correm na nossa frente em danças corais; crianças rindo escondidas atrás das árvores, atrás roseiras, jogando flores de brincadeira. Uma vida cheia de amor, cheia de felicidade e juventude eterna, como antes da Queda; sem sofrimento, sem tristeza - apenas um desejo docemente elegíaco pela imagem amada, que flutua ao longe, no brilho rosado da noite, sem se aproximar nem desaparecer, e enquanto estiver lá, a noite não chega, pois ele próprio está o amanhecer da noite, queimando sobre a montanha e sobre o bosque."

EM música sinfônica Haydn costumava usar a técnica da onomatopeia: o canto dos pássaros, o murmúrio de um riacho, e fazia esboços visíveis do nascer do sol e “retratos” de animais. A música do compositor incluía melodias e ritmos eslovacos, tchecos, croatas, ucranianos, tiroleses, húngaros e ciganos. Não há nada de supérfluo ou acidental na música de Haydn; ela cativa os ouvintes com sua graça, leveza e elegância.

Nos últimos anos de sua vida, Haydn criou suas obras musicais mais significativas. Nas doze "Sinfonias de Londres", escritas na década de 1790. sob a impressão de viagens a Londres, a filosofia de vida e a visão de mundo do compositor encontraram expressão. Sob a influência da música de Handel, criou dois majestosos oratórios - “ Criação do mundo"(1798) e "Temporadas"(1801), o que aumentou a já barulhenta fama do compositor.

Haydn passou os últimos anos de sua vida na solidão, em uma pequena casa nos arredores de Viena. Ele não escreveu quase nada. Mais frequentemente, ele se entregava às lembranças de sua vida, cheias de empreendimentos ousados ​​e buscas experimentais.

O mundo musical de Mozart

Caminho Wolfgang Amadeus Mozart(1756-1791) começou na música de forma brilhante e brilhante. Desde os primeiros anos de sua vida, seu nome se tornou uma lenda. Aos quatro anos, levou meia hora para aprender um minueto e tocá-lo imediatamente. Aos seis anos ele e seu pai Leopold Mozart músico talentoso capela do Arcebispo de Salzburgo, percorreu com concertos por toda a Europa. Aos onze anos compôs sua primeira ópera e aos quatorze dirigiu a estreia de sua própria ópera no teatro de Milão. No mesmo ano recebeu o título honorário de Acadêmico de Música de Bolonha.

No entanto, a vida futura do talentoso compositor não foi fácil. A posição de um músico da corte não era muito diferente da de um lacaio prestativo que cumpria todos os caprichos de seu mestre. Este não era o personagem de Mozart, um homem independente e decidido que valorizava a honra e a dignidade acima de tudo na vida. Tendo passado por muitas provações na vida, ele nunca mudou seus pontos de vista e crenças.

Mozart ficou na história da cultura musical como um brilhante compositor de música sinfônica, criador do gênero de concerto clássico, autor de “Requiem” e vinte óperas, incluindo vinte óperas, entre as quais “As Bodas de Fígaro” e “Don Giovanni” eram especialmente famosos " e "A Flauta Mágica". Enfatizando o significado de sua herança criativa, gostaria de repetir junto com A. S. Pushkin:

“Você, Mozart, é Deus, e você mesmo

você não sabe..."

Na arte da ópera, Mozart abriu seu próprio caminho, diferente de seus famosos antecessores e contemporâneos. Raramente usando histórias mitológicas, recorreu principalmente a fontes literárias: lendas medievais e peças de dramaturgos famosos. Mozart foi o primeiro a combinar princípios dramáticos e cômicos na ópera. Em suas obras operísticas não havia uma divisão clara dos personagens em positivos e negativos; Os heróis se encontravam continuamente em diversas situações de vida, nas quais a essência de seus personagens era revelada.

Mozart atribuiu importância primordial à música e não destacou o papel da palavra sonora. Seu princípio criativo tornou-se suas próprias palavras de que “a poesia deveria ser a filha obediente da música”. Nas óperas de Mozart, aumentou o papel da orquestra, com a qual o autor pôde expressar sua atitude para com os personagens. Ele frequentemente demonstrava simpatia por personagens negativos e não era avesso a rir muito dos positivos.

"As Bodas de Fígaro"(1786) foi baseado na peça do dramaturgo francês Beaumarchais (1732-1799) “Um dia louco ou as bodas de Fígaro”. Mozart correu um grande risco ao escolher para produção uma peça proibida pela censura. O resultado foi uma ópera alegre no estilo da ópera cômica italiana buffa. A música leve e enérgica que soa neste trabalho fez o público pensar seriamente sobre a vida. Um dos primeiros biógrafos do compositor observou com muita precisão:

“Mozart fundiu o cômico e o lírico, o baixo e o sublime, o engraçado e o comovente, e criou uma criação sem precedentes em sua novidade - “As Bodas de Fígaro”.

O barbeiro Figaro, homem sem família nem tribo, com a sua astúcia e inteligência derrota o ilustre conde Al-maviva, que não se opõe a cortejar a noiva de um plebeu. Mas Figaro domina bem a moral da alta sociedade e, portanto, não pode ser enganado por gestos refinados e redes verbais. Ele luta por sua felicidade até o fim.

Na ópera "Dom Juan"(1787) o trágico e o cômico, o fantástico e o real não estão menos firmemente interligados. O próprio Mozart deu-lhe o subtítulo “Merry Drama”. Deve-se enfatizar que o tema do Don Juanismo não era novo na música, mas Mozart encontrou abordagens especiais para sua divulgação. Se antes o foco dos compositores estava nas ousadas aventuras e casos amorosos de Don Juan, agora o público foi presenteado com um homem encantador, cheio de coragem, nobreza e coragem cavalheiresca. Mozart também reagiu com grande simpatia à divulgação das experiências emocionais das mulheres ofendidas por Don Juan que se tornaram vítimas de seus casos amorosos. As árias sérias e majestosas do Comandante foram substituídas por melodias alegres e travessas do astuto Leporello, servo de Don Giovanni.

“A música da ópera é cheia de movimento, brilho, extraordinariamente dinâmica e delicada. Nesta obra reina a melodia - flexível, expressiva, cativante pela sua frescura e beleza. A partitura está repleta de conjuntos maravilhosos e magistralmente desenhados, árias magníficas, dando aos cantores a maior oportunidade de revelar toda a riqueza das vozes e demonstrar alta técnica vocal” (B. Kremnev).

Ópera-conto de fadas "Flauta mágica"(1791) - a obra preferida de Mozart, o seu “canto do cisne” - tornou-se uma espécie de epílogo da vida do grande compositor (foi encenada em Viena dois meses antes da sua morte). De uma forma leve e fascinante, Mozart incorporou nela o tema da vitória inevitável do início brilhante e razoável da vida sobre as forças da destruição e do mal. O mago Sarastro e seus fiéis assistentes, tendo superado muitas provações cruéis, ainda criam o mundo da Sabedoria, da Natureza e da Razão. A vingança negra, a raiva e o engano da Rainha da Noite revelam-se impotentes diante dos feitiços conquistadores do amor.

A ópera foi um sucesso impressionante. Soavam melodias de jogos de contos de fadas, óperas mágicas, barracas de feiras folclóricas e shows de marionetes.

Na música sinfônica, Mozart não alcançou alturas menores. As últimas três sinfonias de Mozart são especialmente populares: Mi bemol maior (1788), Sol menor (1789) e Dó maior, ou “Júpiter” (1789). Continham a confissão lírica do compositor, sua compreensão filosófica do caminho que ele havia trilhado na vida.

Mozart é responsável pela criação do gênero do concerto clássico para vários instrumentos musicais. Entre eles estão 27 concertos para piano e orquestra, 7 para violino e orquestra, 19 sonatas para piano, obras do gênero fantasia, que se baseavam na improvisação livre. Desde cedo, tocando quase todos os dias, desenvolveu um estilo virtuoso de atuação. Cada vez ele oferecia aos ouvintes novas composições, surpreendendo-os com sua imaginação criativa e poder inesgotável de inspiração. Uma das melhores obras de Mozart neste gênero é "Concerto para piano e orquestra em Ré menor" (1786).

A obra de Mozart também é representada por excelentes obras de música sacra: missas, cantatas, oratórios. O ápice de sua música sacra foi "Réquiem"(1791) é uma obra grandiosa para coro, solistas e orquestra sinfônica. A música do réquiem é profundamente trágica, cheia de tristeza contida e nobre. O leitmotiv da obra é o destino de uma pessoa sofredora diante do duro julgamento de Deus. Com impressionante poder dramático, ele revela no segundo refrão “Dies irae” (“Dia da Ira”) cenas de morte e destruição, contrastadas com orações tristes e lamentações comoventes. O ponto culminante lírico do “Requiem” foi “Lacrimosa” (“Lacrimosa” - “This Tearful Day”), música imbuída de excitação trêmula e tristeza iluminada. A extraordinária beleza desta melodia tornou-a amplamente conhecida e popular em todos os momentos.

Mozart, mortalmente doente, não teve tempo de terminar este trabalho. A partir dos esboços do compositor, foi finalizado por um de seus alunos.

"Música que acende fogo no coração das pessoas." Ludwig van Beethoven

Na primavera de 1787, um adolescente vestido com traje de músico da corte bateu à porta de uma pequena e pobre casa nos arredores de Viena, onde morava o famoso Mozart. Pediu modestamente ao grande maestro que ouvisse suas improvisações sobre um determinado tema. Mozart, absorto em seu trabalho na ópera Don Giovanni, deu ao convidado duas linhas de exposição polifônica. O menino não ficou perplexo e cumpriu perfeitamente a tarefa, impressionando o famoso compositor com suas habilidades extraordinárias. Mozart disse aos seus amigos aqui presentes: “Prestem atenção a este jovem, chegará a hora, o mundo inteiro falará dele”. Essas palavras revelaram-se proféticas. Música do grande compositor alemão Ludwig van Beethoven(1770-1827) hoje o mundo inteiro sabe realmente.

O caminho de Beethoven na música é um caminho do classicismo a um novo estilo, o romantismo, um caminho de experimentação ousada e busca criativa. A herança musical de Beethoven é enorme e surpreendentemente diversificada: 9 sinfonias, 32 sonatas para piano, 10 para violino, uma série de aberturas, incluindo o drama “Egmont” de J. V. Goethe, 16 quartetos de cordas, 5 concertos para piano e orquestra, “Missa Solene ”, cantatas, ópera “Fidelio”, romances, arranjos de canções folclóricas (são cerca de 160, incluindo russas), etc.

Beethoven alcançou alturas inatingíveis na música sinfônica, expandindo os limites da forma sonata-sinfônica. Tornou-se um hino à resiliência do espírito humano, à afirmação da vitória da luz e da razão. Terceira Sinfonia "Heroica"(1802-1804). Esta grandiosa obra, superando as sinfonias até então conhecidas em escala, número de temas e episódios, reflete a turbulenta era da Revolução Francesa. Inicialmente, Beethoven quis dedicar esta obra ao seu ídolo Napoleão Bonaparte. Mas quando o “general da revolução” se proclamou imperador, tornou-se óbvio que era movido por uma sede de poder e glória. Beethoven riscou a dedicatória da página de rosto, escrevendo uma palavra - “Heroico”.

A sinfonia consiste em quatro movimentos. No primeiro soa uma música rápida, transmitindo o espírito de luta heróica e o desejo de vitória. Na segunda parte, lenta, soa uma marcha fúnebre, cheia de tristeza sublime. Pela primeira vez, o minueto do terceiro movimento é substituído por um scherzo rápido, clamando por vida, luz e alegria. O quarto movimento final está cheio de variações dramáticas e líricas. A recepção da Sinfonia "Heroica" de Beethoven pelo público foi mais do que contida: a obra parecia muito longa e difícil de entender.

Sexta Sinfonia "Pastoral"(1808) foi escrito sob a influência de canções folclóricas e melodias dançantes engraçadas. Tinha o subtítulo “Memórias da Vida Rural”. Os violoncelos solo recriaram a imagem do riacho murmurante, onde se ouviam as vozes dos pássaros: rouxinóis, codornizes, cucos e o bater dos pés de quem dançava ao som de uma alegre canção de aldeia. Mas um trovão repentino interrompe as festividades. Imagens de uma tempestade e trovoada atingem a imaginação dos ouvintes.

“Trovoada, tempestade... Ouça as rajadas de vento carregandochuva, ao burburinho abafado do baixo, ao assobio agudo das pequenas flautas... O furacão se aproxima, cresce... Então entram os trombones, o trovão dos tímpanos dobra de intensidade, não é mais chuva, não é vento , mas uma inundação terrível” (G.L. Berlioz). Imagens de mau tempo foram substituídas pela melodia alegre e alegre da trompa e da flauta de um pastor.

O auge da criatividade sinfônica de Beethoven é "Nona Sinfonia"(1822-1824). Imagens de tempestades cotidianas, perdas tristes, imagens pacíficas da natureza e da vida rural tornaram-se uma espécie de prólogo para o final inusitado, escrito ao texto de uma ode do poeta alemão J. F. Schiller (1759-1805):

Seu poder liga sagradamente

Tudo o que vive separado no mundo:

Todo mundo vê um irmão em todo mundo

Onde seu voo sopra...

Abraço, milhões!

Venham juntos em um beijo, luz!

Pela primeira vez na música sinfónica, o som da orquestra e o som do coro fundiram-se, proclamando um hino ao bem, à verdade e à beleza, apelando à fraternidade de todos os povos da terra.

As sonatas de Beethoven também entraram no tesouro da cultura musical mundial. Os melhores deles são o violino “Kreutzerova” (nº 9), o piano “Lunnaya” (nº 14), “Aurora” (nº 21) e “Appassionata” (nº 23).

"Sonata ao Luar(nome dado após a morte do compositor) é dedicado a Juliet Guicciardi, cujo amor não correspondido deixou uma marca profunda na alma de Beethoven. A música lírica e sonhadora, que transmite um clima de profunda tristeza e depois o prazer da beleza do mundo, é substituída no final por uma tempestuosa explosão dramática de sentimentos.

Não menos famoso "Apaixonado""(italiano appassionato - apaixonadamente), dedicado a um dos amigos mais próximos do compositor. Em termos de escala, aproxima-se tanto quanto possível de uma sinfonia, mas inclui não quatro, mas três partes que constituem um único todo. A música desta sonata é permeada pelo espírito de luta apaixonada e altruísta, pelo poder das forças elementares da natureza, pela vontade do homem, domesticando e pacificando os elementos naturais.

Sonata "Aurora”, com o subtítulo “Sonata de um Nascer do Sol”, respira alegria e energia solar. Sua primeira parte transmite a impressão de um dia agitado e barulhento, que é substituído por uma noite tranquila. A segunda retrata o amanhecer de uma nova manhã.

Nos últimos anos de sua vida, Beethoven compôs relativamente pouco e lentamente. A surdez total que se abateu sobre ele no meio de seu caminho criativo não lhe permitiu sair de um estado de profunda depressão. E, no entanto, o que foi escrito nesta época também foi marcado pela ascensão milagrosa do seu talento.

Perguntas e tarefas

1*. Qual é o significado do trabalho de Haydn na história da cultura musical mundial? Qual é o tipo clássico de sinfonias que ele criou? É verdade que a música de Haydn é “música de alegria e lazer”?

Que contribuição Mozart deu para o desenvolvimento da cultura musical mundial? Quais são suas principais conquistas na criação da arte operística?
Beethoven disse: “Para criar algo verdadeiramente belo, estou pronto para quebrar qualquer regra”. Que regras de criação musical Beethoven recusou e como ele agiu como um verdadeiro inovador?

Oficina criativa

Preparar um programa de rádio ou televisão (programa de concerto ou noite musical) sobre o tema “Compositores da Escola Clássica de Viena”. Que peças musicais você selecionará? Discuta suas escolhas.
O pesquisador da história da cultura musical D.K. Kirnarskaya observa a “extrema teatralidade” da música do classicismo. Para ela, “o ouvinte só pode ativar a imaginação e reconhecer os personagens de uma tragédia ou comédia clássica em suas “roupas musicais”. É assim? Ouça uma das óperas de Mozart e, com base nas suas próprias impressões, argumente a sua opinião.
B. Kremnev, autor do livro “Wolfgang Amadeus Mozart”, escreveu: “Como Shakespeare, seguindo a verdade da vida, ele mistura decisivamente o cômico com o trágico. Não é à toa que o compositor define o gênero da ópera que está escrevendo agora, “Don Giovanni”, não como ópera buffa ou ópera séria, mas como “bgatta ^shsovo” - “drama divertido”. Quão justificada é a comparação das óperas tragicômicas de Mozart com a obra de Shakespeare?
Por que você acha que o escritor do século XX. R. Rolland em seu livro “A Vida de Beethoven” observou que a obra de Beethoven “acabou por estar mais próxima da nossa época”? Por que a obra de Beethoven é geralmente considerada dentro da estrutura do classicismo e do novo estilo artístico – o romantismo?
O compositor R. Wagner considerou um exercício inútil recorrer ao gênero sinfônico depois da Nona Sinfonia de Beethoven, que ele chamou de “drama universal”, “o evangelho humano da arte do futuro”. Ouça esta música e tente explicar quais os motivos que Wagner teve para tal avaliação. Apresente suas impressões na forma de um ensaio ou resenha.

Tópicos de projetos, resumos ou mensagens

“Música do Barroco e do Classicismo”; " Conquistas musicais e descobertas nas obras de compositores clássicos vienenses"; “A obra de Haydn, Mozart e Beethoven – uma biografia musical do Iluminismo”; “Retrato musical do herói das obras sinfônicas de I. Haydn”; “Por que os contemporâneos chamaram as sinfonias de J. Haydn de “música de alegria e lazer” e “ilhas de alegria”?”; “O domínio e a inovação da arte operística de Mozart”; “A vida de Mozart e a “pequena tragédia” de A. S. Pushkin “Mozart e Salieri””; “Desenvolvimento do gênero sinfônico na obra de Beethoven”; “Ideais da era napoleônica e seu reflexo nas obras de L. van Beethoven”; “Goethe e Beethoven: um diálogo sobre música”; “Características da interpretação artística da sonata “Kreutzer” de Beethoven na história homônima de L. N. Tolstoy”; "Beethoven: seus antecessores e seguidores na música."

Livros para leitura adicional

Alshvang A. A. Beethoven. M., 1977.

Butterworth N. Haydn. Cheliabinsk, 1999.

Bach. Mozart. Beethoven. Schumann. Vagner. M., 1999. (ZhZL. Biblioteca biográfica de F. Pavlenkov).

Weiss D. Sublime e terreno. Um romance sobre a vida de Mozart e sua época. M., 1970.

Grandes músicos da Europa Ocidental: um leitor para estudantes do ensino médio/comp. VB Grigorovich. M., 1982.

Woodfort P. Mozart. Cheliabinsk, 1999.

Kirnarskaya D.K. Classicismo: um livro para leitura. J. Haydn, W. Mozart, L. Beethoven. M., 2002.

Korsakov V. Beethoven. M., 1997.

Levin B. Literatura musical de países estrangeiros. M., 1971. Edição. III.

Popova T. V. Música estrangeira do século XVIII e início do século XIX. M., 1976.

Rosenshield K. História da música estrangeira. M., 1973. Edição. 1.

A vida de Rolland R. Beethoven. M., 1990.

Chicherin G.V. M., 1987.

Na preparação do material, o texto do livro didático “Cultura Artística Mundial. Do século XVIII até o presente” (Autor G. I. Danilova).