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Apresentação sobre o tema:

Deslize nº 1

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Deslize nº 3

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Antonio Vavaldi (1678-1741) Antonio Vivaldi - Compositor italiano, violinista, professor, maestro. Estudou violino com seu pai Giovanni Battista Vivaldi. Uma das obras mais famosas é o ciclo de 4 concertos para violino “As Estações” - um dos primeiros exemplos de programa música sinfônica. A contribuição de Vivaldi para o desenvolvimento da instrumentação foi significativa (ele foi o primeiro a usar oboés, trompas, fagotes e outros instrumentos como independentes, em vez de duplicados). Antonio Vivaldi - compositor, violinista, professor, maestro italiano. Estudou violino com seu pai Giovanni Battista Vivaldi. Uma das obras mais famosas é o ciclo de 4 concertos para violino “As Estações” - um dos primeiros exemplos de música sinfônica programada. A contribuição de Vivaldi para o desenvolvimento da instrumentação foi significativa (ele foi o primeiro a usar oboés, trompas, fagotes e outros instrumentos como independentes, em vez de duplicados).

Deslize nº 4

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Johann Sebastian Bach (1685-1750) Johann Sebastian Bach - Compositor alemão e organista, representante da época barroca. Seu nome é regularmente mencionado em listas dos mais compositores famosos paz. Durante sua vida, Bach escreveu mais de 1.000 obras. Seu trabalho representa tudo gêneros significativos daquela época, exceto ópera; ele resumiu as conquistas da arte musical do período barroco. Bach é um mestre da polifonia. Após a morte de Bach, sua música saiu de moda, mas no século XIX, graças a Mendelssohn, foi redescoberta. Sua obra teve forte influência na música dos compositores subsequentes, inclusive no século XX.

Deslize nº 5

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Francisco José Haydn(1732-1809) Franz Joseph Haydn - grande compositor austríaco, representante dos vienenses escola clássica, um dos fundadores desse gêneros musicais, como uma sinfonia e um quarteto de cordas. A grandeza de Haydn como compositor foi mais manifestada em suas duas obras finais: os grandes oratórios “A Criação do Mundo” (1798) e “As Estações” (1801). O oratório “As Estações” pode servir de padrão exemplar classicismo musical. No final de sua vida, Haydn gozou de enorme popularidade.

Deslize nº 6

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Antonio Salieri (1750-1825) Antonio Salieri foi um compositor, maestro e professor italiano. Ele veio de uma família rica de comerciantes e estudou em casa a tocar violino e harpa. Salieri escreveu mais de 40 óperas, das quais “Danaides”, “Tarare” e “Falstaff” são famosas até hoje. Especialmente para a inauguração do teatro La Scala, escreveu a ópera “Europa Reconhecida”, que ainda é apresentada neste palco. Salieri também escreveu muita música orquestral, de câmara e sacra, incl. "Requiem", escrito em 1804, mas apresentado pela primeira vez em seu funeral.

Deslize nº 7

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Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) Wolfgang Amadeus Mozart é um representante proeminente da escola clássica de composição vienense. Ele também foi um virtuoso violinista, cravista, organista e maestro. Segundo os contemporâneos, ele teve um fenomenal ouvido musical, memória e capacidade de improvisar. Mozart escreveu 68 obras sacras, 23 obras para teatro, 22 sonatas para cravo, 45 sonatas e variações para violino e cravo, 32 quartetos de cordas, 49 sinfonias, 55 concertos, etc., num total de 626 obras.

Deslize nº 8

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Ludwin van Beethoven (1770-1827) Ludwig van Beethoven foi um grande compositor, maestro e pianista alemão. Beethoven é autor de muitas obras que surpreenderam seus contemporâneos pelo drama e pela novidade da linguagem musical. Entre elas: sonatas para piano nº 8 (“Pathetique”), 14 (“Moonlight”), sonata nº 21 (“Aurora”).

Deslize nº 9

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Niccolò Paganini (1782-1840) Niccolò Paganini foi um violinista italiano, violonista e compositor virtuoso. Uma das personalidades mais proeminentes história musical Séculos XVIII-XIX. Gênio reconhecido da arte musical mundial. Desde os seis anos Paganini tocava violino e aos nove deu um concerto em Génova, que foi um grande sucesso. Quando menino, escreveu diversas obras para violino, tão difíceis que ninguém além dele mesmo conseguia executá-las.

Deslize nº 10

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Gioachino Rossini (1792-1868) Gioachino Antonio Rossini - Italiano compositor, autor de várias dezenas de óperas. Desde criança, Gioachino estudou canto, tocar prato e violino, além de teoria musical. Com boa voz, cantou em corais de igrejas e atuou como acompanhante e regente de coro em casas de ópera. A primeira ópera, “Nota Promissória de Casamento”, foi escrita em 1810. Nos anos seguintes, ele escreveu regularmente óperas para teatros de Veneza e Milão.

Diapositivo nº 11

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Franz Peter Schubert (1797-1828) Franz Peter Schubert é um compositor austríaco, um dos maiores representantes da escola de música clássica vienense e um dos fundadores do romantismo na música. Após sua morte, restou uma massa de manuscritos que mais tarde viram a luz (6 missas, 7 sinfonias, 15 óperas, etc.). Franz Schubert, um compositor alemão, viveu apenas 31 anos, mas escreveu mais de 600 canções, muitas belas sinfonias e sonatas, um grande número de coros e música de câmara. Ele trabalhou muito.

Diapositivo nº 12

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Felix Mendelssohn (1809-1847) Felix Mendelssohn - compositor e maestro alemão, um dos maiores representantes direção romântica na música, autor da famosa marcha nupcial. O estilo do compositor se distingue pela técnica da filigrana, beleza e graça e clareza de apresentação. Pela natureza brilhante e alegre da música, Schumann chamou Mendelssohn de “Mozart”. século 19" Os méritos de Mendelssohn como maestro também são grandes.

Diapositivo nº 13

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Frederic Chopin (1810-1849) Frederic Chopin foi um compositor e pianista polonês que viveu muito tempo na França. Autor de inúmeras obras para piano. Ele interpretou muitos gêneros de uma nova maneira: reviveu o prelúdio em uma base romântica, criou uma balada para piano, poetizou e dramatizou danças - mazurca, polonesa, valsa; transformou o scherzo em uma obra independente. Enriqueceu a harmonia e a textura do piano; combinou forma clássica com riqueza melódica e imaginação. Sua performance ao piano combinava profundidade e sinceridade de sentimentos com graça e perfeição técnica.

Diapositivo nº 14

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Robert Schumann (1810-1856) Robert Schumann foi um compositor e pianista alemão. Um dos compositores mais famosos do primeiro metade do século XIX século, representando a direção do romantismo. A música de Schumann para o poema dramático "Manfred" de J. Byron foi um sucesso criativo. Schumann fez grandes contribuições para a crítica musical. Promovendo o trabalho dos músicos clássicos nas páginas da sua revista, lutando contra os fenómenos antiartísticos do nosso tempo, apoiou a nova escola romântica europeia.

Diapositivo nº 15

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Franz Liszt (1811-1886) Franz (Franz) Liszt - compositor, pianista, professor, maestro, publicitário, um dos maiores representantes do romantismo musical. Liszt tornou-se o maior pianista do século XIX. A sua época foi o apogeu do pianismo de concerto, Liszt esteve na vanguarda deste processo, com capacidades técnicas ilimitadas. Até hoje, seu virtuosismo continua sendo uma referência para pianistas modernos, e as obras são o auge do virtuosismo do piano.

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Giuseppe Verdi (1813-1901) Giuseppe Fortunino Francesco Verdi - compositor italiano, figura central do italiano escola de ópera. Suas melhores óperas (Rigoletto, La Traviata, Aida), conhecidas por sua rica expressividade melódica, são frequentemente apresentadas em casas de ópera de todo o mundo. No passado, muitas vezes menosprezado pelos críticos (por "satisfazer os gostos dos pessoas comuns", "polifonia simplificada" e "melodramatização desavergonhada"), as obras-primas de Verdi constituem a base do repertório operístico comum um século e meio depois de terem sido escritas.

Diapositivo nº 18

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Modest Mussorgsky 1839-1881 Modest Petrovich Mussorgsky é um compositor russo, autor de óperas famosas sobre temas da história russa. Ganhou fama com a ópera "Boris Godunov", encenada no palco Teatro Mariinsky em São Petersburgo. em 1874 e reconhecido em alguns clubes de música um trabalho exemplar. “Boris Godunov” foi encenado pela primeira vez em Moscou Teatro Bolshoi em 1888

Diapositivo nº 19

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Pyotr Ilyich Tchaikovsky 1840-1893Pyotr Ilyich Tchaikovsky - compositor russo, um dos melhores melodistas, maestro, professor, musical figura pública. Tchaikovsky participou ativamente da vida musical de Moscou, suas obras foram publicadas e executadas aqui e os principais gêneros de criatividade foram determinados. O resultado do encontro em 1868 e dos contatos criativos com membros de " Bando poderoso"foi a criação de obras sinfônicas programáticas. O conteúdo da música de Tchaikovsky é universal: abrange imagens de vida e morte, amor, natureza, infância, vida cotidiana, revela de uma nova maneira as obras da literatura russa e mundial - A. S. Pushkin e N. V. Gogol, Shakespeare e Dante.

Deslize nº 20

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Nikolai Rimsky-Korsakov (1844-1908) Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov - compositor russo, professor, maestro, figura pública, crítico musical; representante do “Mighty Handful”, autor de 15 óperas, 3 sinfonias, obras sinfónicas, concertos instrumentais, cantatas, música instrumental de câmara, música vocal e sacra. As principais obras para orquestra de Rimsky-Korsakov são Capriccio Espagnol (1887) e a suíte sinfônica Scheherazade (1888). As letras vocais de câmara ocupam um lugar significativo na herança criativa de Rimsky-Korsakov. Escreveu 79 romances, incluindo os ciclos vocais “In Spring”, “To the Poet”, “By the Sea”.

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Sergei Rachmaninov (1873-1943) Sergei Vasilyevich Rachmaninov é um grande compositor, pianista e maestro russo. O maior compositor do final do século 19 - início do século 20, Rachmaninov sintetizou em sua obra os princípios das escolas de composição de São Petersburgo e Moscou (bem como as tradições da música da Europa Ocidental) e criou um novo estilo nacional, que posteriormente teve uma influência significativa na música russa e mundial do século XX. Maior pianista do mundo, Rachmaninov estabeleceu a prioridade global da escola pianística russa e dos seus princípios estéticos e artísticos.

Diapositivo nº 23

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Dmitri Shostakovich (1906-1975) Dmitri Dmitrievich Shostakovich - Russo Compositor soviético, pianista, professor e figura pública, um dos compositores mais significativos do século XX. Estudando constantemente as tradições clássicas e de vanguarda, Shostakovich desenvolveu sua própria linguagem musical, carregada de emoção e tocando os corações de músicos e amantes da música em todo o mundo. Os gêneros mais notáveis ​​​​na obra de Shostakovich são sinfonias e quartetos de cordas - ele escreveu 15 obras em cada um deles. Entre as sinfonias mais populares estão a Quinta e a Oitava, entre os quartetos estão a Oitava e a Décima Quinta.

Conceito difundido e muito atraente para muitos, seus adeptos acreditam que uma peça musical é um meio de expressão do intérprete. Este conceito existe pelo menos desde Liszt. Alguns críticos musicais compartilham isso, enquanto outros protestam. Eu próprio estou convencido de que os compositores, ao escreverem a peça, tiveram uma ideia muito clara de como ela deveria soar e, claro, têm mais motivos para estar certos do que qualquer outra pessoa. As declarações documentadas deste ou daquele compositor podem, a princípio, ser percebidas por nós como ambíguas, ou mesmo claramente contraditórias entre si. Para evitar que tais julgamentos nos confundam, é necessário considerar as circunstâncias em que foram feitos. Depois de examinar uma seleção de documentos do legado de Sergei Koussevitzky, encontraremos nele um telegrama de Igor Stravinsky, que diz: “Obrigado pela execução magistral da minha Ode”. As palavras de Stravinsky soam como um elogio direto. Mas, como Robert Kraft relatou certa vez, na verdade o telegrama foi enviado para expressar gratidão a um apoiador leal, a quem o compositor criticou duramente em um círculo restrito por sua interpretação obstinada das peças que lhe foram confiadas.

No início da década de 1920, ouvi uma declaração de Richard Strauss que parecia refutar o que estou tentando argumentar aqui. A era da República de Weimar deu origem a muitas comunidades criativas experimentais diferentes, incluindo a trupe de ópera itinerante e democraticamente organizada Wanderbühne 1. A principal inovação introduzida pela empresa foi um sistema de distribuição de papéis, segundo o qual a cantora que se ocupava na terça-feira no papel de Condessa Almaviva poderia ser dama de honra na quarta-feira, enquanto a intérprete de hoje papel menor Em virtude do mesmo princípio, ela se tornou prima donna no dia seguinte. O sistema funcionou por algum tempo, mas depois teve que ser abandonado - o destino de todos esses empreendimentos baseado em uma igualdade fictícia de talento e temperamento. Os ensaios tiveram lugar num edifício situado numa das colinas da Baviera, perto de Garmisch, onde

1 Aceso.- teatro itinerante (Alemão).

viveu R. Strauss. Um dia, enquanto completavam os preparativos para o Intermezzo, os membros da trupe decidiram convidar o autor da música para um ensaio experimental. Os episódios recitativos encontrados nesta partitura exigem a mais perfeita técnica declamatória do vocalista, perdendo apenas em complexidade para episódios semelhantes em Der Rosenkavalier. Mesmo os cantores mais talentosos nem sempre conseguem completar essas passagens mais difíceis. falando. Satisfeito com o rigor do trabalho realizado, o maestro titular da trupe, em conversa com o compositor ocorrida durante o intervalo, afirmou com orgulho que cada sílaba, cada nota foi cantada exatamente como indicado na partitura, “com cem porcentagem de precisão.” Depois de ouvi-lo, R. Strauss perguntou de repente: “Por que você precisa de tanta precisão?”

Quando ouvi essa história pela primeira vez, quando era adolescente, percebi uma pergunta retórica o autor de “Intermezzo” no sentido literal, acreditando que a notação musical é apenas um reflexo aproximado da imagem sonora, na qual o próprio intérprete introduz vários detalhes. À medida que aprendi um pouco mais sobre como julgar o significado das declarações com base no seu contexto, vi a cena descrita sob uma nova luz. Treinando os cantores, tentando treiná-los segundo o método comprovado de Beckmesser, o maestro titular, que garantiu meticulosamente a reprodução cuidadosa de cada sílaba dos diálogos, na verdade privou esses diálogos de sua expressividade e vivacidade naturais. Quando, satisfeito consigo mesmo, durante um intervalo entre os atos, começou a afirmar que cada nota havia sido tocada com precisão, o compositor decidiu confrontá-lo, mas de forma a não ofendê-lo. Porém, de que outra forma poderia R. Strauss, sendo uma pessoa espirituosa e um psicólogo perspicaz, deixar claro ao maestro que o solfejo diligente ainda não é um verdadeiro recitativo? De que outra forma ele poderia fazer um maestro, cheio da vaidade de um galo, sentir que, ao se preocupar com as notas, havia perdido de vista a própria essência da música?

Margarita Long cita em algum lugar uma declaração de Maurice Ravel, que à primeira vista contradiz o significado das palavras proferidas por R. Strauss em conversa com o maestro do Wanderbühne. Como escreve o famoso pianista, Ravel sempre exigiu que em sua música fossem tocadas apenas notas e nada mais - outro exemplo de aforismo de compositor, perigoso em sua ambigüidade para iniciantes inexperientes. É impossível executar apenas notas, e isso se aplica especialmente à música folclórica. Algumas peças de Ravel utilizam ritmos de dança tradicionais que nem sequer podem ser adequadamente registrados em gravações. É tão impensável reproduzir o padrão rítmico principal do “Bolero” exatamente de acordo com sua notação musical quanto manter o ritmo em um compasso estrito de três tempos Valsa vienense em La Valse. Tal interpretação “literal” destruiria o espírito de qualquer

destas peças, a sua autenticidade e cor, sejam estas peças de estilo espanhol ou vienense. Tal como R. Strauss, Ravel quis - tenho a certeza disso - colocar no seu lugar intérpretes que certamente se esforçam por estar em primeiro plano e estão convencidos de que compreendem a intenção do compositor, embora também não se deixem imbuir do espírito contido na sua peça musical, nem entenderam completamente. Eles não tiveram tempo para seu texto musical. Este problema reflecte-se numa carta de R. Strauss à sua família, onde se queixa de não ter ficado nada satisfeito com a estreia de Don Juan, que decorreu sob a direcção de Hans von Bülow e foi um grande sucesso.

“Que benefício tenho com o sucesso baseado em mal-entendidos? Bülow interpretou os andamentos e tudo mais incorretamente. Não tendo a menor ideia do conteúdo poético da música, ele a executou como uma peça suavizada, construída e harmonizada num novo estilo, ricamente orquestrada. Não se pode negar que ele ensaiou com muito cuidado, investiu toda a sua energia, mas estava terrivelmente nervoso e com medo do fracasso (que não aguenta mais, porque é terrivelmente vaidoso...); Como resultado, ele apresentou ao público uma peça musical muito interessante, mas que não era mais o meu “Don Juan”.

No final da carta, R. Strauss conclui: “Acredito que ninguém tem o direito de se deixar levar pela sua imaginação, nem mesmo Bülow, isto agora está claro para mim”. As palavras do compositor, escritas em 1890 e expressando a sua insatisfação, parecem ecoar o que Beethoven escreveu a Carl Czerny: “Amanhã irei falar contigo. Ontem eu estava muito desenfreado e depois me arrependi do que aconteceu, mas você deve perdoar o autor que prefere ouvir sua música exatamente como ele pretendia, e nada pode ser feito a respeito, não importa quão maravilhosa seja sua execução. * Stravinsky e outros compositores que já viveram na nossa época falavam muitas vezes com amargura dos seus “santos padroeiros”, isto é, dos maestros que os apoiavam. Bartók ficou dividido entre a gratidão pela ajuda financeira e a raiva pelas interpretações distorcidas da música que criou. Como R. Strauss em 1890, compositores gerações subsequentes Quando os seus planos eram pervertidos, dificilmente poderiam expressar abertamente a sua insatisfação ou protestar sem correrem o risco de perder os serviços e o apoio dos maestros populares e de outros artistas que os favoreciam 2 .

2 Tudo isso me lembra uma piada conhecida, de cuja autenticidade, porém, duvido. Enquanto morava em Paris, Rossini dedicou muito tempo à preparação de concertos para noites sociais realizadas em casas ricas. O compositor costumava convidar os músicos, escrever os programas e garantir que tudo estava no lugar e acontecia na hora certa. Às vezes ele próprio participava desses concertos. Certa vez acompanhou Adelina Patti, que cantou uma de suas árias populares, adornando-a abundantemente com todos os tipos de rocamboles, cadências e outros enfeites, semelhantes aos que ouvimos frequentemente de cantores executando números de ópera solo. Quando ela terminou e soaram aplausos, Rossini, elogiando vários elogios a ela linda voz, perguntou... quem foi o autor da peça que acabou de ser encenada?

O compositor atribui a interpretação insatisfatória de Don Giovanni por Bülow, pelo menos em parte, ao medo do fracasso do maestro, enraizado em sua vaidade. Na verdade, a vaidade é o nosso inimigo número um, uma vez que tem um efeito prejudicial na capacidade do intérprete de perceber o que o criador colocou na música. Freischwebende Aufmerksamkeit 3, esta condição sine qua non na técnica de análise de sonhos, representa, em minha opinião, uma qualidade muito importante de um intérprete verdadeiramente notável. Infelizmente, muitas pessoas pensam que os músicos que têm maior tendência à excentricidade e ao comportamento extravagante, que exibem um temperamento desenfreado, são precisamente os mais talentosos. Podemos acreditar nisso até estarmos particularmente familiarizados com a obra dos compositores cuja música nos é apresentada. Caso contrário, a pseudo-originalidade e a vaidade vêm imediatamente à tona, assim como gotas de óleo flutuam na superfície da água.

O facto de um maestro ser obrigado a ser um expoente das ideias do compositor não é de forma alguma novo conceito. No tratado de Johann Matteson “The Perfect Kapellmeister”, publicado em 1739, encontramos um resumo notável da essência do dilema maestro-compositor:

“A tarefa mais difícil que aguarda o executor da criação de outra pessoa reside verdadeiramente na necessidade de direcionar todo o poder de sua mente para compreender a essência original dos pensamentos de outras pessoas. Qualquer um que não saiba como o próprio criador da música a tocaria dificilmente o fará bem, mas arruinará sua vivacidade e beleza, e muitas vezes acontece que o compositor, se a ouvisse assim, não reconheceria seu peça alguma.”

Este tipo de evidência, que lança luz sobre a atitude dos compositores em relação à música, sobre o que lhes parecia inaceitável, é especialmente impressionante quando nos traz as palavras de compositores que foram eles próprios maestros. E isso é natural: um compositor que é maestro profissional é mais rigoroso com os outros maestros do que com os seus colegas que ou não pegam na batuta ou o fazem apenas ocasionalmente. Parece-me muito apropriado citar no final desta resenha as palavras de Gustav Mahler, proferidas por ele em conversa com Nathalie Bauer-Lechner no verão de 1896:

“Quanto tempo passa, que experiência abrangente você precisa adquirir, que maturidade, até aprender a fazer tudo de forma simples e natural, do jeito que está escrito; não acrescentar ou trazer nada a mais de mim mesmo, porque mais acaba se transformando em menos... Realizando grandes obras na minha juventude, eu também fui antinatural e imoderado e acrescentei muito do meu, embora, possuindo intuição, o tenha feito com compreensão. Só muito mais tarde me aproximei da verdadeira verdade, da simplicidade e da consciência de que só jogando fora toda a artificialidade se pode chegar à verdadeira arte.”

3 Involuntário (aceso.- flutuante) atenção (Alemão).

Vindo de um músico que era igualmente compositor e maestro, as palavras “muito dele” soam particularmente pesadas. Usando a expressão muito característica “grandes obras” na passagem acima, Mahler, deve-se supor, quer dizer a música de compositores como Beethoven e outros como ele. Na verdade, Mahler poderia ter dito: “Até ouvir como meu música de outros, provavelmente não me saí melhor do que eles, e tentei ajustar a interpretação dos antigos mestres às minhas próprias ideias sobre a composição ideal.”

Diante dos meus olhos, ocorreu uma mudança semelhante nas opiniões dos músicos de uma geração posterior. Quando assisti pela primeira vez aos concertos de Bruno Walter, notei que, ao interpretar Mozart, Haydn e Beethoven, ele muitas vezes fazia uma espécie de reação negativa - uma breve parada antes de um sotaque particularmente importante. A reação é um dos momentos característicos do fraseado de Mahler e, portanto, em suas partituras você pode encontrar frequentemente uma designação especial para ela - uma vírgula. Esta pausa é conseguida por um atraso quase imperceptível na entrada da nota acentuada e, ao mesmo tempo, pelo encurtamento da nota anterior. A maneira mais fácil de imaginar isso é imaginar como alguém, balançando um martelo, o segura por um momento logo acima da cabeça para desferir outro golpe com maior força. Ao interpretar clássicos, Bruno Walter usou tantas vezes a reação que foi percebida como o mesmo maneirismo, artificialidade que Mahler tentou evitar na maturidade. Com o passar dos anos, Walter também se tornou mais econômico e, rejeitando nuances excessivamente generosas e até certo ponto nervosas, revisou gradativamente sua técnica de regência, simplificando-a cada vez mais.

As palavras de Mahler “como está escrito” podem à primeira vista parecer um guia claro que deve nos levar à simplicidade desejada. Na realidade, o seu significado é extremamente amplo e nada inequívoco. Então, por exemplo, fica a pergunta: “Está tudo anotado nas anotações?” A música que surgiu em uma época em que certas tradições geralmente aceitas mantinham toda a sua força deveria ser abordada de forma diferente das peças musicais que foram criadas quando a influência das tradições era insignificante ou nem sequer era sentida. (Vou dedicar um capítulo separado para discutir tradições musicais, sem o conhecimento do qual é impossível compreender plenamente a intenção do compositor da era clássica.)

Mas por mais que o intérprete leve em consideração as tradições da época correspondente, bem como as intenções do compositor registradas na partitura, ainda há casos em que ele é forçado a ser guiado apenas pelos seus próprios instintos e gostos. Portanto, é importante entender claramente onde começa e termina a área, além da qual o intérprete não deve ir.

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Iovenko Yulia Evgenievna, professora de piano MAOUK DOD Escola de música infantil de Komsomolsk-on-Amur, Território de Khabarovsk

Meuprojetotrata de problemas de interpretação de música para piano.

Nele vou tocar um pouco tema da história do piano Artes performáticas, e também abordarei a questão das tendências do pianismo performático moderno, falarei de alguns pianistas do nosso tempo, que, na minha opinião, são os melhores intérpretes deste ou daquele compositor.

A música ocupa um lugar especial entre as artes devido à sua especificidade. Existindo objetivamente na forma de notação musical, a música necessita do ato de reconstrução por parte do intérprete, de sua interpretação artística. Na própria natureza da música existe uma unidade dialética entre composição e execução musical.

A performance musical é sempre criatividade contemporânea, criatividade de uma determinada época, mesmo quando a própria obra está separada dela por um longo período de tempo.

Dependendo da época de desenvolvimento da música para piano, os pianistas desenvolveram um certo estilo de execução, uma certa maneira de tocar.

Período do teclado é uma pré-história para a performance de piano. Nessa época, toma forma o tipo de músico praticante, o “compositor tocador”. A base das habilidades performáticas é a improvisação criativa. O virtuosismo de tal músico não se resumia tanto à perfeição técnica, mas à capacidade de “falar” ao público utilizando o instrumento.

Uma nova etapa importante na performance musical está surgindo no final do século XVIII com a promoção de um novo instrumento solo - o piano martelo. Complicação conteúdo musical exigia a necessidade de notação musical precisa, bem como a gravação de instruções especiais de execução.

A execução do piano adquire riqueza emocional e dinamismo.

No final do século XVIII, surgiu uma nova forma de fazer música - um concerto público pago. Existe uma divisão de trabalho entre compositor e intérprete.

Início do século 19 está sendo formado novo tipo músico - “compositor virtuoso”. Novas condições espaciais e acústicas (grandes salas de concerto) exigiram maior potência sonora dos intérpretes. Para aumentar o impacto psicológico, são introduzidos elementos de entretenimento. O “jogo” do rosto e das mãos torna-se um meio de “esculpir” espacialmente a imagem musical. O público é influenciado pelo escopo virtuoso do jogo, pelo vôo ousado da fantasia e pela gama colorida de tons emocionais.

E finalmente em meados do século XIX e está se formando um músico-intérprete, intérprete da obra de um compositor alheio. Para o intérprete, o carácter exclusivamente subjetivo da performance dá lugar à interpretação, que lhe coloca tarefas artísticas objetivas - a divulgação, interpretação e transmissão da estrutura figurativa da obra musical e da intenção do seu autor.

Quase tudo século 19 caracterizado por um poderoso florescimento da performance do piano. A performance torna-se uma segunda criação, onde o intérprete se encontra em pé de igualdade com o compositor. A figura principal na esfera performática é o virtuoso errante em todas as suas variedades - de “acrobatas” de piano a artistas de propaganda. A obra de Chopin, Liszt e dos irmãos Rubinstein é dominada pela ideia da unidade dos princípios artísticos e técnicos, por outro lado, Kalkbrenner e Laugier estabeleceram como objetivo principal formar um aluno virtuoso; O estilo de muitos mestres do século XIX estava repleto de tal obstinação artística que o consideraríamos completamente de mau gosto e inaceitável.

Século XX pode ser chamado com segurança de o século dos grandes pianistas: são tantos em um período de tempo que parece que nunca existiram antes. Paderewski, Hoffmann, Rachmaninov, Schnabel - no início do século, Richter, Gilels, Kempff - na segunda metade. A lista pode ser expandida indefinidamente...

Na virada de XX-X EU séculos A variedade de interpretações é tão grande que às vezes não é nada fácil compreendê-las. Nosso tempo é uma diversidade de estilos de atuação.

Arte moderna de tocar piano. O que é isso? O que acontece nele, o que morre e o que nasce?

Em geral, a tendência atual na arte performática do piano, ao contrário, digamos, do que era há 50 anos, é a prioridade dos detalhes sobre o conceito geral. É nas diferentes interpretações dos microdetalhes que os performers modernos pretendem encontrar a sua individualidade.

Há também a existência de uma regra tácita de execução: “não há homofonia. Toda a textura do piano é sempre completamente polifônica e até estereofônica. Um princípio fundamental está relacionado com isto: cada dedo é um instrumento separado, vivo e específico, responsável pela duração e qualidade do som” (citação de uma palestra - lição de Mikhail Arkadyev).

A profissão de compositor exige talento musical e profundo conhecimento de composição musical. Podemos afirmar com segurança que o compositor é a figura mais importante do mundo musical. Portanto, cada compositor famoso na história da música teve uma influência significativa no desenvolvimento da música em cada fase específica. Compositores do século XVIII Na segunda metade do século XVIII viveram e trabalharam dois grandes compositores - Bach e Mozart - que influenciaram todo o desenvolvimento subsequente da arte musical. Johann Sebastian Bach (1685-1750) é o mais destacado representante da tradição musical dos séculos XVII e XVIII, classificada pelos historiadores como a época barroca. Bach é um dos compositores mais importantes da história da música, tendo escrito mais de mil em seus 65 anos de vida. obras musicais em diferentes gêneros. Johann Sebastian Bach é o fundador de uma das dinastias mais famosas do mundo da música. Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) – representante brilhante Escola vienense, dominou com maestria muitos instrumentos: violino, cravo, órgão. Em todos esses gêneros ele teve sucesso não apenas como intérprete, mas principalmente como compositor musical. Mozart ficou famoso graças ao seu incrível ouvido musical e talento para a improvisação. O terceiro nome mais importante da história da música é Ludwig Van Beethoven. Ele criou na virada dos séculos XVIII e XIX todos os gêneros musicais que existiam naquela época. O seu património musical é extremamente diversificado: sonatas e sinfonias, aberturas e quartetos, concertos para os seus dois instrumentos preferidos - violino e piano. Beethoven é considerado o primeiro representante do romantismo na música clássica. Estas obras foram escritas por Ludwig van Beethoven 01-Für Elise 02-Sonata No.14 Lunar 03-Symphony No.5 04-Sonata Appasionata No.23 05-Sonata No.13 Pathétique 06-Egmont Overture 07-Sonata No.17 Tempest 08-Sinfonia nº 9 09- Sonata nº 21 Mozart escreveu “O Simplório Imaginário” “O Sonho de Cipião” “Misericordias Domini” Mocarta 40. simfonija, 4. temps Abertura de Don Giovanni “Figaro kāzu” uvertīra Concerto em Ré para Flauta I.T. 1 Obras vocais 2 Obras de órgão 3 Obras para cravo 4 Obras para instrumentos solo não teclado 5 Obras para dueto de cravo com outro instrumento É autor de 90 óperas Autor de mais de 500 concertos Autor de mais de 100 sonatas para diversos instrumentos com acompanhamento de baixo contínuo; cantatas seculares, serenatas, sinfonias, Stabat Mater e outras obras da igreja. Óperas, pasticcios, balés Terpsícore (prólogo da 3ª edição da ópera The Faithful Shepherd, 1734, Covent Garden Theatre); oratórios, odes e outras obras para coro e vozes com orquestra, concertos para orquestra, suítes, concertos para instrumento e orquestra para conjunto de instrumentos - para piano a 2 mãos, para piano a 4 mãos para 2 pianos, para voz acompanhada por um piano ou com outro instrumento para coros desacompanhados, música para representações dramáticas - Na história da arte musical, o século XVIII ganhou enorme importância e ainda é de suma importância. Esta é a era da criação dos clássicos musicais, do nascimento de grandes conceitos musicais com conteúdo figurativo essencialmente secular. A música não só ascendeu ao nível de outras artes que floresceram desde o Renascimento, ao nível da literatura nas suas melhores realizações, mas em geral superou o que tinha sido alcançado por uma série de outras artes (em particular, artes visuais) e por o final do século foi capaz de criar um grande estilo sintetizador de valor tão elevado e duradouro, como uma sinfonia da escola clássica vienense. Bach, Handel, Gluck, Haydn e Mozart são picos reconhecidos neste caminho da arte musical do início ao fim do século. No entanto, o papel de artistas originais e investigativos como Jean Philippe Rameau em França, Domenico Scarlatti em Itália, Philip Emanuel Bach na Alemanha, para não mencionar os muitos outros mestres que os acompanharam no movimento criativo geral, também é significativo.

Músicos famosos

Adan Adolfo Charles(1803–1856) - Compositor francês, romancista, autora dos balés “Giselle”, “Corsair”.

Aznavour Charles (Aznauryan Varenag)(n. 1924) - Cantor francês, compositor, ator de cinema, autor e intérprete de muitas canções; teve uma enorme influência na cultura musical de massa da França e de toda a Europa.

Alyabyev Alexander Alexandrovich(1787–1851) - Compositor russo, autor de muitas canções e romances (“O Rouxinol”, “Mulher Mendiga”, etc.), bem como óperas, balés, obras de câmara e instrumentais.

Armstrong Louis(1901–1971) - trompetista, vocalista, muitas vezes chamado de "Pai do Jazz". Louis Armstrong é uma das personalidades mais populares da arte musical do século XX, com quem o público identifica o jazz tradicional.

Balakirev Miliy Alekseevich(1836 (1837)-1910) - Compositor russo, pianista, maestro, líder e um dos fundadores do “Mighty Handful” - uma comunidade criativa de compositores russos que se formou no final da década de 1850 - início da década de 1860.

Balanchine George (Balanchivadze Georgy Melitonovich)(1904–1963) - Coreógrafo americano, fundador da famosa trupe de balé New York City Ballet.

Bartok Bela(1881–1945) - Compositor, pianista e musicólogo-folclorista húngaro. Combinando elementos do folclore com técnicas da vanguarda musical (expressionismo, etc.), tornou-se um dos mais profundos e influentes inovadores da música do século XX.

Bach Johann Sebastian(1685–1750) - Compositor alemão, autor de cerca de 1000 obras de vários gêneros, mestre da polifonia (prelúdios e fugas, Paixão de São Mateus, etc.).

Bashmet Yuri Abramovich(n. 1953) - Violetista russo, professor. O primeiro intérprete de muitas obras para viola de compositores modernos.

Berlioz Héctor Louis(1803–1869) - Compositor inovador francês, maestro, autor da Sinfonia Fantástica, criador de uma nova escola de regência.

Bernstein Leonard(1918–1990) - Compositor e maestro americano, autor de músicas para muitos musicais famosos (West Side Story, etc.).

Berry Chuck(R. 1926) - famoso cantor, compositor americano, um dos fundadores do rock and roll.

Beethoven Ludwig van(1770–1827) - compositor alemão, grande sinfonista. A maioria das obras de Beethoven são consideradas obras-primas da música mundial (Moonlight Sonata, IX Symphony, etc.).

Bizet Georges (1838–1875) Compositor francês, autor de óperas (Carmen, etc.).

Borodin Alexander Porfirievich(1833–1887) - Compositor e químico russo, um dos criadores das sinfonias e quartetos clássicos russos.

Bortnyansky Dmitry Stepanovich(1751–1825) - russo e Compositor ucraniano, autor de música sacra, obras para coro, etc.

Brahms Johannes(1833–1897) - Compositor e maestro alemão, representante do romantismo.

Wagner Ricardo(1813–1883) - Compositor, maestro e reformador de ópera alemão. A tetralogia “O Anel do Nibelungo” é escrita com libreto próprio, baseado na mitologia nacional alemã. Wagner também é autor das óperas Tristão e Isolda, Parsifal e outras.

Verdi Giuseppe(1813–1901) - compositor italiano, cuja obra é o auge do desenvolvimento Ópera italiana e ópera em todo o mundo (óperas “Aida”, “Rigoletto”, “La Traviata”, etc.).

Vertinsky Alexander Nikolaevich(1889–1957) - Poeta e compositor russo, intérprete de suas próprias canções, um dos fundadores do gênero canção artística.

Antonio Vivaldi(1678–1741) - compositor, violinista, maestro italiano; criou o gênero de concerto instrumental solo.

Vysotsky Vladimir Semenovich(1938–1980) - Poeta, músico, ator soviético, autor de centenas de canções baseadas em seus próprios poemas. Como compositor e intérprete composição própria com guitarra ganhou grande popularidade.

Haydn Francisco José(1732–1809) - Compositor austríaco, professor de Beethoven. Suas obras são caracterizadas pela harmonia e proporcionalidade de proporções.

Handel Georg Friedrich(1685–1759) - Compositor alemão, autor de muitas óperas e oratórios que combinam coros poderosos e arquitetura rigorosa.

Gershwin George(1898–1937) - compositor e pianista americano. Juntamente com seu irmão Ira, George Gershwin compôs mais de três dezenas de musicais para teatro e cinema. Para o número melhores trabalhos As obras de George Gershwin incluem "Rhapsody in Blue" para piano e orquestra de jazz e a ópera "Porgy and Bess", que muitos críticos consideram o auge da obra do compositor e uma das melhores (se não a melhor) ópera americana.

Gillespie John "Dizzy" Burks(1917–1993) - virtuoso trompete de jazz americano, organizador de um dos mais famosos da história da música orquestras de jazz, autor de muitas composições de jazz.

Glinka Mikhail Ivanovich(1804–1857) - Compositor russo, criador de óperas épicas nacionais russas e de muitos romances populares.

Glier Reingold Moritsevich(1874–1956) - Compositor, maestro e professor soviético russo (balé “Dom Quixote”).

Gluck Christoph Willibald(1714–1787) - Compositor alemão, representante do classicismo, reformador da ópera.

Grig Edward(1843–1907) - Compositor norueguês, pianista, figura musical, maestro.

Gounod Charles(1818–1893) - Compositor francês, um dos maiores representantes da ópera francesa do século XIX. O auge da criatividade é a ópera "Fausto".

Dankevich Konstantin Fedorovich(1905–1984) - Compositor e musicólogo ucraniano, autor da ópera “Bogdan Khmelnytsky”, do balé “Liley”, etc.

Dargomyzhsky Alexander Sergeevich(1813–1869) - Compositor russo (ópera “Rusalka”, etc.). Junto com M.I. Glinka, ele foi o fundador da escola clássica russa de música.

Dassin Joe(1938–1980) - Cantora francesa, compositor cujas canções foram muito populares nas décadas de 1960 e 1970.

Dvorak Antonin(1841–1904) - Compositor tcheco, maestro, um dos fundadores da escola musical tcheca de música clássica.

Debussy Claude Achille(1862–1918) - Compositor francês, considerado o fundador do chamado impressionismo musical.

Dylan Bob (Robert Allen Zimmerman)(n. 1941) - Músico de rock americano, segundo a maioria dos críticos, que influenciou o desenvolvimento da música popular (e não apenas do rock) mais do que qualquer outra pessoa. período pós-guerra, e seu trabalho se tornou um modelo para várias gerações de músicos de rock.

Domingo Plácido(n. 1941) - Cantor (tenor) e maestro espanhol, um dos cantores mais destacados da história da ópera.

Donizetti Gaetano(1797–1848) - Compositor italiano (óperas “Lucia di Lammermoor”, “Don Pasquale”, etc.), mestre na arte do bel canto.

Dunaevsky Isaac Osipovich(1900–1955) - compositor soviético, maior mestre Canção e opereta em massa soviética.

Caballé Montserrat(n. 1933) - Cantora espanhola (soprano). Um dos destaques cantores modernos Belo canto.

Callas Maria (Maria Kalogeropoulos)(1923–1977) - Cantor grego, tinha uma ampla gama de vozes, uma das maiores cantores na história da música, foi solista nos maiores teatros do mundo.

Kalman Imre(1882–1953) - Compositor húngaro, mestre da opereta clássica vienense (“Silva”, etc.).

José Carreras(n. 1947) - Cantor de ópera espanhol, tenor, tem uma voz profunda e bela, ao lado de P. Domingo e L. Pavarotti por muito tempo um dos três melhores tenores do nosso tempo.

Caruso Henrique(1873–1921) - Cantora italiana, um dos maiores tenores da história da ópera, mestre do bel canto.

Clyburn Van (Clyburn Harvey Laban)(n. 1934) - pianista americano, vencedor do 1º Competição internacional eles. P.I. Tchaikovsky em Moscou (1958).

Kozlovsky Ivan Semenovich(1900–1995) - cantor russo soviético, tenor lírico, solista do Teatro Bolshoi (1926–1954), um dos melhores intérpretes de sua época.

Leghar Ferenc (Franz)(1870–1948) - compositor, notável mestre da opereta vienense (“A Viúva Alegre”).

Lemeshev Sergey Yakovlevich(1902–1977) - um notável cantor de ópera russo, tenor lírico. Dono do timbre mais delicado, inimitável intérprete de canções e romances.

Lennon John(1940–1980) - Músico de rock britânico, cantor, poeta, compositor, artista, escritor. Fundador e membro do grupo " Os Beatles", um dos músicos mais populares do século XX.

Leoncavallo Ruggiero(1857–1919) - Compositor de ópera italiano, cujas obras tiveram e fazem muito sucesso (as óperas “Pagliacci”, “La Bohème”, etc.).

Leontovich Nikolai Dmitrievich(1877–1921) - Compositor ucraniano, autor de diversos arranjos de melodias folclóricas. Fundador da primeira orquestra sinfônica ucraniana.

Liszt Ferenc(1811–1886) - um notável compositor, maestro e pianista húngaro. Ele criou uma escola de performance de piano de concerto.

Lloyd Webber Andrew(n. 1948) - famoso Compositor britânico, autor de musicais e óperas rock (“Jesus Christ Superstar”; “O Fantasma da Ópera”, etc.).

Lysenko Nikolai Vitalievich(1842–1912) - compositor, maestro, fundador da escola nacional de música ucraniana, contribuiu para a formação da ópera ucraniana.

Lyudkevich Stanislav Filippovich (Pilipovich)(1879–1979) - Compositor e musicólogo ucraniano, um dos maiores sinfonistas ucranianos.

Milhas Davis(1926–1991) - Trompetista de jazz americano, um dos jazzistas mais proeminentes da história da música. Desde o final da década de 1960 ele se apresenta no estilo jazz-rock.

McCartneyJames Paul(n. 1942) - Músico, cantor e compositor de rock britânico, um dos fundadores dos Beatles.

Mahler Gustavo(1860–1911) - Compositor e maestro austríaco, um dos maiores sinfonistas dos séculos XIX e XX. Em 1908–1909 foi regente do Metropolitan Opera de Nova York e em 1909–1911 dirigiu a Orquestra Filarmônica de Nova York.

Mendelssohn-Bartholdy Jacob Ludwig Felix(1809–1847) - Compositor, organista, maestro e figura pública alemão, fundador do primeiro conservatório alemão. Autor das sinfonias “italiana”, “escocesa”, etc.

Mercúrio Freddie(1956–1991) - cantor e músico britânico, vocalista lendária banda de rock"Rainha". Até agora, muitos anos após sua morte, ele é um dos cantores mais populares do mundo.

Miller Glenn(1904–1944) - Trombonista americano, arranjador, líder de uma das melhores orquestras de swing do final dos anos 1930 - início dos anos 1940.

Morricone Ennio(n. 1928) - Compositor, arranjador, maestro italiano, um dos compositores mais famosos, escrevendo música para cinema.

Mozart Wolfgang Amadeus(1756–1791) – Compositor austríaco, um dos maiores da história da música. Teve um dom melódico notável (as óperas “A Flauta Mágica” e outras, “Pequena Serenata Noturna”, criaram cerca de 600 obras de vários géneros). Ele compôs músicas desde os cinco anos de idade e atuou como intérprete desde os seis.

Mussorgsky Modest Petrovich(1839–1881) - compositor russo. Ele criou dramas musicais folclóricos monumentais (“Boris Godunov”, “Khovanshchina”), cenas dramáticas (“Pictures at an Exhibition”), etc.

Oistrakh David Fedorovich(1908–1974) - Violinista virtuoso soviético, professor, um dos maiores músicos do século XX.

Jacques Offenbach(1819–1880) - Compositor francês, um dos fundadores da opereta clássica francesa (“Beautiful Helen”, “Pericola”, etc.).

Pavarotti Luciano(1935–2007) - um notável cantor italiano, um dos tenores mais destacados da história da música.

Paganini Niccolò(1782–1840) - violinista e compositor virtuoso italiano. Uma das personalidades mais proeminentes da história musical dos séculos XVIII e XIX. Gênio reconhecido da arte musical mundial.

Paulo Raimundo(n. 1936) - Compositor, pianista letão, autor de muitas canções, musicais, trilhas sonoras de filmes, etc.

Petrusenko Oksana Andreevna(1900–1940) - Cantora soviética ucraniana (soprano lírico-dramática), que tinha uma voz de timbre único.

Piaf Edith (Gacião)(1915–1963) - Cantora francesa e uma atriz, uma das maiores cantores pop paz.

Presley Elvis(1935–1977) - lendário cantor de rock e ator de cinema americano, “Rei do Rock and Roll”.

Prokofiev Sergey Sergeevich(1891–1953) - Compositor inovador russo, um dos maiores compositores do século XX.

Puccini Giacomo (1858)-1924) - Compositor italiano que combinou lirismo com heroísmo e tragédia em suas óperas (Tosca, La Bohème, etc.).

Ravel Maurício(1875–1937) - compositor e pianista francês. A obra mais famosa é “Bolero”.

Rachmaninov Sergei Vasilievich(1873–1943) - Compositor, pianista e maestro russo. Ele tocou piano desde os quatro anos de idade. Óperas, romances, concertos, etc. combinam impulsos tempestuosos e apaixonados e contemplação poética na música. Um de maiores pianistas na história da música.

Rimsky-Korsakov Nikolai Andreevich(1844–1908) - compositor russo, professor, maestro, figura pública, crítico musical; membro do “Mighty Handful”, autor de 15 óperas, 3 sinfonias, obras sinfónicas, concertos instrumentais, cantatas, música instrumental de câmara, música vocal e sacra.

Richter Svyatoslav Teofilovich(1915–1997) - pianista soviético, excelente intérprete.

Rossini Gioacchino(1792–1868) - compositor italiano. O auge de sua obra foi a ópera “O Barbeiro de Sevilha”. Ele também criou inúmeras miniaturas vocais e de piano.

Rostropovich Mstislav Leopoldovich(1927–2007) - um notável violoncelista, maestro e figura pública.

Rota Niño(1911–1979) - Compositor italiano, autor de músicas para vários filmes de Federico Fellini, bem como para o filme " Padrinho» Francis Ford Coppola.

Sviridov Georgy (Yuri) Vasilievich(1915–1998) - Compositor e pianista soviético russo. Autor de músicas para obras de A. S. Pushkin, S. A. Yesenin e outros, bem como de música sacra.

Saint-Saens Charles Camille(1835–1921) - Compositor, pianista, maestro, crítico musical e figura pública francês. Autor de inúmeras obras de vários géneros musicais, sendo as mais famosas a ópera “Sansão e Dalila”, a 3ª sinfonia (com órgão), o poema sinfónico “Dança da Morte”, o 3º concerto e “Introdução e Rondo Capriccioso” (1863) para violino e orquestra.

Sibelius janeiro(1865–1957) - compositor finlandês, fundador da língua nacional finlandesa estilo romântico. Em seu trabalho ele utilizou as características rítmicas e harmônicas do folclore finlandês.

Sinatra Francisco Alberto(1915–1998) - Cantora americana, uma das mais populares da história da música pop americana.

Skryabin Alexander Nikolaevich(1872–1915) - compositor e pianista russo. A filosofia mística de Scriabin refletiu-se na sua linguagem musical, especialmente na harmonia inovadora, muito além dos limites da tonalidade tradicional. A partitura de seu sinfônico “Poema de Fogo” (“Prometheus”) inclui um teclado leve: raios de holofotes de cores diferentes devem mudar na tela em sincronia com as mudanças de temas, tonalidades e acordes.

Smetana Bedřich(1824–1884) - Compositor tcheco, maestro, pianista, autor das óperas “The Bartered Bride”, “Libushe” (baseado no manuscrito de Zelenogorsk e genuínas lendas tchecas), ciclo poemas sinfônicos“My Country” (o segundo é especialmente famoso - “Vltava”).

Spivakov Vladimir Teodorovich(n. 1944) - violinista russo, maestro. Desde 1979, ele é o diretor da orquestra Moscow Virtuosi, que rapidamente conquistou o reconhecimento e o amor do público. Laureado em muitas competições internacionais.

Stravinsky Igor Fedorovich(1882–1971) - Compositor e maestro russo e mais tarde americano. Os balés de Stravinsky (A Sagração da Primavera, etc.) foram demonstrados com sucesso por S. P. Diaghilev nas Estações Russas em Paris. Ele se voltou para assuntos antigos e bíblicos.

Utesov Leonid Osipovich(1895–1982) - artista pop, cantor e ator de cinema russo e soviético, Artista nacional A URSS. Um dos fundadores do jazz soviético e da canção russa.

Fitzgerald Ella Jane(1917–1996) - americano cantor de jazz, reconhecido como um dos maiores vocalistas da história do jazz.

Khachaturyan Aram Ilyich(1903–1978) - Compositor armênio, maestro, professor. Seu trabalho combinou de forma única as tradições da arte musical mundial e nacional (balés “Gayane”, “Spartacus”, etc.).

Tchaikovsky Piotr Ilitch(1840–1893) - Compositor russo, um dos melhores melodistas, maestro, professor, figura musical e pública.

Chaliapin Fyodor Ivanovich(1873–1938) - grande cantor de ópera russo, baixo, um dos cantores mais famosos do mundo.

Schnittke Alfred Garrievich(1934–1998) - Compositor, pianista, teórico musical e professor russo (autor de artigos sobre compositores russos e soviéticos), um dos mais significativos figuras musicais final do século 20

Frederico Chopin(1810–1849) - Compositor polonês (études, noturnos, valsas, polonaises, concertos para piano, etc.), pianista virtuoso. Autor de inúmeras obras para piano.

Shostakovich Dmitri Dmitrievich(1906–1975) - Compositor russo soviético, pianista, professor e figura pública, um dos compositores mais importantes do século 20, que teve e continua a ter uma influência criativa sobre os compositores.

Strauss Johann(1825–1899) - Compositor austríaco, o maior mestre da valsa vienense e da opereta vienense, “O Rei da Valsa”. Criou um grande número de obras: 168 valsas, 117 polcas, 73 quadrilhas, 43 marchas, 31 mazurcas, 16 operetas, ópera cômica e balé.

Strauss Ricardo(1864–1949) - Compositor e maestro alemão, autor de muitos poemas sinfônicos e óperas.

Schubert Francisco(1797–1828) - compositor austríaco. Valsas, fantasias, improvisos, sinfonias, etc. Criou mais de 600 músicas. Primeiro representante principal romantismo musical, um dos maiores melodistas.

Schumann Roberto(1810–1856) - Compositor alemão, romancista. Sua obra fomentou a alta cultura musical, a beleza e a força dos sentimentos humanos (sinfonias, oratório “Paraíso e Peri”, etc.).