Descrição dos corredores do Museu Russo. O que ver nos edifícios do Museu Russo


O ícone mais antigo do acervo do museu. Provavelmente foi escrito no século XII. Seu autor é desconhecido; acredita-se que tenha sido escrito em Novgorod. Recebeu esse nome devido ao fato de todos os fios de cabelo da imagem estarem impregnados de folha de ouro. Apareceu no Museu Russo em 1934, antes do qual vagou por Museu Rumyantsev- para o Histórico, de lá - para a Galeria Tretyakov.


A pintura mais famosa do artista Karl Bryullov, com quem nosso escola nacional pintura. As escavações em Pompéia começaram justamente na época em que Bryullov estudava na Itália. Então ele desenhou muitos de seus esboços da vida.

Como Baratynsky escreveu mais tarde, “o último dia de Pompeia tornou-se o primeiro dia para o pincel russo”. A enorme tela épica, pintada por Bryullov ao longo de três anos, tornou-se um símbolo da emergente escola russa de pintura. No país, o artista foi literalmente carregado nos braços. E Nicolau I pendurou a pintura na Academia de Artes, para que os aspirantes a pintor soubessem no que focar.


Ivan Aivazovsky pintou centenas de pinturas com o mar, esta é a mais famosa. Os elementos majestosos do mar, a tempestade, o mar e tendo como pano de fundo tudo isso - vítimas indefesas de naufrágios tentando escapar no mastro do navio.

O talento de Aivazovsky ainda é famoso em todo o mundo, suas pinturas aparecerão em leilões internacionais, e o famoso pintor marinho inglês Turner, admirando nosso artista, escreveu um poema laudatório em sua homenagem.


Uma das pinturas mais famosas do artista Vasnetsov (junto com “Alyonushka” ou “Ivan Tsarevich”). O artista pintou seu cavaleiro várias vezes. A princípio, toda a inscrição ficou visível - ele a removeu. A princípio o cavaleiro ficou de frente para o espectador - ele o virou, ficou mais monumental. Além disso, havia uma estrada na foto - Vasnetsov também a removeu, para torná-la mais desesperadora.

Até hoje, “Vityaz” é considerado um dos melhores Pinturas russas sobre contos de fadas e a imagem canônica da nossa segunda pintura metade do século XIX século junto com pinturas de Repin e Surikov.


“Foi assim que os cossacos responderam a você, seu bastardo. Você nem mesmo pastoreará porcos para os cristãos. É aqui que terminamos, já que não sabemos a data e não temos calendário, o mês está no céu, o ano está no livro, e o nosso dia é igual ao seu, por isso, beije-nos ! - foi exatamente assim que, segundo a lenda, foi o final da carta dos cossacos Zaporozhye ao sultão turco. O seu texto chegou até nós em forma de listas (cópias escritas) e acredita-se que tenha sido escrito no século XVII, quando mais uma vez o sultão turco exigiu que os cossacos parassem de atacar a Sublime Porta e se rendessem.

Uma cópia foi encontrada pelo historiador Ekaterinoslav Novitsky, que a repassou a seu colega Yavornitsky, que, por sua vez, a leu para seus amigos, entre os quais estava o artista Ilya Repin. Ele ficou tão interessado no enredo que logo decidiu pintar um quadro baseado nele. O próprio Yavornitsky posou para Repin como modelo para o balconista. O artista pintou Ataman Sirko do governador-geral de Kiev, Dragomirov. E o cossaco gordo e risonho, de cafetã vermelho e chapéu branco, é o escritor Gilyarovsky.

A pintura foi posteriormente reconhecida como historicamente não confiável (e houve muitas reclamações sobre a carta em si), mas no final seu sucesso em exposições (inclusive no exterior) foi tão grande que a pintura acabou sendo comprada pelo próprio imperador Alexandre III para ser colocada em o Museu Russo.


A principal pintura histórica monumental do artista de Krasnoyarsk, Vasily Surikov, para a qual viajou para a Suíça. O próprio artista copiou o próprio comandante de um professor de um ginásio local ou de um oficial cossaco aposentado.

Acabou sendo uma ordem do governo por acaso: o artista pintou um quadro para o 100º aniversário da campanha alpina de Suvorov em 1899 e, como resultado, o imperador Nicolau II gostou tanto que o comprou para o Museu Russo.


Uma das pinturas-chave da obra do artista Vereshchagin, uma das poucas expostas no Museu Russo (a maior parte do acervo está guardada em Galeria Tretyakov). O artista - como sempre, com uma precisão fotográfica inimaginável na época - criou uma história real digna dos melhores fotojornalistas do nosso tempo. As luxuosas portas de uma mesquita da Ásia Central, e diante delas estão os pobres, para quem este mundo rico está fechado para sempre.

Esta, aliás, é uma das poucas pinturas não militares de Vereshchagin: ele ficou famoso principalmente como pintor de batalhas, revelando os horrores da guerra com a compostura de um repórter: e em Ásia Central, e nos Balcãs. Vereshchagin também morreu na guerra: no encouraçado Petropavlovsk em Port Arthur.


Estilização incrível enredo antigo artista da era Art Nouveau. Valentin Serov, inspirado nas escavações na ilha de Creta (onde, segundo a lenda, Zeus em forma de touro tomou a Europa), pintou não apenas uma pintura, mas um grande painel decorativo.

O Museu Russo abriga uma das seis cópias da pintura. Uma versão grande está na Galeria Estatal Tretyakov.


Uma das pinturas mais poderosas dedicadas a Guerra civil. Para Petrov-Vodkin, a morte é desprovida de qualquer pathos, de qualquer pathos. O comissário moribundo e o soldado que o segura não têm nenhuma expressão de dor e raiva em seus rostos: apenas cansaço, indiferença, falta de vontade de continuar se movendo, enquanto o resto dos soldados avança para a batalha ao som de tambores.


Alexander Deineka pintou este quadro em 1942, literalmente imediatamente após a queda de Sebastopol. Foram-lhe mostradas fotografias da cidade destruída e Deineka decidiu criar uma grande tela heróica sobre aqueles que defenderam Sebastopol. O resultado foi um quadro um pouco pretensioso, mas emocionalmente muito forte sobre a coragem e a desesperança da situação de quem decidiu não desistir a qualquer custo.

Foto: Pavel Karavashkin, annaorion.com, echo.msk.ru, ttweak.livejournal.com, HelloPiter.ru, rusmuseumvrm.ru, kraeved1147.ru


















Descrição

O Museu Estatal Russo é um dos museus mais visitados de São Petersburgo, cujo acervo inclui mais de 400 mil peças. Na Rússia, este é o maior museu que representa a coleção de obras nacionais Artes visuais.

A história da criação do museu remonta a século 19. Prédio Palácio Mikhailovsky, onde posteriormente foi fundado o Museu Russo, foi construído segundo projeto do arquiteto Carl Rossi em 1819-1825, cuja aparência arquitetônica é reconhecida como um exemplo notável conjunto palaciano no estilo alto classicismo. O primeiro dono do palácio foi Grão-Duque Mikhail Pavlovich é o quarto filho do imperador Paulo I.

EM Europa XIX séculos, já existiam museus de belas artes acessíveis ao público, a ideia de abrir um museu estatal de arte nacional também está sendo discutida entre a elite educada da sociedade russa.

Em 1889, o imperador Alexandre III adquiriu a pintura de I. Repin “Nicolau de Myra livra da morte três inocentemente condenados” - este evento está associado à ideia do soberano, que ele expressou sobre a fundação de um museu nacional nacional.
O plano de Alexandre III foi executado por seu sucessor, o imperador Nicolau II, e em 1895 foi criado o Museu Russo do Imperador Alexandre III. No mesmo ano, teve início a reconstrução dos corredores do Palácio Mikhailovsky para exposições museológicas, sob a liderança do arquiteto V. F. Svinin.

A inauguração do “Museu Russo do Imperador Alexandre III” ocorreu em 7 (19) de março de 1898.
O acervo do museu era composto por obras de arte doadas pelo Hermitage, pela Academia de Artes, pelos Palácios Gatchina e Tsarskoye Selo Alexander, além de doações de colecionadores particulares.

De acordo com o plano, a exposição do museu seria apresentada em três departamentos:
- departamento memorial, dedicado à memória Imperador Alexandre III;
- departamento etnográfico e artístico-industrial;
- Departamento de Arte.
A construção das instalações do Departamento Memorial atrasou e nunca foi inaugurada.

A coleção do departamento etnográfico foi exposta no Museu Russo, mas em 1934 foi transferida para o recém-inaugurado Museu do Estado etnografia dos povos da URSS.
A coleção do departamento de arte foi ativamente reabastecida e desenvolvida e, como resultado, o Museu Russo tornou-se a maior coleção de belas artes nacionais.

Em 1914, os corredores do Palácio Mekhailovsky não podiam mais acomodar toda a coleção do Museu Russo, e em 1914-1919 um novo edifício de exposições foi erguido de acordo com o projeto dos arquitetos L. Benois e S. Ovsyannikov, que recebeu o nome de o nome do autor é o edifício Benois.
Nos corredores do Museu Estatal Russo há uma grande variedade de arte nacional, começando com Rússia Antiga e até o nosso tempo.

Antigos ícones russos da coleção do Museu Russo, cuja exposição começou a se formar na fundação do museu e foi reabastecida ao longo do século 20, não são apenas monumentos da arte russa antiga, mas obras-primas de importância mundial.

Ao formar uma coleção pintura de cavalete serviu de base melhores trabalhos artistas dos séculos XVIII a XIX. Estas são telas pintura de retrato I. Vishnyakov, D. Levitsky, V. Borovikovsky, pinturas de temas antigos de F. Bruni, G. Ugryumov, a obra-prima mundialmente famosa de K. Bryullov “O Último Dia de Pompéia” e suas outras grandes telas, pinturas do o insuperável pintor marinho I. Aivazovsky e sua famosa "Nona Onda". Lugar especial no acervo do Museu Russo estão densamente ocupados por artistas do segundo semestre XIX começando Séculos XX - A. Ivanov, V. Vasnetsov, K. Makovsky, I. Repin, K. Savitsky, V. Polenov, V. Vereshchagin, V. Surikov, M. Vrubel. No museu estão amplamente representados pintores paisagistas russos notáveis ​​​​- os conhecidos I. Shishkin, I. Levitan, A. Kuindzhi. De particular interesse são as obras de artistas da associação World of Art, que trabalharam não só na direção da arte do cavalete, mas também da arte teatral, criando cenários e figurinos teatrais.

No período pós-revolucionário, o acervo do Museu Russo foi reabastecido por coleções privadas nacionalizadas e obras criadas por artistas de “novos movimentos”.

No primeiro andar Corpo de Benois exibido grande coleção funciona Período soviético e são realizadas exposições temáticas.
Hoje em dia, o acervo do museu é constantemente reabastecido não só por meio de compras governamentais, mas também pela doação gratuita de coleções particulares ao museu.

Hoje o Museu Estatal Russo é complexo de museu e inclui os palácios Mikhailavsky, Marble e Stroganov, o Castelo Mikhailovsky (Engenheiros), a Casa de Pedro I, conjuntos de jardins e parques - Jardim de verão com o Palácio de Verão de Pedro I e o Jardim Mikhailovsky.

Qualquer pessoa que ame a pintura russa provavelmente já esteve no Museu Russo de São Petersburgo (inaugurado em 1897). Claro que sim. Mas é no Museu Russo que estão guardadas as principais obras-primas de artistas como Repin, Bryullov, Aivazovsky.

Se nos lembrarmos de Bryullov, pensamos imediatamente na sua obra-prima “O Último Dia de Pompeia”. Se você fala sobre Repin, a imagem “Barge Haulers on the Volga” aparece na sua cabeça. Se nos lembrarmos de Aivazovsky, também nos lembraremos de “A Nona Onda”.

E este não é o limite. “Noite no Dnieper” e “Esposa do Comerciante”. Estas pinturas icônicas de Kuindzhi e Kustodiev também estão no Museu Russo.

Qualquer guia mostrará esses trabalhos. E é improvável que você mesmo passe por eles. Então, eu simplesmente tenho que falar sobre essas obras-primas.

Adicionando alguns dos meus favoritos, embora não os mais “promovidos” (“Akhmatova” de Altman e “A Última Ceia” de Ge).

1. Briullov. O último dia de Pompéia. 1833

Karl Bryullov. O último dia de Pompéia. Museu Estatal Russo de 1833

4 anos de preparação. Mais 1 ano de trabalho contínuo com tintas e pincéis. Vários desmaios na oficina. E aqui está o resultado - 30 metros quadrados, que retratam os últimos minutos de vida dos habitantes de Pompéia (no século 19 o nome da cidade era fêmea).

Para Bryullov, nem tudo foi em vão. Acho que não houve nenhum artista no mundo cuja pintura, apenas uma pintura, teria criado tal sensação.

As pessoas compareceram à exposição para ver a obra-prima. Bryullov foi literalmente carregado nos braços. Ele foi apelidado de o revivido. E Nicolau I homenageou o artista com um público pessoal.

O que impressionou tanto os contemporâneos de Bryullov? E mesmo agora não deixará o espectador indiferente.

Vemos um momento muito trágico. Em poucos minutos todas essas pessoas morrerão. Mas isso não nos desanima. Porque somos fascinados pela... Beleza.

A beleza das pessoas. A beleza da destruição. A beleza do desastre.

Veja como tudo é harmonioso. O céu em brasa combina perfeitamente com as roupas vermelhas das meninas da direita e da esquerda. E como duas estátuas caem espetacularmente sob a queda de um raio. Não estou nem falando da figura atlética de um homem montado em um cavalo empinado.

Por um lado, a imagem trata de um verdadeiro desastre. Bryullov copiou as poses das pessoas que morreram em Pompéia. A rua também é real; ainda pode ser vista na cidade limpa de cinzas.

Mas a beleza dos personagens faz com que o que aconteceu pareça mito antigo. Como se os belos deuses estivessem zangados com pessoas bonitas. E não estamos tão tristes.

2. Aivazovsky. A nona onda. 1850

Ivan Aivazovsky. A nona onda. 221 x 332 cm. Museu Russo de 1850, São Petersburgo. Wikipédia.org

Esta é a pintura mais famosa de Aivazovsky. O que até quem está longe da arte sabe. Por que ela é tão famosa?

As pessoas sempre ficam fascinadas pela luta entre o homem e os elementos. De preferência com final feliz.

Há mais do que suficiente disso no filme. Não poderia ser mais cheio de ação. Seis sobreviventes agarram-se desesperadamente ao mastro. Rolinhos próximos uma grande onda, nona onda. Outro a segue. As pessoas enfrentam uma longa e terrível luta pela vida.

Mas já amanheceu. O sol rompendo as nuvens rasgadas é esperança de salvação.

A poesia de Aivazovsky, assim como a de Bryullov, é belíssima. Claro, os marinheiros passam por momentos difíceis. Mas não podemos deixar de admirar as ondas transparentes, brilho do sol e céu lilás.

Portanto, esta pintura produz o mesmo efeito da obra-prima anterior. Beleza e drama em uma garrafa.

3. Gê. Última Ceia. 1863

Nikolai Ge. última Ceia. 283 x 382 cm. Museu Estatal Russo de 1863. Tanais.info

As duas obras-primas anteriores de Bryullov e Aivazovsky foram recebidas com entusiasmo pelo público. Mas com a obra-prima de Ge tudo ficou mais complicado. Dostoiévski, por exemplo, não gostava dela. Ela parecia muito realista para ele.

Mas os clérigos estavam muito insatisfeitos. Eles conseguiram até proibir a divulgação de reproduções. Ou seja, o público em geral não conseguia ver. Até 1916!

Por que uma reação tão mista à imagem?

Lembre-se de como a Última Ceia foi retratada antes de Ge. Pelo menos . Uma mesa ao longo da qual Cristo e os 12 apóstolos se sentam e comem. Judas está entre eles.

Para Nikolai Ge tudo é diferente. Jesus reclina-se. O que estava exatamente de acordo com a Bíblia. Era exatamente assim que os judeus comiam há 2.000 anos, à maneira oriental.

Cristo já fez a sua terrível previsão de que um dos seus discípulos o trairia. Ele já sabe que será Judas. E pede que ele faça o que tem em mente sem demora. Judas vai embora.

E logo na porta parecemos encontrá-lo. Ele joga sua capa sobre si mesmo para entrar na escuridão. Tanto diretamente como figurativamente. Seu rosto é quase invisível. E sua sombra sinistra cai sobre aqueles que permanecem.

Ao contrário de Bryullov e Aivazovsky, existem emoções mais complexas aqui. Jesus sente profunda mas humildemente a traição do seu discípulo.

Pedro fica indignado. Ele tem um caráter quente, deu um pulo e olhou perplexo para Judas. John não consegue acreditar no que está acontecendo. Ele é como uma criança que encontrou a injustiça pela primeira vez.

E há menos de doze apóstolos. Aparentemente, para Ge não era tão importante encaixar todos. Para a igreja isso foi fundamental. Daí as proibições de censura.

Teste você mesmo: faça o teste online

4. Repin. Transportadores de barcaças no Volga. 1870-1873

Ivan Repin. Transportadores de barcaças no Volga. 131,5 x 281 cm. Museu Estatal Russo. Wikipédia.org

Ilya Repin viu transportadores de barcaças pela primeira vez no Niva. E fiquei tão impressionado com sua aparência lamentável, especialmente em contraste com os moradores de verão que passavam férias nas proximidades, que a decisão de pintar o quadro amadureceu imediatamente.

Repin não pintou residentes de verão elegantes. Mas ainda há contraste na imagem. Os trapos sujos dos transportadores de barcaças contrastam com a paisagem idílica.

Talvez no século XIX não parecesse tão provocativo. Mas pelo homem moderno esse tipo de funcionário parece deprimente.

Além disso, Repin retratou um navio a vapor ao fundo. Que poderia ser usado como rebocador para não torturar as pessoas.

Na realidade, os transportadores de barcaças não estavam tão em desvantagem. Eles eram bem alimentados e sempre podiam dormir depois do almoço. E durante a temporada ganhavam tanto que no inverno podiam se alimentar sem trabalhar.

Repin pegou uma tela altamente alongada horizontalmente para a pintura. E ele escolheu bem o ângulo de visão. Os transportadores de barcaças vêm em nossa direção, mas não se bloqueiam. Podemos facilmente considerar cada um deles.

E o mais importante transportador de barcaças com cara de sábio. E um jovem que não consegue se acostumar com a pulseira. E o penúltimo grego, que olha para trás, para o caso perdido.

Repin conhecia pessoalmente todos os integrantes do arreio. Ele teve longas conversas com eles sobre a vida. É por isso que eles acabaram sendo tão diferentes, cada um com seu caráter.

5. Kuinji. Noite de luar no Dnieper. 1880

Arkhip Kuinji. Noite de luar no Dnieper. 105 x 144 cm. Museu Estatal Russo. Rusmuseum.ru

“Noite enluarada no Dnieper” é a mais trabalho famoso Kuindzhi. E não é de admirar. O próprio artista apresentou-a ao público de forma muito eficaz.

Ele organizou uma exposição pessoal. EM Hall de exibição estava escuro. Apenas uma lâmpada foi direcionada para a única pintura da exposição, “Noite de luar no Dnieper”.

As pessoas olhavam para a foto fascinadas. A brilhante luz esverdeada da lua e o caminho lunar eram hipnotizantes. Os contornos de uma aldeia ucraniana são visíveis. Apenas parte das paredes, iluminadas pela lua, sobressai da escuridão. Silhueta de um moinho tendo como pano de fundo um rio iluminado.

O efeito de realismo e fantasia ao mesmo tempo. Como o artista conseguiu tais “efeitos especiais”?

Além da maestria, Mendeleev também deu uma mãozinha aqui. Ele ajudou Kuindzhi a criar uma composição de pintura que brilhava especialmente no crepúsculo.

Parece que o artista tem uma qualidade incrível. Ser capaz de promover seu próprio trabalho. Mas ele fez isso inesperadamente. Quase imediatamente após esta exposição, Kuindzhi passou 20 anos recluso. Ele continuou a pintar, mas não mostrou suas pinturas a ninguém.

Antes mesmo da exposição, a pintura foi adquirida pelo Grão-Duque Konstantin Konstantinovich (neto de Nicolau I). Ele ficou tão apegado à pintura que a levou em uma viagem ao redor do mundo. O ar salgado e úmido contribuiu para o escurecimento da tela. Infelizmente, esse efeito hipnótico não pode ser devolvido.

6. Altmann. Retrato de Akhmatova. 1914

Nathan Altman. Retrato de Anna Akhmatova. 123 x 103 cm. Museu Estatal Russo de 1914. Rusmuseum.ru

“Akhmatova” de Altman é muito brilhante e memorável. Falando da poetisa, muitos se lembrarão desse retrato dela em particular. Surpreendentemente, ela mesma não gostava dele. O retrato lhe pareceu estranho e “amargo”, a julgar pelos seus poemas.

Na verdade, até a irmã da poetisa admitiu que naqueles anos pré-revolucionários Akhmatova era assim. Um verdadeiro representante da modernidade.

Jovem, esguio, alto. Sua figura angular é perfeitamente refletida pelos “arbustos” de estilo cubista. E um vestido azul brilhante combina bem com um joelho pontudo e ombros salientes.

Ele conseguiu transmitir a aparência de uma mulher elegante e extraordinária. No entanto, ele mesmo era assim.

Altman não entendia os artistas que podiam trabalhar em um estúdio sujo e não perceber as migalhas na barba. Ele próprio estava sempre vestido com esmero. E ele até costurou roupas íntimas sob encomenda, de acordo com seus próprios desenhos.

Também foi difícil negar-lhe a sua originalidade. Depois de pegar baratas em seu apartamento, ele as pintou em cores diferentes. Ele pintou um de ouro, chamou-o de “laureado” e o soltou com as palavras “Essa barata vai ficar surpresa!”

7. Kustodiev. Esposa do comerciante tomando chá. 1918

Boris Kustodiev. Esposa do comerciante tomando chá. 120 x 120 cm. Museu Estatal Russo. Artchive.ru

“The Merchant's Wife”, de Kustodiev, é um quadro alegre. Nele vemos um mundo de comerciantes bom e bem alimentado. Uma heroína com a pele mais clara que o céu. Um gato com rosto parecido com o de seu dono. Um samovar polido e barrigudo. Melancia em um prato rico.

O que poderíamos pensar de um artista que pintasse tal quadro? Que o artista sabe muito sobre uma vida bem alimentada. Que ele adora mulheres curvilíneas. E que ele é claramente um amante da vida.

E foi assim que realmente aconteceu.

Se você notou, o quadro foi pintado durante os anos revolucionários. O artista e sua família viviam extremamente mal. Pensamentos apenas sobre pão. Vida difícil.

Por que tanta abundância quando há devastação e fome por toda parte? Então Kustodiev tentou capturar o que se foi irremediavelmente vida linda.

E o ideal beleza feminina? Sim, o artista disse isso mulheres magras ele não está inspirado para criar. No entanto, na vida ele preferia exatamente essas pessoas. Sua esposa também era magra.

Kustodiev era um amante da vida. Por que você está surpreso, já que no momento em que o quadro foi pintado ele já estava acorrentado a cadeira de rodas. Ele foi diagnosticado com tuberculose óssea em 1911.

A atenção de Kustodiev aos detalhes é muito incomum para a época em que a vanguarda floresceu. Vemos todos os itens de secagem na mesa. Andando em Gostiny Dvor. E um bom sujeito tentando manter o cavalo funcionando. Tudo isso parece um conto de fadas, uma fábula. Que já existiu, mas acabou.

Resumir:

Se você quiser ver as principais obras-primas de Repin, Kuindzhi, Bryullov ou Aivazovsky, vá ao Museu Russo.

“O Último Dia de Pompéia”, de Bryullov, é sobre a beleza do desastre.

“A Nona Onda” de Aivazovsky é sobre a escala dos elementos.

“A Última Ceia” de Ge é sobre a consciência de uma traição iminente.

“Barge Haulers” de Repin é sobre um trabalhador contratado no século XIX.

“Moonlit Night on the Dnieper” é sobre a alma da luz.

“Retrato de Akhmatova” de Altman é sobre o ideal de uma mulher moderna.

A “Esposa do Mercador” de Kustodiev é sobre uma era que não pode ser devolvida.

Para quem não quer perder o que há de mais interessante sobre artistas e pinturas. Deixe seu e-mail (no formulário abaixo do texto), e você será o primeiro a saber dos novos artigos do meu blog.

PS. Teste você mesmo: faça o teste online

A última vez que estive no Museu Russo foi há muito tempo, na escola. E agora, quase vinte anos depois, eu estava pronto para ir para lá conscientemente.

Acabou sendo muito difícil para um russo comum entrar no Museu Russo. E absolutamente razão trivial: Ficaram sem números no guarda-roupa. A entrada foi bloqueada por uma tia rigorosa com um walkie-talkie e apenas grupos de excursão e cidadãos com crianças puderam entrar. Depois de ficarmos parados por quase uma hora e sem nos movermos, demos um passo desesperado - juramos publicamente que nem olharíamos na direção do guarda-roupa. E, vejam só, eles nos deixaram passar.
Com tal organização, por exemplo, a linha para os Museus do Vaticano contornaria o Vaticano. Mas não somos o Vaticano, de repente faz frio lá fora.


Para tirar fotos no museu, a câmera teve que comprar um ingresso separado pelo mesmo preço que eu - 250 rublos (a entrada para estrangeiros é cem rublos mais cara).

Sou uma pessoa distante da arte, então para mim o principal critério de avaliação de qualquer criatividade é “gosto” (bonito) / “não gosto” (feio). Por exemplo, eu absolutamente não gosto da imagem da foto do título.
Vou mostrar o que gostei abaixo.


K. Bryullov. O último dia de Pompéia. 1833.
Uma pintura que parece ter se tornado uma crônica documental evento histórico. É enorme e, se você chegar perto, seu olhar pousa nas pedras da calçada, cobertas de cinzas, coisas espalhadas sob os pés dos heróis - algo que você não vê nas ilustrações. Isso adiciona muito realismo ao que está acontecendo. Quando andei por Pompéia, era absolutamente impossível tirar essa imagem da cabeça: o céu vermelho, tudo desabava e figuras congeladas de horror.

A erupção do Vesúvio em muitas fotos elementos do mar Aivazovsky se equilibra na parede oposta do salão.


Esquadra russa na enseada de Sebastopol. 1846.
Relevante. A julgar pela exposição do museu, a Crimeia era geralmente um tema muito popular entre os artistas russos.


Aceno. 1899.
Um pequenino fragmento de uma imagem de um mar tempestuoso, onde um navio afunda no canto e marinheiros com mastro quebrado navegam quase para fora da tela sem chance de salvação.

As primeiras salas com arte do início do século XIX são interessantes; você pode ficar sentado ali meio dia, felizmente há sofás. As salas seguintes do século XVIII começam a cansar-se um pouco com retratos e interiores palacianos.

Teto:

Treliça:


Luta de animais em um bebedouro. Fabricação de treliças de Petersburgo. 1757.

Mosaico:


Fábrica Ust-Rudnitskaya M.V. Lomonosov. Retrato de Catarina II. 1762.
Apresentado à Imperatriz por ocasião de sua coroação.

Os últimos corredores do andar são ocupados pela arte russa antiga, ou seja, pintura de ícones:


Parece-me que foi daí que M. Larionov se inspirou.


A cabeça de Pedro - Cavaleiro de Bronze na Grande Escadaria.


V.Perov. Caçadores em repouso. 1877.
Repita a imagem. A primeira versão está exposta na Galeria Tretyakov.


I. Shishkin. Pomo de grama. Pargolovo. 1885.
Surpreendentemente - uma erva daninha contra o pano de fundo de uma cerca torta e pendurada no Museu Russo. Piada.


A. Savrasov. Descongelamento. Iaroslavl. 1874.
É hora de ir para Yaroslavl - há uma lacuna na minha geografia.

Um pouco sobre países estrangeiros em telas de grande porte:


V.Smirnov. Morte de Nero. 1888.
As mulheres vieram buscar o cadáver do imperador suicida. A parede vermelha é como o personagem principal.


G. Semiradsky. Friné no festival de Poseidon em Elêusis. 1889.
Sobre uma mulher que se imagina uma deusa e por isso se despiu publicamente. Uma imagem muito ensolarada e positiva.

V. Surikov:

Velho jardineiro. 1882.
Sobre a Rússia suja.


Vista do monumento a Pedro I Praça do Senado em São Petersburgo. 1870.
Sobre a capital.


A travessia dos Alpes por Suvorov. 1899.
A iluminação de algumas salas do museu é organizada de uma forma única: as pinturas brilham nelas de forma que simplesmente não são visíveis. Você tem que estudá-lo em fragmentos, mudando seu ângulo de visão.


Tomando a cidade nevada e o rio, entre os quais se avista a colunata do Salão Redondo do Palácio Mariinsky.

Pinturas grandiosas de I. Repin:


Uma reunião cerimonial do Conselho de Estado em 7 de maio de 1901 em homenagem ao centenário de sua criação. 1903.
São retratadas 81 pessoas, cada uma posando individualmente. Como ele conseguiu organizar a composição de forma que ninguém caísse? Nicolau II está sentado sob um retrato de Nicolau II de Repin. Recursão.

Em frente à pintura está pendurado outro retrato de Nicolau:

Retrato de Nicolau II. 1896.


Os cossacos escrevem uma carta ao sultão turco. 1891. Na direita Bielorrusso. 1892, esquerda Retrato de S. M. Dragomirova. 1889.


Transportadores de barcaças no Volga. 1873.
Um fragmento diretamente com caminhões-barcaças - personagens muito coloridos.

Para concluir o tema de Repin:


Mulher negra. 1876.


Num banco de relva. 1876.

A. Kuinji:


Mar. Crimeia. 1908.


Noite. 1908.

Duma sobre o destino da Rússia:


M. Antokolsky. Mefistófeles. 1883.

Cortador:


G. Myasoedov. Tempo de Paixão (Cortadores). 1887. Fragmento.

É sempre interessante observar os detalhes das pinturas cujo tema é uma cena de Vida real passado distante e não tão distante, alguma ação está acontecendo, muita gente:


K. Savitsky. Para a guerra. 1888.
despedindo-se dos soldados na guerra russo-turca de 1877-1878, que foi vitoriosa para nós, búlgaros.


K. Makovsky. Transferência do tapete sagrado para o Cairo. 1876.
Sobre o encontro dos peregrinos do Hajj. As impressões de um turista ao visitar o Egito eram claramente mais interessantes antes.


V. Polenov. Cristo e o pecador. 1888. Fragmento com um pecador e um burro. O burro parece nos dizer: “Agora vão apedrejá-los de novo, tanto quanto possível”.

Finalizando o tema oriental:


V. Vereshchagin. Na porta da mesquita. 1873.
Padrão de qualidade fotográfica na porta. Considerando que a imagem é praticamente em tamanho real, involuntariamente tive vontade de tocá-la para ver se era de madeira. A marca da mão na parede chama a atenção. Aliás, a porta fica um pouco visível pela figura da direita.

Outra versão dos pensamentos sobre o destino da Rússia de Antokolsky:


Ivan Groznyj. 1871.
Por algum motivo, ao lado da loja de souvenirs.

Vamos nos afastar um pouco da pintura.
Arte folclórica:


Concha. 1753.


Colcha de retalhos.


"Mosgos". Início do século XX.
Brinquedos sombrios de camponês Vyatka.


Valência. Final do século 18
Padrão intrincado.

Fábrica de Porcelana Imperial/Estado/Leningrado:


Um leão. 1911.
Ele realmente se parece com Lênin? O que ele está fazendo com a pata dianteira direita...


"Quem trabalha, come."
A porcelana de propaganda da década de 1920 é simplesmente linda.


Serviço com ornamentos suprematistas. 1932.

Vamos continuar com as pinturas.
O século 20 começa:


I. Levitano. Lago. Rússia. 1900. Fragmento.
A última pintura inacabada do artista.


K. Yuon. Dia ensolarado de primavera. Sergiev Posad. 1910.


M. Vrubel. Herói. 1898.
Fragmento com um pássaro.


M. Nesterov. Venerável Sérgio Radonej. 1899.


V.Serov. Banhando o Cavalo. 1905.


B. Kustodiev. Esposa do comerciante tomando chá. 1918.


N. Goncharova. Ciclista. 1913.


P. Filonov. Fórmula de primavera e forças ativas. 1928.
Um pequeno fragmento.


V.Kuptsov. ANT-20 "Maxim Gorky". 1934.
Sobre Strelka V.O., onde ele nunca voou.
O maior avião do mundo, construído em 1934, cairá um ano depois sobre Moscou, durante um vôo de demonstração com membros de famílias de fabricantes de aeronaves. E seis meses depois Kuptsov cometeria suicídio.


A. Samokhvalov. Condutora. 1928.
A Rússia Soviética como ela é.

Eles já tiravam selfies muito antes de isso se tornar popular:

K. Petrov-Vodkin. Auto-retrato. 1927.


L. Kirillova. Auto-retrato. 1974.

Crimeia novamente:


A. Deineka. Defesa de Sebastopol. 1942.

E isso é sobre o meu tempo:


V. Ovchinnikov. Pombal. 1979.

De forma alguma bom museu. Eu gosto disso.
______________________________

O decreto máximo sobre a criação do “Museu Russo do Imperador Alexandre III” no Palácio Mikhailovsky de São Petersburgo foi assinado há 120 anos, em 13 de abril de 1895.

Atualmente o Museu Estatal Russo é maior museu Arte russa no mundo. Seu acervo inclui 407,5 unidades de armazenamento. Em antecipação Data memorável o site lembrou 10 obras-primas da pintura que podem ser vistas no Museu Russo.

Arkhip Kuinji. "Noite de luar no Dnieper." 1880

Margem do rio. A linha do horizonte desce. A luz prateada e esverdeada da lua se reflete na água. “Moonlit Night on the Dnieper” é uma das mais pinturas famosas Arkhip Kuinji.

A magia da paisagem cativou o Grão-Duque Konstantin Konstantinovich, que a comprou por muito dinheiro diretamente na oficina do artista. O príncipe não quis se desfazer de sua pintura favorita nem durante sua viagem ao redor do mundo. Como resultado, seu capricho quase arruinou a obra-prima de Kuindzhi - devido à brisa marítima, a composição da tinta mudou e a paisagem começou a escurecer. Mas, apesar disso, a imagem ainda tem um apelo mágico, obrigando o espectador a observá-la por muito tempo.

A magia da paisagem cativou o Grão-Duque Konstantin Konstantinovich. Foto: www.russianlook.com

Karl Bryullov. “O último dia de Pompéia”. 1830-1833

“O último dia de Pompéia se tornou o primeiro dia para a escova russa!” - foi o que o poeta Evgeny Baratynsky escreveu sobre esta foto. A Escritor britânico Walter Scott chamou a pintura de “incomum, épica”.

A tela, medindo 465,5x651 cm, foi exposta em Roma e Paris. Ficou à disposição da Academia de Artes graças a Nicolau I. A pintura foi-lhe apresentada como presente pelo famoso filantropo Anatoly Demidov, e o imperador decidiu exibi-la na Academia, onde poderia servir de guia para pintores iniciantes.

É importante notar que Karl Bryullov se retratou tendo como pano de fundo uma cidade em colapso. O autorretrato do artista pode ser visto no canto esquerdo da pintura.

Karl Bryullov se retratou tendo como pano de fundo uma cidade em colapso. O autorretrato do artista pode ser visto no canto esquerdo da pintura. Foto: Commons.wikimedia.org

Ilya Repin. "Barcaças no Volga" . 1870-1873

O verão de 1870, passado pelo artista no Volga, a 15 verstas de Samara, teve grande influência baseado no trabalho de Ilya Repin. Ele começa a trabalhar na tela, na qual muitos mais tarde viram significado filosófico, a personificação da submissão ao destino e à força das pessoas comuns.

Enquanto estava entre os transportadores de barcaças, Ilya Efimovich Repin conhece o ex-padre Kanin, de quem mais tarde criaria muitos esboços para a pintura.

“Havia algo oriental e antigo nele. Mas os olhos, os olhos! Que profundidade de olhar, erguido até as sobrancelhas, que também tendem para a testa... E a testa é uma testa grande, esperta, inteligente; “Ele não é um simplório”, disse o mestre sobre ele.

“Havia algo oriental, antigo nele, mas os olhos, os olhos!” Foto: Commons.wikimedia.org

Ilya Repin. "Os cossacos escrevem uma carta ao sultão turco." 1880-1891

“Você é o demônio turco, irmão e camarada do maldito demônio, e o próprio secretário de Lúciper!” Segundo a lenda, foi assim que começou a carta que os cossacos Zaporozhye escreveram em 1675 em resposta à oferta do sultão Mahmud IV de ficar sob sua subordinação. História famosa formou a base pintura famosa Ilya Repin.

O conhecido enredo serviu de base para a famosa pintura de Ilya Repin. Foto: Commons.wikimedia.org

Victor Vasnetsov. "O Cavaleiro na Encruzilhada." 1878

O espírito poético das lendas folclóricas é transmitido com maestria na obra de Viktor Vasnetsov. A pintura foi apresentada pela primeira vez aos espectadores em 1878 como parte de uma exposição itinerante.

O artista trabalhou na pintura durante vários anos. Nas primeiras versões, o herói ficava de frente para o espectador, mas depois a composição foi alterada. O Museu Russo abriga uma versão posterior da pintura - 1882. A primeira versão de 1878 está no Museu Histórico e de Arte de Serpukhov.

Vale destacar que o enredo de “O Cavaleiro na Encruzilhada” está reproduzido na lápide do artista, que está sepultado no cemitério de Vvedensky.

O artista trabalhou na pintura durante vários anos. Foto: Commons.wikimedia.org

Ivan Aivazovsky. "A Nona Onda" 1850

Criada em 1850, a pintura “A Nona Onda” foi adquirida por Nicolau I.

A nona onda, na opinião dos marinheiros, é a mais destrutiva. Isto é o que os heróis náufragos têm de suportar.

Criada em 1850, a pintura “A Nona Onda” foi adquirida por Nicolau I. Foto: Commons.wikimedia.org

Valentin Serov. Retrato de Ida Rubinstein. 1910

A famosa dançarina e atriz Ida Rubinstein inspirou muitos artistas: Kees van Dongen, Antonio de la Gandara, André Dunoyer de Segonzac, Leon Bakst e Valentin Serov.

O pintor russo, considerado um mestre do retrato, viu-a pela primeira vez nos palcos parisienses. Em 1910 ele cria seu retrato.

“Há monumentalidade em cada movimento dela, apenas um baixo-relevo arcaico revivido”, a artista admirou sua graça.

A famosa dançarina e atriz Ida Rubenstein inspirou muitos artistas. Foto: Commons.wikimedia.org

Valentin Serov. O Estupro de Europa. 1910

A ideia de escrever “O Estupro da Europa” nasceu de Valentin Serov durante uma viagem à Grécia. Uma visita ao Palácio de Cnossos, na ilha de Creta, causou-lhe grande impressão. Em 1910, foi concluída a pintura, que se baseava na lenda do rapto de Europa, filha do rei fenício Agenor, por Zeus.

Segundo algumas evidências, Serov criou seis versões da pintura.

A ideia de escrever “O Estupro da Europa” nasceu de Valentin Serov durante uma viagem à Grécia. Foto: Commons.wikimedia.org

Boris Kustodiev. Retrato de F.I. Chaliapin. 1922

“Eu conhecia muitas pessoas interessantes, talentosas e pessoas boas. Mas se alguma vez vi um espírito verdadeiramente grande numa pessoa, foi em Kustodiev”, escreveu sobre o artista no seu livro autobiográfico “Máscara e Alma”. cantor famoso Fiodor Chaliapin.

Os trabalhos de pintura foram realizados no apartamento do artista. A sala onde Chaliapin posou para Kustodiev era tão pequena que o quadro teve que ser pintado em partes.

O filho do artista relembrou posteriormente um momento engraçado da obra. Segundo ele, para capturar na tela o querido cachorro de Fyodor Ivanovich, ele teve que recorrer a um truque: “Para que o pug ficasse com a cabeça erguida, um gato foi colocado no armário, e Chaliapin fez todo o possível para faça o cachorro olhar para ele.

A oficina onde Chaliapin posou para Kustodiev era tão pequena que o quadro teve que ser pintado em partes. Foto: Commons.wikimedia.org

Kazimir Malevitch. Círculo preto. 1923

Uma das pinturas mais famosas do fundador do Suprematismo, Kazimir Malevich, tem diversas opções. O primeiro deles, criado em 1915, hoje pertence a um acervo particular. O segundo - criado pelos alunos de Malevich sob sua liderança - está exposto no Museu Russo de São Petersburgo.

Especialistas observam que o “Círculo Negro” de Kazimir Malevich foi um deles três principais módulos do novo sistema plástico, o potencial formador de estilo da nova ideia plástica - Suprematismo.