Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Nagtapos mula sa Moscow State Conservatory. P. I. Tchaikovsky sa klase ng opera at symphony conducting (klase ng Propesor, People's Artist ng USSR Gennady Rozhdestvensky). Nag-aral siya ng solo singing sa Academy of Choral Art. V. S. Popov (klase ni Propesor Dmitry Vdovin).

Noong 2006, ginawa ng mang-aawit ang kanyang propesyonal na debut - sa "Mass of Life" ni F. Delius kasama ang National Philharmonic Orchestra ng Russia na isinagawa ni Vladimir Spivakov (unang pagganap sa Russia).

Noong 2007-2014 Soloist ng Moscow Novaya Opera Theatre. Noong 2010 ginawa niya ang kanyang debut sa Bolshoi Theater bilang Doktor Falk(“Ang Bat” ni I. Strauss).
Mula noong Setyembre 2014 - soloista ng Bolshoi Opera Company.

Repertoire

Sa Bolshoi Theater ginampanan niya ang mga sumusunod na tungkulin:
Dr. Falk("The Bat" ni I. Strauss)
Lopakhin(“The Cherry Orchard” ni F. Fenelon) - premiere sa mundo
Georges Germont(La Traviata ni G. Verdi)
Rodrigo(“Don Carlos” ni G. Verdi)
Lionel("Maid of Orleans" ni P. Tchaikovsky)
Marseilles("La Boheme" ni G. Puccini)
Robert("Iolanta" ni P. Tchaikovsky)
Malatesta si Dr("Don Pasquale" G. Donizetti)
Lesko("Manon Lescaut" ni G. Puccini)
Prinsipe Yeletsky(The Queen of Spades ni P. Tchaikovsky)
Shchelkalov("Boris Godunov" ni M. Mussorgsky)
Don Alvaro("Journey to Reims" G. Rossini)
kabisera("Eugene Onegin" ni P. Tchaikovsky)

Gayundin sa repertoire:
Robert("Iolanta" ni P. Tchaikovsky)
Onegin("Eugene Onegin" ni Tchaikovsky)
Belcore(“Love Potion” ni G. Donizetti)
Figaro (« barbero ng seville» G. Rossini)
Olivier salad("Capriccio" ni R. Strauss)
Bilangin di Luna("Troubadour" ni G. Verdi)
Amonasro("Aida" ni G. Verdi)
Alfio("Rural Honor" ni P. Mascagni)
iba pa

Noong Enero 2017, nakibahagi siya sa isang concert performance ng Rossini's Journey to Reims sa Bolshoi Theater, na ginampanan ang bahagi Alvaro(konduktor Tugan Sokhiev). Noong 2018, kinanta niya ang parehong bahagi sa premiere ng dula (direksyon ni Damiano Michieletto).

paglilibot

Noong 2011 ginampanan niya ang bahagi Guy de Montfort Teatro San Carlo(Naples).
Noong 2012 ginawa niya ang kanyang debut sa Paris National Opera(Palais Garnier) bilang Lopakhin (The Cherry Orchard ni F. Fenelon).
Noong 2012 ginawa niya ang kanyang debut sa Teatro Massimo(Palermo), gumaganap ng mga bahagi Shchelkalova at Rangoni sa opera na "Boris Godunov" ni M. Mussorgsky.
Noong 2012-13 ginampanan ang bahagi Renato(“Masquerade Ball” ni G. Verdi) sa Rovigo, Savona at Bergamo (Italy).
Noong 2013 ginampanan niya ang bahagi Seida("Corsair" ni G. Verdi) sa Teatro. G. Verdi sa Trieste, Guy de Montfort("Sicilian Vespers" ni G. Verdi) sa Pambansang Opera ng Greece, Rigoletto sa Opera Savona, Shchelkalova at Rangoni("Boris Godunov" ni M. Mussorgsky) c.
Noong 2013 ginawa niya ang kanyang debut sa Wexford Opera Festival, gumaganap ng bahagi Carla Gustav sa opera Christina, Reyna ng Sweden ni J. Foroni.
Noong 2014 ginawa niya ang kanyang debut sa Latvian National Opera, gumaganap ng bahagi Bilangin di Luna sa opera Il trovatore ni G. Verdi (konduktor A. Vilyumanis, direktor A. Žagars).
Noong 2014, sa Wexford Opera Festival, gumanap siya sa unang pagkakataon ng bahagi Jokanaan sa "Salome" ni R. Strauss.
Noong 2015 sa Glyndebourne Festival ginawa ang kanyang debut sa party Hilaga sa opera na "Polyeuctus" ni G. Donizetti, at noong 2017 gumanap din siya bilang Georges Germont sa La Traviata ni G. Verdi.
Noong 2014, ginampanan niya ang bahagi sa unang pagkakataon Sharpless sa Madama Butterfly ni G. Puccini (Colon Theatre, Buenos Aires).
Sa 2015-16 season, ginampanan niya ang bahagi ng Count di Luna (Il trovatore) sa Latvian National Opera, ang Lille Opera House, ang Luxembourg Grand Theater at ang Bavarian State Opera; Georges Germont (La Traviata) sa Pambansang Opera ng Chile (Santiago).
Noong Abril 2017 ay kinanta niya ang bahagi Enrico(“Lucia di Lammermoor” ni G. Donizetti) sa Cologne Opera.
Noong Hulyo ng parehong taon - ang bahagi ni Robert sa "Iolanthe" at ang pamagat na papel sa "Eugene Onegin" ni P. Tchaikovsky (konsiyerto na bersyon) sa mga pagdiriwang sa Aix-en-Provence at Savonlinna bilang bahagi ng paglilibot sa Bolshoi Theater (conductor Tugan Sokhiev). AT Pambansang Opera ng Bordeaux lumahok sa isang pagganap ng konsiyerto ng opera na "Pirate" ni V. Bellini, na gumaganap sa party Ernesto(Conductor Paul Daniel).
Noong 2018 sa Salzburg Festival gumanap bilang Yeletsky (The Queen of Spades, sa direksyon ni Hans Neuenfels, conductor na si Mariss Jansons), sa Opera ng Estado ng Bavaria- ang bahagi ng Count di Luna ("Troubadour"), sa Dresden Opera Semper- ang bahagi ni Enrico (G. Donizetti's Lucia di Lummermoor).

Noong 2019 ginawa niya ang kanyang debut sa Washington National Opera, gumaganap ng pamagat na papel sa premiere ng opera na "Eugene Onegin" (pagpapatuloy ng produksyon ni Robert Carsen; director Peter McClintock, conductor Robert Trevigno); sa Royal Opera Covent Garden- bilang Georges Germont (La Traviata), sa parehong papel na ginampanan niya sa unang pagkakataon sa entablado Mga Opera ng Los Angeles, at bilang Richard Fort (Puritans ni V. Bellini) - sa Bastille Opera.
Bilang bahagi ng Bolshoi Theater tour sa France, ginampanan niya ang bahagi ng Yeletsky (The Queen of Spades sa isang bersyon ng konsiyerto, conductor Tugan Sokhiev, Toulouse).

Nakipagtulungan siya sa mga konduktor tulad ng Kent Nagano, Gianluigi Gelmetti, Laurent Campellone, James Conlon at sa mga direktor tulad nina Francesca Zambello, Rolando Panerai, Adrian Noble, Elijah Moshinsky.

Nangunguna sa isang aktibong aktibidad ng konsiyerto. Patuloy siyang nakikipagtulungan sa Russian National Orchestra sa ilalim ng direksyon ni Mikhail Pletnev (sa partikular, nakibahagi siya sa mga pagtatanghal ng konsiyerto ng mga opera na Carmen ni G. Bizet, The Tales of Hoffmann ni G. Offenbach, Eugene Onegin ni P. Tchaikovsky, bilang pati na rin ang musika ni E. Grieg sa drama ni G. Ibsen "Peer Gynt"). Ay isang permanenteng miyembro Grand Festival ng Russian National Orchestra.
Noong 2011, nakibahagi siya sa isang concert performance ng La Traviata sa Göttingen (kasama ang Göttingen Symphony Orchestra, conductor na si Christoph-Mathias Müller). Nagtanghal kasama ang National Philharmonic Orchestra ng Russia sa ilalim ng direksyon ni Vladimir Spivakov at ang orkestra " Bagong Russia sa ilalim ng direksyon ni Yuri Bashmet.

ilimbag

Ang mamamahayag ng musika na si Vladimir Oivin ay nakikipag-usap sa sikat na baritone ng Moscow, soloista ng Bolshoi Theater na si Igor Golovatenko.

Vladimir Oivin: Sa iyo malikhaing paraan medyo hindi pangkaraniwan para sa mga mang-aawit at instrumentalist. Sila ay karaniwang, mamaya o mas maaga, ay may posibilidad na magsagawa, at nagsimula ka sa pagsasagawa, at pagkatapos ay lumipat sa mga vocal. Ano ang nag-udyok sa iyo na gawin ito? Ano ang hindi mo nagustuhan sa pagsasagawa?

Iyan ay isang napakahirap na tanong. In fact, to clarify, hindi ako nagsimula sa conducting, pero before that, cellist pa ako.

- Ito ay paaralan. I mean sa institute.

– Ang isang seryosong buhay propesyonal sa musika ay nagsimula sa pagsasagawa, ngunit ang mga ugat nito ay nasa isang lugar na napakalalim. Napakahirap magbigay ng tiyak na sagot sa tanong na ito.

- Hindi malinaw ang sagot.

- Nagsimula akong kumanta noong nag-aaral pa ako sa Moscow Conservatory. Pumasok ako sa graduate school, at wala akong intensyon na isuko ang isang bagay, baguhin ang aking propesyon.

Bakit ka kumanta noon? So for fun lang?

- Para sa kapakanan ng interes.

- At kanino ka unang nagsimulang mag-aral ng mga vocal?

- Sa conservatory mayroon kaming isang opsyonal na paksa na maaari mong kunin o hindi. Ngunit sa paanuman ang lahat ay nagsimulang maglakad, ito ay kawili-wili. Ang paksa ay tinawag na ... isang bagay tulad ng "Mga paraan ng pakikipagtulungan sa mga mang-aawit para sa mga konduktor."

Nagsimula kaming lahat na subukang kumanta doon - ang ilan ay nagtagumpay, ang ilan ay hindi, ngunit sa prinsipyo ang ideya ay tulad na gusto nilang "isawsaw" kaming lahat sa mga vocal nang kaunti upang masubukan namin kung ano ito sa pangkalahatan - ang pag-awit. Paano kumanta ang mga mang-aawit, bakit sila kumakanta, anong mga awit ang umiiral, atbp. Pagkatapos ay nagsimula kaming mag-aral ng ilang mga gawa sa iba't ibang wika. Ito ay nakakabaliw na kawili-wili. Tapos kahit papaano napunta. Tumunog ang boses. Ito ay naging mas kawili-wili.

Pagkatapos ay nakilala namin si Dmitry Yuryevich Vdovin, nagsimula kaming mag-aral nang seryoso, propesyonal.

- At sino ang nagdala sa iyo sa Vdovin? O ganito ang kaso?

- Sa katunayan, dinala ako ni Svetlana Grigorievna Nesterenko sa kanya. Dumating ako sa audition para sa kanya - siya ang pinuno ng departamento ng solo na pag-awit sa Gnessin College, kung saan nagtrabaho ang aking unang guro na si Maria Viktorovna Ryadchikova, nagtrabaho ako sa kanyang klase bilang isang accompanist. Doon ko nakilala si Svetlana Grigorievna, at ipinakilala na niya ako kay Dmitry Yuryevich. Ito ay isang kumplikadong thread.

– Sa paghusga sa mga resulta ng trabaho ni Vdovin sa Bolshoi Theater Youth Opera Program, ang kanyang pedagogical na pamamaraan ay napaka-epektibo.

“Sa tingin ko, halos lahat ng alam ko nakuha ko sa kanya. Dito kailangan nating magbahagi. Ibinabahagi ko para sa aking sarili. Ang merito ni Maria Viktorovna (nagtatrabaho pa rin siya sa Gnesinka) ay ipinakilala niya ako sa propesyon. Nagsimula kaming mag-aral noong graduating na ako sa conservatory. Hindi kahit na ang teknolohiya, ngunit simpleng nagkaroon ng interes sa lahat ng ito, at sa katotohanan na mayroon akong boses, na kailangan itong paunlarin. Kahit na noon, ang pag-iisip ay tumunog: bakit ibaon ang talento sa lupa, kung ito ay umiiral? Kung may boses, bakit hindi subukan? Pagkatapos ay walang tanong na aalis ako sa pagsasagawa, bagaman sa oras na iyon ay hindi ako propesyonal na hinihiling bilang isang konduktor. Wala akong trabaho - at iyon, siyempre, ay may papel din.

- Sino ang nagturo sa iyo ng mga pangunahing kaalaman sa propesyon ng isang bokalista?

- Lahat ng teknolohikal na bagay, halos lahat ng vocal equipment ay kay Vdovin. Matagal na naming ginagawa ito.

Ilang taon ka noong nagsimula kang kumanta?

- 25 taon. Ito ay nasa oras na ng pagdating sa Vdovin.

- Sa isang kahulugan, ito ay mabuti pa: sinadya mong ginawa ang hakbang na ito.

- May mga plus at minus. Minus - kung nagsimula ako ng mas maaga, marami pa sana akong naabot ngayon, ngunit ang kapalaran ay isang bagay na mahirap sabihin kung ano ang tama. Sa kabilang banda, napakabuti na mayroon akong ilang mga seryosong layer ng edukasyon na talagang nakakatulong sa akin ng malaki. At mag-navigate sa entablado - sa mga sandali kung kailan mahirap mag-navigate.

– Madali mong mabasa ang score.

- Oo. Sa prinsipyo, alam ko kung aling mga instrumento ang tumutugtog sa ngayon, kung kanino kailangan mong marinig sa sandaling ito, dahil hindi mo na kailangang patuloy na tumingin sa konduktor. Dahil ramdam ko ang nangyayari. Minsan nakakasagabal. May mga sandali na hindi ko sinasadyang tumingin sa isang kasamahan sa console na may propesyonal na mata. Kailangan mong maging kontrolado at pinigilan. Hindi ko kailanman ina-advertise ang aking kaalaman sa pagsasagawa.

- Maaari mong sabihin sa konduktor na ito ay mas maginhawa para sa iyo, halimbawa, upang kumanta sa tatlong-kapat, at hindi sa anim na ikawalo.

- Mayroon lamang akong isang kaso nang maglakas-loob akong sabihin sa konduktor kung magkano ang gagawin. Hindi ko lang kayang kantahin ang parirala. Ngunit halos hindi ko pinapayagan ang aking sarili na gawin ito.

Kung nakikita ko na mahirap para sa akin, nagsisimula akong kumanta nang iba. Ako ay sumulong o nagpapabagal sa takbo, ngunit hindi ko sinabi sa pamamagitan ng mga salita: "Maestro, ganito ang dapat dito!" Wala akong moral na karapatang gawin iyon, kahit papaano.

- Well, maaari mong sabihin nang mahina: "Bakit hindi subukan ang ganitong paraan?"

– Ito ay palaging mapanganib, dahil maaari itong makapinsala sa vanity ng konduktor. Bukod dito, ngayon ay lumayo na ako sa propesyon na ito. Sinusubukan kong kumilos nang tama - at kahit na may alam ako, hindi ko ito ipinapakita.

– Sabihin sa amin ang tungkol sa pakikipagtulungan kay Dmitry Vdovin.

- Nakamamangha. Naalala ko kung paano ako lumapit sa kanya sa unang pagkakataon, kumanta, sa aking palagay, ang eksena ng pagkamatay ni Rodrigo mula kay Don Carlos ni Verdi. Simula noon, nagsimula na kaming magtrabaho. Maraming kawili-wiling bagay ang nangyari.

Siya ay isang lubhang hinihingi na guro, at kung wala ang pangunahing kalidad na ito ay wala. Kahit sa silid-aralan, palagi niyang sinisikap na makamit ang pinakamataas na resulta. Hindi naman sa palakas ng palakas ang pagkanta ng lahat. Kung nakarinig siya ng anumang mga pagkakamali - upang maitama ang mga ito hangga't maaari. Kung ang isang tao ay gumawa ng isang bagay na mali, kung gayon ang layunin ng aralin ay iwasto ang pagkakamaling ito.

Ang kakaiba ng kanyang pandinig ay may naririnig siyang mali sa kanyang boses na sa loob ng ilang taon ay masisira ang kanyang boses. Ngunit para sa mga hindi pa nakakaalam, ang mga ito ay literal na hindi makilala ang mga milimetro.

- Siya ay nagtuturo nang husto– o vice versa, kahit papaano mahina?

- Hindi ko sasabihin na ito ay direktang matigas, ngunit hinihingi. Magkaiba. Ang tanging hindi niya kayang panindigan ay ang katamaran, kawalan ng pansin at walang pinag-aralan na text. Para sa akin, ang pangunahing bagay ay siya ay una at pangunahin sa isang musikero. Ito ay nagmula sa esensya ng musika. Kung mayroong ilang parirala na kailangang kantahin sa ganoong paraan, makakamit niya ito. Upang makamit ang ilang partikular na mga aksyong pangmusika. Para sa kanya, ang vocal technique ay mahalaga hindi bilang isang pagtatapos sa sarili nito, ngunit bilang isang paraan ng pagpapahayag ng musikal na pag-iisip. Ito ang pinakamahalagang bagay na iyong pinagsisikapan sa kanyang mga aralin.

– Paano siya nakipagtulungan sa iyo sa diction? Ang diksyon tulad ng sa iyo ay isang bihirang kaso. Mayroon kang isang magalang na saloobin sa salita.

Sa kanya din galing. Paulit-ulit niyang inuulit at inuulit sa amin na kinakailangan na matuto ng mga wika, kapwa upang makipag-usap, at, una sa lahat, upang kumanta sa mga wikang ito at maunawaan kung ano ang iyong kinakanta. Nakatutuwang panoorin pagdating ng mga bagong estudyante - nagtrabaho ako bilang accompanist sa kanyang klase sa loob ng isang taon o isang taon at kalahati; opisyal na sa akin Kasaysayan ng pagkaempleyado ay nasa Academy of Choral Art. Kami ay nagtrabaho sa parallel, at ako ay nagtrabaho.

Ito ay isang napaka-kagiliw-giliw na proseso, dahil nakaupo ako buong araw, naglaro, dumating iba't ibang tao- at ngayon, halimbawa, dumating ang isang tao na hindi alam kung tungkol saan ang aria. O hindi alam ang pagsasalin. Agad itong naririnig. Ang isang tao ay maaaring makinig sa isang recording at kumanta ng isang bagay sa pamamagitan ng pagkopya, ngunit hindi niya mapupunan ang isang musikal na parirala ng kahulugan kung hindi niya alam kung ano ang kanyang kinakanta.

May mga nakakatawang kaso. Kung ang isang bagong gawain ay natutunan, Dmitry Yuryevich palaging nangangailangan na ito ay isalin verbatim upang maaari mong muling sabihin kung ano ito ay tungkol sa. Mahalagang malaman hindi lamang ang pagsasalin, kundi ang pangkalahatang konteksto. Kung ito ay isang aria, kung gayon kung saan matatagpuan ang opera, kung sino ang tinutugunan kung kanino. Ang gawaing ito, sa kabila ng gawain nito, ay kinakailangan sa proseso ng edukasyon. At ang diction ay napakahalaga sa anumang wika. Mayroong mga nuances ng pagbigkas sa Italyano, Pranses…

– Para sa mang-aawit, tatlong wika ang pangunahing: Italyano, Aleman at Pranses.

- Sa palagay ko, oo. Gayundin ang Ruso, siyempre. Sa kabila ng katotohanan na siya ay katutubong, mayroon din siyang mga nuances. Halimbawa, ang mga dobleng katinig, na kung saan ay marami sa ating wika, ngunit sa ilang kadahilanan ay nagtipid sila, at ang teksto ay naghihirap mula dito. Imposibleng isipin ang mga romansa ni Tchaikovsky na may masamang diction. Ito ay magiging kakila-kilabot!

Ang pinakamahalagang bagay na dapat kong sabihin tungkol sa pedagogical na imahe ni Vdovin ay palaging mayroon siyang komprehensibong indibidwal na diskarte. Naririnig niya ang boses at ang personalidad nito nang kamangha-mangha na hindi siya nagkaroon ng "pangkalahatang" diskarte. Para sa bawat estudyante, para sa bawat boses, palagi niyang pinipili ang tanging prinsipyo na kabilang sa partikular na boses na ito, sa partikular na taong ito. Para sa kanya ito ay napakahalaga. Lagi niyang naririnig sa complex. Walang ganoong diction lang o technique lang ang ginagawa niya. Pagdating sa pamamaraan - kung paano kumanta ng isa o isa pang nangungunang nota, kung gayon ito ay palaging nakatali sa buong pariralang pangmusika sa konteksto. Ito, sa palagay ko, ang pinakakahanga-hangang sandali.

- Ano ang iyong debut yugto ng opera?

- Kung ang ibig mong sabihin ay ang pinakaunang bahagi, ito ay si Marullo mula sa Rigoletto sa Novaya Opera. Nagkaroon ako ng dalawang debut na may pahinga sa isang linggo. Pagkatapos ay kumanta ako sa The Magic Flute - mayroong isang bahagi ng pari-orator, kung saan nakikipag-usap siya kay Tamino. Dalawang pahina ng teksto. May recitative lang. Pagkatapos, noong 2010, kinanta ko ang Onegin, pagkatapos ay si Robert mula sa Iolanta, pagkatapos ay nagsimula akong kumanta ng mga seryosong bahagi.

- Bakit ka, nag-aaral kasama si Vdovin, ay hindi nakapasok sa Youth Opera Program ng Bolshoi Theater kasama niya?

- Sapagkat kami ay nag-aaral nang napakatagal at hindi niya nakita ang pangangailangan para sa akin, o ako. Napakahusay ng komunikasyon namin, nagpapractice pa rin kami, at sa tuwing naghahanda ako ng bagong batch, lagi ko siyang pinupuntahan at alam kong hahanapan niya ako ng oras. Sa katunayan, hindi na kailangang maging sa programa ng kabataan; at pagkatapos - pagkatapos ng lahat, sa oras na iyon ay medyo matanda na ako.

Para sa mga mang-aawit, ang edad ay isang kamag-anak na konsepto.

- Ngunit, gayunpaman - bakit harangan ang kalsada para sa iba, kung mayroon na akong pagkakataon na makipag-usap sa propesor!

- Sa panahong ito, marami kang kumanta, ano ang ipapangalan mo sa iyong mga paboritong bahagi?

- Malamang, higit sa lahat, si Verdi pa rin. Mahirap sabihin kung ano ang pinakapaborito, maraming ganoong party. Sa iba pang kinanta ko, siyempre, ang papel ng Onegin, na ginampanan ko nang maraming beses; ngunit sa bawat oras na maaari mong isipin ito sa anumang paraan sa isang bagong paraan, maghanap ng ilang mga bagong kulay. Siyempre, ito si Figaro sa The Barber of Seville; ito ay isang ganap na naiibang mundo, isang kakaibang istilo.

- Tongue Twisters?

Ito ay Beaumarchais! Magiting na edad, galanteng istilo. Pagkatapos, siyempre, "Don Carlos" at "Il trovatore", bagaman ang "Il trovatore" ay mas mahirap, at hindi ko ito gaanong kinakanta. Ngunit si Don Carlos at, siyempre, ang Germont sa La Traviata ang aking mga paborito. Ang bahagi ni Germont ay kamangha-mangha, at ito ay isinulat nang may mahusay na kasanayan, na may mahusay na kaalaman sa vocal technique.

By the way, paano mo kinakanta ang part na ito? Sa ikalawang yugto, ang isang malaking piraso ay karaniwang huminto dito.

- Bumili din kami.

- Bakit? Ang kuwenta ay napakarilag, napakaganda at hindi masyadong kumplikado!

Igor Golovatenko - Germont. Pagganap ng Bagong Opera Theatre. Larawan - Daniel Kochetkov

- Minsan ay kinanta ko ang panukalang batas na ito sa Germany, sa isang pagtatanghal ng konsiyerto, at kinanta namin ang lahat doon. Hindi ko maipaliwanag sa iyo kung bakit ito pinutol. Noong si Laurent Campellone ang direktor ng entablado sa Bolshoi, nais niyang gawin ang buong pagtatanghal nang walang mga pagbawas, upang ang lahat ay maging tulad ng isinulat ni Verdi: dalawang beses na "Addio del passato", dalawang beses na cabaletta ni Georges Germont, atbp.

Ang mga unang ilang rehearsal ay nakakabaliw na kawili-wili, dahil natagpuan namin ang ganap na bagong mga kulay, mga bagong kahulugan sa mga pag-uulit na ito, ngunit pagkatapos ay naisip ng direktor na si Francesca Zambello na ito ay mayamot. Sa pangkalahatan, kumbinsido ako na anuman komposisyon ng musika, lalo na ang opera, ay palaging nawawala ang ilang kahulugan nito mula sa naturang "surgical intervention".

– May recording ng La Traviata mula sa isang 1968 Deutsche Oper performance kasama si Lorin Maazel sa console, na pinagbibidahan ni Pilar Lorengar (Violetta), Giacomo Arragel (Alfred) at Dietrich Fischer-Dieskau (Georges Germont). Sa recording na ito, una kong natuklasan na sa eksena nina Alfred at Georges Germont, ang ama ay may isang malaking fragment - cabaletta, na halos palaging tinanggal.

- Maraming tao ang nag-iisip na ang musikang ito ay katulad ng sa aria. Ito ay, wika nga, ang "opisyal na bersyon". Siyempre, ang musika ay kamangha-manghang - patuloy niyang kinukumbinsi ang kanyang anak sa madaling salita, pinapalambot ang tono. Before that, sumisigaw lang tapos, after ng cabaletta, mas logical yung pasabog na nangyayari. Ngunit, tulad ng sinasabi nila, ang panginoon ay ang panginoon. Kung sino ang naglalagay, pinutol niya - wala tayong magagawa dito.

At muli kong kinanta ang aria na ito nang buo nang ang konsiyerto na "La Traviata" na walang mga hiwa ay ginanap sa Novaya Opera noong nakaraang taon sa Epiphany Festival. Si Alexander Samuil ay nagsagawa doon, si Lyuba Petrova, si Gosha Vasiliev ay kumanta - mayroong isang mahusay na line-up, at lahat kami ay kumanta ng lahat, na may mga cabalette.

- Alin sa kasalukuyang aktibong repertoire ang pinaka-interesado mo?

- Oo, lahat ay kawili-wili! Kahit papaano ay masuwerte ako: Hindi ko kinakanta ang mga bahaging iyon na hindi gaanong interesado sa akin. Nagpunta ako kamakailan sa Ireland - mayroong isang kamangha-manghang "Salome" Pranses na kompositor Antoine Mariotte. Nang ipadala sa akin ang sheet music, nagulat ako - hindi ito maihahambing sa Richard Strauss sa lahat (bagaman ang parehong mga opera ay isinulat nang halos sabay-sabay, at mayroon pa silang labanan sa copyright para sa paglalaro ni Wilde doon). Ang musika ay napaka-interesante, medyo nakapagpapaalaala sa Massenet sa istilo.

Pagkatapos ay nagkaroon ako ng debut sa Buenos Aires sa maalamat na Colón Theatre, kung saan kumanta ako ng Sharpless sa Madama Butterfly ni Puccini. Nakakabaliw din ito, dahil pagkatapos nito ay kinanta ko ang "La Boheme" dito. Kung ang 2013 ay ang taon ng Verdi para sa akin (kumanta ako ng walong bahagi ng Verdi sa isang panahon), kung gayon ang 2014 ay ang taon ng Puccini. Kinanta ko ang Sharpless, Marcel. Oo nga pala, salamat kay Sokhiev, naging napakainteresante ang taong ito dahil gumagawa kami ng Tchaikovsky's Maid of Orleans at La bohème.

– Ang iyong party sa Maid of Orleans ay isa sa pinakakawili-wili.

- Ang isang malaking halaga ng trabaho ay tapos na.

- Hindi ko gusto si Anna Smirnova, ang tagapalabas ng titulong papel. Matulis ang kanyang tunog sa itaas, humirit lang - hindi niya ito partido

Igor Golovatenko at Anna Smirnova. Ang pagtatanghal ng konsiyerto ng The Maid of Orleans ni Tchaikovsky sa Bolshoi Theatre. Larawan - Damir Yusupov

- Hindi ako makikipagtalo - pagkatapos ng lahat, ito ay isang matinding, brutal na laro. Tila sa akin ay wala nang mas mahirap alinman sa Tchaikovsky o sa repertoire ng Russia sa pangkalahatan. At pagkatapos: dapat nating isaalang-alang ang katotohanan na sa panahon ng paghahanda ay kumanta siya ng marami halos araw-araw, at tila napagod siya sa pagganap, lalo na ang pangalawa (bagaman tila sa akin na ang pangalawa ay mas mahusay kaysa sa una) . Baka nag-aalala siya.

Sa anumang kaso, ang The Maid of Orleans, pagkatapos ay ang La Boheme noong Enero at pagkatapos ay ang La Traviata, na isinagawa din ngayon ni Tugan Taimurazovich, ay napaka-kagiliw-giliw na mga gawa para sa akin, at natutuwa ako na sa pinuno ng Bolshoi Theater - napakaganda at mahuhusay na konduktor.

- Medyo tungkol sa purong vocal technique. Lalo kong nagustuhan ang cycle ni Poulenc na "Mischievous Songs" sa iyong konsiyerto noong Enero 27 - ang katotohanan na ipinakita niya ang iyong boses sa lahat ng hanay.

– Napakahirap kumanta doon, dahil may napakalaking “scatter of tessitura” kung sabihin.

- Ang ganitong pagkalat mula sa ibaba hanggang sa itaas ay nagpakita na mayroon kang isang hindi pangkaraniwang pantay na boses kapag lumilipat mula sa rehistro patungo sa pagpaparehistro, nang walang mga tahi - na napakabihirang. Mayroon ka bang natural na boses - o ginawa mo ba ito?

- Siyempre, pinaghirapan namin ito, dahil bagaman ang boses ay ibinigay ng kalikasan, dapat itong iproseso. Anumang boses, kung dahil lamang, sa prinsipyo, ang pag-awit ay isang ganap na hindi likas na proseso para sa katawan. At kung ang boses ay may ilang mga kapintasan o mga depekto sa likas na katangian, kailangan mong magtrabaho upang pakinisin ang mga ito.

- Kailangan mong magtrabaho nang husto - o ito ba ay kapantay ng kalikasan?

– Nang hindi nagsasaad ng mga detalye, kailangan kong magtrabaho nang husto dahil, sa katunayan, nagbabago rin ang boses sa proseso ng pag-awit - unti-unting lumalakas ang paghinga, nagsimulang gumana ang ilang mga kalamnan, ang pagkakaroon nito na hindi natin pinaghihinalaan sa ordinaryong buhay. Ipagpalagay na nakamit mo ang isang bagay, at pagkatapos ay nagbago ang boses, at kailangan mong gawin itong muli. Ito ay isang proseso na hindi tumitigil. Kailangan pa ring ayusin ang isang bagay dahil sa ilang kadahilanan. Sabihin nating ibang repertoire - hindi mo maaaring kantahin si Rodrigo sa Don Carlos na may parehong boses, na may parehong tunog - at Figaro, o Onegin. Ito ay ganap na magkakaibang mga bagay na kailangang itama.

Para sa La Boheme, nagsikap kaming gawing mas nakolekta ang tunog, mas compact, hindi ka makakanta gamit ang parehong tunog na kinakanta mo sa Troubadour. Doon dapat itong maging mas madilim, mas homogenous, ngunit sa "La Boheme" ay walang ganoong pag-awit, isang walang katapusang cantilena.

– Ginawa mo ba ang Poulenc cycle sa unang pagkakataon?

- Oo, pinangarap kong kantahin ang siklo na ito sa loob ng limang taon. Sa unang pagkakataon na kantahin ko ito at sana hindi ito ang huli, uulitin natin. Ito ay halos kaparehong programa (marahil walang zarzuela).

– Napakalaki ng programa kahit wala sila.

- Marami akong nagtrabaho sa Poulenc, dahil imposibleng kantahin ito, kaya magsalita, "on the fly" - kailangan mong magtrabaho nang husto dito. Marami maliliit na bahagi, na kailangan mong gawin gamit ang iyong boses, dahil maaari mong matutunan ang teksto, ngunit hindi ka makakanta nang ganoon kadali - mayroong mga pinakamahirap na paglipat; at ang mga kanta ay ibang-iba sa istilo.

- Oo, mula sa hooliganism ng mga unang kanta hanggang sa panalangin. At ang huli, "Serenade", ay ganap na naiiba sa istilo.

- Ito rin ang pagsasalin ng pangalan ng cycle ay smoothed out, ngunit literal ito tunog "malaswa kanta". Mayroong ilang medyo pangit na nilalaman doon. Ang galing ng musikang ito ay mayroong mga teksto - maihahambing sa mga teksto ng mga biro. Ang galing ni Poulenc ay pinagsama niya ang mga tekstong ito sa kamangha-manghang dalisay at kahanga-hangang musika. Hindi ko pinag-uusapan ang kadalisayan ng istilo - mula sa pananaw ng kompositor, lahat ay kamangha-manghang nakasulat doon. Wala talagang dapat ireklamo. Ang form ay binuo nang tumpak.

- Buuin mo rin ang form nang napakatumpak.

– Sibirtsev at ako ay nagtatayo nito nang magkasama. Siyempre, kailangang gawin ito.

- Bagaman mayroon akong sariling mga reklamo tungkol sa Sibirtsev - "hinatak niya ang kumot sa kanyang sarili" nang kaunti, naglaro nang malakas sa ilang mga lugar.

Hindi naman siguro ako makikipagtalo. Gustung-gusto ko ang lugar na ito sa foyer, mayroong isang tradisyon doon. Ngunit sa mga acoustics, mayroong ... Hindi ko sasabihin ang mga problema, ngunit ang ilang mga nuances, mga detalye na mahirap isaalang-alang. Doon ang site ay kumplikado, hindi maliwanag.

- Kumanta ka sa maraming yugto sa Kanluran, ngunit hindi ka pa nakakanta sa pinakamagaling.

- Kailangan mo pa ring lumaki sa kanila. Alam mo naman kung tutuusin, siyempre, lahat tayo ay naghahangad na pumunta doon, ngunit ang aking landas ay unti-unti. Oo, at ang mga nerbiyos na nauugnay sa napaaga na mga pagtatanghal sa mga yugtong ito ay maaaring humantong sa ilang mga kahihinatnan - tulad ng, halimbawa, nagkaroon ako ng kuwento sa Rigoletto: Sikolohikal na hindi ako handa para sa lumang bahaging ito. Ito ay, sa palagay ko, medyo normal para sa antas kung saan ako.

Ano ang "kwento" na ito?

- Sa isang lugar noong Nobyembre 2012, tinawagan ako ng aking ahenteng Italyano - noong panahong iyon ay kinakanta ko ang Un ballo sa maschera at ang Corsair ni Verdi sa Italya - at nag-alok na kumanta ng Rigoletto sa Savona sa tag-araw ng 2013. Sa una ay tiyak na tumanggi ako, ngunit patuloy niya akong hinikayat, at sa huli ay pumayag ako.

Ang mga argumento ng aking ahente, gayunpaman, ay makatwiran: ang pangangailangan na magkaroon sa kanyang repertoire ng isang papel bilang Rigoletto at, nang naaayon, ang pagkakataong mag-debut sa pinakakanais-nais na kapaligiran. Ito ay isang pagtatanghal sa isang maliit na teatro (hindi kahit na sa teatro mismo, ngunit sa isang bukas na lugar sa isang lumang kuta); dalawang pagtatanghal lamang, isang napakaikling proseso ng pag-eensayo - mga dalawang linggo (ang malaking panganib ay palaging kahit na maaari mong kantahin ang buong bahagi, kasama ang orkestra, atbp., kung minsan ay napakahirap na makatiis sa buong proseso ng pag-eensayo ng produksyon, na maaaring tumagal ng isang buwan o higit pa kahit para sa mga nakaranasang mang-aawit); isang orkestra ng Italyano na gumagalang at nagmamahal sa mga mang-aawit at sinasamahan nang labis (hindi katulad, sa kasamaang-palad, mula sa karamihan ng mga domestic band).

Sa madaling salita, sumuko ako sa panghihikayat; at nang malaman ko na ang magaling na baritonong Italyano na si Rolando Panerai ang magiging direktor, hindi na kailangang kumbinsihin ako lalo na. Sa pangkalahatan, dapat sabihin na sa oras na iyon mayroong maraming mga kagiliw-giliw na mga pagkakataon - ang taon ng anibersaryo ni Verdi, ang taon ng anibersaryo ni Tito Gobbi (na siyang pinakadakilang Rigoletto noong ika-20 siglo) - isang daang taon mula noong siya ay ipinanganak. Napakaswerte ko: Si Renata Scotto ay naroroon sa unang pagtatanghal, at si Luciana Serra ay naroroon sa pangalawa. Ang lahat ng ito ay nangangahulugan na, siyempre, ang pag-debut sa gayong kapaligiran, na napapaligiran ng mga magagaling na mang-aawit, ay isang mahusay na regalo ng kapalaran.

Siyempre, ang isang pasinaya sa isang malaking entablado, sa isang malaking teatro ay palaging nauugnay sa karagdagang stress at maaaring magdulot ng hindi na mapananauli na pinsala kung ang mang-aawit ay hindi handa para dito, kaya masuwerte ako na kumanta ako ng maraming bahagi sa unang pagkakataon sa Italya noong maliliit na sinehan. Un ballo in maschera at Rigoletto ay kabilang sa kanila. Gayunpaman, nang sinubukan ko ang Rigoletto, nagpasya pa rin akong huwag kantahin ang bahaging ito sa ngayon - ito ay masyadong kumplikado at, siyempre, nangangailangan ng isang tiyak na edad. Dapat kong aminin na sa Savona mayroong isang medyo matagumpay na eksperimento na nagpakita na magagawa ko ito, ngunit sa paglipas ng panahon. Sa tingin ko ay hanggang apatnapung taon kang mabubuhay nang payapa, at pagkatapos ay makikita natin.

Bilang karagdagan, ang 2012/13 season sa pangkalahatan ay napakayaman sa mga kaganapan at mga debut, kumanta ako ng walong (!) bagong Verdi roles sa panahon, kabilang ang Rigoletto, Renato, Amonasro, Count di Luna at Rodrigo. Naniniwala ako na hindi ko maipagdiwang ang bicentenary ng dakilang Verdi nang may higit na karangyaan.

Masyado ka pang bata noon.

- Pinagpala ako ni Dmitry Yuryevich para dito: pumunta at kumanta. Gayunpaman, kung ang direktor ay si Rolando Panerai!

Naalala ko kung gaano siya ka-baritone.

“Parang na-bless din niya ako. Nagkaroon ng pakiramdam ng pagpasa ng baton mula sa henerasyon hanggang sa henerasyon. Bukod dito, sa kalaunan ay lumabas na kami ay ipinanganak sa parehong araw.

- Ilang taon na siya?

- Ang taong ito ay nagmamarka ng 90 taon. Mayroon siyang kamangha-manghang mga rekord kasama si Karajan. Noong naghahanda ako ng La bohème, nakinig ako sa maraming rekord - halos lahat ng mahahanap ko. Ang aking paboritong Marseille ay Panerai, maaari kong ipagtapat ito.

- At sino ang paborito mong Georges Germont?

- Mahirap sabihin, dahil lahat sila ay kamangha-manghang: Bastianini, Cappuccili, Manuguerra, Bruzon ... At sa amin, malamang na si Pavel Gerasimovich Lisitsian pa rin.

Ito talaga ang sagot na hinihintay ko. Naniniwala ako na si Lisitsian ay isang world-class na mang-aawit.

- Dapat ko siyang banggitin lalo na, dahil noong maliit pa ako, mayroon akong mga tala sa bahay, at nakikinig ako sa kanila sa lahat ng oras. Mayroong isang talaan ng Lisitsian, kung saan kinanta niya ang mga romansa ni Tchaikovsky, at isa pa, kung saan kasama niya si "Aida" mula sa Bolshoi Theater. Medyo luma na ang recording, pero nakakamangha siya doon, sa Russian, pero paano siya kumanta! At isa pa, "Sadko", kung saan kinanta niya ang panauhin ng Vedenets, at ang kanyang pagkanta ay nananatili sa aking tenga mula noon.

“Pero may iba akong iniisip. Nagkaroon ng broadcast noong 1956 (nasa KVN-49 TV pa rin na may maliit na screen at lens) "La Traviata" mula sa Bolshoi Theater, kung saan kumanta si Pavel Gerasimovich, at si Alfreda ay ang American tenor na si Jan Pierce. Labing-apat na taong gulang ako, nakinig ako sa broadcast kasama ang aking ama. Siya ay nakinig, nakinig, at pagkatapos ay nagsabi: "At si Lisitsian ay pumugo sa panauhin!" Hindi ko gaanong naintindihan noon (at ang aking ama ay hindi isang musikero, ngunit siya ay may mahusay na tainga). Simula noon, naalala ko ang pangalang ito at nagsimulang sumunod sa kanya. Kung si Pavel Lisitsian ay nabuhay sa ibang mga panahon, tiyak na siya ay naging isang world-class na bituin.

- Sa kasamaang palad, ito ang kasawian ng buong henerasyon na napilitang umupo sa likod ng Iron Curtain, ngunit kung anong uri ng mga mang-aawit ang mayroon kami, simulan lamang ang listahan ng mga pangalang ito.

Nakikinig kami sa kanilang mga pag-record sa Russian. Ano ang pakiramdam mo tungkol sa pagkanta na wala sa orihinal na wika?

- Well, paano ko maiuugnay ... Nakita mo, mayroong isang medalya na may dalawang panig. Sa isang banda, hinahangaan ko ang Aida na ito sa Russian, hinugasan ito hanggang sa mga butas at talagang nagustuhan ko ito. Sa kabilang banda (napagtanto ko ito nang maglaon nang magsimula akong mag-aral ng wikang Italyano at opera ng Italyano), siyempre, maraming nawawala ang opera sa mga terminong pangkakanyahan.

May ilang bagay na imposibleng isalin. Sa mga opera ni Rossini, ang libretto ay naglalaman ng malaking bilang ng mga idyoma. Halimbawa, sa The Barber of Seville, sa Russian clavier, nang dumating si Figaro kay Rosina at sinabi sa kanya: "mangerem dei confetti", na sa literal na pagsasalin ay nangangahulugang "kumain tayo ng matamis", at ang idyoma ng Italyano ay isinasalin bilang "malapit nang magkaroon ng kasal", at marami ang mga ganitong kaso.

– Karunungang bumasa't sumulat ng tagasalin?

– Oo, ngunit bukod pa, may ilang bagay na imposibleng isalin. Ang mga wika ay ibang-iba na sa wikang Ruso ang lahat ng mga orihinal na puns, ang lahat ng mga biro ay nawawala ang kanilang kadaliang kumilos, ang kagandahan ng wika. Sa kasamaang palad, ito ay gayon.

- Ang ilang mga bagay, marahil, ay maaari pa ring kantahin sa pagsasalin?

- Oo naman. Ang lahat sa English National Opera ay kumakanta sa English, at ito ay mahusay. Siyempre, may puwedeng kantahin; ngunit narito ang tanong, una, bilang isang pagsasalin. Mayroon kaming mahusay na mga pagsasalin ng mga opera ni Wagner na ginawa ni Viktor Kolomiytsov - parehong "Tristan" at "The Ring", halos lahat ng mga opera ni Wagner. At ang mga pagsasaling ito, kung kukuha ka ng interlinear na pagsasalin, ay halos nag-tutugma, ngunit sa parehong oras ang lahat ay sinusunod: parehong ritmo at alliteration. Ito ang pinakapambihirang kaso - ngunit alam ng tao ang wikang Aleman at pinagkadalubhasaan ang poetic craft.

- Mahalaga na mayroon din siyang tainga para sa musika.

- Narito kailangan namin ng isang kumplikadong tulad ng Pasternak, na nagsalin ng Shakespeare.

- Well, hindi ko alam... Pasternak ay masyadong Pasternak. Ang kanyang mga salin ay mas kawili-wili bilang tula kaysa sa pagsasalin.

“Gayunpaman, gusto kong ipakita ang mismong prinsipyo. Sa isang banda, hindi ko nais na hatulan ang panahon, kasaysayan - nagkaroon ng ganoong panahon, at noong ika-19 na siglo lahat ay umawit sa wika ng kanilang bansa. Samakatuwid, muling ginawa ni Verdi ang Sicilian Vespers, na maganda ang pagkakasulat sa Pranses. Kinailangan niyang i-remake ito sa Italyano at halos putulin ang opera, na maraming nawala. Sa pamamagitan ng paraan, ito ay isang pangunahing halimbawa. Alam ko ito dahil kinailangan kong kantahin ang opera na ito sa parehong mga bersyon, at napagtanto ko sa aking sarili na ang pag-awit nito sa Pranses ay hindi eksaktong mas maginhawa, ngunit ito sa paanuman ... dumadaloy nang mas organiko. At sa bersyong Italyano (sa kabila ng katotohanang Italyano ang kanyang katutubong wika!) Hindi na ito pareho.

Mas mahirap si Don Carlos dahil hindi ko alam ang French version. Hindi ko ito kinanta, kahit na medyo maginhawa para sa akin na kumanta sa Italyano.

- Paano ka nagkakaroon ng mga relasyon sa mga direktor ng opera?

– Hindi ko talaga gusto ang ngayon ay naka-istilong salitang "opera ng direktor" - ito ay palaging pumuputol sa aking tainga, ngunit naiintindihan ko na ngayon ay may isang sitwasyon kung saan, sa isang banda, mayroong isang opera ng direktor, sa kabilang banda, isang konduktor o musical opera. Siyempre, ito ay isang hindi natural, barbaric na dibisyon ng isang kabuuan. Kung hindi ka nasisiyahan sa pagdidirekta sa prinsipyo, ano ang pagtatanghal ng konsiyerto?

I sang a lot of concert performances and I can say: this is the other extreme. Kung tawagin mo ito, ang "rezhopera" sa tuktok nito ay isang sukdulan. Kapag, halimbawa, "Eugene Onegin" sa mga jacket na may mga pistola, medyo nagsasalita, o, sa kabilang banda, isang pagtatanghal ng konsiyerto, kung saan hindi malinaw kung sino ang pag-aari kung kanino. Ang mga ito ay dalawang sukdulan, at kailangan mong magsikap para sa ginintuang ibig sabihin.

- Mayroong pagtatanghal ng konsiyerto na may mga elemento ng laro. Ngayon ay napakaraming mga opera house na walang sapat na mga mahuhusay na direktor. Sa pangkalahatan, kakaunti sila, at ang iba ay higit na nag-aalala sa isang bagay maliban sa iyo at sa akin. Kailangan nilang gawin "hindi tulad ng dati." Para sa marami sa kanila, ito ay, sa kasamaang-palad, isang wakas sa sarili nito.

- Tama ka, ito ay talagang nagmumula sa katotohanan na ang isang tao ay kailangang igiit ang kanyang sarili, upang ipakita ang kanyang sariling "Ako", at hindi kung ano ang isinulat ng kompositor. Ang lahat ng mga uso sa fashion na ito ay nagsimula sa Bayreuth mga kalahating siglo na ang nakalipas. Ito ay kabalintunaan, dahil si Wagner ang nagpamana na gumanap lamang ng kanyang mga opera tulad ng kanyang isinulat, at wala nang iba pa. Sa kanyang mga marka, nakasulat pa nga ang liwanag sa ilang lugar, at nakakagulat na doon, sa ilalim ng mga tagapagmana ni Wagner, nagsimula ang lahat ng ito. At ngayon ito ay naging laganap na.

- Kailangan pa rin nating gumawa ng konklusyon: ano ang mas mahalaga? Mula sa aking pananaw, ang opera ay genre ng musika at, dapat unahin ang musika at teksto, at kung paano sila manamit at iba pa ay dapat na pangalawa, ngunit upang hindi ito makagambala sa musika. Ang pinakamahalagang bagay sa pagdidirekta ay kung nakakasagabal ba ito sa musika o hindi.

- Mayroong maraming mga nuances. Kunin, halimbawa, ang parehong masamang kapalaran na "Eugene Onegin". Ako, bilang isang tao na pinalaki sa panitikang Ruso, sa pag-ibig sa ating kasaysayan, sa pang-araw-araw na buhay, ay hindi ko maisip ito sa anumang iba pang konteksto kaysa sa Pushkin. Hindi ko maisip, halimbawa, ang "La Boheme" sa anumang iba pang konteksto, dahil medyo mahirap, dahil ang buong teksto ng libretto ay puno ng mga pang-araw-araw na detalye, hanggang sa mga pinggan.

At ang diyablo, tulad ng alam mo, ay nasa mga detalye.

- Oo! Hindi mo maaaring itapon ang lahat ng ito (paboritong salita ni Dostoevsky) at ibukod ito. Kung aayusin mo ang ilang uri ng paningin gamit ang mga pistola, hindi mo maalis ang lahat ng ito sa isang lugar. Pagkatapos ay kinuha mo ang kalayaan ng pagtatanghal ng isang bahagyang naiibang opera.

Ang isa pang bagay ay kung minsan, halimbawa, ang isang bagay bilang "Macbeth" ay maaaring ilipat sa ibang oras. Ang lahat doon ay hindi nagmumula sa isang tiyak makasaysayang katotohanan ngunit mula sa ideya ng drama mismo. Ang mga dula ni Shakespeare sa una ay walang tanawin, ngunit iyon ay isang bahagyang naiibang kuwento.

Sa Novaya Opera, ang Onegin ay itinanghal ni Artsibashev, na mahal na mahal ko. Wala ring mga palamuti. Wala naman - dalawang upuan lang sa stage. Gayunpaman, sa tingin ko ito ay isang henyo na produksyon sa sarili nitong paraan! Ang asetisismo na ito ay nagpapahintulot sa iyo na madama kung gaano karaming mga nuances ang maaaring nasa loob.

- Ngunit si Evgeny Kolobov ay nakibahagi din sa produksyon na ito, at si Sergey Barkhin ang artista.

“Ito ang unang pagtatanghal ng teatro. Noong 1996. Gaano karaming mga mang-aawit ang dumaan sa produksyon na ito - at magagandang mang-aawit!

"Ngunit ito ay isang pagbubukod.

Alam mo ba kung bakit ito ay isang exception? Dahil sila ay itinanghal ng mga taong may talento, kung saan ang pinakamahalagang bagay ay hindi ipakita ang kanilang sariling "Ako" ...

- ... ngunit ang pagkakaisa ng musika at entablado. Sa mga direktor na nakilala mo, sino ang pinakanagustuhan mo sa mga tuntunin ng pagkonekta sa pagdidirekta sa musika?

- Hindi ako masyadong nagtrabaho sa mga direktor sa panahon ng mga produksyon. Marami akong inputs. Halimbawa, sa parehong Bagong Opera.

Mula sa mga kamakailang produksyon, hindi ko mabanggit si Don Carlos. Sa kabila ng katotohanan na ang produksyon ng Adrian Noble ay hindi lamang pinuna ng mga tamad, ito ay ginawa nang may labis na pagmamahal para kay Verdi. Ito ang unang direktor sa aking karanasan sa pagkanta na nag-alok na kumanta ng isang opera nang walang putol. Lumaki ang mata ng lahat! Karaniwan, ang unang bagay na ginagawa ng isang direktor ay magsimula...

- ... gutayin ang libretto!

Dmitry Beloselsky (King Philip) at Igor Golovatenko (Rodrigo) sa isang produksyon ng Verdi's Don Carlos sa Bolshoi Theatre. Larawan - Damir Yusupov

"Ito ay isang four-act na bersyon. Mayroong ilang mga bayarin doon, ngunit hindi gaanong mahalaga - sa isang lugar sa eksena ng koro, ngunit hindi mahalaga. Lahat, kahit ang romansa ni Rodrigo, na kadalasang nahati sa kalahati, binigay niya lahat, etc. Maraming ganyang moments. Sa kabila ng katotohanan na ang produksyon na ito ay kulang sa mga bituin mula sa langit, walang mga paghahayag doon, ngunit ito ay ginawa nang may malaking paggalang sa mga mang-aawit, kompositor, at Schiller - na, sa tingin ko, ay lubos niyang kilala. Doon, marahil, ang makasaysayang panahon ay hindi masyadong nakikita ...

Ngunit hindi ito isang aklat ng kasaysayan!

Oo, hindi isang aklat ng kasaysayan. Ang pagsunod sa liham ay palaging humahantong sa mga kalunus-lunos na kahihinatnan.

Kailangan mo bang sundin ang espiritu?

Oo, espiritu. Kailangan mong makita ang isang bagay sa likod ng teksto. Tingnan ang kagubatan para sa mga puno. Kamakailan ay nagkaroon ako ng magandang karanasan sa pagtatrabaho kasama si Žagars sa Riga Opera.

Yan ang hindi ko gusto.

- Maraming hindi gusto sa kanya, kung ano ang gagawin. Nagkaroon ako ng tanging kaso ng pagtatrabaho sa kanya.

- Ano ang iyong kinanta?

- Troubadour. At kinumbinsi niya ako na tama siya, kahit na mahirap para sa akin na tanggapin ang paglipat ng aksyon mula sa panahong iyon hanggang 1919. Mayroong Latvian riflemen at lahat ng iyon. Pero nakumbinsi ako sa kanyang pagdidirekta kasama ang artista. Direkta niyang binibigyang pansin ang plastik. Buhay na kaplastikan, para hindi magmistulang estatwa ang mga tao sa entablado.

- Nakita ko ang kanyang produksyon ng "Eugene Onegin" sa paglilibot sa Moscow. Matindi ang ayaw ko sa kanya.

- Lumahok ako sa "Onegin" na ito, sa sandaling ipinakilala, ito ay sa Riga.

- Bihira akong makapanayam ng mga hindi klasikal na tagapalabas, ngunit nangyari na nakikipag-usap ako sa artista at direktor ng Teatro sa Malaya Bronnaya, ang kamakailang namatay na si Lev Durov, at sinabi niya: "Ngayon sa pagdidirekta, kung walang tumatakbo sa buong entablado na may hubad na asno, itinuturing na lipas na." Tumingin siya sa tubig. Lumilitaw ang mga Žagar habang natutulog si Tatiana hubad na lalaki sa balat ng oso. Bakit kailangan ito?

- Masasabi kong wala nito sa Il trovatore, at salamat sa Diyos! I'm just talking about my recent impressions, kasi hindi pa ako masyadong nakakatrabaho ng theater directors. Ang pakikipagtulungan kay Panerai sa parehong "Rigoletto" ay hindi isang gawain ng direktor. Siya ay isang mahusay na mang-aawit at musikero, mayroon siyang napakalaking karanasan sa entablado. Binigyan niya ako ng maraming napakahalagang payo sa clownish na imahe - kung ano ang gagawin. Ngunit bilang isang musikero, bilang isang mang-aawit, mula sa loob.

- Hindi ko nagustuhan ang kamakailang produksyon ng Rigoletto sa Bolshoi Theater.

Hindi ko siya nakita, sa kasamaang palad.

- Ang isang jester at isang payaso ay hindi magkatulad. Sa Bolshoi ngayon, si Rigoletto ay isang payaso, ang aksyon ay nagaganap sa isang sirko. At ito ay hindi malinaw kung bakit ang lahat ng mga fawns bago ang tinatawag na duke. Ang isang jester ay isang taong makapagsasabi ng totoo sa namumuno. Naiintindihan kung bakit labis na kinasusuklaman ng mga courtier si Rigoletto. Dahil siya lang ang makakapagsabi ng totoo - at tungkol din sa kanila. At dito ay ganap na hindi maintindihan kung bakit ang iba ay napopoot sa kanya.

- Buweno, naghukay ka ng napakalalim para sa gayong produksyon, kung saan, tulad ng sinasabi mo, tumatakbo sila sa paligid na may mga hubad na asno.

– Salamat sa Diyos, walang hubad na asno dito. Ngunit sa halip na ang hukuman ng Duke ng Mantua, sa entablado ay isang half-circus-half-brothel, na pinananatili ng dating duke.

- Ngayon, sa kasamaang-palad, ang mga direktor ay hindi naghuhukay nang malalim. Bagaman may iba pang mga kaso. Tungkol kay Žagars, sinabi ko na siya ay gumagana nang kawili-wili at mabunga sa mga artista sa larangan ng kaplastikan. At ang produksyon ay seryoso - nang wala ang lahat ng tinsel na ito. May isa pang direktor na seryosong nabigla sa akin - ito ay si Hugo de Ana (Hugo de Ana).

- Saan siya galing?

- Siya ay nagmula sa Argentina.

- Saan niya ito inilalagay?

– Nakatira siya sa Madrid, ngunit naglalaro siya sa South America, Spain, Italy.

Anong mga opera ang inilalagay niya?

- Ang unang pagkakataon na nagtrabaho ako sa kanya ay sa Palermo - itinanghal niya si Boris Godunov. Isa pa - sa Buenos Aires - "Madama Butterfly".

- Kinanta mo ba si Boris?

- Hindi, kinanta ko ang Shchelkalov at Rangoni.

– tanong ko dahil ngayon ay kumakanta ng baritone version si Leiferkus.

“May mga bagay na hinding-hindi ko gagawin.

- Ang Russian repertoire sa pangkalahatan ay isang kumplikadong bagay, walang napakaraming bahagi para sa aking uri ng boses. At si Boris - ang aking mga plano, sa kabutihang-palad, ay hindi umabot nang ganoon kalayo. Pero naging mahirap para sa akin ang production na ito dahil dalawang bahagi ang kinanta ko doon. Una, kumanta si Shchelkalov, pagkatapos ay nagpalit siya ng damit, naglagay ng make-up, at pagkatapos ng kalahating oras ay lumabas siya at kumanta ng Rangoni.

Espesyal na pagbanggit ang dapat gawin sa direktor na ito, dahil siya ay isang aesthetically amazingly edukadong tao. Siya mismo ang gumagawa ng mga sketch ng tanawin, kasuotan, pag-iilaw.

- Ikaw ba mismo ang gumagawa ng lahat ng scenography?

- Ginagawa niya ang lahat sa kanyang sarili. Hindi ito nangangahulugan na siya mismo ang gumagawa ng tanawin. May mga katulong siya, siyempre. Ngunit ang pangunahing bagay ay mayroon siyang kumpletong visual na konsepto ng pagganap, at ito ay kamangha-manghang!

- Ito ay isang bihirang kaso.

- Ito ang pinakabihirang kaso! Bukod dito, pagdating ko sa produksyon ng Madama Butterfly, napagtanto ko na ang tao ay lubusang pinag-aralan ang kasaysayan ng Japan noong panahong iyon.

Kung tutuusin, may kawili-wiling kuwento ang dulang napanood ni Puccini. Ang dulang ito, na tinatawag na "Madama Butterfly", ay isinulat ni David Belasco, ay isang Amerikanong manunulat ng dulang at impresario. At ito ay isinulat, sa turn, ayon sa kuwento ni John Luther Long, na pamilyar sa anak ng isang babaeng Hapones na nagsilbing prototype ng Cio-Cio San, ibig sabihin, alam niya. totoong tao, ang batang lalaki na kasama niya sa opera.

Nabasa ko na ang dalawang akdang ito. Sa kasamaang palad, walang mga pagsasalin sa Russian, at kailangan kong magbasa sa Ingles. Napaka-interesante. Doon, ang mga linya mismo ni Butterfly at Suzuki ay napakahirap basahin, dahil ang Japanese accent ay nakasulat, kaya kalahati ng mga salita ay hindi maintindihan. Gayunpaman, nakuha ko ang impresyon na hinawakan ko ang panahong ito.

Ito ay palaging napaka-interesante kapag mayroong isang tunay na prototype, at maaari kang matuto ng isang bagay tungkol sa taong ito. Alinsunod dito, ang isang tao ay maaaring bumuo ng isang karakter. Doon, ang Sharpless ay inilarawan din sa kaunti pang detalye. Ito ay tuyo, ngunit kawili-wili. Ibig kong sabihin, hindi lamang pinag-aralan ni Hugo ang lahat ng ito - hanggang sa kasaysayan ng propesyon ng geisha - ngunit ang kanyang trabaho ay puspos ng pagmamahal para sa kasaysayan ng Hapon at kultura! Hindi ko matiyak ang katumpakan ng pagpaparami ng ilang mga panloob na detalye o damit - ngunit hindi bababa sa ang tao ay gumawa ng isang malaking pagsisikap para dito.

Marami siyang ginawa sa mga detalye, sa mga props, at tinuruan ako kung paano magtrabaho sa mga props. Sinabi niya na kung mayroon kang salamin o tungkod, dapat gumana ang mga bagay na ito. Iyon ay, kung dumating ka na may salamin, pagkatapos ay dapat kang makahanap ng ilang mga paggalaw upang makita na nakatira ka sa mga baso na ito. Hindi ako nagsusuot ng salamin, mahirap para sa akin na maunawaan.

- Nagsasalita ng mga detalye. Kung naaalala mo, sa Riga "Eugene Onegin" si Tatyana ay tumatakbo sa paligid ng entablado na may isang laptop.

- Oo, naaalala ko.

- Hindi ako laban. Ngunit ang sulat ay nakasulat sa pamamagitan ng kamay! Isa sa dalawang bagay: maaaring magsulat ng isang liham sa isang laptop o huwag tumakbo sa paligid ng entablado kasama nito.

– Ito ang aking debut sa Riga Opera. Pumunta ako roon upang kumanta, at hindi gaanong binigyang pansin ang mga detalyeng ito. Ang pagtatanghal, kumbaga, "mula sa loob" ay hindi ako masyadong inis. Nagmadali ako. Bukod dito, para sa input, ang produksyon ay sobrang kumplikado na walang oras upang isipin ang lahat ng ito. Para sa akin, ang pinakamahalagang bagay ay ang kumanta.

Ang mang-aawit na pumapasok sa pagtatanghal ay palaging iniisip hindi tungkol sa mga konseptong bagay, ngunit tungkol sa kung paano kumanta. Ang pag-unawa sa mga ideyang naka-embed sa pagganap ay darating sa ibang pagkakataon. Kung ano ang gagawin, ganyan ang proseso ng theatrical.

- Paano makapasok?

- Oo, kung paano magkasya para hindi mahulog. Pagbabalik kay Hugo, para sa akin itong direktor na ito ang huli kong nakatrabaho hanggang ngayon. Marami siyang ibinigay sa akin, at siya, siyempre, ay isang mahusay na personalidad.

- Mayroon ka bang mga alok sa mga eksena sa kanluran na may stock?

"Sa lalong madaling panahon kailangan kong pumunta sa Glyndebourne para sa pagdiriwang.

– Sino ang namamahala ngayon? Sa loob ng maraming taon mayroong Vladimir Yurovsky.

Umalis siya, pero hindi ko alam kung sino ngayon.

- Anong kakantahin mo diyan?

“Magkakaroon ng Poliuto ni Donizetti. Ang opera na ito ay napakapopular noong dekada sisenta. Mayroong sikat na recording mula sa La Scala, kung saan kumakanta sina Callas, Corelli at Bastianini. Mayroong sobrang mahirap na bahagi para sa isang tenor.

- Mahirap para sa lahat doon.

- Lalo na ang tenor. Ngayon ang opera na ito ay medyo nakalimutan, dahil sa pangkalahatan ang bel canto repertoire ay wala sa uso. Ang mga kompositor tulad ng Mercadante, ang parehong Bellini, Donizetti ay hindi masyadong itinanghal. Bagama't may pitumpu't apat na opera si Donizetti, isipin mo na lang!

Idol ko si Bellini. Para sa akin, ang opera number one ay Norma.

- Well, siyempre! Ngunit ang "Norma" ay hindi na rin madalas na itinanghal ngayon. Tumingin sa mga site ng mga sinehan - hindi mo ito mahahanap.

- Naaalala ko, noong 1974, dumating ang La Scala; at kumanta si Montserrat Caballe - ito ay isang kabuuang pagkabigla! Nakatayo siya sa likod sa harap ng isang conventional cubist tree, at nang kantahin niya ang Casta Diva at pagkatapos ay stretta, ako ay natulala. Hindi ko akalain na ganoon pala ang tunog nito!

Mayroon siyang kamangha-manghang piano na walang katulad.

– Ito ang pinakakawili-wiling pagganap na napakinggan ko. Kahit kumpara sa record ni Callas. Perpektong vocals.

- Mahirap ikumpara sila. Hindi ko nagawa. Halimbawa, nagkaroon ako ng isang panahon nang mamatay ako mula kay Bastianini. Pagkatapos ay may isang panahon na mahal na mahal ko si Gobbi, pagkatapos ay isang panahon na hindi ko maalis ang aking sarili kay Manuguerra - at iba pa.

"Hindi ko talaga kilala si Manuguerra, bagaman ang isang kaibigan ko ay buzzed sa aking mga tainga tungkol sa kanya.

Ito ay isang kamangha-manghang baritone! Walang sinuman ang may perpektong legato. Palagi siyang may napakaliit na tono ng ilong, dahil kung saan, marahil, hindi siya masyadong mahal, kahit na gumawa siya ng isang napakahusay na karera, kumanta sa lahat ng dako, ngunit mayroon siyang isang pagkukulang. Kamangha-manghang boses ng kagandahan!

Then there was a period na sobrang hilig ko sa Cappuccili. Napakahirap ikumpara ang isang tao sa isang tao. Ito ay isang walang pasasalamat na trabaho. Ngunit sa oras na iyon sa maliliit na mga sinehan ng Italyano ay mayroong maraming mga pamagat tulad ng "Maria di Rudenz" o "Roberto Devereux" ni Donizetti.

"Ito ay mga hindi kilalang opera.

Sila ngayon ay ganap na hindi kilala. Ang mga pangalang ito ay hindi nagsasabi sa sinuman ng anuman, ngunit, gayunpaman, mayroon siyang maraming mga opera (na hindi ipinapakita kahit saan ngayon) kung saan maaaring lumago ang mga batang mang-aawit. Halimbawa, "Linda di Chamouni", "Maria di Roan", "Gemma di Vergi". Marami sa mga sinehan na ito sa kasamaang-palad ay sarado na ngayon dahil sa krisis sa pananalapi.

– Kapag ikinukumpara ko sina Donizetti at Bellini, parang mas mahirap kumanta si Donizetti. Mas organic si Bellini - sobrang nararamdaman niya ang kalikasan ng mga vocal.

– Hindi siya mabigat, si Donizetti lang ay mas malapit na kay Verdi. Katulad nito, ang mga pinakabagong opera ni Verdi ay mas malapit na sa verismo.

“Othello, excuse me, Wagnerian opera lang yan.

- Ang "Othello" ay karaniwang isang espesyal na artikulo.

– Ito pala ang paborito kong opera ni Verdi. Ang lahat ay binuo sa kabuuan mismo ni Verdi.

- Well, ito ay, upang magsalita, ang ngiti ng isang henyo. Gayunpaman, ito ang pinaka hindi si Verdi.

- Ang pinaka pinakamahusay na produksyon Ang Othello na nakita ko ay isang produksyon noong 1980 ng Latvian Opera and Ballet Theatre. Sa direksyon ni Olgerts Šalkonis, set designer na si Edgars Vardeunis. Sa parehong taon, dinala nila ang pagganap na ito sa Moscow sa paglilibot, kung saan nakita ko ito. Sa loob nito, ang entablado sa bawat pagkilos ay napalaya mula sa mga tanawin at mga detalye ...

- Napaka-interesante!

- ... at sa dulo ay may isang walang laman na entablado sa itim na tela - at isang may ilaw na kama sa gitna nito. Ito ay mahusay, at ang nasa katanghaliang-gulang na si Karlis Zarins ay kumanta ng Othello sa paraang hindi lahat ng kabataan ay kumanta.

- Sila sa pangkalahatan ay palaging may napakalakas na opera house. Ang teatro mismo ay maliit, ngunit mayroon pa rin silang napakalakas na tropa. Kung babasahin mo, mayroon silang Lucia, Il trovatore, The Barber of Seville, Eugene Onegin, Aida, Nabucco, Madama Butterfly - halos ang buong basic operatic repertoire!

- Hindi ko talaga sinusunod, sinusuri ko lang ito sa paglilibot sa Moscow. Ngunit naaalala ko ang produksyon na iyon sa natitirang bahagi ng aking buhay at itinuturing kong ito ang pinakamahusay. Ang lahat ng atensyon ay nakatuon sa pangwakas, tulad ng isang magnifying glass na tumutuon sa lahat ng mga sinag. Ito ang pagdidirekta na kailangan mo.

- Sa pangkalahatan, kung babalik ka sa pagdidirek, ito ay isang napakahirap na tanong. Dahil... tulad ng tanong ng mga konduktor, palaging tanong ng personalidad. "May sasabihin ka ba?" - ang tanong ay higit sa lahat, at mahirap ding magbigay ng hindi malabo na sagot dito, dahil walang pamantayan. Ano ang mga pamantayan, paano maghusga?

May mga direktor na napaka-propesyonal, na marunong mag-ayos ng mise-en-scenes para ang mga transition, halimbawa, ay musically justified. Ang pagtatanghal ay tila matatag na ginawa, ngunit hindi ito humihinga. At ito ay nangyayari sa kabaligtaran: ang direktor ay may isang kamangha-manghang ideya, ngunit hindi niya alam kung paano ipatupad ito, kung paano gawin ang lahat. Samakatuwid, ang lahat dito ay napaka kumplikado, hindi maliwanag. Hindi mo alam kung paano magtatapos ang mga bagay.

Parang sa Naples, kung saan napilitan akong maligo sa tubig. Ang ideya ng direktor ay ang Onegin ay may isang nagyeyelong puso, at pagkatapos ay natutunaw sa ilalim ng pagsalakay ng mga damdamin, at sa isang lugar bago ang eksena ng tunggalian, isang pool ng tubig ang ibinuhos at lumutang doon ang yelo. Si Lensky ay nahulog sa tubig at pagkatapos ay sa huling eksena Gremin - Si Dima Beloselsky ay gumulong sa isang wheelchair (kung wala ito ay hindi magagawa ng isang solong produksyon ngayon), at ako ang nagmaneho sa kanya. Sa una ay pinalayas ko siya, pagkatapos ay si Tatyana.

Nagbago ang mga tungkulin, at pagkatapos ay ang pinakahuling eksena ay nasa tubig. May sofa sa gitna at nandoon kami sa sofa na ito, patawarin mo ako, Lord! Napakabaliw ng ideya. At walang silbi ang makipagtalo.

- Sa iyong pagsasanay ba kapag hindi mo mahilig sa pagdidirekta kaya tumanggi kang kumanta?

- Hindi, hindi. Wala ako sa posisyon para tanggihan ang trabaho. Dito, halimbawa, sa parehong Naples, talagang hindi ko nagustuhan ang produksyon. Ligtas kong masasabi ito. Ngunit ang direktor ay isang respetadong tao, sa aking palagay, limang beses nang itinanghal ang produksyon na ito sa Europa. Nakakuha siya ng isang napaka-solid na award para dito, at iba pa. Kung sinabi kong, "Pasensya na, ngunit hindi ko gusto," pagkatapos ay uuwi ako at mag-imbita ng iba.

- Naiintindihan mo, hindi mo pa kayang bayaran.

- Siyempre, ang mga bagay ay hindi naging labis doon, walang nagtanong, salamat sa Diyos, na maging hubad, gumawa ng ibang bagay na hindi karapat-dapat, ngunit ito ay napakalayo mula sa Pushkin! Walang anuman mula sa kulturang Ruso. Ang ilang mga birch trunks ay bumaba mula sa itaas - ito ay "parang kagubatan", isang birch grove at iyon lang. Wala nang mga pahiwatig ng Russian opera. Kung ito ay tumutugma lamang sa kung ano ang nangyayari sa musika! Ngunit hindi ito tumugma sa anuman.

Kita mo, hindi binasa ng lalaki ang Pushkin. O nagbabasa, ngunit hindi naiintindihan. Hindi naman sa malamig ang puso niya. Sa parehong lugar, ito ay ganap na hindi ang punto na pagkatapos ay natunaw at iba pang mga bagay na walang kapararakan. (Alam mo, sinabi sa akin kamakailan na may ganoong tanong sa pagsusulit: mahal ba ni Onegin si Tatyana? At ang mga pagpipilian sa sagot: mahal / hindi gusto / hindi masyado. Hindi ako makapasa sa pagsusulit na ito!)

- Ano ang iyong mga plano sa Bolshoi na hindi mo pa kinakanta?

“Bago, ibig mong sabihin? Ngayon, sa aking opinyon, ang mga plano para sa susunod na season ay hindi pa inihayag. Ngayon kinakanta ko ang mga kasalukuyang pagtatanghal. Ang tanging bagay - ay ipinakilala sa "La Boheme". Alam ko na may mga production para sa susunod na season, pero hindi ko pa alam kung sasali ako sa kanila.

– Patuloy ka bang nakikipagtulungan sa Novaya Opera?

- Oo, nagpapatuloy ako, dahil napagtanto ko sa aking sarili na napakahirap para sa akin na humiwalay sa teatro na ito: sa isang banda, hindi ako madalas kumanta doon (kung bibilangin mo ang bilang ng mga pagtatanghal bawat taon), at sa kabilang banda, nararamdaman ko na ito ang aking tahanan .

- Ibig sabihin, wala silang ilalagay sa iyo doon?

Hindi, walang ganoong pag-uusap. At ano ang maaaring ilagay para sa isang baritone? Tingnan mo, masyadong maaga para pag-usapan ang mga title role ng ilang partido ng Verdi. Ang parehong "Macbeth" o "Simon Boccanegra" ay napakaaga. At pagkatapos ay hindi alam kung gaano sa pangkalahatan ang bulwagan ng teatro na ito ay iniangkop sa mga naturang pangalan. Kinakailangang tingnan kung gaano ito angkop para sa bawat partikular na opera.

Isinuot nila Tristan at Isolde.

Hindi ako nakinig, hindi ko alam.

- Ito ay mahusay na! Ako ay lubhang nag-aalinlangan tungkol sa ideyang ito, ngunit ito ay mahusay! At sa pangkalahatan, at Latham-Koenig sa partikular.

- Siya ay maganda. Kahanga-hangang musikero.

- Ang mga huling gawa, "Matthew Passion" ay mahusay na ginawa. Isang buwan at kalahati ang nakalipas, dumating si Rilling at nagsagawa ng St. Matthew Passion sa Hall. Tchaikovsky. Kaya't masasabi ko na ang mga mang-aawit na Ruso ay hindi sumuko sa mga Aleman sa St. Matthew Passion. At ito ay ginawa ni Latham-Koenig.

- Tulad ng para sa Novaya Opera, ikinalulungkot ko lamang ang dalawang bagay: na hindi ako nagkaroon ng pagkakataon na magtrabaho kasama ang Kolobov, at pangalawa, na hindi kami kumanta ng isang solong pagganap kasama ang Latham-König. Kakaiba, pero ganun ang nangyari. Madalas din siyang bumiyahe, at kahit papaano hindi kami nagkrus ang landas niya. Dapat ay mayroon kaming contact kapag ang produksyon ng Il trovatore ay nangyayari. Ngunit hindi ako makasali sa mismong produksyon. Pumasok ako mamaya, ngunit hindi na siya nagsagawa ng pagtatanghal na ito. Sinabi ko sa kanya sa aking sarili: "Paano ito, maestro, kami ay pumupunta sa parehong teatro sa loob ng maraming taon at hindi pa rin nakakanta nang magkasama?" Nakakatawa.

- At ang "King Roger" ni Szymanowski ay napakahusay ding ginawa sa pagtatanghal ng konsiyerto. Naniniwala ako na kapag walang sound director's idea, mas maganda ang concert performance na may mga elemento ng theatricalization.

– Tama ka, dahil minsan gusto mo talagang palayain ang opera mula sa mga directorial clichés, na, sa kasamaang-palad, ay umiiral. Syempre, puro musika ang performance ng concert, puro music-making, pero minsan may kulang din. Sabihin nating kinanta namin ang "La Traviata" sa isang bersyon ng konsiyerto, doon ay kahit papaano imposible na hindi makipag-usap sa isang kapareha.

- Kaya nga sinasabi ko na maaaring ipakilala ang ilang elemento ng teatro sa isang pagtatanghal ng konsiyerto.

– Lahat ng ito ay may karapatang umiral.

At pagkatapos ay nangingibabaw ang musika.

– Medyo iba ang sasabihin ko. Ang katotohanan ay, siyempre, musika ang pangunahing bagay sa opera, ngunit kung ano ang madalas na kalimutan ng mga direktor ngayon, ipagpaumanhin mo, ako ay magiging hindi mahinhin, na sa opera ang pinakamahalaga ay ang mga kumakanta. Dahil, nakikita mo, pagkatapos ng lahat, ang mga tao ay pumupunta sa opera upang makinig sa mga mang-aawit. Kung maganda ang pagtugtog ng orkestra, kamangha-mangha ang pag-awit ng koro, kahanga-hangang kasuotan, kahanga-hangang produksyon, ngunit hindi maganda ang pagkanta ng mga mang-aawit, kung gayon sino ang nangangailangan ng opera na ito? Samakatuwid, nagkaroon ng isa pang panahon na talagang ang mga mang-aawit ay ang unang sa opera, at ito kahit na nagsuot ng ilang mga elemento ng enumeration, masyadong maraming.

Ngayon ito ay naging eksaktong kabaligtaran; at kapag ang mga kritikal na artikulo ay nakasulat, dito at sa Kanluran, ang uso ay pareho: napakaraming nakasulat tungkol sa produksyon, napakaraming tungkol sa konduktor, at sa mga pangalan ng mga mang-aawit. At kung paano sila kumanta - mabuti kung magsulat sila ng ilang linya.

- Napakahirap magsulat tungkol sa mga mang-aawit. Well, magsusulat sila - mahusay siyang kumanta, ngunit ang ilang mga detalye ay napakahirap mahuli.

- Siyempre, nagbibiro ako, ngunit umiiral ang kalakaran na ito. Ilang productions ang kinanta ko - pero lahat ng critical articles na pinadala sa akin ng agent ko ay pare-pareho ang itsura, nasabi ko na kung ano. Ito ay kabuuan.

– Napakahusay ng ginawa ni Latham-Koenig pareho ng Passion at King Roger. At pagkatapos ay narinig ko ito sa unang pagkakataon konsiyerto ng symphony. Sinamahan niya ang dalawang concerto: Elgar's Violin Concerto with Nikita Borisoglebsky at Tchaikovsky's Second Piano Concerto with Lukas Geniušas at ang Novaya Opera Orchestra sa Tchaikovsky Hall. Tchaikovsky.

– Napakaganda ng ikalawang concerto ni Tchaikovsky. Gusto ko lalo na ang pangalawang bahagi, na isang trio.

Ang orkestra ay nasa napakagandang kalagayan!

– Kapag ang isang konduktor ay may seryosong awtoridad sa musika, sila ay tumutugtog sa ibang paraan. Ilang beses ko na itong napanood. Hindi ko nais na saktan ang sinuman, sa anumang paraan, ngunit ito ay napakahalaga kung sino ang nasa likod ng console. Palagi itong naririnig.

- Ilang taon ka na ngayon?

- 34 na taon.

- Siyempre, maaga pa, ngunit hindi mo ba naisip na kailangan mong gawin ang pedagogy?

- Tinanong din ako ni Dmitry Yuryevich kung gusto kong magturo. sagot ko hindi. Kapag tinitingnan ko kung gaano niya ginugugol ang mga nerbiyos, lakas, paggawa sa lahat ng ito, sinasabi ko na ako ay isang napaka-makasarili na tao sa bagay na ito. Nagbibiro ako, siyempre. Actually ngayon, syempre, hindi ko na iniisip.

– Walang kabuluhan, at narito kung bakit. Ang katotohanan ay ang pagtuturo mismo ay pinipilit ang gumaganap na guro na pasalitang bumalangkas ng gawain.

- Upang maunawaan ito sa iyong sarili.

- Gumagawa ka ng isang bagay nang intuitive, ngunit para sa mag-aaral kailangan mong bumalangkas sa mga salita. Ito ay perpekto para sa isang instrumentalist, konduktor, at mang-aawit.

- Sa katunayan, nabubuhay ako ngayon sa isang rehimen na walang sapat na oras para dito, kahit na para sa isang mag-aaral. Bukod dito, itinuturing ko na ngayon ang aking sarili na hindi handa sa pag-iisip. Kung pakiramdam ko nag-mature na ako at may oras ako ... although hindi ako sigurado na magkakaroon pa ako ng mas maraming libreng oras.

Ngayon tungkol sa modernong musika. Sino ang pinakamataas na limitasyon ng modernong kompositor para sa iyo - Schnittke o Denisov - o kabaliktaran, Schoenberg? Ano ang relasyon mo sa chamber music?

- Tungkol sa kontemporaryong musika- Mahal na mahal ko siya, ngunit sa boses, kakaunti lang ang kinanta ko sa kanya. Nagkaroon ako ng karanasan minsan. Ito ay isang proyekto mula sa Bolshoi Theater nang kantahin namin ang opera na The Cherry Orchard ng French composer na si Philippe Fenelon. Ito ay isang kahanga-hanga, napaka-kagiliw-giliw na karanasan. Salamat dito, ang aming buong koponan ay nakapasok sa Paris Opera, lahat ay nag-debut doon. Tulad ng para sa musika mismo, ito ay kawili-wili, kahit na ito ay napakahirap, dahil ito ay nakasulat sa isang napaka-modernong paraan.

Kung tungkol sa kontemporaryong musika mismo, hindi ko alam ang lahat ng nangyari pagkatapos ng Schnittke. Hindi ko ito ginawa at hindi ko masasabi na mayroon akong anumang pagnanais o interes dito ngayon, dahil nakatira ako ngayon sa ibang repertoire.

- Ano ang pakiramdam mo tungkol sa Schnittke?

- Gustung-gusto ko ang Schnittke, mahal na mahal ko ito, kahit na hindi lahat ay nakakaantig sa akin. Nakinig ako sa pangalawang Concerto Grosso sa isang konsiyerto na ginanap ni Natalia Grigoryevna Gutman. Ito ay napakatalino. Ako mismo ang tumugtog ng kanyang cello sonata - ito ay kamangha-manghang musika. Ang kanyang musika para sa pelikula ni Schweitzer na "Dead Souls" ay napakatalino. May mga bagay na napakalapit sa akin, dahil ako mismo ang nakaranas nito.

Mahirap para sa akin na sabihin na para sa akin ang musika ay dina-download sa Shostakovich, dahil wala akong masyadong alam. Siyempre, ang Shostakovich para sa akin ay isang Everest ng musika ng ika-20 siglo; ito yung napanaginipan ko nung nagconduct ako. Si Shostakovich, sa kasamaang-palad, ay hindi nagawang magsagawa ng anuman.

Tulad ng para sa chamber music, mahal na mahal ko ito. Hindi laging posible na gawin ito, dahil mahigpit ang iskedyul ng opera. Ngunit dapat itong gawin, dahil kung kinakanta mo ang isang Verdi sa lahat ng oras, medyo nawawala ang flexibility ng iyong boses.

– Sa chamber music dapat mayroong ganap na kakaibang sound production.

- Ang paggawa ng tunog ay maaaring pareho, kailangan mo lamang maghanap ng iba pang mga kulay. Ang musika ng silid ay nangangailangan ng ilang iba pang mga gawain. Ito ay hindi lahat na parang poster.

– Ang tunog ay dapat ding mas compact.

- I'm talking about the term "sound production", because you have one voice emission - anong klaseng boses meron ka, ganyan ka kumanta. Maaari kang kumuha ng kaunting bagay sa isang lugar, magdagdag ng isang bagay sa isang lugar. Pagkatapos ay mayroon akong ilang mga ideya, mga ideya na nais kong ipatupad

- Ano ba talaga?

Naipatupad ko na ang isang ideya. Nagkaroon ng ideya na pagsamahin ang French music at Tosti sa isang concert. Sa pangkalahatan, nagkaroon ng desperadong pangarap na kantahin ang Poulenc balang araw. At kamakailan, kinanta namin ni Semyon Borisovich Skigin ang Paalam ni Glinka sa Petersburg sa House of Music sa Chamber Hall.

“Unfortunately, hindi ko kaya.

- At isa pang kamangha-manghang cycle ng French romances ni Tchaikovsky - ito ay karaniwang naging isa sa aking mga paboritong cycle. Iniinom ko ito sa lahat ng oras. Isang napakatalentadong tao sa orkestra ng Spivakov ang gumawa ng isang kahanga-hangang orkestra, at kinanta namin ito kasama ang Moscow Virtuosos - nasa jubilee year na sila ngayon. Gusto kong ipagpatuloy ang pag-awit sa cycle na ito.

Mayroon akong pagnanais na gumawa ng isang sangay ng mga romansa ni Tchaikovsky. Kahit papaano ay hindi ko kinanta ang kanyang mga romansa sa malaking bilang. Siya ay kumanta nang paisa-isa, dalawa sa isang pagkakataon, tatlo sa isang pagkakataon, at hindi sa paraang gumawa ng isang paghihiwalay, o kumanta ng ilang uri ng opus. Mayroon akong ideyang ito.

- Inutusan kita "Para sa mga baybayin ng malayong tinubuang-bayan" ni Borodin. Ito ay, sa aking opinyon, ang pinakamahusay na pag-iibigan ng Russia. Ito ay ganap na kamangha-manghang ginanap ni Robert Hall. Nakinig ako sa kanya ilang taon na ang nakalilipas sa Great Hall of the Conservatory, kung saan kumanta siya ng isang programa ng Russian romance. Kumanta siya sa paraang sumulat ako sa isang pagsusuri: "Salamat sa Hall para sa aralin sa Ruso!" Wala sa amin ang kumakanta sa Russian gaya ng pagkanta ni Hall. Nang kumanta siya ng "Para sa dalampasigan ng malayong tinubuang lupa", napaluha na lang ako.

- Oo, nagkaroon din ako ng katulad na paghahayag noong pinakinggan kong kumanta sina Mirella Freni at Atlantov " reyna ng Spades". May recording ng performance Vienna Opera. Oo, siyempre, kumakanta siya nang may kaunting accent. Ngunit hindi ito tungkol sa accent, ngunit tungkol sa kung paano nabubuhay ang kanyang salita. Naunawaan niya ang koneksyon sa pagitan ng mga salita at musika, isang bagay na napakahirap makamit sa musika ni Tchaikovsky. Relasyon sa pagitan ng salita, legato at linyang pangmusika. Ito ay hindi kapani-paniwalang mahirap, dahil sa ilang kadahilanan kung minsan ay tila walang kanta si Tchaikovsky. Dalawa o tatlong nota, ngunit imposibleng kumanta. Ito ang ilang transendental na paghihirap.

– Gaano mo alam ang pagganap ni Robert Hall?

- Hindi ko talaga alam. Dapat tayong makinig. Malamang sa Youtube.

- Espesyal na natutunan niya ang wikang Ruso, at siya ay kahanga-hanga. Kamakailan ay nagkaroon siya ng konsiyerto sa Chamber Hall ng House of Music. Kumanta siya pagkatapos ng operasyon - mayroon siyang kanser sa lalamunan, at siyempre may mga maliliit na puro vocal loss. Ngunit sa pangkalahatan, musikal ito ay mahusay. Kinantahan niya si Skigin.

- Skigin, dapat kong sabihin sa iyo, isang kamangha-manghang musikero! Ako ay hindi kapani-paniwalang masuwerte, una, na kumanta kasama siya at, pangalawa, upang makipag-usap. At siyempre, napakasuwerteng Kabataan programa ng opera na lumapit siya sa kanila. Siya rin ang gumawa ng cycle ng lahat ng romansa ni Tchaikovsky dito. At siyempre, ang katotohanan na ang mga lalaki ay nakikipag-usap sa gayong musikero ay mahusay!

Oo, naaalala ko, napag-usapan namin ang tungkol sa Schnittke, mayroon akong isang koleksyon ng kanyang mga artikulo - mayroong maraming mga kagiliw-giliw na bagay, halimbawa, tungkol sa Prokofiev. Sa tingin ko siya ay isang henyo - kahit papaano ay alam niya kung paano magbalangkas ng maikli.

– Sa buong buhay ko naalala ko ang kanyang pahayag tungkol kay Bach: “Si Bach ang sentro ng musika. Lahat ay napunta sa kanya, at lahat ay lumabas sa kanya. Natamaan din ako sa pagiging mahinhin niya. Nakilala ko siya pagkatapos ng viola concert, ito ay isang napakatalino na konsiyerto. Hinangaan ko ang konsiyerto na ito, at tinanong ni Schnittke: "Volodya, hindi mo ba iniisip na ang konsiyerto na ito mismo ay hindi kasing ganda ng ginawa ni Yura Bashmet?"

“Tama siya sa isang paraan.

- Sumagot ako: "Mahal na mahal ko si Yura Bashmet, ngunit ang iyong konsiyerto ay mahalaga sa sarili nito, anuman ang tagapalabas."

– Siya pa rin ang unang performer, at ang unang performer ay nag-aalis ng shell. Siya rin ay may karapatan, kung hindi man sa pagiging may-akda, kung gayon sa ilang mga lawak na maging kapwa may-akda.

– Ngunit nauunawaan mo, upang sabihin na ito ay magkaroon ng ilang posibilidad ng tamang pagtatasa sa sarili. Mahal na mahal ko pa rin ang Eighth Symphony niya. Tungkol sa kanya, sinabi ito ni Schnittke: "Pinapayagan akong tumingin kung saan kakaunting buhay na tao ang pinapayagang tumingin."

– Tungkol ba ito sa klinikal na kamatayan?

- Tumingin sa gilid.

– Sumang-ayon na ang huling symphony ng mga kompositor: Mahler's Ninth, Shostakovich's Fifteenth, Parsifal din ang huling opera – tila ba nandoon na ang tao at ang mensaheng ito ay mula doon?

– Ang Eighth Symphony ni Schnittke ay katulad ng Shostakovich's Fifteenth. Bago sa kanya, si Ten ang paborito ko, pero nang lumitaw si Fifteen, naging paborito ko na siya. Ang lahat ay napakasimple, napakalinaw...

“Mahal na mahal ko si Fifteenth. Nagsulat pa ako ng isang gawa tungkol dito sa conservatory. Halos alam ko ang bawat tala. Hindi lamang ito isang piraso ng gawa ng kompositor ng alahas, kundi pati na rin ang isang malalim na pag-iisip, ang lahat ay napakasimple tungkol sa lahat doon ...

- Doon din, lahat ng nakikita sa kabila.

– Oo, tulad ng huling quartet.

– Mayroon ka bang ideya na magtrabaho sa Schubert?

Akala ko magtatanong ka tungkol dito. Alam mo, medyo natatakot pa akong hawakan ito. Sinubukan kong kumanta ng kaunting Schubert. Sa katunayan, sa mga konsyerto, ang "Hari ng Kagubatan" lang ang kinakanta ko. Ito ay isang mas malaking pagsubok para sa isang pianist kaysa para sa isang mang-aawit. May laruin. Sa katunayan, gumagawa ako ng dahilan para sa aking sarili na wala akong oras. Ang workload lamang sa opera ay talagang napakalaki. Siguro, kung may oras, mag-iipon ako ng kaunti ng lakas. Ngunit nakikita mo, upang isawsaw ang iyong sarili sa musikang ito, kailangan mong maging ganap na malaya mula sa lahat ng iba pa.

– Kailangan mo ng piyanista; hindi isang accompanist, kahit na ang pinakamahusay, ngunit isang pianist. Kung sakaling magpasya kang magtrabaho sa Schubert, kung gayon, kung naaalala mo ang aking pag-iral, maaari akong magrekomenda ng ilang pianist na kaedad mo.

"Mayroon akong ilang mga ideya sa aking sarili.

- Maaari kang magsimula sa "The Beautiful Miller's Woman".

"Ngunit hindi bababa sa hindi mula sa Winter Way!"

- Ang "Winter Way" ay dapat isaisip: ang pag-awit ay gawain ng bawat baritone na may paggalang sa sarili.

- Well, tingnan natin. Sa ngayon, kabilang sa mga proyekto ng malapit na hinaharap, si Tchaikovsky ay isang priyoridad pa rin para sa akin. Gusto ko talagang kantahin to. Si Schubert ay hindi gaanong nauugnay sa akin ngayon bilang Tchaikovsky. Kailangan mong lumaki kay Schubert. Feeling ko hindi pa ako tumatanda. (Hindi ako nanliligaw, sinasabi ko na parang totoo.)

- Hindi ko rin iminumungkahi na kantahin mo ang "Winter Way" ngayon.

"Kahit na iniisip ko ito sa lahat ng oras.

- Ngunit ang "Melnichikha" - ito ay nasa loob ng iyong kapangyarihan. Sa pamamagitan ng paraan, alam mo ba kung ano, sa aking opinyon, ang pinakamahusay na pag-record ng "The Miller"? Tenor George Vinogradov, sa Russian. hindi mo ba narinig?

- Hindi ko pa narinig ang "Melnichikha" sa Russian.

– Pagre-record kasama ang pianist na si Orentlicher. Kamangha-manghang rekord. May ganoong kagandahan sa pag-unawa sa mismong teksto.

– Buweno, mahirap ilagay ang isang tao sa tabi ni Fischer-Dieskau... Ngunit lubos akong nabigla kay Thomas Hampson – noong 1997 gumawa siya ng isang pag-record kung saan tumutugtog si Zawallisch ng piano. Nakakamangha siya kumanta doon. Hindi ko alam kung ano ang nangyari sa kanya pagkatapos - ngayon siya ay kumanta ng kaunti. Ngunit pagkatapos ito ay hindi kapani-paniwala.

– Sinubukan mo bang kantahin si Mahler?

- Sinubukan ko, ngunit sa ngayon kahit papaano ay walang pagkakataon na kantahin ito mula sa entablado. Bagaman, siyempre, gusto ko ring gumawa ng Mga Kanta ng Isang Naglalakbay na Apprentice. Mayroong maraming mga ideya, ngunit ang buong tanong ay kung paano gawin ang programa.

Sabihin nating mayroon lang kaming ideya para sa konsiyerto na ito, at pumunta ako kay Dmitry Alexandrovich Sibirtsev at sinabi: "Gusto kong kantahin ang Poulenc." Pagkatapos ay nagsimula kaming mag-isip tungkol sa kung ano ang "ilakip" dito. Lumitaw si Ravel. Si Tostya talaga ang dati kong pangarap: kumanta ng kahit isang bahagi ng mga kanta ni Tostya. Kaya dito nagtagpo ang lahat. Kung namamahala kaming gumawa ng isang bagay na katulad, kung saan maaari mong kantahin ang Mahler, pagkatapos ay siyempre kakanta kami ...

– Maraming salamat na, sa iyong workload, nakahanap sila ng higit sa dalawang oras para sa isang panayam.

- Maraming salamat!

Kinapanayam ni Vladimir Oivin . Nagpapasalamat ako kay Anatoly Lvovich sa tulong sa pag-transcribe ng panayam na ito.

Golovatenko, Igor Alexandrovich(ipinanganak noong Nobyembre 17, 1980) - Russian opera singer (baritone), nangungunang soloista ng Bolshoi Theater (mula noong 2014) at ang Moscow Novaya Opera Theater (mula noong 2007).

Talambuhay

Si Igor Golovatenko ay ipinanganak sa Saratov, sa isang pamilya ng mga musikero.

Nagtapos siya sa Central Music School ng Saratov na may tatlong majors: piano (klase ni Elvira Vasilievna Chernykh/Tatyana Fedorovna Ershova), cello (klase ng Nadezhda Nikolaevna Skvortsova) at komposisyon (klase ni Vladimir Stanislavovich Michelet).

Noong 1997 pumasok siya sa Saratov State Conservatory. L. V. Sobinov, sa klase ng cello ni Propesor Lev Vladimirovich Ivanov (Gohman), kung saan siya nag-aral hanggang 2000. Siya ay gumanap bilang isang soloista kasama ang mga orkestra ng Saratov Philharmonic at ang Saratov Conservatory, gumanap ng cello concerto ni L. Bocherrini, C. Saint-Saens, A. Dvorak, "Variations on a Rococo Theme" ni P. I. Tchaikovsky. Sa orkestra na "Young Russia" na isinagawa ni M. Gorenstein, tinugtog niya ang Shostakovich's First Concerto para sa cello at orchestra (2001, Saratov, Saratov Philharmonic Hall).

Noong 1999, sa unang pagkakataon, tumayo siya sa podium ng symphony orchestra ng Saratov Conservatory, kung saan siya ay nakipagtulungan hanggang 2003. Nagtanghal din siya kasama ang Saratov Symphony Orchestra rehiyonal na lipunang pilharmonya bilang guest conductor. Sa unang pagkakataon ay ginampanan niya ang mga gawa ng kompositor ng Saratov na si Elena Vladimirovna Gokhman (1935-2010) "Ave Maria" (2001) at "Twilight" (2002) para sa mga soloista, koro at orkestra. Kabilang sa mga symphonic works na isinagawa sa panahong ito ay ang Don Giovanni ni Richard Strauss, Francesca da Rimini ni Tchaikovsky, Roman Carnival Overture ni Berlioz, Bolero ni Ravel, at iba pa.

Noong 2000 pumasok siya sa Moscow State P. I. Tchaikovsky Conservatory sa departamento ng opera at symphony na nagsasagawa sa klase ni Propesor Vasily Serafimovich Sinaisky. Nagtapos siya ng mga parangal noong 2005 sa klase ng People's Artist ng USSR, Propesor Gennady Nikolaevich Rozhdestvensky. Habang nag-aaral sa Moscow Conservatory, nagsagawa siya sa unang pagkakataon sa Russia P. Hindemith's Concerto para sa woodwinds, alpa at orkestra (2002, Small Hall ng Moscow Conservatory).

Noong 2006, pumasok siya sa Academy of Choral Art para sa isang internship sa solo singing class ni Propesor Dmitry Yuryevich Vdovin (ngayon ay pinuno ng programa ng kabataan Bolshoi Theatre), na patuloy na umuunlad.

Noong Abril 2006, ginawa niya ang kanyang vocal debut sa entablado ng Svetlanov Hall ng Moscow International House of Music. Ginampanan niya ang baritonong bahagi sa The Mass of Life ng Ingles na kompositor na si Frederick Delius (teksto sa Aleman, batay sa akdang "Thus Spoke Zarathustra" Fr. Nietzsche) kasama ang National Philharmonic Orchestra ng Russia sa ilalim ng direksyon ni Vladimir Spivakov, at ang koro ng Academy of Choral Art sa ilalim ng direksyon ni V. S. Popov. Unang pagganap sa Russia.

Mula noong 2007 siya ay naging soloista sa Moscow Novaya Opera Theatre. Ginawa niya ang kanyang debut sa teatro bilang Marullo (Rigoletto ni G. Verdi) at Orator ( mahiwagang plauta"Mozart).

Noong Oktubre 2010, ginawa ng mang-aawit ang kanyang debut sa St. Petersburg sa Great Hall ng Philharmonic ng St. Petersburg. Ang mga fragment ng "Mass of Life" ay ginanap (ilang mga choral number at mga bahagi kung saan ang baritone solo) na sinamahan ng Academic Symphony Orchestra na isinagawa ni Alexander Titov.

Mula noong 2010 siya ay naging guest soloist sa Bolshoi Theater of Russia, kung saan ginawa niya ang kanyang debut bilang Falk (Die Fledermaus ni I. Strauss, conductor Christoph-Mathias Müller, director Vasily Barkhatov).

Unang pagganap ng mang-aawit makasaysayang eksena Ang Bolshoi Theater ay naganap sa papel ni Georges Germont (La Traviata ni G. Verdi, conductor Laurent Campellone, stage director Francesca Zambello) noong 2012.

Mula noong Setyembre 2014 - soloista ng Bolshoi Theater.

paglilibot

taon	Teatro/Lungsod	Trabaho	Ang padala
2011		Sicilian Vespers (directed by Nicola Joel, conduct by Gianluigi Gelmetti)	Guy de Montfort (debut)
2011	Göttingen	La Traviata (pagganap ng konsiyerto, konduktor na si Christoph-Mathias Müller)	Georges Germont
2012	Opera Garnier (Paris)	The Cherry Orchard ni F.Fenelon (directed by Georges Lavaudan, conduct by Tito Ceccherini)	Lopakhin
2012		Eugene Onegin (direktor A. Žagars, konduktor M. Pitrenas)	Onegin
2012	Teatro Massimo (Palermo)	Boris Godunov (direktor Hugo de Ana, bahagi ng Boris Ferruccio Furlanetto)	Shchelkalov, Rangoni
2012-2013	pinagsamang produksyon ng mga sinehan ng Rovigo, Savona, Bergamo	"Isang sayawan na ang mga tao ay naka maskara"	Renato
2013	Giuseppe Verdi Theater (Trieste)	Corsair (direktor at konduktor na si Gianluigi Gelmetti)	Pasha Seid (debut)
2013	Pambansang Opera ng Greece	"Sicilian Vespers"	Guy de Montfort
2013	Teatro ng Savona	Rigoletto (direksyon ni Rolando Panerai)	Rigoletto (debut)
2013	Bavarian State Opera (Munich)	Boris Godunov (unang bersyon ng opera, conductor Kent Nagano)	Shchelkalov
2013	Ika-62 Wexford opera festival(debu)	"Christina, Reyna ng Sweden" J. Foroni	Carl Gustav (debut)
2014	San Carlo Opera House (Naples)	"Eugene Onegin"	Onegin
2014	Latvian pambansang opera(Riga)	Il trovatore (direktor A. Žagars, konduktor A. Vilyumanis at J. Liepiņš)	count di luna
2014	Ika-63 Wexford Opera Festival	"Salome" A. Mariotte	Jokanaan (debut)
2014	Colón (teatro) (Buenos Aires)	Madama Butterfly (direksyon ni Hugo de Ana, na isinagawa ni Ira Levin)	Sharpless (debut)
2014	barbican hall	"Spring Cantata" S. V. Rachmaninoff	baritonong bahagi
2015	Glyndebourne Opera Festival (debut)	"Polyeuct" ni Gaetano Donizetti	North (debut)
2015	Cologne Opera (Cologne, Germany), (debut)	"Bohemia"	Marseilles
2016	Lille Opera House (France) (debut)	"Troubadour"	count di luna
2016	Grand thtre de Luxembourg (Luxembourg) (debut)	"Troubadour"	count di luna
2016	Opera ng Estado ng Bavaria	"Troubadour"	count di luna
2016	Opera House of Caen (France) (debut)	"Troubadour"	count di luna
2016	Teatro ng munisipyo Santiago (debut)	"La Traviata"	Georges Germont
2017	XXXV Chaliapin International Opera Festival sa Kazan (debut)	"Eugene Onegin"	Onegin

Si Igor Golovatenko ay isang mang-aawit ng opera (baritone), soloista ng Bolshoi Theater (mula noong 2014) at ng Novaya Opera Theater (mula noong 2007). Nagtapos siya mula sa Moscow Conservatory sa klase ni Propesor G. N. Rozhdestvensky (opera at symphony conducting) at ang Academy of Choral Art sa klase ni Propesor D. Yu. Vdovin ( solong pagkanta). Kasama sa repertoire ng mang-aawit ang mga tungkulin sa mga opera nina Verdi, Puccini, Donizetti, Tchaikovsky at iba pang mga kompositor, pati na rin ang chamber music. Nakikipagtulungan sa maraming nangungunang dayuhang opera house.

MS: Nais kong batiin ka sa matagumpay na premiere ng Don Pasquale. organikong pagganap.

IG: Salamat. Sa tingin ko ito ay medyo masaya. Ito ay isang napaka hindi pangkaraniwang trabaho sa maraming aspeto. Una, sa mga tuntunin ng repertoire, dahil bago iyon kumanta ako ng siyam na pagtatanghal ng Il trovatore sa Lille, tatlo sa Luxembourg at tatlo sa Munich, at mayroong isang pagtatanghal sa Lille at Luxembourg, at isa pa sa Munich. Ngunit ang mga pagtatanghal ay nagpatuloy sa isang hilera, at pinag-aralan ko ang opera na ito sa loob ng kalahating taon, iyon ay, mula Nobyembre hanggang Marso - limang buwan! kinanta ang bahagi ng Count di Luna. Halos mabaliw ako, at nahuli ko pa ang sarili ko sa katotohanan na sa Munich, sa pangalawa o pangatlong pagtatanghal, sinimulan kong makalimutan ang teksto. Naiisip mo ba? Napagtanto ko na sobra na ito - napakaraming sunod-sunod na pagtatanghal. Although, maganda siguro sa vocals, kasi nasanay lang ako sa part na ito.

MS: Pero ngayon at sa kalagitnaan ng gabi ay kakanta ka.

IG: Parehong gabi at araw. Matagal ko nang kinasusuklaman ang opera na ito, bagama't kailangan ko itong kantahin muli sa Hunyo. gayunpaman, pinakamahusay na bakasyon- isang pagbabago ng aktibidad, kaya ang "Don Pasquale" para sa akin ay naging isang uri ng pahinga. Nang dumating ako at nagsimulang mag-ensayo, napagtanto ko na talagang nabihag ako ng musika, plot at trabaho na ito. Marahil ito ay tila nakakagulat sa isang tao, ngunit talagang nagustuhan ko kung paano nagtrabaho si Kulyabin, sumulat pa nga ako sa kanya tungkol dito, na nagsasabing maraming salamat sa trabaho. Dahil pagkatapos ng high-profile na iskandalo sa Novosibirsk, lahat tayo, malamang ...

MS: Higpitan mo.

IG: I can't vouch for others, but at least I went to rehearsals with some distrust or apprehension at first. Hindi ito nangangahulugan na sa una ay hindi ako nagtitiwala sa direktor, hindi, ngunit mayroon pa ring isang uri ng hindi malay na pakiramdam. Ngunit pagkatapos, literal pagkatapos ng ilang araw ng pag-eensayo, napagtanto ko na naakit ako sa prosesong ito, nagtataka ako, dahil sinubukan niyang "hukayin" ang ilang mga detalye ng relasyon sa pagitan ng mga karakter sa recitative. Nakipagtulungan kami sa mga tutor na Italyano at sa lahat ng oras ay nagtatanong sa isa't isa kung ano ang kahulugan nito o ang pariralang iyon, dahil, halimbawa, sa mga recitatives, ang ilang mga parirala ay maaaring mabigyang-kahulugan nang iba depende sa kung kanino sila tinutugunan - Don Pasquale, Norina at iba pa. Nagtrabaho kami nang husto kaya hindi ko na napansin ang paglipas ng oras. Hindi ko masasabing masyadong mahirap ang parte ng Malatesta, ang dami lang - maraming ensemble, medyo maraming recitatives. At inuulit ko muli: para sa akin ito ay isang napaka-kanais-nais na pagbabago ng repertoire, isang uri ng pagpapahinga sa mga tuntunin ng mga vocal. Wala akong ganoong kawili-wiling mga bagong tungkulin noon, maliban sa Barbero ng Seville, bagama't ibang plano pa rin ito, dahil ito ay isang mas solo at pamagat na papel, at, siyempre, umaakit ng higit na pansin sa sarili nito. At si Malatesta, sa kabila ng katotohanan na sa aming pagganap siya ay, sa prinsipyo, isang uri ng sentro ng lahat ng intriga, gayunpaman, ay hindi ang pangunahing pigura sa opera. Napaka-interesante na magtrabaho kasama ang mga kasosyo, na may magagandang Italyano na mga coach at isang mahusay na konduktor. Ang pagtatanghal, sa aking palagay, ay naganap. Marahil ito ay medyo kontrobersyal, hindi ko alam, ang mga kritiko na sumulat tungkol sa pagganap na ito ay mas nakakaalam, ngunit tila sa akin ay naging masaya ito, nang walang kabastusan. Sa aking palagay, naging matagumpay ang produksyon, maganda kung mabubuhay ito ng mahabang panahon at, wika nga, isang pambuwelo para sa maraming mga batang mang-aawit.

MS: Tila sa akin na kahit na ang katotohanan na ang aksyon ay inilipat sa ating panahon ay hindi pumigil sa amin na maihatid ang mood at ideya ng opera.

IG: Minsan nangyayari na ang pagbabago ng oras at lugar ng aksyon ay nakamamatay para sa pagganap, tulad ng nangyari sa Il trovatore sa Lille, at ito ay hindi pabor sa produksyon, sa kasamaang-palad. May mga bagay na kailangang hawakan nang may pag-iingat. Kung ang teksto ng libretto ay naglalaman ng ilang mga indikasyon ng ilang mga gamit sa bahay o mga tampok ng damit, ang hitsura ng mga character - halimbawa, ito ay nagkakahalaga ng pag-alala sa kilalang "raspberry beret" sa opera ni Tchaikovsky - ito ay kanais-nais na ang pangunahing tauhang babae ng opera na ito. nasa isang raspberry beret pa rin.

MS: Ang produksyon ng Don Pasquale ay nakakuha ng maraming press.

IG: Oo, bagaman hindi ako karaniwang nagbabasa ng press.

MS: Hindi ka man lang nagbabasa?

IG: Sinusubukan kong huwag basahin. Para saan? Lalo na sa premiere. Isipin - kumanta ako, sa susunod na araw ay nai-publish ang mga artikulo, at pagkatapos ay isang pagtatanghal muli. Nakaka-nerbiyos pa rin. Sinusubukan kong magbasa mamaya, kapag lumipas na ang dalawang linggo, nakagawa na ako ng sarili kong mga impresyon. Kung tutuusin, napaka-emosyonal ng performance, dahil lahat ng mga artista ay nagbibigay ng kanilang makakaya. Ang aking guro sa paaralan ng musika ay hindi kailanman pinagalitan ang mga estudyante pagkatapos ng konsiyerto, ngunit palaging sinasabi: "Magaling, maayos ang lahat!" At pagkatapos ng ilang araw ay bumalik ka sa aralin, at mahinahon niyang ipinaliwanag kung ano ang hindi nagtagumpay. Para rin tayong mga bata sa bagay na ito - kung ang ilang (kahit, marahil, nakabubuo) na pagpuna ay agad na ibinaba sa atin pagkatapos ng isang pagtatanghal, ito ay maaaring humantong sa emosyonal na trauma. I'm not exaggerating, it can really be a big injury if criticized in a harsh form. Samakatuwid, pinangangalagaan ko ang aking sarili sa bagay na ito, at kung may ganitong bagay, susubukan kong magbasa pagkatapos ng ilang sandali, o may magsasabi sa akin. Halimbawa, si Dmitry Yuryevich (Vdovin), palaging sinusunod ang kanilang isinulat, at pagkatapos ay pinadalhan ako ng mga link.

MS: Nagtataka ka ba kung ano ang isinusulat nila?

IG: Mahirap sabihin kung ito ay kawili-wili o hindi. Hindi ko masasabi na hindi ako interesado dito, hindi ko rin maalis agad ang aking sarili nang ganoon, dahil ang mga tao ay pumupunta sa pagganap at, nang naaayon, kahit papaano ay konektado ako sa kanila, tama ba? Tinitingnan nila ang resulta ng hindi lamang ng aking trabaho, kundi pati na rin ang gawain ng buong pangkat sa pangkalahatan. Siyempre, iniisip ko kung ano ang iniisip nila tungkol dito. Ngunit sa ilang, halimbawa, mga opinyon o pahayag, maaaring hindi ako sang-ayon. Para sa akin na ito ay normal.

Siyempre, hindi ko masuri ang resulta ng aking sariling trabaho mula sa labas, dahil hindi ko lang naririnig ang aking sarili mula sa labas. Kapag sinabi nila sa akin, sabihin natin, na wala akong sapat na legato sa ilang parirala, pagkatapos ay palagi akong nakikinig sa mga ganoong pangungusap. At, siyempre, may mga taong napaka-awtoridad para sa akin, halimbawa, Dmitry Yuryevich. Palagi siyang nagsasalita sa punto, at sinisikap kong isaalang-alang ang kanyang mga kagustuhan at itama ang mga pagkakamali.

MS: Tila sa akin ang mga komento ni Dmitry Yuryevich ay pa rin ang mga komento ng guro, at pinag-uusapan natin ang pagpuna. Para sa iyo, ang iyong pagganap ay maaaring isang tagumpay, ngunit ang iyong personal na tagumpay, ngunit para sa madla at para sa mga kritiko - ang kabaligtaran ay totoo.

IG: Syempre, sumasang-ayon ako. Maaari kong isaalang-alang ang aking sariling trabaho bilang matagumpay, matagumpay, at ito ay karaniwang pumasa para sa publiko. O kabaliktaran - Mayroon akong masamang pagtatanghal, kapag ang isang bagay ay hindi gumagana, ngunit ang madla ay lubos na masaya, at ang mga kritiko ay nagsusulat din ng isang bagay na mabuti. Mahirap sabihin dito, dahil mayroon akong sariling pamantayan sa pagsusuri, at napakapili ko tungkol sa aking sarili.

MS: At kung may negatibong artikulo, ano ang magiging reaksyon mo dito?

IG: Normal lang kung, muli, ang mga komento ay nakabubuo (halimbawa, hindi sapat na malinaw na teksto, inexpressive phrasing, pag-awit ng buong aria na may parehong tunog, higpit ng pag-arte, inexpressiveness), iyon ay, nakakaapekto ang mga ito sa iba't ibang aspeto ng ating sining ng pagganap. Ang anumang bagay na higit pa doon ay, sa aking opinyon, amateurism. Pag-awit, musika, pagganap sa pangkalahatan - ito ay isang napaka-pinong bagay sa mga tuntunin ng aesthetic na lasa. Kung nagbasa ako ng isang pagsusuri at sinabi nito tungkol sa akin o tungkol sa aking kasamahan na hindi siya kumanta nang eksakto sa paraang gusto ng kritiko na ito, kung gayon ito ay hindi maintindihan sa akin. At kapag ang lahat ay nakasulat sa punto: ang direksyon ay hindi nababagay sa ito o iyon, ang mga soloista ay inilalagay nang napakalalim sa entablado at hindi mo sila marinig, at iba pa, kung gayon ang mga partikular na komento ay mahalaga sa akin.

MS: Gayunpaman, ang isang mahirap na propesyon ay isang mang-aawit, bilang, sa katunayan, ang sinumang may kaugnayan sa sining ng pagganap.

IG: The singer first of all depende sa boses niya, sa condition niya. Nangyayari ito, tulad ng pagbibiro nating lahat minsan: pumunta ka sa teatro ngayon - walang "itaas", sa susunod na araw ay dumating ka - walang "ibaba", sa susunod na araw ay dumating ka, kumanta nang mahusay, at 15 minuto bago ang pagganap - sa ilang kadahilanan nawala ang "tuktok" . Bakit? Walang na kakaalam. Sa katunayan, palagi akong naiinggit sa mga taong may hindi nababasag na nerbiyos at napakahusay na kalusugan, dahil malamang na wala silang pakialam kung ano ang estado nila.

MS: I don't think may mga ganyan sa art.

IG: Mayroong lahat ng uri. Gayunpaman, para sa mang-aawit, ang pinakamahalagang bagay ay, siyempre, ang kalusugan at ang kakayahang maging nerbiyos hangga't maaari. Ngunit kasama rin ito ng karanasan, dahil kapag nakanta ka na ng ilang bahagi - at hindi sa isang teatro, ngunit sa iba't ibang mga, nakakaipon ka ng ilang bagahe at makokontrol mo ang sitwasyon. Ang pangunahing bagay na nakasalalay sa mang-aawit ay sa kanyang kagalingan at sa estado ng kanyang sariling boses, ngayon at ngayon. Bagama't kung kinokontrol mo ang bawat tala, maaari itong magwakas nang masama. Pero may mga pagkakataong kailangan.

IG: Well, both the apparatus and some kind of mental component, kasi kung complex performance na ito ng opera, dapat talagang ipamahagi mo ang sarili mo para hindi "magtapos" na sa unang act. Kung kakanta ako ng "Troubadour", ang aking partido ay nakapila sa isang tiyak na paraan- mayroong isang napaka-komplikadong tercet, isang napaka-komplikadong aria, at pagkatapos ay bumaba ang bahagi dahil sa kahirapan, at, halos nagsasalita, nagpapahinga ako. Tiyak na hindi ito eksaktong bakasyon, ngunit alam ko na pagkatapos ng aria ay makakapag-relax ako nang kaunti. At doon nakasalalay ang kahirapan. Halimbawa, sa "Eugene Onegin" lamang sa ikaanim na eksena nagsisimula ang pinakamahirap na bahagi (vocal): iyon ay, halos hanggang sa pinakadulo ng opera ay wala kang ginagawa, at pagkatapos ay magsisimula ang arioso, kung saan kinakailangan ang kontrol ng boses. Bago iyon, ito ay higit pa tungkol sa pagkontrol sa imahe ng bayani: kinakailangang alisin ang sarili mula sa iba, sa anumang kaso na makipag-ugnayan sa mga karakter nang maaga, upang maging napakalayo mula sa kanila, kahit na sa eksena ng away ni Lensky at tunggalian. It's just that up to a certain point may interaction with the characters through the suspension, I would say so. Iyon ay, ang mga sandali ng kontrol ay palaging naroroon.

MS: Ano pa ang nakasalalay sa isang mang-aawit sa isang pagtatanghal?

IG: Mula sa maraming pangyayari sa entablado. Halimbawa, kung paano nagsasagawa ang isang konduktor, dahil may mga napakatatag na konduktor na nagsasagawa ngayon at bukas sa parehong susi. Hindi ko sasabihin na pareho, ngunit hindi bababa sa walang mga sorpresa. Nagkaroon ako ng ganoong kaso. Nag-rehearse kami sa entablado, kumakanta ako, kumanta, kumanta, ang conductor ay nagko-conduct ng "on four". Bigla, sa isang pagtatanghal sa lugar na ito, pumunta siya sa "dalawa", nang hindi sinasabi sa sinuman ang tungkol dito. At kahit na ako, sa aking pagsasagawa ng edukasyon, ay hindi mahuli sa kanya, dahil hindi ito idinidikta ng anumang bagay: ni musika o tempo. Ni ang orkestra ay hindi nakaintindi sa kanya, ni ako. Lumabas ako, siyempre, ngunit hindi ito madali.

Ang aking kahanga-hangang guro, si Gennady Nikolaevich Rozhdestvensky, ay maraming pinag-usapan tungkol kay Willy Ferrero, na nagsagawa bilang isang batang lalaki. At lahat ng nakasaksi nito ay nabigla sa kung gaano kadali niyang kontrolin ang mga miyembro ng orkestra, ang mga nasa hustong gulang na ito. Siyempre, ito ay isang natatanging kaso. Gayunpaman, ang pagsasagawa ay isang bagay ng ilang uri ng hypnotic radiation. Kung ang isang tao ay mayroon nito, kung gayon hindi gaanong mahalaga kung paano niya ginagalaw ang kanyang mga kamay. Halimbawa, may mga video ni Furtwangler, na isang mahusay, napakatalino na konduktor, ngunit kung tumugtog ako sa kanyang orkestra, malamang na hindi ko maintindihan ang isang bagay. Gayunpaman, mayroong ganap na pagkakaunawaan sa pagitan niya at ng orkestra. Tila, ito ay isang uri ng mahika, hindi ko maipaliwanag ito.

Dahil sa kamag-anak ko sa propesyon na ito, hindi mahirap para sa akin na maunawaan ang gawain ng isang konduktor na may isang orkestra - ngunit habang nasa auditorium lamang. Mahirap para sa akin na gawin ito sa entablado, dahil abala ako sa isang bagay na ganap na naiiba. Ngunit may mga pagbubukod. Halimbawa, nang itanghal namin ang The Maid of Orleans kasama si Sokhiev, tumabi ako sa kanya na literal na dalawang metro ang layo at naramdaman ko sa aking balat kung anong nakakabaliw na enerhiya ang nanggagaling sa taong ito: nag-effort siya sa score! Ito, siyempre, ay isang mahusay na bagay.

MS: Depende ba sa director?

IG: Syempre. Gaano man kahirap lumaban ang mga mang-aawit, nangingibabaw ngayon ang direktor sa opera. At ito ay hindi palaging mabuti, sa kasamaang-palad. May mga propesyonal na alam kung paano ilagay ang mga mang-aawit sa isang kumplikadong grupo at makinig sa mga komento ng konduktor. Ngunit, sayang, ito ay napakabihirang. Bilang isang tuntunin, iba ang sitwasyon: sinusubukan ng mga direktor na i-cram ang isang marka ng opera sa kanilang konsepto, tulad ng sa isang Procrustean box. Ang kompositor, at ang mga mang-aawit, at ang konduktor, na natagpuan din ang kanyang sarili sa napaka-awkward na mga kondisyon sa pagtatrabaho, ay nagdurusa dito. Halimbawa, nagpasya ang direktor ng Il trovatore (sa parehong Lille) na gusto niyang gawin ang West Side Story sa entablado. At sa kanyang utos, ang diumano'y tanawin ng "Il Trovatore" - isang kastilyo noong ika-15 siglo - ay pinalitan ng mga slum at isang magulo na patyo, ang takipsilim ay naghari sa entablado. Ang aking asawa ay nasa dula at inamin na noong ako at ang itim na mang-aawit na si Ryan Speedo Green (na gumanap na Ferrando) ay magkasama sa takip-silim sa entablado, imposibleng makilala kami mula sa auditorium mula sa isa't isa. At sino sa amin, sa height lang niya hulaan, dahil mas matangkad sa akin si Speedo. Bilang karagdagan, mayroong iba pang mga teknikal na problema: sa pagtatanghal na ito ay mayroong pinakamahirap na aria para sa baritone, isang napakahirap na trabaho para sa konduktor sa mga tuntunin ng pagsasagawa ng saliw (ang gawain ng orkestra ay upang bigyan ang mang-aawit ng komportableng bilis, habang sinusubukang huwag mag-adjust at hindi "mag-hang" sa soloista). Sa madaling salita, maraming problema sa grupo na nangangailangan ng maingat na pakikipagtulungan sa pagitan ng konduktor at ng mang-aawit. Hindi naiintindihan ng mga direktor ang mga ganyang bagay! AT teatro ng drama, kung saan ka natagpuan ng replika - sabihin sa akin doon, ngunit sa opera hindi ito gumagana, dahil ang auditorium ay hiwalay sa entablado hukay ng orkestra, at kung kumanta ka sa direksyon ng mga pakpak, hindi maririnig ng madla ang musikal na teksto. Sa Il trovatore, nagtrabaho kami halos sa bingit ng kahangalan: ayon sa ideya ng direktor, ako ay nasa taas na limang metro, at ang monitor ay itinakda para sa akin sa antas ng pangalawang kahon. Ang monitor ay napakaliit na hindi ko nakita ang konduktor kung saan kailangan naming magtrabaho nang maayos, tumayo ako ng tuwid na hawak ang aking ulo habang ang aking tingin ay nakadirekta nang eksakto sa harap, at upang makita ang konduktor, kailangan kong kumanta kasama ang aking sarili. ulo pababa at ang aking mga mata ay nakadirekta pababa. Sinabi ko sa direktor na imposible ito, at sa oras na iyon ay abala siya sa pag-aayos ng mga bagay gamit ang soprano - ipinaliwanag ng mang-aawit na hindi siya maaaring kumanta nang ang kanyang ulo ay naka-90 degrees sa kanan. At ito ang mga totoong sitwasyon sa entablado.

Ang pagsasagawa ng pamamaraan ay patuloy na nagbabago at nagpapabuti, ngunit ang mga problema ay hindi maiiwasan. Ngayon ang mang-aawit sa entablado ay kinakailangan hindi lamang isang birtuoso na boses, kundi pati na rin ang mahusay na pisikal na paghahanda. Isipin - kailangan mong umakyat ng limang metrong taas sa hagdan at, nang walang oras upang mahuli ang iyong hininga, magsimulang kumanta ng isang aria na lubhang kumplikado mula sa isang musikal na pananaw. Ang mga direktor, bilang panuntunan, ay hindi nag-iisip tungkol sa gayong mga sandali.

MS: Ang mga ganitong sitwasyon ba ay kahilingan ng manonood o ang ambisyon ng direktor?

IG: Siyempre, ang direktor ay may sariling mga propesyonal na ambisyon, at sinusubukan niyang mapagtanto ang kanyang mga plano. Ang madla, sa kabilang banda, ay madalas na kinukumpirma na ang direktor ay nasa parehong wavelength sa kanya - sa ating panahon ay bihirang mangyari na ang mga pagtatanghal ay "boom".

MS: Sa iyong palagay, ngayon ang mga klasikal na produksyon ay hindi nauugnay at, tulad ng sinasabi mo, sila ay "mai-book"?

IG: Hindi, hindi iyon ang ibig kong sabihin. Parehong moderno at klasikal na mga produksyon ay napaka-lohikal. Hindi ako laban sa West Side Story, ngunit lahat ay may lugar. Pinag-uusapan ko ang katotohanan na ang gawain ng direktor ay hindi dapat papangitin orihinal na gawa at dalhin ang semantiko na bahagi ng opera sa punto ng kahangalan. Halimbawa, ang orihinal na teksto ng "La Boheme" ay puno ng mga sanggunian sa mga pang-araw-araw na detalye, at kung aalisin ang mga ito, hindi magiging malinaw sa manonood kung ano ang kanilang kinakanta sa entablado, at ang buong aksyon ay magiging kalokohan.

MS: Importante rin yung reaction ng audience for the singer, of course?

IG: Umaasa din tayo sa publiko. Sa isang lugar ang madla ay nakalaan at mas malamig. Halimbawa, sa parehong Lille, mayroon akong siyam na pagtatanghal ng Il trovatore, at sa halos wala sa mga pagtatanghal ay pumalakpak ang mga manonood pagkatapos ng arias. Hindi namin alam na gusto ng audience na kantahin ang buong opera nang walang palakpakan. Ang unang biktima ay ang parehong African American na gumanap ng bahagi ni Ferrando. Siya ang may pinakaunang eksena sa opera. Nang matapos siyang kumanta, nagkaroon ng nakamamatay na katahimikan. Pumuti lang siya at sinabing, "Ayaw nila sa akin dahil itim ako." Sinasabi ko: "Speedo, huminahon ka, tila sa akin ay wala silang pakialam kung ano ka, tila palagi silang kumilos nang ganoon." Pagkatapos ay dumating ang soprano aria - ang parehong bagay, iyon ay, nakamamatay na katahimikan. Ganyan ang klase ng audience. Ngunit sa dulo, ang mga manonood ay nagtatak ng kanilang mga paa, sumipol, na nangangahulugan na mayroong tagumpay. Ngunit sa panahon ng pagtatanghal, marami rin akong naranasan, nang, pagkatapos ng aking aria, umalis ako halos sa ilalim ng kaluskos ng aking sariling mga pilikmata. Ganyan ang sitwasyon.

MS: At kapag natapos mo nang kantahin ang performance, anong pakiramdam mo: satisfaction and joy or fatigue?

IG: Syempre, kung magandang performance pala, laging nandiyan ang satisfaction. Ngunit, bilang panuntunan, pagkatapos ng pagtatanghal ay para akong basahan na napisil. Ang pagkapagod ay palaging naroroon dahil ang emosyonal na gastos ay hindi pangkaraniwang, kahit na ang partido ay hindi masyadong malaki. Halimbawa, noong nagkaroon ng produksyon ng Madama Butterfly sa Buenos Aires, palagi kong nahuhuli ang sarili kong iniisip na kahit na nakatayo ako na walang ginagawa, wala akong kinakanta, ang gawain ko ay makiramay, mahabag at makinig sa musikang ito, kung saan ito parang nakakatakot na kalungkutan. Sa ikalawang yugto, ang pangunahing tauhang babae ay umaawit ng isang aria tungkol sa kung paano siya pupunta upang mamalimos. Mayroong isang napakalungkot na teksto, kamangha-manghang, ganap na kaakit-akit na musika, tulad ng sa huling paglipad. Diyos ko, kay hirap tumayo at makinig! Ito ay isang malaking emosyonal na gastos.

MS: Sa isa sa mga panayam, sinabi mo na mahalaga pa rin kapag ang pagganap ay nasa orihinal na wika. Gaano ito kahalaga? At para kanino? Dumarating pa rin ang mga manonood upang makinig sa mga mang-aawit, hindi ang mga liriko. Ang pagsasalin, na napupunta sa linya para sa manonood, ay nagbibigay lamang ng pangkalahatang ideya kung tungkol saan ang aria, na hindi direktang nagpapatunay na ang teksto mismo kasama ang mga nuances nito ay hindi mahalaga.

IG: Ito ay isang mahirap na tanong. Una sa lahat, ang pagganap sa orihinal na wika ay kinakailangan, kakaiba, para sa kompositor at ang opera mismo: pagkatapos ng lahat, ang Italian opera, kapag isinalin sa Russian, ay ganap na pinagkaitan ng istilong pagka-orihinal, dahil ang Italian opera, lalo na ang bel canto, ay nakikilala sa pamamagitan ng isang tiyak na istraktura ng melodic na linya. Ang istrakturang ito ay napakalapit na nakatali sa pagbigkas sa Italyano. Doon ito ay lubos na nakasalalay sa kung kailan nagbabago ang mga katinig, kung aling mga patinig: sarado, bukas, at iba pa. Bellini, Mercadante, Donizetti, Verdi, Ponchielli, Puccini - lahat ng mga kompositor na ito ay nagbigay ng malaking kahalagahan sa teksto. Halimbawa, ipinasulat ni Puccini sa mga librettist ang teksto ng apat o limang beses, at sa bawat pagkakataon ay hindi siya nasisiyahan. Si Donizetti mismo ay minsan ay nagwawasto sa ilang bahagi ng libretto na hindi nababagay sa kanya. Si Verdi ay sobrang mapili tungkol sa mga teksto ng opera, kahit na nagtrabaho siya sa mga natitirang connoisseurs ng genre na ito. Ang Italian opera, kung ayaw mong mawala ang integridad ng istilo nito, ay dapat isagawa lamang sa Italyano.

Ang iba pang mga kaso, tulad ng Sicilian Vespers ni Verdi o Don Carlos ni Verdi, ay noong unang isinulat ang mga opera sa Pranses at pagkatapos ay isinalin sa Italyano. Kinanta ko ang parehong Pranses at Italyano na mga bersyon ng Sicilian Vespers, at masasabi kong mas gusto ko ang Pranses, dahil ito ay mas magkakaugnay, mas nakakumbinsi, sapat na kakaiba. Bagama't si Verdi ay isang henyo, sa palagay ko ay nagkaroon siya ng hindi kapani-paniwalang kahirapan sa paglilipat ng musika mula sa Pranses patungo sa Italyano. Marami siyang kailangang baguhin, maging ang himig. Nakita ko ito sa pamamagitan ng malinaw na paghahambing ng parehong mga bersyon: makikita mo kung paano siya nagdusa dahil hindi niya muling maitayo ang melodic na linya - kailangan niyang sirain ito, maglagay ng ilang uri ng pag-pause doon, at iba pa.

Para sa akin, nalalapat ito sa anumang opera, dahil ang isang kompositor na nagsusulat sa isang partikular na wika, lalo na kung ito ang kanyang katutubong wika, ay gumagamit ng mga melodic na elemento na likas sa partikular na pananalita na ito. Narito, halimbawa, ang musika ng Tchaikovsky: mahirap ding isipin ito sa anumang ibang wika, bagaman, halimbawa, ang parehong "Eugene Onegin" ay kamangha-manghang tunog sa Italyano, ngunit gayunpaman, hindi pa rin ito Tchaikovsky, dahil para sa Tchaikovsky's musika Kailangan ko ng Ruso at napakahusay na pagbigkas. Kung kukuha ka ng anumang opera, makikita mo ang katotohanan na kahit na may isang napakahusay na pagsasalin, ang kagandahan ng linya ng musikal ay nawala pa rin. Bilang karagdagan, ang bawat wika, sa palagay ko, ay may tiyak, kung paano ito sasabihin ...

MS: Melody.

IG: Melody. Mayroong espesyal na phonetic score sa anumang wika. Samakatuwid, ang musika nina Wagner at Richard Strauss ay mahirap isipin kung wala ang wikang Aleman, kung saan maraming mga katinig, napakalinaw na pagbigkas, sa halip biglang, huminto sa pagitan ng mga salita. Kasabay nito, ang legato ay karaniwan, at ito ay isang ganap na kakaibang bagay na nasa Aleman lamang. Maaari mong paunlarin ang paksang ito nang higit pa, ngunit tila sa akin ay malinaw ang lahat dito. Ito ang unang aspeto.

Susunod, para sa publiko. Interesante para sa kanya na makinig sa orihinal na wika o hindi, depende sa antas ng kanyang edukasyon. Kung alam ng publiko ang Italian opera at gustung-gusto nila ito, pagkatapos ay pinakikinggan nila ito nang mahinahon sa Italyano at hindi nangangailangan ng pagsasalin. Ngunit, halimbawa, ang ilang mga bagay ay maaaring isagawa sa Russian, lalo na kung magkatulad ang mga wika. Halimbawa, ang "Sirena" ni Dvořák ay madaling maisagawa sa pagsasalin, dahil ang wikang Czech ay napaka nakakatawa sa amin sa mga lugar, at imposibleng ganap na maalis ang pakiramdam na ito. Siyempre, kung kumanta ka sa Russian, ang opera ay mawawala ng kaunti, ngunit ito ay magiging isang mas maliit na pagkawala kaysa, sabihin nating, kapag isinalin ang Hamlet sa Russian, na mawawala ang lahat ng kagandahan at wika nito, at himig. Tulad ng para sa linya ng pagtakbo, ito ay isang mahirap na sandali: ang isang taong nakakaalam kung ano ang tungkol sa opera ay hindi nangangailangan ng tekstong ito, ngunit ang isang tao na hindi nakakaalam ng opera at dumating sa teatro sa unang pagkakataon ay ginulo ng ang tumatakbong linya, dahil palagi siyang napipilitang tumingin sa kanya. Minsan, sa pamamagitan ng paraan, ang mga naturang pagsasalin ay ibinibigay na ang isang tao ay hindi maintindihan kung bakit ang isang bagay ay nakasulat, at isang bagay na ganap na naiiba ang nangyayari sa entablado - gayunpaman, ito ay sa halip ay ang kasalanan ng direktor, na nagtanghal ng isang bagay na ganap na naiiba mula sa kung ano ang nakasulat. sa mga tala - ngunit kahit dito mayroong maraming mga nakakatawang sandali. Tila sa akin na ang opera, sa prinsipyo, kahit na para sa publiko, pabayaan tayo, ay isang napaka-komplikadong genre, kung saan kailangan mo pa ring maging handa. Dapat malaman ng sinumang pumupunta sa opera house, halimbawa, kung ano ang aria o isang overture, kung bakit minsan sumasayaw sila sa opera, at kung bakit minsan kumakanta sila sa balete. May posibilidad pa rin akong maniwala na ang opera ay dapat gumanap sa orihinal na wika, at ipinapakita ng pagsasanay na ang mga uso ay eksaktong ganoon.

MS: Pero gusto kong maging malinaw din ang mga salita.

IG: Oo. Kung ang mga salita ng mga character sa opera na si Boris Godunov, halimbawa, ay hindi maintindihan, kung gayon halos hindi ko maisip kung paano mo malalaman kung ano ang nangyayari sa entablado. Hindi ito ang mga aria ni Handel, kung saan mayroong dalawang linya lamang ng mga salita. Ngunit may iba pang mas mahalaga doon - doon ang mga salitang ito ay inaawit sa mga unang hakbang, at pagkatapos ay tamasahin lamang ang musika at mga pagkakaiba-iba, kamangha-manghang mga modulasyon. Siyempre, palaging may bahagi ng publiko na hindi sinasadyang pumasok sa teatro, at walang masama doon. Siya, halimbawa, ay hindi alam kung saan pumalakpak, kung saan hindi, at sa opera ito ay napakahalaga din. Gayunpaman, kumakanta kami para sa lahat, ang aming gawain ay gawing kawili-wili ang musika at imahe ng bayani. Hindi ko hinahati ang audience sa mga nakakaalam at sa mga hindi marunong mag-react. Ang pinakamahirap na pagsubok para sa isang mang-aawit ay ang kumanta para sa mga nakakaalam at nakakaintindi ng lahat.

MS: Iba ba ang audience sa iba't-ibang bansa? Magtrabaho sa iba't ibang mga sinehan?

IG: Siyempre, siyempre, at muli siyempre. Una, lahat ng mga sinehan ay magkakaiba, kahit na sa isang bansa. Marami akong nagtrabaho sa Italya, sa iba't ibang lungsod, parehong sa hilaga at sa timog. Ang Italya sa pangkalahatan ay isang kamangha-manghang bansa: nagmamaneho ka roon sa loob ng 100 km - at isang ganap na kakaibang tanawin, iba't ibang mga tao, ibang kaisipan, kaya ang mga sinehan doon ay iba sa isa't isa. Sa England o Ireland, mayroong isang ganap na naiibang teatro at iba't ibang mga manonood. Sa France, hindi mo maikukumpara ang audience ng Paris at, sabihin nating, Lille. Ang pinakamahusay, mabait, aktibong publiko, gaya ng sinasabi nila, ay minsan sa Buenos Aires. Sila ay mga nakamamanghang manonood - kung mahal nila, maaari nilang basagin ang teatro sa totoong kahulugan ng salita. Pero nung kumanta ako doon, mas kalmado ang lahat. Tila, ang mga mahilig sa opera na noong 1980s at 90s ay matanda na at hindi na pumupunta sa mga pagtatanghal. Pero tinanggap kami ng maayos. Marahil, ang mga tao ay may ilang espesyal na pag-uugali doon - sila ay hindi pangkaraniwang palakaibigan, tulad ng sa amin, nga pala. Dito, kung mahal ng publiko ang isang artista, napakahusay niya, ngunit kung hindi nagustuhan ang artista, pinalakpakan pa rin siya. Sa pangkalahatan, bihira kaming magkaroon ng mga kaso kapag ang isang tao ay "bobbed", hindi ko ito naaalala. Kahit na may hindi masyadong kumanta, susuportahan pa rin siya, pumalakpak.

MS: Ano ang mas mahirap - ang pumasok sa pagganap o ang mag-ensayo sa simula pa lang?

IG: Depende sa performance. Hindi ako magbibigay ng malinaw na sagot sa tanong na ito, dahil depende ito sa partikular na sitwasyon: anong uri ng opera, gaano kalaki ang bahagi, anong uri ng teatro, sino ang nag-eensayo, gaano karaming oras ang inilaan para sa rehearsals, pagtatanghal o input , at iba pa.

Halimbawa, may kaso na nag-rehearse ulit ako ng "Troubadour" (smiles). May rehearsals kami mula Nobyembre hanggang Pasko. Alinman sa Disyembre 24, o sa Disyembre 25, dapat akong lumipad sa Moscow, at pagkatapos ay tinawag ako ng aking ahente at sinabing: "Makinig, sa Cologne kailangan nating kumanta ng dalawang pagtatanghal ng La Boheme, ang kanilang baritone ay nagkasakit doon. Kilala mo ba ang Bohemia? Sabi ko: "Siyempre alam ko!" May direktang tren mula Lille papuntang Cologne at mapupuntahan sa loob ng tatlo o apat na oras. Upang makarating sa oras, kinailangan kong tumalon sa tren nang halos naka-makeup ilang minuto bago umalis (nagkaroon ng run ng Troubadour sa mga costume) at sa gabi ay nasa Cologne ako. At kinabukasan sa alas-12 ay nagkaroon ako ng rehearsal ng La bohème, na "naiilawan" namin (ibig sabihin, dadaan ang lahat ng mga eksena kasama ang direktor upang maunawaan kung sino ang gumagawa ng kung ano, kasama ako) sa loob ng tatlong oras. Ensemble opera, at sa entablado - ako lang at ang katulong ng direktor. Makalipas ang isang oras ay nakipagpulong ako sa konduktor, at sa gabi - isang pagtatanghal. Ito ay, sa aking opinyon, ang pinakamabilis na pagpasok sa aking karanasan. Sino ang nakakaalam kung ano ang "La Boheme", ay mauunawaan na ito ay hindi kapani-paniwala. Sa unang eksena pa lang ay may apat na tao na nakikipag-ugnayan sa isa't isa, maraming bagay: isang mesa, upuan, brush, easel, baso, plato; doon sila nagdadala ng pagkain, nagkakalat ng pera. Iyon ay, mayroong napakaraming bilang ng mga kaganapan, at kailangan kong malaman ito kaagad. Ipinagmamalaki ko pa na mayroon kaming oras upang gawin ang lahat. Ngunit ito, siyempre, ay higit sa lahat ang merito ng direktor, dahil kailangan mong malaman ang pagganap nang napakahusay upang ipaalam sa isang bagong tao ang tungkol sa mga sandaling iyon na maaaring magdulot ng kahirapan.

Ang pagtatanghal ay kahanga-hanga, ang tanging bagay - sinabi ko sa lahat ang tungkol dito, tumawa nang napakatagal - natamaan ako ng nag-udyok. Sa pangkalahatan, ito ay isang hiwalay na isyu, ngayon ang propesyon na ito ay halos nalubog sa limot. Halos wala nang natitira pang mga taga-utos, at kung minsan ay lubhang kailangan ang mga ito. At nang bigla kong kinailangan na apurahang kantahin ang La bohème, tuwang-tuwa ako nang pumasok ang isang babae sa dressing room bago ang pagtatanghal, nagpakilala at sinabing siya ay isang prompter. Sinasabi ko: "Naku, napakagandang makilala ka, nakikiusap ako sa iyo, kung nakikita mo na nahihirapan ako, na nakalimutan ko ang aking linya o kung saan papasok, mangyaring tulungan mo ako." Sabi niya, "Okay." At umalis na siya. I appreciated the degree of her humor already at the performance, nang makita ko kung ano ang ginagawa niya. Umupo siya sa clavier at inulit ang text sa amin, kasama namin - hindi mas maaga, hindi mamaya. Sinabi ko sa aking sarili: "Golovatenko, iyon lang, kalimutan ang tungkol sa nag-udyok, dahil kung may mangyari, wala siyang oras upang subaybayan ito." Ang pagganap ay kamangha-manghang, tila, kapag ang isang nakababahalang sitwasyon, kahit papaano ay pupunta kaagad.

MS: Mayroon akong tanong na ito: paano nagbago ang paaralan ng pag-awit sa pangkalahatan sa mga nakaraang taon?

IG: Mahirap sabihin, dahil hindi pa ako handang i-analyze ang lahat ng ito. Sa palagay ko, ang detalyadong pag-aaral ng boses, iyon ay, ang tamang setting ng boses, ay wala na, at ang mga mang-aawit kung minsan ay may mga mahihirap na bahagi, na hindi pa ganap na nakabisado ang teknikal na boses. Ang boses ay napapagod, imposibleng pagsamantalahan ito nang mahabang panahon, at ang mga taong ito ay kumakanta ng lima hanggang sampung taon - at iyon na. Ito ay napakalungkot. Wala na ang paaralan sa bagay na ito. Sa kasong ito, pinag-uusapan ko ang tungkol sa lumang paaralang Italyano, na, sa kasamaang-palad, halos walang nagmamay-ari. Bukod sa, naunang mang-aawit kaya niyang "kumanta", iyon ay, kumanta ng ilang nangungunang mga bahagi sa maliliit na sinehan, sa gayon ay makakuha ng karanasan para sa kanyang sarili at pagkatapos ay gumanap lamang sa malalaking sinehan. Ngayon, kung napansin ng isang ahente ang isang tao na may magandang boses na maaaring kumanta, sa halos pagsasalita, "Rigoletto" o "Nabucco" sa edad na dalawampu't lima, kung gayon ang tagapalabas na ito, kung siya ay magbibigay ng go-ahead, ay pinagsamantalahan hanggang sa siya ay tumigil sa pagkanta. Kumuha ako ng matinding sitwasyon, ngunit nangyayari rin ito. Sa kasamaang palad, ngayon ang mga ahente at direktor ng mga sinehan ay hindi nais na gumugol ng oras at pera sa pagtuturo sa mga mang-aawit upang sila ay mapalago. At ang paglaki ay nangangahulugang gumugol ng maraming taon upang ang isang tao ay unti-unting, hakbang-hakbang, tumaas nang mas mataas at mas mataas ...

MS: I don't think lahat ng singers gustong gawin yun.

IG: Oo, lahat gusto ng isang beses - at kumita, isang beses - at ikaw ay isang bituin. At ito ay isang karaniwang problema, dahil ang mga ahente, impresario, mga direktor ng teatro ay ayaw ding maghintay. Maaari kang kumanta ngayon - pumunta at kumanta. Kung ayaw mo, hindi ka namin tatawagan. Walang gustong maghintay na mag-mature ang isang mang-aawit sa isang partikular na papel. Kung ang isang tao ay maaaring gumawa at kumanta ng ilang bahagi, pagkatapos ay siya ay kargado ng trabaho upang hindi niya ito matiis. May mga medyo kalunos-lunos na sandali, pagkasira at iba pa.

MS: Ano sa tingin mo ang sikreto ng tagumpay ng mang-aawit?

IG: Ang tagumpay ng isang mang-aawit ay binubuo ng maraming sangkap. Bilang karagdagan sa kanyang sariling boses, kakayahan, talento, ito, siyempre, ay isang matalinong guro. O, kung hindi ito isang guro ng boses, kung gayon ang isang accompanist o, sa pangkalahatan, isang napakahusay na "tainga" ay nasa malapit na lugar. Si Joan Sutherland sa pangkalahatan ay may "personal" na konduktor - si Richard Boning. May isang alamat na noong hindi siya nagko-conduct ng performance, nakaupo pa rin siya sa front row at ipinakita sa kanya kung overestimated or underestimated siya, roughly speaking. At maraming ganoong kaso.

Mahalaga rin ang tamang repertoire: huwag kumanta ng isang bagay na maaaring makapinsala sa boses, o kung saan ang boses ay maaaring hindi masyadong epektibo kung ito ay isang debut. Kung ito ay isang mahalagang pasinaya sa ilang uri ng teatro, kailangan mong gumanap lamang kung ano ang magbibigay-daan sa iyong boses na bumukas hangga't maaari. Marami ang nakasalalay sa ahente dito. Mayroong dalawang kategorya ng mga ahente. Itinuturing ng ilan ang mang-aawit bilang "cannon fodder" (tawagin natin ang spade a spade): kumakanta ka ng lima hanggang sampung taon, ginagamit ka nila nang husto, at pagkatapos ay tapos na ang lahat. Ang iba ay napaka matalinong magplano ng iyong iskedyul, unti-unting makaipon ng isang repertoire, iyon ay, handa silang bumuo sa iyo. Kaunti lang ang huli, at napakasuwerte ko na ganoon lang ang aking ahente: sa isang banda, sinusubukan niyang gumawa ng ilang pakikipag-ugnayan sa napakagandang malalaking sinehan - ang Glyndebourne Festival, ang Bavarian Opera, ang Colon Theater sa Buenos Aires, pero, sa kabilang banda, lagi niyang sinisigurado na kakantahin ko lang ang nababagay sa boses ko sa ngayon. Mayroon akong mga alok na kumanta, halimbawa, Mazepa, o ang Prinsipe sa The Enchantress, o Alfio sa The Country Honor, ngunit tinatanggihan ko ang mga alok na ito, dahil hindi ito ang aking repertoire, kahit ngayon.

MS: Saan galing ang ahente mo?

IG: English siya at nakatira at nagtatrabaho sa London. Para sa isang ahente, napakahalaga, dahil uso na ngayon, ang "maging alam", ibig sabihin, kilalanin ang mga direktor, mang-aawit, repertoire, at iba pang ahente. Ito ay isang napakalaking market kung saan kilala ng lahat ang isa't isa, kaya isang walang ingat na galaw - at nahulog ka sa clip na ito. Mahalaga para sa amin na huwag makipag-away sa sinumang konduktor o direktor, hindi ka dapat magkaroon ng mga salungatan sa sinuman, dahil kung minsan ay maaaring magdulot ito ng hindi na mapananauli na pinsala sa iyong reputasyon, at hihinto ka lamang sa pag-imbita. Samakatuwid, marami ang nakasalalay sa ahente. Kung ito ay isang mahinang ahente, hindi ka niya magagawang ibenta. Kung malakas ang ahente na ito, magagawa ka niyang ibenta nang malaki, ngunit kung hindi niya susundin ang iyong repertoire, maaari itong maging nakamamatay.

MS: At saka sino ang nagtatakda ng repertoire?

IG: Upang kantahin o hindi kantahin ito o ang bahaging iyon sa mga partikular na pangyayari na inaalok ng teatro at direktor (!), Sa huli, ang mang-aawit mismo ang palaging nagpapasiya, ngunit dapat mayroong mga tao na makapagpapayo sa kanya na gawin o hindi gawin. isang bagay.

MS: Hypothetically, sinabi ng ahente sa iyo: "Mukhang handa na ang iyong boses, gawin natin ang bahaging ito," at sinabi ni Vdovin: "Hindi, hindi ako nagpapayo."

IG: Nagkaroon ako ng mga ganyang kaso. Kamakailan, isang ahente ang nag-alok sa akin ng isang bahagi, sumangguni ako kay Vdovin, at sinabi niya: "Hindi, sa palagay ko hindi mo na kailangang kantahin ito." At ako, na nakakita na ng ilang mga kaso, kabilang ang pagtapak sa isang kalaykay gamit ang aking sariling paa ng ilang beses, ngayon mas gusto kong sumang-ayon at makinig. Bagaman masuwerte ako - hindi ako nakatapak sa kilalang rake nang madalas, ngunit ang aking mga kasamahan ay may mas malubhang kaso. Kaya lang minsan ko na ngang kinanta ang part na pinag-uusapan, at hindi masyadong successful.

MS: Ito ay dapat na napakahirap kapag may isang mapang-akit na alok, ngunit alam mo sa kaibuturan na ito ay isang malaking panganib.

IG: Inilarawan mo ang isang klasikong sitwasyon kung saan mayroong ilang napaka-kagiliw-giliw na panukala, ngunit sa pagbabalik-tanaw ay napagtanto mo na maaari itong magwakas nang masama. Dito dapat mong palaging magpatuloy mula sa katotohanan na kung kailangan mo ng pera at katanyagan, kikita ka sa kanila. Ngunit maaari mo lamang silang kumita sa iyong boses. Kung may nangyari sa boses mo dahil sa kasalanan mo, hindi dahil nagkasakit ka, kundi dahil kinanta mo lang ang isang bagay na hindi mo dapat kinanta, kasalanan mo lang at wala ng iba.

MS: Ibig sabihin, kailangan mong magkaroon ng kamalayan sa bahagi ng responsibilidad na iyong pinapasan sa oras ng paggawa ng ito o ang desisyon na iyon?

IG: Syempre. Lalo na pagdating sa mga kontrata sa medyo malalaking sinehan. Dapat mong palaging maunawaan na kapag pumunta ka sa pagkanta sa isang malaking teatro, mayroon ding isang sandali tulad ng presyon ng kapaligiran ng teatro. Kung mas matatag ang teatro, mas mataas ang responsibilidad. Plus nerbiyos at - ang pinaka-hindi kasiya-siya - pagkapagod na accumulates sa panahon ng produksyon. Kung bago ka dumating sa klase at kinanta mo ang buong bahagi, wala itong ibig sabihin. Makakaya mo ba ang isang buwan o kalahati ng pang-araw-araw na pag-eensayo ng tatlo hanggang anim na oras (minsan higit pa)? Kung sumasang-ayon ka sa isang bagay, dapat ay mayroon kang margin ng kaligtasan.

MS: Pero kapag tumanggi ka, baka hindi ka na maimbitahan mamaya.

IG: Oo naman! Imposibleng tumanggi sa ating propesyon, dahil ang pagtanggi ay minsan ay itinuturing na isang insulto, isang insulto. Narito lamang ang sariling ulo ang makakatulong, at, siyempre, mabuti kung mayroong isang matalinong tao sa malapit - isang guro o isang ahente.

Sa Rigoletto, halimbawa, ito ay ganito: isang ahenteng Italyano, kung saan kami nakipagtulungan noon, ay nag-alok na gawin ang larong ito. Sa una ay tumanggi ako, pagkatapos ay bilang isang resulta ay nakumbinsi ako (at tama nga!). Ito ay isang maliit na teatro ng Italyano, hindi kahit isang teatro, ngunit isang patyo sa kastilyo sa bukas na hangin, ngunit may mahusay na acoustics, isang orkestra ng Italyano na hindi durog sa tunog, ngunit sa kabaligtaran, hinahayaan kang kumanta at sumabay nang napakahusay. . Kahanga-hanga ang mga kasosyo. At ang direktor, ang mahusay na baritone na si Rolando Panerai, na tumulong sa akin ng malaki sa parehong payo at gawa. Dalawang performance lang ang kinanta ko, hindi labinlima, gaya ngayon. Halos tatlong taon na ang lumipas, ngunit hindi pa ako handang kumanta ng Rigoletto sa lahat ng oras ngayon. Sinabi ko sa aking sarili na hanggang sa isang tiyak na edad ay hindi ako babalik sa bahaging ito, bagama't alam kong kakayanin ko ito sa boses. Ngunit hindi iyon ang punto - ang partido ay nangangailangan ng malaki, simpleng hindi makataong emosyonal na gastos. Una, ang aria ay simpleng "wear and tear". Una - isang nakakabaliw na sigaw, isang paghihirap lamang sa unang bahagi ng "Cortigiani", pagkatapos ay kailangan mong kumanta sa piano - "Marullo ... signore", at pagkatapos ay legato, na lubhang mahirap. "Miei signori, perdono pietate" ang pinakamahirap na bahagi ng aria, dahil ang puso ay tumitibok, hindi mo mapakalma ang iyong hininga; doon kailangan mong kontrolin nang husto ang iyong boses at, sa prinsipyo, pisikal na kontrolin ang iyong katawan, na kaakibat lamang ng edad. Pagkatapos ay mayroong duet kasama si Gilda, ang emosyonal na pinakamahirap na sandali ng ikalawang yugto, kapag siya ay dumating at sinabi ang lahat ng nangyari sa kanya. Naalala ko na nakaupo ako sa entablado na may malamig na ulo at iniisip lang kung paano kantahin ito o ang note na iyon. Dahil kung ikaw ay "dalhin", kung gayon ikaw ay "hindi mangolekta ng mga buto." Kailangan ang kontrol doon, tulad ng sa isang sitwasyon kung saan kinokontrol ng piloto ang liner, kung saan mayroong tatlong daang tao. Ganito rin ang nangyayari sa ikatlong yugto, kapag ang pangunahing tauhang babae ay namamatay na. Kung babalik ako sa bahaging ito ngayon, maglalagay ako ng iba pang mga emosyonal na kulay dito, ngunit pagkatapos ay naisip kong kantahin na lang ang lahat nang pantay-pantay at maayos, at iyon lang ang kailangan.

MS: May mga eksena bang gusto mong kantahin?

IG: Syempre. Ito ang mga yugto na hinahangad ng lahat - ang Metropolitan Opera, Covent Garden. Gusto ko rin talagang bumalik sa Buenos Aires. Talagang nagustuhan ko ang teatro na ito, mahal na mahal ko ito. Ang Teatro Colon ay isang maalamat na teatro kung saan halos lahat ng magagaling na mang-aawit at konduktor ay nagtrabaho. May mga eksenang hindi ko pa nakakanta: Opera Bastille (bagama't kumanta ako sa Opera Garnier), La Scala. May mga magagandang eksena na gustong-gusto kong mapuntahan, at umaasa ako na balang-araw ay mangyari ito.

MS: Hindi ko maiwasang magtanong tungkol sa saloobin patungo sa repertory theater at sa negosyo.

IG: Ang tunay na repertory theater ay kapag ngayon ay isang pangalan, bukas ay isa pa, kinabukasan ay pangatlo at iba pa. Nagtrabaho ako sa naturang teatro, ito ang New Opera.

MS: Ang Bolshoi Theater ay may cast ng mga mang-aawit. At sa Metropolitan Opera, halos lahat ng mga inimbitahang soloista.

IG: Oo, ngunit sa parehong oras, sa Metropolitan Opera, ang ilang mga performer, mga bituin, ay patuloy na kumakanta, halimbawa, Netrebko, Fleming, Hvorostovsky, Domingo. Ang lahat ay nakasalalay sa kung ano ang nais ng teatro. Kung ang teatro ay nais ng isang kahanga-hangang grupo ng mga soloista - upang ang lahat ay masanay, upang ang mga soloista ay makaramdam at maunawaan ang bawat isa nang perpekto, kung gayon, siyempre, kailangan mong umupo at magsanay. Kung ang isang tao ay dumating ng ilang araw bago ang pagtatanghal, pagkatapos ay umalis para sa isa pang teatro, tulad ng nangyayari sa halos lahat ng dako ngayon, kung gayon ang isang mahusay na pagganap ay nakuha dahil sa katotohanan na maraming mga mang-aawit na gumagawa nito - mga mahuhusay na musikero. Ngunit, sabihin nating, ang mga ensemble opera, tulad ng La bohème, The Barber of Seville, Le nozze di Figaro o Cos? fan tutte” (“Iyan ang ginagawa ng lahat ng kababaihan”) ay nangangailangan ng maraming pagtutulungan. Sa ganitong mga kaso, dalawa o tatlong araw ay hindi sapat.

Nakikita mo, ang bawat kaso ay dapat isaalang-alang nang hiwalay. Ang mga sinehan na may ganitong mga opera sa kanilang repertoire, halimbawa, sa Munich, ay may sariling mga soloista, ngunit sa halos bawat pagtatanghal ay kinasasangkutan nila ang mga soloistang panauhin, dahil maaari mong maakit ang madla lamang sa pangalan ng bituin sa poster - ang sikolohiya ay ngayon ganito. Muli, debut, halimbawa, sa Paris Opera napakahirap: kanais-nais na nakapaglabas ka na ng DVD ng ilang pagganap. Kung wala kang DVD, you are nobody, hindi ka maiimbitahan doon, kahit napakagaling mong kumanta. Ito ay lumalabas na isang uri ng mabisyo na bilog.

MS: Sabihin mo sa akin, prestihiyoso ba ang maging soloista ng Bolshoi Theatre?

IG: Sa tingin ko. Gayunpaman, ito ay isang teatro na kilala at may sapat na malaking timbang. Sa Kanluran, sa pangkalahatan, dalawang teatro ng Russia ang kilala: ang Bolshoi at ang Mariinsky. Dapat kong sabihin na ang mga mang-aawit ay nagsisikap na makapasok sa Bolshoi Theater. Kapag nalaman ng mga kasamahan kung saan ka nagtatrabaho sa isang kontrata na ako ay mula sa Bolshoi Theater, sasabihin nila: "Oh, mahusay, gusto kong kumanta doon." Ilang beses ko na itong narinig. Halimbawa, ang kahanga-hangang Spanish tenor na si Celso Albelo, pagkatapos ng premiere ng Don Pasquale, ay nagsabi na gusto pa rin niyang pumunta sa Bolshoi. Kaya nagustuhan niya, hindi lang ito magagandang salita.

MS: Kumanta ka rin ba ng chamber repertoire? Narinig ko na sa okasyon ng ika-125 anibersaryo ng kapanganakan ni Nikolai Semyonovich Golovanov, nagsagawa ka ng isang programa mula sa kanyang mga pag-iibigan.

IG: Talaga, ito ay. Naganap ang konsiyerto salamat kay Stanislav Dmitrievich Dyachenko, kung saan nakilala namin ang isa't isa sa aking pag-aaral kay Gennady Nikolaevich Rozhdestvensky. Nagtatrabaho pa rin siya sa kanyang klase bilang accompanist, bagama't mayroon na siyang sariling conducting class sa conservatory. Noong Hunyo noong nakaraang taon, tinawag niya ako para sa pagganap ng mga romansa ni Golovanov, nagpadala muna ng ilang mga romansa, pagkatapos ay hiniling ko sa kanya na magpadala ng higit pa. Agad akong nabalisa sa ideyang ito, dahil ito ay musikal na materyal na may hindi pangkaraniwang kalidad mula sa punto ng view ng isang kompositor. Bagaman mahirap sabihin na si Golovanov ay isang kompositor, dahil ang lahat ng kanyang isinulat ay nilikha halos sa edad na 17-20, kung gayon siya ay nakikibahagi sa pagsasagawa ng napakalapit na wala siyang oras upang bumuo. Ito ay mas kawili-wili dahil lumikha siya ng napakagandang romansa bilang isang napakabata. Marami siyang romansa batay sa mga tula ng mga makata ng Panahon ng Pilak: Severyanin, Balmont, Akhmatova. Ito ay isang buong layer, ganap na hindi ginalugad. Halos walang nai-publish, marahil isang romansa lamang ang nai-publish sa koleksyon ni Nezhdanova, at iyon na. At mayroon siyang isang daan at apatnapung romansa, na, tila, walang sinuman ang gumanap.

At napagtanto ko na natuklasan ko ang isang bagong kompositor, at isang napaka-interesante doon. Mayroon itong mga sanggunian sa musika ng Scriabin, Medtner, Rachmaninoff, Taneyev, gayunpaman, ang musika ay napaka orihinal. Sa paanuman ay binago niya ang lahat ng ito sa kanyang sariling paraan, kahit na marami siyang kinuha mula kay Rachmaninov sa texture ng piano, sa ilang mga lugar ay may mga katulad na melodic na pagliko. Hiwalay na mga romansa, hindi ako matatakot sa salitang ito, napakatalino, lalo na ang kamangha-manghang "Lotus" sa mga taludtod ng Heine.

Kinanta namin ang konsiyerto na ito noong Abril sa N. S. Golovanov Museum-Apartment, na, sa kasamaang-palad, ay hindi kayang tumanggap ng lahat. Ngunit nais kong ulitin ang programang ito balang araw, at umaasa ako na ito ay makabuo ng interes, dahil ang musikang ito ay kailangang isulong. Sulit siya.

MS: Sana gawin mo ulit.

IG: Talagang gusto kong gawin ito, at partikular kay Dyachenko, dahil mayroon siyang tunay, taos-pusong interes sa musikang ito. At ginagawa niya ito sa paraang gusto mo talagang kumanta, kahit papaano ay nahawa ka sa kanyang enerhiya. Bilang karagdagan, si Dyachenko ay isang first-class na pianist at ensemble player. Bilang karagdagan, siya ay isang mahusay na konduktor, at naiintindihan namin ang bawat isa nang halos walang mga salita.

Ngunit, dahil ang mga plano para sa susunod na season ay handa na, kung gayon marahil sa isang panahon. Sa pangkalahatan, nais kong gumawa ng isang konsiyerto ng musikang Ruso, mga pag-iibigan ng Russia o mga kanta, kung saan magkakaroon ng mga gawa ni Mussorgsky, Rachmaninoff, Taneyev, Medtner, na mayroon ding napakaraming napakagandang romansa, at Golovanov - ito ay isa. namamana na linya ng musikang Ruso.

MS: Kinanta mo ba si Schubert?

IG: Kinanta ko lang ang "Forest King" ni Schubert, sa tingin ko ay hindi pa ako handa sa mga cycle ni Schubert.

MS: Bakit?

IG: Kasi napakahirap nila. Una, mahirap humanap ng oras para harapin sila. Kailangan nilang harapin nang mahabang panahon, kinakailangan na gawin ang isang cycle sa loob ng ilang buwan. Wala pa akong pagkakataong iyon, at hindi ko alam kung kailan. Sa kabilang banda, kailangang pumili ng oras para gumawa ng konsiyerto: maghanap ng ka-date, maghanap ng pianista na libre sa oras na iyon at kung sino ang makakabisado nito. Maraming paghihirap dito. At ang pangunahing problema ay ang pagiging handa sa loob upang gumanap, dahil para sa akin may mga misteryo kapwa sa musika ni Schubert at sa musika ng Mozart, na hindi ko pa mahanap ang sagot. Kaya naman hindi ko ginagalaw ang musikang ito. Hanggang sa.

MS: Mukhang napaka-simple sa publiko, ngunit…

IG: Ang katotohanan ng bagay ay mukhang simple ang mga kanta ni Schubert, at kapag nagsimula kang kumanta, naiintindihan mo na may mga ganoong kalaliman na maaaring ipahayag lamang sa isang medyo may edad na tao, na nakaranas na ng isang bagay, dahil parehong tula at musika. nangangailangan ng tiyak na karanasan sa buhay. Kung gagawin mo ito nang walang muwang, maaaring hindi ito gumana. Sa palagay ko balang araw ay lalapit ako sa musikang ito, ngunit hindi ngayon.

Sa totoo lang, mas malapit ako kay Beethoven, kahit na ayaw kong ikumpara si Beethoven kay Schubert. Pero siguro magsisimula ako sa Beethoven o Brahms, hindi ko alam. Mukhang mas malapit na ito sa akin ngayon. Makikita natin.

MS: Mangyaring sabihin sa amin ang tungkol sa iyong mga malikhaing plano para sa susunod na season.

IG: Dapat magsimula ang season sa isang opera sa Bolshoi Theater sa direksyon ni Adolf Shapiro, isang kilalang direktor ng drama. Umaasa ako na ito ay magiging kawili-wili at nagbibigay-kaalaman para sa lahat ng mga kalahok. Ito ay isang napakalaking opera, ito ang aking paboritong Puccini opera, sa totoo lang nagsimula ang aking pagkakakilala sa kompositor na ito mula dito. May records ako sa bahay kung saan kinanta nila ang Caballe, Domingo, Sardinero - kilalang record ito. At ito ang kauna-unahang opera na aking pinakinggan, ito ay lubos na sumisipsip sa akin. Siyempre, ang mga opera ni Puccini ay kamangha-mangha, napakatalino, ngunit may espesyal sa opera na ito na wala sa iba. Doon, ang ilang uri ng kapahamakan ay tumutunog sa ilang melodies, lalo na sa ika-apat na yugto, isang kakila-kilabot na kawalan ng laman ang lumitaw, na hindi katangian ng musikang Italyano. Sa musikang Italyano, kahit na ang pinaka-trahedya, palaging may ilang uri ng liwanag. At doon lahat ay nakakatakot, madilim, ang isang bagay na katulad ay matatagpuan sa Puccini, marahil sa Madama Butterfly lamang at sa huling aria ni Liu sa Turandot. Ngunit ito ay parisukat at muli ay parisukat. Naiisip ko pa rin ang aking sarili na hindi ko kayang makinig sa musikang ito, lalo na ang ikaapat na yugto - napakahirap sa sikolohikal na paraan. Kahit na ang musika doon ay kahanga-hanga, ngunit ito ay may tulad na isang nagbabala na karakter, ito ay tumagos sa iyo nang labis, ito ay literal na nakaka-suffocate na ito ay napakahirap na labanan. Tingnan natin kung ano ang magiging performance. Ang premiere ay sa kalagitnaan ng Oktubre.

Sa Nobyembre 16 magkakaroon ng isang konsiyerto sa House of Music, sa Chamber Hall, kasama sina Semyon Borisovich Skigin at Ekaterina Morozova mula sa Youth Program. Dapat tayong kumanta doon Mussorgsky - "Rayok" at, marahil, ang vocal cycle na "Walang Araw". Baka iba ang kakantahin natin, French o Russian, tingnan natin. Katya si Katya ng "Satires" ni Shostakovich.

Sa katapusan ng Nobyembre, ang isang konsiyerto ay binalak kasama ang Italyano na pianista na si Giulio Zappa at ang kahanga-hangang nagtapos ng Youth Program na si Nina Minasyan sa Bolshoi Theater, sa Beethoven Hall. Malamang, ito ay magiging musikang Pranses at Italyano. Bagama't pagkatapos ng pagtatanghal na ito, may dalawa pang konsiyerto si Giulio kasama ang programang Kabataan, kung saan kasama rin sa programa ang musikang Italyano. Maghahanda sila ng antolohiya ng Italian romance mula Bellini, Donizetti, Tosti hanggang Respighi at mga kontemporaryong Italyano na may-akda. Samakatuwid, upang hindi maulit ang ating sarili, iniisip natin ngayon kung paano ito pinakamahusay na gawin. Ngunit, sa anumang kaso, siya ay isang chic pianist at musikero, matagal ko nang gustong makipag-concert sa kanya. Natutuwa ako na sa darating na season ay sa wakas ay gagana ito.

Sa Disyembre, ang Bolshoi Theater ay, sa aking palagay, si Don Carlos, ang tinatawag na muling pagbabangon - ang pagpapatuloy ng produksyon, hindi ako nakilahok dito sa loob ng mahabang panahon. At sa pagtatapos ng Enero - isang pagtatanghal ng konsiyerto ng "Journey to Reims" ni Rossini. Ito ang proyekto ni Sokhiev, at nangangako itong magiging lubhang kawili-wili. Noong Marso, ang Bolshoi Theater ay naglilibot kasama ang isang bersyon ng konsiyerto ng The Maid of Orleans, na tumunog dito noong 2014, ito ang unang pagganap ni Sokhiev sa Bolshoi Theatre.

Pagkatapos ay pumunta ako sa Cologne, kung saan mayroon akong Lucia di Lammermoor, pagkatapos ay La Traviata sa Glyndebourne. Ganito ang lalabas ng panahon.

MC: Good luck!

Kinapanayam ni Irina Shirinyan

Dito agad ako lilihis sa chronology. Matapos ang premiere ng Disyembre ng Don Carlos, sa isang piging sa Bolshoi Theater, isang kamangha-manghang ginang, na naging Olga Rostropovich, ay lumapit sa akin na may pagbati. Gaano ako kasaya at kapuri-puri na nakilala ko ang anak na babae ng aking idolo ng kabataan, si Mstislav Leopoldovich, na pinangarap kong makilala, ngunit hindi kailanman nagkaroon ng pagkakataon! Bukod dito, ako, parang, ang "pedagogical apo" ni Rostropovich, ang aking propesor ng cello na si Lev Vladimirovich Gokhman ay nag-aral muna kasama si Svyatoslav Knushevitsky, at pagkatapos ay kasama si Rostropovich.

- Ano ang nag-udyok sa iyo na umalis sa cello?

Mahabang istorya. Tila may ilan mga lihim na palatandaan". Nais kong magsagawa. Sa edad na 19, kusang natagpuan ko ang aking sarili sa podium ng isang student orchestra kung saan ako mismo ang tumugtog. Ang konduktor ay nagkasakit dalawang linggo bago ang konsiyerto, ang mga lalaki ay kailangang iligtas. Inalok akong gumawa ng programa ng Beethoven's 3rd Piano Concerto, ang Overture to Le nozze di Figaro at Mozart's Symphony Concerto. Pagkatapos ay isinagawa niya ang Francesca da Rimini ni Tchaikovsky at mga gawa ng mga kontemporaryong kompositor ng Saratov. Nang maglaon, mula sa Moscow, maraming beses na inanyayahan ang mga mag-aaral sa mga konsyerto sa Saratov Philharmonic. Mga programang ginawang kawili-wili - halimbawa, musikang pranses kasama ang "Roman Carnival" ni Berlioz. Doon ko rin unang dinala si Strauss' Don Giovanni. Kaya nung una may practice ng conducting, tapos nag-aral ako.

Matapos ang ika-3 taon ng Saratov Conservatory, pumasok ako sa Moscow Conservatory sa klase ng V.S. Sinaisky para sa pagsasagawa ng symphony. Pagkatapos ng dalawang taon ng aming pag-aaral, biglang umalis si Vasily Serafimovich sa konserbatoryo. Ano ang aking pagkamangha nang, bago magsimula ang bagong taon ng akademya, ipinaalam lang sa akin ng tanggapan ng dean: "Nasa klase ka na ngayon ng G.N. Rozhdestvensky."

Sa oras na lumipat ako sa klase ni Rozhdestvensky, dalawang faculty ang pinagsanib pa lang sa conservatory, at natagpuan ng mga konduktor ng symphony ang kanilang mga sarili kasama ang mga konduktor ng koro. At marami sa kanila, na nakapasa lamang sa isang panayam, ay nagbuhos din sa isang batis upang malaman kung paano magsagawa ng isang orkestra. Kaya ako ay mapalad, si Gennady Nikolaevich ay malayo sa lahat.

Nagsisisi ka ba ngayon na nagsimula ang iyong vocal career nang huli kaysa sa iyong mga kasamahan ngayon? Iyon ay, 5-7 taon ay "nawala" para sa mastering ang pinaka-kumplikadong piraso ng sining, na kung saan ay kailangang iwanan?

Hindi, hindi ko pinagsisisihan ang anumang nangyari. At ako ay lubos na nagpapasalamat sa lahat ng aking "pre-vocalist" na mga guro! Dahil kung hindi ako binigyan ni Sinai manu-manong pamamaraan at ang mga pangunahing kaalaman sa pagsasagawa, pagtatakda ng mga kamay, magiging mahirap para kay Rozhdestvensky. Hindi niya lang ginawa. Ang kanyang mga aralin ay kahanga-hangang nagbibigay-kaalaman. Isa at kalahating oras ng napakahalagang impormasyon na kailangang maitala sa isang dictaphone, upang sa paglaon, mula sa 10 beses, upang maunawaan ang lahat. Ngunit kung ano ang dapat gawin ng kamay o siko ay hindi nag-abala sa kanya. Iyan ba ang pag-finger sa mga lugar: "para sa tatlo", o "para sa isa" upang isagawa.

Ngayon na maraming nangyari sa aking buhay, naaalala ko nang may labis na lambing ang cello na iniwan ng aking mga magulang sa Saratov, dahil ang pakiramdam ng instrumento ay buhay pa sa aking mga daliri, gusto kong tumugtog...

Oh, ito ay pamilyar: ang mga kalamnan ay tila naaalala, ngunit kumuha ka ng isang instrumento - at ito ay nangangailangan ng paghihiganti sa iyo, ay hindi gumanti sa dating, isang pagkabigo ...

Oo, hindi ko talaga kinuha ang cello sa loob ng 12 taon! Sana balang araw.. kapag lumaki na ang mga bata at may free time..

Ikaw ba ay isang maingay na cellist? Ang mga lalaking may ganitong instrumento ang madalas na humihinga ng napakalakas "masigasig" habang tumutugtog, halimbawa, sa mga solo suite ni Bach ito ay kapansin-pansin sa mga pag-record!

Hindi, hindi nakilala ng aking propesor ang mga kakaibang tunog sa panahon ng musika at mahigpit na pinigilan kaagad. Sabagay, may mga konduktor na nagba-low, sumisinghot at kumakanta habang may concert. At tinutukoy din nila ang mga pag-record ng mga dakila, ang parehong Toscanini. Ngunit ang kalayaang ito ay hindi pinalamutian, at kahit na nakakasagabal sa parehong orkestra at mga mang-aawit, kapag ang maestro ay kumikilos nang maingay isang metro ang layo mula sa mga soloista. Ikinalulungkot ko na marami sa mga dakilang "matanda" ay hindi kailanman nagkaroon ng pagkakataong makakita ng kanilang sariling mga mata, ni Mravinsky o Karayan. Maging si Evgeny Fedorovich Svetlanov. Nagbibigay pa rin siya ng kanyang huling mga konsiyerto sa Moscow nang dumating na ako dito, ngunit, sayang, hindi ito nag-tutugma. Ayon sa mga kuwento ng aking asawa, isa ring mang-aawit, noon ay isang estudyante ng Choir Academy, na lumahok sa pagtatanghal ng Mahler's Eighth Symphony na isinagawa ni Svetlanov, ito ay hindi malilimutan. Ngunit limang taon, kabilang ang isang postgraduate na kurso, sa klase ng Gennady Nikolayevich ay nagkakahalaga din ng marami!

Kaya, nagbigay si Rozhdestvensky ng isang halimbawa ng isang propesyonal na diskarte hindi lamang sa pamamaraan, kundi pati na rin sa pag-uugali ng isang konduktor sa entablado. Dapat ay walang nakakagambala, na maaaring maunawaan nang hindi maliwanag, ang kilos ay dapat palaging tumpak at naiintindihan. Pababa sa istilo. Ang kanyang mga kolokyum, nang matikas niyang tinalakay ang pagkakaiba ng mga uso sa pagpipinta - ito ang kanyang forte - agad na ipinaunawa sa aming mga mag-aaral ang lahat ng aming kakulangan sa edukasyon, ginawa kaming magbasa at mag-aral upang makalapit ng kahit isang hakbang sa master. Matagal nang nakaya ni Gennady Nikolaevich na huwag makipagtulungan sa mga orkestra na hindi makatutugtog nang magkasama at malinis at napagtanto ang pinakasimpleng mga gawain. Siya mismo ang nagsusulat tungkol dito, hindi itinago. Alam ko ang pasko na iyon at pinapagalitan ang maraming mangangaso. Ngunit para sa akin, una, siya ay isang Guro, at, walang alinlangan, isang Personalidad ng isang malaking sukat.

- Ano ang reaksyon ni Maestro Rozhdestvensky sa iyong "pagtataksil" sa pagsasagawa?

Ito ay ibang kwento. Dahil bigla akong umalis. Hindi posibleng makakuha ng trabaho bilang konduktor ng orkestra. Kinailangan kong magtrabaho para pakainin ang sarili ko. Hindi ko talaga maipagpatuloy ang aking pag-aaral. Tumigil na lang ako sa pag graduate ng 2nd year. Tinawag nila ako at hiniling sa akin na magsulat ng isang liham ng pagbibitiw. At naramdaman ko na na nasa ibang, vocal, buhay ako. Ang mga nakaraang propesyon - parehong cello at conducting, ay tila nanatili sa nakaraan. Ang mga ugat ng paglipat sa vocal na propesyon ay napakalalim. Ni hindi ko masagot ng buo ang sarili ko. Nagulat ang lahat - paano posible na huminto sa pagsasagawa at magsimulang kumanta?

Sa pangkalahatan, ito ay tulad ng paglipat mula sa mga heneral patungo sa pangkat ng mga opisyal. Pagkatapos ng lahat, ang konduktor ng orkestra mula sa kanyang kabataan ay nag-uutos sa lahat tulad ng isang kumander o isang manlalaro ng chess, at ang isang mang-aawit, kahit na isang namumukod-tanging isa, ay isang piraso lamang ng chess, higit pa o hindi gaanong makabuluhan.

Sa isang banda, oo, ngunit sinubukan ko lamang ang karera ng isang konduktor, at sa Moscow ay nagsagawa lamang ako ng ilang mga konsyerto. Hindi malilimutan na sa unang pagkakataon sa Russia ay gumanap siya ng Hindemith's Concert Music for Strings and Brass (Boston Symphony) noong 2002. Kaya, ano ang susunod?

Sa mga huling taon ng conservatory, nakuha namin ang paksang "Paggawa sa mga bokalista". Isinagawa ito ng mang-aawit na si Maria Viktorovna Ryadchikova, na naging aking unang guro sa boses. Nasa klase siya sa School. Gnesins, naging accompanist ako, sa kabila ng katotohanan na hindi ako nakatanggap ng opisyal na diploma ng piano, ngunit sa pagsasanay ay pinagkadalubhasaan ko ang parehong pagbabasa ng paningin, ang kakayahang makarinig ng soloista, at mga kasanayan sa transposisyon. Sa simula, sinubukan nilang pangunahan ako tulad ng isang malakas na tenor, at tila gumagana, ngunit kapag sinusubukang i-stretch ang tuktok, lumitaw ang mga problema, naging hindi komportable. Pagkatapos, sa pagkakasundo ng isa't isa, nagpasya kaming maghanap ng ibang guro.

Sa tulong ni Svetlana Grigorievna Nesterenko, na pinamunuan ang vocal department ng Gnesinka, nakarating ako kay Dmitry Yuryevich Vdovin. Na-realize ko na gusto kong mag-aral ng vocals ng seryoso at kumanta ng professional. Nakinig si Vdovin sa akin, at nakakuha ako ng isang taon na internship sa Choir Academy. Pagkatapos ay nagtrabaho siya ng isang taon at kalahati bilang isang accompanist sa klase ni Dmitry Yuryevich. At dapat kong sabihin, hindi lamang ang mga vocal lessons, ngunit ang buong araw sa klase upang tumugtog at makinig sa lahat - ito ay isang napakahalagang paaralan, at naaalala ko ang oras na ito nang may walang hanggang pasasalamat. Ang lahat ng mga diskarte at pamamaraan ay ginawa nang eksakto noon, mga limang taon na ang nakakaraan. Ngayon ay pinamamahalaan kong mag-ehersisyo kasama si Dmitry Yuryevich, sa kasamaang-palad, napakabihirang, kapag nagkrus ang landas namin at may oras. Dahil sa sandaling nagsimula akong magtrabaho sa Novaya Opera, pumasok ako sa pangunahing repertoire, at halos walang libreng oras na natitira!

Si Igor, siyempre, ang iyong kaso, kapag mula sa klase ng Rozhdestvensky hanggang baritones ay isang pagbubukod. Ngunit ang mga bokalista na kasangkot sa musika mula pagkabata ay hindi karaniwan ngayon. Ngunit ang kakulangan ng mga konduktor na talagang nararamdaman ang mga mang-aawit sa mga opera house ay lalong naririnig na mga reklamo mula sa mga literate na soloista, na sila mismo ay madalas na mga konduktor ng koro noon. At ano ang para sa iyo, sinusuri ang susunod na maestro?

Oo, hindi madali. Narito ang isang kamakailang halimbawa mula kay Don Carlos. Dapat kong sabihin kaagad na nakamit ni Robert Treviño ang isang tagumpay para sa ating lahat. Dahil noong nalaman niyang kailangan niyang dalhin sa premiere ang performance na inabandona ng punong konduktor ay isang suntok sa nervous system. Ginawa niya ang lahat nang napakahusay. Pero may isang moment kami sa 1st act na hindi kami magkasundo. Para kay Rodrigo, na kalalabas lang sa entablado, isang mahirap na parirala, nababaluktot sa mga agogics - at kaagad na isang mataas na nota. At hindi ako nakatiis, sinabi ko: "Maestro, bumagal ka sa ika-3 sukat, ngunit hindi ako." Dahil ginawa niya ang panukalang ito "sa pamamagitan ng anim", at kapag ginawa niya ito "sa pamamagitan ng dalawa", lahat ay gumana. Ngunit para sa akin mahirap sabihin kaya sa harap ng lahat, hindi lang ito gumana nang tatlong beses sa isang hilera, kailangan ko.

Ngunit sa pangkalahatan ay sinisikap kong huwag i-advertise ang aking kaalaman sa pagsasagawa. Dahil noong una sa Novaya Opera ay mas na-perceived ako bilang singing conductor. Oo, kumanta ako ng mas mahina, kung ano ang dapat itago. Siyempre, ang unang edukasyon ay parehong nakakatulong at humahadlang, nakikita mo ang mga pagkukulang ng kumander sa likod ng console na mas mahusay kaysa sa iba, ngunit kailangan mo pa ring makipagtulungan sa kanya, at siguraduhing panatilihin ang taktika.

- Ikaw ba ay isang ganap?

Ay oo! Isa pang kamalasan... Pero kapag kumakanta ako, hindi ko lagi naririnig ang sarili ko. Ito ay nangyayari na hindi ako nakakakuha ng posisyon. Dapat itong kontrolin ng sensasyon o naitala at nasuri pagkatapos ng mga sandali ng pagtatrabaho. Kukumpirmahin ng lahat, magaling at baguhang mang-aawit. Bukod dito, ang boses "sa output", kung maglalagay ka ng mikropono sa tabi ng mang-aawit at kung ano ang naririnig ng manonood, sabihin, sa Historical Stage ng Bolshoi Theater sa layo na ilang sampu-sampung metro, ay isang malaking pagkakaiba. Noong nakaraang season, pagkatapos ng sipon, kumanta ako ng "La Traviata" sa Bolshoi, tila namamaos ako, ngunit halos walang ganoong uri ang narinig sa bulwagan.

Ngayon bilang isang artista ay nakakumbinsi ka sa entablado, ngunit kahit na sa isang katamtamang dami sa konserbatoryo ay hindi ka nakapasa sa paksang ito.

Malaki ang naitulong sa akin ng Novaya Opera dito. Ito ang aking home theater. Dumating ako doon, kaunti lang ang alam sa boses at plastik. Natutunan ko na ang lahat sa proseso, salamat sa koponan ng direktor kung saan nagkaroon ako ng pagkakataong makatrabaho. Maraming personal na pagsasanay sa akin, nagsasanay ng mga elementarya na paggalaw at busog, koreograpo na si Ivan Fadeev. Ang direktor na si Alexei Veiro, nang ipakilala ako sa Onegin, ay literal na hindi bumitaw, hindi nawawala ang isang solong labis o "maling" kilusan.

Ano ang iyong unang papel?

Marullo sa Rigoletto. Ito ay naging kawili-wili. Ngayong tag-araw, 2013, kinanta ko mismo ang Rigoletto sa unang pagkakataon, at naalala ko na pitong taon na ang nakalilipas, halos kasabay nito, lumabas ako sa entablado sa parehong opera sa isang maliit na papel.

- Sa pangkalahatan, ang isang batang baritone na kumakanta ng parehong Onegin at Rigoletto ay isang bihirang pangyayari.

Well, sa tingin ko ang Onegin ay isang malakas na partido. Ang isa pang bagay ay ang tradisyonal na halos lahat ng mga baritone ay umaawit nito sa ating bansa: parehong liriko at liriko-dramatiko. Sa Kanluran, gayunpaman, ang Onegin ay kadalasang kinakanta ng napakalakas na boses - kanina pa nila kinanta sina Titta Ruffo, Ettore Bastianini, kalaunan ay Bernd Weikl, Wolfgang Brendel. Bukod dito, sa Kanluran mayroong isang medyo naiibang tradisyon ng diskarte sa repertoire ng Russia. Halimbawa, ang partido ni Yeletsky ay itinuturing ding napakalakas, halos kapareho ng kay Tomsky. Ang Onegin ay isang flexible party sa mga tuntunin ng timbre. Pero malakas pa rin. Nagsisimula itong maligaya tulad nito, ngunit sa pagtatapos kailangan mong masira ang isang medyo siksik na orkestra na may isang tessitura.

- Kaya, ang Boccanegra ay maaaring asahan mula sa iyo sa lalong madaling panahon?

Masyado pang maaga para pag-usapan ang Boccanegra. Ngunit sa nakalipas na taon, kumanta ako ng hindi bababa sa walong bayani ng Verdi! Ililista ko: Germont (debut sa Historic Stage ng Bolshoi Theatre), Renato - "Un ballo in maschera" sa tatlong magkakaibang mga sinehan sa Italy, Seid Pasha sa "Le Corsaire" sa Trieste, Montfort sa "Sicilian Vespers" sa Italian sa Athens. Bago iyon, noong 2011, kinanta niya ang Pranses na bersyon sa Naples. Ang muling pag-aaral ng teksto ay napakahirap! Sa Novaya Opera nagkaroon ng pagpapakilala sa Il trovatore, (debut din!) Germont doon, na itinanghal na ni Alla Sigalova, isang concert performance ni Aida (Amonasro), Rigoletto sa Savona, at sa wakas, Rodrigo di Posa sa Bolshoi Theater .

Siyempre, ang Rigoletto ay hanggang ngayon ay naging pagsubok. Sumang-ayon, dahil ito ay isang maliit na teatro. Sa Savona mayroong isang ika-labing-anim na siglong kuta malapit sa dagat, na may patio na may natural na acoustics. Before that, kumanta na ako dun sa Un ballo sa maschera. Ang pagtatanghal ay handa na, ito ay "nabulag" at ang lahat ay ipinakilala sa loob ng sampung araw. At ang direktor ay si Rolando Panerai, ang dakilang baritono ng nakaraan. Parang pinagpala niya ako, physically felt this connection of generations. Ang makilala ang naturang alamat ay isa nang kaganapan, ngunit ang marinig kung paano siya kumanta at magpakita sa edad na 89 ay hindi kapani-paniwala! Kumuha siya ng napakagandang top notes! Tinatrato ni Panerai ang isang batang Rigoletto na may malaking atensyon. Ginawa niya ang lahat para maging komportable ako, halimbawa, kinansela ang wig, tinted lang ang buhok ko ng kulay abo.

Ang premiere ay dinaluhan ng pinakadakilang mang-aawit ng ikadalawampu siglo, si Renata Scotto, na, lumalabas, ay ipinanganak sa Savona! Si Gilda ay kinanta ng kanyang estudyante - para sa kanya ito ay isang okasyon upang dumalo sa dula. Sa pangalawang pagtatanghal ay hindi gaanong sikat si Luciana Serra. At pagkatapos ay tinalakay namin ni Dmitry Yuryevich kung gaano ako kaswerte na sa simula ng aking paglalakbay ay nakatagpo ako ng mga pangalan ng nakaraan! At ang mga pagkakataon ay nasa paligid: ang ika-200 anibersaryo ng Verdi, ang ika-100 anibersaryo ni Tito Gobbi. At walong partido ng Verdi! Gamit ang "karaniwan" sa 3-4 na bagong tungkulin bawat taon.

- Hanggang saan ka natatakot, kinakabahan bago pumunta sa entablado?

Hindi naman ako natatakot, pero may excitement. Lalo na kung hindi ganap na vpeto, at hindi isang daang porsyento na sigurado. Si Rigoletto, sa pamamagitan ng paraan, ay hindi gaanong natatakot kaysa sa tila. Dahil maingat na ginawa namin ni Vdovin ang bahagi na maaari kong kantahin ito sa anumang kondisyon. And the whole team plus the talented conductor Carlo Rizzari (Pappano's assistant) supported me a lot.

Siyempre, mas mahirap kung hindi ka ganap na malusog, ngunit kailangan mong kumanta. At dito tumulong ang paaralan at teknolohiya. Walang stage fright na ganyan. Para sa akin, ito ay isang pamilyar na tirahan, tumayo man ako nang nakatalikod sa madla, bilang isang konduktor, o ngayon ay nakatalikod.

Ang iyong kahilingan sa opera ay nakalulugod. Ngunit ang musikero pangunahing liga hindi mo ba gustong pumunta "sa kaliwa" - upang kumanta ng isang bagay na katangi-tanging silid, upang maging sa imahe, halimbawa, ng Mahler's "Wandering Apprentice"?

Higit pa sa gusto mo! Hindi ako tumatanggi kahit katamtamang gabi ng silid. Tingnan ang mga tala? Ito ay para sa "Concert in the Foyer" ng Bagong Opera. Doon ko kakantahin ang cycle ni Ravel na "Three Songs of Don Quixote to Dulcinea", ang romansa ni Rachmaninov na "Arion" at maging ang "Forest King" ni Schubert. Ang programang ito, sa loob ng balangkas ng aming tradisyonal na linggo ng Epiphany, ay nakatuon lahat sa mga paksang pampanitikan (naganap ang pag-uusap bago pa man magsimula ang linggo ng Epiphany - tinatayang ed.).

Ipatupad musika sa silid walang pagkakataon madalas, kasi oo busy siya sa performances. Walang dapat sisihin para dito - nangyayari ito. Ngunit nangangarap na ako ng isang programa mula sa Tchaikovsky at Glinka kasama si Semyon Borisovich Skigin noong Hunyo, kasama ang tenor na si Sergei Radchenko mula sa Bolshoi Theater Youth Program. Kaugnay nito, naiinggit ako sa Kabataan. Halos bawat linggo ay mayroon silang ilang uri ng mga programa sa silid, mga konsyerto. Talagang na-miss ko ito sa simula ng paglalakbay. Marami akong pinag-aralan at agad akong nagsimulang kumanta sa mga pagtatanghal, ngunit ang pag-awit lamang ng opera ay bahagyang bumubulag sa akin sa musika, lalo na kung ang mga bahagi ay one-dimensional. At kahit na ang dakilang Verdi, o, mas malawak, ang mga Italyano, ay gustong maging "diluted" minsan sa German Lieder o pinong French na lyrics ni Debussy at Chausson.

Kung bigla silang mag-alok na kantahin ang Wozzeck o Hindemith's Cardillac, sino ang hihigit - isang graduate ng Rozhdestvensky, na alam mismo ang Novovensk school, o isang matalinong bokalista na nakakaunawa na pagkatapos ng Berg, hindi na maaaring kantahin ang bel canto?

Hindi ko pa kakantahin ang mga bahaging ito. Ang musikang "Wozzeck" ay hindi lamang kumplikado, ngunit kritikal din sa mga tuntunin ng mga vocal. Kung sa verismo, kung saan maraming hiyawan, mayroon pa ring cantilena, tapos si Wozzeck ay nasa bingit ng operatic singing tulad nito. At pagkatapos doon ay mahirap ipasok ang imahe sa psychologically. Kahit na ang Rigoletto ay nagpasya ako na mas mahusay na ipagpaliban ng ilang taon, bagaman para sa yugtong ito ay naging maayos ito. Ang kalunos-lunos na kuba ay nangangailangan din ng nerbiyos at pagpipigil sa sarili upang kantahin ang "Vendetta" nang malamig ang ulo at hindi madala. At mas nakakatakot si Wozzeck sa musika at sa plot. Sobrang baluktot ng lahat! Sa Hindemith, higit sa lahat gusto kong kantahin si Mathi the Painter, I love this music. Ngunit hindi rin ngayon, ang partido ay nangangailangan ng higit pang kapanahunan. Ito ay sa tiyak na repertoire ng ikadalawampu siglo na hindi ako nagsusumikap sa ngayon. Sa mga darating na taon - Verdi, bel canto, bahagyang Pranses na musika.

- At si Mozart, na itinuturing ng maraming mang-aawit na halos gumaling para sa boses?

Sa kasamaang palad, sa ngayon ay nagtuturo lamang ako sa klase at nagsagawa ng mga indibidwal na aria sa ilang mga audition. Naniniwala si Dmitry Yurievich na hindi ako isang mang-aawit ng Mozart. Kahit na iniisip ko mismo na kaya kong kantahin ang Konde, at maging si Don Juan, ngunit nangangailangan ito ng mahusay na kakayahang umangkop ng boses. At, higit sa lahat, dapat may ibang gustong makakita sa akin sa party na ito. Marami pang angkop na Mozartian baritones.

Pag-usapan natin ngayon nang hiwalay ang tungkol sa iyong Rodrigo, Marcas di Posa, na gumawa ng kaguluhan, sa pinakamahusay na kahulugan. Inaasahan mo ba ang gayong bagyo ng pag-apruba sa press ng pinakabagong trabaho? Parang debut mo na naman!

Hindi, hindi ko inaasahan. Sa totoo lang sinubukan kong gawin ang lahat hangga't maaari, inilatag sa mga rehearsals at performances. Naisip na ito ay gumagana. Ngunit nang pumunta siya sa premiere bows, halos matumba siya sa palakpakan ng bulwagan.

Sinasabi nila na nakuha nila ang imahe! Sana lang marinig ko ang totoong Rodrigo sa bago, summer series ng performances, pero kahit sa mga fragment sa You Tube, sumasang-ayon ako. Nabasa mo ba ang Schiller habang nagtatrabaho ka?

tiyak! Isinalin ni Mikh Dostoevsky na may paunang salita ni K. Batyushkov, na nagpapaliwanag din ng marami. Sa partikular, ang katotohanan na ang Pose ni Schiller - sentral na karakter. Ang mga ideyang inilagay sa bibig ni di Posa ay ang mga kaisipan ni Schiller mismo, ang kanyang "alter ego". Marahil iyon ang dahilan kung bakit niya muling ginawa ang drama mismo, na nakamit ang pinakamakapangyarihan at naiintindihan na pagpapahayag ng kanyang pilosopiya para sa kanyang mga kontemporaryo. At ang Rodrigo ni Verdi ay isa sa sentro, kung hindi ang pinakamahalagang karakter. Dahil sa musika ay mas malawak at mas mayaman ang party kaysa sa iba.

Ngunit tulad ng nalaman ko mula sa bagong buklet tungkol sa Bolshoi's Don Carlos, ang pagiging bukas-palad ni Verdi sa di Posa ay praktikal. Ang baritone na naghanda ng papel na ito sa pinakaunang Paris premiere ay napakahusay, halos ang pinakamaliwanag na mang-aawit sa lineup. At sa mismong proseso ng pag-eensayo, natapos ni Verdi ang napakagandang romansa na “Carlo, ch”è sol il nostro amore” para kay Rodrigo

Maaaring. Ngunit si Don Carlos ay ginawang muli nang maraming beses sa prinsipyo! Kamakailan ay nasa Milan ako, tumingin sa tindahan ng musika ng tatak ng Ricordi. Inilathala nila ang isang kamangha-manghang dalawang tomo na edisyon ng lahat ng mga edisyon ng Don Carlos, parehong Pranses at Italyano. Ito ay lumabas na sa konsepto ang gitnang duet ng di Posa at Philip ay muling isinulat ng tatlo o apat na beses ng kompositor. Ang lahat ng mga pagpipilian ay naroroon sa clavier, ito ay lubhang kawili-wiling sundan kung paano napunta si Verdi sa pangwakas.

- Ano ang nananaig para sa iyo sa di Pose, isang romantikong idealista, o, ano ang mas madalas na pinipilit, isang aktibong rebolusyonaryo?

Ang imahe ay kumplikado, maaari itong bigyang-kahulugan sa iba't ibang paraan, kahit na ang paglilipat ng mga accent mula sa pagganap patungo sa pagganap. Ngunit tila sa akin na si Rodrigo ay una sa lahat ay isang banayad, mahusay na pulitiko, at pagkatapos ay isang kaibigan at lahat ng iba pa. Gayunpaman, ang pangunahing bagay para sa kanya ay ang mga ideya na sinusubukan niyang magbigay ng inspirasyon kahit na ang Hari, na malapit sa mga ideya ng Panahon ng Enlightenment. Sa pangkalahatan, binibigyang-diin ito ng opera na "Don Carlos", at ang tanawin ng aming produksyon ng Bolshoi Theater, ito ay napakalungkot. Kapus-palad, dinurog ng kapalaran, Elizabeth, Carlos, nagmamadali sa pagitan ng paghahanap para sa pag-ibig at ang pagpapatuloy ng isang karera sa politika, na hindi umiiral at hindi maaaring maging, dahil hindi siya isang ganap na sapat na tao. Si Philip ay isang malupit at mapang-api, ngunit hindi nawawalan ng damdaming magkakamag-anak na walang paraan, dahil hindi siya kayang suklian ni Elizabeth o ni Carlos. Higit sa lahat ang kaharian ng kadiliman na ito ay tumataas ang mapaminsalang pigura ng Inkisitor. Opera, sasabihin ko, walang pag-asa. At ang Pose lamang bilang ang parehong "beam of light in madilim na kaharian”, dahil sinusubukan nitong maghangad ng matataas na ideya, tumawag sa sangkatauhan, magbigay ng inspirasyon sa pag-asa. Oo, hindi niya mapipigilan o makansela ang pagbitay sa mga erehe, ngunit tapat niyang sinabi sa Hari na siya ay mali. Malinaw, ang gayong kabalyero ay hindi maaaring umiral sa korte ng Philip II. Ito ay tahasan kathang-isip hindi naman nakakabawas sa ganda nito.

Ang isang medyo bihirang kaso sa operatic dramaturgy, kapag ang isang baritone ay hindi isang karibal sa isang tenor para sa pagkakaroon ng isang soprano, at hindi isang naghihirap na ama, at hindi isang nakakaintriga na kontrabida.

Oo, isang espesyal na tungkulin, kaya mahalaga ito.

- Ang isa pang halimbawa ng gayong espesyal ay ang Hamlet ni Ambroise Thomas, tama lang para sa isang baritone. Gusto mo ba?

mataas. nangangarap ako. Nang gusto ng Novaya Opera na ipakilala sa akin ang Hamlet, kung gayon, sa kasamaang palad, nakansela ang pagganap. At sa ngayon ay walang tiyak na mga panukala, dahil ang opera ni Tom ay bihirang itinanghal.

- Sa lalong madaling panahon kailangan mong kantahin ang Onegin sa Naples, sa sikat na teatro San Carlo.

Ang teatro ay pamilyar na sa akin mula sa Sicilian Vespers. Ang gaganda ng acoustics doon! Maaari kang kumanta sa anumang punto ng entablado at sa anumang direksyon - maririnig mo ang lahat, ang mga pagkalugi sa bulwagan ay maliit. Ang San Carlo ay hindi kailanman naibalik nang husto, hindi katulad ng La Scala, ito mismo ay hindi mabibili, dahil sa halos tatlong siglo ng kasaysayan ng isa sa pinakamatandang opera house sa Europa! Maswerte akong kumanta sa dalawang pinakamalaking opera house sa Italy, bukod sa San Carlo, ito rin ang Teatro Massimo sa Palermo. Ang huli ay itinuturing din na isa sa pinakamalaking mga sinehan sa Europa.

- Nararamdaman mo ba ang kilalang burara ng mga taga-timog sa proseso ng trabaho?

Hindi, hindi ko sasabihin. Ang iskedyul ay ibinigay sa amin isang buwan nang maaga at ang lahat ay iginagalang. Ang kapaligiran sa loob ng koponan ay napaka-friendly. Yun ba ang bayad noon ay naghintay ng halos isang taon. Ngunit ito ay isang pangkalahatang trend ng Italyano, sa Florence ay itinuturing na normal na maghintay para sa pera sa loob ng dalawa o tatlong taon.

- Makipagkomunika doon sa mga kasamahan sa Italyano?

Oo, halos pinagkadalubhasaan ko ang wika sa aking sarili, dahil nang mabuo ang unang kontrata sa Italya, sinabi ni Dmitry Yuryevich: "Matuto ng Italyano, nang madalian." Sa isang buwan, kailangan kong hindi lamang makabisado ang colossus ng "Sicilian Vespers" sa Pranses (ang pagganap ay tumagal ng 4 at kalahating oras!), Ngunit subukan din na magsalita ng Italyano. Doon, sa mga katutubong nagsasalita, ang lahat ay naging mas madali.

Kapag mahaba ang pagtatanghal, may mga mang-aawit na nagrereklamo na huminto sa bahagi, kung ang karakter ay wala sa entablado nang mahabang panahon, i-discourage sila.

I can’t say that about myself, baka hindi pa tugma. Pero ang mga party, siyempre, iba-iba at iba ang konsentrasyon ng mga artista. Sa parehong "Don Carlos" halos hindi ka na umalis sa entablado! Maliban kung, habang nagdurusa si Haring Philip sa kanyang opisina, may pagkakataong makapagpahinga. Dumating ako sa mga pagtatanghal 3 oras bago magsimula - ito ay isang ugali para sa akin. Ito ay mas maginhawa para sa akin, ang lahat ay hindi nagmamadali, kailangan kong kumanta ng higit sa isang oras upang makaramdam ng ganap na handa. Ito ay higit pa sa isang bagay ng pag-tune sa antas ng kaisipan. Kapag mayroong isang aria sa isang konsyerto, inihahanda mo ang iyong sarili sa isang ganap na naiibang paraan kaysa sa isang malaking kumplikadong bahagi. Hindi ko man lang iniisip ang tungkol dito, at ang katawan mismo ay tune-in para sa isang mahabang marathon.

Ang huling tanong ko ay sadyang mapanukso. Isipin natin na biglang naiwan ang pagtatanghal na walang konduktor - nagkasakit siya, hindi dumating, atbp. At, alam ang tungkol sa iyong unang edukasyon, nakikiusap sila sa iyo na iligtas ang araw, na tumayo sa likod ng console.

Oh, hindi ito! Matagal na akong umalis sa propesyon ng konduktor. At kahit na alam kong mabuti ang kinakailangang marka, hindi ko kukunin ang kalayaan na magsagawa ng pagganap. Nang walang pagsasanay, ang mga kamay ay nakalimutan nang kaunti kung paano gawin ito, at mas mahusay na ipagkatiwala ito sa isang mas handa na tao. Siyempre, may mga sakuna na sitwasyon na walang pagpipilian, ngunit, salamat sa Diyos, hindi ko pa kailangan, at sana ay hindi ko na kailangang harapin ang mga ito.

Inalok ako ng ilang uri ng orihinal na mga konsiyerto, kung saan ako ay tumutugtog ng mga instrumento, o magko-conduct, o kumakanta. Sagot ko, hindi ako "singing conductor", kundi isang opera singer. At kung ano ang nakaraan ay naroroon pa rin. Kung balang araw, maputi at matanda, gusto kong bumalik sa pagsasagawa - isa pang paksa na walang saysay na pag-usapan sa ngayon. Ngayon ay siniseryoso ko na pag-awit ng opera at ayaw gumawa ng mga hakbang na maaaring ituring na hindi propesyonal. AT modernong mundo kailangan mong gawin ang iyong bagay nang napakahusay upang magtagumpay, o hindi gawin ito sa lahat, kailangan mong panatilihin ang antas.

Kinapanayam ni Tatyana Elagina