Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Inaanyayahan ka naming isawsaw ang iyong sarili sa kulturang Italyano! Paano? Kilalanin ang pinakamagagandang opera house sa bansa.

Sa pakikipag-ugnayan sa

Ipinagmamalaki ng Italy ang mahigit 60 operating opera house. Bilang karagdagan sa sikat sa buong mundo na Milanese La Scala, ang Venetian Fenice at Neapolitan San Carlo, na kinikilalang mga obra maestra ng arkitektura, sa Italya mayroong dose-dosenang mga teatro na may mahabang kasaysayan, na gumagawa ng isang makabuluhang kontribusyon sa pambansa at European opera.

National Academy of Saint Cecilia sa Roma

Ang National Academy of Saint Cecilia sa Roma ay isa sa mga pinakalumang institusyong pangmusika sa mundo, na itinatag noong 1585 ni Pope Sixtus V, na ang konsiyerto at symphony troupe ay kinikilala sa buong mundo.

Noong ika-19 na siglo, bilang karagdagan sa mga musikero, makata, mananayaw, musicologist, philologist, mga gumagawa ng biyolin, mga reigning person at ambassador bilang mga patron.

Kasama sa Academy bilang honorary member ang mga pangunahing tauhan ng European musical scene: Cherubini, Morlacchi, Mercadante, Donizetti, Mayer, Rossini, Pacini, Paer, Paganini, Spohr, Auben, Adam, Baio, Liszt, Mahler, Cramer, Thalberg, Czerny , Moshales, Mendelssohn, Berlioz, Thomas, Halevi, Gounod, Meyerbeer; mga mananayaw na sina Maria Taglioni, Fanny Cerrito, aktres na si Adelaide Ristori, mga librettist na sina Jacopo Ferretti at Carlo Pepoli. Sa mga naghaharing tao: ang Reyna ng Ingles na si Victoria kasama ang kanyang asawang si Albert, ang Hari ng Prussia, si William IV kasama ang kanyang asawa, si Elizabeth Louise, ang mga hari ng Neapolitan na si Ferdinand II kasama ang kanyang asawang si Maria Theresa Isabella ng Austria.

Ang akademya ay umunlad sa estado ng sining kapag ito ay binubuo ng 70 buo at 30 honorary na miyembro - ang pinakamahusay na Italyano at dayuhang musikero, Symphony Orchestra at koro, tinatangkilik ang katanyagan sa buong mundo.

Si Antonio Pappano ay naging konduktor ng orkestra mula noong 2005. Ang Academy ay nakabase sa Parco della Musica, na dinisenyo ng isa sa mga pinakadakilang arkitekto ng ika-20 siglo, si Renzo Piano.

Arena sa Verona

Ang Arena sa Verona ay isang mahusay na napreserbang Roman amphitheater, ang pangatlo sa pinakamalaking sa Italya, isang simbolo ng Verona.

Ito ay itinayo noong 1st-3rd century AD. at ginamit, tulad ng Colosseum, upang ipakita ang iba't ibang mga pagtatanghal, kabilang ang isang circus at gladiator fights.

Ang kasaysayan ng Arena bilang isang opera house ay nagsimula noong 1913, nang ang "Aida" ay ginanap dito noong ika-10 ng Oktubre. Ang pagpili ng opera ay kabilang sa Veronese tenor na si Giovanni Zenatello bilang parangal sa sentenaryo ng kapanganakan ng kompositor na si Giuseppe Verdi.

Mula noon, tuwing tag-araw, ang Arena ay tumatanggap ng 6,000 manonood sa loob ng 50 araw, na nag-aalok ng 5-6 na opera, kung saan ang pinakamahusay na mga mang-aawit ng opera sa buong mundo.

Ang mga pinalad na manood ng opera sa Arena ay napansin ang karangyaan ng tanawin, na mabilis na napalitan sa panahon ng aksyon. Kapansin-pansin na laki hukay ng orkestra, na tumanggap ng hanggang 150 musikero, at ang bilang ng mga artist na kasangkot: bilang karagdagan sa orkestra, mayroong isang koro ng 200 katao, 100 mananayaw at mananayaw at 200 mga extra!

Ang Sferisterio Theater sa Macerata

Ang Sferisterio ay isang natatanging gusali sa mga tuntunin ng arkitektura at acoustics. Ang pagtatayo ng teatro ay nagsimula noong 1820 sa inisyatiba ng mga naninirahan sa Macerata, at ang pagbubukas ay naganap noong 1829. Sa loob ng higit sa isang siglo, ang Sferisterio ay nagho-host ng iba't ibang uri ng mga pagtatanghal sa loob ng mga pader nito; nagho-host ito ng mga pampublikong pista opisyal, parada ng kabayo, mga kaganapang pampulitika at palakasan.

Ang unang opera dito ay ibinigay noong 1921. Si Aida ni Verdi iyon. Pagkatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig, ang teatro sa ilalim ng direksyon ni Carlo Perucci ay pinalakas ang posisyon nito at ang mga panahon ng opera nito ay nakakuha ng katanyagan sa buong mundo. Ang pinakamahusay na mga performer ay gumanap sa entablado nito, kasama sina Mario del Monaco, Luciano Pavarotti, Katya Ricciarelli, Renato Bruzona, Montserrat Caballe, Placido d'Amigo.

Mula noong 2012, ang tradisyonal na pagdiriwang, sa direksyon ni Francesco Michelli, ay tinawag na Macerata Opera Festival.

Teatro alla Scala sa Milan

Ang La Scala ay walang alinlangan na isa sa pinakasikat na mga sinehan sa mundo at isa ring simbolo ng lungsod ng Milan.

Ang teatro ay may utang sa pangalan nito sa simbahan ng Santa Maria alla Scala, na, naman, ay pinangalanan sa karangalan ng patrones na nagbayad para sa pagtatayo nito, ang Regina della Scala. Noong ika-18 siglo, ang simbahan ay giniba upang bigyang-daan ang pagtatayo ng isang teatro, na binuksan noong Agosto 3, 1778 kasama ang opera ni Antonio Salieri na Recognized Europe.

Mula noong 1812, ang La Scala ay naging isang muog ng Italian melodrama, salamat sa pagtatanghal ng mga gawa ni Rossini. Nag-evolve ang repertoire hanggang sa magkaroon ito ng hugis modernong anyo. Ang teatro ay pangunahing nauugnay sa pangalan ng kompositor na si Giuseppe Verdi. Ang kanyang makabayang opera na "Nabucco", na ginanap sa entablado ng La Scala noong 1842, sa panahon ng pakikibaka para sa pag-iisa ng Italya, ay isang kahanga-hangang tagumpay, na nagpapatibay sa posisyon. pambansang opera sa entablado ng Italyano.

Ang kasaysayan ng teatro noong ika-20 siglo ay nauugnay sa mga pangalan ng mga sikat na performer. Kailangan ding banggitin ang mga artistikong direktor ng teatro, tulad nina Arturo Toscanini, Claudio Abbado, Riccardo Muti at Daniel Barenboim. Nakipagtulungan sa teatro ang mga naturang performers na sina Maria Callas, Renata Tebaldi, Leila Genser, Juliet Simionato, Mirella Freni, Shirley Verrett, Mario del Monaco, Giuseppe Di Stefano, Carlo Bergonzi, Luciano Pavarotti, Placido d'Amingo, Nikolai Giaurov, Piero Cappuccili; ang mga direktor na sina Luchino Visconti, Franco Zeffirelli, Pier Luigi Pizzi, Luca Ronconi, mahuhusay na koreograpo at mananayaw na sina Leonid Myasin, George Balanchine, Rudolf Nureyev, Carla Fracci, Luciana Savignano.

Teatro Carlo Felice sa Genoa

Ang pagtatayo ng Carlo Felice Theater ay nagsimula noong 1825 ayon sa disenyo ng arkitekto ng Genoese na si Carlo Barabino. Ang pagbubukas ng teatro ay naganap noong Abril 7, 1828 sa presensya ng mga pinuno ng Kaharian ng Sardinia Carlo Felice at Regina Maria Cristina ng Savoy Opera Vincenzo Bellini sina Bianca at Fernando.

Noong Ikalawang Digmaang Pandaigdig, karamihan sa teatro ay nawasak, at tumagal ng ilang dekada upang maibalik ito. Noong 1991, isang bagong pagbubukas ang naganap. Ang mga restorer ay napanatili ang mga lumang elemento sa pinakamataas na lawak, at ang interior ay ganap na na-renovate.

Ang teatro ay nagho-host ng mga panahon ng opera at ballet, mga konsiyerto ng symphony at mga pagtatanghal ng may-akda.

Teatro Comunale sa Bologna

Ang Teatro Comunale ay itinatag noong 1756 ng arkitekto na si Antonio Galli da Bibbien, na naglagay ng bagong teatro ng lungsod sa gusali ng Palazzo Bentivoglio.

Ang pagbubukas ng teatro ay naganap noong 1763 sa pagtatanghal ng opera na "The Triumph of Clelia" batay sa isang libretto ni Pietro Metastasio. Ang musika para sa opera ay isinulat ni Gluck.

Ito ay sa teatro na ito na ang Italian premiere ng opera ni Wagner na "Lohengrin" noong 1871, "Tannhäuser" (1872), " Lumilipad na Dutchman"(1877), "Tristan at Isolde" (1888), "Parsifal" (1914). Para sa pakikipagkaibigan kay Wagner, ang Bologna ay tinawag na "Wagner city", at ang kompositor mismo ang naging honorary citizen nito.

Noong ika-19 na siglo, 20 opera ni Gioacchino Rossini at 7 sa 10 opera ni Vincenzo Bellini ang itinanghal dito. Mga artistikong direktor ng teatro magkaibang panahon nariyan sina Mariani, Toscanini, Furtwangler, von Karajan, Gavazzeni, Celibidache, Solti, Delman, at sa nakalipas na Muti, Abbado, Shelley, Thielemann, Sinopoli, Gatti at Jurowski.

Karamihan sa mga mahuhusay na mang-aawit noong ika-19 na siglo ay nakipagtulungan sa Teatro Comunale, kabilang ang Stignani, Shipa, Gigli, Di Stefano, Christophe, Tebaldi, Del Monaco, pati na rin ang Pavarotti, Freni, Bruzon, Horne, Ludwig, Anderson.

Musical City Theatre ng Florence at Festival "Florence Musical May"

Ang pagtatayo ng teatro ng lungsod sa Florence ay napatunayang isang mahirap na gawain at tumagal ng higit sa isang siglo mula 1861 hanggang 1968. Ang unang gusali ay inookupahan ng open-air amphitheater na "Politeama di Barbano", na binuksan noong 1862 sa presensya ng mga 7,000 na manonood.

Mga isang taon pagkatapos ng pagbubukas, sumiklab ang apoy sa panahon ng bola, na sinira ang entablado, nasira ang gusali at nagdulot ng mga kaswalti. Ang muling pagtatayo ng teatro ay nagsimula ayon sa proyekto ng engineer na si Giuelmo Galanti. Sa pagtatapos ng trabaho, ang teatro ay nagsimulang muli ng masinsinang gawain. Noong 1896 lamang, 70 pagtatanghal ang ibinigay, kabilang ang mga opera gaya ng Rural Honor, Zanetto, Pagliacci, La Traviata, Trovatore, at The Pearl Divers.

Noong Unang Digmaang Pandaigdig, ang gusali ng teatro ay ginamit bilang bodega ng mga uniporme. Ang gawaing pagpapanumbalik at muling pagtatayo ay nagpatuloy pagkatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig, kung saan ang teatro ay nasira ng pambobomba. Nawasak ng apoy ang entablado, ngunit nanatiling buo ang natitirang bahagi ng gusali.

Ang teatro ay ang tumataginting na puso ng prestihiyosong taunang Florence Musical Opera Festival, na itinatag noong 1933 ng patron ng sining na si Luigi Ridolfi Way at musikero na si Vittorio Gui. Ang mga opera, konsiyerto, ballet at pagtatanghal ay ginaganap sa panahon ng pagdiriwang.

Nakipagtulungan sa teatro mga sikat na pangalan ang mundo ng musika bilang Vittorio Gui, Bruno Walter, Wilhelm Furtwangler, Dimitri Mitropoulos, Zubin Meta, von Karajan, Ricardo Muti, Maria Calla, Pietro Mascagni, Richard Strauss, Paul Hindemith, Bela Bartok, Igor Stravinsky, Luigi Dallapiccola, Luigi Nono, Karlheinz Stockhausen, Luciano Berio at iba pa. Sa mga direktor, napapansin namin sina Max Reinhart, Gustav Grundgens, Luchino Visconti, Franco Zeffirelli, Luca Rononi, Bob Wilson, Giorgio De Chirico at Oscar Kokoschka.

Ang Italya, na nagbigay sa mundo ng mga dakilang kompositor gaya ng Paganini, Vivaldi, Rossini, Verdi, Puccini, ay isang bansa Klasikong musika. Naging inspirasyon din ang Italy sa maraming dayuhan: halimbawa, nilikha ni Richard Wagner ang kanyang Parsifal sa kanyang pananatili sa Ravello, na nagdala sa lungsod na ito, kung saan ginaganap ngayon ang sikat na music festival, internasyonal na katanyagan. Mga panahon ng musika bukas, depende sa teatro, mula Nobyembre hanggang Disyembre at ito ay isang mahalagang kaganapan ng Italyano at internasyonal buhay musikal. Ang TIO.BY at ang Italian National Tourism Agency ay naghanda ng seleksyon kung alin sa maraming mga sinehan sa Italy ang pipiliin. Nag-attach kami ng link sa programa para sa bawat teatro.

Teatro ng La Scala sa Milan

Ang isa sa mga pinakasikat na teatro ay walang alinlangan na ang La Scala Theatre ng Milan. Bawat taon, ang pagbubukas ng season nito ay nagiging isang high-profile na kaganapan na may partisipasyon ng mga sikat na tao mula sa mundo ng pulitika, kultura at show business.

Ang teatro ay nilikha sa pamamagitan ng kalooban ng Austrian Queen na si Maria Theresa pagkatapos ng sunog na sumira sa lungsod noong 1776. Royal Theater Reggio Ducale. Ang mga panahon ng La Scala ay isa sa mga pinakamahalagang kaganapan kultural na buhay Milan. Ang programa ay kahalili ng opera at ballet, pati na rin ang mga pangalan ng Italyano at dayuhang kompositor.

Ang programa ng panahon ay magagamit dito.

Teatro La Fenice sa Venice

Hindi kalayuan sa likod ng La Scala at ng Venetian opera house na La Fenice, na itinayo sa Campo San Fantin square sa quarter ng San Marco. Isinalin mula sa Italyano, ang teatro ay tinatawag na "Phoenix" - tiyak na dahil ito ay muling nabuhay nang dalawang beses pagkatapos ng sunog, bilang ibong engkanto phoenix, mula sa abo. Huling pagpapanumbalik natapos noong 2003.

Nagho-host ito ng isang mahalagang opera salon at International Festival kontemporaryong musika, pati na rin ang taunang Konsiyerto ng Bagong Taon. Ang bawat isa sa mga panahon ay mayaman at kawili-wili, at ang programa nito ay pinagsasama ang mga gawa ng klasikal at kontemporaryong repertoire. Mangyaring suriin ang iskedyul ng panahon bago bumisita.

Royal Theatre sa Turin

Ang Royal Theatre ng Teatro Regio sa Turin ay itinayo sa utos ni Victor Amadeus ng Savoy. Facade ng gusali siglo XVIII, kasama ang iba pang mga tirahan ng Savoy dynasty, ay kinikilala bilang isang UNESCO monument.

Ang opera at ballet season ay nagsisimula sa Oktubre at nagtatapos sa Hunyo, at bawat taon ay makikita mo ang lahat ng uri ng musikal na kaganapan sa poster: mga konsyerto ng choral at symphonic na musika, mga gabi ng musika sa silid, mga pagtatanghal sa Teatro Piccolo Reggio, na nilayon para sa mga bagong madla. at para sa panonood ng pamilya, pati na rin ang isang festival "MITO - Musical September".

Nag-aalok din ang Roma ng mga mahilig sa opera at ballet ng maraming magagandang pagtatagpo. Ang pinakamahalagang sentro ng klasikal na musika ay ang Rome Opera, na kilala rin bilang Costanzi Theatre, pagkatapos ng lumikha nito, si Domenico Costanzi. Si Pietro Mascagni ay madalas na panauhin sa teatro na ito, pati na rin ang artistikong direktor ng 1909-1910 season. Ang mga mahilig sa ballet ay magiging interesado na malaman na noong Abril 9, 1917, ang Italian premiere ng ballet na The Firebird ni Igor Stravinsky, na ginanap ng mga artista ng Russian Ballet troupe na si Sergei Diaghilev, ay naganap dito.

Maraming mga pagtatanghal sa opera sa playbill ng teatro na ito, ngunit binibigyang pansin din ang ballet.
Kung ang mga panahon ng taglamig ng Roman Opera ay gaganapin sa isang lumang gusali sa Piazza Beniamino Gigli, pagkatapos ay mula noong 1937 ang nakamamanghang archaeological site ng Baths of Caracalla ay naging lugar para sa mga open-air summer season nito. . Ang mga pagtatanghal ng opera na itinanghal sa yugtong ito ay isang malaking tagumpay sa publiko, lalo na sa mga turista na natutuwa sa kumbinasyon ng kahanga-hangang lugar na ito sa mga paggawa ng opera.

Teatro San Carlo sa Naples

Ang pinakamahalagang teatro sa rehiyon ng Campania ay, siyempre, ang San Carlo Theater sa Naples. Itinayo ito noong 1737 sa utos ni Haring Charles ng dinastiyang Bourbon, na nagnanais na lumikha ng bagong teatro na kumakatawan sa maharlikang kapangyarihan. San Carlo ang pumalit maliit na teatro San Bartolomeo, at ang proyekto ay ipinagkatiwala sa arkitekto, Koronel ng Royal Army na si Giovanni Antonio Medrano at ang dating direktor ng San Bartolomeo Theater na si Angelo Carazale. Sampung taon pagkatapos maitayo ang teatro, noong gabi ng Pebrero 13, 1816, ang gusali ay nawasak ng apoy, na nag-iwan lamang ng mga panlabas na pader at isang maliit na extension na buo. Ang nakikita natin ngayon ay isang muling pagtatayo na sinusundan ng muling pagpapaunlad.

Ang kahanga-hangang teatro na ito ay palaging tinatanggap ang mga mahilig sa opera na may napakayamang programa, na kadalasang kumakatawan sa isang paglalakbay sa Neapolitan operatic na tradisyon at ang pagbabalik ng mga mahusay na klasiko ng symphonic repertoire, kabilang ang mga binabasa sa pamamagitan ng prisma ng isang bagong pang-unawa at sa pakikilahok ng mga kilalang tao sa mundo. Bawat season sa entablado ng pinakamatandang opera house sa Europa ay may mga maliliwanag na debut at magagandang pagbabalik.

Siyempre, imposibleng ilarawan ang lahat ng ningning ng theatrical Italy. Ngunit nais naming payuhan ka ng ilan pang mga sinehan na may mga programang nararapat pansin.

Philharmonic Theater sa Verona; season's program sa link.

Teatro Comunale sa Bologna; mga programa ng opera, musika at ballet season.

Teatro Carlo Felice sa Genoa; mga programa ng musical, opera at ballet season.

Royal Theatre sa Parma; link ng season program

Teatro Comunale sa Treviso; link ng season program

Giuseppe Verdi Opera House sa Trieste; link ng season program

Concert Hall Auditorium sa Music Park sa Rome; programa ng season

Ang nilalaman ng artikulo

ITALIAN THEATER. Ang sining ng teatro ng Italya, kasama ang mga pinagmulan nito, ay bumalik sa mga katutubong ritwal at laro, sa mga karnabal, kulto na mga kanta at sayaw na nauugnay sa natural na siklo at gawain sa kanayunan. mayaman sa mga kanta at dramatikong aksyon May mga laro noon , hawak ng naglalagablab na apoy, na sumisimbolo sa araw. Mula sa kalagitnaan ng ika-13 siglo Si Lauda ay bumangon sa Umbria (lauda) , isang uri ng parisukat na panoorin, -religious laudatory chants, na unti-unting nakakuha ng dialogic form. Ang mga plot ng mga pagtatanghal na ito ay pangunahing mga eksena sa ebanghelyo - ang pagpapahayag, ang kapanganakan ni Kristo, ang mga gawa ni Kristo ... Kabilang sa mga kompositor ng lauds, ang Tuscan monghe na si Jacopone da Todi (1230-1306) ay namumukod-tango. Ang kanyang pinakatanyag na gawa Panaghoy ng Madonna. Ang Laudas ay nagsilbing batayan para sa paglitaw ng mga sagradong pagtatanghal (sacre rappresentazioni), na binuo noong ika-14-15 na siglo. (orihinal din sa gitnang Italya), isang genre na malapit sa misteryo, karaniwan sa mga bansa sa hilagang Europa. Ang nilalaman ng mga sagradong representasyon ay batay sa mga plot ng Luma at Bagong Tipan, kung saan idinagdag ang kamangha-manghang at makatotohanang mga motif. Ang mga pagtatanghal ay nilalaro sa isang podium na naka-install sa plaza ng lungsod. Ang eksena ay itinayo ayon sa tinanggap na canon - sa ibaba ay "impiyerno" (ang nakabukas na bibig ng isang dragon), sa itaas ay "paraiso", at sa pagitan nila ay ang iba pang mga eksena ng aksyon - "Bundok", "Disyerto" , "Royal Palace", atbp. Isa sa pinaka mga sikat na may-akda ng genre na ito ay si Feo Belcari - Kinatawan ni Abraham at Isaac (1449), San Juan sa ilang(1470) at iba pa. Ang pinuno ng Florence na si Lorenzo Medici, ay bumuo din ng mga sagradong representasyon.

Noong 1480, ang batang makata ng korte at connoisseur ng sinaunang panahon, si Angelo Poliziano (1454–1494), na inatasan ni Cardinal Francesco Gonzaga, ay nagsulat ng isang pastoral na drama sa balangkas. sinaunang mitolohiyang Griyego Ang alamat ng Orpheus. Ito ang unang halimbawa ng isang apela sa mga larawan ng sinaunang mundo. Sa isang dula ni Poliziano, na napuno ng maliwanag, masayang pakiramdam, interes sa mga dulang mitolohiya at, sa pangkalahatan, nagsisimula ang pagkahilig sa sinaunang panahon.

Ang dramang pampanitikan ng Italyano, kung saan nagsimula ang kasaysayan ng Renaissance Western European dramaturgy, ay batay sa estetika nito sa karanasan ng sinaunang dramaturhiya. Tinukoy ng mga komedya nina Plautus at Terence para sa mga Italian humanist na manunulat ng dula ang mga tema ng kanilang mga gawa, ang komposisyon ng mga tauhan at pagbuo ng komposisyon. Pinakamahalaga nagkaroon ng mga pagtatanghal ng mga Latin na komedya ng mga mag-aaral at mag-aaral, partikular sa Roma sa ilalim ng direksyon ni Pomponio Leto noong 1470s. Gamit ang mga tradisyunal na plot, nagpakilala sila ng mga bagong karakter, modernong kulay at mga pagtatasa sa kanilang mga komposisyon. Ginawa nilang tunay na buhay ang nilalaman ng kanilang mga dula, at ang mga karakter ng kanilang kontemporaryong tao. Ang unang komedyante sa modernong panahon ay ang dakilang makata ng huling Italian Renaissance, si Ludovico Ariosto. Ang kanyang mga dula ay puno ng makatotohanang mga larawan, matalas na satirical sketches. Siya ang naging tagapagtatag ng pambansang komedya ng Italyano. Sa kanya nagmumula ang pagbuo ng komedya sa dalawang direksyon - puro nakakaaliw ( calandria Cardinal Bibiena, 1513) at isang satirical na ipinakita ni Pietro Aretino ( asal sa hukuman, 1534, Pilosopo, 1546), Giordano Bruno ( Kandelero, 1582) at Niccolo Machiavelli, na lumikha ng pinakamahusay na komedya ng panahon - mandragora(1514). Sa pangkalahatan, gayunpaman, ang mga dramatikong sinulat ng mga komedyante na Italyano ay hindi perpekto. Ito ay hindi nagkataon na ang buong direksyon ay tinawag na "Scholarly Comedy" (commedia erudita).

Kasabay ng pampanitikang komedya, lumalabas din ang trahedya. Ang trahedya ng Italyano ay hindi nagdulot ng malaking tagumpay. Maraming mga pag-play ng genre na ito ang binubuo, naglalaman ang mga ito ng mga kakila-kilabot na kwento, mga hilig sa kriminal at hindi kapani-paniwalang kalupitan. Tinawag silang "tragedies of horror". Ang pinakamatagumpay na gawain ng genre - Sofonisba G. Trissino, nakasulat sa blangkong taludtod (1515). Ang karanasan ni Trissino ay higit na binuo nang higit pa sa mga hangganan ng Italya. Ang trahedya ng P. Aretino ay mayroon ding ilang mga pakinabang. Horace (1546).

Ang pangatlo - ang pinakamatagumpay at buhay na buhay - genre ng Italian literary drama noong ika-16 na siglo. naging isang pastoral, na mabilis na naging laganap sa mga korte ng Europa (). Ang genre ay nakakuha ng isang aristokratikong karakter. Ang kanyang lugar ng kapanganakan ay Ferrara. Ang tanyag na tula ni G. Sannazaro Arcadia(1504), na niluluwalhati ang buhay sa kanayunan at kalikasan bilang "isang sulok para sa pagpapahinga", minarkahan ang simula ng direksyon. Ang pinakasikat na mga gawa ng pastoral na genre ay Aminta Torquato Tasso (1573), isang akda na puno ng tunay na tula at pagiging simple ng Renaissance, at tapat na pastol D.-B. Guarini (1585), na nakikilala sa pamamagitan ng pagiging kumplikado at intriga, at wikang patula, samakatuwid ito ay tinutukoy bilang mannerism.

Ang paghihiwalay ng dramang pampanitikan mula sa madla ay hindi nakakatulong sa pag-unlad ng teatro. Ang sining ng entablado ay ipinanganak sa parisukat - sa mga pagtatanghal ng medieval buffoons (giullari), ang mga tagapagmana ng mga mimes ng Sinaunang Roma, sa mga nakakatawang palabas na nakakatawa. Sa wakas ay nabuo ang Farce (farsa) noong ika-15 siglo. at nakuha ang lahat ng mga palatandaan ng isang popular na ideya - pagiging epektibo, buffoonery, pang-araw-araw na konkreto, satirical na malayang pag-iisip Ang mga kaganapan sa totoong buhay, na naging tema ng isang komedya, ay naging isang anekdota. Sa isang matingkad, katawa-tawa na paraan, ang komedya ay kinutya ang mga bisyo ng mga tao at lipunan. komedya na ginawa malaking impluwensya sa pag-unlad ng European theater, at sa Italya ay nag-ambag sa paglikha ng isang espesyal na uri ng theatrical art - improvised comedy.

Hanggang sa kalagitnaan ng ika-16 na siglo. walang propesyonal na teatro sa Italya. Sa Venice, na nauna sa paglikha ng lahat ng uri ng mga salamin sa mata, na sa pagliko ng ika-15-16 na siglo. mayroong ilang mga amateur theatrical na komunidad. Sila ay dinaluhan ng mga artisan at mga taong mula sa mga edukadong saray ng lipunan. Unti-unti, nagsimulang lumitaw ang mga grupo ng mga semi-propesyonal mula sa gayong kapaligiran. Ang pinakamahalagang yugto sa pagsilang ng propesyonal na teatro ay nauugnay sa aktor at manunulat ng dulang si Angelo Beolco, na binansagan na Ruzzante (1500–1542), na ang gawain ay nagbigay daan para sa paglitaw ng commedia dell'arte. kanyang mga dula, Anconitanka, Mosqueta, Mga diyalogo ay kasama sa repertoire ng Italian theater at sa kasalukuyang panahon.

Sa pamamagitan ng 1570, ang mga pangunahing artistikong bahagi ng bagong teatro ay natukoy: mga maskara, diyalekto, improvisasyon, buffooner. Ang pangalang commedia dell'arte, na nangangahulugang "propesyonal na teatro", ay itinatag din. Ang pangalang "comedy of masks" ay nagmula sa ibang pagkakataon. Ang mga karakter ng teatro na ito, ang tinatawag na. pare-parehong uri (tipi fissi) o maskara. Ang pinakasikat na maskara ay si Pantalone, isang Venetian na mangangalakal, ang Doktor, isang Bolognese na abogado na gumanap sa papel ng mga zanni servants na sina Brighella, Harlequin at Pulcinella, pati na rin ang Captain, Tartaglia, katulong ni Servette at dalawang pares ng Lovers. Ang bawat maskara ay may sariling tradisyonal na kasuotan at nagsasalita ng sarili nitong diyalekto, tanging ang mga Lovers ay hindi nagsusuot ng maskara at nagsasalita sa tamang Italyano. Ang mga aktor ay nilalaro ang kanilang mga dula ayon sa script, improvising ang teksto sa kurso ng dula. Ang mga pagtatanghal ay palaging may maraming lazzi at buffoonery. Kadalasan ang aktor ng commedia dell'arte ay gumaganap lamang ng kanyang maskara sa buong buhay niya. Ang pinakatanyag na tropa ay Gelosi (1568), Confidenti (1574) at Fedeli (1601). Mayroong maraming magagaling na aktor sa mga performer - Isabella Andreini, Francesco Andreini, Domenico Biancolelli, Niccolo Barbieri, Tristano Martinelli, Flaminio Scala, Tiberio Fiorilli at iba pa. Ang sining ng mask theater ay napakapopular hindi lamang sa Italya, kundi pati na rin sa ibang bansa, hinangaan sila as in mas mataas na strata lipunan at mga karaniwang tao. Ang komedya ng mga maskara ay may malaking impluwensya sa pagbuo ng mga pambansang sinehan sa Europa. Ang pagbaba ng commedia dell'arte ay nagsimula sa ikalawang kalahati ng ika-17 siglo, at sa pagtatapos ng ika-18 siglo. hindi na siya umiral.

Ang pag-unlad ng trahedya, komedya, pastoral ay humingi ng isang espesyal na gusali para sa kanilang pagganap. bagong uri isang saradong gusali ng teatro na may box stage, auditorium at ang mga tier ay nilikha sa Italya batay sa pag-aaral ng sinaunang arkitektura. Kasabay nito sa teatro ng Italyano noong ika-17 siglo. matagumpay na naisakatuparan ang mga paghahanap sa larangan ng disenyo ng entablado (sa partikular, nilikha ang mga magagandang tanawin), binuo at pinahusay ang mga makinarya sa teatro. Parehong noong ika-12 at ika-13 siglo. ang mga sinehan ay itinayo sa buong bansa, ang tinatawag na. Italyano (lahat ng "italiana), na pagkatapos ay kumalat sa buong Europa ().

Sa kabila ng pagkaatrasado sa ekonomiya at pulitika, mayaman at magkakaiba ang Italya. buhay teatro. Pagsapit ng ika-18 siglo Ang Italya ay may pinakamahusay na musikal na teatro sa mundo, kung saan dalawang uri ang nakikilala - seryosong opera at comic opera (opera buff). Nagkaroon ng papet na teatro, ang mga pagtatanghal ng commedia dell'arte ay ibinigay sa lahat ng dako. Gayunpaman, ang reporma ng drama theater ay namumuo sa mahabang panahon. Sa Panahon ng Enlightenment, hindi na natugunan ng impromptu comedy ang mga kinakailangan ng panahon. Isang bago, seryoso, pampanitikan na teatro ang kailangan. Ang komedya ng mga maskara ay hindi maaaring umiral sa dating anyo nito, ngunit ang mga nagawa nito ay kailangang pangalagaan at maingat na ilipat sa bagong teatro. Ito ay ginawa ni Carlo Goldoni. Maingat niyang isinagawa ang reporma. Sinimulan niyang ipakilala ang ganap na nakasulat at mga tekstong pampanitikan ng mga indibidwal na tungkulin at diyalogo sa kanyang mga dula, at tinanggap ng publiko ng Venetian ang kanyang pagbabago nang may sigasig. Una niyang inilapat ang pamamaraang ito sa komedya Momolo, kaluluwa ng lipunan(1738). Gumawa si Goldoni ng isang teatro ng mga karakter, iniwan ang mga maskara, ang script, at, sa pangkalahatan, improvisasyon. Ang mga karakter ng kanyang teatro ay nawala ang kanilang kondisyonal na nilalaman at naging mga buhay na tao - mga tao sa kanilang panahon at kanilang bansa, Italya noong ika-18 siglo. Isinagawa ni Goldoni ang kanyang reporma sa isang matinding pakikibaka sa mga kalaban. Ikalawang kalahati ng ika-18 siglo pumasok sa kasaysayan ng Italya bilang panahon ng mga digmaang pandulaan. Siya ay tinutulan ng abbe Chiari, isang katamtaman na manunulat ng dula at samakatuwid ay hindi mapanganib, ngunit ang kanyang pangunahing kalaban, na katumbas sa kanya sa talento, ay si Carlo Gozzi. Dumating si Gozzi sa pagtatanggol sa teatro ng mga maskara, na nagtatakda ng gawain ng muling pagbuhay sa tradisyon ng impromptu comedy. At sa ilang yugto ay tila nagtagumpay siya. At bagama't nag-iwan ng puwang si Goldoni para sa improvisasyon sa kanyang mga komedya, at si Gozzi mismo sa kalaunan ay naitala ang halos lahat ng kanyang mga dramatikong gawa, ang kanilang pagtatalo ay malupit at walang kompromiso. Dahil ang pangunahing ugat ng paghaharap sa pagitan ng dalawang mahusay na Venetian ay ang kanilang hindi pagkakatugma. pampublikong posisyon, sa magkaibang pananaw sa mundo at sa tao.

Si Goldoni sa kanyang mga gawa ay isang tagapagsalita para sa mga ideya ng ikatlong estate, isang tagapagtanggol ng mga mithiin at moralidad nito. Ang buong dramaturhiya ng Goldoni ay minamaliit ng diwa ng makatwirang egoismo at pagiging praktikal - ang mga pagpapahalagang moral ng burgesya. Laban sa propaganda mula sa pinangyarihan ng naturang mga pananaw sa unang lugar at nagsalita Gozzi. Sumulat siya ng sampung tula na kuwento para sa teatro, ang tinatawag na. fiaba (fiaba / fairy tale). Ang tagumpay ng mga theatrical tales ni Gozzi ay napakalaki. At sa kanilang kamakailang paboritong Goldoni, ang publikong Venetian ay hindi inaasahang mabilis na lumamig. Dahil sa pagod sa pakikibaka, tinanggap ni Goldoni ang pagkatalo at iniwan ang Venice. Ngunit hindi ito nagbago ng anuman sa kapalaran ng eksena ng Italyano - ang reporma pambansang teatro tapos na noon. At ang teatro ng Italya ay sumunod sa landas na ito.

Mula sa katapusan ng ika-18 siglo sa Italya, nagsimula ang panahon ng Risorgimento - ang pakikibaka para sa pambansang kalayaan, para sa pagkakaisa sa pulitika ng bansa at mga pagbabagong burges - na tumagal ng halos isang siglo. Nagiging pinakamahalagang genre sa teatro ang trahedya. Ang pinakadakilang may-akda ng mga trahedya ay si Vittorio Alfieri. Ang kapanganakan ng trahedya ng repertoryong Italyano ay konektado sa kanyang pangalan. Lumikha siya ng isang trahedya ng sibilyan na nilalaman na halos nag-iisa. Isang madamdaming makabayan na nangarap ng pagpapalaya ng kanyang tinubuang-bayan, sinalungat ni Alfieri ang paniniil. Ang lahat ng kanyang mga trahedya ay puno ng kabayanihan ng pakikibaka para sa kalayaan.

Ang panahon ng Risorgimento ay nagbigay-buhay sa isang bagong artistikong direksyon - romanticism. Pormal, ang hitsura nito ay kasabay ng pagpapanumbalik ng dominasyon ng Austrian. Ang pinuno at ideologo ng Romantisismo ay ang manunulat na si Alessandro Manzoni. Ang originality ng theatrical romanticism sa Italy sa political at national-patriotic orientation nito. Ang klasisismo ay itinuring na isang pagpapahayag ng oryentasyong Austrian, isang direksyon na nangangahulugang hindi lamang konserbatismo, kundi pati na rin isang dayuhang pamatok, at ang romantikismo ay pinag-isa ang oposisyon. Halos lahat ng mga tagalikha ng teatro ng Italyano sa kanilang buhay ay sumunod sa mga mithiin na kanilang ipinahayag: sila ay tunay na martir ng ideya - nakipaglaban sila sa mga barikada, nasa mga bilangguan, nagtiis ng kahirapan, nabuhay sa pagkatapon sa mahabang panahon. Kabilang sa mga ito ay sina G. Modena, S. Pellico, T. Salvini, E. Rossi, A. Ristori, P. Ferrari at iba pa.

Ang bayani ng romantikismo ay isang malakas na personalidad, isang manlalaban para sa katarungan at kalayaan, at hindi gaanong personal na kalayaan bilang pangkalahatang kalayaan - ang kalayaan ng Inang-bayan. Ang gawain ng oras na iyon ay pagsama-samahin ang lahat ng mga Italyano sa pakikibaka para sa isang karaniwang layunin. kaya lang mga suliraning panlipunan kumukupas sa background at hindi napapansin. Ang mga tanong tungkol sa aktwal na anyo ng mga romantikong Italyano ay hindi gaanong interesado. Sa isang banda, tinanggihan nila ang mahigpit na mga alituntunin ng klasisismo, na ipinapahayag ang kanilang pagsunod sa mga libreng anyo, sa kabilang banda, sa kanilang trabaho, ang mga romantiko ay nakadepende pa rin sa klasiko na aesthetics. Ang pangunahing pinagmumulan ng inspirasyon para sa mga romantikong manunulat ng dula ay kasaysayan at mitolohiya; ang mga balangkas ay binibigyang-kahulugan mula sa punto de bista ng ngayon, kaya ang mga pagtatanghal ay kadalasang may matalim na pampulitikang mga paksa. Ang pinakamagandang trahedya ay Kai Gracchus V.Monti (1800), Arminia I. Pindemonte (1804), ajax W. Foscolo (1811), Bilang ng Carmagnoll(1820) at Adelgiz(1822) A. Manzoni, Giovanni da Procida(1830) at Arnold Brescian(1843) D. B. Nicollini, Pia de Tolomei(1836) K. Marenko. Ang mga dula ay higit na nakabatay sa mga klasikong modelo, ngunit puno ng mga pampulitikang alusyon at malupit na kalunos-lunos. Ang pinakamalaking tagumpay ay nahulog sa kapalaran ng trahedya ni Silvio Pellico Francesca da Rimini (1815).

Ang kabayanihan na trahedya sa ikalawang kalahati ng siglo ay nagbibigay daan sa melodrama. Kasama ng komedya, tinangkilik ang melodrama malaking tagumpay sa manonood. Ang unang manunulat ng dula ay si Paolo Giacometti (1816–1882), na sumulat ng mga 80 gawa para sa teatro. Ang kanyang pinakamahusay na mga paglalaro: Elizabeth, Reyna ng Inglatera (1853), Judith(1858) at isa sa mga pinaka-repertoryong melodrama noong ika-19 na siglo. Civil death(1861). Ang dramaturhiya ni Giacometti ay ganap na napalaya mula sa klasisismo, ang kanyang mga dula ay malayang pinagsama ang mga tampok ng komedya at trahedya, sila ay may realistikong nakabalangkas na mga karakter, mayroon silang mga tungkulin, kaya ang mga sinehan ay kusang-loob na kinuha ang mga ito upang maitanghal. Namumukod-tangi rin sa mga komedyante si Paolo Ferrari (1822–1889), isang mahusay na manunulat ng dula at kahalili sa mga tradisyon ni Carlo Goldoni. Ang kanyang mga dula ay hindi umalis sa entablado hanggang sa katapusan ng siglo. Ang kanyang pinakamahusay na komedya Goldoni at ang kanyang labing anim na bagong komedya(1853) ay patuloy na isinagawa sa Italya.

Noong 1870s, sa isang matagumpay at nagkakaisang Italya, isang bagong kilusang masining ang lumitaw, ang verismo. Ang mga theorists ng verismo, Luigi Capuana at Giovanni Verga, ay nagtalo na ang artista ay dapat maglarawan lamang ng mga katotohanan, ipakita ang buhay nang walang pagpapaganda, dapat siyang maging walang kinikilingan at umiwas sa kanyang mga pagtatasa at komento. Karamihan sa mga manunulat ng dula ay mahigpit na sumunod sa mga tuntuning ito, at marahil ito ang nag-alis sa kanilang mga nilikha ng tunay na buhay. Ang pinakamahusay na mga gawa nabibilang sa panulat ni D. Verga (1840–1922), mas madalas siyang lumabag sa mga reseta ng teorya kaysa sa iba. Dalawa sa kanyang mga dula karangalan sa kanayunan(1884) at Siya-lobo(1896) ay kasama sa repertoire ng mga teatro ng Italyano sa kasalukuyang panahon. Ang mga dula ay mahusay na ginawa. Ayon sa genre, ito ay mga trahedya mula sa katutubong buhay. Ang mga ito ay nakikilala sa pamamagitan ng isang malakas na dramatikong nerbiyos, mahigpit at pagpigil ng mga nagpapahayag na paraan. Noong 1889 nagsulat si P. Mascagni ng isang opera karangalan sa kanayunan.

Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo lumilitaw ang isang playwright, na ang katanyagan ay tumatawid sa mga hangganan ng Italya. Gabriele D "Nagsulat si Annunzio ng isang dosenang at kalahating dula, na tinawag niyang mga trahedya. Lahat ng mga ito ay isinalin sa mga wikang Europeo. Sa pagpasok ng siglo, si D'Annunzio ay isang napaka-tanyag na manunulat ng dula. Ang kanyang pagsulat ng dula ay karaniwang nauuri bilang simbolismo at neo-romantisismo, bagama't mayroon din itong mga tampok ng neoclassicism. Ang mga motif ng Verist ay pinagsama sa aestheticism.

Sa pangkalahatan, gayunpaman, ang mga nagawa ng dramaturhiya ay higit pa sa katamtaman; Italyano ika-19 na siglo nanatili sa kasaysayan ng teatro bilang isang siglo ng pag-arte. Ang mataas na trahedya ay hindi nagbunga ng mga dakilang gawa sa dramaturhiya. Ngunit ang trahedya na tema sa teatro gayunpaman ay tumunog, narinig at natanggap pagkilala sa mundo. Nangyari ito sa opera (Giuseppe Verdi) at sa sining ng mga dakilang trahedya ng Italyano. Ang kanilang hitsura ay nauna sa reporma sa teatro.

Ang uri ng aktor na malapit sa klasisismo ay nanatili sa teatro ng Italyano sa loob ng mahabang panahon: ang mga sining ng pagtatanghal ay nanatiling bihag ng declamation, retorika, canonical posture at kilos. Ang reporma sa sining sa entablado, na katumbas ng kahalagahan ng kay Carlo Goldoni, ay isinagawa noong kalagitnaan ng siglo ng makikinang na aktor at direktor ng teatro na si Gustavo Modena (1803–1861). Sa maraming paraan, nauna siya sa kanyang panahon. Dinala ni Modena ang isang lalaki sa entablado kasama ang lahat ng kanyang mga tampok, natural na pananalita, "walang barnisan, walang cothurns." Lumikha siya ng isang bagong istilo ng pag-arte, na ang mga pangunahing tampok ay ang pagiging simple at katotohanan. Sa kanyang teatro, ang digmaan ay idineklara sa premiership, may posibilidad na lumayo mula sa isang matibay na papel, sa unang pagkakataon ay lumitaw ang tanong ng isang kumikilos na grupo. Ang impluwensya ni Gustavo Modena sa kanyang mga kontemporaryo ay napakalaki.

Si Adelaide Ristori (1822-1906) ay hindi isang estudyante ng Modena, ngunit itinuturing ang kanyang sarili na malapit sa kanyang paaralan. Ang unang mahusay na trahedya na artista na ang sining ay kinilala sa labas ng Italya, siya ay isang tunay na pangunahing tauhang babae sa kanyang panahon, na nagpapahayag ng kanyang makabayang rebolusyonaryong kalunos-lunos. Sa kasaysayan ng teatro, nanatili siyang tagapalabas ng maraming trahedya na tungkulin: Francesca ( Francesca da Rimini Pellico), Mirra ( Myrrh Alfieri), Lady Macbeth ( Macbeth Shakespeare), Medea ( Medea Legure), Mary Stuart ( Mary Stuart Schiller). Naakit si Ristori ng mga character na malakas, solid, heroic, puno ng mga dakilang hilig. Tinawag ng aktres ang kanyang istilo na makatotohanan, na nagmumungkahi ng terminong "makulay na realismo", na tumutukoy sa "Italian ardor", "nagniningas na pagpapahayag ng mga hilig".

Ang kabaligtaran ni Ristori ay si Clementina Cazzola (1832-1868), isang romantikong artista na lumikha ng mga larawan ng pinakamasasarap na liriko at sikolohikal na lalim, kaya niya ang mga kumplikadong karakter. Hinarap niya si Ristori, na palaging inilalabas ang pangunahing katangian ng karakter. Sa teatro ng Italyano, si Cazzola ay itinuturing na tagapagpauna ng E. Duse. Kasama sa kanyang pinakamahusay na mga tungkulin si Pia ( Pia de Tolomei Marenko), Marguerite Gauthier ( babae na may camellias Dumas), Adrienne Lecouvreur ( Adriene Lecouvrere Scribe), gayundin ang papel ni Desdemona ( Othello Shakespeare), na nilalaro niya kasama ng kanyang asawang si T. Salvini, ang dakilang trahedya.

Tommaso Salvini, isang mag-aaral ni G. Modena at L. Domeniconi, isa sa mga pinakakilalang kinatawan ng klasisismo sa entablado. Hindi interesado ang aktor isang karaniwang tao, ngunit isang bayani na ang buhay ay ibinibigay sa isang mataas na layunin. Inilagay niya ang maganda kaysa sa makamundong katotohanan. Itinaas niya ang imahe ng tao nang mataas. Ang kanyang sining ay organikong pinagsama ang dakila at karaniwan, ang kabayanihan at ang pang-araw-araw. Mahusay niyang alam kung paano kontrolin ang atensyon ng publiko. Siya ay isang aktor ng malakas na ugali, na balanse ng isang malakas na kalooban. Ang imahe ni Othello ( Othello Shakespeare) - ang pinakamataas na paglikha ng Salvini, "isang monumento, isang monumento, isang batas para sa lahat ng oras" (Stanislavsky). Si Othello ay nilalaro niya sa buong buhay niya. Kasama rin sa pinakamahusay na mga gawa ng aktor ang mga pangunahing tungkulin sa mga dula. Hamlet, Haring Lear, Macbeth Shakespeare, pati na rin ang papel ni Corrado sa dula Civil death Giacometti.

Ang gawa ng isa pang makikinang na trahedya na makata, si Ernesto Rossi (1827–1896), ay kumakatawan na sa ibang yugto sa pag-unlad ng sining sa pagtatanghal sa Italya. Siya ang pinakamamahal at pinaka-consistent na estudyante ni G. Modena. Sa bawat karakter, sinubukan ni Rossi na hindi makita ang isang perpektong bayani, ngunit isang tao lamang. Ang subtlest sikolohikal na aktor, siya skillfully maaaring ipakita ang panloob na mundo, ihatid ang slightest nuances ng karakter ng character. Ang mga trahedya ni Shakespeare ang batayan ng repertoire ni Rossi, binigyan niya sila ng 40 taon ng kanyang buhay at naglaro sa mga ito hanggang sa huling araw. Ito ang mga pangunahing tungkulin sa mga dula Hamlet, Romeo at Juliet, Macbeth, Haring Lear, Coriolanus, Richard III, Julius Caesar, Ang Merchant ng Venice. Naglaro din siya sa mga dula ng Dumas, Giacometti, Hugo, Goldoni, Alfieri, Corneille, naglaro sa maliliit na trahedya ng Pushkin, at Ivan the Terrible sa drama ni A.K. Tolstoy. Ang isang realist artist, isang master ng reincarnation, hindi niya tinanggap ang verism, kahit na siya mismo ang naghanda ng hitsura nito sa lahat ng kanyang sining.

Ang Verismo, bilang isang masining na kababalaghan, ay lubos na ipinahayag sa entablado ni Ermette Zacconi (1857–1948). Ang repertoire ni Zacconi ay, higit sa lahat, isang kontemporaryong dula. Sa mahusay na tagumpay, naglaro siya sa mga gawa ni Ibsen, A.K. Tolstoy, I.S. Turgenev, Giacometti ... Ang kanyang mas matandang kontemporaryong Ermette Novelli (1851–1919), isang aktor ng isang malawak na hanay, isang napakatalino na komedyante, ay isa ring pangunahing pigura. Ang kanyang malikhaing istilo ay naglalaman ng lahat mula sa comedy dell'arte hanggang sa mataas na trahedya at naturalismo.

Ang pinakamahalagang trahedya na artista ng pagliko ng siglo ay ang maalamat na Eleonora Duse. Ang pinakapayat na sikolohikal na aktres, na ang sining ay tila higit pa sa sining ng reinkarnasyon.

ika-19 na siglo - ang kasagsagan ng dialectal na kultura. Natatanggap nito ang pinakamalaking pag-unlad sa Sicily, Naples, Piedmont, Venice, Milan. Ang dialectal theater ay ang brainchild ng commedia dell'arte, ito ay kinuha ng maraming mula dito: ang improvisational na katangian ng laro ayon sa isang pre-compiled na senaryo, pag-ibig sa buffooner, mga maskara. Ang mga pagtatanghal ay ginanap sa lokal na diyalekto. Sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo ang dialectal dramaturgy ay nagsisimula pa lamang na magkaroon ng panitikan na batayan nito. Ang dialectal na teatro noong panahong iyon ay pangunahin nang isang acting theater. Ang Sicilian Giovanni Grasso (1873-1930), isang "primitive tragedian", isang aktor ng kusang pag-uugali, isang napakatalino na tagapalabas ng madugong melodramas, ay kilala hindi lamang sa Italya, kundi pati na rin sa ibang bansa. Ang taga-Northern na si Edoardo Ferravilla (1846-1916), isang napakatalino na artista sa komiks, may-akda at tagapalabas ng kanyang mga teksto, ay nagtamasa ng malaking tagumpay. Si Antonio Petito (1822-1876) ay ang pinaka-maalamat na pigura ng Neapolitan theater, isang napakatalino na improviser na nagtrabaho sa commedia dell'arte technique, isang hindi maunahang tagapalabas ng Pulcinella mask. Ang kanyang estudyante at tagasunod na si Eduardo Scarpetta (1853-1925), isang makikinang na aktor, "ang hari ng mga komedyante", ang lumikha ng kanyang maskara na si Felice Xoshamocchi, isang sikat na manunulat ng dula. Ang kanyang pinakamahusay na komedya Ang mahihirap at ang maharlika (1888).

ika-20 siglo.

Maagang ika-20 siglo pumasok sa kasaysayan ng sining ng pagtatanghal bilang panahon ng rebolusyon sa teatro. Sa Italya, ang papel ng mga innovator ng eksena ay kinuha ng mga Futurista. Ang kanilang layunin ay lumikha ng sining ng hinaharap. Tinanggihan ng mga Futurista ang akademikong teatro, ang mga teatro na genre na umiiral, sinubukang iwanan ang aktor o bawasan ang kanyang tungkulin sa isang papet, pati na rin iwanan ang salita, palitan ito ng mga plastik na komposisyon at scenography. Itinuring nila na ang tradisyonal na teatro ay static, na naniniwala na sa edad ng sibilisasyon ng makina, ang pangunahing bagay ay paggalaw. Ang pinakakilalang mga pigura ng Futurism ay sina F.T. Marinetti (1876–1944) at A.J. Bragaglia (1890–1961). Ang kanilang mga theatrical manifesto: Variety Theater Manifesto(1913) at Futuristic Synthetic Theater Manifesto(1915) ay hindi pa rin nawawala ang kanilang kahalagahan. Ang dramaturhiya ng mga Futurista ay pangunahing mga gawa ng Marinetti, na tinatawag na syntheses ( maikling sketch gumanap nang mas madalas nang walang mga salita). Ang pinaka-interesante ay ang scenography: sa futuristic na teatro ang pinakamahusay na mga artista noong panahong iyon ay nagtrabaho: J. Balla, E. Prampolini (1894–1956), F. Depero (1892–1960). Ang teatro ng Futurists ay hindi matagumpay sa madla: ang mga pagtatanghal ay madalas na pumukaw ng galit at madalas na naganap sa mga iskandalo. Ang papel ng mga futurista ay naging malinaw sa ibang pagkakataon - sa ikalawang kalahati ng siglo: ito ay pagkatapos na ang kanilang mga ideya ay higit pang binuo. Kasama ang tinatawag na. Sa pamamagitan ng mga "playwrights of the grotesque" at playwrights ng "twilight" inihanda ng mga Futurista ang hitsura ng pinakadakilang pigura sa teatro ng ika-20 siglo. L.Pirandello. Napakahalaga noong 1920–1930 ang aktibidad ng mga dayuhang direktor: ito ang mga paggawa ni M. Reinhardt, V.I. (1896-1975), na nagpakilala sa mga Italyano sa Russian theater school at sa mga turo ni Stanislavsky.

Si Luigi Pirandello ay nagsimulang magsulat para sa teatro noong 1910. Sa mga unang dula na nakatuon sa buhay sa Sicily at nakasulat sa diyalektong Sicilian, malinaw na nadarama ang impluwensya ng verismo. Ang mga pangunahing tema ng kanyang trabaho ay ilusyon at katotohanan, mukha at maskara. Siya ay nagpapatuloy mula sa katotohanan na ang lahat ng bagay sa mundo ay kamag-anak, at walang layunin na katotohanan.

Kabilang sa iba pang makabuluhang aktor ng panahon sina Ruggiero Ruggieri (1871–1953), Memo Benassi (1891–1957) at ang magkapatid na Gramatika: Irma (1870–1962) at Emma (1875–1965). Sa mga manunulat ng dula, si Sem Benelli (1877–1949), may-akda ng repertoire play Hapunan ng mga biro(1909), at Hugo Betti (1892–1953), na ang pinakamahusay na laro Korapsyon sa Palasyo ng Katarungan(1949).

Sa pagitan ng dalawang digmaang pandaigdig, ang teatro ng diyalekto ay sumakop sa isang makabuluhang lugar sa kultura ng Italya (bagaman ang patakaran ng pasistang estado ay naglalayong sugpuin ang mga diyalekto). Ang Neapolitan theater ay nagtamasa ng partikular na tagumpay. Mula noong 1932, nagsimulang gumana ang Humorous Theater ng De Filippo Brothers. Gayunpaman, ang pinakamahalagang pigura ng panahong iyon ay si Raffaele Viviani (1888-1950), isang lalaking may "naghihirap na mukha at kumikinang na mga mata ng isang palaboy", ang lumikha ng kanyang sariling teatro, aktor at manunulat ng dula. Ang mga dula ni Viviani ay nagsasabi tungkol sa buhay ng mga ordinaryong Neapolitan, naglalaman ito ng maraming musika at kanta. Ang ilan sa kanyang pinakamahusay na komedya ay Toledo street sa gabi(1918), Neapolitan na nayon (1919), mga mangingisda (1924), Ang huling tramp sa kalye (1932).

Ang panahon ng Paglaban at ang mga unang taon pagkatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig ay pumasok sa kasaysayan ng Italya bilang ang pangalawang Risorgimento - napaka mapagpasyahan at hindi maibabalik ang mga pagbabagong naganap sa lahat ng larangan ng buhay at sining. Matapos ang mga taon ng panlipunang pagwawalang-kilos, ang lahat ay gumagalaw at humihingi ng pagbabago. At kung sa mga taon ng pasistang diktadura ang teatro ay literal na sinakal ng kasinungalingan, retorika at kapurihan (ganyan ang linya ng opisyal na sining), ngayon ay nagsimula na itong magsalita ng wika ng tao at naging buhay na tao. Ang sining ng post-war Italy ay namangha sa mundo sa katapatan nito. Ang buhay, kasama ang lahat ng kahirapan, pakikibaka, tagumpay at pagkatalo, at simpleng damdamin ng tao, ay dumating sa screen at entablado. Pagkatapos ng digmaan, ang teatro ay umunlad alinsunod sa neo-realism, isa sa pinaka-demokratikong at humanistic na paggalaw ng sining noong ikadalawampu siglo. Ang dialectal theater ay may bagong hininga. Ang Neapolitan na si Eduardo De Filippo ay tumatanggap ng pambansang pagkilala, at ang kanyang dramaturhiya ay mabilis na nasakop ang mga yugto ng mundo. Tinawag niya ang kanyang mga dula na "tinanghal na totoong buhay." Sa kanyang malulungkot na mga komedya nag-uusap kami tungkol sa buhay, tungkol sa mga relasyon sa pamilya, tungkol sa moralidad at layunin ng isang tao, tungkol sa mga problema ng digmaan at kapayapaan.

Ang propesyon ng direktor, na lumitaw sa teatro ng Europa sa pagliko ng siglo, ay itinatag sa Italya lamang sa ikalawang kalahati ng siglo. Ang unang direktor sa European na kahulugan ng salita ay si Luchino Visconti (1906–1976), isang realist artist na may matalas na pakiramdam ng kagandahan, isang matibay na anti-pasista at humanist na nagtrabaho kapwa sa teatro at sinehan. Sa teatro ng Visconti, ang pagganap ay nauunawaan sa kabuuan, napapailalim sa isang solong plano, ang digmaan ay ipinahayag sa premiership, ang mga aktor ay natututong magtrabaho sa isang grupo. Karamihan makabuluhang gawain Visconti sa Drama Theater: Krimen at parusa Dostoevsky (1946), salamin menagerie (1946), Pagnanais ng Streetcar T. Williams (1949), Rosalind, o Kung Gusto Mo (1948), Troilus at Cressida Shakespeare Orestes Alfieri (1949) tagapangasiwa ng bahay-tuluyan Goldoni (1952) Tatlong magkakapatid na babae (1952), Kuya Ivan (1956), Ang Cherry Orchard(1965) Chekhov.

Sa mga unang taon pagkatapos ng digmaan, nagsimula ang isang kilusan sa Europa para sa naa-access at naiintindihan na mga katutubong sinehan. Sa Italya, sumanib ito sa pakikibaka para sa mga nakatigil na teatro, na tinatawag na Stabile (stabile / permanente). Ang unang Stabile ay ang Piccolo Teatro sa Milan, na itinatag noong 1947 nina P. Grassi at J. Strehler. Masining na teatro sa paglilingkod sa lipunan - ito ang gawain na itinakda mismo ng Piccolo Teatro. Sa gawain ni Strehler, maraming linya ng European kultura ng teatro: pambansang tradisyon commedia dell'arte, ang sining ng sikolohikal na realismo at epikong teatro.

Noong dekada 1960 at 1970, ang teatro sa Europa ay tumaas. Isang bagong henerasyon ng mga direktor at aktor ang pumasok sa teatro ng Italyano. Ang mga kabataan, na lubos na nakakaramdam ng pagkahapo ng tradisyunal na wika ng entablado, ay nagsimulang makabisado ang bagong espasyo, gumana nang naiiba sa liwanag, tunog, at maghanap ng mga bagong anyo ng relasyon sa madla. Sa mga taong iyon, aktibong nagtrabaho sina Giancarlo Nanni, Aldo Trionfo, Meme Perlini, Gabriele Lavia, Carlo Cecchi, Carlo Quartucci, Giuliano Vasiliko, Leo De Berardinis. Gayunpaman, ang pinaka makabuluhang mga numero ng henerasyon ng mga ikaanimnapung taon: Roberto De Simone, Luca Ronconi, Carmelo Bene, Dario Fo. Lahat sila ay maraming ginawa para magpayaman wikang pandulaan, ang kanilang mga natuklasan ay malawakang ginagamit sa pagsasanay sa teatro.

Si Dario Fo ang pinakakilalang kinatawan ng teatro sa politika. Si Fo ay interesado sa tao bilang isang uri ng lipunan, na may maliwanag, matulis, pinalaking mga tampok, na inilagay sa isang talamak, nakakatawa, kabalintunaan na sitwasyon. Malawak niyang ginagamit ang mga pamamaraan ng katutubong teatro tulad ng improvisasyon at buffooner.

Si Carmelo Bene (b. 1937) ay ang kinikilalang pinuno ng Italian avant-garde ng ikalawang kalahati ng ika-20 siglo. Mahusay na artista ang tawag kay Bene. Siya mismo ang nagsusulat, nagdidirekta at gumaganap ng mga pangunahing tungkulin sa kanyang mga gawa. Ang kanyang akda ay umiiral sa hindi mapaghihiwalay na pagkakaisa ng may-akda, aktor at direktor. Si Bene ang may-akda ng maraming pagtatanghal, pangunahin batay sa mga gawa ng panitikan at teatro sa daigdig: Pinocchio Kallodi (1961) Faust at Marguerite (1966), Salome Wilde (1972) Turkish Ina ng Diyos Bene (1973) Romeo at Juliet (1976), Richard Sh (1978), Othello(1979), Manfred Byron (1979) Macbeth (1983), Hamlet(itakda nang paulit-ulit), atbp. Lahat ito ay orihinal na komposisyon ni Bene, na inspirasyon ni mga tanyag na gawa at napakalayo na nagpapaalala sa kanila. Tinatanggihan ni Bene ang tradisyunal na dramatikong anyo: sa kanyang mga pagtatanghal ay walang mga kaganapan na binuo sa prinsipyo ng sanhi at bunga, walang balangkas at diyalogo sa karaniwang kahulugan, ang salita ay minsan ay pinapalitan ng tunog, at ang imahe ay literal na nahuhulog, nagiging isang bagay na walang buhay o tuluyang mawala. Requiem for a Man - ito ay kung paano matukoy ang pangunahing nilalaman ng kanyang sining.

Sa mga nakababata, na kasalukuyang matagumpay na nagtatrabaho sa teatro ng Italyano, maaari nating pangalanan ang direktor na si Federico Tiezzi (1951), ang direktor at aktor na si Giorgio Barberio Corsetti (1951), ang direktor na si Mario Martone (1962), na pinamunuan ng ilang taon. ang Romanong teatro na " Stabile", na nagtanghal ng isang bilang ng mga napaka-kagiliw-giliw na mga pagtatanghal, bukod sa kung saan ay ang pagtatanghal Sampung Utos R. Viviani (2001).

Sa ikalawang kalahati ng ika-20 siglo ang teatro ng Italyano, na naging teatro ng direktor, ay hindi tumigil sa pagiging isang teatro ng mga mahuhusay na aktor. Ang pinakamahusay na aktor ng bansa ay palaging nagtatrabaho sa mga pagtatanghal ng pinakamalaking direktor. Nalalapat ito kay Eduardo de Filippo, at kay Giorgio Strehler, at Luchino Visconti, gayundin sa mga direktor ng dekada ikaanimnapung taon na dumating sa teatro sa alon ng paligsahan. Ang pangunahing bahagi ng Visconti troupe ay ang mag-asawang Rina Morelli at Paolo Stoppa, mga banayad na sikolohikal na aktor na naglaro sa lahat ng kanyang mga pagtatanghal sa teatro ng drama. Si Vittorio Gassman ay nagkaroon din ng malaking tagumpay sa mga pagtatanghal ng Visconti (lalo na sa mga pagtatanghal Orestes Alfieri at Troilus at Cressida Shakespeare). Pagkatapos umalis sa Visconti, maraming naglaro si Gassman sa klasikal na repertoire; pinaka-kapansin-pansin ang kanyang mga pagtatanghal Othello at Macbeth Shakespeare.

Sa mahabang tradisyon ng teatro ng Italyano, ang tropa ay karaniwang pinagsama-sama sa isang mahusay na aktor (o artista), at ang mga pagtatanghal ay karaniwang itinanghal batay sa ibinigay na premiere. Sa naturang theatrical group, ang unang aktor, ang bida na aktor (tinatawag na divo o mattatore sa Italy) ay madalas na napapaligiran ng mga mahinang performer.

Sa loob ng ilang dekada (hanggang sa kasalukuyang panahon), ang mga sikat na aktor na sina Giorgio Albertazzi at Anna Proklemer ay gumanap sa mga yugto ng mga teatro ng Italyano, na ginagampanan ang pangunahing mga tungkulin sa mga dula ng klasikal na repertoire ng mundo. Maraming sikat at minamahal ng mga aktor ng publikong Italyano ang nagtrabaho nang husto sa teatro iba't ibang henerasyon, kasama sina Anna Magnani, Salvo Rondone, Giancarlo Tedeschi, Alberto Lionello, Luigi Proietti, Valeria Moriconi, Franco Parenti, na ang pangalan ay pinangalanang isa sa mga sinehan sa Milan. Nagtrabaho din si Parenti sa Piccolo Teatro kasama si Giorgio Strehler. Ang mga kahanga-hangang aktor ay palaging naglalaro sa Strehler Theater. Ito si Tino Buazelli, ang sikat na performer ng role ni Galileo sa dula Buhay ni Galileo B. Brecht. Tino Carraro, na sa loob ng maraming taon ay gumanap ng mga pangunahing tungkulin sa mga dula ni Shakespeare ( Haring Lear, Bagyo), Brecht, Strindberg at iba pa. Ang isang natatanging tagapalabas ng mga babaeng papel sa teatro ng direktor ay si Valentina Cortese, kabilang sa mga taluktok, na ang gawain ay ang papel ni Ranevskaya sa halamanan ng cherry(produksyon 1974). Sa mga nakababata, namumukod-tangi si Pamela Villoresi, isang kahanga-hangang performer ng mga babaeng imahe sa mga komedya ni Carlo Goldoni, sa mga dula ng Lessing, Marivaux, at iba pa. huling period Ang muse ng direktor ay ang aktres na si Andrea Jonasson, na gumanap ng mga dramatikong papel sa mga produksyon nina Brecht, Lessing, Pirandello at iba pa. Espesyal na lugar kabilang sa mga aktor ng Piccolo Teatro ay dalawang mahusay na performer ng Harlequin mask - sina Marcello Moretti at Ferruccio Soleri sa maalamat na pagganap Harlequin hango sa komedya na Goldoni Lingkod ng dalawang panginoon.

Pinagsasama-sama rin ni Luca Ronconi ang isang grupo ng kanyang mga aktor. Ito ay, una sa lahat, dalawang mas matandang artista na sina Franka Nuti at Marisa Fabbri, na gumanap ng mga pangunahing tungkulin sa mga pagtatanghal ng direktor bilang bacchantes Euripides (1978) mga multo Ibsen, Mga huling Araw sangkatauhan Kraus at iba pa, si Mariangela Melato, na naglaro ang pinakamahusay na mga gawa direktor tulad ng Galit na galit si Roland at orestea. Marami siyang nagtrabaho kasama sina Ronconi at Massimo de Francovich, kasama sa kung saan ang mga pangunahing tagumpay ay ang papel ni Lear sa dula. Haring Lear, pati na rin ang batang si Massimo Popolicio, isang aktor ng isang malawak na hanay, na may access sa mga ritmo, parehong drama at komedya (malaking tagumpay ang nagdala sa kanya ng papel ng dalawang magkapatid sa komedya na Goldoni Venetian twins).

Lalo na kinakailangan na iisa ang mga aktor ng paaralang Neapolitan. Kabilang sa mga pinakatanyag ay ang mga matatandang aktor na sina Salvatore de Muto, Toto (Antonio de Curtis), Peppino de Filippo at Pupella Maggio, na maraming nagtrabaho sa teatro ng Eduardo de Filippo. Kabilang sa mga nakababata ay ang mga aktor na sina Mariano Riggillo, Giuseppe Barra, Leopoldo Mastellone at iba pa.

Ikalawang kalahati ng ika-20 siglo pumasok sa kasaysayan ng teatro ng Italyano bilang panahon ng muling pagsilang ng sining ng scenography. Ang pinakamahusay na mga artista ay palaging nagtatrabaho kasama ang pinakamahusay na mga direktor sa bansa. Ang pinakamaliwanag na pigura ay sina Luciano Damiani at Ezio Frigerio; ang kanilang mga pangalan ay nasa mga poster ng lahat ng pinakamahusay na pagtatanghal ng Strehler. At ito rin ay sina Enrico Job, Pier Luigi Pizzi, Gae Aulenti, Margherita Palli.

Maria Skornyakova

teatro La Scala Teatro alla Scala(MILAN)

Perlas ng mundo kultura ng musika. Mahirap isipin ang isang teatro na may mas makinang na kasaysayan kaysa sa sikat na La Scala. Para sa higit sa 300 taon ng pag-iral, ang mga pader na ito ay nakakita ng maraming, ngunit pinamamahalaang nilang mapanatili, marahil, ang pinakamahalagang bagay para sa teatro - isang natatanging kagandahan at misteryo. Ang panahon ng konsiyerto sa La Scala ay tumatagal mula Disyembre hanggang Hunyo (ang mga konsiyerto ng symphony ay gaganapin sa entablado nito sa taglagas). Ang pagbubukas ng panahon ay lalong solemne. Laging Disyembre 7, ang araw ni St. Ambrose, ang patron ng Milan. Naku, minsan nauubos ang mga tiket anim na buwan nang maaga, kaya mag-book nang maaga. Tinatayang presyo ng tiket - opera / ballet: parterre 260/150; ampiteatro 80-260/125; balkonahe 40-105/30-80 euro

Amphitheatre - Arena di Verona(VERONA)

Ang sinaunang Roman amphitheater ay sikat sa opera at concert performances na ginanap dito. Itinayo noong ika-1 siglo BC. Ang pinakamalaking gusali na gawa sa kulay rosas na batong Verona ay pangalawa lamang sa Roman Colosseum. Noong sinaunang panahon, ang mga labanan ng gladiator ay ginanap dito, sa Middle Ages - mga paligsahan sa pakikipaglaban. Sa siglo XVI at XVII. ang mga kinatatayuan ng manonood ay ganap na itinayo, at ang kasalukuyang Arena ay isang engrandeng auditorium para sa 25 libong upuan, sa entablado kung saan ibinibigay ang kaakit-akit na mga palabas sa open-air opera. Mayroon itong pambihirang acoustics ng gusali. Ngayon, karaniwang may apat na magkakaibang yugto ng produksyon bawat taon sa pagitan ng Hunyo at Agosto. Sa kalagitnaan ng Hulyo, ang mga pagtatanghal ay ibinibigay halos araw-araw. Sa mga buwan ng taglamig, ang opera at ballet ay nagbibigay ng mga pagtatanghal sa Academic Philharmonic.

Tinatayang halaga ng mga tiket para sa mga premiere sa Philharmonic: opera/ballet parterre - 90/60 euros; amphitheater opera/ballet — 70/50; box benoir opera / ballet - 60/35; balcony opera/ballet -55/40. Ang halaga ng mga tiket para sa paulit-ulit na pagtatanghal ay humigit-kumulang minus 10 euro. Mga presyo ng tiket para sa Arena: stall 220 euros, amphitheater 95, balcony 40. Hindi pinapayagan ang mga batang wala pang 4 taong gulang.

San Carlo - Teatro di San Carlo(NAPLES)

Ang Opera House sa Naples ay itinayo sa utos ni Charles III upang palitan ang sira-sirang teatro ng San Bartolomeo. Binuksan noong 1737, sa oras na iyon ang bulwagan ng teatro ay maaaring tumanggap ng hanggang 3300 na mga manonood, na ginawa ang teatro na pinakamalawak sa mundo.

Tinatayang halaga ng mga tiket para sa mga premiere: opera/ballet parterre - 170/130 euros; amphitheater opera/ballet — 110/100; kahon ng benoir opera/ballet — 90/50; balcony opera/ballet -60/40. Ang halaga ng mga tiket para sa paulit-ulit na pagtatanghal ay humigit-kumulang minus 10 euro. .

Teatro ng La Phoenix(VENICE)

Ang puso ng buhay musikal ni Venice. Isang hindi pangkaraniwang teatro na may water jetty at eleganteng promenade. Ang teatro, na itinayo noong 1792, ay nakaligtas sa dalawang sunog at sa bawat pagkakataon, na nagbibigay-katwiran sa pangalan nito, tulad ng isang ibong Phoenix, ito ay muling isinilang mula sa abo. Pagkatapos ng huling nakakatakot na yakap ng apoy na halos ganap na sumira sa teatro, ang bago, naibalik na La Fenice ay nagbukas ng mga pinto nito sa publiko noong Disyembre 14, 2003.

Tinatayang halaga ng mga tiket para sa mga premiere: opera/ballet parterre - 190/140 euros; amphitheater opera/ballet — 160/100; box benoir opera / ballet - 110/90; balcony opera/ballet -70/50. Ang halaga ng mga tiket para sa paulit-ulit na pagtatanghal ay humigit-kumulang minus 10 euro.

Opera House - Teatro dell'Opera di Roma(ROME)

Isa sa pinakamalaking opera house sa Europa, na kayang tumanggap ng hanggang dalawang libo at dalawang daang mahilig sa musika. Narito ang opera at pagtatanghal ng ballet sa mga produksyon ng mga bituin sa mundo na nagdidirekta. Sa Rome Opera naganap ang world premiere ng Puccini's Tosca, isang bilang ng mga opera ni Mascagni, kabilang ang Rural Honor, Iris, at Masks, na naganap. Si Amelita Galli-Curci, ang may-ari ng pinakasikat na coloratura soprano noong simula ng huling siglo, ang mga tenor na sina Beniamino Gigli, Enrico Caruso, Tito Skipa, ay kumanta sa entablado nito.

Sa tag-araw, ang mga pagtatanghal ng opera ay ginaganap sa open air sa Baths of Caracalla. Minsan sila ay kilala bilang ang ikawalong kababalaghan ng mundo. Noong tag-araw ng 1990, naganap ang maalamat na konsiyerto ng tatlong tenor - sina Placido Domingo, Jose Carreras at Luciano Pavarotti - sa mga guho ng Baths of Caracalla.

Tinatayang halaga ng mga tiket para sa mga premiere: opera/ballet parterre - 160/90 euros; amphitheater opera/ballet — 130/80; box benoir opera / ballet - 60/35; opera/ballet sa balkonahe — 35/30. Ang halaga ng mga tiket para sa paulit-ulit na pagtatanghal ay humigit-kumulang minus 20 euro.

teatro ng Italyano

Matapos malikha ang commedia dell'arte sa Italya, sa loob ng 200 taon ay hindi nag-ambag ang mga Italyano sa kultura ng daigdig makabuluhang kontribusyon. Ang Italya sa panahong ito ay lubhang humina ng panloob na pakikibaka sa pulitika.

Sa Europa, kilala ang mga sinaunang monumento ng Italyano; doon, kasama ang mga antigong Romano, mayroong mga gawa ng sining na nilikha sa panahon ng Renaissance. Ngunit wala nang pagtaas sa kultura sa Italya, mas madalas na ipinakita ng mga Italyano ang mga nagawa ng kanilang mga ninuno.

Sa panahong ito, ang Venice ang pinakakaakit-akit na lungsod sa Italya. Sa panahon na ang estado ay nahahati sa ilang dayuhang kapangyarihan, ang Venice ay nanatiling isang independiyenteng lungsod kung saan mayroong isang republikang pamumuno. Siyempre, wala nang anumang dating kita mula sa kalakalan sa ibang bansa, ngunit hindi hinayaan ng mga Venetian ang alinman sa Italya o Europa na kalimutan ang tungkol sa kanilang pag-iral.

Ang lungsod na ito ay naging sentro ng libangan, ang Venetian carnival ay tumagal ng kalahating taon. Para sa layuning ito, maraming mga sinehan at maraming mga workshop para sa paggawa ng mga maskara ang nagtrabaho sa lungsod. Ang mga taong pumunta sa lungsod na ito ay gustong makita ang Italya noong unang panahon.

Ang komedya ng mga maskara ay naging walang iba kundi isang panoorin sa museo, dahil pinanatili ng mga aktor ang kanilang mga kasanayan, ngunit naglaro nang walang dating pampublikong sigasig. Hindi tugma ang mga larawan ng mga comedy mask totoong buhay at hindi nagdadala ng mga modernong ideya.

Sa pinaka maagang XVIII siglo sa publiko at buhay pampulitika Malapit nang magbago ang Italy. Naganap ang ilang repormang burgis, pagkatapos ng pagpapalawak ng kalakalan, unti-unting nagsimula ang pag-angat ng ekonomiya at kultura. Ang ideolohiya ng paliwanag ay nagsimulang makakuha ng isang medyo malakas na posisyon, na tumagos sa lahat ng mga lugar ng espirituwal na buhay.

Ang teatro ng Italyano ay kailangang lumikha ng isang pampanitikang komedya ng mga asal. Sa tulong nito, maaaring ipagtanggol ng mga tagapagturo ang kanilang pananaw sa buhay, habang pinapanatili ang maliwanag na kayamanan ng mga kulay na pamilyar sa publiko ng Italyano. mga pagtatanghal sa teatro. Ngunit hindi ito ganoon kadali.

Mula sa mga nasabi kanina, alam na ang mga aktor ng komedya ng mga maskara ay mga improviser at hindi alam kung paano kabisaduhin ang isang pre-written literary text. Bilang karagdagan, ang bawat aktor ay naglaro ng parehong maskara sa buong buhay niya at hindi alam kung paano lumikha ng iba pang mga imahe. Sa komedya ng mga maskara, ang mga tauhan ay nagsasalita ng bawat isa sa kanilang sariling diyalekto, at ang komedya ng mga asal ay naging isang wikang pampanitikan. Ito, tulad ng paniniwala ng lahat, ay isang paraan ng kultural na pagkakaisa ng bansa at estado.

Goldoni

Ang unang reporma ng teatro ng Italya ay isinagawa ni Carlo Goldoni (1707-1793) ( kanin. 54). Ipinanganak siya sa isang matalinong pamilya, kung saan ang lahat ay matagal nang mahilig sa teatro. Na sa edad na 11 ay binubuo niya ang kanyang unang dula, at sa edad na 12 siya ay unang lumitaw sa entablado. Tulad ng sinabi mismo ni Goldoni, sa edad na 15 nagsimula siyang magkaroon ng mga pag-iisip na kailangan ang mga reporma sa teatro. Nagsimula siyang mag-isip tungkol dito pagkatapos niyang basahin ang komedya ni Machiavelli na Mandragora.

kanin. 54. Carlo Goldoni

Si Carlo mismo ay hindi maaaring magsagawa ng gayong mga reporma, dahil ang kanyang mga magulang ay unang nais na siya ay maging isang doktor, at pagkatapos ay ipinadala siya sa unibersidad, kung saan siya ay nag-aral ng abogasya. Sa 24, nagtapos si Goldoni sa kanyang pag-aaral, at pagkaraan ng tatlong taon, nagtatrabaho bilang isang abogado, nagsimula siyang patuloy na magsulat ng mga dula para sa tropa ni Giuseppe Ymera, na nagtrabaho sa San Samuele Theatre sa Venice. Nagpatuloy ito mula 1734 hanggang 1743. Ang susunod na limang taon ay walang bunga sa mga tuntunin ng panitikan, ibig sabihin, halos wala si Carlo. Sa panahong ito, sinubukan niyang makakuha ng trabaho bilang isang abogado, iyon ay, nakakuha siya ng isang malaking kasanayan sa Pisa.

Kasabay nito, isang mensahero mula sa negosyanteng si Giloramo Medebak ang dumating sa kanya na may alok na trabaho. At hindi napigilan ni Goldoni ang tukso. Nagtapos siya ng isang kasunduan sa Medebak, ayon sa kung saan kailangan niyang magsulat ng 8 dula sa isang taon para sa Venetian theater ng Sant'Angelo sa loob ng limang taon.

Nakaya ni Goldoni ang gawaing ito. Bukod dito, noong nahihirapan ang teatro, sumulat siya ng 16 na komedya upang itama ang kanyang mahirap na sitwasyon! Pagkatapos nito, humingi siya kay Medebak ng pagtaas ng suweldo. Ngunit tinanggihan ng kuripot na negosyante ang playwright. Dahil dito, pagkatapos ng pag-expire ng kontrata, pumunta si Goldoni sa teatro ng San Luca, kung saan siya nagtrabaho mula 1753 hanggang 1762.

Nagpasya si Goldoni na isagawa ang reporma sa teatro nang mabilis at tiyak. Sa oras na ito ay mayroon na siyang dramatikong karanasan. Gayunpaman, maingat at maingat niyang isinagawa ang mga pagbabago.

Upang magsimula, gumawa siya ng isang dula kung saan isang papel lamang ang naisulat sa kabuuan nito. Ito ay ang komedya na "Sekular na tao, o Momolo, ang kaluluwa ng lipunan." Ang produksyon ay isinagawa noong 1738. Pagkatapos nito, noong 1743, nagtanghal si Goldoni ng isang dula kung saan naisulat na ang lahat ng mga tungkulin. Ngunit ito ay simula lamang ng reporma. Dahil walang mga aktor na maaaring gumanap ng mga pre-written na tungkulin, isang buong henerasyon ng mga bagong aktor ang kailangang muling sanayin o muling turuan ng manunulat ng dula. Para kay Goldoni, hindi ito isang malaking bagay, dahil siya ay isang mahusay na guro sa teatro at isang taong walang kapaguran. Nakayanan niya ang gawaing itinakda nang mag-isa, kahit na tumagal ito ng ilang taon.

Sinunod ng Italian playwright ang plano ng mga reporma na kanyang ginawa. Noong 1750, nilikha ang dulang "Comic Theater", ang balangkas kung saan ay ang mga pananaw ng may-akda sa dramaturhiya at sining ng pagganap. Sinabi ni Goldoni sa kanyang sanaysay na sa mga pagbabagong kanyang naisip, ang isa ay dapat kumilos nang matiyaga, ngunit maingat. Kapag naiimpluwensyahan ang mga aktor at manonood, ang kanilang mga panlasa at pagnanasa ay dapat isaalang-alang.

Sa totoong buhay, ang playwright ay kumilos sa parehong paraan. Ang kanyang mga unang dula ay may mga lumang maskara, ang mga karakter ay nagsasalita sa isang diyalekto. Pagkatapos ang mga maskara ay unti-unting nagsimulang mawala o halos ganap na nagbago; kung ang improvisasyon ay nanatili pa rin sa isang lugar, pagkatapos ay pinalitan ito ng isang nakasulat na teksto; unti-unting isinalin ang komedya mula sa diyalekto sa wikang pampanitikan. Kasabay ng mga inobasyong ito, nagsimula ring magbago ang acting technique.

Ang sistema ni Goldoni ay hindi tumawag para sa isang kumpletong pagtanggi sa tradisyon ng komedya ng mga maskara. Ang sistemang ito ay nag-aalok upang bumuo ng mga lumang tradisyon, upang bumuo ng napakabilis, ngunit hindi sa lahat ng mga lugar. Nabuhay muli ang playwright at nagsimulang gamitin ang lahat ng makatotohanang magagamit sa komedya ng mga maskara. Mula sa genre na ito, natutunan niya ang husay ng intriga at ang talas ng sitwasyon. Ngunit sa parehong oras, ang lahat ng kamangha-manghang at buffooner ay hindi interesado sa kanya.

Si Goldoni sa kanyang mga komedya ay maglalarawan at pumupuna sa mga umiiral na kaugalian, ibig sabihin, nais niyang ang kanyang mga gawa ay maging isang uri ng moral na paaralan. Kaugnay nito, tinawag niyang “comedies of the environment” o “collective comedies” ang kanyang mga likha, sa halip na tawagin ang mga ito na comedies of manners. Ang ganitong partikular na terminolohiya ay sumasalamin ng marami sa sarili nitong paraan sa mga sinehan ni Goldoni.

Hindi gusto ng manunulat ng dula ang mga dula kung saan ang aksyon ay inilipat mula sa isang lugar patungo sa lugar. Isa siyang tagahanga ni Molière. Gayunpaman, naniniwala si Goldoni na ang pagkakaisa ng produksyon ay hindi dapat maging makitid. Kung minsan ay nagtayo siya ng isang napaka-komplikado, sari-saring tanawin sa entablado.

Narito ang isang paglalarawan ng tanawin para sa komedya na "Coffee Room", na itinanghal noong 1750, ay makukuha sa literatura: "Ang entablado ay isang malawak na kalye sa Venice; sa likuran ay may tatlong tindahan: ang gitna ay isang coffee shop, sa kanan ay isang hairdresser, sa kaliwa ay isang tindahan ng pagsusugal; sa itaas ng mga tindahan - mga silid na kabilang sa mas mababang tindahan, na may mga bintana sa kalye; sa kanan, mas malapit sa madla (sa kabila ng kalye), ang bahay ng mananayaw; sa kaliwa ay ang hotel.

Sa ganitong kapaligiran, isang mayaman at kaakit-akit na aksyon ng dula ang nagaganap. Ang mga tao ay pumapasok at lumabas, nag-aaway, nagkakasundo, atbp. Sa ganitong mga komedya, gaya ng paniniwala ni Goldoni, dapat walang pangunahing tauhan, walang dapat bigyan ng kagustuhan. Iba ang gawain ng manunulat ng dula: dapat niyang ipakita ang totoong sitwasyon ng panahong iyon.

Ang mandudula ay sabik na nagpapakita ng mga eksena ng buhay urban sa kanyang mga gawa, iginuhit ang pang-araw-araw na buhay ng mga tao ng iba't ibang klase. Pagkatapos ng kanyang unang paglalaro, mahigpit niyang sinusunod ang mga prinsipyo ng kolektibong komedya sa mga gawa tulad ng "Coffee Room", "New Apartment", "Kyojinsky Skirmish", "Fan" at marami pang iba. Sa espesyal na posisyon nagkaroon ng dula na tinatawag na "Kyojin Skirmishes", dahil wala pang nagpakita ng buhay ng ganitong mababang saray ng lipunan. Ito ay isang napaka nakakatawang komedya tungkol sa buhay ng mga mangingisda.

Nagkaroon din si Goldoni ng gayong mga gawa kung saan ipinagkanulo niya ang kanyang mga prinsipyo. At pagkatapos ay lumitaw ang isang bayani sa komedya na napakatalino na natabunan niya ang lahat sa paligid. Halimbawa, sa isa sa kanyang mga unang komedya - "The Servant of Two Masters", na isinulat noong 1749, ang playwright ay lumikha ng isang simpleng mahusay na imahe ni Truffaldino, na may maraming mga posibilidad sa komiks. Ang karakter na ito ang una sa landas ng pagtaas ng pagiging kumplikado ng mga larawan ng commedia dell'arte. Sa imahe ni Truffaldino, pinagsama ni Goldoni ang dalawang Zani - isang matalinong rogue at isang simpleng isip na bungler. Puno ng kontradiksyon ang karakter ng bayaning ito.

Ang ganitong kumbinasyon ng mga magkasalungat ay naging batayan para sa isang mas lantad na paglalarawan ng panloob na kaibahan, puno ng mga sorpresa at sa parehong oras, sa kanilang sariling paraan, pare-parehong mga karakter sa mga mature na komedya ni Goldoni. Ang pinakamaganda sa mga karakter na ito ay si Mirandolina sa komedya na The Hostess (1753). Ito ay isang simpleng babae, nangunguna sa isang matapang, may talento, hindi walang pagkalkula ng laro kasama ang Count of Albafiorita, na ang titulo ay mabibili, ang Marquis ng Forlipopoli at ang Chevalier Ripafratta. Nang manalo sa larong ito, pinakasalan ni Mirandolina ang tagapaglingkod na si Fabrizio, isang lalaki ng kanyang bilog. Ang papel na ito ay isa sa mga sikat at sikat sa repertoire ng komedya sa mundo.

Itinuturing ng mga kritiko sa teatro si Goldoni ang pinaka-mapagmasid at walang kinikilingan na kritiko ng moral. Siya, tulad ng walang iba, ay napansin ang lahat ng nakakatawa, hindi karapat-dapat at hangal sa isang tao na kabilang sa anumang stratum ng lipunan. Ngunit gayon pa man, ang pangunahing layunin ng kanyang panunuya ay ang maharlika, at ang pangungutya na ito ay hindi nangangahulugang mabuti.

Ang mga aktibidad ng hindi lamang Goldoni, kundi pati na rin ng iba pang mga Italyano na tagapagturo, ang kanilang propaganda ng pagkakapantay-pantay ng ari-arian, ang pakikibaka laban sa lumang paraan ng pamumuhay, ang pangangaral ng mga makatwiran, ay natagpuan ng isang masiglang tugon sa labas ng Italya. Muling bumangon ang kahalagahan ng kulturang Italyano.

Noong 1766, sumulat si Voltaire: “Dalawampung taon na ang nakalilipas, pumunta sila sa Italya upang makakita ng mga sinaunang estatwa at makinig sa bagong musika. Ngayon ay maaari kang pumunta doon upang makita ang mga taong nag-iisip at napopoot sa pagtatangi at panatismo.

Ang uri ng komedya ng asal na nilikha ni Carlo Goldoni ay napatunayang kakaiba sa kalagitnaan ng ikalabing-walo siglo. Ipinapaliwanag nito ang pan-European na pagkilala na natanggap ng mga gawa ni Goldoni sa panahon ng kanyang buhay. Ngunit sa kanyang bayang kinalakhan, gumawa siya ng mga seryosong kaaway. Nakipagkumpitensya sila sa kanya, nagsulat sila ng mga parodies at polyeto sa kanya. Goldoni, siyempre, ay hindi walang malasakit sa gayong mga pag-atake. Pero dahil siya ang kauna-unahang komedyante sa Italy, hindi niya maisapuso ang mga intrigang ito.

Gayunpaman, noong 1761, ang kanyang tila hindi natitinag na posisyon ay bahagyang nayanig. Ang produksyon ng theatrical fairy tale (fiaba) ni Carlo Gozzi "The Love for Three Oranges" ay isang malaking tagumpay. Nakita ito ni Goldoni bilang pagtataksil sa bahagi ng publikong Venetian. Pumayag siya sa panukalang pumalit sa playwright ng Theater Italian comedy sa Paris at noong 1762 ay umalis ng Venice magpakailanman.

Ngunit sa lalong madaling panahon ang playwright ay kailangang humiwalay din sa teatro na ito. Ang dahilan nito ay hinihingi sa kanya ng theatrical management ang mga script ng commedia dell'arte. Sa madaling salita, kailangan niyang suportahan ang genre na kanyang ipinaglaban sa kanyang tinubuang-bayan. Hindi matanggap ni Goldoni ang kalagayang ito at nagsimulang maghanap ng ibang trabaho.

Sa loob ng ilang oras nagturo siya ng Italyano. Kasama sa kanyang mga mag-aaral, bukod sa iba pa, ang mga prinsesa, mga anak na babae ni Louis XV, na nagbigay-daan sa kanya na makatanggap ng maharlikang pensiyon. Pagtuturo sa iba sariling wika, Perpektong natutunan ni Goldoni ang Pranses.

Noong 1771, sa pagdiriwang sa okasyon ng kasal ng Dauphin, ang hinaharap na Haring Louis XVI, ang komedya ni Goldoni na The Grumpy Benefactor, na isinulat sa Pranses, ay itinanghal sa Comédie Française. Natanggap nila siya nang napakaganda, ngunit ito ang huling tagumpay sa teatro ni Goldoni.

Noong 1787 isinulat at inilathala niya ang kanyang tatlong-tomo na Memoirs. Ang gawaing ito ay nananatiling isang napakahalagang mapagkukunan ng impormasyon tungkol sa mga teatro ng Italyano at Pranses noong ika-18 siglo.

Paminsan-minsan Rebolusyong Pranses Inalis ang royal pension ni Goldoni. Kasunod nito, nagpasya ang Convention na ibalik ang kanyang pensiyon ayon sa ulat ng French playwright na si Marie Joseph Chenier. Ngunit hindi alam ni Goldoni ang tungkol dito, dahil namatay siya noong nakaraang araw.

Carlo Gozzi (1720-1806) ( kanin. 55) nagsimula ng tunggalian kay Goldoni sa mga skit na kanyang sinulatan pangkat pampanitikan sa ilalim ng pangalang "Granellesca Academy". Ang clownish na pangalan na ito ay isinalin bilang "academy of idle talkers."

kanin. 55. Carlo Gozzi

Si Gozzi ay tiyak na laban sa reporma sa teatro ni Goldoni, dahil nakita niya dito (at hindi nang walang dahilan) ang isang pag-atake sa mga umiiral na pananaw sa sining at sa mga pundasyon ng modernong mundo. Si Gozzi, nang buong puso, ay para sa luma, pyudal na paraan ng pamumuhay, para sa bawat strata ng lipunan na kumuha ng nararapat na lugar nito. Kaugnay nito, tila hindi katanggap-tanggap sa kanya ang mga katutubong komedya ni Goldoni, lalo na't inilarawan niya ang mga mas mababang uri ng lipunan sa kanila.

Si Gozzi ay hindi lamang isang kalaban ng enlightenment kulto ng katwiran. Ang mga emosyon sa kanyang mga pananaw at kilos ay may mas malaking papel kaysa sa isang malamig at matino na pag-iisip.

Si Gozzi ay ipinanganak sa isang matandang patrician, dating napakayaman, ngunit pagkatapos ay mahirap na pamilya. Natural, nabuhay siya sa nakaraan. Kinasusuklaman niya ang France at ang Pranses dahil sa pagiging pinuno ng Enlightenment. Kasabay nito, kinasusuklaman niya ang mga kababayan na ayaw mamuhay sa makalumang paraan.

Siya mismo ay hindi kailanman sumunod sa anumang fashion - ni sa mga pag-iisip, o sa pamumuhay, o sa mga damit. Mahal niya ang kanyang katutubong lungsod - Venice - dahil, tulad ng tila sa kanya, ang mga espiritu ng nakaraan ay nanirahan dito. Ang mga salitang ito ay hindi isang walang laman na parirala para sa kanya, dahil siya ay matatag na naniniwala sa pagkakaroon ng kabilang mundo at sa kanyang katandaan ay iniugnay ang lahat ng kanyang mga problema sa katotohanan na ang mga espiritu ay naghihiganti sa kanya - ang taong nakilala at nagsabi sa iba. kanilang mga sikreto.

Ang mga miyembro ng "Granelles Academy" ay nagbigay ng mga parody leaflet kung saan sila ay mahusay sa pagpapatawa. Ngunit ang ganitong uri ng aktibidad sa lalong madaling panahon ay tumigil upang masiyahan si Gozzi. Maaga noong 1761 nabigyan siya ng pagkakataong magsalita laban sa kanyang karibal bilang isang manunulat ng dula. At hindi pinalampas ni Gozzi ang pagkakataong ito.

Ang kanyang gawa na "The Love for Three Oranges" ay matagumpay na nilalaro ng tropa ni Antonio Sacchi. Ang parody ay inilipat sa entablado, at si Goldoni ay pinalayas sa entablado ng Venetian, na tila nasakop niya magpakailanman. Ngunit ang kahalagahan ng pagtatanghal na ito ay higit pa sa balangkas ng isang simpleng kontrobersyang pampanitikan.

Sa esensya, si Gozzi ay isang retrograde. Kaya naman masigasig niyang ipinagtanggol ang nakaraan. Ngunit mayroon siyang malaking talento at taos-pusong pagmamahal sa teatro. Naisulat ang aking unang fiaba ( dula-dulaan na engkanto), inilatag niya ang pundasyon para sa isang bago at medyo mabungang direksyon sa sining.

Noong 1772, inilathala ng playwright ang isang koleksyon ng kanyang mga gawa na may napakalawak na paunang salita. Dito ay isinulat niya: "Maliban kung ang mga sinehan ay sarado sa Italya, ang improvised na komedya ay hindi kailanman mawawala at ang mga maskara nito ay hindi kailanman masisira. Nakikita ko sa improvised na komedya ang pagmamalaki ng Italya at tinitingnan ko ito bilang isang libangan na naiiba nang husto sa nakasulat at sinadya na mga dula.

Sa ilang mga paraan, si Gozzi ay, siyempre, tama. Pagkatapos ng lahat, ang mga tradisyon ng commedia dell'arte ay talagang naging napakabunga at matiyaga. Ang mga dula ni Gozzi ay hindi mga halimbawa ng tradisyonal na commedia dell'arte. Hindi siya nag-ambag sa pagwawalang-kilos, ngunit sa pag-unlad ng genre na ito. Ang playwright ay nagnanais na linisin ang komedya ng mga maskara mula sa mga inobasyon na iminungkahi ni Goldoni, at muling gawin ang teatro na "isang lugar ng inosenteng libangan." Ngunit hindi siya nagtagumpay. Sa halip, gumawa si Gozzi ng bago theatrical genre, na nauugnay sa komedya ng mga maskara, ngunit ibang-iba mula dito, dahil ang komedya ay hindi improvised, ngunit nakasulat. Mula ngayon, iba't ibang mga karakter ang nagtatago sa ilalim ng mga maskara, kung minsan ay walang mga maskara sa harapan. Nais ni Gozzi na i-clear ang teatro ng mga bagong aesthetic na uso, ngunit nag-ugat na ang mga ito kaya't maaari na lamang niyang subukang ibalik ang mga ito sa kanyang sariling kalamangan.

Labis na kinasusuklaman ng playwright ang mga enlightener kaya ayaw niyang mag-aksaya ng oras sa kanila at maunawaan ang kanilang mga ideya. Tila sa kanya na ipinagtatanggol niya ang pinakamahusay na mga mithiin ng sangkatauhan mula sa mga nagpapaliwanag: karangalan, katapatan, pasasalamat, kawalan ng interes, pagkakaibigan, pag-ibig, hindi pag-iimbot. Ngunit, sa pangkalahatan, wala silang hindi pagkakasundo. Sa marami sa mga gawa ni Gozzi, mayroong mga tawag para sa katapatan sa mga tradisyon ng katutubong moralidad, iyon ay, sa ganitong diwa, ginawa ni Carlo ang parehong bagay tulad ng kanyang mga kaaway, ang mga enlighteners. Ang isang halimbawa nito ay ang kuwentong "The Stag King", na isinulat noong 1762. Si Anddiana, na pinili ni Haring Deramo bilang kanyang asawa, ay hindi tumigil sa pagmamahal sa kanya kahit na ang kanyang kaluluwa ay muling nagkatawang-tao sa katawan ng isang pulubi. Ang gawaing ito ay isinulat para sa kaluwalhatian ng mataas na espirituwalidad at tapat, walang pag-iimbot na pag-ibig.

Ang ilang mga dula, anuman ang kalooban ng may-akda, ay hindi binasa sa paraang gusto niya. Halimbawa, sa fairy tale na "The Green Bird" maraming inatake si Gozzi sa mga enlighteners, ngunit ang kanyang mga pag-atake ay hindi umabot sa layunin, dahil wala sa mga enlighteners ang nagkasala sa pangangaral ng pagkamakasarili at kawalan ng utang na loob, na inakusahan niya sa kanila. Ngunit sa kabilang banda, nakakuha siya ng isang kahanga-hangang kuwento tungkol sa mga walang utang na loob, masasamang bata na, pagkatapos ng maraming paghihirap sa buhay, natuto ng pakikiramay, pasasalamat at katapatan.

Nais ni Gozzi na punahin ang mga ugali ng tao at mali, na tila sa kanya, ang mga turo noong panahong iyon mula sa entablado. At kung wala siyang magagawa sa mga turo, nagtagumpay lang siya sa pagpuna sa mga mores. Sa kanyang mga engkanto, siya ay gumagawa ng ilang mga mahusay na layunin at malisyosong mga puna tungkol sa bourgeoisie. Halimbawa, ang tagagawa ng sausage na si Truffaldino mula sa fairy tale na "The Green Bird" ay tinawag niyang isang masipag, isang kilabot at isang baliw na nagsasalita.

Sa pagtatanghal ng kanyang mga dula, ang manunulat ng dula ay gumamit ng maraming mga epektong itinanghal. Kasunod nito, sinimulan niyang iugnay ang tagumpay ng kanyang mga dula sa mahigpit na moralidad, hilig at seryosong pagganap. At ito ay medyo patas. Minsan nagsulat siya ng buong talinghaga, kung minsan siya ay nakuha ng lohika ng mga imahe, kung minsan ay gumagamit siya ng mahika, kung minsan mas gusto niya ang mga tunay na motibasyon. Isang bagay na hindi niya binago ay ang kanyang hindi mauubos na imahinasyon. Nagpakita ito sa kanya sa iba't ibang paraan, ngunit palaging naroroon sa lahat ng kanyang mga fairy tale.

Sa diwa ng pantasya, ang dramaturgy ni Gozzi ay naging isang mahusay na karagdagan sa mahalaga, matalino, ngunit napakatuyo na dramaturhiya ng kanyang mga karibal. Ang pantasyang ito ang umunlad sa entablado ng San Samuele Theater sa Venice, kung saan itinanghal ang mga unang dula ni Gozzi.

Sa bahay, ang mga fiab ni Gozzi ay napaka-matagumpay, ngunit hindi sila itinanghal sa labas ng Italya. Ang pagkakaroon ng nakasulat na sampung fairy tale sa loob ng 5 taon, tinalikuran ng playwright ang genre na ito. Pagkatapos nito, sumulat siya ng ilang taon pa, ngunit wala na siyang katulad na inspirasyon. Noong 1782, naghiwalay ang tropa ng Sacchi, at ganap na umalis si Gozzi sa teatro. Namatay si Gozzi sa edad na 86, iniwan at kinalimutan ng lahat.

Hindi nagtagal, nasakop muli ng mga dula ni Goldoni ang yugto ng Venetian. Ang mga gawa ni Gozzi ay nagbigay-buhay muli kay Schiller at marami sa mga Romantiko na itinuturing siyang kanilang hinalinhan. Sa kanyang trabaho mayroong lahat ng mga kinakailangan para sa mga romantikong tendensya, na sa oras na iyon ay nagsimulang kumalat sa buong Europa.

Mula sa aklat na Popular Theater History may-akda Galperina Galina Anatolievna

Italian theater Matapos ang commedia dell'arte ay nilikha sa Italya, sa loob ng 200 taon ang mga Italyano ay hindi gumawa ng isang makabuluhang kontribusyon sa kultura ng mundo. Ang Italya sa panahong ito ay lubhang humina ng panloob na pakikibaka sa pulitika.Sa Europa, sinaunang panahon

Mula sa aklat na Daily Life of the Eastern Harem may-akda Kaziev Shapi Magomedovich

Teatro ng Italyano Bagama't pagkatapos ng Unang Digmaang Pandaigdig, kabilang ang Italya sa mga nagwagi, gayunpaman, ang mga kaganapang ito ay nagpalala sa mga panloob na kontradiksyon na umiiral sa bansa. Krisis sa ekonomiya, inflation, kawalan ng trabaho, pagbaba Agrikultura humantong sa pag-unlad

Mula sa aklat na Cinema of Italy. neorealismo may-akda Bohemsky Georgy Dmitrievich

Teatro Nang ang sining ng teatro ay tumagos sa Turkey kasama ang mga uso sa Europa, ginamit ng mga kababaihan ng harem ang lahat ng kanilang mga kakayahan upang kumbinsihin ang Sultan ng pangangailangan na magbukas ng kanilang sariling teatro sa seraglio. Tila, ang Sultan mismo ay hindi laban sa mga bagong libangan, dahil

Mula sa aklat na Everyday Life in California sa panahon ng Gold Rush ni Crete Lilian

Giuseppe De Santis. Para sa tanawin ng Italyano Ang kahulugan ng tanawin, ang paggamit nito bilang pangunahing paraan ng pagpapahayag, kung saan kailangang mabuhay ang mga tauhan, na parang may mga bakas ng impluwensya nito, tulad ng nangyari sa ating mga dakilang pintor, noong lalo nilang gusto.

Mula sa aklat na Musika sa wika ng mga tunog. Landas sa isang bagong pag-unawa sa musika may-akda Arnoncourt Nikolaus

Mula sa aklat na Chechens ang may-akda Nunuev S.-Kh. M.

Estilo ng Italyano at istilong Pranses Noong ika-17 at ika-18 siglo, hindi pa ganoon ka-internasyonal ang musika, karaniwang nauunawaan ang sining, na - salamat mga riles, sasakyang panghimpapawid, radyo at telebisyon - ninais at nagawang maging ngayon. Sa iba't ibang rehiyon, ganap

Mula sa aklat na Alexander III at ang kanyang panahon may-akda Tolmachev Evgeny Petrovich

Mula sa aklat na Daily Life of Moscow Sovereigns noong ika-17 siglo may-akda Chernaya Lyudmila Alekseevna

Mula sa aklat na Geniuses of the Renaissance [Koleksyon ng mga artikulo] may-akda Mga talambuhay at memoir Koponan ng mga may-akda --

Teatro Ang unang teatro sa korte, na umiral noong 1672-1676, ay tinukoy ni Tsar Alexei Mikhailovich mismo at ng kanyang mga kontemporaryo bilang isang uri ng newfangled "kasiyahan" at "kalamigan" sa imahe at pagkakahawig ng mga sinehan ng mga monarch sa Europa. Ang teatro sa palasyo ng hari ay hindi agad lumitaw. mga Ruso

Mula sa aklat na Folk Traditions of China may-akda Martyanova Ludmila Mikhailovna

Teatro Magiging napakamangmang magsimula mula sa ilang petsa ng pundasyon, pinagmulan, pagkatuklas ng ganitong anyo ng sining, o sa halip, isa sa mga aspeto ng pag-iral ng tao. Ang teatro ay isinilang kasama ng mundong ito, hindi bababa sa mundo na alam natin ngayon, at samakatuwid ito ay posible

Mula sa aklat na Russian Italy may-akda Nechaev Sergey Yurievich

Teatro Dapat itong banggitin na sa una ang trahedya ay nagsilbi bilang isang paraan ng paglilinis ng kaluluwa, isang pagkakataon upang makamit ang catharsis, pagpapalaya sa isang tao mula sa mga hilig at takot. Ngunit sa trahedya mayroong kinakailangang naroroon hindi lamang ang mga tao na may kanilang maliit at makasarili na damdamin, kundi pati na rin

Mula sa aklat na The Theatrical Demon may-akda Evreinov Nikolai Nikolaevich

Mula sa aklat na Mga Paborito. Batang Russia may-akda Gershenzon Mikhail Osipovich