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As origens do conceito de “boêmia” residem na incrível popularidade na França dos anos 30-40 do chamado mito cigano, cuja base era o estilo de vida aventureiro e errante dos jovens habitantes das ruas de Paris, livres das normas da moralidade pública. Durante muito tempo, a eufônica palavra “boêmio” deu origem exclusivamente a associações criminosas, e não artísticas ou artísticas. Afiadores de cartas, clochards e ladrões - são eles que ostentam orgulhosamente o nome de “boêmios”.

A vida da boêmia parisiense foi poetizada e embelezada pelo filho do porteiro, jornalista e escritor Henri Murger. “O Homero da Boêmia Parisiense” Murget compôs uma lenda reverente sobre o talento e a nobreza dos habitantes do Quartier Latin. Ele transformou maltrapilhos famintos e garotas desleixadas e vulgares em sonhadoras inquietas e belezas encantadoras. “Cenas da Vida da Boêmia” (1851), que tornou o nome de Murger famoso em toda a Europa, não apenas atraiu os buscadores da verdade e da aventura que haviam rompido a estrutura estreita de uma vida respeitável para o “solo latino”, mas também inspirou mais de uma geração de artistas e escritores para testar seu temperamento criativo.

Em 1893, dois compositores decidiram escrever uma ópera baseada no enredo do romance de Murget - Ruggero Leoncavallo e Giacomo Puccini. Puccini, que queria glorificar sua juventude estudantil pobre, mas alegre, acabou sendo mais rápido e chegou primeiro à linha de chegada. A estreia de seu La Bohème ocorreu em 1º de fevereiro de 1896 (o cansativo e longo trabalho dos libretistas ainda atrasou muito o assunto). O maestro mostrou-se insatisfeito com a cidade de Turim escolhida para a estreia: afinal, no Teatro del Reggio de Turim, explicou ao amigo e editor Giulio Riccordi, não só não há boa acústica, como também são proibidos bis. Não houve bis em Turim. O público saudou o novo trabalho de Puccini com aplausos educados e os críticos com artigos irados.

Previa-se que “La Bohème” teria um destino curto; o compositor foi aconselhado a compreender os seus erros e voltar à estrada verdadeira arte, para onde Manon Lescaut o trouxe há três anos. Puccini não teve sorte com os atores: o intérprete do artista Marcel revelou-se um péssimo ator, e o intérprete do poeta Rudolph revelou-se um cantor inadequado. Mas naquela noite, Arturo Toscanini, de 28 anos, estava no banco do maestro. “Depois da estreia de La Bohème”, recordou Puccini, “a tristeza e a melancolia tomaram conta de mim, tive vontade de chorar... Passei uma noite terrível e pela manhã fui saudado por uma saudação maliciosa dos jornais”. Os críticos mudaram de ideia rapidamente. Em abril Próximo ano em Palermo a ópera já estourou com força.

Lyudmila Danilchenko

"La Boheme" do Teatro Bolshoi

Um ano após a estreia em Turim (1896), La Bohème foi ouvida em Moscou interpretada por artistas Ópera Privada Savva Mamontov, entre os quais estavam Nadezhda Zabela (Mimi) e Fyodor Chaliapin (Shaunar).

E entrou no repertório do Teatro Bolshoi em 1911 graças aos esforços de Leonid Sobinov, que encomendou uma nova tradução para o russo e não apenas desempenhou o papel de Rudolf, mas também atuou - pela primeira vez - como diretor de palco. A apresentação apoiou os coristas do teatro (a estreia foi feita na apresentação beneficente do coral), mas não permaneceu no repertório.

Ao contrário das primeiras produções europeias deste famoso melodrama operístico (no Covent Garden Theatre de Londres, a mesma performance foi preservada de 1897 a 1974, em Ópera de Paris Comediante - de 1898 a 1972), no Bolshoi “Bohemia” não diferiu em longevidade. Nem antes da revolução, nem depois. Embora a primeira produção “soviética” tenha sido realizada apenas quatro anos após o vitorioso 17 de outubro.

Em 1932, a nova La Bohème, dado o carácter intimista desta ópera, foi enviada ao palco da sucursal, onde voltou a viver por pouco tempo e onde foi reavivada através dos esforços do grupo de produção seguinte em 1956. Há uma história interessante ligada a “La Bohème” de 1956, que não era muito típica daquela época. Com esta produção iniciou-se a entrada em mundo da ópera o famoso maestro de origem polonesa Jerzy Semkov, formado pelo Conservatório de Leningrado, que estudou no Teatro Bolshoi. (Três anos após esta estreia, ele se tornaria o maestro titular do Teatro Bolshoi de Varsóvia, e dois anos depois partiria para o Ocidente.) Distinguido por sua disposição orgulhosa e independente, o jovem Semkov considerou necessário responder às críticas (equilibrado com elogios) através do jornal Teatro Bolshoi, explicando erros de cálculo individuais em um pequeno número de ensaios. No entanto, isso não prejudicou em nada sua futura carreira.

A produção atual apareceu no repertório em 1996 para comemorar o centenário da estreia em Turim. Este foi um trabalho de sucesso um ano antes de Peter Feranec ser nomeado regente titular da Orquestra do Teatro Bolshoi. A crítica foi quase unânime: a orquestra dirigida pelo maestro eslovaco transmitiu perfeitamente tanto o impressionismo transparente da música como a sua adstringência, lembrando mais uma vez que Puccini é o século XX (no final do século XX esta característica ainda era percebida como sinônimo da definição de “moderno”). A então Fundação do Teatro Bolshoi de Viena, que apoiou a produção, recomendou ao teatro o forte diretor tradicionalista austríaco Federick Mirdita. Nesta produção, a famosa artista de São Petersburgo Marina Azizyan fez sua estreia no Bolshoi e, um ano depois, Vladimir Vasiliev a convidou para desenhar sua versão de “ Lago de cisnes».

Das unidades de armazenamento relacionadas a La Bohème, o Museu do Teatro Bolshoi se orgulha especialmente (além dos esboços de Konstantin Korovin e Fyodor Fedorovsky, em tempo diferente que desenhou as produções desta ópera) é a primeira edição do cravo (Ricordi and Company, Milão, 1896), decorada com o autógrafo do próprio compositor.

Natália Shadrina

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sobre o desempenho

A ópera La Bohème de Giacomo Puccini é uma de suas melhores obras. Ao mesmo tempo, esta criação não foi aceita pela crítica, além disso, previa-se que teria fama de curta duração. No entanto, a ópera atravessou os séculos e agora é encenada com sucesso nos principais locais de teatro do mundo. Quem decidir encomendar ingressos para a ópera “La Bohème” no Teatro Stanislavsky e Nemirovich-Danchenko encenada por Alexander Titel poderá comprovar a genialidade da obra de Puccini.

O libreto de La Bohème foi escrito de acordo com romance de mesmo nome Henri Murger, mas na produção a história não é contada diretamente, mas como uma lembrança de algo que se foi para sempre. Em geral, em sua essência enredo reside a história dos habitantes de uma das áreas mais pobres de Paris - boêmios, como eram então chamados os estudantes e os pobres sem trabalho. Ao longo de toda a peça, duas duplas de jovens resolvem o relacionamento entre si. O final da história é triste - a morte de uma das heroínas, Mimi, sobre cujo corpo seu amado Rudolf soluça.

Sem exagero, podemos dizer que a ópera “La Bohème” do Teatro Stanislavsky e Nemirovich-Danchenko, para a qual a nossa bilheteira se oferece para comprar bilhetes, é uma verdadeira pérola e decoração do repertório do teatro. Tem tudo que encanta o espectador moderno - música perfeita, enredo comovente e Ótimo jogo atores. Você pode solicitar ingressos para esta ópera online ou por telefone.

A duração do espetáculo é de 2 horas e 20 minutos (com um intervalo).

Compositor Giacomo Puccini
Libreto de Luigi Illica e Giuseppe Giacosa
Diretor musical e maestro de palco Wolf Gorelick
Maestro Félix Korobov
Diretor de palco Alexander Titel
Designer de produção Yuri Ustinov
Figurinista Irina Akimova
Designer de iluminação Ildar Bederdinov
Gênero Ópera
Número de atos 4
Idioma de execução: italiano
Título OriginalLa Boheme
Duração 2 horas e 20 minutos (um intervalo)
Data de estreia 01/07/1996
Limite de idade 12+
A performance é laureada com o Prêmio Nacional Russo Prêmio Teatro "Máscara Dourada"1997 em 2 indicações (" melhor trabalho diretor"; "melhor papel feminino" - Olga Guryakova).

Preço do bilhete: de 1.500 a 4.000 rublos.

Maestro - Felix Korobov

Rudolf - Chingis Ayusheev, Nazhmiddin Mavlyanov, Artem Safronov
Mimi - Khibla Gerzmava, Elena Guseva, Natalya Petrozhitskaya
Marselha - Dmitry Zuev, Ilya Pavlov, Alexey Shishlyaev
Musetta - Irina Vashchenko, Maria Pakhar
Schaunard - Andrey Baturkin, Dmitry Stepanovich
Collen - Denis Makarov, Roman Ulybin, Dmitry Ulyanov
Benoit / Alcindor - Vladimir Sistov, Dmitry Stepanovich
Parpignol - Thomas Baum, Vyacheslav Voinarovsky

Grande Teatro Rússia este ano decidi encerrar minha temporada com uma estreia de ópera.

E esta estreia acabou por ser maior do que ela mesma. Pareceria um fracasso isolado de uma performance individual, mas acumulou mais claramente todos os pontos problemáticos da política da atual gestão teatral. E longe das perspectivas mais otimistas foram claramente delineadas.

Então, "La Boheme".

Mal tiveram tempo de retirar a produção anterior do cartaz (aliás, embora siga o libreto literalmente, foi bastante agradável esteticamente), quando a nova foi imediatamente apresentada. Afinal, uma das óperas mais reconhecidas e, principalmente, de bilheteria do mundo.

A produção foi dirigida por Jean-Roman Vesperini. Um jovem diretor, ontem assistente de Peter Stein. Trabalhou com ele em vários projetos na Rússia, incluindo “Aida” no Teatro Stanislavsky e Nemirovich-Danchenko. E aparentemente ele assimilou profundamente a paisagem cultural russa.

Como diretor independente, Vesperini estava completamente indefeso.

Ao assistir, parecia que a única coisa que o motivava na produção era evitar comparações com Stein. E com certeza ele decidiu pegar tudo emprestado dos outros. Carimbo sobre selo, clichê sobre clichê – tudo já foi visto mil vezes, já envelheceu e morreu de morte natural.

O resultado final foi apenas um bolo de casamento enorme e de mau gosto, feito de banalidades e ausência de qualquer individualidade expressa.

A direção aqui é escultural.

Direto do século retrasado. Todos os estereótipos para os quais gênero de ópera muitas vezes ridicularizados, recolhidos e levados ao absurdo. Para transmitir as emoções mais simples (ataque de tosse ou surpresa), os solistas congelam repentinamente, como se estivessem diante de um golpe, arregalam os olhos com todas as forças, piscam timidamente e dramaticamente, com um gesto amplo, apertam o peito com as mãos . Caso contrário, todo mundo simplesmente sobe no palco, vira-se para o público e canta. Todos. E assim 2 horas e meia com um intervalo.

A certa altura, há a sensação de que a única tarefa de atuação que o diretor atribuiu aos performers foi subir ao palco, olhar brevemente para os parceiros, virar-se para o público e cantar o mais forte que puder, quanto mais alto, melhor, de preferência esquecendo completamente as nuances. E para criar pelo menos alguma aparência de ação, o diretor ordenou aos solistas que andassem intensamente pelo palco — da direita para a esquerda, de cima para baixo, aqui e ali — e invariavelmente justificassem esse andar dizendo que, com um pensamento pensativo olha, eles sentiram absolutamente todos os objetos que encontraram pelo caminho. Apenas ocasionalmente os artistas têm a oportunidade de lembrar a existência uns dos outros.

Parece engraçado, mas nunca vi uma produção antes em que os personagens agarrassem, tocassem e esfregassem os adereços e decorações ao seu redor com tanta intensidade e entusiasmo. Sério, se você decidir ver essa produção, não adie por muito tempo, existe um sério risco de que o brilho de estreia que o cenógrafo Bruno de Lavener trouxe para essa performance seja muito rapidamente apagado.

O resultado foi um livro didático, literal, direto e, como resultado, escancarado com seu vazio “La Boheme” - sótãos, restaurantes, lareiras, jovens pobres e pobres de profissões criativas e burgueses ricos e gordos, estúpidos e caricaturais.

Não parece dizer que algo muito terrível aconteceu.

Muitas casas de ópera mundiais (entre as quais a famosa Metropolitan Opera é especialmente notável) anualmente às vezes apresentam mais de uma estreia com tal direção “vazia”. Mas aqui surge a questão da conveniência e do planejamento artístico.

Em primeiro lugar, La Bohème é uma das óperas mais executadas no mundo nas últimas décadas. Se alguém já foi à ópera pelo menos uma vez, provavelmente já esteve em La Bohème. E a literalidade é simplesmente contra-indicada para ela. O público fica simplesmente entediado quando você pode prever com precisão e antecedência não apenas o que acontecerá a seguir, mas também como será.

Em segundo lugar, os teatros mundiais apresentam tais produções com um objetivo transparente e calculado - estrelas mundialmente famosas são convidadas para desempenhar papéis solo. Muitas vezes muito diferente. E uma direção pontilhada e minimalista é necessária para que um artista visitante possa assumir rapidamente o papel sem dores de cabeça desnecessárias, trazendo ao palco suas realizações pessoais. E muitas vezes isso funciona bem, já que, via de regra, todos os grandes nomes mundiais têm um presente artístico. Eles não apenas cantam, mas também são capazes de transmitir dramaticamente seu canto ao espectador. Caso contrário, eles não seriam essas estrelas. Todos os solistas aqui são jovens. Alguns têm mais perspectivas, outros menos, alguns já se consolidaram, alguns estão apenas começando, mas em geral ainda não há desenvolvimentos. E cumprem obedientemente todas as tarefas do diretor. Diligentemente e sem questionar.

E esta é a principal decepção e insulto desta “estreia”.

O fato é que a ópera em si tem um libreto muito animado e extremamente espirituoso. Puccini fez o possível para moldar essa história em seu melodrama favorito, quase espremendo uma lágrima com força, mas, felizmente, o material de origem não sucumbiu completamente a ele. E talvez nesta circunstância esteja o segredo de tamanha popularidade, facilidade e acessibilidade para o espectador de “La Boheme”.

Na verdade, todos os diálogos e reviravoltas nesta ópera são organizados no espírito de uma boa comédia seriada. Uma comédia sobre a vida dos jovens. Sobre o primeiro encontro com o amor, o ciúme e a morte. Mas antes de tudo, sobre uma amizade forte, não importa o que aconteça. Sobre como ser amigo não só da bela, mas também de lado escuro pessoa. Sobre a capacidade de perdoar fraquezas para um amigo próximo e estar presente em momentos difíceis. Mesmo em cena final A morte de Mimi em primeiro plano não é sua famosa ária moribunda, mas como os amigos de Rudolf não conseguem encontrar forças para contar ao amigo a trágica notícia. Enquanto ele examina confusamente cada um deles e faz a pergunta: “Por que você está me olhando assim?”, internamente já entendendo “por quê”.

Juventude, primeiro teste sentimentos fortes e fortes choques - exatamente o que torna esta ópera viva e interessante. E muitas vezes, mesmo quando superestrelas com vozes marcantes cantam nos papéis principais, e é encenado por um diretor eminente, tudo falha por falta de entusiasmo juvenil — aquele mesmo fogo sagrado que queima um bom drama.

Mas aqui está toda a equipe da peça – o diretor, solistas, maestro – caras muito jovens. E eles devem simplesmente acendê-lo, acender uma faísca da qual uma chama irá brilhar. E eles pegam e instalam esse dinossauro em 2018. Também com esforço mal escondido. E em vez de ver como os jovens talentos criam o futuro com ousadia e ousadia, você vê como eles tentam habitar o passado e se sufocam nas nuvens de poeira levantada.

Claro, alguns artistas tentam não perder a leveza juvenil. Isto é especialmente bem sucedido no conjunto masculino (em composições diferentes Em geral, Zhilikhovsky e Todua aparecem na festa de Marcel. Acredito muito no primeiro - por mais que eu o ouvisse, ele sempre tentava evitar banalidades. O segundo hoje transformou o papel coadjuvante no principal ator). No feminino tudo é muito mais modesto. Eu estava no segundo elenco e pela primeira vez me peguei pensando que nunca na minha vida esperei tanto que Mimi finalmente morresse. Há rumores de que no primeiro nem tudo está melhor. Tenho medo de imaginar e definitivamente não quero verificar.

Mas o principal refém desta “estreia” foi o maestro Evan Roger.

É por isso que eu realmente sinto muito. Apesar de alguma aspereza e também de um uso sólido de banalidades (aparentemente trata-se de uma bactéria muito contagiosa), conseguiu agitar a orquestra do Teatro Bolshoi, que, infelizmente, Ultimamenteé notório pelo esnobismo e pelo senso inflado de auto-importância de muitos de seus músicos, razão pela qual, independentemente do maestro e do material executado, a orquestra de teatro toca consistentemente um determinado tema. Suspeito que o segredo desse sucesso seja o charme natural e o sorriso contagiante e bem-humorado de Roger. Como resultado, é o único nesta performance que mantém a sua tenra idade e traz pelo menos alguma frescura, pelo que mesmo as técnicas mais banais são percebidas mais como uma ingenuidade juvenil, o que combina muito bem com esta ópera.

No entanto, vamos supor que tudo isso não seja significativo e não valha reclamações tão detalhadas. No final, falhas acontecem em todos os teatros. Todo mundo tem o direito de falhar e errar.

Mas aqui a história não é mais sobre uma única apresentação, mas sobre o clima de todo o teatro.

Não faz muito tempo, o Bolshoi era uma das principais e promissoras casas de ópera do mundo. Pessoas de todo o mundo afluíram para ver Ruslan e Lyudmila de Chernyakov. Surgiram agências especializadas para oferecer turismo cultural ao público da ópera com o único propósito de assistir à estreia da ópera no teatro.

Agora o teatro demonstra que visa um público casual, distante do gênero operístico, e continua sua peregrinação atrás do lustre. E se há convidados estrangeiros, eles também mudaram bastante. Agora ônibus de turistas chineses chegam ao Bolshoi.

E agora, concluindo mais uma temporada sem vida de ópera com tal estreia, o teatro parece assinar a sua renúncia voluntária ao título de teatro mundial, aceitando o estatuto de provinciano. Admitir abertamente que mesmo com esse status o Bolshoi não é mais um teatro de ópera e balé. Agora só balé. E mesmo isso, com raríssimas exceções agradáveis, principalmente clássicas. E idealmente, ressuscitando os clássicos Período soviético para que os funcionários tenham um lugar para passear pelas delegações estrangeiras da nomenklatura.

É muito doloroso sentir esse renascimento. As paredes são as mesmas dos recentes “Rodelinda”, “Billy Budd”, “Eugene Onegin”, “Carmen” de Pountney... Mas, exceto as paredes, não sobrou nada. Agora existe uma câmara balsâmica.

Mas mesmo isolado de um teatro específico, o “novo” La Bohème apresentava uma característica muito maior e mais interessante.

Nas últimas décadas, tem havido debates acirrados entre os fãs de ópera sobre produções com visão e interpretação distintas dos enredos da ópera. E, via de regra, o grau de indignação dos adversários do chamado “diretor” sempre foi marcado pela frase depreciativa “Vou ouvir de olhos fechados”.

E assim nasceu uma produção separada para esses conservadores – quase a quintessência de seus ideais. Um livro didático diligente e escrupulosamente coletado sobre como dirigir o “gesto amplo”.

Acontece que a grande maioria dos espectadores no salão agora fecha os olhos por conta própria. Tédio.

Mesmo os espectadores casuais, milagrosamente não familiarizados com o enredo de La Bohème, começaram a sussurrar baixinho sobre como estavam as coisas no trabalho e com os amigos. Ou todos riram dos mesmos estereótipos sobre a ópera, onde o herói canta 10 minutos de cada vez lingua estrangeira enquanto ele morre.

Ao mesmo tempo, aplausos não foram ouvidos depois execução bem-sucedidaárias, nomeadamente depois da barulhenta. Muitos que vieram à ópera pela primeira vez tinham certeza de que era assim que deveria ser. E satisfeitos com tal reconhecimento, a coincidência de suas ideias com a realidade, eles pelo menos de alguma forma se livraram do tédio por meio da atividade física - palmas.

Mesmo nos aplausos finais (e este é o último espetáculo da temporada!) a ovação mais forte não foi para os artistas principais, mas para o cão do circo (não pergunte, aceite - há um cão de circo na peça) . Só o maestro conseguiu chegar perto desse sucesso.

Após a apresentação, demorei-me na saída do salão. Olhei especificamente para fora, mas não vi ninguém com o rosto manchado de lágrimas ou pelo menos olhos ligeiramente úmidos e pensativos. E isso está no “Bohemia”! Talvez, é claro, eu estivesse procurando no lugar errado, mas normalmente você encontra essas pessoas em Puccini sem muita dificuldade. Só que nem tudo nesta performance é real. De forma alguma. Como em qualquer reconstrução histórica, tudo o que está acontecendo é falso e travessura, há muito perdido o sentido e esquecido a própria essência. E tais sentimentos não evocam ninguém. Mesmo quem “corta cebola” pela primeira vez com Puccini.

E há uma moral interessante nesse fenômeno: nem tudo o que você pessoalmente considera certo e agradável é o futuro.

Hoje, o gênero ópera foi muito além do amargo debate sobre “diretor” e “maestro”. O primeiro completará em breve 100 anos. O segundo é um recurso natural em geral. E quanto mais ativamente corrermos contra o movimento da escada rolante, mais rápido nos encontraremos no fundo.

De todo o coração, desejo sinceramente que o Teatro Bolshoi entenda isso, pare de tentar agradar a todos e corrija radicalmente seu rumo. Não flerte com o espectador local alimentando-o ingressos disponíveis por meio de cupons e vistorias de passaporte na entrada, e desenvolver o nível paisagístico e musical do país. Alguém, mas o Teatro Bolshoi tem todos os recursos para isso.

Em breve, por exemplo, contarei para vocês uma linda e conto preventivo, por ser um teatro muito mais modesto em nosso país, graças ao bom gosto e ao razoável planejamento de gestão, já está realizando silenciosamente um importante projeto que determinará nosso futuro cultural nos próximos anos.

Por enquanto outro estreia de ópera no Bolshoi, que é especialmente difícil de desmontar, porque simplesmente não há nada a que se agarrar, demonstra um sistema já estabelecido. Um sistema do que acontece quando a administração do teatro faz concessões com muita facilidade. Esses compromissos descem na hierarquia. E como resultado, toda a atmosfera está envenenada.

A este respeito, gostaria muito de ver um “novo” “La Bohème” como um melhor aviso sobre a destrutividade de flertar com compromissos para a arte Grandes artistas e a gestão de nossos outros teatros. E antes de tudo, é claro, a Sergei Vasilyevich Zhenovach. Muitos erros podem ser evitados. Muita coisa se torna óbvia. Em vez de mil palavras.

p.s.

Tendo retornado completamente perturbado, liguei a gravação de “La Bohème”, que me era altamente recomendada há muito tempo. pessoas boas. Recentemente, ele admitiu que nunca havia encontrado uma “La Boheme” que não fosse terrível. Nem uma única produção me atingiu. Não é que ele não tenha rugido, mas simplesmente não sentiu outras emoções além da irritação. E já pensei que na estreia de “Big” o problema era mais comigo e com o meu protesto contra arrancar as lágrimas do público com métodos baratos.

Mas liguei a gravação. E nunca pisquei tão raramente em La Bohème. Uma obra-prima absoluta. Melhor Produção, que é conhecido hoje. A música ouvida mais de 100 vezes soa completamente diferente. E a performance cantada é absolutamente brilhante. Sim, essa “Boêmia” existe! Esperamos muito tempo por ela e ela foi encontrada!

Paciência... Vou ganhar forças e não deixe de compartilhar minha descoberta. Enquanto isso...

O amor, o amor, infelizmente, não substituirá a lenha para nós...

– apresentação de estreia Vladislav Shuvalov, que achou a produção de Puccini irremediavelmente festiva.

Ao final da 242ª temporada, o Teatro Bolshoi apresentou Nova cenaÓpera de Puccini Boêmia”na leitura da composição internacional de diretores e artistas. A produção anterior do Bolshoi, datada de 1996, dirigida pelo austríaco Federik Mirditta e dirigida pelo eslovaco Peter Feranec, teve mais de 110 apresentações (a última ocorreu um ano antes da nova estreia). A presença da ópera no repertório do Bolshoi tem sido uma história rotineira desde a primeira produção de La Bohème em 1911. Mas mesmo histórias que funcionam com sucesso devem ser atualizadas às vezes. Na verdade, verificou-se que a produção anterior difere essencialmente pouco da actual, com excepção de uma cenografia mais estética e fato histórico que o diretor, o maestro e os cantores da nova edição de La Bohème são jovens. Devido à idade, deveria ser esperado que estivessem mais atentos ao material.

Os diretores de La Bohème muitas vezes interpretam o tom do público boêmio como uma atmosfera de sentimentalismo demonstrativo e diversão boba, como se tivessem medo de se desviar do estereótipo. Enquanto isso, teatro moderno oferece diferentes leituras. Klaus Guth no ano passado em Paris ópera nacional derrubou radicalmente a galeria figurativa de “La Bohemes”: uma companhia artística pobre, movida pela desordem da vida início do século XIX século em um sótão frio, foi trancado por Gut literalmente em uma cápsula nave espacial, arando as extensões frias do universo. Cosmonautas solitários, por uma sensação intensificada de fim próximo ou por falta de oxigênio, foram visitados visões artísticas uma vida passada ou nunca existente.

foto: Assessoria de Imprensa do Teatro Bolshoi

O passado e o futuro estão igualmente distantes dos seus contemporâneos, por isso as ideias dos tradicionalistas sobre os boémios do século retrasado revelam-se não menos utópicas do que as de Guth. Inclusive devido a ilusões excessivamente sentimentais sobre as férias da juventude despreocupada. Ao mesmo tempo, inicialmente, nos esboços de imagens da boêmia, Balzac e Hugo, como se sabe, tinham mais do realista. Henri Murget, autor de “Cenas da Vida da Boêmia”, com ênfase em sua própria biografia, descreveu uma trama sobre um novo estrato da sociedade até então inédito e não encontrado em nenhum outro lugar, cuja liberdade de criatividade e de relacionamento era temida nos círculos decentes , enquanto ao mesmo tempo os admira. A vizinha Mimi, que se apaixonou pelo poeta Rudolf, foi baseada na amante de Murger, segundo a lenda, que foi abandonada de forma muito ignóbil por ele para morrer sozinha. Libretista Luigi Illica era conhecido como frondeur, participava da organização de revistas radicais e travava duelos, segundo libretista Giuseppe Giacosa serviu de amortecedor nos confrontos entre as naturezas temperamentais de Puccini e Illica.

Espírito rebelde personalidades criativas foi reduzido às regras do jogo do gênero, e imensamente ópera romântica em todos os tempos, poucos ousaram posteriormente modernizá-lo. Não ousando aproximar os personagens dos personagens de algo mais vivo e imperfeito, os diretores invariavelmente direcionavam seus esforços para tocar o público: com comédia despretensiosa e romance esboçado no primeiro ato, carnaval sem limites no segundo, melaço lírico com um triste terminando no último. Jean-Roman Vesperini, o diretor-produtor do novo La Bohème, que tem alguma experiência em produções dramáticas e de ópera na França, não trabalha na Rússia pela primeira vez. Ele foi assistente de Peter Stein em “Aida”, que teve uma atuação brilhante no Teatro Bolshoi, e na lenda dramática de Berlioz “A Maldição de Fausto”, encenada por Stein no Teatro Bolshoi há dois anos. Provavelmente foi nessa época que Vesperini formou uma opinião sobre o público russo e as expectativas do cliente. Ele expressou repetidamente a tarefa de estetizar a ópera de Puccini no estilo do filme musical “”, o que por si só soa um tanto estranho vindo de um diretor de ópera, embora honestamente.

A aposta estética é tão oportunista quanto um pouco errônea: na Rússia ainda amam tudo que brilha com brilho e pretensão de glamour, apesar de desde o lançamento melhor filme A "" caligrafia australiana de Luhrmann está, se não irremediavelmente, certamente desatualizada. Além disso, o design glamoroso contradiz a essência da imagem da boemia - círculos de artistas sem um tostão e trabalhadores geralmente marginais da arte pela arte, próximos de personagens glamorosos, exceto com um alto grau de arrogância na representação de habilidades artísticas. É muito mais importante que o estilo vertiginoso do pós-modernista australiano exija dos seguidores, antes de tudo, um senso impecável de ritmo de edição e perfeccionismo na criação de detalhes, que, no caminho escolhido de estetização refreada, podem acabar não sendo um uma bênção para o diretor, mas um tropeço.

Segundo a tradição, La Bohème desdobra-se em três ambientes: um sótão com uma ampla janela - uma rua do Quartier Latin - o posto avançado D'Enfer. Cenografia Bruno de Lavanera- mais convidativo componente produções. O sótão é representado por uma estrutura de três andares, ocupando apenas um terço do palco, e cumpre a tarefa de um espaço limitado onde os boêmios – poeta, pintor, filósofo e músico – se amontoam com dificuldade, mas com alegria. O resto do palco, à direita e à esquerda do “sótão”, é coberto por uma cortina. Na cortina é projetada uma imagem de telhados com chaminés e chaminés. Os cantores entraram no primeiro ato, ficando no segundo nível da estante, onde havia uma mesa e o famoso fogão, para onde se voltavam as primeiras libações dos artistas congelados na véspera de Natal. As atuações dos cantores em altura proporcionavam melhor visibilidade do que acontecia desde a galeria e as arquibancadas, mas dificultavam o contato entre os artistas e a orquestra. As mãos do maestro americano Evan Rogers continuaram voando poço da orquestra. Aliás, os cantores chegaram ao terceiro andar do sótão apenas uma vez.

foto: Assessoria de Imprensa do Teatro Bolshoi

A transição do primeiro para o segundo ato não exigiu a habitual pausa para mudança de cenário. A estrutura do sótão moveu-se efetivamente em diferentes direções, revelando a cobiçada amplitude do espaço do palco, da qual o espectador já estava entediado. A alegria da véspera de Natal na peça foi simplesmente substituída pela agitação solene do Quartier Latin: cinquenta figurantes - foliões ociosos - invadiram o palco do Bolshoi. O cenário foi decorado com tiras de LED cruzadas aleatoriamente, dando origem a um caprichoso figura geométrica, como se tivesse vindo acidentalmente dos tempos futuros da “arte não figurativa”. As lâminas integrais do moinho Moulin Rouge podiam ser vistas à distância.

Os trajes dos figurantes e coristas, confeccionados segundo padrões de vestimentas de épocas desconhecidas, e em cores berrantes - lilás, verde claro, lilás, cereja, turquesa, limão - evocavam uma sensação persistente de mascarada excessivamente zelosa, ou matinê infantil. A aparição do vendedor de brinquedos Parpignol em um terno escarlate escaldante (tenor Marat Gali de bicicleta), ungida por um coro de vozes infantis, bem como pela actuação de uma “senhora com cão”. Musetta ( Damiana Mizzi) apareceu acompanhado de um poodle branco, perfeitamente treinado, e sem dúvida rendeu ao artista uma parcela de carinho do público. Entre as imagens ousadas que se poderia esperar de uma produção jovem (mas que são escassas), lembro-me de um guarda tirando as calças do exército, revelando um tutu de balé por baixo.

Se o segundo ato foi apresentado no estilo de um show de variedades, em que o café Momus era elegantemente decorado com um arco de lâmpadas, obviamente lembrando a iluminação de um palco de cabaré, então o terceiro ato, segundo o princípio do dramático contraste professado por Vesperini, foi decidido de forma oposta. O conjunto do Posto Avançado D'Enfer nos arredores de Paris consistia em três seções localizadas em um ângulo agudo - um lance de escadas, uma cerca de galhos e uma parede de tijolos. Uma lanterna antiquada estava na abertura da parede, e raios de luz difusa e nebulosa derramavam-se de cima sobre todo o cenário, como um esboço melancólico no espírito dos impressionistas.

A diversidade estilística do design foi apoiada por cores constantemente brilhantes vozes masculinas segundo elenco da ópera. Tenor Davide Giusti(aliás, ele já fez o papel de Rudolf para Himmelman-Currentzis) e barítono Aluda Todua exploraram impiedosamente o lado lírico de seus personagens de modo que o drama do final foi difícil de acreditar. A solução veio novamente do campo da cenografia. No episódio final da morte de Mimi, a estrutura do sótão foi desligada, o que reforçou o triste significado do momento: todos os personagens vivos permaneceram de um lado da estrutura aberta, e do outro, a cama com Mimi, que morreu sozinha, flutuou para a eternidade.

foto: Assessoria de Imprensa do Teatro Bolshoi

À margem, houve censuras à orquestra, que não conseguiu acompanhar a interpretação claramente emocional Evan Rogerster– um jovem e sorridente maestro vestido de preto, que também trabalhou com Peter Stein e já tinha encenado dois “La Bohèmes”. O próprio Rogerster admitiu que procurava uma analogia sonora para a emotividade violenta dos personagens, embora fosse mais razoável supor que a orquestra limitou e dirigiu com segurança os cantores, incluindo Maria Mudryak, que colocou todo o seu temperamento no papel de Mimi e saboreou com suculência os infortúnios óbvios e imaginários de sua heroína.

Evocando um clima festivo e um charme incomparavelmente monótono, a produção evocou a impressão esperadamente favorável do público. O caráter clássico da ópera sobre vagabundos pitorescos e belezas tuberculosas, em que a tragédia levemente caricaturada coexiste com a sublimidade frontal, mais uma vez se manteve firme. O hit de repertório já aconteceu e provavelmente permanecerá dentro das ideias tradicionais sobre “La Bohème” por mais 20 anos.

foto: Assessoria de Imprensa do Teatro Bolshoi

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