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Leonardo da Vinci (1452-1519), pintor, escultor, arquiteto, cientista e engenheiro italiano. Fundador cultura artística Alta Renascença, Leonardo da Vinci desenvolveu-se como mestre, estudando com Andrea del Verrocchio em Florença. Os métodos de trabalho na oficina de Verrocchio, onde a prática artística se aliava à experimentação técnica, bem como a amizade com o astrónomo P. Toscanelli, contribuíram para o surgimento dos interesses científicos do jovem da Vinci. Nas primeiras obras (a cabeça de um anjo no “Batismo” de Verrocchio, depois de 1470, “A Anunciação”, por volta de 1474, ambas na Galeria Uffizi; a chamada “Madona de Benois”, por volta de 1478, Museu Hermitage do Estado, São Petersburgo), o artista, desenvolvendo as tradições da arte do início da Renascença, enfatizou o volume suave das formas com claro-escuro suave, às vezes animando rostos com um sorriso sutil, usando-o para conseguir a transmissão de estados emocionais sutis.

Registrando os resultados de inúmeras observações em esboços, esboços e estudos em escala real, realizados em diversas técnicas (lápis italiano e de prata, sanguíneo, caneta, etc.), Leonardo da Vinci alcançou, por vezes recorrendo ao grotesco quase caricatural, acuidade na transmissão facial expressões e físicas As características e movimentos do corpo humano de meninos e meninas foram harmonizados em perfeita harmonia com a atmosfera espiritual da composição.

Em 1481 ou 1482, Leonardo da Vinci entrou ao serviço do governante de Milão, Lodovico Moro, e serviu como engenheiro militar, engenheiro hidráulico e organizador de feriados judiciais. Durante mais de 10 anos trabalhou no monumento equestre de Francesco Sforza, pai de Lodovico Moro (o modelo de argila em tamanho real do monumento foi destruído quando os franceses capturaram Milão em 1500).

Durante o período milanês, Leonardo da Vinci criou a “Madona das Rochas” (1483-1494, Louvre, Paris; segunda versão - por volta de 1497-1511, galeria Nacional, Londres), onde os personagens são apresentados em uma bizarra paisagem rochosa, e o mais sutil claro-escuro desempenha o papel de um princípio espiritual, enfatizando o calor das relações humanas. No refeitório do mosteiro de Santa Maria delle Grazie, concluiu a pintura mural “A Última Ceia” (1495-1497; devido às peculiaridades da técnica utilizada durante o trabalho de Leonardo da Vinci no afresco - óleo com têmpera - foi preservado em estado bastante danificado; foi restaurado no século XX), marcando um dos picos Pintura europeia; o seu elevado conteúdo ético e espiritual exprime-se na regularidade matemática da composição, que dá continuidade logicamente ao espaço arquitetónico real, num sistema claro e rigorosamente desenvolvido de gestos e expressões faciais das personagens, no equilíbrio harmonioso das formas.

Enquanto estudava arquitetura, Leonardo da Vinci desenvolveu várias versões da cidade “ideal” e projetos para um templo com cúpula central, que grande influência sobre a arquitetura contemporânea da Itália. Após a queda de Milão, a vida de Leonardo da Vinci foi passada em constantes viagens (1500-1502, 1503-1506, 1507 - Florença; 1500 - Mântua e Veneza; 1506, 1507-1513 - Milão; 1513-1516 - Roma; 1517- 1519 - França). Em sua terra natal, Florença, ele trabalhou na pintura do salão Grande Conselho no Palazzo Vecchio “A Batalha de Anghiari” (1503-1506, inacabado, conhecido por cópias de papelão), estando nas origens do gênero de batalha europeu dos tempos modernos. No retrato da “Mona Lisa” ou “La Gioconda” (por volta de 1503-1505, Louvre, Paris) ele incorporou o ideal sublime de feminilidade eterna e encanto humano; Um elemento importante da composição era a paisagem cosmicamente vasta, fundindo-se em uma névoa azul fria.

As últimas obras de Leonardo da Vinci incluem projetos para o monumento ao Marechal Trivulzio (1508-1512), a imagem do altar “Santa Ana e Maria com o Menino Cristo” (cerca de 1507-1510, Louvre, Paris), completando a busca do mestre no campo perspectiva do ar leve e estrutura piramidal harmônica da composição, e “João Batista” (cerca de 1513-1517, Louvre),

onde a ambigüidade um tanto doce da imagem indica os crescentes momentos de crise na obra do artista. Em uma série de desenhos que retratam uma catástrofe universal (o chamado ciclo do “Dilúvio”, lápis e caneta italianos, por volta de 1514-1516, Biblioteca Real, Windsor), pensamentos sobre a insignificância do homem diante do poder dos elementos são combinados com ideias racionalistas sobre a natureza cíclica dos processos naturais.

A fonte mais importante para estudar a visão de Leonardo da Vinci estão seus cadernos e manuscritos (cerca de 7 mil folhas), cujos trechos foram incluídos no “Tratado de Pintura”, compilado após a morte do mestre por seu aluno F. Melzi e que teve um enorme influência no pensamento teórico e na prática artística europeia. No debate entre as artes, Leonardo da Vinci deu o primeiro lugar à pintura, entendendo-a como linguagem universal, capaz de incorporar todas as diversas manifestações de inteligência na natureza. A aparência de Leonardo da Vinci seria percebida por nós de forma unilateral, sem levar em conta o fato de que ele atividade artística acabou por estar inextricavelmente ligado às atividades científicas. Em essência, Leonardo da Vinci representa o único exemplo desse tipo de grande artista para quem a arte não era a principal atividade da vida.

Se na juventude prestou atenção primária à pintura, com o tempo essa proporção mudou em favor da ciência. É difícil encontrar áreas do conhecimento e da tecnologia que não sejam enriquecidas por suas grandes descobertas e ideias ousadas. Nada dá uma impressão tão vívida da extraordinária versatilidade do génio de Leonardo da Vinci como os muitos milhares de páginas dos seus manuscritos. As notas neles contidas, aliadas a inúmeros desenhos que conferem materialidade plástica ao pensamento de Leonardo da Vinci, abrangem toda a existência, todas as áreas do conhecimento, sendo, por assim dizer, a mais clara evidência da descoberta do mundo que o Renascimento trouxe consigo. . Nestes resultados do seu incansável trabalho espiritual, sente-se claramente a diversidade da própria vida, em cujo conhecimento os princípios artísticos e racionais aparecem em Leonardo da Vinci em unidade indissolúvel.

Como cientista e engenheiro, enriqueceu quase todas as áreas da ciência de sua época. Um representante proeminente da nova ciência natural baseada em experimentos de Leonardo da Vinci Atenção especial prestou atenção à mecânica, vendo nela a chave principal dos segredos do universo; seus brilhantes palpites construtivos estavam muito à frente de sua era contemporânea (projetos de laminadores, automóveis, submarinos, aeronaves). As observações que coletou sobre a influência dos meios transparentes e translúcidos na coloração dos objetos levaram ao estabelecimento de princípios de perspectiva aérea com base científica na arte da Alta Renascença. Ao estudar a estrutura do olho, Leonardo da Vinci fez suposições corretas sobre a natureza da visão binocular. Nos desenhos anatômicos, ele lançou as bases da ilustração científica moderna; também estudou botânica e biologia.

E em contraste com esta tensão suprema atividade criativa — destino da vida Leonardo, suas intermináveis ​​andanças estavam associadas à impossibilidade de encontrar condições favoráveis ​​​​de trabalho na Itália da época. Portanto, quando o rei francês Francisco I lhe ofereceu o cargo de pintor da corte, Leonardo da Vinci aceitou o convite e chegou à França em 1517. Na França, que durante este período esteve especialmente ativamente envolvida na cultura Renascença italiana, Leonardo da Vinci estava rodeado de veneração universal na corte, que, no entanto, era de natureza bastante externa. As forças do artista estavam se esgotando e dois anos depois, em 2 de maio de 1519, ele morreu no castelo de Cloux (perto de Amboise, Touraine), na França.

Leonardo da Vinci

Na história da humanidade não é fácil encontrar outra pessoa tão brilhante como o fundador da arte da Alta Renascença, Leonardo da Vinci (1452-1519). A natureza abrangente das atividades deste grande artista e cientista só ficou clara quando foram examinados manuscritos dispersos de seu legado. Uma quantidade colossal de literatura foi dedicada a Leonardo, e sua vida foi estudada detalhadamente. E, no entanto, grande parte do seu trabalho permanece misterioso e continua a entusiasmar as mentes das pessoas.

Leonardo Da Vinci nasceu na aldeia de Anchiano, perto de Vinci: não muito longe de Florença; ele era filho ilegítimo de um notário rico e de uma simples camponesa. Percebendo as extraordinárias habilidades do menino na pintura, seu pai o encaminhou para a oficina de Andrea Verrocchio. No quadro da professora “O Batismo de Cristo”, a figura de um anjo loiro espiritualizado pertence ao pincel do jovem Leonardo.

Entre ele trabalhos iniciais pintura “Madona com uma Flor” (1472). Ao contrário dos mestres do século XY, Leonardo recusou o uso da narrativa, do uso de detalhes que distraem a atenção do espectador, saturados de imagens de fundo. A imagem é percebida como uma cena simples e ingênua da alegre maternidade da jovem Maria.

Leonardo experimentou muito em busca de diferentes composições de tintas; foi um dos primeiros na Itália a passar da têmpera para a pintura a óleo. “Madonna with a Flower” foi executada justamente nesta técnica, então ainda rara.

Trabalhando em Florença, Leonardo não encontrou uso para seus poderes nem como cientista-engenheiro nem como pintor: a refinada sofisticação da cultura e a própria atmosfera da corte de Lorenzo de 'Medici permaneceram profundamente estranhas para ele.

Por volta de 1482, Leonardo entrou ao serviço do duque de Milão, Lodovico Moro. O mestre recomendou-se principalmente como engenheiro militar, arquiteto, especialista na área de engenharia hidráulica e só depois como pintor e escultor. No entanto, o primeiro período milanês da obra de Leonardo (1482-1499) revelou-se o mais frutífero. O mestre tornou-se o artista mais famoso da Itália, estudou arquitetura e escultura e voltou-se para afrescos e pinturas de altar.

De jeito nenhum planos grandiosos, incluindo projetos arquitetônicos, Leonardo conseguiu implementar. Desempenho estátua equestre Francesco Sforza, pai de Lodovico Moro: durou mais de dez anos, mas nunca foi fundido em bronze. O modelo de barro em tamanho real do monumento, instalado em um dos pátios do castelo ducal, foi destruído Tropas francesas que capturou Milão.

Esta é a única grande obra escultórica de Leonardo da Vinci e foi muito apreciada pelos seus contemporâneos.

As pinturas pitorescas de Leonardo do período milanês sobreviveram até hoje. A primeira composição de altar da Alta Renascença foi “Madona na Gruta” (1483-1494). O pintor afastou-se das tradições do século XV: em cujas pinturas religiosas prevaleceu o constrangimento solene. No retábulo de Leonardo há poucas figuras: uma Maria feminina, o Menino Jesus abençoando o pequeno João Batista e um anjo ajoelhado, como se olhasse para fora da imagem. As imagens são idealmente bonitas, naturalmente conectadas com o ambiente. É algo como uma gruta entre rochas basálticas escuras com luz nas profundezas - uma paisagem geralmente fantasticamente misteriosa, típica de Leonardo. As figuras e rostos estão envoltos em uma névoa arejada, conferindo-lhes uma suavidade especial. Os italianos chamaram essa técnica de Leonardo de sfumato.

Em Milão, aparentemente o mestre criou a pintura “Madonna and Child” (“Madonna Litta”). Aqui, ao contrário da “Madona da Flor”, ele buscou uma maior generalização da idealidade da imagem. É retratado um momento indefinido, mas um certo estado de alegria calma e de longo prazo em que uma jovem bela mulher está imersa.Uma luz fria e clara ilumina seu rosto fino e macio com um olhar meio abaixado e um sorriso leve, quase imperceptível. A pintura foi pintada em têmpera, acrescentando sonoridade aos tons do manto azul e do vestido vermelho de Maria. O cabelo cacheado dourado escuro e fofo do bebê é incrivelmente retratado, e seu olhar atento direcionado ao espectador não é infantilmente sério.

Quando Milão foi capturada pelas tropas francesas em 1499, Leonardo deixou a cidade. Começou o tempo de sua peregrinação.Por algum tempo trabalhou em Florença. Lá, o trabalho de Leonardo foi como um clarão brilhante: ele pintou um retrato de Mona Lisa, esposa do rico florentino Francesco di Giocondo (por volta de 1503). O retrato é conhecido como “La Gioconda” e se tornou uma das obras mais famosas de pintura mundial.

Um pequeno retrato de uma jovem, envolta em uma névoa de ar, sentada contra o pano de fundo de uma paisagem verde-azulada, está cheio de uma ansiedade tão viva e terna que, segundo Vasari, é possível ver a pulsação batendo na cavidade de Mona O pescoço de Lisa. Parece que a imagem é fácil de entender. Enquanto isso, na extensa literatura dedicada a La Gioconda, colidem as interpretações mais opostas da imagem criada por Leonardo.

Na história da arte mundial existem obras dotadas de poderes estranhos, misteriosos e mágicos. É difícil explicar, impossível descrever. Entre eles, um dos primeiros lugares é ocupado pela imagem da Mona Lisa. Ela, aparentemente, era uma pessoa extraordinária, obstinada, inteligente e íntegra por natureza. Leonardo colocou em seu olhar incrível dirigido ao observador, ao famoso, como se deslizasse sorriso misterioso, marcada pela variabilidade instável da expressão facial, carga de tamanha força intelectual e espiritual: que elevou sua imagem a uma altura inatingível.

EM últimos anos Leonardo da Vinci trabalhou pouco na vida: como artista. Tendo recebido um convite do rei francês Francisco 1, partiu para a França em 1517 e tornou-se pintor da corte. Logo Leonardo morreu. Num desenho de autorretrato (1510-1515), o patriarca de barba grisalha e olhar profundo e triste parecia muito mais velho do que sua idade.

A escala e a singularidade do talento de Leonardo podem ser avaliadas pelos seus desenhos, que ocupam um dos lugares mais honrosos da história da arte. Não apenas os manuscritos dedicados às ciências exatas, mas também os trabalhos sobre a teoria da arte estão inextricavelmente ligados aos desenhos, esboços, esboços e diagramas de Leonardo da Vinci. Muito espaço é dado aos problemas de claro-escuro, modelagem volumétrica, linear e perspectiva aérea. Leonardo da Vinci fez inúmeras descobertas, projetos e estudos experimentais em matemática, mecânica e outras ciências naturais.

A arte de Leonardo da Vinci, a sua investigação científica e teórica e a singularidade da sua personalidade passaram por toda a história da cultura e da ciência mundial e tiveram uma enorme influência.

Leonardo da Vinci define arte como “cosa mentale” - literalmente: “mente-coisa”, convencionalmente: “a essência da mente”. Para ele, através da pintura o pensamento ganha forma perfeita.

Auto-retrato

OK. 1515; 33x21cm; desenho sanguíneo
Biblioteca Real, Torino
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Durante a criação deste autorretrato
Leonardo da Vinci
já tinha mais de sessenta anos

O autor de La Gioconda pertence à segunda geração Artistas italianos Era renascentista. Do ponto de vista cronológico, é herdeiro de Masaccio (1401-1428) e tem a mesma idade de Botticelli (1445-1510), mas a sua obra vai além da arte do Quattrocento em vez de ser a sua continuação lógica.

Já as primeiras pinturas leonardo descobrir o alcance de seus interesses relacionados à representação da natureza. Este é, antes de tudo, um elemento formidável - ondas batendo nas rochas costeiras, vários fenômenos atmosféricos, um céu que muda rapidamente antes de uma tempestade e reflexos da luz solar depois dela...

O artista é muito impressionável: a natureza o encanta igualmente tanto em suas manifestações poderosas quanto nas mais insignificantes - em uma gota d'água ou em uma folha de grama. Para ele, a natureza é um fenômeno dinâmico, muda devido à constante evolução de todos os seres vivos. Portanto, a atração de Leonardo pelo naturalismo é causada pelo desejo de demonstrar forças e fenômenos óbvios e ocultos da natureza.

Leonardo da Vinci foi, talvez, o único de toda a brilhante coorte de grandes pintores Renascença italiana, que em sua obra prestou mais atenção à representação da natureza. A paisagem de Leonardo desempenhou o mesmo papel importante no espaço composicional que os personagens por ela cercados ou sombreados.

O famoso sfumato, característico do fundo de algumas das suas pinturas, simboliza as forças secretas da natureza - aquelas forças das quais depende a vida humana e de cuja existência o próprio homem, pelas suas imperfeições, nem sequer tem consciência. Essa ignorância é corporificada pelos personagens colocados por Leonardo contra um fundo “esfumaçado” - na maioria das vezes, eles são desprovidos de qualquer tipo de ilusões quanto ao seu destino, são submissos a ele e, portanto, podem se dar ao luxo de sorrisos irônicos...

Os contemporâneos de Leonardo consideravam inaceitável o estabelecimento de tal relação entre os personagens representados e a natureza. Por exemplo, nas pinturas de Botticelli, a natureza, sendo um elemento secundário em relação aos Personagens, praticamente não carrega carga funcional.

Desenho de embrião

1510-1513; 30x22 cm; desenho a caneta
Biblioteca Real, Windsor

A contribuição é verdadeiramente inestimável Leonardo da Vinci na ciência que estuda a estrutura do corpo humano - a anatomia. Além disso, ele se interessou pelas características do corpo não apenas na posição de cientista, mas também na posição de artista, esforçando-se para representar com a maior precisão possível uma pessoa em suas telas, sobre as quais ele mesmo escreveu mais de uma vez. :

„Para que um artista transmita a pose e os gestos de uma pessoa nua da forma mais confiável possível, ele deve estudar cuidadosamente a estrutura dos ossos e músculos. Só então ele terá certeza de que são esses e não outros músculos os responsáveis ​​por este ou aquele movimento ou esforço. E só estes ele irá enfatizar e tornar visíveis, em vez de mostrá-los todos juntos, em massa, como fazem aqueles que, afirmando-se grandes artistas, apresentam figuras nuas como duras - quase de madeira, e portanto feias. As formas feitas desta forma lembram mais sacos de nozes do que corpos humanos musculosos...”

Esta afirmação contém uma alusão à obra de Pollaiuolo (c. 1432-1498), com quem Leonardo manteve mais de uma vez discussões sobre a representação de corpos humanos e cujas esculturas chamou sarcasticamente de “sacos de nozes” ou “sacos de nabos”. .. Por outro lado, Leonardo apreciava muito deste ponto de vista os personagens das pinturas de Ghirlandaio (1449-1494), com seus movimentos refinados e formas corporais generalizadas, que lembram espirais harmoniosas.

Um talentoso mestre na representação do corpo humano Leonardo da Vinci Verrocchio também acreditou, embora o professor se considerasse derrotado pelo aluno - e esse reconhecimento o honra. Basta olhar para o “Batismo de Cristo” para apreciar a diferença entre a figura impecavelmente modelada de um anjo com cachos primorosamente encaracolados, pintada por Leonardo, e o resto dos personagens pertencentes ao pincel de Verrocchio.

Ambiguidade de sentimentos

Retrato de um músico

OK. 1484; 43x31cm;
Pinacoteca Ambrosiana, Milão
***
Leonardo toca música lindamente.
Ele até cria seu próprio instrumento -
alaúde para tocar
para Lodovico Sforza

Arte Leonardo da Vinci Stendhal apreciou muito, observando que “o estilo de Leonardo, sublime e melancólico, é marcado por um dom especial - expressividade excepcional”. Afinal, antes de Leonardo, os contornos dos objetos adquiriam importância decisiva, a linha reinava na pintura (especialmente em Florença) - é por isso que as obras dos antecessores e contemporâneos de Leonardo muitas vezes se assemelham a desenhos pintados.

A descoberta de Leonardo foi que "a luz e a sombra não deveriam ser nitidamente diferenciadas, pois seus limites são, na maioria dos casos, vagos". O mestre escreveu: “Se uma linha, assim como um ponto matemático, são coisas invisíveis, então os limites das coisas, sendo linhas, são invisíveis... Portanto, você, pintor, não limite as coisas...” Para Leonardo , contornos borrados e sfumato simbolizavam instabilidade “fluidez” mundo visível e o poder do tempo – esse “destruidor de coisas”, poderoso sobre tudo.

(Leonardo da Vinci) (1452–1519) - a maior figura, gênio multifacetado da Renascença, fundador da Alta Renascença. Conhecido como artista, cientista, engenheiro, inventor.

Leonardo da Vinci nasceu em 15 de abril de 1452 na cidade de Anchiano, perto da cidade de Vinci, localizada perto de Florença. Seu pai era Piero da Vinci, um notário que veio de família famosa cidade de Vinci. Segundo uma versão, a mãe era uma camponesa, segundo outra, dona de uma taberna conhecida como Katerina. Por volta dos 4,5 anos, Leonardo foi levado para a casa do pai e, nos documentos da época, é citado como filho ilegítimo de Piero. Em 1469 ingressou na oficina do famoso artista, escultor e joalheiro Andrea del Verrocchio ( 1435/36–1488). Aqui Leonardo passou por todo o seu aprendizado: desde esfregar tintas até trabalhar como aprendiz. Segundo histórias de contemporâneos, ele pintou a figura esquerda do anjo na pintura de Verrocchio Batismo(c. 1476, Galeria Uffizi, Florença), que imediatamente atraiu a atenção. A naturalidade do movimento, a suavidade das linhas, a suavidade do claro-escuro - distinguem a figura de um anjo da escrita mais rígida de Verrocchio. Leonardo viveu na casa do mestre mesmo depois de ter sido aceito na Guilda de São Lucas, uma guilda de pintores, em 1472.

Um dos poucos desenhos datados de Leonardo foi criado em agosto de 1473. Vista do Vale do Arno visto de cima, foi feito com caneta com traços rápidos, transmitindo vibrações de luz e ar, o que indica que o desenho foi feito de vida (Galeria Uffizi, Florença).

A primeira pintura atribuída a Leonardo, embora a sua autoria seja contestada por muitos especialistas, é Aviso(c. 1472, Galeria Uffizi, Florença). Infelizmente, o autor desconhecido fez correções posteriores, que deterioraram significativamente a qualidade do trabalho.

Retrato de Ginevra de Benci(1473–1474, National Gallery, Washington) é permeado por um clima melancólico. Parte da imagem abaixo está cortada: provavelmente, as mãos da modelo estavam retratadas ali. Os contornos da figura são suavizados com o efeito sfumato, criado antes mesmo de Leonardo, mas foi ele quem se tornou o gênio dessa técnica. Sfumato (italiano sfumato - nebuloso, esfumaçado) é uma técnica desenvolvida no Renascimento em pintura e grafismo, que permite transmitir a suavidade da modelagem, a indefinição dos contornos dos objetos e a sensação de um ambiente arejado.

Entre 1476 e 1478 Leonardo abre sua oficina. Este período remonta a Madonna com uma flor, assim chamado Madonna Benoit(c. 1478, Museu Estatal Hermitage, São Petersburgo). A sorridente Madonna dirige-se ao menino Jesus sentado no seu colo; os movimentos das figuras são naturais e flexíveis. Esta pintura mostra o interesse característico de Leonardo em mostrar o mundo interior.

Uma pintura inacabada também é uma obra inicial. Adoração dos Magos(1481–1482, Galeria Uffizi, Florença). O lugar central é ocupado pelo grupo da Madona com o Menino e dos Reis Magos colocado em primeiro plano.

Em 1482, Leonardo partiu para Milão, a cidade mais rica da época, sob o patrocínio de Ludovico Sforza (1452-1508), que mantinha um exército e gastava enormes quantias de dinheiro em festividades magníficas e na compra de obras de arte. Apresentando-se ao seu futuro patrono, Leonardo fala de si mesmo como músico, especialista militar, inventor de armas, carros de guerra, automóveis, e só então fala de si mesmo como artista. Leonardo viveu em Milão até 1498, e este período de sua vida foi o mais frutífero.

A primeira encomenda que Leonardo recebeu foi a de criar uma estátua equestre em homenagem a Francesco Sforza (1401–1466), pai de Lodovico Sforza. Trabalhando nele há 16 anos, Leonardo criou diversos desenhos, além de um modelo de argila de oito metros. Num esforço para superar todas as estátuas equestres existentes, Leonardo quis fazer uma escultura grandiosa, para mostrar um cavalo empinado. Mas diante de dificuldades técnicas, Leonardo mudou seu plano e decidiu retratar um cavalo andando. Em novembro de 1493, modelo Cavalo sem piloto foi exposto ao público, e foi esse evento que tornou Leonardo da Vinci famoso. Cerca de 90 toneladas de bronze foram necessárias para fundir a escultura. A recolha de metal iniciada foi interrompida e a estátua equestre nunca foi fundida. Em 1499, Milão foi capturada pelos franceses, que usaram a escultura como alvo. Depois de algum tempo, ele entrou em colapso. Cavalo- um projeto grandioso, mas nunca concluído - um dos obras significativas escultura monumental do século XVI. e, segundo Vasari, “aqueles que viram o enorme modelo de barro... afirmam que nunca viram uma obra mais bela e majestosa”, chamou o monumento de “um grande colosso”.

Na corte Sforza, Leonardo também trabalhou como artista decorativo em muitas festividades, criando decorações e mecanismos inéditos e confeccionando fantasias para figuras alegóricas.

Tela inacabada São Jerônimo(1481, Museu do Vaticano, Roma) mostra o santo em momento de penitência num giro elaborado com um leão a seus pés. A imagem foi pintada em preto e branco. Mas depois de envernizá-lo no século XIX. as cores ficaram verde-oliva e douradas.

Madonna das Rochas(1483–1484, Louvre, Paris) é uma famosa pintura de Leonardo, pintada em Milão. A imagem de Nossa Senhora, do menino Jesus, do pequeno João Batista e de um anjo numa paisagem é um novo motivo em Pintura italiana daquela vez. Na abertura da rocha avista-se a paisagem, que ganha um aspecto sublime recursos ideais, e que mostra as conquistas da perspectiva linear e aérea. Embora a caverna esteja mal iluminada, a imagem não é escura, rostos e figuras emergem suavemente das sombras. O melhor claro-escuro (sfumato) cria a impressão de luz difusa e fraca, modelando rostos e mãos. Leonardo conecta as figuras não apenas pelo clima geral, mas também pela unidade do espaço.

SENHORA COM ARMINHO. 1485–1490. Museu Czartoryski

Senhora com arminho(1484, Museu Czartoryski, Cracóvia) é uma das primeiras obras de Leonardo como pintor de retratos da corte. A pintura retrata Cecilia Gallerani, favorita de Lodovic, com o emblema da família Sforza, um arminho. O giro complexo da cabeça e a curvatura requintada da mão da senhora, a pose curva do animal - tudo fala da autoria de Leonardo. O fundo foi reescrito por outro artista.

Retrato de um músico(1484, Pinacoteca Ambrosiana, Milão). Só o rosto está acabado homem jovem, as partes restantes da imagem não são descritas. O tipo de rosto é próximo aos rostos dos anjos de Leonardo, só que executados com mais coragem.

Outro trabalho único foi criado por Leonardo em um dos salões do Palácio Sforza, que se chama Burro. Nas abóbadas e paredes deste salão pintou coroas de salgueiros, cujos ramos estão intrinsecamente entrelaçados e amarrados com cordas decorativas. Posteriormente, parte da camada de tinta caiu, mas uma parte significativa foi preservada e restaurada.

Em 1495 Leonardo começou a trabalhar em Última Ceia(área 4,5 × 8,6 m). O afresco está localizado na parede do refeitório do mosteiro dominicano de Santa Maria delle Grazie em Milão, a 3 m de altura do chão e ocupa toda a parede final da sala. Leonardo orientou a perspectiva do afresco para o espectador, entrando assim organicamente no interior do refeitório: a redução em perspectiva das paredes laterais representadas no afresco dá continuidade ao espaço real do refeitório. Treze pessoas estão sentadas em uma mesa paralela à parede. No centro está Jesus Cristo, à esquerda e à direita dele estão seus discípulos. É mostrado o momento dramático de exposição e condenação da traição, o momento em que Cristo acaba de pronunciar as palavras: “Um de vocês me trairá”, e as diferentes reações emocionais dos apóstolos a essas palavras. A composição baseia-se num cálculo matemático rigorosamente verificado: no centro está Cristo, representado contra o fundo da abertura central, maior da parede posterior, o ponto de fuga da perspectiva coincide com a sua cabeça. Os doze apóstolos estão divididos em quatro grupos de três figuras cada. Todo mundo é dado característica brilhante gestos e movimentos expressivos. A principal tarefa era mostrar Judas, separá-lo do resto dos apóstolos. Ao colocá-lo na mesma linha da mesa que todos os apóstolos, Leonardo o separou psicologicamente pela solidão. Criação última Ceia tornou-se um evento significativo em vida artística Itália naquela época. Como verdadeiro inovador e experimentador, Leonardo abandonou a técnica do afresco. Ele cobriu a parede com uma composição especial de resina e mástique e pintou com têmpera. Esses experimentos levaram a maior tragédia: o refeitório, que foi reparado às pressas por ordem de Sforza, as pitorescas inovações de Leonardo, a planície onde se situava o refeitório - tudo isto serviu a um triste propósito para a sua preservação última Ceia. As tintas começaram a descascar, como Vasari já mencionou em 1556. Segredo jantar Foi restaurado várias vezes nos séculos XVII e XVIII, mas as restaurações foram pouco qualificadas (as camadas de tinta foram simplesmente reaplicadas). Em meados do século XX, quando última Ceia entrou em um estado deplorável, eles começaram a restauração científica: primeiro toda a camada de tinta foi fixada, depois as camadas foram removidas, o pintura a têmpera Leonardo. E embora a obra tenha sido gravemente danificada, estas obras de restauro permitiram dizer que esta obra-prima renascentista foi salva. Trabalhando no afresco durante três anos, Leonardo criou a maior criação da Renascença.

Após a queda do poder de Sforza em 1499, Leonardo viaja para Florença, parando em Mântua e Veneza ao longo do caminho. Em Mântua ele cria papelão com Retrato de Isabella d'Este(1500, Louvre, Paris), feita com giz preto, carvão e pastel.

Na primavera de 1500, Leonardo chegou a Florença, onde logo recebeu a encomenda de pintar um retábulo no Mosteiro da Anunciação. O pedido nunca foi concluído, mas uma das opções é considerada a chamada. Papelão Burlington House(1499, Galeria Nacional, Londres).

Uma das encomendas significativas recebidas por Leonardo em 1502 para decorar a parede da sala de reuniões da Signoria em Florença foi Batalha de Anghiari(não preservado). Outra parede para decoração foi dada a Michelangelo Buonarroti (1475–1564), que ali pintou um quadro Batalha de Kashin. Os esboços de Leonardo, agora perdidos, mostravam um panorama da batalha, no centro da qual ocorreu uma luta pela bandeira. As caixas de Leonardo e Michelangelo, expostas em 1505, foram um enorme sucesso. Como é o caso Última Ceia, Leonardo fez experiências com tintas, e como resultado a camada de tinta se desintegrou gradualmente. Mas sobreviveram desenhos e cópias preparatórias, que dão em parte uma ideia da escala deste trabalho. Em particular, sobreviveu um desenho de Peter Paul Rubens (1577-1640), que mostra a cena central da composição (c. 1615, Louvre, Paris).
Pela primeira vez na história pintura de batalha Leonardo mostrou o drama e a fúria da batalha.

MONALISA. Louvre, Paris Monalisa- a maioria trabalho famoso Leonardo da Vinci (1503–1506, Louvre, Paris). Mona Lisa (abreviação de Madonna Lisa) foi a terceira esposa do comerciante florentino Francesco di Bartolomeo dele Giocondo. Agora a imagem mudou um pouco: originalmente as colunas eram desenhadas à esquerda e à direita, agora cortadas. A pintura de pequeno porte causa uma impressão monumental: a Mona Lisa é mostrada tendo como pano de fundo uma paisagem onde a profundidade do espaço e a neblina arejada são transmitidas com a maior perfeição. A famosa técnica sfumato de Leonardo é aqui levada a alturas sem precedentes: a mais fina, como se derretesse, a névoa de claro-escuro, envolvendo a figura, suaviza os contornos e as sombras. Há algo de indescritível, fascinante e atraente em um leve sorriso, na vivacidade da expressão facial, na calma majestosa da pose, na quietude das linhas suaves das mãos.

Em 1506, Leonardo recebeu um convite para ir a Milão de Luís XII de França (1462-1515). Tendo dado a Leonardo total liberdade de ação e pagando-lhe regularmente, os novos patronos não exigiram dele nenhum trabalho específico. Leonardo se interessa pela pesquisa científica, às vezes recorrendo à pintura. Então a segunda versão foi escrita Madonas das Rochas(1506–1508, Galeria Nacional Britânica, Londres).

MADONNA E CRIANÇA E ST. ANA. OK. 1510. Louvre, Paris

Santa Ana com Maria e o Menino Jesus(1500-1510, Louvre, Paris) é um dos temas da obra de Leonardo, ao qual abordou repetidamente. O último desenvolvimento deste tópico permaneceu inacabado.

Em 1513, Leonardo viaja para Roma, para o Vaticano, para a corte do Papa Leão X (1513-1521), mas logo perde o favor do papa. Ele estuda as plantas do jardim botânico, traça planos de drenagem dos pântanos pontinos e escreve notas para um tratado sobre a estrutura da voz humana. Neste momento ele criou o único Auto-retrato(1514, Bibliotheca Reale, Torino), executado de forma otimista, mostrando um velho de cabelos grisalhos, com longa barba e olhar.

A última pintura de Leonardo também foi pintada em Roma - São João Batista(1515, Louvre, Paris). São João é retratado mimado com um sorriso sedutor e gestos femininos.

Leonardo recebe novamente uma oferta do rei francês, desta vez de Francisco I (1494-1547), sucessor de Luís XII: mudar-se para a França, para uma propriedade perto do castelo real de Amboise. Em 1516 ou 1517, Leonardo chega à França, onde recebe apartamentos na propriedade Cloux. Cercado pela respeitosa admiração do rei, recebe o título de “Primeiro Artista, Engenheiro e Arquiteto do Rei”. Leonardo, apesar da idade e da doença, dedica-se ao desenho de canais no vale do rio Loire e participa na preparação das festividades da corte.

Leonardo da Vinci morreu em 2 de maio de 1519, deixando seus desenhos e papéis em testamento para Francesco Melzi, um estudante que os guardou por toda a vida. Mas depois de sua morte, todos os inúmeros papéis foram distribuídos por todo o mundo, alguns foram perdidos, alguns foram mantidos em cidades diferentes, em museus de todo o mundo.

Cientista por vocação, Leonardo ainda hoje surpreende pela amplitude e variedade de seus interesses científicos. Sua pesquisa na área de design de aeronaves é única. Ele estudou o vôo, o vôo dos pássaros, a estrutura de suas asas e criou os chamados. ornitóptero, uma máquina voadora com asas batendo, nunca realizado. Ele criou um pára-quedas piramidal, um modelo de hélice helicoidal (uma variante de uma hélice moderna). Observando a natureza, tornou-se um especialista na área de botânica: foi o primeiro a descrever as leis da filotaxia (leis que regem a disposição das folhas no caule), do heliotropismo e do geotropismo (leis da influência do sol e da gravidade nas plantas). ) e descobriu uma maneira de determinar a idade das árvores por meio de anéis anuais. Ele era um especialista na área de anatomia: foi o primeiro a descrever a válvula do ventrículo direito do coração, demonstrou anatomia, etc. Ele criou um sistema de desenhos que hoje ajuda os alunos a compreender a estrutura do corpo humano: ele mostrou o objeto em quatro vistas para examiná-lo de todos os lados, criou um sistema de imagens de órgãos e corpos em corte transversal. Suas pesquisas na área de geologia são interessantes: ele deu descrições de rochas sedimentares e explicações sobre depósitos marinhos nas montanhas da Itália. Como cientista óptico, ele sabia que as imagens visuais são projetadas de cabeça para baixo na córnea do olho. Ele foi provavelmente o primeiro a usar uma camera obscura (do latim camera - quarto, obscurus - escuro) - uma caixa fechada com um pequeno furo em uma das paredes - para esboçar paisagens; raios de luz são refletidos no vidro fosco do outro lado da caixa e criam uma imagem colorida invertida, usada pelos pintores paisagistas do século XVIII. para reprodução precisa de visualizações). Nos desenhos de Leonardo há o projeto de um instrumento para medir a intensidade da luz, um fotômetro, que ganhou vida apenas três séculos depois. Ele projetou canais, eclusas e represas. Entre suas ideias você pode ver: calçados leves para caminhar sobre a água, bóia salva-vidas, luvas com membranas para nadar, dispositivo para movimentação subaquática, semelhante a um traje espacial moderno, máquinas para fazer corda, retificadoras e muito mais. Conversando com o matemático Luca Pacioli, que escreveu o livro Sobre a Proporção Divina, Leonardo se interessou por esta ciência e criou ilustrações para este livro.

Leonardo também atuou como arquiteto, mas nenhum de seus projetos ganhou vida. Ele participou de um concurso para projetar a cúpula central da Catedral de Milão, criou um projeto para um mausoléu para membros da família real em estilo egípcio e um projeto que propôs ao sultão turco para a construção de uma enorme ponte sobre o Estreito de Bósforo, sob o qual os navios poderiam passar.

Esquerda um grande número de Os desenhos de Leonardo feitos com sangue, giz de cera, pastéis (Leonardo é creditado com a invenção dos pastéis), lápis de prata e giz.

Em Milão Leonardo começa a pintar Tratado de Pintura, trabalho que continuou ao longo de sua vida, mas nunca foi concluído. Neste livro de referência em vários volumes, Leonardo escreveu sobre como recriar o mundo ao seu redor na tela, sobre perspectiva linear e aérea, proporções, anatomia, geometria, mecânica, óptica, interação de cores e reflexos.

João Batista. 1513-16

Madonna Litta 1478-1482 Ermida, São Petersburgo, Rússia

Leda com um cisne 1508 - 1515 Galeria Ufizi, Florença, Itália

A vida e obra de Leonardo da Vinci deixaram uma marca colossal não só na arte, mas também na ciência e na tecnologia. Pintor, escultor, arquiteto - foi cientista natural, mecânico, engenheiro, matemático e fez muitas descobertas para as gerações subsequentes. Esta foi a maior personalidade do Renascimento.

"Homem Vitruviano"- o nome geralmente aceito para um desenho gráfico de da Vinci feito em 1492. como ilustração para anotações em um dos diários. O desenho retrata uma figura masculina nua. A rigor, trata-se mesmo de duas imagens da mesma figura sobrepostas uma à outra, mas em poses diferentes. Um círculo e um quadrado são descritos ao redor da figura. O manuscrito que contém este desenho às vezes também é chamado de “Cânon das Proporções” ou simplesmente “Proporções do Homem”. Agora esta obra está guardada num dos museus de Veneza, mas raramente é exposta, visto que esta exposição é verdadeiramente única e valiosa tanto como obra de arte como como objecto de investigação.

Leonardo criou o seu “Homem Vitruviano” como ilustração dos estudos geométricos que realizou com base no tratado do antigo arquitecto romano Vitrúvio (daí o nome da obra de da Vinci). No tratado do filósofo e pesquisador, as proporções do corpo humano foram tomadas como base para todas as proporções arquitetônicas. Da Vinci aplicou à pintura a pesquisa do antigo arquiteto romano, o que mais uma vez ilustra claramente o princípio da unidade entre arte e ciência apresentado por Leonardo. Além do mais, Este trabalho Também reflete a tentativa do mestre de relacionar o homem com a natureza. Sabe-se que da Vinci considerava o corpo humano como um reflexo do universo, ou seja, estava convencido de que funciona de acordo com as mesmas leis. O próprio autor considerou o Homem Vitruviano como uma “cosmografia do microcosmo”. Há também um profundo significado simbólico oculto neste desenho. O quadrado e o círculo em que o corpo está inscrito não refletem simplesmente características físicas e proporcionais. O quadrado pode ser interpretado como a existência material de uma pessoa, e o círculo representa sua base espiritual e os pontos de contato formas geométricas entre si e com o corpo, neles inseridos pode ser considerada como uma ligação entre esses dois fundamentos da existência humana. Durante muitos séculos, este desenho foi considerado um símbolo da simetria ideal do corpo humano e do universo como um todo.

Um dos primeiros trabalhos de Leonardo? figura de um anjo na pintura “Batismo” de Verrocchio (Florença, Uffizi)? destaca-se entre os personagens congelados pela sua espiritualidade sutil e atesta a maturidade de seu criador.

Entre as primeiras obras de Leonardo está a “Madona com uma Flor” (a chamada “Madona Benois”, por volta de 1478), mantida em l'Hermitage, que é decididamente diferente das numerosas Madonas do século XV. Recusando o gênero e o detalhe meticuloso inerente às criações dos mestres início da Renascença, Leonardo aprofunda as características, generaliza as formas. As figuras de uma jovem mãe e de um bebê, sutilmente modeladas pela luz lateral, preenchem quase todo o espaço do quadro. Os movimentos das figuras, organicamente interligadas, são naturais e plásticos. Eles se destacam claramente contra o fundo escuro da parede. O céu azul claro que se abre na janela conecta as figuras com a natureza, com o vasto mundo dominado pelo homem. Na construção equilibrada da composição, sente-se um padrão interno. Mas não exclui o encanto caloroso e ingênuo observado na vida (Apêndice 1).

Em 1480, Leonardo já tinha oficina própria e recebia encomendas. No entanto, sua paixão pela ciência muitas vezes o distraiu de seus estudos de arte. A grande composição do altar “Adoração dos Magos” (Florença, Uffizi) e “São Jerônimo” (Roma, Pinacoteca do Vaticano) permaneceu inacabada. Na primeira, o artista procurou transformar a complexa composição monumental da imagem do altar num conjunto em forma de pirâmide, facilmente visível, para transmitir a profundidade dos sentimentos humanos. No segundo? para uma representação verdadeira de ângulos complexos do corpo humano e do espaço paisagístico.

Não encontrando a devida apreciação do seu talento na corte de Lorenzo de' Medici, com o seu culto à sofisticação requintada, Leonardo entrou ao serviço do duque de Milão, Lodovico Moro. O período milanês do trabalho de Leonardo (1482-1499) revelou-se o mais frutífero. Aqui a versatilidade do seu talento como cientista, inventor e artista foi revelada com força total.

Ele começou sua carreira criando um monumento escultórico? estátua equestre do pai do duque Ludovico Moro, Francesco Sforza. A grande maquete do monumento, elogiada por unanimidade pelos contemporâneos, foi destruída durante a captura de Milão pelos franceses em 1499. Apenas os desenhos foram preservados? esboços várias opções um monumento, a imagem de um cavalo empinado, cheio de dinâmica, ou de um cavalo com atuação solene, que lembra as soluções composicionais de Donatello e Verrocchio. Aparentemente, esta última opção foi transformada em modelo da estátua. Era significativamente maior em tamanho do que os monumentos de Gattamelata e Colleoni, o que levou os contemporâneos e o próprio Leonardo a chamar o monumento de “o grande colosso”. Este trabalho nos permite considerar Leonardo um dos maiores escultores daquela vez.

Nem um único projeto arquitetônico concluído de Leonardo chegou até nós. E ainda assim seus desenhos e projetos de edifícios, planos de criação cidade ideal eles falam sobre seu dom como arquiteto notável.

PARA Período milanês incluir pinturas estilo maduro? "Madona na Gruta" e "A Última Ceia". “Madona na Gruta” (1483–1494, Paris, Louvre)? a primeira composição monumental de altar da Alta Renascença. Seus personagens Maria, João, Cristo e o anjo adquiriram traços de grandeza, espiritualidade poética e plenitude de expressividade de vida. Unidos por um clima de consideração e ação? querido Cristo abençoa João? em um grupo piramidal harmonioso, como se estivessem cercados por uma leve névoa de claro-escuro, os personagens da lenda gospel parecem ser a personificação imagens ideais felicidade pacífica.

A mais significativa das pinturas monumentais de Leonardo transporta você para um mundo de paixões reais e sentimentos dramáticos? “A Última Ceia”, apresentada em 1495-1497 para o mosteiro de Santa Maria della Grazie em Milão. Partindo da interpretação tradicional do episódio evangélico, Leonardo dá uma solução inovadora ao tema, uma composição que revela profundamente os sentimentos e experiências humanas. Tendo minimizado o contorno do mobiliário do refeitório, reduzindo deliberadamente o tamanho da mesa e empurrando-a para o primeiro plano, centra a atenção no clímax dramático do acontecimento, nas características contrastantes de pessoas de diferentes temperamentos, na manifestação de uma gama complexa de sentimentos, expressos em expressões faciais e gestos com os quais os apóstolos respondem às palavras de Cristo: “Um de vocês me trairá”. Um contraste decisivo com os apóstolos é dado pelas imagens de um Cristo aparentemente calmo, mas tristemente pensativo, localizado no centro da composição, e do traidor Judas, encostado na beirada da mesa, cujo perfil áspero e predatório está imerso em sombra. A confusão, sublinhada pelo gesto da mão que agarra freneticamente a carteira, e o seu aspecto sombrio distinguem-no dos outros apóstolos, em cujos rostos iluminados se lê uma expressão de surpresa, compaixão e indignação. Leonardo não separa a figura de Judas dos outros apóstolos, como fizeram os primeiros mestres da Renascença. E, no entanto, a aparência repulsiva de Judas revela a ideia de traição de forma mais nítida e profunda. Todos os doze discípulos de Cristo estão localizados em grupos de três, de cada lado do professor. Alguns deles saltam de seus assentos entusiasmados, voltando-se para Cristo. O artista subordina os diversos movimentos internos dos apóstolos a uma ordem estrita. A composição do afresco surpreende pela sua unidade, integridade, é estritamente equilibrado, centrado na construção. A monumentalização das imagens e a escala da pintura contribuem para a impressão do profundo significado da imagem, subordinando todo o grande espaço do refeitório. Leonardo resolve brilhantemente o problema da síntese da pintura e da arquitetura. Ao colocar a mesa paralela à parede que o afresco adorna, ele afirma o seu plano. A redução perspectiva das paredes laterais representadas no afresco parece dar continuidade ao espaço real do refeitório.

O afresco está muito danificado. Os experimentos de Leonardo usando novos materiais não resistiram ao teste do tempo; gravações e restaurações posteriores quase esconderam o original, que foi apagado apenas em 1954. Mas as gravuras e desenhos preparatórios sobreviventes permitem preencher todos os detalhes da composição (Anexo 3).

Depois que Milão foi capturada pelas tropas francesas, Leonardo deixou a cidade. Anos de peregrinação começaram. Encomendado pela República Florentina, fez papelão para o afresco “Batalha de Anghiari”, que decoraria uma das paredes da Câmara do Conselho em Palácio Velho(edifício da prefeitura). Ao criar este cartão, Leonardo concorreu com o jovem Michelangelo, que executava a encomenda do afresco “A Batalha de Cascina” para outra parede do mesmo salão. No entanto, estes cartões, que receberam reconhecimento universal dos seus contemporâneos, não sobreviveram até hoje. Somente cópias e gravuras antigas permitem julgar a inovação dos gênios da Alta Renascença no campo da pintura de batalha.

Na composição de Leonardo, cheia de drama e dinâmica, é dado o episódio da batalha pela bandeira, o momento de maior tensão das forças dos combatentes, é revelada a verdade cruel da guerra. Data desta época a criação de um retrato de Mona Lisa (“La Gioconda”, cerca de 1504, Paris, Louvre), uma das obras mais famosas da pintura mundial. A profundidade e o significado da imagem criada são extraordinários, na qual características individuais são combinadas com grande generalização. A inovação de Leonardo também ficou evidente no desenvolvimento do retrato renascentista (Apêndice 2).

Plasticamente detalhada, de silhueta fechada, a figura majestosa de uma jovem domina uma paisagem distante envolta em uma névoa azulada com rochas e canais de água serpenteando entre elas. A paisagem complexa e semi-fantástica harmoniza-se sutilmente com o caráter e a inteligência da pessoa retratada. Parece que a variabilidade instável da própria vida se faz sentir na expressão do seu rosto, animado por um sorriso subtil, no seu olhar calmo, confiante e penetrante. O rosto e as mãos elegantes do patrício são pintados com incrível cuidado e delicadeza. A névoa mais fina, como que derretendo, de claro-escuro (o chamado sfumato), envolvendo a figura, suaviza os contornos e as sombras; Não há um único traço nítido ou contorno angular na imagem.

Sua arte, pesquisa científica e teórica e sua própria personalidade tiveram um impacto tremendo no desenvolvimento da cultura mundial. Seus manuscritos contêm inúmeras notas e desenhos que testemunham a universalidade do gênio de Leonardo. Há flores e árvores cuidadosamente desenhadas, esboços de ferramentas, máquinas e aparelhos desconhecidos. Junto com imagens analiticamente precisas, há desenhos que se distinguem por seu alcance extraordinário, épico ou lirismo sutil. Admirador apaixonado do conhecimento experimental, Leonardo primava pela sua compreensão crítica e pela busca de leis generalizantes. "Experiência? esta é a única fonte de conhecimento”? o artista falou. “O Livro da Pintura” revela a sua visão como teórico da arte realista, para quem a pintura é ao mesmo tempo “ciência e filha legítima da natureza”. O tratado contém afirmações de Leonardo sobre anatomia, perspectiva, ele busca padrões na construção de harmônicos figura humana, escreve sobre a interação das cores, sobre reflexos. Entre os seguidores e alunos de Leonardo, porém, não houve um único que se aproximasse do professor em termos de talento; privados de uma visão independente da arte, assimilaram apenas externamente seu estilo artístico.