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Arte renascentista na Itália (séculos XIII-XVI).

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Características da arte renascentista na Itália.

A arte do Renascimento surgiu com base no humanismo (do latim humanus - “humano”) - um movimento de pensamento social que se originou no século XIV. na Itália e depois durante a segunda metade dos séculos XV e XVI. espalhou-se por outros países europeus. O humanismo proclamou o homem e o seu bem como o valor mais elevado. Os seguidores desse movimento acreditavam que toda pessoa tem o direito de se desenvolver livremente como indivíduo, realizando suas capacidades. As ideias do humanismo são incorporadas de forma mais completa e vívida na arte, tema principal que se tornou uma pessoa maravilhosa, harmoniosamente desenvolvida, com possibilidades espirituais e criativas ilimitadas. Os humanistas inspiraram-se na antiguidade, que lhes serviu de fonte de conhecimento e modelo de criatividade artística. O grande passado da Itália, lembrando-se constantemente, foi percebido na época perfeição suprema, enquanto a arte da Idade Média parecia inepta e bárbara. O termo "renascimento", que surgiu no século XVI, significou o nascimento de uma nova arte que reviveu a cultura clássica antiga. Contudo, a arte do Renascimento deve muito à tradição artística da Idade Média. O velho e o novo estavam em ligação e confronto indissolúveis. Com toda a diversidade contraditória das suas origens, a arte do Renascimento é marcada por uma novidade profunda e fundamental. Lançou as bases da cultura europeia da Nova Era. Todos os principais tipos de arte – pintura e gráficos, escultura, arquitetura – mudaram enormemente.
Na arquitetura, foram estabelecidos princípios da arquitetura antiga reformulados de forma criativa. sistema de pedidos , surgiram novos tipos de edifícios públicos. A pintura foi enriquecida pela perspectiva linear e aérea, pelo conhecimento da anatomia e proporções do corpo humano. O conteúdo terreno penetrou nos temas religiosos tradicionais das obras de arte. O interesse pela mitologia antiga, história, cenas cotidianas, paisagens e retratos aumentou. Juntamente com as monumentais pinturas murais que decoravam estruturas arquitetônicas, apareceu uma foto; Surgiu a pintura a óleo.
A arte ainda não deixou de ser um ofício, mas a individualidade criativa do artista, cuja atividade naquela época era muito diversificada, já se destacou. O talento universal dos mestres do Renascimento é surpreendente - muitas vezes trabalharam simultaneamente nas áreas da arquitetura, escultura e pintura, combinando a sua paixão pela literatura, poesia e filosofia com o estudo das ciências exatas. O conceito de uma personalidade criativamente rica ou “renascentista” posteriormente tornou-se uma palavra familiar.
Na arte do Renascimento, os caminhos da compreensão científica e artística do mundo e do homem estavam intimamente interligados. Seu significado cognitivo estava inextricavelmente ligado à sublime beleza poética; em seu desejo de naturalidade, não se rebaixava à mesquinha vida cotidiana. A arte tornou-se uma necessidade espiritual universal.
A formação da cultura renascentista na Itália ocorreu em cidades economicamente independentes. Na ascensão e florescimento da arte renascentista, um grande papel foi desempenhado pela Igreja e pelas magníficas cortes dos soberanos sem coroa - as famílias ricas governantes que eram os maiores patrocinadores e clientes de obras de pintura, escultura e arquitetura. Os principais centros da cultura renascentista foram primeiro as cidades de Florença, Siena, Pisa, depois Pádua, Ferrara, Génova, Milão e, mais tarde, na segunda metade do século XV, a rica Veneza mercantil. No século 16 Roma tornou-se a capital do Renascimento italiano. A partir dessa época, todos os outros centros culturais, exceto Veneza, perderam a importância anterior.
Na época do Renascimento italiano, costuma-se distinguir vários períodos:

Proto-Renascimento (segunda metade dos séculos XIII-XIV),

Início da Renascença (século XV),

Alta Renascença (final do século XV - primeiro terço do século XVI)

Renascença tardia (últimos dois terços do século XVI).

Proto-Renascença

Na cultura italiana dos séculos XIII-XIV. Tendo como pano de fundo as ainda fortes tradições bizantinas e góticas, começaram a surgir características de uma nova arte, que mais tarde seria chamada de arte do Renascimento. Portanto, este período de sua história foi denominado Proto-Renascença(do grego “protos” - “primeiro”, ou seja, preparou a ofensiva do Renascimento). Não houve período de transição semelhante em nenhum dos países europeus. Na própria Itália, a arte proto-renascentista surgiu e se desenvolveu apenas na Toscana e em Roma.
A cultura italiana entrelaçou características do antigo e do novo. O último poeta da Idade Média e primeiro poeta da nova era, Dante Alighieri (1265-1321), criou a língua literária italiana. O que Dante começou foi continuado por outros grandes florentinos do século XIV - Francesco Petrarca (1304-1374), o fundador da Europa Poesia lírica e Giovanni Boccaccio (1313-1375), o fundador do gênero novela (conto) na literatura mundial. O orgulho da época são os arquitetos e escultores Niccolo e Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio e o pintor Giotto di Bondone .
Arquitetura
A arquitetura italiana seguiu durante muito tempo as tradições medievais, que se expressaram principalmente no uso grande quantidade Motivos góticos. Ao mesmo tempo, o próprio gótico italiano era muito diferente da arquitetura gótica do norte da Europa: gravitava em torno da calma formas grandes, divisões horizontais leves e uniformes, superfícies de parede largas. Em 1296, a construção começou em Florença Catedral de Santa Maria del Fiore. Arnolfo di Cambio queria coroar o altar da catedral com uma enorme cúpula. No entanto, após a morte do arquitecto em 1310, a construção foi adiada, tendo sido concluída já durante o início do Renascimento. Em 1334, de acordo com o projeto de Giotto, iniciou-se a construção da torre sineira da catedral, o chamado campanário - uma esbelta torre retangular com divisões horizontais andar por andar e graciosas janelas góticas, cuja forma de arco pontiagudo permaneceu na arquitetura italiana por muito tempo.
Entre os palácios mais famosos da cidade está o Palazzo Vecchio (Palazzo della Signoria) em Florença. Acredita-se que tenha sido construído por Arnolfo di Cambio. É um cubo pesado com torre alta, forrado com pedra dura rusticada. A fachada de três andares é decorada com janelas emparelhadas em arcos semicirculares, o que dá a todo o edifício uma impressão de severidade contida. O edifício define a aparência do centro antigo da cidade, invadindo a praça com seu volume severo.
Escultura
Mais cedo do que na arquitetura e na pintura, as buscas artísticas surgiram na escultura e, sobretudo, na escola pisana, cujo fundador foi Niccolò Pisano (por volta de 1220 - entre 1278 e 1284). Niccolò Pisano nasceu na Apúlia, sul da Itália. Acredita-se que ele estudou escultura nas escolas do sul, onde floresceu o espírito de renascimento das tradições clássicas da antiguidade. Sem dúvida, Niccolò estudou o desenho escultórico dos sarcófagos romanos tardios e dos primeiros cristãos. A primeira obra conhecida do escultor é um hexagonal púlpito de mármore, feita por ele para o batistério de Pisa (1260), tornou-se uma obra notável da escultura renascentista e teve uma enorme influência no seu desenvolvimento. A principal conquista do escultor é ter conseguido dar volume e expressividade às formas, e cada imagem tem força corporal.
Da oficina de Niccolò Pisano vieram notáveis ​​​​mestres da escultura proto-renascentista - seu filho Giovanni Pisano e Arnolfo di Cambio, também conhecido como arquiteto. Arnolfo di Cambio (cerca de 1245 - depois de 1310) gravitou em torno da escultura monumental, na qual utilizou as suas observações de vida. Uma das melhores obras que realizou junto com pai e filho Pisano é fonte na Piazza Perugia(1278). A Fonte Maggiore, decorada com inúmeras estátuas e relevos, tornou-se o orgulho da cidade. Era proibido dar água aos animais, levar água para barris de vinho ou para pratos sujos. O museu da cidade preserva fragmentos de figuras reclinadas feitas por Arnolfo di Cambio para a fonte. Nessas figuras, o escultor conseguiu transmitir toda a riqueza dos movimentos do corpo humano.
Pintura
Na arte do Renascimento italiano, a pintura mural ocupou um lugar dominante. Foi feito na técnica do afresco. Com tintas preparadas em água, pintavam sobre gesso úmido (o próprio afresco) ou sobre gesso seco - técnica chamada “a secco” (traduzido do italiano como “em seco”). O principal aglutinante do gesso é a cal. Porque Demorou um pouco para a cal secar; a pintura a fresco teve que ser feita rapidamente, muitas vezes em partes, entre as quais restavam costuras de ligação. Da segunda metade do século XV. a técnica do afresco passou a ser complementada com pintura secco; este último permitiu um trabalho mais lento e permitiu o acabamento das peças. O trabalho nas pinturas foi precedido pela produção de sinopias - desenhos auxiliares aplicados sob o afresco na primeira camada de gesso. Esses desenhos foram feitos em ocre vermelho, extraído do barro próximo à cidade de Sinop, localizada na costa do Mar Negro. A partir do nome da cidade, a pintura passou a se chamar Sinope, ou sinopia, e posteriormente os próprios desenhos passaram a ter o mesmo nome. Sinopias foram usadas em Pintura italiana do século XIII a meados do século XV. No entanto, nem todos os pintores recorreram à sinopia - por exemplo, Giotto di Bondone, o representante mais proeminente da era proto-renascentista, passou sem eles. Gradualmente, a sinopia foi abandonada. De meados do século XV. Os cartões - desenhos preparatórios feitos em papel ou tecido no tamanho de obras futuras - se difundiram na pintura. Os contornos do desenho foram transferidos para gesso úmido com pó de carvão. Foi soprado através de buracos perfurados no contorno e pressionado no gesso com algum instrumento pontiagudo. Às vezes, as sinopias de um esboço transformavam-se em um desenho monumental acabado, e os cartões adquiriam o significado de obras de pintura independentes.

Cimabue (na verdade Cenni di Pepo, c. 1240 - c. 1302) é considerado o fundador do novo estilo italiano de pintura. Cimabue era famoso em Florença como um mestre em pinturas e ícones solenes de altares. Suas imagens são caracterizadas pela abstração e pela estática. E embora Cimabue seguisse as tradições bizantinas em seu trabalho, em suas obras ele tentou expressar sentimentos terrenos e suavizar a rigidez do cânone bizantino.
Piero Cavallini (entre 1240 e 1250 – por volta de 1330) viveu e trabalhou em Roma. É o autor dos mosaicos da igreja de Santa Maria in Trastevere (1291), bem como dos afrescos da igreja de Santa Cecília em Trastevere (cerca de 1293). Em suas obras, Cavallini deu volume e tangibilidade às formas.
As conquistas de Cavallini foram adotadas e continuadas Giotto di Bondone(1266 ou 1267 - 1337), o maior artista do Proto-Renascimento. O nome de Giotto está associado a uma viragem no desenvolvimento da pintura italiana, à sua ruptura com os cânones artísticos medievais e as tradições da arte ítalo-bizantina do século XIII. As obras mais famosas de Giotto são as pinturas da Capela Arena de Pádua (1304-06). Os afrescos se distinguem pela clareza, pela narrativa descomplicada e pela presença de detalhes do cotidiano que conferem vitalidade e naturalidade às cenas retratadas. Rejeitando o cânone da igreja que dominava a arte da época, Giotto retrata seus personagens como semelhantes a pessoas reais: com corpos atarracados e proporcionais, rostos redondos (em vez de alongados), olhos regulares, etc. Seus santos não pairam acima do solo, mas permanecem firmes nele com os dois pés. Eles pensam mais nas coisas terrenas do que nas celestiais, experimentando sentimentos e emoções completamente humanos. Pela primeira vez na história da pintura italiana, o estado de espírito dos heróis de uma pintura é transmitido por expressões faciais, gestos e postura. Em vez do tradicional fundo dourado, os afrescos de Giotto retratam uma paisagem, interior ou grupos escultóricos Manjericão nas fachadas.
Na segunda metade do século XIV. A escola pictórica de Siena vem em primeiro lugar. O maior e mais refinado mestre da pintura de Siena do século XIV. foi Simone Martini (c. 1284-1344). O pincel de Simone Martini é o primeiro na história da arte a retratar uma evento histórico com um retrato de um contemporâneo. Esta imagem " Condomínio Guidoriccio da Fogliano"no Salão do Mappamondo (Mapa do Mundo) no Palazzo Publico (Siena), que se tornou o protótipo para numerosos futuros retratos equestres. O retábulo “A Anunciação” de Simone Martini, hoje conservado na Galeria Uffizi de Florença, goza de merecida fama.

Características do Renascimento. Proto-Renascença

Características do Renascimento

Início da Renascença

No século 15 A arte italiana assumiu uma posição dominante na vida artística da Europa. As bases da cultura humanística secular (isto é, não eclesiástica) foram lançadas em Florença, o que empurrou Siena e Pisa para segundo plano. O poder político aqui pertencia a mercadores e artesãos: várias famílias ricas, competindo constantemente entre si, tinham a influência mais forte nos assuntos da cidade. Esta luta terminou no final do século XIV. vitória da casa bancária Medici. Seu chefe, Cosimo de' Medici, tornou-se o governante não oficial de Florença. Escritores, poetas, cientistas, arquitetos e artistas reuniram-se na corte de Cosimo de' Medici. A cultura renascentista de Florença atingiu seu auge sob Lorenzo de' Medici, apelidado de Magnífico. Lorenzo foi um grande patrono das artes e das ciências, o criador da Academia de Platão, onde se reuniam as mentes destacadas da Itália, poetas e filósofos, onde se realizavam debates refinados, elevando o espírito e a mente.

Arquitetura

Sob Cosimo e Lorenzo de' Medici, ocorreu uma verdadeira revolução na arquitetura de Florença: aqui ocorreram extensas construções, mudando significativamente a aparência da cidade. O fundador da arquitetura renascentista na Itália foi Filippo Brunelleschi(1377-1446) - arquiteto, escultor e cientista, um dos criadores da teoria científica da perspectiva. A maior conquista da engenharia de Brunelleschi foi a construção da cúpula Catedral de Santa Maria del Fiore em Florença. Graças ao seu gênio matemático e técnico, Brunelleschi conseguiu resolver o problema mais difícil de sua época. Dificuldade principal, que ficava à frente do mestre, foi causado pelo gigantesco vão do vão da cruz central (42 m), que exigiu esforços especiais para facilitar a expansão. Brunelleschi resolveu o problema usando um design engenhoso: uma cúpula leve e oca composta por duas conchas, um sistema de estrutura de oito nervuras de suporte conectadas por anéis envolventes, uma clarabóia que fecha e carrega a abóbada. A cúpula da Catedral de Santa Maria del Fiore tornou-se a antecessora de inúmeras igrejas com cúpula na Itália e em outros países europeus.

Brunelleschi foi um dos primeiros na arquitetura italiana a compreender criativamente e interpretar originalmente o antigo sistema de ordem ( Hospital degli Innocenti (abrigo para enjeitados), 1421-44), lançou as bases para a criação de igrejas abobadadas baseadas na ordem antiga ( Igreja de São Lourenço ). Uma verdadeira pérola do início da Renascença foi criada por Brunelleschi a pedido de uma rica família florentina. Capela Pazzi(iniciado em 1429). O humanismo e a poesia da criatividade de Brunelleschi, a proporcionalidade harmoniosa, a leveza e a graça dos seus edifícios, que mantêm ligações com as tradições góticas, a liberdade criativa e a validade científica dos seus planos determinaram a grande influência de Brunelleschi no desenvolvimento subsequente da arquitetura renascentista.

Uma das principais conquistas da arquitetura italiana do século XV. foi a criação de um novo tipo de palácios-palácios urbanos, que serviram de modelo para edifícios públicos de épocas posteriores. Características do palácio do século XV são uma divisão clara do volume fechado do edifício em três andares, abertos pátio com arcadas de piso de verão, utilização de rusticação (pedra com superfície frontal aproximadamente arredondada ou convexa) para o revestimento da fachada, bem como cornija decorativa fortemente alongada. Um exemplo marcante desse estilo é a construção capital do aluno de Brunelleschi, Michelozzo di Bartolommeo (1396-1472), arquiteto da corte da família Medici, - Palácio Médici - Riccardi (1444-60), que serviu de modelo para a construção de muitos palácios florentinos. Perto da criação de Michelozzo Palácio Strozzi(fundada em 1481), à qual está associada o nome do arquitecto e escultor Benedetto da Maiano (1442-97).

Um lugar especial na história da arquitetura italiana é ocupado Leon Battista Alberti(1404-72). Homem extremamente talentoso e amplamente educado, ele foi um dos humanistas mais brilhantes de seu tempo. Sua gama de interesses era extraordinariamente diversificada. Ele cobriu moralidade e direito, matemática, mecânica, economia, filosofia, poesia, música, pintura, escultura e arquitetura. Estilista brilhante, Alberti deixou inúmeras obras em latim e italiano. Na Itália e no exterior, Alberti ganhou fama como um notável teórico da arte. Os famosos tratados “Dez Livros de Arquitetura” (1449-52), “Sobre a Pintura”, “Sobre a Estátua” (1435-36) pertencem à sua pena. Mas a principal vocação de Alberti era a arquitetura. Em seu trabalho arquitetônico, Alberti gravitou em torno de soluções experimentais e arrojadas, utilizando de forma inovadora o patrimônio artístico milenar. Alberti criou novo tipo palácio da cidade ( Palácio Rucellai ). Na arquitetura religiosa, primando pela grandeza e simplicidade, Alberti utilizou motivos de arcos e arcadas triunfais romanas no desenho das fachadas ( Igreja de Sant'Andrea em Mântua, 1472-94). O nome Alberti é considerado um dos primeiros entre os grandes criadores culturais do Renascimento italiano.

Escultura

No século 15 A escultura italiana, que adquiriu um significado independente da arquitetura, está florescendo. A prática da vida artística passa a incluir encomendas de decoração de edifícios públicos; competições de arte são realizadas. Um destes concursos - para a confecção do bronze da segunda porta norte do Batistério Florentino (1401) - é considerado um acontecimento significativo que abriu uma nova página na história da escultura renascentista italiana. A vitória foi conquistada por Lorenzo Ghiberti (1381-1455).

Uma das pessoas mais cultas de seu tempo, o primeiro historiador da arte italiana, um brilhante desenhista, Ghiberti dedicou sua vida a um tipo de escultura - o relevo. Ghiberti considerava o equilíbrio e a harmonia de todos os elementos da imagem o princípio fundamental de sua arte. O auge da criatividade de Ghiberti foi portas orientais do Batistério Florentino (1425-52), imortalizando o nome do mestre. A decoração das portas inclui dez composições quadradas em bronze dourado (“ Criação de Adão e Eva"), com sua extraordinária expressividade que lembra pinturas. O artista conseguiu transmitir a profundidade do espaço, saturado de imagens da natureza, figuras humanas e estruturas arquitetônicas. Com a mão leve de Michelangelo, as portas orientais do Batistério Florentino passaram a ser chamadas "Os Portões do Céu"

A oficina de Ghiberti tornou-se escola para toda uma geração de artistas, em particular, ali trabalhou o famoso Donatello, o grande reformador da escultura italiana. A obra de Donatello (c. 1386-1466), que absorveu as tradições democráticas da cultura de Florença no século XIV, representa um dos ápices do desenvolvimento da arte do início do Renascimento. Ele incorporou a busca por meios novos e realistas de representar a realidade, característicos da arte renascentista, e uma atenção especial ao homem e ao seu mundo espiritual. A influência do trabalho de Donatello no desenvolvimento da arte renascentista italiana foi enorme.

A segunda geração de escultores florentinos gravitou em torno de uma arte mais lírica, pacífica e secular. O papel principal pertencia à família de escultores della Robbia. O chefe da família, Lucca della Robbia (1399/1400 - 1482), tornou-se famoso pelo uso de técnicas de esmalte em esculturas circulares e relevos. A técnica do esmalte (majólica), conhecida desde a antiguidade pelos povos da Ásia Ocidental, foi trazida para a Península Ibérica e para a ilha de Maiorca (de onde veio o seu nome) na Idade Média, e depois amplamente difundida na Itália. Lucca della Robbia criou medalhões com relevos sobre fundo azul profundo para edifícios e altares, guirlandas de flores e frutas, bustos em majólica de Nossa Senhora, Cristo e santos. A arte alegre, elegante e gentil deste mestre recebeu o merecido reconhecimento de seus contemporâneos. Seu sobrinho Andrea della Robbia (1435-1525) também alcançou grande perfeição na técnica da majólica ( relevos na fachada do Ospedale degli Innocenti).

Pintura

O enorme papel que Brunelleschi desempenhou na arquitetura do início da Renascença, e Donatello na escultura, pertenceu a Masaccio (1401-1428) na pintura. Masaccio morreu jovem, antes dos 27 anos, mas ainda assim conseguiu realizar muito na pintura. Historiador famoso art Whipper disse: “Masaccio é um dos gênios mais independentes e consistentes da história da pintura europeia, o fundador do novo realismo...” Continuando a busca por Giotto, Masaccio rompe corajosamente com as tradições artísticas medievais. Em afresco "Trindade"(1426-27), criado para a igreja de Santa Maria Novella em Florença, Masaccio utilizou pela primeira vez a perspectiva total na pintura mural. Nas pinturas da Capela Brancacci da Igreja de Santa Maria del Carmine em Florença (1425-28) - a principal criação de sua curta vida - Masaccio confere às imagens uma persuasão realista sem precedentes, enfatiza a fisicalidade e a monumentalidade de seus personagens, transmite com maestria o estado emocional e a profundidade psicológica das imagens. Em afresco "Expulsão do Paraíso" o artista resolve a tarefa mais difícil para sua época de retratar uma figura humana nua. A arte severa e corajosa de Masaccio teve um enorme impacto na cultura artística do Renascimento.

O desenvolvimento da pintura do início da Renascença foi ambíguo: os artistas seguiram caminhos próprios, por vezes diferentes. O princípio secular, o desejo de uma narrativa fascinante e um sentimento lírico terreno encontraram expressão vívida nas obras de Fra Filippo Lippi (1406-69), um monge da Ordem Carmelita. Um mestre encantador, autor de muitas composições de altar, entre as quais a pintura é considerada a melhor « Adoração da Criança » , criado para a capela em Palácio Médici - Riccardi, Filippo Lippi conseguiu transmitir neles o calor humano e o amor poético pela natureza.

Em meados do século XV. a pintura na Itália Central experimentou um rápido florescimento, um exemplo notável disso é a criatividade Piero della Francesca(1420-92), o maior artista e teórico da arte da Renascença. A criação mais maravilhosa de Piero della Francesca - ciclo de afrescos na Igreja de San Francesco em Arezzo, que são baseados na lenda da Árvore da Cruz que dá vida. Os afrescos, dispostos em três níveis, traçam a história cruz que dá vida desde o início, quando da semente da árvore do paraíso do conhecimento do bem e do mal uma árvore sagrada cresce no túmulo de Adão ("Morte de Adão") e até o fim, quando o imperador bizantino Heráclio devolve solenemente a relíquia cristã a Jerusalém (« Batalha entre Heráclio e Cosroes » ). A obra de Piero della Francesca ultrapassou as escolas de pintura locais e determinou o desenvolvimento da arte italiana como um todo.

Na segunda metade do século XV, muitos artesãos talentosos trabalharam no norte da Itália, nas cidades de Verona, Ferrara e Veneza. Entre os pintores desta época, o mais famoso é Andrea Mantegna (1431-1506), mestre do cavalete e da pintura monumental, desenhista e gravador, escultor e arquiteto. O estilo pictórico do artista distingue-se pela busca de formas e desenhos, pelo rigor e veracidade das imagens generalizadas. Graças à profundidade espacial e à natureza escultural das figuras, Mantegna consegue a impressão de uma cena real congelada por um momento - seus personagens parecem tão tridimensionais e naturais. Mantegna viveu a maior parte de sua vida em Mântua, onde criou sua obra mais famosa - Pintura "Camera degli Sposi" no castelo campestre do Marquês L. Gonzaga. Utilizando apenas os meios da pintura, ele criou aqui um luxuoso interior renascentista, local para recepções cerimoniais e feriados. A arte de Mantegna, extremamente famosa, influenciou toda a pintura do norte da Itália.

Um lugar especial na pintura do início da Renascença pertence a Sandro Botticelli(na verdade Alessandro di Mariano Filipepi), que nasceu em 1445 em Florença na família de um rico curtidor de couro. Em 1459-64. o jovem estuda pintura com o famoso mestre florentino Filippo Lippi. Em 1470 abriu sua própria oficina em Florença e em 1472 tornou-se membro da Guilda de São Lucas.

A primeira criação de Botticelli foi a composição "Força", que completou para a corte comercial de Florença. O jovem artista rapidamente conquistou a confiança dos clientes e ganhou fama, o que atraiu a atenção de Lorenzo, o Magnífico, o novo governante de Florença, e se tornou seu mestre da corte e favorito. Botticelli completou a maioria de suas pinturas para as casas do duque e de outras famílias nobres florentinas, bem como para igrejas, mosteiros e edifícios públicos de Florença.

Segunda metade das décadas de 1470 e 1480. tornou-se um período de florescimento criativo para Botticelli. Para a fachada principal da Igreja de Santa Maria Novella escreve a composição “ Adoração dos Magos" - uma espécie de retrato de grupo mitologizado da família Medici. Alguns anos depois, o artista cria sua famosa alegoria mitológica “Primavera”.

Em 1481, o Papa Sisto IV ordenou a um grupo de pintores, entre os quais Botticelli, que decorasse a sua capela com afrescos, que mais tarde recebeu o nome de “Sistina”. Botticelli pintou afrescos na Capela Sistina " Tentação de Cristo », « Cenas da Vida de Moisés », « Castigo de Corá, Datã e Abiron" Nos anos seguintes, Botticelli completou uma série de 4 afrescos baseados em contos do Decameron de Boccaccio e criou suas obras mitológicas mais famosas (“Nascimento de Vênus”, “ Pallas e Centauro"), bem como diversas composições de altar para igrejas florentinas (" Coroação da Virgem Maria », « Altar de São Barnabé"). Muitas vezes ele se voltou para a imagem de Nossa Senhora (“ Madonna do Magnificat », « Madonna com romã », « Madonna com um livro"), também trabalhou no gênero retrato (" Retrato de Giuliano Médici", "Retrato de uma jovem", "Retrato de um jovem").

Na década de 1490, durante o período de movimentos sociais e sermões místicos do monge Savonarola que abalaram Florença, notas moralizantes e dramáticas apareceram na arte de Botticelli (“Calúnia”, “ Lamentação de Cristo », « Natal místico"). Sob a influência de Savonarola, num acesso de exaltação religiosa, o artista chegou a destruir algumas de suas obras. Em meados da década de 1490, com a morte de Lorenzo, o Magnífico, e a expulsão de seu filho Pietro de Florença, Botticelli perdeu a fama de grande artista. Esquecido, ele vive tranquilamente sua vida na casa de seu irmão Simão. Em 1510 o artista morreu.

A arte requintada de Botticelli com elementos de estilização (ou seja, generalização de imagens usando técnicas convencionais - simplificação de cor, forma e volume) é considerada um dos pináculos do desenvolvimento da pintura. A arte de Botticelli, ao contrário da maioria dos mestres do início da Renascença, baseava-se na experiência pessoal. Excepcionalmente sensível e sincero, Botticelli percorreu um difícil e trágico caminho de busca criativa - da percepção poética do mundo na juventude ao misticismo e exaltação religiosa na idade adulta.

PRIMEIRO RENASCIMENTO

PRIMEIRO RENASCIMENTO

Alta Renascença

A Alta Renascença, que deu à humanidade grandes mestres como Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo, Giorgione, Ticiano, Bramante, cobre um período de tempo relativamente curto - o final do século XV e o primeiro terço do século XVI. Somente em Veneza o florescimento da arte continuou até meados do século.

As mudanças fundamentais associadas aos acontecimentos decisivos da história mundial e aos sucessos do pensamento científico avançado expandiram incessantemente as ideias das pessoas sobre o mundo - não apenas sobre a Terra, mas também sobre o espaço. A percepção do mundo e da personalidade humana parece ter se ampliado; na criatividade artística isso se refletiu não apenas na escala majestosa de estruturas arquitetônicas, monumentos, ciclos solenes de afrescos e pinturas, mas também no conteúdo e na expressividade das imagens. A arte da Alta Renascença representa uma dinâmica vibrante e complexa processo artístico com brilhos deslumbrantes e crises subsequentes.

Donato Bramante.

Centro de Arquitetura Alta Renascença tornou-se Roma, onde, com base em descobertas e sucessos anteriores, surgiu um único estilo clássico. Os mestres usaram criativamente o antigo sistema de ordem, criando estruturas cuja majestosa monumentalidade estava em sintonia com a época. O maior representante da arquitetura da Alta Renascença foi Donato Bramante (1444-1514). Os edifícios de Bramante distinguem-se pela monumentalidade e grandiosidade, perfeição harmoniosa de proporções, integridade e clareza de soluções composicionais e espaciais e utilização livre e criativa de formas clássicas. A maior conquista criativa de Bramante é a reconstrução do Vaticano (o arquiteto realmente criou um novo edifício, incorporando nele organicamente edifícios antigos dispersos). Bramante também é o autor do projeto da Catedral de São Pedro em Roma. Com a sua obra, Bramante determinou o desenvolvimento da arquitetura no século XVI.

Leonardo da Vinci.

Na história da humanidade não é fácil encontrar outra pessoa tão brilhante quanto o fundador da arte da Alta Renascença Leonardo da Vinci(1452-1519). A abrangência da obra deste grande artista, escultor, arquiteto, cientista e engenheiro só ficou clara quando foram examinados os manuscritos dispersos de seu legado, totalizando mais de sete mil folhas contendo projetos, invenções e esboços científicos e arquitetônicos. É difícil nomear uma área do conhecimento que seu gênio não tocaria. O universalismo de Leonardo é tão incompreensível que o famoso biógrafo de figuras renascentistas, Giorgio Vasari, não conseguiu explicar esse fenômeno exceto pela intervenção do céu: “Não importa o que este homem recorresse, cada ação sua trazia a marca da divindade”.

Em seu famoso “Tratado de Pintura” (1498) e outras notas, Leonardo prestou grande atenção ao estudo do corpo humano, informações sobre anatomia, proporções, relação entre movimentos, expressões faciais e estado emocional de uma pessoa. Leonardo também se interessou pelos problemas de claro-escuro, modelagem volumétrica, perspectiva linear e aérea. Leonardo prestou homenagem não apenas à teoria da arte. Ele criou uma série de magníficas imagens de altar e retratos. O pincel de Leonardo pertence a uma das obras mais famosas da pintura mundial - “Mona Lisa” (“La Gioconda”). Leonardo criou imagens escultóricas monumentais, projetou e construiu estruturas arquitetônicas. Leonardo continua até hoje uma das personalidades mais carismáticas da Renascença. Um grande número de livros é dedicado a ele, em mais detalhes sua vida foi estudada. E, no entanto, muito do seu trabalho permanece um mistério e continua a entusiasmar as mentes das pessoas.

Rafael Santi.

A arte de Raphael Santi (1483-1520) também pertence aos ápices do Renascimento italiano. Na história da arte mundial, a obra de Rafael está associada à ideia de beleza sublime e harmonia. É geralmente aceito que na constelação de mestres brilhantes da Alta Renascença, foi Rafael o principal portador da harmonia. A busca incansável por um começo brilhante e perfeito permeia toda a obra de Raphael e constitui o seu significado interior. Suas obras são extraordinariamente atraentes em sua graça natural (“ Madona Sistina"). Talvez seja por isso que o mestre ganhou popularidade tão extraordinária entre o público e teve muitos seguidores entre os artistas em todos os momentos. Rafael não foi apenas um pintor e retratista incrível, mas também um monumentalista que trabalhou com técnicas de afrescos, um arquiteto e um mestre em decoração. Todos estes talentos manifestaram-se com particular força nas suas pinturas dos apartamentos do Papa Júlio II no Vaticano (“Escola de Atenas”). Na arte do brilhante artista nasceu uma nova imagem do homem renascentista - belo, harmonioso, perfeito física e espiritualmente.

Michelangelo Buonarotti.

Contemporâneo Leonardo da Vinci e Raphael era seu eterno rival - Michelangelo Buonarroti, o maior mestre da Alta Renascença - escultor, pintor, arquiteto e poeta. Este titã da Renascença iniciou seu caminho criativo com a escultura. Suas estátuas colossais tornaram-se o símbolo de um novo homem - um herói e lutador (“David”). O mestre ergueu diversas estruturas arquitetônicas e escultóricas, a mais famosa delas é a Capela dos Médici, em Florença. O esplendor dessas obras se constrói na colossal tensão dos sentimentos dos personagens ( Sarcófago de Giuliano Medici). Mas são especialmente famosas as pinturas de Michelangelo no Vaticano, na Capela Sistina, nas quais ele provou ser um pintor brilhante. Talvez ninguém na arte mundial, nem antes nem depois de Michelangelo, tenha criado personagens tão fortes de corpo e espírito (“ Criação de Adão"). O enorme e incrivelmente complexo afresco no teto foi pintado apenas pelo artista, sem assistentes; permanece até hoje uma obra monumental insuperável da pintura italiana. Mas além de pintar o teto da Capela Sistina, o mestre, já idoso, criou o “Juízo Final” de inspiração feroz - um símbolo do colapso dos ideais de sua grande época.

Michelangelo trabalhou muito e frutuosamente na arquitetura, em particular, supervisionou a construção da Catedral de São Pedro e do conjunto Praça do Capitólio em Roma. A obra do grande Michelangelo constituiu uma época inteira e esteve muito à frente do seu tempo, desempenhou um papel colossal na arte mundial, em particular, influenciou a formação dos princípios do Barroco.

Giorgione e Ticiano.

Veneza, onde a pintura floresceu, acrescentou uma página brilhante à história da arte da Alta Renascença. Giorgione é considerado o primeiro mestre da Alta Renascença em Veneza. Sua arte é completamente especial. O espírito de harmonia clara e alguma contemplação e devaneio íntimos especiais reina nele. Muitas vezes ele pintou belezas encantadoras, verdadeiras deusas. Normalmente esta é uma ficção poética - a personificação de um sonho irrealizável, admiração por um sentimento romântico e por uma mulher bonita. Suas pinturas contêm um toque de paixão sensual, doce prazer, felicidade sobrenatural. Com a arte de Giorgione, a pintura veneziana adquiriu significado pan-italiano, estabelecendo as suas características artísticas.

Ticiano em entrou para a história da arte italiana como um titã e chefe da escola veneziana, como um símbolo do seu apogeu. O sopro de uma nova era - tempestuosa, trágica, sensual - manifestou-se com particular força na obra deste artista. A obra de Ticiano distingue-se pela sua cobertura excepcionalmente ampla e variada de tipos e gêneros de pintura. Ticiano foi um dos fundadores da pintura monumental de altar, da paisagem como gênero independente e de vários tipos de retratos, inclusive cerimoniais. Em sua obra coexistem imagens ideais com personagens luminosos, conflitos trágicos com cenas de alegria jubilosa, composições religiosas com pinturas mitológicas e históricas.

Ticiano desenvolveu uma nova técnica de pintura que teve uma influência excepcional no desenvolvimento das artes plásticas mundiais até o século XX. Ticiano pertence aos maiores coloristas da pintura mundial. Suas pinturas brilham com ouro e uma gama complexa de tons de cores vibrantes e luminosos. Ticiano, que viveu quase um século, experimentou o colapso dos ideais da Renascença; metade da obra do mestre pertence ao Renascimento tardio. Seu herói, entrando na luta contra as forças hostis, morre, mas mantém sua grandeza. A influência da grande oficina de Ticiano afetou toda a arte veneziana.

ALTO RENASCIMENTO

ALTO RENASCIMENTO

Renascença tardia

Na segunda metade do século XVI. na Itália, o declínio da economia e do comércio aumentava, o catolicismo entrou na luta contra cultura humanística, a arte vivia uma crise profunda. Fortaleceu as tendências anti-renascentistas, encarnadas no maneirismo. No entanto, o Maneirismo quase não afetou Veneza, que na segunda metade do século XVI se tornou o principal centro da arte do Renascimento tardio. Em linha com a alta tradição humanística do Renascimento, em novas condições históricas, a obra dos grandes mestres do Renascimento Tardio, enriquecida com novas formas, desenvolveu-se em Veneza - Palladio, Veronese, Tintoretto.

Andrea Palladio

A obra do arquitecto do norte de Itália Andrea Palladio (1508-80), baseada num estudo aprofundado da arquitectura antiga e renascentista, representa um dos vértices da arte do Renascimento tardio. Palladio desenvolveu os princípios da arquitetura que foram desenvolvidos na arquitetura do classicismo europeu dos séculos XVII-XVIII. e recebeu o nome de Palladianismo. O arquitecto expôs as suas ideias na obra teórica “Quatro Livros de Arquitectura” (1570). Os edifícios de Palladio (principalmente palácios e vilas da cidade) são repletos de beleza e naturalidade graciosas, completude harmoniosa e ordem estrita, distinguem-se pela clareza e rapidez de planejamento e pela conexão orgânica com o meio ambiente ( Palazzo Chiericati). A capacidade de conectar harmoniosamente a arquitetura com a paisagem circundante foi demonstrada com particular força nas vilas de Palladio, imbuídas de um sentido de natureza elegiamente iluminado e marcadas pela clareza clássica e simplicidade de forma e composição ( Villa Capra (Rotunda)). Palladio criou o primeiro monumento edifício do teatro na Itália - Teatro Olímpico. A influência de Palladio no desenvolvimento da arquitetura nos séculos subsequentes foi enorme.

Veronese e Tintoretto...

O caráter festivo e afirmativo da Renascença veneziana manifestou-se mais claramente na obra de Paolo Veronese. Muralista, criou magníficos conjuntos decorativos de pinturas de parede e teto com muitos personagens e detalhes interessantes. Veronese criou seu próprio estilo: suas pinturas espetaculares e espetaculares são cheias de emoção, paixão e vida, e os heróis, a nobreza veneziana, geralmente estão localizados em palácios patrícios ou tendo como pano de fundo uma natureza luxuosa. Eles são levados por festas grandiosas ou celebrações encantadoras (“Casamentos em Caná”). Veronese foi o mestre da alegre Veneza, dos seus triunfos, o poeta do seu esplendor dourado. Veronese tinha um dom excepcional como colorista. Suas cores são permeadas de luz, intensas e não apenas dão cor aos objetos, mas se transformam em objeto, transformando-se em nuvens, tecido, corpo humano. Por isso, a beleza real das figuras e objetos é multiplicada pela beleza da cor e da textura, o que produz um forte impacto emocional no espectador.

O completo oposto de Veronese foi seu contemporâneo Tintoretto (1518-94), o último grande mestre da Renascença italiana. A abundância de influências artísticas externas dissolveu-se na individualidade criativa única de Tintoretto. Em sua obra foi uma figura gigantesca, criador de temperamento vulcânico, paixões violentas e intensidade heróica. Seu trabalho foi um grande sucesso entre seus contemporâneos e gerações subsequentes. Tintoretto se distinguiu por uma capacidade de trabalho verdadeiramente desumana e por uma busca incansável. Ele sentiu a tragédia de sua época de forma mais aguda e profunda do que a maioria de seus contemporâneos. O mestre rebelou-se contra as tradições estabelecidas nas artes plásticas - adesão à simetria, equilíbrio estrito, estático; ampliou os limites do espaço, encheu-o de dinâmica, ação dramática e passou a expressar os sentimentos humanos com mais clareza. 1590g . A arte do maneirismo afasta-se dos ideais renascentistas de uma percepção harmoniosa do mundo. Uma pessoa se encontra à mercê de forças sobrenaturais. O mundo parece instável, instável, em estado de decadência. As imagens maneiristas estão cheias de ansiedade, inquietação e tensão. O artista afasta-se da natureza, esforça-se por superá-la, seguindo na sua obra uma “ideia interior” subjectiva, cuja base não é o mundo real, mas a imaginação criativa; o meio de execução é a “bela maneira” como a soma de certas técnicas. Entre eles estão o alongamento arbitrário das figuras, um ritmo serpentino complexo, a irrealidade do espaço e da luz fantásticos e, às vezes, cores frias e penetrantes.

O maior e mais talentoso mestre do maneirismo, pintor de complexo destino criativo, foi Jacopo Pontormo (1494-1556). Em sua famosa pintura " Descida da Cruz» a composição é instável, as figuras estão pretensiosamente quebradas, cores claras corte Francisco Mazzola, apelidado de Parmigianino (1503-40), adorava surpreender o espectador: por exemplo, escreveu o seu “ Autorretrato em espelho convexo" A deliberação deliberada distingue sua famosa pintura “ Madonna com pescoço comprido ».

O pintor da corte dos Médici, Agnolo Bronzino (1503-72), é famoso por seus retratos cerimoniais. Eles ecoaram a era de atrocidades sangrentas e declínio moral que envolveu círculos altos sociedade italiana. Os nobres clientes de Bronzino parecem estar separados do espectador por uma distância invisível; a rigidez de suas poses, a impassibilidade de seus rostos, a riqueza de suas roupas, os gestos de suas belas mãos cerimoniais - tudo isso é como uma casca externa que esconde uma vida interior imperfeita. No retrato de Leonor de Toledo com seu filho (c. 1545), a inacessibilidade da imagem fria e distante é reforçada pelo fato de a atenção do espectador ser completamente absorvida pelo grande padrão plano das magníficas roupas de brocado da duquesa. O tipo de retrato de corte criado pelos maneiristas influenciou a arte do retrato dos séculos XVI-XVII. em muitos outros países europeus.

A arte do maneirismo foi transitória: o Renascimento estava a passar, chegava o momento de uma nova criação pan-europeia. estilo artístico- barroco.

Arte Renascença do Norte.

Os países do Norte da Europa não tiveram um passado antigo próprio, mas o período renascentista se destaca na sua história: desde a viradaXV – XVIaté o segundo semestreXVIIséculo. Esta época distingue-se pela penetração dos ideais renascentistas em várias esferas da cultura e pela mudança gradual do seu estilo. Tal como no berço do Renascimento, na arte do Renascimento do Norte, o interesse pelo mundo real mudou as formas de criatividade artística. Porém, a arte dos países do norte não se caracterizou pelo pathos da pintura italiana, glorificando o poder do homem titânico. Os burgueses (como eram chamados os cidadãos ricos) valorizavam a integridade, a lealdade ao dever e à palavra, e a santidade do voto conjugal e do lar. Nos círculos burgueses, formou-se seu próprio ideal de pessoa - claro, sóbrio, piedoso e profissional. A arte dos burgueses poetiza a pessoa comum e seu mundo - o mundo da vida cotidiana e das coisas simples.

Mestres do Renascimento na Holanda.

Novas características da arte renascentista apareceram principalmente na Holanda, que era um dos países mais ricos e industrializados da Europa. Devido às suas extensas ligações internacionais, os Países Baixos absorveram novas descobertas muito mais rapidamente do que outros países nórdicos.

O estilo renascentista na Holanda abriu Jan Van Eyck(1390-1441). Sua obra mais famosa é Retábulo de Gante, no qual o artista começou a trabalhar junto com seu irmão, e continuou a trabalhar de forma independente após sua morte por mais 6 anos. O retábulo de Gante, criado para a catedral da cidade, é uma dobra em duas camadas, em 12 tábuas das quais há imagens do quotidiano, do quotidiano (nas tábuas exteriores, que eram visíveis quando a dobra foi fechada) e festivas, jubilosas, vida transformada (nas portas internas, que pareciam abertas durante feriados religiosos). Este é um monumento de arte que glorifica a beleza da vida terrena. O sentimento emocional de Van Eyck - “o mundo é como o paraíso”, cada partícula do qual é bela - é expresso de forma clara e clara. O artista confiou em muitas observações da natureza. Todas as figuras e objetos possuem volume e peso tridimensionais. Os irmãos Van Eyck foram dos primeiros a descobrir as possibilidades da pintura a óleo; a partir daí, começa a substituir gradativamente a têmpera.

Na segunda metade de XVséculo, cheio de conflitos políticos e religiosos, a arte complexa e única se destaca na arte da Holanda Jerônimo Bosch(1450?-1516). Este é um artista muito curioso e com uma imaginação extraordinária. Ele vivia em seu próprio e terrível mundo. Nas pinturas de Bosch há uma condensação de ideias do folclore medieval, montagens grotescas do vivo e do mecânico, do terrível e do cômico. Em suas composições, que não tinham centro, não há personagem principal. O espaço em várias camadas é preenchido com numerosos grupos de figuras e objetos: répteis monstruosamente exagerados, sapos, aranhas, criaturas terríveis que combinam partes de diferentes criaturas e objetos. O objetivo das composições de Bosch é a edificação moral. Bosch não encontra harmonia e perfeição na natureza, suas imagens demoníacas lembram a vitalidade e a onipresença do mal mundial, o ciclo de vida e morte.

O homem nas pinturas de Bosch é lamentável e fraco. Assim, no tríptico " Uma carroça de feno“O artista revela a história da humanidade. A ala esquerda conta a história da queda de Adão e Eva, a direita retrata o Inferno e todos os horrores que aguardam os pecadores aqui. A parte central da imagem ilustra o provérbio popular “O mundo é um palheiro, cada um tira dele o que consegue agarrar”. Bosch mostra como as pessoas brigam por um pedaço de feno, morrem sob as rodas de uma carroça e tentam subir nela. No topo da carroça, tendo renunciado ao mundo, os amantes cantam e se beijam. Há um anjo de um lado e um demônio do outro: quem vencerá? Criaturas assustadoras estão arrastando a carroça para o submundo. Deus olha para todas as ações das pessoas com perplexidade. A pintura está imbuída de um clima ainda mais sombrio. Carregando a cruz": Cristo carrega sua pesada cruz rodeado de pessoas nojentas, de olhos esbugalhados e bocas escancaradas. Por eles, o Senhor sacrifica-se, mas a sua morte na cruz os deixará indiferentes.

Bosch já havia morrido quando nasceu outro famoso artista holandês - Pieter Bruegel, o Velho(1525-1569), apelidado de Muzhitsky por suas muitas pinturas que retratam a vida dos camponeses. Bruegel tomou os provérbios populares e as preocupações cotidianas das pessoas comuns como base para muitos de seus temas. A completude das imagens das pinturas " Casamento camponês" E " Dança camponesa"carrega o poder do elemento folk. Até mesmo as pinturas histórias bíblicas nas obras de Bruegel são habitados pela Holanda, e os acontecimentos da distante Judéia acontecem tendo como pano de fundo ruas cobertas de neve sob o céu escuro de seu país natal (“ Sermão de João Batista"). Mostrando o aparentemente sem importância, o secundário, o artista fala do que é principal na vida das pessoas, recria o espírito de sua época.

Tela pequena " Caçadores na neve"(Janeiro) da série "Estações" é considerada uma das obras-primas insuperáveis ​​​​da pintura mundial. Caçadores cansados ​​com cães voltam para casa. Junto com eles, o espectador entra no morro, de onde se abre o panorama de uma pequena cidade. Margens do rio cobertas de neve, árvores espinhosas congeladas no ar límpido e gelado, os pássaros voam, sentam-se nos galhos das árvores e nos telhados das casas, as pessoas estão ocupadas com seus afazeres diários. Todas essas coisas aparentemente pequenas, juntamente com o céu azul, as árvores negras e a neve branca, criam na imagem um panorama do mundo que o artista ama apaixonadamente.

A pintura mais trágica de Bruegel " Parábola dos Cegos"Escrito pelo artista pouco antes de sua morte. Ilustra a história do Evangelho: “se um cego guiar outro cego, ambos cairão num buraco”. Talvez esta seja uma imagem da humanidade, cega pelos seus desejos, caminhando para a sua destruição. Porém, Bruegel não julga, mas, compreendendo as leis das relações entre as pessoas, com ambiente, penetrando na essência da natureza humana, revela às próprias pessoas o seu lugar no mundo.

Pintura da Alemanha durante o Renascimento.

As características do Renascimento na arte da Alemanha aparecem mais tarde do que na Holanda. O florescimento do humanismo alemão, das ciências seculares e da cultura ocorre nos primeiros anosXVIV. Era período curto, durante o qual Cultura alemã deu ao mundo os mais altos valores artísticos. Estes incluem, em primeiro lugar, o trabalho Albrecht Dürer(1471-1528) – o artista mais importante do Renascimento alemão.

Dürer é um típico representante da Renascença; foi pintor, gravador, matemático e engenheiro, e escreveu tratados sobre fortificação e teoria da arte. Sobre autorretratos ele parece inteligente, nobre, focado, cheio de pensamentos filosóficos profundos. Em suas pinturas, Dürer não se contenta com a beleza formal, mas se esforça para dar uma expressão simbólica ao pensamento abstrato.

Um lugar especial na herança criativa de Dürer pertence à série “Apocalipse”, que inclui 15 grandes xilogravuras. Dürer ilustra previsões da “Revelação de João Evangelista”, por exemplo, a folha “ Quatro cavaleiros“simboliza desastres terríveis - guerra, pestilência, fome, julgamento injusto. A premonição de mudança, provações difíceis e desastres expressados ​​nas gravuras revelou-se profética (a Reforma e as guerras camponesas e religiosas que se seguiram logo começaram).

Outro artista notável da época foi Lucas Cranach, o Velho(1472-1553). Suas pinturas estão guardadas em l'Hermitage" Madonna e criança sob a macieira" E " Retrato feminino" Nelas vemos o rosto de uma mulher, retratado em muitas pinturas do mestre (é até chamado de “Cranach”): queixo pequeno, olhos estreitos, cabelos dourados. O artista desenha cuidadosamente joias e roupas, suas pinturas são um deleite para os olhos. A pureza e a ingenuidade das imagens mais uma vez fazem você olhar para essas pinturas. Cranach foi um pintor de retratos maravilhoso; ele criou imagens de muitos contemporâneos famosos - Martinho Lutero (que era seu amigo), Duque Henrique da Saxônia e muitos outros.

Mas o mais famoso retratista da Renascença do Norte, sem dúvida, pode ser reconhecido como outro pintor alemão Hans Holbein, o Jovem (1497-1543). Por muito tempo ele era o artista da corte do rei inglês HenriqueVIII. Em seu retrato, Holbein transmite perfeitamente a natureza imperiosa do rei, que não está familiarizado com a dúvida. Olhos pequenos e inteligentes em um rosto carnudo revelam-no como um tirano. Retrato de Henrique VIII era tão confiável que assustava as pessoas que conheciam o rei. Holbein pintou retratos de muitos pessoas famosas daquela época, em particular o estadista e escritor Thomas More, o filósofo Erasmo de Roterdão e muitos outros.

O desenvolvimento da cultura renascentista na Alemanha, na Holanda e em alguns outros países europeus foi interrompido pela Reforma e pelas guerras religiosas que se seguiram. A partir daí, chegou o momento da formação de novos princípios na arte, que entraram na próxima etapa de seu desenvolvimento.

O planejamento urbano e a cidade como objeto de pesquisa especial atraíram o interesse de muitos arquitetos renomados. Menos significativa é considerada a contribuição da Itália para o campo do planeamento urbano prático. No início do século XV. As cidades-comunas do centro e do norte da Itália eram organismos arquitetônicos estabelecidos há muito tempo. Além disso, repúblicas e tiranias dos séculos XV e XVI. (excluindo os maiores - como Florença, Milão, Veneza e, claro, Roma papal) não tinham fundos suficientes para criar novos grandes conjuntos, especialmente porque toda a atenção continuou a ser dada à construção ou conclusão de catedrais como os principais conjuntos religiosos Centro da cidade. Poucas iniciativas holísticas de desenvolvimento urbano, como o centro da cidade de Pienza, combinam novas tendências com tradições de construção medievais.

Ainda assim, o ponto de vista geralmente aceito subestima um pouco as mudanças que ocorreram nos séculos XV-XVI. nas cidades italianas. Junto com as tentativas de compreender teoricamente o que já foi feito na prática no campo do planejamento urbano, podem-se notar também as tentativas de colocar em prática as ideias teóricas de planejamento urbano existentes. Por exemplo, em Ferrara foi construído nova área com rede viária regular; uma tentativa de criar simultaneamente um organismo urbano integral foi feita nas cidades de Bari, Terra del Sole, Castro, bem como em algumas outras.

Se na Idade Média a aparência arquitetônica da cidade se formou no processo de criatividade e atividades construtivas de toda a população da cidade, então no Renascimento a construção urbana refletia cada vez mais as aspirações de clientes e arquitetos individuais.

Com a crescente influência das famílias mais ricas, as suas exigências e gostos pessoais afectaram cada vez mais a aparência arquitectónica da cidade como um todo. De grande importância na construção de palácios, vilas, igrejas, tumbas, galerias foi o desejo de perpetuar e glorificar-se, ou de competir em riqueza e esplendor com os vizinhos (Gonzaga - d'Este, d'Este - Sforza, etc.) e o desejo constante de viver luxuosamente. A par disso, os clientes demonstraram uma certa preocupação com a melhoria da cidade, destinando verbas para a reconstrução dos seus conjuntos, para a construção de edifícios públicos, fontes, etc.

Uma parte significativa da construção de palácios e templos caiu durante os anos de crise económica associada à perda dos mercados orientais e foi realizada à custa da riqueza já arrecadada, que era capital improdutivo durante o período de declínio do artesanato e do comércio. Na construção estiveram envolvidos os mais renomados e renomados arquitetos, artistas e escultores, que receberam avultados recursos para a execução das obras que lhes foram atribuídas e conseguiram, ao satisfazer as necessidades pessoais dos clientes, demonstrar em maior medida a sua individualidade criativa. .

É por isso que as cidades italianas do Renascimento são ricas em conjuntos arquitetônicos originais e diferentes. No entanto, sendo obras da mesma época com visões estéticas bem estabelecidas, estes conjuntos baseavam-se em princípios comuns de composição.

As novas exigências para a organização volumétrico-espacial da cidade e dos seus elementos basearam-se numa percepção significativa e crítica das tradições medievais, no estudo dos monumentos e composições da antiguidade. Os principais critérios eram a clareza da organização espacial, uma combinação lógica do principal e do secundário, a unidade proporcional das estruturas e espaços que os rodeiam, a interligação dos espaços individuais, e tudo isto numa escala compatível com o homem. A nova cultura da Renascença, a princípio ligeiramente, e depois penetrou cada vez mais ativamente no planejamento urbano. A cidade medieval, que serviu de base às cidades do Renascimento, não pôde ser modificada significativamente, pelo que apenas foram realizadas obras de reconstrução no seu território, foram construídos edifícios públicos e privados individuais, o que por vezes exigiu alguns trabalhos de planeamento; o crescimento da cidade, que desacelerou um pouco no século XVI, ocorreu geralmente devido à expansão do seu território.

O Renascimento não introduziu mudanças óbvias no traçado das cidades, mas alterou significativamente sua aparência volumétrico-espacial, resolvendo uma série de problemas de planejamento urbano de uma nova maneira.

Figura 1. Ferrara. Plano esquemático da cidade: 1 - Castelo d'Este; 2 - Praça Ariosto; 3 - Mosteiro dos Cartuxos; 4 - Igreja de Santa Maria Nuova degli Aldighieri; 5 - Igreja de São Juliano; c - Igreja de São Benedito; 7 - Igreja de São Francisco; 8 - Palazzo dei Diamanti; 9 - catedral

Figura 2. Verona. Plano esquemático da cidade: 1 - Igreja de São Zenão; 2 - Igreja de São Bernardino; 3 - área de hospitais e Forte San Spirito; 4 - Gran Guardia Vecchia; 5 - Castelo Vecchio; 6 - Palácio Malfatti; 7 - Praça delle Erbe; 8 - Praça dos Signori; 9 - Praça Santa Anastácia; 10 - catedral; 11 - palácio do bispo; 12 - anfiteatro antigo; 13 - Palácio Pompéia; 14 – Palácio Bevilacqua

Um dos primeiros exemplos de um novo traçado na virada dos séculos XV para XVI. pode ser Ferrara (Fig. 1). A sua parte norte foi construída segundo projecto de Biagio Rossetti (mencionado 1465-1516). As linhas principais da nova rede viária ligavam os portões de entrada das fortificações que ele construiu. Os cruzamentos de ruas foram acentuados por palácios (Palazzo dei Diamanti, etc.) e igrejas, construídos pelo mesmo arquiteto ou sob sua supervisão direta. O centro medieval com o Castelo d'Este com fosso, o Palazzo del Comune e outros edifícios dos séculos XII-XV, bem como a parte artesanal e comercial adjacente da cidade, permaneceram intocados. A parte nova da cidade, construída na direcção de d'Este com casas de certo número de pisos, adquiriu um carácter mais secular e aristocrático e as suas ruas largas e rectas com palácios e igrejas renascentistas deram a Ferrara um aspecto diferente do antigo. cidade medieval. Não admira que Burckhardt tenha escrito que Ferrara é a primeira cidade moderna da Europa.

Mas mesmo sem planejar novas áreas, os construtores do Renascimento utilizaram com a maior habilidade todos os elementos de melhoramento e pequenas formas arquitetônicas da cidade, desde canais até arcadas, fontes e pavimentação ( Um exemplo típico que remonta ao século XV é o poço da praça da catedral de Pienza; no século 16 o papel da fonte nos conjuntos torna-se mais complexo (por exemplo, as fontes instaladas por Vignola em Roma, Viterbo e nas vilas situadas nas suas proximidades ) - para a melhoria geral e o enriquecimento estético da aparência arquitetônica mesmo de pequenas cidades ou conjuntos individuais. Em várias cidades, como Milão e Roma, as ruas foram endireitadas e alargadas.

Os canais foram construídos não apenas para irrigação de campos, mas também em cidades (para defesa, transporte, abastecimento de água, proteção contra enchentes, para produção - lavagem de lã, etc.), onde formaram um sistema bem planejado (Milão), muitas vezes incluindo barragens e eclusas, e associadas a estruturas defensivas urbanas (Verona, Mântua, Bolonha, Livorno, etc., Fig. 2, 3, 5, 21).

As arcadas das ruas, também encontradas na Idade Média, estendiam-se por vezes ao longo de ruas inteiras (Bolonha, Fig. 4) ou ao longo das laterais da praça (Florença, Vigevano, Fig. 7).

O Renascimento deixou-nos maravilhosos complexos e conjuntos urbanos, que podem ser divididos em dois grupos principais: conjuntos que se desenvolveram historicamente (relacionam-se principalmente com o século XV) e conjuntos criados ao mesmo tempo ou ao longo de vários períodos de construção, mas de acordo com os planos de um arquitecto, por vezes completamente concluído durante o Renascimento (principalmente no século XVI).

Um exemplo notável de conjuntos do primeiro grupo é o conjunto das praças San Marco e Piazzetta em Veneza.

Na primeira metade do século XV. Partes do Palazzo do Doge foram construídas, com vista para a Piazzetta e para o Canal de San Marco. O pavimento de mármore da Praça de São Marcos, que mais tarde a uniu à Piazzetta, data do início do mesmo século. No início do século XVI. as obras de reconstrução da praça central da cidade atraem os arquitetos mais destacados: Bartolomeo Bon aumenta a altura do campanário de 60 para 100 me coroa-o com uma cobertura de tenda; Pietro Lombardo e outros constroem a Antiga Procuração e a torre do relógio; em 1529, as barracas foram retiradas da Piazzetta, abrindo vistas para a lagoa e para o mosteiro de San Giorgio Maggiore. A Piazzetta desempenha um papel importante como transição espacial da extensão da lagoa para a praça central, enfatizando a sua dimensão e importância composicional na estrutura da cidade. Em seguida, Sansovino amplia a praça para o sul, colocando o prédio da Biblioteca que construiu na Piazzetta, a 10 m do campanário, e constrói a torre Loggetta ao pé da torre. No final do século XVI. Scamozzi constrói novas procurações. No entanto, o lado poente da praça só foi concluído no início do século XIX.

O desenvolvimento da Praça de São Marcos, às margens da lagoa na foz do Grande Canal, é determinado tanto funcionalmente - a comodidade de entregar mercadorias no local das principais feiras venezianas e desembarcar convidados de honra em frente ao palácio e à catedral - e artisticamente: a praça principal da cidade revela-se solenemente a quem se aproxima pelo mar e funciona como um salão de recepção da cidade; assim como o conjunto de praças da antiga Mileto, a Praça de São Marcos mostrou aos visitantes quão rica e bela era a capital da República de Veneza.

Uma nova atitude em relação ao edifício como parte de um todo, a capacidade de ligar os edifícios ao espaço que os rodeia e encontrar uma combinação contrastante e mutuamente benéfica de diferentes estruturas levaram à criação de um dos melhores conjuntos não só do Renascimento, mas também da arquitetura mundial.

A alta cultura arquitetônica de Veneza também ficou evidente nos conjuntos gradualmente emergentes da Piazza Santi Giovanni e Paolo (com o monumento Colleoni de Verrocchio) e do shopping center da cidade.

Um exemplo do desenvolvimento sequencial de um conjunto é a Piazza della Signoria em Florença, bem como o complexo de praças centrais em Bolonha, onde nesta altura se desenvolveram interessantes tradições de planeamento urbano.

Figura 5. Bolonha. Plano esquemático da cidade: 1 - área de Malpighi; 2 - Praça Ravena; 3 - Praça Maior; 4 - Área de Netuno; 5 - Praça Arkiginnasio; 6 - Igreja de São Petrônio; 7 - Palácio Público; 8 - Palácio Legata; 9 - Palazzo del Podestà; 10 - pórtico dei Banchi; 11 - Palazzo dei Notai; 12 - Palazzo Archiginnasio; 13 - Palazzo del Re Enzo; 14 - Mercantia; 15 - Palácios Isolanos; 16 - Igreja de San Giacomo; 17 – Casa Grassi; 18- Palácio Fava; 19 - Palácio Armorini; 20-Collegio di Spagna; 21 - Palácio Bevilacqua; 22 – Palácio Tanari

O traçado de Bolonha preservou as marcas da sua história centenária (Fig. 5). O centro da cidade remonta à época do acampamento militar romano. As ruas radiantes das regiões oriental e ocidental cresceram na Idade Média, ligando as antigas portas (não preservadas) às portas das novas fortificações (século XIV).

O desenvolvimento inicial da produção guilda de finos tijolos vermelhos escuros e peças de construção em terracota, bem como a proliferação de arcadas ao longo das laterais de muitas ruas (foram construídas antes do século XV), deram ao desenvolvimento urbano um notável carácter comunitário. Estas características também se desenvolveram durante o Renascimento, quando a Câmara Municipal deu grande atenção à construção (ver os desenhos padrão de casas para os subúrbios, desenvolvidos por decisão da Câmara, com pórticos primitivos que deveriam formar arcadas de rua - Fig. 6) .

Piazza Maggiore, localizada no coração da cidade velha, dominada pelo enorme Palazzo Publico, em forma de castelo, que uniu vários edifícios públicos da comuna medieval, e a catedral - ao longo dos séculos XV e XVI. recebeu uma conexão orgânica com rua principal pela Praça Netuno (a fonte que lhe deu o nome foi construída por G. da Bolonha no século XVI) e mudou significativamente o seu aspecto no espírito do novo estilo: no século XV. Fioravante trabalhou aqui, reconstruindo o Palazzo del Podesta, e no século XVI. - Vignola, que uniu os edifícios da zona oriental da praça com uma fachada comum com arcada monumental (pórtico dei Banchi).

O segundo grupo de conjuntos, totalmente subordinados a um único plano composicional, inclui principalmente conjuntos arquitetônicos dos séculos XVI e seguintes.

A Piazza Santissima Annunziata de Florença, apesar da uniformidade do seu desenvolvimento, é um exemplo de conjunto de tipo intermédio, uma vez que não foi concebido por um único mestre. Porém, a arcada simples, leve e ao mesmo tempo monumental do Orfanato Brunellesco (1419-1444) determinou o aspecto da praça; uma arcada semelhante repetia-se no lado ocidental, em frente ao mosteiro de Servi di Maria (Sangallo, o Velho e Baccio d'Agnolo, 1517-1525). O pórtico posterior em frente à igreja de Santissima Annunziata (Giovanni Caccini, 1599-1601) é mais alto que os dois laterais e, juntamente com o monumento equestre a Fernando I (G. da Bolonha, 1608) e fontes (1629), testemunha uma nova tendência nos conjuntos construtivos: enfatizar o papel da igreja e identificar o eixo composicional dominante.

Com a acumulação de riqueza, os representantes mais influentes da jovem burguesia procuraram ganhar o reconhecimento dos seus concidadãos decorando a sua cidade natal e, ao mesmo tempo, expressar o seu poder através da arquitectura, construindo para si magníficos palácios, mas também doando dinheiro para a reconstrução e até a reconstrução completa da sua igreja paroquial, e depois a construção de outros edifícios na sua freguesia. Por exemplo, grupos únicos de edifícios surgiram em torno dos palácios Medici e Rucellai em Florença; a primeira incluía, além do palácio, a Igreja de San Lorenzo com capela - o túmulo dos Médici e a Biblioteca Laurenziana, a segunda consistia no Palácio Rucellai com uma loggia em frente e a Capela Rucellai na Igreja de San Pancrazio.

Da construção de um conjunto de edifícios deste género, faltava um passo para a criação, à custa do “pai da cidade”, de todo um conjunto que decorasse a sua cidade natal.

Um exemplo dessa reconstrução é o Centro Fabriano, para onde o Papa Nicolau V e sua comitiva se deslocaram durante a epidemia de peste em Roma. A reconstrução de Fabriano foi confiada em 1451 a Bernardo Rossellino. Sem alterar a configuração da praça central, que ainda permanecia fechada em estilo medieval, Rosselino tenta agilizar um pouco o seu desenvolvimento fechando as laterais com pórticos. Enquadrar a praça com galerias que concentram a atenção do espectador no austero Palazzo Podesta coroado com ameias indica que o principal, apesar da chegada do Papa à cidade, continua a ser este antigo edifício civil. A reconstrução do centro de Fabriano é uma das primeiras tentativas urbanísticas do Renascimento de organizar o espaço da praça segundo o princípio da regularidade.

Outro exemplo de reconstrução única da praça central e de toda a cidade é Pienza, onde foi realizada apenas parte da obra prevista por Bernardo Rossellino.

Piazza Pienza, com uma divisão clara dos edifícios ali localizados em principais e secundários, com contorno regular e expansão deliberada do território da praça em direção à catedral para criar espaço livre ao seu redor, com pavimentação estampada separando a própria praça trapezoidal de a rua que a percorre, com o cuidado do esquema de cores de todos os edifícios que enquadram a praça, é um dos conjuntos mais característicos e conhecidos do século XV.

Um exemplo interessante é o desenvolvimento regular de uma praça em Vigevano (1493-1494). A praça onde se situa a catedral e a entrada principal do Castelo Sforza era rodeada por uma arcada contínua, sobre a qual se estendia uma fachada única, decorada com pinturas e terracota colorida (Fig. 7).

O desenvolvimento dos conjuntos foi no sentido de aumentar o seu isolamento da vida pública da cidade, uma vez que cada um deles estava subordinado a uma tarefa privada e resolvido com uma individualidade claramente expressa, isolando-o do seu ambiente. Praças do século XVI. não eram mais praças públicas de cidades comunas início da Renascença, destinado a procissões cerimoniais e feriados. Apesar da complexidade das composições espaciais e das perspectivas abertas, elas desempenharam principalmente o papel de um vestíbulo aberto em frente à estrutura principal. Tal como na Idade Média, embora com uma organização espacial e técnicas de construção composicionais diferentes, a praça voltou a estar subordinada à estrutura - edifício principal do conjunto.

Entre os primeiros conjuntos do século XVI, nos quais técnicas composicionais previamente delineadas foram aplicadas conscientemente em um único plano, estavam o complexo do Belvedere no Vaticano Papal, depois a praça em frente ao Palácio Farnese em Roma (a planta do conjunto também incluía o ponte não realizada sobre o Tibre), o Capitólio Romano e o complexo do Palazzo Pitti ampliado com os Jardins Boboli em Florença.

A retangular Piazza Farnese, concluída em meados do século XVI, bem como o palácio iniciado por Antonio de Sangallo, o Jovem e concluído por Michelangelo, estão inteiramente subordinados ao princípio da construção axial, que ainda não foi comprovado no conjunto de Santíssima Annunziata.

Três pequenas ruas paralelas conduzem à Piazza Farnese a partir do Campo di Fiori, cujo meio é mais largo que as laterais, o que parece predeterminar a simetria do conjunto. O portal do Palácio Farnese coincide com o eixo do portal do jardim e com o centro da loggia posterior. A composição do conjunto foi completada com a instalação de duas fontes (Vignola levou para elas banhos de bronze das Termas de Caracalla), colocadas simetricamente à entrada principal e ligeiramente deslocadas para o lado oriental da praça. Esta disposição das fontes parece libertar espaço em frente ao palácio, transformando a praça da cidade numa espécie de átrio diante da residência de uma família poderosa (cf. praça central de Vigevano).

Um dos exemplos mais notáveis ​​de um conjunto arquitetónico não só do século XVI. na Itália, mas em toda a arquitetura mundial está a Praça Capitolina em Roma, criada de acordo com o plano de Michelangelo e expressando o significado sócio-histórico deste lugar (Fig. 9).

A localização central do Palácio dos Senadores com a sua torre e escadaria dupla, a forma trapezoidal da praça e a escada-rampa que lhe conduz, a simetria dos palácios laterais, por fim, o padrão de pavimentação da praça e a localização central da a escultura equestre - tudo isto reforçou o significado da estrutura principal e do eixo dominante do conjunto, sublinhando a importância e a posição auto-suficiente desta praça na cidade, de onde se tinha uma ampla vista de Roma espalhada no pé do morro. A abertura de um dos lados da praça, a sua orientação claramente definida para a cidade e ao mesmo tempo subordina o espaço da praça ao edifício principal - esta é uma novidade introduzida por Michelangelo na arquitectura dos conjuntos urbanos.

As obras que modificaram significativamente Roma, ressuscitando-a das ruínas da Idade Média, tiveram uma influência significativa na arquitetura da Itália e de toda a Europa. Os conjuntos renascentistas, espalhados por todo o território da antiga capital, foram muito mais tarde abraçados pela cidade e incluídos como seus elementos num único sistema, mas foram a espinha dorsal que determinou a posterior organização arquitectónica e espacial de Roma como um todo.

As ruínas da antiga cidade predeterminaram a escala e a monumentalidade das ruas e edifícios dos principais conjuntos. Os arquitetos estudaram e dominaram os princípios das composições regulares do planejamento urbano antigo. Novos caminhos no planejamento urbano basearam-se na busca consciente de layouts melhores, mais convenientes e racionais, em reconstruções razoáveis ​​​​de edifícios antigos, em uma síntese cuidadosa de artes plásticas e arquitetura (Fig. 9, 10).

Arquitetos notáveis ​​​​do Renascimento - Brunellesco, Alberti, Rossellino, Leonardo da Vinci, Bramante, Michelangelo - conceberam uma série de grandiosas transformações nas cidades. Aqui estão alguns desses projetos.

Em 1445, por ocasião do aniversário de 1450, foram planejadas obras significativas de reconstrução em Roma para o distrito de Borgo. Os autores do projeto (Rosselino e, possivelmente, Alberti) aparentemente previam estruturas de defesa e melhoria da cidade, reconstrução dos bairros de Borgo e de várias igrejas. Mas o projeto exigiu grandes despesas e não foi cumprido.

Leonardo da Vinci testemunhou o infortúnio que se abateu sobre Milão - a epidemia de peste de 1484-1485, que matou mais de 50 mil habitantes. A propagação da doença foi facilitada pela superlotação, superlotação e condições insalubres da cidade. O arquitecto propôs um novo traçado de Milão dentro das muralhas da cidade em expansão, onde permaneceriam apenas cidadãos importantes, obrigados a reconstruir os seus bens. Ao mesmo tempo, segundo Leonardo, perto de Milão deveriam ter sido fundadas vinte cidades menores com 30 mil habitantes e 5.000 casas cada. Leonardo considerou necessário: “Dividir essa enorme multidão de pessoas, que, como ovelhas num rebanho, espalham mau cheiro e representam um terreno fértil para epidemias e mortes”. Os esboços de Leonardo incluíam estradas em dois níveis, viadutos nos acessos de áreas rurais, uma extensa rede de canais que fornece abastecimento constante de água doce às cidades e muito mais (Fig. 11).

Nesses mesmos anos, Leonardo da Vinci trabalhou num plano de reconstrução, ou melhor, de reestruturação radical de Florença, encerrando-a num decaedro regular de paredes e estabelecendo ao longo do seu diâmetro, aproveitando o rio, um grandioso canal, de largura igual a o Arno (Fig. 12). O projecto deste canal, que incluía uma série de barragens e canais de desvio mais pequenos que serviam para drenar todas as ruas da cidade, era claramente de natureza utópica. Apesar do assentamento social (de classe) proposto por Leonardo na cidade, o arquiteto procurou criar condições de vida saudáveis ​​​​e confortáveis ​​​​para todos os moradores de Florença.

Após o incêndio que destruiu o mercado perto da Ponte Rialto, em Veneza, em 1514, Fra Giocondo criou um projeto para a reconstrução desta área. A ilha quadrangular, enquadrada por canais, tinha forma quadrangular e deveria ser construída em todo o perímetro com lojas de dois pisos. No centro havia uma praça com quatro portões em arco nas laterais. A centralidade da composição foi enfatizada pela igreja de San Matteo localizada no meio.

As propostas de Fra Giocondo do ponto de vista urbanístico eram interessantes e novas, mas não foram concretizadas.

Michelangelo, defendendo a liberdade da sua amada Florença e aparentemente querendo preservar o espírito de democracia que antes lhe era inerente, propôs um projecto de reconstrução do seu centro. Muito provavelmente, o protótipo da nova praça foram os centros públicos da antiguidade, que eram os peristilos da polis.

Michelangelo pretendia cercar a Piazza della Signoria de galerias, escondendo todos os palácios, câmaras de comércio, guildas e casas de guildas anteriormente construídas e enfatizando com sua uniformidade a grandeza do Palácio da Signoria. A escala gigantesca da Loggia dei Lanzi, que serviria de motivo à arcada destas galerias, e os monumentais tectos em arco das ruas que se abriam para a praça, correspondiam à escala dos fóruns romanos. Os duques de Florença não necessitaram de tal reestruturação, o que foi mais importante foi a construção do Uffizi com transições da administração do ducado - Palazzo Vecchio - para os aposentos pessoais dos governantes - Palazzo Pitti. O projeto do grande mestre também não foi implementado.

Os exemplos de projetos apresentados, bem como os trabalhos realizados, indicam que aos poucos foi amadurecendo uma nova ideia de cidade como um todo: um todo em que todas as partes estão interligadas. A ideia de cidade desenvolveu-se paralelamente ao surgimento da ideia de um Estado centralizado, de autocracia, que poderia, sob novas condições históricas, implementar uma requalificação razoável das cidades. O desenvolvimento do planejamento urbano expressou claramente a especificidade da cultura renascentista, onde a arte e a ciência estavam inextricavelmente unidas, o que predeterminou o realismo da arte da nova era. Sendo um dos mais importantes tipos de atividade social, o planejamento urbano exigiu dos arquitetos do Renascimento um significativo conhecimento científico, técnico e artístico específico. A requalificação das cidades esteve em grande parte associada à mudança das técnicas de combate, à introdução de armas de fogo e artilharia, o que obrigou à reconstrução das estruturas defensivas de quase todas as cidades medievais. Uma simples cintura de muralhas, que normalmente acompanhava o terreno, foi substituída por muralhas com baluartes, que determinavam o perímetro em forma de estrela das muralhas da cidade.

Cidades deste tipo surgiram a partir do segundo terço do século XVI e testemunham o sucesso do desenvolvimento do pensamento teórico.

A contribuição dos mestres do Renascimento italiano para a teoria do planejamento urbano é muito significativa. Apesar do inevitável utopismo na formulação destes problemas nas condições da época, eles foram, no entanto, desenvolvidos com grande coragem e completude em todos os tratados e documentos teóricos do século XV, para não falar das fantasias urbanísticas nas artes visuais. Tais são os tratados de Filarete, Alberti, Francesco di Giorgio Martini e até o fantástico romance “Hypnerotomachia” de Polifilo (publicado em 1499) com seus diagramas de uma cidade ideal, bem como inúmeras notas e desenhos de Leonardo da Vinci.

Os tratados do Renascimento sobre arquitetura e planejamento urbano basearam-se na necessidade de atender às necessidades de requalificação urbana e basearam-se em conquistas científicas e técnicas e visões estéticas de sua época, bem como no estudo de obras recém-descobertas pensadores antigos, especialmente Vitrúvio.

Vitrúvio considerou as questões de planejamento e desenvolvimento urbano do ponto de vista da comodidade, da saúde e da beleza, o que era bastante consistente com as novas visões do Renascimento.

As reconstruções concluídas e os projetos de transformação urbana não realizados também estimularam o desenvolvimento da ciência do planeamento urbano. No entanto, as dificuldades das transformações radicais nas cidades já estabelecidas da Itália deram às teorias de planeamento urbano um carácter utópico.

As teorias urbanas e os projetos de cidades ideais do Renascimento podem ser divididos em duas fases principais: de 1450 a 1550 (de Alberti a Pietro Cataneo), quando os problemas de planejamento urbano foram considerados de forma muito ampla e abrangente, e de 1550 a 1615 (de Bartolomeo Ammanati a Vincenzo Scamozzi), quando questões de defesa e ao mesmo tempo estética começaram a prevalecer.

Os tratados e projetos de cidades do primeiro período deram muita atenção às questões de escolha do terreno para localização das cidades, às tarefas de sua reorganização geral: reassentamento de moradores de acordo com características profissionais e sociais, planejamento, melhoria e desenvolvimento. Não menos importante neste período foi a solução dos problemas estéticos e de organização arquitectónica e espacial da cidade como um todo e dos seus elementos. Gradualmente, no final do século XV, foi dada cada vez mais importância às questões de defesa geral e à construção de fortificações.

Julgamentos razoáveis ​​​​e convincentes sobre a escolha da localização das cidades eram completamente inaplicáveis ​​​​na prática, porque raramente novas cidades eram construídas, além disso, em locais predeterminados pelo desenvolvimento económico ou pela estratégia.

Os tratados dos arquitetos e seus projetos expressam a nova visão de mundo da época que os deu origem, onde o principal é cuidar de uma pessoa, mas de uma pessoa eleita, nobre e rica. A estratificação de classes da sociedade renascentista deu origem, portanto, à ciência, que serviu em benefício da classe proprietária. As melhores áreas da cidade ideal foram destinadas ao assentamento dos “nobres”.

O segundo princípio de organização da área urbana é a fixação do grupo profissional do resto da população, o que indica a influência significativa das tradições medievais nos julgamentos dos arquitectos do século XV. Os artesãos de profissões afins tinham que viver próximos uns dos outros e o seu local de residência era determinado pela “nobreza” do seu ofício ou profissão. Comerciantes, cambistas, joalheiros, agiotas poderiam morar na área central próxima à praça principal; os construtores navais e operadores de cordas tinham o direito de se estabelecer apenas nos bairros periféricos da cidade, atrás do anel viário; pedreiros, ferreiros, seleiros, etc. tiveram que construir perto do portão de entrada da cidade. Os artesãos, necessários a todos os segmentos da população, como cabeleireiros, farmacêuticos, alfaiates, tiveram que ser distribuídos uniformemente pela cidade.

O terceiro princípio da organização da cidade era a distribuição do território em complexos residenciais, industriais, comerciais e públicos. Previam uma ligação razoável entre si, e por vezes uma combinação, para o serviço mais completo da cidade como um todo e a utilização dos seus dados económicos e naturais. Este é o projeto da cidade ideal de Filarete - “Sforzinda”.

O traçado das cidades, segundo os teóricos do planejamento urbano, deveria ser regular. Às vezes os autores escolheram um anel radial (Filarete, F. di Giorgio Martini, Fra Giocondo, Antonio da Sangallo Jr., Francesco de Marchi, Fig. 13), às vezes um ortogonal (Martini, Marchi, Fig. 14), e vários autores propuseram projetos, combinando os dois sistemas (Peruzzi, Pietro Cataneo). No entanto, a escolha do traçado normalmente não era um evento puramente formal e mecânico, uma vez que a maioria dos autores o determinava principalmente pelas condições naturais: terreno, presença de reservatórios, rios, ventos predominantes, etc.

Geralmente havia uma praça pública principal no centro da cidade, primeiro com um castelo e depois com a Câmara Municipal e a catedral no meio. As áreas comerciais e religiosas de importância regional nas cidades radiais estavam localizadas na intersecção das ruas radiais com uma das rodovias circulares ou secundárias da cidade (Fig. 16).

O território da cidade deveria ter sido ajardinado, segundo os arquitetos que realizaram esses projetos. A superlotação e as condições insalubres das cidades medievais, a propagação de epidemias que destruíram milhares de cidadãos, obrigaram-nos a pensar na reorganização do desenvolvimento, no abastecimento básico de água e na manutenção da limpeza da cidade, na sua melhoria máxima, pelo menos dentro da cidade paredes. Os autores das teorias e projetos propuseram desarmar o desenvolvimento, endireitar as ruas, construir canais ao longo das principais e recomendaram fazer todo o possível para esverdear as ruas, praças e aterros.

Assim, no imaginário “Sforzinda” de Filaret, as ruas deveriam inclinar-se em direção à periferia da cidade para drenar a água da chuva e descarregar a água de um reservatório no centro da cidade. Foram instalados canais de navegação ao longo das oito principais ruas radiais e no entorno das praças, o que garantia o silêncio da parte central da cidade, onde seria proibida a entrada de veículos com rodas. As ruas radiais seriam ajardinadas, enquanto as principais (25 m de largura) seriam emolduradas por galerias ao longo dos canais.

As ideias de planeamento urbano de Leonardo da Vinci, expressas nos seus numerosos esboços, falam de uma abordagem excepcionalmente ampla e ousada dos problemas da cidade e ao mesmo tempo apontam para soluções técnicas específicas para esses problemas. Assim, estabeleceu a relação entre as alturas dos edifícios e os vãos entre eles para melhor insolação e ventilação, desenvolveu ruas com trânsito em diferentes níveis (as superiores - iluminadas pelo sol e livres de trânsito - eram destinadas aos “ricos ”).

Antonio da Sangallo, o Jovem, em seu projeto propôs um desenvolvimento perimetral de bairros com um espaço interior verde e bem ventilado. Aqui, aparentemente, foram desenvolvidas as ideias de melhoria e melhoria da área urbana, expressas por Leonardo da Vinci.

Os esboços das casas da cidade ideal de Francesco de Marchi carregam uma clara influência de épocas anteriores, ou melhor, mantêm o carácter do desenvolvimento dominante nas cidades renascentistas, herdado da Idade Média - casas estreitas, de vários andares e com o topo pisos antecipados (ver Fig. 16).

A par dos problemas funcionais e utilitários indicados, um lugar significativo nos projectos de cidades ideais dos arquitectos do século XV e início do século XVI. Questões estéticas da organização volume-espacial da cidade também são ocupadas. Nos tratados, os autores voltam repetidamente ao fato de que a cidade deveria ser decorada com belas ruas, praças e edifícios individuais.

Falando em casas, ruas e praças, Alberti mencionou mais de uma vez que deveriam ser tanto em tamanho quanto em caráter. aparência acordados entre si. F. di Giorgio Martini escreveu que todas as partes da cidade deveriam ser organizadas com sabedoria, que deveriam estar relacionadas entre si em proporções semelhantes às partes do corpo humano.

As ruas das cidades ideais eram muitas vezes emolduradas por arcadas com complexas passagens em arco nos seus cruzamentos, que, além de funcionais (abrigo da chuva e do sol escaldante), também eram puramente valor artístico. Isso é evidenciado pelas propostas de Alberti, pelo projeto de uma cidade oval e da praça retangular central da cidade de F. de Marchi e outros (ver Fig. 14).

Desde finais do século XV, o método de composição cêntrica das cidades (Fra Giocondo) foi ganhando cada vez mais importância no trabalho dos arquitectos que trabalharam nos esquemas de cidades ideais. A ideia da cidade como organismo único, subordinado a um plano comum, por volta do século XVI. domina a teoria do planejamento urbano.

Um exemplo dessa solução é a cidade ideal de Peruzzi, cercada por duas muralhas e construída em esquema radial, com um desvio de desenho único em forma de quadrado. As torres defensivas, localizadas tanto nos cantos como no centro da composição, reforçam a centralidade da localização não só do edifício principal em si, mas de toda a cidade como um todo.

O desenho da cidade ideal de Antonio da Sangallo, o Jovem, com suas muralhas em forma de estrela e ruas radiais com uma rodovia comum em forma de anel, lembra a cidade de Filarete. No entanto, a praça redonda com um edifício redondo no centro é um desenvolvimento adicional dos planos dos antecessores de Antonio da Sangallo Jr. e, por assim dizer, dá continuidade à ideia de composição centrada em relação à cidade. Este não foi o caso nem na cidade radial de Filaret (o centro é um complexo de quadrados retangulares localizados assimetricamente), nem nas cidades radiais e serpentinas de Francesco di Giorgio Martini.

O último representante dos teóricos do Renascimento que cobriu de forma abrangente todas as questões do planejamento urbano foi Pietro Cataneo, um famoso construtor de fortificações, que em 1554 começou a publicar seu tratado de arquitetura em partes. Cataneo lista cinco condições principais que, em sua opinião, devem ser levadas em consideração ao projetar e construir uma cidade: clima, fertilidade, comodidade, oportunidade de crescimento e a melhor defesa. Do ponto de vista da defesa, o autor do tratado considera as cidades poligonais as mais adequadas, argumentando que a forma da cidade é derivada do tamanho do território que ocupam (que cidade menor, mais simples será sua configuração). Porém, Cataneo compõe o espaço interno da cidade, independente de sua configuração externa, a partir de blocos residenciais retangulares e quadrados. A ideia de autocracia também o domina: para o governante da cidade, Cataneo previa a criação de um castelo calmo e bem protegido, tanto de inimigos internos como externos.

Desde meados do século XVI. questões de planejamento urbano e cidades ideais não eram mais objeto de obras especiais, mas eram abordadas em tratados sobre questões gerais de arquitetura. Esses tratados variam técnicas já conhecidas de planejamento e composição volumétrica. Na segunda metade do século XVI. o lado puramente externo da concepção do projeto e o desenho dos detalhes tornam-se quase um fim em si mesmo (Buonaiuto Lorini, Vasari). Às vezes, apenas elementos individuais da cidade foram desenvolvidos sem levar em conta o seu esquema geral (Ammanati). As mesmas tendências estão surgindo em meados do século XVI. e na prática do planejamento urbano.

O tratado de arquitetura de Palladio (1570) é a última obra teórica do século XV, que contém muitos julgamentos interessantes e profundos também sobre planejamento urbano. Assim como Alberti, Palladio não deixou um projeto de cidade ideal e em seu tratado expressa apenas desejos sobre como deveriam ser planejadas e construídas as ruas, como deveriam ser as praças da cidade e que impressão deveriam causar seus edifícios e conjuntos individuais. fazer.

Os últimos representantes dos teóricos do planejamento urbano italiano foram Vasari, o Jovem e Scamozzi.

Giorgio Vasari, o Jovem, ao criar seu projeto de cidade (1598), colocou os objetivos estéticos em primeiro plano. No seu plano geral destacam-se em relevo os princípios da regularidade e da simetria estrita (Fig. 17).

No início do século XVII. (1615) Vincenzo Scamozzi passou a projetar cidades ideais. Pode-se presumir que, ao projetar a cidade, ele, ao contrário de Vasari, partiu de considerações de fortificação. O autor regula até certo ponto tanto o povoamento da cidade como a sua organização comercial e artesanal. No entanto, o traçado de Scamozzi ainda é mecanicista e não está organicamente ligado nem à forma do plano dodecagonal nem ao esquema das estruturas defensivas. Este é apenas um diagrama lindamente desenhado do plano diretor. A proporção dos tamanhos das áreas, cada uma separadamente e em comparação entre si, não foi encontrada. O desenho carece das proporções sutis encontradas no projeto de Vasari. As praças da cidade de Scamozzi são muito grandes, por isso todo o esquema perde escala, o que Palladio alertou, dizendo que a praça da cidade não deveria ser muito espaçosa. Refira-se que na localidade de Sabbioneta, em cujo planeamento e desenvolvimento participou activamente Scamozzi, em nome de Gonzago, a escala das ruas e praças foi escolhida de forma muito convincente. Scamozzi segue a mesma técnica de composição da praça central delineada por Lupicini e Lorini. Ele não a constrói, mas coloca os edifícios principais no território dos quarteirões adjacentes à praça, de forma que suas fachadas principais fiquem voltadas para a praça. Esta técnica é típica do Renascimento e é legitimada pelos teóricos do urbanismo e nos esquemas de cidades ideais.

Durante o período de declínio económico geral e crise social de meados do século XVI. na teoria do planejamento urbano, questões secundárias começam a prevalecer. Uma consideração abrangente dos problemas da cidade está gradualmente desaparecendo do campo de visão dos mestres. Resolveram questões particulares: a composição das áreas periféricas (Ammanati), um novo sistema de desenvolvimento do centro (Lupicini, Lorini), o desenvolvimento cuidadoso do desenho das estruturas defensivas e do plano geral (Maggi, Lorini, Vasari), etc. Gradualmente, com a perda de uma abordagem ampla ao desenvolvimento À medida que crescem as tarefas funcionais e artísticas na ciência e na prática do planeamento urbano, o declínio profissional também está a fermentar, o que se reflecte no formalismo estético e na arbitrariedade de algumas decisões de planeamento.

Os ensinamentos teóricos do Renascimento sobre o planeamento urbano, apesar do seu carácter utópico, ainda tiveram alguma influência na prática do planeamento urbano. Foi especialmente perceptível durante a construção de fortificações em pequenos portos e cidades fortificadas fronteiriças construídas na Itália nos séculos XVI e mesmo XVII. num espaço de tempo extremamente curto.

Quase todos os arquitectos mais proeminentes deste período participaram na construção destas fortalezas: Giuliano e Antonio da Sangallo, o Velho, Sanmicheli, Michelangelo e muitos outros. Entre as inúmeras fortalezas construídas por Antonio da Sangallo, o Jovem, destaca-se a cidade de Castro, perto do Lago Bolsena, construída em 1534-1546. por ordem do Papa Paulo III (Alessandro Farnese). Sangallo projetou e implementou toda a cidade, destacando e posicionando especialmente os palácios do papa e sua comitiva, edifícios públicos com amplas galerias, uma igreja e uma casa da moeda. De resto, segundo Vasari, ele também conseguiu criar comodidades suficientes. Castro foi destruído em 1649 e é conhecido principalmente pelos esboços do mestre.

A composição central das cidades ideais não foi ignorada pelos arquitetos que criaram grandes complexos arquitetônicos onde deveria dominar a residência do senhor feudal. Foi assim que Vignola criou a vila de Caprarola, aliás - apenas a aproximação ao Palácio Farnese. Ruas estreitas, casas baixas, pequenas igrejas - como o sopé do magnífico Castelo Farnese. A natureza restrita e modesta da cidade enfatiza a grandeza e monumentalidade do palácio. Este esquema logicamente simples expressa com a maior clareza a intenção do autor, que soube utilizar a combinação contrastante tão comum na arquitetura do Renascimento para mostrar o principal e o secundário.

Quase simultaneamente em Malta, que desde 1530 pertencia à Ordem dos Cavaleiros de Malta, os italianos construíram a cidade fortificada de La Valletta, fundada em homenagem à vitória sobre os turcos (1566). A cidade foi fundada sobre um cabo, banhado por baías que penetram profundamente na ilha e protegida por fortes que emolduram as entradas do porto. Do ponto de vista da defesa, o território da cidade foi escolhido com extrema sabedoria. O cinturão de fortificação consistia em poderosas muralhas e altos baluartes, rodeados por profundos fossos escavados na rocha sobre os quais assentava a cidade. As estruturas defensivas tinham saídas diretas para o mar e na parte nordeste foi criado um porto interior artificial, encerrado num anel de muralhas da cidade. A planta retangular inicialmente concebida não foi totalmente implementada, uma vez que a cidade possuía uma fundação rochosa, o que dificultava o traçado das ruas e a construção das próprias casas (Fig. 18).

De nordeste a sudoeste, a cidade era cortada por uma rua longitudinal principal que ia do portão principal do continente até a praça em frente à cidadela de Valletta. Paralelamente a esta rodovia principal, foram construídas mais três ruas longitudinais simetricamente em ambos os lados, cortadas por ruas transversais perpendiculares às principais; não eram transitáveis, pois eram escadas escavadas na rocha. O traçado das ruas foi realizado de tal forma que a partir das rodovias longitudinais era possível observar a partir de cada cruzamento ao longo de quatro ruas que se cruzam em ângulo reto a aparência do inimigo, ou seja, aqui um dos princípios básicos subjacentes ao desenho de cidades ideais foi plenamente observada, em particular, dublado por Alberti.

A rigidez geométrica do plano foi suavizada forma complexa estruturas defensivas e a colocação de um conjunto de pequenos quarteirões, cuja dimensão dependia do espaço livre nas zonas periféricas da cidade, devido à complexidade do terreno costeiro e à localização das muralhas da cidade. Valletta foi construída quase simultaneamente com edifícios residenciais muito semelhantes e de igual altura, com um pequeno número de janelas em forma de lacunas. A construção ocorreu ao longo do perímetro dos quarteirões e os demais blocos residenciais foram ajardinados. As casas de esquina possuíam necessariamente torres residenciais equipadas com plataformas defensivas, onde se guardava o abastecimento de pedras e outros meios de defesa contra um inimigo que invadisse a cidade.

Na verdade, Valletta foi uma das primeiras cidades ideais da Renascença, quase totalmente realizadas. A sua aparência geral indica que condições naturais específicas, os objetivos de uma estratégia específica, a comunicação conveniente com os portos e muitas outras condições ditadas diretamente pela vida, forçaram a cidade a ser construída não na forma de um esquema abstrato com um padrão bizarro de praças e cruzamentos, mas na forma de um esquema racional e econômico, significativamente ajustado às exigências da realidade durante o processo de construção.

Em 1564, Bernardo Buontalenti construiu a cidade fortificada de Terra del Sole, na fronteira norte da Romagna (perto de Forli), um exemplo da implementação de uma cidade renascentista ideal com um plano regular. Os contornos das fortificações, a própria planta da cidade e a localização do centro aproximam-se dos desenhos de Cataneo (Fig. 19).

Bernardo Buontalenti foi um dos mais destacados urbanistas e fortificadores de sua época, que conseguiu resolver de forma abrangente o problema da construção de uma cidade fortificada. Esta visão abrangente da cidade como um organismo único também é confirmada pelo seu trabalho em Livorno.

A forma estrelada da fortaleza, os canais de desvio, o traçado ortogonal, a construção axial da praça principal, emoldurada por galerias e sendo a soleira da catedral - tudo isto sugere que Livorno é a concretização da cidade ideal do Renascimento. Apenas a presença de uma costa sinuosa e a estrutura do porto violam um pouco a correção geométrica do esquema ideal (Fig. 20, 21).

Figura 22. À esquerda está Palma Nuova, 1595; à direita - Grammichele (foto aérea)

Uma das últimas cidades ideais da Renascença na vida real é a cidade fortificada de Palma Nuova, no nordeste de Veneza. O autor do projeto é desconhecido (presumivelmente Lo Rini ou Scamozzi). Segundo Merian, geógrafo alemão do século XVII, Palma Nuova foi fundada pelos venezianos em 1593 e concluída em 1595.

A planta geral da cidade, cercada por poderosas estruturas defensivas, mostra o diagrama radial das cidades ideais do Renascimento (Fig. 22) e é mais próximo em design do projeto Lorini de 1592.

A planta de Palma Nuova é um hectágono com dezoito ruas radiais que conduzem a um anel viário localizado muito próximo ao centro; seis deles têm vista para a praça principal em formato hexagonal. A habilidade do autor do projeto reflete-se na disposição das ruas, graças às quais a combinação do pentágono do perímetro externo das paredes e do hexágono da praça central da cidade parece completamente orgânica.

Doze praças foram projetadas em frente a cada baluarte e portão de entrada, e seis praças intradistritais adicionais foram criadas no cruzamento do terceiro anel viário com ruas radiais que não vão até a praça central.

Se o traçado das ruas de Palma Nuova foi executado quase exatamente de acordo com o projeto, então as estruturas defensivas foram erguidas muito mais poderosas do que o previsto. O desenvolvimento da cidade não é totalmente regular e é muito diversificado, mas isso não viola a ordem interna inerente a Palma Nuova.

A centralidade da composição é enfatizada pelos meios mais simples: a praça hexagonal é forrada de vegetação e tem no centro, em vez do edifício principal não construído, um mastro de bandeira, para o qual foram orientados os eixos de todas as ruas radiais voltadas para a praça.

Sob a influência das teorias urbanísticas do Renascimento, foi criado o traçado de Grammichele na Sicília, em forma de hexágono em 1693 (Fig. 22).

Em geral, a história do planeamento urbano italiano dos séculos XV-XVI, que nos deixou vários conjuntos arquitectónicos de importância mundial e muitos complexos mais pequenos e centros urbanos cheios de um encanto único, ainda apresenta um quadro bastante heterogéneo.

Até à segunda metade do século XV, enquanto as cidades ainda gozavam de alguma independência, as tradições da Idade Média eram fortes no planeamento urbano, embora os arquitectos tentassem dar às cidades estabelecidas uma aparência nova, geralmente mais regular.

De meados do século XV. Juntamente com o cliente público na pessoa da cidade, o cliente individual, que tem meios, poder, gostos e necessidades individuais, ganha cada vez mais importância. O performer não era mais a oficina, mas o arquiteto. Ele, ainda mais que o cliente, tinha individualidade própria, um talento único, um certo credo criativo e poderes significativos do cliente. Portanto, apesar de maior unidade económica, social e cultural do que na Idade Média, as cidades da Itália desse período são muito individuais e diferentes.

Do segundo quartel do século XVI. Com o desenvolvimento dos estados centralizados, com a racionalização da ideia de autocracia, as exigências da cidade como organismo integral tornam-se cada vez mais claramente delineadas.

Todo esse tempo, paralelamente à atividade prática dos arquitetos, que construíam apenas por ordem dos senhores, desenvolveu-se a ciência do urbanismo, expressa, via de regra, em tratados sobre as cidades ideais, suas fortificações, a beleza de seus composição e muitas outras questões relacionadas. No entanto, estas ideias nem sempre foram traduzidas em realidade, pelo que o planeamento urbano desenvolveu-se praticamente em duas direcções: a construção de uma série de grandes conjuntos em cidades já existentes e a construção de cidades fortificadas nos territórios mais vulneráveis ​​​​de estados e ducados individuais da Itália. .

Desde o início do Renascimento, cada elemento da cidade e do conjunto foi pensado de forma abrangente, não só do lado funcional, mas também do lado artístico.

Simplicidade e clareza de organização espacial - áreas retangulares de proporções muitas vezes múltiplas, enquadradas por galerias (Carpi, Vigevano, Florença - Piazza Santissima Annunziata); seleção lógica do principal, quando, sem perder a individualidade, todos os edifícios do conjunto se formaram numa composição integral (Pienza, Bolonha, Veneza); uniformidade proporcional e em grande escala das estruturas e espaços que as rodeiam, enfatizando o significado de uma determinada estrutura (a configuração da catedral de Pienza, a praça trapezoidal em frente à catedral de Veneza); separação e combinação de espaços individuais, interligados e subordinados entre si (as praças centrais de Bolonha, Piazza della Signoria em Florença, Piazzetta, Piazza San Marco em Veneza); uso extensivo de fontes, esculturas e pequenas formas (colunas na Piazzetta, mastros em frente à catedral e o monumento Colleoni em Veneza, o monumento Gattamelata em Pádua, a Fonte de Netuno em Bolonha, o monumento Marco Aurélio no Capitólio em Roma) - estas são as principais técnicas de composição de um conjunto arquitetônico, muito utilizadas durante o Renascimento na Itália. E, embora a vida não permitisse uma revisão e reestruturação radical das cidades existentes, os conjuntos centrais de muitas delas receberam um aspecto novo e verdadeiramente renascentista.

Gradualmente, os mestres do Renascimento começaram a buscar a uniformidade no desenvolvimento de complexos inteiros (Florença, Vigevano, Carpi, Veneza, Roma) e foram além, complicando a composição arquitetônica e espacial e resolvendo os complexos problemas de inclusão de novos conjuntos representativos em o desenvolvimento da cidade (Capitólio, Catedral de São Pedro).

Na segunda metade do século XVI. surgiu uma nova compreensão do conjunto: ele surge em torno de uma estrutura, geralmente de construção simétrica. A simplicidade e clareza das composições anteriores são gradualmente substituídas por sofisticadas técnicas de organização arquitetónica e espacial. A praça é cada vez mais interpretada como um vestíbulo aberto, como um espaço subordinado que se abre para os edifícios representativos da nobreza feudal ou da igreja. Por fim, há o desejo de levar em conta o movimento do espectador e, consequentemente, introduzir novos elementos de desenvolvimento dinâmico no conjunto (Capitólio em Roma) - técnica desenvolvida já na época seguinte.

Mudanças também ocorrem nas teorias de planejamento urbano desenvolvidas pelos arquitetos renascentistas. Se nos séculos XV e primeira metade do século XVI. essas teorias cobriam de forma abrangente o problema da cidade, então na segunda metade do século XVI. os autores focam principalmente nas questões privadas, sem perder, porém, a ideia da cidade como um organismo único.

Vemos que o Renascimento deu impulso não só ao desenvolvimento de ideias de planeamento urbano, mas também à construção prática de cidades mais confortáveis ​​e saudáveis, e preparou as cidades para um novo período de existência, para o período de desenvolvimento capitalista. Mas a curta duração desta era, o rápido declínio económico e o fortalecimento da reacção feudal, o estabelecimento de um regime monárquico em várias áreas e as conquistas estrangeiras interromperam este desenvolvimento.

Capítulo “Resultados do desenvolvimento da arquitetura italiana nos séculos XV-XVI”, seção “Arquitetura Renascentista na Itália”, enciclopédia “ História geral arquitetura. Volume V. Arquitetura da Europa Ocidental dos séculos XV-XVI. Renascimento". Editor executivo: V.F. Marcuson. Autores: V.F. Marcuzon (Resultados do desenvolvimento da arquitetura), T.N. Kozina (Planejamento urbano, cidades ideais), A.I. Opochinskaya (vilas e jardins). Moscou, Stroyizdat, 1967

O início do século XV viu grandes mudanças na vida e na cultura da Itália. Os habitantes da cidade, comerciantes e artesãos da Itália travaram uma luta heróica contra a dependência feudal desde o século XII. Ao desenvolver o comércio e a produção, os habitantes da cidade tornaram-se gradualmente mais ricos, derrubaram o poder dos senhores feudais e organizaram cidades-estado livres. Estas cidades italianas livres tornaram-se muito poderosas. Os seus cidadãos estavam orgulhosos das suas conquistas. A enorme riqueza das cidades italianas independentes foi a razão da sua vibrante prosperidade. A burguesia italiana olhava o mundo com outros olhos, acreditava firmemente em si mesma, na sua força. Eles eram alheios ao desejo de sofrimento, de humildade e de renúncia a todas as alegrias terrenas que lhes haviam sido pregadas até então. Cresceu o respeito pelo homem terreno que desfruta das alegrias da vida. As pessoas começaram a ter uma abordagem ativa da vida, a estudar o mundo com avidez e a admirar sua beleza. Durante este período, várias ciências nasceram e a arte se desenvolveu.

A Itália preservou muitos monumentos da arte da Roma Antiga, então tempos antigos eles novamente começaram a ser reverenciados como modelo, a arte antiga tornou-se objeto de adoração. A imitação da antiguidade deu origem à denominação deste período na arte - Renascimento, o que significa em francês "Renascimento". Claro, esta não foi uma repetição cega e exata da arte antiga, já era uma arte nova, mas baseada em exemplos antigos. Renascença italiana dividido em 3 etapas: séculos VIII - XIV - Pré-Renascença (Proto-Renascença ou Trecento)-sentar.); Século XV - início da Renascença (Quattrocento); final do século XV - início do século XVI - Alta Renascença.

Escavações arqueológicas foram realizadas em toda a Itália em busca de monumentos antigos. Estátuas, moedas, pratos e armas recém-descobertos foram cuidadosamente preservados e coletados em museus especialmente criados para esse fim. Os artistas aprenderam com esses exemplos da antiguidade e os pintaram da vida.

Trecento (pré-renascimento)

O verdadeiro início do Renascimento está associado ao nome Giotto di Bondone (1266? - 1337). Ele é considerado o fundador da pintura renascentista. O Florentino Giotto presta grandes serviços à história da arte. Foi um renovador, o ancestral de toda a pintura europeia após a Idade Média. Giotto deu vida às cenas gospel, criou imagens de pessoas reais, espiritualizadas, mas terrenas.

Giotto primeiro cria volumes usando claro-escuro. Ele adora cores limpas e claras em tons frios: rosa, cinza pérola, roxo claro e lilás claro. As pessoas nos afrescos de Giotto são atarracadas e andam pesadamente. Eles têm traços faciais grandes, maçãs do rosto largas e olhos estreitos. Sua pessoa é gentil, atenciosa e séria.

Das obras de Giotto, os afrescos dos templos de Pádua são os mais bem preservados. Histórias do evangelho ele apresentou aqui como existente, terreno, real. Nessas obras, ele fala sobre problemas que preocupam as pessoas em todos os momentos: sobre bondade e compreensão mútua, engano e traição, sobre profundidade, tristeza, mansidão, humildade e o eterno amor materno que tudo consome.

Em vez de figuras individuais desconexas, como em pintura medieval, Giotto conseguiu criar uma história coerente, toda uma narrativa sobre a complexa vida interior dos heróis. Em vez do fundo dourado convencional dos mosaicos bizantinos, Giotto introduz um fundo paisagístico. E se na pintura bizantina as figuras pareciam flutuar e pairar no espaço, então os heróis dos afrescos de Giotto encontraram terreno sólido sob seus pés. A busca de Giotto em transmitir o espaço, a plasticidade das figuras e a expressividade do movimento fizeram de sua arte um palco do Renascimento.

Um dos famosos mestres do Pré-Renascimento -

Simone Martini (1284 - 1344).

Suas pinturas mantiveram as características do gótico nortenho: as figuras de Martini são alongadas e, via de regra, sobre fundo dourado. Mas Martini cria imagens usando claro-escuro, dá-lhes movimento natural e tenta transmitir um certo estado psicológico.

Quattrocento (início da Renascença)

A antiguidade desempenhou um papel importante na formação da cultura secular do início da Renascença. A Academia Platônica é inaugurada em Florença, a Biblioteca Laurentiana contém uma rica coleção de manuscritos antigos. Surgiram os primeiros museus de arte, repletos de estátuas, fragmentos de arquitetura antiga, mármores, moedas e cerâmicas. Durante o Renascimento surgiram os principais centros da vida artística na Itália - Florença, Roma, Veneza.

Florença foi um dos maiores centros, o berço da arte nova e realista. No século XV, muitos mestres famosos da Renascença viveram, estudaram e trabalharam lá.

Arquitetura do início da Renascença

Os moradores de Florença tinham uma elevada cultura artística, participaram ativamente na criação de monumentos da cidade e discutiram opções para a construção de belos edifícios. Os arquitetos abandonaram tudo que lembrasse o gótico. Sob a influência da antiguidade, os edifícios encimados por uma cúpula passaram a ser considerados os mais perfeitos. O modelo aqui foi o Panteão Romano.

Florença é uma das cidades mais bonitas do mundo, uma cidade-museu. Preservou quase intacta a sua arquitectura da antiguidade, sendo os seus mais belos edifícios construídos principalmente durante o Renascimento. Erguendo-se acima dos telhados de tijolos vermelhos dos edifícios antigos de Florença está o enorme edifício da catedral da cidade. Santa Maria del Fiore, que muitas vezes é chamada simplesmente de Catedral de Florença. Sua altura chega a 107 metros. Uma magnífica cúpula, cuja esbelteza é enfatizada por nervuras de pedra branca, coroa a catedral. A cúpula tem um tamanho incrível (seu diâmetro é de 43 m), coroando todo o panorama da cidade. A catedral é visível de quase todas as ruas de Florença, claramente recortada contra o céu. Este magnífico edifício foi construído por um arquitecto

Filippo Brunelleschi (1377 - 1446).

O edifício abobadado mais magnífico e famoso da Renascença foi Basílica de São Pedro em Roma. Demorou mais de 100 anos para ser construído. Os idealizadores do projeto original foram arquitetos Bramante e Michelangelo.

Os edifícios renascentistas são decorados com colunas, pilastras, cabeças de leões e "putti"(bebês nus), guirlandas de gesso de flores e frutos, folhas e muitos detalhes, exemplos dos quais foram encontrados nas ruínas de antigas construções romanas. Voltei para a moda arco semicircular. Pessoas ricas começaram a construir casas mais bonitas e confortáveis. Em vez de casas próximas umas das outras, surgiram casas luxuosas palácios - palácios.

Escultura do início da Renascença

No século XV, em Florença, havia dois escultor famoso -Donatello e Verrocchio.Donatello (1386? - 1466)- um dos primeiros escultores da Itália que utilizou a experiência da arte antiga. Ele criou uma das belas obras do início da Renascença - a estátua de David.

De acordo com lenda bíblica, um simples pastor, o jovem Davi derrotou o gigante Golias e, assim, salvou os habitantes da Judéia da escravidão e mais tarde tornou-se rei. Davi foi um dos imagens favoritas Renascimento. Ele é retratado pelo escultor não como um humilde santo da Bíblia, mas como um jovem herói, vencedor, defensor de sua cidade natal. Em sua escultura, Donatello glorifica o homem como o ideal de uma bela personalidade heróica que surgiu durante o Renascimento. David é coroado com a coroa de louros do vencedor. Donatello não teve medo de introduzir um detalhe como o chapéu de pastor - sinal de sua origem simples. Na Idade Média, a igreja proibia a representação do corpo nu, por considerá-lo um vaso do mal. Donatello foi o primeiro mestre a violar corajosamente esta proibição. Ele afirma com isso que o corpo humano é belo. A estátua de David é a primeira escultura redonda daquela época.

Também é conhecida outra bela escultura de Donatello - a estátua de um guerreiro , general de Gattamelata. Foi o primeiro monumento equestre do Renascimento. Criado há 500 anos, este monumento ainda se ergue sobre um alto pedestal, decorando uma praça da cidade de Pádua. Pela primeira vez, não um deus, nem um santo, nem uma pessoa nobre e rica foi imortalizado na escultura, mas um nobre, valente e formidável guerreiro de grande alma, que ganhou fama por grandes feitos. Vestido com uma armadura antiga, Gattemelata (este é seu apelido, que significa “gato malhado”) monta em um cavalo poderoso em uma pose calma e majestosa. As características faciais do guerreiro enfatizam um caráter forte e decidido.

Andrea Verrocchio (1436 -1488)

O aluno mais famoso de Donatello, que criou o famoso monumento equestre ao condottiere Colleoni, que foi erguido em Veneza, na praça próxima à Igreja de San Giovanni. O que mais chama a atenção no monumento é o movimento energético conjunto do cavalo e do cavaleiro. O cavalo parece correr para além do pedestal de mármore onde está instalado o monumento. Colleoni, de pé nos estribos, esticado, com a cabeça erguida, espia ao longe. Uma careta de raiva e tensão congelou em seu rosto. Há uma sensação de grande vontade em sua postura, seu rosto lembra uma ave de rapina. A imagem está repleta de força indestrutível, energia e autoridade severa.

Pintura do início da Renascença

O Renascimento também renovou a arte da pintura. Os pintores aprenderam a transmitir com precisão o espaço, a luz e a sombra, as poses naturais e vários sentimentos humanos. Foi o início da Renascença que foi a época de acumulação desses conhecimentos e habilidades. As pinturas da época estão imbuídas de um clima alegre e otimista. O fundo é muitas vezes pintado em cores claras, e os edifícios e motivos naturais são contornados com linhas nítidas, predominando as cores puras. Todos os detalhes do evento são retratados com diligência ingênua: os personagens são na maioria das vezes alinhados e separados do fundo por contornos claros.

A pintura do início do Renascimento buscava apenas a perfeição, porém, graças à sua sinceridade, toca a alma do espectador.

Tommaso di Giovanni di Simone Cassai Guidi, conhecido como Masaccio (1401 - 1428)

É considerado um seguidor de Giotto e o primeiro mestre da pintura do início do Renascimento. Masaccio viveu apenas 28 anos, mas durante sua curta vida deixou uma marca na arte que dificilmente pode ser superestimada. Conseguiu completar as transformações revolucionárias iniciadas por Giotto na pintura. Suas pinturas se distinguem pelas cores escuras e profundas. As pessoas nos afrescos de Masaccio são muito mais densas e poderosas do que nas pinturas da era gótica.

Masaccio foi o primeiro a organizar corretamente os objetos no espaço, levando em consideração a perspectiva; Ele começou a representar pessoas de acordo com as leis da anatomia.

Ele soube conectar figuras e paisagem em uma única ação, transmitindo de forma dramática e ao mesmo tempo com bastante naturalidade a vida da natureza e das pessoas - e esse é o grande mérito do pintor.

Esta é uma das poucas obras de cavalete de Masaccio, encomendada a ele em 1426 para a capela da igreja de Santa Maria del Carmine em Pisa.

A Madonna está sentada em um trono construído estritamente de acordo com as leis de perspectiva de Giotto. Sua figura é pintada com pinceladas claras e confiantes, o que cria a impressão de volume escultural. Seu rosto está calmo e triste, seu olhar desapegado está direcionado para lugar nenhum. Envolta num manto azul escuro, a Virgem Maria segura nos braços o Menino, cuja figura dourada se destaca nitidamente sobre um fundo escuro. As dobras profundas da capa permitem ao artista brincar com o claro-escuro, o que também cria um efeito visual especial. O bebê come uvas pretas - símbolo de comunhão. Anjos perfeitamente desenhados (o artista conhecia muito bem a anatomia humana) ao redor da Madonna dão à imagem uma ressonância emocional adicional.

Único painel pintado por Masaccio para um tríptico dupla face. Após a morte precoce do pintor, o resto da obra, encomendada pelo Papa Martinho V para a Igreja de Santa Maria em Roma, foi concluída pelo artista Masolino. Aqui estão representadas duas figuras de santos austeras e monumentalmente executadas, todas vestidas de vermelho. Jerônimo segura um livro aberto e uma maquete da basílica, com um leão caído a seus pés. João Batista é retratado em sua forma usual: está descalço e segura uma cruz na mão. Ambas as figuras surpreendem pela precisão anatômica e pela sensação de volume quase escultural.

O interesse pelo homem e a admiração pela sua beleza foram tão grandes durante o Renascimento que levou ao surgimento de um novo gênero na pintura - o gênero do retrato.

Pinturicchio (versão de Pinturicchio) (1454 - 1513) (Bernardino di Betto di Biagio)

Nativo de Perugia na Itália. Durante algum tempo pintou miniaturas e ajudou Pietro Perugino a decorar com afrescos Capela Sistina em Roma. Adquiriu experiência nas mais complexas formas de pintura mural decorativa e monumental. Em poucos anos, Pinturicchio tornou-se um muralista independente. Ele trabalhou em afrescos nos apartamentos Borgia, no Vaticano. Ele fez pinturas murais na biblioteca da Catedral de Siena.

O artista não apenas transmite a semelhança do retrato, mas se esforça para revelar o estado interior de uma pessoa. Diante de nós está um adolescente, vestido com um vestido formal rosa de morador da cidade, com um pequeno boné azul na cabeça. Os cabelos castanhos descem até os ombros, emoldurando um rosto meigo, o olhar atento dos olhos castanhos é pensativo, um pouco ansioso. Atrás do menino está uma paisagem da Úmbria com árvores finas, um rio prateado e um céu rosado no horizonte. A ternura primaveril da natureza, como eco do caráter do herói, está em harmonia com a poesia e o encanto do herói.

A imagem do menino é dada em primeiro plano, grande e ocupa quase todo o plano do quadro, e a paisagem é pintada ao fundo e bem pequena. Isto cria a impressão da importância do homem, do seu domínio sobre a natureza circundante, e afirma que o homem é a criação mais bela da terra.

Eis a partida solene do Cardeal Capranica para o Concílio de Basileia, que durou quase 18 anos, de 1431 a 1449, primeiro em Basileia e depois em Lausanne. O jovem Piccolomini também fazia parte da comitiva do cardeal. Um grupo de cavaleiros acompanhados de pajens e criados apresenta-se numa elegante moldura de arco semicircular. O evento não é tão real e confiável, mas sim cavalheirescamente refinado, quase fantástico. Em primeiro plano, um belo cavaleiro montado em um cavalo branco, com vestido e chapéu luxuosos, vira a cabeça e olha para o espectador - este é Enéias Silvio. O artista tem prazer em pintar roupas ricas e lindos cavalos em mantas de veludo. As proporções alongadas das figuras, os movimentos levemente educados, as leves inclinações da cabeça aproximam-se do ideal da quadra. A vida do Papa Pio II foi repleta de acontecimentos luminosos, e Pinturicchio falou sobre os encontros do Papa com o Rei da Escócia, com o Imperador Frederico III.

Filippo Lippi (1406 - 1469)

Surgiram lendas sobre a vida de Lippi. Ele próprio era monge, mas deixou o mosteiro, tornou-se um artista errante, raptou uma freira do mosteiro e morreu envenenado pelos familiares de uma jovem por quem se apaixonou na velhice.

Ele pintou imagens da Madona com o Menino, repletas de sentimentos e experiências humanas vivas. Em suas pinturas ele retratava muitos detalhes: objetos do cotidiano, ambientes, de modo que seus temas religiosos eram semelhantes às pinturas seculares.

Domenico Ghirlandaio (1449 - 1494)

Ele pintou não apenas temas religiosos, mas também cenas da vida da nobreza florentina, sua riqueza e luxo, e retratos de pessoas nobres.

Diante de nós está a esposa de um rico florentino, amigo do artista. Nesta jovem não muito bonita e luxuosamente vestida, a artista expressou calma, um momento de quietude e silêncio. A expressão no rosto da mulher é fria, indiferente a tudo, parece que ela antevê a sua morte iminente: logo após pintar o retrato ela morrerá. A mulher é retratada de perfil, o que é típico de muitos retratos da época.

Piero della Francesca (1415/1416 - 1492)

Um dos nomes mais significativos da pintura italiana do século XV. Ele completou inúmeras transformações nos métodos de construção da perspectiva do espaço pictórico.

A pintura foi pintada sobre placa de choupo com têmpera de ovo - obviamente, a essa altura o artista ainda não havia dominado os segredos da pintura a óleo, técnica com a qual seriam pintadas suas obras posteriores.

O artista captou o aparecimento do mistério da Santíssima Trindade no momento do Batismo de Cristo. A pomba branca abrindo as asas sobre a cabeça de Cristo simboliza a descida do Espírito Santo sobre o Salvador. Figuras de Cristo, João Batista e parado por perto com eles os anjos são pintados com cores contidas.
Seus afrescos são solenes, sublimes e majestosos. Francesca acreditava no destino elevado do homem e nas suas obras as pessoas sempre fazem coisas maravilhosas. Ele usou transições de cores sutis e suaves. Francesca foi a primeira a pintar en plein air (ao ar livre).

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Arte Renascentista

Renascimento- este foi o apogeu de todas as artes, incluindo o teatro, a literatura e a música, mas, sem dúvida, a principal delas, que mais plenamente expressou o espírito de sua época, foram as artes plásticas.

Não é por acaso que existe uma teoria de que o Renascimento começou com o facto de os artistas terem deixado de se contentar com o enquadramento do estilo “bizantino” dominante e, em busca de modelos para a sua criatividade, foram os primeiros a recorrer a para a antiguidade. O termo “Renascença” foi introduzido pelo próprio pensador e artista da época, Giorgio Vasari (“Biografias de Pintores, Escultores e Arquitetos Famosos”). Foi assim que ele nomeou o período de 1250 a 1550. Do seu ponto de vista, foi uma época de renascimento da antiguidade. Para Vasari, a antiguidade aparece como uma imagem ideal.

Posteriormente, o conteúdo do termo evoluiu. O renascimento começou a significar a emancipação da ciência e da arte da teologia, um arrefecimento em relação à ética cristã, o surgimento de literaturas nacionais e o desejo de uma pessoa de se libertar das restrições da Igreja Católica. Ou seja, o Renascimento, em essência, passou a significar humanismo.

RENASCIMENTO, RENASCIMENTO(Renascimento francês - renascimento) - uma das maiores épocas, ponto de inflexão no desenvolvimento da arte mundial entre a Idade Média e os tempos modernos. O Renascimento abrange os séculos XIV-XVI. na Itália, séculos XV-XVI. em outros países europeus. Este período no desenvolvimento da cultura recebeu o seu nome - Renascença (ou Renascença) em conexão com o renascimento do interesse por Arte antiga. No entanto, os artistas desta época não apenas copiaram modelos antigos, mas também colocaram neles conteúdos qualitativamente novos. O Renascimento não deve ser considerado um estilo ou movimento artístico, pois nesta época existiram vários estilos, tendências e tendências artísticas. O ideal estético da Renascença foi formado com base em uma nova visão de mundo progressista - o humanismo. O mundo real e o homem foram proclamados o valor mais elevado: o homem é a medida de todas as coisas. O papel da personalidade criativa aumentou especialmente.

O pathos humanístico da época foi melhor concretizado na arte, que, como nos séculos anteriores, visava fornecer uma imagem do universo. A novidade foi que eles tentaram combinar o material e o espiritual em um todo. Era difícil encontrar uma pessoa indiferente à arte, mas deu-se preferência às artes plásticas e à arquitetura.

Pintura italiana do século XV. principalmente monumental (afrescos). A pintura ocupa um lugar de destaque entre os tipos de artes plásticas. Corresponde mais plenamente ao princípio renascentista de “imitar a natureza”. Um novo sistema pictórico está sendo desenvolvido baseado no estudo da natureza. O artista Masaccio deu uma valiosa contribuição para o desenvolvimento da compreensão do volume e sua transmissão com a ajuda do claro-escuro. A descoberta e justificação científica das leis da perspectiva linear e aérea influenciaram significativamente o destino futuro da pintura europeia. Uma nova linguagem plástica da escultura está se formando, cujo fundador foi Donatello. Ele reviveu a estátua redonda independente. Seu melhor trabalho é a escultura de David (Florença).

Na arquitetura, os princípios do antigo sistema de ordem são ressuscitados, a importância das proporções é elevada, novos tipos de edifícios são formados (palácio da cidade, vila de campo, etc.), a teoria da arquitetura e o conceito de cidade ideal são desenvolvidos . O arquiteto Brunelleschi construiu edifícios nos quais combinou a antiga compreensão da arquitetura e as tradições do gótico tardio, alcançando uma nova espiritualidade imaginativa da arquitetura desconhecida pelos antigos. Durante a Alta Renascença, a nova visão de mundo foi melhor incorporada no trabalho de artistas que são legitimamente chamados de gênios: Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo, Giorgione e Ticiano. Os últimos dois terços do século XVI. chamada de Renascença tardia. Neste momento, uma crise envolve a arte. Torna-se regimentado, cortês e perde seu calor e naturalidade. No entanto, alguns grandes artistas - Ticiano, Tintoretto - continuam a criar obras-primas durante este período.

O Renascimento italiano teve uma enorme influência na arte da França, Espanha, Alemanha, Inglaterra e Rússia.

O aumento no desenvolvimento da arte na Holanda, França e Alemanha (séculos XV-XVI) é chamado de Renascença do Norte. As obras dos pintores Jan van Eyck e P. Bruegel, o Velho, são o ápice deste período de desenvolvimento artístico. Na Alemanha, o maior artista do Renascimento alemão foi A. Durer.

As descobertas feitas durante o Renascimento no campo da cultura espiritual e da arte foram de grande significado histórico para o desenvolvimento da arte europeia nos séculos subsequentes. O interesse por eles continua em nosso tempo.

O Renascimento na Itália passou por várias fases: início do Renascimento, alto Renascimento, final do Renascimento. Florença se tornou o berço do Renascimento. Os fundamentos da nova arte foram desenvolvidos pelo pintor Masaccio, pelo escultor Donatello e pelo arquiteto F. Brunelleschi.

O primeiro a criar pinturas em vez de ícones maior mestre Proto-Renascença Gioto. Ele foi o primeiro a se esforçar para transmitir ideias éticas cristãs através da representação de sentimentos e experiências humanas reais, substituindo o simbolismo pela representação de espaço real e objetos específicos. Nos famosos afrescos de Giotto Capela del Arena em Pádua Você pode ver personagens muito inusitados ao lado dos santos: pastores ou fiandeiros. Cada pessoa em Giotto expressa experiências muito específicas, um caráter específico.

Durante o início do Renascimento na arte, a antiga herança artística foi dominada, novos ideais éticos foram formados, os artistas voltaram-se para as conquistas da ciência (matemática, geometria, óptica, anatomia). O papel principal na formação dos princípios ideológicos e estilísticos da arte do início da Renascença é desempenhado por Florença. As imagens criadas por mestres como Donatello e Verrocchio são dominadas pela estátua equestre do condottiere Gattamelata David "os princípios heróicos e patrióticos de Donatello ("São Jorge" e "David" de Donatello e "David" de Verrocchio).

O fundador da pintura renascentista é Masaccio(pinturas da Capela Brancacci, “Trindade”), Masaccio soube transmitir a profundidade do espaço, conectou a figura e a paisagem com um único conceito composicional e deu expressividade retratista aos indivíduos.

Mas a formação e evolução do retrato pictórico, que refletiu o interesse da cultura renascentista pelo homem, está associada aos nomes dos artistas da escola Umrbi: Piero della Francesca, Pinturicchio.

O trabalho do artista se destaca no início do Renascimento Sandro Botticelli. As imagens que ele criou são espirituais e poéticas. Os pesquisadores notam a abstração e o intelectualismo refinado nas obras do artista, seu desejo de criar composições mitológicas com conteúdo complicado e criptografado (“Primavera”, “Nascimento de Vênus”).Um dos escritores da vida de Botticelli disse que suas Madonas e Vênus dão a impressão de perda, evocando em nós um sentimento de tristeza indelével... Alguns perderam o céu, outros perderam a terra.

"Primavera" "Nascimento de Vênus"

O ponto culminante no desenvolvimento dos princípios ideológicos e artísticos do Renascimento italiano torna-se Alta Renascença. Leonardo da Vinci é considerado o fundador da arte da Alta Renascença. grande artista e cientista.

Ele criou uma série de obras-primas: “Mona Lisa” (“La Gioconda”) A rigor, o próprio rosto de Gioconda se distingue pela contenção e calma, o sorriso que lhe deu fama mundial e que mais tarde se tornou parte indispensável das obras de A escola de Leonardo é quase imperceptível nele. Mas na névoa suavemente derretida que envolvia o rosto e a figura, Leonardo conseguiu fazer sentir a variabilidade ilimitada das expressões faciais humanas. Embora os olhos de Gioconda olhem para o observador com atenção e calma, graças ao sombreamento das órbitas oculares, pode-se pensar que estão ligeiramente franzidos; seus lábios estão comprimidos, mas perto dos cantos há sombras sutis que fazem você acreditar que a cada minuto eles vão se abrir, sorrir e falar. O próprio contraste entre seu olhar e o meio sorriso nos lábios dá a ideia da inconsistência de suas experiências. Não foi em vão que Leonardo torturou seu modelo com longas sessões. Como ninguém, ele conseguiu transmitir sombras, sombras e meios-tons nesta imagem, e eles dão origem a uma sensação de vida vibrante. Não foi à toa que Vasari pensou que uma veia pulsava no pescoço de Gioconda.

No retrato de Gioconda, Leonardo não só transmitiu perfeitamente o corpo e o envolvente ambiente aéreo. Ele também investiu nisso a compreensão do que o olho exige para que uma imagem produza uma impressão harmoniosa, e é por isso que tudo parece como se as formas nascessem naturalmente umas das outras, como acontece na música quando a dissonância tensa é resolvida por um acorde eufônico. . Gioconda está perfeitamente inscrita em um retângulo estritamente proporcional, sua meia figura forma algo inteiro, suas mãos postas dão completude à sua imagem. Agora, é claro, não poderia haver dúvida dos cachos fantasiosos da antiga “Anunciação”. Porém, por mais suavizados que sejam todos os contornos, a mecha ondulada do cabelo de Mona Lisa está em sintonia com o véu transparente, e o tecido pendurado jogado sobre seu ombro encontra eco nos sinuosos suaves da estrada distante. Em tudo isso, Leonardo demonstra sua capacidade de criar de acordo com as leis do ritmo e da harmonia. “Do ponto de vista da técnica de execução, a Mona Lisa sempre foi considerada algo inexplicável. Agora acho que posso responder a esse enigma”, diz Frank. Segundo ele, Leonardo utilizou a técnica “sfumato” que desenvolveu (do italiano “sfumato”, literalmente “desapareceu como fumaça”). A técnica é que os objetos nas pinturas não devem ter limites claros, tudo deve se transformar suavemente, os contornos dos objetos devem ser suavizados com a ajuda da névoa leve que os rodeia. A principal dificuldade desta técnica reside nos menores esfregaços (cerca de um quarto de milímetro), que não são reconhecíveis nem ao microscópio nem aos raios X. Assim, foram necessárias centenas de sessões para pintar a pintura de Da Vinci. A imagem da Mona Lisa consiste em aproximadamente 30 camadas de tinta a óleo líquida, quase transparente. Para esse trabalho de joalheria, o artista aparentemente teve que usar uma lupa. Talvez o uso de uma técnica tão trabalhosa explique o longo tempo gasto trabalhando no retrato - quase 4 anos.

, "Última Ceia" causa uma impressão duradoura. Na parede, como se a superasse e levasse o espectador a um mundo de harmonia e visões majestosas, desenrola-se o antigo drama evangélico da confiança traída. E este drama encontra a sua resolução num impulso geral dirigido à personagem principal - um marido de rosto triste que aceita o que está a acontecer como inevitável. Cristo acabou de dizer aos seus discípulos: “Um de vocês me trairá”. O traidor senta-se com outros; os antigos mestres retratavam Judas sentado separadamente, mas Leonardo revelava seu isolamento sombrio de maneira muito mais convincente, envolvendo suas feições em sombras. Cristo está submisso ao seu destino, cheio da consciência do sacrifício da sua façanha. Sua cabeça baixa com olhos baixos e o gesto de suas mãos são infinitamente belos e majestosos. Uma linda paisagem se abre pela janela atrás de sua figura. Cristo é o centro de toda a composição, de todo o redemoinho de paixões que assola. Sua tristeza e calma parecem eternas, naturais - e este é o significado profundo do drama mostrado. Ele procurou fontes de formas perfeitas de arte na natureza, mas foi ele quem N. Berdyaev considera responsável pelo vindouro processo de mecanização e a mecanização da vida humana, que separou o homem da natureza.

A pintura alcança a harmonia clássica na criatividade Rafael. Sua arte evolui das primeiras imagens friamente distantes das Madonas da Úmbria (“Madonna Conestabile”) para o mundo do “Cristianismo feliz” das obras florentinas e romanas. “Madonna com o Pintassilgo” e “Madonna na Poltrona” são suaves, humanas e até comuns em sua humanidade.

Mas a imagem da “Madona Sistina” é majestosa, conectando simbolicamente os mundos celeste e terrestre. Acima de tudo, Rafael é conhecido como o criador de imagens suaves de Madonas. Mas na pintura ele incorporou tanto o ideal do homem universal da Renascença (retrato de Castiglione) quanto o drama dos acontecimentos históricos. “A Madona Sistina” (c. 1513, Dresden, Galeria de Imagens) é uma das obras mais inspiradas do artista. Pintado como imagem de altar para a igreja do mosteiro de S. Sixta em Piacenza, esta pintura em conceito, composição e interpretação da imagem difere significativamente das “Madonas” do período florentino. Em vez de uma imagem íntima e terrena de uma bela jovem donzela observando condescendentemente as diversões de duas crianças, aqui vemos uma visão maravilhosa aparecendo de repente nos céus por trás de uma cortina puxada por alguém. Cercada por um brilho dourado, a solene e majestosa Maria caminha pelas nuvens, segurando o menino Cristo à sua frente. À esquerda e à direita, St. ajoelha-se diante dela. Sisto e S. Bárbara. A composição simétrica e estritamente equilibrada, a clareza da silhueta e a generalização monumental das formas conferem à “Madona Sistina” uma grandeza especial.

Nesta pintura, Rafael, talvez mais do que em qualquer outro lugar, conseguiu aliar a veracidade vital da imagem com os traços da perfeição ideal. A imagem da Madonna é complexa. A comovente pureza e ingenuidade de uma mulher muito jovem combinam-se nele com firme determinação e heróica prontidão para o sacrifício. Este heroísmo liga a imagem de Nossa Senhora às melhores tradições do humanismo italiano. A combinação do ideal e do real nesta imagem nos faz relembrar as famosas palavras de Rafael em uma carta ao amigo B. Castiglione. “E eu vou te dizer”, escreveu Raphael, “que para pintar uma beleza preciso ver muitas belezas... mas por falta... de mulheres bonitas, uso alguma ideia que me vem à cabeça . Não sei se tem alguma perfeição, mas me esforço muito para alcançá-la.” Estas palavras esclarecem o método criativo do artista. Partindo da realidade e apoiando-se nela, ele ao mesmo tempo se esforça para elevar a imagem acima de tudo que é aleatório e transitório.

Miguel Ângelo(1475-1564) é sem dúvida um dos artistas mais inspirados da história da arte e, juntamente com Leonardo Da Vinci, a figura mais poderosa do Alto Renascimento italiano. Como escultor, arquiteto, pintor e poeta, Michelangelo teve uma enorme influência nos seus contemporâneos e na subsequente arte ocidental em geral.

Ele se considerava florentino - embora tenha nascido em 6 de março de 1475 na pequena vila de Caprese, perto da cidade de Arezzo. Michelangelo amou profundamente sua cidade, sua arte, cultura e carregou esse amor até o fim de seus dias. Ele passou a maior parte de sua vida adulta em Roma, trabalhando por ordem dos papas; no entanto, deixou um testamento, segundo o qual seu corpo foi sepultado em Florença, em um belo túmulo na igreja de Santa Croce.

Michelangelo fez uma escultura em mármore Pietá(Lamentação de Cristo) (1498-1500), que ainda se encontra no seu local original - a Basílica de São Pedro. Esta é uma das obras mais famosas da história da arte mundial. A Pietà provavelmente foi concluída por Michelangelo antes dos 25 anos. Esta é a única obra que ele assinou. A jovem Maria é retratada com o Cristo morto de joelhos, uma imagem emprestada da arte do norte da Europa. O olhar de Maria não é tão triste quanto solene. Esse Ponto mais alto a obra do jovem Michelangelo.

Não menos significativa obra do jovem Michelangelo foi uma imagem gigante de mármore (4,34 m). Davi(Accademia, Florença), executado entre 1501 e 1504, após retornar a Florença. O herói do Antigo Testamento é retratado por Michelangelo como um jovem bonito, musculoso e nu que olha ansiosamente para longe, como se avaliasse seu inimigo - Golias, com quem terá que lutar. A expressão viva e intensa do rosto de David é característica de muitas obras de Michelangelo - este é um sinal de seu estilo escultural individual. David, a escultura mais famosa de Michelangelo, tornou-se um símbolo de Florença e foi originalmente colocada na Piazza della Signoria, em frente ao Palazzo Vecchio, a Câmara Municipal de Florença. Com esta estátua, Michelangelo provou aos seus contemporâneos que não só superou todos os artistas contemporâneos, mas também os mestres da antiguidade.

Pintando a abóbada da Capela Sistina Em 1505, Michelangelo foi convocado a Roma pelo Papa Júlio II para cumprir duas ordens. O mais importante foi o afresco da abóbada da Capela Sistina. Trabalhando deitado em um andaime alto logo abaixo do teto, Michelangelo criou as mais belas ilustrações para alguns contos bíblicos entre 1508 e 1512. Na abóbada da capela papal ele retratou nove cenas do Livro do Gênesis, começando com a Separação da Luz das Trevas e incluindo a Criação de Adão, a Criação de Eva, a Tentação e Queda de Adão e Eva e o Dilúvio. Ao redor das pinturas principais alternam-se imagens de profetas e sibilas em tronos de mármore, outros personagens do Antigo Testamento e os antepassados ​​de Cristo.

Para se preparar para este grande trabalho, Michelangelo completou um grande número de esboços e cartolinas, nos quais retratou figuras de assistentes em diversas poses. Estas imagens majestosas e poderosas demonstram a compreensão magistral do artista sobre a anatomia e o movimento humanos, o que deu impulso a um novo movimento na arte da Europa Ocidental.

Duas outras excelentes estátuas, O prisioneiro acorrentado e a morte de um escravo(ambos c. 1510-13) estão no Louvre, Paris. Eles demonstram a abordagem de Michelangelo à escultura. Para ele, as figuras ficam simplesmente encerradas em um bloco de mármore, e a tarefa do artista é libertá-las retirando o excesso de pedra. Muitas vezes Michelangelo deixou esculturas inacabadas - seja porque se tornaram desnecessárias, ou simplesmente porque perderam o interesse pelo artista.

Biblioteca de San Lorenzo O projeto do túmulo de Júlio II exigiu elaboração arquitetônica, mas o trabalho sério de Michelangelo na área arquitetônica começou apenas em 1519, quando foi contratado para a fachada da Biblioteca de São Lourenço em Florença, para onde o artista retornou. novamente (este projeto nunca foi implementado). Na década de 1520 projetou também o elegante hall de entrada da Biblioteca, adjacente à Igreja de San Lorenzo. Estas estruturas foram concluídas apenas algumas décadas após a morte do autor.

Michelangelo, um adepto da facção republicana, participou na guerra contra os Medici em 1527-29. Suas responsabilidades incluíam a construção e reconstrução de fortificações em Florença.

Capelas Médici. Tendo vivido bastante tempo em Florença, Michelangelo executou, entre 1519 e 1534, uma encomenda da família Médici para a construção de dois túmulos na nova sacristia da Igreja de San Lorenzo. Num salão com alta abóbada abobadada, o artista ergueu dois magníficos túmulos contra as paredes, destinados a Lorenzo De' Medici, duque de Urbino e a Giuliano De' Medici, duque de Nemours. As duas sepulturas complexas pretendiam representar tipos opostos: Lorenzo é um indivíduo contido, uma pessoa taciturna e retraída; Giuliano, ao contrário, é ativo e aberto. O escultor colocou esculturas alegóricas da Manhã e da Noite sobre o túmulo de Lorenzo, e alegorias do Dia e da Noite sobre o túmulo de Giuliano. O trabalho nos túmulos dos Medici continuou depois que Michelangelo retornou a Roma em 1534. Ele nunca mais visitou sua amada cidade.

Último Julgamento

De 1536 a 1541, Michelangelo trabalhou em Roma na pintura da parede do altar da Capela Sistina, no Vaticano. O maior afresco da Renascença retrata o dia do Juízo Final. Cristo, com um raio de fogo em sua mão, divide inexoravelmente todos os habitantes da terra em justos salvos, representados no lado esquerdo da composição, e pecadores descendo para o de Dante inferno (lado esquerdo do afresco). Seguindo estritamente a sua própria tradição, Michelangelo originalmente pintou todas as figuras nuas, mas uma década depois um artista puritano as “vestiu” à medida que o clima cultural se tornou mais conservador. Michelangelo deixou seu próprio autorretrato no afresco - seu rosto pode ser facilmente visto na pele arrancada do Santo Mártir Apóstolo Bartolomeu.

Embora durante este período Michelangelo tenha recebido outras encomendas de pintura, como a pintura da Capela de São Paulo Apóstolo (1940), antes de mais nada procurou dedicar toda a sua energia à arquitetura.

Cúpula da Catedral de São Pedro. Em 1546, Michelangelo foi nomeado arquiteto-chefe da construção da Basílica de São Pedro no Vaticano. O edifício foi construído de acordo com os planos de Donato Bramante, mas Michelangelo acabou por ser o responsável pela construção da abside do altar e pelo desenvolvimento da engenharia e do desenho artístico da cúpula da catedral. A conclusão da construção da Catedral de São Pedro foi a maior conquista do mestre florentino no campo da arquitetura. Durante sua longa vida, Michelangelo foi amigo íntimo de príncipes e papas, de Lorenzo De' Medici a Leão X, Clemente VIII e Pio III, bem como de muitos cardeais, pintores e poetas. O caráter do artista, sua posição na vida é difícil de entender claramente por meio de suas obras - elas são tão diversas. Somente na poesia, em seus próprios poemas, Michelangelo abordou com mais frequência e profundidade as questões da criatividade e de seu lugar na arte. Um grande lugar em seus poemas é dedicado aos problemas e dificuldades que ele teve que enfrentar em seu trabalho e às relações pessoais com os representantes mais proeminentes daquela época.Um dos poetas mais famosos do Renascimento, Lodovico Ariosto, escreveu um epitáfio por esta artista famoso: “Michele é mais que mortal, ele é um anjo divino.”