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Artista belga contemporânea Deborah Missourtin ( Débora Missoorten) nasceu e ainda vive em Antuérpia, Bélgica, onde trabalha como independente artista profissional. Ela se formou na Academia de Artes em figurinos para teatro.

Artistas contemporâneos da Bélgica. Jean-Claude Dressé

Jean-Claude é um dos poucos artistas do nosso tempo que, apoiando-se nos grandes exemplos do passado, soube revisá-los e editá-los de acordo com a sua visão pessoal. Ele preenche suas obras de emoções de tal forma que elas devolvem o espectador à fonte dessa emotividade, enriquecida pelo esforço do autor, um conceito cuidadosamente desenvolvido de imagem, cor e harmonia. O artista faz isso para nos fazer gostar de desvendar os mistérios que cercam essa fonte.

Tento mostrar o invisível. Juan Maria Bolle

Juan Maria Bolle é um famoso artista flamengo (belga), nascido em Vilvoorde, perto de Bruxelas, Bélgica, em dezembro de 1958. Em 1976, ele se formou na Royal Athenaeum High School em sua cidade natal. Em 1985 completou seus estudos no St. Lucas Institute of Arts em Bruxelas.

A paixão não precisa de rótulo. Pedro Seminck

Peter Seminck é um famoso artista belga, nascido em Antuérpia em 1958. Ele recebeu sua educação na Schoten Art Academy, primeiro recebendo o diploma de bacharel e depois o mestrado. belas-Artes. Não se limita aos temas; pinta diversas pinturas, principalmente em óleo sobre tela. Atualmente vive e trabalha em Malle, um subúrbio de Antuérpia, na Bélgica.

Artista belga contemporâneo. Débora Missoorten

A artista belga contemporânea Debora Missoorten nasceu e ainda vive em Antuérpia, Bélgica, onde trabalha como artista profissional independente. Ela se formou na Academia de Artes em figurino para teatro.

Artistas contemporâneos da Bélgica. Frederico Dufoor

Artista contemporâneo Frédéric Dufort nasceu em 1943 em Tournai, Bélgica, e foi educado no Instituto Saint-Luc de Tournai e depois na Academia Mons. Após um breve intervalo, foi matriculado no ateliê de Louis Van Lint no Instituto Saint-Luc de Bruxelas. Desde 1967, depois de se formar, lecionou durante 10 anos no Instituto de Comunicação Gráfica, e depois assumiu o cargo de professor no Instituto Saint-Luc de Bruxelas, onde trabalhou até dezembro de 1998.

Moussin Irjan. Pintura contemporânea

Musin Irzhan, moderno artista, nascido em Almaty, Cazaquistão, em 1977. De 1992 a 1995 estudou na escola de Artes em Almaty. Em seguida, ele ingressou e se formou com sucesso na Academia de Artes I. E. Repin, em São Petersburgo, em 1999. Depois disso, ele estudou tecnologia moderna por vários anos pintura na Escola de Arte "RHoK" em Bruxelas e na Academia de Artes de Antuérpia.
Desde 2002, já expôs mais de uma vez e participou em diversos concursos, nos quais foi colocado mais de uma vez primeiros lugares e recebeu prêmios. Suas pinturas estão em coleções particulares na Inglaterra, França, Holanda, EUA, Colômbia, Bélgica e Rússia. Atualmente vive e trabalha em Antuérpia, Bélgica.

Pol Ledent. Artista autodidata contemporâneo. Paisagens e flores

O tema principal das pinturas deste artista é a vida selvagem, paisagens e estações, mas Paulo dedicou muitas de suas obras à força, energia e beleza do corpo humano.

Pol Ledent. Artista autodidata contemporâneo. Pessoas

Paul Legent nasceu em 1952 na Bélgica. Mas não começou a pintar de imediato, apenas em 1989. Começou com aquarelas, mas logo percebeu que não era disso que precisava, a pintura a óleo estaria mais de acordo com seu modo de pensar.
O tema principal das pinturas de Paul é a vida selvagem, paisagens e estações, mas dedicou muitos trabalhos à força, energia e beleza do corpo humano.

Sov cinto artista belga. Christiane Vleugels

Stéphane Heurion. Desenhos em aquarela

Paul Ledent nasceu em 1952 na Bélgica. Não decidiu imediatamente começar a pintar, mas apenas depois de vários anos de trabalho como engenheiro, em 1989. Paul começou com aquarelas, mas rapidamente sentiu que a pintura a óleo seria mais adequada ao seu modo de pensar.

Cedrico Leonard jovem desenhista Da Bélgica. Nasceu em 1985. Ele se formou na St. Luc School of the Arts com bacharelado em artes plásticas. Logo depois disso ele começou a trabalhar na pequena companhia, webmaster. Atualmente trabalha como designer freelancer. Cedric busca originalidade em tudo que faz e acredita no apelo dos efeitos visuais modernos.

Mais diversa e colorida que a arquitetura e a escultura flamenga, a pintura flamenga do século XVII desdobra-se no seu magnífico florescimento. Ainda mais claramente do que nestas artes, o eterno flamengo emerge aqui da mistura de fundamentos do norte e do sul como um tesouro nacional inerradicável. A pintura contemporânea em nenhum outro país capturou uma área de temas tão rica e variada. Nas igrejas novas ou restauradas, centenas de gigantescos altares barrocos aguardavam imagens de santos pintadas em grandes telas. Nos palácios e nas casas, vastas paredes ansiavam por pinturas de cavalete mitológicas, alegóricas e de gênero; e o retrato, que se desenvolveu no século XVI para retratos em tamanho real, permaneceu uma grande arte no sentido pleno da palavra, combinando naturalidade cativante com nobreza de expressão.

Ao lado desta grande pintura, que a Bélgica partilhou com a Itália e a França, aqui floresceu a pintura de gabinete original, maioritariamente sobre pequenas tábuas de madeira ou cobre, dando continuidade às antigas tradições, invulgarmente ricas, abrangendo tudo o que é representado, não descurando temas religiosos, mitológicos ou alegóricos, preferindo vida cotidiana todas as classes da população, especialmente camponeses, taxistas, soldados, caçadores e marinheiros em todas as suas manifestações. A paisagem desenvolvida ou os fundos de sala dessas pinturas de pequenas figuras transformaram-se em pinturas paisagísticas e arquitetônicas independentes nas mãos de alguns mestres. Esta série termina com imagens de flores, frutas e animais. O comércio exterior trouxe maravilhas da flora e da fauna aos viveiros e zoológicos dos arquiduques governantes em Bruxelas. A riqueza de suas formas e cores não podia ser ignorada pelos artistas que tudo dominavam.

Apesar de tudo isto, na Bélgica já não havia terreno para pinturas murais monumentais. Com exceção das pinturas de Rubens na igreja jesuíta de Antuérpia e de algumas séries de paisagens de igrejas, os grandes mestres da Bélgica criaram suas grandes telas, pinturas de parede e teto para governantes estrangeiros, e a queda da técnica de tapeçaria de Bruxelas, na qual a participação de Rubens deu apenas uma ascensão temporária, tornou desnecessária a participação de outros mestres belgas, como os Jordans e os Teniers. Mas os mestres belgas tiveram uma certa participação, embora não tão profunda quanto os holandeses, no desenvolvimento da gravura e da água-forte. Os holandeses de nascimento foram mesmo os melhores gravadores antes de Rubens, e a participação dos maiores pintores belgas: os Rubens, os Jordans, os Van Dycks, os Brouwers e os Teniers na “gravura pitoresca” - água-forte, é em parte apenas secundária. importa, em parte até duvidoso.

Antuérpia, a rica cidade comercial da Baixa Alemanha no Escalda, tornou-se agora mais do que nunca, no sentido pleno da palavra, a capital da Baixa Alemanha. Pintura holandesa. A pintura de Bruxelas, que só procurava caminhos independentes na paisagem, tornou-se um ramo da arte de Antuérpia; mesmo a pintura dos antigos centros de arte flamengos, Bruges, Ghent e Mecheln, viveu inicialmente apenas pelas suas relações com as oficinas de Antuérpia. Mas na parte valónia da Bélgica, especificamente em Lüttich, pode-se traçar uma atração independente pelos italianos e franceses.

Para a história geral da pintura flamenga do século XVII, além das coleções de fontes literárias de Van Mander, Goubraken, de Bie, Van Gool e Weyerman, os léxicos de Immerzeel, Cramm e Wurzbach, os livros consolidados, apenas parcialmente desatualizados São importantes os de Michiels, Waagen, Woters, Riegel e Philippi. Tendo em conta a importância predominante da arte Escalda, pode-se também mencionar a história da arte de Antuérpia de Van den Branden e Rooses, que, claro, requer acréscimos e alterações. O capítulo relacionado a isso do autor deste livro em sua “História da Pintura” e de Woltmann já está desatualizado em detalhes.

A pintura flamenga do século XVII alcançou total liberdade de arranjo e execução pictórica, unidade interna de desenho e cores, a mais suave amplitude e força nas mãos criativas de seu grande mestre Peter Paul Rubens, que fez de Antuérpia o local central para a exportação de pinturas para toda a Europa. Não faltaram, porém, mestres que se posicionaram na transição entre a antiga e a nova direção.

Nos ramos realistas nacionais, com pequenas figuras tendo como pano de fundo a paisagem desenvolvida, ainda viviam apenas ecos da grandeza e da espontaneidade de Pieter Bruegel, o Velho. A representação da paisagem de transição permanece dentro da estrutura do "estilo de cena" de Gilliss Van Coninksloo com sua folhagem tufada de árvores e a evitação das dificuldades da perspectiva aérea e linear através do desenvolvimento de tons individuais, sucessivos e de cores diferentes. Os fundadores da pintura de paisagem moderna, os irmãos Antuérpia Matthäus e Paul Bril (1550 - 1584 e 1554 - 1626), também vieram deste estilo convencional, sobre cujo desenvolvimento quase nada se sabe. Matthaus Briel apareceu repentinamente como pintor de afrescos paisagísticos no Vaticano, em Roma. Após sua morte prematura, Paul Bril, camarada de seu irmão no Vaticano, desenvolveu ainda mais o então novo estilo paisagístico holandês. Poucas pinturas autênticas de Matthäus sobreviveram; a maior parte veio de Paulo, cujas paisagens de igrejas e palácios no Vaticano, no Latrão e no Palazzo Rospigliosi em Santa Cecília e em Santa Maria Maggiore em Roma relatei em outros lugares. Só gradualmente passam sob a influência das paisagens mais livres e unificadas de Annibale Carracci, para o estilo de transição equilibrado acima mencionado. O desenvolvimento posterior de Briel, que faz parte da história geral da pintura de paisagem, reflete-se nas suas numerosas pequenas paisagens em quadros, em parte marcadas pelos anos (1598 em Parma, 1600 em Dresden, 1601 em Munique, 1608 e 1624 em Dresden, 1609 , 1620 e 1624 - no Louvre, 1626 - em São Petersburgo), abundante como sempre com árvores, raramente tentando transmitir uma área específica. Em qualquer caso, Paul Bril pertence aos fundadores do estilo paisagístico que deu origem à arte de Claude Lorrain.

Na Holanda, o antuérpio Josse de Momper (1564 - 1644), melhor representado em Dresden, desenvolveu o estilo de palco Koninksloo em paisagens montanhosas elegantemente pintadas, não particularmente ricas em árvores, nas quais "três fundos", às vezes com a adição de um quarto iluminado pelo sol, geralmente aparece em toda a sua beleza marrom-verde-cinza-azul.

A influência das pinturas mais antigas de Brill é sentida pelo segundo filho de Peter Bruegel, o Velho, Jan Brueghel, o Velho (1568 - 1625), que trabalhou em Roma e Milão antes de seu retorno a Antuérpia em 1596. Crivelli e Michel dedicaram-lhe obras separadas. Pintou principalmente quadros pequenos, às vezes em miniatura, que dão a impressão de paisagem mesmo nos casos em que representam temas bíblicos, alegóricos ou de gênero. São eles que aderem firmemente ao estilo Koninksloo com folhagem tufada, embora transmitam de forma mais sutil as transições mútuas dos três fundos. Uma característica da versatilidade de Jan Brueghel é que ele pintou fundos de paisagens para pintores de figuras como Balen, figuras para pintores de paisagens como Momper e guirlandas florais para mestres como Rubens. Ele é famoso por sua recém-executada “A Queda” do Museu de Haia, na qual Rubens pintou Adão e Eva, e Jan Brueghel pintou paisagens e animais. As suas próprias paisagens, abundantemente dotadas de vida folclórica colorida, que ainda não transmitem de forma particularmente expressiva o céu com as suas nuvens, representam principalmente zonas montanhosas irrigadas por rios, planícies com moinhos de vento, ruas de aldeias com cenas de tabernas, canais com bancos arborizados, estradas rurais movimentadas em alturas arborizadas e estradas florestais com lenhadores e caçadores, observadas de forma vívida e fiel. Primeiras pinturas seus pincéis podem ser vistos na Ambrosiana milanesa. Está melhor representado em Madrid e bem em Munique, Dresden, São Petersburgo e Paris. De particular importância no sentido da procura de novos caminhos foi a sua pintura de flores, que transmitia de forma extremamente convincente não só todo o encanto das formas e o brilho das cores de cores raras, mas também as suas combinações. Madrid, Viena e Berlim têm pinturas de flores de seu pincel.

Dos seus colaboradores, não devemos perder Hendrik Van Balen (1575 - 1632), cujo professor é considerado o segundo professor de Rubens, Adam Van Noort. Suas pinturas de altar (por exemplo, na Igreja de Tiago em Antuérpia) são insuportáveis. Ele se tornou famoso por suas pinturas pequenas, suavemente escritas e açucaradas em quadros com conteúdo principalmente de fábulas antigas, por exemplo, “A Festa dos Deuses” no Louvre, “Ariadne” em Dresden, “A Reunião do Maná” em Brunswick, mas suas pinturas desse tipo também carecem de frescor artístico e espontaneidade.

O estilo paisagístico de transição descrito acima continuou, entretanto, entre imitadores fracos até o início Século XVIII. Aqui podemos notar apenas os mestres mais fortes desta tendência, que a transferiram para a Holanda: David Vinkboons de Mecheln (1578 - 1629), que se mudou de Antuérpia para Amsterdã, pintou cenas frescas de florestas e aldeias, às vezes também episódios bíblicos em cenários paisagísticos. , mas acima de tudo, os feriados do templo em frente às tabernas das aldeias. Suas melhores pinturas em Augsburg, Hamburgo, Braunschweig, Munique e São Petersburgo são observadas de forma bastante direta e não sem força, pintadas com cores coloridas. Roelant Savery de Courtrai (1576 - 1639), a quem Curt Erasmus dedicou um estudo cuidadosamente escrito, estudou as montanhas arborizadas alemãs a serviço de Rudolf II, após o que se estabeleceu como pintor e gravador, primeiro em Amsterdã, depois em Utrecht. Ele equipou seus planos cheios de luz, fundindo gradativamente três planos, mas um tanto secos na execução, paisagens montanhosas, rochosas e florestais, que podem ser vistas bem em Viena e Dresden, com grupos vivos de animais selvagens e domesticados em cenas de caça, em imagens de paraíso e Orfeu. Ele também pertence aos primeiros pintores independentes de flores. Adam Willaerts de Antuérpia (1577, falecido após 1649), que se mudou para Utrecht em 1611, foi um representante da paisagem marítima deste estilo de transição. As suas vistas costeiras e marítimas (por exemplo, em Dresden, de Weber em Hamburgo, na Galeria Liechtenstein) ainda são secas no padrão das ondas, ainda ásperas na representação da vida do navio, mas cativantes pela honestidade da sua atitude para com a natureza . Finalmente, Alexander Kerrinckx de Antuérpia (1600 - 1652), que transferiu sua arte paisagística flamenga para Amsterdã, em pinturas com sua assinatura ainda segue inteiramente Koninksloe, mas em pinturas posteriores de Brunswick e Dresden é obviamente influenciado pela pintura em tom acastanhado holandês de Van Goyen. Ele pertence, portanto, aos mestres transicionais no sentido mais amplo da palavra.

Dos mestres deste estilo em Antuérpia que permaneceram em casa, Sebastian Vranx (1573 - 1647) mostra sucesso indubitável como pintor de paisagens e pintor de cavalos. Ele também retrata a folhagem em forma de cachos, na maioria das vezes pendentes, como uma bétula, mas confere-lhe uma conexão mais natural, confere ao tom arejado uma nova clareza e sabe conferir um caráter vital às ações do escrito com confiança e coerência. cavalos e cavaleiros de suas cenas de batalha e roubo, que podem ser vistas, por exemplo, em Braunschweig, Aschaffenburg, Rotterdam e em Weber em Hamburgo.

Finalmente, na pintura arquitetônica, ainda no século XVI, seu filho Hendrik Steenvik, o Jovem (1580 - 1649), que se mudou para Londres, e ao lado dele, a imagem principal, Peter Neefs, o Velho (1578 - 1656), vistas interiores de cujas igrejas podem ser encontradas em Dresden, Madrid, Paris e São Petersburgo.

Em geral, a pintura flamenga estava obviamente no caminho certo para retornar à pequena arte, quando a grande arte de Rubens se ergueu acima dela como o sol e a carregou consigo para o reino da luz e da liberdade.

Peter Paul Rubens (1577 - 1640) - o sol em torno do qual gira tudo o que é belga arte XVII século, mas ao mesmo tempo um dos grandes luminares da arte pan-europeia deste período. Ao contrário de todos os pintores barrocos italianos, é o principal representante do Barroco na pintura. A plenitude das formas, a liberdade de movimentos, o domínio sobre as massas, que conferem pitoresco ao estilo barroco da arquitetura, nas pinturas de Rubens são renunciados ao peso da pedra e, com o luxo inebriante das cores, recebem um novo e independente direito de existência. Com o poder das formas individuais, a grandeza da composição, a plenitude florescente de luz e cores, a paixão da vida em transmitir ações repentinas, a força e o fogo em excitar a vida física e mental de seus homens e mulheres carnudos, vestidos e figuras despidas, ele supera todos os outros mestres. O corpo luxuoso de suas mulheres loiras com bochechas carnudas, lábios carnudos e um sorriso alegre brilha branco. Queimada pelo sol, a pele de seus guerreiros brilha, e sua ousada testa convexa é animada pelo poderoso arco de suas sobrancelhas. Seus retratos são os mais frescos e saudáveis, não os mais individuais e íntimos para a época. Ninguém sabia reproduzir animais selvagens e domesticados de forma tão vívida como ele, embora, por falta de tempo, na maioria dos casos deixasse assistentes para retratá-los em suas pinturas. Na paisagem, cuja execução também confiou a assistentes, viu, antes de mais, o efeito geral da vida atmosférica, mas ele próprio pintou, ainda na velhice, paisagens espantosas. Sua arte abrangia todo o mundo dos fenômenos espirituais e físicos, toda a complexidade do passado e do presente. Ele pintou pinturas de altar e novamente pinturas de altar para a igreja. Ele pintou retratos e retratos principalmente para si e seus amigos. Ele criou imagens mitológicas, alegóricas, históricas e cenas de caça para os grandes deste mundo. As pinturas de paisagens e de gênero eram trabalhos secundários aleatórios.

Choveram ordens sobre Rubens. Pelo menos duas mil pinturas saíram de seu ateliê. A grande procura por sua arte foi causada pela repetição frequente de pinturas inteiras ou de partes individuais pelas mãos de seus alunos e assistentes. No auge de sua vida, ele geralmente deixava suas próprias pinturas para serem pintadas por seus assistentes. São todas as transições entre as suas próprias obras e as pinturas da oficina, para as quais deu apenas esboços. Com toda a semelhança de formas básicas e humores básicos, suas próprias pinturas revelam mudanças significativas de estilo, as mesmas de muitos de seus contemporâneos, desde modelagem plástica sólida e escrita espessa e pesada até uma execução mais leve, mais livre e mais brilhante, até mais contornos animados, até modelagens mais suaves, arejadas e cheias de humor, iluminadas pelas cores coloridas da pintura tonal.

No topo da literatura mais recente sobre Rubens está a obra coletada amplamente concebida de Max Rooses: “As Obras de Rubens” (1887 - 1892). As melhores e mais importantes obras biográficas pertencem a Rooses e Michel. Obras coletivas, depois de Waagen, também foram publicadas por Jacob Burchardt, Robert Fischer, Adolf Rosenberg e Wilhelm Bode. Questões individuais sobre Rubens foram examinadas por Ruelens, Woltmann, Riegel, Heller von Ravensburg, Grosmann, Riemanns e outros. Giemans e Voorthelm-Schnevogt trabalharam com Rubens como gravador.

Rubens nasceu em Siegen, perto de Colônia, de respeitados antuérpios e recebeu sua primeira educação artística na cidade de seus pais com Tobias Verhegt (1561 - 1631), um pintor paisagista medíocre de estilo transicional, depois estudou quatro anos com Adam Van Noort (1562 - 1641), um dos mestres médios do italiano educado, como hoje é conhecido, e depois trabalhou por mais quatro anos com Otto Van Wen, rico em invenções, vazio na forma, um falso clássico, com quem primeiro se aproximou juntou-se e em 1598 tornou-se mestre de guilda. Em 1908, Haberzwil dedicou artigos detalhados aos três professores de Rubens. Nenhuma pintura do início do período de Rubens em Antuérpia pode ser estabelecida com certeza. De 1600 a 1608 viveu na Itália; primeiro em Veneza, depois principalmente ao serviço de Vincenzo Gonzaga em Mântua. Mas já em 1601 escreveu em Roma para três altares da igreja de Santa Croce em Jerusalém “A descoberta da cruz”, “A coroação de espinhos” e “A exaltação da cruz”. Estas três pinturas, hoje pertencentes à capela do hospital de Grasse, no sul de França, revelam o estilo do seu primeiro período italiano, ainda em busca de si, ainda influenciado por cópias de Tintoretto, Ticiano e Correggio, mas já repleto de um desejo independente de força e movimento. O jovem mestre foi para a Espanha em 1603 por ordem de seu príncipe. Das pinturas que ali pintou, as figuras dos filósofos Heráclito, Demócrito e Arquimedes no Museu de Madrid ainda apresentam formas pomposas e dependentes, mas também uma forte impressão de profundidade psicológica. Voltando a Mântua Rubens pintou um grande retábulo de três partes imagem do meio que, com a veneração da família Gonzaga, S. Trindade, preservada em duas partes na biblioteca de Mântua, e pelas amplas pinturas laterais repletas de figuras, mostrando o poder cada vez maior das formas e da ação das massas, “O Batismo de Cristo” foi parar no Museu de Antuérpia e “Transfiguração” no Museu de Nancy. Depois, em 1606, o mestre pintou novamente em Roma para a Chiesa Nuova um magnífico retábulo da Assunção de Santa, já repleto de poder rubensiano em suas figuras banhadas de luz. Gregory", agora propriedade do Museu de Grenoble, e em Roma substituída já em 1608 por três outras pinturas, nada melhores, do mesmo mestre. A espetacular “Circuncisão de Cristo” de 1607 em Sant’Ambrogio, em Gênova, assemelha-se mais claramente ao estilo de Caravaggio. Porém, pesquisadores como Rooses e Rosenberg atribuem o mestre ao período italiano, quando copiou obras de Ticiano, Tintoretto, Correggio, Caravaggio, Leonardo, Michelangelo e Rafael, além de diversas pinturas dele, aparentemente, porém, pintadas mais tarde. Grandes, originárias de Mântua, fortes na forma e na cor, alegorias de exibição e virtude em Dresden, se não escritas, como Michel pensa conosco, por volta de 1608 em Mântua, então admitimos, junto com Bode, que surgiram depois de Rubens ' retornar à sua terra natal do que com Roosers, que foram escritos antes de sua viagem à Itália para Antuérpia. A imagem de Jerônimo desenhada com confiança e modelada plasticamente em Dresden também revela um estilo rubensiano peculiar, talvez até desenvolvido demais para o seu período italiano, ao qual agora atribuímos esta imagem. Após o retorno de Rubens a Antuérpia em 1608, já em 1609 foi nomeado pintor da corte de Albrecht e Isabella, e seu estilo, já independente, rapidamente desenvolveu-se com tremenda força e grandeza.

Desordenada na composição, inquieta nos contornos, irregular nos efeitos de iluminação é a sua “Adoração dos Magos” (1609 - 1610) em Madrid, marcada, no entanto, por um movimento poderoso. Cheio de vida e paixão, poderoso na modelagem muscular dos corpos, sua famosa imagem em três partes “A Exaltação da Cruz” na Catedral de Antuérpia. Memórias italianas mais fortes são refletidas em pinturas mitológicas simultâneas, como Vênus, Cupido, Baco e Ceres em Kassel, e o rechonchudo e acorrentado Prometeu em Oldenburg. Exemplos típicos de retratos em grande escala desta época são os retratos de paisagens de Albrecht e Isabella em Madrid e uma magnífica pintura de Munique representando o próprio mestre num gazebo de madressilva com a sua jovem esposa, Isabella Brant, que ele trouxe para a sua terra natal em 1609, uma imagem incomparável de amor calmo e puro de felicidade.

A arte de Rubens alçou voo entre 1611 e 1614. A enorme pintura “A Descida da Cruz” com as majestosas “Visita de Maria Isabel” e “Introdução ao Templo” nas portas, na Catedral de Antuérpia, é considerada a primeira obra em que o mestre trouxe seus tipos e seus próprios maneira de escrever para o pleno desenvolvimento. A vitalidade apaixonada dos movimentos individuais é maravilhosa, e ainda mais maravilhoso é o poder comovente da execução pictórica. Pinturas mitológicas como “Rômulo e Remo” na Galeria Capitolina, “Fauno e Fauno” na Galeria Schönborn em Viena também pertencem a esses anos.

A pintura de Rubens de 1613 e 1614, confiante na composição, com formas e cores bem definidas, é representada por algumas pinturas marcadas, excepcionalmente, com o seu nome e o ano de execução. São elas a pintura “Júpiter e Calisto” (1613), pura na forma, bela na cor, “Fuga para o Egito” em Kassel, cheia de luz mágica, “Vênus gelada” (1614) em Antuérpia, patética “Lamentação” (1614 ) em Viena e "Susanna" (1614) em Estocolmo, cujo corpo é sem dúvida mais agradável e melhor compreendido do que o corpo demasiado luxuoso da sua anterior Susanna em Madrid; De acordo com o método de pintura, essas pinturas também são acompanhadas por poderosas imagens simbólicas de um Cristo crucificado solitário contra o fundo de um céu escurecido em Munique e Antuérpia.

A partir dessa época, as encomendas se acumularam tanto no ateliê de Rubens que ele deu aos seus assistentes um papel de maior destaque na execução de suas pinturas. Os mais antigos, além de Jan Bruegel, incluem o notável pintor de animais e frutas Frans Snyders (1579 - 1657), que, segundo o próprio Rubens, pintou a águia na citada pintura de Oldenburg com Prometeu, e o animado pintor paisagista Jan Wildens (1586 - 1653), que trabalhou a partir de 1618. O funcionário mais notável foi Anton Van Dyck (1599 – 1641), que mais tarde se tornou uma figura independente. De qualquer forma, tendo se tornado mestre em 1618, foi o braço direito de Rubens até 1620. As próprias pinturas de Rubens desses anos geralmente contrastam a penumbra azulada do corpo com um ponto de luz amarelo-avermelhado, enquanto as pinturas com uma colaboração claramente estabelecida de Van Dyck se distinguem por um claro-escuro quente e uniforme e uma representação pictórica mais nervosa. Estes incluem seis grandes imagens pintadas com entusiasmo da vida do cônsul romano Decius Mussa, no Palácio de Liechtenstein em Viena, cartolinas que Rubens fez para tapetes tecidos em 1618 (as cópias sobreviventes estão em Madrid) e grandes pinturas decorativas no teto (sobreviventes apenas esboços em colecções diversas), e alguns de composição espectacular, com muitas figuras dos retábulos desta igreja, “O Milagre de S. Xavier" e "O Milagre de S. Inácio”, resgatado pelo Museu da Corte de Viena. Não há dúvida da colaboração de Van Dyck também na enorme Crucificação em Antuérpia, na qual Longinus a cavalo perfura o lado do Salvador com uma lança, na Madonna com pecadores penitentes em Kassel, e segundo Bode também na “Trindade” de Munique Day” e no “Lazare” de Berlim, segundo Rooses também na dramática caça ao leão e no não menos dramático, apaixonado e rápido rapto das filhas de Leucipo em Munique. Todas essas pinturas brilham não apenas com o poder ousado da composição de Rubens, mas também com a sutileza penetrante do sentimento de pintura de Van Dyck. Entre as pinturas feitas à mão, pintadas em suas partes principais pelo próprio Rubens entre 1615 e 1620, estão as melhores pinturas religiosas - cheias de movimentos de massa efervescentes e agitados " Último Julgamento"em Munique e cheio de animação interior "A Assunção de Nossa Senhora" em Bruxelas e Viena, bem como pinturas mitológicas magistrais, luxuosas "bacanais" e imagens de "Thiasos" em Munique, Berlim, São Petersburgo e Dresden, em que o poder da transbordante alegria sensual da vida, traduzido do romano para o flamengo, aparentemente atinge plena expressão pela primeira vez. “A Batalha das Amazonas” em Munique (por volta de 1620), uma criação inatingível no sentido de uma transferência pitoresca do despejo e da batalha mais frenética, embora escrita em tamanho pequeno, é adjacente aqui. Depois seguem-se crianças nuas em tamanho real, como soberbos "putti" com uma guirlanda de frutas em Munique, depois cenas de caça selvagem, caças a leões, das quais o melhor é em Munique, e caças a javalis, dos quais o melhor acontece em Dresden. Seguem-se as primeiras pinturas de paisagens com acréscimos mitológicos, por exemplo, a cheia de humor “O Naufrágio de Eneias” em Berlim, ou com envolventes naturais, como a radiante paisagem romana com ruínas no Louvre (cerca de 1615) e as paisagens vibrantes “Verão” e “Inverno” "(cerca de 1620) em Windsor. Majestosamente representados, pintados de forma ampla e verdadeira, sem qualquer vestígio de maneirismos antigos, iluminados pela luz de todos os tipos de manifestações celestiais, eles permanecem como pilares de fronteira na história da pintura de paisagem.

Por fim, os retratos de Rubens deste quinto aniversário destacam-se de forma clara, majestosa e poderosa. Seu autorretrato na Galeria Uffizi é uma obra magistral, e seu grupo de retratos “Quatro Filósofos” no Palácio Pitti é magnífico. Sua esposa Isabella aparece no auge de sua beleza em retratos nobres de Berlim e Haia. Por volta de 1620, um incrível retrato de Susanna Furman com um chapéu com penas também foi pintado na Galeria Nacional de Londres, coberto com o mais delicado claro-escuro. Os famosos retratos masculinos do mestre desses anos podem ser vistos em Munique e na Galeria Liechtenstein. Com a mesma paixão que Rubens retratou episódios da história sagrada do mundo, cenas de caça e até paisagens, ele pintou com a mesma calma seus retratos, sendo capaz de transmitir sua concha corporal com poder e verdade monumentais, mas sem tentar espiritualizar internamente, capturado apenas em geral , características faciais.

Van Dyck deixou Rubens em 1620, e sua esposa Isabella Brant morreu em 1626. Um novo impulso para sua arte foi seu segundo casamento com a bela e jovem Helena Furman em 1630. No entanto, suas viagens artísticas e diplomáticas a Paris também serviram de impulso (1622). , 1623, 1625), para Madrid (1628, 1629) e para Londres (1629, 1630). Das duas grandes séries históricas com alegorias, 21 enormes pinturas da vida de Maria de Médicis (a história foi escrita por Grossman) pertencem agora às melhores decorações do Louvre. Esboçadas pela mão magistral de Rubens, pintadas por seus alunos, completadas por ele mesmo, essas pinturas históricas estão repletas de muitos retratos modernos e figuras mitológicas alegóricas no espírito do barroco moderno e representam uma tal massa de belezas individuais e uma tal harmonia artística que eles permanecerão para sempre as melhores obras de pintura do século XVII. De uma série de pinturas da vida de Henrique IV da França, duas inacabadas foram parar na Galeria Uffizi; esboços para terceiros são mantidos em coleções diferentes. As nove pinturas que glorificam Jaime I da Inglaterra, com as quais Rubens decorou alguns anos depois os tetos do salão estatal em White Hall, enegrecidos pela fuligem de Londres, estão irreconhecíveis, mas elas próprias não pertencem às obras de maior sucesso do mestre.

Das pinturas religiosas que Rubens pintou na década de 1920, a grande e ardente Adoração dos Magos em Antuérpia, concluída em 1625, marca mais uma vez um ponto de viragem no seu desenvolvimento artístico com o seu pincel mais solto e largo, a linguagem da forma mais leve e a forma mais dourada e arejada. coloração. A luminosa e arejada “Assunção de Maria” da Catedral de Antuérpia ficou pronta em 1626. Segue-se a pitoresca e gratuita “Adoração dos Magos” no Louvre e “A Ressurreição da Virgem Maria” em Antuérpia. Em Madrid, onde o mestre voltou a estudar Ticiano, o seu colorido tornou-se mais rico e “florido”. A "Madona" com os santos que a adoram na igreja agostiniana de Antuérpia é uma repetição mais barroca da Madonna-Frari de Ticiano. A parte significativamente revisada do Triunfo de César de Mantegna, que estava em Londres em 1629 (agora na Galeria Nacional), a julgar por sua carta, também poderia ter aparecido somente depois dessa época. Esta década é especialmente rica em grandes retratos do mestre. Idosa, mas ainda cheia de beleza calorosa, está Isabella Brant no belo retrato do Hermitage; O retrato na Galeria Uffizi apresenta traços ainda mais nítidos. Entre os mais belos e coloridos está o retrato duplo de seus filhos na galeria de Liechtenstein. É famoso o expressivo retrato de Caspar Gevaert em sua mesa de trabalho em Antuérpia. E o próprio velho mestre aparece diante de nós com um sutil sorriso diplomático nos lábios no belo retrato de Aremberg, na altura do peito, em Bruxelas.

A última década que coube a Rubens (1631 - 1640) foi estrelada por sua querida segunda esposa Helena Furman, a quem pintou em todas as formas e que lhe serviu de modelo para pinturas religiosas e mitológicas. Seus melhores retratos de Rubens pertencem aos mais belos retratos de mulheres do mundo: meio corpo, vestido rico, chapéu com pena; em tamanho real, sentado, com um vestido luxuoso aberto no peito; em forma pequena, ao lado do marido para passear no jardim - ela aparece na Pinakothek de Munique; nu, apenas parcialmente coberto por um manto de pele - no Museu da Corte de Viena; de terno para passear no campo - em l'Hermitage; com o primogênito ao lado, no braço do marido, e também na rua, acompanhada por um pajem - com o Barão Alphonse Rothschild em Paris.

As obras eclesiásticas mais significativas desta época florescente e radiante do mestre são a majestosa e calma composição, brilhando com todas as cores do arco-íris, o altar de São Pedro. Ildefonso com poderosas figuras de doadores nas portas do Museu da Corte de Viena e um magnífico retábulo na capela do túmulo do próprio Rubens na Igreja de Tiago em Antuérpia, com os santos da cidade, pintados por pessoas próximas ao mestre. Obras mais simples, como: St. Cecília em Berlim e a magnífica Bate-Seba em Dresden não são inferiores a elas em tons e cores. Entre as preciosas imagens mitológicas deste período estão as brilhantes cortes de Paris, em Londres e Madrid; e que vitalidade apaixonada respira a caça de Diana em Berlim, quão fabulosamente luxuoso é o festival de Vénus em Viena, que luz mágica é iluminada por Orfeu e Eurídice em Madrid!

Algumas imagens de gênero do mestre são preparatórias para esse tipo de pintura. Assim, o caráter do gênero mitológico é capturado na ousadamente sensual e em tamanho real “Rendezvous Hour” em Munique.

Os protótipos de todas as cenas sociais de Watteau são as famosas pinturas com deuses voadores do amor, chamadas de “Jardins do Amor”, com grupos de casais apaixonados luxuosamente vestidos em uma festa no jardim. Uma das melhores obras deste tipo pertence ao Barão Rothschild em Paris, outra no Museu de Madrid. As pinturas de gênero mais importantes com pequenas figuras da vida popular, pintadas por Rubens, são uma dança camponesa imponente e vital, puramente rubensiana, em Madrid, um torneio de meia paisagem em frente ao fosso do castelo, no Louvre, e uma feira no mesma coleção, cujos motivos lembram Teniers.

A maior parte das paisagens reais de Rubens pertencem também aos últimos anos da sua vida: tal é a paisagem radiante com Odisseu no Pitti Palazzo, tais são as paisagens de novo design, explicando artisticamente com uma imagem simples e ampla do entorno o plano área onde ficava a dacha de Rubens, e com um céu majestoso e cheio de mudanças de humor. As mais belas incluem o pôr do sol ardente em Londres e as paisagens com arco-íris em Munique e São Petersburgo.

O que quer que Rubens assumisse, ele transformava tudo em ouro brilhante; e quem entrasse em contato com sua arte, como colaborador ou seguidor, não poderia mais escapar de seu círculo encantado.

Dos muitos alunos de Rubens, apenas Anton Van Dyck (1599 - 1641) - cuja luz, é claro, se relaciona com a luz de Rubens, assim como a lua se relaciona com o sol - alcança os céus da arte com a cabeça iluminada pelo brilho. Embora Balen seja considerado seu verdadeiro professor, o próprio Rubens o chamava de seu aluno. De qualquer forma, o seu desenvolvimento juvenil, pelo que sabemos, esteve sob a influência de Rubens, de quem nunca se afasta completamente, mas, de acordo com o seu temperamento mais impressionável, o transforma num modo mais nervoso, gentil e subtil. pintura e menos forte no desenho. Os muitos anos de permanência na Itália finalmente o transformaram em pintor e mestre das cores. Não era sua função inventar e intensificar dramaticamente a ação viva, mas ele sabia como colocar as figuras em relações claramente pensadas entre si em suas pinturas históricas e transmitir aos seus retratos as características sutis do status social, que se tornou o pintor favorito. dos nobres de seu tempo.

Os últimos resumos sobre Van Dyck pertencem a Michiels, Guiffrey, Kust e Schaeffer. Páginas individuais de sua vida e arte foram explicadas por Vibiral, Bode, Giemans, Rooses, Lau, Menotti e pelo autor deste livro. Ainda hoje discutem sobre a delimitação de diferentes períodos da vida, que estiveram principalmente ligados às viagens. De acordo com as últimas pesquisas, trabalhou até 1620 em Antuérpia, em 1620 - 1621 em Londres, em 1621 - 1627 na Itália, principalmente em Gênova, com uma pausa de 1622 a 1623, realizado, como mostrou Rooses, provavelmente em sua terra natal , em 1627 - 1628 na Holanda, depois novamente em Antuérpia, e de 1632 como pintor da corte de Carlos I em Londres, onde morreu em 1641, e durante este período, em 1634 - 1635 esteve em Bruxelas, em 1640 e 1641 em Antuérpia e Paris.

Quase não existem trabalhos iniciais Van Dyck, em que a influência de Rubens não seria perceptível. Mesmo suas primeiras séries apostólicas já mostram traços dos modos de Rubens. Destas, algumas das cabeças originais foram preservadas em Dresden, outras em Althorp. Entre as pinturas religiosas que Van Dyck pintou de acordo com seus próprios planos, por sua própria conta e risco, de 1618 a 1620, enquanto estava a serviço de Rubens, estão “O Martírio de São Pedro”. Sebastian”, com as composições “Lamentação de Cristo” e “Banho de Susanna” sobrecarregadas à moda antiga em Munique. “Thomas em São Petersburgo”, “A Serpente de Cobre” em Madrid. Nenhuma dessas pinturas possui uma composição impecável, mas são bem pintadas e coloridas. O “Jerônimo” de Dresden é pitoresco e profundamente sentido, representando um claro contraste com o vizinho, mais calmo e toscamente escrito Jerônimo de Rubens.

Segue-se então: “A Profanação de Cristo” em Berlim, a mais poderosa e expressiva destas pinturas semi-rubensianas, e de bela composição, sem dúvida esboçada por Rubens, “St. Martin" em Windsor, sentado em um cavalo, oferecendo uma capa a um mendigo. A repetição simplificada e mais fraca deste Martinho na igreja de Saventem está mais próxima da maneira posterior do mestre.

Van Dyck é um grande artista desta era rubensiana, especialmente em seus retratos. Alguns deles, combinando as conhecidas vantagens de ambos os mestres, foram atribuídos a Rubens no século XIX, até que Bode os devolveu a Van Dyck. Eles são mais individuais em traços individuais, mais nervosos na expressão, mais suaves e profundos na escrita do que os retratos contemporâneos de Rubens. O mais antigo desses retratos meio rubensianos de Van Dyck inclui retratos na altura do busto de um casal de idosos de 1618 em Dresden, os mais belos são as meias figuras de dois casais na galeria de Liechtenstein: uma mulher com laço de ouro no no peito, um senhor calçando luvas e sentado diante de uma senhora da cortina vermelha com uma criança no colo, em Dresden. A magnífica Isabella Brant de l'Hermitage pertence a ele, e do Louvre há um retrato duplo do suposto Jean Grusset Richardo e seu filho ao lado dele. Dos retratos duplos conhecidos parado por perto cônjuges - um retrato de Frans Snyders e sua esposa em poses muito forçadas, Jan de Wael e sua esposa em Munique, o mais pitoresco. Finalmente, nos autorretratos juvenis do mestre, com um olhar pensativo e autoconfiante, em São Petersburgo, Munique e Londres, a sua própria idade, cerca de vinte anos, indica um período precoce.

De pinturas religiosas pintadas por Van Dyck entre 1621 e 1627. na Itália, no sul, permaneceu uma bela cena, inspirada em Ticiano, com a “Moeda de Pedro” e “Maria e o Menino” em um halo de fogo, no Palazzo Bianco, lembrando Rubens, a “Crucificação” no palácio real de Génova, sentido com ternura no pitoresco e relações espirituais, o sepultamento da Galeria Borghese em Roma, a lânguida cabeça de Maria no Pitti Palazzo, a família magnífica e de cores radiantes na Pinacoteca de Turim e o poderoso mas educado retábulo da Madonna del Rosario em Palermo com figuras alongadas. Das pinturas seculares, mencionaremos aqui apenas a bela, no espírito de Giorgione, pintura que retrata as três idades da vida no museu da cidade de Vincenza e a pintura simples de composição, mas pintada com paixão “Diana e Endimon” em Madrid.

A modelagem confiante, firme e ao mesmo tempo suave das pinceladas em claro-escuro escuro e o colorido profundo e rico das cabeças italianas do mestre, buscando a unidade de humor, também são evidentes em seus retratos italianos, especialmente genoveses. Pintado de uma perspectiva ousada, quase de frente para o espectador, o retrato equestre de Antonio Giulio Brignole Sale agitando o chapéu na mão direita em saudação, localizado no Palazzo Rossi em Gênova, foi um verdadeiro indicador do novo caminho. Nobre, com colunas barrocas e drapeados ao fundo, retratos da Signora Geronima Brignole Sale com sua filha Paola Adorio em vestido de seda azul escuro com bordados dourados e homem jovem nas roupas de uma pessoa nobre da mesma coleção, eles estão no auge da arte retratística absoluta. A eles se juntam retratos da marquesa de Durazzo em vestido adamascado de seda amarelo claro, com crianças, diante de uma cortina vermelha, um animado retrato de grupo de três crianças com um cachorro e um nobre retrato de um menino em vestido branco, com um papagaio, guardado no Palazzo Durazzo Pallavicini. Em Roma, a Galeria Capitolina tem um retrato duplo muito importante de Luca e Cornelis de Wael; em Florença, no Pitti Palazzo, há um retrato inspirado e expressivo do Cardeal Giulio Bentivolio; Outros retratos do período italiano de Van Dyck chegaram ao exterior. Um dos melhores pertence a Pierpont Morgan em Nova York, mas também pode ser encontrado em Londres, Berlim, Dresden e Munique.

Os cinco anos (1627 - 1632) passados ​​​​pelo mestre em sua terra natal ao retornar da Itália revelaram-se extremamente frutíferos. Grandes retábulos cheios de movimento, como as poderosas Crucificações na Igreja de São Pedro. Mulheres em Dendermonde, na Igreja de Michael em Ghent, e na Igreja de Romuald em Mecheln, e adjacente a elas a "Exaltação da Cruz" na Igreja de St. As mulheres de Courtray não o representam tão bem como as obras cheias de vida interior, às quais incluímos a Crucificação com a próxima no Museu de Lille, “Descanso durante a Fuga” em Munique e Crucificações individuais cheias de sentimento em Antuérpia, Viena e Munique. Essas pinturas traduzem as imagens de Rubens da linguagem heróica para a linguagem do sentimento. Entre as mais belas pinturas deste período estão a Madonna com o casal ajoelhado de doadores e anjos derramando flores no Louvre, a Madonna com o menino Cristo em pé em Munique e a cheia de humor “Lamentações sobre Cristo” em Antuérpia, Munique, Berlim e Paris. Madonas e lamentos em geral eram os temas favoritos de Van Dyck. Ele raramente usava imagens de deuses pagãos, embora seu “Hércules na Encruzilhada” na Galeria Uffizi, imagens de Vênus, Vulcano, em Viena e Paris mostrem que ele foi capaz de lidar com eles até certo ponto. Ele permaneceu principalmente um pintor de retratos. Cerca de 150 retratos dele sobreviveram deste quinto aniversário. Seus traços faciais são ainda mais nítidos, suas mãos tipicamente graciosas e sedentárias mostram ainda menos expressão do que em suas pinturas italianas do mesmo tipo. Uma facilidade um pouco mais aristocrática foi acrescentada ao seu porte, e um clima geral mais sutil apareceu na coloração mais fria. As roupas geralmente caem com facilidade e liberdade, mas materialmente. Entre os mais belos deles, pintados em tamanho real, estão os retratos característicos da governante Isabella em Torino, no Louvre e na Galeria Liechtenstein, Philip de Roy e sua esposa na coleção Wallace em Londres, retratos duplos de um cavalheiro e uma senhora com uma criança nos braços no Louvre e no Museu Gótico e vários outros retratos de senhores e senhoras em Munique. Entre os mais expressivos retratos de meio corpo e de gerações, incluímos os retratos do Bispo Mulderus e Martin Pepin em Antuérpia, Adrian Stevens e sua esposa em São Petersburgo, do Conde Van den Bergh em Madrid e do Cônego Antonio de Tassis na Galeria de Liechtenstein. O organista Liberty parece languidamente, o escultor Colin de Nole, sua esposa e sua filha parecem chatos para um grupo de retratos em Munique. Os retratos do cavalheiro e da dama em Dresden e de Marie Louise de Tassis na galeria de Liechtenstein distinguem-se especialmente pelo seu nobre porte pitoresco. A influência de Van Dyck em todos os retratos de sua época, especialmente ingleses e franceses, foi enorme; no entanto, em características naturais e verdade interior, os seus retratos não podem ser iguais aos dos seus contemporâneos Velázquez e Frans Hals, para não citar outros.

Ocasionalmente, porém, Van Dyck também pegou a agulha de gravação. São 24 folhas de seu trabalho executadas de maneira fácil e significativa. Por outro lado, encomendou a outros gravadores a reprodução de uma grande série de pequenos retratos de contemporâneos famosos desenhados por ele, pintados no mesmo tom de cinza. Esta “Iconografia de Van Dyck” em cem folhas apareceu na coleção completa somente após sua morte.

Como pintor da corte de Carlos I, Van Dyck pintou pequenas pinturas religiosas ou mitológicas durante os últimos oito anos de sua vida. No entanto, vários mestres datam desta época tardia. melhores pinturas , escrito durante sua curta estadia na Holanda. Esta foi a última e mais pitoresca imagem do “Descanso na Fuga para o Egito”, com uma dança circular de anjos e perdizes voadoras, agora em l’Hermitage, a mais madura e bela “Lamentação de Cristo” no Museu de Antuérpia, não apenas claro, calmo e comovente na composição e expressão comovente da verdadeira dor, mas também em suas cores, seus belos acordes de azul, branco e ouro escuro, representando uma obra magistral e encantadora. Isto é seguido por numerosos retratos do período inglês. É verdade que as suas cabeças tornam-se, sob a influência do tipo da corte londrina, cada vez mais como máscaras, as suas mãos tornam-se cada vez menos expressivas; mas os vestidos estão se tornando mais refinados e mais substanciais no design, as cores, cujo tom prateado só gradualmente começou a desbotar, estão se tornando cada vez mais delicadas em seu charme. Claro, Van Dyck também montou um workshop em Londres com produção em grande escala, no qual trabalharam vários estudantes. O retrato de família em Windsor, mostrando o casal real sentado com seus dois filhos e seu cachorro, é uma peça de exibição bastante fraca. O retrato equestre do rei em frente ao arco triunfal, ali localizado, foi pintado com muito bom gosto; o seu retrato equestre na Galeria Nacional é ainda mais pitoresco o encantador retrato do rei desmontando do cavalo em traje de caça; O Louvre é verdadeiramente pitoresco. Dos retratos da rainha Henrietta Maria feitos por Van Dyck, o que pertence a Lord Northbrook em Londres e que representa a rainha com os seus anões no terraço do jardim está entre os mais recentes e antigos, e o da galeria de Dresden, apesar de toda a sua nobreza, está entre os mais fracos e mais recentes. São famosos vários retratos dos filhos do rei inglês, pertencentes às mais atraentes obras-primas de Van Dyck. Os mais belos retratos dos três filhos reais são os de Turim e Windsor; mas o mais luxuoso e bonito de todos é o retrato de Windsor com os cinco filhos do rei, com um cachorro grande e um cachorro pequeno. Dos outros numerosos retratos de Van Dyck em Windsor, o retrato de Lady Venice Digby, com seus acréscimos alegóricos na forma de pombas e deuses do amor, prenuncia uma nova era, e o retrato duplo de Thomas Killigrew e Thomas Carew surpreende com a vida as relações dos retratados são incomuns para nosso mestre. O retrato de James Stuart com um grande cachorro agarrado a ele no Metropolitan Museum of Art de Nova York é particularmente gracioso; o retrato dos noivos, os filhos de Guilherme II de Orange e Henrietta Maria Stuart, no City Museum de Amsterdã é particularmente gracioso; delicioso. Cerca de cem retratos do período inglês do mestre sobreviveram.

Van Dyck morreu jovem. Como artista, ele aparentemente falou tudo. Falta-lhe a versatilidade, a completude e o poder do seu grande professor, mas superou todos os seus contemporâneos flamengos na subtileza de um clima puramente pitoresco.

O resto dos pintores importantes, colaboradores e estudantes de Rubens em Antuérpia antes e depois de Van Dyck, vivem apenas em ecos da arte de Rubens, Even Abraham Diepepbeck (1596 - 1675), Cornelis Schut (1597 - 1655), Theodore Van Thulden ( 1606 - 1676), Erasmus Quellinus (1607 - 1678), irmão do grande escultor, e seu neto Jan Erasmus Quellinus (1674 - 1715) não são tão significativos que precisemos nos debruçar sobre eles. Os representantes dos vários departamentos realistas da oficina de Rubens têm um significado mais independente. Frans Snyders (1579 - 1657) começou com uma natureza morta, que adorava representar em tamanho natural, de forma ampla, realista e, ao mesmo tempo, decorativa; durante toda a sua vida pintou imagens grandes e saudáveis ​​​​de observação de utensílios de cozinha e frutas, como as disponíveis em Bruxelas, Munique e Dresden. Na oficina de Rubens, ele também aprendeu a retratar de forma viva e emocionante, quase com a força e o brilho de seu professor, o mundo vivo, animais em tamanho real em cenas de caça. Suas grandes pinturas de caça em Dresden, Munique, Viena, Paris, Cassel e Madrid são clássicos do gênero. Às vezes, seu cunhado Paul de Vos (1590 - 1678) se mistura com Snyders, cujas grandes pinturas de animais não se comparam ao frescor e ao calor das pinturas de Snyders. O novo estilo paisagístico, que se desenvolveu sob a influência de Rubens, eliminando quase completamente os antigos fundos tricolores e a tradicional folhagem tufada das árvores, aparece diante de nós com mais clareza nas pinturas e águas-fortes de Lucas Van Udens (1595 - 1672) , assistente nos últimos anos do mestre paisagista. Suas numerosas, mas em sua maioria pequenas, pinturas de paisagens, das quais nove estão penduradas em Dresden, três em São Petersburgo, duas em Munique - imagens simples e naturalmente capturadas das encantadoras paisagens fronteiriças locais entre a região montanhosa de Brabante e a planície flamenga. A execução é ampla e minuciosa. Suas cores buscam transmitir não apenas a impressão natural de árvores e prados verdes, terra acastanhada e distâncias montanhosas azuladas, mas também um céu claro e ligeiramente nublado. Os lados ensolarados de suas nuvens e árvores geralmente piscam com manchas amarelas de luz e, sob a influência de Rubens, às vezes também aparecem nuvens de chuva e arco-íris.

A arte de Rubens também causou uma revolução na gravura holandesa em cobre. Numerosos gravadores, cujas obras ele próprio examinou, estiveram ao seu serviço. O mais antigo deles, o antuérpio Cornelis Halle (1576 - 1656) e os holandeses Jacob Matham (1571 - 1631) e Jan Müller, ainda traduziram seu estilo para uma linguagem de formas mais antiga, mas os gravadores da escola de Rubens, vários que são descobertos por Peter Southman de Haarlem (1580 - 1643), e continuam a brilhar com nomes como Lucas Forsterman (n. 1584), Paul Pontius (1603 - 1658), Boethius e Schelte. Bolsvert, Pieter de Jode, o Jovem, e especialmente o grande gravador de claro-escuro Jan Witdöck (n. 1604) conseguiram imbuir suas folhas com força e movimento rubensianos. A nova técnica mezzotint, que dava uma superfície rugosa à placa por meio de um ponto de agarrar para raspar nela um desenho em massas moles, foi, se não inventada, então amplamente utilizada pela primeira vez por Vallerand Vaillant de Lille (1623 - 1677), aluno do aluno de Rubens, Erasmus Quellinus, um famoso e excelente pintor de retratos e um pintor único da natureza morta. Como, no entanto, Vaillant estudou esta arte não na Bélgica, mas em Amsterdã, para onde se mudou, a história da arte flamenga só pode mencioná-la.

Alguns importantes mestres de Antuérpia deste período, que não tinham relações diretas com Rubens ou seus alunos, juntaram-se a Caravaggio em Roma e formaram o grupo romano. Contornos nítidos, modelagem plástica, sombras pesadas de Caravaggio suavizam apenas em suas pinturas posteriores com uma escrita mais livre, mais quente e mais ampla, que falava da influência de Rubens. À frente deste grupo está Abraham Janssens Van Nuessen (1576 - 1632), cujo aluno Gerard Zeghers (1591 - 1651) em suas pinturas posteriores seguiu sem dúvida os passos de Rubens, e Theodor Rombouts (1597 - 1637) revela a influência de Caravaggio no seu género, em tamanho natural, com cores metálicas brilhantes e sombras pretas, pinturas em Antuérpia, Gante, São Petersburgo, Madrid e Munique.

O mais antigo dos então pintores flamengos que não tinha estado na Itália, Caspar de Crayer (1582 - 1669), mudou-se para Bruxelas, onde, competindo com Rubens, não foi além do ecletismo. Eles são liderados pelo antuérpio Jacob Jordaens (1583 - 1678), também aluno e genro de Adam Van Noort, o chefe dos realistas belgas verdadeiramente independentes da época, um dos mais significativos de seu tipo no notável flamengo. pintores do século XVII, ao lado de Rubens e Van Dyck. Rooses também dedicou a ele um extenso ensaio. Mais rude que Rubens, é mais espontâneo e original. Seu corpo é ainda mais maciço e carnudo que o de Rubens, suas cabeças são mais redondas e comuns. Suas composições, geralmente repetidas, com pequenas alterações para pinturas diferentes, são muitas vezes mais simples e muitas vezes sobrecarregadas. Seu pincel, apesar de toda sua habilidade, é mais seco, mais suave, às vezes mais denso; Por tudo isso, ele é um colorista maravilhoso e original. No início, ele escreve de maneira fresca e viva, modelando livremente as ricas cores locais; depois de 1631, cativado pelos encantos de Rubens, passa para um claro-escuro mais delicado, para cores intermediárias mais nítidas e para um tom acastanhado de pintura, de onde brilham efetivamente tons fundamentais ricos e profundos. Ele também retratou tudo o que foi retratado. Ele deve seu maior sucesso às pinturas alegóricas e de gênero em tamanho real, na maioria dos casos sobre o tema de provérbios populares.

Mais antigo foto famosa Jordaens "Crucificação" 1617 na Igreja de St. Paulo em Antuérpia revela a influência de Rubens. O próprio Jordaens aparece em 1618 em “A Adoração dos Pastores” em Estocolmo e num quadro semelhante em Brunswick, e especialmente nas primeiras imagens do sátiro visitando um camponês, a quem conta uma história incrível. A pintura mais antiga deste tipo pertence à cidade de Celst, em Bruxelas; seguidos por casos em Budapeste, Munique e Kassel. As primeiras pinturas religiosas também incluem imagens expressivas dos evangelistas no Louvre e “Discípulos no túmulo do Salvador” em Dresden; Das primeiras pinturas mitológicas, “Meleagro e Atlanta” em Antuérpia merece menção. A mais antiga de suas composições familiares vivas grupos de retratos(cerca de 1622) pertencem ao Museu de Madrid.

A influência de Rubens é novamente evidente nas pinturas de Jordaens, pintadas depois de 1631. Na sua sátira ao camponês de Bruxelas, já se nota uma viragem. As suas famosas imagens do "Rei do Feijão", das quais Kassel tem o exemplar mais antigo - outras estão no Louvre e em Bruxelas - bem como as suas inúmeras vezes repetidas imagens do ditado "O que os velhos cantam, os pequenos guincham", o Cuja cópia de Antuérpia é de 1638. de cor ainda mais fresca que a de Dresden, pintada em 1641 - outras no Louvre e em Berlim - já pertencem ao estilo mais suave e suave do mestre.

Antes de 1642, também foram pintadas pinturas mitológicas toscas de “A Procissão de Baco” em Kassel e “Ariadne” em Dresden, e excelentes retratos vivos de Jan Wirth e sua esposa em Colônia; depois, até 1652, pinturas animadas externa e internamente, apesar das linhas mais calmas, como a de São Pedro. Ivo em Bruxelas (1645), um soberbo retrato de família em Kassel e o vibrante "Bean King" em Viena.

O convite a Haia para participar na decoração do “Castelo da Floresta” encontrou o mestre com força total em 1652, ao qual dão “A Deificação do Príncipe Frederico Henrique” e “A Vitória da Morte sobre a Inveja” dos pincéis de Jordaens. sua marca e, em 1661, um convite para ir a Amsterdã, onde pintou as pinturas sobreviventes, mas agora quase indistinguíveis, para a nova prefeitura.

A imagem mais bela e religiosa de seus últimos anos é “Jesus entre os Escribas” (1663) em Mainz; a luxuosamente colorida “Introdução ao Templo” em Dresden e a luminosa “Última Ceia” em Antuérpia.

Se Jordaens é demasiado rude e desigual para ser classificado entre os maiores dos grandes, então, no entanto, como pintor burguês de Antuérpia e pintor dos burgueses, ele ocupa um lugar de honra ao lado de Rubens, o príncipe dos pintores e o pintor dos príncipes. . Mas precisamente por causa de sua originalidade, ele não criou nenhum aluno ou seguidor notável.

Um mestre, como Jordaens, que pertenceu independentemente ao passado pré-Rubens da arte flamenga foi Cornelis de Vos (1585 - 1651), especialmente notável como pintor de retratos, buscando a verdade não artificial e a sinceridade com uma maneira pictórica calma e comovente, um brilho peculiar nos olhos de suas figuras e uma cor cheia de luz. O melhor grupo de retratos de família, de composição descontraída, pertence ao Museu de Bruxelas, e o mais forte único retrato capataz de loja Grapheus - para Antuérpia. Seus retratos duplos do casal e de suas filhas em Berlim também são muito típicos.

Em contraste com o seu estilo puramente flamengo com uma mistura de italiano, que foi mantido com maiores ou menores desvios pela grande maioria dos pintores belgas do século XVII, a escola valona de Lüttich, estudada por Gelbier, desenvolveu o estilo romano-belga do século XVII. Direção poussiniana que seguiu os franceses. À frente desta escola está Gerard Duffet (1594 - 1660), um acadêmico pictórico e inventivo que pode ser melhor visto em Munique. Aluno de seu aluno Barthollet Flemalle ou Flemal (1614 - 1675), lento imitador de Poussin, Gerard Leresse (1641 - 1711), que já havia se mudado para Amsterdã em 1667, transplantou de Lüttich para a Holanda esse estilo acadêmico imitando os franceses, que realizou não só como pintor e gravador de temas mitológicos, mas também com a caneta em seu livro, que teve influência significativa. Ele foi um reacionário extremo e, acima de tudo, contribuiu, na virada do século, para a virada da saudável tendência nacional da pintura holandesa para o canal românico. “Seleuco e Antíoco” em Amsterdã e Schwerin, “Parnassus” em Dresden, “A Partida de Cleópatra” no Louvre dão uma ideia suficiente dele.

Leres finalmente nos leva de volta da grande pintura belga à pequena; e este último, sem dúvida, ainda experimentava, nas pinturas de pequenas figuras de fundo paisagístico ou arquitetônico, o maduro florescimento nacional do século XVII, que brotava diretamente do solo preparado pelos mestres da época de transição, mas alcançava total liberdade de movimento graças ao todo-poderoso Rubens, e em alguns lugares também graças a novas influências, francesas e italianas, ou mesmo à influência da jovem arte holandesa no flamengo.

Uma verdadeira imagem de gênero, agora, como antes, desempenhou o primeiro papel na Flandres. Ao mesmo tempo, nota-se uma fronteira bastante nítida entre os mestres que retratavam a vida das classes altas em cenas sociais ou retratos de pequenos grupos, e os pintores da vida popular em tabernas, feiras e estradas rurais. Rubens criou exemplos de ambos os gêneros. Pintores seculares, no espírito dos “Jardins do Amor” de Rubens, retratam senhoras e senhores em seda e veludo, jogando cartas, fazendo um banquete, tocando música alegre ou dançando. Um dos primeiros destes pintores foi Christian Van der Lamen (1615 - 1661), conhecido pelas suas pinturas em Madrid, Gotha, especialmente em Lucca. Seu aluno de maior sucesso foi Jeroom Janssens (1624 - 1693), cujas cenas de “Dançarino” e dança podem ser vistas em Braungsweig. Acima dele, como pintor, está Gonzales Kokvets (1618 - 1684), um mestre dos retratos aristocráticos de pequenos grupos que retratam membros da família unidos num ambiente doméstico em Kassel, Dresden, Londres, Budapeste e Haia. Os mais prolíficos retratadores flamengos da vida popular das classes mais baixas foram os Teniers. Da numerosa família destes artistas destacam-se David Teniers, o Velho (1582 - 1649) e seu filho David Teniers, o Jovem (1610 - 1690). O mais velho provavelmente foi aluno de Rubens, e Rubens provavelmente deu conselhos amigáveis ​​ao mais novo. Ambos são igualmente fortes tanto na paisagem quanto no gênero. No entanto, não foi possível separar todas as obras dos mais velhos das pinturas juvenis dos mais jovens. Sem dúvida, o mais velho pertence às quatro paisagens mitológicas do Museu da Corte de Viena, ainda ocupado em transmitir os “três planos”, “A Tentação de S. Antonia" em Berlim, "Mountain Castle" em Braunschweig e "Mountain Gorge" em Munique.

Dado que David Teniers, o Jovem, foi influenciado pelo grande Adrien Brouwer de Oudenard (1606 - 1638), damos preferência a este último. Brouwer é o criador e desbravador de novos caminhos. Bode estudou exaustivamente sua arte e vida. Em muitos aspectos, ele é o maior dos pintores holandeses da vida popular e, ao mesmo tempo, um dos mais espirituais pintores de paisagens belgas e holandeses. A influência da pintura holandesa na pintura flamenga do século XVII apareceu pela primeira vez com ele, aluno de Frans Hals em Haarlem, já antes de 1623. Ao regressar da Holanda, instalou-se em Antuérpia.

Ao mesmo tempo, a sua arte prova que os epítetos mais simples da vida das pessoas comuns podem, graças à sua execução, adquirir o mais elevado significado artístico. Dos holandeses tirou a espontaneidade da percepção da natureza, a execução pictórica, que em si é artística. Como holandês, declara-se com estrito isolamento ao transmitir momentos de diversas manifestações da vida, como holandês, com precioso humor, destaca cenas de fumo, brigas, jogos de cartas e sessões de bebida em tabernas.

As primeiras pinturas que ele pintou na Holanda, bebedeiras de camponeses, brigas em Amsterdã, revelam em seus personagens rudes e narigudos respostas da antiga arte de transição flamenga. As obras-primas desta época foram os seus “Jogadores de Cartas” de Antuérpia e as cenas de taberna do Instituto Städel em Frankfurt. O desenvolvimento adicional aparece nitidamente em “Knife Fight” e “Village Bath” da Pinakothek de Munique: aqui as ações são dramaticamente fortes, sem quaisquer figuras secundárias desnecessárias; a execução é lindamente pensada em todos os detalhes; Da coloração dourada do claro-escuro, os tons vermelhos e amarelos ainda brilham. Segue-se a maturidade tardia do mestre (1633 - 1636), com figuras mais individuais, tonalidade de cor mais fria, onde se destacam locais de pintura verde e azul. Estas incluem 12 de suas dezoito pinturas em Munique e a melhor de suas quatro pinturas em Dresden. Schmidt-Degener acrescentou-lhes uma série de pinturas de coleções particulares parisienses, mas sua autenticidade, aparentemente, nem sempre é estabelecida com precisão. As melhores paisagens de Brouwer, nas quais os motivos mais simples da natureza dos arredores de Antuérpia são abanados por uma transmissão quente e radiante de fenómenos de ar e luz, também pertencem a estes anos. “Dunas” em Bruxelas, pintura com o nome do mestre, comprova a autenticidade de outras. Eles têm um toque mais moderno do que todas as suas outras paisagens flamengas. A melhor foto pertence a luar e a paisagem pastoral em Berlim, a paisagem das dunas com telhados vermelhos na Galeria Bridgwater e a poderosa paisagem do pôr do sol atribuída a Rubens em Londres.

As pinturas de gênero em grande escala dos últimos dois anos da vida do mestre preferem uma escrita clara e sombreada e uma subordinação mais clara das cores locais a um tom cinza geral. Camponeses cantores, soldados jogando dados e o casal anfitrião na casa de bebidas da Pinakothek de Munique são acompanhados por pinturas poderosas que retratam operações no Instituto Städel e O Fumante do Louvre. A arte original de Brouwer sempre representa o completo oposto de todas as convenções acadêmicas.

David Teniers, o Jovem, o pintor de gênero favorito do mundo nobre, convidado em 1651 pelo pintor da corte e diretor da galeria do arquiduque Leopold Wilhelm de Antuérpia a Bruxelas, onde morreu na velhice, não pode se comparar a Brouwer no imediatismo de a transferência da vida, em experiência emocional humor, mas é precisamente por isso que o supera em sua sofisticação externa e estilização urbana da vida popular. Ele adorava retratar cidadãos vestidos aristocraticamente em suas relações com os aldeões, ocasionalmente pintava cenas seculares da vida da aristocracia e até transmitia episódios religiosos no estilo de suas pinturas de gênero, dentro de salas primorosamente decoradas ou entre verdadeiramente observadas, mas decorativas. paisagens. Tentação de S. Antonia (em Dresden, Berlim, São Petersburgo, Paris, Madrid, Bruxelas) pertence aos seus temas favoritos. Mais de uma vez também pintou uma masmorra com a imagem de Pedro ao fundo (Dresden, Berlim). Entre os temas mitológicos no estilo de suas pinturas de gênero, podemos citar “Netuno e Anfitrite” em Berlim, a pintura alegórica “Os Cinco Sentidos” em Bruxelas, e obras poéticas - doze pinturas de “Jerusalém Libertada” em Madrid. As suas pinturas representando alquimistas (Dresden, Berlim, Madrid) também podem ser classificadas como um género da alta sociedade. A grande maioria das suas pinturas, das quais 50 em Madrid, 40 em São Petersburgo, 30 em Paris, 28 em Munique, 24 em Dresden, retratam o ambiente dos aldeões que se divertem nas horas de lazer. Ele os retrata festejando, bebendo, dançando, fumando, jogando cartas ou dados, visitando, em uma taberna ou na rua. Sua linguagem de formas leve e livre em sua naturalidade, sua escrita abrangente e ao mesmo tempo suave experimentou mudanças apenas na cor. O tom do seu “Festival do Templo à Meia-Luz” de 1641 em Dresden é pesado, mas profundo e frio. Depois volta ao tom marrom primeiros anos, que rapidamente se desenvolve em um tom dourado ardente em pinturas como o Calabouço de 1642 em São Petersburgo, O Salão da Guilda de 1643 em Munique e O Filho Pródigo de 1644 no Louvre, brilha cada vez mais intensamente em A Dança de 1645 em Munique e “The Dice Players” de 1646 em Dresden, depois, como mostrado por “Smokers” de 1650 em Munique, torna-se gradualmente mais grisalho e, finalmente, em 1651, em “The Peasant Wedding” em Munique, torna-se um refinado tom prateado e é acompanhado pela escrita cada vez mais leve e fluida que caracterizou as pinturas de Teniers dos anos cinquenta, por exemplo a sua "Casa da Guarda" de 1657 no Palácio de Buckingham. Finalmente, depois de 1660, seu pincel tornou-se menos confiante, a coloração tornou-se novamente mais marrom, mais seca e mais turva. Munique possui uma pintura representando um alquimista, com características da escrita do idoso mestre de 1680.

Um dos alunos de Brouwer se destaca como Joos Van Kreesbeek (1606 - 1654), em cujas pinturas as lutas às vezes terminam tragicamente; Entre os alunos de Teniers, o Jovem, é conhecido Gillis Van Tilborch (cerca de 1625 - 1678), que também pintou retratos de grupos familiares no estilo de Coques. Junto com eles estão membros da família de artistas Rikaert, dos quais em particular David Rikaert III (1612 - 1661) alcançou uma certa independência.

Ao lado da pintura nacional flamenga de pequenas figuras existe um movimento de italianização simultâneo, embora não equivalente, cujos mestres trabalharam temporariamente na Itália e retrataram a vida italiana em todas as suas manifestações. Contudo, os maiores destes membros da “comunidade” holandesa em Roma, entusiasmados com Rafael ou Michelangelo, foram os holandeses, aos quais voltaremos abaixo. Pieter Van Laer de Haarlem (1582 - 1642) é o verdadeiro fundador deste movimento, que influenciou igualmente tanto italianos como Cerquozzi quanto belgas como Jan Mils (1599 - 1668). Menos independentes são Anton Goubau (1616 - 1698), que enriqueceu as ruínas romanas com uma vida colorida, e Peter Van Blemen, apelidado de Standaard (1657 - 1720), que preferia as feiras de cavalos italianas, as batalhas de cavalaria e as cenas de acampamento. Desde a época destes mestres, a vida popular italiana continua a ser uma área que atrai anualmente multidões de pintores do norte.

Pelo contrário, a pintura de paisagem desenvolveu-se no espírito nacional-flamengo, com temas de batalhas e bandidos, ao lado de Sebastian Vranx, cujo aluno Peter Snyers (1592 - 1667) mudou-se de Antuérpia para Bruxelas. As primeiras pinturas de Snyers, como as de Dresden, mostram-no num caminho bastante pitoresco. Mais tarde, como pintor de batalha da Casa de Habsburgo, atribuiu mais importância à fidelidade topográfica e estratégica do que à fidelidade pictórica, como mostram as suas grandes pinturas em Bruxelas, Viena e Madrid. Seu melhor aluno foi Adam Frans Van der Meulen (1631 - 1690), pintor de batalha de Luís XIV e professor da Academia de Paris, que transplantou para Paris o estilo de Snyers, que aprimorou em perspectiva aérea e luminosa. No Palácio de Versalhes e no Hôtel des Invalides de Paris, pintou grandes séries de pinturas murais, impecáveis ​​nas formas confiantes e na impressão de uma paisagem pitoresca. Suas pinturas em Dresden, Viena, Madrid e Bruxelas com campanhas, cercos de cidades, acampamentos e entradas vitoriosas do grande rei também se distinguem por sua brilhante sutileza pictórica de percepção. Esta pintura de batalha da Nova Holanda foi trazida para a Itália por Cornelis de Wael (1592 - 1662), que se estabeleceu em Gênova e, tendo adquirido aqui um pincel mais perfeito e cores quentes, logo passou a retratar a vida popular italiana.

Na própria pintura de paisagem belga, descrita mais detalhadamente pelo autor deste livro em “História da Pintura” (sua e de Woltmann), pode-se distinguir com bastante clareza a direção original, nativa, apenas ligeiramente tocada pelas influências do sul, da falsa -direção clássica que contígua a Poussin na Itália. A pintura paisagística nacional belga manteve, em comparação com a holandesa, deixando de lado Rubens e Brouwer, uma característica um tanto externamente decorativa; Com esta característica apareceu na decoração de palácios e igrejas com séries decorativas de pinturas em tal abundância como em nenhum outro lugar. O antuérpio Paul Bril introduziu este tipo de pintura em Roma; Mais tarde, os belgas afrancesados ​​François Millet e Philippe de Champagne decoraram as igrejas parisienses com pinturas de paisagens. O autor deste livro escreveu um artigo separado sobre paisagens de igrejas em 1890.

Dos mestres de Antuérpia, devemos destacar em primeiro lugar Caspar de Witte (1624 - 1681), depois Peter Spyrinks (1635 - 1711), dono das paisagens da igreja erroneamente atribuídas a Peter Rysbrack (1655 - 1719) no coro do Igreja agostiniana em Antuérpia, e especialmente em Jan Frans Van Blemen (1662 - 1748), que recebeu o apelido de “Horizonte” pela clareza das distâncias azuis das montanhas de suas pinturas de sucesso, que lembram fortemente Duguay, mas duras e frias.

A pintura paisagística nacional belga deste período floresceu principalmente em Bruxelas. O seu fundador foi Denis Van Alsloot (cerca de 1570 - 1626), que, baseado no estilo de transição, desenvolveu nas suas pinturas semi-rurais e semi-urbanas grande força, firmeza e clareza de pintura. Seu grande aluno Lucas Achtschellinx (1626 - 1699), influenciado por Jacques d'Artois, participou da decoração de igrejas belgas com paisagens bíblicas com exuberantes árvores verde-escuras e colinas azuis, de forma ampla, livre e um tanto abrangente. Jacques d'Artois (1613 - 1683), o melhor pintor paisagista de Bruxelas, aluno do quase desconhecido Jan Mertens, também decorou igrejas e mosteiros com grandes paisagens, cujas cenas bíblicas foram pintadas por seus amigos, pintores históricos. As suas paisagens da capela de S. O autor deste livro viu as esposas da Catedral de Bruxelas na sacristia desta igreja. De qualquer forma, as suas grandes pinturas do Museu da Corte e da Galeria Liechtenstein em Viena também eram paisagens de igrejas. As suas pequenas pinturas interiores que representam a exuberante natureza florestal dos arredores de Bruxelas, com as suas gigantescas árvores verdes, estradas de areia amarela, distâncias montanhosas azuis, rios e lagoas brilhantes, podem ser melhor vistas em Madrid e Bruxelas e também excelentes em Dresden, Munique e Darmstadt. Com uma luxuosa composição fechada, profunda, saturada de cores vivas, com ar límpido com nuvens caracterizadas por lados iluminados em amarelo dourado, transmitem perfeitamente o carácter geral, mas ainda apenas geral da zona. Mais dourado, mais quente, mais decorativo, se preferir, mais veneziano na cor do que d'Artois, seu melhor aluno Cornelis Huysmans (1648 - 1727), cuja melhor paisagem eclesiástica é “Cristo em Emaús” na Igreja de Santa Mulheres em Mecheln.

Na cidade litorânea de Antuérpia, uma marina se desenvolveu naturalmente. O desejo de liberdade e naturalidade do século XVII concretizou-se aqui em pinturas que representam o litoral e batalhas navais Andries Artvelt ou Van Ertvelt (1590 - 1652), Buonaventure Peters (1614 - 1652) e Hendrik Mindergoat (1632 - 1696), que, no entanto, não se comparam aos melhores mestres holandeses da mesma indústria.

Na pintura arquitetônica, que retratava voluntariamente o interior das igrejas góticas, os mestres flamengos, como Peter Neefs, o Jovem (1620 - 1675), que quase nunca foi além de um estilo de transição rude, também careciam do charme interno, cheio de luz e pitoresco do holandês. imagens de igrejas.

Mais ousadia e brilho os belgas trouxeram às imagens de animais, frutas, natureza morta e flores. Porém, mesmo Jan Fit (1611 - 1661), pintor de utensílios de cozinha e frutas, que executou cuidadosamente e fundiu decorativamente todos os detalhes, não foi além de Snyders. A pintura de flores também não avançou em Antuérpia, pelo menos por si só, além de Jan Brueghel, o Velho. Mesmo o aluno de Bruegel nesta área, Daniel Seghers (1590 - 1661), o superou apenas na amplitude e no luxo do layout decorativo, mas não na compreensão da beleza das formas e do jogo de cores das cores individuais. De qualquer forma, as guirlandas florais de Seghers nas Madonas de grandes pintores e suas raras e independentes representações de flores, como o vaso de prata em Dresden, revelam uma luz clara e fria de execução incomparável. No século XVII, Antuérpia era o principal local de pintura holandesa de flores e frutas; isso ainda se deve não tanto aos mestres locais, mas ao grande utrechtiano Jan Davids de Geem (1606 - 1684), que se mudou para Antuérpia e aqui foi criado. seu filho, nascido em Leiden, Cornelis de Geem (1631 - 1695), mais tarde também mestre de Antuérpia. Mas são eles, os maiores de todos os pintores de flores e frutas, que se distinguem pelo amor infinito aos detalhes de acabamento e pelo poder da pintura que consegue fundir internamente esses detalhes, como mestres do tipo holandês e não do tipo belga.

Vimos que existiam ligações significativas entre a pintura flamenga e a arte holandesa, italiana e francesa. Os flamengos souberam apreciar a percepção direta e íntima dos holandeses, a graça patética dos franceses, o luxo decorativo das formas e cores dos italianos, mas, deixando de lado desertores e fenômenos isolados, sempre permaneceram eles mesmos em sua arte. apenas um quarto, para o outro quarto foram romanizados internamente e externamente holandeses germânicos, que souberam captar e reproduzir a natureza e a vida com inspiração forte e rápida, e no sentido decorativo com humor.

L. Aleshina

Um pequeno país que no passado deu ao mundo alguns dos maiores artistas - só para citar os irmãos van Eyck, Bruegel e Rubens - Bélgica no início do século XIX. experimentou uma longa estagnação da arte. Um certo papel nisso foi desempenhado pela posição política e economicamente subordinada da Bélgica, que até 1830 não tinha independência nacional. Só quando, a partir do início do novo século, o movimento de libertação nacional se desenvolveu cada vez mais, nasceu a arte, que logo ocupou um lugar muito importante na vida cultural do país. É pelo menos significativo que, em comparação com outros países europeus, o número de artistas na pequena Bélgica em relação à população fosse muito grande.

Na formação da cultura artística belga do século XIX. As grandes tradições da pintura nacional desempenharam um papel importante. A ligação com as tradições exprimiu-se não apenas na imitação direta de muitos artistas pelos seus destacados antecessores, embora isso fosse característico da pintura belga, especialmente em meados do século. A influência das tradições afetou as especificidades do belga escola de Artes novo tempo. Uma destas características específicas é o compromisso dos artistas belgas com o mundo objectivo, com a carne real das coisas. Daí o sucesso da arte realista na Bélgica, mas daí algumas limitações na interpretação do realismo.

Um traço característico da vida artística do país foi a estreita interação ao longo do século entre a cultura belga e a cultura francesa. Jovens artistas e arquitetos vão até lá para aprimorar seus conhecimentos. Por sua vez, muitos mestres franceses não só visitam a Bélgica, mas também vivem nela há muitos anos, participando da vida artística do seu pequeno vizinho.

No início do século XIX, o classicismo dominava a pintura, a escultura e a arquitetura na Bélgica, como em muitos outros países europeus. O pintor mais importante deste período foi François Joseph Navez (1787-1869). Estudou primeiro em Bruxelas, depois a partir de 1813 em Paris com David, a quem acompanhou na emigração para Bruxelas. Durante os anos de seu exílio belga, o notável mestre francês gozou da maior autoridade entre os artistas locais. Navez foi um dos discípulos favoritos de David. Sua criatividade é desigual. As composições mitológicas e bíblicas, nas quais seguiu os cânones do classicismo, são sem vida e frias. Os retratos que compõem grande parte do seu legado são muito interessantes. Em seus retratos, a observação atenta e atenta e o estudo da natureza foram combinados com uma ideia sublimemente ideal da personalidade humana. As melhores características do método classicista - forte estrutura composicional, plenitude plástica da forma - fundem-se harmoniosamente nos retratos de Navez com a expressividade e especificidade da imagem da vida. O retrato da família Hamptinne (1816; Bruxelas, Museu de Arte Moderna) parece ter a mais elevada qualidade artística.

A difícil tarefa de um retrato com três personagens foi resolvida com sucesso pelo artista. Todos os membros da jovem família - um casal com uma filha pequena - são retratados em poses animadas e descontraídas, mas com um sentimento de forte ligação interna. O esquema de cores do retrato atesta o desejo de Navez de compreender as tradições clássicas da pintura flamenga, que remontam a van Eyck. Cores puras e brilhantes se fundem em um alegre acorde harmônico. O excelente retrato da família Hamptinne aproxima-se em seu poder plástico e precisão documental do posterior retratos David, e o seu lirismo e o desejo de transmitir a vida interior da alma estão associados ao romantismo já emergente. Ainda mais próximo do romantismo está um autorretrato de Navez em tenra idade (década de 1810; Bruxelas, coleção particular), onde o artista se retratava com um lápis e um álbum nas mãos, olhando de forma vívida e atenta para algo à sua frente. Navez desempenhou um papel muito significativo como professor. Muitos artistas estudaram com ele, que mais tarde formaram o núcleo do movimento realista da pintura belga.

O crescimento do sentimento revolucionário no país contribuiu para o triunfo da arte romântica. A luta pela independência nacional levou a uma explosão revolucionária no verão de 1830, como resultado da qual a Bélgica rompeu os laços com os Países Baixos e formou um estado independente. A arte desempenhou um papel importante nos acontecimentos que se desenrolaram. Despertou sentimentos patrióticos e incitou sentimentos rebeldes. Como se sabe, a causa imediata da revolta revolucionária em Bruxelas foi a execução da ópera de Aubert "O Mudo de Portici".

Às vésperas da revolução, uma direção patriótica no gênero histórico emergia na pintura belga. O líder desta tendência foi o jovem artista Gustave Wappers (1803-1874), que em 1830 expôs a pintura “O Auto-Sacrifício do Burgomestre van der Werff no Cerco de Leiden” (Utrecht, Museu). Glorificando os feitos heróicos de seus ancestrais, os mestres desse movimento recorrem à linguagem romântica das formas. A exaltação patética da estrutura figurativa, o aumento do som colorido da cor foram percebidos pelos contemporâneos como um renascimento das tradições primordiais da pintura nacional, mais claramente representadas por Rubens.

Na década de 30. A pintura belga, graças às pinturas históricas, está a ganhar reconhecimento na arte europeia. O seu carácter programático e patriótico, que serviu os objectivos gerais de desenvolvimento do país, determinou este sucesso. Wappers, Nicaise de Keyser (1813-1887), Louis Galle estavam entre os artistas mais populares da Europa. Porém, logo essa direção revelou seus lados limitados. As mais bem-sucedidas foram aquelas obras que refletiam o pathos do movimento de libertação nacional do povo, inspiradas no heroísmo das lutas passadas e presentes pela liberdade. Não é por acaso que o maior sucesso recaiu sobre a pintura “Dias de Setembro de 1830” de Wappers (1834-1835; Bruxelas, Museu de Arte Moderna). O artista criou uma tela histórica em material moderno e revelou o significado dos acontecimentos revolucionários. Um dos episódios da revolução é mostrado. A ação acontece na praça central de Bruxelas. A onda violenta do movimento popular é transmitida por uma composição diagonal desequilibrada. A disposição dos grupos e de algumas figuras evocam o quadro “A Liberdade Guiando o Povo”, de Delacroix, que foi um modelo indubitável para o artista. Ao mesmo tempo, Wappers nesta pintura é um tanto externo e declarativo. Suas imagens são parcialmente caracterizadas pela ostentação teatral e pela demonstratividade na expressão de sentimentos.

Logo após a independência da Bélgica, a pintura histórica perdeu a profundidade do seu conteúdo. O tema da libertação nacional está a perder a sua relevância, a sua base social. Imagem histórica se transforma em um espetáculo de fantasia exuberante com um enredo divertido. Duas tendências na pintura histórica estão se cristalizando; por um lado, são telas monumentais e pomposas; Outra direção é caracterizada por uma interpretação de gênero da história. As tradições nacionais da pintura são entendidas de forma muito superficial - como uma soma de técnicas e meios não determinados pela influência da época. São muitos os artistas que veem toda a sua vocação nos géneros da pintura, como os “mestres do século XVII” ou cenas históricas, "como Rubens."

Antoine Joseph Wirtz (1806-1865) esforça-se pretensiosamente, mas sem sucesso, para combinar as realizações de Michelangelo e Rubens em suas enormes telas históricas e simbólicas. Hendrik Leys (1815-1869) pintou pela primeira vez pequenas pinturas históricas de gênero, imitando o colorido de Rembrandt. Desde os anos 60 ele muda para extensas composições de várias figuras com cenas cotidianas da época Renascença do Norte, em cuja execução segue a precisão e o detalhe ingênuos dos mestres da época.

Entre os numerosos pintores históricos de meados do século, merece destaque Louis Galle (1810-1887), cujas pinturas se distinguem pela contenção e composição lacônica, e suas imagens se distinguem por um certo significado interno e nobreza. Um exemplo típico é a pintura “Últimas Honras aos Restos Mortais dos Condes de Egmont e Horn” (1851; Tournai, Museu, repetição 1863 - Museu Pushkin). Essas mesmas qualidades são ainda mais características de suas pinturas de gênero, como “A Família do Pescador” (1848) e “Slavonets” (1854; ambas em Hermitage).

Gradualmente, a pintura histórica belga perde o seu papel de liderança no sistema de géneros e ganha destaque a partir dos anos 60. a pintura doméstica está sendo apresentada. Os pintores do gênero de meados do século tendiam a imitar os artistas do século XVII, passando a criar cenas divertidas em tavernas ou interiores de casas aconchegantes. Estas são muitas das pinturas de Jean Baptiste Madou (1796-1877). Hendrik de Brakeler (1840-1888) era muito tradicional em seus temas, retratando figuras solitárias em atividades tranquilas em interiores cheios de luz. Seu mérito está em resolver o problema da iluminação e do ambiente arejado por meio da pintura moderna.

O desenvolvimento capitalista do país, que ocorreu em ritmo muito acelerado após a conquista da independência, já na década de 60. colocou novos problemas para a arte. EM cultura artística A Bélgica está cada vez mais a ser invadida pela modernidade. A geração mais jovem de artistas apresenta o slogan do realismo, exibindo os aspectos característicos da vida circundante. Nas suas aspirações confiaram no exemplo de Courbet. Em 1868, a Sociedade Livre de Belas Artes foi fundada em Bruxelas. Os mais significativos de seus participantes foram Charles de Groux, Constantin Meunier, Felicien Rops, Louis Dubois. Todos saíram com o slogan do realismo, com um apelo à luta contra a arte antiga, com os seus temas distantes da vida e linguagem artística ultrapassada. Arauto visões estéticas Esta sociedade tornou-se a revista "Arte Livre", que começou a ser publicada em 1871. O participante mais ativo da Sociedade Livre de Belas Artes foi Charles de Groux (1825-1870) já a partir do final dos anos 40. tornou-se famoso por suas pinturas sobre a vida das camadas mais baixas da sociedade. Seu estilo de escrita é próximo ao de Courbet. A coloração é mantida em tons escuros e contidos, correspondendo emocionalmente à penumbra dolorosa do que é retratado. Assim é a pintura “Coffee Roaster” (anos 60; Antuérpia, Museu); mostra pessoas pobres se aquecendo ao ar livre em um dia escuro e frio de inverno, perto de uma torrefadora onde os grãos de café estão sendo torrados. A profunda simpatia pelos desfavorecidos caracteriza o trabalho do artista.

O realismo na Bélgica logo conquistou uma posição forte em todos os gêneros de arte. Surge toda uma galáxia de pintores de paisagens, retratando de forma verdadeira e ao mesmo tempo diversa a sua natureza nativa - a chamada escola Tervuren (em homenagem a um local localizado na floresta perto de Bruxelas). O diretor da escola, Hippolyte Boulanger (1837-1874), pintou paisagens florestais sutis e um tanto melancólicas, de cor semelhante às pinturas de Barbizon. Louis Artand (1837-1890) percebeu a natureza com mais energia. Na maioria das vezes, ele representava vistas do mar e da costa. Seu golpe é dinâmico e elástico; o artista se esforça para transmitir a atmosfera e o humor mutáveis ​​da paisagem.

Felicien Rops (1833-1898) ocupou um lugar especial na arte belga. Apesar de o mestre ter passado uma parte significativa da sua vida criativa em França, foi um participante activo no Belga processo artístico. A fama bastante escandalosa do artista como cantor de cocottes parisienses muitas vezes obscurece o seu papel muito importante na vida cultural da Bélgica. Rops é um dos fundadores da revista literária e artística Eulenspiegel (fundada em Bruxelas em 1856) e o primeiro ilustrador do famoso romance de Charles de Coster (1867). As ilustrações, feitas na técnica de água-forte, proporcionam encarnações nítidas e interessantes das imagens dos personagens principais do romance. Rops foi um brilhante mestre do desenho e um observador atento da vida moderna, como evidenciado por muitas de suas obras.

Arquitetura da Bélgica até finais do século XIX. não criou nada significativo. Na primeira metade do século, vários edifícios ainda eram construídos no estilo classicista, marcados por um gosto rigoroso (o Palácio da Academia em Bruxelas -1823-1826, arquitecto Charles van der Straten; estufas no Jardim Botânico de Bruxelas - 1826-1829 , arquitetos F.-T Seys e P.-F. Desde meados do século, o ecletismo desenfreado e o desejo de criar edifícios exuberantes e pomposos vêm crescendo na arquitetura. São característicos, por exemplo, o edifício da bolsa de valores de Bruxelas (1873-1876, arquitecto L. Seys), o edifício do Museu de Arte Antiga no mesmo local (1875-1885, arquitecto A. Bala). O próspero capitalismo belga procura criar um monumento ao seu poder. Foi assim que surgiu o edifício do Palácio da Justiça de Bruxelas (1866-1883, arquitecto J. Poulart - um dos edifícios mais grandiosos da Europa em termos de dimensão, que se distingue por uma pretensiosa e absurda acumulação e mistura de todo o tipo de arquitectura formas Ao mesmo tempo, a estilização desempenha um papel importante na arquitetura da Bélgica. Muitas igrejas, prefeituras e outros edifícios públicos imitam os estilos gótico, renascentista flamengo e românico.

Escultura belga até Ultimo quarto século 19 ficou atrás da pintura em seu desenvolvimento. Na década de 30. Sob a influência de ideias patrióticas, várias estátuas interessantes foram criadas. Em primeiro lugar, aqui é necessário notar as obras de Willem Hefs (1805-1883 - a sua lápide do Conde Frederic de Merode, que caiu nas batalhas revolucionárias em Bruxelas (1837, Bruxelas, Catedral de Santa Gudula), e a estátua do General Belliard, situado numa das praças da capital ( 1836). A metade do século na Bélgica, como em muitos outros países, foi marcada pelo declínio da arte da escultura.

Durante estes anos difíceis para a arte monumental, formou-se a obra do maior artista belga Constantin Meunier (1831-4905). Meunier iniciou seus estudos na Academia de Belas Artes de Bruxelas na aula de escultura. Aqui, em meados do século, dominava um sistema acadêmico conservador; os professores, na sua criatividade e no seu ensino, seguiam um padrão e uma rotina, exigindo o embelezamento da natureza em nome de um ideal abstrato. As primeiras obras plásticas de Meunier ainda estavam muito próximas dessa direção (“Garland”; exposta em 1851, não preservada). Logo, porém, abandonou a escultura e voltou-se para a pintura, tornando-se aluno de Navez. Este último, embora naqueles anos fosse um símbolo do classicismo ultrapassado, poderia ensinar o domínio confiante do desenho, a escultura plástica de formas na pintura e a compreensão do grande estilo. Outra corrente de influências sobre o jovem mestre desta época estava associada à sua amizade com Charles de Groux e ao seu conhecimento das obras dos realistas franceses - Courbet e Millet. Meunier procura uma arte profundamente significativa, a arte das grandes ideias, mas primeiro volta-se não para um tema moderno, mas para a pintura religiosa e histórica. Particularmente interessante é a pintura “Episódio de guerra camponesa 1797" (1875; Bruxelas, Museu de Arte Moderna). O artista escolhe uma das cenas finais da revolta, que terminou em derrota. Ele retrata o que aconteceu como uma tragédia nacional e ao mesmo tempo mostra a vontade inflexível do povo. A imagem é muito diferente de outras obras do gênero histórico belga daqueles anos. Aqui está uma abordagem diferente para compreender a história e o realismo na representação dos personagens, e a emotividade comovente do retratado, e a introdução da paisagem como um ambiente sonoro ativo.

No final dos anos 70. Meunier acaba no “país negro” - as áreas industriais da Bélgica. Aqui ele abre um mundo completamente novo, ainda não refletido na arte. Os fenômenos da vida, com seus aspectos de beleza completamente diferentes, ditaram um novo linguagem artística, seu próprio sabor especial. Meunier cria pinturas dedicadas ao trabalho dos mineiros, pinta tipos de mineiros e mulheres mineiras e capta as paisagens deste “país negro”. A nota principal de suas pinturas não é a compaixão, mas a força dos trabalhadores. Este é o significado inovador do trabalho de Meunier. O povo não é objeto de piedade e simpatia, o povo é como criador de grandes valores de vida, já exigindo assim tratamento decente. Neste reconhecimento da grande importância dos trabalhadores na vida da sociedade, Meunier colocou-se objetivamente no mesmo nível dos pensadores mais avançados da época.

Em suas pinturas, Meunier usa a linguagem da generalização. Ele esculpe formas usando cores. Sua coloração é rígida e contida - um ou dois pontos coloridos brilhantes são intercalados com tons cinza-terrosos, fazendo com que toda a escala soe áspera. Sua composição é simples e monumental, utiliza o ritmo de linhas simples e claras. Uma pintura típica é “Retorno da Mina” (c. 1890; Antuérpia, Museu). Três trabalhadores, como se estivessem caminhando sobre a tela, são desenhados em uma silhueta nítida contra o fundo de um céu esfumaçado. O movimento das figuras se repete e ao mesmo tempo varia o motivo geral. O ritmo do grupo e o ritmo do espaço da imagem criam uma solução harmoniosa e equilibrada. As figuras são deslocadas para a borda esquerda da imagem, entre elas e a moldura do lado direito há um espaço livre aberto. A clareza e generalidade da silhueta do grupo, o laconicismo da imagem de cada figura conferem à composição o carácter de um baixo-relevo quase plástico. Voltando-se para um novo tema que o fascinava, Meunier logo se lembrou de sua vocação original. A generalização e o laconicismo dos meios da linguagem plástica poderiam ser utilizados da melhor maneira possível para glorificar a beleza do trabalho humano. Desde meados dos anos 80. uma após a outra, surgiram estátuas e relevos de Meunier, glorificando seu nome, constituindo uma época no desenvolvimento das artes plásticas do século XIX. O assunto principal e a imagem do escultor é o trabalhador, o trabalhador: marteleiros, mineiros, pescadores, mineiras, camponesas. Os trabalhadores ingressaram na escultura, anteriormente limitada a um círculo estreito de temas e figuras convencionais muito distantes da modernidade. A linguagem plástica, antes completamente emasculada, adquiriu novamente uma força bruta significativa e um poder de persuasão poderoso. O corpo humano mostrou as novas possibilidades de beleza escondidas nele. No relevo “Indústria” (1901; Bruxelas, Museu Menier) a tensão de todos os músculos, a flexibilidade elástica e a força das figuras, a dificuldade em respirar, o peito dilacerado, os braços pesados ​​e inchados - tudo isto não desfigura a pessoa, mas dá ele poder e beleza especiais. Meunier tornou-se o fundador de uma nova tradição notável - a tradição de retratar a classe trabalhadora, a poesia do processo de trabalho.

As pessoas retratadas por Meunier não assumem poses primorosamente belas ou tradicionalmente clássicas. São vistos e apresentados pelo escultor numa posição verdadeiramente real. Os seus movimentos são rudes, como, por exemplo, no forte e combativo “Fetcher” (1888; Bruxelas, Museu Menier), por vezes até desajeitado (“Puddler”, 1886; Bruxelas, Museu de Arte Antiga). Na forma como essas figuras ficam de pé ou sentadas, você sente a marca deixada pelo trabalho em sua aparência e caráter. E, ao mesmo tempo, suas poses são repletas de beleza e força plásticas cativantes. Esta é uma escultura no verdadeiro sentido da palavra, vivendo no espaço, organizando-o em torno de si. Sob a mão de Meunier, o corpo humano revela todo o seu poder elástico e dinâmica dura e intensa.

A linguagem plástica de Meunier é generalizada e lacônica. Assim, na estátua “Loader” (c. 1905; Bruxelas, Museu Menier) foi criado não tanto um retrato, mas um tipo generalizado, e é isso que lhe confere grande poder de persuasão. Meunier recusa as cortinas acadêmicas convencionais; seu trabalhador usa, por assim dizer, “macacões”, mas essas roupas não esmagam nem reduzem a forma. As amplas superfícies do tecido parecem aderir aos músculos; algumas dobras individuais enfatizam o movimento do corpo. Um de melhores trabalhos Meunier é "Antuérpia" (1900; Bruxelas, Museu Menier). O escultor escolheu não algumas alegorias abstratas para personificar a cidade trabalhadora e ativa, mas uma imagem muito específica de um trabalhador portuário. A cabeça severa e corajosa, esculpida com o máximo laconicismo, assenta firmemente sobre ombros musculosos. Glorificando o trabalho, Meunier não fecha os olhos à sua severidade. Uma das suas obras plásticas mais impressionantes é o grupo “Mine Gas” (1893; Bruxelas, Museu de Arte Antiga). É autêntico versão moderna o eterno tema do luto por uma mãe filho morto. Capturado aqui consequência trágica desastres mineiros. A triste figura feminina curvou-se em desespero contido e mudo sobre o corpo nu convulsivamente esticado.

Tendo criado inúmeros tipos e imagens de trabalhadores, Meunier concebeu nos anos 90. monumento monumental ao Trabalho. Deveria incluir vários relevos glorificando vários tipos de trabalho - “Indústria”, “Colheita”, “Porto”, etc., bem como uma escultura redonda - estátuas “Semeador”, “Maternidade”, “Trabalhador”, etc. o plano nunca foi finalmente concretizado devido à morte do mestre, mas em 1930 foi realizado em Bruxelas com base nos originais do escultor. O monumento como um todo não causa uma impressão monumental. Seus fragmentos individuais são mais convincentes. Combiná-los na versão arquitetônica proposta pelo arquiteto Orta revelou-se bastante externo e fracionário.

O trabalho de Meunier resumiu de forma única o desenvolvimento da arte belga do século XIX. Acabou por ser a maior conquista de realismo neste país durante o período em análise. Ao mesmo tempo, o significado das realizações realistas de Meunier foi além da simples arte nacional. As obras notáveis ​​do escultor tiveram uma influência tremenda no desenvolvimento das artes plásticas mundiais.

cultura

Artistas belgas

O auge da pintura na Bélgica ocorreu durante o domínio da Borgonha no século XV. Durante a Renascença, os artistas pintaram retratos com detalhes intrincados. Eram pinturas realistas e não idealizadas, nas quais os artistas tentavam alcançar o máximo de realismo e clareza. Este estilo de pintura é explicado pela influência da nova escola holandesa.

Para a pintura belga, o século XX tornou-se a segunda época de ouro. Mas os artistas já se afastaram dos princípios do realismo na pintura e se voltaram para o surrealismo. Um desses artistas foi René Magritte.

A pintura belga tem tradições antigas, das quais os belgas se orgulham com razão. O Rubens House Museum está localizado em Antuérpia e o Museu Real de Belas Artes está localizado em Bruxelas. Tornaram-se uma manifestação do profundo respeito que os belgas têm pelos seus artistas e pelas antigas tradições da pintura.

Primitivistas flamengos

Ainda no final da Idade Média, a Europa começou a prestar atenção à pintura na Flandres e em Bruxelas. Jan Van Eyck (cerca de 1400-1441) revolucionou a arte flamenga. Foi o primeiro a usar óleo para fazer tintas permanentes e misturar tintas em tela ou madeira. Essas inovações permitiram preservar as pinturas por mais tempo. Durante o Renascimento, a pintura em painel começou a se espalhar.

Jan Van Eyck tornou-se o fundador da escola do primitivismo flamengo, retratando a vida em suas telas com cores vivas e movimento. Na Catedral de Gante existe um altar políptico “Adoração do Cordeiro”, da autoria do famoso artista e do seu irmão.

O primitivismo flamengo na pintura é caracterizado por retratos particularmente realistas, clareza de iluminação e representação cuidadosa de roupas e texturas de tecidos. Um de melhores artistas Quem trabalhou nesse sentido foi Rogierde la Pasture (Rogier Van der Weyden) (cerca de 1400-1464). Uma das famosas pinturas de Rogirde la Pastura é “A Descida da Cruz”. O artista combinou o poder dos sentimentos religiosos e do realismo. As pinturas de Rogierde la Pasture inspiraram muitos artistas belgas que herdaram a nova técnica.

Possibilidades nova tecnologia ampliado por Dirk Bouts (1415-1475).

O último primitivista flamengo é considerado Hans Memling (c. 1433-1494), cujas pinturas retratam Bruges no século XV. As primeiras pinturas representando cidades industriais europeias foram pintadas por Joachim Patinir (por volta de 1475-1524).

Dinastia Bruegel

A arte belga do início do século XVI foi muito influenciada pela Itália. O artista Jan Gossaert (cerca de 1478-1533) estudou em Roma. Para pintar quadros para a dinastia governante dos Duques de Brabante, ele escolheu temas mitológicos.

Nos séculos XVI-XVII. A maior influência na arte flamenga foi a família Bruegel. Um dos melhores artistas da escola flamenga foi Pieter Bruegel, o Velho (por volta de 1525-1569). Ele chegou a Bruxelas em 1563. Suas obras mais famosas são telas que retratam figuras cômicas de camponeses. Eles oferecem uma oportunidade de mergulhar no mundo da Idade Média. Uma das famosas pinturas de Pieter Bruegel, o Jovem (1564-1638), que pintou telas sobre temas religiosos, é “O Censo de Belém” (1610). Jan Brueghel, o Velho (1568-1625), também chamado de “Veludo” Bruegel, pintou naturezas mortas complexas representando flores contra um fundo de cortinas de veludo. Jan Brueghel, o Jovem (1601-1678) pintou paisagens magníficas e foi um artista da corte.

Artistas de Antuérpia

O centro da pintura belga no século XVII mudou-se de Bruxelas para Antuérpia - o centro da Flandres. Isto foi largamente influenciado pelo facto de um dos primeiros mundialmente famosos Artistas flamengos Peter Paul Rubens (1577-1640) viveu em Antuérpia. Rubens pintou paisagens magníficas, pinturas com temas mitológicos e foi artista da corte. Mas suas pinturas mais famosas são aquelas que retratam mulheres rechonchudas. A popularidade de Rubens era tão grande que os tecelões flamengos criaram uma grande coleção de tapeçarias representando suas magníficas pinturas.

O aluno de Rubens, o pintor de retratos da corte Anthony Van Dyck (1599-1641), tornou-se o segundo artista de Antuérpia a alcançar fama mundial.

Jan Brueghel, o Velho, estabeleceu-se em Antuérpia, e seu genro David Teniers II (1610-1690) fundou a Academia de Artes de Antuérpia em 1665.

Influência europeia

No século XVIII, a influência de Rubens na arte ainda permanecia, pelo que não ocorreram mudanças significativas no desenvolvimento da arte flamenga.

A partir do início do século XIX, começou a sentir-se a forte influência de outras escolas europeias na arte da Bélgica. François Joseph Navez (1787-1869) acrescentou o neoclassicismo à pintura flamenga. Constantin Meunier (1831-1905) deu preferência ao realismo. Guillaume Vogels (1836-1896) pintou no estilo do impressionismo. Um defensor da direção romântica na pintura foi o artista bruxelense Antoine Wirtz (1806-1865).

As pinturas perturbadoras, distorcidas e borradas de Antoine Wirtz, como Hasty Cruelty, concluída por volta de 1830, marcam o início do surrealismo na arte. Fernand Knopf (1858-1921), conhecido por seus retratos assustadores de mulheres desagradáveis, é considerado representante inicial escola de simbolismo belga. Seu trabalho foi influenciado por Gustav Klimt, o romântico alemão.

James Ensor (1860-1949) foi outro artista cujo trabalho passou do realismo ao surrealismo. Suas telas geralmente retratam esqueletos misteriosos e assustadores. Sociedade de artistas "LesVingt" (LesXX) em 1884-1894. organizou uma exposição de obras de famosos artistas de vanguarda estrangeiros em Bruxelas, revitalizando assim a vida cultural da cidade.

Surrealismo

Desde o início do século XX, a influência de Cézanne faz-se sentir na arte belga. Durante este período, os fauvistas apareceram na Bélgica, retratando paisagens brilhantes encharcadas de sol. Um representante proeminente do Fauvismo foi o escultor e artista Rick Wouters (1882-1916).

Em meados dos anos vinte do século XX, o surrealismo apareceu em Bruxelas. René Magritte (1898-1967) tornou-se um representante proeminente deste movimento artístico. O surrealismo começou a se desenvolver no século XVI. As pinturas fantasmagóricas de Pieter Bruegel, o Velho e Bosch foram pintadas neste estilo. Não há diretrizes nas pinturas de Magritte; ele definiu seu estilo surrealista como “um retorno do familiar ao estranho”.

Paul Delvaux (1897-1989) foi um artista mais ultrajante e emocional, suas telas retratando interiores extravagantes e elegantes com figuras enevoadas.

O movimento CoBRA em 1948 promoveu a arte abstrata. O abstracionismo foi substituído pela arte conceitual, liderada por Marcel Brudthaers (1924-1976), mestre das instalações. Brudthaers retratou objetos familiares, como uma panela cheia de mexilhões.

Tapeçarias e rendas

As tapeçarias e rendas belgas são consideradas luxo há seiscentos anos. No século XII, as tapeçarias começaram a ser feitas à mão na Flandres, e mais tarde começaram a ser feitas em Bruxelas, Tournai, Oudenaarde e Mechelen.

A partir do início do século XVI, a arte da renda começou a desenvolver-se na Bélgica. A renda era tecida em todas as províncias, mas a renda de Bruxelas e Bruges era mais valorizada. Freqüentemente, as rendeiras mais habilidosas eram patrocinadas por aristocratas. Para a nobreza, tapeçarias finas e rendas requintadas eram consideradas um sinal de seu status. Nos séculos XV-XVIII. rendas e tapeçarias foram os principais produtos de exportação. E hoje a Bélgica é considerada o berço das melhores tapeçarias e rendas.

As cidades flamengas de Tournai e Arras (hoje localizadas na França) tornaram-se famosos centros de tecelagem europeus no início do século XIII. Artesanato e comércio desenvolvidos. A técnica possibilitou fazer trabalhos mais delicados e caros; fios de prata e ouro verdadeiros começaram a ser adicionados à lã, o que aumentou ainda mais o custo dos produtos.

Uma revolução na produção de tapeçarias foi feita por Bernard Van Orley (1492-1542), que combinou o realismo flamengo e o idealismo italiano em seus desenhos. Mais tarde, os mestres flamengos foram atraídos para a Europa e, no final do século XVIII, toda a glória das tapeçarias flamengas passou para a fábrica parisiense.

Bélgica durante todo o ano

O clima belga é típico do norte da Europa. É por esta razão que as celebrações podem acontecer tanto na rua como em casa. As condições climáticas permitem perfeitamente que os artistas da capital se apresentem, tanto em estádios como em edifícios antigos. O povo belga sabe aproveitar as mudanças das estações. Por exemplo, no verão, um festival de flores abre na capital. A Grand Place fica coberta de milhões de flores todo segundo de agosto. A abertura da temporada de dança, cinema e teatro ocorre em janeiro. Estreias de “cinemas drive-in” a antigas abadias aguardam aqui os seus espectadores.

Em Bruxelas você pode assistir a vários festivais durante todo o ano. Aqui você pode ver procissões históricas luxuosas e cheias de vida. Eles acontecem todos os anos desde os tempos medievais. A mais recente arte experimental da Europa é apresentada aqui.

Feriados

• Ano Novo - 1º de janeiro
• Páscoa - data flutuante
• Segunda-feira limpa- data flutuante
• Dia do Trabalho - 1º de maio
• Ascensão - data flutuante
• Dia da Trindade - data flutuante
• Segunda-feira Espiritual - data flutuante
• Dia Nacional da Bélgica - 21 de julho
• Dormição - 15 de agosto
• Dia de Todos os Santos - 1º de novembro
• Trégua - 11 de novembro
• Natal - 25 de dezembro

Quando dias de primavera na Bélgica estão a prolongar-se e a vida cultural está a reviver. Os turistas estão começando a vir aqui. Executando festivais de música acontece na rua. Quando os parques da cidade florescem, as estufas tropicais de Laiken, conhecidas em todo o mundo, ficam abertas à visitação. Para o feriado significativo da Páscoa, os fabricantes de chocolate belgas estão ocupados preparando todos os tipos de doces.

• Festival Internacional de Cinema de Fantasia (3ª e 4ª semana). Os amantes de milagres e estranhezas podem esperar novos filmes nos cinemas de toda a capital.
• Ars Music (meados de março - meados de abril). Este feriado é um dos melhores festivais europeus. Artistas famosos vêm ver. Os concertos acontecem frequentemente no Museu dos Antigos Mestres. Todos os conhecedores de música estão presentes neste festival.
• Euroantica (semana passada). O Estádio Heysel está cheio de visitantes e vendedores que querem comprar ou vender antiguidades.
• Páscoa (Domingo de Páscoa). Existe a crença de que antes da Páscoa Sinos de igreja voar para Roma. Quando voltam, deixam ovos de Páscoa nos campos e florestas especialmente para as crianças. Assim, todos os anos, mais de 1.000 ovos pintados são escondidos por adultos no Parque Real, e crianças de toda a cidade se reúnem para procurá-los.

abril

• Primavera Barroca em Sablon (3ª semana). Jovens talentos belgas reúnem-se na famosa Place de la Grande Sablon. Eles tocam música do século XVII.
• Estufas Reais em Laiken (12 dias, as datas variam). Quando os cactos e todos os tipos de plantas exóticas começam a florescer, as estufas privadas da família real belga são abertas ao público. As instalações são de vidro e decoradas com ferro. Um grande número de todos os tipos de plantas raras são protegidos aqui do mau tempo.
• Festival da Flandres (meados de abril - outubro) Este festival é uma festa musical onde se misturam todos os tipos de estilos e tendências. Mais de 120 orquestras e corais famosos se apresentam aqui.
• "Cenas de tela" (3ª semana - final). Novos filmes europeus são apresentados diariamente especialmente para os telespectadores.

• Celebração do Dia da Europa (7 a 9 de maio). Pelo facto de Bruxelas ser a capital europeia, isto é mais uma vez sublinhado no feriado. Por exemplo, até o Mannequin Piece está vestido com um terno azul decorado com estrelas amarelas.
• Festival de Artes Künsteen (9 a 31 de maio). Jovens atores e dançarinos de teatro participam deste festival.
• Concurso Rainha Elizabeth (maio - meados de junho). Esta competição musical reúne fãs dos clássicos. Esta competição existe há mais de quarenta anos. Ali se apresentam jovens pianistas, violinistas e cantores. Maestros e solistas famosos escolhem entre eles os intérpretes mais dignos.
• Corrida de 20 km em Bruxelas (último domingo). Realização de corrida na capital, da qual participam ativamente mais de 20 mil amadores e corredores profissionais.
• Rally de jazz (último dia de folga). Pequenos conjuntos de jazz se apresentam em bistrôs e cafés.

Em julho, a temporada de esplendor da corte abre em Ommengang. Este é um costume bastante antigo. Uma enorme procissão percorre a Grand Place e as ruas vizinhas. Nesta época maravilhosa do ano você pode ouvir músicas de vários estilos. Os artistas podem tocar música em vários lugares, por exemplo, no enorme estádio Rei Balduíno em Heysel ou em pequenos cafés-bares. No dia da Independência, todos os belgas vêm à feira Midi. Ocorre em uma área onde são instaladas bandejas e construídos caminhos.

• Festival de Verão de Bruxelas (início de junho a setembro). Os programas de concertos são realizados em edifícios antigos famosos.
• Festival na Valônia (junho a outubro). Uma série de concertos de gala em Bruxelas e na Flandres permite-nos apresentar ao público os mais talentosos jovens solistas e membros da orquestra belgas.
• Festival do café "Cooler" (semana passada). Ao longo de três dias, um programa muito moderno acontece em um armazém convertido do Tour-e-Taxi. O público pode esperar bateristas africanos, salsa, música étnica e acid jazz.
• Festival de Música (último dia livre). Durante duas semanas consecutivas, apresentações beneficentes e concertos são realizados em prefeituras e museus dedicados à música mundial.

• Ommegang (1º dia de folga em julho). Turistas vêm de todo o mundo para ver esta ação. Este festival acontece em Bruxelas desde 1549. Esta procissão (ou, como é chamada, “desvio”) percorre a Grand Place, todas as ruas que lhe são adjacentes, e circula em círculo. Mais de 2.000 participantes participam aqui. Os trajes os transformam em moradores de cidades renascentistas. O desfile passa por altos funcionários belgas. Os ingressos devem ser reservados com antecedência.
• Festival jazz-folk "Brosella" (2º fim de semana). O festival acontece no Parque Osseghem. Todos os músicos famosos da Europa vêm até lá.
• Festival de Verão em Bruxelas (julho - agosto). Nesta época do ano, músicos tocam obras clássicas nas Cidades Baixa e Alta.
• Feira Midi (meados de julho - meados de agosto). A feira acontece na famosa estação Bruxelas Gardu-Midi. Este evento dura um mês. As crianças realmente gostam. Esta feira é considerada a maior da Europa.

• Dia da Bélgica (21 de julho). Um desfile militar é realizado em homenagem ao Dia da Independência, comemorado desde 1831, seguido de fogos de artifício no Parque de Bruxelas.
• Dias abertos no Palácio Real (última semana de julho - 2ª semana de setembro). As portas do Palácio Real abrem-se à visitação. Este evento é realizado durante seis semanas consecutivas.

• Maypole (Mayboom) (9 de agosto). Este festival remonta a 1213. Os participantes desta ação vestem fantasias enormes - bonecos. A procissão passa pela Cidade Baixa. Ele para na Grand Place e um mastro é colocado lá.
• Tapete de flores (meados de agosto, uma vez a cada 2 anos). Este feriado acontece a cada dois anos. Esta é uma homenagem à floricultura em Bruxelas. Toda a Grand Place está coberta de flores frescas. A área total desse tapete é de aproximadamente 2.000 m².

Outono

No outono, as atividades de entretenimento dos belgas passam para ambientes fechados - para cafés ou centros culturais onde podem ouvir música moderna. Durante as Jornadas do Património, o público tem a oportunidade de apreciar a arquitectura visitando casas particulares que noutros horários não estão abertas ao público e conhecendo as colecções aí alojadas.

Setembro

• Aniversário do Mannequin Piece (último dia de folga).
• A famosa escultura do menino mijando está vestida com outro terno, doado por algum convidado estrangeiro de alto escalão.

• Festival “Cidade Feliz” (primeiro fim de semana).
• Neste momento, cerca de 60 concertos são realizados em três dezenas dos melhores cafés de Bruxelas.
• "Noites Botânicas" (semana passada).
• O centro cultural francês "Le Botanique", localizado nas antigas estufas do Jardim Botânico, acolhe uma série de concertos que farão as delícias de todos os amantes do jazz.
• Jornadas do Patrimônio (2º ou 3º dia de folga).
• Durante alguns dias, muitos edifícios protegidos e casas particulares, bem como coleções de arte fechadas, abrem as suas portas aos visitantes.

• Audi Jazz Festival (meados de outubro - meados de novembro).
• Os sons do jazz são ouvidos por todo o país, diluindo o tédio outonal. Artistas locais atuam, mas algumas estrelas europeias costumam se apresentar no Palais des Beaux-Arts, em Bruxelas.

No inverno, na Bélgica, geralmente chove e neva, por isso quase todos os eventos durante este período são realizados em ambientes fechados. Galerias de arte hospedam exposições de importância mundial, e no Festival de Cinema de Bruxelas você pode ver o trabalho de mestres famosos e de jovens talentos. Antes das férias de Natal, a Cidade Baixa é decorada com iluminações brilhantes e, no Natal, as mesas belgas são decoradas com pratos tradicionais.

• Noturno de Sablon (último dia de folga). Todos os shopping centers e museus da Place Grand Sablon não fecham até tarde da noite. Carroças puxadas por cavalos percorrem toda a feira, transportando clientes, e na praça principal todos podem degustar o verdadeiro vinho quente.

• Dia de São Nicolau (6 de dezembro).
• Segundo a lenda, neste dia o padroeiro do Natal, Papai Noel, chega à cidade, e todas as crianças belgas recebem doces, chocolates e outros presentes.
• Natal (24 a 25 de dezembro).
• Tal como noutros países católicos, o Natal na Bélgica é celebrado na noite de 24 de dezembro. Os belgas trocam presentes e no dia seguinte vão visitar os pais. Todos os tipos de atributos natalinos decoram as ruas da capital até 6 de janeiro.

• Dia do Rei (6 de janeiro).
• Neste dia são preparados “bolos reais” especiais de amêndoa e todos procuram a ervilha ali escondida. Quem o encontra é declarado rei durante toda a noite festiva.
• Festival de Cinema de Bruxelas (meados de janeiro).
• Exibição de estreia de novos filmes com a participação de estrelas do cinema europeu.

• Feira de Antiguidades (2ª e 3ª semana).
• Vendedores de antiguidades de todo o mundo reúnem-se no Palácio de Belas Artes.
• Festival Internacional de Quadrinhos (2ª e 3ª semana).
• Escritores e artistas de quadrinhos migram para a cidade, que teve uma profunda influência na arte dos quadrinhos, para compartilhar suas experiências e apresentar novos trabalhos.

Entre eles você também pode ver um retrato de um dos mais famosos mestres da Flandres daquela época, Adrian Brouwer. (1606-1632) , cujas pinturas foram colecionadas pelo próprio Rubens (havia dezessete deles em sua coleção). Cada uma das obras de Brouwer é uma pérola da pintura. O artista era dotado de um enorme talento colorido. Ele escolheu como tema de sua obra a vida cotidiana dos pobres flamengos - camponeses, mendigos, vagabundos - tediosa com sua monotonia e vazio, com sua diversão miserável, às vezes perturbada por uma explosão de paixões animais selvagens. Brouwer deu continuidade às tradições de Bosch e Bruegel na arte com sua rejeição ativa da miséria e da feiúra da vida, da estupidez e da baixeza animal da natureza humana e, ao mesmo tempo, um grande interesse pelo que é exclusivamente característico. Não tem como objetivo revelar ao espectador um amplo contexto da vida social. Sua força reside na representação de situações específicas de gênero. Ele tem especialmente a capacidade de expressar em expressões faciais os diversos afetos de sentimentos e sensações vivenciados por uma pessoa. Ao contrário de Rubens, van Dyck e até de Jordanes, ele não pensa em quaisquer ideais ou paixões nobres. Ele sarcasticamente observa uma pessoa como ela é. No museu você pode ver sua pintura “Drinking Buddies”, notável por sua delicada coloração clara, transmitindo de forma marcante a iluminação e o estado atmosférico. A miserável paisagem urbana perto das muralhas, junto com os jogadores vagabundos, evoca uma melancolia de cortar o coração na alma. Esse estado de espírito do próprio artista, falando sobre a monótona desesperança da existência, é certamente profundamente dramático.

Frans Hals

O departamento de pintura holandês é relativamente pequeno, mas contém pinturas de Rembrandt, Jacob Ruisdael, pequenos holandeses, mestres da paisagem, natureza morta e cenas de gênero. Um curioso retrato do comerciante Willem Heythuissen, obra do grande artista holandês Frans Hals (1581/85-1666) . Heythuissen era um homem rico, mas tacanho e extremamente vaidoso. Rústico por natureza, esforçou-se, no entanto, por se assemelhar aos nobres aristocratas com a elegância que a sua riqueza parecia permitir-lhe adquirir. As afirmações deste novato são ridículas e estranhas a Khals. É por isso que ele tão persistentemente, com certo sarcasmo, torna isso ambivalente imagem de retrato. Primeiro notamos a pose relaxada de Heythuissen, seu terno rico e elegante, seu chapéu com aba elegantemente torcida e depois - um rosto inexpressivo, pálido, já de meia-idade, com uma aparência monótona. A essência prosaica deste homem transparece, apesar de todos os truques para escondê-la. A contradição interna e a instabilidade da imagem são reveladas sobretudo pela composição original do retrato. Heythuissen, com um chicote na mão, como se depois de um passeio a cavalo, senta-se em uma cadeira, que parece balançar. Essa pose sugere que o artista capturou rapidamente o estado do modelo em um curto período de tempo. E a mesma pose dá à imagem um toque de relaxamento interior e letargia. Há algo de patético neste homem, que tenta esconder de si mesmo a inevitável decadência, a vaidade dos desejos e o vazio interior.

Lucas Cranach

Na seção de pintura alemã do Museu de Bruxelas, chama a atenção a brilhante obra de Lucas Cranach, o Velho. (1472-1553) . Este é um retrato do Dr. Johann Schering, datado de 1529. A imagem de um obstinado homem forte típico da arte do Renascimento alemão. Mas Cranach sempre captura as qualidades individuais de mente e caráter e as revela na aparência física do modelo, nitidamente capturada em sua singularidade. No olhar severo de Shering, em seu rosto pode-se sentir uma espécie de obsessão fria, rigidez e intransigência. A sua imagem seria simplesmente desagradável se a sua enorme força interior não evocasse um sentimento de respeito pelo carácter único deste homem. O virtuosismo da habilidade gráfica do artista é surpreendente, já que ele transmitiu com tanta precisão as grandes feições faciais e muitos pequenos detalhes do retrato.

Coleções italianas e francesas

O acervo de pinturas de artistas italianos pode despertar o interesse dos visitantes do museu, pois contém obras de Tintoretto, o grande pintor, o último titã Renascença italiana. "Execução de S. Marcos" é uma pintura de um ciclo dedicado à vida do santo. A imagem é permeada por um drama tempestuoso e um pathos apaixonado. Não só as pessoas, mas também o céu em nuvens rasgadas e o mar revolto pareciam lamentar a morte de uma pessoa.

As obras-primas da coleção francesa são o retrato de um jovem de Mathieu Lenain e uma paisagem de Claude Lorrain.

Sua seção de arte antiga conta atualmente com mais de mil trabalhos de arte, muitos dos quais são capazes de proporcionar profundo prazer estético ao espectador.

Jacques Louis David

A segunda parte do Museu Real de Belas Artes é a coleção de arte dos séculos XIX e XX. Eles contêm principalmente obras de mestres belgas. A obra mais destacada da escola francesa guardada no museu é “A Morte de Marat”, de Jacques Louis David (1748-1825) .

David é um famoso artista francês, o chefe do classicismo revolucionário, cujas pinturas históricas desempenharam um papel importante no despertar da consciência cívica de seus contemporâneos nos anos anteriores à revolução burguesa francesa. A maioria das pinturas pré-revolucionárias do artista foram baseadas em temas da história da Grécia e Roma Antigas, mas a realidade revolucionária forçou David a voltar-se para a modernidade e encontrar nela um herói digno de ser um ideal.

“Maratu-David. Ano dois” - esta é a inscrição lacônica na pintura. É percebido como um epitáfio. Marat - um dos líderes da Revolução Francesa - foi morto em 1793 (de acordo com cálculos revolucionários no segundo ano) monarquista Charlotte Corday. O “Amigo do Povo” é retratado no momento da morte imediatamente após o golpe. A faca ensanguentada foi jogada perto do banho de cura onde ele trabalhava apesar do sofrimento físico. Um silêncio severo preenche a imagem, que soa como um réquiem para um herói caído. Sua figura é poderosamente esculpida com claro-escuro e comparada a uma estátua. A cabeça jogada e a mão caída pareciam congeladas em uma paz solene e eterna. A composição surpreende pelo rigor na seleção dos objetos e pela clareza dos ritmos lineares. A morte de Marat foi percebida por David como um drama heróico do destino de um grande cidadão.

Discípulo de Davi, que viveu últimos anos vida no exílio e em Bruxelas, tornou-se o belga François Joseph Navez (1787-1863) . Até o fim da vida, Navez manteve-se fiel à tradição criada por seu professor, principalmente no retrato, embora tenha introduzido neste gênero um certo toque de interpretação romântica da imagem. Um de trabalho famoso O “Retrato da Família Emptynne” do artista foi pintado em 1816. O espectador é involuntariamente transmitido que o jovem e lindo casal está unido por sentimentos de amor e felicidade. Se a imagem de uma mulher está cheia de alegria serena, então a imagem de um homem está repleta de algum mistério romântico e um leve tom de tristeza.

Pintura belga dos séculos XIX e XX

Nos corredores do museu você pode ver obras dos maiores pintores belgas do século XIX: Henri Leys, Joseph Stevens, Hippolyte Boulanger. Jan Stobbarts é representado por uma de suas melhores pinturas, “Fazenda em Kreiningen”, que retrata com veracidade o trabalho camponês na Bélgica. Embora o artista tenha sido autodidata, a pintura tem uma composição soberba e distingue-se pela elevada qualidade de pintura. Seu tema pode ter sido inspirado na pintura de Rubens "Return filho prodígio" Stobbarts foi um dos primeiros pintores do século XIX a proclamar os princípios do realismo.

O início de sua carreira artística foi difícil. O público de Antuérpia, habituado ao conceito romântico da imagem artística, rejeitou com indignação as suas pinturas verdadeiras. Este antagonismo foi tão forte que Stobbarts acabou por ser forçado a mudar-se para Bruxelas.

O museu possui vinte e sete pinturas do famoso artista belga Henri de Braquelaere (1840-1888) , que era sobrinho e aluno de A. Leys, notável pintor histórico. O crescente interesse de De Brakeler pela história nacional da Bélgica, suas tradições, modo de vida e cultura foi combinado com um estranho sentimento de amor, cheio de leve arrependimento e saudade do passado. Suas cenas de gênero são permeadas de memórias do passado, seus heróis lembram pessoas de séculos passados, rodeados de coisas e objetos antigos. Há, sem dúvida, um momento de estilização na obra de Brakeler. Em particular, a sua pintura “Geógrafo” lembra as obras dos mestres holandeses do século XVII G. Metsu e N. Mas. Na imagem vemos um velho sentado num banco de veludo do século XVII, imerso na contemplação de um antigo cetim pintado.

Pintura de James Ensor (1860-1949) "senhora de azul" (1881) traz vestígios da forte influência do impressionismo francês. A pitoresca gama é composta por tons de azul, cinza-azulado e verde. Um movimento vivo e livre transmite vibração e movimento do ar.

A interpretação pictórica da pintura transforma um motivo cotidiano em uma cena poética. A elevada percepção pictórica do artista, a propensão para a fantasia e o desejo constante de transformar o que vê em algo inusitado também se refletem nas suas brilhantes naturezas-mortas, cujo exemplo de maior sucesso é o “Scat” de Bruxelas. O peixe marinho é repulsivamente belo com sua cor rosa acentuada e formato que parece borrar diante dos olhos, e há algo desagradável e perturbador em seu olhar fascinante e penetrante, direcionado diretamente ao observador.

Ensor viveu uma vida longa, mas a atividade do seu trabalho cai no período de 1879 a 1893. A ironia de Ensor e a rejeição dos traços feios da natureza humana com sarcasmo impiedoso manifestam-se em inúmeras pinturas de máscaras de carnaval, que também podem ser vistas no Museu de Bruxelas. A continuidade da Ensor com a arte de Bosch e Bruegel é inegável.

O mais maravilhoso colorista e escultor talentoso que morreu na Primeira Guerra Mundial, Rick Wouters (1882-1916) apresentado no museu com pinturas e esculturas. O artista experimentou a forte influência de Cézanne, aderiu ao movimento do chamado “Fauvismo Brabantino”, mas mesmo assim tornou-se um mestre profundamente original. Sua arte temperamental é permeada por um amor ardente pela vida. Em “A Dama do Colar Amarelo” reconhecemos a sua esposa Nel, empoleirada numa cadeira. O som festivo das cortinas amarelas, da manta xadrez vermelha, das guirlandas verdes no papel de parede e do vestido azul evoca um sentimento de alegria de existir que captura toda a alma.

O museu abriga diversas obras do notável pintor belga Permeke (1886-1952) .

Constant Permeke é amplamente conhecido como o chefe do Expressionismo Belga. A Bélgica foi o segundo país depois da Alemanha onde este movimento ganhou grande influência no meio artístico. Os heróis de Permeke, em sua maioria pessoas do povo, são retratados com aspereza deliberada, que, segundo a ideia do autor, deveria revelar sua força e poder naturais. Permeke recorre à deformação e a um esquema de cores simplificado. No entanto, em seus “Noivos” há uma espécie de monumentalização de imagens, ainda que primitivas, uma vontade de revelar o caráter e a relação do marinheiro e sua namorada.

Entre os mestres do movimento realista do século XX destacam-se Isidore Opsomer e Pierre Polus. O primeiro é conhecido como um maravilhoso pintor de retratos ("Retrato de Jules Destre"), o segundo - como um artista que dedicou a sua obra, como C. Meunier, a retratar a difícil vida dos mineiros belgas. As salas do museu também exibem obras de artistas belgas pertencentes a outros movimentos. arte contemporânea, principalmente surrealismo e abstracionismo.