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Introdução

1. A estética como ciência filosófica

2. Ideias estéticas dos povos do Antigo Oriente

3. Pensamento estético antigo

4. Estética medieval

5. Ensinamentos estéticos do Renascimento

6. Estética dos novos tempos

7. Ideias estéticas da filosofia clássica alemã

8. Conceitos não clássicos da estética da Europa Ocidental

Introdução

A possibilidade do destino humano entrar em contato com a beleza é uma das oportunidades mais incríveis que podem revelar a verdadeira alegria de se comunicar com o mundo, a grandeza da existência. No entanto, esta oportunidade proporcionada pela existência muitas vezes permanece não aproveitada e perdida. E a vida se torna cinza comum, monótona, pouco atraente. Por que isso está acontecendo?

O comportamento dos seres naturais é predeterminado pela estrutura do seu organismo. Assim, todo animal já nasce dotado de um conjunto de instintos que garantem a adaptação ao seu ambiente. O comportamento dos animais é rigidamente programado; eles têm o “significado” de suas próprias vidas.

Uma pessoa não possui essa certeza comportamental inata devido ao fato de que cada indivíduo contém a possibilidade de desenvolvimento ilimitado (positivo e negativo). É isso que explica a inesgotável variedade de tipos de comportamento individual e a imprevisibilidade de cada indivíduo. Como observou Montaigne, há menos semelhança entre dois membros da raça humana do que entre dois animais.

Em outras palavras, quando um indivíduo nasce, ele imediatamente se encontra numa situação incerta. Apesar das inclinações mais ricas, seus genes não lhe dizem como se comportar, o que lutar, o que evitar, o que amar neste mundo, o que odiar, como distinguir a verdadeira beleza da falsa, etc. Os genes silenciam sobre as coisas mais importantes, adaptando-se a qualquer tipo de comportamento. Como uma pessoa gerenciará suas capacidades? A luz da beleza brilhará em sua consciência? Será ele capaz de resistir à pressão do feio, do vil?

Foi a força atrativa do belo e, ao mesmo tempo, o desejo do homem de superar os efeitos destrutivos da base, que se tornou uma das razões mais importantes para o surgimento de uma ciência especial da beleza.

Para compreender a crescente relevância das questões estéticas, é necessário atentar para uma série de características do desenvolvimento tecnogênico. A sociedade moderna enfrenta a tendência mais perigosa de toda a história da existência humana: a contradição entre a natureza global do progresso científico e tecnológico e as limitações da consciência humana, que pode levar a uma catástrofe geral.

No início do século XX, uma colossal experiência espiritual, científica e técnica foi acumulada. As ideias de humanismo, bondade, justiça e beleza foram amplamente reconhecidas. Todas as formas do mal foram expostas e todo um universo espiritual cultivando a beleza foi formado.

Mas a comunidade mundial não se tornou mais sábia, mais harmoniosa e mais humana. Vice-versa. A civilização do século XX viu-se envolvida nos crimes mais massivos, replicando tipos básicos de existência. Numerosas convulsões sociais feias e manifestações extremas de crueldade sem sentido ao longo do século XX destruíram a fé no homem e a imagem optimista do indivíduo. Afinal, foi nesse período que milhões de pessoas foram destruídas. Os pilares aparentemente inabaláveis ​​de valores culturais centenários foram apagados da face da terra.

Uma das tendências mais visíveis do século passado está associada à exacerbação da trágica visão de mundo. Mesmo em países economicamente estáveis, o número de suicídios aumenta constantemente e milhões de pessoas sofrem de várias formas de depressão. A experiência da harmonia pessoal torna-se um estado frágil, instável e bastante raro, que é cada vez mais difícil de alcançar no fluxo do caos universal.

As reflexões sobre a aleatoriedade, a incerteza, a natureza caótica da existência humana, o aumento do ceticismo em relação à busca de diretrizes semânticas confiáveis ​​​​e a descoberta da verdadeira beleza tornam-se o motivo dominante da cultura.

Por que o movimento humano no tempo e no espaço é tão trágico? É possível superar os crescentes sintomas de ansiedade na vida humana? E, o mais importante, por quais caminhos a harmonia sustentável é alcançada?

A doença mental mais comum é sair do mundo da beleza. O fato é que muitas vezes uma pessoa busca a felicidade dominando o espaço externo, alcançando riqueza, poder, fama e prazeres fisiológicos. E ao longo deste caminho ele pode alcançar certas alturas. No entanto, eles não são capazes de superar a ansiedade e a ansiedade persistentes, porque a crença no poder ilimitado do dinheiro e do poder é muito grande e, como resultado, perde-se o contato profundo com a base sagrada do ser - a Beleza.

E neste sentido, a estética como ciência da beleza, a riqueza inesgotável e o paradoxo das suas manifestações na cultura mundial podem tornar-se o factor mais importante na humanização do indivíduo. E assim, a principal tarefa da estética é revelar a fenomenalidade abrangente da beleza, fundamentar as formas de harmonizar uma pessoa com o objetivo de enraizá-la no mundo da beleza e da criatividade inescapáveis. Conforme observado por F.M. Dostoiévski, “estética é a descoberta de belos momentos da alma humana pela própria pessoa para o autoaperfeiçoamento”.

1.Eestética como ciência filosófica

A estética é um sistema de conhecimento sobre as propriedades mais gerais e as leis de desenvolvimento do belo e do feio, do sublime e do vil, dos fenômenos trágicos e cômicos da realidade e das características de seu reflexo na consciência humana. A estética é uma ciência filosófica que está associada à solução da questão básica da filosofia. Na estética, surge como uma questão sobre a relação da consciência estética com a realidade.

Tema de estética

Desenvolveu-se no processo de desenvolvimento secular do pensamento estético, baseado numa generalização da prática da atitude estética das pessoas em relação aos produtos da sua atividade, às obras de arte, à natureza, ao próprio homem. Muitas das questões que a estética explora hoje ocupam a humanidade há muito tempo; Os antigos gregos os colocaram diante de si mesmos, e antes dos gregos, os pensadores do Egito, da Babilônia, da Índia e da China pensaram sobre eles.

Porém, o nome da ciência - estética - só foi colocado em circulação em meados do século XVIII pelo filósofo alemão Baumgarten. Antes dele, as questões de estética eram consideradas no quadro dos conceitos filosóficos gerais como sua parte orgânica. E só este iluminista alemão destacou a estética no quadro da filosofia como uma disciplina independente, ocupando um lugar ao lado de outras disciplinas filosóficas - lógica, ética, epistemologia e assim por diante. Baumgarten derivou o termo “estética” de uma palavra grega antiga que significa “relativo ao sensual”. Assim, a estética para ele é a ciência da percepção sensorial. O tema da estética e, portanto, o conteúdo deste conceito, tem mudado constantemente desde então. Hoje, o tema desta ciência é: em primeiro lugar, a natureza da estética, ou seja, as características mais gerais, aspectos inerentes aos diversos objetos estéticos da realidade; em segundo lugar, a natureza do reflexo desses fenômenos na consciência humana, nas necessidades estéticas, nas percepções, nas ideias, nos ideais, nas visões e nas teorias; em terceiro lugar, a natureza da actividade estética das pessoas como um processo de criação de valores estéticos.

A essência e especificidade da atitude estética em relação ao mundo

Uma atitude estética é uma ligação espiritual entre um sujeito e um objeto, baseada num desejo desinteressado por este último e acompanhada por um sentimento de profundo prazer espiritual pela comunicação com ele.

Os objetos estéticos surgem no processo da prática sócio-histórica: inicialmente espontaneamente, e depois de acordo com os sentimentos estéticos emergentes, necessidades, ideias e a consciência estética geral das pessoas. Guiado por ela, o homem molda a “substância” da natureza de acordo com as leis da atividade estética. Como resultado, os objetos que ele criou, por exemplo, as ferramentas, aparecem como uma unidade dos aspectos naturais e sociais - uma unidade que, sendo um valor estético, é capaz de satisfazer não apenas as necessidades materiais, utilitárias, mas também espirituais. de pessoas.

Além disso, o mesmo objeto em um aspecto pode revelar-se esteticamente valioso, por exemplo, bonito, e em outro - esteticamente anti-valioso. Por exemplo, uma pessoa, como objeto de atenção estética, pode ter uma voz bonita e uma aparência feia. Além disso, um mesmo objeto estético pode revelar-se ao mesmo tempo valioso e antivalioso no mesmo aspecto, mas em tempo diferente. O facto de um objecto estético ter um significado estético relativo também é evidenciado pela natureza polar das principais categorias estéticas (belo e feio, sublime e vil, trágico e cómico).

Campo do problema e base metodológica estética

Uma das abordagens modernas para considerar o tema da estética como uma ciência é que o campo problemático da estética não é uma esfera especial de fenômenos, mas o mundo inteiro, visto de um determinado ângulo, todos os fenômenos tomados à luz do problema que isso resolve esta ciência. As principais questões desta ciência são a natureza da estética e a sua diversidade na realidade e na arte, os princípios da relação estética do homem com o mundo, a essência e as leis da arte. A estética como ciência expressa um sistema de visões estéticas da sociedade, que deixam sua marca em toda a aparência das atividades materiais e espirituais das pessoas.

Em primeiro lugar, isto diz respeito à posição de que os fenómenos estéticos devem ser considerados na sua qualidade final, holisticamente. Afinal, é na qualidade holística e final que se manifesta a unidade da condicionalidade objetiva e subjetiva dos fenômenos estéticos.

A implementação deste princípio metodológico começa com a revelação das raízes genéticas dos fenômenos estéticos. O ponto de vista genético é o princípio metodológico original da estética. Ela explica como os fenômenos estéticos (por exemplo, a arte) são determinados pela realidade, bem como pela originalidade da personalidade do autor. O ponto de vista genético é o principal princípio metodológico da estética, graças ao qual se leva em conta a natureza sujeito-objeto dos fenômenos estéticos.

Estrutura da teoria estética

A relação estética de uma pessoa com a realidade é muito diversa e versátil, mas se manifesta de maneira especialmente clara na arte. A arte é também objeto das chamadas ciências da arte (crítica literária, musicologia, história e teoria das artes plásticas, estudos teatrais, etc.). A crítica de arte consiste em várias ciências (história e teoria de certos tipos de arte). Alguns estetas chamam o complexo de teorias de tipos individuais de arte e conhecimentos teóricos relacionados à arte de teoria geral da arte e a distinguem da estética propriamente dita.

Os ramos da ciência da história da arte desempenham a função de disciplinas científicas auxiliares em relação à estética. Porém, as disciplinas auxiliares da estética não se limitam a isso. As mesmas disciplinas científicas auxiliares em relação a ela são, por exemplo, sociologia da arte, psicologia da arte, epistemologia, semântica e assim por diante. A estética utiliza as descobertas de muitas disciplinas científicas sem ser idêntica a elas. Portanto, devido ao seu caráter generalizante, a estética é chamada de ciência filosófica.

A relação específica entre estética e arte manifesta-se claramente na crítica de arte. A estética é o suporte teórico da crítica; ajuda-a a compreender corretamente os problemas da criatividade e a apresentar aspectos consistentes com o significado da arte para o homem e a sociedade. Com base nas suas conclusões e princípios, com base em padrões estabelecidos, a estética dá à crítica a oportunidade de criar critérios de avaliação, avaliar a criatividade do ponto de vista das exigências atuais relacionadas com o desenvolvimento dos aspectos sociais e de valor.

2. Ideias estéticas dos povos do Antigo Oriente

Tradicionalismo das antigas culturas orientais

A transição do sistema comunal primitivo para a formação escravista levou à formação de uma série de civilizações poderosas do Oriente com alto nível cultura material e espiritual.

A especificidade do desenvolvimento das antigas culturas orientais inclui características como profundas tradicionalismo. Certas ideias e ideias desenvolvidas precocemente viveram às vezes nas culturas do Oriente por muitos séculos e até milênios. Durante o longo período de existência das antigas culturas do Oriente, o desenvolvimento preocupou-se com as nuances individuais de certas ideias, mas a sua base permaneceu inalterada.

Antigo Egito

Os egípcios alcançaram grande sucesso nas áreas de astronomia, matemática, engenharia civil, medicina, história e geografia. A invenção precoce da escrita contribuiu para o surgimento de exemplos originais de literatura egípcia antiga altamente artística. O desenvolvimento da arte e o seu lugar de honra na cultura egípcia criaram a base para o surgimento dos primeiros julgamentos estéticos registados em fontes escritas. Estes últimos indicam que os antigos egípcios tinham um senso de beleza altamente desenvolvido, o belo (nefer). Palavra “nefer” incluído no título oficial dos faraós.

O Antigo Egito é considerado o berço da religião da luz e da estética da luz. A luz solar divinizada era considerada o maior bem e a maior beleza pelos antigos egípcios. Luz e beleza foram identificadas na cultura egípcia desde os tempos antigos. A essência da beleza divina era muitas vezes reduzida ao brilho.

Outro aspecto da beleza, inerente a quase todas as antigas culturas orientais, é a elevada apreciação estética dos metais preciosos. Ouro, prata, electrum, lápis-lazúli no entendimento dos egípcios eram os mais belos materiais. Com base nas ideias dos antigos egípcios sobre beleza e beleza, o esquema de cores foi formado cânone Egípcios Incluía cores simples: branco, vermelho, verde. Mas os egípcios valorizavam especialmente as cores do ouro e do lápis-lazúli. “Dourado” muitas vezes funcionava como sinônimo de “bonito”.

Desde a antiguidade, o pensamento artístico dos egípcios, como resultado de uma longa prática, desenvolveu um sistema desenvolvido de cânones: o cânone das proporções, o cânone da cor, o cânone iconográfico. Aqui o cânone tornou-se o princípio estético mais importante que determina a atividade criativa do artista. O cânone desempenhou um papel importante no trabalho dos antigos mestres egípcios e direcionou sua energia criativa. O efeito artístico na arte canônica foi alcançado através de pequenas variações de formas dentro do esquema canônico.

Os egípcios valorizavam a matemática e aplicavam as suas leis a quase todas as áreas da sua atividade. Para as artes visuais, desenvolveram um sistema de proporção harmônica da imagem. O módulo deste sistema foi a expressão numérica "proporção áurea"-- número 1.618... Como as relações proporcionais eram de natureza universal, estendendo-se a muitas áreas da ciência, filosofia e arte, e eram percebidas pelos próprios egípcios como um reflexo da estrutura harmoniosa do universo, elas eram consideradas sagradas.

China antiga

O pensamento estético chinês foi claramente identificado pela primeira vez pelos filósofos dos séculos VI a III aC. e. Os conceitos e termos estéticos, bem como os princípios básicos da teoria estética, foram desenvolvidos em China antiga com base na compreensão filosófica das leis da natureza e da sociedade.

Entre as inúmeras escolas e direções, um lugar especial pertencia a taoísmo E confucionismo . Estes dois ensinamentos desempenharam um papel importante nos tempos antigos e tiveram uma influência decisiva em todo o desenvolvimento subsequente da cultura chinesa. Tanto o taoísmo como o confucionismo estavam preocupados com a busca de um ideal social, mas a direção de suas buscas era completamente diferente. A parte central do Taoísmo era a doutrina da paz. Todo o resto - a doutrina da sociedade e do Estado, a teoria do conhecimento, a teoria da arte (em sua forma antiga) - veio da doutrina do mundo. No centro da filosofia confucionista estava o homem nas suas relações sociais, o homem como base da paz e da ordem inabaláveis, um membro ideal da sociedade. Ou seja, no confucionismo estamos sempre lidando com um ideal ético-estético, enquanto para o taoísmo não há nada mais belo que o espaço e a natureza, e a sociedade e o homem são tão belos quanto são capazes de se tornarem como a beleza do objetivo mundo. As visões estéticas de Confúcio e seus seguidores desenvolveram-se em consonância com a sua teoria sócio-política. O próprio termo “bonito” (Poderia) para Confúcio é sinônimo de “bom” ou simplesmente significa exteriormente bonito. Em geral, o ideal estético de Confúcio é uma unidade sintética do belo, do bom e do útil.

3. Pensamento estético antigo

A estética antiga é um pensamento estético que se desenvolveu em Grécia antiga e Roma do século VI aC ao século VI dC. Tendo origem nas ideias mitológicas, a estética antiga originou-se, viveu o seu apogeu e entrou em declínio no quadro da formação escravista, sendo uma das expressões mais marcantes da cultura da época.

Na história da estética antiga distinguem-se os seguintes períodos: 1) primeiros clássicos ou estética cosmológica (séculos VI-V aC); 2) clássicos médios ou estética antropológica (séculos V a.C.); 3) clássicos elevados (maduros) ou estética eidológica (séculos V-IV aC); 4) Helenismo primitivo (séculos IV-I aC); 5) Helenismo tardio (séculos I-VI DC).

Cosmologismo como base da estética antiga

As ideias estéticas, assim como toda a visão de mundo da antiguidade, são caracterizadas por um cosmologismo enfatizado. Do ponto de vista dos antigos, o espaço, embora espacialmente limitado, mas caracterizado pela harmonia, proporcionalidade e correção de movimento nele, agia como a personificação da beleza. A arte no período inicial do pensamento antigo ainda não estava separada do artesanato e não atuava como um objeto estético independente. Para os antigos gregos, a arte era uma atividade produtiva e técnica. Daí a unidade indissolúvel da atitude prática e puramente estética em relação aos objetos e fenômenos. Não é à toa que a própria palavra que expressa o conceito de arte entre os gregos, “techne”, tem a mesma raiz de “tikto” - “eu dou à luz”, de modo que “arte” é em grego “geração” ou criação material por uma coisa em si mesma, mas coisas novas.

Estética pré-clássica

Na sua forma mais pura e direta, a estética antiga, incorporada na mitologia, formou-se na fase da formação comunal primitiva. Final do século II e primeiro do primeiro milênio aC. e. foram um período de criatividade épica na Grécia. Épico grego, que está registrado em poemas Homero “A Ilíada” e a “Odisséia” são precisamente a fonte de onde começou a estética antiga.

Para Homero, a beleza era uma divindade e os principais artistas eram os deuses. Os deuses não eram apenas os princípios cósmicos subjacentes ao cosmos como obra de arte, mas também o eram para a criatividade humana. Apolo e as musas inspiraram os cantores, e na obra do cantor homérico o papel principal foi desempenhado não pelo próprio cantor, mas pelos deuses, principalmente Apolo e as musas.

Homero pensava na beleza na forma da matéria mais fina, transparente e luminosa, na forma de algum tipo de fluxo vivo e fluido. A beleza agia como uma espécie de brilho leve e arejado que podia envolver e revestir objetos. O investimento, o envolvimento na beleza, é externo. Mas também houve alívio interior. Esta é principalmente a inspiração dos cantores homéricos e do próprio Homero.

Ensinamentos estéticos especiais da antiguidade

Houve vários desses ensinamentos, sobre os quais muitos autores antigos procuraram falar.

Kalokagatia (“kalos” - belo, “agathos” - bom, moralmente perfeito) é um dos conceitos da estética antiga, denotando a harmonia do externo e do interno, condição para a beleza de um indivíduo. O termo “kalokagathia” foi interpretado de forma diferente em diferentes períodos do desenvolvimento sócio-histórico da sociedade antiga, dependendo dos tipos de pensamento. Os pitagóricos entendiam isso como o comportamento externo de uma pessoa determinado por qualidades internas. A antiga compreensão aristocrática de “kalokagathia” é inerente a Heródoto, que a considerava em conexão com as tradições sacerdotais, e a Platão, que a associava a virtudes militares, qualidades “naturais” ou a características tribais. Com o desenvolvimento da antiga agricultura individual, o termo “kalokagathia” começou a ser usado para designar proprietários práticos e zelosos, e na esfera da vida política foi aplicado (como substantivo) aos democratas moderados. No final do século V aC. e. Com o advento do sofisma, o termo “kalokagathia” começou a ser usado para caracterizar a aprendizagem e a educação. Platão e Aristóteles entendiam kalokagathia filosoficamente - como uma harmonia entre interno e externo, e por interno entendia-se a sabedoria, cuja implementação na vida levava uma pessoa à kalokagathia. Com o desenvolvimento do individualismo e do psicologismo na era helenística, a kalokagathia passou a ser interpretada não como uma qualidade natural, mas como resultado de exercícios e treinamentos morais, o que levou à sua compreensão moralista.

Catarse (purificação) é um termo que serve para designar um dos momentos essenciais do impacto estético da arte na pessoa. Os pitagóricos desenvolveram uma teoria para limpar a alma das paixões prejudiciais, influenciando-a com música especialmente selecionada. Platão não vinculou a catarse às artes, entendendo-a como a purificação da alma das aspirações sensuais, de tudo o que é corporal que obscurece e distorce a beleza das ideias. A verdadeira compreensão estética da catarse foi dada por Aristóteles, que escreveu que sob a influência da música e dos cantos, a psique dos ouvintes é excitada, nela surgem fortes afetos (piedade, medo, entusiasmo), como resultado dos quais os ouvintes “recebem uma certa purificação e alívio associados ao prazer...” . Ele também apontou para o efeito catártico da tragédia, definindo-a como um tipo especial de “imitação através da ação em vez de história, purificando tais afetos através da compaixão e do medo”.

Mimesis (imitação, reprodução) é o princípio fundamental da atividade criativa do artista na estética antiga. Partindo do fato de que todas as artes são baseadas na mimese, a própria essência desse conceito foi interpretada pelos pensadores antigos de diferentes maneiras. Os pitagóricos acreditavam que a música imita a “harmonia das esferas celestes”. Demócrito estava convencido de que a arte em seu sentido amplo (como atividade criativa produtiva do homem) vem da imitação dos animais pelo homem (tecelagem - da imitação de uma aranha, construção de casas). - uma andorinha, cantando - pássaros e afins). Platão acreditava que a imitação é a base de toda criatividade. A verdadeira teoria estética da mimese pertence a Aristóteles. Inclui tanto uma reflexão adequada da realidade (representação das coisas como “a maneira como eram e são”), e a atividade imaginação criativa(retratando-os como “como são falados e pensados”) e idealização da realidade (retratando-os como “o que deveriam ser”). O objetivo da mimese na arte, segundo Aristóteles, é a aquisição de conhecimento e o despertar de um sentimento de prazer a partir da reprodução, contemplação e cognição de um objeto.

4. Estética medieval

Princípios básicos

Estética medieval é um termo usado em dois sentidos – amplo e restrito. EM Num amplo sentido palavras, a estética medieval representa a estética de todas as regiões medievais, incluindo a estética da Europa Ocidental, a estética bizantina, a estética da Antiga Rússia e outras. Num sentido estrito, a estética medieval é a estética da Europa Ocidental dos séculos V ao XIV. Este último distingue dois períodos cronológicos principais - início da Idade Média (séculos V - X) e final da Idade Média (séculos XI - XIV), bem como duas direções principais - história filosófica, teológica e da arte. O primeiro período da estética medieval caracterizou-se por uma posição protetora em relação ao património antigo. No final do período medieval, tratados estéticos especiais surgiram como parte de grandes coleções filosóficas e religiosas (as chamadas “somas”), e aumentou o interesse teórico pelos problemas estéticos, o que foi especialmente característico dos pensadores dos séculos XII a XIII.

O grande período cronológico da Idade Média no Ocidente correlaciona-se com a formação socioeconómica do feudalismo. A estrutura hierárquica da sociedade se reflete na visão de mundo medieval na forma da ideia da chamada hierarquia celestial, que encontra sua conclusão em Deus. Por sua vez, a natureza acaba por ser uma manifestação visível do princípio supra-sensível (Deus). As ideias sobre hierarquia são simbólicas. Os fenômenos individuais visíveis e sensoriais são percebidos apenas como símbolos do “Deus invisível e inexprimível”. O mundo era pensado como um sistema hierarquia de símbolos.

Estética bizantina

Em 324-330, o imperador Constantino fundou a nova capital do Império Romano no local da pequena e antiga cidade de Bizâncio - Constantinopla. Um pouco mais tarde, o Império Romano se dividiu em duas partes - Ocidental e Oriental. A capital deste último era Constantinopla. Desde então, é costume considerar a história da cultura bizantina, que existiu no quadro estado único até 1453.

A estética bizantina, tendo absorvido e processado à sua maneira muitas ideias estéticas da antiguidade, colocou e tentou resolver uma série de novos problemas que foram significativos para a história da estética. Entre eles, devemos destacar o desenvolvimento de categorias como imagem, símbolo, cânone, novas modificações do belo, a colocação de uma série de questões relacionadas com a análise específica da arte, em particular a análise da percepção da arte e a interpretação das obras de arte, bem como uma mudança de ênfase para o lado psicológico das categorias estéticas. Problemas significativos desta estética incluem o levantamento da questão do papel da arte no sistema filosófico e religioso geral de compreensão do mundo, seu papel epistemológico e alguns outros problemas.

“Beleza absoluta” é o objetivo das aspirações espirituais dos bizantinos. Eles viram um dos caminhos para esse objetivo no “belo” mundo material, pois nele e através dele se conhece o “culpado” de tudo. No entanto, a atitude dos bizantinos em relação à “beleza terrena” é ambivalente e nem sempre definitiva.

Por um lado, os pensadores bizantinos tinham uma atitude negativa em relação à beleza sensual, como agente causador de pensamentos pecaminosos e luxúria carnal. Por outro lado, valorizavam muito a beleza no mundo material e na arte, porque no seu entendimento ela agia como um “reflexo” e manifestação ao nível da existência empírica da beleza divina absoluta.

Os pensadores bizantinos também conheciam a categoria polar da beleza - a feiúra - e tentaram defini-la. Falta de beleza, ordem, mistura desproporcional de objetos diferentes - todos esses são indicadores de feiúra, “pois feiúra é defeito, falta de forma e violação de ordem”.

Para os pensadores bizantinos, “belo” (na natureza e na arte) não tinha valor objetivo. Somente a “beleza absoluta” divina a possuía. O belo era significativo para eles cada vez apenas em seu contato direto com um determinado sujeito de percepção. O primeiro lugar na imagem foi sua função psicológica - organizar de uma certa forma Estado interno pessoa. “Belo” era apenas um meio de formar a ilusão mental de compreender o superbelo, a “beleza absoluta”.

Junto com a beleza e a beleza, a estética bizantina apresentou outra categoria estética, às vezes coincidindo com elas, mas geralmente tendo um significado independente - a luz. Tendo assumido uma estreita ligação entre Deus e a luz, os bizantinos afirmaram-na na relação “luz - beleza”.

Primeira Idade Média

A estética medieval da Europa Ocidental foi muito influenciada pelo pensador cristão Aurélio Agostinho . Agostinho identificou a beleza com a forma, a ausência de forma com a feiúra. Ele acreditava que não existe algo absolutamente feio, mas existem objetos que, comparados aos mais perfeitamente organizados e simétricos, carecem de forma. Feio é apenas uma imperfeição relativa, o mais baixo grau de beleza.

Agostinho ensinou que uma parte que é bela na composição do todo, ao ser arrancada dele, perde a beleza, ao contrário, o próprio feio torna-se belo, passando a fazer parte do todo belo; Agostinho comparou aqueles que consideravam o mundo imperfeito a quem olha para um cubo de mosaico, em vez de contemplar toda a composição e apreciar a beleza das pedras unidas num único todo. Somente uma alma pura pode compreender a beleza do universo. Esta beleza é um reflexo da “beleza divina”. Deus é a mais alta beleza, o protótipo da beleza material e espiritual. A ordem que reina no Universo foi criada por Deus. Esta ordem se manifesta em medida, unidade e harmonia, pois Deus “dispôs tudo por medida, número e peso”.

Por quase um milênio, as obras de Agostinho foram um dos principais condutores do antigo platonismo e do neoplatonismo na estética medieval da Europa Ocidental, lançaram as bases da estética religiosa medieval e compreenderam as formas de usar a arte a serviço da igreja;

Final da Idade Média

As chamadas “Sumas” tornaram-se um exemplo de filosofar escolástica no século XIII, onde a apresentação é feita na seguinte ordem: exposição do problema, apresentação de opiniões diversas, solução do autor, prova lógica, refutação de possíveis e objeções reais. A Summa Theologiae baseia-se neste princípio. Tomás de Aquino , algumas partes das quais são dedicadas a questões de estética.

Tomás de Aquino definiu a beleza como aquilo que dá prazer pela sua aparência. A beleza requer três condições:

1) integridade ou perfeição,

2) proporção ou consonância adequada

3) clareza, devido à qual objetos com cores brilhantes são chamados de bonitos. A clareza existe na própria natureza da beleza. Além disso, “clareza” significa não tanto brilho físico, mas clareza de percepção e, portanto, aproxima-se da clareza mental.

A beleza e a bondade não diferem na realidade, uma vez que Deus, a seu ver, é ao mesmo tempo beleza absoluta e bondade absoluta, mas apenas em conceito. Um bem é algo que satisfaz algum desejo ou necessidade. Portanto, está ligado ao conceito de meta, uma vez que o desejo é uma espécie de movimento em direção a um objeto.

A beleza exige mais do que isso. É um bem tão bom, cuja própria percepção dá satisfação. Ou, em outras palavras, o desejo encontra satisfação na própria contemplação ou compreensão de uma coisa bela. O prazer estético está intimamente relacionado à cognição. É por isso que a percepção estética está principalmente relacionada com as sensações mais cognitivas, nomeadamente visuais e auditivas. A visão e a audição estão intimamente relacionadas com a mente e, portanto, são capazes de perceber a beleza.

“Luz” era uma categoria importante de toda estética medieval. O simbolismo da luz foi desenvolvido ativamente. A “metafísica da luz” foi a base sobre a qual se baseou a doutrina da beleza na Idade Média. Claritas nos tratados medievais significa luz, brilho, clareza e está incluída em quase todas as definições de beleza. A beleza para Agostinho é o brilho da verdade. Para Tomás de Aquino, a luz da beleza significa “o brilho da forma de uma coisa, seja ela uma obra de arte ou da natureza... de tal forma que lhe apareça em toda a plenitude e riqueza da sua perfeição e ordem .”

A atenção dos pensadores medievais ao mundo interior do homem manifesta-se de forma especialmente clara e plena no desenvolvimento dos problemas da estética musical. Ao mesmo tempo, é importante que os próprios problemas da estética musical sejam uma espécie de modelo “removido” de conceitos universais de significado filosófico geral.

Os pensadores medievais trataram muito das questões da percepção da beleza e da arte, expressando uma série de julgamentos interessantes para a história da estética.

5. Ensinamentos estéticos do Renascimento

A natureza transitória da época, sua orientação humanística e inovações ideológicas

Na era do Renascimento eles diferem: Proto-Renascença (Ducento e Trecento, séculos 12-13 - 13-14), Primeira Renascença (Quattrocento, séculos 14-15), Alta Renascença (Cinquecento, séculos 15-16).

A estética do Renascimento está associada à grandiosa revolução que ocorre em todas as áreas da vida social: na economia, na ideologia, na cultura, na ciência e na filosofia. Esta época marca o florescimento da cultura urbana, grandes descobertas geográficas que expandiram imensamente os horizontes humanos e a transição do artesanato para a manufatura.

O desenvolvimento das forças produtivas, a decomposição das relações de classe feudais que restringiam a produção, conduzem à libertação do indivíduo, criando as condições para o seu desenvolvimento livre e universal.

As condições favoráveis ​​​​para o desenvolvimento integral e universal do indivíduo são criadas não só pela decomposição do modo de produção feudal, mas também pelo desenvolvimento insuficiente do capitalismo, que estava apenas nos primórdios da sua formação. Esta natureza dual e transitória da cultura renascentista em relação aos modos de produção feudal e capitalista deve ser levada em conta quando se consideram as ideias estéticas desta época. O Renascimento não é um estado, mas um processo e, além disso, um processo de natureza transitória. Tudo isso se reflete na natureza da cosmovisão.

Durante o Renascimento, ocorreu um processo de ruptura radical do sistema medieval de visão do mundo e a formação de uma nova ideologia humanista. Num sentido amplo, o humanismo é um sistema de visão historicamente mutável que reconhece o valor do homem como indivíduo, o seu direito à liberdade, à felicidade, ao desenvolvimento e à manifestação das suas capacidades, considerando o bem-estar do homem como critério de avaliação social. instituições e os princípios de igualdade, justiça e humanidade como a norma desejada das relações entre as pessoas. Em sentido estrito, é um movimento cultural do Renascimento. Todas as formas de humanismo italiano relacionam-se não tanto com a história da estética renascentista, mas com a atmosfera sócio-política da estética.

Princípios básicos da estética renascentista

Em primeiro lugar, o que há de novo nesta época é a promoção do primado da beleza e, sobretudo, da beleza sensual. Deus criou o mundo, mas quão belo é este mundo, quanta beleza existe na vida humana e no corpo humano, na expressão viva do rosto humano e na harmonia do corpo humano!

A princípio, o artista também parece estar fazendo a obra de Deus e de acordo com a vontade do próprio Deus. Mas, além do artista ser obediente e humilde, ele deve ser educado e educado, deve entender muito em todas as ciências e em filosofia, inclusive. O primeiro professor do artista deveria ser a matemática, visando medir cuidadosamente o corpo humano nu. Se a antiguidade dividia a figura humana em seis ou sete partes, então Alberti, para obter precisão na pintura e na escultura, dividiu-a em 600, e Dürer posteriormente em 1.800 partes.

O pintor de ícones medievais pouco se interessava pelas reais proporções do corpo humano, pois para ele era apenas um portador do espírito. Para ele, a harmonia do corpo consistia num contorno ascético, no reflexo plano do mundo supercorpóreo sobre ele. Mas para o revivalista Giorgione, “Vênus” representa um corpo nu feminino completo, que, embora seja a criação de Deus, mas olhando para ele você de alguma forma já se esquece de Deus. O conhecimento da anatomia real está em primeiro plano aqui. Portanto, o artista renascentista não é apenas um especialista em todas as ciências, mas principalmente em matemática e anatomia.

A teoria da Renascença, como a teoria antiga, prega a imitação da natureza. Porém, o que está em primeiro plano aqui não é tanto a natureza quanto o artista. Em sua obra, o artista quer revelar a beleza que reside nos recônditos da própria natureza. Portanto, o artista acredita que a arte é ainda superior à natureza. Entre os teóricos da estética renascentista, por exemplo, há uma comparação: o artista deve criar da mesma forma que Deus criou o mundo, e de forma ainda mais perfeita. Agora não só dizem de um artista que ele deve ser um especialista em todas as ciências, mas também destacam sua obra, na qual tentam até encontrar um critério de beleza.

O pensamento estético da Renascença confiou pela primeira vez na visão humana como tal, sem a cosmologia antiga e sem a teologia medieval. Na Renascença, o homem começou a pensar que a imagem real e subjetivamente sensualmente visível do mundo é a sua imagem real, que esta não é ficção, não é uma ilusão, não é um erro de visão e não é empirismo especulativo, mas o que vemos com nossos próprios olhos, - isto é o que realmente é.

E, em primeiro lugar, vemos realmente como, à medida que o objeto que vemos se afasta de nós, ele assume formas completamente diferentes e, em particular, diminui de tamanho. Duas linhas que parecem bastante paralelas perto de nós, à medida que se afastam de nós, vão se aproximando cada vez mais, e no horizonte, ou seja, a uma distância bastante grande de nós, simplesmente se aproximam até se fundirem completamente em um único ponto. Do ponto de vista do bom senso, isso pareceria absurdo. Se as linhas são paralelas aqui, então elas são paralelas em todos os outros lugares. Mas aqui há uma confiança tão grande da estética renascentista na realidade dessa fusão de linhas paralelas a uma distância suficientemente distante de nós que, desse tipo de sensações humanas reais, emergiu mais tarde toda uma ciência - a geometria da perspectiva.

Doutrinas estéticas e filosóficas básicas e teorias da arte

No humanismo inicial, a influência do epicurismo foi especialmente sentida, que serviu como uma forma de polêmica contra o ascetismo medieval e um meio de reabilitar a beleza corporal sensual, que os pensadores medievais questionaram.

O Renascimento interpretou a filosofia epicurista à sua maneira, o que pode ser ilustrado pelo exemplo da obra do escritor Valla e do seu tratado “Sobre o Prazer”. A pregação do prazer de Valla tem um significado contemplativo e autossuficiente. Em seu tratado, Valla ensina apenas sobre aquele prazer ou gozo que não é sobrecarregado por nada, não ameaça nada de ruim, que é altruísta e despreocupado, que é profundamente humano e ao mesmo tempo divino.

O neoplatonismo renascentista representa um tipo completamente novo de neoplatonismo, que se opunha à escolástica medieval e ao aristotelismo “escolasticizado”. As primeiras etapas do desenvolvimento da estética neoplatônica foram associadas ao nome de Nicolau de Cusa.

Cusansky desenvolve seu conceito de beleza em seu tratado “Sobre a Beleza”. Para ele, a beleza não aparece simplesmente como uma sombra ou uma tênue impressão do protótipo divino, como era típico da estética da Idade Média. Em cada forma do real, do sensual, brilha uma beleza única e infinita, adequada a todas as suas manifestações particulares. Cusansky rejeita qualquer ideia de níveis hierárquicos de beleza, de beleza superior e inferior, absoluta e relativa, sensual e divina. Todos os tipos e formas de beleza são absolutamente iguais. Para Kuzansky, a beleza é uma propriedade universal do ser. Kuzansky estetiza cada ser, cada realidade, incluindo a realidade prosaica e cotidiana. Em tudo que tem forma e design também há beleza. Portanto, o feio não está contido no próprio ser; surge apenas de quem percebe esse ser. “A desgraça vem de quem aceita...” diz o pensador. Portanto, o ser não contém feiúra. No mundo só existe beleza como propriedade universal da natureza e da existência em geral.

O segundo grande período no desenvolvimento do pensamento estético do Neoplatonismo Renascentista foi a Academia de Platão em Florença, liderada por Ficino . Todo amor, segundo Ficino, é desejo. A beleza nada mais é do que “o desejo pela beleza” ou “o desejo de desfrutar a beleza”. Existe beleza divina, beleza espiritual e beleza física. A beleza divina é um certo raio que penetra na mente angélica ou cósmica, depois na alma cósmica ou na alma do mundo inteiro, depois no reino sublunar ou terrestre da natureza e, finalmente, no reino sem forma e sem vida da matéria.

Na estética de Ficino, a categoria do feio recebe uma nova interpretação. Se Nicolau de Cusa não tem lugar para a feiura no próprio mundo, então na estética dos neoplatonistas a feiúra tem o seu próprio estatuto independente. valor estético. Está associado à resistência da matéria que se opõe à atividade espiritualizante da beleza ideal e divina. De acordo com isso, o conceito de criatividade artística está mudando. O artista não deve apenas esconder as deficiências da natureza, mas também corrigi-las, como se estivesse recriando a natureza.

O artista, arquiteto, cientista, teórico da arte e filósofo italiano deu uma enorme contribuição para o desenvolvimento do pensamento estético do Renascimento. Alberti . No centro da estética de Alberti está a doutrina da beleza. A beleza, para ele, está na harmonia. Existem três elementos que constituem a beleza, especificamente a beleza estrutura arquitetônica. Estes são número, limitação e posicionamento. Mas a beleza não é uma simples soma aritmética deles. Sem harmonia, a mais elevada harmonia das partes se desintegra.

É característico como Alberti interpreta o conceito de “feio”. Para ele, a beleza é um objeto de arte absoluto. O feio aparece apenas como um certo tipo de erro. Daí a exigência de que a arte não corrija, mas esconda objetos feios e feios.

Grande artista italiano da Vinci em sua vida, trabalho científico e artístico, ele incorporou o ideal humanístico de uma “personalidade amplamente desenvolvida”. A gama de seus interesses práticos e teóricos era verdadeiramente universal. Incluía pintura, escultura, arquitetura, pirotecnia, engenharia militar e civil, ciências matemáticas e naturais, medicina e música.

Assim como Alberti, ele vê na pintura não apenas “a transferência de criações visíveis da natureza”, mas também “uma invenção espirituosa”. Ao mesmo tempo, ele tem uma visão fundamentalmente diferente do propósito e da essência das belas-artes, principalmente da pintura. A questão principal de sua teoria, cuja resolução predeterminou todas as demais premissas teóricas de Leonardo, foi a definição da essência da pintura como forma de compreensão do mundo. “A pintura é uma ciência e filha legítima da natureza” e “deve ser colocada acima de qualquer outra atividade, pois contém todas as formas, existentes e não existentes na natureza”.

A pintura parece a Leonardo ser aquele método universal de compreensão da realidade, que abrange todos os objetos do mundo real, além disso, a arte da pintura cria imagens visíveis que são compreensíveis e compreensíveis para todos, sem exceção; Neste caso, é a personalidade do artista, enriquecida por um profundo conhecimento das leis do universo, que será o espelho no qual se reflete o mundo real, refratado pelo prisma da individualidade criativa.

A estética pessoal-material do Renascimento, expressa de forma muito clara na obra de Leonardo, atinge as suas formas mais intensas em Miguel Ângelo . Revelando a inconsistência do programa revivalista estético, que colocava o indivíduo no centro de todo o mundo, as figuras da Alta Renascença expressaram de diferentes maneiras esta perda do principal suporte no seu trabalho. Se em Leonardo as figuras que ele retrata estão prontas para se dissolver em seu entorno, se estão, por assim dizer, envoltas em uma espécie de névoa leve, então Michelangelo é caracterizado por um traço completamente oposto. Cada figura em suas composições é algo fechado em si, de modo que as figuras às vezes se revelam tão desvinculadas umas das outras que a integridade da composição é destruída.

Levado até o fim de sua vida por uma onda cada vez maior de religiosidade exaltada, Michelangelo chega à negação de tudo o que adorou em sua juventude e, acima de tudo, à negação do corpo nu florescente, que expressava poder sobre-humano e energia. Ele deixa de servir aos ídolos da Renascença. Em sua mente, eles se encontram derrotados, assim como o principal ídolo da Renascença acaba sendo derrotado - a fé no poder criativo ilimitado do homem, que através da arte se torna igual a Deus. Tudo o que ele passou caminho da vida de agora em diante, Michelangelo parece ser uma ilusão completa.

A crise dos ideais estéticos do Renascimento e os princípios estéticos do maneirismo

Um dos sinais muito claros do crescente declínio do Renascimento é o movimento artístico e teórico-estético que se denomina maneirismo. A palavra “maneira” originalmente significava um estilo especial, ou seja, diferente do comum, então - um estilo convencional, ou seja, diferente do natural. Uma característica comum da arte do Maneirismo era o desejo de libertar-se do ideal da arte do Renascimento maduro.

Esta tendência manifestou-se no facto de tanto as ideias estéticas como a prática artística do Quattrocento italiano terem sido questionadas. O tema da arte desse período foi contrastado com a imagem de uma realidade mudada e transformada. Foram valorizados temas inusitados, surpreendentes, natureza morta, objetos inorgânicos. O culto às regras e aos princípios da proporção foram questionados.

As mudanças na prática artística provocaram modificações e mudanças na ênfase das teorias estéticas. Em primeiro lugar, trata-se das tarefas da arte e da sua classificação. A questão principal passa a ser o problema da arte, e não o problema da beleza. A “artificialidade” torna-se o ideal estético mais elevado. Se a estética da Alta Renascença procurava regras precisas e cientificamente verificadas, com a ajuda das quais um artista pudesse alcançar uma representação fiel da natureza, então os teóricos do maneirismo se opõem ao significado incondicional de quaisquer regras, especialmente as matemáticas. O problema da relação entre natureza e gênio artístico é interpretado de forma diferente na estética do maneirismo. Para os artistas do século XV, este problema foi resolvido em favor da natureza. O artista cria suas obras seguindo a natureza, escolhendo e extraindo beleza de toda a variedade de fenômenos. A estética do maneirismo dá preferência incondicional à genialidade do artista. O artista não deve apenas imitar a natureza, mas também corrigi-la, esforçar-se para superá-la.

A estética do maneirismo, desenvolvendo algumas ideias da estética renascentista, negando outras e substituindo-as por novas, refletia a situação alarmante e contraditória do seu tempo. Ela contrastou a clareza e o equilíbrio harmoniosos do Renascimento maduro com a dinâmica, tensão e sofisticação do pensamento artístico e, consequentemente, o seu reflexo nas teorias estéticas, abrindo caminho para um dos principais movimentos artísticos do século XVIII - o Barroco.

6 . Estética dos novos tempos

Fundamentos racionalistas da cultura. É impossível traçar uma fronteira totalmente precisa entre as culturas dos séculos XVI e XVII. Já no século XVI, novas ideias sobre o mundo começaram a tomar forma nos ensinamentos dos filósofos naturais italianos. Mas uma verdadeira virada na ciência do universo ocorreu na virada dos séculos XVI e XVII, quando Giordano Bruno, Galileu Galilei e Kepler, desenvolvendo a teoria heliocêntrica de Copérnico, chegaram à conclusão sobre a pluralidade dos mundos, sobre o infinidade do universo, em que a terra não é o centro, mas uma pequena partícula, quando a invenção do telescópio e do microscópio revelou ao homem a existência do infinitamente distante e do infinitamente pequeno.

No século XVII, a compreensão do homem, do seu lugar no mundo e da relação entre o indivíduo e a sociedade mudou. A personalidade do homem renascentista é caracterizada por absoluta unidade e integridade, é desprovida de complexidade e desenvolvimento. A personalidade – o Renascimento – afirma-se em conformidade com a natureza, que representa uma força boa. A energia de uma pessoa, assim como a fortuna, determinam seu caminho de vida. No entanto, este humanismo “idílico” já não era adequado à nova era, quando o homem deixou de se reconhecer como centro do universo, quando sentiu toda a complexidade e contradições da vida, quando teve que travar uma luta cruel contra o reação feudal-católica.

A personalidade do século XVII não tem valor por si só, como a personalidade do Renascimento, depende sempre do ambiente, da natureza e da massa de pessoas, a quem se quer mostrar, surpreender e convencer. Esta tendência, por um lado, de captar a imaginação das massas e, por outro, de convencê-las, é uma das principais características da arte do século XVII.

A arte do século XVII, tal como a arte do Renascimento, é caracterizada pelo culto ao herói. Mas este é um herói que se caracteriza não por ações, mas por sentimentos e experiências. Isto é evidenciado não só pela arte, mas também pela filosofia do século XVII. Descartes cria uma doutrina das paixões e Spinoza considera os desejos humanos “como se fossem linhas, planos e corpos”.

Esta nova percepção do mundo e do homem poderia tomar duas direções no século XVII, dependendo de como fosse utilizada. Neste mundo complexo, contraditório e multifacetado da natureza e da psique humana, poderia ser enfatizado o seu lado caótico, irracional, dinâmico e emocional, a sua natureza ilusória, as suas qualidades sensuais. Este caminho conduziu ao estilo barroco.

Mas a ênfase também poderia ser colocada em ideias claras e distintas que discernem a verdade e a ordem neste caos, no pensamento que luta com os seus conflitos, na razão que supera as paixões. Esse caminho levou ao classicismo.

O barroco e o classicismo, tendo recebido o seu desenho clássico na Itália e na França, respetivamente, espalharam-se, de uma forma ou de outra, por todos os países europeus e foram as tendências dominantes na cultura artística do século XVII.

Princípios estéticos do Barroco

O estilo barroco surgiu na Itália, num país fragmentado em pequenos estados, num país que viveu uma contra-reforma e uma forte reacção feudal, onde os cidadãos ricos se transformaram numa aristocracia fundiária, num país onde a teoria e a prática do maneirismo floresceram em em plena floração e onde, ao mesmo tempo, em todo o seu brilho se preservaram as mais ricas tradições da cultura artística do Renascimento. O Barroco tirou do Maneirismo a sua subjetividade, do Renascimento o seu fascínio pela realidade, mas ambos numa nova refração estilística. E embora os resquícios do maneirismo continuassem a afetar a primeira e até a segunda década do século XVII, em essência, a superação do maneirismo na Itália pode ser considerada concluída em 1600.

Um dos problemas característicos da estética barroca é o problema da capacidade de persuadir, que tem origem na retórica. A retórica não distingue a verdade da plausibilidade; como meios de persuasão, parecem equivalentes - e daí decorre o subjetivismo ilusório, fantástico, da arte barroca, combinado com o sigilo da técnica de “arte” da obra de efeito, criando uma impressão subjetiva e enganosa de verossimilhança .

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No pensamento filosófico do século XVII, o foco está no problema do homem, suas capacidades, qualidades adquiridas e inatas. Além disso, torna-se relevante o problema da aceleração da passagem do tempo, como condição necessária da existência humana, pelo que o mundo está em constante transformação. Os principais estilos artísticos deste período foram o Barroco e o Classicismo. A arte torna-se uma espécie de linguagem da filosofia, que se afastou das construções racionais universais e mergulhou na esfera da experiência emocional. A auto-estima da arte como força criativa da cultura está crescendo.

O objeto da pesquisa muda e, consequentemente, há uma mudança na ênfase nos problemas de percepção, na personalidade do ouvinte, na diversidade de gostos. Começa um novo nível de especificação da percepção do sujeito. Na teoria estética, a atenção passa a ser dirigida não apenas à figura do artista, mas também ao leitor, espectador, ouvinte. A ideia de que compreender uma obra de arte e, portanto, mais destino sua existência depende em grande parte de quem a percebe e como. Há uma tendência emergente de interesse pelas experiências individuais únicas, pelo mundo interior do indivíduo, o que por sua vez contribuiu para a formação de diversos movimentos artísticos.

A estética de Nicolas Boileau apresenta os princípios estéticos gerais do classicismo. Assim, neles ele proclama a prioridade do pensamento sobre as palavras, das ideias sobre a expressão artística. É a mente que tem importância decisiva na arte, e o princípio sensual é secundário. Para ter clareza de ideia, que é a chave da beleza, é preciso afastar-se do colorido da vida. Boileau justifica a divisão hierárquica dos gêneros em “alto” e “baixo”, desenvolve a ideia da trindade de tempo, lugar e ação).

As principais ideias dos representantes do Iluminismo sobre teorias do gosto, que é um dos principais para este período de desenvolvimento do pensamento estético, estabelecido na divisão associada ao gosto estético e artístico. Então, vamos dar uma olhada em outras teorias dos filósofos modernos.

Francis Hutcheson, em sua obra “Uma investigação sobre a origem de nossas ideias de beleza e virtude”, analisa o problema da beleza e da harmonia. Nossas ideias sobre harmonia, beleza e ordem baseiam-se em um certo sentimento interior, e não em justificativas racionais. Segundo Hutcheson, a beleza tem um caráter desinteressado e, portanto, o sentimento estético é modelo para o sentimento moral. A arte está subordinada à moralidade, e a beleza e a harmonia são a fonte e os meios de cultivar a virtude. A beleza possui duas variedades: 1) absoluta, onde a beleza é percebida sem comparação com algo externo (a beleza dos fenômenos naturais, leis científicas); 2) relativo ou comparativo, que está associado a tipos de arte sujeitos ao princípio da imitação. A beleza relativa é mais evidente na pintura e na poesia, onde “uma imitação exata será bela mesmo quando o original for completamente desprovido de beleza”. Hutcheson propõe a ideia da natureza objetiva da beleza, mas para ele a universalidade aparece como a mesmice da percepção da beleza.

Edmund Burke, analisando as categorias do belo e do sublime, revela aspectos psicológicos suas percepções. No cerne do sublime está o impulso de autopreservação. Esse sentimento surge como resultado do encontro com as forças que causam horror e cautela humana. O belo se baseia no desejo do social, da comunicação. Tudo o que desperta amor, simpatia e nos incentiva a imitar é belo e diz respeito à esfera das relações humanas. É possível que a beleza exista no mundo físico, onde o prazer diz respeito à escolha de determinadas cores, tons e formas. O sentimento de beleza contribui para a unidade das pessoas e a formação de qualidades morais.

Ideias educação estética devido ao problema gênio analisado pelo filósofo francês Claude Adrian Helvetius. Ele acredita que a genialidade é inerente a todas as pessoas, mas é necessária uma educação que possa revelar essa habilidade. A genialidade do artista se manifesta no realismo e no estilo da imagem. O propósito educativo da arte é despertar sensações fortes, proporcionar o que falta na realidade. A forma mais elevada de prazer é proporcionada apenas por meio da imaginação e da fantasia, o que confere à arte o status de meio de entretenimento.

Denis Diderot fundamenta a relação entre arte e moralidade. A arte deve educar, expressar uma certa regra de vida. Verdade, bondade e beleza estão interligadas. Além de desenvolver o conceito de beleza, que ocupa um lugar significativo no conceito estético de Diderot, atribui grande importância à harmonia na arte. A harmonia como interdependência entre os componentes de uma obra permite ver uma imagem holística. Em seus escritos, Diderot analisa as características musicais, dramáticas, pictóricas, artes de dança, apelando não apenas para leis estéticas gerais, mas também abordando questões especiais da teoria da arte - desde meios de expressividade e construção de formas até variedades de gênero.

Jean-Jacques Rousseau, um dos iluministas do século XVIII. compreendeu mais profundamente a música como a arte dos tempos modernos. Os desenvolvimentos teóricos na análise da estrutura dos acordes e o desmascaramento da hipótese sobre a identidade da harmonia grega antiga e dos acordes modernos foram uma importante contribuição de Zhe.-Zhe.Rousseau para o desenvolvimento da teoria musical. Em conexão com a crescente atenção à representação da natureza humana, o problema da representação precisa dos sentimentos e emoções humanas torna-se o mais relevante e característico deste período. A reprodução do afeto nesse período coincide com a representação da natureza. Este ponto de vista foi partilhado por Rousseau durante algum tempo. Ele (em trabalho de parto" Dicionário musical") enfoca o fato de que a música, como outras formas de arte, tem o meio de imitar qualquer objeto da natureza. Mais tarde, Rousseau começou a acreditar que o conteúdo da criatividade de um músico está em sintonizar a alma exatamente com o estado de espírito que ela gostaria. como.

Alexander Baumgarten define que o tema da estética é o estudo da lógica do conhecimento sensorial; deve combinar não só a teoria, mas também a prática artística; O princípio do consenso torna-se universal para a estética do filósofo alemão, pois incorpora a ideia de beleza como unidade nos ricos; Entre os problemas que Baumgarten analisa estão a percepção estética e a criatividade artística. Ambos os processos envolvem um momento de criatividade e incluem um impulso estético. Foi O. Baumgarten quem destacou que o conhecimento estético tem caráter independente, possui leis internas e específicas e é independente da religião ou da moralidade.

Gottgold Ephraim Lessing em suas obras discute a antiga teoria da catarse e a aplica ao moderno teoria do drama. Ele aponta a conexão entre a ideia de catarse e o antigo conceito de medida e a ideia de "meio-termo" de Aristóteles. Além disso, um lugar significativo na estética de Lessing é ocupado pelo problema da relação entre os tipos de arte, que ele divide em espacial (plástica) e temporal. As artes espaciais incorporam uma ação completa e não transmitem mudanças. A situação é diferente nas artes temporárias, que transmitem o desenrolar do tempo e, portanto, são capazes de transmitir a personalidade individual dos heróis e as relações entre eles. Lessing desenvolve todo um sistema de classificação das artes, onde a literatura e a poesia ocupam o lugar mais alto.

O objetivo da arte é revelar a verdade, retratar o belo na realidade. Somente revelando a verdade a arte pode proporcionar prazer, ensinar e educar.

O conceito de “estética” vem do grego “aistetikos” – sentimento, sensual. Estética foi originalmente chamada de tudo o que é percebido sensualmente. Então a estética passou a ser entendida como aqueles fenômenos da realidade e dos produtos atividade humana, que possuem uma certa ordem e que evocam em nós experiências especiais do belo, do sublime, do trágico, do cômico.
A Estética nasceu como um campo do conhecimento em que se estabeleceu o objetivo:
em primeiro lugar, descrever, estudar as características dos fenômenos estéticos, identificar neles o que há de comum, essencial;
em segundo lugar, compreender a sua base, o seu significado, o seu lugar na existência;
em terceiro lugar, estudar o processo de criação desses valores, identificar as leis e princípios da criatividade e percepção estética, se houver, e aprender a aplicá-los;
em quarto lugar, estudar os padrões de influência dos fenômenos estéticos da realidade e das obras de arte na consciência e na vontade de uma pessoa e usar esses padrões.
No período dos tempos modernos, ocorre uma mudança radical na visão de mundo.
Deus está cada vez mais sendo excluído da composição da existência, e em seu lugar está a natureza, que é concebida como um dado imediato, um conjunto de coisas dadas ao homem na experiência, um conceito geral para substâncias e energias, essências e padrões.

- Primeiro surge um conceito e depois uma teoria totalmente fundamentada da natureza subjetiva da estética. Em 1750, Baumgarten publicou sua “estética”, na qual entende a cognição sensorial por estética e propõe complementar duas partes da filosofia - a ontologia, a doutrina do ser, e a lógica - a doutrina do pensamento, com uma terceira parte - a estética, a teoria da cognição sensorial. Acredita-se que a partir dessa época a estética adquiriu um status próprio, um assunto próprio e se tornou uma ciência independente.

Kant desempenhou um papel de destaque no desenvolvimento da estética como uma doutrina filosófica independente. Ele fez uma verdadeira revolução na estética.
o Kant começou a buscar a natureza da estética não fora do homem, nem no espaço e nem em Deus, mas no próprio homem, em suas habilidades. (capacidade de cognição, capacidade de desejo e sentimentos de prazer ou desprazer)
o Kant chegou à conclusão de que sabemos o que é criado pela nossa mente através de intuições sensoriais e categorias racionais. Na Crítica da Razão Pura, ele argumenta que nossa razão prescreve leis à natureza, que está sujeita à necessidade. Na "Crítica da Razão Prática" ele examina a faculdade do desejo, da razão, e elucida. como a moralidade e a doutrina da moralidade são possíveis, e chega à conclusão de que a razão estabelece leis para a vontade, e a razão age de acordo com o princípio da liberdade.
o O mundo da natureza, sujeito ao princípio da necessidade, e o mundo do homem, o mundo da moralidade, sujeito ao princípio da liberdade, foram dilacerados. A Crítica do Julgamento examina a terceira área da habilidade – a capacidade de desfrutar ou desprazer. A estética, segundo Kant, é a capacidade de reconciliação almejada.
A reconciliação é alcançada de acordo com o princípio do julgamento estético - isto é conveniência sem objetivo ou forma de conveniência, quando consideramos um objeto como se fosse criado de acordo com algum propósito, mas qual é o propósito - não podemos dizer. Se a forma de um objeto corresponde ao nosso poder de julgamento, nós o consideramos conveniente e experimentamos o prazer que surge do jogo da imaginação e da razão, do seu estímulo mútuo à atividade e da sua limitação mútua. O princípio da finalidade subjetiva dá assim a faculdade de julgar, uma ideia que a razão não pode dar. Mas esta não é uma ideia da razão, à qual nenhuma intuição pode ser adequada. Esta é uma ideia estética, ou seja, “aquela representação da imaginação que dá motivos para pensar muito, e, no entanto, não certo pensamento, ou seja nenhum conceito lhe pode ser adequado e, portanto, nenhuma linguagem é capaz de atingi-lo plenamente e torná-lo inteligível”.
Kant iluminou as principais características do julgamento estético e do gosto.
1. A primeira característica deste julgamento é o desinteresse. Desinteresse significa indiferença de contemplação à existência de um objeto.
2. Segunda característica: “O belo é aquilo que se apresenta sem conceito como objeto de prazer universal”.
3. Terceiro: “A beleza é uma forma de intencionalidade de um objeto, pois nele é percebida sem a ideia de uma meta”.
4. Quarta característica: “O que é belo é aquilo que é conhecido sem o meio de um conceito como objeto de prazer necessário”.
Estamos falando de ver um belo objeto como se tivesse sido criado de acordo com um plano pré-pensado, com um propósito específico, vendo o todo como anterior às partes.
Se para Kant a capacidade estética de julgamento está correlacionada com a natureza como fonte de normas e padrões, e o gênio é inato, dado pela natureza o poder de dar regras à arte, então entre os neokantianos a estética começou a ser reduzida exclusivamente a um sentimento subjetivo, ou mais precisamente, à consciência estética. Os idealistas objetivos se opuseram ao subjetivismo na estética.
A mais famosa foi a estética objetivo-idealista de Hegel.
A beleza segundo Hegel é a presença direta de uma ideia em um fenômeno específico.
a beleza é a visibilidade de uma ideia na fase de seu desenvolvimento mais elevado, na fase do espírito absoluto, que absorveu em seu conteúdo todas as etapas anteriores de desenvolvimento;
a beleza é o retorno do espírito a si mesmo apenas na forma de contemplação sensual.
a beleza e a estética em geral são uma contemplação sensual da verdade, que é mais plenamente alcançada na arte.

Hegel conseguiu incluir teoricamente o conteúdo do desenvolvimento histórico mundial na estética e na arte; ele via a arte e a estética na realidade como o nível mais baixo de conhecimento da verdade. Este estágio foi superado pela religião e pela filosofia.
A estética como o conhecimento da verdade na forma sensual dominou naquele período histórico em que o geral não estava separado da existência viva no indivíduo, a lei não se opunha ao fenômeno e a meta aos meios, mas onde se era compreendido através do outro.
As categorias da estética foram consideradas como formas de consciência e superação de contradições: a beleza é um momento feliz do processo histórico, quando as contradições entre a necessidade e a liberdade, o universal e o individual, entre a fria exigência do dever e o caloroso sentimento de simpatia e o amor são superados e a harmonia é estabelecida entre a sociedade e o indivíduo. Ele via o trágico como uma violação da harmonia, a luta de forças isoladas, e o cômico como benevolência, confiança na ascensão incondicional de alguém acima da própria contradição.
Hegel derivou a estética das profundezas da existência - a ideia absoluta, que, à medida que se desenvolve, é incorporada ou se desdobra em formas objetivas e subjetivas de existência. O início do desenvolvimento de uma ideia - ser puro, acaba por ser igual a nada, e deste nada surge tudo. Ao pensar pode-se começar do nada, mas depois o conceito é enriquecido com numerosas definições e ascende ao concreto.
Rússia da Nova Era.
No período dos tempos modernos na Rússia, podemos falar sobre a estética religiosa russa, que parecia estar na vanguarda. na periferia dos movimentos culturais dos séculos 19 a 20, que expressavam clara e claramente muitos dos problemas essenciais da cultura espiritual de seu tempo e da cultura como um todo, Berdyaev (um representante proeminente da estética religiosa) aderiu a um místico -orientação romântica. Um dos principais temas de sua filosofia foi o conceito de criatividade; distinguiu entre arte pagã e cristã; distinguiu dois tipos principais de criatividade artística - realismo e simbolismo.
Podemos destacar as ideias mais proeminentes desta estética:
1. Um sentimento ou mesmo uma compreensão clara da profunda relação entre arte e religião; arte e esfera espiritual extraterrestre; ver a essência da arte na expressão (fenômeno, apresentação) do mundo espiritual objetivamente existente; uma afirmação da realidade do contacto do artista com este mundo no processo de criação artística.
2. Consciência da dramática discórdia entre a consciência estética e ética, estética e religiosa e as dolorosas tentativas de superá-la nos níveis teórico ou prático-criativo. Foi sentido de forma especialmente aguda pelos profissionais - escritores e artistas, porque sentiram intuitivamente que as metas e objetivos da ética, da estética e da religião estão próximos e estão no mesmo plano: a ética é chamada a colocar o indivíduo em harmonia com a sociedade, a sociedade ; a estética indicava as formas de harmonizar a pessoa consigo mesma e com o Universo como um todo; a religião estabeleceu pontes entre o homem e a Causa Primeira
ser - Deus.
3. Busca intensa por um princípio espiritual e transformador na cultura e na arte - tanto teórica quanto níveis artísticos.
4. Teurgia como a remoção da criatividade artística além dos limites da própria arte para a vida, a transformação da própria vida de acordo com as leis estéticas e espirituais da criatividade, com base na ajuda divina.
5. As características essenciais do fenômeno mais importante da cultura ortodoxa e da principal categoria da consciência estética - o ícone - foram finalmente formuladas.

Na abordagem de Vl. Solovyov, a essência da beleza é a unidade, ou a unidade do espírito da mente e da alma, e o concreto-sensual, o físico é apenas uma forma de manifestação da existência, que não é a beleza inevitável, necessária e inerente. Substantivo de beleza absoluta. fora da incorporação física.

Durante a Nova Era, ocorre uma mudança radical na visão de mundo.
O ser passa a ser pensado em três categorias: natureza, homem, cultura.
Deus está sendo cada vez mais excluído da existência e a natureza está tomando o seu lugar.
O homem é considerado parte da natureza e ao mesmo tempo uma personalidade, um ser individualmente único e independente.
Cultura é entendida como aquilo que existe entre a natureza e o sujeito, aquilo que o próprio homem cria através de sua atividade.
O problema da estética e da arte está sendo repensado.

A partir dessa época, a estética adquiriu status próprio, disciplina própria e se tornou uma ciência independente.

Kant:
procurou a natureza da estética no homem, em suas habilidades.
chegamos à conclusão de que sabemos o que é criado pela nossa mente através de intuições sensoriais e categorias racionais
o mundo da natureza e o mundo do homem, o mundo da moralidade, foram dilacerados. A estética, segundo Kant, é a capacidade de reconciliação almejada. A reconciliação é alcançada de acordo com o princípio do julgamento estético.

Características principais:
1. Desinteresse.
2. “O belo é objeto de prazer universal.”
3. “A beleza é uma forma de intencionalidade de um objeto”
4. “O que é belo é o que é conhecido como objeto de prazer necessário.”
Estamos falando de ver um belo objeto como se ele tivesse sido criado de acordo com um plano pré-pensado, com uma finalidade específica.

Para os neokantianos, a estética começou a ser reduzida à consciência estética.

Hegel: a presença de uma ideia num fenômeno concreto.
a beleza é o aparecimento de uma ideia em fase de seu maior desenvolvimento;
a beleza é o retorno do espírito a si mesmo na forma de contemplação sensual.
a beleza e a estética são uma contemplação sensual da verdade, que é mais plenamente alcançada na arte.
As categorias da estética foram consideradas como superadoras de contradições:
O belo é um momento feliz no processo histórico em que as contradições entre a necessidade e a liberdade, o universal e o individual são superadas.
Trágico como uma violação da harmonia, uma luta de forças.

Classicismo:
O “estilo de ordem” e a plasticidade das esculturas simbolizavam as verdades “eternas” e “imutáveis” da unidade (integridade) - as verdades do bem e da beleza que fundamentam o “macrocosmo”. E como o homem era entendido como um “microcosmo”, ele também poderia ser dotado das características eternas e imutáveis ​​de beleza e harmonia, que Vitrúvio representava simbolicamente com a figura de um homem harmonioso inscrito em um círculo.

Barroco:
O estilo se manifesta mais claramente na arquitetura:
1. Fortalecimento dos traços de figuratividade; em particular, em composições de fachadas:
a) a fachada vira decoração
b) fachada - como a imagem de um edifício imaginário inexistente: as colunas projetam-se para a frente, aprofundam-se, transformam-se em pilastras planas; janelas – às vezes como vãos, às vezes como elemento visual
2. Estilizar alguns formulários para se parecerem com outros
3. Excessos de vários tipos (detalhamentos, abundância de decorações).

Fundamentos racionalistas da cultura

É impossível traçar uma fronteira totalmente precisa entre as culturas dos séculos XVI e XVII. Já no século XVI, novas ideias sobre o mundo começaram a tomar forma nos ensinamentos dos filósofos naturais italianos. Mas uma verdadeira virada na ciência do universo ocorreu na virada dos séculos XVI e XVII, quando Giordano Bruno, Galileu Galilei e Kepler, desenvolvendo a teoria heliocêntrica de Copérnico, chegaram à conclusão sobre a pluralidade dos mundos, sobre o infinidade do universo, em que a terra não é o centro, mas uma pequena partícula, quando a invenção do telescópio e do microscópio revelou ao homem a existência do infinitamente distante e do infinitamente pequeno.

No século XVII, a compreensão do homem, do seu lugar no mundo e da relação entre o indivíduo e a sociedade mudou. A personalidade do homem renascentista é caracterizada por absoluta unidade e integridade, é desprovida de complexidade e desenvolvimento. A personalidade – o Renascimento – afirma-se em conformidade com a natureza, que representa uma força boa. A energia de uma pessoa, assim como a fortuna, determinam seu caminho de vida. No entanto, este humanismo “idílico” já não era adequado à nova era, quando o homem deixou de se reconhecer como centro do universo, quando sentiu toda a complexidade e contradições da vida, quando teve que travar uma luta cruel contra o reação feudal-católica.

A personalidade do século XVII não tem valor por si só, como a personalidade do Renascimento, depende sempre do ambiente, da natureza e da massa de pessoas, a quem se quer mostrar, surpreender e convencer. Esta tendência, por um lado, de captar a imaginação das massas e, por outro, de convencê-las, é uma das principais características da arte do século XVII.

A arte do século XVII, tal como a arte do Renascimento, é caracterizada pelo culto ao herói. Mas este é um herói que se caracteriza não por ações, mas por sentimentos e experiências. Isto é evidenciado não só pela arte, mas também pela filosofia do século XVII. Descartes cria uma doutrina das paixões e Spinoza considera os desejos humanos “como se fossem linhas, planos e corpos”.

Esta nova percepção do mundo e do homem poderia tomar duas direções no século XVII, dependendo de como fosse utilizada. Neste mundo complexo, contraditório e multifacetado da natureza e da psique humana, poderia ser enfatizado o seu lado caótico, irracional, dinâmico e emocional, a sua natureza ilusória, as suas qualidades sensuais. Este caminho conduziu ao estilo barroco.

Mas a ênfase também poderia ser colocada em ideias claras e distintas que discernem a verdade e a ordem neste caos, no pensamento que luta com os seus conflitos, na razão que supera as paixões. Esse caminho levou ao classicismo.

O barroco e o classicismo, tendo recebido o seu desenho clássico na Itália e na França, respetivamente, espalharam-se, de uma forma ou de outra, por todos os países europeus e foram as tendências dominantes na cultura artística do século XVII.

Princípios estéticos do Barroco

O estilo barroco surgiu na Itália, num país fragmentado em pequenos estados, num país que viveu uma contra-reforma e uma forte reacção feudal, onde os cidadãos ricos se transformaram numa aristocracia fundiária, num país onde a teoria e a prática do maneirismo floresceram em em plena floração e onde, ao mesmo tempo, em todo o seu brilho se preservaram as mais ricas tradições da cultura artística do Renascimento. O Barroco tirou do Maneirismo a sua subjetividade, do Renascimento o seu fascínio pela realidade, mas ambos numa nova refração estilística. E embora os resquícios do maneirismo continuassem a afetar a primeira e até a segunda década do século XVII, em essência, a superação do maneirismo na Itália pode ser considerada concluída em 1600.

Um dos problemas característicos da estética barroca é o problema da capacidade de persuadir, que tem origem na retórica. A retórica não distingue a verdade da plausibilidade; como meios de persuasão, parecem equivalentes - e daí decorre o subjetivismo ilusório, fantástico, da arte barroca, combinado com o sigilo da técnica de “arte” da obra de efeito, criando uma impressão subjetiva e enganosa de verossimilhança .

Partindo do fato de que o conceito principal da estética barroca é a capacidade de persuadir, ela é entendida como a capacidade de convencer o espectador com a ajuda de um instrumento específico de influência, que é uma obra de arte. A retórica decora a fala, dá aos conceitos e objetos formas mais facilmente percebidas. A retórica está inextricavelmente ligada à literatura e à poesia, que muitas vezes se identifica com a retórica. A capacidade de persuasão deve convencer, tocar, surpreender aquele a quem se destina. O autor, portanto, deve conhecer nos mínimos detalhes a quem se destina sua obra, deve estudá-los e guiar-se por esse conhecimento na hora de criar suas obras.

Existem métodos reconhecidos e obrigatórios de persuadir o espectador, leitor, ouvinte devido à sua eficácia? Todos os métodos são adequados, desde que atinjam o seu objetivo principal - convencer aquele a quem se destinam. Nesse sentido, o problema da verdade ou falsidade de uma obra de arte é relegado a segundo plano e torna-se insignificante. A ilusão se torna um princípio. O leitor e o espectador devem antes de tudo ficar atordoados e surpresos, e isso pode ser feito com a ajuda de uma seleção habilidosa de pinturas estranhas e de composição incomum.

A maior parte dos teóricos barrocos eram escritores, mas nas suas afirmações sente-se claramente a tendência principal da época barroca - para a reaproximação dos vários tipos de arte. Todas as artes estão interligadas e possuem uma essência única. Eles diferem apenas nas formas de expressão.

Racionalismo e normativismo da estética do classicismo

O classicismo é uma das áreas mais importantes da arte. Tendo se estabelecido nas obras e na criatividade de muitas gerações, apresentando uma galáxia brilhante de poetas e escritores, pintores e músicos, arquitetos, escultores e atores, o classicismo deixou marcos no caminho do desenvolvimento artístico da humanidade como tragédias Corneille, Racine, Milton, Voltaire, comédia Molière, música Lully, poesia Lafontaine, parque e conjunto arquitetônico de Versalhes, pinturas de Poussin.

O classicismo inicia a sua cronologia no século XVI, domina no século XVII e afirma-se poderosa e persistentemente no século XVIII e no início do século XIX. A própria história confirma a viabilidade das tradições do sistema artístico classicista e o valor dos conceitos subjacentes do mundo e da personalidade humana, principalmente o imperativo moral característico do classicismo.

A palavra “classicismo” (do latim classicus - exemplar) encarna a orientação estável da nova arte em direção ao antigo “modelo”. No entanto, a lealdade ao espírito da antiguidade não significou para os classicistas nem uma simples repetição desses modelos antigos, nem uma cópia direta de teorias antigas. O classicismo foi um reflexo da era da monarquia absoluta e do sistema nobre-burocrático em que a monarquia se baseava. Voltando-nos para a arte da Grécia e de Roma, que também foi um traço característico do Renascimento, por si só ainda não pode ser chamada de classicismo, embora já contivesse muitas características dessa direção.

Na história da França, a monarquia absoluta desempenhou um papel duplo. A mesma dualidade caracterizou a política cultural da monarquia absoluta e sua doutrina estética - o classicismo. Os tribunais monárquicos caracterizavam-se pelo desejo de subordinar todas as forças artísticas a uma organização centralizadora. O Cardeal Richelieu criou um centro oficial no campo da literatura e da língua - a Academia Francesa. Sob Luís XIV, foi criada a Academia de Artes. Nesses centros de cultura artística, muito trabalho foi feito para criar uma linguagem literária unificada, libertá-la das peculiaridades provinciais e resquícios da antiguidade, desenvolver o discurso literário correto, classificar gêneros e assim por diante. A Academia de Artes, que reunia os mais proeminentes pintores e teóricos da arte, estava envolvida em atividades semelhantes. Em geral, toda esta atividade teve um significado progressivo.

De acordo com os códigos da arte, primeiro era exigido do artista que tivesse “nobreza de design”. O enredo do quadro deve ter tido um valor edificante. Portanto, todos os tipos de alegorias eram especialmente valorizados, nos quais imagens da vida tiradas de maneira mais ou menos convencional expressavam diretamente ideias gerais. O gênero mais elevado era considerado “histórico”, que incluía mitologia antiga, histórias de obras literárias famosas, da Bíblia e assim por diante. Retratos, paisagens e cenas da vida real eram considerados “gêneros menores”. O gênero mais insignificante era a natureza morta.

Na poesia, o classicismo enfatizou o desenvolvimento racional dos temas de acordo com regras conhecidas. O exemplo mais marcante disso é a "Arte Poética" Boileau- um tratado apresentado em belos versos e contendo muitas idéias interessantes. Boileau apresentou a exigência da primazia do conteúdo na arte poética, embora esse princípio se expressasse nele de uma forma muito unilateral - na forma de uma subordinação abstrata do sentimento à razão.

Estética do Iluminismo Europeu

As teorias estéticas do Iluminismo foram formadas durante as primeiras revoluções burguesas dos séculos XVII-XVIII e fazem parte da ideologia e da cultura do seu tempo. Os Iluministas acreditavam que a reorganização de um sistema social ultrapassado deveria ser realizada através da disseminação de ideias avançadas, através da luta contra a ignorância, a droga religiosa, a escolástica medieval, com a moralidade feudal desumana, com arte e estética que atendessem às necessidades da parte superior. estratos do estado feudal-absolutista.

Apesar de toda a sua progressividade, os iluministas não conseguiram ultrapassar as fronteiras da sua época. Nas maquinações de uma sociedade harmoniosa, os iluministas confiaram num certo “cidadão” abstrato, na sua consciência política e moral, e não na pessoa real que realmente se formou sob o capitalismo.

Os iluministas, por meio da educação moral, política e estética, tentaram alcançar uma transformação da sociedade com base nos princípios da igualdade e da justiça. Tinham plena consciência de que existiam contradições entre os interesses privados e públicos, entre as aspirações e os deveres pessoais, entre o indivíduo e a sociedade. Eles esperavam resolver estas contradições em grande parte através da educação estética. Daí surgiu a convicção de que o princípio estético é capaz de amenizar o egoísmo inato das pessoas, transformando a pessoa em um “indivíduo”.

Do ponto de vista de formar um “cidadão”, uma nova pessoa, os iluministas consideraram os conceitos básicos: beleza, sublime, harmonia, graça, sabor ( Burke, Diderot ); Os problemas da essência e das funções sociais da arte, do conflito artístico, do caráter, da verdade na arte e assim por diante foram tratados com o mesmo espírito. O leitmotiv dos conceitos estéticos do Iluminismo foi a defesa da arte de alto pathos cívico, dos princípios do realismo e do humanismo. Ele discutiu a relação entre beleza e moralidade. Shaftesbury .

Ao interpretar as categorias da estética, os iluministas partiram dos princípios do sensacionalismo, que é uma direção da teoria do conhecimento, segundo a qual a sensualidade é a principal forma de conhecimento confiável. A fórmula clássica que caracteriza o sensacionalismo pertence aos estóicos: “Não há nada na mente que não estivesse anteriormente nos sentidos”.

Desenho teórico da disciplina de estética

O fundador da estética alemã do Iluminismo e o “padrinho” de um ramo independente do conhecimento filosófico foi Baumgarten . Seu sistema epistemológico dividia-se em duas seções: estética e lógica. A primeira era uma teoria do conhecimento sensorial “inferior”, a segunda – do conhecimento superior, “intelectual”. Para denotar conhecimento inferior, escolheu o termo “estética”, que era interpretado simultaneamente como sensação, sentimento e cognição. Conseqüentemente, se a lógica é a ciência do conhecimento intelectual, isto é, as leis e formas de pensamento, então a estética é a ciência do conhecimento sensorial. Assim, existem dois tipos de julgamentos: “lógicos” e “sensíveis” (sensuais). Os primeiros baseiam-se em ideias claras, os segundos em ideias vagas. Ele chama aqueles baseados em ideias claras de julgamentos da razão, e aqueles baseados em ideias vagas de julgamentos de gosto. Os julgamentos da razão nos dão a verdade, os julgamentos do gosto nos dão a beleza. A base objetiva do julgamento da razão e do julgamento do gosto é a perfeição, isto é, a correspondência dos objetos ao seu conceito.

A essência e o propósito social da arte na Era do Iluminismo

O iluminista alemão viu a essência da arte na imitação da natureza. Winkelmann. A imitação da beleza na natureza pode ser dirigida a um único objeto ou pode reunir observações de toda uma série de objetos individuais. No primeiro caso, obtém-se uma cópia semelhante, um retrato, no segundo - uma imagem ideal. Winkelmann considera o segundo caminho mais frutífero. Aqui o artista não atua como copista, mas como verdadeiro criador, pois antes de criar uma imagem, ele forma um conceito geral de beleza e depois segue seu protótipo. A beleza ideal supera as formas comuns da matéria e supera suas limitações.