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TERMOS DE USO

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Mikhail Grigorievich Messerer pertence a uma famosa família artística, que deu ao mundo muitos artistas: os atores R. Messerer e A. Azarin, o cenógrafo B. Messerer, bailarinos, e a mãe da dançarina também era bailarina.

M. Messerer nasceu em 1948. A partir dos cinco anos, sua mãe o levava às aulas - e ele teve a oportunidade de observar como ela trabalhava. Ele ingressou na Escola Coreográfica Acadêmica de Moscou por iniciativa de sua mãe. Um certo papel nesta decisão foi desempenhado pelo fato de a profissão de bailarino trazer algumas vantagens naquela época: bom salário, a oportunidade de conseguir um apartamento no centro de Moscou, para viajar para o exterior. O menino aceitou com indiferença o fato de sua admissão, mas os estudos o cativaram. Com o tempo, às vezes ele começou a substituir professores doentes, e os alunos gostavam dessas aulas. Quando criança, ele usava o sobrenome do pai, mas na escola tanto os professores quanto os colegas, que sabiam de quem ele era filho e sobrinho, costumavam chamá-lo de Messerer. Ao receber o passaporte, adotou esse sobrenome.

Em 1968, M. Messerer, que completou seus estudos, foi aceito no Teatro Bolshoi, mas como dançarino convidado também se apresenta com outras trupes - nacionais e estrangeiras. A carreira do dançarino estava se desenvolvendo com muito sucesso, mas o próprio M. Messerer não estava satisfeito com a situação. Sempre buscando a perfeição em tudo, ele se acreditava inferior a Nikolai Fadeechev, a quem chamava de “gigantes da dança”. Além disso, ele sempre sentiu um chamado para atividades de ensino. E decide fazer uma segunda educação: aos trinta anos, M. Messerer formou-se na GITIS como professor-coreógrafo. Ele era o mais jovem entre os formandos – afinal, os bailarinos costumam pensar em se tornar coreógrafos em idade mais avançada.

Em Pequim, M. Messerer veste "", e em Tóquio - junto com sua mãe -. Dois anos depois de se formarem no GITIS, durante uma turnê pelo Japão, onde sua mãe trabalhava, os dois decidem não retornar ao seu país de origem. Na URSS, escreveram posteriormente nos jornais que pediram asilo político, mas não havia verdade nisso: aproveitaram o convite para lecionar no American Ballet Theatre recebido por S. Messerer. No entanto, a imprensa ocidental também não deixou o desertor soviético desacompanhado, e isso aumentou a popularidade de M. Messerer no Ocidente. Por algum tempo dançou em apresentações, mas depois se dedicou totalmente às atividades de coreógrafo.

Mikhail Messerer colaborou com várias trupes. De 1982 a 2008 foi professor em Londres no Royal Ballet Covent Garden.

Em 2009, M. Messerer retornou à Rússia - tornou-se o coreógrafo-chefe do Teatro Mikhailovsky. O seu trabalho começou com a produção de vários números de concertos, que se seguiram. Não querendo reproduzir as versões exibidas em outros teatros da cidade, ele recorre à versão -.

Segundo o coreógrafo, em 1980, quando tomou a decisão de emigrar, ele e pesadelo Eu não poderia imaginar que algum dia ele se envolveria na restauração das produções soviéticas. Mas os anos se passaram e ocorreu alguma “reavaliação de valores”. E embora Poder soviético Mikhail Messerer ainda chama isso de “regime canibal”; ele presta homenagem à arte daquela época em que pessoas talentosas como o diretor S. Radlov ou o coreógrafo viviam e trabalhavam. Ainda no exílio, encenou “Concerto de Classe”. Chegando ao Teatro Mikhailovsky, ficou surpreso com o “buraco na história” e começou a restaurar os balés Era soviética. Em 2010, encenou o ballet “”, programado para coincidir com o centenário de V. Chabukiani, o coreógrafo que criou este ballet.

Em 2013, Mikhail Messerer encenou outro balé soviético - "". Nessas obras, o coreógrafo é atraído por danças características, bem como por expressões faciais que chegam ao nível da atuação ao vivo. E se as suas tramas podem parecer ingénuas agora, então na época em que as obras foram criadas, os nossos compatriotas acreditavam sinceramente na possibilidade de construir um futuro brilhante... M. Messerer observa que foram esses exemplos de balé dramático soviético que atraíram Atenção especial público estrangeiro, embora o Teatro Mikhailovsky tenha apresentado os dois clássicos no exterior - e produções modernas Nacho Duato. O que preocupa o coreógrafo é que nem todos os jovens artistas compreendem perfeitamente o que significa incorporar uma imagem numa apresentação de balé - ele está convencido de que esta conquista do balé soviético não deve ser perdida nos tempos modernos.
Em 2016, M. Messerer encenou o balé “Corsair” no Teatro Mikhailovskaya, dando preferência aos editores. Mas não estávamos falando de reprodução exata: a cenografia histórica não foi restaurada, os visuais foram simplificados. "Se apresentação de balé não se renova, morre”, é a convicção do coreógrafo Mikhail Messerer.

Temporadas Musicais

— Você restaurou a Laurencia, agora a Chama de Paris. Que valor você vê na coreografia soviética do pré-guerra?

— Cada um desses balés foi especial, Ponto mais alto no repertório entre outras performances criadas nesse período. “Laurencia” e “Flames of Paris” são valiosos porque são bem costurados e bem costurados, são coreograficamente interessantes e a linguagem é habilmente escolhida para cada apresentação. Mas, em princípio, é uma pena perder os balés daquela época porque, sem conhecer o seu passado, fica difícil seguir em frente. É necessário avançar, mas devemos fazê-lo de forma que as gerações futuras não nos acusem de o fazermos em detrimento do nosso próprio património. No mundo todo teatros nacionais lembram-se de seus coreógrafos, homenageiam-nos e procuram não perder seus balés. Veja a Inglaterra, a América, a Dinamarca e assim por diante. Em algum momento, perdemos uma enorme camada de performances; apenas “A Fonte Bakhchisarai” e “Romeu e Julieta” no Teatro Mariinsky foram preservados. Isto é, a partir do que aconteceu ao longo de muitas décadas de desenvolvimento Arte russa sob os comunistas, a maioria simplesmente desapareceu. Na minha opinião, isso é injusto. “Laurencia” e “Flames of Paris” também fazem sucesso porque contêm danças características, trabalhos de mímicos e pantomima. Não uma pantomima convencional do século XIX, mas um jogo de dança ao vivo, ao qual o teatro de balé surgiu naquele momento. Acho que é bom que os bailarinos se lembrem e pratiquem isso. Seria uma pena se o gênero morresse completamente dança de personagem ou habilidade de atuação. Jovens artistas ouviram falar que existe imagem de ator, mas não sabem realmente o que é. Além disso, naquela época muitas partituras foram escritas especificamente para o balé, mas sempre faltam, sempre há a dúvida do que encenar. E há também a questão das digressões ao estrangeiro - nem é preciso explicar a importância que têm para o nosso teatro: trouxemos clássicos para Londres, o nosso “ Lago de cisnes", "Giselle" e balés modernos de Nacho Duato e Slava Samodurov, mas são esses “malditos balés dramáticos” que mais atraem o público inglês. “Laurencia” foi bem recebida e agora aguardam a nossa “Flame”.

Sobrenome de balé

Mikhail Messerer pertence a uma famosa família artística. Sua mãe, Sulamita Messerer, foi uma prima Teatro Bolshoi em 1926-1950, depois lecionou no Bolshoi. Para execução papel de liderança em "As Chamas de Paris" ela recebeu o Prêmio Stalin. Em 1938, quando sua irmã Rachel (atriz de cinema mudo) foi presa, ela levou sua filha, Maya Plisetskaya, para a família. O famoso dançarino do Bolshoi, e depois professor e coreógrafo, era tio de Mikhail Messerer, Asaf Messerer. Outro tio, Azary Messerer, era ator dramático e diretor de Teatro. Yermolova. Os primos de Mikhail Messerer são o artista Boris Messerer e o professor-coreógrafo Azary Plisetsky.

- Existe a opinião de que o que ficou durante séculos é o melhor, não há necessidade de restaurar o que foi destruído. Precisamos apenas construir coisas novas. O que você acha disso?

- Precisamos construir espaçosos construções modernas, mas por que destruí-lo? mansões antigas?! Construa nas proximidades. E resta tão pouco desse período no balé! Não estou dizendo que todas as performances daquela época devam ser restauradas. Mas aqui maiores conquistas Eu queria trazer de volta a arte do balé daquelas décadas para uma nova vida. Não sou especialista, mas parece-me que na arquitectura se preservaram algumas coisas de cada época - não aconteceu que destruíram tudo de propósito. Mas neste caso, quase tudo foi destruído simplesmente porque decidiram que era ruim. Tudo o que foi feito foi ruim. E começou a acreditar-se que supostamente só começou bem na década de sessenta. Eu discordo veementemente disso. Muito do que foi feito nos anos 60 não se tornou clássico, mas simplesmente ficou ultrapassado – ao contrário de Laurencia, por exemplo. Como já disse, o Teatro Mariinsky preservou “A Fonte Bakhchisarai” de Rostislav Zakharov e “Romeu e Julieta” de Leonid Lavrovsky. O público gosta dessas apresentações. Quando nos últimos anos reuniram forças e trouxeram “Romeu e Julieta” para Londres, foi um sucesso gigantesco. Mas dois títulos não são suficientes. E estou feliz que agora conseguimos melhorar de alguma forma a situação e recriar uma série de performances. Há seis anos fui convidado ao Teatro Bolshoi para encenar “Class Concert” de Asaf Messerer - foi ideia de Alexei Ratmansky. Depois CEO Teatro Mikhailovsky Vladimir Kekhman me perguntou quais “Lagos dos Cisnes” eu conhecia (no entanto, a princípio sugeri a ele opções modernas- Matthew Bourna, Matsa Eka), e escolheu a “velha Moscou” “Lago dos Cisnes”, uma peça da mesma época. Surgiu então “Laurencia” - da ideia de comemorar o centenário de Vakhtang Chabukiani (pensei: o que poderia ser melhor do que restaurar o balé do próprio Chabukiani?).

— Quando os artistas realizaram esta performance no palco antes e depois da guerra, você acha que eles correlacionaram o que estava acontecendo no palco com a realidade?

- Certamente. Nos anos trinta, muitos certamente acreditavam sinceramente nos ideais de um futuro comunista brilhante e levavam-no a sério. Agora, uma das tarefas importantes para mim é convencer os nossos artistas a acreditar na revolução quando estão no palco. Pelo menos durante as duas ou três horas que dura o espetáculo.

- Quando você está com sua mãe, bailarina famosa Shulamith Messerer, permaneceu no Japão, tornando-se “desertoras” em 1980, você achava que um dia estudaria balés soviéticos?

- Não, eu não me importo pesadelo não poderia ter sonhado - e em durma bem também não. Mas mais tarde, depois de trinta anos morando em Londres, quando começou a vir para a Rússia para trabalhar, ele perguntou: você restaurou alguma coisa daquela época? Por exemplo, restaurei o “Class Concert” no Ocidente, mas o que você fez? “Flames of Paris”, “Laurencia” é a mesma coisa? Acontece que não, eles não o restauraram. Pareceu-me estranho - um buraco na história. Mas em 1980, não, pensei que não. Entendo que agora meu trabalho parece um paradoxo - afinal, parti para a liberdade da ditadura comunista. Mas faço uma distinção entre os lados político e artístico da questão. Espero que com a minha biografia ninguém me acuse de simpatizar com esse regime canibal. Mas as pessoas mais talentosas estavam criando naquela época, como Vainonen e o diretor Sergei Radlov. Muitos foram reprimidos - como Radlov ou o libretista de “The Bright Stream” Adrian Piotrovsky. Ninguém jamais sabia se eles dariam o Prêmio Stalin ou os enviariam para o Gulag, e às vezes as duas coisas aconteciam, e em ordens diferentes. Também entendo perfeitamente que mares de sangue foram derramados durante revolução Francesa, que sacrifício o povo francês fez no altar da liberdade, mas não é por acaso que os franceses celebram todos os anos o Dia da Bastilha. Os ideais de igualdade estão próximos de todos os europeus. E as ideias da luta pela liberdade são eternas.

— O coreógrafo Vasily Vainonen, que encenou “As Chamas de Paris” em 1932, é praticamente desconhecido do público moderno - com exceção de “O Quebra-Nozes”, que é apresentado no Teatro Musical de Moscou e interpretado por alunos da Academia Vaganova no palco Teatro Mariinsky. O que você acha que foi o principal em seu estilo coreográfico?

— Musicalidade notável, capacidade de brincar com ritmos, habilidade incrível em vários sotaques musicais, capacidade de síncope. Tudo é encenado de forma simples e talentosa e, claro, ele não perdeu contato com seus antecessores - para mim essa é uma qualidade muito importante: ele tem uma ligação clara com o trabalho de Alexander Gorsky, Lev Ivanov, Marius Petipa.

— Você dançou “As Chamas de Paris” quando trabalhou no Teatro Bolshoi?

— Participei ainda menino de “As Chamas de Paris” em um número que deliberadamente não restaurei agora, porque, na minha opinião, seria supérfluo hoje. Desempenhei o papel do pequeno blackamoor na cena do baile em Palácio Real, mas agora apenas o Cupido dança essa música.

- Pelo que entendi, no prólogo você mudou um pouco a motivação - em 1932, o Marquês de Beauregard tentou honrar a honra de uma camponesa e prendeu o pai que a defendia, agora ele ordena que o homem seja punido apenas por coletar mato em sua floresta...

- Houve muitas versões do libreto, Vainonen mudava a execução o tempo todo - de 1932 a 1947. Assim, por exemplo, em 1932 você encontra um fragmento onde no baile real não só a Atriz dança, mas a Cantora, sua substituta, também canta, e exatamente a mesma coisa acontece durante a atuação do Ator. Aos poucos tudo mudou e foi levado para uma forma mais compacta, que chegou ao momento em que vi essa performance nos anos 60 - vi várias vezes e lembro de Georgy Farmanyants, Gennady Ledyakh, lembro da primeira apresentação de Mikhail Lavrovsky. E agora eu mesmo cortei algumas coisas.

- O que exatamente?

— Aquele episódio do início da peça em que os soldados do marquês espancaram o pai da heroína - antes de o prenderem e o levarem para o castelo, e os camponeses e Marselha arrombarem o portão com um tronco, invadirem o castelo e o libertarem. Ainda havia muitos presos nas casamatas, estavam libertando todo mundo, e os aristocratas ali escondidos eram levados em uma carroça, aparentemente para a guilhotina. Omiti tudo isso, pensando que em nossa época Vainonen e Radlov provavelmente também cortariam essa parte - pareceria pesado, mas eu queria que a apresentação continuasse de uma só vez. Além disso, praticamente não houve coreografia.

— Oksana Bondareva e Ivan Zaitsev, que desempenharam os papéis principais em “As Chamas de Paris” (embora em composições diferentes), acaba de se apresentar triunfantemente no Concurso Internacional de Ballet de Moscou. Eles pediram uma folga para você?

- Sim, pediram folga no último momento. Eles não tiveram a oportunidade de se preparar confortavelmente, infelizmente, porque Oksana estava sendo apresentada ao papel de Julieta e, literalmente, alguns dias depois de sua apresentação, a competição já havia começado. Ela ensaiava quase 24 horas por dia, preparando-se para a competição quase à noite. Eu avisei que era perigoso - suas pernas não eram de ferro, mas ela acreditou na vitória. Muito bem, ela ganhou - e os vencedores não são julgados.

— Muitos diretores de trupes não gostam quando seus artistas saem para a competição. Você acha que a concorrência em geral é útil ou prejudicial?

— Útil, eu mesmo participei de competições. Depois de passar na competição, você terá um desempenho melhor. Isto é especialmente importante para aqueles que acreditam que não sobem ao palco com frequência suficiente. Este é um exame adicional. Depois de passar neste exame, você cresce criativamente e acredita mais em si mesmo se dançar com sucesso.

- Mas se os artistas dançaram com sucesso, sempre há chance de outros teatros os roubarem do diretor?

- Sim, esse aspecto também existe. Mas não penso nisso agora. Principalmente, os artistas não nos deixam – eles vêm até nós. Porém, houve casos isolados em que artistas deixaram nosso corpo de balé em busca de uma posição melhor no Teatro Mariinsky. Eles acreditaram que eu não estava dando jogos para eles e - “bem, aqui está, iremos ao Teatro Mariinsky!” Mas temos um grande corpo de balé - se o Teatro Mariinsky precisar de ajuda, você é sempre bem-vindo, ainda há extras.

— A propósito, Angelina Vorontsova veio até você do Teatro Bolshoi. Diga-me, quando você a viu no palco pela primeira vez e teve a ideia de convidá-la para o teatro antes de tudo isso acontecer? história trágica com Sergei Filin e a acusação de tentativa de assassinato do namorado de Angelina, Pavel Dmitrichenko?

— Eu nunca vi Angelina no palco antes. E tudo aconteceu de alguma forma em um momento: a professora Vorontsova se aproximou de nós, dizendo que Angelina havia saído do Teatro Bolshoi - será que teríamos interesse em levá-la? Eu estava em Moscou e assisti Angelina. Discutimos possibilidades financeiras com nosso diretor Vladimir Kekhman - se poderíamos aceitar uma bailarina. Ele confirmou que sim, era possível fazer isso e a questão foi resolvida positivamente. Estou feliz. Vorontsova parece ótima em nosso palco. Ela é muito boa tanto no papel de Jeanne quanto no papel de Atriz. Ela tem algum tipo de energia de afirmação da vida, sua arte pode ser descrita parafraseando o poeta: “Enquanto pensamentos negros vêm a você, abra uma garrafa de champanhe. Ou veja a dança de Angelina.”

— Angelina dançou maravilhosamente na estreia. Mas me disseram que ela entrou no primeiro elenco por puro acaso, porque uma colega que deveria dançar esse papel, o papel de uma atriz da corte que simpatiza com o povo rebelde, queria melhorar seu figurino e sem querer estragou tanto. que não poderia ser restaurado pela estreia. Quantas vezes acontece no teatro que as bailarinas mudam alguma coisa sem avisar ninguém?

— Não vou comentar esse caso, mas direi que às vezes as primeiras bailarinas e estreias se permitem ajustar o figurino. Isso aconteceu e está acontecendo em qualquer teatro do mundo – começando com Vaslav Nijinsky. Mas não permito isso e, nesse sentido, não há problemas em Mikhailovsky.

— Em todos os teatros do mundo? Que está em« Jardim de Convent“Isso também acontece?

- Alguém tentou cortá-lo - tanto em nosso país quanto em Covent Garden, e em Ópera de Paris, Em outro lugar. Mas estes são os casos mais raros. Rudolf Nureyev foi flagrado fazendo isso.

- Bem, ele mesmo dirigia o teatro.

— Não, antes mesmo de me tornar diretor. Mas essas coisas simplesmente precisam ser feitas com a participação do designer de produção. Eu sempre falo para os artistas quando eles pedem para trocar alguma coisa no figurino: gente, isso não é comigo, isso é primeiro com o desenhista de produção. Talvez ele encontre para você melhor opção- para que você se sinta bem e o desempenho também.

- Ao mesmo tempo, não ouvi uma palavra desagradável sobre você de nenhum artista do seu teatro - neste caso, você é uma exceção às regras teatrais. Qual é o segredo de liderar uma trupe, como garantir que eles não te odeiem?

“As pessoas veem quando você trata o seu negócio com alma, quando você não cria um harém e quando você se preocupa com os artistas e tenta fazer o bem para todos. E embora seja impossível fazer o bem para todos em qualquer caso, você precisa tentar. Que eles me amem é muito estranho. Às vezes sou bastante duro em minhas decisões. E os artistas entendem isso. Talvez eles apenas valorizem a justiça.

- Em primeiro lugar, é verdade - temos muito mulheres bonitas na trupe, e os homens não são nada ruins e, em segundo lugar, será mais fácil para ela aceitar o comentário.

- E se você ainda está muito insatisfeito com a bailarina ou dançarina, pode gritar?

- Não, não vou gritar com ninguém. Mas há alturas em que num ensaio as pessoas não ouvem mesmo, o microfone está avariado, os sinaleiros ajustam-no de tal forma que só se ouve na sala, e penso que também se ouve no palco, mas não é assim. Você só precisa fortalecer sua voz - afinal, você costuma lidar com grupo grande artistas. Você não deveria gritar com as pessoas. Para um cachorro você pode.

- Você tem um cachorro?

- Não, eu não pratico.

— O que o coreógrafo-chefe de um teatro não deve fazer em hipótese alguma?

- Gritar. E você não pode ser desonesto com os artistas, porque uma ou duas vezes você pode enganar alguém e ninguém confiará em você. Ao mesmo tempo, é preciso ser diplomático e pedagógico: é de fundamental importância não ofender as pessoas. A combinação dessas qualidades é ser honesto, aberto e ao mesmo tempo tentar não traumatizar a psique dos artistas. Os artistas são pessoas sensíveis;

— O que o coreógrafo-chefe deve fazer?

- Por exemplo, você precisa assistir a apresentações, nem todo mundo faz isso. Você precisa conhecer os pontos fortes e lados fracos cada membro da trupe. E devemos tentar traçar um cronograma para que os artistas não se esforcem demais e isso não afete sua força física e seu bem-estar psicológico.

— Muito recentemente, Vasily Barkhatov foi nomeado diretor da ópera do Teatro Mikhailovsky. Você já o conheceu e vai se cruzar no seu trabalho?

“Fomos apresentados um ao outro, mas eu, claro, conhecia o trabalho dele, vi o seu trabalho e recentemente o parabenizei pelo sucesso.” Holandês Voador"em nosso teatro. E claro, há óperas em que o ballet participa, por isso em breve irei colaborar mais de perto com ele.

— O que a próxima temporada trará?

— No início da temporada iniciaremos os ensaios do balé “O Quebra-Nozes” encenado por Nacho Duato cuja estreia acontecerá em dezembro; Depois disso, Nacho também prometeu colocar seu balé famoso White Darkness é um balé dedicado à sua irmã, que morreu de overdose de drogas. Whiteout é cocaína. Depois disso, temos planos que Vladimir Kekhman anunciou recentemente à imprensa: paralelamente a White Darkness, gostaria de restaurar o balé de Konstantin Boyarsky “A Jovem e o Hooligan” com música de Shostakovich. Isso também é balé Período soviético, que foi criado no nosso teatro e, na minha opinião, também digno. Além disso, gostaríamos de fazer nova versão“Corsair” com Katya Borchenko - nossa primeira bailarina e, aliás, uma mulher de beleza fenomenal - no papel-título. E se sobrar tempo, faremos o balé “Coppelia” - título que, na minha opinião, deveria ser apresentado em nosso teatro. Assim como “Vain Precaution”, gostaria de estrear “Vain” em março. Mas não é por acaso que utilizo o modo subjuntivo em vários casos: os planos ainda serão ajustados. O fato é que, ao contrário de outros teatros - Stanislavsky, Bolshoi, Mariinsky - não houve reconstrução dos bastidores. Estamos constantemente enfrentando limitações de infraestrutura. E somos simplesmente obrigados a fazer tudo sempre com rapidez e clareza, sem perder tempo. Se tivéssemos pelo menos mais uma sala de ensaio seria mais fácil para nós.

— O seu teatro será exibido em Moscou ou só será possível ver o triunfo da Revolução Francesa indo a São Petersburgo?

— Estamos negociando, então talvez possamos trazer algo do nosso repertório.

Cronometrista

Mikhail Messerer nasceu em 1948, formou-se na Escola Coreográfica de Moscou em 1968 (turma de Alexander Rudenko) e ingressou na trupe do Teatro Bolshoi. Ele fez extensas turnês com o Bolshoi e como solista convidado com outras trupes. Em 1980, aproveitando o facto de estarem no Japão ao mesmo tempo, Mikhail Messerer e Shulamith Messerer pediram asilo político na Embaixada dos EUA. Depois disso, estabeleceram-se em Londres e começaram a trabalhar no Royal Ballet da Grã-Bretanha. (Em 2000, Elizabeth II concedeu a Shulamith Messerer o título de dama por seu trabalho no balé inglês.) Além disso, Mikhail Messerer, como professor e especialista na escola russa, foi continuamente convidado melhores teatros mundo - lecionou na Ópera de Paris, no Béjart Ballet, no La Scala, nos principais teatros de Berlim, Munique, Stuttgart, no Royal Swedish Ballet, no Royal Danish Ballet, no Tokyo Ballet, no Chicago Ballet, no National Ballet de Marselha e outras companhias. De 2002 a 2009, Messerer foi professor convidado no Teatro Mariinsky. Desde 2009 - coreógrafo-chefe do Teatro Mikhailovsky. Em 2007, restaurou o Concerto de Classe de Asaf Messerer no Teatro Bolshoi. Em 2009, encenou no Teatro Mikhailovsky o lendário “Velha Moscou” “Lago dos Cisnes” (coreografia de Marius Petipa, Lev Ivanov, Alexander Gorsky, Asaf Messerer), em 2010 - o balé “Laurencia” (coreografia de Vakhtang Chabukiani), em julho de 2013 - o balé “Flames of Paris” (coreografia de Vasily Vainonen). Mikhail Messerer é casado com a bailarina Olga Sabadosh, ex-artista Teatro musical nomeado em homenagem a Stanislavsky e Nemirovich-Danchenko, e agora - o London Covent Garden Theatre. Olga e Mikhail estão criando uma filha de 13 anos, Michelle, e um filho de 4, Eugene.

Como professor visitante, trabalhou no American Ballet Theatre, no Paris ópera nacional, na trupe de Maurice Bejart, no Australian Ballet, no Monte Carlo Ballet, no Teatro La Scala de Milão, no Teatro Napolitano San Carlo, no Florentino Ópera, Teatro Real em Torino, Arena di Verona, Teatro Colón (Buenos Aires), nas companhias de balé de Berlim, Munique, Stuttgart, Leipzig, Düsseldorf, Tokyo Ballet, English National Ballet, Birmingham Royal Ballet, Royal Swedish Ballet, Royal Danish Ballet, Ballet Chicago , Balé Nacional da Turquia, Balé de Gotemburgo, Balé Kullberg, Balé Nacional de Budapeste, Balé Nacional de Marselha.

Mikhail Messerer produziu produções como “La Bayadère” de L. Minkus (Pequim, Ancara), “Cinderela” de Prokofiev (Tóquio - juntamente com Shulamith Messerer), bem como “Lago dos Cisnes” de Tchaikovsky (Gotemburgo), “Coppelia ”de Delibes (Londres), “O Quebra-Nozes” de Tchaikovsky (Luxemburgo).

Mikhail Messerer da famosa dinastia. Seu tio Asaf Messerer era um dançarino maravilhoso e liderava a “turma de estrelas” do Teatro Bolshoi. A famosa bailarina Maya Plisetskaya é sua prima. Azary Plisetsky, professor da trupe de Maurice Bejart, e do artista moscovita Boris Messerer - seu primos. Padre Grigory Levitin era artista de circo e corredor de parede vertical. Mãe - Shulamith Messerer - uma brilhante bailarina do Teatro Bolshoi e professora mundialmente famosa.
Há um ano, Mikhail Messerer é o coreógrafo-chefe do Teatro Mikhailovsky. Conversamos com ele nos raros momentos livres do trabalho.

— Mikhail Grigorievich, sua infância foi passada na atmosfera do balé. Podemos dizer que o seu futuro estava predeterminado, ou sua mãe, Shulamith Messerer, que conhecia as armadilhas dessa profissão como ninguém, não queria realmente que você conectasse sua vida a esse tipo de arte?
“Foi minha mãe quem me mandou para a escola de balé aos onze anos e eu não resisti.” Tornar-se dançarina foi natural - tudo na família estava subordinado ao balé. A profissão de bailarino naquela época era considerada muito prestigiosa e economicamente lucrativa, embora não fosse fácil: graças aos passeios era possível conhecer o mundo, visitar países diferentes, o que nos anos de estagnação era impossível para a maioria devido à notória cortina de “ferro”.

Depois de estudar algum tempo em uma escola de balé, percebi que gosto de dançar, gosto do clima do teatro, vida teatral, apesar do regime rígido, ensaios intermináveis, apresentações, ensaios de novo... Gostamos de participar das apresentações infantis do Teatro Bolshoi, absorvendo a beleza ao nosso redor, aprendendo habilidades com os luminares palco de balé. Muitos anos se passaram desde então, mas as impressões da infância permaneceram por toda a vida. Lembro-me bem das minhas primeiras apresentações estudantis nas produções de “Romeu e Julieta” do Teatro Bolshoi (agora essa produção não existe mais), em “Dom Quixote” - era interessante e divertido dançar. Na escola de balé, muitas vezes fazíamos brincadeiras e nos intervalos jogávamos futebol com prazer, enfim, nos comportávamos como todas as crianças da nossa idade.

Então ele se formou na Escola Coreográfica de Moscou e entrou trupe de balé Teatro Bolshoi, na aula de aperfeiçoamento artístico estudou com seu tio, Asaf Messerer.
Sabendo muito bem que a vida de um bailarino é curta e as suas possibilidades têm limites, em 1978 recebi a especialidade de professora de balé, tendo me formado no GITIS, onde fui o mais jovem formado: geralmente bailarinos se formaram no instituto já no final de sua atividade de dança.

— Tendo decidido ficar no Ocidente em 1980, você trabalhou por mais de trinta anos como professor em muitas trupes ao redor do mundo e, durante todos esses anos, foi extremamente requisitado. Qual é o segredo desse sucesso?
— A escola russa de balé clássico e a experiência de ensino acumulada ao longo dos séculos sempre foram valorizadas no exterior. Além disso, após minha fuga para o Ocidente, houve uma sensação na imprensa que me serviu bem: tornei-me uma pessoa popular nos círculos de balé ocidentais. Por algum tempo ainda dancei em apresentações, mas aos poucos a pedagogia me capturou completamente. Ele deu suas primeiras master classes no Conservatório de Nova York, foram um sucesso e ele começou a receber ofertas de vários teatros. Sou muito grato aos meus professores da GITIS E. Valukin, R. Struchkova, A. Lapauri, R. Zakharov, que me ajudaram a ganhar confiança em mim mesmo e em minhas habilidades de ensino. Muitas vezes me lembro de seus testamentos quando dou aulas em Covent Garden, em Londres, e dou master classes. Em geral, a pedagogia me atrai desde criança. Até na escola coreográfica eu “dava aulas” para meus colegas quando nossa professora faltava às aulas, e mesmo assim vi que a galera se interessava por eles. Mesmo agora é importante para mim que os artistas gostem da minha master class, então é uma grande alegria para mim. Considero meu dever facilitar a vida de um dançarino, ensiná-lo a controlar seus músculos, emoções, nervos e ensiná-lo a gostar de seu trabalho. Não é segredo que a profissão de bailarino é uma existência no limite capacidades humanas, superação diária de si mesmo, cansaço e estresse acumulados.

— Você teve sorte de trabalhar com pessoas incríveis, gostaria de escrever um livro sobre sua vida, agitado e cheio de acontecimentos?
— A colaboração com grandes mestres, digamos com Maria Rambert ou Maurice Bejart, foi inesquecível e, claro, não passou despercebida para mim. Cada um deles -
extraordinário e personalidade brilhante. Trabalhando em trupes lideradas por Ninette de Valois, Frederick Ashton, Kenneth MacMillan, Roland Petit, Mikhail Baryshnikov, Mats Ek, Jean-Christophe Maillot, aprendi muito e compreendi muito.

Estou afastando a ideia de escrever um livro, porque, infelizmente, não tenho tempo para isso, porque o trabalho no Teatro Mikhailovsky me mantém ocupado.

— Como o balé russo difere das trupes ocidentais?
“O trabalho lá é mais preciso, mais seco e há disciplina e ordem férreas na trupe do czar.” Um bailarino ocidental não coloca tanta alma e emoção em sua dança quanto um russo. Quando voltei para a Rússia, muitas coisas me surpreenderam, por exemplo, a liberdade que reinava nas trupes de teatro.

— Mikhail Grigorievich, você é o coreógrafo-chefe do Teatro Mikhailovsky. Qual a diferença entre um coreógrafo e um coreógrafo?
E no que você está trabalhando atualmente?
— Para mim, coreógrafo significa a mesma coisa que maestro de ópera, ou seja, uma pessoa que ajuda os coristas. O coreógrafo é um líder que indica aos bailarinos a direção que eles devem tomar, ajudando o artista a se tornar melhor e mais profissional. O coreógrafo é um criador de danças, uma pessoa que cria novos movimentos.

Quando fui convidado para Mikhailovsky, encenei vários números de concertos antigos, que agradaram à direção do teatro. Foi assim que nossa cooperação começou. A próxima produção foi o balé Lago dos Cisnes. Considerei que minha primeira tarefa seria não repetir as produções desta peça que hoje acontecem em outros palcos de São Petersburgo. E ele propôs a versão de Alexander Gorsky - Asaph Messerer. Nossa produção recebeu muitos elogios da crítica e do público, o que é muito importante. O crescimento profissional da trupe Mikhailovsky continua, temos excelentes artistas. Espero que seu sucesso contínuo. Recentemente convidei o jovem coreógrafo Vyacheslav Samodurov, dançarino principal do Royal Ballet Covent Garden, ao teatro para encenar uma apresentação de um ato, com estreia marcada para julho. Também estamos trabalhando em nossa própria versão do balé soviético “Laurencia” em três atos do compositor A. A. Crane baseado na magnífica coreografia do lendário dançarino Vakhtang Chabukiani, cujo centenário mundo da dança comemora este ano. Pouca coisa da produção de Chabukiani sobreviveu; tivemos que trabalhar seriamente com o arquivo. A estreia da peça também está prevista para julho deste ano. Na próxima temporada queremos palco balé moderno Coreógrafo inglês Marriott. Característica distintiva suas composições - a originalidade do estilo coreográfico. Acredito que a performance será interessante para nossos telespectadores.

— Por alguma razão, parece que o balé absorve inteiramente a bailarina, talvez isso seja um equívoco. O que você gosta de fazer no seu tempo livre?
— Você tem razão, o balé, como qualquer arte, exige reflexão constante e serviço dedicado. Mas sou uma pessoa viva e diferentes interesses surgem em diferentes períodos da minha vida.
Adoro cinema, literatura. Comprei um grande número de livros em São Petersburgo, mas não tenho tempo para ler. Leio principalmente durante voos para Londres, onde mora minha família, ou para Moscou. Fico feliz se o voo atrasar porque me dá outra oportunidade de me aprofundar na leitura. Todos os dias me comunico com meu filho e minha filha pela Internet, felizmente tecnologias modernas permitir que você faça isso.

Carreira de Mikhail Messerer: Dançarino
Aniversário: Rússia
Nos dias 4 e 15 de julho, o Teatro Bolshoi exibirá a última estreia da temporada - balé de um ato“Aula-concerto”. Na verdade, a performance, em que o exercício diário dos bailarinos se transforma em um espetáculo fascinante, apareceu no Bolshoi em 1963. Foi coreografado pelo notável dançarino e grande professor de balé Asaf Messerer. Hoje seu sobrinho Mikhail está trabalhando na restauração do balé perdido.

Durante os anos da primeira “Classe Concerto” foi aluno da escola coreográfica. Depois se tornou artista do Teatro Bolshoi. No início da década de 1980, ele pediu asilo no Ocidente. Hoje em dia Mikhail Messerer é um dos professores mais requisitados do mundo. Depois da aula, onde todas as estrelas trabalharam duro Balé Bolshoi, A correspondente do Izvestia, Svetlana Naborshchikova, encontrou-se com Mikhail Messerer.

Pergunta: Ao dar uma aula no Bolshoi, no que você presta atenção primeiro?

Resposta: Ao que se perdeu nas décadas de 1970 e 1980, quando, na minha opinião, não ocorreram as melhores mudanças na escola de Moscou. São musicalidade, expressividade, pontualidade de posições.

P: Você sempre leciona no Royal Ballet da Grã-Bretanha. Qual a diferença entre uma aula em Londres e uma aula em Moscou?

R: Em Londres é impossível não construir algo em uma perna inteira. Em Moscovo isto sempre foi comum, embora hoje em dia algumas coisas tenham melhorado. Quando eu estava na BT, as mulheres praticavam apenas com sapatos macios. Não se falava em usar sapatilhas de ponta nas aulas. Hoje eu vejo, sem falar, eles calçam sapatilhas de ponta e trabalham. Bem, não cem por cento, mas quase cem por cento. Em Londres “quase” não existe tal coisa. Assim como se você fosse um advogado profissional, você não dará conselhos com meio conhecimento a um cliente.

P: Você terminou as ciências não às 12h, como esperado, mas às 12h10. Poderá o sindicato britânico desafiar este mesmo excedente? Bem, digamos que os artistas o reformularam.

R: Mas eles ficaram por vontade própria! E o salão estava livre. Os dançarinos dançam até o final da aula, e seria um insulto interromper rudemente as aulas. Portanto, ao desenvolver um projeto de aula, lembro que no final preciso acrescentar alguns minutos para truques magistrais. Asaf Messerer fazia isso o tempo todo, e você verá no “Class Concert”.

P: Você deu uma aula para sua prima Maya Plisetskaya?

R: Essa oportunidade não se apresentou. Nos conhecemos ano passado em Londres, quando ela estava ensaiando em Covent Garden. noite de aniversário. Aplaudi calorosamente sua juventude. Ela parecia simplesmente incrível.

P: Obviamente é uma coisa de família. Por exemplo, você não receberá seus 59 anos. Como você se mantém em forma?

R: Infelizmente não dá certo com dietas, mas não bebo nem fumo. Muitas pessoas envelhecem não por anos, mas por depressão. Eu me considero homem feliz e em tudo nas pessoas, nos países, nas cidades procuro ver apenas o lado bom.

P: Sua mãe, a bailarina e professora Shulamith Messerer, estava linda mesmo aos 95 anos. Lembro-me de quando ela recebeu o próximo prêmio, ela demonstrou alguns passos com muita graça.

R: Quase até últimos dias Mamãe estava em ótima forma, nadava na piscina quase todos os dias. Aos 95 anos, ela embarcou sozinha em um avião e deu a volta ao mundo para dar aulas. E em hipótese alguma ela teve medo de “perder tudo e começar tudo de novo desde o início”. Esta frase de Kipling, traduzida por Marshak, foi o seu lema.

P: Há rumores de que nas memórias recentemente publicadas de Shulamith Messerer, passagens onde fala sobre relacionamentos difíceis Maya Plisetskaya com ela e sua própria mãe.

R: Isso não é verdade. O livro tem como subtítulo: “Fragmentos de Memórias”. A própria mãe escolheu o que considerava mais significativo para ela e para o leitor.

P: Voltemos ao lema dela; ele tem relevância direta para você. Tendo escapado da URSS, você perdeu tudo e começou tudo de novo.

R: Exatamente. Você pode dizer que pousei em um planeta distante e minha nave espacial caiu ao pousar. No início dos anos 80, não me poderia ter ocorrido que seria permitido regressar.

P: Quando ficou claro que o navio ainda estava operacional?

R: Em 1993. Em Atenas, na praça central, encontrei Dima Bryantsev (em 1985-2004, o coreógrafo fundador do Teatro Musical em homenagem a KS Stanislavsky e V.I. Nemirovich-Danchenko. “Izvestia”). Ele disse: “Misha, por que você não vem dar aulas na minha casa?” Arrisquei e não me arrependo. No Teatro Stanislavsky conheci minha futura esposa, a bailarina Olya Szabados. Agora temos uma filha de sete anos.

P: Em que condições você encontrou o Teatro Bolshoi?

R: Voltei ao Bolshoi há dois anos a convite de Alexei Ratmansky. Ainda estava no prédio antigo. Exteriormente, pouco mudou lá desde que fugi: os mesmos móveis, os mesmos tapetes. Mas as pessoas se tornaram diferentes. A administração, em todo caso, trabalhou com clareza.

P: Há alguns anos você disse que, embora seja um patriota do Teatro Bolshoi, você acha Balé Mariinsky o melhor do mundo. Você ainda tem a mesma opinião?

R: Não quero comparar. Estes são os grandes teatros de balé, e ambas as trupes cresceram muito ao longo dos anos Ultimamente. Ambos têm pessoas que trabalham, pelo menos, 23 horas por dia, e esta é a chave para o sucesso global.

P: Como é o balé russo em comparação com as conquistas estrangeiras?

R: Na minha opinião, ele ainda está na vanguarda do planeta, principalmente no que diz respeito ao repertório clássico. Poucos dançarinos estrangeiros conseguem interpretar o Lago dos Cisnes da mesma forma que as bailarinas russas o dançam. Eu sei disso exatamente, porque ensinei na maioria das trupes do mundo. Há quase um teatro no Ocidente onde não trabalhei, o New York City Ballet. Mas Azary Plisetsky, meu primo, dava aulas lá.

P: Quando foi a última vez que a família Messerer-Plisetsky se reuniu?

R: Há menos de um ano, no aniversário de 90 anos do meu tio Alexander Messerer. Ele é engenheiro de profissão, mas adora teatro. Todos os parentes chegaram, alguns da Austrália, alguns da América, alguns da Suíça. Eu voei de Londres. Estavam Azariy, Boris Messerer, Bella Akhmadullina... A noite foi maravilhosa. Se nós, relativamente jovens, pudéssemos esquecer alguns de nossos parentes distantes, então Alexander Mikhailovich se lembraria de todos. Ele conhece todos pelo nome e ajuda a todos. E ele sempre ajudou. Fiquei em todas as filas de Maya quando a família foi evacuada em Sverdlovsk.