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Literatura do século XVII

Desde o século XVII, é costume fazer a contagem regressiva do Novo Tempo na história da civilização humana. Ocupando uma posição fronteiriça entre o Renascimento (séculos XIV-XVI) e o Iluminismo (séculos XVIII), o século XVII tirou muito do Renascimento e deixou muito para trás.

Os principais movimentos literários do século XVII foram o Barroco e o Classicismo.

O barroco desempenha um papel significativo na literatura do século XVII. Os sinais de um novo estilo começaram a aparecer no final do século XVI, mas foi no século XVII que se tornou o seu apogeu. O Barroco é uma resposta à instabilidade social, política, económica, à crise ideológica, à tensão psicológica da era fronteiriça, é um desejo de repensar criativamente o resultado trágico do programa humanístico do Renascimento, é uma procura de uma saída para um estado de crise espiritual.

O conteúdo tragicamente sublime também determinou as principais características do Barroco como método artístico. As obras barrocas são caracterizadas pela teatralidade, pela ilusória (não é por acaso que o drama de P. Calderon se chama “A vida é um sonho”), pela antinomia (o choque de princípios pessoais e deveres públicos), pelo contraste da natureza sensual e espiritual do homem , a oposição do fantástico e do real, do exótico e do comum, do trágico e do cômico. O barroco é abundante em metáforas, alegorias e simbolismo complexos; distingue-se pela expressividade das palavras, exaltação de sentimentos, ambigüidade semântica e uma mistura de motivos da mitologia antiga com simbolismo cristão. Os poetas barrocos deram grande atenção à forma gráfica do verso, criando poemas “figurados”, cujos versos formavam a imagem de um coração, estrela, etc.

Tal obra não só poderia ser lida, mas também vista como uma obra de pintura. Os escritores proclamaram a originalidade da obra como sua vantagem mais importante, e suas características necessárias - dificuldade de percepção e possibilidade de diferentes interpretações. O filósofo espanhol Gracian escreveu: “Quanto mais difícil é conhecer a verdade, mais agradável é compreendê-la.” Artistas da palavra valorizavam muito a inteligência e os julgamentos paradoxais: “Em nome da vida, não tenha pressa em nascer. / Com pressa de nascer, com pressa de morrer” (Gongora).

A maioria escritores famosos Barrocos foram: na Espanha Luis de Gongora (1561-1627), Pedro Calderon (1600-1681), na Itália Torquato Tasso (1544-1595), Giambattista Marino (1569-1625), na Alemanha Hans Jakob von Grimmelshausen (c. 1621 -1676), na Bielo-Rússia e na Rússia Simeão de Polotsk (1629-1680). Os pesquisadores observam a influência do estilo barroco na obra dos escritores ingleses W. Shakespeare e J. Milton.

O segundo movimento literário que se difundiu no século XVII é o classicismo. Sua pátria era a Itália (século XVI). Aqui, o classicismo surgiu junto com o renascimento do teatro antigo e foi inicialmente pensado como uma oposição direta ao drama medieval. Os humanistas da Renascença decidiram especulativamente, sem levar em conta a singularidade de eras históricas e os povos para reviver a tragédia de Eurípides e Sêneca, a comédia de Plauto e Terêncio. Eles foram os primeiros teóricos do classicismo. Assim, o classicismo inicialmente atuou como uma teoria e prática de imitação da arte antiga: rigor racionalista e lógica da ação cênica, abstração da imagem artística, discurso patético, poses e gestos majestosos, versos sem rima de onze sílabas. Estas são as características da tragédia de Trissino (1478-1550) “Sophonisba”, escrita segundo o modelo das tragédias de Sófocles e Eurípides e que abriu a era do classicismo europeu.

Exemplos de arte clássica foram criados no século XVII na França. Foi aqui que sua teoria se cristalizou.

A base filosófica do método classicista foi o ensino racionalista de Descartes. O filósofo acreditava que a única fonte da verdade é a razão. Tomando esta afirmação como inicial, os classicistas criaram um sistema estrito de regras que harmonizavam a arte com as exigências da necessidade razoável em nome da observância das leis artísticas da antiguidade. O racionalismo tornou-se a qualidade dominante da arte classicista.

A orientação da teoria classicista para a antiguidade estava associada principalmente à ideia da eternidade e do caráter absoluto do ideal de beleza. Esse ensinamento confirmou a necessidade de imitação: se em uma época são criados exemplos ideais de beleza, então a tarefa dos escritores de épocas subsequentes é chegar o mais próximo possível deles. Daí o estrito sistema de regras, cuja observância obrigatória era considerada uma garantia da perfeição de uma obra de arte e um indicador da habilidade do escritor.

Os classicistas também estabeleceram uma hierarquia claramente regulamentada de gêneros literários: os limites exatos do gênero e suas características foram determinados. Os mais elevados incluíam tragédia, épico e ode. Eles retratavam a esfera da vida do estado, eventos fatídicos e apresentavam heróis condizentes com um gênero elevado - monarcas, líderes militares, pessoas nobres. A característica distintiva era Alto estilo, sentimentos sublimes, na tragédia - conflitos dramáticos, paixões desastrosas, sofrimento desumano. A tarefa dos gêneros elevados é chocar o espectador.

Os gêneros baixos (comédia, sátira, epigrama, fábula) refletiam a esfera da vida privada, seu modo de vida e moral. Os heróis eram pessoas comuns. Tais obras foram escritas em linguagem coloquial simples.

Os dramaturgos clássicos tinham que seguir as regras das “três unidades”: tempo (não mais que um dia), local (um cenário), ação (sem enredos secundários). As regras foram estabelecidas para criar a ilusão de autenticidade.

Um componente importante da teoria classicista é o conceito de tipos gerais de caráter humano. É daí que vem uma certa abstração. imagens artísticas. Eles enfatizaram traços universais e “eternos” (Misantropo, Mesquinho). Os heróis foram divididos em positivos e negativos.

O caráter cênico dos classicistas é predominantemente unilateral, estático, sem contradições e sem desenvolvimento. Esta é uma ideia de personagem: é tão revelada quanto a ideia nela colocada exige. O preconceito do autor manifesta-se assim de uma forma completamente direta. Sem retratar o indivíduo, o pessoal e o indivíduo no caráter humano, era difícil para os classicistas evitar imagens esquemáticas e convencionais. Seu corajoso herói é corajoso em tudo e até o fim; uma mulher amorosa ama até o túmulo; um hipócrita é um hipócrita até o túmulo, mas uma pessoa mesquinha é mesquinha. Uma qualidade distintiva do classicismo era a doutrina do papel educativo da arte. Ao punir o vício e recompensar a virtude, os escritores clássicos procuraram melhorar a natureza moral do homem. As melhores obras do classicismo estão repletas de alto pathos cívico.

Literatura da Espanha

EM início do XVII século, a Espanha estava num estado de profunda crise económica. A derrota da “Armada Invencível” (1588) ao largo da costa de Inglaterra, a política colonial irracional, a fraqueza do absolutismo espanhol e a sua miopia política fizeram de Espanha um país europeu secundário. Na cultura espanhola, pelo contrário, foram claramente identificadas novas tendências que tinham significado não só nacional, mas também pan-europeu.

Um poderoso eco da cultura renascentista é a obra do talentoso dramaturgo espanhol Lope de Vega (1562-1635). Representante do realismo renascentista, ele contrastou a tragédia do Barroco com a energia otimista, uma visão de mundo brilhante e confiança na inesgotabilidade da vitalidade. O dramaturgo também rejeitou a normatividade “científica” da teoria classicista. O escritor afirmou ideais de amor à vida, buscou a reaproximação com o público e defendeu a livre inspiração do artista.

O extenso e variado patrimônio dramático de Lope de Vega - escreveu, segundo os contemporâneos, mais de 2.000 peças, das quais cerca de 500 foram publicadas - costuma ser dividido em três grupos. O primeiro deles consiste em dramas sócio-políticos, na maioria das vezes baseados em material histórico (“Fuente Ovejuna”, “O Grão-Duque de Moscou”).

O segundo grupo inclui comédias domésticas de cunho amoroso (“A Professora Dançante”, “Cão na Manjedoura”, “Menina com Jarro”, “Mulher Camponesa de Getafe”, “Estrela de Sevilha”); às vezes são chamadas de comédias de “manto e espada”, pois o papel principal nelas pertence aos jovens nobres, atuando com esse traje característico (de capa e espada).

O terceiro grupo inclui peças de cunho religioso.

Para compreender as características das obras dramáticas de Lope de Vega, o tratado “A nova arte de compor comédias em nossos dias” (1609) é de grande importância. Formulou, no essencial, as principais disposições da dramaturgia nacional espanhola com uma orientação para as tradições do teatro popular, com o desejo de satisfazer as necessidades do público, com a plausibilidade do que se mostra em palco e a hábil construção da intriga, cujo nó fortemente amarrado não permitiria que a peça se dividisse em episódios separados.

As obras de arte que se seguiram ao tratado tornaram-se a implementação dos princípios estéticos do escritor. A melhor dessas peças é o drama Fuente Ovejuna (A Primavera das Ovelhas, 1614). O drama tem uma base histórica. Em 1476, na localidade de Fuente Ovejuna, eclodiu uma revolta camponesa contra os excessos da ordem cavalheiresca de Calataura e do seu comandante Fernán Gómez de Guzmán, que cometeu ultrajes e todo tipo de violência. A revolta terminou com o assassinato do comandante. No drama de Lope de Vega, o Comandante é um tirano e estuprador que usurpa a honra das camponesas, uma das quais, a orgulhosa Laurencia, apela aos seus aldeões para que se vinguem com justiça. A peça contém muitas imagens vívidas, mas o personagem principal aqui é um povo unido no desejo de restaurar a justiça.

As peças de Lope de Vega distinguem-se pelo pathos de afirmação da vida, uma atitude solidária para com as pessoas comuns e fé na sua fortaleza moral.

Após a rápida ascensão vivida por Espanha durante o Renascimento, a partir do final da década de 30 do século XVII, os sinais de declínio, devido principalmente a razões sociopolíticas, tornaram-se cada vez mais claros. A cessação do fluxo de ouro da América, o colapso total da vida económica interna do país, uma série de fracassos na política externa - tudo isto minou completamente o poder económico e político de Espanha.

Problemas sócio-políticos, uma crise de consciência humanista, a mais severa reação feudal-católica e a destruição do sistema feudal como um todo causaram estados de ânimo decadentes na sociedade. Uma tentativa de compreender o que estava acontecendo, de sair de um estado de crise espiritual, de encontrar fundamentos morais em novas condições históricas foi o Barroco, mais claramente representado nas obras de Luís de Gongora (1561-1627) E Pedro Calderona (1600-1681).

Góngora foi o maior poeta do barroco espanhol. O estilo de Gongora distingue-se pela riqueza metafórica, pelo uso de neologismos e arcaísmos. O poeta recusa a sintaxe tradicional. O vocabulário está repleto de palavras polissemânticas: “Os rubis dos seus lábios estão emoldurados na neve” - sobre a brancura do seu rosto, “neve voadora” - sobre um pássaro branco, “neve correndo” - sobre Galatea fugindo de Polifemo. Apesar de sua riqueza figurativa, Gongora cria “poesia para a mente”, exigindo do leitor um trabalho intelectual ativo. O domínio poético de Gongora manifestou-se mais plenamente nos poemas “O Conto de Polifemo e Galatea” (1612) e “Solidão” (1614). No poema “Solidão”, a ideia renascentista da coexistência harmoniosa do homem e da natureza está intimamente ligada ao conceito barroco da eterna solidão do homem no mundo.

A arte de Calderón absorveu as melhores tradições do Renascimento, mas, sendo gerada por outra época, dá uma visão de mundo completamente diferente. Calderón escreveu 120 peças de conteúdo variado, 80 “autos sacramentales” (ou “atos sagrados”) e 20 interlúdios. Com a sua consciência artística, Calderón está associado tanto ao Renascimento espanhol como aos fenómenos de crise do seu tempo.

Continuando as tradições de seu grande antecessor Lope de Vega, Calderón escreveu comédias de “manto e espada”. A mais famosa delas é a espirituosa e alegre comédia “A Dama Invisível” (1629), escrita em linguagem leve e elegante. Expressa a ideia do jogo de azar dominante na vida. O acidente aqui, como em outras comédias, desempenha um papel formador da trama.

No entanto, não foram as comédias renascentistas e os dramas folclóricos que trouxeram fama mundial a Calderón. O amor pela vida e o otimismo não se tornaram o tom de seu trabalho. O verdadeiro Calderón deve ser procurado nos seus “autos sacramentales” e nas suas peças filosóficas e simbólicas, cheias de humores escatológicos, de problemas existenciais que são avassaladores na sua intratabilidade, de contradições que secam a consciência. Já no drama juvenil de Calderón, “Adoração da Cruz” (1620), o clima cético em relação à religião característico dos humanistas é substituído por um sombrio frenesi religioso. O Deus de Calderón é uma força formidável e impiedosa, diante da qual a pessoa se sente insignificante e perdida.

No drama filosófico e alegórico “A vida é um sonho” (1634), a glorificação da severa doutrina católica é combinada com a pregação da necessidade de humildade e submissão à conduta divina. O principal conceito dramático de Calderón é a ideia de que o destino humano é predeterminado pelo destino, que a vida terrena temporária é ilusória, é apenas uma preparação para a vida eterna após a morte.

O tempo e o ambiente determinaram não apenas a natureza da visão de mundo de Calderón e a direção geral do trabalho de Calderón, mas também sua singularidade como artista. A dramaturgia de Calderón se distingue pela profundidade filosófica, pela sofisticação dos conflitos psicológicos e pelo lirismo excitado dos monólogos. O enredo das peças de Calderón papel menor, toda atenção é dada à divulgação mundo interior Heróis. O desenvolvimento da ação é substituído por um jogo de ideias. O estilo de Calderón é caracterizado pelo pathos retórico e pelas altas imagens metafóricas, o que o torna semelhante ao Gongorismo, um dos movimentos do barroco literário espanhol.

A audácia poética de Calderon foi muito apreciada por A. S. Pushkin.

Literatura da Itália

No século XVII, a Itália vivia uma crise de ideais humanistas.

Nesse cenário, o Barroco ganha destaque, expresso de forma mais clara no Marinismo - movimento que recebeu o nome do poeta italiano Giambattista Marino (1569-1625). Nas obras dos pintores marinhos, seguidores de Marino, a forma, com os seus deleites verbais e o seu narcisismo, obscurecia o conteúdo. Não há aqui temas socialmente importantes, nem problemas prementes do nosso tempo. A escrita é caracterizada por metáforas complexas, imagens bizarras e comparações inesperadas. Marino foi o inventor dos chamados “concetti” - frases magistrais, paradoxos verbais, epítetos inusitados, figuras de linguagem incomuns (“ignorante erudito”, “dor alegre”).

A fama de Marino na Itália foi generalizada. E, no entanto, os contemporâneos do poeta viram o perigo do marinismo e contrastaram-no com a poesia politicamente atual, expressando as necessidades e aspirações do povo italiano, contando sobre o seu sofrimento (Fulvio Testi, Vincenzo Filicaya, Alessandro Tassoni).

Alessandro Tassoni (1565-1635) rejeitou tanto os poetas barrocos (marinistas) quanto os defensores da imitação e do autoritarismo na poesia italiana (classicistas). Como poeta patriótico, interveio ativamente na vida política do país, opôs-se à fragmentação regional da Itália e apelou à luta pela sua independência (o poema “O Balde Roubado”).

A prosa italiana do século XVII é representada por nomes Galileu Galilei (1564-1642), que utilizou a polêmica arte do jornalismo para divulgar suas ideias científicas (“Diálogo sobre os dois sistemas mais importantes do mundo”), Traiano Boccalini (1556-1613), protestando contra o domínio dos espanhóis na Itália, contra o esnobismo aristocrático, contra os apologistas do classicismo que reconhecem apenas os cânones estéticos de Aristóteles (a sátira “Notícias do Parnaso”).

Literatura da França

A política do Estado absolutista, que visava eliminar o regionalismo feudal e transformar a França numa potência poderosa na Europa Ocidental, correspondia à tendência historicamente progressista da época, que determinava o carácter avançado do classicismo como fenómeno literário para a sua época. O principal método artístico, oficialmente reconhecido pelo governo da França absolutista, foi o classicismo. A ascensão da autoconsciência nacional das camadas progressistas da sociedade francesa durante o período de transição da fragmentação feudal para a unidade nacional refletiu-se na literatura clássica.

Sob o cardeal Richelieu (1624-1642), a criação de um poderoso estado monárquico, iniciada pelo antecessor de Luís XIII, Henrique IV, foi praticamente concluída. Richelieu regulou e subordinou ao trono todos os aspectos do Estado, público, vida cultural. Em 1634 fundou a Academia Francesa. Richelieu patrocinou a imprensa periódica que estava surgindo na França.

Durante seu reinado, Theophrastus Renaudo fundou o primeiro jornal francês, Gazett de France (1631). (O Prêmio Theophrastus Renaudo é um dos maiores prêmios literários da França moderna.)

A progressividade histórica do classicismo manifesta-se na sua estreita ligação com as tendências avançadas da época, em particular com a filosofia racionalista René Descartes (1596-1650), o chamado cartesianismo. Descartes lutou bravamente contra a ideologia feudal medieval; a sua filosofia baseava-se em dados das ciências exatas. O critério da verdade para Descartes era a razão. “Penso, logo existo”, disse ele.

O racionalismo tornou-se a base filosófica do classicismo. Contemporâneos de Descartes, teóricos do classicismo François Malherbe (1555-1628) E Nicolas Boileau (1636-1711) acreditava no poder da razão. Eles acreditavam que os requisitos elementares da razão - o critério mais elevado do valor objetivo de uma obra de arte - obrigam a arte à veracidade, clareza, lógica, clareza e harmonia composicional das partes e do todo. Eles exigiram isso em nome da observância das leis da arte antiga, pelas quais se orientaram na criação de um programa classicista.

A admiração dos escritores do século XVII pela razão também se refletiu nas notórias regras sobre as “três unidades” (tempo, lugar e ação) – um dos princípios fundamentais do drama classicista.

O poema didático de N. Boileau “Arte Poética” (1674) tornou-se o código do classicismo francês.

Foi observado acima que os classicistas, assim como os artistas do Renascimento, confiaram na arte antiga em sua estética e criatividade artística. No entanto, ao contrário dos escritores da Renascença, os teóricos do classicismo voltaram-se principalmente não para o grego antigo, mas para a literatura romana do período imperial. A monarquia de Luís XIV, o “Rei Sol”, como ele se autodenominava, foi comparada ao Império Romano, os heróis das tragédias clássicas foram dotados de valor e grandeza romanos. Daí a conhecida convenção da literatura classicista, seu caráter pomposo e decorativo.

E, no entanto, os classicistas franceses não eram epígonos malucos de escritores antigos. O seu trabalho tinha um carácter profundamente nacional; estava intimamente ligado às condições sociais em França durante o apogeu do absolutismo. Classicistas, tendo conseguido combinar experiência literatura antiga com as tradições do seu povo, criaram o seu próprio estilo artístico original. Corneille, Racine e Molière criaram exemplos de arte classicista no gênero dramático.

O conceito classicista de arte, apesar de toda a sua monumentalidade, não pode ser imaginado como algo congelado e imutável. Dentro do campo classicista não havia unidade completa de visões sócio-políticas, filosóficas e éticas. Até mesmo Corneille e Racine, os criadores da grande tragédia clássica, discordavam entre si em muitos aspectos.

Ao contrário dos cartuxos ortodoxos Boileau e Racine, Molière e La Fontaine foram estudantes do materialismo Gassendi (1592-1655), um notável cientista francês que considerava a experiência sensorial a principal fonte de todo o conhecimento. Os seus ensinamentos reflectiram-se tanto na estética destes escritores como na democracia, no optimismo e na orientação humanista do seu trabalho.

O principal gênero do classicismo era a tragédia, que retratava heróis sublimes e paixões idealizadas. O criador do teatro de tragédia francês foi Pierre Corneille (1608-1684). Atividade literária Corneille começou com poesia e comédias, que não tiveram muito sucesso.

A fama chegou a Corneille com a aparição no palco da tragédia “O Cid” (1636). No centro da peça está o trágico conflito entre paixão e dever, sobre o qual a tragédia se constrói.

O jovem e valente cavaleiro Rodrigo, vingando o insulto infligido a seu pai, mata em duelo o pai de sua amada Jimena. Jimena justifica a ação de Rodrigo, que cumpriu o dever de honra da família, e cumpre o seu - exige do rei a morte de sua amada. Cumprindo o dever familiar, Rodrigo e Ximena ficam profundamente infelizes. Após o ataque a Castela pelos mouros, uma brilhante vitória sobre eles, Rodrigo torna-se um herói nacional. Corneille contrasta a dívida familiar com o dever para com a pátria. A honra feudal deve dar lugar à honra civil. Tentam convencer Jimena de que as suas exigências são insustentáveis: os interesses da família devem ser sacrificados em nome da necessidade social. Ximena aceita nova moralidade, especialmente porque responde aos seus sentimentos pessoais. Corneille provou de forma convincente que a nova moralidade estatal é mais humana do que a moralidade feudal. Ele mostrou o surgimento de um novo ideal de estado na era do absolutismo. O rei de Castela, Dom Fernando, é retratado na peça como um autocrata ideal, garante do bem-estar geral e da felicidade pessoal de seus súditos, desde que alinhem suas ações com os interesses do Estado.

Assim, o “Sid” afirma a ideia da progressividade da monarquia absolutista, que em condições históricas específicas atendia às exigências da época.

Apesar do sucesso de audiência, "Sid" causou séria controvérsia nos círculos literários. No “Parecer da Academia Francesa sobre o Cid” (1638), a peça de Corneille foi condenada por não se conformar aos cânones do classicismo. Deprimido, Corneille parte para sua terra natal. Porém, quatro anos depois, Corneille traz duas novas tragédias de Rouen, que já correspondem plenamente aos cânones clássicos (“Horácio”, “Cinna”). Como trágico, Corneille preferiu a tragédia histórica e política. As questões políticas das tragédias também determinaram a norma de comportamento que Corneille queria ensinar ao espectador: esta é a ideia de consciência heróica, de patriotismo.

Na tragédia “Horácio” (1640), o dramaturgo utilizou um enredo da história de Tito Lívio. A base do dramático conflito é o combate entre duas cidades - Roma e Alba Longa, que deverá ser resolvido pelo duelo dos irmãos Horácios e Curianos, unidos por laços de amizade e parentesco. Na peça, o dever é entendido de forma inequívoca - é um dever patriótico.

Incapaz de perdoar seu irmão Horace pela morte de seu noivo, Camilla amaldiçoa Roma, o que destruiu sua felicidade. Horace, considerando sua irmã uma traidora, a mata. A morte de Camilla provoca um novo conflito: segundo a lei romana, o assassino deve ser executado. O pai de Horace prova que seu filho foi levado ao assassinato por uma raiva justa, dever cívico e sentimento patriótico. Horácio, que salvou Roma, é necessário para sua pátria: realizará muito mais façanhas. O Rei Tullus dá vida a Horácio. O valor cívico expiou o crime. A tragédia de “Horácio” tornou-se a apoteose do heroísmo cívico.

A tragédia “Cina, ou a Misericórdia de Augusto” (1642) retrata os primeiros dias do reinado do imperador Otaviano-Augusto, que descobre que uma conspiração está sendo preparada contra ele. O objetivo da tragédia é mostrar quais táticas o soberano escolherá em relação aos conspiradores. Corneille convence que os interesses do Estado podem coincidir com as aspirações privadas das pessoas se um monarca inteligente e justo estiver no poder.

Os conspiradores da tragédia - Cinna, Maxim, Emilia - agem por dois motivos. A primeira razão é política: querem devolver Roma a uma forma republicana de governo, não se apercebendo da sua miopia política. Defensores das liberdades políticas, não compreendem que a república perdeu a sua utilidade e que Roma precisa de um poder firme. O segundo motivo é pessoal: Emília quer vingar o pai, morto por Augusto; Cinna e Maxim, apaixonados por Emília, desejam alcançar um sentimento recíproco.

O Imperador, tendo suprimido a sua ambição, vingança e crueldade, decide perdoar os conspiradores. Eles estão passando por um processo de renascimento. A misericórdia triunfou sobre suas paixões egoístas. Eles viram em Augusto um monarca sábio e tornaram-se seus apoiadores.

A mais alta habilidade de estadista, segundo Corneille, se manifesta na misericórdia. Políticas públicas sábias devem combinar o razoável com o humano. Um ato de misericórdia, portanto, é um ato político, cometido não pelo bom homem Otaviano, mas pelo sábio imperador Augusto.

Durante o período da “primeira maneira” (até aproximadamente 1645), Corneille apelou ao culto do Estado racional e acreditou na justiça do absolutismo francês (“Mártir Polieuctus”, 1643; “A Morte de Pompeu”, 1643; “Teodora - a Virgem e o Mártir”, 1645; comédia “Mentiroso”, 1645).

Corneille da “segunda maneira” superestima muitos dos princípios políticos da monarquia francesa que pareciam tão fortes (“Rodogunda - a Princesa Parta”, 1644; “Heráclio - Imperador do Oriente”, 1646; “Nycomedes”, 1651, etc. .). Corneille continua a escrever tragédias históricas e políticas, mas a ênfase está a mudar. Isto se deve às mudanças na vida política da sociedade francesa após a ascensão de Luís XIV ao trono, o que significou o estabelecimento de um domínio ilimitado do regime absolutista. Agora Corneille, o cantor do Estado racional, estava sufocando na atmosfera do absolutismo vitorioso. A ideia de serviço público sacrificial, interpretado como o dever supremo, deixou de ser um estímulo para o comportamento dos heróis das peças de Corneille. A fonte da ação dramática são os estreitos interesses pessoais e as ambições ambiciosas dos personagens. O amor de um sentimento moralmente sublime se transforma em um jogo de paixões desenfreadas. O trono real está a perder a sua estabilidade moral e política. Não é a razão, mas o acaso que decide o destino dos heróis e do Estado. O mundo se torna irracional e instável.

As tragédias tardias de Corneille, próximas ao gênero da tragicomédia barroca, evidenciam um afastamento das estritas normas classicistas.

O classicismo francês recebeu sua expressão mais completa e completa nas obras de outro grande poeta nacional da França Jean Racine (1639-1690). Associado ao seu nome novo palco em desenvolvimento tragédia clássica. Se Corneille desenvolveu principalmente o gênero da tragédia histórica e política heróica, então Racine foi o criador de uma tragédia psicológica amorosa, saturada ao mesmo tempo de grande conteúdo político.

Um dos princípios criativos mais importantes de Racine foi o desejo de simplicidade e verossimilhança, em oposição à atração de Corneille pelo extraordinário e excepcional. Além disso, esse desejo foi estendido por Racine não apenas à construção do enredo da tragédia e aos personagens de seus personagens, mas também à linguagem e ao estilo da obra cênica.

Confiando na autoridade de Aristóteles, Racine recusou o elemento mais importante Teatro Corneille - do “herói perfeito”. “Aristóteles não só está muito longe de exigir de nós heróis perfeitos, mas, pelo contrário, quer que os personagens trágicos, isto é, aqueles cujos infortúnios criam uma catástrofe na tragédia, não sejam nem completamente bons nem completamente maus.”

Foi importante para Racine afirmar o direito do artista de retratar a “pessoa média” (não no sentido social, mas no sentido psicológico), de retratar as fraquezas humanas. Os heróis, segundo Racine, devem ter virtudes médias, ou seja, virtudes capazes de fraqueza.

A primeira grande tragédia de Racine foi Andrômaca (1667). Voltando-se para os temas mitológicos gregos, já desenvolvidos na antiguidade por Homero, Virgílio e Eurípides, Racine, porém, reinterpretou a trama clássica de uma nova maneira. Sucumbindo à influência das paixões, os heróis da tragédia - Pirro, Hermione, Orestes - em seu egoísmo revelaram-se pessoas cruéis, capazes de cometer crimes.

Ao criar a imagem de Pirro, Racine resolve um problema político. Pirro (o monarca) deveria ser responsável pelo bem do Estado, mas, sucumbindo à paixão, sacrifica a ela os interesses do Estado.

Hermione, uma das imagens mais convincentes da tragédia, também se torna vítima da paixão. Estado interno que são excelentemente motivados psicologicamente. Rejeitada por Pirro, a orgulhosa e rebelde Hermione torna-se egoísta e tirânica em suas aspirações e ações.

"Andrómaca" foi seguido por "Britannicus" (1669) - a primeira tragédia de Racine dedicada à história Roma antiga. Tal como em Andrómaca, o monarca é aqui retratado como um tirano impiedoso. O jovem Nero destrói traiçoeiramente seu meio-irmão Britânico, cujo trono ocupou ilegalmente e a quem Júnia, que gostava dele, ama. Mas Racine não se limitou a condenar o despotismo de Nero. Mostrou o poder do povo romano como juiz supremo da história.

“O cantor de mulheres e reis apaixonados” (Pushkin), Racine criou toda uma galeria de imagens de heroínas positivas, combinando um senso de dignidade humana, fortaleza moral, capacidade de auto-sacrifício e capacidade de resistir heroicamente a toda violência e tirania. Estas são Andrómaca, Júnia, Berenice (“Berenice”, 1670), Monima (“Mithrídates”, 1673), Ifigênia (“Ifigênia em Áulis”, 1674).

O topo criatividade poética Racine por poder artístico representações das paixões humanas, a perfeição do verso é “Phaedra” escrita em 1677, que o próprio Racine considerou sua melhor criação.

A rainha Fedra ama apaixonadamente seu enteado Hipólito, que está apaixonado pela princesa ateniense Arikia. Tendo recebido notícias falsas sobre a morte de seu marido Teseu, Fedra confessa seus sentimentos a Hipólito, mas ele a rejeita. Após o retorno de Teseu, Fedra, num acesso de desespero, medo e ciúme, decide caluniar Hipólito. Então, atormentado pelas dores do arrependimento e do amor, ele toma veneno; Tendo confessado tudo ao marido, ela morre.

A principal inovação de Racine está associada à personagem Fedra. Em Racine, Phaedra é uma mulher sofredora. Sua culpa trágica reside na incapacidade de lidar com um sentimento que a própria Phaedra chama de criminoso. Racine compreende e incorpora em sua tragédia não apenas os conflitos morais e psicológicos de sua época, mas também revela as leis gerais da psicologia humana.

O primeiro tradutor russo de Racine foi Sumarokov, que recebeu o apelido de “Russo Racine”. No século 19, A. S. Pushkin mostrou uma atitude atenciosa em relação a Racine. Ele chamou a atenção para o fato de que o dramaturgo francês foi capaz de colocar conteúdo profundo na forma galantemente refinada de suas tragédias, e isso lhe permitiu colocar Racine ao lado de Shakespeare. Em um artigo inacabado de 1830 sobre o desenvolvimento da arte dramática, que serviu de introdução à análise do drama “Marfa Posadnitsa” de M. P. Pogodin, Pushkin escreveu: “O que se desenvolve na tragédia, qual é o seu propósito? Homem e pessoas. Destino humano, destino das pessoas. É por isso que Racine é grande, apesar da forma estreita da sua tragédia. É por isso que Shakespeare é grande, apesar da desigualdade, da negligência e da feiúra da decoração” (Pushkin – crítico – M., 1950, p. 279).

Se os melhores exemplos de tragédia clássica foram criados por Corneille e Racine, então a comédia clássica foi inteiramente criação Molière (1622-1673).

A biografia do escritor Molière (Jean Baptiste Poquelin) começa com a comédia poética em cinco atos “Impertinente ou tudo está fora do lugar” (1655) - uma típica comédia de intriga. Em 1658, Molière ficaria famoso. Suas atuações teriam enorme sucesso, o próprio rei o patrocinaria, mas pessoas invejosas, adversários perigosos entre aqueles que Molière ridicularizava em suas comédias, o perseguiram até o fim da vida.

Molière riu, exposto, acusado. As flechas de sua sátira não pouparam representantes comuns da sociedade nem nobres de alto escalão.

No prefácio da comédia Tartufo, Molière escreveu: “O teatro tem um grande poder corretivo”. “Nós desferimos um duro golpe nos vícios ao expô-los ao ridículo público.” “O dever da comédia é corrigir as pessoas divertindo-as.” O dramaturgo compreendeu perfeitamente o significado social da sátira: “A melhor coisa que posso fazer é expor os vícios da minha época em imagens engraçadas”.

Nas comédias "Tartufo", "O Avarento", "O Misantropo", "Don Juan", "O Burguês na Nobreza" Molière levanta profundas questões sociais e Questões morais, sugere o riso como o remédio mais eficaz.

Molière foi o criador da “comédia de personagem”, onde o papel importante não era a ação externa (embora o dramaturgo construísse habilmente uma intriga cômica), mas o estado moral e psicológico do herói. O personagem de Molière é dotado, de acordo com a lei do classicismo, de um traço de caráter dominante. Isso permite ao escritor dar uma imagem generalizada dos vícios humanos - mesquinhez, vaidade, hipocrisia. Não é sem razão que alguns nomes de personagens de Molière, por exemplo, Tartufo, Harpagon, tornaram-se nomes conhecidos; Tartufo é chamado de fanático e hipócrita, Harpagon é avarento. Molière seguiu as regras do classicismo em suas peças, mas não se esquivou da tradição folclórica do teatro farsesco; escreveu não apenas “altas comédias”, nas quais levantava sérios problemas sociais, mas também engraçados “comédias-balés”. Uma das famosas comédias de Molière, “O Burguês na Nobreza”, combina com sucesso a seriedade e a relevância do problema colocado com a alegria e graça do “balé de comédia”. Molière pinta um quadro brilhante nele imagem satírica o rico burguês Jourdain, que admira a nobreza e sonha em ingressar nas fileiras dos aristocratas.

O espectador ri das afirmações infundadas de uma pessoa ignorante e rude. Embora Molière ria de seu herói, ele não o despreza. O confiante e tacanho Jourdain é mais atraente do que os aristocratas que vivem do seu dinheiro, mas desprezam Jourdain.

Um exemplo de comédia clássica “séria” foi a comédia “O Misantropo”, onde o problema do humanismo se resolve nas disputas entre Alceste e Philinte. As palavras desesperadas de Alceste sobre os vícios e as injustiças que reinam no mundo humano contêm uma crítica contundente às relações sociais. As revelações de Alceste revelam o conteúdo social da comédia.

Molière fez uma descoberta no campo da comédia. Utilizando o método da generalização, o dramaturgo expressou a essência do vício social por meio de uma imagem individual, retratada típica traços sociais do seu tempo, o nível e a qualidade das suas relações morais.

O classicismo francês manifestou-se mais claramente no drama, mas também foi expresso com bastante clareza na prosa.

Exemplos clássicos do gênero aforismo foram criados na França por La Rochefoucauld, Labruyère, Vauvenart e Chamfort. Um brilhante mestre do aforismo foi François de La Rochefoucauld (1613-1689). No livro “Reflexões, ou Ditos e Máximas Morais” (1665), o escritor criou um modelo único de “homem em geral”, delineou uma psicologia universal, um retrato moral da humanidade. O quadro pintado era uma visão sombria. O escritor não acredita na verdade ou na bondade. Mesmo a humanidade e a nobreza, segundo o escritor, são apenas uma pose espetacular, uma máscara que cobre o interesse próprio e a vaidade. Generalizando minhas observações, vendo em fenômeno histórico lei universal, La Rochefoucauld chega à ideia da essência egoísta da natureza humana. O amor próprio como um instinto natural, como um mecanismo poderoso do qual dependem as ações de uma pessoa, está subjacente aos seus motivos morais. É natural que uma pessoa odeie o sofrimento e se esforce pelo prazer, portanto a moralidade é um egoísmo refinado, um “interesse” racionalmente compreendido de uma pessoa. Para conter o egoísmo natural, a pessoa recorre à ajuda da razão. Seguindo Descartes, La Rochefoucauld apela ao controle racional sobre as paixões. Esta é a organização ideal do comportamento humano.

Jean La Bruyère (1645-1696) conhecido como o autor do único livro, “Personagens ou maneiras desta época” (1688). Na última nona edição do livro, La Bruyère descreveu 1.120 caracteres. Tomando como modelo a obra de Teofrasto, La Bruyère complicou significativamente o estilo do grego antigo: ele não apenas descobre as causas dos vícios e fraquezas das pessoas. O escritor estabelece a dependência do caráter humano do ambiente social. Da diversidade concreta e individual, La Bruyère deriva padrões típicos e mais gerais. "Personagens" retrata os vários estratos da sociedade parisiense e provincial durante a época de Luís XIV. Tendo dividido o livro nos capítulos “Corte”, “Cidade”, “Soberano”, “Nobres”, etc., o autor constrói sua composição de acordo com a classificação interna dos retratos (intolerantes, avarentos, fofoqueiros, faladores, bajuladores, cortesãos , banqueiros, monges, burgueses, etc.). La Bruyère, o último grande classicista do século XVII, combinando vários gêneros em seu livro (máximas, diálogo, retrato, conto, sátira, ensinamento moral), segue uma lógica estrita, subordina suas observações a uma ideia geral e cria personagens típicos .

Em 1678 apareceu o romance “A Princesa de Cleves”, escrito por Maria de Lafayette (1634-1693). O romance se destacou pela interpretação aprofundada das imagens e pela descrição precisa das circunstâncias reais. Lafayette conta a história do amor da esposa do Príncipe de Cleves pelo Duque de Nemours, enfatizando a luta entre a paixão e o dever. Vivenciando a paixão amorosa, a Princesa de Cleves a supera com esforço de vontade. Tendo se retirado para uma morada tranquila, ela conseguiu, com a ajuda de sua mente, manter a paz e a pureza espiritual.

Literatura da Alemanha

No século XVII, a Alemanha carregou a trágica marca da Guerra dos Trinta Anos (1618-1648). A Paz de Vestfália formalizou a sua divisão em muitos pequenos principados. A fragmentação e o declínio do comércio e da produção artesanal levaram ao declínio da cultura.

O poeta desempenhou um papel importante no renascimento da cultura alemã nos tempos modernos Martin Opitz (1597-1639) e seu tratado teórico, O Livro da Poesia Alemã.

Incutindo o cânone classicista na literatura alemã, Opitz apela ao estudo da experiência poética da antiguidade, formula as principais tarefas da literatura e coloca ênfase na tarefa da educação moral. Opitz introduziu o sistema silábico-tônico de versificação, tentou regular a literatura e estabeleceu uma hierarquia de gêneros. Antes de Opitz, os poetas alemães escreviam predominantemente em latim. Opitz procurou provar que era possível criar obras-primas poéticas em alemão.

Opitz tornou-se um dos primeiros cronistas da Guerra dos Trinta Anos. Um de melhores trabalhos- poema “Uma palavra de consolo em meio aos desastres da guerra” (1633). O poeta exorta seus compatriotas a superarem o caos da vida e encontrarem apoio em suas próprias almas. O tema da condenação da guerra é ouvido nos poemas “Zlatna” (1623) e “Louvor ao Deus da Guerra” (1628). O “classicismo científico” de Opitz não foi amplamente desenvolvido, e já na obra de seus alunos Fleming e Logau a influência da poética barroca é claramente perceptível.

Um notável poeta do barroco alemão foi Andreas Gryphius (1616-1664), que capturou a visão de mundo da era da Guerra dos Trinta Anos em tons penetrantes e tristes.

A poesia de Gryphius está saturada de imagens, símbolos e emblemas emocionais e visuais. As técnicas favoritas de Gryphius são enumeração, acumulação deliberada de imagens, comparação contrastiva. “Uma floresta fria e escura, uma caverna, uma caveira, um osso - // Tudo diz que sou um convidado no mundo, // Que não escaparei nem da fraqueza nem da decadência.”

Gryphius é também o fundador do drama alemão, o criador da tragédia barroca alemã (“O Leão Armênio, ou Regicídio” (1646), “A Majestade Assassinada, ou Carlos Stuart, Rei da Grã-Bretanha” (1649), etc.).

Uma figura marcante do barroco alemão foi o poeta original Johann Gunther (1695-1723). Gunther desenvolve o pensamento de Gryphius sobre os melhores sentimentos saqueados pela guerra, sobre uma pátria que esqueceu os seus filhos (“À Pátria”). O poeta se opõe à monotonia da vida, à miséria, à realidade alemã, ao seu atraso e à sua inércia. Muitos motivos de sua poesia seriam posteriormente adotados e desenvolvidos por representantes do movimento Sturm e Drang.

O maior representante da prosa barroca é Hans Jakob Christoffel Grimmelshausen (1622-1676). Sua melhor obra é o romance Simplicissimus (1669). O autor descreve a jornada incomum de um herói cujo nome – Simplicius Simplicissimus – é traduzido como “o mais simples dos mais simples”. Um jovem camponês ingênuo e altruísta caminhando caminho da vida, reúne-se com representantes de diversas camadas sociais da sociedade alemã. O herói enfrenta a tirania, a crueldade que reina no mundo, a falta de honestidade, justiça e bondade.

No palácio do governante de Hanau, eles querem fazer de Simplício um bobo da corte: colocam nele uma pele de bezerro, conduzem-no por uma corda, fazem caretas e zombam dele. Todos percebem a ingenuidade e a sinceridade do herói como uma loucura. Através da alegoria, Grimmelshausen quer contar ao leitor o mais importante: um mundo terrível em que o infortúnio de uma pessoa serve de diversão. A guerra amargurou as pessoas. Simplicissimus busca a bondade nos corações humanos e chama todos à paz. No entanto, o herói encontra paz de espírito em uma ilha deserta, longe de uma civilização cruel.

Grimmelshausen foi o primeiro na literatura alemã a mostrar o efeito destrutivo que a guerra tem sobre as almas humanas. Em seu herói, o escritor incorporou o sonho de uma pessoa natural e integral que vive de acordo com as leis da moralidade popular. É por isso que hoje o romance é visto como uma brilhante obra anti-guerra.

Literatura da Inglaterra

No desenvolvimento da literatura inglesa do século XVII, inextricavelmente ligada aos acontecimentos políticos, distinguem-se tradicionalmente três períodos:

1. Período pré-revolucionário (1620-1630).

2. O período da revolução, da guerra civil e da república (1640-1650).

3. Período de restauração (1660-1680).

No primeiro período (anos 20-30 do século XVII) na literatura inglesa houve um declínio do drama e do teatro. A ideologia da reacção absolutista triunfante exprime-se nas actividades da chamada “escola metafísica”, que cria literatura especulativa abstraída dos problemas da realidade, bem como na “escola caroliniana”, que incluía poetas monarquistas. Nas obras de D. Donne, D. Webster,

T. Dekker pode ouvir os motivos da solidão, da predestinação fatal e do desespero.

Este foi o contemporâneo mais jovem de Shakespeare Ben Jonson (1573-1637), autor das comédias realistas e afirmativas da vida “Volpone” (1607), “Episin, ou a Mulher Silenciosa” (1609), “O Alquimista” (1610), “A Feira de Bartolomeu” (1610).

Nas décadas de 1640-1650, o jornalismo (tratados, panfletos, sermões) adquiriu grande importância. As obras jornalísticas e artísticas dos escritores puritanos muitas vezes tinham conotações religiosas e, ao mesmo tempo, estavam repletas de protestos e do espírito de uma feroz luta de classes. Eles refletiam não apenas as aspirações da burguesia liderada por Cromwell, mas os humores e expectativas das grandes massas, expressos na ideologia dos Levellers (“niveladores”), e especialmente dos “verdadeiros Levellers” ou “Diggers” (“escavadores ”), que dependia dos pobres rurais.

A oposição democrática das décadas de 1640-1650 apresentou um talentoso publicitário nivelador, John Lilburne (1618-1657). O famoso panfleto de Lilburne, “As Novas Correntes da Inglaterra”, foi dirigido contra as ordens de Cromwell, que passou de comandante revolucionário a Lorde Protetor com intenções despóticas. As tendências democráticas são claras nas obras de Gerald Winstanley (1609 - cerca de 1652). Os seus tratados e panfletos acusatórios (“The Banner Raised by the True Levellers”, 1649; “Declaration of the Poor, Oppressed People of England”, 1649) foram dirigidos contra a burguesia e a nova nobreza.

O representante mais proeminente do campo revolucionário na literatura inglesa dos anos 40-50 do século XVII foi João Milton (1608-1674).

No primeiro período de sua obra (década de 1630), Milton escreveu uma série de poemas líricos e dois poemas, “Alegre” e “Pensativo”, que delinearam as principais contradições de sua obra subsequente: a coexistência do puritanismo e do humanismo renascentista. Nas décadas de 1640-1650, Milton participou ativamente da luta política. Quase não se volta para a poesia (escreve apenas 20 sonetos) e dedica-se inteiramente ao jornalismo, acabando por criar exemplares marcantes da prosa jornalística do século XVII. O terceiro período da obra de Milton (1660-1674) coincide com a era da Restauração (1660-1680). Milton se afasta da política. O poeta voltou-se para a criatividade artística e escreveu poemas épicos em grande escala “Paraíso Perdido” (1667), “Paraíso Recuperado” (1671) e a tragédia “Sansão, o Lutador” (1671).

Escritas sobre temas bíblicos, essas obras estão imbuídas de um ardente espírito revolucionário. No poema Paradise Lost, Milton conta a história da rebelião de Satanás contra Deus. A obra contém muitas características da era contemporânea de Milton. Mesmo durante o período de reação mais severa, Milton permanece fiel aos seus princípios republicanos de combate aos tiranos. O segundo enredo está relacionado com a história da Queda de Adão e Eva - esta é uma compreensão do difícil caminho da humanidade para o renascimento moral.

No poema “Paraíso Recuperado” Milton continua a refletir sobre a revolução. A glorificação da fortaleza espiritual de Cristo, rejeitando todas as tentações de Satanás, serviu de edificação aos revolucionários recentes que temiam a reação e passaram apressadamente para o lado dos monarquistas.

A última obra de Milton - a tragédia "Sansão, o Lutador" - também está alegoricamente ligada aos acontecimentos da Revolução Inglesa. Nele, Milton, perseguido por inimigos políticos, clama por vingança e pela continuação da luta do povo por uma existência digna.

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Literatura estrangeira dos séculos XVII-XVIII.
Século 17 no mundo desenvolvimento literário.

O processo literário na Europa do século XVII foi muito complexo e contraditório. O século XVII é a época que marcou a transição do Renascimento para o Iluminismo, e isso determinou as características do desenvolvimento histórico e cultural nos países europeus, as posições da reação feudal-católica foram fortalecidas, e isso causou uma crise do humanismo renascentista; , expresso com mais força na arte barroca.

O barroco como estilo se forma não só na literatura, mas também na pintura e na música. Como movimento literário, o Barroco tem uma série de princípios ideológicos e artísticos comuns.

O Barroco assenta numa concepção de homem polémica em relação às tradições renascentistas. Criatura fraca e frágil, o homem, como acreditavam os escritores barrocos, está condenado a vagar no trágico caos da vida. Um conceito profundamente pessimista de existência leva a literatura barroca a ideais religiosos ascéticos.

O barroco cria uma teoria da arte de elite e afirma um estilo ornamental metafórico especial. Partindo da ideia de desarmonia no mundo, os escritores barrocos, tentando expressar a ideia de desarmonia no próprio sistema figurativo da obra, deixam-se levar pelos contrastes semânticos e pictóricos. A personificação mais vívida dos princípios do Barroco foi encontrada na obra do grande dramaturgo espanhol P. Calderon.

No Barroco Europeu surgem dois movimentos - o Barroco alto e o Barroco baixo, ou democrático. Às ideias de elite, a sublime retórica do alto barroco, representada pelo teatro de P. Calderon, a poesia de L. de Gongora, D. Donne, o romance pastoral e galante-heróico, o baixo barroco contrasta o estilo do cômico burlesco, que em muitos aspectos parodia conscientemente as imagens sublimes (essas tendências são expressas mais claramente em um romance picaresco do século XVII).

Outro movimento literário do século XVII foi o classicismo, que floresceu na França. É preciso lembrar que as origens do classicismo remontam à estética do Renascimento, que criou o culto à antiguidade como foco ideal artístico. O classicismo refletiu a ascensão da consciência nacional da sociedade francesa. No primeiro terço do século XVII, ocorreu a formação de uma monarquia absoluta na França, o que levou à eliminação dos conflitos civis feudais e à formação de um único estado centralizado. Este processo historicamente progressivo cria pré-condições objetivas para o desenvolvimento do classicismo. As ideias de R. Descartes, o criador da escola filosófica racionalista, tiveram um impacto profundo na estética do classicismo.

No seu desenvolvimento, o classicismo do século XVII passou por duas etapas principais. Na primeira metade do século XVII, afirmou elevadas ideias de cidadania e heroísmo, que se reflectiram nas tragédias políticas de P. Corneille.

Na segunda metade do século XVII, após os trágicos acontecimentos da Fronda, os motivos trágicos aprofundaram-se no classicismo. O classicismo criou uma teoria estética coerente, que foi plenamente incorporada no tratado “Arte Poética” de N. Boileau. Os classicistas desenvolveram uma teoria normativa da arte, incluindo uma clara diferenciação entre “altos” e “baixos”, cânones estritos de gênero e estilo. A atitude racionalista determinou o conceito de homem, as características do conflito nas obras clássicas. Ao mesmo tempo, os classicistas defenderam o princípio da “imitação da natureza”, da “verossimilhança razoável”, o que lhes permitiu recriar nas suas obras os traços típicos da vida social do século XVII.
^ Século 17 no desenvolvimento literário mundial

O Renascimento é difícil de separar da história e da cultura do século XVII. No início do século XVII, os luminares do Renascimento continuaram a criar. A transição entre épocas é muito suave e dura várias gerações. A mesma coisa acontece nos limites superiores do período. Os séculos XVII a XVIII são uma época fundamental para o desenvolvimento da cultura europeia moderna. Durante esta época, foram criados estados modernos. Na França, sob a influência da cultura do classicismo, criam-se normas de literatura e de linguagem que se enraizaram até o século XX. O movimento educacional e a literatura racionalista tiveram uma função reguladora semelhante na Inglaterra.

A Renascença é uma era de otimismo social, de descoberta do universo e das capacidades humanas. O sistema social torna-se mais dinâmico, abrem-se as possibilidades da personalidade e do destino humano. Existe uma crença na superação de obstáculos sociais em diversas áreas. O ideal do homem renascentista é tipologicamente semelhante em diferentes culturas. O ideal universal personificava a trindade de beleza, bondade e verdade. Mas já no final do Renascimento, no século XVI, este ideal começou a enfraquecer. No século XVI, ocorreram guerras religiosas, a luta dos Estados pelas colônias e a competição na arena europeia. A cultura europeia unida está a ser abalada. A influência generalizadora de origem latina está perdida. Parece cultura nacional, e são criados diferentes tipos de estados: burgueses (revolução na Holanda e na Inglaterra), que surgiram como resultado do processo de refeudalização, um retorno às antigas relações sociais (Espanha, Alemanha, Itália). O “absolutismo anão” reinou na Alemanha e o Estado encontrou-se num estado de fragmentação. A situação foi agravada pela Guerra dos Trinta Anos, ocorrida no século XVI. Na França houve um movimento gradual em direção ao capitalismo. A França daquela época era uma das principais potências europeias. É considerado um clássico da literatura da época. Nele se manifestam mais claramente as tendências de centralização: as diferenças regionais desaparecem, o centro se fortalece, um sistema jurídico e sistema cultural– e o absolutismo (o papel exclusivo do poder real).

No século XVII surgiu o conceito de poder. O poder se torna uma força transpessoal que não pode ser controlada. O filósofo inglês Hobbes imaginou o Estado na forma do monstro Leviatã, que controla tudo, exige obediência e age com métodos duros. Existe uma unificação completa da vida, submissão ao rei. A categoria líder da época é a categoria de controlabilidade. Na Europa, surgiram rituais que controlavam a vida cultural e social, e a etiqueta foi introduzida. Na era de Luís XIV, a etiqueta estava hipertrofiada. O estrito controle governamental torna-se uma força restritiva. Ocorrem revoluções, dando lugar à ditadura e à posterior restauração da monarquia.

Durante o século XVII, um novo ideal religioso foi formado. Há uma busca por um Deus “pessoal”, sua abordagem da vida cotidiana. A burguesia pressupõe iniciativa pessoal. A personificação desta busca é a Reforma em suas manifestações extremas (puritanismo, calvinismo). O lado ritual é descartado e a fé nua permanece. O princípio principal do protestantismo é a prova individual de que você é digno da salvação divina. O conteúdo da época também se tornou o movimento de contra-reforma, especialmente desenvolvido na Espanha e na Itália. Segundo os contrarreformadores, Deus é relegado ao empíreo, atua como uma força cega e irracional. O portador desta fé passa a ser a Igreja, que também é empurrada para o empíreo. Esta estratégia é implementada pela Ordem dos Jesuítas, cujo lema é “O fim justifica os meios”.

O século XVII é um ponto de viragem em que os valores humanos mudam catastroficamente. Os símbolos da época são as buscas sem fim, a confiança em categorias irracionais e a rebelião, o motim da própria vontade. O homem da época busca apoio em sua busca. Esse apoio torna-se razão ou sentimento. A verdade, a bondade e a beleza começam a existir separadamente uma da outra. Como resultado, surgem duas tendências opostas: o racionalismo e o irracionalismo, respectivamente.

O sintoma mais distinto do racionalismo é o surgimento da ciência. Nos estudos empíricos surge o problema do método, aproximando a ciência da literatura (René Descartes, Spinoza, Hobbes). Essas pesquisas científicas continuam até o século XX.

O outro lado dessas buscas é o irracionalismo. O irracionalismo duvida das possibilidades do conhecimento humano. Ele se esforça para destacar áreas desconhecidas, para mostrar a diversidade e o jogo dos fenômenos. No irracionalismo, destaca-se a categoria do conceito - a convergência de categorias diferentes, mas misticamente relacionadas. A partir do conceito desenvolve-se uma metáfora. A literatura desta época é metafórica. A escolha entre verdades privadas depende da vontade própria.

Um dos universais da época é o sentimento de crise, ponto de viragem, reavaliação dos ideais do Renascimento. A literatura da época é polêmica e propagandística. Ou tentam restaurar o ideal da Renascença ou negam-no. Há também uma rejeição do princípio da harmonia. No século XVII, houve uma orientação para categorias dominantes. A dialética é determinada pela unidade e luta dos opostos: a interação da razão e dos sentimentos, da personalidade e da sociedade. A era barroca está interessada em processos pessoais. O humanismo está a mudar – torna-se “humanismo apesar de”. O valor de uma pessoa não é dado inicialmente, é adquirido. Outra característica da época é o analalitismo e uma abordagem de pesquisa. Está sendo desenvolvido um método para dividir a realidade em detalhes e combiná-la de maneiras inesperadas. A época busca amplos panoramas épicos. Os escritores se concentram em centralizar a ideia. Graças à descoberta de uma ideia, ocorre interação entre a criatividade jornalística e a artística. A própria ideia em um texto literário é revelada por meio do pathos e da lógica. A lógica organiza a composição, a conexão das partes. Uma das principais questões da época é a verdade e a credibilidade. Há uma busca por critérios de verdade.
^ Literatura barroca (características gerais).

Escritores e poetas da era barroca viam o mundo real como uma ilusão e um sonho. Descrições realistas eram frequentemente combinadas com representações alegóricas. Símbolos, metáforas, técnicas teatrais, imagens gráficas (versos de poesia formam um quadro), riqueza em figuras retóricas, antíteses, paralelismos, gradações e oxímoros são amplamente utilizados. Há uma atitude burlesco-satírica em relação à realidade. A literatura barroca é caracterizada pelo desejo de diversidade, pela soma de conhecimentos sobre o mundo, pela inclusão, pelo enciclopedismo, que às vezes se transforma em caos e colecionismo de curiosidades, pelo desejo de estudar a existência em seus contrastes (espírito e carne, trevas e luz, tempo e eternidade). A ética barroca é marcada pela ânsia pelo simbolismo da noite, pelo tema da fragilidade e da impermanência, pela vida como sonho (F. de Quevedo, P. Calderon). A peça de Calderon “Life is a Dream” é famosa. Gêneros como o romance galante-heróico (J. de Scudéry, M. de Scudéry) e o romance cotidiano e satírico (Furetière, C. Sorel, P. Scarron) também estão se desenvolvendo. No quadro do estilo barroco nascem as suas variedades e direcções: o marinismo, o gongorismo (culteranismo), o conceptismo (Itália, Espanha), a escola metafísica e o eufuísmo (Inglaterra) (ver literatura de precisão).

A ação dos romances é muitas vezes transferida para o mundo ficcional da antiguidade, para a Grécia, os senhores e damas da corte são retratados como pastoras e pastoras, o que é chamado de pastoral (Honoré d'Urfe, “Astraea”). A pretensão e o uso de metáforas complexas florescem na poesia. As formas comuns incluem soneto, rondó, concetti (um poema curto que expressa algum pensamento espirituoso) e madrigais.

No Ocidente, um destacado representante no campo do romance é G. Grimmelshausen (o romance “Simplicissimus”), no campo do drama - P. Calderon (Espanha). Na poesia, V. Voiture (França), D. Marino (Itália), Don Luis de Gongora y Argote (Espanha), D. Donne (Inglaterra) tornaram-se famosos. Na Rússia, a literatura barroca inclui S. Polotsky e F. Prokopovich. Na França, durante este período, a “literatura preciosa” floresceu. Foi então cultivado principalmente no salão de Madame de Rambouillet, um dos salões aristocráticos de Paris, o mais elegante e famoso. Na Espanha, o movimento barroco na literatura foi denominado “Gongorismo” em homenagem ao nome de seu representante mais proeminente (ver acima).
Literatura barroca (características gerais).

os universais da época aparecem no barroco e no classicismo. Na literatura europeia, o classicismo é apresentado como uma versão simplificada do barroco; na literatura russa, o barroco e o classicismo são considerados movimentos artísticos diferentes; Mas na obra de um escritor ambas as direções podem convergir. Na Espanha, o Barroco ocupava uma posição dominante. Sua estética e poética foram desenvolvidas por representantes da escola Lope de Vega. O classicismo se desenvolveu ali apenas teoricamente. Na Inglaterra, nenhum dos métodos era dominante, já que ali as tradições renascentistas eram fortes. Somente em meados do século Arte inglesa Os traços clássicos estão crescendo (a teoria de Ben Jonson), mas não estão se enraizando neste país. Na Alemanha, está se desenvolvendo um barroco de baixo nível, cujos gêneros preferidos são o drama sangrento e o romance picaresco. O classicismo tornou-se o método fundamental na França, mas aqui também apareceram tendências barrocas. Junto com o classicismo, há também literatura de salão e poesia libertina.

O barroco não se realiza apenas na literatura. Inicialmente teve destaque na arquitetura (as obras de Bernini, as fontes de Versalhes). Na música, o Barroco foi representado pelas obras de Bach e Handel, na pintura - por Ticiano e Caravaggio, na literatura - por Jean-Baptiste Marino e Calderon. O Barroco está intimamente relacionado com o Renascimento. Yu.B. Whipper fala sobre maneirismo - o trágico humanismo do final da Renascença. Esta é uma saída para espaços alegóricos com conflitos filosóficos que demonstram a fé no homem e a tragédia da existência humana.

A palavra "Barroco" em si não tem explicação precisa. Este termo se refere a uma ampla gama de fenômenos. No Barroco, por definição, não existem cânones. O cânone é individual, a diversidade reina aqui.
Cosmovisões do Barroco:
1. Uma sensação de natureza contraditória do mundo, a ausência de formas estabelecidas, uma luta sem fim. A tarefa do autor é capturar a realidade em sua variabilidade.

2. Tom emocional pessimista. Vem da fragmentação, da dualidade do mundo. Na literatura dessa direção, o motivo do duplo é frequentemente encontrado.

3. Os motivos principais são a luta da carne e do espírito, visível e essencial. Um tema favorito é a luta entre a vida e a morte. Os autores barrocos muitas vezes retratam uma pessoa em seus estados limítrofes (sono, doença, loucura, festa durante a peste).

4. Teatro, jogo, experiências de heróis com a vida, atitude reverente às alegrias terrenas, admiração pelas pequenas coisas da vida cotidiana. As obras barrocas exibem um caleidoscópio da vida.

5. O herói barroco é um individualista completo. Esta é uma criatura brilhante, mas inicialmente cruel, que precisa expiar seus pecados, ou uma pessoa inicialmente gentil, mas desfigurada pelas circunstâncias da vida. O segundo tipo de herói se esforça para escapar do mundo, seja para a criatividade ou criando utopias de vida.
A estética barroca é delineada nos tratados “Wit or the Art of the Quick Mind” (Balthasar Grassian) e “ Luneta Aristóteles" (Emmanuel Tesauro). A arte do ponto de vista barroco é criatividade subjetiva. Não expressa a verdade, mas cria uma ilusão, obedecendo à vontade do autor. A tarefa do escritor é transformar a realidade. A fuga do pensamento deve ser exagerada. Os autores barrocos se interessam por tudo que é incomum. Conhecendo o inédito, o leitor pode se surpreender. Fundamentos meio artístico- metáfora. A metáfora se cruza com a amplificação – exagero. O mesmo objeto é girado em lados diferentes.
^ Características da literatura inglesa do século XVII.

A primeira metade do século XVII foi marcada na Inglaterra pelo florescimento da poesia barroca, representada principalmente pela escola dos poetas metafísicos. Um dos poetas mais talentosos deste movimento, que abriu novos horizontes para a poesia europeia dos tempos modernos, foi John Donne (1572 - 1631), cuja obra é recomendada para os estudantes conhecerem. A revolução burguesa inglesa (1640 - 1650) teve uma influência decisiva no desenvolvimento da literatura inglesa no século XVII. Aconteceu sob slogans religiosos puritanos, que determinaram as especificidades pensamento artístico era.

Ao estudar a literatura inglesa do século XVII, a atenção principal deve ser dada à obra de D. Milton (1608 - 1674). Notável publicitário revolucionário, Milton refletiu em seus poemas os conflitos políticos mais prementes do nosso tempo. Seu poema “Paraíso Perdido” é uma tentativa de compreensão sócio-filosófica do desenvolvimento do mundo e da humanidade como um todo. No mundo artístico do poema combinam-se organicamente as tendências barrocas e classicistas, às quais se deve prestar atenção na sua análise.

KOZLOVA G. A.

LITERATURA ESTRANGEIRA Séculos 17-18. 2 CURSO, OZO

Requisitos para crédito.

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   Boileau. Arte poética.
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   P. Corneille. Sid.
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   J. Racine. Fedra.
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   D. Milton. Paraíso Perdido.
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   D. Donn. Letra da música.
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    D. Defoe. Robinson Crusoe.
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    R. Queimaduras. Letra da música.
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    Voltaire. Cândido.
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    Schiller. Ladrões.
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Literatura principal

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6. História da literatura estrangeira do século XVII/Ed. M.V. - M., 2009.

7. História da literatura estrangeira do século XVIII/Ed. L.V.Sidorchenko. - M., 2009.

8. História da literatura estrangeira dos séculos XVII-XVIII: Livro didático para alunos de institutos pedagógicos. M.: Educação, 1988.

9. Pakhsaryan N.T. História da literatura estrangeira dos séculos XVII-XVIII. Manual educativo e metodológico. - M.: 19969.

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11. Solovyova N. A. História da literatura estrangeira: Pré-romantismo. – M., 2005.

literatura adicional

1. Atarova, K. N. Lawrence Stern e sua “Jornada Sentimental através

França e Itália” / K. N. Atarova. - M., 1988.

2. Balashov, N. I. Pierre Corneille / N. I. Balashov. - M., 1956.

3. Barth, R. Rasinovsky man / R. Barth // Barth R. Obras selecionadas

Semiótica. Poético. - M., 1989.

4. Bordonov, J. Molière / J. Bordonov. - M., 1983.

5. Vertsman, IE Jean-Jacques Rousseau / IE Vertsman. – M., 1958.

6. Vipper, Yu. B. Destinos criativos e história (na Europa Ocidental

Literaturas do século XVI - primeira metade do século XIX) / Yu. - M., 1990.

7. Volkov, I. F. “Fausto” de Goethe e o problema do método artístico / I. F. Volkov. - M., 1970.

8. Século XVII no desenvolvimento literário mundial / Ed. Yu. B. Víbora.

9. Ganin, VN Poética da pastoral: A evolução da pastoral inglesa

poesia dos séculos XVI-XVIII / V. N. Ganin. -Oxford, 1998.

10. Grandel, F. Beaumarchais/F. Grandel. - M., 1979.

11. De Sanctis, F. História da literatura italiana. Em 2 volumes / Ed.

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12. Dlugach, TB Denis Diderot / TB Dlugach. - M., 1975.

13. Dubashinsky, I. A. “As Viagens de Gulliver” por Jonathan Swift / I. A. Dubashinsky. - M., 1969.

14. Elistratova, A. A. Romance inglês do Iluminismo / A. A. Elistratova. - M., 1966.

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Literatura estrangeira: Renascença. Barroco. Classicismo. – M, 1998

17. História da literatura inglesa. Em 3 volumes - M., 1943 - 1945. - T. 1

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1. História da literatura estrangeira do século XVIII/Ed. Z. I. Plavskina.

22. História da literatura alemã. Em 5 volumes.1 - M., 1962.

23. História da literatura francesa. Em 4 volumes. T. 1. - M., 1946.

24. História da estética: Monumentos do pensamento estético: Em 5 volumes. T. 2. - M., 1964.

25. Kadyshev, B.S. Racine / V. S. Kadyshev. - M., 1990.

26. Kettle, A. Introdução à história do romance inglês / A. Kettle. - M., 1966.

27. Kirnoze, Z. I. Workshop de história da literatura francesa / Z. I. Kirnoze, V. N. Pronin. - M., 1991.

28. Conradi, KO Goethe: Vida e Obra. Em 2 volumes / K. O. Conradi. - M., 1987.

29. Lukov, V. A. História da literatura estrangeira: séculos XVII-XVIII. Às 2 horas / V. A. Lukov. - M., 2000.

30. Lukov, V. A. Drama francês (pré-romantismo, movimento romântico) / V. A. Lukov. - M., 1984.

31. Maurois, A. De Montaigne a Aragão / A. Maurois. - M., 1983.

32. Multatuli, VM Molière / VM Multatuli. 2ª edição. - M., 1988.

33. Muravyov, B.C. Viaje com Gulliver / V. S. Muravyov. - M., 1972. 34. Oblomievsky, D. D. Classicismo francês / D. D. Oblomievsky. - M., 1968.

35. Plavskin, Z. I. Literatura espanhola dos séculos XVII-XIX / Z. I. Plavskin. - M., 1978.

36. Aulas práticas de literatura estrangeira / Ed. N. P. Michalskaya, B. I. Purisheva. - M., 1981.

37. Problemas do Iluminismo na literatura mundial / Rep. Ed. S. V. Turayev. - M., 1970.

38. Purishev, B. I. Ensaios sobre literatura alemã dos séculos XV-XVII. / B.I. - M., 1955.

39. Razumovskaya, M. V. A formação de um novo romance na França e a proibição do romance na década de 1730 / M. V. Razumovskaya. - L., 1981.

40. Sidorchenko, L. V. Alexander Pope e buscas artísticas na literatura inglesa do primeiro quartel do século XVIII / L. V. Sidorchenko. - São Petersburgo, 1992.

41. Svasyan, K. A. Johann Wolfgang Goethe / K. A. Svasyan. - M., 1989.

42. Chameev, A. A. John Milton e seu poema “Paradise Lost” / A. A. M. A. M. A. M. A. Chameev. - L., 1986.

43. Chernozemova, E. N. História da literatura inglesa: Planos. Desenvolvimentos. Materiais. Tarefas / E. N. Chernozemova. - M., 1998.

44. Shaitanov, I. O. Musa pensante: “Descoberta da natureza” em poesia XVIII século / I. O. Shaitanov. - M., 1989.

45. Schiller, F. P. História da literatura da Europa Ocidental dos tempos modernos. Em 3 volumes. T. 1. / F. P. Schiller. - M., 1935.

46. ​​​​Stein, A. L. Literatura do Barroco Espanhol / A. L. Stein. - M., 1983.

47. Stein, A. L. História da literatura espanhola / A. L. Stein. - M., 1994.

48. Stein, A. L. História da literatura alemã: Parte 1. / A. L. Stein. - M., 1999

49. Stein, A. L. História da literatura francesa / A. L. Stein, M. N. Chernevich, M. A. Yakhontova. - M., 1988.

Leitores

1. Artamonov, S. D. Literatura estrangeira dos séculos XVII-XVIII: antologia; livro didático / S. D. Artamonov. – M.: Educação, 1982.

2. Purishev, B. I. Leitor de literatura estrangeira do século XVIII: livro didático / B. I. Purishev. –M.: Superior. escola, 1973 / (reimpressão 1998)

3. Literatura estrangeira do século XVIII: antologia: livro didático para universidades em 2 volumes / Ed. B. I. Purisheva - M.: Escola Superior, 1988. PLANOS E CONTEÚDOS AULAS PRÁTICAS

Tópico nº 1.Teatro do classicismo francês. Corneille. Racine. Molière.

1. 
   Princípios estéticos do classicismo do século XVII. “Imagens eternas” e “tramas eternas”.

1. 
   O desenvolvimento de Aristóteles dos princípios estéticos do classicismo na Poética.
2. 
   A filosofia do racionalismo e do classicismo do século XVII. Descartes, Bacon.
3. 
   “Arte poética” de N. Boileau e a estética do classicismo do século XVII.

1. 
   A grande tragédia do teatro do classicismo francês.

1. 
   Reflexão dos princípios dramáticos de P. Corneille na tragédia “O Cid”. Imagens de tragédia.
2. 
   Vistas estéticas J. Racine. Mitos da Grécia Antiga nas tragédias de Racine (“Andrómaca”, “Fedra”).

1. 
   Alta comédia do classicismo.

1. 
   As visões estéticas de Molière. “Tramas eternas nas comédias de Molière.
2. 
   Problemas da comédia de Molière "O burguês na nobreza". Imagens de comédia.
3. 
   Problemas de estudo da obra de Molière na escola.

1. 
   O problema de estudar o classicismo na escola. Críticos russos e escritores russos sobre classicismo, clássicos e classicistas (Pushkin e outros)

.

Formas e métodos de condução das aulas, tipos de atividades pedagógicas dos alunos:

- entrevista sobre o tema da aula;

- respostas a perguntas;

Ouvir reportagens sobre os temas “Literatura russa sobre o classicismo francês”, “Problemas de estudar a obra de Molière na escola” e discuti-los.

1. Leia atentamente o material de aula e os livros didáticos sobre um determinado tópico.

2. Responda às perguntas do plano.

3. Faça apresentações.

Literatura

1. 
   Boileau N. Arte poética. – M., 2005.
2. 
   História da literatura estrangeira do século XVII. /ed. M. V. Razumovskaia. – M.: Ensino Superior, 2001.
3. 
   Lukov V.A. História da literatura. Literatura estrangeira desde suas origens até os dias atuais. – M.: Academia, 2009.
4. 
   Mikhailov A.V., Shestopalov D.P. Tragédia // Breve enciclopédia literária. – M., 1972. – T. 7. – P. 588-593.
5. 
   Nikolyukin A.N. Enciclopédia literária de termos e conceitos. – M.: NPK Intelvac, 2001.

Tarefas para SRS. Prepare material crítico sobre o tema da lição. Leia obras de arte de Molière, Corneille, Racine...

Assuntos de relatórios, resumos.

1. Revolução burguesa e literatura.

2. A influência das ideias do Puritanismo na literatura dos séculos XVII-XVIII.

3. Filosofia dos séculos XVII-XVIII e literatura.

4. Escritores russos sobre a literatura da Europa Ocidental do século XVII.

5. Iluminismo da Europa Ocidental e literatura russa.

6. Poesia da Europa Ocidental do século XVII. no contexto do pensamento cristão.

7. Criatividade dos escritores (poetas) dos séculos XVII-XVIII. no contexto do pensamento cristão.

8. Letras da Europa Ocidental dos séculos XVII-XVIII. no contexto do pensamento cristão

Certificação provisória por disciplina - teste .

Requisitos para crédito. Disponibilidade de notas, qualidade do dever de casa, conhecimento textos literários, realização de provas e testes, domínio de habilidades discurso fundamentado e trabalho com fontes primárias, recursos da Internet.

Textos literários de uso obrigatório(2º ano OZO, 4º semestre. 3º ano ZSVL, 5º semestre).

1. 
   Lírica barroca. Marinho. Gongora.
2. 
   Lope de Vega. Fonte de ovelhas.
3. 
   P. Calderón. Adoração da cruz. A vida é um sonho.
4. 
   Boileau. Arte poética.
5. 
   P. Corneille. Sid.
6. 
   J. Racine. Fedra.
7. 
   J. B. Molière. Tartufo. Um comerciante entre a nobreza.
8. 
   D. Milton. Paraíso Perdido.
9. 
   D. Donn. Letra da música.
10. 
    D. Defoe. Robinson Crusoe.
11. 
    D. Rápido. As Viagens de Gulliver.
12. 
    G. Campo. A história de Tom Jones, enjeitado" (trechos).
13. 
    R. Queimaduras. Letra da música.
14. 
    D. Diderot. O paradoxo sobre o ator. Sobrinho de Ramo.
15. 
    Voltaire. Cândido.
16. 
    Rousseau. Nova Eloísa. Confissão.
17. 
    Schiller. Ladrões.
18. 
    Goethe. Fausto.

1. 
   características gerais literatura estrangeira do século XVII.
2. 
   Puritanismo e sua influência na literatura.
3. 
   A revolução burguesa inglesa e o processo literário mundial.
4. 
   Características gerais das tendências literárias do século XVII.
5. 
   Características gerais da literatura do século XVIII. O conceito de Iluminismo.
6. 
   Programa estético dos Iluministas. Teorias do “direito natural”, do “homem natural”, do “contrato social”.
7. 
   Filosofia e literatura do século XVII. V. Kozhinov sobre a influência da filosofia da Europa Ocidental na literatura. Descartes, Bacon.
8. 
   Filosofia e literatura do século XVIII. Hobbes, Locke, Hume.
9. 
   Características gerais da literatura barroca. Barroco na arquitetura. Representantes.
10. 
    Características gerais da literatura do classicismo. Arquitetura, pintura. Representantes.
11. 
    A dramaturgia de Lope de Vega como reflexo de um novo período no desenvolvimento do teatro. Problemas do drama "Sheep Spring".
12. 
    Comédia "Manto e Espada" de Lope de Vega.
13. 
    Barroco na poesia da Itália e da Espanha. Marinismo, Gongorismo.
14. 
    Poesia do Barroco Espanhol. Luís de Gongora. Francisco de Quevedo.
15. 
    Estética de Calderón. Turgenev sobre Calderón. Motivos cristãos do drama “Adoração da Cruz”.
16. 
    Problemas do drama de Calderón “A vida é um sonho”. Contexto filosófico-cristão do drama. Imagens de drama.
17. 
    Literatura inglesa do século XVII e a revolução burguesa inglesa. Puritanismo e literatura inglesa.
18. 
    Poesia dos metafísicos. Criatividade de D. Donne.
19. 
    Milton e a revolução burguesa inglesa. A estética de Milton no poema “Paraíso Perdido”.
20. 
    Características da trama bíblica do poema "Paraíso Perdido" de Milton. Imagens do poema.
21. 
    Características gerais da literatura alemã do século XVII.
22. 
    Características artísticas do romance “Simplicius Simplicissimus” de Grimmelshausen.
23. 
    Tradições da Poética de Aristóteles. A “arte poética” de Boileau e as exigências do classicismo.
24. 
    Desenvolvimento da estética do teatro clássico nas obras de P. Corneille. O conflito entre dever e paixão na tragédia "Sid".
25. 
    Racine e as tradições da tragédia antiga. Eurípides e Racine. Problemas da tragédia "Fedra" de Racine.
26. 
    Características da “alta” comédia do classicismo. Molière sobre a estética da comédia.
27. 
    Temas e problemas das comédias de Molière "Tartufo", "Don Juan", "O Misantropo".
28. 
    Problemática da comédia "O Burguês na Nobreza". Especificidades de estudar Molière na escola.
29. 
    “Tramas eternas” e “imagens eternas” nas comédias de Molière.
30. 
    Características da literatura do Iluminismo inglês e sua teoria do romance. Problemas do romance "A História de Tom Jones, Enjeitado".
31. 
    Drama inglês do século XVIII. Escola do Escândalo de Sheridan.
32. 
    A ética de trabalho dos puritanos e os problemas do romance “Robinson Crusoe” de Defoe. Problemas de estudar o trabalho de Defoe na escola.
33. 
    Swift e o Iluminismo inglês. Problemas do romance "As Viagens de Gulliver". Estudando o romance na escola.
34. 
    Sentimentalismo inglês. Stern, Smollett, R. Burns. Problemas de estudo das letras de Burns na escola.
35. 
    Livro de Stern "Uma jornada sentimental".
36. 
    Literatura do Iluminismo francês. As visões estéticas de Voltaire. Problemas de histórias filosóficas.
37. 
    Características da estética de Diderot. Problemas da história filosófica “O Sobrinho de Ramo”.
38. 
    Visões sociais, políticas e filosóficas de Rousseau. Características artísticas de "Confissão".
39. 
    Rousseau e o sentimentalismo. Características gerais do sentimentalismo.
40. 
    Problemas do romance “A Nova Heloísa” de Rousseau.
41. 
    Características artísticas das comédias de Beaumarchais "O Barbeiro de Sevilha" e "As Bodas de Fígaro".
42. 
    Características do desenvolvimento do Iluminismo alemão. Literatura de Sturm e Drang.
43. 
    Classicismo de Weimar": características estéticas, repensando o patrimônio da antiguidade.
44. 
    O tratado "Laocoonte" de Lessing e sua influência na estética do Iluminismo.
45. 
    Problemas do drama de Schiller "The Robbers". Estudando o trabalho de Schiller na escola.
46. 
    Visões filosóficas de Goethe. Goethe e a literatura russa. Estudando as obras de Goethe na escola.
47. 
    sentimentalismo alemão. Goethe "As dores do jovem Werther".

Diretrizes para SRS

O trabalho independente dos alunos depende se está relacionado com os problemas incluídos no curso teórico ou se os tópicos estão incluídos apenas na SRS. A palestra facilita muito o trabalho dos alunos e a primeira etapa do SRS será o estudo dos materiais didáticos e livros didáticos.

Caso as aulas sobre material SRS não estejam previstas no currículo, o aluno conta com material de livros didáticos, literatura científica e prática e textos literários.

Importante em ambos os casos é trabalho bibliográfico. O professor fornece as fontes necessárias na aula teórica, ou indica na lista de literatura científica e prática disponível nos planos metodológicos dos cursos. Atenção especial deve ser dada ao trabalho com termos, nos quais o aluno deve utilizar não apenas comentários, mas. também literatura de referência: “Enciclopédia Literária Concisa”, "Dicionário termos literários", "Dicionário Poético", "Enciclopédia Filosófica". Os termos básicos são anotados e aplicados durante a análise das obras.

A cultura bibliográfica do aluno é evidenciada tanto pela época de surgimento da obra quanto pela contradição entre a posição do crítico e sua própria opinião.

Uma forma útil é compilar tabelas cronológicas, por exemplo, tabelas de datas de vida e obra do escritor.

Tomando notas– um elemento importante para trabalhar um texto teórico e crítico. As notas são verificadas periodicamente.

O resumo deverá ser composto por um plano do trabalho estudado e um breve resumo. O resumo deverá conter diversas citações que formulem as principais disposições do trabalho e sua comprovação.

Ao ler obras de ficção, também devem ser feitas anotações.

Na preparação para a aula, o aluno deve elaborar plano de respostaàs questões colocadas pelo professor, anotar a argumentação das respostas, esclarecer a terminologia com que pretende operar.

O professor também deve dar aos alunos o direito de agir de forma independente. O aluno é obrigado a preencher de forma independente a lacuna que não é preenchida pelo material teórico.

As formas de SRS incluem a elaboração de um plano de aula, uma aula eletiva de acordo com os requisitos da metodologia escolar. Podem ser elaborados relatórios e resumos, que podem ser lidos em aulas práticas, clubes, conferências científicas e reuniões de grupos problemáticos. Certos tópicos podem ser usados ​​em cursos e teses. Podem ser publicados resumos ou artigos escritos por estudantes. Semelhante científico o trabalho do aluno pode ser controle intermediário e influências certificação final intermediária.

Personalizaçãoé princípio importante SRS

Bncz e exame: História da Literatura Estrangeira. Séculos 17-18

Professor: Ninel Ivanovna Vannikova

Lugar: 320 quartos

1. Fedra - existem as palavras “comandos da paixão”, uma discussão sobre a nobreza de Hipólito.

2. Príncipe Firme - estão as palavras de Dom Fernando “;sofri tormentos, mas creio...”;.

3. Príncipe Firme - soneto sobre flores.

4. Sid - há as palavras “;renuncie ao amor, defenda seu pai”;.

5. Boileau - uma discussão sobre tragédia, há as palavras “horror e compaixão”.

6. Fielding - descrição da mesa, a natureza enviou algo ao herói.

7. Príncipe Firme - existem as palavras “você não derrotou a fé, mas eu, apesar

que estou morrendo."

8. Fausto - as palavras de Mefistófeles “Eu sou isso...”;. Esta citação já estava neste tópico.

9. Swift - o herói acaba na ilha dos Liliputianos.

10. Sid - as palavras de Jimena, há as palavras “vingar o pai”, a honra é mencionada.

11. Ladrões - as palavras de Karl “eles me forçaram a matar um anjo”.

12. Fausto - uma conversa entre Fausto e Wagner sobre a divisão do amor em terreno e celestial.

13. Fausto - os guindastes são mencionados na última linha.

14. Lope de Vega - o Minotauro é mencionado. (Aparentemente esta peça:

Misturando o trágico com o engraçado...

Terêncio com Sêneca - mas em muitos aspectos,

O que dizer, como o Minotauro,

Mas uma mistura do sublime e do ridículo

Agrada o público com sua diversidade.

Afinal, a natureza é tão linda para nós,

Quais extremos aparecem todos os dias.)

15. Freira - mãe é mencionada.

16. Fedra – Atenas é mencionada.

17. Fausto - Mefistófeles sobre o mal e os vícios.

18. Boileau - é mencionado “um bastardo na arte”.

19. Fausto - recusa-se a dominar o ensinamento, a felicidade é mencionada.

20. A vida é um sonho - existem as palavras “se estou dormindo, não me acorde”.

21. Andrômaca – Heitor é mencionado.

22. Fedra - menciona-se veneno nas veias (Trecho:

Flui pelas minhas veias inflamadas

Medeia uma vez nos trouxe veneno).

23. Fedra - existem as palavras “;para justificar os inocentes”;.

24. Horácio - há as palavras “;Ó Roma...”;.

25. Chamado de Cthulhu - Existem as palavras “Pkh"nglui mglv"nafkh Cthulhu R"lieh vgah"nagl fhtagn."

26. Fielding - Se você estiver com dificuldade e a citação começar ou terminar com “HE”, diga Fielding.

27. Zadig - o eremita com quem Zadig viaja joga um adolescente de uma ponte frágil no rio, ele se afoga.

28. Boileau - há as palavras “bonito sob o pincel do mestre”.

29. Sid - existe algo como “;devo cumprir meu dever em troca”;.

30. Emilia Galotti - fala-se do retrato.

31. Fielding - é mencionada uma pintura de Hogarth, com a qual a personagem (esposa de Partridge) é comparada.

século 17

1. Características do século XVII como uma época especial na história da literatura ocidental (a relação entre o barroco e o classicismo)

Segundo palestras de Ninell Ivanna:

K-con. século 16 a arte e a literatura atingiram uma crise criativa. A ideia renascentista de dominação humana no mundo morreu com segurança. No Renascimento, acreditava-se que o mundo é um lugar onde a pessoa deveria realizar o seu “eu”, os humanistas acreditavam que a humanidade se dedicaria ao processo criativo. Mas, na verdade, o mundo acabou por ser palco de guerras sangrentas - religiosas, civis, agressivas (“a morte é a nossa arte”). Existe uma atmosfera de rigor e violência na sociedade. Intensificar a perseguição aos hereges, criar índices de livros proibidos, aumentar a censura => a harmonia humana com o mundo é inatingível, uma pessoa real era imperfeita em suas ações (agindo de acordo com o princípio “tudo é permitido”, ele acabou por ser falho + o aspecto científico e psicológico da crise: pensavam que sem o medieval podemos entender tudo sobre ideologia, mas não conseguimos entender nada). Descobertas geográficas, descobertas em física (a teoria de Copérnico e mais), etc. mostrou que Cthulhu está destruindo a todos, e o mundo é mais complexo do que parecia, o segredo do universo não é acessível ao homem, o mundo é impossível de entender. Novo Universo: o homem não é mais o centro do universo, mas um grão de areia no caos do mundo, uma visão de mundo com fortes conotações trágicas. Deixe a pessoa pensar novamente em si mesma e comparar sua existência com tudo o que existe. A época testemunha a infinidade do espaço, a transitoriedade do tempo, o homem não é onipotente => o Renascimento é substituído barroco.

Em vez de uma perspectiva renascentista linear, havia uma “estranha perspectiva barroca”: espaço duplo, espelhado, que simbolizava a natureza ilusória das ideias sobre o mundo.

O mundo está dividido. Mas não só isso, também está se movendo, mas não está claro para onde. Daí o tema da transitoriedade da vida humana e do tempo em geral, a natureza de curto prazo da existência humana.

A utilização de reminiscências históricas e mitológicas, que se apresentam em forma de alusões e que devem ser decifradas.

Os poetas barrocos gostavam muito de metáforas. Ela criou a atmosfera jogo intelectual. E o jogo é propriedade de todos os gêneros barrocos (nas metáforas, na combinação de ideias e imagens inesperadas).

A dramaturgia se destacou pelo espetáculo excepcional, pela transição da realidade para a fantasia. Na dramaturgia, o jogo suscitou uma teatralidade especial à técnica da “cena no palco” + a metáfora do “teatro da vida”. O teatro também é usado para revelar a indefinição do mundo e a natureza ilusória das ideias sobre ele.

Em Calderón: “o grande teatro do mundo”, onde vidas se desenrolam no palco sob a cortina do caos. Há uma divisão clara: a esfera divina e a esfera terrena, e o criador da peça, que pretende expressar toda a natureza ilusória da existência humana, senta-se no trono.

A arte barroca buscou correlacionar o homem com a natureza, o cosmos é permeado pela experiência da finitude da existência humana diante da infinidade do universo. Esta é a contradição interna mais grave.

Barroco Alemão ocorre em condições Guerra dos 30 Anos, tragédia vida social. A eternidade é uma continuação da atemporalidade. Criação de uma nova harmonia barroca, unidade, glorificação da fortaleza moral do espírito humano (ampla difusão das ideias do estoicismo). E nessas condições, quando tudo vai mal, começa a surgir um certo começo, a partir do qual se supera o caos natural - a resiliência do espírito humano.

Acredita-se que o homem tenha uma independência interior de espírito (convergindo com o conceito católico de livre arbítrio). Na religião cristã existe uma oposição entre as ideias de predestinação e livre arbítrio (2 tipos de consciência). Lutero aderiu à ideia de predestinação (ele acreditava que após a Queda a corrupção passou para a natureza humana => o homem é pecador). Reforma - o caminho de cada pessoa é predeterminado desde o nascimento.

A doutrina do livre arbítrio surgiu no século XVI. Seus adeptos argumentavam que todas as pessoas recebem graça desde o nascimento e cada pessoa escolhe seu próprio caminho.

Ao mesmo tempo surge classicismo. Ambos os sistemas surgem como uma consciência da crise dos ideais da Renascença.

O classicismo parece ressuscitar o estilo da Alta Renascença. Moderação e bom gosto devem ser observados em tudo. Um sistema estrito de regras => restringe a selvageria da imaginação. As regras são inerentes a qualquer criatividade e a arte é uma forma atividade lúdica humano => não existe jogo sem regras. A tarefa do classicismo é tornar as regras obrigatórias. Eles são criados pela mente humana para subjugar o caos das coisas. As regras são leis não escritas; são convencionais e dizem respeito à organização formal de um trabalho.

De acordo com Plavskin:

século 17 – o século do absolutismo (a forma dominante do Estado é o absolutismo).

século 17 - uma era de guerras contínuas na Europa. As velhas potências coloniais - Espanha, Portugal - são gradualmente empurradas para segundo plano pelos jovens Estados burgueses - Holanda, Inglaterra; A era do capitalismo começa.

História da Europa no século XVII. Caracterizado por transição e crise.

século 17 – mudanças no campo da ciência; são publicadas revistas científicas; escolástica da Idade Média => método experimental; o domínio da matemática e o modo metafísico de pensar.

As fronteiras do mundo circundante estão se expandindo para proporções cósmicas, os conceitos de tempo e espaço estão sendo repensados ​​como categorias abstratas e universais. Para o século XVII. caracterizado por um acentuado agravamento da filosofia, política, ideologia. briga, gato Reflectido na formação e confronto dos dois sistemas artísticos dominantes neste século - classicismo e barroco.

Surgem como uma consciência da crise dos ideais renascentistas. Artistas do Barroco e do Classicismo rejeitam a ideia de harmonia; eles revelam uma interação complexa entre personalidade e política social. ambiente; apresentar a ideia de subordinar as paixões aos ditames da razão; inteligência e razão são trazidas à tona. O papel da obra como meio de formação do leitor ou espectador => “jornalismo” da literatura.

2. Características do Barroco.

italiano barroco - caprichoso

O surgimento do Barroco. Depois do Renascimento veio uma crise de ideias. O princípio do humanismo está associado às ideias de harmonia no centro do universo, em vez de Deus está o homem; Tudo convém a uma pessoa se ela for corajosa e talentosa. Na Idade Média, o homem se opôs à natureza e, nos tempos modernos, a natureza foi poetizada. A arte renascentista é caracterizada pela harmonia na composição e nas imagens. Mas logo o humanismo colidiu com a dura realidade. O mundo não se transformou num reino de liberdade e razão, mas num mundo de guerras sangrentas. “Somos pobres de espírito e nossos sentimentos estão empobrecidos.” O clima de fanatismo, crueldade e violência estabeleceu-se no século XVI, após o Concílio de Trento, que foi inaugurado em 1545 em Trento por iniciativa do Papa Paulo III, principalmente em resposta à Reforma, e ali encerrado em 1563. a perseguição aos hereges se intensifica, foi criado um índice de livros proibidos. O destino dos humanistas foi dramático. A harmonia é inacessível, a paz se opõe aos ideais do indivíduo. As ideias do humanismo revelaram sua inconsistência. As qualidades humanas começaram a se tornar negativas: a autorrealização é igual a imoralidade e crime. Outro aspecto importante da crise- psicológico. As pessoas acreditavam que poderiam descobrir tudo, apenas a igreja e os preconceitos medievais atrapalhavam. Descobertas geográficas e físicas, a teoria de Copérnico dizia que o mundo é mais complexo. Depois de resolver um enigma, a pessoa se depara com 10 novos. “O abismo se abriu e está cheio de estrelas.” O infinito é um atributo do universo, e o homem é um grão de areia em um vasto mundo. As ilusões da Renascença são suplantadas por uma nova visão do mundo. O Renascimento está sendo substituído barroco, que “joga entre dúvidas e contradições”. Formas bizarras e expressivas, importantes para a arte barroca dinâmica, desarmonia, expressão. A perspectiva linear está sendo substituída por “ estranha perspectiva barroca": ângulos duplos, imagens espelhadas, escalas deslocadas. Projetado para expressar a indefinição do mundo e a natureza ilusória de nossas ideias sobre ele. “O homem não é mais o centro do mundo, mas a quintessência do pó” (Hamlet). Contrastado: elevado e ciência, terreno e celestial, espiritual e físico, realidade e ilusão. Não há clareza ou integridade em nada. O mundo está dividido, em movimento e tempo infinitos. Esta corrida torna a vida humana terrivelmente passageira, daí o tema do imediatismo do homem, da fragilidade de tudo o que existe.

Poesia espanhola. Contemporâneos consideravam poesia Gongora(1561-1627) difícil. Alluchias, descrições metafóricas. Romance "Sobre Angélica e Medora". (Se você quiser ler: /~lib/gongora.html#0019). Incompreensibilidade. Rosas murchas são o rubor nas bochechas de Medora. Diamante Chinês - Princesa Angélica, que ainda não experimentou o amor. Complicado descrição literária– o caráter fechado da poesia de Gongora, a atmosfera do jogo. Metaforicidade sofisticada, reaproximação conceitual de imagens distantes - jogo barroco(característica de Gongora, Grassian, Calderon, Fhtagn).

Da buzina:

Os poetas barrocos gostavam muito de metáforas. Criou-se uma atmosfera de jogo intelectual. E o jogo é propriedade de todos os gêneros barrocos (nas metáforas, na combinação de ideias e imagens inesperadas). Na dramaturgia, o jogo conduziu a uma teatralidade especial à técnica da “cena em palco” + a metáfora “teatro-vida” (o autógrafo de Calderón “O Grande Teatro do Mundo” é a apoteose desta metáfora). O teatro também é usado para revelar a indefinição do mundo e a natureza ilusória das ideias sobre ele.

E nessas condições, quando tudo está ruim, começa a surgir um certo começo, a partir do qual o caos natural pode ser superado - a resiliência do espírito humano.

Ao mesmo tempo, surge o classicismo. Ambos os sistemas surgem como uma consciência da crise dos ideais da Renascença.

Artistas do Barroco e do Classicismo rejeitaram a ideia de harmonia subjacente ao conceito humanístico do Renascimento. Mas, ao mesmo tempo, o barroco e o classicismo se opõem claramente.

Palestra. Na dramaturgia, a atuação barroca se manifesta inicialmente em entretenimento, ilusionismo, transição da realidade para a fantasia. Teatro de metáfora - comparando a vida humana ao teatro (As You Like It, de Shakespeare). As ideias sobre o teatro determinavam as ideias sobre o mundo, portanto tema do teatro da vida. Principalmente Calderón - “O Grande Teatro do Mundo”. Deus representa o teatro da vida, levantando a cortina do caos. A natureza ilusória da existência humana. O Barroco deu uma ideia mais dramática do mundo e do homem. O ilusório é mais correlacionado pelo homem não só com a natureza, mas também com a sociedade (frase estranha). A comicidade da existência humana. Dissonância trágica: a busca pela felicidade é cruel processo histórico. Isso é muito discutido na poesia do barroco alemão (escreveram durante a guerra dos 30 anos).

Gryphius, "Lágrimas da Pátria", 1636 d. Diante do desastre, não havia mais esperança. O tesouro da alma foi saqueado na atemporalidade. Diante de experiências intensas e de contradições trágicas, o princípio organizador, o fundamento inabalável da existência humana: fortaleza moral interior do espírito humano. A filosofia do estoicismo é a independência do espírito humano, a capacidade de resistir a todas as circunstâncias.

Conceito católico de livre arbítrio. A predestinação (Aurélio Agostinho) e a doutrina do livre arbítrio são contrastadas. A Reforma, representada por Lutero, desenvolveu as ideias de predestinação. Uma pessoa é feliz e pecadora se precisar de ajuda do alto na forma da graça divina. Outra ideia (entre os católicos): cada um faz a sua escolha, a favor da graça ou do mal. Essas ideias tornaram-se a base filosófica dos dramas de Calderón. Em The Steadfast Prince, por exemplo, os mundos cristão e mouro são contrastados

Na dramaturgia: não há normatização rígida, nem unidade de lugar e tempo, misturar o trágico e o cômico em uma obra é o gênero principal tragicomédia, teatro barroco - teatro de ação. Lope de Vega escreve sobre tudo isso em seu “Novo Guia para Escrever Comédias”.

3. Características das tragédias filosóficas de Calderón (“A vida é um sonho”, etc.) O século XVII na Espanha é a época de ouro do drama. Foi aberto por Lope de Vega e fechado por Calderón

Biografia : Calderon nasceu em Madrid, na família de Don Diego Calderon, secretário da Fazenda, um nobre de classe média. A mãe da futura dramaturga, Anna Maria de Henao, era filha de um armeiro. O seu pai preparou Calderón para uma carreira espiritual: foi educado no Colégio Jesuíta de Madrid e também estudou nas universidades de Salamanca e Alcalá de Henares. Porém, em 1620, Calderón abandonou os estudos para o serviço militar.

Como dramaturgo, Calderón estreou-se com a peça Amor, Honra e Poder, pela qual recebeu elogios de seu professor, Lope de Vega, e na época de sua morte já era considerado o primeiro dramaturgo da Espanha. Além disso, ele recebeu reconhecimento na corte. Filipe IV nomeou Calderón como cavaleiro da Ordem de São Tiago (Santiago) e o encarregou de encenar peças para o teatro da corte montado no recém-construído Palácio do Buen Retiro. Calderón contou com os serviços dos melhores músicos e cenógrafos da época. Nas peças escritas quando Calderón era dramaturgo da corte, é perceptível o uso de complexos efeitos cênicos. Por exemplo, a peça “A Besta, o Relâmpago e a Pedra” foi encenada em uma ilha no meio de um lago no parque do palácio, e o público assistia sentado em barcos.

Em 1640-1642, enquanto desempenhava funções militares, Calderón participou na repressão da “Revolta dos Reapers” (movimento separatista nacional) na Catalunha. Em 1642, por motivos de saúde, abandonou o serviço militar e três anos depois recebeu uma pensão. Mais tarde tornou-se terciário da Ordem de S. Francisco (isto é, fez os votos monásticos da ordem, mas permaneceu no mundo), e em 1651 Calderón foi ordenado sacerdote; Isto provavelmente foi causado por acontecimentos em sua vida pessoal (a morte de seu irmão, o nascimento de um filho ilegítimo), sobre os quais pouca informação confiável foi preservada, bem como pela perseguição ao teatro que se iniciou. Após sua ordenação, Calderón abandonou a composição de peças seculares e voltou-se para peças alegóricas baseadas em enredos emprestados principalmente da Bíblia e da Sagrada Tradição, os chamados autos, apresentações apresentadas durante festas religiosas. No entanto, voltando-se para temas religiosos, ele interpretou muitos problemas no espírito do cristianismo primitivo com sua democracia e ascetismo e nunca seguiu os princípios da igreja ortodoxa. Em 1663 foi nomeado confessor pessoal de Filipe IV (capelão real); Esta posição honorária foi mantida por Calderón e pelo sucessor do rei, Carlos II. Apesar da popularidade das peças e do favorecimento da corte real, últimos anos Calderon passou em notável pobreza. Calderón morreu em 25 de maio de 1681. É um grande contraste, não é?

Herdando as tradições da literatura renascentista espanhola, Calderón. ao mesmo tempo, expressou decepção com o humanismo da Renascença. Calleron vê na própria natureza do homem a fonte do mal e da crueldade, e o único meio de reconciliação com a vida é a fé cristã com a sua a exigência de conter o orgulho. O trabalho do escritor é contraditório combina motivos renascentistas e barrocos.

Os dramas de Calderón (incluindo 51 peças) são geralmente divididos em várias categorias: dramas históricos, filosóficos, religiosos, bíblicos, mitológicos e “dramas de honra” . Mas o espírito do barroco espanhol e o gênio de Calderón manifestaram-se mais plenamente nos dramas filosóficos produzidos na Espanha no século XVII. assumiu a forma de drama religioso-filosófico ou histórico-filosófico.

Peças deste tipo abordam questões fundamentais da existência, em primeiro lugar - destino humano, livre arbítrio, causas do sofrimento humano. A ação ocorre mais frequentemente em países “exóticos” para Espanha (por exemplo, Irlanda, Polónia, Moscóvia); o sabor histórico e local é enfaticamente convencional e pretende enfatizar suas questões atemporais. Sentimentos e ações específicas são mais importantes para ele nas “comédias de capa e espada”, mas nas filosóficas isso não era tão importante. Neles ele combina características drama histórico, alegoria religiosa, filosófica e teológica do tipo auto (apresentações em feriados religiosos). No centro do problema o sentido da vida, livre arbítrio, liberdade da existência humana, educação de um governante humano e sábio. Aqui ele dá continuidade às ideias do Renascimento com seu humanismo e em geral, mas começa as ideias do Barroco, das quais falarei um pouco mais adiante. Exemplos: “A vida é um sonho”, “O mágico”, “Purgatório de São Patrício”.

Calderón tinha uma habilidade maravilhosa em suas obras de combinar uma imagem real do mundo com sua generalização abstrata e filosófica. Os paralelos são fáceis de adivinhar, especialmente fáceis de adivinhar então, porque escrevi, se não sobre o assunto do dia, então. no mínimo, sobre os problemas que preocupavam a sociedade, retratando contradições trágicas e outros problemas da sociedade.

Atitude de estilo barroco: pessimismo(a vida é cheia de problemas, geralmente é um sonho, aliás, esses problemas também se contradizem), mas com características n neoestoicismo(todos se lembraram rapidamente da filosofia!). A vida deles é caótica, ilusória, imperfeita. (“O que é a vida? Loucura, um erro. O que é a vida? O engano do véu. E o melhor momento é o erro, Já que a vida é só um sonho, E os sonhos são só sonhos”). A vida é uma comédia, a vida é um sonho. Porém, a fórmula não é absoluta para o poeta e não se aplica ao amor.

Dúvida sobre valores terrenos E desejo pelo supra-sensível no drama de Calderón são explicados pelo dogmatismo teológico e difundidos na Espanha do século XVII. perda de confiança na perspectiva histórica e uma sensação de caos no mundo. desordem trágica da vida A temática que permeia as peças deixa clara desde os primeiros versos a persistência com que se persegue a ideia “a vida é um sonho”. O mesmo sentimento trágico explica a consciência intensificada da “culpa do nascimento” - a pecaminosidade do homem. Ao mesmo tempo, a filosofia barroca de Calderón, que trouxe à tona prontidão para enfrentar corajosamente um destino difícil, não implicava necessariamente submissão à providência. Desde o início do drama, junto com o tema da desordem do mundo, da culpa do nascimento, surge também o tema da rebelião, expresso energicamente no monólogo de Segismundo, aprisionado por seu pai na torre (“... E com um espírito mais expansivo, / Preciso de menos liberdade?”)

Depende apenas da pessoa como ela desempenhará seu papel neste teatro da vida. Não é a providência divina que ajudará uma pessoa a desempenhar bem ou mal o seu papel, mas uma mente que confronta o caos da vida, caminhando em direção à verdade. Ele vê na mente um poder que pode ajudar uma pessoa refrear paixões. Nos dramas ele se mostra doloroso o movimento e reviravolta desta mente, que está exausto para trazer ordem a esse caos. A vida é movimento, um forte choque de contrastes. Apesar do clero e dos estudos de teólogo, não apela à humildade, pois, repito, o conformismo lhe é estranho, mas apela à perseverança, elogia a força de vontade, em geral, está próximo das primeiras visões teológicas. Mesmo em The Steadfast Prince (1629), onde os sentimentos religiosos e absolutistas podem parecer levados ao fanatismo, Calderón pensa em termos mais universais do que o catolicismo. Pessoas de diferentes religiões podem trabalhar juntas.

Os planos dos heróis são violados por algo à primeira vista inexplicável, mas na verdade bastante material (como em A vida é um sonho).

Comparado ao classicismo, o drama “Life is a Dream” dá mais espaço para emoções e imaginação. Sua forma é livre e o espaço do palco não é menos aberto ao infinito do que em The Steadfast Prince. Não foi à toa que os românticos ficaram tão fascinados por tais exemplos de representação de uma pessoa diante do infinito. A ideologia da contrarreforma da violência espiritual foi combatida não pela obviedade da correção de pessoas nobres, harmoniosamente desenvolvidas, cheias de vitalidade, beleza física e mental, como Shakespeare ou Lope, mas uma vontade determinada na derrota, um intelecto confuso e perscrutador.

O drama filosófico de Calderón mostra a profundidade da vida espiritual e intelectual de um homem do século XVII, sua o desejo de romper o mar de problemas, encontre uma saída do terrível labirinto do destino.

4. Dramas de honra de Calderón

O problema da honra era comum a muitos dramas dos séculos XVI-XVII (na Espanha esta questão era muito aguda, porque em conexão com a reconquista, um grande número de “caballeros” (“cavaleiros”), cavaleiros que partiram para reconquistar Terras espanholas dos mouros ao retornar das hostilidades, essas pessoas trouxeram e; desejo constante e a vontade de lutar até a morte, e ideias elevadas sobre a honra que supostamente conquistaram nas batalhas - o que deu origem à prática de duelos frequentes na alta sociedade espanhola), e o livro de Calderón “História da Literatura Estrangeira do Século XVII” junto com comédias sobre o amor (Dama-invisível) e dramas filosóficos (A vida é um sonho), destacam-se os dramas de honra: “O Médico de Sua Honra” (a questão da honra conjugal), “O Príncipe Inabalável” (a honra como a si mesmo). -respeito, lealdade à ideia (preservar a fortaleza de Ceuta para Espanha)), “O Alcalde de Salamea” (a honra como dignidade de todas as pessoas, que nasce da virtude, inerente não só aos nobres), etc. apenas os dois primeiros dramas deveriam ser familiares para nós.

Em “O Doutor de Sua Honra”, a honra é praticamente um ser vivo (Gutierre diz: “Nós dois, honra, ficamos”), um totem, cuja preservação é colocada como dever supremo (desonrado, como ele acredita, Don Gutierre sem dúvida vai matar sua esposa supostamente culpada pelas mãos de outra pessoa), ações no âmbito de sua proteção - até mesmo assassinato! - são reconhecidos como legais (o rei, notificado do assassinato pelo barbeiro, não pune Dom Gutierre, além disso, casa-se com Dona Leonor por ele, e no final da dramatização ocorre o seguinte diálogo entre os cônjuges: ( Dom Gutierre) Mas lembre-se, Leonor, / Minha mão está lavada de sangue.(Dona Leonor) Não estou surpreso ou assustado. (Dom Gutierre) Mas fui médico para minha honra, / E não esqueci a cura.(Dona Leonor) Lembre-se se precisar.(Dom Gutierre) Eu aceito esta condição. Aparentemente, ninguém fica envergonhado com o que aconteceu - matar em nome da preservação da honra é um dado adquirido, e os “jovens” são persuadidos a aderir a esta regra no futuro). Além disso, o que importa é a aparência (diante do rei, D. Gutierre, já atormentado por um ciúme terrível, fala da mulher como modelo de inocência e de ausência de suspeitas na sua relação), e iniciar ações de proteção a honra, não basta o crime em si, mas a suspeita, o menor olhar: Dona Mencia, casada não por amor, mas fiel ao marido Dom Gutierre, afasta de todas as maneiras as investidas de seu querido Dom Enrique em o passado; entretanto, as suspeitas de Gutierre, a adaga de Dom Enrique descoberta em sua casa, e o discurso ouvido por acaso de Gutierre, confundido com Dom Enrique Mencia, por sua esposa dirigido à infanta, pedindo-lhe que parasse com seus “ataques” - tudo isso, mais a carta de Mencia descoberta por Gutierre à infanta com um pedido para não fugir do país, para não dar origem a fofocas que manchassem a honra de Mencia e de seu marido - o suficiente para que o don condenasse à morte sua amada e venerada esposa - pois, como ele escreve para sua esposa, já tendo decidido matá-la, Gutierre: “O amor te adora, a honra te odeia, e por isso um te mata e o outro te informa”. Mas mesmo a própria Mencia, morrendo, como Ludovico, que abriu suas veias, transmite suas palavras, não culpa o marido pelo ocorrido.

A honra neste drama aparece como um tirano terrível, cujo poder é reconhecido por todos, e também sanciona quaisquer ações para preservá-lo e protegê-lo.

É importante notar que na realidade tais práticas, o assassinato de esposas impunemente, não eram um fenómeno constante (as crónicas comprovam-no), ou seja, o drama não é um reflexo do típico. Pelo contrário, serve para reflectir o estado crítico de rigidez e intransigência na compreensão da honra nobre.

O “príncipe inabalável” Don Fernando e o comandante muçulmano Muley estão igualmente familiarizados e compreensíveis com a palavra honra - e isso reúne dois heróis pertencentes a mundos opostos - o mundo católico estrito, claro e ensolarado da Espanha, cujos missionários são as tropas que chegam liderado por Don Fernando, mais tarde - com o rei Alfonso, e o misterioso e belo mundo muçulmano “noturno”. E desde o primeiro encontro - Don Fernando vence um duelo no campo de batalha de Muley, mas o liberta segundo as regras de honra, o que evoca o respeito genuíno do mouro - e mais tarde - quando Muley é confiado a Don Fernando, quem foi realmente condenado à morte, - heróis como eles competiriam para ver quem mostraria mais respeito pela honra, quem a mereceria mais. Na disputa ocorrida entre o mouro e o infante, onde por um lado Muley oferece ao infante a fuga da prisão para que ele, Muley, responda com a cabeça ao rei de Fetz pela fuga do prisioneiro, e por diante por outro lado, o bebê diz a Muley para não tentar libertá-lo e viver feliz o resto de sua vida com sua amada Fênix - é Fernando quem vence a discussão, e não há como escapar, então o príncipe espanhol sacrifica seu liberdade e vida para a felicidade de seu amigo. Além disso, após a morte, o fantasma do príncipe contribui para o cumprimento do objetivo deste sacrifício - ele, no entanto, une Muley e Phoenix em casamento.

Mas o compromisso com a mais alta honra reflecte-se não só nisso - D. Fernando sacrifica a sua vida, recusando tornar-se resgate de Ceuta, que pertence aos cristãos (rasga uma carta do rei Afonso ao rei Fetz, oferecendo uma “pechincha” semelhante ”, e recusa continuar a trocar a sua vida por Ceuta, pela qual é atirado para a prisão em condições insuportáveis), pois o bebé dá a vida em nome da ideia, do triunfo do mundo cristão “ensolarado” e, portanto, ele vive nas condições mais difíceis e morre sem arrependimentos pelo seu amargo destino.

Em “O Alcalde de Salamey”, escrito com significativas transformações a partir da obra de Lope de Vega, a honra aparece como capacidade de virtude, pureza moral e inocência, que falta a alguns nobres (ao contrário da crença de que a “honra” é transmitida apenas por herança em família nobre), mas que possuem e pessoas simples, por exemplo, o camponês Pedro (alcalde - algo como um juiz-velho), cuja filha é roubada por um capitão do exército que passava. A honra, no entendimento de Calderón em “Alcalde”, aparece como o bem maior, para devolvê-la à filha, e para isso o capitão é obrigado a casar com ela, o camponês Pedro, percebendo a honra como um grande tesouro moral , está pronto para entregar todos os seus bens ao capitão e, se isso não for suficiente , então entregue a si mesmo e a seu filho como escravos. Assim, em nome da honra, cuja presença entre os camponeses é contestada por alguns personagens negativos do drama, Pedro está disposto a sacrificar todos os benefícios materiais e até a liberdade.

História francesa literatura/ A.L. Stein, M. N. Tchernevich, M.A. Yakhontova. - M., 1988. Leitores 1. Artamonov, S.D. Estrangeiroliteratura17 -18 bb.: leitor; educacional...

Programa comentado da disciplina/módulo “história da literatura estrangeira”

Programa de disciplina

Históriaestrangeiroliteratura17 -18 bb Históriaestrangeiroliteratura XVII-XVIII bb

Programa comentado da disciplina/módulo “história da literatura estrangeira” (1)

Solução

Destruição do modelo otimista. Especificações do intercâmbio Históriaestrangeiroliteratura17 -18 bb. (10 horas) Tópico 1. Poética barroca em... Universidade Estadual de Moscou. Ser. 9. 1995. No. Históriaestrangeiroliteratura XVII-XVIII bb. Instruções metódicas. M., 1968. Mering...