Uma mãe e um bebê recém-nascido são um dos temas mais populares da arte.

Ele foi dado atenção especial artistas populares e conhecidos (Leonardo da Vinci e Rafael Santi), e pouco conhecidos do grande público (Bartolomeo Murillo, di Marcovaldo e outros).

Virgem Maria de Marcovaldo

Coppo di Marcovaldo é considerado o fundador da escola de belas artes de Siena. O seu destino é bastante interessante, desde meados do século XIII. participou numa das batalhas ao lado dos adeptos florentinos do Papa, em consequência da qual o artista foi capturado. Mas como era muito talentoso, conseguiu “comprar” a sua liberdade pintando uma imagem muito bonita e bastante realista de Nossa Senhora com o Menino, que foi depois transferida para a Igreja de Siena. Esta Madona recebeu o nome de "Madonna del Bordone".

Esta pintura apresenta ao espectador a Virgem Maria sentada em um trono, levantando levemente uma perna para que seja mais confortável para o bebê sentar em seus braços. Ela segura a perna dele de maneira tocante e ele estende a mão para ela. Eles já apresentam alguma interação perceptível, o que não é observado há mais primeiras pinturas.

A cabeça do virginiano é cercada por uma auréola quase invisível. Vale destacar os olhos incrivelmente expressivos desta Madonna. Ela olha para o espectador, como se estivesse olhando para sua alma. Sua roupa é uma capa preta simples, mas para ficar mais chique a artista pintou as cortinas em dourado. Nas laterais, esquerda e direita, há anjos representados em altura total (tradição florentina). Normalmente eles eram desenhados iguais, mas estes, se você olhar de perto, não são completamente idênticos entre si: as diferenças estão em seus rostos.

Passemos das menos conhecidas às mais populares e vejamos mais de perto as pinturas mais marcantes sobre o tema.

"Madona Litta" de Leonardo da Vinci

Uma das Madonna e o Menino mais retratadas é a pintura “Madonna Litta” do brilhante Leonardo da Vinci. Agora pode ser visto entre as obras-primas guardadas em l'Hermitage.

A pessoa principal nesta pintura é uma jovem segurando um bebê nos braços e amamentando-o. Como em todos eles, destaca-se mais em relação ao fundo, onde o espectador pode observar janelas em arco através das quais se avista um céu azul brilhante com nuvens brancas e fofas. É importante notar que a Madona e o Menino são desenhados com muita clareza, suas características parecem estar destacadas, como se desenhadas sob o flash de uma câmera, em comparação com o fundo um tanto desfocado - isso também é características distintivas retratos daquela época.

A mãe olha para o filho com ternura. Algumas pessoas pensam que ela está sorrindo levemente (o “sorriso de Leonardo”, popular nas pinturas do artista), mas na verdade, a Madonna está pensativa. A criança olha para o espectador, segurando um pássaro em uma das mãos - um pequeno pintassilgo.

Pintassilgo na pintura "Madonna Litta"

Existem diferentes versões do motivo pelo qual o pintinho é retratado nesta pintura.

O pássaro como símbolo do sofrimento futuro de Cristo, onde a cabeça ruiva do pintassilgo simboliza o sangue derramado pelo Filho de Deus. Segundo a lenda, quando Cristo estava sendo conduzido ao Gólgota, um pintassilgo voou sobre ele, arrancou um espinho da sobrancelha de Jesus e sangue pingou sobre ele.

O pintassilgo simboliza a alma, que voa após a morte: esta designação vem do paganismo antigo, mas também é preservada na semiótica cristã.

O apócrifo Evangelho de Tomé conta uma história um pouco diferente: Jesus reviveu um pintassilgo morto simplesmente segurando-o nas mãos, e é por isso que muitas pinturas retratam esse pintinho com o bebê.

Madonas de Raphael Santi

Mas há outro, não menos famosa madona com um bebê. Rafael Santi foi quem escreveu. Ou melhor, ele tem muitas pinturas com esse enredo: esta é a conhecida e guardada em l'Hermitage “Madonna Conestabile”, e a extraordinária “Madonna com Véu”, que retrata não só mãe e filho, mas todo mundo Sagrada família.

Rafael pintou a própria pintura com o título “Madonna and Child” em 1503. A mulher nela é mais sofisticada e, sem dúvida, mais jovem que a de Da Vinci. Obviamente, o vínculo entre mãe e filho é mais pronunciado. Eles se olham com amor comovente e leve consideração, a mãe segura o bebê pelas costas com a mão. Esta não é mais a Virgem ansiosa que pode ser vista nas primeiras pinturas do artista.

Juntos, eles leram o livro “Livro das Horas” - símbolo da autoridade da igreja - no qual estão escritos os textos de orações, salmos e serviços religiosos (anteriormente, aliás, foi com esse livro que aprenderam a ler). Segundo algumas fontes, o Livro das Horas é aberto na página que corresponde às nove horas, horário em que Jesus foi crucificado na cruz.

Ao fundo há uma paisagem esfumaçada com igreja e árvores. Aliás, essa paisagem também pode ser considerada uma característica distintiva das obras de Santi sobre o tema mãe e filho. Quase todas as pinturas de Rafael têm um fundo paisagístico bastante detalhado.

Não adianta determinar qual pintura é melhor: Da Vinci ou Rafael. A Madonna e o Menino parecem originais e únicos em cada um deles.

Não só as artes plásticas se interessaram pelo tema mãe e filho, por isso vale a pena considerar como isso se refletiu em outras formas.

Escultura de Madonna e Criança

A atenção de qualquer conhecedor de arte é atraída pela escultura "Madonna and Child", cujo autor é mestre famoso Miguel Ângelo.

Segundo os clientes, esta obra-prima deveria ter cerca de nove metros de altura, para que o público olhasse para ela, como uma divindade. Aliás, é por isso que o olhar da mãe e do filho está voltado para baixo.

Há evidências de que o Cardeal Piccolomini (o primeiro cliente) estava insatisfeito com os esboços, principalmente porque Jesus estava nu, então o contrato com Michelangelo foi quebrado. E a escultura, claro, encontrou seu dono. Ele se tornou de Mouscron, um comerciante da cidade de Bruges. Em seguida, doou-o para a Igreja de Nossa Senhora, onde foi colocado num nicho escuro que contrastava lindamente com a cor branco-mármore da própria escultura.

Sobre no momento, para proteger as autoridades da cidade, colocaram-no atrás de um vidro à prova de balas.

"Madonna Doni" de Michelangelo

Além de excelente escultor, Michelangelo também foi um artista maravilhoso. Embora ele não considerasse isso algum tipo de conquista e não estivesse nem um pouco orgulhoso de seu talento.

As imagens por ele desenhadas surpreendem o espectador pela sua incrível plasticidade, parece que mesmo ao desenhar ele “esculpe” as figuras, dando-lhes volume; Além disso, a pintura retrata toda a Sagrada Família, o que era raro em pinturas deste tipo. É claro que, no sentido pleno da palavra, Michelangelo é um escultor, não um artista. Madonna and Child, no entanto, é simplesmente uma obra-prima.

Então, vamos resumir. Se falamos da pintura mais famosa que representa a Virgem Maria, então esta é a obra-prima de Leonardo da Vinci “Madona e o Menino”. Se uma pessoa se interessa por outros tipos de arte, então a mais marcante e memorável é, sem dúvida, a obra de Michelangelo.

Leonardo da Vinci "Madonna e o Menino" (Madonna Litta), 1490 - 1491, têmpera sobre tela. 42x33 cm, Museu Hermitage do Estado, São Petersburgo

A pintura foi obviamente executada em Milão, para onde o artista se mudou em 1482. É uma das obras cujo aparecimento marcou nova etapa na arte renascentista - uma declaração de estilo Alta Renascença. Mulher bonita, amamentando um bebê, aparece como personificação do amor materno como o maior valor humano.

A composição do quadro é lacônica e equilibrada. As figuras de Maria e do menino Cristo são modeladas com o mais fino claro-escuro. As aberturas das janelas simétricas revelam uma paisagem montanhosa sem fim, que lembra a harmonia e a grandeza do universo. A própria figura de Nossa Senhora parece iluminada por uma luz que vem de algum lugar à sua frente. A mulher olha para a criança com ternura e reflexão. O rosto de Madonna é retratado de perfil, não há sorriso em seus lábios, apenas uma certa imagem dela se esconde nos cantos.

O bebê olha distraidamente para o espectador, segurando o peito da mãe com a mão direita. Na mão esquerda a criança segura um pintassilgo.

A imagem vívida da obra é revelada em pequenos detalhes, que nos dizem muito sobre mãe e filho. Vemos o bebê e a mãe no momento dramático do desmame. A mulher está vestindo uma camisa vermelha com gola estreita. Possui fendas especiais através das quais é conveniente amamentar o bebê sem tirar o vestido. Ambas as incisões foram suturadas cuidadosamente (ou seja, foi tomada a decisão de desmamar a criança). Mas o corte certo foi rasgado às pressas - os pontos de cima e um pedaço de linha são claramente visíveis. A mãe, por insistência da criança, mudou de ideia e adiou esse momento difícil.

A pintura chegou em 1865 da coleção milanesa do duque Antonio Litta, a cujo nome está associado.
O desenho preparatório da pintura do Hermitage está guardado no Louvre.

Antes de entrar em l'Hermitage em 1865, a “Madonna Litta” fazia parte da coleção da família do duque Antoine Litta em Milão, daí o seu nome. A conservação da pintura foi tão deficiente que teve de ser imediatamente transferida da madeira para a tela. Esta tecnologia única, que permitiu salvar a tela, foi inventada pelo carpinteiro do Hermitage Sidorov, pelo qual recebeu uma medalha de prata.

A polêmica não diminui em torno de uma das mais belas imagens pitorescas da Mãe de Deus com o Menino. A autoria de Leonardo é questionada e, embora seus papéis contenham esboços da pintura, alguns a consideram fruto do trabalho dos alunos do maestro (pelo menos no que diz respeito ao vestuário e ao design de interiores; ainda assim, são poucos os que negariam que a rosto da Virgem Maria pertence ao pincel de Leonardo). A data de sua criação também é desconhecida. Embora a imagem seja geralmente atribuída a Período milanês A vida de Da Vinci, mas também há datas posteriores, à época em que Leonardo viveu em Roma - há hipóteses sobre este assunto. Vale a pena contar um deles.

Não faz muito tempo, mais precisamente, na década de noventa do século passado, o cientista e arqueólogo religioso russo O. G. Ulyanov estudou afrescos nas catacumbas de Santa Priscila, em Roma. Este lugar é conhecido por fontes antigas como a “Senhora das Catacumbas” porque 7 dos primeiros papas foram enterrados lá, incluindo o mártir Papa Marcelino e seu sucessor, o Papa Marcelo. De acordo com os últimos dados arqueológicos, remonta ao século II dC.

Entre os afrescos das catacumbas há uma imagem da Virgem Maria com o Menino, que é, aparentemente, a imagem mais antiga Nossa Senhora na pintura mundial. O cientista russo ficou impressionado com a sua coincidência com a composição da “Madonna Litta”. Assim como Leonardo, a criança que se alimenta se vira e olha para o espectador.

As catacumbas, descobertas por acaso no final do século XV, tornaram-se o local de passeio preferido dos artistas e pensadores que viviam em Roma. Leonardo veio para Cidade Eterna em 1513 e lá viveu três anos. Claro que ele, interessado em tudo, principalmente em tudo o que é inusitado, simplesmente não pôde deixar de descer às catacumbas, onde viu um antigo afresco que o impressionou tanto que o repetiu em sua pintura. Ou seja, a criação da “Madonna Litta” deve ser atribuída ao período entre 1513 e 1517. Porém, o interessante desta hipótese não é a nova datação, mas a própria possibilidade daquele impulso espiritual que foi transmitido do pintor desconhecido do século II ao gênio do Renascimento.

Leonardo da Vinci é um dos maiores representantes arte da Alta Renascença, exemplo do “homem universal”.

Foi artista, escultor, arquiteto, cientista (anatomista, naturalista), inventor, escritor, músico.
Seu nome completo é Leonardo de ser Piero da Vinci, traduzido de língua italiana significa "Leonardo, filho do Sr. Piero de Vinci".
EM sentido moderno Leonardo não tinha sobrenome - "da Vinci" significa simplesmente "(originalmente) da cidade de Vinci".
Nossos contemporâneos conhecem Leonardo principalmente como um artista. Conhecido 19 pinturas pitorescas pincéis de Leonardo.

Suposto autorretrato de Leonardo da Vinci
Os historiadores da arte não podem afirmar com certeza que o famoso retrato de um velho seja um autorretrato. Talvez este seja apenas um estudo da cabeça do apóstolo para a Última Ceia.
Do vasto patrimônio artístico e científico de Leonardo da Vinci (1452-1519), neste artigo consideraremos apenas as imagens pitorescas das Madonas.

"Madona do Cravo" (1478)

Madeira, óleo. 42x67 cm. Antiga Pinacoteca (Munique)
Acredita-se que esta pintura tenha sido pintada pelo jovem Leonardo da Vinci enquanto era aluno da oficina do escultor e pintor italiano Verrocchio, um dos professores de Leonardo.

Descrição da pintura

Madonna é retratada com uma aparência quase imperceptível de sorriso nos lábios. Não há mais nenhum sentimento refletido em seu rosto.
Seu traje combina com a bizarra cordilheira ao fundo. Madonna é retratada com uma recepção esfumar. Esta técnica foi desenvolvida por Leonardo da Vinci. Consiste no fato de os contornos das figuras e objetos serem suavizados pelo ar que os envolve (sfumato (italiano sfumato - sombreado, literalmente: “desaparecendo como fumaça”).
O Menino Jesus, ao contrário, é representado em movimentos vigorosos. Com as mãos ainda desajeitadas tenta agarrar o cravo vermelho que sua Mãe segura na mão graciosa. O Bebê apoia a perna direita no travesseiro e a perna esquerda fica levantada em tensão. Ele realmente quer chegar à flor!
Existe a opinião de que se trata apenas de uma cópia do original, ainda desconhecido.

"Madonna Benois" (ou "Madonna com uma Flor"), 1478-1480

Lona (traduzida de madeira), óleo. 48x31,5 cm. Museu Estatal Hermitage (São Petersburgo)
Esta imagem também se aplica a primeiros trabalhos Leonardo. É considerado inacabado. O título da pintura não é do autor. Em 1914, o Hermitage adquiriu-o de Maria Alexandrovna Benois, esposa do arquiteto da corte Leonty Nikolaevich Benois, Arquiteto e professor russo. A pintura de Leonardo da Vinci foi dada a ele por seu sogro, um rico comerciante de peixes de Astrakhan.

Descrição da pintura

A Madona e o Menino são retratados em uma sala mal iluminada. A única fonte de luz é uma janela dupla localizada nas profundezas. É a luz desta janela que destaca as figuras da imagem e a anima com o jogo do claro-escuro.
A artista retrata Madonna como uma jovem comum, uma mãe, olhando com amor para seu filho, que faz suas primeiras tentativas de explorar o mundo olhando para uma flor. Madonna está vestida com um traje usado pelos contemporâneos de Leonardo. E ela tinha o cabelo penteado à moda daqueles anos.
O simbolismo da imagem é indicado pela flor crucífero. Este é um símbolo da crucificação. Mas para uma criança em momento presenteé apenas um brinquedo inocente.
“Madona da Flor”, de Leonardo da Vinci, já foi amplamente conhecida pelos artistas da época. Outras obras foram concluídas sob sua influência artistas famosos, incluindo Rafael.
Mas durante séculos a pintura de Leonardo foi considerada perdida.

"Madona Litta" (1490-1491)

Tela, têmpera. 42x33 cm. Museu Estatal Hermitage (São Petersburgo)

Litta- Família aristocrática milanesa dos séculos XVII-XIX. A pintura esteve na coleção particular desta família durante vários séculos – daí o seu nome. O título original da pintura era “Madonna and Child”. A Madonna foi adquirida pelo Hermitage em 1864.
Acredita-se que a pintura tenha sido pintada em Milão, para onde o artista se mudou em 1482.
Seu surgimento marcou uma nova etapa na arte renascentista - o estabelecimento do estilo da Alta Renascença.
O desenho preparatório da pintura do Hermitage está guardado em Paris, no Louvre.

Desenho no Louvre

Descrição da pintura

Mulher jovem e bonita alimentando um bebê representa amor de mãe como o maior valor humano.
A composição da imagem é simples e harmoniosa. As figuras de Maria e do menino Cristo são enfatizadas por um claro claro-escuro. A harmonia nas relações entre os personagens do quadro é enfatizada pela paisagem montanhosa nas janelas simétricas, evocando uma sensação de grandiosidade do universo.
O rosto de Madonna é retratado de perfil com um sorriso sutil nos cantos da boca. O bebê está concentrado em sua ocupação, olhando distraidamente para o público. Mão direita ele segura o peito da mãe e à sua esquerda segura um pintassilgo.

"Madona das Rochas"

Leonardo da Vinci criou duas pinturas de composição semelhante. Um deles foi pintado anteriormente e está atualmente em exposição no Louvre (Paris). Outro (escrito antes de 1508) é exibido no London Galeria Nacional.

"Madona das Rochas" (1483-1486)

Árvore transferida para óleo sobre tela. Louvre (Paris) 199x122 cm.
Esta versão foi criada para a capela da Igreja de San Francesco Grande em Milão. No século 18 foi comprado pelo artista inglês Gavin Hamilton e trazido para a Inglaterra. Depois esteve em várias coleções particulares até ser comprado pela Galeria Nacional em 1880.
Em 2005, um estudo infravermelho descobriu outra pintura abaixo desta, levando alguns pesquisadores a acreditar que Leonardo planejou originalmente pintar uma adoração ao menino Jesus.

"Madona das Rochas" Galeria Nacional de Londres

Descrição das pinturas

Ambas as pinturas retratam a Virgem Maria ajoelhada com a mão na cabeça do pequeno João Batista. À direita está o menino Jesus sendo segurado por um anjo. Jesus levantou a mão para abençoar. A cena da relação entre os personagens retratados e o fundo da paisagem contrasta: por um lado há paz e ternura, por outro há uma sensação alarmante da paisagem agreste. O artista utiliza sua técnica preferida (sfumato) para suavizar os contornos de rostos e objetos.

"Madona do Fuso" (por volta de 1501)

O original desta pintura foi perdido. Mas existem três exemplares, dois dos quais foram criados em 1501 por Leonardo da Vinci (ou alunos de sua escola). Outra cópia foi criada em 1510.

Galeria Nacional da Escócia
Uma cópia está atualmente na Galeria Nacional da Escócia, em Edimburgo, e a outra em uma coleção particular em Nova York.
Os contemporâneos de Leonardo gostaram desta pequena pintura de uma muito jovem Madona com o Menino. Portanto, cópias foram feitas.

"Madona do Fuso" (1501)
Madeira, óleo. 48,3 x 36,9 cm. Coleção particular
Mas é bem possível que esta não seja uma cópia, mas nova versão, criado no mesmo 1501 do original.

"Madona do Fuso" (1510)
Óleo sobre tela sobre madeira, 50,2x36,4 cm. Coleção particular (Nova York)
A elevada qualidade da pintura prova que foi executada na oficina de Leonardo da Vinci, possivelmente sob a sua supervisão.

Descrição da pintura

A pintura retrata a jovem Virgem Maria e o menino Cristo segurando um fuso em forma de crucifixo - um símbolo ao mesmo tempo lareira e casa e a cruz. Na mitologia clássica, o fuso simbolizava o destino humano.
Toda a figura de Maria expressa amor pela criança. Parece que ela quer distrair a criança do fuso. Mas nem mesmo a Mãe pode impedir a crucificação que está destinada a Cristo.
E a criança volta-se completamente para o símbolo da sua futura Paixão e afasta-se do olhar amoroso da Mãe.

Incluído em " liga principal» tesouros do museu mundial. Seu acervo inclui três milhões de peças, e o magnífico acervo, iniciado por Catarina a Grande, está sendo reabastecido até hoje. Oferecemos um breve passeio pelo Hermitage - e 10 pinturas que você deve ver.

Leonardo da Vinci. Madonna e Criança (Benois Madonna)

Itália, 1478-1480

O segundo nome vem do sobrenome dos proprietários da pintura. Ainda não se sabe em que circunstâncias a obra do grande Leonardo chegou à Rússia. Reza a lenda que a família Benoit o comprou de um circo itinerante. A obra-prima foi herdada por Maria Sapozhnikova (após o casamento - Benoit) de seu pai. Em 1914, l'Hermitage adquiriu-lhe esta pintura. É verdade que depois da revolução, nas difíceis décadas de 1920 e 30, o governo da URSS quase o vendeu ao secretário do Tesouro dos EUA, um colecionador apaixonado, Andrew Mellon. Os críticos de arte que se opuseram a esta venda tiveram sorte: o negócio fracassou.

Rafael. Madonna e Criança (Madonna Conestabile)

Itália, por volta de 1504

"Madonna e o Menino" é um dos primeiros trabalhos Rafael. Alexandre II comprou esta pintura na Itália do Conde Conestabile para sua amada esposa Maria Alexandrovna. Em 1870, este presente custou ao imperador 310 mil francos. A venda da obra de Rafael indignou a comunidade local, mas o governo italiano não tinha recursos para comprar a pintura do proprietário. A propriedade da Imperatriz foi imediatamente exposta no edifício Hermitage.

Ticiano. Danae

Itália, por volta de 1554

Catarina II adquiriu a pintura de Ticiano em 1772. A pintura é baseada em um mito em que o rei Acrísio previu que morreria nas mãos de seu próprio neto e, para evitar isso, aprisionou sua filha Danae. No entanto, o engenhoso deus Zeus penetrou nela na forma de uma chuva torrencial dourada, após a qual Danae deu à luz um filho, Perseu.

Catarina II era uma monarca esclarecida, tinha excelente gosto e entendia perfeitamente o que exatamente deveria ser adquirido para sua coleção. Existem várias outras pinturas em l'Hermitage com enredo semelhante. Por exemplo, “Danae” de Ferwilt e “Danae” de Rembrandt.

El Greco (Domenikos Theotokopoulos). Apóstolos Pedro e Paulo

Espanha, entre 1587-1592

A pintura foi doada ao museu em 1911 por Pyotr Durnovo. Alguns anos antes, Durnovo exibiu-o numa exposição da Sociedade Imperial para o Incentivo às Artes. Aí El Greco, que era considerado um artista muito medíocre, começou a falar dele como um gênio. Nesta pintura, o pintor, sempre distante do academicismo europeu, revelou-se especialmente próximo da tradição da iconografia bizantina. Ele tentou transmitir mundo espiritual e os personagens dos apóstolos. Paulo (em vermelho) é assertivo, decidido e autoconfiante, enquanto Pedro, ao contrário, é duvidoso e hesitante... Acredita-se que El Greco se capturou na imagem de Paulo. Mas os pesquisadores ainda estão discutindo sobre isso.

Caravaggio. Jovem com alaúde

Itália, 1595-1596

Caravaggio é um famoso mestre do Barroco, que mudou a consciência de várias gerações com sua luz “funeral” Artistas europeus. Apenas uma de suas obras é mantida na Rússia, que o artista pintou em primeiros anos. Para pinturas de Caravaggio Um certo drama é característico, e existe em “The Lute Player”. O caderno representado sobre a mesa contém a popular melodia madrigal de Yakov Arkadelt “Você sabe que eu te amo” da época. E o alaúde rachado nas mãos do jovem é um símbolo de um amor infeliz. A tela foi comprada por Alexandre I em 1808.

Pedro Paulo Rubens. Retrato da empregada da Infanta Isabel

Flandres, meados da década de 1620

Apesar do nome, acredita-se que se trate de um retrato da filha do artista, Clara Serena, falecida aos 12 anos. A pintura foi criada após a morte da menina. A artista retratou sutilmente os cabelos fofos, a pele delicada do rosto e o olhar pensativo do qual é impossível tirar os olhos. Uma imagem espiritual e poética aparece diante do espectador.

Catarina II adquiriu a pintura para a coleção do Hermitage em 1772.

Rembrandt van Rijn. Retorno do filho pródigo

Holanda, por volta de 1668

Catarina II comprou uma das pinturas mais famosas e reconhecíveis de Rembrandt em 1766. A parábola evangélica do filho pródigo preocupou o artista ao longo de sua vida: ele fez os primeiros desenhos e gravuras dessa trama nas décadas de 1630 e 40, e começou a pintar o quadro na década de 1660. A pintura de Rembrandt tornou-se uma inspiração para outros personalidades criativas. O compositor vanguardista Benjamin Britten escreveu uma ópera inspirada nesta obra. E o diretor Andrei Tarkovsky citou “Return filho pródigo" em uma das cenas finais de Solaris.

Edgar Degas. Place de la Concorde (Visconde Lepic com suas filhas atravessando a Place de la Concorde)

França, 1875

A pintura “Place de la Concorde” foi transportada de Berlim para a Rússia após a Segunda Guerra Mundial, onde foi mantida em uma coleção particular. A tela é interessante porque, por um lado, é um retrato e, por outro, um esboço típico do gênero impressionista da vida da cidade. Degas retratou seu amigo próximo, o aristocrata Louis Lepic, junto com suas duas filhas. O retrato de várias figuras ainda guarda muitos mistérios. Não se sabe quando e em que circunstâncias a pintura foi criada. Os historiadores da arte sugerem que a obra foi pintada em 1876 e não por encomenda. O artista nunca pintou outra pintura como esta, antes ou depois. Precisando de dinheiro, ele vendeu a tela ao conde Lepik, e até final do século XIX eles não sabiam sobre ele há séculos. Após a queda de Berlim em 1945, a obra-prima, entre outras obras “troféus”, foi enviada para União Soviética e acabou em l'Hermitage.

Henrique Matisse. Dança

França, 1909-1910

A pintura foi criada por ordem de Sergei Shchukin, um famoso colecionador russo de obras francesas pinturas do século XIX- início do século XX. A composição é escrita sobre o tema da idade de ouro da humanidade e, portanto, retrata pessoas específicas, Um imagens simbólicas. Matisse inspirou-se nas danças folclóricas, que, como se sabe, contêm o ritualismo de uma ação pagã. Matisse incorporou a fúria das antigas bacanais em uma combinação de cores puras - vermelho, azul e verde. Como símbolos do Homem, do Céu e da Terra. A pintura foi transferida para o Hermitage da coleção de Moscou Museu do Estado nova arte ocidental em 1948.

Wassily Kandinsky. Composição VI

Alemanha, 1913

Há um salão inteiro em l'Hermitage, dedicado à criatividade Wassily Kandinsky. A "Composição VI" foi criada em Munique em maio de 1913 - um ano antes do início da Primeira Guerra Mundial. A imagem dinâmica e brilhante é pintada com traços livres e abrangentes. Inicialmente, Kandinsky queria chamá-lo de “O Dilúvio”: a tela abstrata foi baseada em história bíblica. Porém, posteriormente o artista abandonou essa ideia para que o título da obra não interferisse na percepção do espectador. A tela chegou ao museu vinda do Museu Estadual de Nova Arte Ocidental em 1948.

O material utiliza ilustrações do site oficial

Madonas de Leonardo da Vinci e Raphael Santi

M a d o n s

Leonardo da Vinci e Rafael Santi

Leonardo da Vinci- um dos maiores representantes da arte da Alta Renascença, exemplo de “homem universal”.

Foi artista, escultor, arquiteto, cientista (anatomista, naturalista), inventor, escritor, músico.
Seu nome completo é Leonardo de ser Piero da Vinci, traduzido do italiano significa “Leonardo, filho do Sr. Piero de Vinci”.
No sentido moderno, Leonardo não tinha sobrenome - "da Vinci" significa simplesmente "(originalmente) da cidade de Vinci".
Nossos contemporâneos conhecem Leonardo principalmente como um artista.

Mona Lisa – 1503-1506 Leonardo da Vinci

Quem não conhece "La Gioconda" - obra-prima famosa Leonardo da Vinci?! O rosto de Gioconda é conhecido em todo o mundo; a sua imagem ainda é a imagem mais reproduzida. No entanto, apesar da sua popularidade e circulação, La Gioconda permanece um mistério para nós.

Esta imagem está envolta em mistério, e cada vez que olhamos para ela, experimentamos uma sensação incrível de descobrir algo novo, até então inexplorado - assim como redescobrimos uma paisagem bem conhecida do verão, vendo-a num outono imersa em uma misteriosa neblina nebulosa ...

Certa vez, Vasari afirmou que “Mona Lisa” (abreviação de “Madonna Lisa”) foi pintada pela terceira esposa de um homem rico florentino chamado Francesco di Bartolomee del Giocondo, daí o segundo nome da pintura, “La Gioconda”.

O “sfumato” típico do estilo de pintura de Leonardo da Vinci enfatiza aqui o poder misterioso da natureza, que uma pessoa só pode ver, mas não pode compreender com a mente.

Este conflito entre o visível e o existente dá origem a um vago sentimento de ansiedade, intensificado pelo desamparo perante a natureza e o tempo: a pessoa não sabe para onde ir, porque a sua vida - como aquela estrada sinuosa da paisagem sombria atrás da Mona Lisa - surge do nada e corre para lugar nenhum...

Leonardo preocupa-se com a questão do lugar do homem neste mundo, e parece que expressa uma das respostas possíveis no sorriso da incomparável Mona Lisa: este sorriso irónico é um sinal de plena consciência da curta duração da existência humana em terra e submissão à ordem eterna da natureza. Esta é a sabedoria de Gioconda.

Conforme observado Filósofo alemão Karl Jaspers (1883-1969), La Gioconda “alivia a tensão entre personalidade e natureza, e também confunde os limites entre a vida e a morte”.

Escrita na Itália, La Gioconda permaneceu para sempre na França - provavelmente como uma espécie de bônus pela hospitalidade demonstrada ao seu autor.

Leonardo da Vinci: Madonna Litta

Litta - Família aristocrática milanesa dos séculos XVII-XIX. A pintura esteve na coleção particular desta família durante vários séculos - daí o seu nome. O título original da pintura era “Madonna and Child”. A Madonna foi adquirida pelo Hermitage em 1864.
Acredita-se que a pintura tenha sido pintada em Milão, para onde o artista se mudou em 1482.
Seu surgimento marcou uma nova etapa na arte renascentista - o estabelecimento do estilo da Alta Renascença.
O desenho preparatório da pintura do Hermitage está guardado em Paris, no Louvre.

"Madona das Rochas" (1483-1486) Árvore transferida para óleo sobre tela. Louvre (Paris) 199x122 cm.

Madonna na Gruta

“Madonna na Gruta” é a primeira obra de Leonardo da Vinci que remonta ao período milanês de sua obra. Esta pintura foi originalmente destinada a adornar o altar da Capela da Confraria da Imaculada Conceição na Catedral de San Francesco Grande, em Milão, e é um excelente testemunho do domínio incomparável de Leonardo da Vinci na arte. modelagem de corte figuras e espaço.

Leonardo da Vinci: Dama com Arminho

Leonardo da Vinci:Madonna Benois

Leonardo da Vinci: Ginevra de' Benci

La Belle Ferroniere é o retrato de uma mulher no Louvre, que se acredita ser obra de Leonardo da Vinci ou de seus alunos.

“Madona do Cravo” é uma pintura que muitos historiadores da arte atribuem ao jovem Leonardo da Vinci. Presumivelmente, foi criado por Leonardo quando era seu aluno na oficina de Verrocchio. 1478-1480

Esta coleção contém o que há de mais pinturas famosas Rafael, dedicado à imagem da Mãe de Deus (Madonna).

Seguindo seu professorArtista Perugino Rafael Santos(1483-1520) criou uma extensa galeria de imagensMaria e criança , que são muito diversos técnicas composicionais e interpretações psicológicas.

As primeiras Madonas de Rafael seguem modelos conhecidosPintura da Úmbria Quatrocento . As imagens idílicas não são isentas de restrições, secura e hieraticidade. Interação de figuras em Madonnas Período florentino mais diretamente. Eles são caracterizados por complexos paisagem fundos. As experiências universais da maternidade vêm à tona - o sentimento de ansiedade e ao mesmo tempo de orgulho de Maria pelo destino de seu filho. Essa beleza da maternidade é a principal ênfase emocional nas Madonas feitas após a mudança da artista para Roma. O pico absoluto é considerado "Madona Sistina "(1514), onde o deleite triunfante e as notas de ansiedade desperta estão harmoniosamente entrelaçadas.

Madonna e Criança" (Madonna di Casa Santi) é o primeiro apelo de Rafael à imagem que se tornará a principal na obra do artista. A pintura data de 1498. O artista tinha apenas 15 anos na época da pintura. A pintura está agora no Museu Rafael Cidade italiana Urbino.

"Madonna Conestabile" foi pintada em 1504 e mais tarde recebeu o nome do proprietário da pintura, o Conde Conestabile. A pintura foi comprada Imperador Russo Alexandre II. Agora "Madonna Conestabile" está em l'Hermitage (São Petersburgo). "
Madonna Conestabile" é considerada último trabalho, criado por Rafael na Úmbria, antes de se mudar para Florença.

"Madonna e o Menino com os Santos Jerônimo e Francisco" (Madonna col Bambino tra i santi Girolamo e Francesco), 1499-1504. A pintura está agora na Galeria de Arte de Berlim.

"Pequena Madonna de Cowper" (Piccola Madonna Cowper) foi escrita em 1504-1505. A pintura recebeu o nome de seu proprietário, Lord Cowper. A pintura está agora em Washington (National Gallery of Art).

"Madonna Terranuova" foi escrita em 1504-1505. A pintura recebeu o nome de um dos proprietários - o duque italiano de Terranuva. A pintura está agora na Galeria de Arte de Berlim.

A pintura de Rafael "A Sagrada Família sob uma Palmeira" (Sacra Famiglia con palma) data de 1506. Como em última foto, representando a Virgem Maria, Jesus Cristo e São José (desta vez com uma barba tradicional). A pintura está na Galeria Nacional da Escócia, em Edimburgo.

"Madonna in Greenery" (Madonna del Belvedere) remonta a 1506. A pintura está agora em Viena (Kunsthistorisches Museum). Na pintura, a Virgem Maria segura o menino Cristo, que agarra a cruz de João Batista.

"Madonna Aldobrandini" data de 1510. A pintura leva o nome dos proprietários - a família Aldobrandini. A pintura está agora na Galeria Nacional de Londres.

"Madonna com Candelabros" (Madonna dei Candelabri) data de 1513-1514. A pintura retrata a Virgem Maria com o Menino Jesus rodeado por dois anjos. A pintura está em Museu de Arte Walters em Baltimore (EUA).

A Madonna Sistina é datada de 1513-1514. A pintura retrata a Virgem Maria com o menino Cristo nos braços. À esquerda da Mãe de Deus está o Papa Sisto II, à direita está Santa Bárbara. A Madona Sistina está na Galeria dos Velhos Mestres em Dresden (Alemanha).

"Madonna em uma poltrona" (Madonna della Seggiola) é datada de 1513-1514. A pintura retrata a Virgem Maria com o menino Cristo nos braços e João Batista. A pintura está na Galeria Palatina, em Florença.

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