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O Louvre armazena a maior parte obras famosas Leonardo da Vinci e, mais importante, o mais valioso.

Títulos com breve descrição

As seguintes obras estão expostas nos amplos salões da galeria:

• “Madona das Rochas;
• "Aviso";
• "Linda Ferronière"
• “João Batista”;
• "Baco";
• “Santa Ana com Nossa Senhora e o Menino Jesus”;
• "Mona Lisa".

“La Gioconda”, também conhecida como “Mona Lisa”, é uma das pinturas mais famosas e misteriosas do mundo. A mulher retratada ainda não foi identificada. A encantadora estranha na tela de 1503 sorri surpreendentemente e seus olhos parecem seguir o observador. Hoje o retrato está avaliado em US$ 50 bilhões.

A Madonna das Rochas de 1486 retrata Maria cercada por dois anjinhos, assim como o jovem João Batista. A garota colocou cuidadosamente mão direita em uma das crianças, segurando a esquerda sobre a outra. As crianças parecem estar brincando, John as observa com um leve sorriso e ternura. Penhascos escarpados são claramente visíveis ao fundo, conferindo à imagem uma certa ansiedade, contrastando com as imagens quentes.

O retrato feminino intitulado “Bela Ferroniere”, pintado em 1490-1495, convida a apreciar a beleza de uma jovem voltada para o espectador meio virada. Seu olhar é penetrante e severo, e seus lábios estão bem fechados. Essa frieza vai contra a aparência charmosa, que definitivamente dá ao trabalho um “sabor” próprio.

As obras “João Batista” 1514-1516 e “Baco” 1510-1515 foram copiadas do mesmo modelo, que foi aluno de da Vinci. Seu nome era Salai, ele passou cerca de 20 anos ao lado do mestre, e muitos historiadores ainda hoje discutem sobre a natureza da relação entre professor e aluno.

Acredita-se que ainda eram amantes - João e Baco são muito femininos, e paixão e mistério são lidos em seus olhares. Além disso, o espectador transmite quase fisicamente os sentimentos ternos e calorosos que o artista claramente sentia pelo modelo.

A pintura "Ana com a Madona e o Menino Jesus", considerada inacabada, foi iniciada em 1508. O gênio colocou Maria no colo de Ana, sua mãe, e praticamente sentou o menino Jesus nos braços de Nossa Senhora. A composição descreve o famoso ditado italiano “mise en abyme”, que significa “o efeito do útero”, quando a próxima geração se senta no útero que a criou.

"Aviso". Leonardo da Vinci pintou esta pintura em 1475. A parte do Evangelho que fala sobre o anúncio do futuro nascimento do Salvador foi escolhida como enredo.

"Mona Lisa" (La Gioconda) de Leonardo da Vinci ainda é uma das obras mais pinturas famosas Arte da Europa Ocidental.

Sua fama está associada tanto à alta mérito artístico, e com a atmosfera de mistério que envolve esta obra. Este mistério começou a ser atribuído à pintura não durante a vida do artista, mas nos séculos seguintes, alimentando o interesse por ela com relatos sensacionais e resultados de pesquisas sobre a pintura.
Acreditamos ser correcto fazer uma análise serena e equilibrada dos méritos desta pintura e da história da sua criação.
Primeiro, sobre a imagem em si.

Descrição da pintura

Leonardo da Vinci “Retrato de Madame Lisa Giocondo. Monalisa” (1503-1519). Tábua (choupo), óleo. 76x53 cm. Louvre (Paris)
A pintura retrata uma mulher (retrato de meio corpo). Ela está sentada em uma cadeira com as mãos entrelaçadas, uma mão apoiada no braço e a outra em cima. Ela se virou na cadeira quase para encarar o espectador.
Seu cabelo liso e repartido é visível através de um véu transparente colocado sobre ele. Eles caem sobre os ombros em dois fios finos e levemente ondulados. Vestido amarelo, capa verde escura...
Alguns pesquisadores (em particular, Boris Vipper - historiador de arte russo, letão, soviético, professor e figura de museu, um dos fundadores da escola nacional de historiadores da arte da Europa Ocidental) apontam que traços da moda do Quattrocento são perceptíveis em face de Mona Lisa: suas sobrancelhas estão raspadas e os cabelos no topo da testa.
Mona Lisa está sentada em uma cadeira em uma varanda ou loggia. Acredita-se que foto anterior poderia ser mais largo e acomodar duas colunas laterais da loggia. Talvez o próprio autor tenha restringido isso.
Atrás da Mona Lisa há uma área deserta com riachos sinuosos e um lago cercado montanhas nevadas; o terreno se estende em direção à linha do horizonte alto. Esta paisagem confere à própria imagem de uma mulher majestade e espiritualidade.
V. N. Grashchenkov, crítico de arte russo especializado em arte Renascença italiana, acreditava que Leonardo, inclusive graças à paisagem, conseguiu criar não um retrato de uma pessoa específica, mas uma imagem universal: "Neste imagem misteriosa ele criou algo mais do que imagem de retrato a desconhecida Mona Lisa florentina, terceira esposa de Francesco del Giocondo. A aparência e a estrutura mental de uma determinada pessoa são transmitidas por ela com uma síntese sem precedentes... “La Gioconda” não é um retrato. Este é um símbolo visível da própria vida do homem e da natureza, unidos em um todo e apresentados de forma abstrata a partir de sua forma concreta individual. Mas por trás do movimento quase imperceptível, que, como ondulações de luz, percorre a superfície imóvel deste mundo harmonioso, pode-se discernir toda a riqueza das possibilidades da existência física e espiritual.”

O famoso sorriso de Gioconda

O sorriso de Mona Lisa é considerado um dos mistérios mais importantes da pintura. Mas isso é realmente assim?

Sorriso de Mona Lisa (detalhe da pintura) de Leonardo da Vinci
Esse leve sorriso errante é encontrado em muitas obras do próprio mestre e entre os Leonardescos (artistas cujo estilo foi testado forte influência Os modos de Leonardo Período milanês que estavam entre seus alunos ou simplesmente adotaram seu estilo). Claro, na Mona Lisa ela alcançou a perfeição.
Vejamos algumas fotos.

F. Melzi (aluno de Leonardo da Vinci) “Flora”
O mesmo leve sorriso errante.

Pintura " Sagrada família" Anteriormente era atribuído a Leonardo, mas agora até o Hermitage reconheceu que é obra de seu aluno Cesare da Sesto
O mesmo leve sorriso errante no rosto da Virgem Maria.

Leonardo da Vinci "João Batista" (1513-1516). Louvre (Paris)

O sorriso de João Batista também é considerado misterioso: por que esse severo Precursor sorri e aponta para cima?

Quem foi o protótipo de La Gioconda?

Há informações do autor anônimo da primeira biografia de Leonardo da Vinci, à qual Vasari se refere. É este autor anônimo que escreve sobre o comerciante de seda Francesco Giocondo, que encomendou ao artista um retrato de sua terceira esposa.
Mas foram tantas as opiniões quanto à identificação do modelo! Houve muitas suposições: este é um autorretrato do próprio Leonardo, um retrato da mãe do artista, Katerina, chamado nomes diferentes contemporâneos e contemporâneas do artista...
Mas em 2005, cientistas da Universidade de Heidelberg, estudando notas nas margens do livro de um oficial florentino, encontraram uma nota: “...da Vinci está agora a trabalhar em três pinturas, uma das quais é um retrato de Lisa Gherardini”. A esposa do comerciante florentino Francesco del Giocondo era Lisa Gherardini. A pintura foi encomendada por Leonardo para a nova casa da jovem família e para comemorar o nascimento do segundo filho. Este mistério está quase resolvido.

A história da pintura e suas aventuras

O título completo da pintura é “ Ritrato de Monna Lisa do Giocondo"(Italiano) - "Retrato da Sra. Lisa Giocondo." Em italiano minha dona Significa " minha senhora", em versão abreviada esta expressão foi transformada em monna ou Mona.
Esta pintura ocupou lugar especial nas obras de Leonardo da Vinci. Depois de passar 4 anos nisso e deixar a Itália na idade adulta, o artista levou-o consigo para a França. É possível que ele não tenha terminado a pintura em Florença, mas a tenha levado consigo quando partiu em 1516. Nesse caso, ele a completou pouco antes de sua morte em 1519.
A pintura passou então a ser propriedade de seu aluno e assistente Salai.

Salai no desenho de Leonardo
Salai (falecido em 1525) deixou a pintura para suas irmãs que moravam em Milão. Não se sabe como o retrato voltou de Milão para a França. O rei Francisco I comprou a pintura dos herdeiros de Salai e guardou-a no seu castelo de Fontainebleau, onde permaneceu até a época de Luís XIV. Ele a transportou para o Palácio de Versalhes, depois Revolução Francesa em 1793 a pintura foi parar no Louvre. Napoleão admirou La Gioconda em seu quarto no Palácio das Tulherias, e depois ela voltou ao museu.
Durante a Segunda Guerra Mundial, a pintura foi transportada do Louvre para o Castelo de Amboise (onde Leonardo morreu e foi sepultado), depois para a Abadia de Loc-Dieu e depois para o Museu Ingres em Montauban. Após o fim da guerra, La Gioconda voltou ao seu lugar.
No século 20 a pintura permaneceu no Louvre. Somente em 1963 ela visitou os EUA e em 1974 – no Japão. No caminho do Japão para a França, La Gioconda foi exposta no Museu. A. S. Pushkin em Moscou. Essas viagens aumentaram seu sucesso e fama.
Desde 2005, está localizado em uma sala separada no Louvre.

"Mona Lisa" atrás de um vidro à prova de balas no Louvre
Em 21 de agosto de 1911, o quadro foi roubado por um funcionário do Louvre, o italiano Vincenzo Perugia. Talvez Perugia quisesse devolver La Gioconda à sua pátria histórica. A pintura foi encontrada apenas dois anos depois na Itália. Ela foi exposta em vários Cidades italianas e depois voltou para Paris.
“La Gioconda” também sofreu atos de vandalismo: derramaram-lhe ácido (1956), atiraram-lhe uma pedra e depois esconderam-no atrás de um vidro à prova de balas (1956), bem como um copo de barro (2009), tentaram borrife tinta vermelha na pintura de uma lata (1974).
Os alunos e seguidores de Leonardo criaram inúmeras réplicas da Mona Lisa e artistas de vanguarda do século XX. começou a explorar impiedosamente a imagem da Mona Lisa. Mas essa é uma história completamente diferente.
"La Gioconda" é um dos melhores exemplos gênero retrato Alta Renascença italiana.

Há 220 anos, em 10 de agosto de 1793, o Louvre foi aberto à visitação. O próprio edifício sofreu muitas transformações ao longo de quase dez séculos, desde uma fortaleza escura do século XII até ao palácio do Rei Sol e ao mais popular e museu famoso paz. O Louvre de hoje tem várias centenas de milhares de exposições, quatro andares com exposições com uma área total de 60.600 metros quadrados (o Hermitage - 62.324 m2). Para efeito de comparação: são quase duas Praças Vermelhas e meia (23.100 m²) e mais de oito campos de futebol do Estádio Luzhniki (área do campo - 7.140 m²).

“Há algo para ver no Louvre”, todo mundo sabe disso. E, talvez, quase todos nomeiem as principais exposições do museu: “Mona Lisa” de Leonardo da Vinci, Nike de Samotrácia e Vênus de Milo, a estela com as leis de Hamurappi, etc., etc. dados oficiais, o museu foi visitado por mais de nove milhões e meio de pessoas, há lendas sobre as multidões que cercam a Mona Lisa, bem como sobre os batedores de carteira no Louvre, e os sites de viagens aconselham a preparação para a sua visita quase como uma caminhada: leve comida com você, escolha roupas e sapatos confortáveis.

Abandonando a abordagem formal, o projeto Weekend selecionou dez exposições do Louvre, não menos famosas e belas que as listadas acima, que poderiam facilmente passar despercebidas por não o turista mais atento ou conhecedor.

Demônio mitológico ("Marcado").
Báctria.
Final do 2º - início do 3º milênio AC.

Ala Richelieu, rés-do-chão (-1). Arte do Antigo Oriente (Irã e Báctria). Salão nº 9.

Os artefatos antigos tradicionalmente atraem menos atenção do que as criações de grandes artistas e escultores. Olhar para muitas pequenas exposições, e muitas vezes até fragmentos de alguma coisa, é considerado o destino dos “fãs”. E nas vitrines da ala Richelieu com área de 22 mil metros quadrados é simplesmente impossível notar uma pequena estatueta. , com pouco menos de 12 centímetros de altura, enquanto corre Este “homem de ferro” vem da Báctria e tem mais de 5 mil anos (datado do final do 2º - início do 3º milênio aC). Gregos após as campanhas agressivas de Alexandre o Grande na região do norte do Afeganistão no final do 3º - início do 4º milênio aC. Até o momento, apenas quatro dessas estatuetas completamente preservadas foram encontradas, uma delas foi adquirida por. o Louvre em 1961. Acredita-se que tenham sido encontrados no Irã, perto da cidade de Shiraz. Não se sabe ao certo quem a escultura retrata; uma longa cicatriz. Segundo os pesquisadores, a cicatriz simbolizava algum tipo de ação ritual e destrutiva. O torso, coberto por uma tanga curta, é coberto por escamas de cobra e enfatiza o caráter de cobra do personagem. Isso sugere que foi assim que o demônio dragão antropomórfico, adorado na Ásia, foi retratado. Quem são esses “marcados”, só podemos adivinhar, aparentemente eles personificavam espíritos, talvez bons, talvez maus.

Colchão Hermafrodita

Hermafrodita adormecido.
Cópia romana do original do século II dC. e. (colchão acrescentado por Bernini no século XVII)

Ala Sully, térreo (1). Salão nº 17 Salão das Cariátides.

Se você definitivamente não vai perder a Vênus de Milo localizada no mesmo salão; a multidão de turistas ao seu redor é um bom ponto de referência, então você pode facilmente perder o “Hermafrodita Adormecido” localizado nas proximidades se você pegar o caminho errado. Segundo a lenda, o filho de Hermes e Afrodite era um jovem muito bonito, e a ninfa Salmacis, apaixonada por ele, pediu aos deuses que os unissem em um único corpo. Esta escultura, considerada uma cópia romana de um original grego do século II dC. e., chegou ao museu no início do século XIX vindo do acervo da família Borghese. Em 1807, Napoleão pediu ao príncipe Camillo Borghese, seu genro, que vendesse alguns itens da coleção. Por razões óbvias, era impossível recusar a oferta do imperador. O colchão e o travesseiro de mármore sobre os quais Hermafrodita se reclina foram acrescentados em 1620 por Gian Lorenzo Bernini, um escultor barroco cujo patrono foi o Cardeal Borghese. No entanto, este detalhe enfatiza antes o lado anedótico da composição, o que dificilmente era a intenção do autor grego. Há também uma crença associada à escultura, da qual às vezes falam os guias do museu: supostamente, os homens que tocam uma pessoa adormecida aumentam a sua virilidade.

"Bacia" de São Luís

Cálice - “Fonte de São Luís”. (na foto um fragmento é um dos medalhões)
Síria ou Egito, por volta de 1320-1340.

O Batistério (ou pia batismal) de São Luís está listado entre as exposições mais importantes do térreo, mas poucas pessoas têm forças para descer até aqui depois de visitar os principais atrativos do museu. Feita em latão e decorada com prata e ouro, a tigela é considerada uma obra-prima da época mameluca; anteriormente pertencia ao tesouro da capela de Sainte-Chapelle e, em 1832, passou a fazer parte do acervo do museu. Esta grande bacia fazia parte da coleção real francesa e o brasão da França pode ser visto em seu interior. Na verdade, serviu de fonte batismal para Luís XIII e filho de Napoleão III, mas não para São Luís IX, apesar do nome que estava “colado” nela. Este item foi criado muito mais tarde: data de 1320-1340, e Luís IX morreu em 1270.

Shah Abbas e sua página

Muhammad Kazim.
Retrato do Xá Abbas I e seu pajem (Xá Abbas abraçando um pajem).
Irã, Isfahan, 12 de março de 1627

Ala Denon, piso térreo. Salão de Arte Islâmica.

Na mesma sala, vale a pena prestar atenção a um desenho bastante conhecido que retrata o Xá Abbas e seu pajem, que mais parece uma menina. Abbas I (1587-1629) é o representante mais significativo da dinastia Safivid, considerada a fundadora do Irã moderno. Durante seu reinado artes plásticas atinge o pico de seu desenvolvimento, as imagens tornam-se mais realistas e dinâmicas. Neste desenho, o Xá Abbas é retratado usando um chapéu cônico de abas largas, que ele introduziu na moda, ao lado de um jovem pajem que lhe entrega uma taça de vinho. Sob a copa da árvore, à direita, está o nome do artista - Muhammad Kazim (um dos os mestres mais famosos daquela época e, aparentemente, o artista da corte de Abbas) - e um pequeno poema: “Que a vida lhe dê o que você deseja de três lábios: seu amante, o rio e a taça”. Em primeiro plano está um riacho cuja água já foi prateada. O poema também pode ser interpretado simbolicamente; na tradição persa havia muitos poemas dirigidos ao copeiro. O desenho foi adquirido pelo museu em 1975.

Retrato do Bom Rei

Artista desconhecido da escola parisiense.
Retrato de João II, o Bom, Rei da França.
Por volta de 1350

Ala Richelieu, segundo andar. Pintura francesa. Salão nº 1.

Esta foto artista desconhecido meados do século XIV é considerado o retrato individual mais antigo de Arte europeia. Os primeiros mestres da pintura francesa começaram a ser estudados há relativamente pouco tempo, na segunda metade do século XIX, e a maior parte das suas obras foram perdidas durante guerras e revoluções. O reinado de João, o Bom, ocorrido durante a Guerra dos Cem Anos, não foi fácil: derrotado pelos britânicos na Batalha de Poitiers, foi capturado e preso em Londres, onde assinou um acordo de abdicação. Segundo a lenda, o retrato foi pintado na Torre de Londres e a autoria é atribuída a Girard d'Orléans. Fato interessante: Ele se tornou o último monarca francês a levar o nome de John.

Madonna no "corredor"

Leonardo da Vinci.
Madonna das Rochas.
1483-1486.

Ala Denon, Grande Galeria, primeiro andar. Pintura italiana. Salão nº 5.

A grande galeria da ala Denon, além da famosa cena do filme "Band of Outsiders" de Jean-Luc Godard com os heróis correndo pelo Louvre, é famosa por passar "despercebida" pela bela Madonna de Leonardo e muitos outras obras de pintores italianos, incluindo Caravaggio. “Despercebida por ninguém”, isto, claro, é dito em voz alta, a mesma “Madona das Rochas” é uma das pinturas mais famosas do mundo, e, no entanto, tendo iniciado a sua corrida com a meta na “Mona Lisa”, os turistas, infelizmente, muitas vezes passam por esta obra maravilhosa, que vale a pena ficar em pé por mais alguns minutos. Existem duas versões desta pintura. O que está no Louvre foi pintado entre 1483-86, e a primeira menção dele (no inventário da coleção real francesa) data de 1627. A segunda, que pertence ao London Galeria Nacional, foi escrito mais tarde em 1508. A pintura era a parte central de um tríptico destinado à igreja milanesa de San Francesco Grande, mas nunca foi entregue ao cliente, para quem o artista pintou uma segunda versão londrina. A cena, cheia de ternura e paz, contrasta com a estranha paisagem de rochas íngremes; a geometria da composição, os meios-tons suaves, assim como a famosa “névoa” do sfumato criam uma profundidade incomum no espaço desta imagem. Pois bem, não podemos deixar de mencionar outra “versão” do conteúdo desta imagem, que há vários anos atormentou a mente dos fãs de Dan Brown, que virou o conteúdo da imagem de cabeça para baixo.

Procurando por pulgas

Giuseppe Maria Crespi.
Mulher à procura de pulgas.
Por volta de 1720-1725

Ala Denon, primeiro andar. Pintura italiana. Salão nº 19 (salas no final da Grande Galeria).

A pintura do bolonhês Giuseppe Maria Crespi é uma das recentes aquisições do museu, recebida como presente da Sociedade dos Amigos do Louvre. Crespi era um grande fã Pintura holandesa e cenas de gênero em particular. Existindo em diversas versões, "Mulher à procura de pulgas" aparentemente fazia parte de uma série de pinturas (hoje perdidas) que contavam a história da vida de uma cantora desde o início de sua carreira até últimos anos quando ela se tornou devota. Tais obras não são de forma alguma centrais para o trabalho do artista, mas fornecem para o homem moderno uma representação vívida da realidade daquela época, quando nem uma única pessoa decente poderia viver sem uma armadilha para pulgas.

Aleijados, não se desesperem

Pieter Bruegel, o Velho.
Aleijados.
1568

Ala Richelieu, segundo andar. Pintura da Holanda. Salão nº 12.

Esta pequena obra do velho Bruegel (apenas 18,5 por 21,5 cm) é a única em todo o Louvre. É fácil não perceber, e não só pelo tamanho, o efeito de reconhecimento - “se tem muita gente pequena na foto, então é o Bruegel” - pode não funcionar aqui de imediato. A obra foi doada ao museu em 1892, e nessa época nasceram muitas interpretações do enredo da pintura. Alguns viram-no como uma reflexão sobre a fraqueza inata da natureza humana, outros como uma sátira social (os toucados carnavalescos dos personagens podem simbolizar o rei, o bispo, o burguês, o soldado e o camponês), ou como uma crítica às políticas seguidas na Flandres por Filipe II. . Porém, ninguém ainda se comprometeu a explicar o personagem com uma tigela nas mãos (ao fundo), bem como as caudas de raposa nas roupas dos personagens, embora alguns vejam aqui uma alusão ao festival anual dos mendigos, Koppermaandag. Para aumentar o mistério da imagem está a inscrição no verso, que os espectadores não veem: “Aleijados, não se desesperem, e seus negócios podem prosperar”.

Um dos mais pinturas famosas Não é que não conheçam Hieronymus Bosch de vista. Talvez a sua localização não seja favorável à obra aqui: não muito longe da entrada de um pequeno salão, e mesmo com vizinhos como “Autorretrato” de Albrecht Dürer e “Madonna do Chanceler Rolin” de van Eyck, e não é longe das irmãs d'Estrai, composição incomum este trabalho do desconhecido Artista francês- senhoras nuas sentadas na banheira, uma das quais belisca o mamilo da outra - fizeram da pintura uma exposição não menos popular do que a própria La Gioconda. Mas voltando a Bosch, quem olha em volta com atenção nunca sentirá sua falta. “Navio dos Tolos” faz parte de um tríptico não sobrevivente, cujo fragmento inferior é agora considerado “Alegoria da Gula e da Voluptuosidade” de Galeria de arte Universidade de Yale. Supõe-se que “Ship of Fools” seja a primeira das composições do artista sobre o tema dos males da sociedade. Bosch compara a sociedade corrupta e o clero a loucos que estão amontoados num barco incontrolável e correm para a sua destruição. A pintura foi doada ao Louvre pelo compositor e crítico de arte Camille Benois em 1918.

Imperdível para uma visita ao Louvre são duas “pérolas holandesas de sua coleção” - as pinturas de Johannes Vermeer “A Rendeira” e “O Astrônomo”. Mas o seu antecessor, Pieter de Hooch, cujo “Bebedor” está pendurado na mesma sala, muitas vezes escapa à atenção do turista médio. E, no entanto, vale a pena prestar atenção a este trabalho, e não apenas pela perspectiva cuidadosa e pela composição viva, o artista conseguiu transmitir os matizes sutis das relações entre os personagens da imagem. A cada participante desta cena galante é atribuído um papel específico: o soldado serve uma bebida a uma jovem que já não está sóbria, o seu camarada sentado à janela é um simples observador, mas a segunda mulher é claramente um cafetão que parece ser negociando neste momento. O significado da cena também é sugerido pela imagem ao fundo representando Cristo e um pecador.

Preparado por Natalia Popova

Os números dos andares são fornecidos na tradição europeia, ou seja, o térreo é o primeiro russo.

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Estar em Paris e não visitar o Louvre é simplesmente um crime. Qualquer turista lhe dirá isso. Mas se você não se preparou com antecedência, corre o risco de se perder na multidão de pessoas com câmeras, tablets e smartphones e perder o que há de mais importante pelo qual o mundo inteiro corre para o maior museu parisiense.

O Louvre é enorme e lindo. Você não poderá desfrutar de todas as suas exposições nem em um dia - são mais de 300.000. Para não sofrer um choque estético com a supersaturação de beleza, é preciso fazer uma escolha. site Eu decidi tornar isso mais fácil para você.

Então, por que ir ao Louvre? Em primeiro lugar, claro, para o La Gioconda.

"Mona Lisa" de Leonardo da Vinci

"La Gioconda" de Leonardo da Vinci - exposição principal Louvre. Todas as placas do museu levam a esta pintura. Um grande número de pessoas vem ao Louvre todos os dias para ver com seus próprios olhos o sorriso encantador da Mona Lisa. Você não pode vê-lo em nenhum lugar, exceto no Louvre. Devido ao mau estado da pintura, a direção do museu anunciou que ela não seria mais destinada a exposições.

A Mona Lisa poderia não ter sido tão popular e mundialmente famosa se não tivesse sido roubada por um funcionário do Louvre em 1911. A pintura foi encontrada apenas 2 anos depois, quando um ladrão tentou vendê-la na Itália. Durante todo esse tempo, enquanto a investigação prosseguia, a “Mona Lisa” não saiu das capas de jornais e revistas de todo o mundo, tornando-se objeto de cópia e adoração.

Hoje, a Mona Lisa está escondida atrás de um vidro à prova de balas, com barreiras que impedem a multidão de turistas. Interesse por um dos mais famosos e obras misteriosas a pintura do mundo não desaparece.

Vênus de Milo

A segunda estrela do Louvre é a estátua de mármore branco da deusa do amor, Afrodite. O famoso antigo ideal de beleza, criado 120 anos AC. e. A altura da deusa é 164 cm, as proporções são 86×69×93.

Segundo uma versão, as mãos da deusa foram perdidas durante um conflito entre os franceses, que queriam levá-la para o seu país, e os turcos, donos da ilha onde ela foi descoberta. Especialistas afirmam que as mãos da estátua foram quebradas muito antes de sua descoberta. No entanto, os residentes locais das ilhas do Egeu acreditam em outra bela lenda.

Um escultor famoso Procurava um modelo para criar uma estátua da deusa Vênus. Ele ouviu um boato sobre uma mulher de extraordinária beleza da ilha de Milos. A artista correu até lá, encontrou a beldade e se apaixonou perdidamente por ela. Tendo recebido consentimento, ele começou a trabalhar. No dia em que a obra-prima estava quase pronta, sem conseguir mais conter a paixão, o escultor e a modelo atiraram-se nos braços um do outro. A garota pressionou o escultor contra o peito com tanta força que ele sufocou e morreu. Mas a escultura ficou sem as duas mãos.

"A Jangada da Medusa" Theodore Gericault

Hoje, a pintura de Theodore Gericault é uma das pérolas do museu. Embora após a morte do artista em 1824, os representantes do Louvre não estivessem dispostos a pagar uma quantia decente por isso e compraram a pintura em leilão amigo próximo artista.

Durante a vida do autor, a tela causou indignação e indignação: como ousa o artista usar um formato tão grande não para a trama heróica ou religiosa que era aceita naquela época, mas para retratar um acontecimento real.

O enredo do filme é baseado em um incidente ocorrido em 2 de julho de 1816 na costa do Senegal. A fragata Medusa caiu e 140 pessoas tentaram escapar em uma jangada. Apenas 15 deles sobreviveram e 12 dias depois foram recolhidos pelo brigue Argus. Os detalhes da viagem dos sobreviventes - assassinatos, canibalismo - chocaram a sociedade e viraram escândalo.

Géricault combinou esperança e desespero, os vivos e os mortos, num só quadro. Antes de retratar este último, o artista fez numerosos esboços de moribundos em hospitais e cadáveres de executados. “A Jangada da Medusa” foi a última obra concluída de Géricault.

Nike da Samotrácia

Outro orgulho do museu é a escultura em mármore da deusa da vitória. Os pesquisadores acreditam que escultor desconhecido criou a Nike no século 2 aC como um sinal das vitórias navais gregas.

A escultura está sem cabeça e braços, e a ala direita é uma reconstrução, uma cópia em gesso da asa esquerda. Eles tentaram repetidamente restaurar as mãos da estátua, mas sem sucesso - todos estragaram a obra-prima. A estátua estava perdendo a sensação de vôo e rapidez, uma corrida imparável para frente.

Inicialmente, Nike ficava em um penhasco íngreme acima do mar, e seu pedestal representava a proa de um navio de guerra. Hoje a estátua está localizada no segundo andar do Louvre, na escadaria Daru da galeria Denon, e é visível de longe.

"A Coroação de Napoleão" Jacques Louis David

Os conhecedores de arte vão ao Louvre para ver pessoalmente as pinturas monumentais do artista francês Jacques Louis David “O Juramento dos Horácios”, “A Morte de Marat” e a grandiosa tela que representa a coroação de Napoleão.

O título completo da pintura é “Dedicação do Imperador Napoleão I e Coroação da Imperatriz Josefina na Catedral de Notre Dame, 2 de dezembro de 1804”. David escolheu o momento em que Napoleão coroa Josefina e o Papa Pio VII lhe dá a sua bênção.

A pintura foi criada por ordem do próprio Napoleão I, que queria que tudo ficasse melhor do que realmente era. Portanto, ele pediu a David que retratasse sua mãe, que não estava na coroação, bem no centro da imagem, para ficar um pouco mais alto, e Josephine um pouco mais jovem.

"Cupido e Psique", de Antonio Canova

Existem duas versões da escultura. O Louvre abriga a primeira versão, doada ao museu em 1800 pelo marido da irmã de Napoleão, Joachim Murat. A segunda versão, posterior, está no Hermitage em São Petersburgo. Foi apresentado ao museu pelo Príncipe Yusupov, que adquiriu a obra-prima em Roma em 1796.

A escultura retrata o deus Cupido no momento em que Psique desperta do beijo. No catálogo do Louvre, o grupo escultórico se chama “Psique despertada pelo beijo do Cupido”. A criação da obra-prima do escultor italiano Antonio Canova foi inspirada nos antigos mitos gregos sobre o deus do amor Cupido e Psique, que os gregos consideravam a personificação da alma humana.

"Escravos" de Michelangelo

O Louvre possui uma das coleções de antiguidades egípcias mais ricas do mundo. Uma obra-prima da cultura egípcia antiga que você definitivamente deve ver com seus próprios olhos é a estátua do famoso Faraó Ramsés II.

Uma vez no salão de antiguidades egípcias, não perca a estátua de um escriba sentado com uma expressão surpreendentemente viva no rosto.

"A Rendeira" de Johannes Vermeer

As pinturas de Vermeer são interessantes porque nelas os pesquisadores descobrem que grandes artistas, a partir do Renascimento, usaram a ótica para pintar suas pinturas realistas. Em particular, ao criar The Lacemaker, Vermeer supostamente usou uma câmera obscura. Na foto você pode ver diversos efeitos ópticos usados ​​​​na fotografia, por exemplo: um primeiro plano desfocado.

No Louvre você também pode ver a pintura "O Astrônomo" de Vermeer. Retrata o amigo do artista e administrador póstumo, Antonie van Leeuwenhoek, um cientista e microbiologista, um mestre único que criou seus próprios microscópios e lentes. Aparentemente, ele forneceu ótica a Vermeer, com a qual o artista pintou suas obras-primas.