Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

termino (Pranses renaissance - "muling pagsilang").

Art Renaissance ng Pransya ay may makabuluhang mga tampok na naiiba ito mula sakatuladuso sa sining ng ibang mga bansa, pangunahinItalya. Ang mga aktibidad ng mga artistang Pranses ay malapit na nauugnay hindi sa mga mithiin ng kalayaan ng mga republika ng lungsod, ngunit sa mga interes ng korte ng hari atKatolikomga simbahan.

Ang susunod na tampok ay iyon Renaissance ng Pransya nabuo sa huli kaysa sa mga uso ng Renaissance noongang Netherlandsat Italya at samakatuwid ay higit sa lahat ay pangalawang kalikasan. Ang mga ideya ng Renaissance ay lumago sa medieval na France, ngunit bagong masiningmga formdinala sa France ng mga Italian masters.

Italyanomga artistaumasa saantigotradisyon ng kanilang tinubuang-bayan, para sa mga Pranses pambansang tradisyon - gothicsining. At bagaman ang mga sinaunang taomga Romanokaliwa sa teritoryo ng France, lalo na sa timog - saArle, Marseille, Nimes, Exe, Avignon, malaking halagaarkitekturamga monumento na naging batayan para sa pag-unlad ng medyebal romanesque na sining , ang mga klasikong anyo ay nanatiling dayuhan sa mga Pranses.

Samakatuwid sa sining French Renaissance XV-XVI siglo. at kahit na sa paglaon ay napanatili ang mga tradisyon ng Gothic. Bukod dito, sa arkitektura Renaissance ng Pransya komposisyonmga gusali, atpagpaplanoang mga solusyon ay nanatiling tradisyonal na medieval, at ang istilo ng Renaissance ay tila nakapatong sa ibabaw ng mga dingdingpalamuti. Sa parehong paraan, hiwalay "Mga Italyano" ipinahayag ang sarili sa disenyopanloob.

Sa ilalim ng mga haring Pranses na si Charles VII ( 1422-1461 ) at Charles VIII ( 1483-1498 ) mababaw ang impluwensya ng sining ng Italyano. Kailan direkta at aktibong nagtrabaho ang mga Italian masters sa French court ( gitna at ikalawang kalahati ng ika-16 na siglo.), sa Italya ay nagkaroon ng pagbaba sa artistikong aktibidad at mithiin Mataas na Renaissance nagbigay daan sa siningMannerism. Samakatuwid, ito ay ang mannerist na istilo, na pinagsama sa mga lokal na tradisyon ng Gothic, na tumutukoy sa katangian "Estilo ng paaralan ng Fontainebleau", o " gawaing Pranses" (Italyano Opera France).

Kasama ang Renaissance ng Pransya may espesyal "joie de vivre" (Pranses, "kagalakan ng buhay") - isang expression na kadalasang ginagamit upang tukuyin ang isang katangian ng Gallic na saloobin, moods ng courtliness atkabalyerotradisyon ng huling panahon ng Gothic.

Noong 1542, isang treatise sa sinaunang RomanoarkitektoVitruvius . Noong 1541-1543 sa paglilingkod ni Haring Francis I ay ang Italyano na arkitekto na si G. Vignola, ang may-akda ng treatise " Panuntunan ng limang mga order ng arkitektura" (1562 ). Mula noong 1541, sa paanyaya ni Haring Francis IFontainebleauAng arkitekto ng Italya na si Sebastiano Serlio ( 1475-1554 ), sa kanyang tinubuang-bayan, na nagtayo"estilo sa kanayunan". Sa Paris naglathala siya ng dalawang libro sa geometry atpananaw (1545 ), mga treatise " Tungkol sa mga templo" (1577), "Tungkol sa mga portal" (1551). Noong 1559 J.-A. Si Ducersault the First, na nag-aral ng mga treatise ni Serlio, ay naglathala ng kanyang sariling " Isang libro tungkol sa arkitektura".

Medievalmga kandadosa tabi ng ilog Loire "nakasuot ng Renaissance costume". Renaissance sa mood, ngunit Gothic sa anyo ay Pransesmga hotel, mga sikat na gusali ng ospital saBonnet (1443-1448 ) at ang bahay ng bangkero na si J. Coeur saBourget (1445-1451 ). Arkitekto P. Lescot at iskultor na si J. Goujon noong 1546-1555. nagtayo ng bago, Renaissance western façade ng Louvre sa Paris.

Ang gawa ni Jean Goujon ( 1510-1570 ) ay kumakatawan matingkad na sagisag diwa ng unang panahon. sikat" Nimfa ng Fontainebleau", ang paglikha ng Italian B. Cellini ( ngayon sa Louvre), pinalamutian ang harapan ng kastilyo sa Anet, na itinayo ni Philibert Delorme para kay Diane de Poitiers noong 1548 ( facade na muling nilikha sa courtyard ng School of Fine Arts sa Paris).

Ang gawa ng iba pang mga artist ay nagpapakita ng isang pangako sa Gothic mistisismo at, bypassing Renaissance Classicism, nagiging malungkot na katangian ng kadakilaan ng Katolikong Baroque. Ito ang mga gawa ni Ligier Richier ( OK. 1500 - tinatayang. 1567) at Germain Pilon ( 1535-1590 ).

Sa lapida nina Henry II at Catherine de' Medici sa Abbey Church of Saint-Denis ( 1563-1570 ) ang bahaging arkitektura ay ginawa ng Italian F. Primaticcio, at sa mga eskultura ni Pilon ay madarama ng isa ang pagsasanib ng tradisyong Gothic sa Mannerism ng mga Italyano ng paaralang Fontainebleau at maging ang hindi direktang impluwensya ng makinang na si Michelangelo.

Sa parehong oras sikat na grupo J. Pilona "Tatlong Biyaya", nilikha bilang pedestal para sa " urns ng puso ni Henry II» ( ngayon sa Louvre sa Paris), ay nakikilala sa pamamagitan ng liwanag nito at halos sinaunang biyaya. Ang pangkat na ito na may katangiang pamamaraan " masikip na tela" (Pranses draperie mouillée - "wet folds") nagdulot ng maraming replika at imitasyon, bagama't ito mismo ay bumalik sa mga sinaunang prototype.

Ang mga tagapagtatag ng PransesportraitAng mga pintura ay sina Jean at Francois Clouet, Corneille de Lyon, Jean Cousin the Elder. Ang French pictorial portraiture ay binuo sa ilalimFlemishimpluwensya.

Isang natatanging master - pintor, arkitekto, iskultor, manunulat at matematiko, karaniwan sa Renaissance malikhaing personalidad Ipinakita ni Jean Perreal ang kanyang sarili, o " Jean ng Paris" (c. 1455-1530). Ginugol niya ang mga huling taon ng kanyang buhay saLyonat naging pinuno ng lokal na siningmga paaralan .

Ang sikat na pintor na si Jean Fouquet ( 1420-1481 ), court master ni Charles VII, ang una sa mga French artist na bumisita noong 1445-1447. Italya. Pagkatapos nito ay nagtrabaho siya saToure

Kahit noong Daang Taon na Digmaan, nagsimula ang proseso ng pagbuo ng bansang Pranses at ang paglitaw ng pambansang estado ng Pransya. Ang pampulitikang pag-iisa ng bansa ay natapos pangunahin sa ilalim ni Louis XI. Sa kalagitnaan ng ika-15 siglo. Kasama rin dito ang simula ng French Renaissance, na sa mga unang yugto nito ay malapit pa ring nauugnay sa Gothic art. Ang mga kampanya ng mga haring Pranses sa Italya ay nagpakilala sa mga artistang Pranses sa sining ng Italyano, at mula sa pagtatapos ng ika-15 siglo. isang mapagpasyang pahinga sa tradisyon ng Gothic ay nagsisimula, ang sining ng Italyano ay muling pinag-isipan na may kaugnayan sa sarili nitong mga pambansang gawain. Ang French Renaissance ay may katangian ng kultura ng korte. (Ang katutubong karakter ay pinaka-napakita sa French Renaissance literature, lalo na sa gawa ni François Rabelais, kasama ang kanyang full-blooded imagery, tipikal na Gallic wit at cheerfulness.)

Tulad ng sa sining ng Dutch, ang mga makatotohanang tendensya ay naobserbahan pangunahin sa maliit na larawan ng parehong teolohiko at sekular na mga aklat. Una pangunahing artista French Renaissance-Jean Fouquet (c. 1420-1481), pintor ng korte nina Charles VII at Louis XI. Parehong sa mga portrait (portrait ni Charles VII, circa 1445) at sa mga relihiyosong komposisyon (diptych mula sa Melun), ang maingat na pagsulat ay pinagsama sa monumentalidad sa interpretasyon ng imahe. Ang monumentalidad na ito ay nilikha sa pamamagitan ng paghabol sa mga anyo, ang pagsasara at integridad ng silweta, ang static na katangian ng pose, at ang laconicism ng kulay. Sa katunayan, ang Madonna ng Melun diptych ay ipininta sa dalawang kulay lamang - maliwanag na pula at asul (ang modelo para sa kanya ay ang minamahal ni Charles VII - isang katotohanang imposible sa sining ng medieval). Ang parehong komposisyon na kalinawan at katumpakan ng pagguhit, sonority ng kulay ay katangian ng maraming mga miniature ni Fouquet (Boccaccio. "Buhay J. Fouquet. Larawan ni Charles VII. Fragment, mga kilalang lalaki At kababaihan", Paris, Louvre circa 1458). Ang mga gilid ng mga manuskrito ay puno ng mga larawan ng kontemporaryong karamihan ng tao ni Fouquet at mga tanawin ng kanyang katutubong Touraine.

J. Fouquet. Larawan ni Charles VII. Fragment. Paris, Louvre

Ang mga unang yugto ng Renaissance plastic art ay nauugnay din sa tinubuang-bayan ng Fouquet, ang lungsod ng Tours. Lumilitaw ang mga motif ng Antique at Renaissance sa mga relief ni Michel Colombe (1430/31-1512). Ang kanyang mga lapida ay nakikilala sa pamamagitan ng isang matalinong pagtanggap ng kamatayan, na naaayon sa mood ng archaic at klasikal na sinaunang steles (ang libingan ni Duke Francis II ng Brittany at ng kanyang asawang si Marguerite de Foix, 1502-1507, Nantes, katedral).

SA maagang XVI siglo, ang France ang pinakamalaking absolutistang estado sa Kanlurang Europa. Ang patyo ay nagiging sentro ng kultura, lalo na sa ilalim ni Francis I, isang eksperto sa sining at patron ni Leonardo. Inanyayahan ng kapatid ng hari na si Margaret ng Navarre, ang mga Italyano na mannerist na sina Rosso at Primaticcio ang naging tagapagtatag ng paaralang Fontainebleau (“Fontainebleau ang bagong Roma,” isusulat ni Vasari). Ang kastilyo sa Fontainebleau, maraming kastilyo sa kahabaan ng mga ilog ng Loire at Cher (Blois, Chambord, Chenonceau), ang muling pagtatayo ng lumang palasyo ng Louvre (arkitekto na si Pierre Lescaut at iskultor na si Jean Goujon) ay ang unang katibayan ng pagpapalaya mula sa tradisyon ng Gothic at paggamit. ng mga anyo ng Renaissance sa arkitektura (unang ginamit sa Louvre ancient order system). At kahit na ang mga kastilyo sa Loire ay panlabas na katulad ng mga medieval sa kanilang mga detalye (moats, donjons, drawbridges), Renaissance ang interior decor nila, mas manneristic pa. Ang kastilyo ng Fontainebleau kasama ang mga pintura nito, ornamental modeling, at bilog na iskultura ay katibayan ng tagumpay ng isang kultura na Italyano sa anyo, sinaunang paksa at puro Gallic ang diwa.

J. Clouet. Larawan ni Francis I. Paris, Louvre

Ang ika-16 na siglo ay ang panahon ng napakatalino na kasagsagan ng French portraiture, parehong pagpipinta at lapis (Italian pencil, sanguine, watercolor). Ang pintor na si Jean Clouet (circa 1485/88-1541), ang court artist ni Francis I, na ang entourage, pati na rin ang hari mismo, na na-immortal niya sa kanyang portrait gallery, ay naging lalong sikat sa genre na ito. Maliit sa laki, maingat na pininturahan, ang mga larawan ni Clouet ay nagbibigay ng impresyon ng pagiging multifaceted sa mga katangian at seremonyal sa anyo. Sa kakayahang mapansin ang pinakamahalagang bagay sa isang modelo, nang hindi pinapahirapan ito at pinapanatili ang pagiging kumplikado nito, ang kanyang anak na si François Clouet (circa 1516-1572), ang pinakamahalagang artista ng France noong ika-16 na siglo, ay lumayo pa. Ang mga kulay ni Clouet ay nakapagpapaalaala sa mga mahahalagang enamel sa kanilang intensity at kadalisayan (portrait ni Elizabeth ng Austria, circa 1571). Sa kanyang pambihirang kahusayan sa mga larawan ng lapis, sanguine, at watercolor, nakuha ni Clouet ang buong korte ng Pransya noong kalagitnaan ng ika-16 na siglo. (larawan ni Henry II, Mary Stuart, atbp.).

Ang tagumpay ng Renaissance worldview sa French sculpture ay nauugnay sa pangalan ni Jean Goujon (circa 1510-1566/68), na ang pinakasikat na gawa ay ang mga relief ng Fountain of the Innocents sa Paris (arkitektural na bahagi - Pierre Lescaut; 1547- 1549). Ang magaan, payat na mga pigura, ang mga tiklop ng mga damit ay sinasabayan ng mga agos ng tubig mula sa mga pitsel, ay binibigyang-kahulugan na may kamangha-manghang musika, na puno ng mga tula, minted at pinakintab at laconic at pinigilan ang anyo. Ang isang pakiramdam ng proporsyon, biyaya, pagkakaisa, at subtlety ng panlasa ay simula ngayon ay palaging maiuugnay sa French art.

Sa gawa ng nakababatang kontemporaryong Germain Pilon ni Goujon (1535-1590), sa halip na maganda, maayos na malinaw na mga imahe, lumilitaw ang mga konkretong parang buhay, dramatiko, madilim na mataas na mga imahe (tingnan ang kanyang mga lapida). Ang kayamanan ng kanyang plastik na wika ay nagsisilbi ng isang malamig na pagsusuri, na umaabot sa punto ng kawalang-awa sa characterization, kung saan ang analogue nito ay matatagpuan lamang sa Holbein. Ang pagpapahayag ng dramatikong sining ni Pilon ay tipikal ng huling Renaissance at nagpapahiwatig ng nalalapit na pagtatapos ng panahon ng Renaissance sa France.

J. Goujon. Mga nimpa. Relief ng Fountain of the Innocents sa Paris. Bato

Ang mga tampok ng krisis ng mga artistikong mithiin ng Renaissance ay lalo na malinaw na ipinakita sa mannerism, na lumitaw sa pagtatapos ng Renaissance (mula sa maniera - technique, o, mas tama, manierismo - pretentiousness, mannerism), - halatang imitasyon, bilang kung ang pangalawang istilo na may lahat ng kahusayan ng teknolohiya at pagiging sopistikado ng mga anyo, imahe ng aestheticization, pagmamalabis ng mga indibidwal na detalye, kung minsan ay ipinahayag pa sa pamagat ng akda, tulad ng sa Parmigianino na "Madonna na may Mahabang Leeg," pagmamalabis ng damdamin, paglabag sa ang pagkakaisa ng mga proporsyon, balanse ng mga anyo - kawalan ng pagkakaisa, pagpapapangit, na sa kanyang sarili ay dayuhan sa likas na katangian ng sining ng Renaissance ng Italya.

Ang mannerism ay karaniwang nahahati sa maaga at mature. Maagang mannerism - nakasentro sa Florence. Ito ang gawain ng mga gurong tulad nina J. Pontormo, D. Rosso, A. de Volterra, G. Romano. Ang mga pagpipinta ng huli sa Palazzo del Te sa Mantua ay puno ng hindi inaasahang, halos nakakatakot na mga epekto, ang komposisyon ay labis na karga, ang balanse ay nabalisa, ang mga paggalaw ay labis at nanginginig - ngunit ang lahat ay theatrically superficial, coldly pathetic at hindi nakakaantig sa puso. (tingnan ang fresco na "The Death of Giants", halimbawa).

Ang mature mannerism ay mas maganda, sopistikado at maharlika. Ang mga sentro nito ay Parma at Bologna (Primaticcio, mula 1531 siya ang pinuno ng paaralang Fontainebleau sa France), Rome at Florence (Bronzino, isang estudyante ng Pontormo; D. Vasari; iskultor at mag-aalahas na si B. Cellini), gayundin si Parma (ang nabanggit na Parmigianino, ang kanyang mga Madonna ay palaging inilalarawan na may mga pahabang katawan at maliliit na ulo, na may marupok, manipis na mga daliri, may magalang, mapagpanggap na mga galaw, palaging malamig ang kulay at malamig sa imahe).

Ang mannerism ay limitado sa Italya, kumalat ito sa Spain, Germany, Netherlands, France, na nakaimpluwensya sa kanilang pagpipinta at lalo na inilapat na sining, kung saan ang walang pigil na imahinasyon ng mga mannerista ay nakahanap ng magandang lupa at malawak na larangan ng aktibidad.

Renaissance (Renaissance). Italya. XV-XVI siglo. Maagang kapitalismo. Ang bansa ay pinamumunuan ng mayayamang bangkero. Interesado sila sa sining at agham.

Ang mayayaman at makapangyarihan ay nagtitipon sa paligid nila ng mga mahuhusay at matatalino. Ang mga makata, pilosopo, pintor at iskultor ay araw-araw na nakikipag-usap sa kanilang mga parokyano. Sa ilang mga punto, tila ang mga tao ay pinamumunuan ng mga matalinong tao, tulad ng gusto ni Plato.

Naalala natin ang mga sinaunang Romano at Griyego. Nagtayo rin sila ng isang lipunan ng mga malayang mamamayan, kung saan pangunahing halaga- isang tao (hindi binibilang ang mga alipin, siyempre).

Ang Renaissance ay hindi lamang pagkopya sa sining ng mga sinaunang sibilisasyon. Ito ay isang timpla. Mitolohiya at Kristiyanismo. Realismo ng kalikasan at katapatan ng mga imahe. Kagandahang pisikal at espirituwal.

Isang iglap lang. Ang panahon ng High Renaissance ay humigit-kumulang 30 taon! Mula 1490s hanggang 1527 Mula sa simula ng kasagsagan ng pagkamalikhain ni Leonardo. Bago ang sako ng Roma.

Mirage perpektong mundo mabilis na kumupas. Masyadong marupok ang Italy. Hindi nagtagal ay inalipin siya ng isa pang diktador.

Gayunpaman, natukoy ng mga 30 taon na ito ang mga pangunahing tampok European painting 500 taon sa hinaharap! Hanggang .

Realismo ng imahe. Anthropocentrism (kapag ang sentro ng mundo ay Tao). Linear na pananaw. Mga pintura ng langis. Larawan. Tanawin…

Hindi kapani-paniwala, sa loob ng 30 taon na ito, maraming makikinang na master ang nagtrabaho nang sabay-sabay. Sa ibang pagkakataon sila ay isinilang isang beses bawat 1000 taon.

Sina Leonardo, Michelangelo, Raphael at Titian ay ang mga titans ng Renaissance. Ngunit hindi natin mabibigo na banggitin ang kanilang dalawang nauna: sina Giotto at Masaccio. Kung wala ito ay walang Renaissance.

1. Giotto (1267-1337)

Paolo Uccello. Giotto da Bondogni. Fragment ng pagpipinta na "Five Masters" Renaissance ng Florentine" Simula ng ika-16 na siglo. .

XIV siglo. Proto-Renaissance. Ang pangunahing tauhan nito ay si Giotto. Isa itong master na nag-iisang nag-rebolusyon sa sining. 200 taon bago ang High Renaissance. Kung hindi dahil sa kanya, halos hindi na darating ang panahon kung saan ipinagmamalaki ng sangkatauhan.

Bago si Giotto ay may mga icon at fresco. Nilikha sila ayon sa mga kanon ng Byzantine. Mga mukha sa halip na mukha. Mga flat figure. Pagkabigong sumunod sa mga proporsyon. Sa halip na landscape ay may ginintuang background. Tulad, halimbawa, sa icon na ito.

Guido da Siena. Pagsamba sa mga Mago. 1275-1280 Altenburg, Lindenau Museum, Germany.

At biglang lumitaw ang mga fresco ni Giotto. Sa kanila volumetric na mga numero. Mga tao marangal na tao. Matanda at bata. Malungkot. Malungkot. Nagulat. magkaiba.

Mga Fresco ni Giotto sa Church of Scrovegni sa Padua (1302-1305). Kaliwa: Panaghoy ni Kristo. Gitna: Halik ni Judas (fragment). Kanan: Annunciation of St. Anne (Mother Mary), fragment.

Ang pangunahing gawain ni Giotto ay ang cycle ng kanyang mga fresco sa Scrovegni Chapel sa Padua. Nang magbukas ang simbahang ito sa mga parokyano, dumagsa dito ang mga pulutong ng mga tao. Hindi pa sila nakakita ng ganito.

Pagkatapos ng lahat, ginawa ni Giotto ang isang bagay na hindi pa nagagawa. Nagsalin siya mga kuwento sa Bibliya sa isang simple, malinaw na wika. At sila ay naging mas naa-access ordinaryong mga tao.

Giotto. Pagsamba sa mga Mago. 1303-1305 Fresco sa Scrovegni Chapel sa Padua, Italy.

Ito ay tiyak kung ano ang magiging katangian ng maraming mga masters ng Renaissance. Laconic na mga imahe. Masiglang emosyon ng mga tauhan. Realismo.

Magbasa nang higit pa tungkol sa mga fresco ng master sa artikulo.

Hinangaan si Giotto. Ngunit ang kanyang pagbabago ay hindi na binuo pa. Ang fashion para sa internasyonal na gothic ay dumating sa Italya.

Pagkatapos lamang ng 100 taon lilitaw ang isang karapat-dapat na kahalili ni Giotto.

2. Masaccio (1401-1428)

Masaccio. Self-portrait (fragment ng fresco "St. Peter on the pulpito"). 1425-1427 Brancacci Chapel sa Simbahan ng Santa Maria del Carmine, Florence, Italy.

Simula ng ika-15 siglo. Ang tinatawag na Early Renaissance. Ang isa pang innovator ay pumapasok sa eksena.

Si Masaccio ang unang artist na gumamit ng linear na pananaw. Dinisenyo ito ng kanyang kaibigan, ang arkitekto na si Brunelleschi. Ngayon ang itinatanghal na mundo ay naging katulad ng tunay. Ang arkitektura ng laruan ay isang bagay ng nakaraan.

Masaccio. Si San Pedro ay nagpapagaling gamit ang kanyang anino. 1425-1427 Brancacci Chapel sa Simbahan ng Santa Maria del Carmine, Florence, Italy.

Pinagtibay niya ang pagiging totoo ni Giotto. Gayunpaman, hindi tulad ng kanyang hinalinhan, alam na niya ang anatomy.

Sa halip na mga blocky na character, maganda ang pagkakagawa ni Giotto ng mga tao. Katulad ng mga sinaunang Griyego.

Masaccio. Pagbibinyag ng mga neophyte. 1426-1427 Brancacci Chapel, Simbahan ng Santa Maria del Carmine sa Florence, Italy.
Masaccio. Pagpapaalis sa Paraiso. 1426-1427 Fresco sa Brancacci Chapel, Church of Santa Maria del Carmine, Florence, Italy.

Hindi nabuhay si Masaccio mahabang buhay. Namatay siya, tulad ng kanyang ama, nang hindi inaasahan. Sa 27 taong gulang.

Gayunpaman, marami siyang tagasunod. Ang mga master ng mga sumunod na henerasyon ay pumunta sa Brancacci Chapel upang mag-aral mula sa kanyang mga fresco.

Kaya, ang inobasyon ni Masaccio ay kinuha ng lahat ng magagaling na artista ng High Renaissance.

3. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo da Vinci. Self-portrait. 1512 Royal Library sa Turin, Italy.

Si Leonardo da Vinci ay isa sa mga titans ng Renaissance. Siya ay nagkaroon ng napakalaking impluwensya sa pag-unlad ng pagpipinta.

Si da Vinci ang nagtaas ng katayuan ng artist mismo. Salamat sa kanya, ang mga kinatawan ng propesyon na ito ay hindi na lamang mga artisan. Ito ay mga tagalikha at aristokrata ng espiritu.

Si Leonardo ay gumawa ng isang pambihirang tagumpay lalo na sa pagpipinta ng portrait.

Naniniwala siya na walang dapat makagambala sa pangunahing imahe. Ang tingin ay hindi dapat gumala mula sa isang detalye patungo sa isa pa. Ito ay kung paano lumitaw ang kanyang mga sikat na portrait. Laconic. Harmonious.

Leonardo da Vinci. Babaeng may ermine. 1489-1490 Czertoryski Museum, Krakow.

Ang pangunahing inobasyon ni Leonardo ay nakahanap siya ng paraan para makagawa ng mga imahe... buhay.

Bago sa kanya, ang mga character sa mga portrait ay mukhang mga mannequin. Ang mga linya ay malinaw. Ang lahat ng mga detalye ay maingat na iginuhit. Ang ipinintang drawing ay hindi posibleng buhay.

Inimbento ni Leonardo ang sfumato method. Ni-shade niya ang mga linya. Ginawa ang paglipat mula sa liwanag patungo sa anino na napakalambot. Ang kanyang mga karakter ay tila natatakpan ng halos hindi mahahalata na manipis na ulap. Nabuhay ang mga karakter.

. 1503-1519 Louvre, Paris.

Ang Sfumato ay isasama sa aktibong bokabularyo ng lahat ng magagaling na artista sa hinaharap.

Kadalasan mayroong isang opinyon na si Leonardo, siyempre, ay isang henyo, ngunit hindi alam kung paano makumpleto ang anuman. At madalas ay hindi ako nakatapos ng mga pagpipinta. At marami sa kanyang mga proyekto ang nanatili sa papel (sa 24 na volume, sa pamamagitan ng paraan). At sa pangkalahatan siya ay itinapon sa gamot o sa musika. Minsan ay interesado pa ako sa sining ng paglilingkod.

Gayunpaman, isipin mo ang iyong sarili. 19 na mga pintura - at siya - pinakadakilang artista ng lahat ng panahon at mga tao. At ang isang tao ay hindi man lang lumalapit sa mga tuntunin ng kadakilaan, ngunit nagpinta siya ng 6,000 canvases sa kanyang buhay. Ito ay malinaw kung sino ang may mas mataas na kahusayan.

Tungkol sa kanyang sarili sikat na pagpipinta basahin ang master sa artikulo.

4. Michelangelo (1475-1564)

Daniele da Volterra. Michelangelo (fragment). 1544 Metropolitan Museum of Art, New York.

Itinuring ni Michelangelo ang kanyang sarili na isang iskultor. Pero meron unibersal na master. Tulad ng iba niyang kasamahan sa Renaissance. Samakatuwid, ang kanyang pictorial heritage ay hindi gaanong engrande.

Siya ay nakikilala lalo na sa pamamagitan ng kanyang pisikal na binuo na mga karakter. Ipinakita niya ang isang perpektong tao kung saan ang pisikal na kagandahan ay nangangahulugan ng espirituwal na kagandahan.

Kaya naman lahat ng kanyang mga bayani ay matipuno at matatag. Kahit mga babae at matatanda.

Michelangelo. Mga fragment ng fresco na "The Last Judgment" sa Sistine Chapel, Vatican.

Madalas na ipininta ni Michelangelo ang karakter na hubad. At pagkatapos ay nagdagdag siya ng mga damit sa itaas. Upang ang katawan ay nililok hangga't maaari.

Ipininta niya mag-isa ang kisame ng Sistine Chapel. Bagaman ang mga ito ay ilang daang mga numero! Ni hindi niya pinahintulutan ang sinuman na magpahid ng pintura. Oo, hindi siya palakaibigan. Siya ay may isang matigas at palaaway na karakter. Ngunit higit sa lahat ay hindi siya nasisiyahan sa... sa kanyang sarili.

Michelangelo. Fragment ng fresco "Ang Paglikha ni Adan". 1511 Ang Sistine Chapel, Vatican.

Si Michelangelo ay nabuhay ng mahabang buhay. Nakaligtas sa paghina ng Renaissance. Para sa kanya ito ay isang personal na trahedya. Ang kanyang mga huling gawa ay puno ng kalungkutan at kalungkutan.

Anyway malikhaing landas Kakaiba si Michelangelo. Ang kanyang mga unang gawa ay isang pagdiriwang ng bayani ng tao. Malaya at matapang. Sa pinakamahusay na mga tradisyon Sinaunang Greece. Ano ang pangalan niya David?

SA mga nakaraang taon ang buhay ay mga trahedya na larawan. Sinadyang magaspang na tinabas na bato. Para tayong tumitingin sa mga monumento ng mga biktima ng pasismo ng ika-20 siglo. Tingnan ang kanyang Pietà.

Ang mga eskultura ni Michelangelo sa Academy sining sa Florence. Kaliwa: David. 1504 Kanan: Palestrina's Pietà. 1555

Paano ito posible? Isang artista sa isang buhay ang dumaan sa lahat ng yugto ng sining mula sa Renaissance hanggang sa ika-20 siglo. Anong gagawin mga susunod na henerasyon? Tahakin ang sariling landas. Napagtatanto na ang bar ay nakatakda nang napakataas.

5. Raphael (1483-1520)

. 1506 Uffizi Gallery, Florence, Italy.

Si Raphael ay hindi nakalimutan. Ang kanyang henyo ay palaging kinikilala: kapwa sa buhay at pagkatapos ng kamatayan.

Ang kanyang mga karakter ay pinagkalooban ng sensual, liriko na kagandahan. Siya ang nararapat na itinuturing na pinakamaganda mga imahe ng babae kailanman nilikha. Ang panlabas na kagandahan ay sumasalamin din sa espirituwal na kagandahan ng mga pangunahing tauhang babae. Ang kanilang kaamuan. Ang kanilang sakripisyo.

Raphael. . 1513 Old Masters Gallery, Dresden, Germany.

Mga sikat na salita"Ililigtas ng kagandahan ang mundo" eksaktong sinabi ni Fyodor Dostoevsky. Ito ang paborito niyang painting.

Gayunpaman, ang mga pandama na imahe ay hindi lamang malakas na punto Raphael. Pinag-isipan niyang mabuti ang mga komposisyon ng kanyang mga painting. Siya ay isang hindi maunahang arkitekto sa pagpipinta. Bukod dito, palagi niyang natagpuan ang pinakasimpleng at pinaka-maayos na solusyon sa pag-aayos ng espasyo. Tila hindi ito maaaring maging sa ibang paraan.

Raphael. paaralan sa Athens. 1509-1511 Fresco sa Stanzas ng Apostolic Palace, Vatican.

Si Raphael ay nabuhay lamang ng 37 taon. Namatay siya bigla. Mula sa isang nahuli na malamig at medikal na pagkakamali. Ngunit ang kanyang legacy ay mahirap i-overestimate. Maraming artista ang umiidolo sa master na ito. At pinarami nila ang kanyang mga sensual na imahe sa libu-libong canvases nila..

Si Titian ay isang hindi maunahang colorist. Marami rin siyang nag-eksperimento sa komposisyon. Sa pangkalahatan, siya ay isang matapang na innovator.

Minahal siya ng lahat dahil sa kaningningan ng kanyang talento. Tinatawag na “hari ng mga pintor at pintor ng mga hari.”

Speaking about Titian, after every sentence na gusto kong ilagay Tandang padamdam. Pagkatapos ng lahat, siya ang nagdala ng dinamika sa pagpipinta. Pathos. Sigasig. Matingkad na kulay. Ang ningning ng mga kulay.

Titian. Pag-akyat ni Maria. 1515-1518 Simbahan ng Santa Maria Gloriosi dei Frari, Venice.

Sa pagtatapos ng kanyang buhay siya ay umunlad hindi pangkaraniwang pamamaraan mga titik. Mabilis at makapal ang mga hampas. Inilapat ko ang pintura alinman sa isang brush o sa aking mga daliri. Ginagawa nitong mas buhay at humihinga ang mga imahe. At ang mga plot ay mas dynamic at dramatic.

Titian. Tarquin at Lucretia. 1571 Fitzwilliam Museum, Cambridge, England.

May naaalala ba ito sa iyo? Siyempre, ito ay teknolohiya. At teknolohiya mga artista noong ika-19 na siglo siglo: Barbizonian at. Si Titian, tulad ni Michelangelo, ay dadaan sa 500 taon ng pagpipinta sa isang buhay. Kaya pala genius siya.

Basahin ang tungkol sa sikat na obra maestra ng master sa artikulo.

Ang mga artista ng Renaissance ay ang mga may-ari ng mahusay na kaalaman. Upang mag-iwan ng gayong legacy, maraming dapat matutunan. Sa larangan ng kasaysayan, astrolohiya, pisika at iba pa.

Samakatuwid, ang bawat larawan ng mga ito ay nagpapaisip sa atin. Bakit ito inilalarawan? Ano ang naka-encrypt na mensahe dito?

Halos hindi sila nagkamali. Dahil pinag-isipan nilang mabuti ang kanilang trabaho sa hinaharap. Ginamit namin ang lahat ng aming kaalaman.

Sila ay higit pa sa mga artista. Sila ay mga pilosopo. Ipinaliwanag nila sa amin ang mundo sa pamamagitan ng pagpipinta.

Iyon ang dahilan kung bakit sila ay palaging magiging malalim na kawili-wili sa atin.

Sa mga pahina ng "Magnificent Book of Hours" noong unang bahagi ng ika-15 siglo, isang imahe ng tirahan ng Paris ng mga haring Pranses - ang Louvre Castle - ay napanatili. Sa likod ng hindi magugupo na mga blangkong pader ay tumataas ang isang malakas na masa ng mga gusali na may tulis-tulis na mga tore sa mga sulok, makitid na bintana, matipid na pinuputol ang kapal ng bato. Ito ay higit pa sa isang kuta kaysa isang palasyo. Walang kabuluhan kung hahanapin natin ang kastilyo modernong Paris. Ang medieval na Louvre ay giniba noong ika-16 na siglo, at isang bagong gusali ang nagsimulang itayo sa lugar nito. Ang unang bahagi ay natapos noong 1555. Ang hitsura ng gusali ay may higit na pagkakatulad sa arkitektura ng mga sumunod na siglo kaysa sa mga nauna nito. Sa medieval na mga gusali, ang bawat detalye ng dekorasyon ay lumikha ng pakiramdam ng pataas na paggalaw; sa harapan ng bagong Louvre mayroong kahit na mga hilera ng mga bintana, sahig-hanggang-palapag na cornice rod, at ang linya ng bubong ay patuloy na binibigyang-diin ang pahalang na dibisyon nito. Dekorasyon - mga pediment sa itaas ng mga bintana, mga haligi at pilaster, mga palamuting stucco - mga palabas mabuting kakilala na may antiquity at Renaissance architecture ng Italy. Ngunit ang nakaraan ay hindi naglaho nang walang bakas; ito ay binago lamang alinsunod sa mga bagong pamantayang aesthetic. Sa mga gilid at sa gitna ng harapan, kung saan ang mga tore ay karaniwang matatagpuan sa mga kastilyo, ang mga dingding ay bumubuo ng mga light projection - risalis; ang bubong ay nanatiling matarik - maginhawa para sa lokal na klima; at ang kahulugan ng organikong pagsasanib ng sculptural na dekorasyon na may arkitektura ay walang alinlangan na dinala ng Gothic.

Ang Louvre, ang paglikha ng arkitekto na si Pierre Lescaut at ang iskultor na si Jean Goujon, ay isa sa mga pinakaperpektong monumento ng arkitekturang Pranses ng Renaissance. Halos isang siglo at kalahati ang naghihiwalay dito mula sa miniature na may Louvre-fortress - ang panahon na kinuha ng kultura ng France upang dumaan sa isang mahirap na landas mula sa ascetic na pagtanggi sa halaga ng makalupang pag-iral hanggang sa pagluwalhati sa kagandahan nito. Paano ito nangyari?

Ang mga usbong ng bago ay dumaan dito sa lupa na mas malupit kaysa sa lupa ng mga lungsod-republika ng Italya at Netherlands: Ang France ay isang bansa ng mga klasikal na anyo ng pyudalismo at ang tinubuang-bayan. estilong gothic(sa Europa tinawag nila itong ganyan - " istilong Pranses"). Ang mga lungsod nito ay hindi kailanman nasiyahan sa kalayaan na mayroon ang kanilang mga kapitbahay sa hilaga at timog. At ang mga tradisyon ng Gothic, lalo na sa arkitektura, ay nanatiling hindi natitinag hanggang sa simula ng ika-16 na siglo.

Gayunpaman, nasa gilid na ng ika-14 at ika-15 na siglo, ang mga radikal na pagbabago ay kapansin-pansin sa espirituwal na buhay ng lipunang Pranses. Sa visual arts, ang mga ito ay lalo na malinaw na inihayag sa "mga iluminasyon" (bilang mga miniature ay tinatawag noong mga araw na iyon) na pinalamutian ang mga sulat-kamay na libro. Ang pangunahing sentro para sa paggawa ng mga manuskrito ay ang Paris - isa sa pinakamalaking kabisera kultural na Europa. Sinakop ng mga eskriba, bookbinder, tagagawa ng pergamino, at pintor ang isang buong bloke sa lungsod na katabi ng Sorbonne - ang Unibersidad ng Paris. Ginamit ang kanilang mga publikasyon sa malaking demand. Ang mga scientific treatise ay iniutos mga nobelang chivalric, mga akdang patula, mga salin ng mga sinaunang may-akda, mga bibliya, mga aklat ng mga oras. Lahat ng mga libro ay pinalamutian ng mga eleganteng burloloy at makukulay na miniature. Ang kultura ng dekorasyon ay nasa mataas na antas. Sina Dante at Petrarch ay nagsalita din nang may paghanga sa mga manuskrito ng Paris.

J. Sourdeau, D. Sourdeau, J. Goberot, P. Neveu. Kastilyo ng Chambord. 1519-1559. (Taas) Mga kapatid na Limburg. "Oktubre". Miniature mula sa "The Magnificent Book of Hours of the Duke of Berry". Mga pintura ng tubig. 1411 - 1416. Sa background ay ang Louvre noong unang bahagi ng ika-15 siglo. (Sa kanan) A. Karton. Koronasyon ng Birhen. Langis. 1453.

Ang Renaissance ay isang phenomenal phenomenon sa kasaysayan ng sangkatauhan. Hindi na muling nagkaroon ng napakatalino na pagsiklab sa larangan ng sining. Ang mga eskultor, arkitekto at artista ng Renaissance (ang kanilang listahan ay mahaba, ngunit tatalakayin natin ang pinakasikat), na ang mga pangalan ay kilala sa lahat, ay nagbigay sa mundo ng hindi mabibili ng mga Natatanging at pambihirang mga tao na nagpakita ng kanilang sarili hindi sa isang larangan, ngunit sa ilang sabay-sabay.

Pagpipinta ng maagang Renaissance

Ang panahon ng Renaissance ay may relatibong time frame. Ito ay nagsimula sa Italya - 1420-1500. Sa oras na ito, ang pagpipinta at lahat ng sining sa pangkalahatan ay hindi gaanong naiiba sa kamakailang nakaraan. Gayunpaman, ang mga elemento na hiniram mula sa klasikal na sinaunang panahon ay nagsisimulang lumitaw sa unang pagkakataon. At sa mga kasunod na taon lamang, ang mga iskultor, arkitekto at artista ng Renaissance (ang listahan kung saan ay napakahaba) ay naiimpluwensyahan. modernong kondisyon buhay at mga progresibong uso sa wakas ay inabandona ang mga pundasyong medieval. Matapang nilang pinagtibay ang pinakamahusay na mga halimbawa sinaunang sining para sa kanyang mga gawa, kapwa sa pangkalahatan at sa mga indibidwal na detalye. Ang kanilang mga pangalan ay kilala sa marami; tumutok tayo sa mga pinakakilalang personalidad.

Masaccio - ang henyo ng European painting

Siya ang gumawa ng malaking kontribusyon sa pag-unlad ng pagpipinta, naging isang mahusay na repormador. Ang Florentine master ay ipinanganak noong 1401 sa isang pamilya ng mga artistikong artisan, kaya ang isang pakiramdam ng panlasa at ang pagnanais na lumikha ay nasa kanyang dugo. Sa edad na 16-17 lumipat siya sa Florence, kung saan nagtrabaho siya sa mga workshop. Sina Donatello at Brunelleschi, mga dakilang iskultor at arkitekto, ay nararapat na ituring na kanyang mga guro. Ang komunikasyon sa kanila at ang mga kasanayang pinagtibay ay hindi makakaapekto batang pintor. Mula sa unang Masaccio ay humiram ng isang bagong pag-unawa pagkatao ng tao, katangian ng iskultura. Ang pangalawang master ay may mga pangunahing kaalaman. Itinuturing ng mga mananaliksik na ang "Triptych of San Giovenale" (sa unang larawan), na natuklasan sa isang maliit na simbahan malapit sa bayan kung saan ipinanganak si Masaccio, ang unang maaasahang gawain. Ang pangunahing gawain ay ang mga fresco na nakatuon sa kwento ng buhay ni St. Peter. Ang artist ay lumahok sa paglikha ng anim sa kanila, lalo na: "The Miracle of the Statir", "Expulsion from Paradise", "Baptism of Neophytes", "Distribution of Property and Death of Ananias", "Resurrection of the Son of Theophilus". ”, “Pinagaling ni San Pedro ang Maysakit sa Kanyang Anino” at "San Pedro sa Pulpito."

Ang mga artistang Italyano ng Renaissance ay mga taong lubos na nakatuon ang kanilang sarili sa sining, hindi binibigyang pansin ang mga ordinaryong pang-araw-araw na problema, na kung minsan ay humantong sa kanila sa isang mahirap na pag-iral. Si Masaccio ay walang pagbubukod: ang makikinang na master ay namatay nang maaga, sa edad na 27-28, na iniwan ang mga dakilang gawa at malaking bilang ng mga utang

Andrea Mantegna (1431-1506)

Ito ay isang kinatawan ng paaralan ng Paduan ng mga pintor. Natanggap niya ang mga pangunahing kaalaman sa kanyang craft mula sa kanyang adoptive father. Ang estilo ay nabuo sa ilalim ng impluwensya ng mga gawa ni Masaccio, Andrea del Castagno, Donatello at Pagpipinta ng Venice. Tinukoy nito ang medyo malupit at malupit na paraan ni Andrea Mantegna kumpara sa mga Florentine. Siya ay isang collector at connoisseur ng mga cultural works sinaunang panahon. Dahil sa kanyang istilo, hindi katulad ng iba, sumikat siya bilang isang innovator. Ang kanyang pinaka mga tanyag na gawa: "Dead Christ", "Triumph of Caesar", "Judith", "Labanan ng mga Diyus-diyosan ng Dagat", "Parnassus" (nakalarawan), atbp. Mula 1460 hanggang sa kanyang kamatayan ay nagtrabaho siya bilang pintor ng korte para sa mga Duke ng Gonzaga.

Sandro Botticelli(1445-1510)

Ang Botticelli ay isang pseudonym tunay na pangalan- Filipepi. Hindi niya pinili kaagad ang landas ng isang artista, ngunit sa una ay nag-aral siya ng craftsmanship ng alahas. Una pansariling gawain(ilang Madonnas) ang impluwensya ni Masaccio at Lippi ay nararamdaman. Nang maglaon ay gumawa din siya ng pangalan para sa kanyang sarili bilang isang pintor ng larawan; ang karamihan sa mga order ay nagmula sa Florence. Ang pino at sopistikadong katangian ng kanyang mga gawa na may mga elemento ng stylization (paglalahat ng mga imahe gamit ang mga maginoo na pamamaraan - pagiging simple ng anyo, kulay, lakas ng tunog) ay nakikilala siya mula sa iba pang mga masters noong panahong iyon. Isang kontemporaryo ni Leonardo da Vinci at ng batang Michelangelo, nag-iwan siya ng isang maliwanag na marka sa sining ng mundo ("The Birth of Venus" (larawan), "Spring", "Adoration of the Magi", "Venus and Mars", "Christmas" , atbp.). Ang kanyang pagpipinta ay taos-puso at sensitibo, at landas buhay kumplikado at trahedya. Ang romantikong pananaw sa mundo sa murang edad ay nagbigay daan sa mistisismo at relihiyosong kadakilaan sa pagtanda. Ang mga huling taon ng kanyang buhay ay nabuhay si Sandro Botticelli sa kahirapan at limot.

Piero (Pietro) della Francesca (1420-1492)

Italyano na pintor at isa pang kinatawan ng panahon maagang Renaissance mula sa Tuscany. Ang istilo ng may-akda ay nabuo sa ilalim ng impluwensya ng paaralang Florentine ng pagpipinta. Bilang karagdagan sa kanyang talento bilang isang artista, si Piero della Francesca ay may mga natitirang kakayahan sa larangan ng matematika, at inilaan ang mga huling taon ng kanyang buhay dito, sinusubukang ikonekta ito sa mataas na sining. Ang resulta ay dalawang siyentipikong treatise: "On Perspective in Painting" at "The Book of Five Regular Bodies." Ang kanyang istilo ay nakikilala sa pamamagitan ng solemnity, harmony at nobility ng mga imahe, compositional balance, tumpak na mga linya at construction, at isang malambot na hanay ng mga kulay. Si Piero della Francesca ay may kamangha-manghang kaalaman sa panahong iyon teknikal na bahagi pagpipinta at mga tampok na pananaw, na nakakuha sa kanya ng mataas na awtoridad sa kanyang mga kontemporaryo. Ang pinakasikat na mga gawa: "The History of the Queen of Sheba", "The Flagellation of Christ" (nakalarawan), "Altar of Montefeltro", atbp.

High Renaissance painting

Kung ang Proto-Renaissance at maagang panahon tumagal ng halos isang siglo at kalahati at isang siglo, ayon sa pagkakabanggit, at ang panahong ito ay sumasaklaw lamang ng ilang dekada (sa Italya mula 1500 hanggang 1527). Ito ay isang maliwanag, nakasisilaw na flash na nagbigay sa mundo ng isang buong kalawakan ng mga dakila, maraming nalalaman at makikinang na mga tao. Ang lahat ng mga sangay ng sining ay nagsama-sama, napakaraming mga masters din ang mga siyentipiko, eskultor, imbentor, at hindi lamang mga artista ng Renaissance. Mahaba ang listahan, ngunit ang rurok ng Renaissance ay minarkahan ng mga gawa ni L. da Vinci, M. Buanarotti at R. Santi.

Ang Pambihirang Henyo ni Da Vinci

Marahil ito ang pinakapambihira at natatanging personalidad sa kasaysayan ng daigdig masining na kultura. Siya ay isang unibersal na tao sa buong kahulugan ng salita at nagtataglay ng pinaka maraming nalalaman na kaalaman at talento. Artist, sculptor, art theorist, mathematician, architect, anatomist, astronomer, physicist at engineer - lahat ng ito ay tungkol sa kanya. Bukod dito, sa bawat isa sa mga lugar, pinatunayan ni Leonardo da Vinci (1452-1519) ang kanyang sarili bilang isang innovator. 15 lang sa kanyang mga painting, pati na rin ang maraming sketch, ang nakaligtas hanggang ngayon. Ang pagkakaroon ng kamangha-manghang mahahalagang enerhiya at pagkauhaw sa kaalaman, siya ay naiinip at nabighani sa proseso ng pag-aaral mismo. Sa murang edad (20 taong gulang) siya ay naging kuwalipikado bilang master ng Guild of St. Luke. Ang kanyang pinakamahalagang gawa ay ang fresco " huling Hapunan", mga painting na "Mona Lisa", " Madonna Benoit"(nakalarawan sa itaas), "Lady with an ermine", atbp.

Ang mga larawan ng mga artista ng Renaissance ay bihira. Mas gusto nilang iwan ang kanilang mga imahe sa mga painting na may maraming mukha. Kaya, ang kontrobersya na nakapalibot sa self-portrait ni da Vinci (nakalarawan) ay nagpapatuloy hanggang ngayon. May mga bersyon na ginawa niya ito sa edad na 60. Ayon sa biographer, artist at manunulat na si Vasari, ang dakilang master ay namamatay sa kanyang mga bisig malapit na kaibigan Haring Francis I sa kanyang kastilyo ng Clos-Lucé.

Raphael Santi (1483-1520)

Artist at arkitekto na nagmula sa Urbino. Ang kanyang pangalan sa sining ay palaging nauugnay sa ideya ng kahanga-hangang kagandahan at natural na pagkakaisa. Para sapat maikling buhay(37 taong gulang) lumikha siya ng maraming sikat sa mundo na mga painting, fresco at portrait. Ang mga paksa na kanyang inilalarawan ay napaka-magkakaibang, ngunit siya ay palaging naaakit ng imahe ng Ina ng Diyos. Ganap na makatwiran, si Raphael ay tinawag na "panginoon ng Madonnas," lalo na ang mga ipininta niya sa Roma. Nagtrabaho siya sa Vatican mula 1508 hanggang sa katapusan ng kanyang buhay bilang isang opisyal na artista sa korte ng papa.

Komprehensibong likas na matalino, tulad ng maraming iba pang mahusay na artista ng Renaissance, si Raphael ay isa ring arkitekto, at nagtrabaho din archaeological excavations. Ayon sa isang bersyon, ang pinakabagong libangan ay direktang nauugnay sa napaaga na kamatayan. Malamang, nagkaroon siya ng Roman fever sa mga paghuhukay. Ang dakilang master ay inilibing sa Pantheon. Ang larawan ay ang kanyang sariling larawan.

Michelangelo Buoanarroti (1475-1564)

Ang mahabang 70-taong-gulang na lalaki ay maliwanag; iniwan niya sa kanyang mga inapo ang hindi nasisira na mga likha ng hindi lamang pagpipinta, kundi pati na rin ng iskultura. Tulad ng iba pang mahusay na mga artista sa Renaissance, si Michelangelo ay nabuhay sa isang panahon na puno ng makasaysayang mga pangyayari at shocks. Ang kanyang sining ay isang kahanga-hangang huling tala ng buong Renaissance.

Inilagay ng master ang iskultura kaysa sa lahat ng iba pang sining, ngunit sa pamamagitan ng kalooban ng kapalaran siya ay naging isang natitirang pintor at arkitekto. Ang kanyang pinakaambisyoso at hindi pangkaraniwang gawain ay ang pagpipinta (nakalarawan) sa palasyo sa Vatican. Ang lugar ng fresco ay lumampas sa 600 metro kuwadrado at naglalaman ng 300 mga pigura ng tao. Ang pinakakahanga-hanga at pamilyar ay ang eksena sa Huling Paghuhukom.

Ang mga Italian Renaissance artist ay may iba't ibang talento. Kaya, kakaunti ang nakakaalam na si Michelangelo ay isa ring mahusay na makata. Ang facet na ito ng kanyang henyo ay ganap na nagpakita sa kanyang sarili sa pagtatapos ng kanyang buhay. Humigit-kumulang 300 tula ang nakaligtas hanggang ngayon.

Late Renaissance painting

Ang huling yugto ay sumasaklaw sa yugto ng panahon mula 1530 hanggang 1590-1620. Ayon sa Encyclopedia Britannica, ang Renaissance bilang isang makasaysayang panahon ay natapos sa pagbagsak ng Roma noong 1527. Sa parehong panahon, ang Kontra-Repormasyon ay nagtagumpay sa timog Europa. Ang kilusang Katoliko ay tumingin nang may pag-iingat sa anumang malayang pag-iisip, kabilang ang pagdiriwang ng kagandahan katawan ng tao at ang muling pagkabuhay ng sining ng sinaunang panahon - iyon ay, lahat ng bagay na naging mga haligi ng Renaissance. Nagresulta ito sa isang espesyal na kilusan - mannerism, na nailalarawan sa pagkawala ng pagkakaisa ng espirituwal at pisikal, tao at kalikasan. Ngunit kahit na sa mahirap na panahong ito, ang ilang mga sikat na artista ng Renaissance ay lumikha ng kanilang mga obra maestra. Kabilang sa mga ito ay sina Antonio da Correggio (itinuring na tagapagtatag ng klasisismo at Palladianismo) at Titian.

Titian Vecellio (1488-1490 - 1676)

Siya ay nararapat na itinuturing na isang titan ng Renaissance, kasama sina Michelangelo, Raphael at da Vinci. Bago pa man siya maging 30, nakilala na si Titian bilang “hari ng mga pintor at pintor ng mga hari.” Karaniwan, ang pintor ay nagpinta ng mga kuwadro na gawa batay sa mitolohiya at mga tema sa Bibliya Bukod dito, naging sikat siya bilang isang maringal na pintor ng portrait. Naniniwala ang mga kontemporaryo na ang mahuli sa pamamagitan ng brush ng isang mahusay na master ay nangangahulugan ng pagkakaroon ng imortalidad. At totoo nga. Ang mga utos kay Titian ay nagmula sa mga pinakakagalang-galang at marangal na tao: mga papa, mga hari, mga kardinal at mga duke. Narito ang ilan lamang sa kanyang pinakatanyag na mga gawa: "Venus of Urbino", "The Rape of Europa" (pictured), "Carrying the Cross", "Crown of Thorns", "Madonna of Pesaro", "Woman with a Mirror." ”, atbp.

Walang inuulit ng dalawang beses. Ang panahon ng Renaissance ay nagbigay sa sangkatauhan ng napakatalino, hindi pangkaraniwang mga personalidad. Ang kanilang mga pangalan ay kasama sa Kasaysayan ng Mundo sining sa gintong mga titik. Mga arkitekto at iskultor, manunulat at artista ng Renaissance - ang listahan ay napakahaba. Hinawakan lamang namin ang mga titans na gumawa ng kasaysayan at nagdala ng mga ideya ng paliwanag at humanismo sa mundo.