no século 16, percorreu um longo caminho e agora se tornou popular em todo o mundo. Numerosas escolas de balé e companhias de teatro, cujo número aumenta a cada ano, são clássicas e modernas.

Mas se existem dezenas de espetáculos de balé famosos e, de fato, eles diferem dos outros conjuntos de dança apenas o nível de habilidade, então teatros nacionais balé com uma longa história pode ser contado nos dedos de uma mão.

Balé Russo: Teatros Bolshoi e Mariinsky

Você e eu temos algo do que nos orgulhar, porque o balé russo é um dos melhores do mundo. " Lago dos Cisnes", "O Quebra-Nozes", os famosos balés de plástico que surgiram no nosso país no início do século XX, fizeram da Rússia a segunda pátria desta arte e proporcionaram aos nossos teatros um fluxo interminável de espectadores agradecidos de todo o mundo.

Hoje em dia, trupes dos teatros Bolshoi e Mariinsky disputam o título de melhores, cujas habilidades melhoram a cada dia. Ambas as trupes selecionam dançarinos entre os alunos da Academia de São Petersburgo em homenagem a A. Ya Vaganova e, desde os primeiros dias de treinamento, todos os seus alunos sonham em um dia realizar uma parte solo. palco principal países.

Balé Francês: Grande Ópera

O berço do balé mundial, cuja atitude em relação às apresentações permanece inalterada há três séculos, e onde apenas existe a dança clássica acadêmica e tudo o mais é considerado um crime contra a arte, é o maior sonho de todos os bailarinos do mundo.

Todos os anos, sua composição é reabastecida com apenas três dançarinos que passaram em mais seleções, competições e testes do que até mesmo os astronautas poderiam sonhar. Os ingressos para a Ópera de Paris não são baratos e apenas os conhecedores de arte mais ricos podem comprá-los, mas o salão fica lotado a cada apresentação, pois, além dos próprios franceses, vêm aqui todos os europeus que sonham em admirar o balé clássico.

Estados Unidos: American Ballet Theatre

Tornado famoso pelo lançamento de Cisne Negro, o American Ballet Theatre foi fundado por um solista do Teatro Bolshoi Russo.

Tendo escola própria, o balé não contrata bailarinos de fora e tem um estilo russo-americano distinto. As produções combinam temas clássicos, como o famoso “Quebra-Nozes”, e novos estilos de dança. Muitos conhecedores de balé afirmam que a ABT se esqueceu dos cânones, mas a popularidade deste teatro cresce a cada ano.

Reino Unido: Birmingham Royal Ballet

Supervisionado pela própria Rainha, o London Ballet conta com um número reduzido de bailarinos, mas se diferencia pela rigorosa seleção de participantes e repertório. Você não encontrará tendências modernas ou desvios de gênero aqui. Talvez seja por isso que, incapazes de resistir às duras tradições, muitas jovens estrelas deste balé o abandonam e começam a criar suas próprias trupes.

Não é fácil chegar a uma apresentação do Royal Ballet; apenas as pessoas mais famosas e ricas do mundo recebem este prêmio, mas uma vez a cada três meses eles organizam isso. noites de caridade com entrada aberta.

Balé Austríaco: Ópera de Viena

A história da Ópera de Viena remonta a um século e meio, e durante todo esse tempo os dançarinos russos permaneceram os primeiros solistas da trupe. Conhecida por ela bolas anuais, o que não aconteceu apenas durante a Segunda Guerra Mundial, Ópera de Vienaé a atração mais visitada da Áustria. As pessoas vêm aqui tanto para admirar dançarinos talentosos quanto para olhar para seus compatriotas no palco e falar sua língua nativa com orgulho.

Aqui é muito fácil conseguir ingressos: graças ao enorme salão e à ausência de revendedores, você pode fazer isso no dia do balé, com única exceção nos dias de estreia e abertura da temporada.

Então, se você quiser ver o balé clássico executado pelos mais talentosos bailarinos, vá a um desses teatros e aprecie a arte milenar.

Publicações na seção Teatros

Famosos balés russos. 5 principais

Balé clássico - vista incrível a arte, nascida na Itália durante o Renascimento maduro, “mudou-se” para França, onde o crédito pelo seu desenvolvimento, incluindo a fundação da Academia de Dança e a codificação de muitos movimentos, pertenceu ao rei Luís XIV. A França exportou a arte da dança teatral para todos os países europeus, incluindo a Rússia. Em meados do século XIX, a capital do balé europeu não era mais Paris, que deu ao mundo as obras-primas do romantismo La Sylphide e Giselle, mas São Petersburgo. Está em Capital do norte Durante quase 60 anos trabalhou o grande coreógrafo Marius Petipa, criador do sistema de dança clássica e autor de obras-primas que ainda não saem dos palcos. Depois Revolução de Outubro queriam “jogar o balé para fora do navio da modernidade”, mas conseguiram defendê-lo. Era soviética foi marcado pela criação de um número considerável de obras-primas. Apresentamos cinco dos principais balés russos - em ordem cronológica.

"Dom Quixote"

Cena do balé Dom Quixote. Uma das primeiras produções de Marius Petipa

Estreia do balé de L.F. Minkus "Dom Quixote" no Teatro Bolshoi. 1869 Do álbum do arquiteto Albert Kavos

Cenas do balé Dom Quixote. Kitri - Lyubov Roslavleva (centro). Encenado por A.A. Gorsky. Moscou, Teatro Bolshoi. 1900

Música de L. Minkus, libreto de M. Petipa. Primeira produção: Moscou, Teatro Bolshoi, 1869, coreografia de M. Petipa. Produções subsequentes: São Petersburgo, Teatro Mariinsky, 1871, coreografia de M. Petipa; Moscou, Teatro Bolshoi, 1900, São Petersburgo, Teatro Mariinsky, 1902, Moscou, Teatro Bolshoi, 1906, todos - coreografia de A. Gorsky.

O balé Dom Quixote é um espetáculo teatral cheio de vida e alegria, uma eterna celebração da dança que nunca cansa os adultos e à qual os pais ficam felizes em levar os filhos. Embora tenha o nome do herói do famoso romance de Cervantes, é baseado em um de seus episódios, “As Bodas de Quitéria e Basílio”, e conta as aventuras de jovens heróis, cujo amor acaba vencendo, apesar da oposição de o pai teimoso da heroína, que queria casá-la com o rico Gamache.

Então Dom Quixote não tem quase nada a ver com isso. Ao longo de toda a apresentação, um artista alto e magro, acompanhado por um colega baixinho e barrigudo que retrata Sancho Pança, caminha pelo palco, às vezes dificultando a visualização das belas danças compostas por Petipa e Gorsky. O balé, em essência, é um concerto fantasiado, uma celebração da dança clássica e de caráter, onde todos os bailarinos de qualquer companhia de balé trabalham.

A primeira produção do balé aconteceu em Moscou, onde Petipa visitava de vez em quando para elevar o nível da trupe local, que não se comparava à brilhante trupe do Teatro Mariinsky. Mas em Moscou havia mais liberdade para respirar, então o coreógrafo, em essência, encenou um balé-memória dos maravilhosos anos de sua juventude passados ​​​​em um país ensolarado.

O balé foi um sucesso e, dois anos depois, Petipa transferiu-o para São Petersburgo, o que exigiu alterações. Lá danças características estavam muito menos interessados ​​​​do que nos clássicos puros. Petipa expandiu “Dom Quixote” para cinco atos, compôs o “ato branco”, o chamado “Sonho de Dom Quixote”, um verdadeiro paraíso para os amantes de bailarinas em tutus e donos de lindas pernas. O número de cupidos no “Sonho” chegou a cinquenta e dois...

“Dom Quixote” chegou até nós em uma reformulação do coreógrafo moscovita Alexander Gorsky, que estava entusiasmado com as ideias de Konstantin Stanislavsky e queria tornar o antigo balé mais lógico e dramaticamente convincente. Gorsky destruiu as composições simétricas de Petipa, aboliu os tutus na cena "Dream" e insistiu no uso de maquiagem escura para dançarinas que retratassem mulheres espanholas. Petipa o chamou de “porco”, mas já na primeira adaptação de Gorsky o balé foi apresentado 225 vezes no palco do Teatro Bolshoi.

"Lago dos Cisnes"

Cenário para a primeira apresentação. Teatro Bolshoi. Moscou. 1877

Cena do balé “Lago dos Cisnes” de P.I. Tchaikovsky (coreógrafos Marius Petipa e Lev Ivanov). 1895

Música de P. Tchaikovsky, libreto de V. Begichev e V. Geltser. Primeira produção: Moscou, Teatro Bolshoi, 1877, coreografia de V. Reisinger. Produção subsequente: São Petersburgo, Teatro Mariinsky, 1895, coreografia de M. Petipa, L. Ivanov.

O amado balé, cuja versão clássica foi encenada em 1895, nasceu dezoito anos antes, no Teatro Bolshoi, em Moscou. A partitura de Tchaikovsky, cuja fama mundial ainda estava por vir, era uma espécie de coleção de “canções sem palavras” e parecia complexa demais para a época. O balé foi apresentado cerca de 40 vezes e caiu no esquecimento.

Após a morte de Tchaikovsky, o Lago dos Cisnes foi encenado no Teatro Mariinsky, e todas as produções subsequentes do balé foram baseadas nesta versão, que se tornou um clássico. A ação ganhou maior clareza e lógica: o balé contava sobre o destino da bela princesa Odette, que foi transformada em cisne pela vontade do gênio do mal Rothbart, sobre como Rothbart enganou o príncipe Siegfried, que se apaixonou por ela, recorrendo aos encantos de sua filha Odile, e sobre a morte dos heróis. A partitura de Tchaikovsky foi cortada em aproximadamente um terço pelo maestro Riccardo Drigo e reorquestrada. Petipa criou a coreografia para o primeiro e terceiro atos, Lev Ivanov - para o segundo e quarto. Esta divisão atendeu idealmente ao chamado de ambos os coreógrafos brilhantes, o segundo dos quais teve que viver e morrer à sombra do primeiro. Petipa é o pai do balé clássico, criador de composições impecavelmente harmoniosas e cantor da mulher fada, a mulher brinquedo. Ivanov é um coreógrafo inovador com uma sensibilidade incomum para a música. O papel de Odette-Odile foi interpretado por Pierina Legnani, “a rainha das bailarinas milanesas”, ela também é a primeira Raymonda e a inventora do 32 fouette, o tipo de giro mais difícil nas sapatilhas de ponta.

Você pode não saber nada sobre balé, mas todo mundo conhece o Lago dos Cisnes. EM últimos anos existência União Soviética, quando os líderes idosos muitas vezes se substituíam, a melodia comovente do dueto “branco” dos personagens principais do balé e os salpicos de mãos aladas na tela da TV anunciavam um triste acontecimento. Os japoneses amam tanto “Lago dos Cisnes” que estão prontos para assisti-lo de manhã e à noite, interpretado por qualquer trupe. Nem uma única trupe em turnê, das quais há muitas na Rússia e especialmente em Moscou, pode prescindir de “Swan”.

"Quebra-nozes"

Cena do balé "O Quebra-Nozes". Primeira produção. Marianna - Lydia Rubtsova, Klara - Stanislava Belinskaya, Fritz - Vasily Stukolkin. Teatro Mariinsky. 1892

Cena do balé "O Quebra-Nozes". Primeira produção. Teatro Mariinsky. 1892

Música de P. Tchaikovsky, libreto de M. Petipa. Primeira produção: São Petersburgo, Teatro Mariinsky, 1892, coreografia de L. Ivanov.

Ainda há informações errôneas circulando em livros e sites de que “O Quebra-Nozes” foi encenado pelo pai do balé clássico, Marius Petipa. Na verdade, Petipa apenas escreveu o roteiro, e a primeira produção do balé foi realizada por seu subordinado, Lev Ivanov. Ivanov se deparou com uma tarefa impossível: o roteiro, criado no estilo do então elegante balé extravagante com a indispensável participação de um intérprete italiano convidado, estava em evidente contradição com a música de Tchaikovsky, que, embora tenha sido escrita em estrita conformidade com o de Petipa instruções, foi distinguido por grande sentimento, intensidade dramática e complexo desenvolvimento sinfônico. Além disso, a heroína do balé era uma adolescente, e a estrela da bailarina estava destinada apenas ao pas de deux final (um dueto com um parceiro, composto por um adágio - um movimento lento, variações - danças solo e códigos (final virtuoso)). A primeira produção de O Quebra-Nozes, onde o primeiro ato era predominantemente um ato de pantomima, diferia nitidamente do segundo ato, um ato de diversão, não foi um grande sucesso, os críticos notaram apenas a Valsa dos Flocos de Neve (64 dançarinos participaram dela); e o Pas de deux da Fada Açucarada e do Príncipe da Tosse Convulsa, cuja fonte de inspiração foi o Adagio com uma Rosa de Ivanov de A Bela Adormecida, onde Aurora dança com quatro cavalheiros.

Mas no século XX, que conseguiu penetrar nas profundezas da música de Tchaikovsky, “O Quebra-Nozes” estava destinado a um futuro verdadeiramente fantástico. Existem inúmeras produções de balé na União Soviética, em países europeus e nos EUA. Especialmente populares na Rússia são as produções de Vasily Vainonen no Teatro Acadêmico de Ópera e Ballet de Leningrado (hoje Teatro Mariinsky em São Petersburgo) e de Yuri Grigorovich no Teatro Bolshoi de Moscou.

"Romeu e Julieta"

Balé "Romeu e Julieta". Julieta - Galina Ulanova, Romeu - Konstantin Sergeev. 1939

Sra. Patrick Campbell como Julieta em Romeu e Julieta de Shakespeare. 1895

Final do balé "Romeu e Julieta". 1940

Música de S. Prokofiev, libreto de S. Radlov, A. Piotrovsky, L. Lavrovsky. Primeira produção: Brno, Teatro de Ópera e Ballet, 1938, coreografia de V. Psota. Produção subsequente: Leningrado, Ópera Acadêmica do Estado e Teatro de Ballet em homenagem. S. Kirov, 1940, coreografia de L. Lavrovsky.

Se uma frase de Shakespeare em uma famosa tradução russa for lida “Não há história mais triste no mundo do que a história de Romeu e Julieta”, então falaram sobre o balé escrito pelo grande Sergei Prokofiev sobre este enredo: “Não há história mais triste no mundo do que a música de Prokofiev no balé”. Verdadeiramente surpreendente em sua beleza, riqueza de cores e expressividade, a partitura de “Romeu e Julieta” na época de seu aparecimento parecia muito complexa e inadequada para o balé. Os bailarinos simplesmente se recusaram a dançar.

Prokofiev escreveu a partitura em 1934, e ela foi originalmente destinada não ao teatro, mas à famosa Escola Coreográfica Acadêmica de Leningrado, para comemorar seu 200º aniversário. O projeto não foi implementado devido ao assassinato de Sergei Kirov em Leningrado em 1934, mudanças ocorreram no principal teatro musical da segunda capital. O plano de encenar “Romeu e Julieta” no Bolshoi de Moscou também não se concretizou. Em 1938, a estreia foi exibida pelo teatro de Brno, e apenas dois anos depois o balé de Prokofiev foi finalmente encenado na terra natal do autor, no então Teatro Kirov.

O coreógrafo Leonid Lavrovsky, no âmbito do gênero de “ballet dramático” (uma forma de drama coreográfico característico do balé dos anos 1930-50), que foi muito bem recebido pelas autoridades soviéticas, criou um espetáculo impressionante e emocionante com uma multidão cuidadosamente esculpida cenas e finamente delineadas características psicológicas personagens. À sua disposição estava Galina Ulanova, a mais sofisticada atriz-bailarina, que se manteve insuperável no papel de Julieta.

A partitura de Prokofiev foi rapidamente apreciada pelos coreógrafos ocidentais. As primeiras versões do balé surgiram já na década de 40 do século XX. Seus criadores foram Birgit Kullberg (Estocolmo, 1944) e Margarita Froman (Zagreb, 1949). Produções notáveis"Romeu e Julieta" pertence a Frederick Ashton (Copenhague, 1955), John Cranko (Milão, 1958), Kenneth MacMillan (Londres, 1965), John Neumeier (Frankfurt, 1971, Hamburgo, 1973).I. Moiseeva, 1958, coreografia de Yu. Grigorovich, 1968.

Sem o Spartak, o conceito de “balé soviético” é impensável. Este é um verdadeiro sucesso, um símbolo da época. Período soviético desenvolveu outros temas e imagens, profundamente diferentes do balé clássico tradicional herdado de Marius Petipa e dos Teatros Imperiais de Moscou e São Petersburgo. Os contos de fadas com finais felizes foram arquivados e substituídos por histórias heróicas.

Já em 1941, um dos principais Compositores soviéticos Aram Khachaturian falou sobre sua intenção de escrever música para uma performance monumental e heróica, que deveria ser encenada no palco do Teatro Bolshoi. O tema foi um episódio de história romana antiga, uma revolta de escravos liderada por Spartacus. Khachaturian criou uma partitura colorida, usando motivos armênios, georgianos e russos e cheia de belas melodias e ritmos ardentes. A produção seria realizada por Igor Moiseev.

Demorou muitos anos para que seu trabalho chegasse ao público e não apareceu no Teatro Bolshoi, mas no Teatro. Kirov. O coreógrafo Leonid Yakobson criou uma performance impressionante e inovadora, abandonando os atributos tradicionais do balé clássico, incluindo a dança em sapatilhas de ponta, o uso de plasticidade livre e as bailarinas usando sandálias.

Mas o balé “Spartacus” tornou-se um sucesso e um símbolo da época nas mãos do coreógrafo Yuri Grigorovich em 1968. Grigorovich surpreendeu o espectador com sua dramaturgia perfeitamente estruturada, a representação sutil dos personagens dos personagens principais, a encenação habilidosa de cenas de multidão e a pureza e beleza dos adágios líricos. Ele chamou seu trabalho de “uma performance para quatro solistas com um corpo de balé” (corpos de balé são artistas envolvidos em episódios de dança de massa). O papel de Spartacus foi interpretado por Vladimir Vasiliev, Crasso - Maris Liepa, Frígia - Ekaterina Maksimova e Aegina - Nina Timofeeva. O balé era predominantemente masculino, o que torna o balé “Spartacus” único.

Além das famosas leituras de Spartacus de Jacobson e Grigorovich, há mais cerca de 20 produções do balé. Entre eles estão a versão de Jiří Blazek para o Ballet de Praga, László Szeregi para o Ballet de Budapeste (1968), Jüri Vamos para a Arena di Verona (1999), Renato Zanella para o Ballet da Ópera Estatal de Viena (2002), Natalia Kasatkina e Vladimir Vasiliev para o Teatro Acadêmico do Estado, dirigido por eles balé clássico em Moscou (2002).

O balé é considerado parte integrante da arte do nosso país. O balé russo é considerado o mais confiável do mundo, o padrão. Esta resenha contém histórias de sucesso de cinco grandes bailarinas russas que ainda hoje são admiradas.

Ana Pavlova

Bailarina excepcional Ana Pavlova nasceu em uma família distante da arte. Ela desenvolveu o desejo de dançar aos 8 anos depois que a menina viu apresentação de balé"Bela Adormecida". Aos 10 anos, Anna Pavlova foi aceita na Escola Imperial de Teatro e, após se formar, foi aceita na trupe do Teatro Mariinsky.

O curioso é que a aspirante a bailarina não foi colocada no corpo de balé, mas imediatamente passou a atribuir-lhe papéis de responsabilidade nas produções. Anna Pavlova dançou sob a direção de vários coreógrafos, mas o conjunto de maior sucesso e frutífero, que teve uma influência fundamental em seu estilo de atuação, foi com Mikhail Fokin.

Anna Pavlova apoiou as ideias ousadas do coreógrafo e concordou prontamente com os experimentos. Miniatura "The Dying Swan", que mais tarde se tornou cartão de visita O balé russo foi quase improvisado. Nesta produção, Fokine deu mais liberdade à bailarina, permitindo-lhe sentir de forma independente o clima de “O Cisne” e improvisar. Numa das primeiras críticas, o crítico admirou o que viu: “Se uma bailarina no palco consegue imitar os movimentos do mais nobre dos pássaros, então isso foi conseguido:.”

Galina Ulanova

O destino de Galina Ulanova foi predeterminado desde o início. A mãe da menina trabalhava como professora de balé, então Galina, mesmo que quisesse, não conseguia contornar a barra do balé. Anos de treinamento exaustivo fizeram com que Galina Ulanova se tornasse a artista mais titulada da União Soviética.

Depois de se formar na escola técnica coreográfica em 1928, Ulanova foi aceita na trupe de balé do Teatro de Ópera e Balé de Leningrado. Desde as primeiras apresentações, a jovem bailarina atraiu a atenção de espectadores e críticos. Um ano depois, Ulanova foi incumbida de desempenhar o papel principal de Odette-Odile em O Lago dos Cisnes. Giselle é considerada um dos papéis triunfantes da bailarina. Representando a cena da loucura da heroína, Galina Ulanova fez isso com tanta alma e altruísmo que nem mesmo os homens na plateia conseguiram conter as lágrimas.

Galina Ulanova alcançado . Eles a imitaram, os professores das principais escolas de balé do mundo exigiram que seus alunos fizessem passos “como Ulanova”. A famosa bailarina é a única no mundo a quem foram erguidos monumentos durante a sua vida.

Galina Ulanova dançou no palco até os 50 anos. Ela sempre foi rigorosa e exigente consigo mesma. Mesmo na velhice, a bailarina começava as aulas todas as manhãs e pesava 49 kg.

Olga Lepeshinskaya

Para temperamento apaixonado, técnica brilhante e precisão de movimentos Olga Lepeshinskaya apelidado de "Libélula Jumper". A bailarina nasceu em uma família de engenheiros. Desde a infância, a menina literalmente adorava dançar, então seus pais não tiveram escolha a não ser mandá-la para a escola de balé do Teatro Bolshoi.

Olga Lepeshinskaya lidou facilmente com os clássicos do balé (“Lago dos Cisnes”, “A Bela Adormecida”) e produções modernas(“Red Poppy”, “Flame of Paris”.) Durante o Grande Guerra Patriótica Lepeshinskaya atuou destemidamente na frente, elevando o moral dos soldados.

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Olga Lepeshinskaya -
bailarina de temperamento apaixonado. | Foto: www.etoretro.ru.

Apesar de a bailarina ser a favorita de Stalin e ter muitos prêmios, ela era muito exigente consigo mesma. Já em idade avançada, Olga Lepeshinskaya disse que sua coreografia não poderia ser considerada excelente, mas sua “técnica natural e temperamento fogoso” a tornaram inimitável.

Maya Plisetskaya

Maya Plisetskaya– mais um excelente bailarina, cujo nome está inscrito em letras douradas na história do balé russo. Quando a futura artista tinha 12 anos, foi adotada pela tia Shulamith Messerer. O pai de Plisetskaya foi baleado e sua mãe e seu irmão mais novo foram enviados ao Cazaquistão para um campo para esposas de traidores da pátria.

Tia Plisetskaya era bailarina no Teatro Bolshoi, então Maya também começou a frequentar aulas de coreografia. A menina alcançou grande sucesso nessa área e depois de se formar na faculdade foi aceita na trupe do Teatro Bolshoi.

A arte inata de Plisetskaya, a plasticidade expressiva e os saltos fenomenais fizeram dela uma primeira bailarina. Maya Plisetskaya desempenhou papéis principais em todas as produções clássicas. Ela era especialmente boa em imagens trágicas. Além disso, a bailarina não tinha medo de experimentar coreografias modernas.

Depois que a bailarina foi demitida do Teatro Bolshoi em 1990, ela não se desesperou e continuou a fazer apresentações solo. A energia transbordante permitiu que Plisetskaya fizesse sua estreia na produção de “Ave Maya” em seu aniversário de 70 anos.

Lyudmila Semenyaka

Linda bailarina Lyudmila Semenyaka se apresentou no palco do Teatro Mariinsky quando tinha apenas 12 anos. O talento talentoso não poderia passar despercebido, então depois de algum tempo Lyudmila Semenyaka foi convidada para o Teatro Bolshoi. Galina Ulanova, que se tornou sua mentora, teve uma influência significativa no trabalho da bailarina.

Semenyaka lidava com qualquer parte com tanta naturalidade e facilidade que, vista de fora, parecia que ela não estava fazendo nenhum esforço, mas simplesmente curtindo a dança. Em 1976, Lyudmila Ivanovna recebeu o Prêmio Anna Pavlova da Academia de Dança de Paris.

No final da década de 1990, Lyudmila Semenyaka anunciou sua aposentadoria da carreira de bailarina, mas continuou suas atividades como professora. Desde 2002, Lyudmila Ivanovna é professora-tutora no Teatro Bolshoi.

Mas ele dominou a arte do balé na Rússia e passou a maior parte da vida atuando nos EUA.

Reino Unido. Antes das turnês da trupe de Diaghilev e Anna Pavlova em Londres nas décadas de 1910-1920, o balé era representado na Inglaterra principalmente pelas apresentações de bailarinas famosas em palcos de music hall, por exemplo, a dinamarquesa Adeline Genet (1878-1970). O balé inglês deve seu nascimento a duas mulheres que trabalharam com Diaghilev: Marie Rambert (1888-1982), natural da Polônia, e Ninette de Valois (n. 1898), nascida na Irlanda, mas estudou em Londres. Rambert, aluno do músico e criador do sistema de ginástica rítmica Emile Jacques-Dalcroze, foi convidado por Diaghilev para ajudar Nijinsky quando ele teve que trabalhar em uma partitura ritmicamente complexa para Spring. sagrado Stravinsky. Durante vários anos dançou no corpo de balé da trupe de balé russo, depois retornou à Inglaterra e abriu sua própria escola em 1920. Seus alunos se apresentaram, primeiro chamados de Marie Rambert Dancers, depois como parte do Ballet Club, no pequeno Mercury Theatre, localizado em Nottinhill Gate, em Londres. Foi com Rambert que muitos artistas ingleses famosos iniciaram suas carreiras, incluindo os coreógrafos Frederick Ashton e Anthony Tudor. Ambos começaram a dançar quando jovens, mas logo começaram a encenar pequenos balés com Rambert. Na década de 1930, toda uma geração de jovens dançarinos ingleses cresceu assistindo às suas apresentações. De Valois, que também dançou na trupe de Diaghilev, o deixou e abriu uma escola em Londres, que logo se tornou parte do teatro Sadler's Wells, e em 1931, o grupo Vic Wells Ballet foi formado por seus alunos; em 1948 recebeu o nome de "Sadler's Wells Ballet". Ashton uniu forças com Ninette de Valois para criar balés que revelassem os talentos de jovens artistas treinados por de Valois: Margot Fonteyn (1919-1991), Beryl Gray (n. 1927), Robert Helpman (1909-1986), Moira Shearer (n. 1926). Com a sua participação, ao longo dos próximos quarenta anos, um programa específico estilo inglês performance e performance de balé, que se caracteriza pelo virtuosismo, drama e puro lirismo clássico. Entre as produções de Ashton estão cheias de humor (Façade, 1931, música de William Walton; A Vain Precaution, 1960, música de Ferdinand Herold, arranjado por John Lanchbury) e trágicas (Ondine, 1958, música de H.W. Henze; ​​​​A Month in the Country, 1976, com música de F. Chopin), sem enredo (Variações Sinfônicas, 1946, com música de S. Frank; Monotony 1 e Monotony 2, 1965, 1966, com música de E. Satie) e narrativa (Cinderela, 1948 , música de Prokofiev Dream, 1964, com música de F. Mendelssohn, arranjada por Lanchbury). Ashton criou balés de boa vontade baseados em obras literárias: por exemplo, seu Sonho é baseado na peça de Shakespeare Sonho de uma noite de verão, e Um mês no campo é baseado na peça de mesmo nome de Turgenev. A musa de Ashton foi Margot Fonteyn, cujo talento como bailarina se desenvolveu simultaneamente com suas experiências coreográficas. Meu o último balé para ela criou em 1963: isto é Marguerite e Armand (baseado em Dama das Camélias de Alexandre Dumas fils e com música de F. Liszt). Nesta altura, Fontaine, já com mais de quarenta anos, viveu uma espécie de juventude de segunda fase, tendo encontrado um novo parceiro na pessoa do bailarino Rudolf Nureyev, que emigrou da União Soviética. A fonte de inspiração para Ashton foram os talentos de vários intérpretes: o drama típico de Lynn Seymour (n. 1939) ou Christopher Gable (1940-1998), técnica brilhante e ao mesmo tempo emotividade, manifestada no dueto de Anthony Dowell (n. 1943) e Antoniet Sibley (n. 1939). Infelizmente, após a morte de Ashton (1988), suas produções não são preservadas com o mesmo cuidado com que os balés de Balanchine ou Tudor são preservados na América. Na década de 1930, Ninette de Valois convidou o diretor do Teatro Mariinsky Nikolai Sergeev (1876-1951), que emigrou da Rússia, para encenar balés clássicos do século XIX, a fim de enriquecer o repertório e proporcionar aos artistas a oportunidade de dominar formas de dança antes inusitadas. . Em 1956, o Sadler's Wells Ballet tornou-se o Royal Ballet e se apresentou na Royal Opera House, em Covent Garden. Nas décadas de 1960 e 1970, seu repertório incluía balés dramáticos de Kenneth MacMillan, juntamente com obras clássicas tradicionais e produções de Frederick Ashton. Suas performances se distinguem pelo dramatismo acentuado, são repletas de passos acrobáticos e elevadores que servem como expressão de emoções intensas. As produções de maior sucesso de MacMillan foram os multiatos Romeu e Julieta (música de Prokofiev, 1965) e Manon (1974, música de J. Massenet, arranjado por Leighton Lucas), que são encenados em vários países. Ashton, que dirigia o Royal Ballet desde 1963, renunciou em 1970 após a saída de de Valois. Até 1977, a companhia trabalhou com Macmillan, então Norman Morris (n. 1931), um ex-dançarino do Balle Rambert, que era especialmente. próximo das ideias de dança da dançarina e coreógrafa americana Martha Graham (1894-1991). Em 1986, Dowell, um dançarino que havia trabalhado com Ashton, tornou-se o chefe da companhia, enquanto MacMillan permaneceu como um dos coreógrafos da companhia até sua morte em 1992. Ele foi substituído como coreógrafo por David Bintley (n. 1957), cujos balés , às vezes dramático, às vezes sem enredo, muito diversificado em estilo e gênero. Dowell introduziu no repertório produções de Balanchine e Robbins, bem como obras de W. Forsyth e alguns dançarinos da trupe. Ele convidou dançarinos da Rússia, França e EUA como convidados, mas ao mesmo tempo prestou atenção aos seus próprios artistas: com ele, os talentos de Darcey Bussell (n. 1969) Viviana Durante (n. 1967). Em resposta às críticas de que faltava atenção ao legado de Ashton, Dowell organizou o Royal Ballet Festival na temporada 1994-1995. Ao longo das décadas de 1940 e 1940, a trupe Balle Rambert continuou a encenar novos balés, mantendo em seu repertório os balés clássicos originais, pensados ​​para um pequeno elenco. Em 1966, a trupe foi reorganizada, abandonando completamente as apresentações tradicionais e mantendo apenas obras no estilo da dança moderna. Em 1987, Richard Alston (n. 1948), influenciado principalmente pelo estilo do coreógrafo americano Merce Cunningham (n. 1919), tornou-se seu diretor. Em 1994, este cargo foi ocupado por Christopher Bruce (n. 1945), o ex-dançarino principal e coreógrafo da trupe. Outras companhias inglesas incluem o English National Ballet, que tem como antecessor direto uma companhia fundada em 1949 pelos ex-dançarinos de Diaghilev Alicia Markova e Anton Dolin (1904-1983), que durante muitos anos teve o nome de "London Festival Ballet". Em 1984, o dinamarquês Peter Schaufus (n. 1949), que chefiava a trupe, retomou o balé Romeu e Julieta de Ashton, que naquela época já estava praticamente esquecido. Em 1990, Ivan Nagy tornou-se o diretor da trupe. O Royal Ballet sempre manteve uma segunda companhia de viagem, menor. Na década de 1990, estabeleceu-se em Birmingham e hoje é conhecido como Birmingham Royal Ballet.
Rússia Soviética e outros países. Na Rússia, o ballet não perdeu a sua importância nos anos que se seguiram à Primeira Guerra Mundial e sob o domínio soviético, mesmo quando a situação política e económica parecia ameaçar a própria existência do Bolshoi e do Mariinsky (que depois da Revolução de Outubro passou a ter o nome de o Teatro Estadual de Ópera e Ballet, GOTOB, e desde 1934 - nome de teatros S.M. A década de 1920 foi um período de intensa experimentação tanto na forma quanto no conteúdo das apresentações de balé. Também apareceram produções do Proletkult sobre temas políticos e sociais, e em Moscou as obras de Kasyan Goleizovsky (1892-1970), e em Petrogrado (renomeada Leningrado em 1924) várias produções de Fyodor Lopukhov (1886-1973), incluindo sua Grandeza do Universo (1922) ao som da Quarta Sinfonia de Beethoven. The Red Poppy com música de R.M. Gliere, um balé encenado em 1927 por Vasily Tikhomirov (1876-1956) e Lev Lashchilin (1888-1955) em Moscou, serviu de protótipo para muitos balés soviéticos subsequentes: é um ato múltiplo performance, cujo tema são paixões nobres e feitos heróicos, e a música especialmente escrita é de natureza sinfônica. Balés como em 1932 Flames of Paris de Vasily Vainonen (1901-1964), e em 1934 The Bakhchisaray Fountain de Rostislav Zakharov (1907-1984) - ambos com música de Boris Asafiev, como em 1939 Laurencia (música de Alexander Crane) de Vakhtang Chabukiani (1910-1992) e em 1940 Romeu e Julieta de Leonid Lavrovsky (1905-1967) (música de Prokofiev), podem servir de exemplo daqueles princípios estéticos, que foram seguidos não apenas pelas trupes principais - o Teatro que leva o nome. S.M. Kirov em Leningrado e o Teatro Bolshoi em Moscou - mas também todos os cerca de 50 teatros que funcionavam no país. Embora algumas descobertas da década de 1920 tenham sido preservadas, predominaram as performances focadas na ideologia política soviética, e a forma de atuação se distinguia pela cantilência na execução dos movimentos e pela flexibilidade (características nos braços e nas costas), desenvolvendo simultaneamente saltos em altura, levantamentos acrobáticos (por exemplo, cintura alta em um braço de um cavalheiro) e giros rápidos, que davam aos balés soviéticos uma expressão dramática especial. Uma das professoras que contribuiu para o desenvolvimento deste estilo foi Agrippina Vaganova (1879-1951). Ex-dançarina do Teatro Mariinsky, ela começou a lecionar após encerrar sua carreira artística. Tendo se tornado professora na Escola Coreográfica de Leningrado, Vaganova desenvolveu um programa e um livro didático de dança clássica e treinou seus alunos para que pudessem executar tanto os grandes balés românticos do passado quanto os novos soviéticos com sua técnica virtuosa. Em toda a União Soviética, bem como na Europa Oriental, o sistema Vaganova foi utilizado como base para o treinamento. Espectadores em Europa Ocidental e os Estados Unidos praticamente não estavam familiarizados com o balé soviético até meados da década de 1950, quando as trupes de balé do Teatro. Kirov e o Teatro Bolshoi fizeram uma turnê pelo Ocidente pela primeira vez. O interesse por ele foi despertado pela incrível habilidade das bailarinas do Teatro Bolshoi Galina Ulanova (1910-1998), que transmitiu os sentimentos de Giselle e Julieta com lirismo comovente, e Maya Plisetskaya (n. 1925), que surpreendeu com sua brilhante técnica em o papel de Odette-Odile em O Lago dos Cisnes. Embora o Teatro Bolshoi incorporasse as características mais espetaculares Estilo soviético, a pureza clássica dos dançarinos do Teatro Kirov encontrou expressão em artistas como Natalya Dudinskaya (n. 1912) e Konstantin Sergeev (1910-1992), que contribuíram para o renascimento das tradições de Petipa. Muito sucesso alcançado pelas seguintes gerações de artistas: Ekaterina Maksimova (n. 1939), Vladimir Vasiliev (n. 1940), Natalya Bessmertnova (n. 1941) e Vyacheslav Gordeev (n. 1948) no Teatro Bolshoi, Irina Kolpakova (n. 1933) ), Alla Sizova (n. 1939) e Yuri Solovyov (1940-1977) no Teatro Kirov. Em 1961, Nureyev, um dos principais dançarinos do Teatro Kirov, permaneceu no Ocidente durante a turnê da trupe pela França. Dois outros artistas proeminentes do mesmo teatro - Natalya Makarova e Mikhail Baryshnikov - fizeram o mesmo (Makarova - em Londres em 1970, Baryshnikov - no Canadá em 1974). Na década de 1980, a pressão administrativa e política sobre a arte na União Soviética enfraqueceu, Oleg Vinogradov (n. 1937), que dirigiu trupe de balé Teatro com o nome Kirov, desde 1977, começou a introduzir balés de Balanchine, Tudor, Maurice Bejart (n. 1927) e Robbins no repertório. Menos inclinado à inovação foi Yuri Grigorovich (n. 1927), que desde 1964 dirigiu o balé do Teatro Bolshoi. Suas primeiras produções - The Stone Flower (música de Prokofiev, 1957) e Spartacus (música de A.I. Khachaturian, 1968) - são típicas Apresentações soviéticas. Grigorovich confia em efeitos espetaculares, controla com confiança uma grande massa de dançarinos com movimento energético, usa amplamente a dança folclórica e prefere temas heróicos. Por muitos anos, o Teatro Bolshoi apresentou quase exclusivamente balés de Grigorovich ou suas adaptações de peças de época como O Lago dos Cisnes. No final da década de 1980, Irek Mukhamedov (n. 1960) e Nina Ananiashvili (n. 1963) do Teatro Bolshoi, bem como Altynai Asylmuratova (n. 1961) e Farukh Ruzimatov (n. 1963) do Teatro. Kirov recebeu permissão para se apresentar nas principais companhias de balé do Ocidente e depois passou a fazer parte desses grupos. Até Vinogradov e Grigorovich começaram a procurar oportunidades para mostrar seus talentos fora da Rússia, onde o financiamento estatal para teatros foi significativamente reduzido após o colapso da URSS em 1991. Em 1995, Grigorovich foi substituído como diretor do balé do Teatro Bolshoi por Vladimir Vasiliev. . Outras trupes em São Petersburgo são o balé da Ópera Maly e do Teatro de Balé. M. P. Mussorgsky (até 1991 chamado Maly Theatre of Opera and Ballet), São Petersburgo "Boris Eifman Ballet Theatre", liderado pelo coreógrafo Boris Eifman (n. 1946), a trupe de Miniaturas Coreográficas, criada por Leonid Yakobson (1904- 1975), que trabalhou no Teatro. Kirov em 1942-1969, cujas obras ficaram famosas no Ocidente. A trupe do Teatro Musical que leva o seu nome. K. S. Stanislavsky e Vl.I.Nemirovich-Danchenko, Teatro de Balé Clássico. A trupe “Experiment”, criada em Perm por Evgeny Panfilov (n. 1956), merece atenção. O colapso da União Soviética e subsequente crise econômica trouxe enormes dificuldades às companhias de balé, que anteriormente eram generosamente subsidiadas pelo Estado. Muitos bailarinos e professores deixaram o país para se estabelecerem nos EUA, Inglaterra, Alemanha e outros países ocidentais. Durante guerra fria muitos países Europa Oriental, parte do bloco soviético, seguiu os princípios soviéticos tanto na formação de dançarinos quanto na realização de apresentações. Quando as fronteiras se abriram, muitos artistas destes países, especialmente da Hungria e da Polónia, juntaram-se às realizações da coreografia das trupes ocidentais que os visitaram, e eles próprios começaram a viajar para fora dos seus países.
França. Balé francês no início do século XX. estava em estado de crise. Os artistas russos convidados para a Ópera de Paris, em particular da trupe de Diaghilev, eram muito mais fortes Artistas franceses. Após a morte de Diaghilev, o principal dançarino de sua trupe, Sergei Lifar (1905-1986), que já havia vindo da Ucrânia para a França, chefiou o Balé da Ópera de Paris e permaneceu neste cargo em 1929-1945, depois em 1947-1958. Sob sua liderança cresceram dançarinos maravilhosos, especialmente a maravilhosa bailarina lírica Ivette Chauvire (n. 1917), que ficou famosa por interpretar o papel de Giselle. As experiências mais interessantes no domínio da coreografia foram realizadas fora da Ópera de Paris, em particular por Roland Petit e Maurice Béjart. Petit (n. 1924) deixou a Ópera em 1944 e criou o Ballet des Champs-Élysées, onde encenou, entre outras apresentações, o balé Juventude e Morte (1946, ao som de J. S. Bach) para o jovem e dinâmico bailarino Jean Babil (n. 1923). Depois, para a trupe do Ballet de Paris, criou uma de suas produções mais famosas e duradouras - Carmen (1949, ao som de J. Bizet) com Rene (Zizi) Jeanmer (n. 1924). O senso de teatralidade de Petit permitiu-lhe trabalhar nos mais diversos gêneros e participar de eventos comerciais. Em 1972-1998 dirigiu a trupe do Balé Nacional de Marselha, onde encenou muitos espetáculos elegantes e comoventes apresentações de teatro. Seguindo Lifar, a trupe da Ópera de Paris foi liderada, uma após a outra, por mestres famosos como Harald Lander (1905-1971), Georges Skibin (1920-1981), Violetta Verdi e Rosella Hightower (n. 1920). O repertório foi enriquecido por obras de Petit e Bejart, Balanchine, Robbins, Grigorovich, Glen Tetley, além de representantes da dança moderna americana Paul Taylor (n. 1930) e Merce Cunningham. Em 1983, Rudolf Nureyev foi nomeado diretor. Ele prestou especial atenção ao desenvolvimento de bailarinas como Sylvie Guillem (n. 1965) e Isabelle Guerin (n. 1961), e deu à trupe a oportunidade de experimentar trabalhos coreográficos dos mais diversos estilos, enquanto no ao mesmo tempo preservando os clássicos. Após a saída de Nureyev (1989), seu ex-dançarino principal, que tinha o título de “estrela”, Patrick Dupont (n. 1959), retornou à trupe, agora como diretor. Nas décadas de 1970 e 1980, as trupes provinciais francesas começaram a receber apoio governamental e ganharam fama internacional. Merece especial atenção a trupe “Ballet dos Departamentos do Reno”, que, sob a direção de Jean Paul Gravier, apresentou diversas reconstruções de espetáculos do século XVIII, feitas a partir de cuidadosos pesquisa histórica, realizado pelo coreógrafo sueco Ivo Kramer (n. 1921), em especial, os balés Vain Precaution e Medea e Jason Noverra de Dauberval (música de Jean Joseph Rodolphe). O Lyon Opera Ballet realiza apresentações de dança dramática estilizada coreografadas por Magi Marin (n. 1947).
Dinamarca. O balé na Dinamarca entrou no século 20 num estado de estagnação. Aqui, graças a Hans Beck, o legado de August Bournonville foi preservado, mas a falta de iniciativa levou à cessação do desenvolvimento do Royal Ballet em Copenhaga. Algum renascimento de suas atividades ocorreu no período 1932-1951, quando a trupe era chefiada por Harald Lander (Lanner), aluno de Beck. Lander preservou as obras de Bournonville, sempre que possível em sua edição original, mas também encenou seus próprios balés: o mais famoso deles é Etudes (1948, ao som de K. Czerny, arranjado por Knudoge Risager), onde os principais componentes de um balé aulas de treinamento são levadas ao palco e teatralizadas. Em 1951, Lander nomeou Vera Volkova (1904-1975), na época a especialista de maior autoridade no sistema Vaganova no Ocidente, como consultora artística da trupe. Através dos seus esforços, os bailarinos dinamarqueses dominaram uma nova técnica, que lhes abriu novas oportunidades na execução de obras. estilos diferentes. A trupe saiu do isolamento e excursionou pela Europa, Rússia e continente americano. A graça e a animação alegre características do estilo de Bournonville causaram a impressão mais favorável, assim como a bravura da dança que distinguiu a atuação dos dançarinos dinamarqueses, especialmente Erik Brun. A formação de bailarinos foi reconhecida como uma das principais conquistas da escola dinamarquesa. Nas décadas de 1960 e 1970, o interesse pela história do balé aumentou enormemente, e as performances de Bournonville começaram a ser estudadas como o exemplo mais confiável de obras de balé romântico sobreviventes, o que levou o Royal Danish Ballet a realizar os Festivais de Balé de Bournonville em 1979 e 1992. Depois de Lander, a equipe trabalhou sob a liderança de muitos artistas, incluindo Flemming Flindt (n. 1936), Henning Kronstam (n. 1934) e Frank Andersen (n. 1954). Em 1994 a trupe foi liderada por Peter Schaufus, e em 1996-1999 pela inglesa Maina Gielgud (n. 1945). O repertório do Royal Danish Ballet expandiu-se gradualmente para incluir obras de coreógrafos estrangeiros e, ao mesmo tempo, os balés de Bournonville começaram a ser incluídos no repertório grupos de dança em todo o mundo. Em 1982, o Balé Nacional do Canadá encenou todo o balé Nápoles (música de Niels Wilhelm Gade, Edward Mats Ebbe Helsted, Holger Simon Paulli e Hans Christian Lumby), e em 1985 Balle West na cidade americana de Salt Lake City (Utah) .), dirigido por Bruce Marks e Tony Lander, apresentou uma reconstrução do balé Abdallah (música de Holger Simon Paulli), que não era apresentado há 125 anos.
Alemanha. Durante a primeira metade do século XX. na Alemanha o fenómeno mais significativo foi o desenvolvimento dança grátis, que aqui recebeu o nome de “expressivo” - Ausdruckstanz. Após a Segunda Guerra Mundial, os governos da República Federal da Alemanha e da República Democrática Alemã prestaram muita atenção ao apoio às companhias de balé. Em todas as principais cidades da Alemanha Ocidental, foram criados grupos de balé independentes nas casas de ópera, que encenavam suas próprias apresentações e participavam simultaneamente de óperas. John Cranko, da Inglaterra (1927-1973), que atuou e encenou uma série de apresentações na trupe inglesa do Sadler's Wells Theatre Ballet, dirigiu o Stuttgart Ballet em 1961 e formou um extenso repertório de suas próprias apresentações em vários atos, em grande parte reminiscentes de estilo dos balés soviéticos, rico em danças dramatizadas. Este é Romeu e Julieta (música de Prokofiev, 1962). Onegin (1965, ao som de Tchaikovsky, arranjado por K. H. Stolze) e A Megera Domada (1969, ao som de A. Scarlatti, arranjado por K. H. Stolze), balés cujo sucesso dependeu muito da participação de Neles estão a maravilhosa dançarina Marcia Heide (n. 1939), brasileira de nascimento, e seu parceiro americano Richard Cragan (n. 1944). A trupe logo ganhou fama mundial; após a morte prematura de Cranko, foi dirigido por Glen Tetley, que encenou o balé Organ Solo (Voluntários, 1973, com música de F. Poulenc) em memória de Cranko. Entre as principais conquistas de Cranko está a oficina criativa que ele criou, onde jovens coreógrafos puderam experimentar. Em particular, os americanos William Forsyth e John Neumeier (n. 1942), bem como o tcheco Jiri Kylian (n. 1947), começaram a trabalhar aqui. Todos eles se tornaram coreógrafos líderes em teatros de balé Europa nas próximas décadas. Neumayer dirigiu o balé em Hamburgo em 1973 e ali criou um rico repertório, tanto a partir de suas próprias edições de apresentações clássicas quanto de produções originais sobre temas religiosos e temas filosóficos, onde utilizou a música de Mahler, Stravinsky e Bach. Seu balé Paixão por St. Mateus (1981) durou quatro horas. Forsythe ingressou na trupe do Stuttgart Ballet pouco antes da morte de Cranko e dançou aqui, encenando simultaneamente apresentações, até 1984, quando foi convidado para o cargo de diretor do Frankfurt Ballet. Influenciado por ideias predominantes em literatura moderna, Forsythe aplicou-os ao balé. A sua coreografia apresenta a mesma fragmentação que distingue a literatura da era pós-moderna; passagens verbais são frequentemente incluídas na dança e são utilizadas técnicas relacionadas com outras formas de arte. A técnica da dança é baseada na energia extrema, na ruptura do equilíbrio natural, e tem como objetivo transmitir relacionamentos amorosos nos momentos de maior tensão. Assim são os balés Love Songs (1979, música folk) e In the middle, algo elevado, música de Leslie Stuck e Tom Willems, que foi encenado por Forsythe a convite de Nureyev em Ópera de Paris em 1988. Forsyth usou voluntariamente em suas produções a música eletrônica de som áspero do holandês Tom Willems, o que contribuiu para a criação de uma atmosfera de alienação e vaga ansiedade.
Holanda. Antes da Segunda Guerra Mundial, a influência da dança livre alemã era mais forte na Holanda. Após a guerra, o interesse do público pelo balé aumentou e a trupe do Ballet Nacional Holandês foi criada em Amsterdã. Em 1959, vários bailarinos e coreógrafos, tendo abandonado esta trupe, fundaram o "Netherlands Dance Theatre", que se instalou em Haia e se dedicou exclusivamente à coreografia moderna. As duas trupes frequentemente trocavam artistas e apresentações. Hans van Manen (n. 1932) e Rudi van Danzig (n. 1933), diretor artístico do Dutch National Ballet, juntamente com Glen Tetley formaram o repertório do Dutch Dance Theatre. O trabalho de Tetley é baseado em várias influências: Hanja Holm (1898-1992) e Martha Graham, e Jerome Robbins, e o American Ballet Theatre; Não é à toa que utiliza em suas apresentações tanto a técnica dos dedos do balé quanto as curvas do corpo e as mãos enfaticamente expressivas características da dança moderna, mas não utiliza os saltos e elevações desenvolvidos na dança clássica. Os balés de van Dantzig e van Manen são semelhantes aos balés de Tetley porque contêm uma mistura de diferentes técnicas técnicas. A impressionante obra de Van Dantzig, Monument to a Dead Youth (1965, música de Jan Berman) foi apresentada por muitas companhias de balé em todo o mundo. Em 1978, o diretor do Dutch Dance Theatre era Jiri Kylian, muitas vezes comparado a Tudor, porque ambos abordam temas que preocupam as pessoas e preferem utilizar a música de compositores da Europa Central. Kilian adicionou novas qualidades ao estilo misto de seus antecessores: uso extensivo de movimentos executados deitado no chão, efeitos esculturais dramáticos, elevações e rotações altas. Seus balés Return to a Foreign Country (1974 e 1975 - duas edições) e Sinfonietta (1978), criados com música de L. Janacek e apresentados em diversos países, demonstram as possibilidades que se abrem quando o padrão de dança é construído sobre figuras dançantes próximos um do outro. Interessado na cultura dos aborígenes australianos, o coreógrafo criou os balés Stamping Ground (música de Carlos Chavez) e Dreamtime (música de Takemitsu) em 1983. No início da década de 1990, Kilian adicionou outra trupe à trupe principal - Dutch Theatre 3. O Ballet Scapino, com sede em Roterdão sob a direcção de Niels Christe (n. 1946), é outra companhia holandesa que tem chamado a atenção pelas suas produções contemporâneas.
Arte de balé em todo o mundo. Como em meados do século XX. O papel do balé aumentou, trupes começaram a ser criadas em quase todos os países das Américas, Europa, Ásia, inclusive em algumas regiões Ásia Central e África, bem como Austrália e Nova Zelândia. O ballet encontrou lugar mesmo em países com a sua rica tradição de dança, como Espanha, China, Japão e Ásia Menor. Maurice Bejart, que cresceu na França do pós-guerra, criou a trupe de Ballet do Século XX em Bruxelas em 1960. Esta trupe, assim como a inusitada escola organizada sob ela chamada "Mudra", tinha como objetivo divulgar a arte do balé, apresentando dramas de dança baseados na psicologia e na arte moderna. ideias filosóficas. Muitas apresentações foram realizadas em estádios para que o maior número possível de espectadores pudesse vê-las. Béjart refutou a afirmação frequentemente citada de Balanchine de que "o balé é uma mulher" e deu atenção primária aos bailarinos: por exemplo, no balé Firebird (ao som da suíte de Stravinsky, 1970), ele substituiu o intérprete no papel principal por um jovem que retrata um partidário. Mesmo assim, a principal bailarina de Balanchine, Susan Farrell, dançou em sua trupe por cinco anos, deixando temporariamente a trupe de Nova York depois de se casar. Em 1987, Gerard Mortier, diretor do Teatro de la Monnaie de Bruxelas, onde trabalhava o Ballet do Século XX, sugeriu que Béjart cortasse custos e reduzisse o tamanho da trupe. Béjar, que não concordava com estas exigências, começou a procurar outro local onde pudesse continuar o seu trabalho. Recebeu inúmeras ofertas de vários países europeus e escolheu Lausanne, na Suíça. Agora sua trupe se chama "Béjart Ballet". Nas últimas décadas do século XX. A bailarina italiana Carla Fracci, Alessandra Ferri (n. 1963) e Viviana Durante, bailarina principal do English Royal Ballet, atuaram com grande sucesso fora da Itália, mas em sua terra natal não havia teatro onde pudessem encontrar uso digno de seus talentos. Na Espanha, onde as tradições dança nacional ainda mais forte do que qualquer inovação, surgiu um coreógrafo local comprometido com o balé clássico - Nacho Duato (n. 1957), que dirige o Ballet Lírico Nacional. Duato, ex-membro do Dutch Dance Theatre, coreografa danças que combinam a cantilena de Kilian com uma paixão feroz. Na década de 1920, o empresário sueco Rolf de Mare (1898-1964) fundou em Paris a trupe de Ballet Sueco, cujo coreógrafo foi Jean Berlin (1893-1930). Este grupo realizou experiências ousadas e durante os poucos anos de sua existência, de 1920 a 1925, competiu com o Ballet Russo de Diaghilev. O Royal Swedish Ballet, localizado no prédio da Royal Opera em Estocolmo desde 1773, foi dirigido por Anthony Tudor em 1950-1953. Em 1950, aconteceu aqui a estreia do balé Freken Julia de Birgit Kullberg (n. 1908) (música de Ture Rangström), que ainda é apresentado por muitas companhias ao redor do mundo. Em 1963, Tudor, novamente convidado para o Royal Ballet, encenou Echo of Trumpets (com música de Boguslav Martinu). Birgit Kullberg, que estudou com Kurt Jooss e Martha Graham, fundou a sua própria companhia em 1967 e experimentou combinar coreografia clássica e dança moderna numa única apresentação. Seu filho Mats Ek (n. 1945), que dirige o Kullberg Balle desde 1990, encenou ali produções completamente novas dos balés Giselle e Lago dos Cisnes, que em nada se assemelhavam aos tradicionais. No século 20 Surgiram três importantes empresas canadenses: o Royal Winnipeg Ballet, fundado sob o nome de Winnipeg Ballet Club em 1938 e tornando-se uma companhia profissional em 1949; "National Ballet of Canada", criado em Toronto em 1951; e o Great Canadian Ballet, que iniciou suas atividades em Montreal em 1957. O National Ballet of Canada foi fundado por Celia Franca (n. 1921), que atuou nas trupes inglesas Balle Rambert e Sadler's Wells Ballet. Aproveitando a experiência do Sadler's Wells Ballet, ela começou encenando balés clássicos do século XIX. Franka liderou a trupe até 1974, depois foi substituída por Alexander Grant (n. 1925). Em 1994-1996, o diretor da trupe foi Reid Anderson (n. 1949), e em 1996 James Kudelka (n. 1955) foi nomeado para este cargo. O balé desenvolveu-se rapidamente em Cuba. Alicia Alonso, uma das mais famosas bailarinas do American Ballet Theatre dos Estados Unidos, retornou à sua terra natal após a revolução de Fidel Castro em 1959 e criou o Balé Nacional de Cuba. Vida no palco A própria Alonso teve uma carreira muito longa; só parou de atuar aos sessenta anos de idade. Em Buenos Aires em momentos diferentes Muitos grandes dançarinos e coreógrafos trabalharam, em particular Nijinska e Balanchine. Os argentinos Julio Bocca e Paloma Herrera (n. 1975), que se tornaram os principais bailarinos do American Ballet Theatre, começaram a estudar dança em Buenos Aires. Após a revolução de 1917, muitos dançarinos russos deixaram o país através da fronteira asiática. Alguns deles estabeleceram-se temporária ou permanentemente na China. Após a Segunda Guerra Mundial, professores e coreógrafos da URSS trabalharam na China. Durante a Revolução Cultural Chinesa de 1960, a influência soviética enfraqueceu e obras nacionais, como o Batalhão de Mulheres Vermelhas ou a Garota Cinzenta (ambos em 1964). Essas performances são exemplos de uma tendência que nega o lirismo no balé como decadência. Sua característica marcante é a disciplina férrea e a clareza; danças de massa executado pelo corpo de balé nos dedos. À medida que a influência estrangeira aumentou nas décadas de 1970 e 1980, novas companhias de balé surgiram em muitas cidades da China. Eles também são criados nas principais cidades de muitos outros países asiáticos.
Conclusão. No final do século XX. Os problemas enfrentados pela arte do balé tornaram-se cada vez mais claros. Na década de 1980, quando Balanchine, Ashton e Tudor morreram (na década de 1980) e Robbins se aposentou do trabalho ativo, surgiu um vácuo criativo. A maioria dos jovens coreógrafos que trabalharam no final do século XX não estavam muito interessados ​​em desenvolver os recursos da dança clássica. Eles preferiam uma mistura de diferentes sistemas de dança, e dança clássica parece empobrecida, e a dança moderna - desprovida de originalidade na identificação das capacidades corporais. Em um esforço para transmitir o que constitui um ser vida moderna, os coreógrafos usam técnicas com os dedos como se quisessem enfatizar os pensamentos, mas ignoram movimentos tradicionais mão (port de bras). A arte do apoio foi reduzida a uma espécie de interação entre parceiros, quando uma mulher é arrastada pelo chão, jogada, girada, mas quase nunca apoiada ou dançada com ela. A maioria das trupes constrói seu repertório para incluir clássicos do século XIX. (La Sylphide, Giselle, Lago dos Cisnes, A Bela Adormecida), os balés mais famosos dos mestres do século XX. (Fokine, Balanchine, Robbins, Tudor e Ashton), produções populares de MacMillan, Cranko, Tetley e Kilian e o trabalho de uma nova geração de coreógrafos como Forsyth, Duato, James Kudelka. Ao mesmo tempo, os bailarinos recebem melhor formação porque... há mais professores experientes. O campo relativamente novo da medicina da dança deu aos bailarinos acesso a técnicas para prevenir lesões. Há um problema de introdução da música aos dançarinos. Comum música popular não conhece a variedade de estilos, em muitos países treinando alfabetização musical está em um nível baixo, na coreografia de danças são constantemente utilizados fonogramas - tudo isso atrapalha o desenvolvimento da musicalidade dos bailarinos. Um fenômeno novo nas últimas décadas tem sido competições de balé, o primeiro dos quais foi realizado em Varna (Bulgária) em 1964. Atraem não só prémios, mas também a oportunidade de comparecer perante juízes que representam as organizações mais prestigiadas. Aos poucos, houve mais competições, pelo menos dez em países diferentes; alguns oferecem bolsas de estudo junto com dinheiro. Devido à necessidade de coreógrafos, surgiram também competições de coreografia.

• - A primeira apresentação em Moscou - “O Balé de Orfeu e Eurídice” foi encenada em 1673 pelo sueco N. Lim. Em 1773, foi inaugurado um departamento no Orfanato de Moscou...

  Moscou (enciclopédia)

• - a clássica apareceu pela primeira vez no Japão em 1912, quando o coreógrafo italiano Giovanni Rosi chegou lá e ensinou dança no Teatro Teikoku Gekijo por três anos...

  Todo o Japão

• - balé, tipo artes cênicas: uma performance teatral musical e coreográfica em que todos os acontecimentos, personagens e sentimentos dos personagens são transmitidos através da dança...

  Enciclopédia de arte

• - - vista do palco. ação judicial; uma performance cujo conteúdo está incorporado na música e na coreografia. imagens Com base na dramaturgia geral Plano B. combina música, coreografia e artes plásticas...

  Enciclopédia Musical

• - Vamos abrir um volume de Pushkin: O teatro já está lotado; as caixas brilham; As arquibancadas e os assentos – tudo está a todo vapor; No paraíso chapinham impacientemente, E, subindo, a cortina faz barulho...

  Dicionário musical

• - um tipo de arte teatral onde o principal meio de expressão é a chamada dança “clássica”; uma obra cênica pertencente a esta forma de arte...

  Enciclopédia de Collier

Os clássicos não são apenas sinfonias, óperas, concertos e música de câmara. Algumas das obras clássicas mais reconhecidas apareceram em forma de balé. O balé originou-se na Itália durante o Renascimento e gradualmente se desenvolveu em uma forma de dança técnica que exigia muito treinamento dos bailarinos. A primeira companhia de balé criada foi a parisiense ópera balé, que foi formada depois que o rei Luís XIV nomeou Jean-Baptiste Lully como diretor da Royal Academy of Music. As composições de Lully para balé são consideradas por muitos musicólogos um ponto de viragem no desenvolvimento do gênero. Desde então, a popularidade do balé foi desaparecendo gradativamente, “vagando” de um país para outro, o que proporcionou aos compositores diferentes nacionalidades oportunidade de compilar alguns dos seus mais obras famosas. Aqui estão sete dos balés mais populares e amados do mundo.

Tchaikovsky escreveu este balé clássico atemporal em 1891, que é o mais popular balé realizado era moderna. Na América, O Quebra-Nozes apareceu pela primeira vez no palco apenas em 1944 (foi apresentado pelo San Francisco Ballet). Desde então, tornou-se tradição apresentar “O Quebra-Nozes” durante a época de Ano Novo e Natal. Este grande balé não só tem o que há de mais música reconhecível, mas sua história também traz alegria para crianças e adultos.

O Lago dos Cisnes é o balé clássico mais complexo técnica e emocionalmente. Sua música estava muito à frente de seu tempo, e muitos de seus primeiros intérpretes argumentaram que o Lago dos Cisnes era muito difícil de dançar. Na verdade, muito pouco se sabe sobre a primeira produção original, e o que todos estão acostumados hoje é uma reformulação coreógrafos famosos Produção de Petipa e Ivanov. O Lago dos Cisnes sempre será considerado um padrão dos balés clássicos e será apresentado por séculos.

Sonho de uma noite de verão

A comédia de Shakespeare, Sonho de uma noite de verão, foi adaptada para muitos estilos artísticos. O primeiro balé completo (para toda a noite) baseado nesta obra foi encenado em 1962 por George Balanchine ao som de Mendelssohn. Hoje, Sonho de uma noite de verão é um balé muito popular e amado por muitos.

O balé Coppelia foi escrito Compositor francês Leo Deliboe e coreografado por Arthur Saint-Leon. Coppelia é uma história alegre que retrata o conflito do homem entre o idealismo e o realismo, a arte e a vida, com música vibrante e danças animadas. Sua estreia mundial na Ópera de Paris foi um grande sucesso em 1871, e o balé continua fazendo sucesso até hoje, estando no repertório de muitos teatros.

Pedro Pan

Pedro Pan- um magnífico balé adequado para toda a família. As danças, cenários e figurinos são tão coloridos quanto a própria história. Peter Pan é relativamente novo no mundo do balé e, como não existe uma versão clássica única dele, o balé pode ser interpretado de forma diferente por cada coreógrafo, coreógrafo e diretor musical. Embora cada produção possa diferir entre si, a história permanece quase a mesma, razão pela qual este balé foi classificado como um clássico.

bela Adormecida

"A Bela Adormecida" foi a primeira balé famoso Tchaikovsky. Nele, a música não é menos importante que a dança. A história da Bela Adormecida é a combinação perfeita entre as celebrações do balé real em um magnífico castelo, a batalha do bem e do mal e a vitória triunfante do amor eterno. A coreografia foi criada pelo mundialmente famoso Marius Pepita, que também dirigiu O Quebra-Nozes e O Lago dos Cisnes. Este balé clássico será apresentado até o fim dos tempos.

Cinderela

Existem muitas versões da Cinderela, mas a mais comum é a versão de Sergei Prokofiev. Prokofiev começou seu trabalho em Cinderela em 1940, mas só completou a partitura em 1945 devido à Segunda Guerra Mundial. Em 1948, o coreógrafo Frederick Ashton encenou uma produção completa com música de Prokofiev, que se tornou um grande sucesso.