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Um visitante do Museu Russo, ao passar da exposição de pintura de ícones para o salão de Pedro I, experimenta sensações semelhantes às vividas por Neo no filme “Matrix”, que tirou a pílula vermelha das mãos de Morfeu. Ainda agora estávamos rodeados de imagens espirituais, cores vivas e linhas harmoniosas, que apenas se assemelhavam vagamente ao que era visível ao nosso redor, mas com a sua beleza incorpórea representavam no nosso mundo a lei e a ordem estabelecidas durante a criação do Universo. Bem-vindo à realidade - cruzando o limiar, descemos a este mundo de cores escuras e fisicalidade deliberada, rostos esculpidos pela luz, como se estivéssemos descascando de fundos pretos. Viemos olhar, mas nós próprios nos encontramos no fogo cruzado de vistas: quase todas as exposições aqui são retratos. A partir dessa época e durante todo o próximo século, o retrato se tornará sinônimo de pintura russa.

A história do retrato russo do século XVIII é uma imagem da autoconsciência visual da nação, o processo de desdobramento da pessoa russa adquirindo um “rosto” desdobrado ao longo do tempo. Durante a era petrina, as pessoas se acostumaram com a aparência de um indivíduo inserido na hierarquia social. A partir do padrão de classe, fixado em um repertório bastante limitado de poses e expressões faciais, o retrato passa a construir relações mais sutis entre a aparência e o mundo interior da personagem. Com o advento do sentimentalismo, é a vida da alma que se torna um valor, um sinal de uma personalidade que combina harmoniosamente natureza e civilização. Por fim, o romantismo e a época de 1812 permitirão, provavelmente pela primeira vez na arte russa, nascer a imagem de uma pessoa internamente livre.

Falando do retrato, precisamos lembrar de algumas coisas. Em primeiro lugar, na sociedade de classes, ele é um privilégio, um marcador e ao mesmo tempo um garante do estatuto de modelo. Na esmagadora maioria dos casos, os heróis dos retratos eram representantes das camadas sociais mais elevadas. Um retrato em que as convenções imagéticas necessárias (pose, figurino, entorno e atributos) sejam observadas e acordadas certificará automaticamente o elevado status social de seu tema. O retrato reflete e transmite padrões de comportamento social. Ele parece dizer: “Na sua frente homem nobre. Seja como ele! Assim, durante séculos, um retrato nobre representa não apenas um nobre ativista, mas também uma pessoa que se caracteriza pela graciosa facilidade, ou seja, uma propriedade que há muito serve como expressão corporal de nobreza e educação e, portanto, pertencente a a elite.

O retrato é uma espécie de indústria. A própria natureza do mercado de retratos implica um elevado grau de unificação. Os retratos são claramente divididos em cerimoniais (cerimoniais) e mais íntimos (privados). Estes, por sua vez, pressupõem um determinado conjunto de formatos, poses e atributos, bem como uma tabela de preços correspondente, que tem em conta se o próprio artista executou o retrato do início ao fim ou confiou áreas de trabalho menos responsáveis ​​a aprendizes.

Desde os seus primeiros passos Mundo antigo o retrato desempenhou um papel mágico: substituiu literalmente a pessoa retratada e prolongou sua existência após a morte. A memória destas funções arcaicas acompanhou o retrato mesmo quando este se tornou um dos géneros de pintura e escultura da Nova Era. Foi transmitido, nomeadamente, obras literárias, que descrevia a comunicação imaginária com um retrato: “entrevistas” poéticas com ele, histórias sobre como se apaixonar por retratos e, na era do romantismo, histórias assustadoras sobre imagens ganhando vida. Dizem sempre que o retrato “como se estivesse vivo”, “respira”, só lhe falta o dom da fala, etc. Via de regra, os quadros descritos pelos poetas eram fruto da sua imaginação. Porém, a própria tradição, preservada pela literatura durante séculos, definiu a forma de perceber o retrato e lembrou que ele não pertence apenas ao mundo da arte, mas está diretamente relacionado ao problema da existência humana.

A teoria da arte clássica não dá grande valor ao retrato. Este gênero também ocupa um lugar correspondente na hierarquia acadêmica. No final do século XVIII, por exemplo, acreditava-se que “num retrato... tipo, faz-se sempre apenas uma figura, e na maior parte das vezes na mesma posição... Este tipo não pode ser... comparado com o histórico...”. Nesta época, o retrato, associado à imitação de uma natureza imperfeita, não deveria ter se tornado uma ocupação de prestígio. Entretanto, uma situação diferente desenvolveu-se na Rússia: um retrato exigido pela sociedade tornou-se um dos caminhos mais seguros para o sucesso do artista. A começar por Louis Caravaque, Ivan Nikitin ou Georg Groot, a criação de retratos era uma das principais tarefas dos pintores da corte. Mas o artista do primeiro semestre - meados do século 18 século, ainda operador de multibancos: o servo Sheremetev Ivan Argunov cumpriu os diversos caprichos do proprietário e encerrou a carreira de governanta, deixando a pintura; Andrei Matveev e Ivan Vishnyakov supervisionaram os arquitetos e decoradores da Chancelaria desde os edifícios; Alexei Antropov teve responsabilidades semelhantes no Sínodo. No entanto, por apenas uma cópia de seu próprio retrato da coroação de Pedro III, encomendado pelo Senado, o artista recebeu 400 rublos - apenas um terço menos do que seu salário sinodal anual.

Alexei Antropov. Retrato de Pedro III. 1762

Com a fundação da Academia de Artes em 1757, a situação começou a mudar. Anteriormente, o retratista russo, como um aprendiz da Renascença, aprendia seu ofício no estúdio de um artista praticante ou recebia aulas de uma celebridade visitante. Antropov, de quarenta anos, melhorou-se sob a orientação de Pietro Rotari, um pintor de reputação europeia que se mudou para a Rússia. Argunov estudou com Groot e, a mando da imperatriz, ele próprio ensinou pintura a cantores que “dormiam com a voz”, entre os quais estava o futuro pintor histórico Anton Losenko. Agora, a base da formação do artista foi o método holístico comprovado por gerações. A aula de retratos da Academia foi fundada em 1767.

Apesar do status aparentemente baixo do gênero, dos nove alunos iniciantes que se formaram na Academia, cinco se formaram como retratistas e apenas dois se especializaram em pintura histórica. Os retratos ocuparam um lugar importante nas exposições acadêmicas e permitiram ao artista fazer uma carreira plena - tornar-se um “nomeado” (isto é, membro correspondente) ou mesmo um acadêmico. Borovikovsky recebeu o primeiro título em 1794 por sua representação de Catarina II em um passeio no Parque Tsarskoye Selo, e um ano depois - o segundo, pelo retrato do Grão-Duque Konstantin Pavlovich. O retrato de uma pessoa com uma profissão criativa por si só poderia aumentar simbolicamente seu status. Levitsky retratou o arquiteto Kokorinov em 1769 segundo o padrão de retrato de um estadista: o reitor da Academia de Artes com uma espada e um terno luxuoso que vale seu salário anual, com um gesto cheio de nobreza, aponta para o secretário com o tesouro académico, o selo Academia e o seu plano. Quatro anos depois, o artista reproduzirá literalmente esse esquema no retrato do vice-chanceler Príncipe Golitsyn.

Vladimir Borovikovsky. Catarina II em um passeio no Parque Tsarskoye Selo. 1794Galeria Estatal Tretyakov

Vladimir Borovikovsky. Retrato do Grão-Duque Konstantin Pavlovich. 1795Museu de Arte do Estado de Chuvash

Dmitry Levitsky. Retrato de A.F. Kokorinov. 1769

Dmitry Levitsky. Retrato do Vice-Chanceler Príncipe A. M. Golitsyn. 1772Galeria Estatal Tretyakov

A segunda metade do século abre uma alternativa para o retratista - o trabalho por encomenda privada. Fyodor Rokotov provavelmente veio da servidão, mas serviu como nobre no departamento militar. Quando sua carreira na Academia de Artes não deu certo, ele se mudou para Moscou em 1766-1767, e a nobreza da antiga capital formou uma extensa clientela para o artista. Usando seu exemplo, podemos ter uma ideia da posição de um pintor requisitado. Para o retrato real pintado por sua própria iniciativa, Catarina concedeu a Rokotov 500 rublos. O primeiro historiógrafo da arte russa do século XVIII, Jacob Shtelin, testemunha que mesmo em São Petersburgo o artista era “tão habilidoso e famoso que não conseguia sozinho lidar com todas as obras que lhe foram encomendadas... Ele tinha cerca de 50 retratos no apartamento dele, muito parecido, nada foi feito neles, exceto a cabeça [isso provavelmente implicou a participação de aprendizes].” Se na década de 1770 seu retrato padrão custava 50 rublos, na década de 1780 já era avaliado em cem. Isso permitiu ao artista comprar um terreno por 14.000 rublos, construir nele uma casa de pedra de dois andares, tornar-se membro do Clube Inglês e receber o comentário irritado de um contemporâneo: “Rokotov tornou-se arrogante e importante depois da fama”.

Fyodor Rokotov. Retrato da coroação de Catarina II. 1763 Galeria Estatal Tretyakov

O contraste entre a pintura de ícones e o retrato do século XVIII mostra claramente o radicalismo da revolução de Pedro, o Grande. Mas a europeização formas figurativas começou mais cedo. No século XVII, os mestres da Câmara de Arsenal e outros isógrafos criaram um híbrido de ícone e retrato - parsuna (da palavra “pessoa”, que na primeira metade do século XVIII substituiu a palavra “retrato” na Rússia). No final do século XVII, Parsuna já utilizava com força o esquema do porto de parada europeu, emprestado pela Polónia e pela Ucrânia. A tarefa surgiu do retrato - a aparência de uma pessoa em seu papel social. Mas Artes visuais Em muitos aspectos, permanecem icónicos: a planicidade da forma e do espaço, a convencionalidade da estrutura do corpo, o texto explicativo na imagem, a interpretação ornamental das roupas e atributos. Essas características foram preservadas por muito tempo no século XVIII em retratos de nobres provinciais, em retratos de mercadores e clérigos.

Retrato do czar Alexei Mikhailovich. Parsun de um artista russo desconhecido. Final da década de 1670 - início da década de 1680 Museu Histórico do Estado

O aposentado de Peter, Ivan Nikitin, que estudou na Itália, é o primeiro mestre russo que “esqueceu” a parsuna. Seus retratos são bastante simples na composição, ele usa apenas alguns tipos iconográficos, raramente pinta as mãos e prefere um esquema de cores escuras. Os seus retratos são muitas vezes marcados por uma verossimilhança especial, o rosto é interpretado em relevo enfático, o reconhecimento prevalece sobre a idealização. O chanceler Gabriel Golovkin é a imagem ideal da monarquia meritocrática de Pedro: uma figura piramidal alongada, capturada pela luz, coroada por um rosto oval emoldurado por uma peruca. Dignidade calma, orgulho e autoconfiança são transmitidos ao herói por sua pose contida, mas natural, e pelo olhar direto que saúda o espectador. A camisola cerimonial com ordens e fita quase se funde com o fundo, permitindo focar toda a atenção no rosto. O ambiente escuro empurra Golovkin para fora, a mão esquerda marca o limite do espaço da tela, e o arco de filigrana azul parece rompê-lo, emergindo em nosso espaço. Este artifício pictórico, ao realçar a ilusão de presença, ajuda ao mesmo tempo a reduzir a distância psicológica e social entre o modelo e o espectador, que era intransponível na parsuna pré-petrina.

Ivan Nikitin. Retrato do Chanceler de Estado Conde G. I. Golovkin. Década de 1720 Galeria Estatal Tretyakov

Andrei Matveev, que retornou da Holanda, criou um retrato de si mesmo com sua jovem esposa por volta de 1729. Se concordarmos com esta identificação, geralmente aceita hoje, então temos diante de nós não apenas o primeiro autorretrato conhecido de um pintor russo. Esta imagem dos plebeus mostra um equilíbrio entre homens e mulheres, inesperado para a Rússia daquela época. Com a mão esquerda, o artista segura cerimoniosamente a mão do companheiro; com a mão direita, abraçando-a protetoramente, ele a direciona para o espectador. Mas todo o significado formal destes gestos de dominação e apropriação é inesperadamente apagado. Numa tela organizada de forma muito simples, a figura feminina não está apenas localizada mão direita do homem, mas também ocupa exatamente o mesmo espaço de imagem que ele, e as cabeças dos cônjuges estão localizadas estritamente na mesma linha, como se as escamas estivessem congeladas no mesmo nível.

Andrey Matveev. Autorretrato com sua esposa. Presumivelmente 1729 Museu Estatal Russo

O retrato de meados do século é, na maior parte, um retrato não de personalidade, mas de status. Exemplo típico- os cônjuges Lobanov-Rostov, pincéis de Ivan Argunov (1750 e 1754). Apesar de toda a familiaridade dos personagens, o espectador vê antes de tudo o “nobre nobre” e a “beleza graciosa”, cuja posição é de uma vez por todas fixada pelo uniforme, manto de arminho e vestido com bordados prateados. O artista de meados do século XVIII - russo e estrangeiro - transmite com extremo cuidado o traje e seus elementos: tecido, costura, renda; escreve joias e prêmios em detalhes. Nestes retratos de Argunov, o corpo do personagem é limitado pelo espaço, desdobrado ao longo do plano da tela, e os tecidos e decorações são pintados com tantos detalhes que fazem lembrar a parsuna com sua decoratividade e visão especial e superficial. corpo humano.

Ivan Argunov. Retrato do Príncipe I. I. Lobanov-Rostovsky. 1750Museu Estatal Russo

Ivan Argunov. Retrato da Princesa E. A. Lobanova-Rostovskaya. 1754Museu Estatal Russo

Hoje valorizamos mais aquelas obras do retrato russo do século XVIII, em que a imagem convencional parece ter perdido a integridade e o decoro (o equilíbrio do ideal e do real no retrato) é violado em favor da verossimilhança. Obviamente, é daí que vem o encanto que a imagem de Sarah Fermor (1749), de dez anos, tem para o espectador moderno. O subordinado de seu pai no Escritório de Edificações, Ivan Vishnyakov, apresentou a criança à imagem de uma menina adulta, encaixando a frágil figura na composição cerimonial com coluna e peso de cortina ao fundo. Daí a atratividade de tais imagens, onde um rosto desprovido de beleza externa parece ser a chave para uma transmissão verdadeira do caráter: tais são os retratos de Anthropov da senhora estatal Anastasia Izmailova (1759) ou Anna Buturlina (1763).

Ivan Visnyakov. Retrato de Sarah Eleanor Fermor. 1749Museu Estatal Russo

Alexei Antropov. Retrato da Senhora Estatal A. M. Izmailova. 1759Galeria Estatal Tretyakov

Alexei Antropov. Retrato de A. V. Buturlina. 1763Galeria Estatal Tretyakov

Nesta linha estão os retratos do casal Khripunov de Argunov (1757). Kozma Khripunov, um homem idoso com um nariz enorme, segura uma folha de papel dobrada nas mãos e, como se erguesse os olhos da leitura, detém o espectador com um olhar penetrante. Sua jovem esposa segura um livro aberto nas mãos e olha para nós com serena dignidade (de acordo com os livros confessionais, Feodosia Khripunova tem pouco mais de vinte anos: os personagens dos retratos do século XVIII muitas vezes parecem mais velhos do que realmente são). Diferente França moderna, onde na era da Enciclopédia o livro não era incomum mesmo em um retrato aristocrático, os personagens das pinturas russas do século XVIII são muito raramente representados na leitura. Pobres em atributos e com estilo contido, os retratos do casal Khripunov na Europa seriam classificados como retratos do terceiro estado, refletindo os valores do Iluminismo. Neles - como, por exemplo, no retrato do médico Leroy de Jacques Louis David (1783) - o que importa não é o status, mas a atividade do herói, não a bondade da aparência, mas o caráter honestamente apresentado.

Ivan Argunov. Retrato de K. A. Khripunov. 1757

Ivan Argunov. Retrato de Kh. M. Khripunova. 1757Museu-Propriedade de Moscou "Ostankino"

Jacques Louis David. Retrato do Doutor Alphonse Leroy. 1783 Museu Fabre

Pela primeira vez na Rússia moderna, os nomes de Rokotov e Levitsky estão associados à ideia de uma maneira estritamente individual, que parece subordinar o modelo a si mesmo: agora podemos falar com segurança sobre uma senhora “saída da tela de Rokotov ”, sobre um cavalheiro “do retrato de Levitsky”. Diferentes em estilo e espírito, os dois pintores fazem com que você veja em seus retratos não apenas imagens de pessoas específicas, mas também sinta a pintura como tal, o que afeta a pincelada, a textura, a cor - independentemente do assunto. Obviamente, isso é evidência de uma mudança gradual no status do artista, na sua autoestima e no emergente interesse público pela arte.

Rokotov é o primeiro mestre do retrato emocional da Rússia. O desenvolvimento de seu estilo está associado à influência do Rotary italiano, cujas “cabeças” femininas são geralmente consideradas bugigangas rococó picantes. Mas Rokotov pôde ver neles um exemplo de entonações diversas, sutis e indescritíveis - o que distingue as imagens do próprio artista russo. Do fundo escuro de seus antecessores, Rokotov se afasta para um fundo indefinido, como uma névoa, não tanto aproximando a figura do espectador, mas absorvendo-a. O corpo vestido com uniforme ou vestido adquire um significado subordinado, o rosto passa a ser totalmente dominante. Vale a pena dar uma olhada mais de perto em como Rokotov pinta os olhos: em coisas como o famoso retrato de Alexandra Struyskaya (1772), a pupila é pintada com pinceladas fundidas de cores semelhantes com destaque brilhante - o olhar perde clareza, mas ganha profundidade . A imprecisão do ambiente, a suavidade do contorno, juntamente com o olhar turvo mas intenso dos personagens, criam uma sensação de multidimensionalidade de personagem que não tem análogos nos retratos russos, nos quais - especialmente para as mulheres - as emoções desempenham um papel importante. papel decisivo. Nesse sentido, os personagens de Rokotov são pessoas sentimentais, nas quais as prioridades não são papéis sociais e ambições, mas a profundidade emocional e a mobilidade mental de uma pessoa.

Fyodor Rokotov. Retrato de A. P. Struyskaya. 1772 Galeria Estatal Tretyakov

Não parece coincidência que o estilo sofisticado, mas desprovido de efeitos externos, de Rokotov tenha tomado forma em Moscou com a tradição que alimentou privacidade, família e amizade. Ao mesmo tempo, na capital aristocrática e da corte de Catarina, seguindo a moda artística mundial, floresceu o pintor mais brilhante da Rússia do século XVIII, Dmitry Levitsky. Na obra deste nativo da família de um padre ucraniano formado na Academia de Artes de São Petersburgo, a pintura russa atingiu pela primeira vez o nível europeu. Ele foi dotado com o dom de criar imagens nobres e puras, a capacidade de transmitir com precisão uma variedade de texturas - tecidos, pedra, metal, o corpo humano. Ao mesmo tempo, várias de suas obras introduziram a arte russa no contexto dos movimentos mentais avançados da época.

Assim, as ideias de subordinação da autocracia à lei, relevantes para o Iluminismo russo, foram incorporadas por Levitsky na pintura “Catarina II - Legisladora no Templo da Deusa da Justiça” (1783). Retrato cerimonial O governante sempre incorpora sua imagem oficial. A tela de Levitsky é um caso único em que a imagem de um monarca, atendendo plenamente aos cânones do gênero, é uma mensagem da sociedade ao soberano, transmitindo as aspirações da nobreza iluminada.

Dmitry Levitsky. Retrato de Catarina, a Legisladora, no Templo da Deusa da Justiça. 1783 Museu Estatal Russo

Imperatriz em grinalda e a coroa civil, sacrificando sua paz, queima papoulas no altar sob a estátua de Themis com a inscrição “para o bem comum”. O perfil de Sólon, o legislador ateniense, está esculpido no pedestal da escultura. A águia imperial pousa nos tomos das leis, e no mar que se abre atrás da rainha a frota russa é visível sob a bandeira de Santo André com o bastão de Mercúrio, sinal de comércio protegido, ou seja, paz e prosperidade. Além da ideia educacional do Estado de Direito, outras conotações políticas também são possíveis aqui. Foi sugerido que a tela se tornasse o centro do conjunto de retratos da Duma dos Cavaleiros da Ordem de São Vladimir e fosse localizada em Sófia, em Czarskoe Selo, tornando-se assim parte do aparato ideológico de Catarina.

Este retrato, cujo programa pertence a Nikolai Lvov e a encomenda a Alexander Bezborodko, foi provavelmente a primeira obra de pintura russa que se revelou um acontecimento público. Está em consonância com a ode ao Estado do Vinho, surgida no mesmo ano de 1783. Ao mesmo tempo, Ippolit Bogdanovich publicou uma estrofe ao artista, para a qual Levitsky, desdobrando o programa ideológico do retrato, foi o primeiro caso de um pintor russo dirigindo-se diretamente ao público. Assim, o retrato assumiu as funções de uma tela histórica narrativa, que formaliza ideias que emocionam a sociedade e se torna um acontecimento para um público relativamente amplo. Este é um dos primeiros sinais de um novo processo para a Rússia: as belas-artes deixam de servir as necessidades utilitárias da elite (representação de ambições políticas e pessoais, decoração da vida, visualização do conhecimento, etc.) e gradualmente se tornam um elemento importante da cultura nacional, organizando o diálogo entre diferentes partes da sociedade.

Sete telas da série “Smolyanka”, escritas em 1772-1776, retratam nove alunas do Instituto Smolny de nobres donzelas de diferentes “idades” (períodos de estudo). Este é um monumento a uma experiência que reflectiu as ideias-chave do Iluminismo Europeu: a educação de uma nova pessoa, educação avançada para as mulheres. Eles também indicam claramente uma mudança gradual de atitude em relação aos períodos da vida humana: se antes uma criança em um retrato russo era, via de regra, apresentada como um pequeno adulto, então as mulheres Smolyanka demonstram passos no caminho para a adolescência, que foi apresentado pela primeira vez nesta série de retratos - cai em um estágio separado e independente. As meninas dançam e desempenham papéis teatrais, mas as duas imagens das “alunas do último ano” Glafira Alymova e Ekaterina Molchanova que fecham a série parecem resumir tudo, encarnando as duas hipóstases de uma mulher iluminada. Alymova toca harpa, representando as artes associadas à natureza sensual do homem. Mol-cha-nova representa o princípio intelectual. Ela posa com um livro e uma bomba de vácuo - uma ferramenta moderna que permite explorar a natureza material do mundo. De atributo de retrato, transforma-se aqui em sinal de conhecimento avançado baseado em experimentos científicos.

Dmitry Levitsky. Retrato de Feodosia Rzhevskaya e Nastasya Davydova. 1771-1772Museu Estatal Russo

Dmitry Levitsky. Retrato de Ekaterina Nelidova. 1773Museu Estatal Russo

Dmitry Levitsky. Retrato de Ekaterina Khrushcheva e Ekaterina Khovanskaya. 1773Museu Estatal Russo

Dmitry Levitsky. Retrato de Alexandra Levshina. 1775Museu Estatal Russo

Dmitry Levitsky. Retrato de Ekaterina Molchanova. 1776Museu Estatal Russo

Dmitry Levitsky. Retrato de Glafira Alymova. 1776Museu Estatal Russo

Dmitry Levitsky. Retrato de Natalya Borshchova. 1776Museu Estatal Russo

As obras de Vladimir Borovikovsky, estudante e conterrâneo de Levitsky, mostram claramente que os valores sentimentais nas últimas décadas do século XVIII tornaram-se a base para a representação de uma pessoa privada. Agora o retrato está claramente dividido em frontal e privado. A imagem do “príncipe diamante” Kurakin (1801-1802), assim apelidado por seu amor por joias e pompa ostensiva, brilha com luxo deliberado. Como várias pinturas de Goya, mostra que o esplendor da pintura se torna um dos últimos argumentos a favor da grandeza da aristocracia: os próprios modelos já não conseguem resistir ao pathos ditado pelo género.

Vladimir Borovikovsky. Retrato do Príncipe A. B. Kurakin. 1801-1802 Galeria Estatal Tretyakov

Uma característica híbrida da “era da sensibilidade” é uma imagem de Catarina II em Czarskoe Selo (ver acima). O retrato de corpo inteiro tendo como pano de fundo o monumento à glória militar é desenhado de uma forma distintamente íntima: representa a imperatriz de roupão durante um passeio solitário pelas vielas do parque. Catarina não gostou do retrato, mas, muito provavelmente, sugeriu a Pushkin a mise-en-scene do encontro de Masha Mironova com a Imperatriz em “A Filha do Capitão”. Foi com Borovikovsky que a paisagem, pela primeira vez entre os artistas russos, tornou-se o pano de fundo constante de um retrato, denotando todo um complexo de ideias associadas às ideias de naturalidade, sensibilidade, vida privada e unidade de almas afins.

A natureza como projeção de experiências emocionais é um traço característico da cultura do sentimentalismo, indicando que o mundo interior de uma pessoa se torna um valor incondicional. É verdade que em muitas obras de Borovikovsky o “envolvimento com a natureza” do personagem assume o caráter de um clichê, indicando que a sensibilidade e a naturalidade viraram moda. Isso é especialmente perceptível em retratos femininos executados com maestria, seguindo o ideal de beleza “natural” jovem e replicando as poses e atributos da modelo. Por outro lado, esta moldura de retrato pastoral permitiu incluir servos entre os personagens. Tais são, por exemplo, “Lizynka e Dashinka” (1794) - garotas do pátio de Lvov, que patrocinavam o pintor, quase indistinguíveis na aparência das jovens nobres.

Vladimir Borovikovsky. Lizynka e Dasha. 1794 Galeria Estatal Tretyakov

Se, na pessoa de Levitsky e Borovikovsky, a pintura russa se alinhou com as tendências artísticas modernas, então a próxima geração de retratistas russos decidiu nova tarefa: a sua arte construiu finalmente um diálogo com a grande pintura da Europa dos séculos XVI-XVII, cuja tradição estava ausente na Rússia pré-petrina. Os pré-requisitos para isso foram a formação de uma coleção do Hermitage de qualidade única na época de Catarina, bem como longas viagens ao exterior de jovens artistas que se formaram com sucesso na Academia. Karl Bryullov construiu sua própria imagem com base nos padrões do “velho mestre” e ao mesmo tempo recriou em solo russo o esplendor do retrato cerimonial de Vandyck com seu luxo sinfônico de cores (“Cavaleira”, 1831; retrato das irmãs Shishmarev , 1839).

Orest Kiprensky. Retrato do pai do artista Adam Karlovich Schwalbe. Museu Estatal Russo de 1804

No retrato de Pushkin (1827), constrói-se um diálogo com a tradição ao nível da iconografia, ainda compreensível para um europeu na viragem dos séculos XVIII para XIX. Os braços do poeta cruzados sobre o peito e o olhar voltado para o espaço são um eco das personificações da melancolia - temperamento que, desde o Renascimento, é considerado um sinal de genialidade.

Orest Kiprensky. Retrato de A. S. Pushkin. 1827 Galeria Estatal Tretyakov

A geração de 1812 tornou-se o herói coletivo das obras de Kiprensky. Esses retratos se distinguem pelo “comportamento” descontraído dos personagens, sem precedentes na arte russa. Uma comparação entre o retrato “formal” do Coronel Evgraf Davydov (1809) e uma série de retratos gráficos de participantes da Guerra Patriótica de 1812-1814 (Alexey Lansky, Mikhail Lansky, Alexey Tomilov, Efim Chaplits, Pyotr Olenin e outros, todos 1813) é indicativo. A primeira varia o tipo de retrato nobre característico da Europa do século XVIII e início do século XIX. A pose de Davydov não só demonstra uma naturalidade imparcial, como enobrece iconograficamente a personagem, pois remonta ao famoso “Sátiro em Repouso” de Praxíteles: a perfeição de uma estátua clássica garante a dignidade do herói da tela. Mas a paz corporal sensual de um sátiro é apenas o outro lado de sua natureza animal, e Kiprensky faz excelente uso dessa memória do protótipo (ao mesmo tempo simbólica e plástica), criando a imagem de um herói que está em paz relaxada. , mas capaz de se endireitar como uma mola. Cada um dos retratos a lápis de jovens “veteranos” também está, até certo ponto, sujeito a algum clichê de retrato, mas juntos eles demonstram liberdade gráfica e diversidade sem precedentes. decisões formais: giros do corpo, inclinações da cabeça, gestos, olhares. Em cada caso individual, o artista partiu não de papéis pré-determinados, mas da personalidade que lhe foi revelada. Essa facilidade dos personagens, juntamente com a demonstrativa facilidade de execução, atuam como uma personificação visível da “auto-estima” interna da geração - um sentimento de liberdade sem precedentes na história russa até então.

A majestosa e diversificada pintura russa sempre encanta o espectador com sua inconstância e perfeição. formas artísticas. Esta é uma característica das obras de famosos mestres da arte. Eles sempre nos surpreenderam com sua extraordinária abordagem ao trabalho, sua atitude reverente aos sentimentos e sensações de cada pessoa. Talvez seja por isso que os artistas russos retratavam com tanta frequência composições de retratos que combinavam vividamente imagens emocionais e motivos épicamente calmos. Não admira que Maxim Gorky tenha dito uma vez que um artista é o coração do seu país, a voz de uma época inteira. Na verdade, as pinturas majestosas e elegantes dos artistas russos transmitem vividamente a inspiração de sua época. Semelhante às aspirações do famoso autor Anton Chekhov, muitos procuraram trazer para as pinturas russas o sabor único de seu povo, bem como um sonho insaciável de beleza. É difícil subestimar as pinturas extraordinárias desses mestres da arte majestosa, porque sob seus pincéis nasceram obras verdadeiramente extraordinárias de vários gêneros. Pintura acadêmica, retrato, pintura histórica, paisagem, obras de romantismo, modernismo ou simbolismo - todos ainda trazem alegria e inspiração aos seus espectadores. Todos encontram neles algo mais do que cores coloridas, linhas graciosas e gêneros inimitáveis ​​​​da arte mundial. Talvez a abundância de formas e imagens com que a pintura russa surpreende esteja ligada ao enorme potencial do mundo que rodeia os artistas. Levitan disse ainda que cada nota de natureza exuberante contém uma paleta de cores majestosa e extraordinária. Com esse início, surge uma extensão magnífica para o pincel do artista. Portanto, todas as pinturas russas se distinguem por sua severidade requintada e beleza atraente, da qual é tão difícil se desvencilhar.

A pintura russa se distingue legitimamente do mundo artes artísticas. O fato é que até o século XVII a pintura russa estava associada exclusivamente a temas religiosos. A situação mudou com a chegada ao poder do czar reformador, Pedro, o Grande. Graças às suas reformas, os mestres russos começaram a se dedicar à pintura secular, e a pintura de ícones se separou como uma direção separada. O século XVII é a época de artistas como Simon Ushakov e Joseph Vladimirov. Então, no mundo da arte russa, o retrato surgiu e rapidamente se tornou popular. No século XVIII surgiram os primeiros artistas, passando de pintura de retrato para paisagem. É notável a simpatia pronunciada dos artistas pelos panoramas de inverno. O século XVIII também foi lembrado pelo surgimento da pintura cotidiana. No século XIX, três movimentos ganharam popularidade na Rússia: romantismo, realismo e classicismo. Como antes, os artistas russos continuaram a recorrer ao gênero retrato. Foi então que surgiram os mundialmente famosos retratos e autorretratos de O. Kiprensky e V. Tropinin. Na segunda metade do século XIX, os artistas representavam cada vez mais o povo russo comum no seu estado oprimido. O realismo torna-se o movimento central da pintura deste período. Foi então que surgiram os artistas Itinerantes, retratando apenas a vida real, real. Bem, o século XX é, obviamente, a vanguarda. Os artistas da época influenciaram significativamente seus seguidores na Rússia e em todo o mundo. Suas pinturas se tornaram as precursoras da arte abstrata. A pintura russa é um enorme Mundo maravilhoso artistas talentosos que glorificou a Rússia com suas criações

Pintado diretamente da natureza, em comunicação ao vivo com o modelo, através do estudo direto e da observação, o retrato é a base da arte realista. O desenvolvimento do realismo começa com o retrato. Na Rússia, o retrato apareceu mais tarde do que na Europa. Retrato russo apenas na virada do século XVII Século XVIII finalmente se transformou em um gênero independente.

O retrato russo desenvolveu-se com surpreendente rapidez - desde os parsuns do final do século XVII até os retratos de Rokotov, Shubin, Levitsky, Borovikovsky do século XVIII, que podem ser legitimamente equiparados aos melhores exemplos da arte retratística europeia contemporânea. Este desenvolvimento invulgarmente rápido e frutífero explica-se em grande medida pelo facto de os artistas russos conhecerem bem os mestres ocidentais, aprenderem com eles, nunca os imitando cegamente, preservando a sua identidade nacional.

O humanismo, a atenção especial às pessoas e o calor constituem uma das principais características da arte retratística russa. O Iluminismo russo, que desenvolveu uma ideia elevada do valor da pessoa humana, teve uma influência grande e fecunda na arte do retrato. Desenvolveu-se com sucesso na primeira metade do século XIX, atingindo o seu apogeu nos retratos de Bryullov, impressionando pela emotividade das imagens e pela beleza da forma plástica.

A segunda metade do século 19 foi o apogeu da arte russa de retratos realistas. Reflete claramente uma nova ideia do valor da pessoa humana, cujas atividades e poder criativo visam servir o povo. Nessa época, a gama de modelos mudou drasticamente - predominaram os retratos de figuras importantes da cultura nacional. Os artistas sempre avaliaram de forma muito objetiva uma pessoa, seu significado social e seu lugar na vida da sociedade russa. Mas a marca da época histórica e as linhas claras de nacionalidade não abafaram o brilho das características individuais. A arte do retrato realista dos artistas democráticos opôs-se resolutamente aos retratos de salão emasculados e lisonjeiros dos pintores acadêmicos e da corte.

No século 19, nenhum país da Europa tinha uma constelação tão brilhante de retratistas como a Rússia, onde mestres como N. Ge, V. Perov, I. Kramskoy, N. Yaroshenko, I. Repin trabalharam quase simultaneamente. Os nomes de V. Vasnetsov e V. Surikov deveriam ser merecidamente acrescentados a eles. Esses artistas são os principais criadores e criadores não apenas dos mais brilhantes características do retrato notável povo russo, mas também representantes típicos as próprias pessoas. Foram eles que, sobretudo no retrato, compreenderam a beleza e o valor espiritual do russo. A arte russa sempre teve uma base principal comum para sua existência. E esta base é o alto humanismo, o nacionalismo, que permeia a pintura histórica e de gênero russa e se manifesta claramente no retrato. O retrato russo impressiona pelo seu poder emocional, pela sua capacidade de expressar profundamente o mundo interior de uma pessoa em toda a sua plenitude e significado.

A tendência da reflexão verdadeira e direta na pintura vida moderna com seus contrastes sociais, interesse e desejo de expressar o profundo mundo interior da alma humana, de revelar valores éticos com a desumanidade da ordem social burguesa - tudo isso adquiriu um caráter fundamental na obra de artistas da escola democrática russa do segundo metade do século XIX século.

A segunda metade do século XIX na pintura russa foi uma época de brilhante florescimento do realismo democrático. A mudança decisiva que ocorreu na literatura e na arte nas décadas de 40-60 do século XIX consistiu, em primeiro lugar, no facto de os escritores, poetas, músicos e artistas russos se voltarem para o povo, para os seus pensamentos e aspirações. A vida do povo passou a ser o conteúdo principal de suas obras. A consequência disso foi o desenvolvimento generalizado e intensivo Pintura de gênero com suas cenas específicas da vida da cidade e do campo. A maioria dos artistas do gênero também praticava retratos.

Nunca antes um número tão significativo de retratos de figuras progressistas notáveis ​​​​da época apareceu na pintura, e em cada um desses retratos pode-se ver não apenas uma expressão vívida da aparência individual de um escritor ou cientista, músico ou artista, mas também o marca de uma época histórica e características claras de nacionalidade. Estes são, sem dúvida, pessoas russas. E nos retratos de pessoas comuns, os artistas notaram os aspectos mais valiosos e vibrantes do caráter nacional.

O principal tipo de retrato passou a ser o retrato de cavalete, mas principalmente semifigurado: a estrutura e a posição das mãos, mesmo as que não gesticulam, sempre realçam as características do modelo. Nesta época, os retratos cerimoniais oficiais, tão comuns nos séculos XVIII e primeira metade do século XIX, desapareceram quase por completo, assim como os retratos conjugais emparelhados (que abriram a possibilidade de um contraste expressivo de personagens). Agora a atenção do artista se concentrava apenas em um indivíduo. Além disso, durante toda a segunda metade do século, não foi criado um único retrato de grupo, com exceção de alguns retratos de família.

Os artistas russos, representantes da cultura democrática, procuraram captar numa imagem pitoresca um retrato confiável do seu contemporâneo, caracterizado por semelhanças convincentes.

O número de retratos de personalidades socialmente significativas prevalece claramente. Aqui é apropriado observar as atividades do P.M. Tretyakov, que, tendo começado a colecionar uma coleção de retratos de figuras culturais russas, presumiu que essa coleção deveria fazer parte da galeria nacional que ele havia planejado.

No final da década de 70, a Galeria Tretyakov, em constante reabastecimento, contava com quase tudo de melhor que havia sido criado e estava sendo recriado naquela época pela arte realista russa.

A segunda metade do século XIX foi o apogeu da arte democrática russa, que se opôs à arte reacionária das classes dominantes. Pintura russa que é importante parte integral a cultura adquiriu um caráter definitivamente democrático.

É completamente natural que os artistas democráticos se voltem para o retrato. Na era dos anos 60-90, o retrato adquiriu um significado sem precedentes. Os artistas avançados, como outras figuras progressistas daquela época, compreenderam todo o significado e valor da personalidade humana, cujas atividades e poder criativo visam servir o povo.

Um retrato em sua essência não é uma simples imagem de uma pessoa, e envolve fundamentalmente não apenas a transferência do externo, mas também a transferência do interno, a expressão das propriedades, essência, alma de uma pessoa, e não apenas o imagem de sua aparência, suas manifestações externas.

Foi somente na virada dos séculos XVII e XVIII que o retrato russo finalmente tomou forma como gênero independente. Passagem adicional longo curso de um sinal de superioridade social, desenvolvido com sucesso na primeira metade do século XIX, atingindo o seu apogeu nos retratos da segunda metade do século XIX, impressionando pela emotividade das imagens e pela beleza da forma plástica. Humanismo, atenção especial às pessoas é uma das principais características da arte retratística russa. Graças a essas qualidades, que reconhecem o valor do indivíduo, o retrato recebe um desenvolvimento particularmente amplo na arte russa.

Nikolai Nikolaevich Ge (1831-1894)

Artista russo. Nasceu em Voronezh em 15 (27) de fevereiro de 1831 na família de um proprietário de terras. Ele estudou nos departamentos de matemática das universidades de Kiev e São Petersburgo (1847-1850), depois ingressou na Academia de Artes, onde se formou em 1857. Foi muito influenciado por K.P. Bryullov e A.A. Ivanova. Ele viveu em Roma e Florença (1857-1869), em São Petersburgo, e desde 1876 - na fazenda Ivanovsky, na província de Chernigov. Foi um dos fundadores da Associação dos Itinerantes (1870). Fiz muitos retratos. Ele começou a trabalhar em retratos enquanto ainda estudava na Academia de Artes. Ao longo dos muitos anos de criatividade, ele pintou muitos de seus contemporâneos. Estas eram principalmente figuras culturais importantes. MEU. Saltykov-Shchedrin, M.M. Antokolsky, L. N. Tolstoi e outros Ge possui um dos melhores retratos IA Herzen (1867, Galeria Tretyakov) - a imagem de um revolucionário russo, um fervoroso lutador contra a autocracia e a servidão. Mas a intenção do pintor não se limita a transmitir semelhança externa. O rosto de Herzen, como se tivesse sido arrancado do crepúsculo, refletia seus pensamentos e a determinação inabalável de um lutador pela justiça social. Ge capturou neste retrato uma figura histórica espiritual, encarnando a experiência de toda a sua vida, cheia de lutas e ansiedade.

Suas obras diferem das de Kramskoy em sua emotividade e drama. Retrato do historiador N.I. Kostomarov (1870, Galeria Tretyakov) é escrito de forma extraordinariamente bela, temperamental, fresca e livre. O autorretrato foi pintado pouco antes de sua morte (1892-1893, KMRI), o rosto do mestre é iluminado com inspiração criativa. Retrato de N.I. Petrunkevich (1893) foi pintado pelo artista no final da vida. A menina é retratada quase em altura toda na janela aberta. Ela está imersa na leitura. Seu rosto de perfil, a inclinação da cabeça e a postura expressam um estado de reflexão. Como nunca antes, Ge prestou muita atenção ao cenário. A harmonia das cores atesta os poderes não gastos do artista.

Desde a década de 1880, Ge tornou-se amigo próximo e seguidor de L.N. Tolstoi. Em um esforço para enfatizar o conteúdo humano do sermão evangélico, Ge adota um estilo de escrita cada vez mais livre, acentuando ao máximo os contrastes de cores e luzes. O mestre pintou retratos maravilhosos, cheios de espiritualidade interior, incluindo o retrato de L.N. Tolstoi em sua mesa (1884). Na imagem de N.I. Petrunkevich contra o fundo de uma janela aberta para o jardim (1893; ambos os retratos em Galeria Tretyakov). Ge morreu na fazenda Ivanovsky (província de Chernigov) em 1º (13) de junho de 1894.

Vasily Grigorievich Perov (1834-1882)

Nasceu em Tobolsk em 21 ou 23 de dezembro de 1833 (2 ou 4 de janeiro de 1834). Ele era filho ilegítimo do promotor local, Barão G.K. Kridener, o sobrenome “Perov” foi dado ao futuro artista na forma de apelido por seu professor de alfabetização, um sacristão comum. Estudou na Escola de Pintura de Arzamas (1846-1849) e na Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura de Moscou (1853-1861), onde um de seus mentores foi S.K. Zaryanko. Ele foi especialmente influenciado por P.A. Fedotov, um mestre em gráficos satíricos de revistas, e entre os mestres estrangeiros - W. Hogarth e os artistas de gênero da escola de Düsseldorf. Morou em Moscou. Foi um dos membros fundadores da Associação dos Itinerantes (1870).

Os melhores retratos do mestre datam da virada dos anos 60-70: F.M. Dostoiévski (1872, Galeria Tretyakov) A.N. Ostrovsky (1871, Galeria Tretyakov), I.S. Turgenev (1872, Museu Russo). Dostoiévski é especialmente expressivo, completamente perdido em pensamentos dolorosos, cruzando nervosamente as mãos sobre os joelhos, imagem do mais elevado intelecto e espiritualidade. O romance de gênero sincero se transforma em simbolismo, permeado por uma triste sensação de fragilidade. Retratos do mestre (V.I. Dal, A.N. Maikov, M.P. Pogodin, todos os retratos - 1872), atingindo uma intensidade espiritual sem precedentes na pintura russa. Não admira que o retrato de F.M. Dostoiévski (1872) é justamente considerado o melhor na iconografia do grande escritor.

Nas últimas décadas de sua vida, o artista descobriu o extraordinário talento de escritor e ensaísta (contos Tia Marya, 1875; Sob a Cruz, 1881; e outros; última edição- Histórias de artistas, M., 1960). Em 1871-1882, Perov lecionou na Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura de Moscou, onde entre seus alunos estavam N.A. Kasatkin, S.A. Korovin, M.V. Nesterov, A.P. Ryabushkin. Perov morreu na aldeia de Kuzminki (naquela época - perto de Moscou) em 29 de maio (10 de junho) de 1882.

Nikolai Aleksandrovich Yaroshenko (1846-1898)

Nasceu em Poltava em 1º (13) de dezembro de 1846 em uma família de militares. Graduou-se na Academia de Artilharia Mikhailovsky em São Petersburgo (1870), serviu no Arsenal e aposentou-se em 1892 com o posto de major-general. Estudou pintura na Escola de Desenho da Sociedade para o Incentivo às Artes com I.N. Kramskoy e na Academia de Artes (1867-1874). Viajei muito - entre países Europa Ocidental, Próximo e Médio Oriente, Urais, Volga, Cáucaso e Crimeia. Foi membro (desde 1876) e um dos dirigentes da Associação dos Itinerantes. Viveu principalmente em São Petersburgo e Kislovodsk.

Suas obras podem ser chamadas de retratos - como "Stoker" e "Prisioneiro" (1878, Galeria Tretyakov). "Stoker" é a primeira imagem de um trabalhador da pintura russa. “O Prisioneiro” é uma imagem relevante durante os anos do turbulento movimento revolucionário populista. “Estudante” (1880, Museu Russo Russo), uma jovem com livros caminha pela calçada molhada de São Petersburgo. Nesta imagem, toda a era da luta das mulheres pela vida espiritual independente encontrou expressão.

Yaroshenko era um engenheiro militar, altamente educado e de caráter forte. O artista Peredvizhniki serviu aos ideais revolucionários e democráticos com sua arte. Mestre do gênero social e do retrato no espírito dos “Itinerantes”. A ilha ganhou fama pelas suas expressivas composições pictóricas, apelando à simpatia pelo mundo dos marginalizados socialmente. Um tipo especial de expressão ansiosa e “conscienciosa” dá vida aos melhores retratos de Yaroshenko (P.A. Strepetova, 1884, ibid.; G.I. Uspensky, 1884, Art Gallery, Yekaterinburg; N.N. Ge, 1890, Museu Russo, São Petersburgo). Yaroshenko morreu em Kislovodsk em 25 de junho (7 de julho) de 1898.

Ivan Nikolaevich Kramskoy (1837-1887)

Nasceu na província de Voronezh na família de um funcionário menor. Desde criança me interesso por arte e literatura. Depois de se formar na escola distrital em 1850, serviu como escriba e depois retocador de fotógrafo.

Em 1857 ele acabou em São Petersburgo e trabalhou em um estúdio fotográfico. No outono do mesmo ano ingressou na Academia de Artes.

A área predominante de realização artística de Kramskoy continuou sendo o retrato. Kramskoy, no gênero retrato, é ocupado por uma personalidade exaltada e altamente espiritual. Ele criou uma galeria inteira de imagens de grandes figuras da cultura russa - retratos de Saltykov - Shchedrin (1879, Galeria Tretyakov), N.A. Nekrasova (1877, Galeria Tretyakov), L.N. Tolstoi (1873, Galeria Tretyakov), P.M. Tretyakov (1876, Galeria Tretyakov), I.I. Shishkina (1880, Museu Russo), D.V. Grigorovich (1876, Galeria Tretyakov). pintura de retrato artística

O estilo artístico de Kramskoy é caracterizado por uma certa secura protocolar, monotonia de formas e esquemas composicionais, já que o retrato mostra as características do trabalho como retocador na juventude. O retrato de A.G. é diferente. Litovchenko (1878, Galeria Tretyakov) com sua pitoresca riqueza e beleza de tons marrons e oliva. Também foram criadas obras coletivas de camponeses: “Forester” (1874, Galeria Tretyakov), “Mina Moiseev” (1882, Museu Russo), “Camponês com freio” (1883, KMRI). Kramskoy recorreu repetidamente a uma forma de pintura em que dois gêneros entraram em contato - o retrato e a vida cotidiana. Por exemplo, obras dos anos 80: "Desconhecido" (1883, Galeria Tretyakov), " Dor inconsolável"(1884, Galeria Tretyakov). Um dos ápices da criatividade de Kramskoy é o retrato de Nekrasov, Auto-retrato (1867, Galeria Tretyakov) e o retrato do agrônomo Vyunnikov (1868, Museu da BSSR).

Em 1863-1868, Kramskoy lecionou na Escola de Desenho da Sociedade para o Incentivo aos Artistas. Em 1870, Kramskoy tornou-se um dos fundadores do TPHV. Ao pintar um retrato, Kramskoy recorreu com mais frequência a tecnologia gráfica(uso de mosto, branco e lápis). Foi assim que foram feitos os retratos dos artistas A.I. Morozova (1868), G.G. Myasoedova (1861) - Museu Estatal Russo. Kramskoy é um artista de grande temperamento criativo, um pensador profundo e original. Sempre lutou pela arte realista avançada, pelo seu conteúdo ideológico e democrático. Trabalhou frutuosamente como professor (na Escola de Desenho da Sociedade para o Incentivo às Artes, 1863-1868). Kramskoy morreu em São Petersburgo em 24 de março (5 de abril) de 1887.

Ilya Efimovich Repin (1844-1930)

Nasceu em Chuguev, na província de Kharkov, na família de um colono militar. Recebeu a sua formação artística inicial na escola de tipógrafos e dos artistas locais I.M. Bunakova e L.I. Persanova. Em 1863 ele veio para São Petersburgo e estudou na Escola de Desenho da Sociedade para o Incentivo aos Artistas com R.K. Zhukovsky e I.N. Kramskoy foi então admitido na Academia de Artes em 1864.

Repin é um dos melhores retratistas da época. Ele criou toda uma galeria de imagens de seus contemporâneos. Com que habilidade e força são capturados em suas telas. Nos retratos de Repin tudo é pensado até à última dobra, cada traço é expressivo. Repin tinha a maior capacidade do instinto de um artista de penetrar na própria essência características psicológicas, continuando as tradições de Perov, Kramskoy e Ge, ele deixou imagens escritores famosos, compositores, atores que glorificaram a cultura russa. Em cada caso individual, encontrou diferentes soluções composicionais e colorísticas com as quais pôde revelar da forma mais expressiva a imagem da pessoa retratada no retrato. Com que intensidade o cirurgião Pirogov aperta os olhos. Os olhos tristemente belos do artista Strepetova (1882, Galeria Tretyakov) disparam e como o rosto aguçado e inteligente do artista Myasoedov, o pensativo Tretyakov, é pintado. Ele escreveu “Protodiácono” (ministro da igreja 1877, Museu Russo Russo) com uma verdade impiedosa. Escrito com carinho pelo doente M.P. Mussorgsky (1881, Galeria Tretyakov), poucos dias antes da morte do compositor. Os retratos do jovem Gorky, do sábio Stasov (1883, Museu Estatal Russo) e outros são executados com sinceridade. “Buquê de Outono” (1892, Galeria Tretyakov) é um retrato da filha de Vera, como brilha o rosto da filha do artista. a sombra quente de um chapéu de palha. Com muito amor, Repin transmitiu um rosto atraente por sua juventude, alegria e saúde. A extensão dos campos, ainda floridos, mas tocados pelo amarelecimento da grama, pelo verde das árvores e pela transparência do ar trazem um clima revigorante à obra.

O retrato não foi apenas o gênero principal, mas também a base do trabalho de Repin em geral. Ao trabalhar em grandes telas, ele recorreu sistematicamente a esboços de retratos para determinar a aparência e as características dos personagens. Este é o retrato do Corcunda associado à pintura “Procissão religiosa na província de Kursk” (1880-1883, Galeria Tretyakov). Do corcunda, Repin enfatizou persistentemente a natureza prosaica, a miséria das roupas do corcunda e de toda a sua aparência, a banalidade da figura mais do que sua tragédia e solidão.

A importância de Repin na história da arte russa é enorme. Seus retratos refletiam especialmente sua proximidade com os grandes mestres do passado. Nos retratos, Repin alcançou Ponto mais alto seu poder pictórico.

Os retratos de Repin são surpreendentemente atraentes em termos lirísticos. Ele cria tipos folclóricos comoventes, numerosas imagens perfeitas de figuras culturais e retratos sociais graciosos (Baronesa V.I. Ikskul von Hildebrandt, 1889). As imagens dos parentes do artista são especialmente coloridas e sinceras: toda uma série de pinturas com a esposa de Repin, N.I. Nordman-Severovoy. Seus retratos puramente gráficos, executados a lápis de grafite ou carvão, também são magistrais (E. Duse, 1891; Princesa M.K. Tenisheva, 1898; V.A. Serov, 1901). Repin também se revelou um excelente professor: foi professor-chefe da oficina (1894-1907) e reitor (1898-1899) da Academia de Artes, e ao mesmo tempo lecionou na escola-oficina de Tenisheva.

Depois Revolução de outubro Em 1917, o artista viu-se separado da Rússia quando a Finlândia conquistou a independência, nunca se mudou para a sua terra natal, embora mantivesse contactos com amigos que aí viviam (em particular, com K.I. Chukovsky). Repin morreu em 29 de setembro de 1930. Em 1937, Chukovsky publicou uma coleção de suas memórias e artigos sobre arte (Far Close), que foi republicada várias vezes.

Valentin Alexandrovich Serov (1865-1911)

Nasceu em São Petersburgo na família do compositor A.N. Serova. Desde a infância, V.A. Serov estava cercado de arte. O professor era Repin. Serov trabalhou perto de Repin de primeira infância e logo descobriu talento e independência. Repin o envia para a Academia de Artes para P.P. Chistyakov. O jovem artista conquistou respeito e seu talento despertou admiração. Serov escreveu "Garota com Pêssegos". O primeiro grande trabalho de Serov. Apesar do tamanho pequeno, a imagem parece muito simples. Está escrito em tons rosa e dourados. Ele recebeu um prêmio da Sociedade de Amantes da Arte de Moscou por esta pintura. No ano seguinte, Serov pintou um retrato de sua irmã Maria Simonovich e posteriormente chamou-o de “Garota Iluminada pelo Sol” (1888). A menina está sentada à sombra e os raios do sol da manhã iluminam a clareira ao fundo.

Serov tornou-se um pintor de retratos da moda. Escritores famosos, aristocratas, atores, artistas, empresários e até reis posaram diante dele. Na idade adulta, Serov continuou a escrever para parentes e amigos: Mamontov, Levitan, Ostroukhov, Chaliapin, Stanislavsky, Moskvin, Lensky. Serov executou as ordens dos coroados Alexandre III e Nicolau II. O Imperador é retratado com uma jaqueta simples do Regimento Preobrazhensky; esta pintura (destruída em 1917, mas preservada na réplica do autor do mesmo ano; Galeria Tretyakov) é frequentemente considerada o melhor retrato do último Romanov. O mestre pintou funcionários titulados e empresários. Serov trabalhou em cada retrato até a exaustão, com dedicação completa, pois se o trabalho iniciado fosse dele último emprego. A impressão de arte espontânea e leve foi reforçada nas imagens de Serov porque ele trabalhou livremente em uma ampla variedade de técnicas (aquarela, guache, pastel), minimizando ou mesmo eliminando a diferença entre esboço e pintura. O desenho em preto e branco sempre foi uma forma igual de criatividade para o mestre (o valor intrínseco deste último consolidou-se em seu trabalho desde 1895, quando Serov realizou uma série de esboços de animais, trabalhando na ilustração das fábulas de I.A. Krylov).

Na virada dos séculos XIX para XX. Serov se torna talvez o primeiro pintor de retratos da Rússia; se for inferior a alguém nesse aspecto, apenas a Repin.

Parece que ele é o melhor na criação de imagens íntimas e líricas de mulheres e crianças (N.Ya. Derviz com uma criança, 1888-1889; Mika Morozov, 1901; ambos os retratos - Galeria Tretyakov) ou imagens de pessoas criativas (A. Masini , 1890; K.A. Korovin, 1891; F. Tamagno, 1891; Mas retratos seculares ainda mais oficiais combinam organicamente a arte sutil com o dom não menos sutil de um artista-psicólogo. Entre as obras-primas do “secular” Serov está o Conde F.F. Sumarokov-Elston (mais tarde Príncipe Yusupov), 1903, Museu Russo; G.L. Girshman, 1907; EM. Girshman, 1911; I A. Morozov, 1910; Princesa OK Orlova, 1911; está tudo lá).

Nos retratos do mestre nesses anos, a Art Nouveau dominou completamente com seu culto a uma linha forte e flexível, gesto e pose monumentais e cativantes (M. Gorky, 1904, Museu A.M. Gorky, Moscou; M.N. Ermolova, 1905; F.I. Chaliapin, carvão, giz, 1905; ambos os retratos - na Galeria Tretyakov; Serov deixou uma grata lembrança de si mesmo como professor (em 1897-1909 ele lecionou na Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura de Moscou, onde seus alunos incluíam K.F. Yuon, N.N. Sapunov, P.V. Kuznetsov, M. S. Saryan, K.S. Petrov- Vodkin). Serov morreu em Moscou em 22 de novembro (5 de dezembro) de 1911.

“Você só pode confiar nesses retratos
Em que o modelo é quase invisível,
Mas o Artista é claramente visível.”
Óscar Wilde.
A primeira metade do século 19 na vida da sociedade russa foi dramática no início, mas também romântica depois. Os acontecimentos da Guerra de 1812, a derrota do exército russo e a tomada de territórios por Napoleão no início do século, a marcha vitoriosa pela Europa e a onda de autoconsciência nacional tornaram-se a base para o subsequente surgimento e desenvolvimento de interesse em compreender uma pessoa específica em momentos importantes de sua vida, em sua mundo interior e experiências. Um pouco antes, essas tendências surgiram na Europa e deram origem à arteromantismo,que na Rússia adquiriu uma peculiaridade: no início do século foi heróico, associado a interessado em cultura e história nacionais, aos talentos nacionais. E isso levou a conquistas notáveis ​​​​no retrato, que conectou diretamente o artista com a sociedade e com contemporâneos de destaque.
Um dos mais famosos retratistas da época foiOrest Kiprensky (1782-1836) , em cuja arte até mesmo um períodorefletia as características do classicismo e do romantismo.

Kiprensky viveu vida tempestuosa, que tinha de tudo: ilegitimidade de mãe serva, sobrenome inventado, educação desde os 6 anos em uma escola da Academia de Artes sob a liderança de Levitsky, acusações de fraude quando um artista de 22 anos apresentou um retrato de seu pai adotivo na Itália (lá, a princípio, esta obra foi considerada uma obra-prima desconhecida de Rubens ou Rembrandt).

Ele era extraordinariamente bonito e louco de paixão, tinha um temperamento frenético e impressionável, e teve uma ascensão na fama na Itália e na Rússia (onde foi chamado de “Van Dyck russo”). E então tudo piorou: rumores sobre o assassinato de sua modelo, a adoção do catolicismo e um casamento desnecessário, embriaguez, pobreza e morte longe de sua terra natal.

Sua lápide em Roma diz: “Em memória de Orest Kiprensky, o mais famoso entre os artistas russos”. (Você pode ler mais sobre sua biografia aqui:http://art19.info/kiprenskiy/biography.html )
Outro notável pintor da época,Alexei Venetsianov (1780-1847) O lugar principal da obra foi ocupado pela representação do trabalho e da vida dos camponeses, um tanto idealizada e suavizada.

Venetsianov iniciou sua jornada na arte com aulas de desenho que lhe foram dadas por seu “tio” (tutor), um desenhista competente. Naquela época, como lembramos, o gênero principal era o retrato, e o jovem autodidata, tendo pintado um retrato de sua mãe, decidiu se dedicar à pintura, foi para São Petersburgo e trabalhou como desenhista no departamento postal.

Um feliz acidente fez dele aluno de Borovikovsky, aos poucos ganhou fama e pôde dedicar-se inteiramente à pintura. Logo após seu casamento, Venetsianov comprou uma pequena propriedade e mergulhou completamente em uma nova direção para a pintura russa - retratos e cenas de gênero de vida camponesa. Ao mesmo tempo, ele descobriu uma segunda vocação em si mesmo - ensinar pintura a crianças camponesas competentes, e até comprou alguns que eram servos. Ele criou mais de 70 alunos capazes em sua “Escola Venetsianov”.

“O realismo poético inicial de Venetsianov, que se tornou uma etapa muito necessária no desenvolvimento da pintura russa, também coloriu seu retrato, enriquecendo assim todo o retrato russo deste período.”
(http://www.artprojekt.ru/gallery/russian/60.html ) Os últimos anos de sua vida foram difíceis: sua esposa morreu de cólera, não havia dinheiro suficiente, suas filhas não puderam se casar, muitos estudantes traíram seus ideais e escreveram cenas felizes implausíveis vida camponesa e retratos embelezados. O artista morreu de forma absurda e terrível: os cavalos da carroça fugiram, suas mãos ficaram presas nas rédeas, e por vários quilômetros seu corpo, atirado para fora da carroça, correu atrás dela sobre as pedras. ( Biografia detalhada O artista pode ser lido aqui:http://art19.info/venetsianov/biography.html )
Outro notável artista da primeira metade do século XIXAlexandra Ivanova (1806-1858)

o retrato, via de regra, não era o principal da obra; era um esboço auxiliar para a criação de uma grande tela histórica ou histórico-religiosa. Lembre-se de todo o salão de retratos de diferentes tamanhos e esboços da Galeria Tretyakov, pintados pelo artista para imagem principal da sua vida - “A Aparição de Cristo ao Povo”? Alguns críticos de arte acreditam que os esboços superaram o valor da pintura em si, que se revelou enorme (5,4 m x 7,5 m), inspirando respeito, pintada ao longo de 20 anos, mas não tocando a alma, na minha opinião. Mas cada esboço dela pode ser considerado uma pintura completa, olha essa cabeça, é um retrato do Gogol, só que com barba e cabelos longos e cacheados.

Dos 25 anos até quase o fim da vida, o artista viveu na Itália, praticamente na pobreza e às vezes até passando fome, sem constituir família, embora tivesse um grande amor pela bela italiana Vittoria Caldoni, que preferia sua amiga, a artista Lapchenko. (Isso está interessantemente escrito aqui:http://nearyou.ru/ivanov/0vittoria.html .

Ele não teve sorte com as mulheres. Durante cerca de oito anos ele morou com uma certa Teresa (há menção dela em sua correspondência), ela sempre fazia cenas para ele e roubava dele mais de uma vez. Havia outra mulher por quem ele estava apaixonado, a condessa Apraksina, mas ela foi dada em casamento a outra pessoa. Retornando à Rússia, Ivanov contrai cólera um mês depois e morre.
Um lugar especial no retrato é ocupado pelo trabalho de outro artista russo, que frequentemente introduzia detalhes de gênero em seus retratos. Isso é sobrePavel Fedotov (1815-1852) ,

militar de carreira, capitão da guarda, que deixou o serviço militar e se dedicou à arte por ordem de NicolauEU, que conheceu as grandes habilidades do “desenhador”. E começou a desenhar como pintor de batalhas, sentiu-se atraído por cenas de batalhas em grande escala, bem como por caricaturas e caricaturas de seus companheiros. corpo de cadetes. Deixar serviço militar Fedotov já estava se preparando antes mesmo da ordem do czar, o fabulista Krylov, que viu seu trabalho e o aconselhou a “expor a maldade da vida russa e assim contribuir para sua melhoria”, o chamou para isso. Todos vocês conhecem suas famosas cenas de gênero, que despertaram grande interesse do espectador, mas nos retratos ele se mostrou um artista extraordinário, observador e franco.

Às vezes ele podia caminhar metade da cidade atrás de algum tipo de sua preferência para vê-lo melhor em movimento e depois retratá-lo em uma de suas cenas planejadas. Ele vivia muito modestamente com seu ordenança, às vezes até vivia na pobreza, mas ajudava sua família - seu pai e suas irmãs.

O fim de sua curta vida foi terrível - ele morreu em um hospital psiquiátrico, no departamento de loucos violentos por pleurisia, apenas seu fiel ordenança o enterrou, seus amigos nem foram avisados. (Uma biografia detalhada pode ser encontrada aqui:http://art19.info/fedotov/biography.html ).
Um pintor brilhante, um magnífico retratista, um monumentalista talentoso, um excelente aquarelista, um classicista e um romântico - todos estes epítetos não são um exagero quando falamos deeste artista.

O próprio Deus ordenou que ele se tornasse um artista, dignando-se a nascer na família de um artista e professor da Academia de Artes de São Petersburgo, Pavel Brullo. Já aos 10 anos ingressou na Academia e surpreendeu os professores com seu talento e técnica, facilidade de escrita e eficiência. Em 1822, acrescentando um “v” ao seu sobrenome, Bryullov e seu irmão fizeram uma viagem pela Europa em nome da Sociedade para o Incentivo aos Artistas. Suas obras, escritas na Itália, foram um grande sucesso e receberam elogios do próprio Nicolau EU . Ele pinta um grande número de retratos encomendados, usando uma variedade de técnicas e estilos artísticos, do barroco ao realismo, introduzindo detalhes e móveis do cotidiano.

Tendo retornado à sua terra natal como um artista conhecido, ele se tornou um retratista muito procurado pela alta sociedade. Muitos nobres, políticos e escritores consideram uma honra ter seu próprio retrato de Bryullov;

Em 1847, após um forte resfriado, o reumatismo de Bryullov piorou e seu trabalho piorou já que ele tinha um problema cardíaco desde a infância por insistência dos médicos, passou sete meses acamado, mas continuou trabalhando;

A pedido dos mesmos médicos, em 1849 Bryullov mudou-se para a ilha da Madeira, depois para uma pequena localidade perto de Roma, pintou vários retratos, mas isso já lhe era difícil, e em 1852 o artista faleceu, deixando muitas obras inacabadas e esboços no estúdio. (Você pode ler a biografia completa aqui: (http://art19.info/brullov/biography.html ).
Aproximamo-nos gradualmente de meados do século XIX, quando na arte russa em geral, e na pintura em particular, Grandes mudanças associado a mudanças na situação do país e no humor da sociedade. “Nasceu a arte realista nacional, cuja tarefa era refletir a vida da sociedade e do povo...” (http://art19.info/russkaja-zhivopis/articles.html). Embora não goste de tais definições, por as considerar rebuscadas, sou de opinião que a pintura (e a arte em geral) não é obrigada a “colocar-se a tarefa” de reflectir seja o que for, mas este não é o lugar para esta conversa.
Um dos primeiros artistas russos que sentiu e conseguiu transmitir a necessidade de mudança da sociedade, chamou-a ao insight, chamou a sua atenção para a vida do povo, “expondo”, como dizem os críticos, a injustiça e a opressão, foiVasily Perov (1834-1882) .

Seu sobrenome foi inicialmente um apelido dado a ele por um professor de gramática por sua boa “habilidade com a caneta”, que mais tarde se tornou o único. Ele era filho ilegítimo do Barão Kridener, que o criou em sua família. Perov é conhecido principalmente por suas pinturas de gênero, algumas das quais são claramente reveladoras (por exemplo, “Troika”, familiar para muitos no livro soviético “Native Speech”), mas estamos interessados ​​em retratos, muitos dos quais são considerados obras-primas de o genero.

“Este retrato não é apenas o melhor retrato de Perov, mas também um dos melhores retratos da escola russa em geral. Nele estão evidentes todos os pontos fortes do artista: caráter, poder de expressão, enorme relevo.” Foi assim que Ivan Kramskoy descreveu este trabalho. Perov pinta toda uma série de retratos de escritores e músicos russos, entre eles magníficos retratos de Turgenev, Rubinstein, Ostrovsky.

O artista Nesterov disse maravilhosamente sobre seus retratos daquele período: “...Expressos com cores tão antiquadas e desenhos simples, os retratos de Perov viverão por muito tempo e não sairão de moda como os retratos de Luke Cranach e retratos esculturais antigos.”
A criatividade dos últimos anos de sua curta vida é considerada pouco bem-sucedida, e sua própria vida foi trágica: a morte de sua esposa, a perda de seus dois filhos mais velhos e a contração da tuberculose. A doença longa, grave e incurável da época foi agravada pela febre tifóide e pneumonia, o artista morreu aos 48 anos e foi sepultado no cemitério do Mosteiro de Donskoy. (Mais detalhes aqui:http://www.art-portrets.ru/vasiliy-perov.html )
Um dos artistas mais brilhantes da época, que se aventurou tanto na vida cotidiana quanto gêneros históricos, mas ficou famoso principalmente graças aos retratos de seus contemporâneos, foiIvan Kramskoy (1837-1887).


Toda a sua vida é uma contradição total: ele foi um acadêmico e ao mesmo tempo um lutador contra o academicismo, foi um fervoroso admirador de Chernyshevsky, mas pintou retratos de membros família real. Tendo ficado famoso pela sua virtuosa pintura de retratos, o artista, no entanto, considerava este tipo de pintura um fardo, um dever, “não uma verdadeira arte”, que permite sustentar a sua família, mas o distrai daquilo que ele gostaria de fazer - “a busca do propósito da existência humana e a solução dos problemas sócio-políticos através da pintura”.

E nós, descendentes, temos a sorte de que, para manter o padrão de vida da família, o artista teve que aceitar encomendas de um grande número de retratos, graças aos quais temos a oportunidade de ver os rostos de muitos pessoas excepcionais daquela vez.

Kramskoy conheceu sua futura esposa quando ele tinha 22 anos; ela era a mulher mantida por um artista pouco conhecido, e quando ele foi para o exterior, ela se tornou esposa de Kramskoy, lhe deu 6 filhos, dois dos quais sobreviveram, e foi sua assistente e apoio não só no dia a dia, mas também nas atividades do “Artel dos Artistas” liderado pelo marido.

Os últimos anos de vida do artista foram ofuscados pela busca incessante de renda, pelo trabalho forçado e enfadonho em retratos por encomenda, pela impossibilidade do desejo de se dedicar a outros assuntos, pela saúde debilitada e pelas dores de cabeça, que tentou suprimir com morfina. Ele morreu antes dos 50 anos enquanto trabalhava em outro o último retrato(Doutor Rauchfus) de um aneurisma de aorta rompido, foi impossível ajudá-lo.
E sobre outro pintor de origem francesa e um destino incomum em zigue-zague,Nicolae Ge (gay) (1831-1894) ,

que iniciou seu trabalho com histórias do evangelho, que primeiro ficou famoso por suas pinturas em tópicos históricos, que, juntamente com Myasoedov, participou ativamente na criação da Associação de Exposições Itinerantes, foi para o deserto para fazer agricultura, tornou-se amigo de Leão Tolstói e deixou-nos retratos de muitos dos seus grandes contemporâneos. Fato interessante biografias: Ge conheceu Herzen na Itália,

pintou seu magnífico retrato e só conseguiu entregá-lo à Rússia sob o disfarce do profeta Moisés, já que Herzen vivia no exílio e o retrato “deste rebelde” poderia ser destruído pelos gendarmes na fronteira. Desde a década de 1880, Ge tornou-se não apenas um seguidor de Leão Tolstói, mas também seu amigo,

está passando por um renascimento espiritual, declara que só se deve viver do trabalho honesto e que “a arte não pode ser comercializada”. No final da vida o artista estava ocupado com o tema últimos dias Cristo. Ele disse: “Vou abalar todos os seus cérebros com o sofrimento de Cristo”. Mas o seu novo estilo, que antecipou o advento do expressionismo, não foi aceite pelo público e pela crítica. Sua morte repentina aos 63 anos interrompeu sua busca por novos meios de expressão; seus contemporâneos não compreenderam o “grande avanço que o artista havia feito”.século 19 para a estética dolorosa do século seguinte." (Ana Ontem.