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Museu Estatal Russo

O Museu Estatal Russo em São Petersburgo é o maior museu de arte russa do mundo. Foi fundada por Nicolau II em 1895 e aberta solenemente aos visitantes em 19 de março de 1898.

Até 1917 era chamado "Museu Russo do Imperador Alexandre III". O imperador Alexandre III (pai de Nicolau II) era um colecionador apaixonado; nesse sentido, ele só pode ser comparado a Catarina II. O castelo Gatchina do imperador literalmente se transformou em um depósito de tesouros inestimáveis. As aquisições de Alexandre não cabem mais nas galerias do Palácio de Inverno, Anichkov e outros palácios - eram pinturas, objetos de arte, tapetes ... A extensa coleção de pinturas, gráficos, objetos de arte decorativa, esculturas coletadas por Alexandre III após sua morte foi transferida para o museu russo fundado pelo imperador Nicolau II em memória de seu pai.

Museu Estatal Russo

Inicialmente, o museu estava localizado nos corredores Palácio Mikhailovsky . A coleção do museu na época consistia em 1880 obras de pintura, escultura, gráficos e arte russa antiga, transferidas de Palácios imperiais, o Hermitage e a Academia das Artes.

História do Palácio Mikhailovsky

O edifício foi construído no estilo Império. A ideia de construir uma nova residência para o príncipe Mikhail Pavlovich pertencia a seu pai, o imperador Paulo I. Mas Paulo não precisava ver a concretização de sua ideia, porque como resultado golpe palaciano ele morreu. Apesar disso, a ordem do imperador foi cumprida. Quando Mikhail tinha 21 anos, o imperador Alexandre I decidiu começar a construir o palácio.

O arquiteto planejou não apenas o palácio, mas também a praça em frente e duas novas ruas (Inzhenernaya e Mikhailovskaya).

Palácio Mikhailovsky

A colocação cerimonial do edifício ocorreu em 14 de julho e a construção propriamente dita começou em 26 de julho. Do lado do Campo de Marte, um jardim apareceu no palácio - também Mikhailovsky. Em 11 de setembro de 1825, o palácio foi consagrado.

Filiais do museu

O Museu Russo hoje está localizado, além do Palácio Mikhailovsky, em edifícios que são monumentos arquitetônicos dos séculos XVIII e XIX:

Palácio de verão de Pedro I
palácio de mármore
Palácio Stroganov
Casa de Pedro I

O espaço do museu é complementado pelo Mikhailovsky e pelos Jardins de Verão.

Palácio de verão de PetraEU

Palácio de verão de Pedro I

O Palácio de Verão foi construído em estilo barroco de acordo com o projeto Domenico Trezzini em 1710-1714. Este é um dos edifícios mais antigos da cidade. O palácio de dois andares é bastante modesto e é composto por apenas catorze quartos e duas cozinhas.

A residência foi projetada para uso apenas na estação quente: de maio a outubro, então as paredes são bastante finas e as janelas têm caixilhos únicos. A decoração das instalações foi criada pelos artistas A. Zakharov, I. Zavarzin, F. Matveev.

A fachada do palácio é decorada com 29 baixos-relevos, que retratam eventos de forma alegórica. guerra do norte. Os baixos-relevos foram feitos pelo arquiteto e escultor alemão Andreas Schlüter.

palácio de mármore

palácio de mármore

O Palácio de Mármore foi construído em 1768-1785. projetado por um arquiteto italiano Antonio Rinaldi. Ele completa uma série de edifícios cerimoniais adjacentes ao Palácio de Inverno. O notável arquiteto A. Rinaldi, autor de mais de vinte e cinco grandes edifícios em São Petersburgo e seus subúrbios, foi considerado mestre consumado"fachadas de mármore". Suas técnicas e soluções arquitetônicas são sempre facilmente reconhecíveis.

Rinaldi veio para a Rússia a convite do Conde K.G. Razumovsky, e em 1754 ele recebeu o cargo de arquiteto na corte do príncipe Peter Fedorovich e sua esposa, a futura imperatriz Catarina II. Ele construiu o Palácio Chinês em Oranienbaum, o palácio do Conde G.A. Orlov em Gatchina, etc. Mas o Palácio de Mármore é talvez o mais significativo de todos os seus edifícios. O palácio foi destinado a Grigory Orlov, o favorito de Catarina II, o principal organizador de sua ascensão ao trono. O edifício recebeu esse nome por causa do incomum para decoração de fachadas com pedra natural de São Petersburgo. Naquela época, ricos depósitos de mármore foram encontrados na Rússia. Trinta e duas variedades de mármore do norte e italiano foram usadas para a decoração interior e exterior do palácio. A aparência estrita do edifício é típica do classicismo inicial.

A fachada principal do Palácio de Mármore está voltada para o Campo de Marte. É decorado com colunas e a fachada oposta - pilastras da ordem coríntia. famoso escultor F.I. Shubin fez duas estátuas no sótão e uma composição de armadura militar. Em colaboração com M. I. Kozlovsky, ele participou da criação da decoração escultural e decorativa do interior do palácio. A decoração da escadaria principal e o primeiro nível das paredes do Salão de Mármore sobreviveram ao nosso tempo. Uma elegante cerca feita de lanças e pilares com vasos e troféus cerca o vasto jardim da frente. Mais tarde, um edifício de serviços foi construído na parte leste, perto do Palácio de Mármore. O baixo-relevo "Serving a Horse to Man" do escultor P.K. Klodt adorna a fachada ocidental do edifício.

Na década de 1990, o palácio tornou-se uma filial do Museu Russo.

Castelo de engenharia (Mikhailovsky)

Castelo de engenharia (Mikhailovsky)

Foi construído por ordem do imperador Paulo I na virada dos séculos XVIII-XIX e tornou-se o local de sua morte.

O Castelo Mikhailovsky deve seu nome ao templo de Miguel Arcanjo, patrono da dinastia Romanov, localizado nele, e ao capricho de Paulo I, que recebeu o título de Grão-Mestre da Ordem de Malta, para chamar todos os seus palácios “castelos”; o segundo nome - "Engenharia" veio da Escola de Engenharia Principal (Nikolaev), que estava localizada lá desde 1823, agora VITU.

O projeto do palácio foi desenvolvido arquiteto V. I. Bazhenov em nome do imperador Paulo I, que queria torná-lo sua residência principal. Construção liderada arquiteto V. Brenna(que o por muito tempo erroneamente considerado o autor do projeto). Brenna reformulou o projeto original do palácio e criou a decoração artística de seus interiores.

Além de Bazhenov e Brenn, o próprio imperador participou da criação do projeto, tendo composto vários desenhos para ele. Os assistentes de Brenna também incluíam Fyodor Svinin e Karl Rossi. Paulo I acelerou a construção, Charles Cameron e Giacomo Quarenghi foram enviados para ajudá-lo. Por ordem do imperador, a construção foi realizada dia e noite (à luz de lanternas e tochas), pois ele exigia que o castelo fosse reconstruído no mesmo ano.

21 de novembro de 1800, no dia de São Miguel Arcanjo, o castelo foi solenemente consagrado, mas as obras nele decoração de interior continuou até março de 1801. Após o assassinato do imperador, 40 dias após a inauguração, o Castelo Mikhailovsky foi abandonado pelos Romanov e caiu em ruínas por duas décadas. Quando Alexandre I precisou de prata para um serviço luxuoso - um presente de casamento para sua irmã Anna Pavlovna, rainha da Holanda, os portões de prata da igreja do palácio foram derretidos. Nicolau I ordenou aos arquitetos que “extraíssem” mármore no palácio para a construção do Novo Hermitage.

Em 1823 o castelo foi ocupado pela Escola Principal de Engenharia.

Em 1991, um terço das instalações do castelo foi doado ao Museu do Estado Russo; em 1995, todo o castelo foi doado ao museu.

Palácio Stroganov

Palácio Stroganov

O Palácio Stroganov, construído de acordo com o projeto arquiteto Francesco Bartolomeo Rastrelli em 1753-1754, um dos exemplos do barroco russo.

Além de F.B. Rastrelli, A.N. Voronikhin, I.F. Kolodin, K. Rossi, I. Charlemagne, P.S. Sadovnikov.

Stroganov (Strogonov) - uma família de comerciantes e industriais russos, da qual grandes proprietários de terras e estadistas séculos XVI-XX. Nativos dos ricos camponeses da Pomerânia. A partir do século 18 - barões e condes Império Russo. A família morreu em 1923.

O edifício é uma filial do Museu Russo desde 1988.

casa de PetraEU

Casa de Pedro I

O primeiro edifício em São Petersburgo, a casa de verão do czar Pedro I no período de 1703 a 1708. Esta pequena casa de madeira de 60 m² foi construída por soldados carpinteiros perto da Praça da Trindade em apenas três dias. Aqui, em 27 de maio de 1703, ocorreu uma festa por ocasião da anexação de terras e da fundação de uma nova cidade.

A casa foi construída a partir de troncos de pinho cortados à maneira de uma cabana russa. O dossel divide-o em duas partes. Além desse recurso, bem como portas decoradas com placas metálicas ornamentais, são características típicas inerentes ao russo arquitetura XVII século - tudo na casa lembra a paixão do rei pela arquitetura holandesa. Então, Pedro, querendo dar à casa a aparência de uma estrutura de pedra, ordenou que as toras fossem cortadas e pintadas para parecerem tijolos vermelhos, o telhado alto coberto com telhas de telhas e janelas extraordinariamente grandes para serem feitas com pequenas desvitrificação. Não havia fogões e chaminés na casa, pois Peter morava nela apenas durante a estação quente. A casa foi preservada quase em sua forma original.

Coleções do Museu Russo

A mais completa é a coleção de arte do XVIII - a primeira metade do século XIX séculos. Basta listar apenas alguns nomes para se ter uma ideia da riqueza artística do museu: A. Matveev, I. Nikitin, Carlo Rastrelli, F. Rokotov, V. Borovikovsky, A. Losenko, D. Levitsky, F. Shubin, M. Kozlovsky, I. Martos, S. Shchedrin, O. Kiprensky, A. Venetsianov, F. Bruni, K. Bryullov, P. Fedotov, A. Ivanov.

Pintura de K. Bryullov "O Último Dia de Pompéia"

K. Bryullov "O Último Dia de Pompéia"

Bryullov visitou Pompéia em 1828, fazendo muitos esboços para uma futura pintura sobre o famoso O Monte Vesúvio entrou em erupção em 79 dC. uh. e a destruição da cidade de Pompeia perto de Nápoles. A pintura foi exibida em Roma, recebeu elogios da crítica e foi transferida para o Louvre. "O Último Dia de Pompéia" representa o romantismo na pintura russa, misturado ao idealismo. A imagem do artista no canto esquerdo da imagem é um autorretrato do autor. A tela também retrata a condessa Yulia Pavlovna Samoilova três vezes - uma mulher com um jarro na cabeça, de pé em um estrado no lado esquerdo da tela, uma mulher que caiu até a morte, esparramada na calçada e ao lado dela um criança viva - ambas, presumivelmente, foram jogadas de uma carruagem quebrada - no centro das telas, e uma mãe atraindo suas filhas para ela, no canto esquerdo do quadro.

Em 1834, a pintura "O Último Dia de Pompéia" foi enviada para São Petersburgo. AI Turgenev disse que esta imagem era a glória da Rússia e da Itália. E. A. Baratynsky compôs nesta ocasião famoso aforismo: "O último dia de Pompéia tornou-se o primeiro dia para o pincel russo!". A. S. Pushkin também deixou uma crítica poética:

K. Bryullov "Retrato de A. Demidov"

Vesúvio zev aberto - fumaça jorrou em um clube - chama
Amplamente desenvolvido como uma bandeira de batalha.
A terra se preocupa - de colunas impressionantes
Os ídolos estão caindo! Um povo movido pelo medo
Sob a chuva de pedra, sob as cinzas inflamadas,
Multidões, velhos e jovens, fogem da cidade.

A propósito, a famosa pintura foi pintada por Karl Bryullov por encomenda Anatoly Demidov, um filantropo russo e francês, que esteve na embaixada russa, primeiro em Paris, depois em Roma e Viena. Ele herdou de seu pai riqueza e coleção colossais trabalhos maravilhosos pintura, escultura, bronze, etc. Anatoly Demidov, seguindo o exemplo de seu pai, foi generoso com grandes doações: doou 500.000 rublos para a construção de uma casa em São Petersburgo para a caridade dos trabalhadores, que levava o nome do doador; junto com seu irmão Pavel Nikolaevich, ele doou capital, para o qual um hospital infantil foi construído em São Petersburgo; na Academia de Ciências de São Petersburgo estabeleceu um prêmio de 5.000 rublos para melhor trabalho em russo; em 1853 ele enviou 2.000 rublos de Paris para decorar a igreja do Liceu Demidov em Yaroslavl, doou todas as suas publicações e vários outros livros valiosos para a biblioteca do Liceu livros franceses, e também cientistas e artistas generosamente patrocinados. Assim, foi Anatoly Demidov quem apresentou a pintura de Bryullov "O Último Dia de Pompéia" a Nicolau I, que exibiu a pintura na Academia de Artes como guia para pintores iniciantes. Após a abertura do Museu Russo em 1895, a tela foi transferida para lá e o público em geral teve acesso a ela.

A segunda metade do século XIX é representada pelas obras dos artistas: F. Vasiliev, R. Felitsyn, A. Goronovich, E. Sorokin, F. Bronnikov, I. Makarov, V. Khudyakov, A. Chernyshev, P. Rizzoni , L. Lagorio, N. Loseva, A. Naumov, A. Volkov, A. Popov, V. Pukirev, N. Nevrev, I. Pryanishnikov, L. Solomatkina, A. Savrasov, A. Korzukhin, F. Zhuravlev, N Dmitriev-Orenburgsky, A. Morozov, N. Koshelev, A. Shurygin, P. Chistyakov, Ivan Aivazovsky.

Pintura de I. Aivazovsky "A Nona Onda"

I. Aivazovsky "A Nona Onda"

A Nona Onda é uma das mais pinturas famosas Ivan Aivazovsky, o mundialmente famoso pintor marinho russo.

Retrata o mar após a tempestade mais forte da noite e pessoas que naufragaram. Os raios do sol iluminam as ondas enormes. O maior deles - o nono eixo, está pronto para cair sobre as pessoas que tentam escapar nos destroços do mastro.

Tudo fala de grandeza e poder elemento do mar e desamparo na frente de seu homem. Os tons quentes da imagem tornam o mar não tão áspero e dão ao espectador a esperança de que as pessoas serão salvas.

O tamanho da pintura é 221 × 332 cm.

O museu também apresenta pinturas de Andarilhos: G. Myasoedov, V. Perov, A. Bogolyubov, K. Makovsky, N. Ge, I. Shishkin, I. Kramskoy, V. Maksimov, I. Repin, V. Vasnetsov, V. Surikova, N. Abutkova.

Pintura de Nicholas Ge "A Última Ceia"

N. Ge "A Última Ceia"

A pintura do artista retrata um episódio da vida terrena de Cristo, descrita no Evangelho de João (cap. 13). Era o evangelho favorito de Ge. Um trecho deste texto coincide em detalhes com o retratado na imagem.

Jesus se levantou da ceia... derramou água na pia e começou a lavar os pés dos discípulos e enxugá-los com uma toalha... Depois de lavar os pés deles... então, deitando-se, disse-lhes novamente: Você sabe o que eu fiz com você? ... se eu, o Senhor e Mestre, lavei seus pés, então vocês também devem lavar os pés uns dos outros. Pois eu te dei um exemplo para que você faça como eu fiz por você...

…Jesus ficou perturbado no espírito e disse: Em verdade, em verdade vos digo que um de vós me trairá.

Então os discípulos se entreolharam, perguntando-se de quem ele estava falando. Um de seus discípulos, a quem Jesus amava, estava reclinado no peito de Jesus. Simão Pedro fez-lhe sinal para perguntar quem era... ele, agachado sobre o peito de Jesus, disse-lhe: Senhor! Quem é esse? Jesus respondeu: aquele a quem, depois de molhar um pedaço de pão, eu darei. E, tendo embebido um pedaço, deu-o a Judas Simonov Iscariotes. E depois desta peça, Satanás entrou nele. Então Jesus disse-lhe: tudo o que fizeres, faze-o depressa. Mas nenhum dos que estavam reclinados entendeu por que Ele disse isso a ele... Ele, pegando um pedaço, saiu imediatamente; mas era noite.

Uma ânfora com água, um lavatório com toalha na "Última Ceia" de Ge são o tema do amor sacrificial de Cristo. Após a partida de Judas foram pronunciadas palavras famosas dirigida aos apóstolos: « dou-vos um novo mandamento, que vos ameis uns aos outros; como vos amei... Portanto, todos saberão que sois meus discípulos, se vos amardes uns aos outros”.

O final do início do século 19 é representado pelos artistas I. Levitan, P. Trubetskoy, M. Vrubel, V. Serov.

Pintura de I. Levitan “Crepúsculo. Lua"

I. Levitan "Crepúsculo. Lua"

No final de sua vida, era especialmente característico para Levitan se voltar para paisagens crepusculares cheias de silêncio, farfalhar, luar e sombras. Um de os melhores trabalhos este período é esta imagem da coleção do Museu Russo.

Obras da associação "Mundo da Arte"

"Mundo da Arte"(1898-1924) - uma associação artística formada na Rússia no final da década de 1890. Os fundadores do "Mundo da Arte" foram o artista de São Petersburgo A. N. Benois e a figura do teatro S. P. Diaghilev. Os artistas do "Mundo da Arte" consideravam prioritário o princípio estético na arte e buscavam a modernidade e o simbolismo, contrariando as ideias dos Andarilhos. A arte, na opinião deles, deve expressar a personalidade do artista.

A associação incluiu artistas: Bakst, N. Roerich, Dobuzhinsky, Lansere, Mitrokhin, Ostroumova-Lebedeva, Chambers, Yakovlev, Somov, Zionglinsky, Purvit, Syunnerberg.

Na seção do russo antigo, os ícones dos séculos 12 e 15 são amplamente representados (por exemplo, o Anjo do Cabelo Dourado, a Ternura da Mãe de Deus, Dmitry Thessalonica, o Milagre de George sobre a serpente, Boris e Gleb, etc.), obras de Andrei Rublev, Dionisy, Simon Ushakov e outros mestres. A coleção total do Museu Russo é cerca de 5 mil ícones do século XII - início do século XX.

Andrey Rublev

Andrei Rublev "O Apóstolo Paulo"

Andrey Rublev(falecido em 1430) - pintor de ícones, aluno de Teófano, o grego, reverendo.

No início ele era um noviço no Monge Nikon de Radonej, e depois um monge no Mosteiro Spaso-Andronikov em Moscou, onde morreu e foi enterrado.

Atualmente, a coleção do Museu Russo inclui os seguintes departamentos: russo e pintura soviética, escultura, gráficos, artes e ofícios e Arte folclórica (móveis, porcelanas, vidros, talha, vernizes, produtos metálicos, tecidos, bordados, rendas, etc.). O acervo do museu inclui mais de 400 mil itens.

1. O Museu Russo foi estabelecido em 1895 por decreto do imperador Nicolau II na construção do "Palácio Mikhailovsky com todas as suas dependências, serviços e um jardim".

2. O próprio palácio foi construído em 1819-1826 para o príncipe Mikhail Pavlovich, o irmão mais novo dos imperadores Alexandre I e Nicolau I.

3. O arquiteto foi o famoso Carl Rossi.

4. A coleção inicial baseava-se em obras recebidas em 1898 da Academia das Artes (122 pinturas), do Hermitage (80 pinturas), do Palácio de Inverno, palácios suburbanos - Gatchina e Alexander (95 pinturas), bem como adquiridas em coleções.

5. Até a inauguração do Museu Russo, o acervo contava com 445 pinturas, 111 esculturas, 981 desenhos, gravuras e aquarelas, além de cerca de 5 mil monumentos antigos: ícones e produtos da antiga arte decorativa e aplicada russa.

6. Em 1941, a maior parte da coleção foi evacuada para Perm, o restante foi retirado da exposição, empacotado e escondido nos porões do prédio. Durante a Grande Guerra Patriótica Nenhuma das exposições do museu foi danificada.

7. No final de XX - início do XXI século, o Museu Russo incluiu edifícios com 92 esculturas de mármore, o Palácio de Mármore, o Palácio Stroganov,.

8. Os interiores do palácio não são menos impressionantes do que as coleções nele contidas.

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11. As paredes estão decoradas com magníficas tapeçarias europeias.

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14. Há algumas esculturas nas escadas. Aqui fragmento de uma estátua do telhado do Palácio de Inverno, autor J. Boumchen.

15. Escultor M. A. Kolo, modelo principal do monumento a Pedro I.

16. Na seção de arte russa antiga, os ícones dos séculos XII-XV estão amplamente representados.

17. Estas são as obras de Andrei Rublev, Dionisy, Simon Ushakov e outros mestres.

18. O mais antigo dos ícones da coleção é o Anjo do Cabelo Dourado, datado da segunda metade do século XII. A maioria dos especialistas atribui isso à escola de pintura de ícones de Novgorod.

19. A mais completa é a coleção de obras Artes visuais XVIII - a primeira metade do século XIX.

20. Três esboços e vários esboços para a pintura de Alexander Ivanov "A Aparição de Cristo ao Povo".

21. A tela épica medindo 5,4 por 7,5 metros foi criada por Ivanov durante 20 anos, de 1837 a 1857. Agora é exibido em Galeria Tretyakov, esboços e esboços - no Museu Russo.

22. Também no salão há uma escultura em estilo antigo. V. Demut-Malinovsky, "Russian Scaevola".

23. N. Pimenov, "Um jovem jogando dinheiro".

24. Karl Bryullov, retrato do arquiteto Konstantin Ton, autor da Catedral de Cristo Salvador.

25. "Cristo e o Pecador", Vasily Polenov, 1888.

26. Foi escrito sob a influência do já mencionado "A Aparição de Cristo ao Povo".

27. Na pintura, o autor procurou contar a parábola bíblica “aquele que dentre vós está sem pecado, o primeiro que lhe atirar uma pedra” como um acontecimento histórico real.

28. A pintura foi exposta na XV Exposição Itinerante em São Petersburgo e em Moscou, onde foi comprada por Alexandre III para sua coleção.

29. Fragmento da pintura “Fryne at the Feast of Poseidon in Elêusis”, G.I. Semiradsky, 1889.

30. A série histórica russa inclui obras baseadas em contos de fadas. M.A. Vrubel, "Bogatyr", 1898-1899.

31. Também Vrubel, prato Sadko, 1899-1900.

32. A mesma pedra com a inscrição da pintura de V.M. Vasnetsov "O Cavaleiro na Encruzilhada", 1882.

33. Lareira majólica "Volga e Mikula" da casa de Bazhanov. Feito de acordo com os esboços do mesmo Vrubel.

34. Navios positivos da pintura de Nicholas Roerich "Slavs on the Dnieper".

35. Leonid Posen, "Scythian", 1889-1890.

36. A. L. Ober, "Tigre e Sipaio".

37. Muitas pinturas retratam a natureza. "Onda" de Ivan Aivazovsky.

38. Linda em seu minimalismo "Lake" de Isaac Levitan.

39. O gênio da paisagem Arkhip Kuindzhi, "Arco-íris", 1900-1905.

40. Mordvin Oaks por Ivan Shishkin.

41. Seu próprio "Córrego em uma floresta de bétulas".

42. E aqui está o próprio Ivan Ivanovich, um retrato de Ivan Kramskoy, 1880.

43. Ilya Repin, Bielorrússia, 1892

44. Coleção de pinturas com russo sabor nacional abre Boris Kustodiev. "O Mercador do Chá", escrito no final, apenas em 1918.

45. No fundo - a Rússia patriarcal.

46. ​​F. Malyavin, "Duas Garotas", 1910.

47. "Spring Sunny Day" de Konstantin Yuon - uma imagem de luz no humor, é bom escrever ensaios sobre ela.

48. Uma pintura semelhante de Boris Kustodiev - "Entrudo".

49. Um retrato de Fyodor Chaliapin em estilo semelhante foi pintado por Kustodiev em 1921.

50. Antecedentes de um grande artista.

51. Outro retrato de Chaliapin, feito em 1911 por K.A. Korovin, é preenchido com a luz e a facilidade da vida pré-guerra.

52. Replicado em milhões de cozinhas soviéticas, a pintura de Vasily Perov “Hunters at Rest” foi escrita em 1871. Em termos de reconhecimento, pode ser comparado com o "Desconhecido" de Ivan Kramskoy.

53. Parte de outra tela famosa - "A Captura da Cidade da Neve", Vasily Surikov, 1891.

54. E esta é outra imagem familiar a todos desde a infância.

55. "Barcaças no Volga" foi escrito por Ilya Repin em 1870-1873.

56. Perto você pode ver um dos esboços para a pintura com uma composição completamente diferente.

57. Em sua outra foto - um estudante brincalhão. "Preparação para o exame", 1864.

58. A imagem de Vasily Petrov "refeição do mosteiro" pode ser considerada por um longo tempo.

59. Foi escrito em 1865 e é uma sátira maligna ao clero.

60. Um dignitário importante com uma amante arrogante e curvando-se obsequiosamente diante deles, o padre, contando com doações para o mosteiro. Uma mendiga com crianças famintas tenta desesperadamente pedir esmolas. E abaixo, um pop está subindo em algum lugar.

61. Tela multifigurada por K.A. Savitsky "Para a Guerra", criado em 1880-1888, é dedicado a despedir os soldados da guerra russo-turca.

62. Agora você diria, “um filho patriota não encontrou apoio de um pai liberal”?

63. Um dos episódios dessa guerra foi retratado pelo pintor de batalha V.V. Vereshchagin - "Skobelev perto de Shipka".

64. Todo mundo se lembra de "The Girl with Peaches", o estilo de Valentin Serov é difícil de confundir. Esta imagem é chamada de "Crianças", na qual o artista retratou seus filhos Sasha e Yura.

65. A glória de Serov como retratista tornou-se para ele uma verdadeira escravidão e uma maldição. Depois de 1895, pintou muitos retratos encomendados pela nobreza burguesa e aristocrática. Este é um retrato de Alexandre III com um relatório nas mãos, 1900.

66. Partida do imperador Pedro II e Tsesarevna Elizaveta Petrovna para caçar, 1900.

67. No retrato do Conde F.F. Sumarokova-Elston com um cachorro (1903) O próprio Serov insistiu na imagem do cão amado do jovem conde, e ele parece no retrato quase mais significativo que seu mestre.

68. O mesmo com o cavalo no retrato do Príncipe F.F. Yusupov, mas aqui o animal é apresentado completamente enfurecido.

69. A obra oficial de Ilya Repin “A Reunião Cerimonial do Conselho de Estado em 7 de maio de 1901 em homenagem ao centenário” com esboços ocupa um salão inteiro com uma clarabóia no teto.

70. No início do século XX, a era mudou, o realismo foi substituído pela modernidade. Retrato cubista da poetisa Anna Akhmatova por Natan Altman, 1914.

71. Também no início do século houve um florescimento dos teatros. UM. Benois, comédia italiana", 1906.

72. Auto-retrato de V.I. Shukhaev como Pierrot, 1914.

73. Boris Grigoriev, retrato de Meyerhold, 1916. A pose foi criada pelo próprio artista. O diretor foi forçado a posar na ponta dos pés por um longo tempo, e é por isso que ele parece tão abatido.

74. K.A. Somov, "O beijo ridículo", 1908.

75. Kuzma Petrov-Vodkin, auto-retrato, 1918

76. Somos transportados para a arte do período soviético.

Você pode conhecer as exposições do Hermitage em detalhes, pode se orientar perfeitamente na Galeria Tretyakov, pode estar pronto a qualquer momento para dar a seus amigos um passeio improvisado pelo Museu Pushkin, mas ainda não se considera um conhecedor do russo arte. E tudo por quê? Porque sem o Museu Russo, neste caso, nada! Hoje relembramos a história do museu, que abriga uma das mais grandes coleções Pintura russa no mundo.

Amante da arte Alexandre III

Em 13 de abril de 1895, o imperador Nicolau II emitiu um decreto segundo o qual o "Museu Russo em homenagem ao imperador Alexandre III" deveria ser estabelecido em São Petersburgo. E o museu foi inaugurado oficialmente apenas em 8 de março de 1898. Mas a ideia de criar um museu veio à mente de Alexandre III muito antes disso. Em sua juventude, o futuro imperador Alexandre III gostava de arte e até estudou pintura com o professor Tikhobrazov. Um pouco mais tarde, sua esposa, Maria Fedorovna, compartilhou sua paixão, e os dois continuaram seus estudos sob a estrita orientação do acadêmico Bogolyubov.

Alexandre III com sua esposa e três filhos mais velhos. 1878

Tendo assumido o poder, o imperador percebeu que era impossível combinar governo e pintura e, portanto, abandonou sua arte. Mas ele não perdeu o amor pela arte e desperdiçou quantias significativas do tesouro na compra de obras de arte que não estavam mais em Gatchina, nem no Palácio de Inverno, nem no Palácio Anichkov. Foi então que Alexandre decidiu criar um museu estatal no qual as pinturas de pintores russos pudessem ser armazenadas, e que correspondesse ao prestígio do país, elevasse o clima patriótico e tudo mais.

Acredita-se que pela primeira vez o imperador expressou a ideia após a 17ª exposição da Associação dos Andarilhos em 1889, onde adquiriu a pintura de Repin "Nicholas de Myra salva três inocentemente condenados da morte".

Status especial do Museu Russo

Em 1895, eles conseguiram criar um projeto para a construção do prédio do Museu de Arte Russa na Academia de Artes e até terminar a estimativa, mas em 21 de outubro de 1894, Alexandre III morreu, e parecia que o museu nunca se torne realidade. Mas Nicolau II foi direto ao assunto. Ele decidiu dar o Palácio Mikhailovsky comprado ao tesouro para as necessidades do museu.

O regulamento sobre o museu em 1897 enfatizou seu status especial. Foram fixadas regras especiais para a criação de uma coleção, por exemplo, obras artistas contemporâneos Primeiro, eles tiveram que ficar no museu da Academia de Artes por 5 anos, e só então, por escolha do gerente, eles poderiam ser colocados no Museu Russo.

Objetos de arte colocados no museu deveriam permanecer ali para sempre - ou seja, não poderiam ser levados ou transferidos para qualquer outro lugar.

O gerente foi nomeado pelo mais alto decreto nominal e deve ter pertencido à Casa Imperial.

Carlos Magno I. I., Vista do Palácio Mikhailovsky do parque e da praça. década de 1850.

Com o mundo em um fio - coleção para o museu

No início, a coleção do museu consistia em pinturas coletadas por Alexandre III, que foram transferidas da Academia de Artes, o Hermitage, por exemplo, a famosa pintura de Karl Bryullov “O Último Dia de Pompéia”. Palácios de Inverno, Gatchina e Alexandre. Parte da coleção foi adquirida de coleções particulares. Como decidiu Nicolau II, no futuro a coleção seria reabastecida às custas do tesouro, que até introduziu um parágrafo separado para o museu e graças a possíveis doações.

Surpreendentemente, havia muitos deles, o tamanho da coleção cresceu rapidamente e quase dobrou em comparação com as 1,5 mil obras originais e 5.000 exposições do Museu de Antiguidades Cristãs. A “cor da nação” foi inscrita na primeira equipe do museu - os cientistas, críticos de arte e historiadores mais proeminentes, por exemplo, A.P. Benois, P.A. Bryullov, M.P. Botkin, N.N. Punin e outros.

A vida do museu no século 20

Graças ao State Museum Fund, que funcionou nos primeiros anos após revolução de outubro, a coleção do museu cresceu rapidamente após 1917. Grandes lacunas na coleção foram preenchidas, por exemplo, algumas tendências da pintura russa não foram apresentadas no museu por algum tempo, e a coleção de algumas era extremamente escassa.

Em 1922, a exposição do museu foi construída pela primeira vez de acordo com o princípio científico e histórico, que trouxe o museu a um nível qualitativo. novo nível. Mas a construção do Palácio Mikhailovsky por si só não foi suficiente para a coleção ampliada e, gradualmente, o museu começou a "conquistar o território". Na década de 1930, a Ala Benois de Rossi no Palácio Mikhailovsky, até então ocupada por inquilinos, foi desocupada e transferida para o Museu Russo e, um pouco mais tarde, o departamento etnográfico "saiu" do ninho parental do Museu Russo, que se tornou Museu do Estado etnografia dos povos da URSS. Nos anos 40, o edifício Benois e o Palácio Mikhailovsky eram ligados por uma passagem especial.

A Grande Sala de Desenho do Palácio Mikhailovsky em São Petersburgo Luigi Premazzi.

Onde ir e o que ver?

No início do século XXI, o Jardim de Verão com uma coleção de esculturas em mármore (sim, sim, em jardim de verão agora existem apenas exemplares), bem como o Palácio de Verão de Pedro I, as Casas de Café e Chá nele localizadas. A casa de Pedro I em Petrovskaya Embankment, que também pertence ao Museu Russo, foi construída primeiro com troncos, mas depois de um tempo foi coberta com pedra e um pouco mais tarde com uma cobertura de tijolos.

Entre os mais trabalho famoso de arte armazenada no Museu Russo, pode-se citar os ícones de Andrei Rublev e Simon Ushakov, as telas de Bryullov "Noon Italiano" e "O Último Dia de Pompéia", "A Nona Onda" de Aivazovsky e "Onda", "Barcaça transportadores no Volga" de Repin, "Vityaz na encruzilhada" de Vanetsov, "Suvorov Atravessando os Alpes" de Surikov, "Retrato de Ida Rubinstein" e "O Rapto da Europa" de Serov, "Retrato de F. I. Chaliapin" de Kustodiev. Mas esta é apenas uma pequena parte daquelas belas pinturas de pintores russos que estão guardadas no Museu Russo.

Valentin Serov. Retrato de Ida Rubinstein

É melhor vê-lo uma vez - se você estiver planejando uma viagem a São Petersburgo, não deixe de visitar o Museu Russo.

O Museu Estatal Russo em São Petersburgo é a maior coleção de pinturas de artistas russos, com mais de 400.000 obras. Não há outra coleção de arte russa no mundo.

Criação do Museu Russo

O decreto que institui o museu foi publicado em 1895. Para isso, foram adquiridos o Castelo Mikhailovsky e o jardim ao redor, além de serviços e dependências. De acordo com o decreto, todas as obras já adquiridas pelo museu não podem ser vendidas ou transferidas para ninguém. Eles devem estar sempre na coleção. Em 1898, o Estado Russo abriu para visitantes por três anos, ansioso por este evento. Recebeu obras da Academia das Artes, do Hermitage, do Palácio de Inverno e de coleções particulares. A exposição inicial não foi extensa.

Depois da revolução

A coleção foi constantemente reabastecida e a área do museu foi ampliada com a adição de novas instalações. Durante a Guerra Patriótica, todas as obras mais valiosas foram evacuadas e não sofreram nada. Os que permaneceram na cidade sitiada foram cuidadosamente embalados e armazenados em porões. Eles também permaneceram intactos. O Museu Estatal Russo lidou totalmente com uma tarefa tão difícil - salvar toda a exposição, que já tinha mais de sete mil exposições.

Crescimento do Museu

Novas chegadas foram adicionadas ativamente nos anos 50. Ele colocou o Museu Estatal Russo da obra tanto no Palácio Mikhailovsky quanto no Corpo de Benois assim como outras construções. Eles têm uma seção com obras de valor inestimável de Rublev, Dionísio e vários outros pintores de ícones dos primeiros e final da Idade Média. O Museu Estatal Russo guarda obras dos séculos XVIII e XIX.

A foto mostra o trabalho de D. G. Levitsky "Retrato de E. I. Nelidova". O museu se orgulha da integridade das pinturas apresentadas aos visitantes. Enumeração dos nomes e sobrenomes de nossos proeminentes e artistas brilhantes vai ocupar muito espaço. O Museu Estatal Russo apresenta amplamente obras de meados e final do século XIX, bem como obras de pintores do "Mundo da Arte" e artistas futuristas, que também são o orgulho do museu. Um salão inteiro é dedicado às obras do artista, crítico de arte e decorador.

Na foto A. N. Benois "Desfile no reinado de Paulo I". A coleção do museu contém pinturas artistas soviéticos todos os períodos de existência União Soviética. Atualmente, o Museu Estatal Russo coleciona e exibe obras novas e não tradicionais. Este departamento que lida com as últimas tendências, foi estabelecido em cerca de trinta anos atrás.

pintura famosa

A exposição é "Quadrado Preto". O Museu Estatal Russo já o adquiriu com fama escandalosa e o colocou no edifício Benois.

Crio escândalo alto era tarefa dos artistas futuristas, e depois dos supermatistas, chamar a atenção para si mesmos. Seu antecessor foi Heróstrato, que, para permanecer por séculos, incendiou o templo. O principal desejo de Malevich e seus associados é destruir tudo: nos libertamos de tudo que o precedeu e agora faremos arte em um lugar limpo, uniforme e queimado. Inicialmente, Malevich fez um quadrado preto como cenário para a ópera. Dois anos depois, ele criou uma teoria que prova que está acima de tudo (supermatismo), e nega tudo: tanto a forma quanto a natureza. Há simplesmente arte do nada.

Impressionante exposição de 1915

Na exposição "0.10" havia pinturas compostas por quadrados, cruzes, círculos, e nesta sala no canto superior direito, onde estão pendurados ícones, Malevich pendurou seu quadrado.

O que é importante aqui? A praça ou o lugar onde está pendurada? Claro, o lugar era mais importante do que o que estava desenhado, especialmente considerando que estava escrito "nada". Imagine "nada" no lugar de Deus. Foi um evento muito significativo. Foi um golpe de relações públicas fenomenalmente talentoso, pensado até o fim, porque nós estamos falando não sobre o que é mostrado lá. A declaração foi assim - nada, escuridão, vazio, escuridão em vez de Deus. “Em vez de um ícone que leva à luz, há um caminho para a escuridão, para um bueiro, para um porão, para o inferno” (Tatyana Tolstaya). A arte está morta, aqui está uma bobagem. Você está disposto a pagar por isso. O "Quadrado Negro" de Malevich não é arte, mas um ato brilhante de um vendedor muito talentoso. Muito provavelmente, "Quadrado Preto" - apenas rei nu, e isso vale a pena falar, e não sobre as profundezas da compreensão do mundo. "Quadrado Preto" não é arte, porque:

Onde está o talento de sentir?

Onde está a habilidade? Qualquer um pode desenhar um quadrado.

Onde está a beleza? O espectador deve pensar por muito tempo o que isso significa, e nunca entender.

Onde está a violação da tradição? Não há tradições lá.

Assim, se olharmos desse ponto de vista, vemos o que aconteceu e está acontecendo com a arte, que rompe com a sinceridade, que passa a apelar ao intelecto, ou seja, “penso por muito tempo o que fazer para tornar acontece um escândalo, e eles me notam”. Uma pessoa normal se pergunta: “Por que ele fez isso? Você queria ganhar dinheiro ou queria expressar alguns de seus sentimentos? A questão da sinceridade surgiu porque o artista está pensando em como se vender. A busca da novidade leva a arte à completa não-objetividade, e esse esforço intelectual vem da cabeça, não do coração. Malevich e outros como ele estavam procurando maneiras de escândalos e vendas, que agora é elevado a um patamar profissional. É muito importante trazer uma teoria para sua criação e acrescentar um nome longo e inteligente incompreensível, que mais importante que a imagem. Por alguma razão, o que é incompreensível para uma pessoa é considerado talentoso em nossa sociedade. A ausência de um princípio espiritual no “Quadrado Negro” é inegável para muitos. Um sinal de tempo e auto-negociação hábil é o "Quadrado Preto". O Museu Estatal Russo não poderia perder um trabalho tão "falado".

drama no mar

Em 1850, Aivazovsky criou a pintura em grande escala A Nona Onda. O Museu Estatal Russo agora exibe este trabalho.

Uma onda poderosa paira sobre os destroços do navio. A humanidade é representada neste quadro como marinheiros infelizes, que, no resto de um mastro, impróprio para velejar, agarram-se desesperadamente a ele, enquanto a onda implacavelmente quer engoli-lo. Nossos sentimentos estão divididos. Eles são consumidos pela ascensão deste onda gigante. Entramos com seu movimento ascendente e experimentamos a tensão entre o pente e a força da gravidade, principalmente no momento em que o topo da onda quebra e se transforma em espuma. O poço é destinado a quem invadiu esse elemento da água sem pedir. Os marinheiros são uma força ativa que penetra nas ondas. Pode-se tentar considerar esta composição como uma imagem de harmonia na natureza, como uma imagem de uma combinação harmoniosa de água e terra, que não é visível, mas está presente em nossas mentes. A água é um elemento fluido, mutável, instável, e a terra como principal objeto de esperança nem é mencionada. Isso é, por assim dizer, um incentivo ao papel ativo do espectador. Esta é uma imagem do universo, que é mostrada através da paisagem. As ondas no horizonte parecem montanhas cobertas de neblina, são mais suaves e se repetem mais perto do espectador. Isso leva à ordenação rítmica da composição. A cor é marcante, rica em tons de rosa e roxo no céu, e verde, azul, roxo no mar, penetrado por raios sol Nascente trazendo alegria e otimismo. Uma das joias da coleção é trabalho romântico"A Nona Onda". O Museu Estatal Russo tem uma obra-prima pintada pelo jovem Aivazovsky.

Tragédia na terra

Se na imagem anterior dois elementos estavam envolvidos, água e vento, então terra e fogo aparecem ameaçadoramente na próxima tela - este é "O Último Dia de Pompéia". O Museu Estatal Russo recebeu da coleção da Academia de Artes.

Escrito em 1834 e exibido em Roma, o quadro causou furor entre os italianos e, posteriormente, entre os espectadores russos. Pushkin, Gogol, Baratynsky dedicaram linhas sinceras a ela. Por que esse trabalho é relevante hoje? Com a plasticidade dos movimentos, os giros de corpos e cabeças, a dinâmica da paleta colorida, o artista reviveu os acontecimentos de milênios passados. Estamos envolvidos nas terríveis experiências de pessoas que estão prestes a morrer na lava ardente causada por uma erupção vulcânica e um poderoso terremoto. Não existem tais tragédias hoje? A forma clássica do trabalho é perfeita, o artesanato é soberbo, faz você lembrar os nomes dos artistas Alta Renascença. A obra-prima de Karl Bryullov captura com sua beleza, apesar de retratar a morte da civilização antiga.

Museu nos tempos modernos

Se o museu consistia originalmente nos Palácios Imperiais, agora é todo um conjunto, invulgarmente belo, que é Centro Cultural porque resolve problemas científicos e educacionais. Desde as profundezas dos séculos, o legado de grandes pintores chegou até nós. Obras clássicas, românticas, cotidianas e de gênero são mantidas pelo Museu Estatal Russo. A foto mostra-nos o edifício principal - o Palácio Mikhailovsky.

Este espaço de vida foi reconstruído para guardar o trabalho dos mestres do pincel.

Conjunto contíguo ao palácio

O Museu Estatal Russo está alojado em seis monumentos arquitetônicos dos séculos XVIII e XIX, complementados pelo Museu de Verão e Jardins Mikhailovsky, onde os visitantes podem admirar não só o rigoroso plantio regular de arbustos e árvores, mas também belas esculturas. Excursões são realizadas nos prédios do museu, bem como serviços adicionais são fornecidos por uma sala de palestras, uma sala de cinema, uma aula de Internet, uma cafeteria equipada para receber pessoas com deficiência.

Os hóspedes do Museu Russo podem entrar diretamente salas de exposições aprender detalhes interessantes da história da pintura. Para isso, basta instalar o aplicativo de realidade aumentada Artefact em seu celular e apontar a câmera do gadget para a exposição. Já disponível - curiosidades sobre cinco deles são contadas pelo portal Kultura.RF.

Celeiro por Alexei Venetsianov, 1822

Pela primeira vez a fotografia foi apresentada na XV exposição da Associação de Viajantes exibições de arte em 1887. Lá foi adquirido pelo imperador Alexandre III. Por algum tempo a tela estava em Palácio de inverno, mas em 1897 mudou-se para o recém-formado Museu Russo.

"A reunião cerimonial do Conselho de Estado em 7 de maio de 1901, no dia do centenário de sua criação" Ilya Repin, 1903

A encomenda da pintura foi recebida por Ilya Repin em abril de 1901 de imperador russo. O pintor foi assistido por Boris Kustodiev e Ivan Kulikov.

“O próprio mestre permaneceu o mestre, comandante e verdadeiro criador, os alunos eram apenas suas mãos obedientes.”

Igor Grabar

Mesmo antes do aniversário, os artistas criaram esboços do interior do Salão Redondo do Palácio Mariinsky. E no dia da reunião solene, Ilya Repin tirou fotos e esboços aqui - os pintores usaram todos os materiais enquanto trabalhavam na imagem. A tela foi escrita por três anos.

No centro do enredo da imagem está Nicolau II e representantes da casa imperial: o irmão mais novo do czar Mikhail, os grão-duques Mikhail Nikolaevich e Vladimir Nikolaevich, que era então presidente da Academia Imperial de Artes. Ao lado deles estão as pessoas que ocuparam os cargos mais importantes do estado. No total, a imagem retrata 81 pessoas.