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Dmitry Vdovin nasceu em 17 de abril de 1962 em Ecaterimburgo. Graduado Instituto Estadual arte teatral em Moscou, e depois estudou na escola de pós-graduação desta universidade sob a orientação da professora Inna Solovieva como crítica de teatro, publicada nos principais jornais e revistas nacionais. Posteriormente, ele passou por reciclagem e se formou na V.S. Popov Academy of Choral Art como vocalista e professor de canto. De 1987 a 1992 - um funcionário responsável pelo trabalho no campo do teatro musical do Sindicato dos Trabalhadores do Teatro da URSS.

Formado como professor de canto no ECOV - Centro Europeu de Ópera e arte vocal na Bélgica sob a direção do chefe do departamento vocal do Curtis Institute of Music na Filadélfia, Michael Eleisen. Em 1992, Dmitry Vdovin tornou-se diretor artístico do Moscow Center for Music and Theatre, uma agência de arte que participou de projetos criativos conjuntos com grandes teatros internacionais, festivais e organizações musicais.

Desde 1996, D.Vdovin colabora com a grande cantora russa I.K. Arkhipova como professora e líder de sua Escola de Verão, co-apresentadora de sua televisão e programas de concertos. De 1995 - professor, de 2000 a 2005 - chefe do departamento vocal da Gnessin State Medical University, em 1999-2001 - professor da Gnessin Academy of Music, desde 2001 - professor associado, chefe do departamento cantando solo Academia de Arte Coral em homenagem a V.S.Popov, desde 2008 - Professor da Academia de Artes.

D. Vdovin deu master classes em muitas cidades da Rússia, bem como nos EUA, México, Itália, Letônia, França, Polônia, Suíça. Foi professor convidado permanente do Programa de Jovens da Houston Grand Opera. De 1999 a 2009 - diretor artístico e professor da Escola Internacional de Artes Vocais de Moscou, o que possibilitou que os maiores professores e especialistas de ópera da Rússia, EUA, Itália, Alemanha, Grã-Bretanha viessem a Moscou para trabalhar com jovens cantores

Membro do júri de muitas competições vocais de prestígio - Competição internacional em homenagem a Glinka, 1º e 2º Concursos de Música de Toda a Rússia, Competição Internacional Le voci verdiane em Busseto, Competição Internacional de Vocalistas em homenagem a Viotti e Pavarotti em Vercelli, AsLiCo em Como, Competições Internacionais em Paris e Bordeaux, Competizione dell'opera Italiana em o Teatro Bolshoi, Concurso Internacional em Montreal, concurso do canal de TV "Culture" "Big Opera", concurso de vocalistas em Izmir, concursos internacionais com o nome de Moniuszko em Varsóvia, "Die Meistersinger von Nürnberg" em Nuremberg, Opera de Tenerife na Espanha.

Desde 2009 - um dos fundadores e diretor artistico Programa de Ópera Juvenil Teatro Bolshoi Rússia. Desde 2015 é professor convidado no International Opera Studio da Ópera de Zurique. Master classes no Metropolitan Opera, Nova York.

Consultor musical para o filme de Pavel Lungin, A Dama de Espadas. Além disso, D.Yu. Vdovin foi o vice-gerente de equipes criativas trupe de ópera Teatro Bolshoi.

Vdovin Dmitry Yurievich
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Ocupação:	figura de ópera, professor de canto
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Dmitry Yurievich Vdovin(nascido) - Figura de ópera russa e professor vocal, Artista Homenageado da Federação Russa, professor da Academia de Arte Coral.

Diretor artístico do Programa de Ópera Juvenil do Teatro Bolshoi da Rússia.

Biografia

Nascido em 17 de abril de 1962 em Sverdlovsk (agora Ecaterimburgo). Ele se formou no Instituto Estadual de Artes Teatrais (agora RATI) em Moscou, e depois estudou na escola de pós-graduação desta universidade sob a orientação da professora Inna Solovieva como crítico de teatro (ópera), publicado nos principais jornais e revistas nacionais. Posteriormente, ele passou por reciclagem e se formou na Academia de Arte Coral. V. S. Popova como vocalista e professor de canto. De 1987 a 1992 - um funcionário responsável pelo trabalho no campo do teatro musical do Sindicato dos Trabalhadores do Teatro da URSS. Formou-se como professor de canto no ECOV - Centro Europeu de Ópera e Arte Vocal na Bélgica sob a orientação do chefe do departamento vocal do Curtis Institute of Music na Filadélfia Michael Elaysen (1992-1993). Em 1992, Dmitry Vdovin tornou-se diretor artístico do Centro de Música e Teatro de Moscou, uma agência de arte que participou de projetos criativos conjuntos com grandes teatros, festivais e organizações musicais internacionais. Desde 1996, D. Vdovin colaborou com a grande cantora russa I. K. Arkhipova como professora e diretora de sua Escola de Verão, co-apresentadora de seus programas de televisão e concertos. Desde 1995 - professor, de 2000 a 2005. - Chefe do departamento vocal da State Medical University. Gnesins, em 1999-2001 - professor da Academia Russa de Ciências. Gnesinykh, desde 2001 - Professor Associado, Chefe (até 2003) do Departamento de Canto Solo da Academia de Arte Coral. V. S. Popova, desde 2008 - Professor da Academia de Artes. D. Vdovin deu master classes em muitas cidades da Rússia, bem como nos EUA, México, Itália, Letônia, França, Polônia, Suíça. Foi professor convidado regular Programa para jovens no Houston Grand Opera (HGO Studio). De 1999 a 2009 - diretor artístico e professor da Escola Internacional de Arte Vocal de Moscou, o que possibilitou que os maiores professores e especialistas de ópera da Rússia, EUA, Itália, Alemanha, Grã-Bretanha viessem a Moscou para trabalhar com jovens cantores

Membro do júri de muitos concursos vocais de prestígio - o Concurso Internacional. Glinka, os 1º e 2º Concursos de Música de Toda a Rússia, o Concurso Internacional Le voci verdiane (vozes Verdi) em Busseto, o Concurso Internacional de Vocais. Viotti e Pavarotti (Itália), Competições Internacionais em Paris e Bordeaux (França), Competizione dell'opera Italiana no Teatro Bolshoi, Competição Internacional em Montreal (Canadá), competição do canal de TV "Culture" "Big Opera", competição vocal em Izmir (Turquia), Competições Internacionais. Moniuszko em Varsóvia, "Die Meistersinger von Nürnberg" em Nuremberg, Opera de Tenerife na Espanha.

Desde 2009 - um dos fundadores e diretor artístico do Programa de Ópera Juvenil do Teatro Bolshoi da Rússia. Desde 2015 é professor convidado no International Opera Studio da Ópera de Zurique. Master classes no Metropolitan Opera, Nova York (Lindemann Young Artist Development Program).

Consultor musical para o filme de Pavel Lungin "A Dama de Espadas" (2016).

Além disso, D. Yu. Vdovin foi o vice-gerente das equipes criativas da trupe de ópera do Teatro Bolshoi (2013-2014)

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Notas

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Um trecho caracterizando Vdovin, Dmitry Yurievich

Não, Isadora. Você sabe o que significa a palavra Frank? Eu balancei minha cabeça negativamente. "Franks" significa simplesmente livre. E os merovíngios eram astutas do norte que vinham ensinar aos francos livres a arte da guerra, do governo, da política e da ciência (como iam a todos os outros países, nascendo para o ensino e o bem de outras pessoas vivas). E eles foram chamados corretamente - Meravingli (nós-Ra-in-Inglaterra; nós, os filhos de Ra, carregando a Luz em nossa nativa Inglia Primordial). Mas, claro, então essa palavra, como muitas outras coisas, foi “simplificada” ... e começou a soar como “merovíngios”. Assim, uma nova "história" foi criada, que dizia que o nome merovíngio veio do nome do rei dos francos - Merovius. Embora esse nome não tivesse nada a ver com o rei Merovius. Além disso, o rei Merovius já era o décimo terceiro dos reis merovíngios. E seria mais lógico, é claro, nomear toda a dinastia com o nome do primeiro dos reis governantes, certo?
Assim como outra lenda estúpida sobre o "monstro marinho" que supostamente deu origem à dinastia merovíngia, esse nome, é claro, também não tinha nada a ver com isso. Aparentemente, os Pensadores das Trevas realmente queriam que as pessoas não soubessem o verdadeiro significado do NOME da dinastia reinante dos francos. Portanto, eles tentaram renomeá-los rapidamente e transformá-los em reis "fracos, azarados e miseráveis", mais uma vez mentindo sobre a história do mundo real.
Os Meravingli eram uma dinastia brilhante, inteligente e talentosa do norte da Rus, que voluntariamente deixou sua grande pátria e misturou seu sangue com as mais altas dinastias da então Europa, para que daí nascesse um novo e poderoso clã de magos e guerreiros, que sabiamente governar os países e povos que habitavam naquela época a Europa semi-selvagem.
Eles eram mágicos e guerreiros maravilhosos, eles podiam curar o sofrimento e ensinar os dignos. Sem exceção, todos os Meravingli usavam roupas muito cabelo longo, que sob nenhuma circunstância concordou em ser cortado, pois atraía a Força Viva através deles. Mas, infelizmente, isso também era conhecido pelos Pensadores das Trevas. Por isso o mais castigo terrível tornou-se uma "tonsura de dinheiro" forçada da última família real Meravingle.
Após a traição do tesoureiro real judeu, que, com mentiras e astúcia, colocou irmão contra irmão nesta família, filho contra pai, e então facilmente jogou com orgulho e honra humanos ... Então, pela primeira vez na família real de Meravingla, a antiga fortaleza tremeu. E a fé inabalável na unidade da Família deu a primeira rachadura profunda... A guerra secular dos Meravingles com a família adversária começou a chegar ao seu triste fim... O último verdadeiro rei desta maravilhosa dinastia, Dagobert II, acabou sendo, novamente, traiçoeiramente morto - ele morreu caçando nas mãos de um assassino subornado que o esfaqueou nas costas com uma lança envenenada.

Este foi o fim (ou melhor, foi exterminado) da dinastia mais talentosa da Europa, que trouxe luz e força ao povo europeu não esclarecido. Como você pode ver, Isidora, covardes e traidores em todos os momentos não ousaram lutar abertamente, sabendo com certeza que nunca tiveram, e nunca terão, nem a menor chance de vencer honestamente. Mas, por outro lado, com mentiras e mesquinhez, eles derrotaram até os mais fortes, usando sua honra e consciência a seu favor... sem se preocupar com sua própria alma “perecer na mentira”. Assim, tendo destruído os "iluminados interferentes", os Pensadores das Trevas então criaram uma "história" que os agradou. E as pessoas para quem tal “história” foi criada imediatamente a aceitaram com facilidade, sem sequer tentar pensar... Esta, novamente, é a nossa Terra, Isidora. E estou sinceramente triste e magoado por não conseguir fazê-la “acordar”...
Meu coração de repente doeu amarga e dolorosamente ... Então, no entanto, em todos os momentos havia luz e pessoas fortes, corajosamente, mas desesperadamente lutando pela felicidade e futuro da humanidade! E todos eles, via de regra, morreram... Qual foi o motivo de uma injustiça tão cruel?.. Qual foi o motivo de uma morte tão repetida?

Nasceu em 1962 em Sverdlovsk (agora Ecaterimburgo).
Formou-se no Instituto Estadual de Artes Teatrais (GITIS-RATI) em Moscou, depois estudou na pós-graduação com a professora Inna Solovieva, especializando-se em crítica de teatro". Publicado nos principais jornais e revistas nacionais.
Posteriormente, ele passou por reciclagem, graduando-se na Academia de Arte Coral. V.S. Popova.

De 1987 a 1992 - um funcionário responsável pelo trabalho no campo do teatro musical do Sindicato dos Trabalhadores do Teatro da URSS.

Em 1992-93 Formou-se como professor de canto no European Centre for Opera and Vocal Arts (ECOV) na Bélgica sob a direção de Michael Elaysen - chefe do departamento vocal do Curtis Institute of Music na Filadélfia.

Em 1992, Dmitry Vdovin tornou-se o diretor artístico do Centro de Música e Teatro de Moscou - uma agência de arte que colaborou com grandes teatros, festivais e organizações musicais.

Desde 1996, Dmitry Vdovin colabora com a grande cantora russa Irina Arkhipova como professora e diretora de sua Escola de Verão, co-apresentadora de seus projetos de televisão e concertos.

Desde 1995 - professor, em 2000-05. - chefe do departamento vocal do Estado Escola de música eles. Gnesins, em 1999-2001. - professora Academia Russa música para eles. Gnesinas.
Em 2001-03 - Chefe do Departamento de Canto Solo da Academia de Arte Coral. V.S.Popova (desde 2001 - Professor Associado, desde 2008 - Professor da Academia das Artes).

Dmitry Vdovin deu master classes em muitas cidades da Rússia, bem como nos EUA, México, Itália, Canadá, Letônia, França e Polônia. Foi professor convidado permanente do Programa Jovem da Grande Ópera Houston (HGO Studio).

Em 1999-2009 - diretor artístico e professor do Moscow escola Internacional domínio vocal, que possibilitou que os maiores professores e especialistas de ópera da Rússia, EUA, Itália, Alemanha, Grã-Bretanha viessem a Moscou para trabalhar com jovens cantores. As mais brilhantes jovens estrelas da ópera nacional da primeira década do novo século passaram por esta Escola.

Membro do júri de muitos concursos vocais de prestígio - o Concurso Internacional. M. Glinka, I All-Russian concurso de música, Competição Vocal Internacional. G. B. Viotti (Itália), os Concursos Internacionais de Paris e Bordeaux (França), o Concurso Internacional Competizione dell'Opera, o Concurso Internacional de Montreal (Canadá), o concurso do canal de TV "Culture" "Big Opera" e muitos outros .

Desde 2009 - Diretor Artístico do Programa de Ópera Juvenil do Teatro Bolshoi da Rússia.

Entre seus alunos estão vencedores dos mais prestigiados concursos, destacando solistas grandes teatros como o Teatro Bolshoi, La Scala, Metropolitan Opera, Royal Opera Covent Garden, Vienna State Opera, Berlin State Opera, Paris ópera nacional, o Teatro Real de Madrid e muitos outros.

Vale ressaltar que em três óperas apresentado no festival ROF este ano, as partes principais do tenor serão executadas por cantores da Rússia, e todos eles são alunos do professor Dmitry Yuryevich Vdovin.

Os meses de verão, ao que parece, deveriam trazer um declínio na intensidade das paixões teatrais, mas isso não acontece. Apenas no verão, inúmeras dificuldades e muito competições de prestígio e festivais. Entre os muitos festivais lugar especial pertence a ROF - Rossinievsky Festival de Ópera realizada anualmente na cidade de Pesaro, na Itália, cidade natal de Gioacchino Rossini. No dia 10 de agosto terá lugar a abertura deste festival.

O programa ROF-2017 será aberto com a apresentação da ópera O Cerco de Corinto de G. Rossini, tenor Sergei Romanovsky no papel-título. No dia seguinte, 11 de agosto, será apresentada a ópera A Pedra de Toque de G. Rossini com a participação do tenor Maxim Mironov. A ópera "Torvaldo e Dorlisca" de G. Rossini será apresentada no dia 12 de agosto, com o tenor Dmitry Korchak a cantar nela. Todos eles são alunos de Dmitry Vdovin.

- Qual é o segredo do "fenômeno da escola de Vdovin"?

Uma pergunta que não é fácil de responder, pois é um pouco "fanfarra" por natureza. E, como você sabe, "para a fanfarra" você pode trovejar. (risos) Mas por outro lado, não vou prevaricar, há resultados e os cantores com quem trabalhei ocupam um lugar certo e sério no teatro da ópera mundial. É curioso que na minha adolescência me interessei muito por Rossini. A razão para isso foram os registros " Barbeiro de Sevilha"e" italianos na Argélia ". Eles foram feitos em russo, o que também teve um papel importante, eu era muito jovem e talvez cantar em italiano não tivesse me cativado tanto. Fiquei cativado pela teatralidade de Rossini, seu humor, sua incrível generosidade melódica e o hedonismo da vida. E para mim, que vivia no clima rigoroso dos Urais e nas condições não menos duras da URSS, não apenas sua música, mas toda a sua história (li a "Vida de Rossini" de Stendhal) parecia uma espécie de inusitado e mundo festivo. No qual só consegui entrar como um modesto proprietário de discos de vinil.

Mas aconteceu que no início do meu trabalho docente, três tenores vieram até mim com uma pequena lacuna no tempo, que se tornaram especialistas no repertório rossiniano. É verdade que nem tudo foi tão simples. Maxim Mironov, de 18 anos, foi imediatamente considerado por mim como tenor de Rossini devido às especificidades de sua voz incomumente alta e muito móvel. A primeira ária que dei a ele foi Languir per una bella de The Italian Girl in Argel e depois O come mai non senti de Otelo. E agora ele é um dos melhores Lindor e Rodrigo.

Sergey Romanovsky... Nos primeiros meses e até um ano, provavelmente, estudei mais com ele Don Ottavio, Nemorino, Lensky. Não, começamos a cantar Cinderela muito cedo, e me lembro de como Mironov a ouviu pela primeira vez quando me ligou, como se outra pessoa cantasse Rossini. Foi Romanovsky! Mas uma entrada séria com Serezha em Rossini aconteceu quando decidi fazer uma apresentação semi-palco de Journey to Reims em Moscou. Devo dizer que esta história de 10 anos atrás introduziu muitas pessoas tanto na profissão quanto no mundo Rossini. Mas especialmente ela deu muito a Romanovsky, que era o único Conde Liebenskoff. Esta é a parte mais difícil, mais virtuosa, e graças a ela atraiu a atenção de especialistas, muitos dos quais vieram especialmente a Moscou naquela época para ver nosso desempenho praticamente estudantil. Pouco tempo depois, ele fez sua estréia neste papel na Itália, em Treviso e Jesi, e logo aconteceu que em uma série de apresentações no La Scala, Liebenskoff foi cantado por sua vez por Korczak e Romanovsky. Foi um momento muito arriscado, era muito cedo para estrear em um teatro tão importante em uma idade tão jovem. Mas, no entanto, tudo seguiu em frente. Mironov cantou seu primeiro Rossini no La Fenice em Veneza (Mohammed II), este foi seu primeiro contrato no Ocidente desde a competição Neue Stimmen, onde ele pegou o Mi estratosférico superior no final da ária de Lindor. A propósito, devo dizer que no início dos anos 2000 não havia tantos tenores altos de Rossini como agora. A concorrência aumentou consideravelmente.

Dmitry Korchak, que considerei mais como tenor de Mozart, ópera lírica francesa e repertório russo (e ainda acredito que estes são seus forças), porém, Rossini começou a cantar muito. Suas notáveis ​​habilidades musicais atraíram a atenção de grandes maestros (Muti, Chaya, Maazel, Zedda), bem como Ernesto Palacio, um tenor rossiniano muito proeminente no passado, mais tarde mentor de Juan Diego Flores, e agora a primeira pessoa no mundo rossiniano, o chefe do festival, e agora a Academia em Pesaro, terra natal de Rossini. Foi ele, o Maestro Palacio, que reuniu os nossos três tenores este ano, dos quais não posso deixar de me orgulhar.

Há três tenores no ROF-2017 e todos os seus alunos. Estes são Korchak, Mironov, Romanovsky. Eles são diferentes, é claro, mas o que os une como seus alunos?

Eles são talentosos, muito inteligentes, cada um à sua maneira e muito trabalhadores. Não suporto gente preguiçosa. proprietários preguiçosos lindas vozes- para mim, estes são filisteus da arte, uma espécie de rentista mentalmente barrigudo de suas habilidades vocais. Esses três não são nada disso. Artistas muito responsáveis, sérios e atenciosos. Isso é o que os une.

- Caro Dmitry Yuryevich, breves informações biográficas sobre você podem ser encontradas na rede, mas vamos começar de novo desde o início: de sua família, desde a infância. Como e com o que você começou a ingressar no mundo da música, vocais, teatro de ópera?

Nasci e cresci em Sverdlovsk. Meus pais, em geral, todos parentes, são inteiramente físicos e matemáticos. Mamãe é professora de matemática superior em Uralsky Universidade Estadual, o pai é físico, foi diretor de um grande instituto de pesquisa, o tio também é físico, a tia é algebrista, o irmão é cabeça. Departamento de Matemática da Academia agora em Yekaterinburg. Espalhados pelo mundo primos e irmãs - todos matemáticos.

Então eu sou a única exceção, como se costuma dizer, em uma família não sem... um músico!

Mas, ao mesmo tempo, todos estudaram música na infância: pai e irmão. Mas aqui estou eu, de alguma forma "atrasado" nisso. Ele se formou em uma escola de música em piano, entrou no GITIS no departamento de teatro. E então meu pianismo acabou sendo muito útil, eu vivi disso, acompanhando os vocalistas. Ou seja, foi uma espécie de "troca" - aprendi vocais com amigos e conhecidos e os "retribuí" tocando árias, romances no piano, aprendendo novos trabalhos com eles. Eu realmente queria cantar na minha juventude, mas meus pais, sendo pessoas sérias, me aconselharam a obter uma especialidade mais confiável primeiro, então me formei no instituto como crítico de teatro, especializando-me em ópera, e depois me graduei.

Infelizmente, eu não encontrei um verdadeiro professor de canto que acreditasse em mim, deu um pulo. Talvez não houvesse qualidades pessoais suficientes para uma carreira como solista, e graças a Deus eu entendi isso a tempo. Tudo o que não é feito é para melhor. Em geral, cantei decentemente bem tarde, aos 30 anos. Naquela época, muitas pessoas já me conheciam em mundo da ópera em uma capacidade diferente. A situação era delicada - no Sindicato dos Trabalhadores do Teatro eu "comandei" o teatro musical. Foi uma associação que não viveu muito tempo no declínio da União Soviética, organizando grandes festivais e competições com milhões de orçamentos e boas intenções...

No início dos anos 90, fui para a Bélgica melhorar como professor de canto, e quando me ofereceram um contrato com uma agência bastante grande como cantor, de repente percebi que era tarde demais, como dizem, “todo o vapor foi para fora”, ou melhor, foi para o outro lado - para o ensino.

- Mas existe exemplos históricos carreiras vocais tardias - tenor Nikandr Khanaev, que começou aos 36, baixo Boris Gmyrya - aos 33, Antonina Nezhdanova fez sua estréia no palco profissional apenas aos 29.

Em primeiro lugar, eles viveram do início a meados do século 20, quanto mais próximos estão de seus contemporâneos, mais difícil é encontrar cantores que começam aos 30 anos e, então, cada um tem sua própria “margem de segurança” em perseverança para atingir o objetivo.

Quando a União Soviética entrou em colapso, organizamos um concerto e uma agência de atuação “nos destroços” da DST, que foi bastante bem-sucedida. Lembro-me daqueles dias com especial gratidão, porque pela primeira vez aos 28 anos comecei a viajar para o exterior, antes disso não me deixavam sair por algum motivo. Isso deu uma enorme experiência de audição, a oportunidade de se familiarizar com as melhores produçõesóperas em palcos mundiais, avaliar vozes ao vivo cantores famosos. eu descobri por mim mesmo novo Mundo, onde eles não cantavam como os nossos, com raras exceções.

Eu tive que quebrar algumas ideias em mim mesmo, porque o boato estava "embaçado" pela tradição da ópera soviética, tanto no bom quanto no mau sentido da palavra. Reconstruído tecnicamente, estilisticamente, meu gosto mudou. Não foi fácil, às vezes ele fazia coisas estúpidas. Por algum tempo estudei com os caras por interesse, nem me lembro de ter dinheiro para as aulas.

E então fui convidado para dar aulas de canto na Escola Gnessin, na Faculdade de Atores de Teatro Musical. Para mim, especialmente para um conjunto adicional, eles levaram o único aluno - Rodion Pogosov. Ele tinha então 16 anos, nunca cantou e geralmente sonhava em se tornar um ator dramático. Mas em universidades de teatro ele não foi aceito, e “por aflição” ele entrou na escola e veio até mim. Já aos 19 anos, no 3º ano, estreou-se como Papageno em " Nova ópera”, e aos 21 anos ele se tornou o participante mais jovem do programa para jovens no Metropolitan, e assim por diante. Agora Rodion é um artista procurado de classe internacional.

- Bem, mesmo a "primeira panqueca" não saiu grumosa para você!

Sim, trabalhar com meu primeiro aluno exigiu muita força e energia de mim. Eu o forcei a fazer vocais o tempo todo, em parceria com sua mãe. Não eram aulas comuns duas vezes por semana durante 45 minutos, mas aulas quase todos os dias. Simplificando, eu o persegui, superando a resistência e a falta de vontade de aprender. Você pode entender totalmente rapaz jovem, além de não acreditar em suas habilidades vocais. Ele até ria dos cantores, o próprio processo de canto acadêmico parecia ridículo para ele.

- Acontece que você teve que estudar do zero! E tem-se a impressão de que os alunos de Vdovin - sabemos mais sobre os graduados da Academia do Coro - já são caras preparados desde a infância, cantando desde os 6-7 anos, músicos muito competentes.

Agora falam de mim que tomo "creme" na minha aula, melhores vozes. E o que, é necessário tomar os ruins? Ou eu tenho que provar algo para alguém? Qualquer artista normal (artista, mestre) sempre escolhe o melhor. Sim, agora os jovens vêm até mim, vendo os resultados do meu trabalho, e eu tenho a oportunidade de escolher. E no início eles me deram alunos diferentes. Então eu passei pela escola de tirar alunos difíceis programa completo, e eu acho que isso é necessário para um jovem professor.

- Houve opções completamente sem esperança? Para uma pessoa perder a voz por completo, ou deixar sua carreira vocal, mesmo que não seja por sua culpa?

A idade extremamente jovem dos iniciantes atuais também é um dos problemas. Anteriormente, começaram a aprender canto profissionalmente aos 23-25 ​​anos, principalmente homens, ou seja, pessoas fisicamente aptas, fortes não só no corpo, mas também no espírito, que escolheram significativamente sua profissão. Agora, jovens de 15 a 16 anos vêm para as escolas, para a Academia do Coro na minha classe - aos 17 anos.

Acontece que aos 22 anos eles já são graduados. Eu tinha um cara assim, baixo, muito bom, ganhava competições. Ele foi imediatamente levado para o programa de jovens em um dos países europeus e depois ao teatro. E é isso - eu não ouvi nada sobre ele por um longo tempo, ele se foi. Os chamados contratos fest em teatros de repertório são especialmente arriscados para vocalistas muito jovens. Isso significa - cantar tudo, se combina ou não com sua voz. Hoje - Rossini, amanhã - Mussorgsky, depois de amanhã - Mozart, e assim por diante até Bernstein e a opereta. Você olha, nem mesmo dois anos se passaram, mas em vez de uma voz - os restos de belezas passadas.

- Mas afinal, na tradição russo-soviética, estilos e nomes muito diferentes no cartaz sempre se alternavam, e os principais solistas também cantavam não 6-7 "La Traviata" ou "Peak", como agora estão no Ocidente , mas 4-5 funções mais diversas por mês .

Acho que as trupes regulares e o teatro de repertório estão ultrapassados, fazem mal a todos: artistas, maestros, público. Em primeiro lugar, sempre faltam ensaios para manter os títulos atuais em boa forma. Não há ensaios suficientes mesmo em conjuntos tão poderosos como o Metropolitan Opera de Nova York ou a Staatsoper de Viena. Portanto, não pense que tudo está ruim conosco, mas todos são prósperos lá. Eu posso me lembrar de como minha aluna fez sua estreia no Met no papel principal mais difícil sem um único ensaio no palco! Foi assim que ela saiu - e cantou, e até o toca-discos ficou preso, e ela começou a ária nos bastidores.

Portanto, não sou adepto do sistema de repertório, em nosso país o considero uma relíquia dos tempos soviéticos, não relacionado à arte, mas ligado apenas à legislação trabalhista, ideologia etc. Então, agora estamos sentados em um beco sem saída e não sabemos o que fazer. Os cantores não têm certeza do futuro, mas, diga-se de passagem, a profissão artista de ópera geralmente bastante arriscado, a voz é um instrumento muito frágil, em caso de dúvida - você pode e deve inicialmente escolher outro campo. Os maestros não estão felizes, porque o cantor não pode apresentar Mozart de forma convincente hoje e Prokofiev amanhã. O público hoje também é mimado e precisa de estrelas ou novos nomes. E obtêm-se compromissos em detrimento do art.

Em uma situação de free lanser, os cantores principais sempre têm mais chances de dominar o repertório certo para eles, de conhecer maestros interessantes, parceiros de igual nível, etc. E com que cuidado tudo pode ser ensaiado no caso de uma equipe de produção para um determinado projeto!

- Mas então, em uma situação em que não há nem 5-6, e às vezes até 12 apresentações com o mesmo nome seguidas, os artistas têm o efeito do automatismo, como os solistas nos musicais? Mal consigo entender como é possível fazer centenas de apresentações seguidas na Broadway com um dia de folga, muitas vezes sem reposição, retratando sentimentos, risos e lágrimas no palco...

Ao contrário da Broadway, na ópera todas as noites os artistas não saem (exceto em casos de emergência), sempre há um ou dois dias de descanso. E as apresentações raramente acontecem mais de cinco vezes no bloco de encenação. Melhores teatros, como o mesmo Metropolitan, eles estão tentando reunir os melhores intérpretes desta ópera ao redor do mundo hoje. E acredite, em um ambiente de alto profissionalismo e perfeição de cada detalhe, é muito mais fácil para um artista focar na imagem.

O exemplo do Met também é interessante para o público, pois em uma semana você pode ouvir os trabalhos dos mais estilos diferentes no melhor desempenho. Não é segredo que em Teatro de ópera mais frequentemente "aborígenes" tendem a receber e visitantes, turistas. Assim, estando em Nova York em janeiro deste ano, em poucos dias visitei a talentosa compilação barroca Ilha Encantada, vi o sensacional Fausto, depois Tosca e Filha do Regimento. E para o "local" preguiçoso os títulos de maior sucesso se repetem após cerca de seis meses, como o mesmo "Ana Bolena", que abriu a atual temporada de ópera.

Em geral, o tema das várias tradições da existência da ópera é insanamente interessante e difícil, cada país tem seus próprios momentos racionais que podem ser combinados para o bem, basta conhecê-los e saber como fazê-lo.

- Para você pessoalmente, especialmente no início atividade pedagógica, não interferiu com a falta de sua experiência de palco?

No início, claro, sim, interferiu! Naturalmente, quando me sento em uma master class com Elena Vasilievna Obraztsova, a quem adoro, simplesmente me deleito com suas comparações, discurso figurado. Sua vasta experiência, trabalhando com mestres excepcionais mais a mais rica fantasia artística pessoal - tudo isso fascina! Quando ela trabalha em um fragmento de uma ópera ou de um romance que conhece bem, então ela constrói um mundo inteiro criado a partir de conhecimento e talento juntos, no qual não há apenas atuação, mas também direção e até regência.

Estou aprendendo o tempo todo! Ele estudou enquanto trabalhava com a inesquecível Irina Konstantinovna Arkhipova, agora ao lado de Obraztsova, com Evgeny Evgenievich Nesterenko, com os professores do nosso Programa de Jovens. Percorro os recifes de novas festas e produções, inclusive estrangeiras, com meus alunos. Tudo isso é uma busca, uma escola, um enriquecimento da prática pessoal. Tive sorte em termos de tempo, comecei a ensinar ativamente na idade em que cantores de ópera geralmente ocupados apenas com eles mesmos e suas carreiras. Tive a oportunidade de mergulhar profundamente e amplamente nos problemas pedagógicos - ganhar experiência pedagógica, trabalhar com todos os tipos de vozes, estudar vários repertórios.

Deixe-me fazer uma comparação um tanto inesperada aqui. Há uma opinião de que os melhores obstetras são os homens, porque são incapazes de entender, imaginar as dores do parto e agir com mais determinação e calma.

Sim, talvez, o momento do meu desapego da atuação como tal possa ser benéfico. Pensei muito e cheguei à conclusão de que o canto lírico e a pedagogia vocal são duas profissões diferentes, semelhantes em alguns aspectos, claro, mas não em tudo.

Como eles existem, se você recorrer à medicina, um cirurgião e um diagnosticador. Um excelente cirurgião com "mãos de ouro" pode fazer um diagnóstico ruim e vice-versa. Essas profissões exigem conhecimentos diferentes.

A nossa, pedagógica, é bastante estreita quando se trata apenas de técnica vocal e exige uma amplitude enorme de visões quando surgem questões de repertório, conhecimento da profissão do cantor por todos os lados. Sim, eu não canto no palco, mas faço isso o tempo todo nas aulas, mostrando com a minha voz. Não toco piano em público, mas consigo acompanhar bem os alunos. Eu era gerente, então posso falar aos alunos sobre as "armadilhas" dos contratos, sobre os maus e boas condições discursos. A menos que eu mesmo não tenha dirigido e encenado óperas, mas, novamente, desempenho essas funções nos ensaios.

- E por tudo isso, você, Dmitry, é uma exceção à regra - um professor de canto de sucesso que não se apresentou no palco. Existem outros colegas com um destino semelhante?

Posso nomear Svetlana Grigoryevna Nesterenko (o homônimo do nosso grande baixo), trabalhamos juntos no Bolshoi Theatre Youth Program, ela é a chefe do departamento vocal da Choir Academy. V.S. Popova. Entre seus alunos estão Alexander Vinogradov, Ekaterina Lekhina, Dinara Alieva e muitos outros cantores dignos. E o público em geral, como cantores, não conhece muitos professores ocidentais de destaque. Em geral, nós, professores de canto, somos lutadores na frente invisível.

E com todas as reclamações nível geral O número de cantores no mundo é bastante alto agora, há até uma certa superabundância deles, mas a escassez de professores de canto sérios dignos é constante, pois havia uma profissão de peça, e permaneceu. Aqui está o paradoxo.

No início do trabalho, as observações de vocalistas experientes que eu, dizem, não sou cantora, não cheirei maquiagem, não tentei isso, machuquei, não muito, mas arranhei. E agora - absolutamente não me importo. Me acalmei nesse sentido, tenho tantas tarefas, e tanta responsabilidade por dezenas de meus alunos de sucesso que se espalharam pelo mundo. É preciso evitar que eles cometam erros, da vontade de subir no repertório errado, é preciso escrever para eles, ligar para eles, convencê-los. Até um conflito - isso é raro, mas aconteceu que terminou em uma briga e uma ruptura (não da minha parte). Todos querem ser adultos e, ao mesmo tempo, todos são vulneráveis, como as crianças! Eles às vezes não entendem que seu bom canto é meu profundo interesse, e não que eu seja um tirano com um chicote, fui a uma apresentação ou concerto para criticá-los duramente.

- Um professor muito velho e sábio em Escola de música sempre logo após o concerto apenas elogiava os alunos, e adiava o “debriefing” para o dia seguinte. Porque o palco é adrenalina, enfim, as críticas não serão levadas a sério na euforia dos aplausos, mas as asas, a vontade de tocar música pode ser quebrada por uma criança com um comentário cortante.

Nesse sentido, tenho um caráter difícil. Sei que estou errando, sendo uma pessoa emotiva e dura, mas nem sempre consigo me conter, embora tente.

Recentemente houve um concerto, extremamente mal sucedido. Assim aconteceu - uma situação difícil, poucos ensaios, pouco contato com a orquestra. No final, fui até os caras e simplesmente citei E.V. Obraztsova novamente: “Camaradas, hoje não tivemos um teatro, mas um clube com o nome de Tsuryupa”. Todos, é claro, ficaram muito tristes, mas isso não impediu que o segundo show no dia seguinte fosse muito melhor!

Às vezes, é claro, você machuca os alunos. Mas eu digo ao mesmo tempo: gente, mas eu me machuco e me ofendo com comentários, não culpo vocês por tudo, esses são nossos erros comuns, eu mesmo não durmo à noite, sofro, analiso.

- Um professor que não repreende é o mesmo médico que não trata!

Há também questões de diferenças mentais. Uma de minhas colegas, nossa pianista muito famosa e professora maravilhosa, certa vez na América levantou a voz em seu coração e jogou as notas na direção de um aluno. Bem ali - uma investigação, polícia, um escândalo ... Portanto, nos EUA não foi fácil para mim me acostumar a trabalhar nesse sentido: bem, às vezes eu quero adicionar emoções, levantar minha voz para um estudante, mas isso é impossível lá.

Mas há outros alunos também! Fiquei chocado na minha primeira visita a uma master class em Houston. Um bom jovem barítono veio até mim e me mostrou a ária de Yeletsky. Eu ofereci a ele uma lição extra à noite, afinal. Ele queria passar a cavatina de Fígaro de Sevilha. Mas às 18 horas, ao minuto, a pianista se levantou e saiu - seu dia de trabalho acabou, tudo era rigoroso. Eu mesmo percebi que me aprofundaria demais no acompanhamento bravura de Rossini e disse: “Você vai cantar Yeletsky novamente?” Ele concordou de bom grado e me surpreendeu - nas poucas horas que se passaram desde a aula da manhã, ele consertou tudo! Todos os meus comentários sobre fraseado, pronúncia, entonação, conteúdo de atuação - tudo é levado em consideração!

"Sim como vai você?" Pergunto-lhe. “Maestro, eu sentei, olhei as notas por 15 minutos, escutei a gravação da nossa aula, compreendi o que você disse – e a ária agora está pronta.”

Para mim foi um choque alegre! Voltando a Moscou, como ele censurou seus próprios alunos por esse incidente, porque até que você diga a eles vinte vezes, eles não farão isso! Eles vêm para a aula sem gravador, às vezes até sem lápis e uma cópia extra da música para fazer anotações. O que você pode dizer? Você tem que ser duro.

- Você tem meninas em sua classe. Existe diferença nas abordagens?

É mais fácil com os caras até certo ponto, mas sem as meninas na classe seria apenas chato! Claro, a voz feminina exige que eu adote uma abordagem diferente da realidade vocal, maior concentração atenção. Material diferente e, consequentemente, ferramentas diferentes. Requer mais tempo para pensar, mais esforço e até mesmo conhecimento técnico e experiência. Mas, como a vida mostrou, em geral, e com vozes femininas Entendo. E na sala de aula, a presença de gêneros diferentes dá uma vantagem enorme no repertório, você pode fazer ensembles, duetos.

- Existe uma crise geral nos vocais mundiais no final do século 20 - início do século 21? comparado, por exemplo, com 60-70 do século 20, e em caso afirmativo, por quê?

Se sim, a crise sempre existiu. Durante o apogeu de Callas e Del Monaco, havia quem falava com saudade dos tempos de Ponselle, Gigli e Caruso, e assim por diante, voltando no tempo, até o início do século XIX, até nomes completamente lendários. Esta é da série: "O céu estava mais azul e a grama estava mais verde."

Em princípio, a escola tornou-se melhor e mais uniforme em países diferentes, porque começamos a viver em um único espaço de informação, tivemos a oportunidade de ouvir muitas vezes ao vivo ou em uma gravação bem fresquinha tudo de melhor do mundo palcos de ópera. Para muitos amantes da música, entrar num avião e em poucas horas encontrar-se em qualquer capital musical tornou-se uma realidade acessível.

Na minha opinião, a crise está em outro lugar. Há muitos profissionais fortes agora, os desempregados estão se multiplicando entre os gerentes de nível médio, mas há muito poucas vozes extraordinárias e extraordinárias. E nem tanto em beleza, mas em potência, volume de som.

- Eu me junto a você de todo o coração - poucos dos modernos, mesmo os melhores cantores de ópera Eu posso reconhecer sem um anúncio no rádio, embora os "velhos" - instantaneamente, a partir de duas notas!

E este é também o custo da tecnologia! Todos começaram a cantar igualmente bem. Muitos ex-grandes eram reconhecíveis, extraordinários e belos não apenas por seus méritos, mas também por "irregularidades divinas", como o mesmo Callas incomparável. Falta não só timbres brilhantes, mas sobretudo individualidade, com raras exceções. Em parte porque os cantores se tornaram extremamente dependentes da ditadura do diretor e sua profissão não está na primeira fila em termos de importância para a ópera.

- Ah, nosso assunto favorito é sobre o "reoperador"! Como você se sente sobre ela?

Há um período no teatro musical agora que todos nós estamos passando como doença ou mau tempo. Lembra quando estudamos a história da música e falamos sobre a "queda da ópera" na época barroca, sobre o "concerto fantasiado"? Em meados do século XX, junto com Callas e Luchino Visconti, reinaram nos palcos mundiais, a ópera começou a se fundir com o mundo do drama, do cinema, desenhar imagens na pintura, de alguma forma se erguer nível artístico. Mas, como resultado, a casa de ópera foi para o outro extremo, o maneirismo. Isso é especialmente radical na Alemanha, tanto que Peter Stein já disse em algum lugar, ao falar da direção de ópera alemã: “Desculpe, mas neste contexto me sinto desconfortável em me chamar de diretor alemão, não me considero um”.

Mas, curiosamente, há séculos se fala da morte da ópera. Ela vai ao extremo o tempo todo. Mas quando, ao que parece, tudo já acabou, de repente ela consegue encontrar novos meios e novamente aparece em toda a sua beleza.

- Sim Sim! É por isso que produções de figurinos tradicionais, como Werther em 2010 na Ópera da Bastilha em Paris, Adrienne Lecouvreur na última temporada em Covent Garden, ou a mais recente Ilha Encantada no Met, quebram os aplausos desde a primeira abertura da cortina.

Mas nesta situação eu não gostaria de parecer um terry ortodoxo, um retrógrado e um conservador. Há incrivelmente finos e profundos produções contemporâneasópera.

Todo mundo determina o grau de persuasão e talento do próprio diretor, e também desenvolvi uma opinião pessoal sobre esse assunto. Acho que se a produção tiver uma lógica própria e profunda, se cada “arma disparar”, então a produção é um sucesso. E se em uma performance o diretor simplesmente junta todas as imagens e metáforas que ele economizou nos anos anteriores de inatividade, e não consegue pagar as contas, e nós sentamos e não entendemos – então por que isso acontece? Em teoria, literalmente “andar de cabeça para baixo” também pode ser convincente, como Natalie Dessay demonstrou em Ariadne auf Naxos.

- Mas o mestre vocal Vdovin não pode dizer que é difícil e não fisiológico andar de cabeça para baixo enquanto canta, para defender os alunos?

Não, infelizmente, não posso dizer nada, embora às vezes me indigna com muitas coisas. No teatro - todas as pessoas são dependentes e devem ser leais ao plano do diretor. Às vezes vejo que as pessoas têm vergonha de se envergonhar no palco em algum tipo de cenário de diretor. De que tipo de persuasão artística estamos falando aqui! E o mais triste é que, além do egoísmo e do capricho, às vezes isso não faz o menor sentido. Mas, por outro lado, concordo que é possível mostrar um artista mesmo de forma feia, se houver uma tarefa artística realmente profunda nisso.

Eu sou um especialista em teatro de primeira educação, cujo primeiro líder foi Pavel Alexandrovich Markov, e o principal mestre foi Inna Natanovna Solovyova, ótimas pessoas. Encontrei bons momentos para o teatro - fui às apresentações de A. Efros, G. Tovstonogov, Y. Lyubimov, e houve tantas turnês em Moscou ...

- Existem alunos que não querem “curvar-se” sob a tirania dos diretores e pensam em si mesmos apenas em um gênero puro de concerto de câmara?

Eu conheci um desses, no entanto, ele não é meu aluno. Ele tem tudo para se tornar um fenômeno notável do nosso tempo - este é o baixo Dmitry Beloselsky. Deixou o coral, por muito tempo cantou apenas cantata-oratório, concertos. Eu não queria ir à ópera. Só recentemente, aos 34 anos, mudou de ideia, veio para o Teatro Bolshoi e, graças a Deus, é assim. Ele tem mais chance de não sair nessa idade antes do tempoà distância, com inteligência e compreensão para construir um longo carreira de sucesso. Dmitry agora está tendo um tremendo sucesso onde quer que ele se apresente. Do Metropolitan ao Bolshoi. Mas "puro" cantor de concerto, infelizmente, é difícil sobreviver financeiramente, a profissão de performer de câmara está praticamente morrendo. Infelizmente!

- O conceito de "escola vocal russa" faz sentido hoje? A esse respeito, no concerto de formatura do Programa Jovem do Teatro Bolshoi na primavera passada, que você, Dmitry, dirige, fiquei desagradavelmente surpreso com o quão melhor e mais convincentemente os jovens cantores lidam com a música ocidental e como é problemático para eles para executar russo.

A escola russa, sem dúvida, existe, pois há uma enorme herança operística e a língua russa. E como componente - tradição teatral. O próprio repertório russo dita uma abordagem técnica diferente das obras de italiano, francês, música alemã. O problema, na minha opinião, é que nossa música é voltada principalmente para vozes muito fortes, para cantores maduros. Já que a maioria das óperas foram escritas para os dois Teatros Imperiais, que sempre foram famosos por suas vozes poderosas e profundas. A questão de onde encontrar o verdadeiro Herman ou Marfa para Khovanshchina hoje está se tornando cada vez mais difícil de resolver ...

A propósito, na América, Tatyana é considerada uma festa de idade mais forte do que Lisa em "Peak". E Yeletsky é mais forte que o Conde em Le nozze di Figaro. Lensky e Onegin também não são considerados papéis juvenis, como é habitual entre nós, apenas porque Pyotr Ilyich escreveu suas cenas líricas para estudantes do Conservatório de Moscou. Mas há uma orquestração muito densa e uma tessitura vocal complexa, com grandes saltos para cima e para baixo na faixa, o que, acredite, como professor, nem todos os jovens cantores conseguem fazer. E dada a acústica problemática que temos em muitos salões, e como as orquestras adoram estrondo, você precisa ter vozes fortes muito poderosas para suportar tudo isso. Desculpe-me, mas acho que a cavatina de Antonida de Glinka, por exemplo, é tão difícil de escrever que uma soprano deveria receber uma medalha nas asas por seu bom desempenho! Outro ponto delicado - os compositores russos, por toda a sua genialidade, nem sempre dominam os meandros da escrita vocal. E isso é compreensível - ela mesma tradição operística na Rússia não é tão antigo, e muitos de seus representantes aprenderam isso sozinhos.

Mais sobre Glinka, em conexão com a sensacional última estreia de Ruslan, agora estou falando apenas do lado vocal, porque houve declarações na imprensa de que, dizem, não há ninguém para cantar direito em comparação com a produção anterior do Teatro Bolshoi dos anos 70 B.A. Pokrovsky. Direi como testemunha viva e ouvinte - sim, nessa performance houve brilhante Ruslan - Evgeny Nesterenko, Lyudmila - Bela Rudenko, Tamara Sinyavskaya - Ratmir. Mas entre a abundância de personagens (e o desempenho foi em 2-3 elencos), havia cantores que, por algum motivo desconhecido, apareceram no palco do Teatro Bolshoi e, não é segredo que houve apresentações, tendo entrado em que você poderia perder o interesse pela ópera para sempre, como tal.

Voltarei à divisão de gêneros - há cantores maravilhosos que são únicos nas óperas de Mozart, e nada mais. E outros devem cantar exclusivamente música russa - este é o seu ponto forte. Mas quando eles começam a cantar isso e aquilo, é pior para Mozart, e Glinka, e para os ouvintes.

- Infelizmente, nem todos os cantores têm uma mente analítica sóbria e vontade de recusar projetos aventureiros, como o seu Dmitry Korchak, que já foi oferecido para cantar Herman!

Sim, Dima é ótimo nesse sentido, mas o fato de haver tão pouca música russa em seu repertório, porque sua voz é muito leve - é uma pena, ele faz isso muito bem. E Vasily Ladyuk, a propósito, também. Lembro-me da noite em que ele encenou romances russos - embora eu não goste composições de câmara, mas Mikhail Pletnev fez isso surpreendentemente bem, um dos melhores concertos sobre penetração no significado da música aconteceu!

Em geral, para cantar bem a música russa, você precisa trabalhar muito para se livrar de um grande número de nossos próprios clichês, de perder a sensação de frescor. Às vezes os estrangeiros têm novos tons surpreendentes, e às vezes percebemos involuntariamente a tradição como um urtext, gravação clichê de um clássico reconhecido da cena russa de muito tempo atrás.

- Sobre "ouvir" discos antigos. A afirmação de Svyatoslav Teofilovich Richter há muito afundou na alma de que a juventude moderna, estragada pela disponibilidade de equipamentos de gravação de som, se acostuma a se controlar constantemente do lado de fora, após a apresentação. E as gerações anteriores de músicos, privadas dessa bênção da civilização, desenvolveram a chamada "pré-audição", ou seja, a capacidade de sentir a próxima frase musical antecipadamente, com o ouvido interno.

Ao ponto. Recentemente, ouvi uma gravação de áudio do Met - "As Bodas de Fígaro". E durante os conjuntos, às vezes eu não conseguia entender, sentado sem notas, quem tocava agora - a Condessa, Susanna ou Querubino. Porque todos os três, desculpe, pequeno Rene Fleming! Claro, a disponibilidade de gravações de som de tudo e de todos, You Tube, etc. deixar sua marca artistas contemporâneos, e a interpretação clichê vem daqui.

- Mas você pessoalmente permite que os alunos usem a tecnologia em aulas, apresentações?

Eu permito sim. Quão homem de teatro Eu entendo que quando você começa a construir tarefas com os caras, procure as origens disso ou daquilo imagem musical, causas e efeitos - então os selos desaparecem, a pressão das gravações de áudio e vídeo de outras pessoas desaparece.

- Os cantores precisam de um contexto histórico, conhecimento sobre o tempo e o lugar da ação de seu herói, sobre a biografia do autor?

Bem, claro! Artista de ópera, cantor deve ser uma pessoa educada! Para encher a obra, o texto de significado - mesmo em língua nativaé necessário compreender não só as palavras, mas também toda a situação em torno do personagem, enredo, laços históricos se esse for o material. É terrível quando os jovens não sabem os nomes dos poetas que escreveram os textos dos romances, ou quando estão perdidos onde fica a Flandres, que é cantada na ária de Dom Carlos. Ou não imagina que a ária é endereçada ao parceiro e, em essência, trata-se de um dueto.

O mais importante é desenvolver a imaginação artística no cantor, fazê-lo ver e entender o que está nas profundezas e nas entrelinhas.

- Uma pergunta um tanto provocativa: o que você prefere - os vocais brilhantes do cantor combinados com arte limitada e aparência indescritível, ou vice-versa, arte brilhante com vocais muito moderados?

Pessoalmente, agora prefiro ficar em casa nessa situação! Mas, falando sério, em uma ópera, uma arte brilhante combinada com vocais medíocres é inadequada, pode haver um vocalista normal em termos de força ou timbre, mas ele deve dominar completamente seu instrumento. Caso contrário, de forma alguma, uma figura esbelta, traços faciais regulares e plasticidade de atuação, se perderem completamente as notas, não salvarão - o que fazer, um gênero sintético.

Portanto, apreciamos os exemplos mais raros da harmonia de tudo: uma voz fenomenal, musicalidade, um enorme temperamento de atuação, combinado com uma beleza brilhante e muito corajosa - foi Vladimir Andreevich Atlantov no palco, que reinou no palco do Bolshoi Teatro. Tive o prazer de interagir com ele anos de estudante. Atlantov, provavelmente, não foi um exemplo de um ideal, refinado escola vocal, mas ele me deu muito em termos de compreensão do processo canto de ópera, no que um verdadeiro Artista deve ser.

Entrevistado por Tatyana Elagina