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Apresentação "Arte musical da era do romantismo" Continua Este post do blog apresentou as principais características do estilo. A apresentação dedicada à música do romantismo não só é rica em material ilustrativo, como também contém áudio e exemplos de vídeo. Infelizmente, você só pode ouvir a música clicando nos links do PowerPoint.

Arte musical da era romântica

Nem uma única era antes do século 19 deu ao mundo tanto compositores talentosos e artistas e tantos excelentes obras-primas musicais como a era do romantismo. Ao contrário do classicismo, cuja visão de mundo é baseada no culto à razão, o principal na arte do romantismo é o sentimento.

“Em seu significado mais próximo e essencial, o romantismo nada mais é do que o mundo interior da alma humana, vida secreta seu coração. Sua esfera, como dissemos, é toda a vida espiritual interior de uma pessoa, aquela vida misteriosa da alma e do coração, de onde surgem todas as aspirações indefinidas para o melhor e para o sublime, tentando encontrar satisfação nos ideais criados pela fantasia. V.G. Belinsky

Na música, como em nenhuma outra forma de arte, é possível expressar uma grande variedade de sentimentos e emoções. Portanto, foi a música que se tornou a principal arte na era do romantismo. Aliás, o termo "romantismo" usado pela primeira vez em relação à música escritor eminente, artista, compositor Ernest Theodor Amadeus Hoffmann, cuja vida e destino podem servir como o exemplo mais claro do destino de um herói romântico.

Instrumentos musicais da era romântica

Pela riqueza da paleta sonora, pela variedade de coloração timbre, o piano tornou-se um dos instrumentos musicais preferidos dos românticos. Na era do romantismo, o piano foi enriquecido com novas possibilidades. Entre os músicos românticos há muitos como Liszt, Chopin, que surpreendem os amantes da música com a performance virtuosa de suas (e não apenas suas) obras para piano.

A orquestra da era do romantismo foi enriquecida com novos instrumentos. A composição da orquestra aumentou várias vezes em comparação com a orquestra da era do classicismo. Para criar uma atmosfera fantástica e mágica, os compositores usaram as possibilidades de instrumentos como harpa, gaita de vidro, celesta, glockenspiel.

A captura de tela do slide da minha apresentação mostra que para cada imagem instrumento musical Eu adicionei um exemplo de seu som. Ao baixar a apresentação para o seu computador e abri-la no PowerPoint, meu leitor inquisitivo, você poderá curtir o som desses incríveis instrumentos.

“Os instrumentos atualizados expandiram indescritivelmente o escopo da expressividade orquestral, possibilitaram enriquecer a paleta colorida da orquestra e do conjunto com timbres até então desconhecidos, brilho técnico e poderoso luxo de sonoridade. E em peças solo, concertos, fantasias, podiam surpreender os ouvintes com um virtuosismo sem precedentes, às vezes acrobático, e uma sensualidade exagerada, conferindo aos intérpretes-concertos características demoníacas e imperiosas. V.V. Berezin

Gêneros da música romântica

Junto com os gêneros populares que existiam na época anterior, em música romântica novos aparecem, como noturno, prelúdio(que se tornou uma obra completamente independente (lembre-se dos deliciosos prelúdios Frédéric Chopin), balada, improviso, miniatura musical, canção (Franz Schubert compôs cerca de seiscentos deles) poema sinfônico. Nessas obras, o compositor romântico pôde expressar as nuances mais sutis das experiências espirituais. É romance, buscando a concretude ideias musicais, veio para a criação de composições de programas. Essas criações eram frequentemente inspiradas em obras de literatura, pintura e escultura. O exemplo mais marcante de tais criações são as obras Franz Liszt, inspirado em imagens, Dante, Michelangelo, Petrarca, Goethe.

Compositores românticos

O escopo do "gênero" não permite colocar nesta entrada uma história sobre a obra de compositores românticos. Minha tarefa era dar uma ideia geral da música do romantismo e, se tiver sorte, despertar o interesse pelo tema e a vontade de continuar estudo independente arte musical da era romântica.

Encontrei entre os materiais da Academia Arzamas algo que pode interessar ao meu leitor curioso sobre musica do romantismo. Eu recomendo ler, ouvir e pensar!

Como sempre, eu ofereço bibliografia. Quero esclarecer que estou compilando a lista usando minha própria biblioteca. Se você encontrá-lo incompleto, adicione-o você mesmo.

• Enciclopédia para crianças. T.7. Arte. Parte TRÊS. Música, teatro, cinema. - M.: Avanta+, 2001.
• dicionário enciclopédico jovem músico. ‒ M.: "Pedagogia", 1985.
• Musical dicionário enciclopédico. ‒ M.: "Enciclopédia Soviética", 1990.
• Velikovich E.I. viagens musicais em histórias e fotos. ‒ São Petersburgo: Agência de informação e publicação "LIK", 2009.
• Emokhonova L.G. Cultura Artística Mundial: Proc. Subsídio para estudantes. média ped. livro didático estabelecimentos. - M.: Editora Centro "Academia", 1998.
• Zalesskaya M.K. Ricardo Vagner. Compositor Proibido. ‒ M.: Veche, 2014.
• Collins St. Música clássica por dentro e por fora. ‒ M.: FAIR_PRESS, 2000.
• Lvova E.P., Sarabyanov D.V., Borisova E.A., Fomina N.N., Berezin V.V., Kabkova E.P., Nekrasova L.M. Arte Mundial. Século XIX. Artes visuais, música, teatro. ‒ São Petersburgo: Peter, 2007.
• Rolland R. Vidas de grandes pessoas. ‒ M.: Izvestia, 1992.
• Cem Grandes Compositores / Compilado por D.K. Sameen. ‒ M.: Veche, 1999.
• Tibaldi-Chiesa M. Paganini. ‒ M.: Mol. Guarda, 1981

Boa sorte!

A música da era romântica é provavelmente a mais popular em sociedade moderna modelo de estilo. O romantismo, entendido como uma época, é indicado por uma mudança do dominante na consciência artística e, consequentemente, no sistema das artes. O romantismo é um conceito proposto pelos poetas da chamada escola de Jena, considerados seus fundadores (L. Tieck e Novalis).

É a poesia em combinação com a música que contribui para a formação de novas regras para as relações das pessoas com o mundo e entre si. A principal diferença em relação à era anterior é a nova imagem de rituais socialmente significativos: a criação de música de salão assume a forma de um concerto lírico íntimo específico. O músico romântico torna-se objeto de um culto público, personagem e herói de um certo drama da vida: deslocando a figura de um imperador coroado e igual a Deus, um rei do culto, ele próprio se torna o "ungido" de Deus. A canção romântica é o gênero mais importante para caracterizar o estilo, todos os compositores românticos (exceto F. Chopin) prestam homenagem a ela, escrevendo centenas de obras. Os arranjos de canções para piano estão se tornando extremamente populares, seguindo a tradição de variações de temas de óperas populares do século passado.

O gênero de "canções sem palavras" - uma espécie de arranjo de um texto de canção inexistente - atrai extremamente os ouvintes com uma combinação de domínio virtuoso do instrumento e profundidade lírico-psicológica da música. A expressão máxima dessa tendência é o nascimento de um novo gênero - na verdade miniatura lírica associado principalmente ao piano. Um ramo especial dessa esfera de gênero é criado pela dance music cotidiana, sempre equilibrando à beira da dança aplicada, arranjos de samples populares e a própria miniatura lírico-confessional (há muitos exemplos nas obras de Chopin, Schumann, Brahms , Grieg, Tchaikovsky). A valsa (que substituiu o minueto) torna-se a dança icônica da época.

De grande importância na era romântica são os chamados gêneros didáticos, especialmente os estudos virtuosos.

Construção de público salas de concerto estimula o desenvolvimento de gêneros de concertos sinfônicos, cuja direção é definida por L. Beethoven - uma sinfonia brilhantemente dramática e internamente profundamente literária e programática, um poema sinfônico e um concerto sinfônico.

Em geral, pode-se dizer que o sistema gêneros musicaisé transformado fundamentalmente tanto em conteúdo quanto em significado, sua percepção pela sociedade.

Gênero da música na Europa Ocidental e na Rússia

A poesia é uma arte sonora. A recitação pública de poesia em salões, salas de estar e apenas na vida íntima é sua existência viva. A moda de ler poesia no salão dá origem a um gênero especial: a recitação ao acompanhamento musical do piano recebe o nome melodia.

Assim, a lógica do surgimento e disseminação total do gênero canção romântica como a personificação entoacional da poesia é bastante óbvia. É a música através da canção que permite reconstruir a ideia de formas entoacionais de leitura: um certo papel aqui pertence à narrativa - "narrativa" - recitação. Mas a "descoberta" musical do romantismo é a expressiva enfático entonação. É ela quem determina a camada entoacional do estilo romântico da canção, cultivando arioso. Este tipo de vocalismo representa uma combinação da flexibilidade do recitativo com a beleza e expressividade da cantilena alcançada na ópera barroca e especialmente no classicismo (no gênero cômico).

O tema icônico da poesia romântica é, claro, o tema do amor. Confissões de amor - elogios líricos - são extremamente multifacetados, não apenas nas canções, mas em todas gêneros instrumentais romantismo.

O primeiro e mais prolífico compositor romântico do gênero musical é Francisco Schubert. para o meu vida curta(1797-1828) escreveu mais de 600 canções. Sua fama neste gênero começou com a balada "Forest King" aos versos de J. Goethe (1816). Esta é uma cena de monólogo de música com episódios contrastantes que representam diferentes personagens. Dela imagem principal- figura simbólica da morte - ocupará um lugar especial na música vocal dos românticos.

Schubert usou textos de cerca de cem poetas em suas canções.

Em um clima de sérios interesses poéticos, nasceu o ciclo "A Bela Moleiro", baseado nos versos do poeta alemão W. Müller (1823). Em várias canções, surge o enredo de uma espécie de conto poético sobre o amor de um aprendiz pela mulher de um moleiro: das primeiras delícias ingênuas, passando pela dor da traição e separação, até a humildade leve e triste.

Uma vida cheia de trabalho árduo e exaustivo e pobreza sem esperança leva Schubert a estados de melancolia e solidão, que se refletem em seu último ciclo também nos poemas de W. Müller " caminho de inverno"(1827). Sua vida sempre foi difícil, sua música sempre foi alegre e alegre. Agora ele anseia e escreve sobre o sofrimento da solidão e se torna ainda mais romântico, para quem a confissão da dor mental é um dos temas principais . O último ciclo do Cisne é trágico. canção" (1828) aos textos de seis poemas de G. Heine, bem como dos poetas L. Relyptab e A. Zeidl.

E outra descoberta importante de Schubert, captada por todos os românticos, é a natureza cantada da música em todos os gêneros. Ele processa suas próprias canções em formas instrumentais - o quarteto s-to, na segunda parte do qual varia o tema da canção "Death and the Maiden", o quinteto de piano "Trout" (na quarta parte da variação no tema da música de mesmo nome), a fantasia de piano sobre o tema da música "Wanderer". Mas suas sinfonias também estão imbuídas da música, na qual há uma entonação poética pessoal que expressa a atitude para com o mundo humano. nova era. Um lugar significativo na obra musical de Schubert é ocupado por imagens da natureza, que também se refletem em composições instrumentais. E este se torna o manifesto dos compositores românticos, revelando os impulsos da alma através das metáforas das paisagens, das flores, dos elementos naturais.

Criatividade musical Robert Schumann (1810-1856) - o mais apaixonado e reverente dos românticos - ocupa um lugar central nas letras vocais do século XIX. Sua carreira criativa foi inicialmente ligada à música para piano: ele sonhava em se tornar um virtuose de concertos em meados da década de 1830. cria suas obras-primas de piano imortais - "Symphonic Etudes", "Carnival", Fantasia C-dur, "Kreisleriana". A partir de 1840, começa sua virada para o gênero canção - só neste ano compôs 134 canções, entre as quais famosos ciclos"O Amor do Poeta" aos versos de G. Heine, "O Amor e a Vida de uma Mulher" aos versos de A. von Chamisso e "Murta" aos versos de vários poetas. Neles, ele desenvolve a tradição da canção de Schubert, mas cria um estilo único, cuja base é a sutileza e a profundidade da penetração no significado do texto poético.

É na obra de Schumann que surge a forma entonativa da recitação romântica do verso, teatralmente brilhante e intimamente lírico. Um grande papel pertence à parte do piano, que dificilmente pode ser chamada de acompanhamento - harmonia rica, textura inventiva criam imagem vívida revelando o subtexto emocional do verso.

No ciclo "Love of a Poet", Schumann usa os poemas de Heine do "Lyrical Intermezzo", mas não todos - o compositor os seleciona de tal forma que, como os de Schubert, ele cria história trágica amor.

Provavelmente a música mais famosa do ciclo é "Não estou com raiva". Vale a pena ouvi-lo apenas na língua original para se surpreender com a maestria do compositor, "pronunciando" as palavras de perdão confuso com dor, deleite, mansidão.

Uma beleza semelhante de entonações melodiosas e um monólogo declamatório expressivo distingue a canção "Caro amigo, você está com vergonha de eu chorar" do ciclo "Amor e a vida de uma mulher". Se a poesia de Heine é linda, então Chamisso não é um dos poetas de primeira classe. Schumann imortalizou suas criações poéticas com seu extraordinário dom de ouvir as mais sutis nuances emocionais da pronúncia de um texto descomplicado.

Os elogios silenciosos e sublimes de Schumann são extraordinariamente atraentes - as canções "Você é lindo como um lírio do vale" e "Lotus" aos versos de Heine do ciclo Myrtle, "Quiet Tears" aos versos de Yu. Kerner do opus 35 (1840 ). As confissões de amor entusiasmadas e impulsivas, tão características de Schumann na música para piano, representam outro pólo de sentimentos amorosos. Um excelente exemplo é a famosa "Dedicatória" às palavras de F. Ruckert do ciclo "Murta", inteiramente dedicada à "minha amada noiva".

A história da canção romântica é um tema inacessível. Os compositores alemães possuíam algum ouvido especial de entonação e talento na personificação da poesia. Schubert, Schumann, Liszt, Brahms, Wolf, Mahler - esses nomes estão agora incluídos no tesouro mundial do repertório vocal. Sua herança musical, que para as escolas românticas da Europa Ocidental e da Rússia era o padrão de amor pela poesia e a sutileza de sua audição, não desapareceu mesmo depois de séculos.

E os compositores russos, admirando Goethe, Heine, escreveram seus trabalhos vocais em seus textos em traduções russas de Zhukovsky, Pushkin, Lermontov, Tyutchev. Feta. A comparação de composições com um texto apresenta uma perspectiva empolgante para o trabalho independente. Em geral, o gênero musical é extremamente popular na Rússia, embora seja uma variedade específica chamada "romance". As diferenças entre uma música e um romance são extremamente sutis, devem ser buscadas no estilo musical nacional e, em geral, na melodia da entonação da fala russa. Mikhail Ivanovich Glinka (1804-1857), criador do russo ópera nacional, tinha um ouvido extraordinariamente delicado, uma boa voz e foi o fundador do romance clássico, de natureza romântica. Um de seus primeiros romances "Não tente" acabou sendo uma verdadeira obra-prima das letras vocais. Sensível e com inclinações românticas, Glinka gosta da poesia de V. Zhukovsky, que o comoveu "às lágrimas". E, claro, ele admira a poesia de A. Pushkin, em cujos versos escreveu vários romances magníficos. Um deles - "Não cante, beleza, comigo" - ao som de uma canção folclórica georgiana, trazida do Cáucaso em 1828 por A. Griboyedov. A sutil personificação da recitação também se distingue pelo romance em miniatura "Maria" - um exemplo de um ditirambo de amor juvenil. O amor impulsiona sentimentos e pensamentos: Glinka dedica a seu aluno K. Kolkovskaya o maravilhoso romance "Dúvida", cheio de triste melancolia e ternura. Tendo se apaixonado por Ekaterina Kern, filha de Anna Petrovna Kern, a famosa "destinatária" do poema de Pushkin "Lembro-me de um momento maravilhoso", Glinka escreve seu obra-prima imortal a este texto. Aqui, a habilidade e a inspiração do compositor se fundem em uma harmonia incrível - os compositores raramente são capazes de criar uma personificação adequada de um verso brilhante.

Os romances são escritos por muitos compositores russos - a moda da poesia na Rússia é tão difundida quanto na Europa Ocidental. Possui conquistas nacionais próprias, entre as quais é preciso, claro, citar Alexander Sergeevich Dargomyzhsky (1813-1869) e O modesto Petrovich Mussorgsky (1839-1881).

As obras de Dargomyzhsky baseadas nos poemas de Lermontov "É chato e triste", "Estou triste" são monólogos líricos com detalhes expressivos da personificação da entonação da fala. Bastante nova no gênero é a cáustica sátira social, que manifesta o princípio básico do compositor, dizendo: "Quero que o som expresse diretamente a palavra. Quero a verdade."

Mussorgsky, que gravitou em torno de uma reflexão realista de imagens de vida popular, escreveu em seus próprios textos, poemas de N. Nekrasov, A. Ostrovsky ("Svetik Savishna", "Kalistrat", "Lullaby to Eremushka", "Durma, durma, filho camponês", "Órfão", "Seminarista"). Suas canções eram uma espécie de "esboços" para óperas, que se tornaram uma palavra completamente nova em gênero ópera, teatro de drama musical ("Boris Godunov", "Khovanshchina"). Na década de 1870 criou os ciclos vocais "Without the Sun" (1874), "Songs and Dances of Death" (1875-1877), bem como "Children's" em suas próprias palavras (1872). A linguagem musical de Mussorgsky impressionou a imaginação de muitos compositores do século XX. - tão novas eram as imagens que exigiam novos meios de expressão musical.

O auge da canção romântica na música russa é a criatividade Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840-1893).

Os romances de Tchaikovsky revelam seu incrível dom de expressividade e beleza melódicas. Seu estilo ariose é individual e único - vale a pena soar "três notas", como definimos inequivocamente o autor, no entanto, sua escolha de textos poéticos parece pouco exigente (o que foi repetidamente notado em literatura crítica), embora Tchaikovsky sentisse sutilmente a natureza musical dos poemas de Pushkin, Vasiliy escreveu sobre isso. O tema principal são letras de amor, poemas originais e traduzidos de A.K. Tolstói, A.N. Pleshcheeva, LA Poderia. "Nem uma palavra, oh meu amigo", "Não, apenas aquele que sabia", "Tire meu coração" e outras amostras maravilhosas criatividade inicial prepare a letra da ópera "Eugene Onegin". No final da década de 1870. surgem esquetes vocais entusiasmados e apaixonados - "Eu os abençoo, florestas", "O dia reina". "No meio de uma bola barulhenta" nas palavras de A. Tolstoi é uma experiência marcante das letras vocais russas, um exemplo de retrato feminino no ritmo de uma valsa e sutil devaneio poético. Mais de uma geração de artistas e ouvintes admira o romance encantador dos versos de K. R. (Konstantin Romanov) "I Opened the Window". Romances da última obra (1893) às palavras de D. Rathaus - "Sentamos com você", "O sol se pôs", "Neste noite de lua cheia", "Entre os dias sombrios", "Novamente, como antes, sozinho" - refletem os temas de tristeza, saudade e tristeza, característicos da última Sexta Sinfonia com sua tema trágico vida, destino e morte.

Prazo , romantismo” vem da palavra francesa romanticisme. O romantismo é um movimento artístico que surgiu no final do século XVIII e início do século XIX, primeiro na literatura e depois na música. A obra dos românticos reflete a renovação da personalidade, a afirmação de sua força e beleza espiritual, a rebeldia individualista contra o filisteu, letras sublimes e interesse por histórias fantásticas. Em relação à música, esse termo foi mencionado pela primeira vez por E. T. A. Hoffmann.

O romantismo musical, que se manifestou de forma tangível na década de 20 do século XIX, apresentou continuidade com o classicismo (obra de L. Beethoven). Na música instrumental, o ciclo sonata clássico é substituído por uma combinação do ciclo sonata e variação, a forma em miniatura desempenha um papel importante: estudos, noturnos, valsas, peças com conteúdo programático. Há uma tendência de combinar diversas jogadas individuais em ciclos sob um título comum. O gênero do poema sinfônico está se desenvolvendo. O papel da orquestra e do sistema de leitmotifs está crescendo na ópera, o que se manifesta mais claramente na obra de R. Wagner.

O romantismo tardio é caracterizado pelo desenvolvimento adicional da expressividade, refinamento, expressividade emocional, o uso mais rico das possibilidades de timbre de um grande Orquestra Sinfónica. Isso, por sua vez, predeterminou o surgimento de novas tendências na música européia - impressionismo e expressionismo.

Na Alemanha, o romantismo se manifestou pela primeira vez nas obras de K. Weber ("Free Shooter") e F. Schubert (vocal-sinfônico e criatividade de piano). Realizações significativas posteriores em sinfonia, piano e gêneros vocais alcançou F. Mendelssohn e R. Schumann. R. Wagner e I. Brahms se tornaram os maiores compositores de ópera e sinfonia do século XIX. Compositores antípodas, eles personificavam duas correntes do romantismo maduro - uma inclinação para a música programática, para a rejeição das formas clássicas de construção peça de música(Wagner) e o romantismo, exteriormente revestido de formas mais rígidas e acadêmicas (Brahms), mais associado a herança clássica do passado. As poderosas tradições do sinfonismo romântico alemão-austríaco continuaram no último terço do século 19 nas obras de A. Bruckner, G. Mahler, R. Strauss.

A obra vocal de F. Schubert, R. Schumann, H. Wolf é o auge da música e da música romântica da era do romantismo. Entre as formas vocais, cresce o papel da balada, da cena e do poema. A melodia vocal e o acompanhamento tornam-se mais detalhados e individuais, as canções em muitos casos são combinadas em ciclos.

Em meados do século XIX, a França tornou-se o reduto do romantismo maduro e Paris tornou-se o seu centro espiritual. A vida cultural e musical da Europa concentrava-se em Paris. A obra do maior compositor, o reformador da orquestra sinfônica G. Berlioz, bem como as tradições da "grande ópera" francesa (J. Meyerbeer, F. Aubert) levaram a desenvolvimento adicional romantismo - nas obras de C. Saint-Saens, S. Frank, J. Massenet, L. Delibes, A. Thomas e outros.

As escolas europeias nacionais também deram uma contribuição significativa para o enriquecimento das tradições do romantismo. Entre os mais famosos compositores românticos europeus estão F. Liszt (Hungria), F. Chopin (Polônia), N. Paganini, G. Rossini, V. Bellini, G. Donizetti (Itália), E. Grieg (Noruega), K. Nielsen (Suécia), J. Sibelius (Finlândia), E. Elgar (Grã-Bretanha), A. Dvorak e B. Smetana (República Checa) M. de Falla e E. Granados (Espanha). Na música russa, as características do romantismo podem ser traçadas em M. I. Glinka, P. I. Tchaikovsky, S. V. Rachmaninov, A. N. Scriabin.

O realismo surgiu em meados do século XIX em contraste com o romantismo com sua exaltada idealização das experiências interiores do indivíduo. As principais características do realismo são a representação de heróis reais, personagens, eventos e a relação do indivíduo com o ambiente.

A influência do realismo já se faz sentir na obra de grandes compositores românticos. B. Smetana e A. Dvorak tornaram-se representantes proeminentes da síntese do romantismo e do realismo. Características do realismo apareceram nas obras de D. Verdi (La Traviata) e J. Bizet (Carmen).

No final do século XIX, surgiu na ópera uma tendência de verismo, caracterizada por letras penetrantes e veracidade de sentimentos. Essa tendência foi mais claramente expressa nas óperas Cio-Cio-san de G. Puccini, Pagliacci de R. Leoncavalo, Andrei Chenier de W. Giordano e outras.

O realismo foi amplamente difundido na Rússia. As tradições do "realismo clássico", estabelecidas na literatura russa, foram incorporadas nas obras de M. Glinka ("Ivan Susanin"), A. Dargomyzhsky (romance). Compositores do "Mighty Handful": A. Borodin, M. Mussorgsky, N. Rimsky-Korsakov - os maiores representantes realismo. Eles trouxeram para a música uma nova gama de imagens associadas tanto com vida cotidiana, bem como com grandes eventos históricos(óperas M. Mussorgsky "Boris Godunov" e "Khovanshchina", N. Rimsky-Korsakov "A Noiva do Czar"), com grande habilidade revelada sentimentos da alma personalidades em contato com a realidade circundante.

A descoberta de aspectos da vida antes inacessíveis à arte foi combinada com a busca de novos meios de expressão musical e uma mudança na linguagem musical. As obras dos maiores compositores russos do século 20 - S. Prokofiev, D. Shostakovich, N. Myaskovsky, A. Khachaturian - refletiram a situação histórica e as colossais colisões sociais do século 20. Na Rússia, a criatividade sinfônica e instrumental de câmara alcançou o maior sucesso. No entanto, obras como óperas e balés de S. Prokofiev (“Romeu e Julieta”, “Cinderela”, “Guerra e Paz”) e D. Shostakovich (“Katerina Izmailova”, “O Nariz”) tornaram-se realizações brilhantes da música realista .

Ensaio na disciplina académica "Culturologia"

sobre o tema: "Romantismo na música".

Plano

1. Introdução.

2. Traços característicos da era do romantismo na música.

3. A geografia da música do romantismo.

5. Conclusão.

6. Lista de referências.

1. Introdução.

Romantismo - a nova arte durante XIX século. Substituiu o classicismo e seus sinais começaram a aparecer já no final do século XVIII. O berço do romantismo é a Alemanha, mas rapidamente se espalhou e penetrou em outros países europeus, assim como na Rússia e na América. O próprio termo "romantismo" apareceu pela primeira vez na literatura, graças às atividades do escritor alemão Novalis (1772 - 1801). E.T. apresentou-o à música. A. Hoffmann (1776 - 1882). O romantismo desenvolveu-se em luta e ao mesmo tempo em estreita interação com seus predecessores - classicismo e sentimentalismo. Nas profundezas destes tendências literárias ele nasceu. Os escritores clássicos estavam convencidos de que só pode cumprir o seu dever cívico quem tem uma consciência clara disso, quem é capaz de conter as suas paixões - interesses e aspirações pessoais. Mas esse, eles acreditavam, era o destino de apenas algumas pessoas "nobres", principalmente nobres. Eles deveriam estar prontos abnegadamente, sacrificialmente, para servir a pátria. O dever cívico, em sua opinião, consiste principalmente em nobre honra e virtude.

Os românticos procuravam romantizar tudo ao seu redor, todos os fenômenos da vida. Eles adotaram alguns princípios da era anterior do classicismo, mas a própria essência do romantismo é um protesto contra as configurações do Iluminismo, decepção com elas. Os representantes do romantismo não podiam aceitar o culto da razão, do racionalismo, da lógica e da praticidade. Para eles, a alma e a individualidade de uma pessoa, seus sentimentos eram importantes.

A originalidade do romantismo também reside no fato de que eles não buscaram uma divisão clara da arte em tipos e gêneros. Eles ficaram impressionados com a ideia da síntese das artes e a implementaram com sucesso. O romantismo pertence a uma das épocas culturais mais interessantes e frutíferas.

2. Traços característicos da era do romantismo na música.

Por mais de cem anos, o romantismo reinou na cultura musical (1800 - 1910). Foi nessa arte que ele provou ser um fígado comprido, enquanto na literatura e na pintura ele só poderia durar cinquenta anos. Isso não pode ser chamado de coincidência. Na compreensão dos românticos, a música é a arte mais espiritual e de maior liberdade. Uma das principais características da música da era do romantismo deve ser chamada de síntese com outros tipos de arte. Além disso, os românticos não eram partidários de uma divisão de gênero estrita e clara.

As categorias estéticas também foram misturadas. A tragédia coexistiu facilmente com o cômico; o feio com o belo; mundano com sublime. Tais contrastes não pareciam pouco convincentes ou artificiais. chefe técnica artística- ironia romântica - permitiu conectar o incompatível. Graças a ela, surgiu uma imagem especial do mundo, inerente ao romantismo.

Apesar da tendência de misturar gêneros, muitos deles, é claro, tiveram direito à existência independente e conseguiram se desenvolver significativamente nesse período; gêneros específicos surgiram. Em primeiro lugar, é um gênero de romance poema musical e baladas (o representante mais brilhante é F. Schubert); canções; miniaturas de piano.

Merece especial menção a miniatura do piano. A intenção era transmitir alguma imagem que impressionasse o autor, ou seu estado de espírito. Uma miniatura de piano poderia ter uma especificação de gênero: uma valsa, uma canção, uma canção sem palavras, uma mazurca, um noturno. Os compositores frequentemente se voltavam para a música programada, combinando suas obras em ciclos.

Característica da era do romantismo é o famoso ciclo de piano de R. Schumann "Carnaval", que reflete a natureza livre da estética do romantismo. "Carnaval" contém vinte e um números. São esboços sucessivos, diferindo entre si em humor, fotos, retratos, mas muitos deles estão unidos por um único enredo. O compositor desenha um feriado imaginário para o qual convidados-máscaras são convidados. Entre eles estão os personagens habituais do carnaval - o tímido Pierrot, o travesso Arlequim, Columbine e Pantaloon resmungando um com o outro (tudo isso é lindamente transmitido meios musicais).

"Carnaval" está repleto de uma ideia muito original. O próprio compositor chamou seu ciclo de "cenas em miniatura em 4 notas", já que toda a melodia é construída sobre elas. O compositor tomou quatro notas em várias sequências e combinações e, como resultado, formaram uma aparência de tema subjacente a cada peça.

Em termos de composição, "Carnaval" demonstra o mais alto grau de habilidade de composição. Todas as canções do ciclo se distinguem pela perfeição de acabamento, brilho e virtuosismo. Em geral, todo o ciclo é um exemplo de combinação harmoniosa e integridade.

Se falarmos sobre música de programa com mais detalhes, então aqui podemos destacar tal recurso como uma conexão com outros gêneros: literatura, pintura. A forma do ensaio torna-se dependente do enredo. Em conexão com isso, surgem poemas sinfônicos, concertos de um movimento e sonatas; sinfonias multipartes. Assim, na era do romantismo, tanto a música vocal de câmara quanto a música instrumental de câmara se desenvolveram.

A ópera também se tornou especial nesse período. Ela começa a gravitar em torno do sinfonismo; tem uma conexão estreita e justificada entre texto e música; a ação do palco tinha um valor igual a eles.

Os românticos tinham temas favoritos. A maioria das tramas era baseada no tema da solidão e do amor, pois no centro da estética do romantismo estava uma pessoa orgulhosa e solitária, em cuja alma ferviam fortes paixões. herói romântico sempre se opôs à sociedade, ao mundo inteiro. Portanto, é bastante lógico que durante o período do romantismo os autores se voltassem para temas próximos à imagem de tal herói: o tema da morte, o tema da estrada e das andanças, o tema da natureza. Nas obras românticas, muito espaço foi dado aos elementos da fantasia, invadindo o tedioso mundo material.

Os compositores que trabalharam na era do romantismo tinham uma linguagem musical própria. Eles prestaram muita atenção à melodia, enfatizando o significado da palavra, expressividade artística(A última observação também se aplica ao acompanhamento).

A harmonia foi visivelmente transformada e enriquecida. Paixão, languidez, contraste de humores, tensão, início fantástico das obras eram transmitidos pela harmonia. Assim, melodia, textura e harmonia tornaram-se iguais em seu significado.

Assim, as principais características da música da era do romantismo podem ser chamadas de síntese de artes e gêneros; expressividade especial e estreita relação de melodia, acompanhamento e harmonia; contraste; fantástico; aumento da emotividade e da expressão.

3. A geografia da música do romantismo.

O romantismo cobriu uma área bastante ampla: da Europa e da Rússia à América, e em todos os lugares seu desenvolvimento foi realizado de maneira específica. Na Europa, a arte musical neste período em alguns países tinha semelhanças e diferenças culturais. Por exemplo, a música da Áustria e da Alemanha desenvolveu-se aproximadamente na mesma direção. O romantismo musical desses países foi influenciado pela vienense escola de musica, literatura poderosa. aproximou-os e linguagem comum. O romantismo germano-austríaco foi distinguido não apenas por obras avançadas de vários gêneros, mas também por uma iluminação ativa. A característica definidora do romantismo alemão e austríaco é a canção.

O romantismo na Polônia é uma combinação de vocal e instrumental - característica Música folclórica polonesa. Assim, nas entonações de F. Chopin, os ecos são claramente audíveis gênero épico Música folclórica polonesa - pensamento polonês. Este gênero no período maduro de seu desenvolvimento é caracterizado por um canto épico lento, muitas vezes de tom triste. E episódios dramáticos e tensos posteriores, alternados com o retorno da melodia do verso inicial. Não há dúvida de que foram os pensamentos eslavos ocidentais que serviram de protótipo para as baladas e composições próximas a eles de Chopin. Assim, no coração do romantismo polonês está a arte popular.

O romantismo italiano é um florescimento sem precedentes da arte operística; decolagem "Bel Canto". Assim, a ópera da Itália se tornou líder nessa direção em todo o mundo. Também na França, a ópera adquire um dos valores principais. Um grande mérito nisso pertence a G. Berlioz (1803 - 1869), criador de um fenômeno tão interessante como a ópera cômica, que refletiu diretamente as especificidades nacionais deste país.

Na Rússia, o romantismo se desenvolveu sob a influência das ideias dos dezembristas, da Grande Revolução Francesa, da guerra com Napoleão em 1812, ou seja, foi associado a eventos sociais globais. Os princípios de cidadania, serviço à pátria também foram transferidos para a arte da música, na qual a ideia de consciência nacional soou distintamente. Assim, o romantismo musical de todos os países foi unido por características comuns: o desejo de alta espiritualidade, sonhos de beleza, reflexo da esfera sensual do homem.

4. Grandes compositores e músicos da era do romantismo.

O romantismo deu à cultura musical muitos grandes compositores: F. Liszt (1811 - 1886, Hungria), R. Schumann (1810 - 1856, Alemanha), F. Schubert (1797 - 1828, Áustria), K. Weber (1786 - 1826, Alemanha ), R. Wagner (1813 - 1883, Alemanha), J. Bizet (1838 - 1875, França), N. Paganini (1782 - 1840, Itália), E. Grieg (1843 - 1907, Noruega), G. Verdi ( 1813 - 1901, Itália), F. Chopin (1810 - 1849), L. van Beethoven ( estágio final criatividade, Alemanha), etc. Vamos caracterizar brevemente o trabalho de alguns deles.

Franz Liszt, como V.A. Mozart, era um jovem virtuoso e desde muito cedo fez a Europa falar de si, falando ao público como pianista. Seu dom como compositor apareceu tão cedo quanto. Posteriormente, F. Liszt combinou atividades de turnê e composição. Ele também fez arranjos para piano música sinfônica, e ele pode ser considerado um grande educador.

As composições do autor de F. Liszt são caracterizadas por virtuosismo e profundidade, expressão e fúria. Estas são suas famosas obras cíclicas: "Anos de andanças", "Estudos de performance transcendente", "Grandes estudos após os caprichos de Paganini", "Rapsódias húngaras". F. Liszt deu uma grande contribuição para a popularização e desenvolvimento da cultura musical húngara.

Franz Schubert é considerado o primeiro compositor da era romântica a figurar entre os grandes compositores. Sua música é pura, alegre, poética e ao mesmo tempo - tristeza, frieza, desespero. Como é típico dos românticos, a música de F. Schubert é contrastante, mas impressiona com sua liberdade e facilidade, a beleza das melodias.

F. Schubert escreveu um grande número de canções que são verdadeiras obras-primas. Isso é especialmente verdadeiro para obras escritas nos versos de V.I. Goethe ("O Rei da Floresta", "Gretchen na Roda Giratória") e muitos outros.

O compositor também trabalhou em outros gêneros: óperas, composições vocais e instrumentais de câmara. E, no entanto, antes de tudo, o nome de F. Schubert está associado às suas canções e vários ciclos: "The Beautiful Miller's Woman", "Winter Road", "Swan Song".

O compositor francês Georges Bizet entrou para a história da cultura mundial como autor da insuperável ópera Carmen. Já com dez anos, tornou-se aluno do Conservatório de Paris. O jovem compositor no início de sua maneira criativa Ele experimentou vários gêneros, mas a ópera se tornou sua verdadeira paixão. Além de "Carmen", ele escreveu óperas como "Pearl Seekers", "Perth Beauty", "Jamile". Também se destaca a música escrita por ele para o drama de A. Daudet com o mesmo nome “Arlesian”. J. Bizet é considerado um compositor notável da França.

Edvard Grieg é o compositor mais famoso da Noruega, um dos símbolos deste país. A sua música é um fenómeno original e original, demonstrando a individualidade única do pensamento criativo deste compositor. As obras de E. Grieg, entre as quais " concerto de piano”, romances, “Lyric Pieces”, “Second Violin Sonata” e, claro, “Peer Gynt” - música para a peça de G. Ibsen - tornaram-se propriedade não só da norueguesa, mas também da world music.

Uma das personificações do romantismo é o violinista e compositor italiano Niccolò Paganini. Maioria definições precisas sua arte - brilho, brilho, fúria, rebelião. Ele escreveu obras virtuosas e apaixonadas, que ainda hoje estão presentes no repertório de violinistas famosos. Estamos a falar dos Concertos para Primeiro e Segundo Violino, "24 Capricci", "Carnaval de Veneza" e "Movimento Perpétuo". Além disso, N. Paganini era um excelente improvisador e fazia arranjos-variações de fragmentos de óperas para violino solo. Ele foi a inspiração para muitas figuras da era romântica.

Falando da música do notável compositor polonês Fryderyk Chopin (1810 - 1849), antes de tudo, vale dizer que esta é a "alma do povo polonês", que encontrou diversas expressões na arte de Chopin. Há páginas de grandeza épica e ascensão heróica em sua música. Nos trágicos episódios da música de Chopin pode-se ouvir a dor de um coração corajoso. A arte de Chopin é uma arte profundamente folclórica de um artista patriota, um artista humanista, animado pelos ideais avançados da época em que ele teve que viver e criar.

As atividades de Chopin como compositor começaram com a composição de danças domésticas polonesas (mazurca, polonaise, valsa). Ele também se voltou para os noturnos. Revolucionários para a música de piano foram sua "Ballad in G minor", "Scherzo in B minor", "Etude in C minor". Os estudos e prelúdios de F. Chopin (juntamente com os estudos de F. Liszt) são o auge da técnica pianística da era romântica.

O romantismo se enraizou muito bem em solo russo. A nova atitude encontrou uma resposta nas mentes e nas almas da intelligentsia. Seu conceito de resistência ao mal, que varreu o mundo inteiro, acabou sendo muito próximo da arte e da literatura russas.

Uma das manifestações do romantismo foi a prosa romântica russa. Surgido na primeira metade do século XIX, tornou-se em si um fenômeno único e único. Representado pelos nomes não apenas dos grandes escritores russos, mas também dos autores da segunda linha. Algumas das obras desses autores demonstram claramente a atração pela fantasia, atmosfera incomum e surreal, reviravolta mágica na história, heróis estranhos. Nessas obras, sente-se o traço de Hoffmann, mas refratado pela realidade russa. Como na Alemanha, a música russa desse período estava intimamente associada à literatura. Isso pode ser visto no exemplo de V.F. Odoevsky (1804 - 1869), que se destacou em ambas as áreas.

Em geral, a era romântica produziu toda uma galáxia de compositores notáveis. Estes são P. I. Tchaikovsky (1840 - 1893), A. A. Alyabiev (1787 - 1851), A.P. Borodin (1833 - 1887), M. I. Glinka (1804 - 1857), A. S. Dargomyzhsky (1813 - 1869), M.P. Mussorgsky (1839 - 1881), M. A. Balakirev (1837 - 1910), N. A. Rimsky-Korsakov (1844 - 1908), A. N. Scriabin (1872 - 1915), Ts.A. Cui (1835 - 1915), S.V. Rachmaninov (1873 - 1943). Claro, a maioria dos compositores listados eram apenas românticos. Eles deram uma grande contribuição para o desenvolvimento do realismo na cultura russa, mas certos períodos de sua obra caíram no palco do romantismo.

O porta-voz da ideia russa na música foi M.I. Glinka. Sua aparição na cultura musical russa a forçou a seguir um caminho diferente. Em seu trabalho, ele conseguiu combinar estilos europeus e russos tradições nacionais. período romântico criatividade M.I. Glinkas são belos romances repletos de harmonia, lirismo e paixão, perfeitos na forma e no conteúdo.

Além das atividades dos compositores, as associações criativas desempenharam um papel importante neste período. Em geral, foi uma época de grandes e significativas mudanças para a Rússia, inclusive na vida musical. Há um desenvolvimento da ciência e da literatura, que traz consigo a arte russa. Seus melhores representantes começam a perceber o grande poder social da arte. Assim, as tendências da época também captam a música, aumenta a influência da literatura sobre ela e, consequentemente, sua interação. O escopo de sua relação com outros tipos de arte está se expandindo, várias comunidades musicais estão surgindo: o círculo de Dargomyzhsky, o círculo de Rubinstein, o círculo de Belyaev e, finalmente, a comunidade musical de Balakirev, chamada Mighty Handful.

A expressão "Bando poderoso" foi introduzida pelo crítico V.V. Stasov (1824 - 1906). Essa expressão oxímora tornou-se posteriormente alada e passou a ser repetida tanto em um contexto respeitoso quanto irônico, referindo-se aos músicos agrupados em torno de M.A. Balakirev.

Em primeiro lugar, eles buscaram reavivar o interesse pela arte popular russa. Atribuindo grande importância identidade nacional música, eles acreditavam, com razão, que isso só poderia ser alcançado se o compositor recorresse a fontes de canções folclóricas. Quem foi criado apenas em composições de salão, mesmo as melhores, não conseguirá criar nada que valha a pena. Até agora, os membros acreditavam círculo de Balakirev, a música profissional, com raras exceções (ou seja, M.I. Glinka, 1804 - 1857) estava longe da arte popular. No entendimento dos "kuchkistas", o compositor deve estar imbuído do espírito da música folclórica. Assim, o romantismo russo é a arte nacional russa.

5. Conclusão.

Uma visão nova e romântica do mundo em arte europeia na virada dos séculos XVIII - XIX. No romantismo, o mundo comum é adjacente ao mundo fantástico, para onde o herói dramático corre, esperando fugir do comum. Os românticos acreditavam que a arte é uma; a poesia e a música são especialmente próximas. A música é capaz de "recontar" o pensamento do poeta, desenhar uma imagem herói literário, e a poesia muitas vezes impressiona com sua musicalidade. A tendência da nova arte também se refletiu na obra dos grandes compositores românticos.

O romantismo musical tinha seus próprios heróis, seus próprios temas, seus próprios princípios estéticos e sua própria linguagem artística. Seu objetivo era forma livre, não limitado por gênero ou quadros de exibição. O romantismo musical durou muito tempo e trouxe os frutos mais ricos.

No entanto, chegou o momento de sua crise. Isso aconteceu no momento em que a aproximação do século XX com suas tendências peculiares começou a destruir os ideais do romantismo. E embora no final tenha sido substituído pelo modernismo, o romantismo não caiu no esquecimento e suas tradições continuaram vivas na arte do novo século e até em nossos tempos modernos.

6. Lista de referências.

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4. Solovtsov A.A. Fryderyk Chopin. Vida e arte. - Editora Estadual de Música / A.A. Solovtsov. - Moscou, 1960. - 504 p.

A visão de mundo romântica é caracterizada por um conflito agudo entre realidade e sonhos. A realidade é baixa e sem alma, está impregnada do espírito de filistinismo, filistinismo e só merece ser negada. Um sonho é algo belo, perfeito, mas inatingível e incompreensível para a mente.

O romantismo contrastou a prosa da vida com o belo reino do espírito, "a vida do coração". Os românticos acreditavam que os sentimentos constituem uma camada mais profunda da alma do que a mente. Segundo Wagner, "o artista apela ao sentimento, não à razão". E Schumann disse: "a mente está enganada, sentimentos - nunca." Não é por acaso que a música foi declarada a forma ideal de arte, que, devido à sua especificidade, expressa mais plenamente os movimentos da alma. Foi a música na era do romantismo que ocupou um lugar de destaque no sistema das artes.
Se na literatura e na pintura direção romântica basicamente completa seu desenvolvimento em meados do século 19, então a vida do romantismo musical na Europa é muito mais longa. O romantismo musical como tendência surgiu no início do século XIX e desenvolveu-se em estreita ligação com várias tendências da literatura, pintura e teatro. O estágio inicial do romantismo musical é representado pela obra de F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, G. Rossini; o estágio subsequente (1830-50) - o trabalho de F. Chopin, R. Schumann, F. Mendelssohn, G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner, J. Verdi.

A fase tardia do romantismo se estende até o final do século XIX.

O problema da personalidade é apresentado como o principal problema da música romântica e sob uma nova luz - em seu conflito com o mundo exterior. O herói romântico está sempre sozinho. O tema da solidão é talvez o mais popular em toda a arte romântica. Frequentemente associado a ele está o pensamento de personalidade criativa: uma pessoa é solitária quando é precisamente uma pessoa excepcional e talentosa. O artista, poeta, músico são os heróis favoritos nas obras dos românticos (“O Amor do Poeta” de Schumann, “Sinfonia Fantástica” de Berlioz com o subtítulo “Um Episódio da Vida de um Artista”, poema sinfônico de Liszt “Tasso”).
O profundo interesse pela personalidade humana inerente à música romântica foi expresso na predominância de um tom pessoal nela. A revelação de um drama pessoal muitas vezes adquiriu um toque de autobiografia entre os românticos, o que trouxe uma sinceridade especial à música. Assim, por exemplo, muitos obras de piano Schumann estão ligados à história de seu amor por Clara Wieck. Personagem autobiográfico Wagner enfatizou suas óperas de todas as maneiras possíveis.

A atenção aos sentimentos leva a uma mudança de gênero - as letras adquirem posição dominante, nas quais predominam as imagens de amor.

O tema da natureza muitas vezes se confunde com o tema da "confissão lírica". Ressoando com o estado de espírito de uma pessoa, geralmente é colorido por uma sensação de desarmonia. O desenvolvimento do gênero e do sinfonismo lírico-épico está intimamente ligado às imagens da natureza (uma das primeiras obras é a "grande" sinfonia de Schubert em C-dur).
A verdadeira descoberta dos compositores românticos foi o tema da fantasia. A música pela primeira vez aprendeu a incorporar imagens fabulosas e fantásticas por meios puramente musicais. Nas óperas dos séculos 17 a 18, personagens "sobrenaturais" (como, por exemplo, a Rainha da Noite de " flauta mágica”) falou em “comum” linguagem musical, pouco se destacando no contexto de pessoas reais. Compositores românticos aprenderam a transmitir mundo da fantasia como algo completamente específico (com a ajuda de cores orquestrais e harmônicas incomuns).
O interesse pela arte popular é altamente característico do romantismo musical. Como os poetas românticos que, à custa do folclore, enriqueceram e atualizaram linguagem literária, músicos amplamente voltados para o folclore nacional - músicas folk, baladas, épico. Influenciado por conteúdo folclórico musica europeia mudou brilhantemente.
O momento mais importante da estética do romantismo musical foi a ideia de uma síntese das artes, que encontrou sua expressão mais viva em ópera Wagner e no programa musical de Berlioz, Schumann, Liszt.

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Schubert abriu caminho para muitos novos gêneros musicais - improvisado, momentos musicais, ciclos de música, sinfonia lírico-dramática. Mas em qualquer gênero que Schubert escreva - tradicional ou criado por ele - em todos os lugares ele aparece como um compositor de uma nova era, a era do romantismo.