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Famoso professor de canto, diretor Programa juvenil Teatro Bolshoi Dmitry Vdovin conduziu uma master class interativa no Winter International Festival de Música Yuri Bashmet em Sochi.

Quando cheguei aqui, não tinha certeza se alguém estaria interessado em uma master class de professor de canto durante as Olimpíadas”, admitiu Vdovin imediatamente. - Mas vocês se juntaram, e isso significa que há interesse pela música até nas Olimpíadas. Trabalhamos com a voz, e esse não é um instrumento que pode ser limpo com pano e colocado num canto. Essa é toda a dificuldade do nosso trabalho.

Uma característica especial das master classes nos festivais de Yuri Bashmet é a geografia. Graças à cooperação com a empresa Rostelecom, um professor que vem ao festival ministra uma master class em várias cidades ao mesmo tempo. Nos corredores escolas de música os kits de vídeo são instalados, o som e a imagem são recebidos sem qualquer demora salão do órgão Filarmônica de Sóchi. Desta vez, a master class foi visitada e, mais importante, Rostov, Yekaterinburg, Samara e Novosibirsk participaram dela.

Mas começamos com Sochi. O primeiro a ousar subir ao palco foi David Chikradze, aluno do 2º ano do Sochi College of Arts, que cantou uma ária de Handel - o segundo romance do Demônio - para o famoso professor.

Você tem um belo barítono, mas para apresentação pública escolheu uma peça onde tinha que ir além do seu alcance. Mas primeiro, uma observação importante. Ao vir para uma master class, você deve ter três conjuntos de notas - um para o acompanhante, um para o professor e o terceiro para você. Por que para você? Porque você está preocupado e provavelmente esquecerá muito do que foi dito, então você precisa fazer anotações em sua cópia.

Dmitry Vdovin repreendeu jovens artistas de maneira especialmente estrita por sua pronúncia pouco clara ou incorreta - tanto russa quanto italiana.

A pronúncia é muito importante. Muitas vezes você tem que cantar em italiano; além disso, várias centenas de milhões de pessoas falam esse idioma. A pronúncia correta lhe dará a chave para o desempenho, ouça a beleza da pronúncia das frases dos italianos!

Outra qualidade que Vdovin não ignorou é a natureza orgânica do cantor.

Cantar deve ser espontâneo e natural. Como disse Oscar Wilde, o mais difícil é ser natural. Da mesma forma, para cantar, o principal é manter a naturalidade. Atualmente desempenhando um papel na ópera diretor de teatro tornou-se mais importante artistas de ópera Você precisa trabalhar muito nas suas imagens, e a naturalidade é o auxiliar mais importante para o papel. Cante com uma grande sensação de prazer - aproveite o lindo som voador.

E o mestre lembrou ao barítono David:

Handel não possui peças para barítonos; os próprios barítonos apareceram apenas no século XIX. Deixaremos esta ária para tenores e contratenores, e você procurará algo mais adequado para sua voz.

A próxima audição foi um menino de Samara de 12 anos, Valery Makarov, que demonstrou um belo triplo além de sua idade.

Você tem uma voz e uma musicalidade lindas, e isso é importante. Especialistas individuais trabalham com crianças, eu não faço isso, mas direi algumas reflexões. Esta é uma música terna! Não aquele onde você precisa mostrar a força da sua voz, a pressão. Assim que você mudou para cores suaves, ficou imediatamente claro sobre o que você estava cantando. Sobre o que é a música? O herói da música tem uma mãe idosa e canta para ela que com certeza voltará para ela e a abraçará. Você provavelmente tem uma mãe jovem?

Sim! - Valera respondeu sem hesitar.

E o herói dessa música já está velho. E quanto à pronúncia. Existem palavras em italiano que são pronunciadas "mamma" e "mama" - elas têm Significados diferentes- “Mamãe” e “Eu te amo”, respectivamente. Nesta música - "mamma". Tente cantar com mais emoção. Você tem um timbre lindo - e o timbre é a coisa mais linda em uma voz.

Outro representante de Samara cantou com pressão excessiva. Vdovin começou a explicar sobre a frugalidade na mídia visual.

Antes que a melodia suba, a voz é encoberta. Encobrir não é empurrar a voz para trás e para baixo, mas torná-la mais brilhante! Você precisa cantar mais musicalmente. Quando um jovem se assume, naturalmente todos esperam uma voz, mas mais ainda, esperam talento. Existem muitas vozes. Mas acontece que a voz é pequena, mas todo mundo fala - como ele canta! Preste atenção na apresentação do próprio material.

Novosibirsk foi representado por Irina Kolchuganova, de 18 anos, cantando com ternura e timidez a ária de Gilda do Rigoletto de Verdi. Vdovin percebeu como ela chamava o trabalho.

Ao anunciar qual ária você irá cantar, adicione sempre as primeiras palavras da ária ao título - e todos os ouvintes do países diferentes vai entender o que exatamente você vai cantar.

Você canta com ternura. O problema dos nossos cantores, que ouço nas audições do Teatro Bolshoi e nos concursos, é que não apreciam a ternura. Os intérpretes querem imediatamente agressividade, uma apresentação poderosa, e tentam cantar aquelas partes que foram escritas para cantores de aparelho mais forte. E ternura - toca o coração dos ouvintes. Mantenha essa ternura e fragilidade em você - faça disso sua vantagem.

Outro Conselho valioso Vdovin falou sobre a capacidade de apresentar material.

Outro nome para esta ária é “História”. Você precisa ver a pessoa para quem está contando essa história, e é a ela que cabe contar a ária. Gilda conta como se esgueirou atrás do amante - bom, aqui não dá para cantar forte! Todo mundo sabe como isso acontece no primeiro amor - esgueirar-se às escondidas, é uma emoção especial - e deve ser demonstrada ao ouvinte.

Rostov foi o próximo na transmissão do vídeo. O barítono Vadim Popechuk, de 21 anos, cantou Leoncavallo de forma extremamente emocionante. A primeira coisa que Vdovin notou foram os aplausos estrondosos no salão da escola de música de Rostov.

Artista é uma profissão tão difícil que precisa de apoio e - palmas! Muitas vezes, muitos especialistas sentam-se no salão do Teatro Bolshoi durante as audições, mas o artista cantou e ninguém bateu palmas. Abaixo de sua dignidade. E você tem que bater palmas!

O mestre disse sobre a atuação de Vadim:

21 anos ainda é jovem para ser barítono. A ária foi escrita para voz plena, um barítono maduro. Leoncavallo já tem muitas emoções, e não precisa se apoiar nas emoções, fique legato, senão não é o italiano, mas sim a entonação cigana que aparece.

A seguir, Dmitry Vdovin formulou outro postulado importante:

Nossa profissão está relacionada à matemática, por incrível que pareça. Você tem que calcular cada pausa, cada nota, a duração de cada fermata. Para que? É importante que o público se contagie com as suas emoções nas circunstâncias propostas - estamos no teatro. O vocalista deve saber com antecedência exatamente a duração de cada nota, saber quando vai inspirar - calcular tudo até o milissegundo.

E então começou a verdadeira atração. No salão, Vdovin notou o barítono Andrei Zhilikhovsky, que participa do Programa Juvenil do Teatro Bolshoi, que ele supervisiona, e veio a Sochi para cantar na produção de Eugene Onegin de Yuri Bashmet. E Andrei Zhilikhovsky o convidou para subir ao palco, convidando-o a cantar um dueto com Vadim, versos por vez. Percebendo o olhar perplexo de Zhilikhovsky, explicou que o acompanhamento seria de Rostov. E funcionou! A conexão acabou sendo estável, sem o menor atraso (o que costumamos ver nas transmissões ao vivo de canais de TV) - dois barítonos cantavam um a um, fundindo-se em uníssono no código.

Eu realmente não gosto de master classes, porque há pouca coisa que realmente possa ser consertada. Mas deixe-me pensar um pouco... Agora a situação é incrível, estamos sentados nas margens do Mar Negro, Andrey é da Moldávia, Vadim e o acompanhamento estão em Rostov. Temos nossos próprios Jogos Olímpicos!

Outra inclusão de Yekaterinburg. O tenor Alexander, de 15 anos, cantou o romance de Tchaikovsky “Among the Noisy Ball”.

O material escolhido é um pouco impreciso – muito boas canções, mas esse romance é para muita gente que viveu, com grande experiência de vida. Mas você cantou de forma tão tocante que é muito valioso e precisa preservar esse fio para o resto da vida. Cante todas as frases em russo. Não “svirelli”, mas “flautas”. Não “fino”, essa é uma pronúncia desatualizada, mas “fino”. Cante todas as frases como deveriam soar de acordo com as regras da língua russa - e tudo ficará muito mais compreensível e poderoso. Não dá para cantar a vogal “U” - ela vai para “O”, e a percepção do texto sofre com isso, o que é especialmente importante para um romance.

Finalmente, Dmitry Vdovin deu conselhos a todos os jovens artistas.

Sempre aconselho os jovens artistas a cantarem em todos os lugares e para todos que puderem. Apareça em todos os lugares, participe de competições. O país é grande e é muito difícil passar. Qualquer pessoa pode solicitar admissão no Programa Juvenil do Teatro Bolshoi. Um anúncio sobre o recrutamento para o Programa Jovem aparecerá em breve no site do Teatro Bolshoi, envie uma inscrição eletrônica - e nós o ouviremos. Lembre-se que sempre haverá uma pessoa em algum lugar do festival que vai te ouvir, te aconselhar, te convidar para algum lugar, te ajudar - é assim que funciona a nossa vida profissional.

A master class terminou com o romance “To the Yellow Fields” de Tchaikovsky baseado nos versos de Alexei Tolstoy, interpretado pelo barítono Andrei Zhilikhovsky.

Vadim Ponomarev
Foto - Alexei Molchanovsky

No dia 17 de abril de 2017, um dos professores de ópera mais famosos do mundo, Dmitry Vdovin, comemora seu aniversário - o maestro completa 55 anos.

Seus alunos venceram os concursos de maior prestígio, ele trabalha em os melhores teatros, mas permaneceu fiel ao Bolshoi por mais de trinta anos.

O chefe do Programa de Ópera Juvenil do Teatro Bolshoi, Artista Homenageado da Federação Russa, Professor Dmitry Vdovin, falou abertamente sobre as complexidades de seu trabalho e a rapidez com que o mundo da ópera está mudando (e o que fazer a respeito). entrevista exclusiva para a Rádio “Orfeu”.

– Você voltou recentemente do Metropolitan Opera, onde deu master classes. Quais são as principais diferenças entre programas juvenis e cantores?

– Existem mais semelhanças do que diferenças. Conheci programas para jovens nos Estados Unidos e comecei a trabalhar lá. Quando inauguramos o Programa Jovem no Bolshoi, aproveitei essa experiência e fez sentido: por que abrir uma bicicleta? Quanto ao nível dos cantores, seria um tanto imodesto se eu dissesse que o nível dos nossos cantores é mais elevado. Mas, claro, existem diferenças.

Não somos tão cosmopolitas e internacionais como os nossos colegas de Nova Iorque, Londres ou Paris. Nesse sentido, eles, claro, têm mais oportunidades. Para trabalhar no Teatro Bolshoi e morar em Moscou em geral, você precisa falar russo, e isso não é fácil para os estrangeiros. Temos muitos deles, mas na maioria das vezes são cidadãos de repúblicas ex-URSS– convidamos cantores do círculo de língua russa.

Em segundo lugar, os nossos colegas ocidentais, nos grandes teatros, têm por vezes orçamentos maiores. Mas me parece que o nosso programa, mais que outros, trabalha justamente no desenvolvimento do artista. Vamos chamar as coisas pelos seus nomes: em muitos teatros o principal objetivo desses programas é utilizar jovens artistas em pequenos papéis no repertório atual.

– Um cantor iniciante não tem a oportunidade de cantar com uma orquestra de verdade ou se apresentar em apresentação de ópera. Os teatros da capital estão superlotados, onde podemos conseguir essa experiência necessária?

– Esse foi o ponto de criação do Programa Juventude no Teatro Bolshoi. O sistema educacional para vocalistas na Rússia é muito arcaico. Temos intervenções inovadoras no geral sistema educacional, mas às vezes são mal concebidos, absurdos e nem sempre se harmonizam com as nossas tradições e mentalidade. Foi o caso do Exame Estadual Unificado, que causou rejeição na sociedade e uma enorme onda de emoções negativas.

É claro que são necessárias mudanças no sistema de educação vocal. Este sistema é antigo, desenvolveu-se há 100-150 anos, quando foram criados os primeiros conservatórios. Hoje devemos compreender que o teatro de ópera tornou-se em grande parte um teatro de encenação. E quando sistema existente foi criado, o teatro era puramente vocal, em Melhor cenário possível- condutor. Muito mudou desde entao. O diretor hoje é uma das figuras principais: para um cantor não só a voz é importante, mas também a atuação e a componente física.

Em segundo lugar, se há 30 anos no nosso país a ópera era apresentada em russo, agora tudo é apresentado na língua original. Além disso, a demanda por texto musical. Hoje em dia já não é possível cantar tão livremente como cantavam os nossos grandes cantores há 30 anos. E o cantor deve ter um preparo adequado para isso. Deve haver sempre um ajustamento pedagógico ao tempo atual e às suas tendências complexas.

Se você ouve um cantor dos anos 70, precisa entender que algumas coisas não podem ser feitas hoje. A própria estrutura da ópera e do negócio da ópera mudou. Não basta um cantor conhecer apenas o teatro russo, ele precisa conhecer as tendências do teatro mundial, conhecer as inovações que os artistas, maestros e encenadores trazem, e elas já mudaram muito na percepção da ópera.

– Não bastam apenas dois programas de ópera para um país tão cantante como o nosso?

– Não se esqueça que ainda existe o Centro Galina Vishnevskaya de Canto de Ópera. Provavelmente, muitas casas de ópera têm grupos de estagiários.

O programa para jovens, tal como existe em grandes teatros, é um empreendimento muito caro. Se este é realmente um programa para jovens e não uma espécie de grupo de estágio, quando as pessoas são contratadas liberdade condicional e decidir se vai continuar a lidar com ele ou não.

E o programa juvenil inclui professores, treinadores (pianistas-tutores), línguas, formação de palco e atuação, aulas e instalações, e uma determinada componente social. Tudo isso custa muito dinheiro. Nossos teatros não são ricos, acho que eles simplesmente não têm dinheiro para isso.

Mas na nossa amigável Arménia, abriram recentemente um programa e, a meu ver, as coisas estão a melhorar para eles. Quanto às casas de ópera russas, não percebo grande interesse da parte deles ao que fazemos. Com a possível exceção de Yekaterinburg.

– Por que outros teatros não sabem? Talvez eles devessem enviar um boletim informativo?

- Todo mundo sabe tudo perfeitamente. Mas os parceiros estrangeiros estão interessados ​​no que fazemos no Teatro Bolshoi. A nossa estreita cooperação internacional começou com a Ópera de Washington, temos uma cooperação constante com a Academia La Scala e outros programas de ópera na Itália, com a ajuda da Embaixada Italiana e o generoso apoio do Sr. David Yakuboshvili, pelo qual lhe agradecemos muito. .

Estamos estabelecendo uma cooperação ativa com a Ópera de Paris e o Metropolitano. Além disso, cooperamos com os concursos Queen Sonja em Oslo e com o concurso de Paris, que promovem ativamente os seus artistas. Isto acontece não só porque batemos à sua porta, é um interesse de parceria mútua.

– Um jovem cantor na Rússia é muitas vezes obrigado a fornecer provas extraordinárias de que tem voz. É preciso cantar com um som tão alto que as paredes tremam. Você está vivenciando isso ou não?

– Encontro esses custos do gosto todos os dias. Há várias razões para isso. A tradição se desenvolveu de tal forma que nosso público exige canto alto. O público adora quando está alto, quando tem muitas notas altas, aí o cantor começa a aplaudir. Acontece que nossas orquestras também tocam bem alto. É uma espécie de mentalidade de desempenho.

Lembro-me muito bem quando cheguei ao Metropolitan, foi o “Tannhäuser” de Wagner por um minuto, fiquei maravilhado - a orquestra sob a direção de James Levine tocava muito baixinho! Esse é o Vagner! Meus ouvidos estão acostumados a um som completamente diferente, a uma dinâmica mais rica. Isso me fez pensar: todos os cantores eram perfeitamente audíveis em qualquer tessitura, sem problemas de equilíbrio sonoro, nenhum dos cantores forçou nada. Ou seja, o problema não está apenas nos cantores que cantam alto, mas no fato de que o sistema, o gosto e a mentalidade de todos os participantes da apresentação, inclusive do público, se desenvolveram dessa forma.

Além disso, existem sérios problemas acústicos na maioria das nossas salas. Muitos teatros têm uma acústica muito seca que não suporta cantores. Outro fator importante: os russos compositores de ópera Eles pensavam muito grande, escreviam principalmente para dois grandes teatros imperiais com orquestras e coros poderosos, vozes maduras e poderosas de solistas.

Por exemplo, no Ocidente, a parte de Tatiana em “Eugene Onegin” de Tchaikovsky é considerada extremamente forte. Alguns dos meus colegas acreditam que este é um partido mais forte do que o de Lisa em “A Dama de Espadas”. Existem algumas razões para isso - a densidade da orquestra, intensa tessitura e expressividade parte vocal(especialmente na Cena da Carta e no dueto final). E, ao mesmo tempo, “Onegin” não é a ópera russa mais poderosa e de som épico quando comparada com outras óperas de Tchaikovsky, bem como com as obras de Mussorsky, Rimsky-Korsakov, Borodin.

Tudo se junta aqui: condições históricas, tradições nacionais e mentalidades de cantar, reger e ouvir. Quando a URSS se abriu e começámos a receber informações do Ocidente, onde muitas coisas eram diferentes, a nossa tradição era uma actuação algo “ampla”, sem diferenças dinâmicas e com especial delicadeza na abordagem. O abuso desse tipo de canto causou o colapso das carreiras de muitos artistas proeminentes.

É preciso dizer que não estamos totalmente sozinhos aqui - nos EUA eles também cantam alto, já que lá seus enormes salões precisam ser cobertos. Os professores americanos repetem como um feitiço: “Não empurre!” (não force!), mas os cantores costumam empurrar-empurrar. Mas ainda assim, não existe lá na mesma medida em que existiu e às vezes continua a existir conosco.

– Como trabalhar a volúpia do som?

– O mais importante é substituir a força pela habilidade. Este é o significado da escola do bel canto, que proporciona a projeção do som na sala sem esforço visível e com diferentes dinâmicas sonoras (inclusive no piano e no pianíssimo). Isso é individual para cada um e escolas nacionais ainda diferem. Se você apostar representante típico Escola americana, francesa, italiana e russa, você ouvirá uma grande diferença em tecnologia, mesmo agora, quando tudo está bastante confuso e globalizado.

As diferenças se devem ao idioma. A linguagem não é apenas fala, a linguagem é a estrutura do aparelho, características articulatórias e fonéticas. Mas o som ideal do canto, ou seja, o resultado da escola, é semelhante em muitos países. Se falamos de soprano, muitos não só cantores russos, mas também estrangeiros, querem cantar como Anna Netrebko. Quantos tenores existem que imitam Kaufman e Flores?

– Este é um grande ponto negativo para o cantor.

– Sempre foi assim. Por que menos? Se um cantor não tem ninguém com quem aprender, mas escolhe a orientação vocal certa para si mesmo, isso pode ajudar. Mas e se você tiver um tipo de voz, mas o ponto de referência for o oposto? Isso acontece com frequência e é repleto de desastres. Por exemplo, um baixo, adequado a um repertório grave e profundo, imita um baixo cantante e canta um repertório agudo, mas isso só o prejudica e vice-versa. Existem inúmeros exemplos aqui.

- Nós temos escola vocal baseado em baixo baixo. O que são graves agudos? Infelizmente, esse tipo de voz é classificado como barítono...

– Em geral, as pessoas aqui não sabem da existência de certos tipos de vozes que realmente existem. Sem levar em conta essas categorias vocais, que podem ser chamadas de papel vocal ou tipo de voz ou, como é habitual na comunidade operística, “fach”, é impossível ensinar. Até recentemente, muitos não sabiam o que era uma mezzo-soprano lírica. Todos os mezzos tiveram que cantar Lyubasha em vozes profundas e sombrias. Se eles não pudessem expressar repertório dramático, eles foram simplesmente transferidos para soprano. Isso não levou a nada de bom.

O mezzo-soprano lírico não é uma voz limítrofe, é um tipo de voz independente com um repertório extenso e estritamente definido. São dramáticos e tenor lírico, também existem classificações para mezzo-soprano (dramático, lírico). Além disso, os próprios mezzos líricos podem ser diferentes devido a questões estilísticas e características técnicas. O mezzo lírico pode ser handeliano, rossinievsky, mozartiano, talvez com forte inclinação para o francês ópera lírica, que também tem muitas funções para essa voz.

O mesmo vale para o baixo-barítono. Tínhamos baixos-barítonos maravilhosos na Rússia: Baturin, Andrei Ivanov, Savransky, agora Ildar Abdrazakov, Evgeny Nikitin, Nikolai Kazansky. Se você abrir a lista de artistas do Met, uma das maiores seções da lista de cantores são os baixos-barítonos. Isso é muito importante, porque o baixo-barítono é ideal para muitos papéis nas óperas de Handel e Mozart, e na ópera russa há papéis para baixo-barítonos - Demônio, Príncipe Igor, Galitsky, dentro deste papel vocal pode haver Ruslan , e Shaklovity, e Tomsky, e até Boris Godunov.

Se o cantor começar a ser puxado para cima ou para baixo, os problemas começam. Se o cantor é baixo-barítono, isso não significa de forma alguma que o cantor tenha uma voz curta (ou seja, sem notas agudas ou graves extremas), pelo contrário, na maioria das vezes ele tem uma voz muito ampla variedade. Mas esse tipo de voz tem uma cor diferente e um repertório básico diferente dos barítonos ou baixos. Especialistas em ópera - maestros, pianistas-tutores, diretores de elenco, críticos e, claro, acima de tudo, professores devem conhecer todas essas sutilezas, distingui-las e ouvi-las nas vozes dos cantores.

Nossa esfera ( canto de ópera) requer, como convém a qualquer gênero acadêmico, enorme conhecimento, compreensão da tradição, insatisfação, crescimento constante, trabalho contínuo sobre si mesmo e o estudo das tendências de desempenho em constante mudança.

Se você perdeu o interesse no autoaperfeiçoamento, se retirou para seu mundinho pessoal ou, pior ainda, de repente decidiu que alcançou a perfeição e está completamente satisfeito consigo mesmo, isso significa que você se tornou uma pessoa de arte e imediatamente preciso sair desse negócio. Cada um de nós que ensina deve aprender constantemente. O mundo da ópera está se movendo rapidamente em uma determinada direção, pode-se argumentar se é melhor ou não, mas está mudando. E se você não quer saber dessas mudanças, não quer vê-las, entendê-las e cumpri-las, então adeus, você é um personagem ultrapassado, e seus alunos não estão preparados para a realidade do cenário moderno .

Os jovens exigem este conhecimento, por vezes estão muito mais informados graças à Internet e às suas capacidades. Qualquer aluno pode abrir master classes, por exemplo, de Joyce DiDonato ou Juan Diego Flores, observar e comparar o que é exigido dele no conservatório ou na escola e o que esses artistas muito inteligentes e, o mais importante, de mentalidade muito moderna exigem. Isto não significa que o que exigimos seja mau e que haja uma boa procura, mas por vezes as diferenças são significativas. Você precisa estar ciente desses detalhes.

Em geral comparar é uma coisa ótima, é na comparação que nasce um profissional. Quando um cantor começa a comparar vozes, suas características, a individualidade dos artistas e suas interpretações, bem como as interpretações de diferentes maestros, diretores, professores, artistas, músicos, etc., então ele forma seu próprio pensamento, método e o que é mais importante no gosto artístico-artístico.

– Agora dizem que diploma não tem importância. É importante como você canta. Isto é verdade?

– Isso não é totalmente verdade agora. Quando faço parte do júri de concursos e audições e leio currículos de cantores, raramente vejo pessoas que estudaram apenas em particular. Anteriormente, muitos, especialmente Cantores italianos não estudaram em conservatórios, tiveram aulas com professores particulares e iniciaram imediatamente a carreira. Agora que os requisitos para cantores são tão amplos e não se limitam apenas à voz, há menos deles. Bem como maravilhosos professores particulares na Itália e em qualquer outro lugar.

– As competições decidem alguma coisa agora? Quais competições valem a pena ir? para o jovem cantor?

– Quando você vai para uma competição, você deve entender o que quer dela. Há várias razões possíveis para isto. O motivo – o sucesso, a vontade de vencer, está implícito em todos os casos, isso faz parte da vida do artista, que é a competição diária. Existem cantores ditos de “competição” que têm uma paixão especial, e entre os meus alunos também existem. Eles adoram as provas competitivas como tal, deleitam-se com o clima de competição, com essa adrenalina, simplesmente florescem ali, enquanto muitos de seus colegas ficam traumatizados com isso.

Razão Um. Experimente. Entenda o grau inicial de suas capacidades, que se chama “olhar para as pessoas e mostrar-se”. Competições não são adequadas aqui alto nível– local, de baixo orçamento. É uma boa ideia que cantores muito jovens comecem com eles para treinar e construir músculos (não apenas vocais, mas também músculos nervosos e de combate).

Se você é um jovem cantor e quer apenas experimentar, não precisa ir aos maiores concursos como o concurso Francisco Viñas em Barcelona, ​​​​Operalia de Plácido Domingo, New Voices na Alemanha, BBC em Cardiff, o Concurso Rainha Sonja em Oslo ou Rainha Elizabeth em Bruxelas.

Razão dois. Para encontrar um emprego. Pode ser um concurso em que o júri seja composto por diretores de teatro, agentes e outros empregadores, ou um concurso apreciado pelos agentes. O júri de concursos como “Belvedere” (competição Hans Gabor) ou “Competizione dell’opera italiana” (Hans-Joachim Frey) é composto em grande parte por agentes e administradores de elenco. Embora os acima também difiram nisso.

Essas competições são para quem precisa de agentes, precisa de trabalho, e esses são a maioria dos cantores. Este é um tipo diferente de competição. Se você é um artista iniciante, não tem experiência competitiva, não precisa ir a essas grandes competições, onde vão cantores mais experientes, com prática de canto com orquestra, que, além de tudo, possuem habilidades bem treinadas nervosismo.

Razão três. Dinheiro. Bem, não há necessidade de filosofar especial aqui, estas são quaisquer competições com um alto fundo de bônus. Muitos bons cantores sul-coreanos, que não têm muito trabalho em sua terra natal, passam de competição em competição, ganham e ganham prêmios o tempo todo e, assim, ganham bem.

O nosso concurso Tchaikovsky é um concurso para diversas especialidades, não só vocais. Aconteceu, infelizmente, que os vocalistas nunca estiveram no centro das atenções. Talvez apenas o IV concurso, onde Obraztsova, Nesterenko, Sinyavskaya venceram e Callas e Gobbi passaram a fazer parte do júri, tenha trazido atenção especial à seção vocal.

Não sei qual é o motivo, para mim é muito estranho e incompreensível. No Concurso Tchaikovsky, nós, vocalistas, somos uma espécie de outsiders, talvez isso se deva ao facto de cantar em russo ainda criar uma certa barreira à chegada de participantes estrangeiros. Esta competição sempre foi difícil para os nossos colegas estrangeiros. Em parte devido à nossa natureza fechada, talvez devido ao facto de não terem comparecido agentes e diretores de teatro suficientes para fornecer trabalho. O regime de vistos também cria problemas, e problemas consideráveis.

Ainda competição vocal Tchaikovsky, se falarmos da sua representatividade internacional, é de natureza local. Anteriormente, também dependia da forma como o júri funcionava. A convite de Irina Konstantinovna Arkhipova, fui secretário executivo do júri em 1998, o que me causou uma impressão bastante difícil. Espero que isso tenha mudado agora. Mas, ao mesmo tempo, também houve vitórias na competição Tchaikovsky, o que deu um grande impulso à minha carreira.

Usando o exemplo de Albina Shagimuratova, que venceu em 2007, vi como as opiniões de pessoas importantes na mundo da ópera. Para ela, este foi um grande trampolim em sua vida profissional. Mas para muitos vencedores não teve o mesmo efeito.

É muito difícil para um cantor se avaliar corretamente. Isto é muito difícil e, para dizer a verdade, raramente dá certo. Além disso, junto com a auto-estima inflada, existe o perigo de auto-humilhação. Muitas vezes nossa auto-estima é menosprezada e esmagada por aqueles que nos rodeiam. Esta é a nossa mentalidade pedagógica russa, tanto na família como na escola, no sentido amplo da palavra. E eu tive esses casos no meu trabalho.

Amo meus alunos e os aprecio, mas às vezes me parece que esse cantor ainda não está pronto para a competição, que ainda não está pronto. E o próprio cantor decide ir, e quando venho para a competição e o vejo, fico surpreso com a forma como ele é montado e como soa. Também é importante que os professores observem o que você está fazendo de fora. Tem outras situações em que acho um cantor ótimo e ele não ganha. Então vejo por mim mesmo que foi justo. Tudo na nossa profissão é instável, mutável, às vezes subjetivo...

– Na sua página do Facebook você postou informações sobre as audições do NYIOP, que são organizadas por David Blackburn. Por que você fez isso?

– Pessoas que concluíram instituição educacional, preciso de trabalho. Qualquer tipo de audição é uma forma de conseguir um emprego. Como tenho muitos assinantes, penso não só nos meus alunos, mas também naqueles que vivem nas províncias e não têm contactos e simplesmente informação suficientes. Acredito que devo ajudá-los e escrever sobre tudo que possa ser do seu interesse.

Recentemente publiquei informações sobre o Programa Juvenil da Ópera de Tenerife. Este teatro foi construído pelo grande arquiteto espanhol Calatrava e tem 2.000 lugares. O teatro tem uma gestão maravilhosa; este programa é liderado pelo meu colega, o pianista italiano Giulio Zappa, que trabalha conosco em Moscou. O programa é curto, apenas alguns meses, mas durante esse tempo eles conseguem produzir a produção. Esta também é uma chance para muitos.

– Vou lhe contar um segredo - num futuro próximo, juntamente com parceiros russos e asiáticos, pretendo criar um grande projeto internacional“Casa da Cultura Russo-Asiática”. O que você acha disso?

– Qualquer esforço de intercâmbio cultural vale muito. Este é um assunto importante. A Ásia não é apenas um mercado económico em crescimento, mas também um enorme trampolim cultural em crescimento. Incluindo ópera. Para eles, a Rússia pode ser um importante corredor de ligação entre o Ocidente e o Oriente.

Acredito que também deveríamos convidar mais esses cantores, às vezes faltam suas vozes grandes e bem treinadas. E cada vez mais novos estão abrindo constantemente na Ásia salas de concerto E casas de ópera. Nós, do Programa Juventude, também gostaríamos de cooperar com a China, que construiu lindos teatros e salas de concerto. Existem muitos grandes cantores asiáticos, eles são pessoas muito inteligentes e trabalhadoras. Eu ouvi em competições bons cantores da China, Japão, Índia, Sri Lanka, Filipinas, Taiwan. Os cantores sul-coreanos são alguns dos melhores do mundo. Por que não os convidamos, colaboramos, atuamos juntos?

– O que mais te atrai na vida além da ópera?

– Ainda adoro viajar, embora não com tanta paixão como há 20-30 anos. E eu realmente valorizo ​​a comunicação humana. Devido ao trabalho, infelizmente, sinto falta disso. Gostaria de passar mais tempo com a família e amigos. Quando comecei a trabalhar no Bolshoi, comecei a perder essas conexões. O teatro também é um redemoinho. Agora voltei aos meus sentidos. Tenho passado por algumas mudanças difíceis em minha vida e percebi com particular pungência o quanto a família e os amigos são importantes.

A música também é uma grande felicidade, a música pode ser um consolo para pessoas que perdem entes queridos, que têm problemas, que não são jovens. E a música nunca trai. Acho que tenho um carácter difícil, mas dá-me muita alegria ajudar os jovens, apoiá-los nas fases mais difíceis vida criativa. E você não precisa esperar uma resposta adequada, gratidão ou mesmo fidelidade. Se estiver lá, ótimo; se não estiver, não há necessidade de insistir nisso.

Outro equívoco dos jovens é ver a carreira e o sucesso como o sentido absoluto da vida. Parece-me que mais cedo ou mais tarde esta ideia se transforma numa grande decepção. Olhar para pessoas que amam apenas a fama me deixa desconfortável. É claro que na primeira metade da vida é importante atingir uma certa altura, porque então outras oportunidades maiores se abrem para você. Mas devemos compreender que uma boa reputação profissional é apenas uma ferramenta. E a reputação ou, mais precisamente, o sucesso não deve ser o objetivo principal, caso contrário você acaba sozinho.

Também percebi com o tempo que você precisa ser capaz de deixar as pessoas irem. Não diga adeus a eles, mas deixe-os ir. Às vezes pode ser fácil dizer, mas difícil de aceitar. Mas de alguma forma eu aprendi. Tenho muitos alunos, então ficou difícil para mim manter todos esses inúmeros tópicos (risos).

Amo muito a grande maioria dos meus alunos, observo como eles avançam na vida e se precisarem de alguma coisa fico sempre feliz em vê-los de volta, feliz em ajudá-los. Embora às vezes me incomode quando nosso trabalho é esquecido, as pessoas começam a cantar algo que não combina com sua voz, começam a fazer outras coisas estúpidas, ficam com preguiça, param de crescer ou até simplesmente se degradam. Mas esta também é a natureza humana e as leis do darwinismo a ela associadas. Esta é a seleção natural.

Anteriormente, se algo acontecesse, eu assumia total responsabilidade por quaisquer problemas do meu presente e ex-estudantes. Claro que às vezes a culpa é nossa, dos professores. Mas há outras razões - a saúde não é suficientemente forte para a nossa profissão, decisões erradas, ganância, estupidez, superestimação de nós mesmos. Portanto, a vida me forçou a aceitar o fato de que nós, professores, não somos onipotentes. Agora estou gostando do processo. Não creio que esse aluno deva necessariamente vencer todas as competições mundiais e cantar no Metropolitan. O que eu tinha antes...

- O que foi isso? Vaidade ou perfeccionismo?

– As pessoas que se dedicam à arte são ambiciosas. Eles querem ser os primeiros e não pode ser de outra forma. Com o tempo, uma carreira se torna uma ferramenta com a qual você pode encontrar os parceiros certos, trabalhar com os melhores artistas, maestros, diretores em melhores cenas. Estou feliz por pertencer ao Teatro Bolshoi, que adoro desde os 14 anos, quando o país inteiro comemorou seu 200º aniversário e entrei pela primeira vez neste salão incrível.

Aos 17 anos vim para o Bolshoi como estagiário, para mim foi teatro especial. E estou feliz que agora tenhamos esse ambiente no teatro e que haja respeito e apoio mútuos. Estou rodeado de artistas talentosos e estou muito interessado nas pessoas que tomam decisões aqui. Muitas vezes, quando parto para outros países e lugares (e nada mal!), penso: gostaria de poder voltar o mais rápido possível. É uma felicidade querer voltar para casa. Estou embarcando em um avião e estou animado - amanhã verei esse, faremos essa ária com esse, darei esse novo material…

– O que mais você quer aprender na vida? O que você está perdendo?

- Estou faltando alguns mais importantes. línguas estrangeiras. Conheço alguns dos princípios básicos, mas não concluí o estudo a tempo. Agora não há tempo para isso - passo de 10 a 12 horas no teatro. Se eu conhecesse essas línguas perfeitamente! Mas lembre-se, como Raikin - deixe tudo estar lá, mas falta alguma coisa! (risos).

Meus alunos venceram concursos de prestígio, trabalhei nos melhores teatros do mundo e fiz parte do júri de grandes competições. O que mais um professor poderia sonhar? Agora posso trabalhar mais com a galera e pensar menos em mim. Posso apenas sentar e trabalhar. O mais incrível é que vivi a ponto de não pensar: “Ah! Eles vão me ligar? Eles não me ligaram... E agora finalmente me ligaram!” Não, claro, fico lisonjeado e satisfeito quando sou chamado para algum lugar, mas essa alegria é de boa natureza profissional, nem mais nem menos.

Tenho muita sorte de ter tido professores e mentores maravilhosos em minha vida. Sinto muita falta deles. Alguns, graças a Deus, estão com boa saúde. Lembro-me de perguntar a Irina Konstantinovna Arkhipova o que é mais interessante para você em profissão de cantor? Ela disse que obtém mais satisfação ao superar coisas difíceis. Quando ela foi dada Novo papel ou material difícil de aprender e executar, ela experimentou uma enorme euforia criativa ao superar essas dificuldades.

Agora eu a entendo. Recentemente houve um caso: tenho um aluno talentoso, mas há muito tempo ele teve problemas com as notas de cabeça. Eu entendo que ele tem essas notas no seu alcance, mas ele estava com medo de acertá-las. De alguma forma, não durou muito tempo. E então fiquei com raiva de mim mesmo e dele e mergulhei nesse problema. Bem, temos que resolver isso, no final! Esse cantor, na minha opinião, ficou até com medo da minha pressão. E de repente essas notas começaram a chegar! Era como se tivessem inserido algo novo no registro superior.

Experimentei uma felicidade, provavelmente muito maior do que a dele. Eu estava voando como se tivesse asas com a sensação de que ainda ontem o cantor estava cantando um por um, e hoje cheguei na aula e ouvi que ele fez um grande avanço, que conseguimos! Claro, é bom quando seu aluno vence uma competição ou faz sua estreia em bom teatro, mas ainda mais importante é esse mesmo processo de trabalho, o processo de superação.

Dmitry Yuryevich Vdovin(b.) - Figura de ópera russa e professor de canto, Artista Homenageado da Federação Russa, professor da Academia de Artes Corais.

Diretor artístico da Juventude Programa Ópera Teatro Bolshoi da Rússia.

Biografia

Nasceu em 17 de abril de 1962 em Sverdlovsk (hoje Yekaterinburg). Graduado pelo Instituto Estadual artes teatrais(agora RATI) em Moscou, e depois estudou na escola de pós-graduação desta universidade sob a orientação da professora Inna Solovyova como crítica de teatro (ópera), publicada nos principais jornais e revistas centrais. Posteriormente, passou por uma reciclagem e se formou na Academia de Artes Corais. V. S. Popova como vocalista e professora de canto. De 1987 a 1992 - funcionário responsável pelo trabalho no campo Teatro musical Sindicato dos Trabalhadores do Teatro da URSS. Formada como professora de canto no ECOV - Centro Europeu de Ópera e arte vocal na Bélgica sob a direção do chefe do departamento vocal do Curtis Institute of Music da Filadélfia, Michael Elisen (1992-1993). Em 1992, Dmitry Vdovin tornou-se diretor artístico do Centro de Música e Teatro de Moscou, uma agência de arte que participou de projetos conjuntos projetos criativos com os maiores teatros, festivais e organizações musicais. Desde 1996, D. Vdovin colaborou com a grande cantora russa I. K. Arkhipova como professora e líder dela Escola de Verão, co-apresentadora de sua televisão e programas de concertos. De 1995 - professor, de 2000 a 2005. - Chefe do departamento vocal da State Medical University em homenagem. Gnesins, em 1999-2001 - professor da Academia Russa de Música. Gnesins, desde 2001 - professor associado, chefe (até 2003) do departamento cantando sozinho Academia de Arte Coral em homenagem. V. S. Popova, desde 2008 - professor da AHI. D. Vdovin ministrou master classes em muitas cidades da Rússia, bem como nos EUA, México, Itália, Letônia, França, Polônia, Mônaco e Suíça. Ele foi professor convidado regular no Programa Juvenil da Houston Grand Opera (HGO Studio). De 1999 a 2009 - diretor artístico e professor do Moscow Escola Internacional domínio vocal, que possibilitou que os maiores professores e especialistas de ópera da Rússia, EUA, Itália, Alemanha e Grã-Bretanha viessem a Moscou para trabalhar com jovens cantores

Membro do júri de muitos competições de prestígio vocalistas - Competição internacional eles. Glinka, 1º e 2º totalmente russo competições musicais, Concurso Internacional Le voci verdiane (Vozes de Verdi) em Busseto, Concurso Internacional Vocal. Viotti e Pavarotti em Vercelli, AsLiCo em Como (Itália), Competições internacionais em Paris e Bordéus (França), Competizione dell'opera Italiana em Moscou e Linz, Competição internacional em Montreal (Canadá), competição do canal de TV "Cultura" " Grande Ópera" ", competição de Elena Obraztsova em São Petersburgo, competição vocal em Izmir (Turquia), competições internacionais com o nome. Moniuszko em Varsóvia, "Die Meistersinger von Nürnberg" em Nuremberg, Opera de Tenerife na Espanha.

Desde 2009 - um dos fundadores e diretor artistico Programa de Ópera Juvenil do Teatro Bolshoi da Rússia. Desde 2015 - professor convidado do International estúdio de óperaÓpera de Zurique. Master classes no Metropolitan Opera, Nova York (Lindemann Young Artist Development Program).

Consultor musical do filme de Pavel Lungin " rainha de Espadas" (2016).

Também D. Yu Vdovin foi vice-gerente das equipes criativas da trupe de ópera do Teatro Bolshoi (2013-2014)

“Nós, professores de canto, somos lutadores na frente invisível”

Chefe do Programa de Ópera Juvenil do Teatro Bolshoi, o professor Dmitry Yuryevich Vdovin foi nomeado vice-chefe trupe de ópera Teatro Bolshoi Makvala Kasrashvili

Dmitry Yuryevich Vdovin nasceu em Yekaterinburg, onde ocorreu seu desenvolvimento profissional.Em 1984Vdovinfinalizado instituto estadual Artes Teatrais (agora RATI) em Moscou, e depois estudou na escola de pós-graduação desta universidade sob a orientação da professora Inna Solovyova como crítica de teatro (ópera), publicada nos principais jornais e revistas centrais.

De 1987 a 1992 - funcionário do Sindicato dos Trabalhadores do Teatro da URSS, responsável por trabalhos na área do teatro musical. Formou-se como professora de canto no Centro Europeu de Ópera e Artes Vocais da Bélgica (1992-1993).

Em 1992, Dmitry Vdovin tornou-se diretor artístico do Centro de Música e Teatro de Moscou, uma agência de arte que colaborou com grandeso melhor teatros internacionais, festivais e organizações musicais.Desde 1996, durante vários anos, Vdovin colaborou com a grande cantora russa Arkhipova como professora e diretora de sua Escola de Verão, co-apresentadora de seus projetos de televisão e concertos. Desde 1995 é professor, de 2000 a 2005 - chefe do departamento vocal da State Medical University. Gnesins, em 1999-2001 - professor da Academia Russa de Música. Gnesins, de 2001 a 2003 - professor associado, chefe do departamento de canto solo da Academia Popov de Arte Coral.

Segundo colegas e alunos, Dmitry Yuryevich é um dos melhores e mais procurados professores de canto do nosso país.

Dmitry Vdovin deu master classes em muitas cidades da Rússia, bem como nos EUA, México e Itália. Há 10 anos é professor convidado permanente do Programa Juvenil da Grand Opera XEwston.

Desde 1999 - diretor artístico e professor da Escola Internacional de Domínio Vocal de Moscou, o que possibilitou convidar os maiores professores e especialistas de ópera da Rússia, EUA, Itália, Alemanha e Grã-Bretanha para trabalhar em Moscou. Os jovens russos mais brilhantes estrelas da ópera a primeira década do novo século passou por esta Escola.

Vdovin foi membro do júri de vários concursos vocais - Bella Voce em Moscou (2004-2007, 2009), bem como do Concurso Internacional que leva seu nome. Glinka (2003-2007). Desde 2009 - diretor artístico do Programa B de Ópera JuvenilTeatro Bolshoi da Rússia.

Alunos de Dmitry Yurievich Vdovin: Ekaterina Syurina, Alina Yarovaya, Albina Shagimuratova, Dmitry Korchak, Vasily Ladyuk, Maxim Mironov, Sergei Romanovsky...- laureados em muitas competições de prestígio, solistas dos maiores teatros do mundo, incluindo o Teatro Bolshoi, La Scala, Metropolitan Opera, Covent Garden, Vienna Staats Oper, Ópera de Paris, Real Madrid.