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A solista do Teatro Bolshoi, Ekaterina Shcherbachenko, conquistou o título de melhor cantora do mundo em 2009 na competição cantores de ópera"Cantora do Mundo" na capital galesa, Cardiff
Ela executou brilhantemente composições em francês (“Faust”), italiano (“Turandot”) e inglês (uma ária da ópera “The Rake’s Progress” de Igor Stravinsky). A russa foi recompensada com uma tempestade de aplausos e um cheque de 15 mil libras esterlinas. A última vez que a Rússia venceu esta competição foi há 20 anos - em 1989, Dmitry Hvorostovsky foi reconhecido em Cardiff como o melhor cantor do mundo.

No dia 19 de junho, das 16h00 às 17h00, um artista do Teatro Bolshoi, vencedor do prestigiado concurso “Cantor do Mundo”, organizado pela BBC, respondeu às suas perguntas.

Pergunta: Maria, Ottawa 12:34 19/06/2009

Olá, Kátia!! Você cantou simplesmente maravilhoso, parabéns pela vitória! Por favor, me diga qual das três composições foi mais fácil para você?

Respostas:

Isto provavelmente significa o programa final. Provavelmente foi mais fácil para Liu. Esta é uma ária já cantada no palco do teatro. A mais difícil psicologicamente, claro, foi Ann, porque foi aprendida especificamente para a competição, não tinha sido cantada em quase nenhum lugar antes, pela primeira vez com orquestra. Foi emocionante.

site Apresentador da conferência 17h19 19/06/2009

Por que você escolheu essas árias em particular?

Shcherbachenko Ekaterina 17:19 19/06/2009

site Apresentador da conferência 17h21 19/06/2009

Shcherbachenko Ekaterina 17:21 19/06/2009

Pergunta: Konstantin, Moscou 12:36 19/06/2009

Respostas:

Shcherbachenko Ekaterina 17:28 19/06/2009

Agora eu estava apenas reclamando com os jornalistas que três dias de entrevistas incessantes, na minha opinião, haviam enfraquecido minha voz. Tudo bem, estou voando para o Japão amanhã, acho que depois de 9 horas de sono no avião vai ficar tudo bem. Os artistas de ópera e quaisquer artistas devem ter nervos bastante fortes para lidar não apenas com o estresse, mas acima de tudo consigo mesmos antes de subir ao palco. Ou seja, sustentável sistema nervoso- Esta é uma condição necessária da profissão. Tudo o que está sendo dito sobre eu ser o melhor cantor do mundo é uma formulação incorreta. O concurso chama-se “Cantor do Mundo”, ganhei este concurso, mas isso não significa que me tornei o melhor cantor do mundo. É engraçado. Porque esta é uma competição para aspirantes a cantores. E vencer esta competição é muito honroso, pois abre grandes perspectivas para uma futura carreira que está apenas começando. Em geral, procurar o melhor cantor do mundo é, na minha opinião, uma tarefa impossível, pois existem muitos cantores e cantoras maravilhosas. Não sozinho – com certeza. Depois de vencer a competição, já sentia perspectivas para minha carreira. Não gosto de antecipar, então direi apenas o que senti. Precisamos trabalhar, aprender coisas novas, melhorar. Em qualquer atividade, você não consegue tirar facilmente os peixes do lago.

Pergunta: Daria, Moscou 12h39 19/06/2009

Olá, Katerina. Perdoe-me pela pergunta indiscreta, mas com uma agenda tão ocupada, há espaço para a vida pessoal?

Respostas:

Restos. Um pouco, mas permanece.

site Apresentador da conferência 17h29 19/06/2009

Seu marido canta na Helikon Opera. Vocês também cantam juntos à noite?

Shcherbachenko Ekaterina 17:29 19/06/2009

Não. Esta é uma profissão. À noite quero relaxar. Compartilhamos conselhos profissionais, é claro.

Pergunta: Alena, Moscou 12h40 19/06/2009

Por que você acha que os artistas de ópera russos são mais populares no Ocidente do que aqui? A sua mentalidade é diferente, os seus gostos musicais?

Respostas:

Shcherbachenko Ekaterina 17:31 19/06/2009

Não sei. Bom cantor, parece-me, é procurado e interessante em todos os lugares. Só que talvez o campo de atuação lá seja mais extenso, tem mais casas de ópera per capita, então tem mais trabalho. Pessoalmente, tentarei permanecer calado sobre a demanda por enquanto. Deixe acontecer como sempre, deixe ser bom.

Pergunta: Anton, Pedro 12:49 19/06/2009

Olá! Diga-me, que tipo de música você ouve na estrada, no carro ou nas horas vagas em geral? Não apenas ópera?

Respostas:

Não apenas ópera. Rádio “Jazz” ou rádio “Classic” ou “Relax-FM” costuma tocar no carro. Adoro esse tipo de música calma de fundo.

website Apresentador da conferência 17:33 19/06/2009

Enquanto crescia, você teve algum ídolo musical?

Shcherbachenko Ekaterina 17:33 19/06/2009

Não, estar tão doente por causa de uma cantora pop - Deus teve misericórdia.

Pergunta: Slava, Moscou 12:51 19/06/2009

Olá, Ekaterina. Como eles se tornam artistas de ópera em geral? Eles podem ensinar isso em uma escola de música ou em outro lugar?

Respostas:

Shcherbachenko Ekaterina 17:35 19/06/2009

Naturalmente, você precisa estudar. Parece-me que inicialmente deve haver um desejo interno e algumas habilidades, e depois tudo isso deve ser processado. Você precisa pensar na ópera mais perto da idade adulta. Que haja voz, ok, você precisa cantar, em coros infantis, em conjunto, solo. A voz ainda muda durante a adolescência. Parece-me que este já deveria ser um desejo consciente de uma pessoa bastante adulta e autoconsciente. Como qualquer profissão.

Pergunta: Garik, Alexandrov 13:46 19/06/2009

Se não me engano, sua primeira especialidade é regente de coral. O que fez você cantar?

Respostas:

Shcherbachenko Ekaterina 17:36 19/06/2009

Maestro de coro - esta especialidade foi escolhida apenas por estar próxima da voz. Já que simplesmente não havia departamento vocal na escola Ryazan. Tudo o que havia de mais próximo do canto era o departamento de regência e coral.

Pergunta: Evgenia, Moscou 13:47 19/06/2009

Que estereótipos sobre cantores de ópera mais te irritam?

Respostas:

site Apresentador da conferência 17h37 19/06/2009

Por exemplo, existe um estereótipo de que cantores de ópera deve ser muito forte...

Shcherbachenko Ekaterina 17:37 19/06/2009

website Apresentador da conferência 17:38 19/06/2009

Acontece que amigos pedem para você cantar?

Shcherbachenko Ekaterina 17:38 19/06/2009

Sim. Isto é da mesma série de quando você canta em casa depois do trabalho. Como um torneiro numa fábrica, ele é convidado a fazer uma visita e lhe é dito: vire uma peça para nós, em vez de tratá-lo com chá. Depende do humor. Se estiver com vontade, você pode cantar. Depende do momento específico.

site Apresentador da conferência 17h45 19/06/2009

Nossos leitores estão interessados ​​​​em saber se você cruzou com Dmitry Hvorostovsky ou outras estrelas da ópera. Eles influenciaram seu desenvolvimento como cantor?

Shcherbachenko Ekaterina 17:45 19/06/2009

Foi incrivelmente agradável com Dmitry Hvorostovsky, outro dia nos conhecemos e ele me parabenizou pela vitória. Foi ótimo, uma sensação fantástica, muito obrigado por isso. Muita atenção a esta competição aconteceu depois do fato. Quando subi ao palco, não senti um peso de responsabilidade particularmente grande. Eu estava nervoso, ir para a competição foi uma decisão pessoal minha. Antes de chegar a Moscou, percebi tudo isso como resultado natural de muito trabalho. E aqui acontece... Isto é muito agradável. Mas se eu não tivesse vencido, ninguém teria me repreendido publicamente, como todo mundo está me elogiando publicamente agora. Simplesmente passaria despercebido. Então não senti nenhuma responsabilidade terrível. Isto não é as Olimpíadas. Eu descobri sobre a audição completamente por acidente. Quando me ofereceram para participar (eu sabia deste concurso, todos no mundo da ópera sabem dele, este é o concurso de ópera mais importante do mundo), naturalmente concordei. A audição em Moscou foi bastante rotineira, apenas tentei fazer o melhor que pude. Quando, depois de 2 meses, veio a resposta de que eu havia sido tirado da Rússia, foi então que ficou assustador. Todo o escopo do trabalho se apresentou. Foi emocionante. Então, como dizem, se os olhos têm medo, são as mãos que fazem. Quando todo o processo começou, eu me envolvi.

site Apresentador da conferência 17:46 19/06/2009

Shcherbachenko Ekaterina 17:46 19/06/2009

site Apresentador da conferência 17h47 19/06/2009

Quem é o seu compositor clássico favorito?

Shcherbachenko Ekaterina 17:47 19/06/2009

Gosto muito de cantar a música do Tchaikovsky, Tatyana é meu par de sorte.

Você tem tempo para algum entretenimento?

Não há tempo para entretenimento agora. Agora eu gostaria de fazer tudo o que precisa ser feito e cantar bem na turnê. E quando estou mais ou menos livre, quando estou em algum tipo de viagem, aí você tenta conhecer um lugar, uma cidade nova, aí é muito interessante.

website Apresentador da conferência 17:48 19/06/2009

O mundo do teatro está cheio de intrigas. Você já encontrou isso?

Shcherbachenko Ekaterina 17:48 19/06/2009

Não, eu não descobri isso de alguma forma. Você simplesmente vem, tenta fazer o seu trabalho da melhor maneira possível e pronto. Não sei que tipo de intriga.

website Apresentador da conferência 17:53 19/06/2009

Os leitores perguntam: por que você acha que a ópera se tornou menos popular agora?

Shcherbachenko Ekaterina 17:53 19/06/2009

Este é provavelmente um movimento mútuo. Talvez agora haja mais ênfase na mídia em algum tipo de arte de entretenimento. Meus avós me contaram que algumas obras musicais e literárias sérias eram tocadas no rádio e na televisão, as pessoas simplesmente sabiam as óperas de cor. Foi tudo muito popular. Parece-me que este deveria ser um movimento mútuo. Sempre tive sorte com maestros e diretores. Temos músicos maravilhosos, pessoas muito interessantes.

Shcherbachenko Ekaterina 17:57 19/06/2009

Ficou claro que música, escola de música desde criança, aí você pensa para onde ir, escola de música. É estúpido dizer que desde criança eu queria ser cantora de ópera. Não, não foi assim. A virada foi uma viagem para uma competição em São Petersburgo, ainda sem saber fazer nada, me mandaram do instituto Ryazan. E lá eu vi como tudo aconteceu. Você não pode desejar o que não conhece. Lá eu vi e reconheci, e depois percebi: é isso que eu quero fazer. Eu tinha meu próprio desejo de fazer isso. Quando você tem seu próprio desejo, esse motor, muita coisa acontece.

website Apresentador da conferência 17:57 19/06/2009

Por que você decidiu ir à ópera?

site Apresentador da conferência 18h00 19/06/2009

Você teve que sacrificar alguma coisa para realizar esse desejo?

Shcherbachenko Ekaterina 18:00 19/06/2009

Claro, você sempre tem que sacrificar alguma coisa. Ainda não tive que sacrificar muito. Você apenas tenta seguir a linha geral, só isso.

site Apresentador da conferência 18:01 19/06/2009

Shcherbachenko Ekaterina 18:01 19/06/2009

site Apresentador da conferência 18:03 19/06/2009

Os leitores estão interessados ​​em saber como os cantores de ópera conseguem manter a voz por mais tempo do que os cantores pop?

Shcherbachenko Ekaterina 18:03 19/06/2009

Acho que é uma questão de produção de voz especial, que explora a voz da forma mais suave. Os cantores pop muitas vezes precisam mudar um pouco sua natureza por causa da cor de uma música específica. E um cantor de ópera tem a tarefa de cantar com a sua natureza. Talvez seja por isso.

site Apresentador da conferência 18:06 19/06/2009

O que você acha do fato de alguns cantores de ópera estarem tentando subir ao palco?

Shcherbachenko Ekaterina 18:06 19/06/2009

Este é um assunto pessoal de todos. Uma pessoa tem uma vida, cada um a constrói como acha melhor, se é que constrói, e não segue o fluxo. Então isso é necessário. Por que não? Ainda não fui oferecido para falar em eventos corporativos. Concordar ou não é novamente uma questão pessoal de todos. Provavelmente lhe traz prazer. E ótimo.

site Apresentador da conferência 18h08 19/06/2009

Ekaterina Shcherbachenko é uma cantora de ópera russa (soprano), solista do Teatro Bolshoi.

Ekaterina Nikolaevna Shcherbachenko (nascida Telegina) nasceu em 31 de janeiro de 1977 em Ryazan. Em 1996 ela se formou na Ryazan Music College. G. e A. Pirogov, tendo recebido a especialidade “regente de coro”. Em 2005 ela se formou no Conservatório Estadual de Moscou. P. I. Tchaikovsky (professora - Professora Marina Alekseeva) e lá continuou seus estudos de pós-graduação.

No estúdio de ópera do conservatório cantou o papel de Tatiana na ópera “Eugene Onegin” de P. Tchaikovsky e o papel de Mimi na ópera “La Bohème” de G. Puccini.

Em 2005, foi solista estagiária na trupe de ópera do Teatro Musical Acadêmico de Moscou. K. S. Stanislavsky e V. I. Nemirovich-Danchenko. Neste teatro desempenhou os papéis de Lidochka na opereta “Moscou, Cheryomushki” de D. Shostakovich e o papel de Fiordiligi na ópera “Isto é o que todas as mulheres fazem” de W.A.

Em 2005, no Teatro Bolshoi interpretou o papel de Natasha Rostova na estreia da ópera "Guerra e Paz" de S. Prokofiev (segunda edição), após a qual recebeu um convite para o Teatro Bolshoi como membro permanente do trupe de ópera.

Seu repertório no Teatro Bolshoi incluiu os seguintes papéis:
Natasha Rostova ("Guerra e Paz" de S. Prokofiev)
Tatyana ("Eugene Onegin" de P. Tchaikovsky)
Liu ("Turandot" de G. Puccini)
Mimi ("La bohème" de G. Puccini)
Michaela ("Carmen" de J. Bizet)
Iolanta ("Iolanta" de P. Tchaikovsky)

Em 2004, ela desempenhou o papel de Lidochka na opereta “Moscow, Cheryomushki” na Ópera de Lyon (maestro Alexander Lazarev). Em 2007, na Dinamarca, participou na execução da cantata "Bells" de S. Rachmaninov com a Orquestra Sinfónica da Rádio Nacional Dinamarquesa (maestro Alexander Vedernikov). Em 2008, desempenhou o papel de Tatiana na Ópera de Cagliari (Itália, maestro Mikhail Yurovsky, diretores Moshe Leizer, Patrice Caurier, produção no Teatro Mariinsky).

Em 2003 recebeu o diploma do Concurso Internacional "Novas Vozes" em Gütersloh (Alemanha).
Em 2005 ganhou o 3º prémio no Concurso Internacional de Ópera de Shizuoka (Japão).
Em 2006 - III prêmio no Concurso Internacional de Vocal. Francisco Viñasa em Barcelona (Espanha), onde também recebeu o prémio especial como “Melhor Intérprete de Música Russa”, o prémio “Amigos da Ópera de Sabadell” e o prémio da Associação Musical de Catânia (Sicília).
Em 2009, ela venceu a competição BBC Singer of the World em Cardiff e também recebeu o Triumph Youth Grant.

Salomea Amvrosievna Krushelnitskaya é uma famosa cantora de ópera ucraniana (soprano), professora. Durante sua vida, Salome Krushelnitskaya foi reconhecida como uma cantora de destaque no mundo. Ela tinha uma voz de força e beleza excepcionais, com um amplo alcance (cerca de três oitavas com registro médio livre), memória musical (ela conseguia aprender partes de ópera em dois ou três dias) e um talento dramático brilhante. O repertório da cantora incluiu mais de 60 papéis diferentes. Entre seus muitos prêmios e homenagens, em particular, está o título de “Prima donna wagneriana do século XX”. O compositor italiano Giacomo Puccini presenteou o cantor com seu retrato com a inscrição “linda e charmosa Borboleta”. Salome Krushelnitskaya nasceu em 23 de setembro de 1872 na aldeia de Belyavintsi, hoje distrito de Buchatsky, na região de Ternopil, na família de um padre. Vem de uma nobre e antiga família ucraniana. Desde 1873, a família mudou-se várias vezes, em 1878 mudou-se para a aldeia de Belaya, perto de Ternopil, de onde nunca mais saiu. Ela começou a cantar desde muito jovem. Quando criança, Salomé sabia muito músicas folk, que ela aprendeu diretamente com os camponeses. Recebeu as bases da formação musical no ginásio Ternopil, onde fez exames como aluna externa. Aqui ela se tornou próxima de clube de música alunos do ginásio, do qual Denis Sichinsky também fazia parte - mais tarde um compositor famoso, o primeiro músico profissional da Ucrânia Ocidental. Em 1883, no concerto de Shevchenko em Ternopil, o primeiro falar em público Salomé, que cantou no coro da Sociedade de Conversação Russa. Em Ternopil, Salome Krushelnitskaya conheceu o teatro pela primeira vez. O teatro de Lviv da Sociedade de Conversação Russa se apresentava aqui de vez em quando. Em 1891, Salomé ingressou no Conservatório de Lviv. No conservatório, seu professor foi o então famoso professor de Lvov, Valery Vysotsky, que treinou toda uma galáxia de famosos cantores ucranianos e poloneses. Enquanto estudava no conservatório, ocorreu sua primeira apresentação solo: em 13 de abril de 1892, a cantora desempenhou o papel principal no oratório “Messias”, de G. F. Handel. A primeira estreia operística de Salome Krushelnitskaya ocorreu em 15 de abril de 1893, ela interpretou o papel de Leonora na peça "A Favorita" do compositor italiano G. Donizetti no palco do Teatro Municipal de Lviv. Em 1893, Krushelnitskaya formou-se no Conservatório de Lviv. No diploma de graduação de Salomé estava escrito: “Este diploma é recebido por Panna Salome Krushelnitskaya como um certificado Educação Artistica , recebida com diligência exemplar e sucesso extraordinário, especialmente em concurso público em 24 de junho de 1893, pelo qual foi premiada com uma medalha de prata." Enquanto ainda estudava no conservatório, Salome Krushelnitskaya recebeu uma oferta da Ópera de Lviv, mas ela decidiu continuar seus estudos. Foi sua decisão influenciada pela famosa cantora italiana Gemma Bellincioni, que estava em turnê em Lvov na época. No outono de 1893, Salomé foi estudar na Itália, onde a professora Fausta Crespi se tornou sua professora. Durante Durante seus estudos, Salomé teve uma boa escola para se apresentar em concertos em que cantava árias de ópera. Na segunda metade da década de 1890, suas apresentações triunfantes começaram nos palcos de teatros de todo o mundo: Itália, Espanha, França, Portugal, Rússia, Polônia , Áustria, Egito, Argentina, Chile nas óperas “Aida”, “Il Trovatore” de D. Verdi, “ Fausto" de C. Gounod, "O Terrível Tribunal" de S. Moniuszko, "A Mulher Africana" de D. Meyerbeer, "Manon Lescaut" e "Cio-Cio-San" de G. Puccini, "Carmen" de J. Bizet, "Electra" de R. Strauss, “Eugene Onegin” e “A Dama de Espadas” de PI Tchaikovsky e outros.Em 17 de fevereiro de 1904, no teatro La Scala de Milão, Giacomo Puccini apresentou sua nova ópera “Madama Butterfly”. Nunca antes um compositor esteve tão confiante no sucesso... mas o público vaiou a ópera indignadamente. O renomado maestro sentiu-se arrasado. Amigos persuadiram Puccini a retrabalhar seu trabalho e convidar Salome Krushelnitskaya para o papel principal. No dia 29 de maio aconteceu no palco do Grande Teatro de Brescia a estreia da atualizada “Madama Butterfly”, desta vez um triunfo. O público chamou sete vezes os atores e o compositor ao palco. Após a apresentação, emocionado e agradecido, Puccini enviou a Krushelnitskaya seu retrato com a inscrição: “À mais bela e encantadora Borboleta”. Em 1910, S. Krushelnitskaya casou-se com o prefeito de Viareggio (Itália) e com o advogado Cesare Riccioni, que era um sutil conhecedor de música e um aristocrata erudito. Eles se casaram em um dos templos de Buenos Aires. Após o casamento, Cesare e Salomé se estabeleceram em Viareggio, onde Salomé comprou uma villa, que chamou de “Salomé” e continuou em turnê. Em 1920, Krushelnitskaya deixou o palco da ópera no auge da fama, apresentando-se pela última vez no Teatro de Nápoles em suas óperas favoritas Lorelei e Lohengrin. Dedicou o resto da sua vida a actividades de concerto de câmara, interpretando canções em 8 línguas. Ela viajou pela Europa e América. Todos estes anos, até 1923, veio constantemente à sua terra natal e actuou em Lviv, Ternopil e outras cidades da Galiza. Ela estava ligada por fortes laços de amizade com muitas figuras da Ucrânia Ocidental. Os concertos ocuparam um lugar especial na atividade criativa da cantora. dedicado à memória T. Shevchenko e I. Ya. Frank. Em 1929, o último concerto da turnê de S. Krushelnitskaya aconteceu em Roma. Em 1938, o marido de Krushelnitskaya, Cesare Riccioni, morreu. Em agosto de 1939, a cantora visitou a Galiza e, devido à eclosão da Segunda Guerra Mundial, não pôde regressar à Itália. Durante a ocupação alemã de Lvov, S. Krushelnitskaya era muito pobre, então deu aulas particulares de canto. No período pós-guerra, S. Krushelnitskaya começou a trabalhar no Conservatório Estadual de Lvov em homenagem a N.V. No entanto, sua carreira docente mal começou e quase terminou. Durante a “expurga de pessoal de elementos nacionalistas”, ela foi acusada de não possuir diploma de conservatório. Posteriormente o diploma foi encontrado nos fundos do museu histórico da cidade. Vivendo e ensinando na União Soviética, Salomeya Amvrosievna, apesar de numerosos apelos, durante muito tempo não conseguiu obter a cidadania soviética, permanecendo cidadã italiana. Finalmente, tendo escrito um pedido de transferência de sua villa italiana e de todas as propriedades para o estado soviético, Krushelnitskaya tornou-se cidadã da URSS. A moradia foi imediatamente vendida, compensando o proprietário por uma pequena parte do seu custo. Em 1951, Salome Krushelnitskaya recebeu o título de Artista Homenageado da RSS da Ucrânia e, em outubro de 1952, um mês antes de sua morte, Krushelnitskaya recebeu o título de professora. No dia 16 de novembro de 1952, o coração do grande cantor parou de bater. Ela foi enterrada em Lviv, no cemitério de Lychakiv, próximo ao túmulo de seu amigo e mentor, Ivan Franko. Em 1993, em Lviv, a rua onde morou nos últimos anos de sua vida recebeu o nome de S. Krushelnitskaya. Um museu memorial de Salome Krushelnitskaya foi inaugurado no apartamento da cantora. Hoje o nome de S. Krushelnitskaya é usado pela Lviv Opera House e pelo Lviv Musical ensino médio, Ternopil Music College (onde o jornal Salome é publicado), escola de 8 anos na vila de Belaya, ruas em Kiev, Lviv, Ternopil, Buchach (ver Rua Salome Krushelnitskaya). No Mirror Hall do Teatro de Ópera e Ballet de Lviv há um monumento de bronze a Salome Krushelnitskaya. Muitas obras artísticas, musicais e cinematográficas são dedicadas à vida e obra de Salome Krushelnitskaya. Em 1982, no Estúdio de Cinema A. Dovzhenko, o diretor O. Fialko filmou o filme histórico e biográfico “O Retorno da Borboleta” (baseado no romance homônimo de V. Vrublevskaya), dedicado à vida e obra de Salomé Krushelnitskaia. O filme é baseado em fatos reais da vida da cantora e está estruturado como suas memórias. O papel de Salomé é interpretado por Gisela Zipola. O papel de Salomé no filme foi interpretado por Elena Safonova. Além disso, foram criados documentários, em particular “Salome Krushelnitskaya” (diretor I. Mudrak, Lvov, “The Bridge”, 1994) “Two Lives of Salome” (diretor A. Frolov, Kiev, “Contact”, 1997), foi elaborado um programa de televisão do ciclo "Nomes" (2004), o documentário "Solo-mea" do ciclo "Jogo do Destino" (diretor V. Obraz, estúdio VIATEL, 2008). 18 de março de 2006 no palco do Teatro Acadêmico Nacional de Ópera e Ballet de Lviv em homenagem a S. Krushelnitskaya estreou o balé “O Retorno da Borboleta” de Miroslav Skorik, baseado em fatos da vida de Salome Krushelnitskaya. O balé usa música de Giacomo Puccini. Em 1995, a estreia da peça “Salome Krushelnitskaya” (autor B. Melnichuk, I. Lyakhovsky) aconteceu no Teatro Dramático Regional de Ternopil (hoje teatro acadêmico). Desde 1987, o Concurso Salome Krushelnitskaya é realizado em Ternopil. Todos os anos, a competição internacional com o nome de Krushelnitskaya é realizada em Lviv; Os festivais de ópera tornaram-se tradicionais.

Sumi Cho (Jo Sumi) é uma cantora de ópera coreana, soprano coloratura. A cantora de ópera mais famosa vem do Sudeste Asiático. Sumi Cho nasceu em 22 de novembro de 1962 em Seul, Coreia do Sul. Nome verdadeiro Sujeong Cho (Jo Sugyeong). Sua mãe era cantora e pianista amadora, mas não conseguiu obter educação musical profissional devido à situação política na Coreia na década de 1950. Ela estava determinada a dar à filha uma boa educação musical. Sumi Cho começou a ter aulas de piano aos 4 anos e treinamento vocal aos 6, e quando criança ela às vezes tinha que passar até oito horas em aulas de música. Em 1976, Sumi Cho ingressou na Escola de Artes Sang Hwa de Seul (academia privada), onde se formou em 1980 com diplomas em canto e piano. Em 1981-1983 ela continuou sua educação musical na Universidade Nacional de Seul. Enquanto estudava na universidade, Sumi Cho fez sua primeira estreia profissional, se apresentou em diversos concertos organizados pela televisão coreana e interpretou o papel de Suzanne em “As Bodas de Fígaro” na Ópera de Seul. Em 1983, Cho decidiu deixar a Universidade de Seul e mudou-se para a Itália para estudar música na escola de música mais antiga - Academia Nacional Santa Cecília em Roma, formada com louvor. Seus professores de italiano incluíam Carlo Bergonzi e Gianella Borelli. Enquanto estudava na academia, Cho podia ser ouvido frequentemente em concertos em várias cidades italianas, bem como no rádio e na televisão. Foi nessa época que Cho decidiu usar o nome "Sumi" como nome artístico para ser mais compreensível para o público europeu. Em 1985, ela se formou na academia com especialização em piano e voz. Após a academia, teve aulas de canto com Elisabeth Schwarzkopf e venceu diversas competições vocais em Seul, Nápoles, Barcelona, ​​​​Pretória e a mais importante em 1986, a competição internacional de Verona, na qual apenas os vencedores de outras competições internacionais significativas, por assim dizer, o melhor dos melhores jovens cantores. A estreia operística europeia de Sumi Cho aconteceu em 1986 como Gilda em Rigoletto no Teatro Giuseppe Verdi em Trieste. Esta atuação atraiu a atenção de Herbert von Karajan, que a convidou para interpretar o papel de pajem Oscar na ópera Un ballo in maschera, estrelada por Plácido Domingo, encenada no Festival de Salzburgo em 1987. Nos anos seguintes, Sumi Cho avançou continuamente em direção ao Olimpo operístico, expandindo constantemente a geografia de suas performances e mudando o repertório de papéis pequenos para papéis principais. Em 1988, Sumi Cho estreou-se no La Scala e na Ópera Estatal da Baviera, em 1989 na Ópera Estatal de Viena e na Ópera Metropolitana, e em 1990 na Ópera Lírica de Chicago e no Covent Garden. Sumi Cho tornou-se uma das sopranos mais requisitadas do nosso tempo e permanece neste estatuto até hoje. Os espectadores a amam por sua voz brilhante, calorosa e flexível, bem como por seu otimismo e humor leve no palco e na vida. Ela é leve e livre no palco, dando a cada uma de suas apresentações sutis padrões orientais. Sumi Cho visitou todos os países do mundo onde a ópera é amada, inclusive várias vezes na Rússia; sua última visita foi em 2008, quando viajou por vários países em dueto com Dmitry Hvorostovsky como parte de uma turnê. Ela tem uma agenda de trabalho ocupada, incluindo produções de ópera, programas de concertos e trabalho com gravadoras. A discografia de Sumi Cho inclui atualmente mais de 50 gravações, incluindo dez álbuns solo e discos crossover. Seus dois álbuns são mais famosos - em 1992 ela recebeu um Grammy na categoria “Melhor Gravação de Ópera” pela ópera “Die Femme sans Shadow” de R. Wagner com Hildegard Behrens, Josée van Dam, Julia Varady, Placido Domingo, maestro Georg Solti, e um álbum com a ópera "Un ballo in maschera" de J. Verdi, premiado pela Gramofone Alemã.

Montserrat Caballe (nome completo: Maria de Montserrat Viviana Concepcion Caballe i Folch) é uma cantora de ópera espanhola catalã, soprano. Famosa por sua técnica de bel canto e sua interpretação da performance de papéis em óperas clássicas italianas de Rossini, Bellini e Donizetti Montserrat Caballe nasceu em Barcelona em 12 de abril de 1933. Estudou 12 anos no Conservatório Superior de Música do Liceu de Barcelona e formou-se com medalha de ouro em 1954. Em 1957 estreou-se nos palcos da ópera como Mimi em La bohème . Em 1960-1961 cantou na Ópera de Bremen, onde expandiu significativamente seu repertório. Em 1962, retornou a Barcelona e estreou em Arabella de Richard Strauss. Em 1964, casou-se com Bernab Marti. Sua ascensão no cenário internacional ocorreu em 1965, em Nova York, no Carnegie Hall, quando foi forçada a substituir a doente Marilyn Horne e desempenhar o papel em Lucrezia Borgia, de Donizetti.Ela teve menos de um mês para dominar o papel. Sua atuação se tornou uma sensação no mundo da ópera; o público aplaudiu por 25 minutos. No dia seguinte, o New York Times publicou a manchete: “Callas + Tebaldi = Caballe”. Nesse mesmo ano, Caballé estreou-se nos palcos de Glyndebourne em Le Knight de la Rose e logo depois no Metropolitan Opera como Marguerite em Faust. A partir daí, sua fama nunca mais desapareceu - os melhores palcos de ópera do mundo estavam abertos para ela - Nova York, Londres, Milão, Berlim, Moscou, Roma, Paris. Em setembro de 1974, ela foi submetida a uma grande cirurgia para câncer de estômago. Ela se recuperou e voltou aos palcos no início de 1975. Fez sua 99ª e última apresentação no Metropolitan Opera em 22 de janeiro de 1988, como Mimi em La Bohème de Puccini, ao lado de Luciano Pavarotti (Rodolfo). Em 1988, junto com o vocalista do Queen, Freddie Mercury, gravou o álbum "Barcelona", cuja música principal com o mesmo nome se tornou um super hit no início dos anos 90 e conquistou o primeiro lugar nas paradas pop europeias. Este single se tornou o hino dos Jogos Olímpicos de Verão de 1992. Após a morte de Freddie Mercury, sua voz é ouvida na gravação, e Montserrat Caballe se recusa a cantar essa música em dueto com outros cantores. Até recentemente ela lidera imagem ativa vida, e não há sinais de cansaço, como em criativamente, e em público. Caballe se dedicou atividades de caridade, ela é Embaixadora da Boa Vontade da UNESCO e criou um fundo para ajudar crianças.

Lyubov Yuryevna Kazarnovskaya é uma cantora de ópera soviética e russa, soprano. Doutor em Ciências Musicais, Professor. Lyubov Yuryevna Kazarnovskaya nasceu em 18 de maio de 1956 em Moscou, mãe, Lidiya Aleksandrovna Kazarnovskaya - filóloga, professora de língua e literatura russa, pai, Yuri Ignatievich Kazarnovsky - general da reserva, irmã mais velha - Natalya Yuryevna Bokadorova - filóloga, professora Francês e literatura. Lyuba sempre cantava, depois da escola arriscou-se a se inscrever no Instituto Gnessin - na faculdade de atores de teatro musical, embora se preparasse para ser aluna da faculdade de línguas estrangeiras. Seus anos de estudante proporcionaram muito a Lyuba como atriz, mas o decisivo foi seu encontro com Nadezhda Matveevna Malysheva-Vinogradova, uma maravilhosa professora, vocalista, acompanhante de Chaliapin e aluna do próprio Stanislavsky. Além de aulas de canto inestimáveis, Nadezhda Matveevna, viúva do crítico literário e estudioso de Pushkin, acadêmico VV Vinogradov, revelou a Lyuba todo o poder e beleza dos clássicos russos, ensinou-a a compreender a unidade da música e das palavras escondidas nela. O encontro com Nadezhda Matveevna finalmente determinou o destino da jovem cantora. Em 1981, aos 21 anos, ainda estudante do Conservatório de Moscou, Lyubov Kazarnovskaya estreou-se no papel de Tatiana (“Eugene Onegin” de Tchaikovsky) no palco do Teatro Musical Stanislavsky e Nemirovich-Danchenko. Laureado do Concurso All-Union Glinka (2º prêmio). Desde então, Lyubov Kazarnovskaya tem estado no centro da vida musical russa. Em 1982 ela se formou no Conservatório Estadual de Moscou, em 1985 - pós-graduação na classe da professora associada Elena Ivanovna Shumilova. 1981-1986 - solista do Teatro Musical Acadêmico Stanislavsky e Nemirovich-Danchenko, no repertório de “Eugene Onegin” de Tchaikovsky, “Iolanta”, “May Night” de Rimsky-Korsakov, “Pagliacci” de Leoncavallo, “La Boheme” de Puccini. 1984 - a convite de Svetlanov, desempenha o papel de Fevronia em nova produção “Contos da Cidade Invisível de Kitezh” de Rimsky-Korsakov, e depois em 1985 - o papel de Tatiana (“Eugene Onegin” de Tchaikovsky) e Nedda (“Pagliacci” de Leoncavallo) no Teatro Acadêmico Estatal da Rússia. 1984 - Grande Prêmio do Concurso de Jovens Intérpretes da UNESCO (Bratislava). Laureado do Concurso Mirjam Hellin (Helsinque) - III prêmio e diploma honorário pela execução de uma ária italiana - pessoalmente do presidente do concurso e da lendária cantora de ópera sueca Birgit Nilsson. 1986 - Laureado com o Prêmio Lenin Komsomol. 1986 -1989 - principal solista do Teatro Acadêmico do Estado em homenagem a Kirov: Leonora (“Força do Destino” de Verdi), Margarita (“Fausto” de Gounod), Donna Anna e Donna Elvira (“Don Giovanni” de Mozart), Leonora (“Il Trovatore” de Verdi), Violetta (“La Traviatta” de Verdi), Tatiana (“Eugene Onegin” de Tchaikovsky), Lisa (“A Dama de Espadas” de Tchaikovsky), Soprano (“Requiem” de Verdi). Estreita colaboração com maestros como Janssons, Temirkanov, Kolobov, Gergiev. O primeiro triunfo estrangeiro foi no Covent Garden Theatre (Londres), como Tatiana na ópera “Eugene Onegin” de Tchaikovsky (1988) 1989. - “Maestro do Mundo” Herbert von Karajan convida um jovem cantor para “seu” festival - o festival de verão em Salzburgo. Em agosto de 1989, estreou-se triunfante em Salzburgo (“Requiem” de Verdi, regido por Riccardo Muti). Todo o mundo musical notou e apreciou a atuação da jovem soprano russa. Esta performance sensacional marcou o início de uma carreira vertiginosa que mais tarde a levou a casas de ópera como Covent Garden, Metropolitan Opera, Lyric Chicago, San Francisco Opera, Wiener Staatsoper, Teatro Colon, Houston Grand Opera. Seus parceiros são Pavarotti, Domingo, Carreras, Araiza, Nucci, Capuccilli, Cossotto, von Stade, Baltza. Setembro de 1989 - participação no concerto de gala mundial no palco do Teatro Bolshoi da Rússia em apoio às vítimas do terremoto na Armênia, junto com Kraus, Bergonzi, Prey, Arkhipova. Outubro de 1989 - participação na turnê da Ópera de Milão "La Scala" em Moscou ("Requiem" de G. Verdi). 1991 - Salzburgo. 1992-1998 - estreita cooperação com a Metropolitan Opera. 1994-1997 - estreita colaboração com o Teatro Mariinsky e Valery Gergiev. Em 1996, Lyubov Kazarnovskaya estreou com sucesso no palco do La Scala na ópera “O Jogador” de Prokofiev e, em fevereiro de 1997, cantou triunfantemente o papel de Salomé no Teatro Santa Cecília, em Roma. Com ela trabalham os principais mestres da arte operística do nosso tempo - maestros como Muti, Levine, Thielemann, Barenboim, Haitink, Temirkanov, Kolobov, Gergiev, diretores - Zeffirelli, Egoyan, Wikk, Taymor, Dew. .. “La Kazarnovskaya”, como a chama a imprensa italiana, tem mais de cinquenta partes em seu repertório. Ela é considerada a melhor Salomé da atualidade, a melhor intérprete das óperas de Verdi e dos veristas, sem falar no papel de Tatiana de Eugene Onegin, seu cartão de visita. Um sucesso particular foi trazido a ela ao desempenhar os papéis principais nas óperas “Salomé” de Richard Strauss, “Eugene Onegin” de Tchaikovsky, “Manon Lescaut” e “Tosca” de Puccini, “Force of Destiny” e “La Traviatta” de Verdi. 1997 - Lyubov Kazarnovskaya cria sua própria organização na Rússia - a “Fundação Lyubov Kazarnovskaya”, para apoiar a arte da ópera na Rússia: convida os principais mestres arte vocalà Rússia para concertos e master classes, como Renata Scotto, Franco Bonisolli, Simon Estes, José Cura e outros, estabelece bolsas de estudo para ajudar jovens cantores russos. * 1998-2000 - estreita cooperação com o Teatro Bolshoi da Rússia. 2000 - a cantora patrocina o único Teatro de Ópera Infantil do mundo em homenagem a Lyubov Kazarnovskaya (Dubna). Com este teatro, Lyubov Kazarnovskaya planeja projetos interessantes na Rússia e no exterior. 2000 - dirige o Conselho Coordenador Criativo do Centro Cultural “União das Cidades”, realizando extenso trabalho cultural e educacional em cidades e regiões da Rússia. 25/12/2000 - aconteceu mais uma estreia na sala de concertos Rossiya - o brilhante espetáculo de ópera “Faces of Love”, transmitido em ao vivo para o mundo inteiro. A apresentação musical de três horas, apresentada pela primeira vez no mundo por um importante cantor de ópera, foi um acontecimento ano passado do século que passou e causou respostas entusiásticas na Rússia e no exterior. 2002 - Lyubov Kazarnovskaya está no centro da atividade atividades sociais, eleito Presidente da Comissão de Cooperação Cultural e Humanitária de Entidades Municipais da Federação Russa, é Presidente do Conselho da Sociedade Educacional Musical Russa. Lyubov Kazarnovskaya recebeu um diploma do prestigiado centro de Cambridge (Inglaterra) como um dos 2.000 músicos mais destacados do século XX. Vida criativa Lyubov Kazarnovskaya - uma série de vitórias, descobertas, conquistas rápidas e imparáveis, em relação às quais, em muitos aspectos, o epíteto “primeiro” é apropriado: *Grande Prêmio na competição vocal da UNESCO. *Kazarnovskaya é a primeira soprano russa convidada para ir a Salzburgo por Herbert von Karajan. *O único cantor russo que interpretou as partes de Mozart na terra natal do compositor, em Salzburgo, no seu 200º aniversário. *A primeira e até agora a única cantora russa a interpretar o papel mais difícil de Salomé (“Salomé” de Richard Strauss) nos maiores palcos de ópera do mundo com grande sucesso. L. Kazarnovskaya é considerada a melhor Salomé dos nossos dias. *O primeiro cantor a gravar (em CD) todos os 103 romances de Tchaikovsky. *Com estes discos e seus numerosos concertos em todos os centros musicais do mundo, Lyubov Kazarnovskaya abre ao público ocidental criatividade musical Compositores russos. *A primeira cantora de ópera de escala internacional a realizar um espectáculo sem precedentes na sua gama - ópera, opereta, romance, canção... *A primeira e única cantora a interpretar dois papéis numa noite (nas óperas “Manon Lescaut” de Puccini) na peça “Retrato de Manon”” no palco do Teatro Bolshoi da Rússia. Recentemente, Lyubov Kazarnovskaya, além dela atividades internacionais, dedica muita energia e tempo ao desenvolvimento da vida musical nas regiões russas. Sem dúvida, é o fenômeno mais marcante na vida vocal e musical da Rússia, e a imprensa dedicada a ele não tem precedentes em gênero e volume. Seu repertório inclui mais de 50 papéis de ópera e um enorme repertório música de câmara. Seus papéis favoritos são Tatiana, Violetta, Salomé, Tosca, Manon Lescaut, Leonora (Force of Destiny), Amelia (Un ballo in Masquerade). Ao escolher um programa para noites solo, Kazarnovskaya evita uma seleção dispersa de coisas atraentes e até vencedoras, dando preferência a ciclos únicos que representam o trabalho de diferentes autores. A singularidade da cantora, o brilho da interpretação, o sutil senso de estilo, a abordagem individual para a incorporação de imagens complexas em obras de diferentes épocas fazem de suas performances eventos genuínos na vida cultural. Numerosas gravações de áudio e vídeo destacam enormes capacidades vocais, alto estilo e o maior talento musical este brilhante cantor que demonstra ativamente ao mundo inteiro o real nível da cultura russa. A empresa americana VAI (Video Artists International) lançou uma série de videoteipes com a participação da diva russa, incluindo "Great Singers of Russia 1901-1999" (duas cassetes), " Amor cigano"(gravação de vídeo do concerto de Lyubov Kazarnovskaya em Grande salão Conservatório de Moscou). A discografia de Lyubov Kazarnovskaya inclui gravações nas empresas DGG, Philips, Delos, Naxos, Melodia. Atualmente, Lyubov Kazarnovskaya está preparando novos programas para concertos solo, novos papéis em óperas (Carmen, Isolde, Lady Macbeth), planejando inúmeras turnês no exterior e na Rússia e atuando em filmes. Casado com Robert Roscik desde 1989, seu filho Andrei nasceu em 1993. Estas poucas citações são apenas uma pequena parte das respostas entusiásticas que acompanham as performances de Lyubov Kazarnovskaya: “Sua voz é profunda e sedutoramente insinuante... Cenas tocantes e lindamente executadas da carta de Tatyana e seu último encontro com Onegin não deixam dúvidas sobre o mais alto habilidade do cantor (Metropolitan Opera, " New York Times") "Soprano poderoso, profundo e soberbamente controlado, expressivo em toda a extensão... O alcance e o brilho das características vocais são especialmente impressionantes" (Lincoln Center, recital, " New York Times") "A voz de Kazarnovskaya é focada, delicadamente profunda no registro médio e leve no agudo... Ela é a radiante Desdêmona" (França, "Le Monde de la Musique") "...Lyuba Kazarnovskaya encantou o público com sua soprano sensual e de som mágico em todos os registros" ("Muenchner Merkur") "A diva russa está tão radiante no papel de Salomé, - o gelo começou a derreter nas ruas quando Lyuba Kazarnovskaya cantou a cena final de “Salomé ”…” (“Cincinnati Enquirer”) Informações e fotos do site oficial: http://www.kazarnovskaya.com Novo site sobre lindas flores . Mundo das íris. Criação, cuidado, transplante de íris.

Yulia Novikova é uma cantora de ópera russa, soprano. Yulia Novikova nasceu em São Petersburgo em 1983. Ela começou a tocar música aos 4 anos. Ela se formou com louvor na escola de música (piano e flauta). Durante nove anos foi membro e solista do Coro Infantil de Televisão e Rádio de São Petersburgo sob a direção de S.F. Gribkova. Em 2006 ela se formou com louvor no Conservatório Estadual de São Petersburgo. NO. Rimsky-Korsakov na aula de canto (professor O.D. Kondina). Enquanto estudava no conservatório, desempenhou no estúdio de ópera os papéis de Suzanne (As Bodas de Fígaro), Serpina (A Donzela e a Senhora) e Martha (" A noiva do czar ") e Violetta ("La Traviata"). A estreia profissional de Yulia Novikova aconteceu em 2006 no palco do Teatro Mariinsky como Flora na ópera "A Volta do Parafuso" de B. Britten (maestros V.A. Gergiev e P.A. Smelkov). Julia recebeu seu primeiro contrato permanente no Teatro de Dortmund quando ainda era estudante no conservatório. Em 2006-2008, Julia atuou no Teatro de Dortmund os papéis de Olympia (Os Contos de Hoffmann), Rosina (O Barbeiro de Sevilha) e a Rainha de Shemakha (O Galo de Ouro) e Gilda (Rigoletto), bem como o papel da Rainha da Noite (A Flauta Mágica) na Ópera de Frankfurt. Na temporada 2008-2009, Julia voltou com o papel de a Rainha da Noite para a Ópera de Frankfurt, e também desempenhou esse papel em Bonn. Também nesta temporada eles interpretaram Oscar (Un ballo in maschera), Medoro (Orlando Furious de Vivaldi), Blondchen (O Rapto do Serralho) na Ópera de Bonn , Gilda em Lübeck, Olympia na Komische Oper (Berlim).2009-2010 começou com uma atuação de sucesso como Gilda na produção de estreia de Rigoletto na Komische Oper de Berlim. Seguiram-se Rainha da Noite nas Óperas Estatais de Hamburgo e Viena, na Staatsoper de Berlim, Gilda e Adina (L'Elisir of Love) na Ópera de Bonn, Zerbinetta (Ariadne auf Naxos) na Ópera de Estrasburgo, Olympia no Komische Oper e Rosina em Stuttgart. Nos dias 4 e 5 de setembro de 2010, Julia desempenhou o papel de Gilda na transmissão ao vivo de “Rigoletto” de Mântua para 138 países (produtor A. Andermann, maestro Z. Meta, diretor M. Bellocchio, Rigoletto P. Domingo, etc. .). Na temporada 2010-2011. Julia atuará como Amina (La Sonnambula) em Bonn, Norina (Don Pasquale) em Washington, Gilda na Komische Oper Berlin, Olympia na Ópera de Frankfurt e Oscar, Rainha da Noite, Zerbinetta e Adina na Ópera Estatal de Viena. Yulia Novikova também aparece em shows. Julia se apresentou com a Orquestra Filarmônica de Duisburg (maestro J. Darlington), com a orquestra Deutsche Radio Philharmonie (maestro Ch. Poppen), bem como em Bordeaux, Nancy, Paris (Théâtre des Champs-Élysées) e Carnegie Hall (New Iorque). Concertos solo aconteceram no Festival Grachten em Amsterdã e no Festival Muziekdriedaagse em Haia, e um concerto de gala na Ópera de Budapeste. Num futuro próximo teremos um concerto com a Orquestra de Câmara de Berna e um concerto de Ano Novo em Viena. Yulia Novikova é vencedora e laureada de vários concursos internacionais de música: - Operalia (Budapeste, 2009) - primeiro prémio e prémio do público; — Estreia musical (Landau, 2008) - vencedor, ganhador do Prêmio Emmerich Smol; - Novas Vozes (Gütersloh, 2007) – Prêmio do Público; — Concurso Internacional de Genebra (2007) – Prémio do Público; — Competição internacional com nome. Wilhelm Stenhammar (Norköpping, 2006) - terceiro prêmio e prêmio para melhor performance música sueca moderna. Informações do site oficial da cantora Yulia Novikova http://www.julianovikova.com/

Galina Pavlovna Vishnevskaya (25 de outubro de 1926 - 11 de dezembro de 2012) - grande cantora de ópera russa e soviética (soprano lírico-dramático). Artista do Povo da URSS. Comandante da Legião de Honra Francesa, doutor honorário de diversas universidades. Galina Pavlovna Vishnevskaya nasceu em 25 de outubro de 1926 em Leningrado (hoje São Petersburgo), mas passou quase toda a sua infância em Kronstadt. Transferido Bloqueio de Leningrado , aos dezesseis anos serviu em unidades de defesa aérea. A sua atividade criativa começou em 1944 como solista do Teatro de Opereta de Leningrado, e o início da sua carreira nos grandes palcos remonta aos anos cinquenta. Em seu primeiro casamento, ela foi casada com o marinheiro militar Georgy Vishnevsky, de quem se divorciou dois meses depois, mas manteve o sobrenome; em seu segundo casamento - com o diretor do teatro de opereta Mark Ilyich Rubin. Em 1955, quatro dias depois de se conhecerem, ela se casou pela terceira vez com o mais tarde famoso violoncelista M.L. Rostropovich, no conjunto com o qual (M.L. Rostropovich - primeiro como pianista e depois como maestro) se apresentou nas mais prestigiadas salas de concerto do mundo. De 1951 a 1952, após deixar o teatro de opereta, Vishnevskaya teve aulas de canto com V.N. Garina, combinando aulas de canto clássico com atuações como cantora pop. Em 1952, participou de um concurso para o grupo de estagiários do Teatro Bolshoi, foi aceita, apesar da falta de formação em conservatório, e logo (na expressão figurativa de B.A. Pokrovsky) tornou-se “o trunfo do baralho do Teatro Bolshoi”, o principal solista da principal casa de ópera do país. Durante a sua carreira artística de 22 anos no Teatro Bolshoi (de 1952 a 1974), Galina Vishnevskaya criou muitas (mais de trinta!) personagens femininas inesquecíveis em obras-primas da ópera russa e da Europa Ocidental. Tendo feito sua brilhante estreia no papel de Tatiana na ópera Eugene Onegin, interpretou no teatro os papéis de Aida e Violetta (Aida e La Traviata de Verdi), Cio-Cio-san (Cio-Cio-san de Puccini) , Natasha Rostova ("Guerra e Paz" de Prokofiev), Katarina ("A Megera Domada" de Shebalin, primeira intérprete, 1957), Lisa ("A Dama de Espadas" de Tchaikovsky), Kupava ("A Donzela da Neve" por Rimsky-Korsakov), Marfa ("A Noiva do Czar" por Rimsky-Korsakov) Korsakov) e muitos outros. Vishnevskaya participou das primeiras produções no palco russo da ópera “The Gambler” de Prokofiev (1974, como Polina) e da mono-ópera “The Human Voice” de Poulenc (1965). Em 1966, ela estrelou o papel principal no filme de ópera “Katerina Izmailova” de D.D. Shostakovich (diretor Mikhail Shapiro). Ela foi a primeira intérprete de uma série de obras de D.D. dedicadas a ela. Shostakovich, B. Britten e outros excelentes compositores contemporâneos. Com a impressão de ouvir sua gravação, o poema “Woman’s Voice” de Anna Akhmatova foi escrito. Durante o domínio soviético, Galina Vishnevskaya, juntamente com seu marido, o grande violoncelista e maestro Mstislav Rostropovich, forneceram um apoio inestimável ao notável escritor russo e ativista de direitos humanos Alexander Solzhenitsyn, e esta se tornou uma das razões para a constante atenção e pressão do Serviços de inteligência da URSS. Em 1974, Galina Vishnevskaya e Mstislav Rostropovich deixaram a União Soviética e em 1978 foram privados de cidadania, títulos honorários e prêmios governamentais. Mas em 1990, o decreto do Presidium do Conselho Supremo foi cancelado, Galina Pavlovna retornou à Rússia e o título honorário de Artista do Povo foi devolvido a ela. União Soviética e da Ordem de Lenin, tornou-se professora honorária no Conservatório de Moscou. No exterior, Rostropovich e Vishnevskaya viveram nos EUA, depois na França e na Grã-Bretanha. Galina Vishnevskaya cantou em todos os maiores palcos do mundo (Covent Garden, Metropolitan Opera, Grand Opera, La Scala, Ópera de Munique, etc.), atuando com os mais destacados mestres da cultura musical e teatral mundial. Cantou o papel de Marina em uma gravação única da ópera "Boris Godunov" (maestro Herbert von Karajan, solistas Gyaurov, Talvela, Shpiss, Maslennikov), em 1989 cantou o mesmo papel no filme de mesmo nome (diretor A ...Zhulavsky, maestro M. Rostropovich). Entre as gravações feitas durante o período de emigração forçada estão uma edição completa da ópera "Guerra e Paz" de S. Prokofiev, cinco discos com romances dos compositores russos M. Glinka, A. Dargomyzhsky, M. Mussorgsky, A. Borodin e P. Tchaikovsky. Toda a vida e obra de Galina Vishnevskaya tiveram como objetivo continuar e glorificar as maiores tradições operísticas russas. Após o início da perestroika, em 1990, Galina Vishnevskaya e Mstislav Rostropovich foram restaurados à cidadania. No início dos anos 90, G. Vishnevskaya retornou à Rússia e tornou-se professor honorário do Conservatório de Moscou. Ela descreveu sua vida no livro "Galina" (publicado em inglês em 1984, em russo - 1991). Galina Vishnevskaya é doutora honorária de várias universidades; por muitos anos trabalhou com jovens criativos, ministrando master classes em todo o mundo e atuando como membro do júri em grandes competições internacionais. Em 2002, foi inaugurado em Moscou o Centro Galina Vishnevskaya de Canto de Ópera, cuja criação a grande cantora sonhava há muito tempo. No centro, ela transmitiu a sua experiência acumulada e conhecimentos únicos a jovens cantores talentosos, para que pudessem representar dignamente a escola de ópera russa no cenário internacional. O aspecto missionário das atividades de Galina Vishnevskaya é enfatizado pelos maiores meios de comunicação federais e regionais, chefes de teatros e organizações de concertos e pelo público em geral. Galina Vishnevskaya recebeu os mais prestigiosos prêmios mundiais por sua inestimável contribuição à arte musical mundial e vários prêmios governamentais países diferentes: medalha “Pela Defesa de Leningrado” (1943), Ordem de Lênin (1971), Medalha de Diamante da Cidade de Paris (1977), Ordem “Pelo Mérito à Pátria” grau III (1996), grau II (2006) . Galina Vishnevskaya - Grande Oficial da Ordem da Literatura e da Arte (França, 1982), Cavaleiro da Ordem da Legião de Honra (França, 1983), Cidadão Honorário da cidade de Kronstadt (1996).

Anna Yurievna Netrebko é uma cantora de ópera russa, soprano. Anna Netrebko nasceu em 18 de setembro de 1971 em Krasnodar. Pai - Netrebko Yuri Nikolaevich (1934), formado pelo Instituto de Mineração de Leningrado, engenheiro geológico. Mora em Krasnodar. Mãe - Netrebko Larisa Ivanovna (1944-2002), engenheira de comunicações. A irmã mais velha de Anna, Natalya (1968), mora com a família na Dinamarca. Anna Netrebko se esforçou para subir ao palco desde a infância. Enquanto estudava na escola, ela foi solista do conjunto Kuban Pioneer no Palácio dos Pioneiros de Krasnodar. Em 1988, depois de se formar na escola, Anna decidiu ir para Leningrado - entrar na escola de música, no departamento de opereta e depois transferir-se para universidade de teatro . No entanto, suas habilidades musicais não passaram despercebidas pela comissão de seleção da escola - Anna foi aceita no departamento vocal, onde estudou com Tatyana Borisovna Lebed. Dois anos depois, sem se formar na faculdade, ela passou com sucesso no concurso e ingressou no Conservatório Estadual de São Petersburgo em homenagem a N.A. Rimsky-Korsakov, onde estudou canto com a professora Tamara Dmitrievna Novichenko. Naquela época, Anna estava seriamente interessada em ópera, e o Teatro Mariinsky, localizado não muito longe do conservatório, tornou-se sua segunda casa. Para visitar regularmente o teatro e ter a oportunidade de assistir a todas as apresentações em seu palco, Anna conseguiu um emprego no teatro como faxineira e durante dois anos, além de estudar no conservatório, lavou o chão do foyer do teatro . Em 1993, o Concurso Vocal de Toda a Rússia recebeu o seu nome. M.I.Glinka. O júri do concurso foi chefiado pela Artista do Povo da URSS Irina Arkhipova. Aluna do 4º ano do conservatório, Anna Netrebko não só participou no concurso, como também foi vencedora, recebendo o 1º prémio. Depois de vencer a competição, Anna fez um teste no Teatro Mariinsky. O diretor artístico do teatro, Valery Gergiev, que esteve presente na audição, deu-lhe imediatamente o papel de Barbarina na próxima produção da ópera de Mozart “As Bodas de Fígaro”. Inesperadamente, em um dos ensaios, o diretor Yuri Alexandrov sugeriu que Anna tentasse cantar o papel de Suzanne, o que Anna fez imediatamente sem nenhum erro, sendo então aprovada para o papel principal. Assim, em 1994, Anna Netrebko estreou-se no palco do Teatro Mariinsky. Após sua estreia, Anna Netrebko torna-se uma das principais solistas do Teatro Mariinsky. Durante seu trabalho lá, ela cantou em diversas apresentações. Entre os papéis no palco Mariinsky estavam: Lyudmila ("Ruslan e Lyudmila"), Ksenia ("Boris Godunov"), Marfa ("A Noiva do Czar"), Louise ("Noivado em um Mosteiro"), Natasha Rostova ("Guerra e Paz"), Rosina ("O Barbeiro de Sevilha"), Amina ("La Sonnambula"), Lucia ("Lucia di Dammermoor"), Gilda ("Rigoletto"), Violetta Valerie ("La Traviata"), Musetta, Mimi (“La Bohème”), Antonia (“Os Contos de Hoffmann”), Donna Anna, Zerlina (“Don Giovanni”) e outros. Em 1994, Anna Netrebko começou uma turnê no exterior como parte da trupe do Teatro Mariinsky. A cantora se apresentou na Finlândia (festival em Mikkeli), Alemanha (festival em Schleswig-Holstein), Israel, Letônia. A primeira apresentação estrangeira que mudou a vida de Anna Netrebko aconteceu em 1995, nos EUA, no palco da Ópera de São Francisco. Segundo a própria Anna, Plácido Domingo teve um papel importante na estreia americana. Nove apresentações de “Ruslana e Lyudmila”, nas quais Anna interpretou o papel principal de Lyudmila, trouxeram-lhe o primeiro grande sucesso no exterior em sua carreira. Desde então, Anna Netrebko tem se apresentado nos palcos de ópera mais prestigiados do mundo. O ano de 2002 ocupou um lugar especial na carreira de Anna, quando ela passou de cantora famosa a prima da ópera mundial. No início de 2002, Anna Netrebko, juntamente com o Teatro Mariinsky, atuou no palco da Metropolitan Opera na peça "Guerra e Paz". Sua atuação como Natasha Rostova causou sensação. “Audrey Hepburn com voz” - assim foi chamada Anna Netrebko na imprensa americana, destacando seu talento vocal e dramático, aliado a um raro charme. No verão do mesmo ano, Anna interpretou o papel de Donna Anna na ópera “Don Giovanni” de W. A. ​​​​Mozart no Festival de Salzburgo. Ela foi convidada para este papel pelo famoso maestro Nikolaus Harnoncourt. A atuação de Anna em Salzburgo causou sensação. Assim, Salzburgo deu ao mundo uma nova estrela. Depois de Salzburgo, a popularidade de Anna Netrebko cresce rapidamente de performance em performance. Agora, as principais casas de ópera do mundo estão tentando fazer com que Anna participe das produções. Desde então, a vida da diva da ópera Anna Netrebko tem sido transportada nas rodas dos trens e voa nas asas dos aviões. Cidades e países, palcos de teatros e salas de concerto passam rapidamente. Depois de Salzburgo - Londres, Washington, São Petersburgo, Nova York, Viena... Em julho de 2003, no palco da Ópera da Baviera em La Traviata, Anna cantou pela primeira vez com o tenor mexicano Rolando Villazon. Esta performance deu origem ao dueto de ópera mais famoso e popular da atualidade, ou, como lhe chamam, o “casal dos sonhos” - um dueto dos sonhos. Apresentações e concertos com a participação de Anna e Rolando estão agendados com muitos anos de antecedência. Países e cidades passam novamente. Nova York, Viena, Munique, Salzburgo, Londres, Los Angeles, Berlim, São Francisco... Mas o sucesso mais importante e verdadeiramente triunfante veio para Anna em 2005, no mesmo Salzburgo, quando atuou na produção histórica de Willy Decker, na ópera La Traviata de Verdi. Este sucesso não só a elevou ao topo - elevou-a ao Olimpo do mundo da ópera! Anna Netrebko toca com os principais maestros do mundo, incluindo Valery Gergiev, James Levine, Seiji Ozawa, Nikolaus Harnoncourt, Zubin Mehta, Colin Davis, Claudio Abbado, Daniel Barenboim, Emmanuel Villaum, Bertrand de Builly, Marco Armiliato. Em 2003, a famosa empresa Deutsche Gramophone assinou um contrato de exclusividade com Anna Netrebko. Em setembro de 2003, o primeiro álbum de Anna Netrebko, Opera Arias, foi lançado. A cantora gravou com a Orquestra Filarmônica de Viena (maestro Gianandrea Noseda). O álbum inclui árias populares de várias óperas - "Sereias", "Fausto", "La Bohemes", "Don Giovanni", "Somnambulists". O filme “As mulheres - a voz” foi um sucesso incrível, no qual Anna estrelou cinco vídeos de ópera criados pelo diretor de Hollywood Vincent Patterson, que já havia trabalhado com Michael Jackson e Madonna. Em agosto de 2004 foi lançado o segundo álbum solo da cantora, "Sempre Libera", gravado com a Orquestra Mahler e Claudio Abbado. O terceiro álbum solo, gravado com a Orquestra do Teatro Mariinsky e Valery Gergiev, "Álbum Russo", foi lançado em 2006. Todos os três álbuns ganharam disco de platina na Alemanha e na Áustria, e “Álbum Russo” foi indicado ao Grammy. Em 2008, a Deutsche Gramophon lançou o quarto disco solo de Anna, “Souvenirs”, que foi gravado com a Orquestra Sinfônica de Praga e Emmanuel Villaum. Outro CD, “Duets”, que Anna gravou com seu parceiro regular Rolando Villazon, foi um grande sucesso. No início de 2009, foi lançado um CD com a gravação da performance vienense "Capulets and Montagues" de 2008, na qual Anna cantou junto com outra superestrela - a mezzo-soprano letã Elina Garanča. Dois excelentes cantores de ópera e mulheres bonitas - Anna Netrebko e Elina Garancha começaram recentemente a ser chamadas de casal dos sonhos femininos - um “dueto dos sonhos” feminino. A Deutsche Gramophon, assim como algumas outras companhias, lançaram gravações em vídeo de diversas apresentações de ópera com a participação de Anna Netrebko. Entre eles estão "Ruslan e Lyudmila" (1995), "Noivado em um Mosteiro" (1998), "Elisir do Amor" (Viena, 2005), "La Traviata" (Salzburgo, 2005), "Puritanos" (MET, 2007 ), "Manon" (Viena, 2007), "Manon" (Berlim, 2007). No início de 2008, o diretor Robert Dornholm fez um filme - a ópera La Bohème, estrelada por Anna Netrebko e Rolando Villazon. O filme estreou na Áustria e na Alemanha no outono de 2008. Muitos países ao redor do mundo adquiriram o direito de exibição do filme. Em março de 2009, a Axiom Films começou a gravar o filme em DVD. Anna Netrebko também estrelou uma participação especial no filme de Hollywood “O Diário da Princesa 2” (Walt Disney Studios, dirigido por Garry Marshall). Os concertos de Anna Netrebko ganharam popularidade extraordinária. Entre os mais famosos estão o concerto no Carnegie Hall com Dmitry Hvorostovsky em 2007, no Royal Albert Hall em Londres (BBC Prom concert, 2007), bem como os lendários concertos conjuntos de Anna Netrebko, Placido Domingo e Rolando Villazon (Berlim 2006 , Viena 2008). As transmissões televisivas, bem como as gravações em DVD de concertos em Berlim e Viena, foram um grande sucesso. Depois de vencer a competição. Glinka em 1993, Anna Netrebko recebeu repetidamente vários prêmios, títulos e prêmios. Entre suas conquistas: - laureada no II Concurso Internacional para Jovens Cantores de Ópera. NA Rimsky-Korsakov (São Petersburgo, 1996) - laureado com o Prêmio Baltika (1997) - laureado com o prêmio de música russa "Casta Diva" (1998) - laureado com o maior prêmio de teatro de São Petersburgo "Golden Sofit" ( 1999, 2005, 2009). Outras conquistas de Anna Netrebko incluem o prestigiado German Bambi Award, o Austrian Amadeus Awards, os títulos de “Cantora do Ano” e “Música Feminina do Ano” recebidos no Reino Unido (Classical BRIT Awards), nove prêmios Echo Klassik concedidos em Alemanha, além de duas indicações ao Grammy (pelos discos "Violetta" e "Álbum Russo"). Em 2005, no Kremlin, o presidente russo V. V. Putin presenteou Anna Netrebko com o Prêmio de Estado da Federação Russa, que ela recebeu “por sua notável contribuição à cultura musical russa”. Em 2006, o Governador do Território de Krasnodar, A. Tkachev, concedeu a Anna Netrebko a medalha “Herói do Trabalho de Kuban” por sua alta contribuição para a ópera mundial. Em 2007, a revista Time incluiu Anna Netrebko na sua lista das 100 pessoas mais influentes do mundo. Esta é a primeira vez na história que um cantor de ópera é incluído na lista da Time de “homens e mulheres cujo poder, talento e exemplo moral estão mudando o mundo”. Anna Netrebko recebeu o título mais significativo de sua carreira em 2008, quando a revista americana de maior autoridade, Musical America, nomeou Anna Netrebko como “Música do Ano”. Este prêmio é comparável não apenas ao Oscar, mas também ao Prêmio Nobel. Todos os anos, desde 1960, a revista nomeia o principal personagem da música mundial. Ao longo da história, apenas cinco cantores de ópera receberam tal homenagem - Leontyne Price, Beverly Sills, Marilyn Horne, Placido Domingo, Karita Mattila. Anna Netrebko tornou-se a sexta de uma seleta série dos mais destacados artistas de ópera. Muitas revistas de destaque dedicaram grandes artigos a Netrebko, incluindo Vogue, Vanity Fair, Town & Country, Harper's Bazaar, Elle, W Magazine, Inquire, Playboy. Ela foi convidada e heroína de programas de televisão populares como Good Morning America na NBC (The Tonight Show com Jay Leno na NBC), 60 minutos na CBS e o alemão Wetten, dass..? Documentários sobre Anna foram exibidos em canais de televisão na Áustria e Alemanha, Rússia. Duas biografias dela foram publicadas na Alemanha. Segundo a imprensa mundial, no final de 2007, Anna Netrebko ficou noiva de seu colega de palco de ópera, o barítono uruguaio Erwin Schrott. No início de Em fevereiro de 2008, a mídia mundial e russa noticiou uma sensação: Anna Netrebko está esperando um filho A última apresentação de Anna antes do intervalo devido ao parto aconteceu em 27 de junho de 2008 em Viena, no Palácio de Schönbrunn. Anna se apresentou em um concerto com seus parceiros famosos Plácido Domingo e Rolando Villazon. Dois meses e uma semana depois, em 5 de setembro de 2008, em Viena, Anna teve um filho, a quem os felizes pais batizaram com um nome latino-americano - Thiago Arua.Em 14 de janeiro de 2009, Anna Netrebko retomou seus palcos atividades, apresentando a peça "Lucia di Lammermoor" no Teatro Mariinsky. No final de janeiro - início de fevereiro, Anna cantou o papel de Lúcia no palco da Metropolitan Opera. A última e quarta apresentação, realizada no dia 7 de fevereiro, foi transmitida ao vivo no programa “The MET Live in HD” para telas de cinema da América e da Europa. A transmissão foi assistida por telespectadores em 850 cinemas em 31 países. Anna Netrebko recebeu esta homenagem pela terceira vez. Anteriormente, as apresentações do Metropolitan Opera “Romeu e Julieta” e “Os Puritanos” eram transmitidas ao vivo para cinemas de muitos países ao redor do mundo. Em 2006, Anna Netrebko recebeu a cidadania austríaca, mas manteve a cidadania russa. Em constante movimento pelo mundo, de um país para outro, Anna, porém, fica sempre feliz em voltar para sua casa. Onde exatamente? Anna possui apartamentos em São Petersburgo, Viena e Nova York. Segundo a própria Anna, ela “não tem nenhuma fixação por ópera e palco”. É claro que com o nascimento de um filho, Anna dedica todos os seus raros dias e horas livres ao filho, que acompanha constantemente Anna em todas as suas viagens e passeios. Mas antes de ser mãe, Anna gostava de desenhar, fazer compras, ir ao cinema e ouvir música popular nas horas vagas. Escritor favorito - Akunin, atores de cinema favoritos - Brad Pitt e Vivien Leigh. Entre os cantores populares, Anna destacou Justin Timberlake, Robbie Williams e o grupo "Greenday" e, mais recentemente, Amy Winehouse e Duffy. Anna Netrebko participa de programas e eventos de caridade na Rússia e no exterior. Entre os mais graves está o projeto SOS-KinderDorf, que opera em 104 países ao redor do mundo. Além disso, a cantora participa do projeto "Anna" (um programa para ajudar orfanatos em Kaliningrado e na região de Kaliningrado), ajuda a fundação internacional de caridade "Roerich Heritage", bem como o Instituto Ortopédico Infantil localizado em Pushkin. GI Turner. Fonte: http://annanetrebko-megastar.ru/

Joyce DiDonato é uma famosa cantora de ópera americana, mezzo-soprano. Considerado um dos principais mezzo-sopranos da atualidade e o melhor intérprete das obras de Gioachino Rossini. Joyce DiDonato (nascida Joyce Flaherty) nasceu em 13 de fevereiro de 1969 em Prier Village, Kansas, EUA, em uma família de raízes irlandesas, sendo a sexta de sete filhos. Seu pai era o diretor do coral da igreja local, Joyce cantava nele e sonhava em se tornar uma estrela da Broadway. Em 1988, ela ingressou na Wichita State University, onde estudou canto. Após a universidade, Joyce DiDonato decidiu continuar sua educação musical e em 1992 ingressou na Academia de Artes Vocais da Filadélfia. Depois da academia, durante vários anos participou em programas de formação de “Jovem Artista” em várias companhias de ópera: em 1995 - na Ópera de Santa Fé, onde recebeu prática musical e estreou-se operística no grande palco, mas até agora em menor papéis nas óperas "As Bodas de Fígaro" de W.A. Mozart, "Salomé" de R. Strauss, "Condessa Maritza" de I. Kalman; de 1996 a 1998 - no Houston Grand Opera e foi reconhecido como o melhor “artista iniciante”; no verão de 1997 - na Ópera de São Francisco no programa de treinamento da Ópera Merola. Durante seus estudos e prática inicial, Joyce DiDonato participou de diversos eventos famosos competições vocais . Em 1996, ela ficou em segundo lugar no Concurso Eleanor McCollum em Houston e venceu as audições distritais do Concurso Metropolitan Opera. Em 1997, ela ganhou o Prêmio William Sullivan. Em 1998, conquistou o segundo lugar no concurso Placido Domingo Operalia, em Hamburgo, e o primeiro lugar no concurso George London. Nos anos seguintes, ela recebeu muitos outros prêmios e premiações diferentes. Joyce DiDonato iniciou sua carreira profissional em 1998 atuando em diversas companhias de ópera regionais nos Estados Unidos, principalmente na Houston Grand Opera. E ela se tornou conhecida por um grande público graças à sua aparição na estreia mundial televisiva da ópera "Little Woman" de Mark Adamo. Na temporada 2000-2001. DiDonato fez sua estreia europeia, começando direto do La Scala como Angelina em Cinderela de Rossini. Na temporada seguinte, ela expandiu seu conhecimento com o público europeu, atuando na Ópera Holandesa como Irmã em Júlio César de Handel, na Ópera de Paris como Rosina em O Barbeiro de Sevilha de Rossini e na Ópera Estatal da Baviera como Cherubino em Le nozze di Figaro de Mazart. e nos programas de concertos "Glória" de Vivaldi com Riccardo Muti e a Orquestra La Scala e "Sonho de uma Noite de Verão" de F. Mendelssohn em Paris. Na mesma temporada, estreou nos Estados Unidos, na Ópera Estadual de Washington, no papel de Dorabella em “Isso é o que todas as mulheres fazem”, de W.A. Mozart. Nessa época, Joyce DiDonato já havia se tornado uma verdadeira estrela da ópera com fama mundial, querida pelo público e elogiada pela imprensa. Sua carreira posterior apenas expandiu sua geografia de turnês e abriu as portas para novas casas de ópera e festivais - Covent Garden (2002), Metropolitan Opera (2005), Opera Bastille (2002), Teatro Real em Madrid, Novo Teatro Nacional em Tóquio, Estado de Viena Ópera e outros.Joyce DiDonato colecionou uma rica coleção de vários prêmios e prêmios musicais. Como observam os críticos, esta é talvez uma das carreiras mais bem-sucedidas e tranquilas do mundo da ópera moderna. E mesmo o acidente ocorrido no palco de Covent Garden em 7 de julho de 2009 durante uma apresentação de O Barbeiro de Sevilha, quando Joyce DiDonato escorregou no palco e quebrou a perna, não interrompeu essa apresentação, que ela terminou de muletas, ou performances subsequentes planejadas, que ela realizou em uma cadeira de rodas, para deleite do público. Este evento "lendário" foi capturado em DVD. Joyce DiDonato iniciou a última temporada 2010-2011 com o Festival de Salzburgo e a sua estreia como Adalgiz em “Norma” de Belinni com Edita Gruberova como Norma, depois com um programa de concertos no Festival de Edimburgo. No outono, em Berlim, ela desempenhou o papel de Rosina em O Barbeiro de Sevilha e em Madrid como Otaviano em Der Rosenkavalier. O ano terminou com mais uma premiação, a primeira da Academia Alemã de Gravação "ECHO Klassik", que nomeou Joyce DiDonato como "Melhor Cantora Feminina de 2010". Os dois prêmios seguintes foram da revista inglesa de música clássica "Gramophone", que a elegeu "Melhor Artista do Ano" e escolheu seu disco com árias de Rossini como o melhor "Recital do ano". Continuando a temporada nos Estados Unidos, ela se apresentou em Houston e depois com um concerto solo no Carnegie Hall. A Metropolitan Opera a acolheu em dois papéis - o pajem Isolier em "Count Ory" de Rossini e o compositor em "Ariadne auf Naxos" de R. Strauss. Ela completou a temporada na Europa com turnês em Baden-Baden, Paris, Londres e Valência. O site da cantora apresenta uma agenda lotada de suas futuras apresentações; esta lista apenas para o primeiro semestre de 2012 inclui cerca de quarenta apresentações na Europa e na América. Joyce DiDonato é hoje casada com o maestro italiano Leonardo Vordoni, com quem mora em Kansas City, Missouri, EUA. Joyce continua usando o sobrenome do primeiro marido, com quem se casou logo após a faculdade.

Angela Gheorghiu (romeno: Angela Gheorghiu) é uma cantora de ópera romena, soprano. Um dos cantores de ópera mais famosos do nosso tempo. Angela Gheorghiu (Burlacu) nasceu em 7 de setembro de 1965 na pequena cidade de Adjud, na Romênia. Desde a infância era óbvio que ela se tornaria cantora; a música era o seu destino. Ela estudou em uma escola de música em Bucareste e se formou na Universidade Nacional de Música de Bucareste. Sua estreia na ópera profissional aconteceu em 1990 como Mimi em La Bohème de Puccini em Cluj, e no mesmo ano ela ganhou o Concurso Internacional Vocal Hans Gabor Belvedere em Viena. Ela manteve o sobrenome Georgiou de seu primeiro marido. Angela Georgiou estreou-se internacionalmente em 1992 na Royal Opera House, Covent Garden, em La Bohème. No mesmo ano estreou-se no Metropolitan Opera de Nova Iorque e na Ópera Estatal de Viena. Em 1994, na Royal Opera House, Covent Garden, desempenhou pela primeira vez o papel de Violetta em La Traviata, nesse momento nasceu uma “estrela”, Angela Georgiou começou a fazer sucesso constante em casas de ópera e salas de concerto ao redor o mundo: em Nova York, Londres, Paris, Salzburgo, Berlim, Tóquio, Roma, Seul, Veneza, Atenas, Monte Carlo, Chicago, Filadélfia, São Paulo, Los Angeles, Lisboa, Valência, Palermo, Amsterdã, Kuala Lumpur, Zurique , Viena, Salzburgo, Madrid, Barcelona, ​​​​Praga, Montreal, Moscou, Taipei, San Juan, Liubliana. Em 1994 conheceu o tenor Roberto Alagna, com quem se casou em 1996. A cerimônia de casamento aconteceu no palco do Metropolitan Opera de Nova York. O casal Alanya-Georgiou é há muito tempo a união familiar criativa mais brilhante no palco da ópera, mas agora eles estão divorciados. Seu primeiro contrato discográfico exclusivo foi assinado em 1995 com a Decca, após o qual ela lançou vários álbuns por ano, e hoje conta com cerca de 50 álbuns, tanto óperas encenadas quanto concertos solo. Todos os seus discos receberam boas críticas da crítica e foram galardoados com vários prémios internacionais, incluindo prémios da revista Gramophone, do German Echo Prize, do francês Diapason d’Or e Choc du Monde de la Musique e muitos outros. Duas vezes em 2001 e 2010, o “Classical BRIT Awards” britânico a nomeou “Melhor Cantora do Ano”. A gama de papéis de Angela Georgiu é muito ampla, ela adora especialmente as óperas de Verdi e Puccini. O repertório italiano, talvez devido à relativa semelhança das línguas romena e italiana, é excelente para ela; alguns críticos observam que a ópera francesa, alemã, russa e inglesa é executada de forma mais fraca. Os papéis mais importantes de Angela Georgiou: Bellini "Somnambula" - Amina Bizet "Carmen" - Micaela, Carmen Cilea "Adriana Lecouvreur" - Adriana Lecouvreur Donizetti "Lucia di Lammermoor" - Lucia Donizetti "Lucrezia Borgia" - Lucrezia Borgia Donizetti "Elisir de Amor" - Adina Gounod "Fausto" - Marguerite Gounod "Romeu e Julieta" - Julieta Massenet "Manon" - Manon Massenet "Werther" - Charlotte Mozart "Don Juan" - Zerlina Leoncavallo "Pagliacci" - Nedda Puccini "Andorinha" - Magda Puccini "La Boheme" - Mimi Puccini "Gianni Schicchi" - Loretta Puccini "Tosca" - Tosca Puccini "Turandot" - Liu Verdi Trovador - Leonora Verdi "La Traviata" - Violetta Verdi "Louise Miller" - Luisa Verdi "Simon Boccanegra" - Maria Angela Gheorghiu continua a atuar ativamente e está localizada no topo da ópera Olimpo. Os compromissos futuros incluem vários concertos na Europa, América e Ásia, Tosca e Faust na Royal Opera House, Covent Garden.

Cecilia Bartoli é uma cantora de ópera italiana, coloratura mezzo-soprano. Um dos cantores de ópera líderes e de sucesso comercial do nosso tempo. Cecilia Bartoli nasceu em 4 de junho de 1966 em Roma. Os pais de Bartoli são Silvana Bazzoni e Pietro Angelo Bartoli, cantores profissionais e funcionários da Ópera de Roma. A primeira e principal professora de canto de Cecília foi sua mãe. Aos nove anos, Cecília apareceu pela primeira vez no “grande palco” - ela apareceu em uma das cenas de multidão na Ópera de Roma na forma de um pastor na produção de “Tosca”. Quando criança, a futura cantora gostava de dançar e praticava flamenco, mas os seus pais não viam a sua carreira na dança e estavam descontentes com o hobby da filha; insistiram para que ela continuasse a sua educação musical. O flamenco deu a Bartoli a facilidade e a paixão com que se apresenta no palco, e o seu amor por esta dança ainda é relevante. Aos 17 anos, Bartoli ingressou no Conservatório Santa Cecília. Em 1985, ela se apresentou no programa de televisão "Novos Talentos": cantou "Barcarolle" de "Os Contos de Hoffmann" de Offenbach, a ária de Rosina de "O Barbeiro de Sevilha" e até um dueto com o barítono Leo Nucci. E embora tenha ficado em segundo lugar, sua atuação causou verdadeira sensação entre os amantes da ópera. Logo Bartoli se apresentou em um concerto organizado pela Ópera de Paris em memória de Maria Callas. Depois deste show, três “pesos pesados” do mundo prestaram atenção nela música clássica- Herbert von Karajan, Daniel Barenboim e Nikolaus Harnoncourt. Sua estreia na ópera profissional aconteceu em 1987 na Arena di Verona. No ano seguinte, ela cantou o papel de Rosina em O Barbeiro de Sevilha, de Rossini, na Ópera de Colônia, e o papel de Cherubino, ao lado de Nikolaus Harnoncourt, em As Bodas de Fígaro, de Mozart, em Zurique, Suíça. Herbert von Karajan a convidou para participar do Festival de Salzburgo e apresentar com ele a Missa em Si Menor de J. S. Bach, mas a morte do maestro não permitiu que os planos se concretizassem. Em 1990, Bartoli estreou-se na Ópera Bastille como Cherubino, na Ópera Estatal de Hamburgo como Idamante em Idomeneo de Mozart, e nos Estados Unidos no Mostly Mozart Festival de Nova Iorque e assinou contrato de exclusividade com a DECCA. Em 1991 estreou-se no La Scala como pajem Isolier no Conde Ory de Rossini, altura em que, aos 25 anos, estabeleceu a sua reputação como uma das principais intérpretes mundiais de Mozart e Rossini. Desde então, sua carreira se desenvolveu rapidamente - a lista dos melhores teatros do mundo, estreias, concertos solo, maestros, gravações, festivais e prêmios para Cecili Bartoli poderia virar um livro. Desde 2005, Cecilia Bartoli tem-se concentrado na música das eras barroca e clássica de compositores como Gluck, Vivaldi, Haydn e Salieri e, mais recentemente, na música das eras romântica e italiana do Bel Canto. Atualmente mora com a família em Monte Carlo e trabalha na Ópera de Zurique. Cecilia Bartoli é uma convidada frequente na Rússia; desde 2001, já visitou o nosso país diversas vezes; a sua última digressão ocorreu em setembro de 2011. Alguns críticos observam que Cecilia Bartoli é considerada uma das melhores mezzo-sopranos do nosso tempo apenas porque com esse tipo de voz (ao contrário da soprano) ela tem poucos concorrentes, porém, suas performances atraem casas cheias de fãs, e seus discos vendem milhões de cópias. Por seus serviços no campo da música, Cecilia Bartoli recebeu vários prêmios estaduais e públicos, incluindo as Ordens de Mérito e Artes e Letras da França e a Cavalaria Italiana, e também é membro honorário da Royal Academy of Music de Londres. , etc. Ela é dona de cinco prêmios Grammy, o último dos quais ganhou em 2011 na categoria "Melhor Música Clássica desempenho vocal" com o álbum "Sacrifício" (Sacrificium).

Ekaterina Shcherbachenko é uma cantora de ópera russa (soprano), solista do Teatro Bolshoi. Ekaterina Nikolaevna Shcherbachenko (nascida Telegina) nasceu em 31 de janeiro de 1977 em Ryazan. Em 1996 ela se formou na Ryazan Music College. G. e A. Pirogov, tendo recebido a especialidade “regente de coro”. Em 2005 ela se formou no Conservatório Estadual de Moscou. P. I. Tchaikovsky (professora - Professora Marina Alekseeva) e lá continuou seus estudos de pós-graduação. No estúdio de ópera do conservatório cantou o papel de Tatiana na ópera “Eugene Onegin” de P. Tchaikovsky e o papel de Mimi na ópera “La Bohème” de G. Puccini. Em 2005, foi solista estagiária na trupe de ópera do Teatro Musical Acadêmico de Moscou. K. S. Stanislavsky e V. I. Nemirovich-Danchenko. Neste teatro desempenhou os papéis de Lidochka na opereta “Moscou, Cheryomushki” de D. Shostakovich e o papel de Fiordiligi na ópera “Isto é o que todas as mulheres fazem” de W.A. Em 2005, no Teatro Bolshoi interpretou o papel de Natasha Rostova na estreia da ópera "Guerra e Paz" de S. Prokofiev (segunda edição), após a qual recebeu um convite para o Teatro Bolshoi como membro permanente do trupe de ópera. Seu repertório no Teatro Bolshoi incluiu os seguintes papéis: Natasha Rostova (Guerra e Paz de S. Prokofiev) Tatiana (Eugene Onegin de P. Tchaikovsky) Liu (Turandot de G. Puccini) Mimi (La Bohème de G. Puccini) Michaela ( "Carmen" de J. Bizet) Iolanta ("Iolanta" de P. Tchaikovsky) Em 2004 ela desempenhou o papel de Lidochka na opereta "Moscow, Cheryomushki" na Ópera de Lyon (dirigida por Alexander Lazarev). Em 2007, na Dinamarca, participou na execução da cantata "Bells" de S. Rachmaninov com a Orquestra Sinfónica da Rádio Nacional Dinamarquesa (maestro Alexander Vedernikov). Em 2008, desempenhou o papel de Tatiana na Ópera de Cagliari (Itália, maestro Mikhail Yurovsky, diretores Moshe Leizer, Patrice Caurier, produção no Teatro Mariinsky). Em 2003 recebeu o diploma do Concurso Internacional "Novas Vozes" em Gütersloh (Alemanha). Em 2005 ganhou o 3º prémio no Concurso Internacional de Ópera de Shizuoka (Japão). Em 2006 - III prêmio no Concurso Internacional de Vocal. Francisco Viñasa em Barcelona (Espanha), onde também recebeu o prémio especial como “Melhor Intérprete de Música Russa”, o prémio “Amigos da Ópera de Sabadell” e o prémio da Associação Musical de Catânia (Sicília). Em 2009, ela venceu a competição BBC Singer of the World em Cardiff e também recebeu o Triumph Youth Grant.

Teatro Massimo (italiano: Il Teatro Massimo Vittorio Emanuele) é uma casa de ópera em Palermo, Itália. O teatro leva o nome do rei Victor Emmanuel II. Traduzido do italiano, Massimo significa o maior, o maior - o complexo arquitetônico do teatro é o maior entre os edifícios da ópera da Itália e um dos maiores da Europa. Em Palermo, a segunda maior cidade do sul da Itália, há muito se fala sobre a necessidade de uma casa de ópera na cidade. Em 1864, o prefeito de Palermo, Antonio Rudini, anunciou um concurso internacional para a construção de uma grande casa de ópera, que deveria embelezar a aparência da cidade e elevar a imagem da cidade à luz da recente unidade nacional da Itália. Em 1968, como resultado de um concurso, foi selecionado o famoso arquiteto da Sicília, Giovanni Battista Filippo Basile. O local onde se localizavam a igreja e o mosteiro de San Giuliano foi identificado para o novo teatro; foram demolidos, apesar dos protestos das freiras franciscanas. Segundo a lenda, “A Última Abadessa do Mosteiro” ainda vagueia pelos corredores do teatro, e quem não acredita nela sempre tropeça num degrau (“o passo da freira”) ao entrar no teatro. A construção começou com uma cerimônia solene de inauguração em 12 de janeiro de 1875, mas progrediu lentamente, com constante falta de financiamento e escândalos, e foi congelada por oito anos em 1882 e retomada apenas em 1890. Em 1891, o arquiteto Giovanni Basile faleceu antes da abertura de seu projeto; a obra foi continuada por seu filho Ernesto Basile. Em 16 de maio de 1897, 22 anos após o início da construção, o teatro abriu suas portas aos amantes da ópera: a primeira ópera encenada em seu palco foi Falstaff, de Giuseppe Verdi, dirigida por Leopoldo Mugnone. Giovani Basile foi inspirado na antiga arquitetura siciliana e, portanto, o teatro foi construído em estilo neoclássico estrito com elementos de antigos templos gregos. A escadaria monumental que leva ao teatro é decorada com leões de bronze carregando nas costas estátuas de mulheres - as alegóricas "Ópera" e "Tragédia". O edifício é coroado por uma grande cúpula semicircular. Rocco Lentini, Ettore de Maria Begler, Michele Cortegiani, Luigi di Giovanni trabalharam na decoração interior do teatro, desenhado no estilo do Renascimento tardio. Um amplo vestíbulo leva ao auditório; o próprio salão tem a forma de uma ferradura; costumava ter 7 níveis e foi projetado para mais de 3.000 espectadores; agora, com cinco níveis de camarotes e uma galeria, acomoda 1.381 lugares. As primeiras temporadas foram muito bem sucedidas. Graças ao destacado empresário e senador Ignazio Florio, que patrocinou o teatro e procurou fazer de Palermo a capital da ópera, a cidade atraiu muitos convidados, inclusive cabeças coroadas, que visitavam constantemente o teatro. No teatro já se apresentaram renomados maestros e cantores, começando por Enrico Caruso, Giacomo Puccini, Renata Tebaldi e muitos outros. Em 1974, o Teatro Massimo foi fechado para uma restauração completa, mas devido a escândalos de corrupção e instabilidade política, a restauração se arrastou por 23 anos. Em 12 de maio de 1997, quatro dias antes do centenário, o teatro foi reaberto com a apresentação da Segunda Sinfonia de Mahler, mas a restauração ainda não estava totalmente concluída e a primeira produção de ópera ocorreu em 1998 - Aida de Verdi, e a temporada regular de ópera começou em 1999

A Royal Opera House "Covent Garden" é um teatro em Londres, Grã-Bretanha, que serve como palco para apresentações de ópera e balé, palco da Royal London Opera House e do London Royal Ballet. Localizado na área de Covent Garden, de onde recebeu o nome. Inicialmente, Covent Garden incluía várias trupes independentes; junto com apresentações dramáticas, musicais e de balé, foram encenadas apresentações de circo. Em meados do século XVIII, o lugar principal no palco do teatro era ocupado pelas apresentações musicais e, desde 1847, eram encenados exclusivamente óperas e balés. O moderno edifício do teatro é o terceiro localizado neste local. Foi construído em 1858 e passou por uma grande reforma na década de 1990. A Royal Opera House acomoda 2.268 espectadores e consiste em quatro níveis. A largura do proscênio é de 12,2 m, a altura é de 14,8 m.O primeiro teatro no local do parque anteriormente localizado foi construído na virada das décadas de 1720-30. por iniciativa do diretor e empresário John Rich e abriu em 7 de dezembro de 1732 com uma performance baseada na peça de William Congreve “The Way of the World”. o mundo). Antes da apresentação, os atores entraram no teatro em procissão solene, carregando Rich nos braços. Durante quase um século, o Covent Garden Theatre foi um dos dois teatros dramáticos de Londres, já que em 1660, o rei Carlos II permitiu a realização de apresentações dramáticas em apenas dois teatros (o outro era o igualmente famoso Drury Lane Theatre). Em 1734, o primeiro balé, Pigmalião, foi encenado em Covent Garden, com Maria Salle no papel-título, dançando, ao contrário da tradição, sem espartilho. No final de 1734, a ópera começou a ser encenada em Covent Garden - principalmente as obras de George Frideric Handel, que era o diretor musical do teatro: sua primeira ópera, embora fortemente revisada, The Faithful Shepherd (italiano: Il pastor fido) foi encenada primeiro, depois, em janeiro de 1735, uma nova ópera, Ariodante, e outras se seguiram. Em 1743, o oratório “Messias” de Handel foi apresentado aqui, e apresentações subsequentes de oratórios em temas religiosos durante os dias da Grande Quaresma tornou-se uma tradição no teatro. As óperas do compositor Thomas Arn, assim como as óperas de seu filho, foram encenadas aqui pela primeira vez. Em 1808, o primeiro teatro de Covent Garden foi destruído por um incêndio. O novo edifício do teatro foi erguido nos primeiros nove meses de 1809 segundo projeto de Robert Smirk e inaugurado em 18 de setembro com uma produção de Macbeth. A direção do teatro aumentou o preço dos ingressos para recuperar o custo do novo prédio, mas durante dois meses o público interrompeu as apresentações com gritos, palmas e assobios constantes, o que fez com que a direção do teatro fosse forçada a devolver os preços ao nível anterior. Na primeira metade do século XIX, óperas, balés, produções dramáticas com a participação dos destacados trágicos Edmund Kean e Sarah Siddons, pantomima e até palhaçadas se alternavam no palco de Covent Garden (ele se apresentou aqui palhaço famoso José Grimaldi). A situação mudou depois que em 1846, em decorrência do conflito no Her Majesty's Theatre - a ópera de Londres - uma parte significativa de sua trupe, liderada pelo maestro Michael Costa, mudou-se para Covent Garden; O salão foi reconstruído e, em 6 de abril de 1847, o teatro reabriu com o nome de Ópera Real Italiana com uma produção da ópera Semiramide de Rossini. Porém, menos de nove anos depois, em 5 de março de 1856, o teatro pegou fogo pela segunda vez. O terceiro teatro de Covent Garden foi construído em 1857-1858. projetado por Edward Middleton Barry e inaugurado em 15 de maio de 1858 com uma produção da ópera Les Huguenots de Meyerbeer. Durante a Primeira Guerra Mundial, o teatro foi requisitado e usado como armazém. Durante a Segunda Guerra Mundial, o prédio do teatro abrigou um salão de dança. Em 1946, a ópera voltou a Covent Garden: em 20 de fevereiro, o teatro estreou com A Bela Adormecida de Tchaikovsky, numa extravagante produção de Oliver Messel. Ao mesmo tempo, iniciou-se a criação de uma trupe de ópera, da qual o Covent Garden Theatre se tornaria palco: em 14 de janeiro de 1947, a Covent Garden Opera Company (a futura Ópera Real de Londres) apresentou aqui a ópera Carmen de Bizet.

La Scala (italiano: Teatro alla Scala ou La Scala) é uma casa de ópera mundialmente famosa em Milão (Itália). Todas as principais estrelas da ópera dos últimos dois séculos consideraram uma honra se apresentar no La Scala. O teatro La Scala abriga a trupe de ópera, coro, balé e orquestra sinfônica de mesmo nome. Ele também está associado à Academia de Teatro La Scala, que oferece formação profissional em música, dança e encenação. No foyer do teatro existe um museu onde estão expostas pinturas, esculturas, figurinos e outros documentos relativos à história da ópera e do teatro. O edifício do teatro foi construído por ordem da Imperatriz da Áustria Maria Teresa segundo projeto do arquiteto Giuseppe Piermarini em 1776-1778. no local da igreja de Santa Maria della Scala, de onde vem o nome do próprio teatro. A igreja, por sua vez, recebeu o nome em 1381 de sua padroeira - uma representante da família de governantes de Verona chamada Scala (Scaliger) - Beatrice della Scala (Regina della Scala). O teatro foi inaugurado em 3 de agosto de 1778 com a produção da ópera "Europa Reconhecida" de Antonio Salieri. No final do século XVIII - início do século XIX, óperas surgiram no repertório do teatro Compositores italianos P. Anfossi, P. Guglielmi, D. Cimarosa, L. Cherubini, G. Paisiello, S. Maira. O palco do teatro acolheu as estreias das óperas de G. Rossini "The Touchstone" (1812), "Aurelian in Palmyra" (1813), "O Turco na Itália" (1814), "The Thieving Magpie" (1817) e outras (em uma delas Caroline Unger estreou na Itália), bem como as óperas de J. Meyerbeer “Margarita de Anjou” (1820), “Exílio de Granada” (1822) e uma série de obras de Saverio Mercadante. A partir da década de 1830, obras de G. Donizetti, V. Bellini, G. Verdi, G. Puccini apareceram no repertório do teatro: “O Pirata” (1827) e “Norma” (1831) de Bellini, “Lucrezia Borgia” foram aqui encenado pela primeira vez (1833) por Donizetti, Oberto (1839), Nabucco (1842), Othello (1887) e Falstaff (1893) por Verdi, Madama Butterfly (1904) e Turandot por Puccini. Durante a Segunda Guerra Mundial, o teatro foi destruído. Após restauração de sua aparência original pelo engenheiro L. Secchi, o teatro foi reaberto em 1946. O prédio do teatro foi restaurado mais de uma vez. A última restauração durou três anos e custou mais de 61 milhões de euros. A primeira peça musical apresentada no palco reformado em 7 de dezembro de 2004 foi a ópera “Europe Recognized” de Antonio Salieri. O número de assentos é 2030, muito menor do que antes da última restauração; o número de assentos foi reduzido para fins de segurança contra incêndio e maior conforto. Tradicionalmente, a nova temporada no La Scala começa no inverno - 7 de dezembro (o que é incomum em comparação com outros teatros do mundo) no Dia de Santo Ambrósio, padroeiro de Milão, e termina em novembro. E cada apresentação deve terminar antes da meia-noite; se a ópera for muito longa, começa cedo.

A Sydney Opera House é um dos edifícios mais famosos e facilmente reconhecíveis do mundo, um símbolo da maior cidade da Austrália, Sydney, e uma das principais atrações da Austrália - As conchas em forma de vela que formam o telhado tornam este edifício diferente de qualquer outro em o mundo. A Opera House é reconhecida como um dos edifícios mais destacados da arquitetura moderna e, juntamente com a Harbour Bridge, é a marca registrada de Sydney desde 1973. A Sydney Opera House foi inaugurada em 20 de outubro de 1973 pela Rainha Elizabeth II da Inglaterra. A Sydney Opera House está localizada no porto de Sydney, em Bennelong Point. Este local recebeu o nome de um aborígene australiano, amigo do primeiro governador da colônia. É difícil imaginar Sydney sem a Opera House, mas até 1958 havia uma estação regular de bonde em seu lugar (antes do prédio da ópera havia um forte e depois uma estação de bonde). O arquiteto da Opera House é o dinamarquês Jorn Utzon. Apesar do sucesso do conceito de cascas esféricas, que resolveu todos os problemas construtivos, sendo adequado para produção em massa, fabricação de precisão e facilidade de instalação, a construção foi atrasada, principalmente devido à decoração interior das instalações. A construção da Ópera foi planejada para durar 4 anos e custou AUD 7 milhões. Em vez disso, a ópera levou 14 anos para ser construída e custou US$ 102 milhões! A Sydney Opera House é um edifício expressionista com design radical e inovador. O edifício cobre uma área de 2,2 hectares. Sua altura é de 185 metros e sua largura máxima é de 120 metros. O edifício pesa 161 mil toneladas e repousa sobre 580 estacas, mergulhadas na água a uma profundidade de quase 25 metros do nível do mar. Seu fornecimento de energia equivale ao consumo de eletricidade de uma cidade com população de 25 mil habitantes. A eletricidade é distribuída por 645 quilômetros de cabos. A cobertura da ópera é composta por 2.194 seções pré-fabricadas, sua altura é de 67 metros e seu peso é superior a 27 toneladas, toda a estrutura é sustentada por cabos de aço com 350 quilômetros de extensão. A cobertura do teatro é formada por uma série de "conchas" feitas de uma esfera de concreto inexistente de 492 pés de diâmetro, comumente chamadas de "conchas" ou "velas", embora esta não seja a definição arquitetônica de tal estrutura. Essas cascas são criadas a partir de painéis de concreto pré-fabricados em forma de triângulo, sustentados por 32 nervuras pré-moldadas do mesmo material. Todas as nervuras fazem parte de um grande círculo, o que permitiu que os contornos das coberturas tivessem a mesma forma e que todo o edifício tivesse um aspecto completo e harmonioso. Toda a cobertura é revestida com 1.056.006 azulejos nas cores branco e creme fosco. Embora à distância a estrutura pareça ser inteiramente feita de azulejos brancos, sob diferentes condições de iluminação os azulejos criam diferentes esquemas de cores. Graças a método mecânico no assentamento das telhas, toda a superfície do telhado ficou perfeitamente lisa, o que era impossível com o revestimento manual. Todas as telhas foram fabricadas pela fábrica sueca Höganäs AB com tecnologia autolimpante, mas apesar disso, algumas telhas são limpas e substituídas regularmente. As duas maiores abóbadas formam o teto da Sala de Concertos e do Teatro da Ópera. Nas restantes salas, os tectos formam grupos de abóbadas mais pequenas. A estrutura escalonada da cobertura era muito bonita, mas criava problemas de altura no interior do edifício, pois a altura resultante não proporcionava acústica adequada nos corredores. Para resolver este problema, foram feitos tetos separados para refletir o som. Na menor concha ao lado da entrada principal e da grande escadaria fica o restaurante Bennelong. O interior do edifício é decorado com granito rosa trazido da região de Tarana (Nova Gales do Sul), madeira e compensado. Por este projeto, Utzon recebeu o Prêmio Pritzker, a maior homenagem da arquitetura, em 2003. O prémio foi acompanhado das palavras: "Não há dúvida de que a Sydney Opera House é a sua obra-prima. É um dos grandes edifícios icónicos do século XX, uma imagem de extraordinária beleza que se tornou famosa em todo o mundo - um símbolo não só da cidade, mas de todo o país e continente” A Sydney Opera House abriga quatro das principais companhias artísticas da Austrália - Australian Opera, Australian Ballet, Sydney Theatre Company e Sydney Symphony Orchestra - e muitas outras companhias e teatros estão sediados na Sydney Opera House. O teatro é um dos centros de artes cênicas mais movimentados da cidade, recebendo aproximadamente 1.500 apresentações anualmente, com público total de mais de 1,2 milhão de pessoas. É também uma das atrações mais populares da Austrália, com mais de sete milhões de turistas visitando-a todos os anos. O edifício da Opera House tem três salas principais de espetáculos: - A Sala de Concertos, com 2.679 lugares, é a sede da Orquestra Sinfônica de Sydney e contém o maior órgão mecânico em funcionamento do mundo, com mais de 10.000 tubos. - A Opera House, com 1.507 lugares, abriga a Sydney Opera House e o Australian Ballet. - Drama Theatre, 544 lugares, usado por Sydney companhia de teatro e outros grupos de dança e teatro. Além dessas três salas, a Sydney Opera House contém várias salas e estúdios menores.

Teatro Estatal de Ópera e Balé de Bashkir O Teatro Estatal de Ópera e Balé de Bashkir (Ufa, República da Bashkiria, Rússia) foi inaugurado em 1938. Em 14 de dezembro de 1938, ocorreu a estreia da ópera de Giovanni Paisiello “A Bela Esposa do Miller” (em Bashkir). O Bashkir Opera Studio foi criado em 1932 por iniciativa do cantor, compositor e figura pública G. Almukhametov com o objetivo de formar o pessoal artístico e compositor nacional da república. Durante os primeiros dois anos, o Teatro de Ópera Bashkir fez 13 estreias e mais de meio milhão de espectadores visitaram o teatro. O cartaz incluía obras de clássicos russos e estrangeiros, óperas de compositores soviéticos: “O Casamento Secreto” de Cimarosa, “Fausto” de Gounod, “Rigoletto” de Verdi, “Eugene Onegin” de Tchaikovsky, “Arshin Mal Alan” do fundador da escola nacional de composição do Azerbaijão U. Hajibekov, óperas “Er Targyn” do compositor cazaque E. Brusilovsky e “Kachkyn” do compositor tártaro N. Zhiganov e outros. Em 8 de fevereiro de 1940, aconteceu no palco do teatro a estreia da primeira ópera Bashkir, “Khak-mar” de M. Valeev, e alguns meses depois, em dezembro, a ópera “Mergen” de A. Eikhenwald foi encenado. Nos primeiros anos, a trupe de balé do teatro incluía graduados do departamento Bashkir da Escola Coreográfica de Leningrado, do departamento de balé da Escola de Teatro Bashkir e um grupo de dançarinos de conjunto dança folclórica. Entre os primeiros graduados da famosa Escola Vaganova estão Z. Nasretdinova, Kh. Safiullin, T. Khudayberdina, F. Sattarov, F. Yusupov, G. Khafizova, R. Derbisheva. A primeira produção de balé do teatro, “Coppelia” de L. Delibes, aconteceu em 1940. Durante a Grande Guerra Patriótica, o Teatro Estatal de Ópera e Ballet de Kiev foi evacuado para Ufa. T. Shevchenko, que teve grande influência no processo de formação da ópera Bashkir. A trupe que veio para Ufa incluía o famoso maestro de ópera V. Jorish, os diretores N. Smolich e seu filho D. Smolich, os cantores famosos M. Litvinenko-Wolgemut, I. Patorzhinsky, Z. Gaidai, K. Laptev, A. Ivanov, jovem L. Rudenko, I. Maslennikova. Em março de 1944, ocorreu a estreia do primeiro balé Bashkir “Crane Song”, de L. Stepanov e Z. Ismagilov. Após a guerra, G. Khabibullin tornou-se o diretor artístico e diretor do teatro; as apresentações foram conduzidas por Kh. Faizullin, L. Insarov, Kh. Khamatov. Os artistas G. Imasheva e M. Arslanov trabalharam aqui. Toda uma galáxia de artistas talentosos cresceu no teatro. Junto com os cantores da geração mais velha - G. Khabibullin, B. Valeeva, M. Khismatullin, M. Saligaskarova, os artistas mais jovens também se apresentaram com sucesso: Kh. Mazitov, Z. Makhmutov, N. Abdeev, N. Byzina, I. Ivashkov, S. Galimova, N. Allayarova e outros. O caminho do balé Bashkir está intimamente ligado aos nomes de Z. Nasretdinova, T. Khudaiberdina, G. Suleymanova, F. Nafikova, M. Tagirova, Kh. Safiullina, F. Sattarov. O nome do notável dançarino do século 20, Rudolf Nureyev, está intimamente ligado à história da Ópera Estatal de Bashkir e do Teatro de Balé. Durante quatro anos estudou no estúdio de balé do teatro (professores Zaytuna Bakhtiyarova e Khalyaf Safiullin). Em 1953, Nureyev foi aceito na trupe de balé do teatro. Foi neste palco que deu os primeiros passos rumo à carreira mundial de balé. No papel de Dzhigit no balé “The Crane Song”, Rudolf Nureyev atraiu a atenção de especialistas durante a famosa Década da Arte Bashkir em Moscou em 1955 e foi convidado a estudar na Escola Coreográfica de Leningrado. Desde 1991, os festivais de ópera “Chaliapin Evenings in Ufa” são realizados anualmente em Ufa, com a participação de estrelas da ópera Teatros russos e estrangeiros. A ideia do festival está ligada à estreia operística de Fyodor Chaliapin em Ufa em 18 de dezembro de 1890 (o papel de Stolnik na ópera “Galka” de Moniuszko). Durante o festival, Artistas Populares da URSS Irina Arkhipova, Vladislav Piavko e Maria Bieshu, artistas da Letônia, Geórgia, Alemanha, solistas dos Teatros Bolshoi e Mariinsky, bem como teatros musicais de Saratov, Samara, Perm e outras cidades se apresentaram em o palco do Bashkir State Opera and Ballet Theatre Russia. Em dezembro de 2001, foi realizado o festival do décimo aniversário. Abriu com a estreia de La Traviata de Verdi em italiano. Desde março de 1993, festivais de balé com o nome de Rudolf Nureyev são realizados. O primeiro festival foi organizado por proposta do presidente honorário do comitê de dança do Instituto Internacional de Teatro da UNESCO, membro da Academia de Dança de Paris, Herói do Trabalho Socialista, artista do povo URSS e República da Bielorrússia Yuri Grigorovich e aconteceu com a participação de sua trupe “Grigorovich Ballet”. Em 1993, para o 55º aniversário do Teatro Estatal de Ópera e Ballet de Bashkir, foi inaugurado um museu de teatro. Situa-se em duas salas do primeiro andar do teatro, à esquerda da escadaria central. Aqui estão adereços e pertences pessoais de artistas famosos, prêmios do grupo, esboços de cenários e figurinos teatrais, fotografias e cartazes de performances dos anos 30-70. O orgulho do museu é o salão Hermitage, localizado no segundo andar. Desde 2008, existe uma exposição de pertences pessoais de Rudolf Nureyev. 156 artefatos da vida e obra do brilhante dançarino do século 20 - um presente para o teatro de Fundo Internacional em homenagem a R. Nureyev (Grã-Bretanha). Em 2004, a ópera “Kakhym-turya” de Zagir Ismagilov foi laureada com o Prêmio Nacional de Teatro “Máscara de Ouro” na categoria “Melhor Trabalho de Maestro”. Em 2006, a peça “A Flauta Mágica” de W.-A. Mozart, dirigida por W. Schwarz, foi indicada em três categorias. “Máscara de Ouro” - “Por apoiar o nacional artes teatrais" - apresentado ao Presidente da República do Bashkortostan M.G. Rakhimov. Em 2007, a ópera Un ballo in maschera de Giuseppe Verdi foi indicada ao prêmio em cinco categorias. Em 2008, a Artista do Povo da URSS Zaituna Nasretdinova recebeu o Prêmio Máscara de Ouro na indicação “Pela Honra e Dignidade”. Pela sua notável contribuição para realizações culturais, o Conselho do Centro Biográfico Internacional (Cambridge, Reino Unido) concedeu a Zaytuna Nasretdinova o título honorário de “Profissional Internacional”. Em 2007 Conselho Editorial e o conselho criativo da revista "Ballet" recebeu o prêmio "Soul of Dance" na indicação "Master of Dance". Em 2008, o prêmio “Soul of Dance” na indicação “Knight of Dance” foi concedido ao Artista Homenageado da Rússia, Artista do Povo de Bashkortostan Shamil Teregulov. Em 2006, o teatro recebeu o Prêmio do Governo Russo em homenagem a F. Volkov na categoria “Melhor Equipe Criativa”. Foi premiado no VII Festival Internacional Volkov de Yaroslavl, que abriu com o balé “Arkaim” de L. Ismagilova. Em 2008, a orquestra sinfônica realizou uma turnê com sucesso pela Coreia do Sul e recebeu um grande prêmio - uma cópia da Coroa do Primeiro Imperador Coreano. Em 2009 foi inaugurado o Pequeno Salão do teatro. Novas apresentações já acontecem no novo local: “Elisir of Love” de G. Donizetti, “Bacchanalia” de C. Saint-Saëns, “Walpurgis Night” de C. Gounod, “The Birthday of Leopold the Cat” de B .Savelyev. Os princípios criativos que se formaram ao longo de sete décadas vivem e se desenvolvem. Respeito pelas tradições deixadas pelas gerações anteriores, experiência, melhoria constante de competências, reforço do profissionalismo. A chave para o sucesso do teatro são equipes criativas altamente profissionais. Os artistas do BGTOiB são laureados, vencedores de diplomas de competições republicanas, russas e internacionais, detentores de prêmios estaduais e republicanos. Os mestres de palco receberam títulos honorários, incluindo 1 Artista do Povo da Federação Russa, 7 - Artistas Homenageados da Federação Russa, 4 - Artistas Homenageados da Federação Russa, 15 - Artistas do Povo da República da Bielorrússia, 50 - Artistas Homenageados do República da Bielorrússia, 4 - Artistas Homenageados da República da Bielorrússia. Como antes, a equipa está focada em encenar os melhores exemplares de clássicos estrangeiros e nacionais, em cuja encenação os encenadores e intérpretes conseguem alcançar a verdadeira mestria.

O Grand Théâtre de Bordeaux (Grand Théâtre de Bordeaux, França) foi inaugurado em 17 de abril de 1780 com a estreia de Afalia de Racine. O prédio do teatro foi construído na Comedy Square. Foi neste teatro que o jovem Marius Petipa encenou alguns dos seus primeiros balés. O teatro foi construído segundo projeto do arquiteto Victor Louis (1731-1800), vencedor do famoso Grande Prêmio de Roma. Louis também projetou as galerias que cercam os jardins do Palais Royal e do teatro Comedie-Française em Paris. A construção do edifício do Grande Teatro de Bordéus com sala para 1000 lugares ocorreu de 1773 a 1780. O Grande Teatro de Bordéus foi concebido como um templo de arte e de luz, com uma fachada neoclássica dotada de um pórtico de 12 colossais colunas de estilo coríntio que sustentam um entablamento sobre o qual se erguem 12 estátuas representando nove musas e três deusas (Juno, Vénus e Minerva). ). A altura do edifício é de 88 metros. Em 1871, o teatro foi brevemente a sede do Parlamento francês. O interior do teatro foi restaurado em 1991, o auditório foi amplamente remodelado, as cores originais do seu interior são o azul, o branco e o dourado. As fachadas do edifício foram restauradas e equipadas com iluminação. Hoje o teatro abriga a Ópera Nacional de Bordéus e também o Balé Nacional de Bordéus. Também acolhe frequentemente concertos sinfónicos executados por Orquestra Nacional Bordéus e Aquitânia. O Grande Teatro de Bordeaux é considerado um dos mais belos teatros franceses.

O Centro Nacional de Artes Cênicas (Grande Teatro Nacional em chinês), chamado de "Ovo", é uma moderna casa de ópera em Pequim, China. Considerada uma das maravilhas modernas do mundo, tem formato elipsoidal, feita de vidro e titânio e totalmente cercada por um lago artificial. Construído em 2007. O Centro Nacional de Artes Cênicas está localizado em Pequim, próximo (um pouco a oeste) da Praça Tiananmen (a praça principal de Pequim e a maior do mundo) e do Grande Salão do Povo (parlamento chinês) e não muito longe de a Cidade Proibida (complexo palaciano histórico). Projetado pelo arquiteto francês Paul Andre e com a intenção de parecer um ovo flutuando na água ou uma gota d’água, esse projeto futurista causou muita polêmica na época por sua construção no centro histórico de Pequim. Na verdade, a aparência icónica e facilmente reconhecível do Centro Nacional de Artes Cénicas proporciona um nítido contraste com o seu entorno, tornando-o muito atraente. A construção do Centro começou em dezembro de 2001 e foi inaugurado em dezembro de 2007. Este mais novo teatro milagroso foi inaugurado com a ópera histórica russa “Príncipe Igor” de A.P. Borodin, interpretada pela orquestra, coro e solistas do Teatro Mariinsky sob a direção de Valery Gergiev. Conjunto arquitetônico inclui o edifício principal, corredores subterrâneos e subaquáticos, estacionamento subterrâneo, lago artificial e espaços verdes. A cúpula principal se estende de leste a oeste e tem 212 metros de comprimento, 144 metros de largura e 46 metros de altura. É feito de mais de 18.000 placas de titânio e mais de 1.200 folhas de vidro transparente, criando um efeito visual vibrante. A parte subterrânea do Centro chega a 32,5 metros de profundidade (como um prédio de 10 andares) e é a mais profunda de Pequim. A área total do complexo é de 118.900 m2, a área de construção é de 219.400 m2. O centro está totalmente rodeado por um lago artificial e todas as entradas são apenas subterrâneas; o uso de tecnologias modernas torna o lago livre de gelo e limpo (sem algas) durante todo o ano. Há uma praça verde ao redor do lago, onde as pessoas podem relaxar com tranquilidade do barulho da cidade. No interior do edifício existem três salas principais - ópera, concerto e teatro, ligadas por corredores aéreos, o Centro Nacional alberga também uma galeria, sala de exposições, salas de conferências, biblioteca, café e outras instalações. A sala de ópera com 2.416 lugares é a mais bonita, projetada para casas de ópera, apresentações de balé e shows de dança, tem cor predominantemente dourada. Suas paredes permitem utilizá-las como decoração para mergulhar em um ambiente criativo. A sala de concertos tem capacidade para 2017 lugares para concertos clássicos da orquestra sinfónica e chinesa música nacional, tem um elegante tom prateado. A sala de montagem abriga o maior órgão da Ásia, com 6.500 tubos. A sala de teatro com 1.040 lugares, sem fosso de orquestra, foi construída no estilo tradicional chinês e destina-se principalmente a dramas folclóricos e produções musicais. Todas as salas foram cuidadosamente projetadas para integrar perfeitamente arquitetura e acústica.

O Teatro de Ópera e Ballet de Novosibirsk (Teatro Acadêmico de Ópera e Ballet do Estado de Novosibirsk, NGATOiB) é o maior teatro da Sibéria e tem o status de Instituição Cultural do Estado Federal. Número de lugares (grande salão) - 1.762 lugares. O edifício do Teatro Novosibirsk é considerado o maior edifício teatral da Rússia e, após a reconstrução em 2005, é também o mais equipado de forma moderna. O grande salão do teatro pode acomodar 1.774 espectadores. O projeto deste edifício (de acordo com o projeto original do artista do Teatro Bolshoi da URSS M.I. Kurilko, do arquiteto-artista T.Ya. Bardt, do arquiteto A.Z. Grinberg) começou em 1928, a construção - em 1931. Inicialmente, o teatro foi concebido em estilo construtivista, mas com uma mudança nas diretrizes estilísticas em 1933-35, o projeto foi radicalmente redesenhado e os construtores do teatro foram reprimidos em 1937. O projeto final do teatro foi desenvolvido sob a liderança de V.S. Birkenberg e o engenheiro de design L.M. Gokhman. O projeto do edifício foi premiado com Medalha de Ouro Feira mundial em Paris (1937). Durante os anos de guerra, o edifício inacabado do teatro foi usado como local de produção e depósito para objetos de valor do museu evacuados. A inauguração do teatro ocorreu em 12 de maio de 1945 com a ópera “Ivan Susanin” de M. Glinka. Em 30 de dezembro de 1963, o teatro recebeu status acadêmico (o primeiro teatro acadêmico da província russa). Ao longo de mais de 50 anos de existência, o teatro já apresentou mais de 350 apresentações de ópera e balé. O teatro é múltiplo vencedor do festival Máscara de Ouro, participou em festivais em Macau (1996, 1999), Santander (Espanha, 1995), Bangkok (Tailândia, 2000, 2004), Sintra (Portugal, 1992, 1993, 1994, 1995). , 1996, 1997, 1999) e outras cidades ao redor do mundo.

Teatro San Carlo (Real Teatro di San Carlo) é uma casa de ópera em Nápoles, Itália. Uma das casas de ópera em funcionamento mais antigas do mundo. Uma das maiores casas de ópera do mundo. É um Patrimônio Mundial da UNESCO. O Teatro San Carlo foi construído por ordem do rei de Nápoles, Carlos VII (na Espanha, Carlos III) do ramo espanhol da dinastia Bourbon, que queria dotar Nápoles de um teatro novo e maior para substituir o antiquado Teatro San Bartolomeo construído em 1621. San Carlo foi projetado pelos arquitetos Giovanni Antonio Medrano e Angelo Carasale e foi inaugurado em 4 de novembro de 1737 (41 anos mais velho que o La Scala de Milão e 51 anos mais velho que o La Fenice de Veneza). O interior do novo teatro era em azul e dourado (cores oficiais dos Bourbons) e admirava sua arquitetura; o auditório tinha cinco níveis e um grande camarote real. A primeira ópera encenada no palco de San Carlo foi "Aquiles on Skyros" de Domenico Sarro, baseada na peça poeta famoso e o dramaturgo Pietro Metastasio. Em 12 de fevereiro de 1816, o Teatro San Carlo foi destruído por um incêndio, porém, foi rapidamente, em nove meses, reconstruído segundo projeto do arquiteto Antonio Nicolini, e menos de um ano depois, em 12 de janeiro de 1817, o A inauguração do novo San Carlo aconteceu com a estreia da ópera Johann Simon Mayr "O Sonho de Partenope". Na inauguração esteve presente o famoso escritor francês Stendhal, que expressou a sua impressão do teatro: “Não há nada na Europa comparável a este teatro, nada pode dar a menor ideia do que é... deslumbra os olhos, encanta a alma..." Durante a sua história, o Teatro San Carlo perdeu apenas uma temporada completa em 1874/75, todas as outras inúmeras reparações e reconstruções que foram feitas planeadas ou não, como em 1816 devido a um incêndio, ou em 1943 durante a Segunda Guerra Mundial, quando o o teatro sofreu com bombardeios, ou em 1969, quando parte da fachada desabou por causa de um raio, eles foram executados rapidamente e o teatro não perdeu uma temporada. Etapas importantes na reconstrução do teatro foram em 1844, quando o interior foi alterado e as cores principais passaram a ser vermelho e dourado, em 1890, quando entrou em funcionamento o fosso da orquestra, e nas seguintes, quando o teatro foi eletrificado e um novo ala foi adicionada ao edifício. Na história recente, o teatro está em constante atualização, últimos trabalhos realizadas em 2007 e 2008; durante as últimas restaurações, todos os assentos foram totalmente substituídos, o sistema de ar condicionado foi instalado e todos os relevos decorativos foram dourados. Número de assentos - 3.285. Nos séculos XVII e XVIII, a escola operística de compositores neopolitanas obteve grande sucesso em toda a Europa, tanto no domínio da ópera buffa como da ópera séria. Os representantes desta escola foram os compositores Francesco Feo (1691-1761), Nicola Porpora (1686-1768), Tommaso Traetta (1727-1779), Niccolò Piccinni (1728-1800), Leonardo da Vinci (outro) (1690-1730), Pasquale Anfossi (1727-1797), Francesco Durante (1684-1755), Niccolò Yomelli (1714-1774), Domenico Cimarosa (1749-1801), Giovanni Paisiello (1741-1816), Nicolo Zingarelli (1752-1837), Giuseppe Gazzaniga (1743-1818) e muitos outros. Nea Pol foi uma das capitais Música europeia e alguns compositores estrangeiros vieram especialmente para estrear suas obras em San Carlo, entre eles Johann Adolf Hasse (que mais tarde permaneceu para morar em Nápoles), José Haydn, Johann Christian Bach, Christoph Willibald Gluck. De 1815 a 1822, o diretor musical e artístico das casas reais de ópera, incluindo San Carlo, foi Gioachino Rossini. Aqui estreou dez de suas óperas: “Isabel, Rainha da Inglaterra” (1815), “O Jornal”, “Otelo” (1816), “Armida”, (1817) “Moisés no Egito”, “Ricciardo e Zoraida” ( 1818), "Hermione", "Bianca e Faliero", "Edward e Christina", "Donzela do Lago" (1819), "Mahomet o Segundo" (1820) e "Zelmira" (1822). Em Nápoles, Rossini conheceu sua futura esposa, a cantora do Teatro San Carlo Isabella Colbran. Toda uma galáxia de cantores famosos trabalhou (ou se apresentou regularmente) no teatro, entre eles Manuel Garcia, ele próprio um famoso cantor e professor, é pai de duas sopranos lendárias da sua época - Maria Malibran e Pauline Viardot. Outros cantores famosos foram Clorinda Corradi, Maria Malibran, Giudita Pasta, Giovanni Batista Rubini e dois grandes franceses - Adolphe Nourri e Gilbert Dupre. Depois de Rossini, Gaetano Donizetti, outra estrela da ópera italiana, tornou-se o diretor artístico das casas reais de ópera. Donizetti permaneceu nesta posição de 1822 a 1838 e escreveu dezesseis óperas, incluindo Mary Stuart (1834), Roberto Devereux (1837), Polyeuctus (1838) e a famosa Lucia di Lammermoor (1835). Vincenzo Bellini estreou "Bianca e Fernando" em San Carlo, Giuseppe Verdi apresentou "Alzira" (1845) e "Louise Miller" (1849) aqui, a estreia de sua terceira ópera "Gustav III" foi proibida pelos censores (e nunca foi lançada na forma original, mais tarde uma versão revisada foi apresentada em Roma sob o título "Un ballo in masquerade"). No século XX, compositores e maestros como Giacomo Puccini, Pietro Mascagni, Ruggero Leoncavallo, Umberto Giordano, Francesco Cilea trabalharam e encenaram suas óperas no teatro.

Novo Teatro de Ópera de Moscou em homenagem. E.V. Kolobov foi criado em 1991 por iniciativa do diretor artístico do teatro, Evgeny Kolobov (1946-2003) e do prefeito de Moscou, Yuri Luzhkov, e logo ganhou fama como um dos melhores grupos de ópera da Rússia. Em 1991, o maestro titular do MAMT em homenagem a Stanislavsky e Nemirovich Danchenko, Evgeny Kolobov, deixou o teatro por divergências criativas, levando consigo parte da trupe e toda a orquestra. Kolobov encontra o apoio do prefeito de Moscou, Yuri Luzhkov, e funda o Novo Teatro de Ópera, do qual se torna o maestro-chefe e diretor artístico. A esposa de Kolobov, Natalya Popovich, é nomeada para o cargo de maestro-chefe do coro. No início, o teatro não tinha instalações próprias, surgiram concertos de óperas e divertissements fantasiados (“Rossini”). Em 1997, a Nova Ópera adquiriu um edifício no jardim do Hermitage. O novo edifício do teatro é uma sala com 660 lugares, equipada com modernos equipamentos de iluminação e mecânica de palco, que permitem encenar espetáculos com efeitos cênicos complexos. O teatro possui estúdios próprios de áudio e vídeo. Baseando-se em partituras de óperas desconhecidas na Rússia, Kolobov apresenta ao público moscovita as óperas “Os Dois Foscari” (Verdi), “Mary Stuart” (Donizetti), “Valli” (Catalani), suas edições das óperas “Eugene Onegin” de Tchaikovsky, “La Traviata” de Verdi. Em 2000, na estreia da ópera Rigoletto, o papel principal foi interpretado por Dmitry Hvorostovsky. Em 2003, devido à morte do fundador, o teatro começou a enfrentar uma crise. A peça “Os Pescadores de Pérolas”, de Bizet, é vista de forma crítica e “A Noiva do Czar” é vista de forma negativa. Em 2005, a direção artística do teatro convidou os diretores alemães Yossi Willer e Sergio Morabito (diretor musical e regente da produção Felix Korobov) para encenar a ópera Norma de Bellini. A ópera despertou admiração entre os moscovitas. E pelo difícil papel de soprano, Tatyana Pechnikova recebeu o prêmio Máscara de Ouro. Em março de 2006, o principal maestro do teatro tornou-se o Artista do Povo da URSS Eri Klas, que introduziu no repertório performances com tons cômicos ("A Flauta Mágica" de Mozart, "Elisir do Amor" de Donizetti, "O Barbeiro de Sevilha " de Rossini, "Gianni Schicchi" de Puccini, "Die Fledermaus" "Strauss). Em 2008, a ópera Lohengrin de Wagner foi encenada no teatro pelo diretor Kasper Holten, regida pelo brilhante maestro Jan Latham-Koenig (Grã-Bretanha), que se tornou o maestro convidado permanente do teatro. Na primavera de 2009, a estreia da opereta “Die Fledermaus” causou insatisfação do público devido à tradução livre dos diálogos, mas as críticas à música foram positivas. Recentemente, o teatro começou a oferecer concertos de óperas frequentemente executadas, mas atualmente não reclamadas na Rússia: “Trouvador”, “Príncipe Igor”, “A Donzela de Orleans”, etc. Desde 2005, todo mês de janeiro, o teatro acolhe o Festival Internacional “Semana da Epifania” na Novaya Opera", dedicada ao fundador do teatro Evgeny Kolobov, que nasceu em 19 de janeiro, Epifania. Desde 2006, o teatro leva o nome do seu fundador. Nome completo do teatro: Moscow Novaya Opera Theatre em homenagem. E.V. Kolobova. O repertório do teatro inclui obras-primas de clássicos da ópera; obras operísticas até então desconhecidas na Rússia (“Hamlet” de A. Thom, “Mary Stuart” de Gaetano Donizetti, “Valli” de A. Catalani); performances baseadas em edições musicais originais de E.V. Kolobova (“Oh Mozart!” Mozart, “Ruslan e Lyudmila” de M. I. Glinka, “La Traviata” de G. Verdi, “Eugene Onegin” de P. I. Tchaikovsky). O teatro possui as primeiras produções russas das óperas “Mary Stuart” de G. Donizetti, “Valli” de A. Catalani, “The Two Foscari” de G. Verdi, “Boris Godunov” de Mussorgsky (na edição do primeiro autor) , “Hamlet” de A. Thom. Um novo gênero teatral também foi criado - um retrato criativo único de compositores e músicos famosos (“Maria Callas”, “Viva Verdi!”, “Viva Puccini!”, “ Vincenzo Bellini ", "Richard Wagner", "Rossini", "Bravíssimo!"). No total, o repertório do Novaya Opera Theatre inclui mais de 70 obras dos gêneros ópera e concerto. Todo mês de janeiro, o teatro realiza o festival internacional “Semana da Epifania na Nova Ópera”, do qual participam destacados mestres da cultura musical. Os solistas da Nova Ópera - Artistas Populares da Rússia Yulia Abakumovskaya, Emma Sarkisyan, Artistas Homenageados da Rússia Marat Gareev, Marina Zhukova, Elena Svechnikova, Margarita Nekrasova - receberam títulos honorários por seus anos de trabalho no teatro. Jovens solistas de ópera com compromissos permanentes no teatro são laureados em concursos vocais internacionais e vencedores de prestigiados prémios teatrais como “Máscara de Ouro”, “Casta Diva”, “Triunfo”. Muitos dos solistas do teatro podem ser considerados entre as melhores vozes da Rússia - Tatyana Pechnikova, Elena Popovskaya, Tatyana Smirnova, Elvira Khokhlova, Margarita Nekrasova, Irina Romishevskaya, Alexander Bogdanov, Roman Shulakov, Andrzej Beletsky, Vitaly Bily, Andrey Breus, Vasily Ladyuk, Oleg Didenko, Vladimir Kudashev e outros; muitos deles também estão envolvidos no Teatro Bolshoi da Rússia, na Ópera Metropolitana, na Arena di Verona, etc. O papel especial atribuído à orquestra está associado à variedade de interesses criativos dos maestros que trabalham no teatro - o maestro titular de o teatro, Artista do Povo da URSS Eri Klas, Artista do Povo da Rússia Anatoly Gus, Artistas Homenageados da Rússia Evgeny Samoilov e Sergey Lysenko, Dmitry Volosnikov, Felix Korobov, Valery Kritskov, Nikolai Sokolov. Além de participar de apresentações de ópera, a orquestra se apresenta nas melhores salas de concerto da Rússia com programas sinfônicos: no Grande Salão do Conservatório de Moscou, na Sala de Concertos. P. I. Tchaikovsky, no salão da Filarmônica de São Petersburgo. O repertório de concertos da orquestra é variado: sinfonias de P. I. Tchaikovsky, D. D. Shostakovich, S. V. Rachmaninov, L. van Beethoven, W. A. ​​​​Mozart, obras de I. F. Stravinsky, P. Hindemith, A. Honegger, F. Chopin, E. Lalo, concerto programas com a participação de solistas de teatro, corais e músicos convidados. Em digressões independentes, a orquestra visitou Espanha (as cidades de Saragoça, Barcelona, ​​​​Corunha, São Sebastião, 1992), Portugal (Porto, 1992) e Alemanha (Karlsruhe, 2006). Juntamente com o Ballet Imperial Russo, a orquestra visitou a Turquia (Istambul, 2000), Finlândia (Festival Anual de Ballet Mikkel, 2000-2006), Tailândia (Bangkok, 2005). Em 2001, a orquestra participou das apresentações de "Don Giovanni" de V. A. Mozart e “Salomé” de R. Strauss no Festival de Ópera de Savonlinna, na Finlândia. O coral do teatro é participante constante em todas as apresentações, um grupo de profissionais com ideias semelhantes. Seguindo a estética do teatro, o coro está envolvido em todos os níveis da produção. Grande importância na formação profissional de um coro é atribuída à execução de programas de concertos de obras de clássicos corais russos e estrangeiros, obras sacras, grandes formas de cantata-oratório, como “João de Damasco” de S. I. Taneyev, “Requiem” de G. Verdi, “Primavera” e “Três Canções Russas” de S. V. Rachmaninov, “Requiem” de V. A. Mozart, “Danças Polovtsianas” de A. P. Borodin, “Alexander Nevsky” de S. S. Prokofiev, “Moscou” de P. I. Tchaikovsky, “Carmina Burana ”Por C. Orff. A Novaya Opera é caracterizada por uma abordagem moderna de cenografia e direção. O teatro colabora com mestres famosos no campo da arte teatral para criar performances de diferentes direções e estilos: são os diretores - Stanislav Mitin, Sergey Artsibashev, V. Vasiliev [quem?], Valery Belyakovich, Mikhail Efremov, Alla Sigalova, Roman Viktyuk , Yuri Grymov, Andreys Žagars, Yuri Alexandrov, Achim Freier, Yossi Wheeler e Sergio Morabito, Ralf Lyangbaka, K. Heiskanen, Kasper Holten, Elijah Moshinsky, Gennady Shaposhnikov; artistas - Sergey Barkhin, Alla Kozhenkova, Eduard Kochergin, Ernst Heydebrecht, Victor Gerasimenko, Maria Danilova, Eleonora Maklakova, Marina Azizyan, V. Okunev, S. Pastukh, A. Freier, A. Fibrok, A. Freybergs, S. Aarfing, E. Tilby. Grandes mestres da cultura musical trabalham com a equipe da Nova Ópera: os maestros Yuri Temirkanov, Eri Klas, Gintaras Rinkevičius, Daniel Lipton; os instrumentistas Eliso Virsaladze e Nikolai Petrov, Tatyana Sergeeva (piano), Natalya Gutman (violoncelo), o jazzista finlandês Antti Sarpila (clarinete, saxofone); os cantores de ópera Jose Cura, Placido Domingo, Mario Frangulis, Dmitry Hvorostovsky (cerca de 10 apresentações conjuntas), Franz Grundheber, Paata Burchuladze, Ferruccio Furlanetto, Deborah Myers, Lyubov Kazarnovskaya e Anastasia Volochkova; O compositor grego Mikis Theodorakis, bem como solistas da companhia de ópera afro-americana de Nova York, Ebony Opera. Novo mapa da turnê de ópera: Grécia (encerramento do festival anual de música no Odeon de Herodes Atticus em Atenas com os concertos de aniversário de Mikis Theodorakis em 2005), Chipre (há vários anos o teatro participa em festivais de ópera juntamente com Mario Frangoulis e Deborah Myers, e também participou num concerto triunfal dedicado à chegada do notável compositor grego Mikis Theodorakis a Chipre em 2005. ), Itália (Festival Musicale Umbra em Perugia), França (Teatro Champs-Élysées, Paris), Alemanha (Reithalle Hall, Munique), Israel (Rishon LeZion), Finlândia (Festival de Ópera de Savonlinna, Sala de Concertos Kuopio, festival anual de balé em Mikkeli ), EUA (14 apresentações de “Eugene Onegin” no Martin Beck Theatre na Broadway, Nova Iorque), Estónia (festival Birgitta em Tallinn), Espanha, Portugal, Jugoslávia, Turquia, Tailândia, Bielorrússia, Ucrânia, bem como cidades em Rússia. Habilidades de alto desempenho da trupe, originalidade soluções de palco trouxe ao teatro a merecida fama. A equipa de teatro é vencedora do Prémio Nacional de Teatro Máscara de Ouro, do Prémio de Ópera Russa “Casta Diva”, do Prémio Independente “Triumph”, do “Prémio Sony BMG Grécia” (Grécia) e do diploma “Estrela da Semana” do jornal alemão Abendzeitung. Em 1999, o teatro foi aceite na comunidade de ópera europeia Opera Europa. Em 2003, por decreto do Presidente da Federação Russa, o fundador do teatro, Evgeny Kolobov (postumamente), o diretor do teatro, Sergei Lysenko, e a maestrina-chefe do coro, Natalya Popovich, receberam o Prêmio de Estado da Rússia Federação para a criação do Novaya Opera Theatre. Em 2006, o teatro recebeu o nome de seu fundador, Evgeniy Kolobov.

O Teatro Mikhailovsky é um teatro de ópera e balé em São Petersburgo, localizado em Prédio histórico na Praça das Artes. O Teatro Imperial Mikhailovsky foi inaugurado em 1833 por decreto do Imperador Nicolau I. O teatro deve seu nome ao Grão-Duque Mikhail, o filho mais novo de Paulo I: Palácio Mikhailovsky, localizado na Praça das Artes, serviu de residência ao Grão-Duque, e o teatro passou a ser palco de câmara , que recebeu convidados de alto escalão da família imperial e comitiva. O edifício do teatro foi erguido de acordo com projeto de A.P. Bryullov com a participação de A.M. Gornostaeva. O arquiteto conseguiu encaixar organicamente a fachada no conjunto da praça criada por K. Rossi. Bryullov criou uma caixa mágica: o fato de um teatro estar escondido atrás da modesta fachada só pode ser adivinhado a partir do telhado, onde um alto palco é visível atrás da cúpula acima do auditório. Todo o esplendor do teatro imperial está contido nele: prata e veludo, espelhos e cristais, pinturas e estuques. Em 1859, como resultado da reconstrução segundo projeto de A. Kavos, o palco foi ampliado e o auditório ampliado em um nível, os interiores do teatro foram complementados por pitorescos abajures, ricas molduras em estuque e figuras de cariátides, que ainda decoram o portal acima do proscênio. Antes da revolução, o Teatro Mikhailovsky não tinha trupe permanente, nem repertório específico. A trupe do Teatro Alexandrinsky se apresentava no teatro, e artistas franceses e às vezes alemães viajavam constantemente. Apresentações de ópera também ocorreram dentro de suas paredes. Após a reconstrução em 1859, uma trupe de teatro francesa instalou-se no edifício do teatro durante muitas décadas, até 1918. As operetas francesas, por exemplo, de Offenbach, eram frequentes, mas as apresentações de ópera lírica eram raras e eram organizadas principalmente pela Ópera Imperial Russa (Teatro Mariinsky). A exceção ocorreu em meados da década de 1890, quando as instalações de Mariinsky foram fechadas para reforma e as óperas no palco Mikhailovsky eram apresentadas semanalmente. Entre aqueles que se apresentaram no palco do Teatro Mikhailovsky ao longo dos anos estão a orquestra dirigida por Johann Strauss, Lucien Guitry, Mathilde Kshesinskaya, Fyodor Chaliapin e a trupe de Sarah Bernhardt. Os visitantes frequentes das apresentações foram A.S. Pushkin, V.A. Zhukovsky, L.N. Tolstoi, P.I. Chaikovsky. Desde 1918, o teatro contava com uma trupe permanente. No século 20, figuras culturais conhecidas não apenas na Rússia, mas em todo o mundo trabalharam no teatro. Entre eles estão os maestros E. Grikurov e Y. Temirkanov; diretores V. Meyerhold, B. Zohn, N. Smolich, I. Shlepyanov; coreógrafos F. Lopukhov, J. Balanchine, Yu. Grigorovich, I. Chernyshev, N. Boyarchikov. Ao longo de sua história, o teatro foi renomeado diversas vezes. Maly Opera and Ballet Theatre - Leningrado e depois São Petersburgo. Desde 1989, o teatro recebeu o nome de M.P. Mussorgsky, e desde 2001 o teatro voltou ao seu nome histórico - Teatro Mikhailovsky. Em 2007, S.L. Gaudasinsky (Artista do Povo da Rússia, laureado com os Prêmios Estatais da Rússia, professor do Conservatório) foi substituído como diretor do teatro pelo famoso empresário russo V. A. Kekhman é o presidente do conselho de administração da empresa importadora de frutas JFC. Kekhman também afirmou que trabalharia em conjunto com S.L. Gaudasinsky, que continuará sendo o diretor artístico do teatro. Depois disso, ele, entretanto, introduziu os cargos de diretores separados para as trupes de ópera e balé. A trupe de balé era liderada pelo famoso dançarino russo Farukh Ruzimatov. Elena Obraztsova tornou-se a diretora artística da trupe de ópera, que deixou o cargo em setembro de 2008 para posteriormente trabalhar como assessora do diretor geral do Teatro Mikhailovsky em questões artísticas: a cantora explicou sua decisão pela agenda lotada de seus próprios projetos criativos e atividades de turnê. O principal maestro convidado do teatro foi Daniele Rustioni. A trupe de balé do teatro, cuja primeira turnê por Londres ocorreu em 2008, foi indicada ao Prêmio da Crítica Britânica na seção "Melhor Companhia Internacional". Em 2009, o maestro Peter Feranets foi nomeado maestro titular - diretor musical do teatro, e Mikhail Messerer tornou-se o coreógrafo principal do teatro. Em outubro de 2009, Farukh Ruzimatov anunciou a retomada de sua carreira artística e deixou o cargo de diretor artístico da trupe de balé do teatro. Em julho de 2010, foi anunciado que a partir de 1º de janeiro de 2011, a trupe de balé do teatro seria chefiada pelo coreógrafo espanhol Nacho Duato.

O Teatro Mariinsky é um teatro de ópera e balé em São Petersburgo, Rússia. Inaugurado em 1860, um excelente teatro musical russo. Em seu palco aconteceram estreias de obras-primas de Tchaikovsky, Mussorgsky, Rimsky-Korsakov e muitos outros compositores. O Teatro Mariinsky abriga companhias de ópera e balé e a Orquestra Sinfônica Mariinsky. Diretor artístico e maestro principal Valery Gergiev. Ao longo de mais de dois séculos de sua história, o Teatro Mariinsky deu ao mundo muitos grandes artistas: o notável baixo, fundador da escola de ópera russa Osip Petrov, serviu aqui, grandes cantores como Fyodor Chaliapin, Ivan Ershov, Medea e Nikolai Figner aprimorou suas habilidades e alcançou o auge da fama, Sofia Preobrazhenskaya. Bailarinos brilharam no palco: Matilda Kshesinskaya, Anna Pavlova, Vaslav Nijinsky, Galina Ulanova, Rudolf Nureyev, Mikhail Baryshnikov, George Balanchine iniciaram sua jornada na arte. O teatro testemunhou o florescimento do talento de artistas decorativos brilhantes como Konstantin Korovin, Alexander Golovin, Alexander Benois, Simon Virsaladze, Fyodor Fedorovsky. E muitos, muitos outros. Há muito tempo é costume que o Teatro Mariinsky trace seu pedigree, contando seu século desde 1783, quando em 12 de julho foi emitido um decreto aprovando um comitê de teatro “para administrar espetáculos e música”, e em 5 de outubro o Teatro de Pedra Bolshoi foi inaugurado. inaugurado na Praça do Carrossel. O teatro deu um novo nome à praça - sobreviveu até hoje como Teatralnaya. Construído segundo projeto de Antonio Rinaldi, o Teatro Bolshoi surpreendeu a imaginação com seu tamanho, arquitetura majestosa e palco equipado com a mais moderna tecnologia teatral da época. Na abertura, foi apresentada a ópera Il Mondo della luna (O Mundo ao Luar), de Giovanni Paisiello. A trupe russa se apresentou aqui alternadamente com a italiana e a francesa, houve apresentações dramáticas e também foram organizados concertos vocais e instrumentais. Petersburgo estava em construção e sua aparência mudava constantemente. Em 1802-1803, Thomas de Thomon, um brilhante arquiteto e desenhista, realizou uma grande reconstrução do layout interno e da decoração do teatro, alterando-o significativamente. aparência e proporções. O novo Teatro Bolshoi, que adquiriu um aspecto cerimonial e festivo, tornou-se um dos marcos arquitetônicos da capital Neva, junto com o Almirantado, a Bolsa de Valores e a Catedral de Kazan. No entanto, na noite de 1º de janeiro de 1811, ocorreu um grande incêndio no Teatro Bolshoi. Um homem rico morreu num incêndio em dois dias. decoração de interior teatro, sua fachada foi seriamente danificada. Thomas de Thomon, que elaborou o projeto de restauração de sua querida ideia, não viveu para ver sua implementação. Em 3 de fevereiro de 1818, o renovado Teatro Bolshoi reabriu com o prólogo “Apolo e Pallas no Norte” e o balé “Zéfiro e Flora” de Charles Didelot ao som da música do compositor Catarino Cavos. Estamos nos aproximando da “era de ouro” do Teatro Bolshoi. O repertório da era “pós-incêndio” inclui “A Flauta Mágica”, “O Rapto do Serralho”, “La Clemenza di Tito” de Mozart. O público russo é cativado por Cinderela, Semiramis, A pega ladrão e O barbeiro de Sevilha, de Rossini. Em maio de 1824, ocorreu a estreia de "Free Shooter" de Weber - uma obra que tanto significou para o surgimento da Rússia ópera romântica. São tocados vaudevilles de Alyabyev e Verstovsky; Uma das óperas mais queridas e de repertório é “Ivan Susanin” de Kavos, que durou até o aparecimento da ópera de Glinka com o mesmo enredo. COM figura lendária Charles Didelot está associado ao nascimento da fama mundial do balé russo. Foi durante esses anos que Pushkin, que capturou o teatro em versos imortais, foi frequentador assíduo do Bolshoi de São Petersburgo. Em 1836, para melhorar a acústica, o arquiteto Alberto Cavos, filho de compositor e maestro, criou um teto abobadado sala de teatro é substituído por um plano, e acima dele há uma oficina de arte e uma sala para pintura de cenários. Alberto Cavos retira do auditório as colunas que obstruíam a vista e distorciam a acústica, dá à sala o habitual formato de ferradura, aumenta o seu comprimento e altura, elevando o número de espectadores para dois mil. Em 27 de novembro de 1836, as apresentações do teatro reconstruído foram retomadas com a primeira apresentação da ópera “A Life for the Tsar” de Glinka. Por acaso, ou talvez não sem boa intenção, a estreia de “Ruslan e Lyudmila” – segunda ópera de Glinka – ocorreu exatamente seis anos depois, em 27 de novembro de 1842. Essas duas datas seriam suficientes para que o Teatro Bolshoi de São Petersburgo entrasse para sempre na história da cultura russa. Mas, claro, também houve obras-primas da música europeia: óperas de Mozart, Rossini, Bellini, Donizetti, Verdi, Meyerbeer, Gounod, Aubert, Thom... Com o tempo, as apresentações da trupe de ópera russa foram transferidas para o palco. do Teatro Alexandrinsky e do chamado Teatro Circo, localizado em frente ao Bolshoi (onde a trupe de balé continuou a se apresentar, assim como a ópera italiana). Quando o Teatro Circo pegou fogo em 1859, um novo teatro foi construído em seu lugar pelo mesmo arquiteto Alberto Cavos. Foi ele quem recebeu o nome de Mariinsky em homenagem à imperatriz reinante Maria Alexandrovna, esposa de Alexandre II. A primeira temporada teatral no novo prédio foi inaugurada em 2 de outubro de 1860 com a ópera “A Life for the Tsar” de Glinka sob a direção do maestro titular da Ópera Russa, Konstantin Lyadov, pai do futuro famoso compositor Anatoly Lyadov. . O Teatro Mariinsky fortaleceu e desenvolveu as grandes tradições do primeiro palco musical russo. Com a chegada de Eduard Napravnik em 1863, que substituiu Konstantin Lyadov como maestro titular, começou a era mais gloriosa da história do teatro. O meio século que Napravnik dedicou ao Teatro Mariinsky foi marcado pelas estreias das óperas mais significativas da história da música russa. Para citar apenas alguns deles - “Boris Godunov” de Mussorgsky, “A Mulher Pskov”, “Noite de Maio”, “A Donzela da Neve” de Rimsky-Korsakov, “Príncipe Igor” de Borodin, “A Donzela de Orleans”, “A Feiticeira”, “A Dama de Espadas”, “Iolanta” "Tchaikovsky, "Demon" de Rubinstein, "Oresteia" de Taneyev. No início do século XX, o repertório do teatro incluía óperas de Wagner (entre elas a tetralogia “O Anel do Nibelungo”), “Electra” de Richard Strauss, “O Conto da Cidade Invisível de Kitezh” de Rimsky-Korsakov, “Khovanshchina” de Mussorgsky. Marius Petipa, que chefiou a trupe de balé do teatro em 1869, deu continuidade às tradições de seus antecessores Jules Perrot e Arthur Saint-Leon. Petipa preservou zelosamente performances clássicas como Giselle, Esmeralda e Corsair, submetendo-as apenas a uma edição cuidadosa. “La Bayadère”, encenada por ele, trouxe pela primeira vez ao palco do balé o sopro de uma grande composição coreográfica, em que “a dança se tornou como música”. O feliz encontro de Petipa com Tchaikovsky, que argumentou que “o balé é a mesma sinfonia”, levou ao nascimento de “A Bela Adormecida” - um verdadeiro poema musical e coreográfico. A coreografia de “O Quebra-Nozes” surgiu da colaboração de Petipa e Lev Ivanov. Após a morte de Tchaikovsky, “Lago dos Cisnes” encontrou uma segunda vida no palco do Teatro Mariinsky - e novamente na coreografia conjunta de Petipa e Ivanov. Petipa fortaleceu sua reputação como coreógrafo sinfônico com a produção do balé Raymonda de Glazunov. Suas ideias inovadoras foram retomadas pelo jovem Mikhail Fokine, que encenou no Teatro Mariinsky Pavilhão de Armida de Tcherepnin, O Cisne de Saint-Saëns, Chopiniana ao som de Chopin, além de balés criados em Paris - Scheherazade ao som de Rimsky -Korsakov, "O Pássaro de Fogo" e "Petrushka" de Stravinsky. O Teatro Mariinsky foi reconstruído várias vezes. Em 1885, quando, antes do fechamento do Teatro Bolshoi, a maior parte das apresentações foram transferidas para o palco do Mariinsky, o arquiteto-chefe dos teatros imperiais, Viktor Schröter, acrescentou um prédio de três andares à ala esquerda do edifício para oficinas de teatro, salas de ensaio, usina e sala de caldeiras. Em 1894, sob a liderança de Schröter, as vigas de madeira foram substituídas por aço e concreto armado, as alas laterais foram construídas e o foyer dos espectadores foi ampliado. A fachada principal também sofreu reconstrução, assumindo formas monumentais. Em 1886, as apresentações de balé, que até então continuavam sendo apresentadas no palco do Teatro Bolshoi Kamenny, foram transferidas para o Teatro Mariinsky. E no local do Bolshoi Kamenny, foi erguido o prédio do Conservatório de São Petersburgo. Por decreto governamental de 9 de novembro de 1917, o Teatro Mariinsky foi declarado Teatro do Estado e transferido para a jurisdição do Comissariado do Povo para a Educação. Em 1920, passou a se chamar Teatro Acadêmico Estadual de Ópera e Ballet (GATOB), e a partir de 1935 recebeu o nome de S. M. Kirov. Junto com os clássicos do século passado, óperas modernas apareceram no palco do teatro nos anos 20 e início dos anos 30 - “O Amor por Três Laranjas” de Sergei Prokofiev, “Wozzeck” de Alban Berg, “Salome” e “Der Rosenkavalier” de Richard Strauss; nascem balés que estabelecem uma nova direção coreográfica popular há décadas, o chamado balé dramático - “A Papoula Vermelha” de Reinhold Glière, “As Chamas de Paris” e “A Fonte de Bakhchisarai” de Boris Asafiev, “ Laurencia” de Alexander Crane, “Romeu e Julieta” de Sergei Prokofiev, etc. O último pré-guerra estreia de ópera O Teatro Kirov apresentou Lohengrin de Wagner, cuja segunda apresentação terminou no final da noite de 21 de junho de 1941, mas as apresentações agendadas para 24 e 27 de junho foram substituídas por Ivan Susanin. Durante a Grande Guerra Patriótica, o teatro foi evacuado para Perm, onde aconteceram as estreias de várias apresentações, incluindo a estreia do balé “Gayane” de Aram Khachaturian. Ao retornar a Leningrado, o teatro abriu a temporada em 1º de setembro de 1944 com a ópera Ivan Susanin de Glinka. Nos anos 50-70. o teatro apresentou balés famosos como “Shurale” de Farid Yarullin, “Spartacus” de Aram Khachaturian e “The Twelve” de Boris Tishchenko, coreografados por Leonid Yakobson, “Stone Flower” de Sergei Prokofiev e “The Legend of Love” de Arif Melikov, coreografado por Yuri Grigorovich, “Sinfonia de Leningrado” de Dmitry Shostakovich, coreografado por Igor Belsky, simultaneamente à produção de novos balés, os clássicos do balé foram cuidadosamente preservados no repertório do teatro. No repertório da ópera, junto com Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov, Mussorgsky, Verdi e Bizet, apareceram óperas de Prokofiev, Dzerzhinsky, Shaporin e Khrennikov. Em 1968-1970 Foi efectuada uma reconstrução geral do teatro segundo projecto de Salome Gelfer, pelo que a ala esquerda do edifício foi “esticada” e adquiriu o aspecto actual. Uma etapa importante na história do teatro dos anos 80 foram as produções das óperas “Eugene Onegin” e “A Dama de Espadas” de Tchaikovsky, protagonizadas por Yuri Temirkanov, que dirigiu o teatro em 1976. Nessas produções, que ainda estão preservadas no repertório do teatro, uma nova geração de artistas marcou presença. Em 1988, Valery Gergiev tornou-se o maestro principal do teatro. Em 16 de janeiro de 1992 o teatro foi devolvido nome histórico- Mariinsky. E em 2006, a trupe de teatro e orquestra recebeu à sua disposição a Sala de Concertos da Rua Dekabristov, 37, construída por iniciativa do diretor artístico e diretor do Teatro Mariinsky Valery Gergiev.