Ajuda na Tele2, tarifas, dúvidas

O centenário da “Sagração da Primavera” nas suas duas formas - puramente musical e cênica - foi amplamente comemorado e continua a ser comemorado em todo o mundo. Dezenas de artigos foram escritos, muitos relatórios foram lidos. “Primavera” é constantemente apresentada no palco de concertos; trupes de balé apresentam várias versões teatrais deste balé.

A música de Stravinsky deu origem a mais de uma centena de interpretações coreográficas. Quarta-feira di coreógrafos que encenaram “Primavera”, - Leonid Massine, Mary Wigman, John Neumeier, Glen Tetley, Kenneth MacMillan, Hans van Manen, Anglen Preljocaj, Jorma Elo...

Na Rússia, a “Primavera” é celebrada pelo Teatro Bolshoi, que organizou um grande festival, durante o qual serão exibidas duas estreias Balé Bolshoi, incluindo a sua própria “Primavera” e três excelentes “Primaveras” do século 20 (além de mais algumas interessantes balés modernos) interpretada por três das principais companhias de balé do mundo.

A Sagração da Primavera (1959), de Maurice Béjart, tornou-se o ponto de partida para a criação de sua notável trupe, "Ballet do Século XX", que foi sucedida pelo Béjart Ballet Lausanne no final dos anos 80. Uma verdadeira sensação foi criada em 1975 pela furiosa “Primavera” da reclusa de Wuppertal Pina Bausch, que não perdeu nada de sua relevância até hoje - esta performance e documentário, como foi criado será mostrado pelo Teatro de Dança Pina Bausch (Wuppertal, Alemanha). A Sagração da Primavera do Balé Nacional Finlandês é a mais antiga e a mais recente ao mesmo tempo. Esta produção de Millicent Hodson e Kenneth Archer estreou nos Estados Unidos em 1987 e teve o efeito de uma bomba explodindo, já que retornou contexto cultural a lendária “Primavera” perdida de Vaslav Nijinsky, com a qual a história interminável deste balé começou em 1913.

Em novembro de 2012 às cena histórica orquestra Teatro Bolshoi sob a direção de Vasily Sinaisky, ele deu um concerto, cujo programa incluía “A Sagração da Primavera”. A escolha não foi aleatória: diretor musical O Bolshoi deu uma espécie de palavra de despedida à trupe de balé, enfatizando a interligação de todos os componentes teatro musical e nos lembrando que no centro de uma grande coreografia estava uma boa música.

VASILY SINAYSKY:

Há obras que estabelecem novos rumos de movimento. Eles se tornam uma declaração fundamentalmente nova. E depois de escritas e executadas, a música se desenvolve de maneira completamente diferente. Esta é a “Primavera”. Talvez não haja um único compositor que não tenha experimentado sua influência. Na organização da estrutura rítmica ou orquestração, em atenção especial Para instrumentos de percussão e muito mais. Este trabalho deixou sua marca em vários aspectos.

E tudo começou, como sempre acontece, com um terrível escândalo. Acabei de fazer um concerto com uma orquestra francesa no Théâtre des Champs-Élysées, onde A Sagração da Primavera foi apresentada pela primeira vez em 1913. Vagueou por este famoso edifício, auditório e tentei imaginar como o público respeitável enlouqueceu e brigou com guarda-chuvas.

Apenas cem anos se passaram - e estamos comemorando o merecido aniversário desta música e desta produção. Muito Boa ideia- realizar tal festival O Teatro Bolshoi preserva as tradições clássicas e adora experimentar. E desta vez serão apresentadas magníficas produções que, claro, também tiveram uma palavra a dizer, mas já ultrapassaram o âmbito da experiência. Esta é a terceira direção do nosso movimento, a partir do ponto da proporção áurea.

Na minha opinião, a nossa orquestra tocou de forma brilhante naquele concerto de Novembro. Mas trabalhamos muito. Então a orquestra está pronta para o festival. Quanto aos nossos bailarinos, desejo que ouçam a música. Estávamos imbuídos de seu ritmo e de seu imaginário. Stravinsky pintou imagens muito específicas. Cada parte tem seu próprio nome – e esses nomes são muito significativos. Parece-me que precisamos estudá-los - e então um espaço maior se abrirá para a imaginação criativa!

"The Rite of Spring" foi uma das 27 músicas gravadas no disco de ouro da Voyager, a primeira trilha sonora enviada além sistema solar para civilizações extraterrestres.
Wikipédia

"A Sagração da Primavera"- talvez a obra musical mais discutida e significativa do século XX. Nos últimos quinze anos, o seu carácter revolucionário tem sido cada vez mais questionado, mas a Primavera é considerada o marco mais importante na história da música desde Tristão e Isolda, mesmo que apenas pela influência que teve nos contemporâneos de Stravinsky. Sua principal inovação foi uma mudança radical na estrutura rítmica da música. As mudanças de ritmo na partitura ocorriam com tanta frequência que, ao escrever as notas, o próprio compositor às vezes duvidava de onde colocar o compasso. A "Primavera" foi um produto característico do seu tempo: isto exprimiu-se tanto no facto de o paganismo ter servido de fonte de novos impulsos criativos, como no facto - isto já não é tão agradável - de reconhecer a violência como parte integrante da existência humana (o enredo do balé é construído em torno da celebração dos sacrifícios da humanidade).

No entanto, a história da origem de "Primavera" é muito complexa e suas fontes na história da música ocidental e russa são muito diversas para julgá-la do ponto de vista ético. Resumindo podemos dizer que força incrível, a beleza e a riqueza do material musical empurram para segundo plano questões de moralidade, e o estatuto de “A Sagração da Primavera” como a obra musical mais importante do século XX permanece tão inegável como no momento da sua criação.”
do livro Shenga Sheyena
“Dagilev. “Estações Russas” para sempre”
M., "CoLibri", 2012.

"Para muitos o Nono(Nona Sinfonia de Beethoven - ed.) é um pico musical de montanha que inspira admiração paralisante. Robert Kraft, secretário de Stravinsky durante as últimas décadas da vida do compositor, caracterizou a "Primavera" de uma forma mais afirmativa, chamando-a de touro premiado que fertilizou todo o movimento modernista. A escala grandiosa, claro, une essas duas obras, o que é um mérito adicional de “Primavera”, que tem apenas metade da duração da Nona. O que falta em comprimento é mais do que compensado pelo peso do som.

Mas em todos os outros sentidos estas pontuações são opostas. O grande violoncelista Pablo Casals foi convidado a comentar a comparação – na época com referência a Poulenc, fervoroso seguidor de Stravinsky. “Discordo absolutamente do meu amigo Poulenc”, objetou Casals, “a comparação destas duas coisas é nada menos que blasfêmia”.

Blasfêmia é a profanação da santidade. E Nove tem essa aura. Proclama os ideais simbolizados por Casals, tão famoso pelo seu antifascismo como pelo seu estilo de tocar violoncelo. Ele também sentia uma certa santidade, o que o tornava alérgico à “Primavera”, que não era nenhum arauto da camaradagem mundial, e certamente não era “Ode à Alegria”. Você não tocaria "Spring" por ocasião da queda do Muro de Berlim - ao contrário da Nona, tão memorável interpretada por Leonard Bernstein em 1989. Mas nada faria você imaginar que "Spring" pudesse ser tocada antes de uma reunião do elite nazista no aniversário de Hitler, e você ainda pode ver uma apresentação semelhante da Nona de Wilhelm Furtwängler e da Filarmônica de Berlim no YouTube.”
Richard Taruskin/Richard Taruskin
musicólogo, professor,
autor de um livro sobre a obra de I. Stravinsky
(trecho do ensaio Um Mito do Século XX: A Sagração da Primavera, a Tradição de o novo e "A própria música")

"Em "A Sagração da Primavera" Queria expressar a ressurreição luminosa da natureza, que renasce para uma vida nova: uma ressurreição completa, o pânico, a ressurreição da concepção do mundo”.

Eu não li isso ainda ensaio curto(Stravinsky - ed.) quando ouvi "Spring" pela primeira vez quando era adolescente, mas minha impressão duradoura desde a primeira vez que ouvi - em fones de ouvido, deitado no escuro na minha cama - foi a sensação de que eu estava encolhendo à medida que a música se expandia, absorvido parecia ser a presença física do “grande todo” desta música. Esse sentimento foi especialmente forte naquelas passagens em que ideia musical, a princípio expresso suavemente, depois adquire uma voz terrivelmente alta.<...>

Conhecer essa música foi a experiência musical formativa da minha juventude. Lembrei-me vividamente daquela excitação nervosa inicial e revivi-a cada vez que mergulhei nesta música, apesar de ela se tornar cada vez mais familiar, apesar da minha compreensão cada vez mais profunda de como ela foi composta, e apesar da influência que a crítica de Adorno e outros tinham a minha maneira de pensar. Então, para mim, “Spring” sempre será a música da juventude, assim como foi para o próprio Stravinsky.

Mas ao ouvir a música de Stravinsky, que em breve atingirá o seu centenário, lembro-me que na minha verdadeira juventude ela não se destinava a sala de concertos, mas para o palco do balé, e que sua estreia se destacou por muito mais do que apenas a reação do público. A coreografia, figurinos e cenários originais foram reconstruídos em 1987 pelo Joffrey Ballet. A peça já pode ser vista no YouTube, onde verifiquei pela última vez que havia recebido 21 mil acessos desde que foi postada, há cerca de dois anos. Meu conselho? Assista à reconstrução do Joffrey Ballet e siga seu convite para imaginar a produção original. Cara a cara com o antigo, você ouvirá música de uma maneira nova."
Mateus Mc Donalds,
musicólogo, professor associado da Northeastern University em Boston,
autor de obras, dedicado à criatividade I. Stravinsky

"A Sagração da Primavera" Reconstrução. Apresentação do Ballet Nacional Finlandês. Foto: Sakari Wiika.

"Também, como em Os Jogos e O Fauno, Nijinsky apresentou o corpo humano de uma nova maneira. Em A Sagração da Primavera, as posições e os gestos são direcionados para dentro. “O movimento”, escreveu Jacques Rivière na Nouvelle Revue Française, “está fechado em torno da emoção: ele a prende e a contém... O corpo não atua mais como meio de fuga para a alma; pelo contrário, reúne-se à sua volta, restringe a sua saída para o exterior - e pela própria resistência que demonstra à alma, o corpo fica completamente saturado dela...” O romântico já não predomina nesta alma aprisionada; acorrentado ao corpo, o espírito torna-se matéria pura. Em A Sagração da Primavera, Nijinsky expulsou o idealismo do balé e, com ele, o individualismo associado à ideologia romântica. “Ele pega seus dançarinos”, escreveu Riviere, “refaz seus braços, torcendo-os; ele os quebraria se pudesse; ele bate em seus corpos impiedosamente e com violência, como se fossem objetos sem vida; exige que façam movimentos impossíveis e poses nas quais parecem estar aleijados.”
do livro Lynn Garafola
"Ballet Russo de Diaghilev"
Perm, “Mundo do Livro”, 2009.

“É difícil imaginar hoje, quão radical era a “Primavera” para a sua época. A distância entre Nijinsky e Petipa, Nijinsky e Fokine era enorme, até “Fauno” parecia inofensivo em comparação. Pois se “Fauno” representou um recuo deliberado para o narcisismo, então “Primavera” marcou a morte do indivíduo. Foi um exercício aberto e poderoso da vontade coletiva. Todas as máscaras foram arrancadas: não havia beleza nem técnica refinada, a coreografia de Nijinsky obrigava os bailarinos a chegarem à metade do caminho, recuarem, reorientarem-se e mudarem de direcção, perturbando o movimento e a sua velocidade como se quisessem libertar energia há muito reprimida. Autocontrole e domínio, ordem, motivação, cerimônia, porém, não foram rejeitados. O balé de Nijinsky não era selvagem e desordenado: era um retrato frio e calculista de um mundo primitivo e absurdamente agressivo.

E este foi um ponto de viragem na história do ballet. Mesmo nos momentos mais revolucionários do seu passado, o balé sempre se caracterizou por uma nobreza enfatizada e esteve intimamente associado à clareza anatômica e aos ideais elevados. No caso de “Primavera” tudo foi diferente. Nijinsky modernizou o balé, tornando-o feio e sombrio. “Sou acusado”, vangloriou-se, “de um crime contra a graça”. Stravinsky admirou-o: o compositor escreveu ao amigo que a coreografia estava como ele queria, embora tenha acrescentado que “teremos de esperar muito tempo até que o público se habitue à nossa linguagem”. Esse era o ponto: “Spring” era ao mesmo tempo difícil e surpreendentemente novo. Nijinsky usou todo o seu talento poderoso para romper com o passado. E o fervor com que ele (como Stravinsky) trabalhou foi um sinal de suas pronunciadas ambições como inventor de uma nova linguagem de dança totalmente desenvolvida. Foi isso que o motivou e foi isso que fez da Primavera o primeiro balé verdadeiramente moderno.”
do livro Jennifer Homans
"Anjos de Apolo"
NY, Random House, 2010.

Nós contamos como eles interpretam isso de maneira diferente balé famoso"A Sagração da Primavera" coreógrafos modernos.

"A Sagração da Primavera", dirigido por Sasha Waltz

Foi um ano de experiências arriscadas. 1913 em Paris. Intransigente e até brutal na consecução dos seus objetivos, o empresário mais famoso da história, Sergei Diaghilev, encontra-se à beira do colapso. O rompimento com Fokine, autor dos balés de maior sucesso comercial da empresa - Scheherazade, O Fantasma da Rosa, Danças Polovtsianas - leva Diaghilev a um gesto decisivo. A lógica das ações nos levou a buscar a paz com Fokin. Mas, como se obedecesse à sua própria aliança imortal “me surpreenda”, o próprio Diaghilev continuou a surpreender todos ao seu redor repetidas vezes. Foi uma loucura apostar em Nijinsky - ele não era coreógrafo profissional, precisava de muito mais tempo para os ensaios e seu estilo de coreografia era inovador demais para a época. Mas seguir o exemplo do público não era o estilo de Diaghilev. Era ele quem o público tinha de seguir: “Se não lhes ditarmos leis, então quem?”

A tarefa era nada menos do que fazer uma revolução na arte. A revolução aconteceu, mas muito mais tarde. A estreia de “A Sagração da Primavera” no Teatro Champs-Elysees, que deveria marcar uma nova virada nas atividades da companhia de Diaghilev, marcou uma nova virada na arte em geral. E talvez até não só na arte, mas também na forma de pensar as pessoas, suas novo visual para o mundo.

“A Sagração da Primavera” foi ideia do seu século louco, que absorveu o paganismo como fonte de criatividade e, o mais importante, trouxe à tona o facto de que a crueldade e a violência são propriedades integrantes da natureza humana. O sacrifício humano tornou-se o enredo principal não apenas de A Sagração da Primavera, mas de todo o século XX. Mas qual o significado que esta performance teria mais tarde, nenhum dos seus quatro brilhantes criadores (Diaghilev, Nijinsky, Stravinsky, Roerich) teve a sorte de saber.

A Sagração da Primavera, Joffrey Ballet, 1987

O que é isso – sucesso ou fracasso? Fracasso no dia em que “Primavera” apareceu ao seu primeiro público. Um fracasso ensurdecedor e assassino. E um sucesso impressionante que podemos observar à distância há mais de um século.

“Primavera” não tem enredo no sentido usual da palavra. Trata-se de um conjunto de cenas grupais que nos remetem aos rituais dos antigos eslavos. O principal deles é o ritual de sacrifício solene ao deus da primavera.

Também é necessário levar em conta que embora tenhamos um conhecimento completo dos figurinos e decorações de Roerich, só podemos fazer suposições sobre a coreografia em si. O mundo de “A Sagração da Primavera” tornou-se uma continuação orgânica das pinturas de Roerich. Ele abordou esses tópicos mais de uma vez. Poder esmagador e beleza jubilosa Rússia Antiga refletido em suas pinturas " Idade da Pedra", "Antepassados ​​​​Humanos". Os esboços de Roerich para a performance também foram preservados. Mas o toque escandaloso em torno da produção praticamente não deixou espaço nas críticas para descrever a dança em si. A ênfase não está nos passos, mas nos gestos, na plasticidade com a marca de uma época primitiva, semelhante a um animal, na abundância de cenas de multidão. Braços e pernas torcidos, movimentos angulares que lembram convulsões. Quão longe isso estava das belezas graciosas de Fokine.

Tudo está tenso e constrangido – para transmitir expressão. Mas o principal é a total conformidade com a música de Stravinsky. Nem um indício da organização habitual da dança e da música clássicas, um afastamento decisivo dos cânones anteriores. O acolhedor e familiar refúgio da harmonia foi abandonado.

O balé revelou-se tão imprevisível quanto o próprio Nijinsky, e também se equilibrando à beira de dois mundos. Diaghilev esperava que a sede por novas tendências na arte prevalecesse entre o público progressista parisiense. A expectativa foi justificada mais tarde, quando todos os coreógrafos modernos começaram a engolir avidamente esse ar fresco de “A Sagração da Primavera”. A “Primavera” destruiu todas as formas antigas, para que novas formas pudessem nascer deste caos.

Desde a sua estreia, em 29 de maio de 1913, o balé já recebeu mais de duzentas interpretações. E no século 21 eles continuam a encená-lo, versões antigas desaparecem na história, novas aparecem. Uma série interminável de mudanças entre a morte e a vida. Esta é a essência do sacrifício – a morte em nome de uma vida futura.

A variedade de diferentes versões do balé também pode ter surgido porque não há nada nele por muito tempo não era conhecido. Mas havia uma lenda emocionante que, claro, não poderia deixar nenhum coreógrafo indiferente. O fato de o texto coreográfico ter sido perdido simultaneamente deu liberdade ilimitada na autoexpressão coreográfica.

« A Sagração da Primavera, encenada por Maurice Bejart

O balé Bezharov de 1959, em suas próprias palavras, é simples e forte, pois a própria vida trouxe à tona imagens do subconsciente. Ele refletiu no plástico aqueles impulsos que o homem moderno não conhece, mas que, mesmo assim, influenciam toda a sua vida. São todas as mesmas imagens-memórias, gravadas em nossos genes e herdadas de nossos ancestrais.

Maurice Bejart não só se voltou para o passado, mas também olhou para os dias de hoje, apresentando em palco uma espécie de evolução da humanidade. Talvez seja isso homem moderno, onde a chama das paixões primitivas está sujeita ao alinhamento geométrico ideal da plasticidade, onde os elementos lutam constantemente com a mente. Bejar não morre no final. Apenas mais uma revolução foi concluída na história da humanidade. De todas as produções, “Primavera” de Bezharov mostra mais claramente como a “dança” de Nijinsky foi abandonada. Com o tempo, até a música de Stravinsky, desprovida de harmonia, e a plasticidade selvagem e frenética de Nijinsky gradualmente começaram a ser preenchidas com belos gestos.

Trechos da produção de A Sagração da Primavera de Maurice Bejart

« A Sagração da Primavera", encenada por Pina Bausch

A celestial Pina Bausch de Wuppertal propôs sua versão de “A Sagração da Primavera” em 1975. Como todos depois de Nijinsky, ela rejeita quaisquer associações folclóricas populares. Mas o balé volta ao conceito de ritual, à sua crueldade. Ao tema do domínio dos fortes sobre os fracos, o medo e a violência permeiam toda a existência dos personagens. São reféns da agressividade e da crueldade que os cercam. A terra molhada sob os pés dos dançarinos é a metáfora definidora desta produção, falando sobre a natureza cíclica de todos os seres vivos, incluindo os humanos, cada um dos quais encontrará a sua paz nesta terra.

Uma parte importante da performance é a longa seleção da vítima, cuja duração aumenta a tensão ao limite e aumenta o suspense. O balé não trata do renascimento da vida, mas da morte, da sua inevitabilidade fatal e do horror da sua antecipação. Bausch devolve a esta partitura de balé um sentido do sagrado e do arcaico, que, como sabemos, está organicamente ligado à própria natureza da dança como um dos rituais mais antigos. Como Nijinsky, a dança extática do Escolhido termina em morte.

"A Sagração da Primavera" encenada por Pina Bausch

« A Sagração da Primavera", encenada por Angelin Preljocaj

Angelin Preljocaj, em sua produção de 2001, derruba a habitual descarga elétrica do final e, levando a história a um ponto, dá-lhe uma continuação - a vítima não morre, mas acorda depois de todos os acontecimentos sozinha e em estado de perda.

Para Preljocaj, que se tornou famoso como o mais sensual dos coreógrafos, “A Sagração da Primavera” tornou-se um material muito fértil para usar tanto a técnica clássica, acrescentando-lhe significativamente expressão, como para explorar os princípios mais íntimos da psique humana. Movimentos corpo humano de Preljocaj - nada mais são do que reflexos de seu mundo interior. Corpo e pensamentos estão inextricavelmente ligados. E a plasticidade do coreógrafo é como a pessoa reage ao mundo ao seu redor, sua relação com ele. A produção torna-se uma imagem de como a naturalidade humana está enterrada sob uma camada da civilização moderna.

A Sagração da Primavera, encenada por Uwe Scholz

"A Sagração da Primavera", dirigido por Uwe Scholz

Também vale a pena mencionar a versão de A Sagração da Primavera de Uwe Scholz na Ópera de Leipzig. Em 2003, lançou uma performance que na verdade combina duas versões de “Spring”.

O primeiro movimento é a versão do próprio compositor para dois pianos. Há apenas um dançarino no palco e um vídeo projetado atrás e de cada lado dele. A bailarina surge do piano, o que se traduz automaticamente na categoria de produções sobre criadores, criadores de arte, destino artístico. E parece bastante autobiográfico. É difícil atribuir a produção a qualquer outra coisa, conhecendo o destino trágico de Uwe Scholz e vendo quão claramente atitude pessoal vivencia-se a luta do herói com o caos que reina ao seu redor, humano e profissional. O mundo inteiro torna-se hostil a ele e a arte torna-se o único meio de sobrevivência.

A segunda parte é a partitura orquestral completa de Stravinsky. Em geral, o cerne da trama permanece original, mas Scholz dá uma interpretação diferente do final. Sua Escolhida não dança até a morte. Ela agarra o laço com a mão e se levanta. Uma metáfora muito ampla. Ela se eleva acima de todas as regras e fundamentos, que acabam por levar à crueldade injustificada. Ascende tanto literalmente física quanto moralmente, o que pode ser considerado uma transformação espiritual.

« A Sagração da Primavera", encenada por Patrick de Ban

As produções posteriores de A Sagração da Primavera também adquirem um tom social. Natural da Alemanha, Patrick de Bana criou sua versão no Teatro de Ópera e Ballet de Novosibirsk em 2013.

Quatro versões de uma performance. O festival dedicado ao 100º aniversário do balé “A Sagração da Primavera” de Igor Stravinsky continua no Bolshoi. O trabalho da coreógrafa Tatyana Baganova já foi apresentado ao público moscovita. A próxima estreia é a lendária produção do coreógrafo de vanguarda Maurice Béjart, interpretada por artistas da trupe Béjart Ballet em Lausanne. A equipe de filmagem compareceu ao ensaio geral.

Esta visita a Grande trupe Esperei quase vinte anos. Última vez O Bejart Ballet esteve aqui em 97 e também com “A Sagração da Primavera”.

Gilles Roman, que assumiu a trupe após a saída de Bejart, mantém não apenas herança criativa coreógrafo, mas também o próprio espírito deste grupo único.

“Trabalhei com Maurice por mais de trinta anos, ele foi como um pai para mim”, diz Gilles Roman. - Me ensinou tudo. Para ele, a trupe sempre foi uma família. Ele não dividiu os artistas em corpos de balé, solistas, não temos estrelas – todos são iguais.”

É difícil acreditar que Bejart dirigiu esta “Sagração da Primavera” em 1959. O balé ainda não conhecia tais paixões, tal intensidade, e nem o coreógrafo novato. Bejart recebeu uma encomenda para a produção do diretor do Theatre de la Monnet em Bruxelas. Ele tinha apenas dez dançarinos à sua disposição - uniu três trupes. E em um recorde de três semanas ele encenou “A Sagração da Primavera” - quarenta e quatro pessoas dançaram no balé. Foi um avanço e uma vitória absoluta da modernidade.

“Foi uma bomba: não foi chocante nem provocativo, foi um avanço, uma negação de todos os tabus, traço característico Bejar, ele era livre, nunca se envolveu em autocensura, lembra o coreógrafo, professor e tutor Azary Plisetsky. “Essa liberdade atraiu e surpreendeu.”

Na interpretação de Bejart não há sacrifício. Apenas o amor de um homem e de uma mulher. Os dançarinos de Bejar parecem estar percorrendo um caminho de renascimento: de animal selvagem a humano.

“No início somos cães, ficamos sobre quatro patas, depois somos macacos e só com a chegada da primavera e do amor nos tornamos humanos”, diz Oscar Chacon, solista da trupe de balé Béjart Ballet Lausanne. - Se você pensar em dar passos e continuar dançarino, vai se cansar em cinco minutos. Para levar essa energia até o fim, você precisa pensar que é um animal.”

Katerina Shalkina, após a competição de balé de Moscou em 2001, recebeu um convite para a escola de Bejart e uma bolsa de estudos da “Sagração da Primavera” e iniciou sua carreira em sua trupe. Agora ele dança “Primavera” no Bolshoi, diz ele, este é um passo avançar.

“Dançar “A Sagração da Primavera” com uma orquestra russa é outro ponto forte, a melhor coisa que poderia nos acontecer”, diz Katerina Shalkina.

Bejar tocava com movimentos muito simples... Linhas precisas e sincronizadas, um círculo, dançarinos seminus, como numa pintura de Matisse - em antecipação à liberdade e à posse. Bejar exigia plasticidade rígida, movimentos bruscos e plié profundo dos dançarinos.

“Tentamos encontrar os movimentos dos animais, por isso estamos tão perto do chão, andamos e nos movemos como cães”, explica o dançarino do Béjart Ballet Lausanne, Gabriel Marseglia.

Não só “A Sagração da Primavera”, nos programas “Cantata 51” e “Síncopa” encenados por Gilles Roman, que dá continuidade às tradições estabelecidas por Béjart há mais de cinquenta anos.

Notícias culturais

No campo de batalha que escolhi para mim - na vida da dança - dei aos bailarinos aquilo a que eles tinham direito. Não deixei nada do afeminado e dançarino de salão. Devolvi os cisnes ao seu gênero - o gênero de Zeus...

O que eu tinha antes de conhecer Donn? Encenei três balés que ainda hoje são importantes para mim - "Symphony for One Man", "A Sagração da Primavera" e "Bolero". Sem Donne eu nunca teria composto...

Maurice Bejart é uma lenda há muito tempo. O balé "A Sagração da Primavera" encenado por ele em 1959 chocou não só o mundo da dança clássica, mas o mundo inteiro em geral. Bejar, como um mágico de contos de fadas, arrebatou o balé do cativeiro acadêmico, limpou-o da poeira dos séculos e deu a milhões de espectadores uma dança fervilhante de energia, sensualidade, uma dança em que posição especial ocupado por dançarinos.

Dança redonda dos meninos

Ao contrário do clássico apresentação de balé, onde reinam as bailarinas, nas performances de Bejart, como já foi na empresa de Sergei Diaghilev, reinam os bailarinos. Jovem, frágil, flexível como uma videira, com braços cantantes, torso musculoso, cintura fina e olhos ardentes.
O próprio Maurice Bejart diz que adora se identificar e se identifica de forma mais plena e alegre com o dançarino, e não com o dançarino. "No campo de batalha que escolhi para mim - na vida da dança - dei aos bailarinos o que eles tinham direito. Não deixei nada do afeminado e dançarino de salão. Devolvi aos cisnes o seu sexo - o sexo de Zeus que seduziu Leda." Porém, com Zeus nem tudo é tão simples. Ele, claro, seduziu Leda, mas também realizou outro bom feito. Tendo se transformado em águia (segundo outra versão - enviando uma águia), ele sequestrou o filho do rei troiano, a extraordinária beleza do jovem Ganimedes, carregou-o para o Olimpo e fez dele copeiro. Então Leda e Zeus estão separados, e os meninos Bejar estão separados. Nos balés do mestre, esses meninos aparecem com toda a sua sedução juvenil e plasticidade requintada. Seus corpos estão dilacerados espaço de palco como um relâmpago, eles giram em uma dança frenética e dionisíaca, espalhando a energia jovem de seus corpos no salão, então, congelando por um momento, tremem como ciprestes com o sopro de uma leve brisa.
Não há nada de afeminado ou de salão neles, aqui podemos concordar com Bejart, mas quanto ao gênero de Zeus não dá certo. Esses próprios meninos ainda não entendem quem são e quem se tornarão, talvez homens, mas muito provavelmente terão um futuro um pouco diferente.
Mas isso não significa que Maurice Bejart se inspire apenas em dançarinos em seu trabalho. Também funciona com bailarinas excelentes, criando performances e miniaturas únicas para eles.

Seguindo o conselho do médico

Jorge Don. "Salsinha"

“Sou uma colcha de retalhos. Sou toda feita de pedacinhos, pedaços que arranquei de todos que a vida colocou no meu caminho. Brinquei de Polegar de cabeça para baixo: As pedrinhas estavam espalhadas na minha frente, apenas as peguei. , e continuo fazendo isso até hoje." “Acabei de pegar” - com que simplicidade Bejar fala sobre si mesmo e seu trabalho. Mas sua “colcha de retalhos” tem cerca de duzentos balés, dez apresentações de ópera, diversas peças de teatro, cinco livros, filmes e vídeos.
Filho do famoso filósofo francês Gaston Berger, Maurice, que mais tarde assumiu nome artístico Béjart, nascido em 1º de janeiro de 1927 em Marselha. Entre seus ancestrais distantes estão pessoas do Senegal. “Ainda hoje”, recorda Bejart, “continuo orgulhoso da minha origem africana, tenho a certeza de que o sangue africano desempenhou um papel decisivo no momento em que comecei a dançar...” E Maurice começou a dançar aos treze anos. o conselho de... um médico. Porém, o médico primeiro aconselhou que a criança doente e fraca praticasse esportes, mas, ao ouvir dos pais sobre sua paixão pelo teatro, depois de pensar no assunto, recomendou dança clássica. Tendo começado a estudá-lo em 1941, três anos depois Maurice estreou-se na trupe da Ópera de Marselha.

O ato da cópula sagrada

Muitos dos biógrafos de Bejart recordam como em 1950, num quarto frio e desconfortável alugado na altura pelo jovem Bejart, que se tinha mudado de Marselha, a sua terra natal, para Paris, reuniram-se vários dos seus amigos. Inesperadamente para todos, Maurice diz: “A dança é a arte do século XX”. Então, recorda Bejart, estas palavras levaram os seus amigos a uma completa confusão: a Europa destruída do pós-guerra não era de forma alguma propícia a tais previsões. Mas ele estava convencido de que a arte do balé estava à beira de uma ascensão sem precedentes. E restava muito pouco tempo para esperar por isso, bem como pelo sucesso que se abateria sobre o próprio Bejart. 1959 foi o ano do destino de Maurice Bejart. Sua trupe, o Ballet Theatre de Paris, criada em 1957, encontrou-se em dificuldades situação financeira. E neste momento, Bejart recebe de Maurice Huysman, que acabara de ser nomeado diretor do Teatro de la Monnaie de Bruxelas, uma oferta para encenar A Sagração da Primavera. Uma trupe é formada especialmente para ela. Apenas três semanas são reservadas para os ensaios. Bejar vê na música de Stravinsky a história do surgimento do amor humano - desde o primeiro e tímido impulso até a chama frenética, carnal e animal dos sentimentos. Todos os dias, de manhã à noite, Bejar ouve “Primavera”. Ele imediatamente rejeitou o libreto de Stravinsky, acreditando que a primavera não tinha nada em comum com os mais velhos russos e, além disso, não queria de forma alguma encerrar o balé com a morte, tanto por motivos pessoais quanto porque ouviu algo completamente diferente na música. O coreógrafo fechou os olhos e pensou na primavera, naquela força elementar que desperta a vida em todos os lugares. E ele quer fazer um balé que conte a história de um casal, não de um casal qualquer em especial, mas de um casal em geral, de um casal como tal.
Os ensaios foram difíceis. Os dançarinos tinham pouca compreensão do que Béjar queria deles. E ele precisava de “barrigas e costas arqueadas, corpos quebrados pelo amor”. Bejar dizia a si mesmo: “Tem que ser simples e forte”. Um dia, durante os ensaios, ele de repente se lembrou de um documentário sobre o acasalamento de cervos durante o cio. Este ato de cópula dos cervos determinou o ritmo e a paixão da “Primavera” de Bezharov - um hino à fertilidade e ao erotismo. E o sacrifício em si foi um ato de cópula sagrada. E isso foi em 1959!
O sucesso de “Primavera” determinará o futuro do coreógrafo. Sobre próximo ano Huisman convidará Bejart para criar e dirigir um escritório permanente trupe de balé na Bélgica. O jovem coreógrafo muda-se para Bruxelas, nasce o “Ballet do Século XX” e Bejart torna-se um eterno dissidente. Primeiro ele cria em Bruxelas, depois vai trabalhar na Suíça, em Lausanne. É estranho, mas o mais famoso coreógrafo francês nunca será oferecido para dirigir o balé do primeiro teatro da França - a Ópera de Paris. Mais uma vez estais convencidos de que não há profeta no nosso país.

Maurice Ivanovich Mefistófeles

Um dia um crítico americano perguntará a Bejart: “Gostaria de saber em que estilo você trabalha?” Ao que Béjar responderá: “Qual é o seu país? balé clássico, então todos os tipos de danças folclóricas foram usadas."
EM União Soviética Maurice Bejart não teve permissão para entrar por muito tempo. Eles estavam com muito medo. A então Ministra da Cultura da URSS, Ekaterina Furtseva, disse: “Bezhar só faz sexo, e Deus, mas não precisamos de nenhum dos dois”. Bejar ficou surpreso: “Achei que fosse a mesma coisa!” Mas finalmente aconteceu. No verão de 1978, esta “caldeirão” visitou pela primeira vez o país estagnado e calmo dos soviéticos. As atuações do maestro causaram choque, principalmente “A Sagração da Primavera”. Quando as luzes do salão se apagaram e a turnê aconteceu no Palácio de Congressos do Kremlin, e o enorme palco do KDS começou a ferver e girar com o caos da dança de Bezharov, algo aconteceu com o público. Alguns sibilaram com raiva: “Sim, como você pode mostrar isso, é apenas pornografia”. Outros faziam ooh e aah silenciosamente e, escondidos na escuridão do corredor, se masturbavam.
Muito em breve Bejar tornou-se o coreógrafo estrangeiro mais querido dos cidadãos soviéticos. Ele até ganhou um nome do meio - Ivanovich. Este foi um sinal de especial gratidão russa; antes de Bejart, apenas Marius Petipa recebeu tal homenagem, aliás, também natural de Marselha.
Maya Plisetskaya escreverá em seu livro sobre seu primeiro encontro com a coreógrafa: “As pupilas azul-esbranquiçadas de olhos penetrantes, contornadas por uma borda preta, olham para mim. O olhar é penetrante e frio. Não pisquemos... Nós olhamos um para o outro. Se Mefistófeles existisse, então ele se parecia com Bejart, eu acho. Ou Bejart como Mefistófeles?..”
Quase todos que trabalharam com Bejart falam não apenas de seu olhar gélido, mas também de sua arrogância e intolerância ditatorial. Mas as primeiras damas e cavalheiros do balé mundial, muitos dos quais são famosos por seus personagens difíceis, obedeceram obedientemente a Mefistófeles-Béjart enquanto trabalhavam com ele.

Aliança de casamento

Bejart tinha uma relação especial com Jorge Donn. A união deles - criativa, amigável, amorosa - durou mais de vinte anos. Tudo começou em 1963, quando Jorge Donne, tendo pedido dinheiro emprestado ao tio para uma passagem de barco, chegou à França. Chegando a Bejart, perguntou ao mestre com voz aveludada se havia lugar para ele na trupe:
- O verão acabou, a temporada começa. Então eu pensei...
Um lugar foi encontrado e em breve este belo jovem se tornará estrela mais brilhante Trupe Bezharovsky "Ballet do Século XX". E tudo terminará no dia 30 de novembro de 1992 em uma das clínicas de Lausanne. Jorge Donn morrerá de AIDS.
Bejar admite que acima de tudo na vida amou o pai e Jorge Donna. “O que eu tinha antes de conhecer Donne?”, escreve Bejart. “Eu encenei três balés que ainda são importantes para mim hoje - “Symphony for One Man”, “The Rite of Spring” e “Bolero”. nunca não inventei... Essa lista vai ser muito longa.”
Donne morreu com Bejar apertando sua mão. “No dedo mínimo da mão esquerda, Jorge usava a aliança de casamento da minha mãe, que uma vez dei para ele usar”, lembra Maurice Bejart. “Essa aliança era muito querida para mim, por isso emprestei para Donn. feliz em usá-lo, sabendo como isso me faz sentir, Donn então disse que mais cedo ou mais tarde ele me devolveria. Eu chorei e expliquei para a enfermeira que era a aliança de casamento da minha mãe. me deu. Eu não queria vê-lo morto. Também não queria ver meu pai morto, tarde da noite, vasculhando a pilha de fitas de vídeo com gravações de meus antigos balés jogados atrás da TV. Assisti Donn dançar, isto é, ao vivo. E novamente ele transformou meus balés em sua própria carne, pulsante, comovente, fluido, novo e infinitamente reinventado todas as noites. Ele teria preferido morrer no palco.
Gosto de dizer que todos nós temos múltiplas datas de nascimento. Também sei, embora diga isto com menos frequência, que também existem várias datas de morte. Morri aos sete anos em Marselha ( quando a mãe de Bejart morreu. - V. K.), morri ao lado do meu pai em acidente de carro, morri em uma das enfermarias da clínica de Lausanne."

Eros-Tânatos

“O pensamento de uma pessoa, para onde quer que vá, encontra a morte em todos os lugares”, diz Bejar. Mas, segundo Bejart, “A morte é também o caminho para o sexo, o significado do sexo, a alegria do sexo Eros e Thanatos A palavra “e” é supérflua aqui: Eros-Thanatos chamei isso de não apenas um balé. mas muitos trechos diferentes coletados de balés de épocas diferentes." A morte é convidada frequente nas produções de Bejart - "Orfeu", "Salomé", "Morte Súbita", a morte assombra Malraux no balé de mesmo nome, há morte em "Isadora", no balé "Viena, Viena" . .. Segundo Bejart, na morte, que é o orgasmo mais forte, a pessoa perde o gênero, torna-se um ser humano ideal, um andrógino. “Parece-me”, diz Bejart, “que o momento monstruoso da morte é o maior prazer. Quando criança, eu estava apaixonado pela minha própria mãe, isso é claro. Aos sete anos experimentei Eros e Thanatos (. mesmo que eu ainda não soubesse que “ thanatos" significa "morte" em grego!) Quando minha mãe morreu, minha Vênus se tornou a Morte. Fiquei impressionado com a morte de minha mãe, tão linda e jovem. Eu diria que em vida há apenas dois eventos importantes: a descoberta do sexo (você sempre o redescobre) e a aproximação da morte. Todo o resto é vaidade.
Mas para Bejart a vida também existe; não é menos atraente e bela que a morte. Há muita coisa nesta vida que o fascina e atrai: a sala de balé, o espelho, os bailarinos. Este é o seu passado, presente e futuro. “Os marselheses conhecem esta canção: “Nesta casa de aldeia está toda a nossa vida...” diz Bejart “Cada marselhesa tinha a sua própria casa de aldeia.

Longa jornada

Maurice Bejart tornou-se uma lenda no século XX, mas ainda hoje, no século XXI, a sua lenda não desapareceu nem foi coberta pela pátina do tempo. Este europeu, professante do Islão, surpreendeu o público com as suas produções originais até ao último dia. Moscou viu "The Priest's House" com música RAINHA- um balé sobre pessoas que morreram jovens, para o qual Bejart se inspirou nas obras de Jorge Donne e Freddie Mercury. Os figurinos foram criados por Gianni Versace, com quem Bejara era associado amizade criativa. Em seguida houve um espetáculo de balé em memória de Gianni Versace com demonstração de modelos da Versace Fashion House; a peça "Brel e Barbara", dedicada a dois destacados cantores franceses - Jacques Brel e Barbara, bem como ao cinema, que sempre alimentou a obra de Bejart. Os moscovitas também viram novas interpretações do Bolero de Bezharov. Era uma vez neste balé eu cantei a Melodia em mesa redonda, rodeado por quarenta bailarinos, bailarina. Depois Béjar dará o protagonismo a Jorge Donna, e quarenta meninas ficarão sentadas ao seu redor. E "Bolero" se tornará uma variação do tema Dionísio e as Bacantes. Em Moscou em papel principal o gostoso Octavio Stanley se apresentou, cercado por um grupo formado igualmente por meninos e meninas. E foi um espetáculo muito espetacular. E então, na próxima visita da trupe de Bejart, foi mostrada outra interpretação muito ousada de “Bolero”. Quando o Jovem (Octavio Stanley) dança em cima da mesa, apenas rapazes o cercam. E no final, entusiasmados com sua dança, sua energia sexual, no final da melodia, eles o atacam em uma explosão apaixonada.
"Eu encenei balés. E vou continuar esse negócio. Vi como aos poucos me tornei coreógrafo. Cada uma das minhas obras é uma estação onde pára o trem em que fui colocado. De vez em quando passa um controlador, eu pergunte a ele, a que horas chegamos, ele não sabe. A viagem é muito longa. Os companheiros do meu compartimento passam muito tempo no corredor, encostando a testa no vidro, absorvendo as paisagens, as árvores. , pessoas..."

Numa série de programas sobre o destacado coreógrafo do século XX Maurice Béjart, Ilze Liepa fala sobre o florescimento da criatividade e dos principais balés em destino de palco maestro “A Sagração da Primavera” e “Bolero”…

Em 1959, Bejart recebeu o convite do recém-nomeado intendente do Royal Theatre de la Monnaie de Bruxelas, Maurice Huysman, para encenar o balé “A Sagração da Primavera” com música de Igor Stravinsky. Huysman queria abrir seu primeiro ano de atuação no teatro com um balé sensacional, então sua escolha recaiu sobre o jovem e ousado coreógrafo francês. Bejar duvida há muito tempo, mas a providência decide tudo. Tendo aberto uma vez o Livro Chinês das Mutações “I Ching”, a frase chamou sua atenção: “Brilhante sucesso graças ao sacrifício na primavera”. O coreógrafo interpreta isso como um sinal e dá uma resposta positiva à produção.

Ilze Liepa:“Béjart abandona imediatamente o libreto e a morte no final, como pretendiam Stravinsky e Nijinsky. Ele reflete sobre os motivos que podem motivar os personagens a viverem essa performance. De repente, ele percebe que existem dois princípios aqui - homem e mulher. Ele ouviu isso na música espontânea de Stravinsky, e então surge com uma coreografia incrível para o corpo de balé, que aqui é um corpo único, como se fosse um ser único. Em sua performance, Bejart apresenta vinte homens e vinte mulheres, e novamente suas incríveis descobertas são utilizadas. É preciso dizer que Bejart por natureza sempre foi um diretor brilhante. Então, mesmo na juventude ele tentou encenar performances dramáticas com meus primos. Posteriormente, esse dom único se manifestou na maneira como ele espalhou ousadamente grupos de dançarinos pelo palco. É a partir deste dom que crescerá a sua capacidade de dominar espaços gigantescos: ele será o primeiro a querer subir aos palcos de grandes estádios e o primeiro a compreender que o balé pode existir em tal escala. Aqui em A Sagração da Primavera isso aparece pela primeira vez; no final, homens e mulheres se reencontram e, claro, são atraídos um pelo outro pela atração sensual. A dança e toda a coreografia desta performance são incrivelmente livres e inventivas. Os dançarinos estão vestidos apenas com macacões justos da cor da pele, portantode longeseus corpos parecem nus. Refletindo sobre o tema desta performance, Bejart disse: “Que esta “Primavera” sem enfeites se torne um hino à unidade do homem e da mulher, do céu e da terra; a dança da vida e da morte, eterna como a primavera"

A estreia do balé foi marcada por um sucesso incrível e incondicional. Bejar está se tornando incrivelmente popular e elegante. Sua trupe muda seu nome para o ambicioso “Ballet do Século 20” (Ballet du XXe Siècle). E o diretor do teatro de Bruxelas, Maurice Huysman, oferece ao diretor e seus artistas um contrato permanente…