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Dmitry Vdovin nasceu em 17 de abril de 1962 na cidade de Yekaterinburg. Graduado Instituto Estadual artes teatrais em Moscou, e depois estudou na pós-graduação desta universidade sob a orientação da professora Inna Solovyova como crítica de teatro, publicada nos principais jornais e revistas centrais. Posteriormente, ele passou por um retreinamento e se formou na Academia de Artes Corais V.S. Popov como vocalista e professor de canto. De 1987 a 1992 - funcionário responsável por trabalhos na área de teatro musical do Sindicato dos Trabalhadores do Teatro da URSS.

Formada como professora de canto no ECOV - Centro Europeu de Ópera e arte vocal na Bélgica sob a direção do chefe do departamento vocal do Curtis Institute of Music da Filadélfia, Michael Elisen. Em 1992, Dmitry Vdovin tornou-se diretor artístico do Centro de Música e Teatro de Moscou, uma agência de arte que participou de projetos criativos conjuntos com grandes teatros, festivais e organizações musicais.

Desde 1996, D. Vdovin colaborou com a grande cantora russa I.K. Arkhipova como professora e líder dela. Escola de verão, co-apresentadora de sua televisão e programas de concertos. Desde 1995 - professor, de 2000 a 2005 - chefe do departamento vocal da Gnessin State Medical University, em 1999-2001 - professor da Academia Russa de Música Gnessin, desde 2001 - professor associado, chefe do departamento cantando sozinho Academia de Arte Coral em homenagem a V.S. Popov, desde 2008 - professor da Academia de Artes.

D. Vdovin ministrou master classes em muitas cidades da Rússia, bem como nos EUA, México, Itália, Letônia, França, Polônia e Suíça. Ele foi professor convidado regular do Programa Juvenil da Grande Ópera de Houston. De 1999 a 2009 - diretor artístico e professor da Escola Internacional de Domínio Vocal de Moscou, que possibilitou que os maiores professores e especialistas de ópera da Rússia, EUA, Itália, Alemanha e Reino Unido viessem a Moscou para trabalhar com jovens cantores

Membro do júri de muitas competições vocais de prestígio - Competição internacional Glinka, 1ª e 2ª Competições de Música Russa, Competição Internacional Le voci verdiane em Busseto, Competição Vocal Internacional em homenagem a Viotti e Pavarotti em Vercelli, AsLiCo em Como, Competições Internacionais em Paris e Bordeaux, Competizione dell'opera Italiana no Teatro Bolshoi , Concurso Internacional em Montreal, concurso do canal de televisão "Culture" "Big Opera", concurso vocal em Izmir, concurso internacional Moniuszko em Varsóvia, "Die Meistersinger von Nürnberg" em Nuremberg, Ópera de Tenerife em Espanha.

Desde 2009 - um dos fundadores e diretor artístico Programa Ópera Juvenil Teatro Bolshoi Rússia. Desde 2015 - professor convidado no Estúdio Internacional de Ópera da Ópera de Zurique. Master classes no Metropolitan Opera, Nova York.

Consultor musical do filme "A Dama de Espadas" de Pavel Lungin. Além disso, D.Yuvin foi vice-gerente de equipes criativas. trupe de ópera Teatro Bolshoi.

Vdovin Dmitry Yurievich
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Tipo de atividade:	intérprete de ópera, professor de canto
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Dmitry Yuryevich Vdovin(b.) - Figura de ópera russa e professor de canto, Artista Homenageado da Federação Russa, professor da Academia de Artes Corais.

Diretor artístico do Programa de Ópera Juvenil do Teatro Bolshoi da Rússia.

Biografia

Nasceu em 17 de abril de 1962 em Sverdlovsk (hoje Yekaterinburg). Ele se formou no Instituto Estatal de Artes Teatrais (agora RATI) em Moscou, e depois estudou na escola de pós-graduação desta universidade sob a orientação da professora Inna Solovyova como crítico de teatro (ópera), publicado nos principais jornais e revistas centrais. Posteriormente, passou por uma reciclagem e se formou na Academia de Artes Corais. V. S. Popova como vocalista e professora de canto. De 1987 a 1992 - funcionário responsável por trabalhos na área de teatro musical do Sindicato dos Trabalhadores do Teatro da URSS. Formou-se como professor de canto no ECOV - Centro Europeu de Ópera e Artes Vocais da Bélgica, sob a orientação do chefe do departamento vocal do Curtis Institute of Music da Filadélfia, Michael Elisen (1992-1993). Em 1992, Dmitry Vdovin tornou-se diretor artístico do Centro de Música e Teatro de Moscou, uma agência de arte que participou de projetos criativos conjuntos com grandes teatros, festivais e organizações musicais internacionais. Desde 1996, D. Vdovin colabora com a grande cantora russa I.K. Arkhipova como professora e diretora de sua Escola de Verão, co-apresentadora de seus programas de televisão e concertos. De 1995 - professor, de 2000 a 2005. - Chefe do departamento vocal da State Medical University em homenagem. Gnessins, em 1999-2001 - professor da Academia Russa de Música. Gnesins, desde 2001 - professor associado, chefe (até 2003) do departamento de canto solo da Academia de Arte Coral. V. S. Popova, desde 2008 - professor da AHI. D. Vdovin ministrou master classes em muitas cidades da Rússia, bem como nos EUA, México, Itália, Letônia, França, Polônia e Suíça. Foi professor convidado permanente Programa juvenil na Grande Ópera de Houston (HGO Studio). De 1999 a 2009 - diretor artístico e professor da Escola Internacional de Domínio Vocal de Moscou, que possibilitou que os maiores professores e especialistas de ópera da Rússia, EUA, Itália, Alemanha e Reino Unido viessem a Moscou para trabalhar com jovens cantores

Membro do júri de vários concursos vocais de prestígio - o Concurso Internacional que leva o seu nome. Glinka, 1ª e 2ª Competições de Música Russa, Competição Internacional Le voci verdiane (Vozes de Verdi) em Busseto, Competição Vocal Internacional em homenagem. Viotti e Pavarotti (Itália), Competições internacionais em Paris e Bordéus (França), Competizione dell'opera Italiana no Teatro Bolshoi, Competição internacional em Montreal (Canadá), competição do canal de TV "Cultura" "Grand Opera", competição vocal em Izmir (Turquia), Competições Internacionais com o seu nome. Moniuszko em Varsóvia, "Die Meistersinger von Nürnberg" em Nuremberg, Opera de Tenerife na Espanha.

Desde 2009 - um dos fundadores e diretor artístico do Programa de Ópera Juvenil do Teatro Bolshoi da Rússia. Desde 2015 - professor convidado no Estúdio Internacional de Ópera da Ópera de Zurique. Master classes no Metropolitan Opera, Nova York (Lindemann Young Artist Development Program).

Consultor musical do filme "A Dama de Espadas" de Pavel Lungin (2016).

Também D. Yu. Vdovin foi vice-gerente das equipes criativas da trupe de ópera do Teatro Bolshoi (2013-2014)

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Notas

Ligações

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Trecho caracterizando Vdovin, Dmitry Yuryevich

- Não, Isidora. Você sabe o que significa a palavra Franks? – balancei a cabeça negativamente. “Franks” significa simplesmente grátis. E os merovíngios eram o norte da Rússia que vieram ensinar aos francos livres a arte da guerra, do governo do país, da política e da ciência (assim como foram para todos os outros países, nascendo para o ensino e benefício de outras pessoas vivas). E eles foram chamados corretamente - Meravingli (nós-Ra-in-Inglia; nós, os filhos de Ra, trazendo Luz para nossa Inglaterra Primordial natal). Mas, claro, então esta palavra, como muitas outras, foi “simplificada”... e começou a soar como “Merovíngios”. Assim foi criada uma nova “história”, que dizia que o nome Merovíngios veio do nome do rei franco - Meróvia. Embora este nome não tenha nada a ver com o rei Meróvio. Além disso, o rei Merovius já era o décimo terceiro dos reis merovíngios. E seria mais lógico, naturalmente, nomear toda a dinastia com o nome do primeiro dos reis reinantes, não seria?
Assim como a outra lenda estúpida sobre o “monstro marinho” que supostamente deu origem à dinastia merovíngia, esse nome, naturalmente, também não teve nada a ver com isso. Aparentemente, os Pensadores das Trevas realmente queriam que as pessoas não soubessem o verdadeiro significado do NOME da dinastia Frank governante. Portanto, eles tentaram renomeá-los rapidamente e transformá-los em reis “fracos, azarados e patéticos”, mentindo mais uma vez sobre a história do mundo real.
Meravingli foi uma dinastia brilhante, inteligente e talentosa do norte da Rússia que voluntariamente deixou sua grande pátria e misturaram seu sangue com as mais altas dinastias da então Europa, para que desta nascesse uma nova e poderosa Família de mágicos e guerreiros, que poderiam governar com sabedoria os países e povos que habitavam a Europa semi-selvagem naquela época.
Eles eram mágicos e guerreiros maravilhosos, podiam curar os sofredores e ensinar os dignos. Sem exceção, todos os Meravigli usavam roupas muito cabelo comprido, a quem eles não concordaram em cortar em nenhuma circunstância, uma vez que extraíram o Poder Vivo através deles. Mas, infelizmente, isso também era conhecido pelos Pensadores das Trevas. É por isso que o mais castigo terrível A última família real Meravingl foi tonsurada à força.
Após a traição do tesoureiro real judeu, que com mentiras e astúcia colocou irmão contra irmão, filho contra pai nesta família, e então facilmente jogou com o orgulho e a honra humanos... Então, pela primeira vez na família real de Meravingley, a antiga fortaleza foi abalada. E a fé inabalável na unidade da Família deu a primeira rachadura profunda... A guerra centenária dos Meravingleys com o clã adversário começou a chegar ao seu triste fim... O último verdadeiro rei desta maravilhosa dinastia - Dagobert II, foi, novamente, morto traiçoeiramente - ele morreu enquanto caçava nas mãos de um assassino subornado que o esfaqueou nas costas com uma lança envenenada.

Foi aqui que terminou (ou melhor, foi exterminada) a dinastia mais talentosa da Europa, que trouxe luz e força ao povo europeu não esclarecido. Como vocês podem ver, Isidora, covardes e traidores em todos os momentos, não ousaram lutar abertamente, sabendo com certeza que nunca tiveram e não teriam, nem a menor chance de vencer honestamente. Mas com mentiras e baixezas derrotaram até os mais fortes, usando a sua honra e consciência a seu favor... sem se preocuparem com a sua própria alma “perecendo na mentira”. Assim, tendo destruído os “iluminados interferentes”, os Pensadores das Trevas criaram uma “história” que lhes convinha. E as pessoas para quem tal “história” foi criada aceitaram-na imediatamente com facilidade, sem sequer tentar pensar... Esta, novamente, é a nossa Terra, Isidora. E estou sinceramente triste e magoado por não conseguir fazê-la “acordar”...
Meu coração de repente doeu amargamente e dolorosamente... Então, afinal, em todos os momentos houve coisas brilhantes e pessoas fortes, que lutou corajosamente, mas desesperadamente, pela felicidade e pelo futuro da humanidade! E todos eles, via de regra, morreram... Qual foi o motivo de tão cruel injustiça?.. Qual foi o motivo de mortes tão repetidas?

Nasceu em 1962 em Sverdlovsk (hoje Yekaterinburg).
Ele se formou no Instituto Estadual de Artes Teatrais (GITIS-RATI) em Moscou, depois estudou pós-graduação com a professora Inna Solovyova na especialidade " crítica de teatro" Publicado nos principais jornais e revistas nacionais.
Posteriormente, passou por uma reciclagem, graduando-se na Academia de Arte Coral que leva seu nome. V.S.Popova.

De 1987 a 1992 - funcionário responsável por trabalhos na área de teatro musical do Sindicato dos Trabalhadores do Teatro da URSS.

Em 1992-93 Formou-se como professor de canto no Centro Europeu de Ópera e Artes Vocais (ECOV) na Bélgica, sob a orientação de Michael Elisen, chefe do departamento vocal do Curtis Institute of Music na Filadélfia.

Em 1992, Dmitry Vdovin tornou-se diretor artístico do Centro de Música e Teatro de Moscou, uma agência de arte que colaborava com grandes teatros, festivais e organizações musicais.

Desde 1996, Dmitry Vdovin colabora com a grande cantora russa Irina Arkhipova como professora e diretora de sua Escola de Verão, co-apresentadora de seus projetos de televisão e concertos.

Desde 1995 - professor, em 2000-05. - Chefe do departamento vocal do Estado escola de música eles. Gnessins, em 1999-2001. - professor Academia Russa música com nome Gnesins.
Em 2001-03 - Chefe do Departamento de Canto Solo da Academia de Arte Coral. V.S. Popova (desde 2001 - professor associado, desde 2008 - professor da AHI).

Dmitry Vdovin ministrou master classes em muitas cidades da Rússia, bem como nos EUA, México, Itália, Canadá, Letônia, França e Polônia. Foi professor convidado permanente do Programa Jovem da Grande Ópera Houston (Estúdio HGO).

Em 1999-2009 - diretor artístico e professor do Moscou escola internacional domínio vocal, que possibilitou que os maiores professores e especialistas de ópera da Rússia, EUA, Itália, Alemanha e Grã-Bretanha viessem a Moscou para trabalhar com jovens cantores. As mais brilhantes jovens estrelas da ópera russa da primeira década do novo século passaram por esta Escola.

Membro do júri de vários concursos vocais de prestígio - o Concurso Internacional que leva o seu nome. M. Glinka, eu sou totalmente russo competição de música, Competição Vocal Internacional que leva seu nome. G.B. Viotti (Itália), Competições Internacionais em Paris e Bordéus (França), Competição Internacional Competizione dell’opera, Competição Internacional em Montreal (Canadá), Competição do canal de TV “Cultura” “Grand Opera” e muitos outros.

Desde 2009 - diretor artístico do Programa de Ópera Juvenil do Teatro Bolshoi da Rússia.

Entre seus alunos estão vencedores dos mais prestigiados concursos, destacados solistas maiores teatros mundo, como o Teatro Bolshoi, La Scala, Metropolitan Opera, Royal Opera Covent Garden, Ópera Estatal de Viena, Ópera Estatal de Berlim, Paris ópera nacional, Teatro Real em Madrid e muitos outros.

Vale ressaltar que em três óperas, apresentada no festival ROF deste ano, as partes principais do tenor serão executadas por cantores da Rússia, todos alunos do professor Dmitry Yurievich Vdovin.

Os meses de verão, ao que parece, deveriam trazer um declínio na intensidade das paixões teatrais, mas isso não acontece. Apenas no verão existem inúmeras dificuldades e muito competições de prestígio e festivais. Entre o grande número de festivais lugar especial pertence à ROF – Rossinievsky Festival de Ópera, realizada anualmente na cidade de Pesaro, na Itália, cidade natal de Gioachino Rossini. A abertura deste festival acontecerá no dia 10 de agosto.

A programação do ROF-2017 será aberta com a apresentação da ópera “O Cerco de Corinto” de G. Rossini, com o tenor Sergei Romanovsky no papel principal. No dia seguinte, 11 de agosto, será apresentada a ópera Touchstone de G. Rossini com a participação do tenor Maxim Mironov. A ópera “Torvaldo e Dorliska” de G. Rossini será apresentada no dia 12 de agosto, e nela cantará o tenor Dmitry Korczak. Todos eles são alunos de Dmitry Vdovin.

- Qual é o segredo do “fenômeno escolar Vdovin”?

Uma pergunta que não é fácil de responder, pois é um tanto “fanfarra” por natureza. E, como você sabe, “com alarde” você pode trovejar. (risos) Mas por outro lado, não vou mentir, há resultados e os cantores com quem trabalhei ocupam um lugar definido e sério no teatro de ópera mundial. É interessante que na minha adolescência me interessei muito por Rossini. A razão para isso foram as gravações " Barbeiro de Sevilha" e "Mulheres italianas na Argélia". Foram feitas em russo, o que também desempenhou um papel importante; eu era muito jovem e, talvez, atuar em italiano não me cativasse tanto. Fiquei cativado pela teatralidade de Rossini, pelo seu humor, pela sua espantosa generosidade melódica e pelo seu hedonismo vital. E para mim, que vivi no clima rigoroso dos Urais e nas condições não menos adversas da URSS, não só a sua música, mas também toda a sua história (estava a ler “A Vida de Rossini” de Stendhal) parecia uma espécie de mundo extraordinário e festivo. O que eu só poderia fazer como um humilde proprietário de discos de vinil.

Mas aconteceu que no início do meu trabalho docente chegaram até mim três tenores com uma pequena lacuna no tempo, que se tornaram especialistas no repertório de Rossini. É verdade que nem tudo funcionou de forma tão simples. Maxim Mironov, de 18 anos, imediatamente, sem dúvida, pelas especificidades de sua voz invulgarmente aguda e muito móvel, foi considerado por mim um tenor de Rossini. A primeira ária que dei a ele foi Languir per una bella de An Italian Woman in Algiers, e depois O come mai non senti de Othello. E hoje ele é um dos melhores Lindors e Rodrigos.

Sergei Romanovsky... Nos primeiros meses e até um ano, provavelmente trabalhei mais com ele em Don Ottavio, Nemorino, Lensky. Embora não, logo começamos a cantar “Cinderela”, e lembro como Mironov a ouviu pela primeira vez, me ligando, como se outra pessoa cantasse Rossini. Foi Romanovsky! Mas a abordagem séria de Serezha a Rossini ocorreu quando decidi fazer uma apresentação semi-palco de “Journey to Reims” em Moscou. É preciso dizer que esta história de 10 anos atrás apresentou muitas pessoas tanto à profissão quanto ao mundo Rossini. Mas ela deu muito especialmente a Romanovsky, que era o único conde Libenskof. Esta é a parte mais difícil, mais virtuosa, e graças a ela atraiu a atenção de especialistas, muitos dos quais vieram especialmente a Moscou naquela época para nossa atuação praticamente estudantil. Logo depois, estreou-se nesse papel na Itália, em Treviso e Jesi, e logo descobriu-se que em uma série de apresentações no La Scala, Libenskoff cantou sucessivamente Korczak e Romanovsky. Foi um momento muito arriscado, era cedo para estrear num teatro tão importante tão jovem. Mas, mesmo assim, tudo seguiu em frente. Mironov cantou seu primeiro Rossini em La Fenice em Veneza (Mahomet II), este foi seu primeiro contrato no Ocidente após a competição Neue Stimmen, onde no final da ária de Lindor ele assumiu o Mi bemol estratosférico superior. A propósito, devo dizer que no início dos anos 2000 não havia tantos tenores Rossini como agora. A concorrência aumentou visivelmente.

Dmitry Korczak, que considerei mais como um tenor de Mozart, da ópera lírica francesa e do repertório russo (e acredito até hoje que estes são os seus mais pontos fortes), no entanto, Rossini começou a cantar muito. Suas excelentes habilidades musicais atraíram a atenção de grandes maestros (Muti, Chailly, Maazel, Zedda), bem como de Ernesto Palacio, ex-tenor Rossini muito proeminente, mais tarde mentor de Juan Diego Flores, e agora a primeira pessoa no mundo Rossini. , diretor do festival, e agora da Academia de Pesaro, terra natal de Rossini. Foi ele, Maestro Palacio, quem reuniu este ano os nossos três tenores, dos quais não posso deixar de me orgulhar.

Existem três tenores no ROF-2017, e todos eles são seus alunos. Estes são Korczak, Mironov, Romanovsky. São diferentes, claro, mas o que os une como seus alunos?

Eles são talentosos, muito inteligentes, cada um à sua maneira, e muito trabalhadores. Não suporto pessoas preguiçosas. Proprietários preguiçosos lindas vozes- para mim, são filisteus da arte, uma espécie de rentistas mentalmente barrigudos de suas habilidades vocais. Esses três não são nada disso. Artistas muito responsáveis, sérios e atenciosos. Isto é o que os une

- Caro Dmitry Yuryevich, breves informações biográficas sobre você podem ser encontradas na Internet, mas vamos começar de novo: com sua família, desde a infância. Como e onde começou sua introdução ao mundo da música, da voz e do teatro de ópera?

Nasci e cresci em Sverdlovsk. Meus pais, e todos os meus parentes em geral, são inteiramente físicos e matemáticos. Mamãe é professora de matemática superior na Ural State University universidade estadual, o pai é físico, foi diretor de um grande instituto de pesquisa, o tio também é físico, a tia é algebrista, o irmão é o chefe. Departamento de Matemática da Academia, agora em Yekaterinburg. Os primos espalhados pelo mundo são todos matemáticos.

Então sou a única exceção, como dizem, na família não sem... um músico!

Mas, ao mesmo tempo, todos estudaram música na infância: tanto o pai quanto o irmão. Mas de alguma forma eu “demorei” nisso. Ele se formou na escola de música em piano e ingressou no GITIS, o departamento de teatro. E aí meu pianismo acabou sendo muito útil, convivi com ele, acompanhando os vocalistas. Ou seja, foi uma espécie de “troca” - aprendi vocais com amigos e conhecidos e os “retribuí” tocando árias, romances no piano e aprendendo novas obras com eles. Eu realmente queria cantar na minha juventude, mas meus pais, sendo pessoas sérias, me aconselharam a procurar primeiro uma especialidade mais confiável, então me formei na faculdade como especialista em teatro, com especialização em ópera, e depois me formei na pós-graduação.

Infelizmente, não conheci um professor de canto de verdade que acreditasse em mim e me desse um impulso. Talvez não houvesse qualidades pessoais suficientes para uma carreira de cantor-solista, e graças a Deus percebi isso a tempo. Tudo o que não é feito é para melhor. Em geral, comecei a cantar decentemente bem tarde, aos 30 anos. Naquela época muitas pessoas já me conheciam mundo da ópera em uma capacidade diferente. A situação era delicada - no Sindicato dos Trabalhadores do Teatro eu “comandava” o teatro musical. Foi uma associação de curta duração no final da União Soviética, organizando grandes festivais e competições com orçamentos milionários e boas intenções...

No início dos anos 90, fui para a Bélgica para me aprimorar como professor de canto, e quando me ofereceram um contrato como cantor com uma agência bastante grande, de repente percebi que era tarde demais, como dizem, “todo o vapor se foi”, ou melhor, fui na outra direção – para ensinar.

- Mas há exemplos históricos carreiras vocais tardias - o tenor Nikandr Khanaev, que começou aos 36 anos, o baixo Boris Gmyrya - aos 33 anos, Antonina Nezhdanova estreou-se no palco profissional apenas aos 29.

Em primeiro lugar, viveram do início a meados do século XX, quanto mais próximos estão dos seus contemporâneos, mais difícil é encontrar cantores que comecem aos 30 anos, e depois, cada um tem a sua “margem de segurança” na perseverança em alcançar seus objetivos.

Quando a União Soviética entrou em colapso, organizamos um concerto e uma agência de atuação “fora das ruínas” das DST, que teve bastante sucesso. Lembro-me daqueles dias com especial gratidão, porque pela primeira vez aos 28 anos comecei a viajar para o estrangeiro por algum motivo antes não me tinham permitido ir para o estrangeiro; Isto proporcionou uma enorme experiência auditiva, a oportunidade de conhecer as melhores produçõesóperas nos palcos mundiais, avalie vozes ao vivo cantores famosos. eu descobri novo mundo, onde cantavam completamente diferentes dos nossos, com raras exceções.

Tive que quebrar algumas ideias em mim mesmo, porque minha audição estava “turva” pela tradição da ópera soviética, tanto no bom quanto no mau sentido da palavra. Fui reconstruído técnica e estilisticamente, meu gosto mudou. Não foi fácil, às vezes fiz coisas estúpidas. Por algum tempo estudei com os caras por interesse, nem me lembro de receber dinheiro para aulas.

E então fui convidado para dar aulas de canto na Escola Gnessin, no departamento de atores de teatro musical. Para mim, levaram o único aluno especialmente para a admissão adicional - Rodion Pogosov. Ele tinha 16 anos na época, nunca havia cantado e geralmente sonhava em se tornar um ator dramático. Mas em universidades de teatro ele não foi aceito e “de luto” entrou na escola e acabou comigo. Já aos 19 anos, no 3º ano, estreou-se como Papageno em “ Nova Ópera”, e aos 21 anos tornou-se o mais jovem participante do programa juvenil do Metropolitano, e assim por diante. Agora Rodion é um artista internacional muito procurado.

- Bom, nem a “primeira panqueca” ficou grumosa para você!

Sim, trabalhar com meu primeiro aluno exigiu de mim muita força e energia. Eu o forcei a praticar vocais o tempo todo, em parceria com sua mãe. Não eram aulas normais, duas vezes por semana, durante 45 minutos, mas aulas quase todos os dias. Simplificando, eu o persegui, superando a resistência e a relutância em aprender. Você pode entender completamente menino, que também não acreditava em suas capacidades vocais. Ele até riu dos cantores; o próprio processo de canto acadêmico lhe parecia ridículo.

- Acontece que você teve que estudar do zero! E tem-se a impressão de que os alunos de Vdovin - sabemos mais sobre os formandos da Academia Coral - já são rapazes preparados desde a infância, cantando dos 6 aos 7 anos, músicos muito competentes.

Agora dizem sobre mim que levo a nata da cultura para a minha aula, melhores vozes. Devemos pegar os ruins? Ou tenho que provar algo para alguém? Qualquer artista normal (artista, mestre) escolhe sempre o melhor. Sim, agora os jovens vêm até mim, vendo o resultado do meu trabalho, e tenho a oportunidade de escolher. E no começo eles me deram alunos diferentes. Então passei pela escola de retirar alunos difíceis. programa completo, e acho que isso é necessário para um jovem professor.

- Houve alguma opção completamente desesperadora? Para uma pessoa perder completamente a voz, ou abandonar a carreira vocal, mesmo que não seja sua culpa?

A idade extremamente jovem dos actuais recém-chegados é também um dos problemas. Anteriormente, as pessoas começavam a estudar canto profissionalmente aos 23-25 ​​anos, principalmente os homens, ou seja, pessoas fisicamente desenvolvidas, fortes não só no corpo, mas também no espírito, que escolheram significativamente a sua profissão. Agora, jovens de 15 a 16 anos vêm para as escolas e para a Academia do Coro da minha turma - aos 17 anos.

Acontece que aos 22 anos já são formados. Eu tinha um cara, um baixista muito bom, ele ganhava competições. Ele foi imediatamente aceito em um programa para jovens em um dos Países europeus, depois para o teatro. E é isso - faz muito tempo que não ouço nada sobre ele, ele desapareceu. Os chamados contratos de festival em teatros de repertório são especialmente arriscados para vocalistas muito jovens. Isso significa cantar tudo, seja adequado ou não à sua voz. Hoje - Rossini, amanhã - Mussorgsky, depois de amanhã - Mozart, e assim por diante, até Bernstein e a opereta. Veja bem, nem alguns anos se passaram e, em vez de uma voz, há resquícios de antigas belezas.

- Mas na tradição russo-soviética, uma variedade de estilos e nomes na peça sempre se alternavam, e os principais solistas também cantavam não 6-7 “La Traviata” ou “Pikovykh”, como agora no Ocidente, mas 4-5 das mais diversas funções por mês.

Acredito que as companhias de tempo integral e o teatro de repertório estão ultrapassados, fazem mal a todos: artistas, maestros, público. Em primeiro lugar, sempre faltam ensaios para manter os títulos atuais em boa forma. Não há ensaios suficientes, mesmo em companhias poderosas como a Metropolitan Opera de Nova York ou a Staatsoper de Viena. Portanto, não pense que tudo está ruim conosco, e eles estão completamente prósperos lá. Lembro-me de como minha aluna estreou no Met no papel principal mais difícil, sem um único ensaio de palco! Então ela saiu e cantou, o toca-discos travou e ela começou a ária nos bastidores.

Portanto, não sou um defensor do sistema de repertório em nosso país, considero-o uma relíquia dos tempos soviéticos, não relacionado à arte, mas ligado apenas à legislação trabalhista, à ideologia, etc. Então agora estamos em um beco sem saída e não sabemos o que fazer. Os cantores não têm certeza do futuro, mas, aliás, da profissão artista de ópera Em geral é bastante arriscado, a voz é um instrumento muito frágil, em caso de dúvida pode e deve inicialmente escolher outro campo. Os maestros não estão felizes porque o cantor não pode interpretar Mozart hoje e Prokofiev amanhã de maneira igualmente convincente. O público hoje também é mimado e precisa de estrelas ou de novos nomes. E resultam compromissos que são prejudiciais à arte.

Numa situação de free lanser, os cantores líderes têm sempre mais chances de dominar o repertório que lhes convém, de conhecer regentes interessantes, parceiros de igual nível, etc. E com que cuidado tudo pode ser ensaiado no caso de uma equipe de produção para um projeto específico!

- Mas então, numa situação em que não há nem 5-6, mas às vezes 12 apresentações consecutivas do mesmo título, os artistas não experimentam o efeito do automatismo, como os solistas nos musicais? Tenho dificuldade em entender como é possível trabalhar centenas de apresentações seguidas na Broadway com um dia de folga, muitas vezes sem reposição, retratando sentimentos, risos e lágrimas no palco...

Ao contrário da Broadway, na ópera os atores não aparecem todas as noites (exceto em emergências, há sempre um ou dois dias de descanso); E as performances raramente são realizadas mais de cinco vezes em um bloco de produção. Melhores teatros, assim como o mesmo Metropolitan, estão tentando reunir hoje os melhores intérpretes desta ópera em todo o mundo. E acredite, em um ambiente de alto profissionalismo e perfeição de cada detalhe, fica muito mais fácil para o artista se concentrar na imagem.

O exemplo do Met também é interessante para o público, pois em uma semana você pode ouvir os trabalhos dos mais estilos diferentes no melhor desempenho. Não é nenhum segredo que em ópera Na maioria das vezes, visitantes e turistas também procuram visitar os “nativos”. Assim, estando em Nova York em janeiro deste ano, em poucos dias visitei a talentosa compilação barroca “A Ilha Encantada”, vi o sensacional “Fausto”, depois “Tosca” e “A Filha do Regimento”. E para os “locais” lentos, os títulos de maior sucesso repetem-se após cerca de seis meses, como “Anne Boleyn”, que abriu a atual temporada de ópera.

Em geral, o tema das várias tradições da existência da ópera é incrivelmente interessante e difícil. Cada país tem seus aspectos racionais que podem ser combinados para sempre, basta conhecê-los e saber fazê-lo;

- Para você pessoalmente, especialmente no início atividade pedagógica, sua falta de experiência de palco atrapalhou?

No começo, claro, sim, foi um estorvo! Naturalmente, quando assisto a uma master class com minha amada Elena Vasilievna Obraztsova, simplesmente me deleito com suas comparações, discurso figurativo. Sua vasta experiência, trabalhando com mestres excepcionais além de rica imaginação artística pessoal - tudo junto é fascinante! Ao trabalhar um fragmento de uma ópera ou romance que conhece bem, ela constrói todo um mundo criado a partir do conhecimento e do talento juntos, no qual existe não só um elemento de atuação, mas também de diretor, e até de maestro.

Estou aprendendo o tempo todo! Estudei enquanto trabalhava com a inesquecível Irina Konstantinovna Arkhipova, agora ao lado de Obraztsova, com Evgeniy Evgenievich Nesterenko, com os professores do nosso Programa Juvenil. Revejo os riffs de novas peças e produções, inclusive estrangeiras, com meus alunos. Tudo isso é busca, escola, enriquecimento da prática pessoal. Tive sorte em termos de tempo; comecei a ensinar ativamente na idade em que cantores de ópera geralmente ocupados apenas consigo mesmos e com suas carreiras. Tive a oportunidade de mergulhar profunda e amplamente nos problemas pedagógicos - de ganhar experiência pedagógica, de trabalhar com todos os tipos de vozes, de estudar repertórios diversos.

- Deixe-me fazer aqui uma comparação um tanto inesperada. Existe a opinião de que os melhores obstetras são os homens, porque não conseguem compreender ou imaginar as dores do parto e agem com mais decisão e calma.

Sim, talvez o momento do meu distanciamento do desempenho como tal possa ser benéfico. Pensei muito sobre isso e cheguei à conclusão de que canto lírico e pedagogia vocal são duas profissões diferentes, semelhantes em alguns aspectos, claro, mas não em tudo.

Assim como existem, se recorrermos à medicina, um cirurgião e um diagnosticador. Um excelente cirurgião com “mãos de ouro” pode ser fraco no diagnóstico e vice-versa. Essas profissões exigem conhecimentos diferentes.

Nosso pedagógico é bastante estreito quando se trata apenas de técnica vocal e exige uma amplitude de visão enorme quando surgem questões de repertório, conhecimento da profissão do cantor por todos os lados. Sim, não canto no palco, mas faço isso o tempo todo nas aulas, mostrando com a voz. Não toco piano em público, mas consigo acompanhar bem os alunos. Eu era gerente, então posso contar aos alunos sobre as armadilhas dos contratos, os maus e boas condições discursos. Só que não fui eu quem regeu ou encenou a ópera, mas, mais uma vez, desempenho essas funções nos ensaios.

- E com tudo isso, você, Dmitry, é uma exceção à regra - um professor de canto de sucesso que não se apresentou no palco. Existem outros colegas com destino semelhante?

Posso citar Svetlana Grigorievna Nesterenko (homônima do nosso grande baixo), trabalhamos juntas no Programa Juvenil do Teatro Bolshoi, ela chefia o departamento vocal da Academia Coral. VS Popova. Entre seus alunos estão Alexander Vinogradov, Ekaterina Lyokhina, Dinara Aliyeva e muitos outros cantores dignos. E o público em geral não conhece muitos professores ocidentais de destaque como cantores. E em geral, nós, professores de canto, somos lutadores na frente invisível.

E com todas as reclamações nível geral Há um número bastante elevado de cantores no mundo agora, há até um certo excesso de oferta deles, mas a escassez de professores vocais sérios e que valham a pena é constante, pois era uma profissão fragmentada, e continua sendo. Esse é o paradoxo.

No início do trabalho, comentários de vocalistas experientes de que eu, dizem, não sou cantor, não cheirei maquiagem, não experimentei isso e aquilo, doeram, não muito, mas arranharam. E agora eu absolutamente não me importo. Me acalmei nesse sentido, tenho tantas tarefas, e tanta responsabilidade por dezenas de meus alunos de sucesso que estão espalhados pelo mundo. Precisamos evitar que cometam erros, que tentem interferir no seu repertório; precisamos escrever para eles, ligar para eles e convencê-los. Até o ponto de conflito - isso é raro, mas já aconteceu que terminou em briga e separação (não da minha parte). Todos querem ser adultos e ao mesmo tempo todos são vulneráveis, como as crianças! Às vezes eles não entendem que seu bom canto é meu profundo interesse, e não que eu seja um tirano com um chicote, vim a uma peça ou show para criticá-los duramente.

- Um professor muito velho e sábio em escola de música sempre logo após o concerto apenas elogiava os alunos, e adiava o “debriefing” para o dia seguinte. Como o palco é adrenalina, eles ainda não entenderão as críticas a sério na euforia dos aplausos, mas as asas e a vontade da criança de tocar música podem ser interrompidas com um comentário contundente.

Nesse sentido, tenho um caráter difícil. Sei que estou agindo errado, sendo uma pessoa emotiva e durona, mas nem sempre consigo me conter, embora tente.

Recentemente houve um concerto que não teve muito sucesso. Foi assim que aconteceu - uma situação difícil, poucos ensaios, mau contato com a orquestra. No final, fui até a galera e simplesmente citei E.V Obraztsova novamente: “Camaradas, hoje não tivemos um teatro, mas um clube com o nome de Tsuryupa”. Todos, claro, ficaram muito tristes, mas isso não impediu que o segundo show do dia seguinte fosse muito melhor!

Às vezes, é claro, você machuca seus alunos. Mas ao mesmo tempo eu digo: gente, mas eu também me machuquei e me ofendi com comentários, não culpo vocês por tudo, esses são nossos erros comuns, eu mesmo não durmo à noite, sofro, analiso .

- Professor que não repreende é o mesmo médico que não trata!

Existem também questões de diferenças mentais. Uma de minhas colegas, uma pianista muito famosa e uma professora maravilhosa na América, certa vez levantou a voz com raiva e jogou as notas para um aluno. Tem investigação, polícia, escândalo... Portanto, nos EUA não foi fácil para mim me acostumar a trabalhar nesse sentido: bom, às vezes eu quero adicionar emoções, levantar a voz para o aluno, mas isso é impossível lá.

Mas os alunos de lá são diferentes! Fiquei chocado na minha primeira visita à master class em Houston. Um bom e jovem barítono veio até mim e me mostrou a ária de Eletsky. Ofereci-lhe uma aula extra à noite, depois de todos os outros. Ele queria passar pela Cavatina de Figaro desde Sevilha. Mas às 18 horas, minuto a minuto, a pianista levantou-se e saiu - a jornada de trabalho acabou, tudo era rigoroso. Eu mesmo percebi que ficaria muito perdido no acompanhamento bravura de Rossini e disse: “Você gostaria de cantar Yeletsky de novo?” Ele concordou prontamente e me surpreendeu - nas poucas horas que se passaram desde a aula da manhã, ele consertou tudo! Todos os meus comentários sobre fraseado, pronúncia, entonação, atuação - tudo foi levado em consideração!

“Como você está fazendo isso?” - pergunto a ele. “Maestro, sentei-me, olhei as notas durante 15 minutos, ouvi a gravação da nossa aula, compreendi o que você disse - e a ária já está pronta.”

Foi um choque alegre para mim! Voltando a Moscou - como ele censurou seus alunos nativos por esse incidente, até que você diga a eles vinte vezes, eles não farão isso! Eles chegam às aulas sem gravador, às vezes até sem lápis e uma cópia extra da partitura para fazer anotações. O que posso dizer? Você tem que ser duro.

- Também tem meninas na sua turma. Existe diferença nas abordagens?

Até certo ponto, é mais fácil para mim com rapazes, mas sem meninas na classe seria simplesmente chato! É claro que a voz feminina exige que eu adote uma abordagem diferente da realidade vocal, maior concentração atenção. Material diferente e, consequentemente, ferramentas diferentes. Requer mais reflexão, mais esforço e até mesmo conhecimento técnico e experiência. Mas, como a vida tem mostrado, em geral, e com nas vozes das mulheres Eu posso fazer isso. E na sala de aula, a presença de diferentes gêneros dá uma enorme vantagem em termos de repertório e podem ser executados duetos;

- Existe uma crise geral na voz mundial no final do século XX e início do século XXI? comparado, por exemplo, com os anos 60-70 do século 20 e, em caso afirmativo, por quê?

Se você pensar dessa forma, então a crise sempre existiu. Durante o apogeu de Callas e Del Monaco, houve quem falasse com saudade dos tempos de Ponselles, Gigli e Caruso, e assim por diante, remontando ao fundo do tempo, ao início do século XIX, até completamente nomes lendários. Isto é da série: “O céu estava mais azul e a grama mais verde”.

Em princípio, a escola tornou-se melhor e mais igualitária em países diferentes, porque passamos a viver num único espaço de informação, tivemos a oportunidade de ouvir muitas vezes ao vivo ou numa gravação muito recente tudo o que há de melhor no mundo cenas de ópera. Para muitos amantes da música, embarcar num avião e em poucas horas estar em qualquer capital da música tornou-se uma realidade acessível.

Na minha opinião, a crise está noutro lado. Existem agora muitos profissionais fortes, o número de desempregados está a aumentar entre os quadros intermédios, mas há muito poucas vozes extraordinárias e notáveis. E não tanto em beleza, mas em potência e volume de som.

- Eu me junto a você inteiramente - poucos dos de hoje são os melhores cantores de ópera Posso descobrir sem avisar no rádio, embora “velhos” - instantaneamente, com duas notas!

E estes são também os custos da tecnologia! Todos começaram a cantar igualmente bem. Muitos antigos grandes nomes eram reconhecíveis, extraordinários e belos não só pelos seus méritos, mas também pelas suas “irregularidades divinas”, como os incomparáveis ​​Callas. Faltam não apenas timbres brilhantes, mas sobretudo individualidade, com raras exceções. Em parte porque os cantores tornaram-se agora extremamente dependentes dos ditames do diretor e a sua profissão não está na primeira linha em termos de importância para o teatro de ópera.

- Ah, nosso tópico favorito sobre o “diretor”! Como você se sente em relação a ela?

Agora é um período do teatro musical que todos estamos vivenciando, como doença ou mau tempo. Lembra quando estudamos a história da música e falamos sobre a “queda da ópera” na época barroca, sobre o “concerto fantasiado”? Em meados do século XX, junto com Callas, Luchino Visconti reinou nos palcos mundiais, a ópera começou a se fundir com o mundo do drama, do cinema, a desenhar imagens da pintura e, de certa forma, a ascender; nível artístico. Mas, como resultado, a ópera foi para o outro extremo, o maneirismo. Isto é especialmente radical na Alemanha, tanto que Peter Stein já disse em algum lugar quando se tratava de direção de ópera alemã: “Desculpe, mas neste contexto não me sinto confortável em me chamar de diretor alemão, não me considero um .”

Mas é interessante que durante séculos se tenha falado sobre a morte da ópera. Ela sempre se entrega a alguns extremos. Mas quando, ao que parece, tudo acabou, de repente ela consegue encontrar novos meios e reaparecer com toda a sua beleza.

- Sim, sim! É por isso que produções de fantasias tradicionais, como “Werther” em 2010 na Opéra Bastille em Paris, “Adrienne Lecouvreur” na temporada passada em Covent Garden, ou o mais recente “The Enchanted Island” no Met, arrancam aplausos desde a primeira abertura do cortina.

Mas eu não gostaria de parecer completamente ortodoxo, retrógrado e conservador nesta situação. Existem incrivelmente finos e profundos produções modernasópera.

Cada um determina o grau de persuasão e talento do próprio diretor, e também desenvolvi uma opinião pessoal sobre o assunto. Acredito que se a produção tiver uma lógica profunda, se cada “arma disparar”, então a produção será um sucesso. E se o diretor simplesmente reuniu em uma peça todas as imagens e metáforas que economizou em anos anteriores de inatividade, e não conseguiu sobreviver, e nós sentamos e não entendemos - então por que isso acontece? Em teoria, literalmente “andar sobre a cabeça” pode ser convincente, como demonstrou Nathalie Dessay em Ariadne auf Naxos.

- Mas o mestre vocal Vdovin não pode falar que andar de cabeça para baixo enquanto canta é difícil e não fisiológico, para defender seus alunos?

Não, infelizmente não posso dizer nada, embora às vezes fique indignado com muitas coisas. No teatro, todas as pessoas são dependentes e devem ser fiéis ao plano do diretor. Às vezes vejo que as pessoas ficam envergonhadas ao ponto de ficarem envergonhadas no palco em algum arranjo de diretor. De que persuasão artística estamos falando aqui! E o mais triste é que, tirando o egoísmo e o capricho, às vezes isso não faz o menor sentido. Mas, por outro lado, concordo que é possível mostrar um artista mesmo de uma forma feia, se houver nisso um propósito artístico verdadeiramente profundo.

Sou um especialista em teatro por formação, cujo primeiro diretor foi Pavel Aleksandrovich Markov, e cujo principal mestre foi Inna Natanovna Solovyova, ótimas pessoas. Vivi bons momentos no teatro - fui a apresentações de A. Efros, G. Tovstonogov, Y. Lyubimov, e houve tantas turnês em Moscou...

- Existem alunos que não querem “dobrar-se” à tirania dos encenadores e imaginar-se apenas no género puro de concerto de câmara?

Conheci uma dessas pessoas, porém, ele não era meu aluno. Ele tem tudo para se tornar um fenômeno marcante do nosso tempo - este é o baixo Dmitry Beloselsky. Deixou o coral e por muito tempo cantou apenas cantatas-oratório e concertos. Eu não queria ir à ópera. Só recentemente, aos 34 anos, ele mudou de ideia, veio para o Teatro Bolshoi e, graças a Deus, é assim. Nessa idade ele tem mais chances de não gozar. antes do previstoà distância, com inteligência e compreensão, construir um longo carreira de sucesso. Dmitry agora tem um sucesso incrível onde quer que atue. Do Metropolitano ao Bolshoi. Mas "puro" cantor de concerto Infelizmente, é difícil sobreviver financeiramente; a profissão de intérprete de câmara está praticamente morrendo. Infelizmente!

- O conceito de “escola vocal russa” faz sentido hoje em dia? A esse respeito, no concerto de formatura do Programa Juvenil do Teatro Bolshoi na primavera passada, que você, Dmitry, dirige, foi desagradavelmente surpreendente como os jovens cantores lidam melhor e mais convincentemente com a música ocidental e como é problemático para eles se apresentarem. Russo.

A escola russa existe, sem dúvida, porque existe um enorme património operístico e de língua russa. E como componente - tradição teatral. O próprio repertório russo dita uma abordagem técnica diferente das obras italianas, francesas, Música alemã. O problema, na minha opinião, é que a nossa música é pensada principalmente para vozes muito fortes, para cantores maduros. Já que a maioria das óperas foram escritas para os dois Teatros Imperiais, que sempre foram famosos por suas vozes poderosas e profundas. A questão de onde encontrar o verdadeiro Herman ou Marfa para “Khovanshchina” hoje está se tornando cada vez mais difícil de resolver...

Aliás, na América Tatiana é considerada uma faixa etária mais forte do que Lisa em “Spade”. E Yeletsky é mais forte que o conde em As Bodas de Fígaro. Lensky e Onegin também não são considerados papéis juvenis, como é costume aqui, apenas porque Pyotr Ilyich escreveu suas cenas líricas para estudantes do Conservatório de Moscou. Mas há uma orquestração muito densa e uma tessitura vocal complexa, com grandes saltos para o topo e para o fundo da gama, o que, acredite, como professor, nem todos os jovens cantores conseguem fazer. E considerando o quão problemática é a acústica em muitas salas, e o quão barulhentas as orquestras gostam de ser, você precisa ter vozes muito poderosas e fortes para suportar tudo isso. Desculpe, mas acho que a Antonida cavatina de Glinka, por exemplo, é tão difícil de escrever que pelo seu bom desempenho a soprano deveria receber imediatamente uma medalha nos bastidores! Outro ponto delicado é que os compositores russos, apesar de toda a sua genialidade, nem sempre dominavam as sutilezas da escrita vocal. E isso é compreensível - ela mesma tradição operística na Rússia não é tão antigo, e muitos dos seus representantes aprenderam isso sozinhos.

Mais sobre Glinka, em conexão com a sensacional última estreia de “Ruslan”, agora estou falando apenas do lado vocal, porque houve declarações na imprensa de que, dizem, não há ninguém realmente para cantar em comparação com o produção anterior do Teatro Bolshoi na década de 70 por B.A. Direi como testemunha viva e ouvinte - sim, naquela apresentação estavam os brilhantes Ruslan - Evgeniy Nesterenko, Lyudmila - Bela Rudenko, Tamara Sinyavskaya - Ratmir. Mas entre a abundância de personagens (e a performance foi realizada em 2 a 3 elencos), houve cantores que, por motivos desconhecidos, apareceram no palco do Teatro Bolshoi, e, não é segredo que houve apresentações, ao ir ao qual se poderia perder para sempre o interesse pela ópera como tal.

Deixe-me voltar à divisão de gêneros - existem cantores maravilhosos que são únicos nas óperas de Mozart, e isso é tudo. E outros deveriam cantar exclusivamente música russa - este é o seu ponto forte. Mas quando eles começam a cantar isso e aquilo, é pior para Mozart, Glinka e para os ouvintes.

- Infelizmente, nem todos os cantores têm uma mente analítica sóbria e vontade de recusar projetos aventureiros, como o seu Dmitry Korchak, que já foi oferecido para cantar Herman!

Sim, o Dima é ótimo nesse sentido, mas o fato de haver tão pouca música russa no repertório dele, porque a voz dele é muito leve, é uma pena, ele faz isso muito bem. E Vasily Ladyuk, aliás, também. Lembro-me da noite em que ele apresentou romances russos - embora não goste de romances orquestrados obras de câmara, mas Mikhail Pletnev fez isso incrivelmente bem; foi um dos melhores concertos para penetrar no significado da música!

Em geral, para cantar bem a música russa, é preciso trabalhar muito para se livrar de um grande número de clichês próprios, para não perder a sensação de frescor. Às vezes, os estrangeiros apresentam novos tons incríveis, e às vezes inconscientemente percebemos a tradição como um urtexto, clichê da gravação de um clássico reconhecido da cena russa de muito tempo atrás.

- Sobre “ouvir” gravações antigas. Há muito que ficou gravada na minha alma a afirmação de Svyatoslav Teofilovich Richter de que os jovens modernos, estragados pela disponibilidade de equipamentos de gravação, se acostumam a se controlar constantemente de fora, após a apresentação. E as gerações anteriores de músicos, privados deste benefício da civilização, desenvolveram a chamada “pré-audição”, ou seja, a capacidade de sentir antecipadamente a próxima frase musical, com o ouvido interno.

No tópico. Recentemente ouvi uma gravação de áudio do Met - “As Bodas de Fígaro”. E durante os conjuntos, às vezes eu não conseguia entender, sentado sem notas, quem estava soando agora - a Condessa, Suzanne ou Cherubino. Porque todos os três, desculpe, são pequenos Renee Flemings! Claro, a disponibilidade de gravações sonoras de tudo e de todos, You Tube, etc. deixe sua marca artistas contemporâneos, e a interpretação clichê vem daqui.

- Mas você pessoalmente permite que os alunos usem a tecnologia nas aulas e apresentações?

Eu permito, sim. Como homem do teatro Eu entendo que quando você começa a montar tarefas com a galera, procurando a origem disso ou daquilo imagem musical, causas e consequências - então os clichês desaparecem, a pressão sobre as gravações de áudio e vídeo de outras pessoas desaparece.

- Os cantores precisam de contexto histórico, conhecimento sobre a época e local de atuação de seu herói, sobre a biografia do autor?

Bem, é claro! Um artista ou cantor de ópera deve ser uma pessoa educada! Para preencher o trabalho, o texto com significado - mesmo em língua maternaé preciso entender não só as palavras, mas também toda a situação em torno do personagem, enredo, conexões históricas, se esse for o material. É terrível quando os jovens não sabem os nomes dos poetas que escreveram as letras dos romances, ou ficam sem saber onde fica a Flandres, que é cantada na ária de Don Carlos. Ou não percebe que a ária é dirigida a um parceiro e, essencialmente, trata-se de um dueto.

O mais importante é desenvolver a imaginação artística do cantor, fazê-lo ver e compreender o que está no fundo e nas entrelinhas.

- Em parte uma pergunta provocativa: o que você prefere - os vocais brilhantes do cantor combinados com talento artístico limitado e aparência indefinida, ou, pelo contrário, talento artístico brilhante com vocais muito moderados?

Pessoalmente, prefiro agora ficar em casa numa situação destas! Mas, falando sério, na ópera, um talento artístico brilhante combinado com vocais medíocres é inadequado; um vocalista pode não ser excelente em termos de força ou timbre, mas deve dominar totalmente seu instrumento. Caso contrário, de forma alguma, uma figura esbelta, traços faciais corretos e habilidades de atuação não irão salvá-lo se você perder completamente as notas - o que fazer, um gênero sintético.

É por isso que valorizamos tanto os mais raros exemplos da harmonia de tudo: uma voz fenomenal, musicalidade, enorme temperamento de atuação combinado com uma beleza brilhante e muito corajosa - assim foi Vladimir Andreevich Atlantov, que reinou no palco do Teatro Bolshoi. Tive a sorte de me comunicar com ele em anos de estudante. Atlantov provavelmente não foi um exemplo de pessoa ideal e refinada. escola vocal, mas ele me deu muito em termos de compreensão do processo canto de ópera, no que um verdadeiro Artista deveria ser.

Entrevistado por Tatyana Elagina