Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

), French operatic genre ng ika-2 kalahati ng ika-17 - ika-18 na siglo. Sinasalamin niya ang classicist trend sa French art (isang uri ng analogue sa mga trahedya ni P. Corneille at J. Racine). Siya ay nakikilala sa pamamagitan ng monumentality (isang 5-act na komposisyon na may isang overture), kabayanihan at kalunos-lunos. Ang mga lumikha ng Lyrical na trahedya - J.B. Lully, F. Sinehan. Nakumpleto ang pagbuo ng genre na J.F. Rameau.

Modern Encyclopedia. 2000 .

Tingnan kung ano ang "LYRICAL TRAGEDY" sa ibang mga diksyunaryo:

Lyrical na trahedya- (French tragedie lirique musical tragedy), French opera genre ng ika-2 kalahati ng ika-17 at ika-18 na siglo. Sinasalamin niya ang classicist trend sa French art (isang uri ng analogue sa mga trahedya ni P. Corneille at J. Racine). Siya ay nakikilala sa pamamagitan ng monumentalidad ... ... Illustrated Encyclopedic Dictionary

Ang orihinal na pagtatalaga ng genre ng Pranses. kabayanihan trahedya. operas (tragédie lyrique, tragédie en musique din tragedy set to music, musical tragedy). Nalalapat ang terminong L. t. preim. sa produksyon J. B. Lully (ang lumikha ng L. t. noong ika-17 siglo), J ... Music Encyclopedia

- (French tragédie lyrique musical tragedy), French opera genre ng ikalawang kalahati ng ika-17-18 na siglo. Sinasalamin niya ang classicist trend sa French art (isang uri ng analogue sa mga trahedya ni P. Corneille at J. Racine). Siya ay nakikilala sa pamamagitan ng monumentalidad (5 ... ... encyclopedic Dictionary

trahedya- at, mabuti. TRAJEDY, TRAJEDY at, f. trahedya, mikrobyo. Tragödielat. tragoedia gr. trahedya. 1. Dramatikong genre, na ang mga gawa ay nakikilala sa pamamagitan ng talas at kawalang-kilos ng isang tunggalian ng isang personal o panlipunang kalikasan at karaniwang nagtatapos sa ... ...

Isang malaking anyo ng drama, isang dramatikong genre, laban sa komedya (tingnan), partikular na niresolba ang dramatikong pakikibaka sa pamamagitan ng hindi maiiwasan at kinakailangang pagkamatay ng bayani at nakikilala sa pamamagitan ng espesyal na katangian ng dramatikong tunggalian. T. ang batayan nito ay hindi ... Literary Encyclopedia

Trahedya- TRAGEDY. Ang trahedya ay isang dramatikong gawain kung saan ang pangunahing aktor(at kung minsan ang iba pang mga character sa side clashes), naiiba sa maximum na lakas ng kalooban, isip at damdamin para sa isang tao, ay lumalabag sa isang tiyak na sapilitan (na may ... ... Diksyunaryo ng mga terminong pampanitikan

trahedya Makasaysayang Diksyunaryo ng Gallicisms ng Wikang Ruso

tradisyonal- TRAGEDY at, f. TRAJEDY, TRAJEDY at, f. trahedya, mikrobyo. Tragödielat. tragoedia gr. trahedya. 1. Isang dramatikong genre, ang mga gawa na kung saan ay nakikilala sa pamamagitan ng talas at kawalang-interes ng isang salungatan ng isang personal o panlipunang kalikasan at pagtatapos ... ... Makasaysayang Diksyunaryo ng Gallicisms ng Wikang Ruso

Opera ay isang terminong ginamit sa Europa. musika tradisyon para sa pagtatalaga ng entablado. musika mga representasyon (mula noong 1639 ito ay ginamit sa Italya, mula noong 70s ng ika-17 siglo sa France at England, mula noong simula ng ika-18 siglo sa Germany at Russia). Ang pag-apruba ng terminong O. ay nauna sa iba pang mga pagtatalaga ... Russian humanitarian encyclopedic dictionary

Armide, o Armide at Renault Armide ou Armide et Renaud Ang unang edisyon ng opera 1686 Composer Jean Baptiste Lully ... Wikipedia

Mga libro

• Othello. Lyrical na drama sa 4 na gawa,. Otello (Italyano: Otello) - opera ni Giuseppe Verdi sa 4 na gawa, sa isang libretto ni Arrigo Boito, batay sa laro ng parehong pangalan Shakespeare. Ang opera na ito ay bunga ng mahaba at malalim na pagmumuni-muni ng may-akda,…
• Othello. Liriko drama sa 4 na mga gawa. Libretto ni Arrigo Boito, Giuseppe Verdi. Ang Otello (Italyano: Otello) ay isang opera ni Giuseppe Verdi sa 4 na mga gawa, sa isang libretto ni Arrigo Boito, batay sa dula ni Shakespeare na may parehong pangalan. Ang opera na ito ay bunga ng mahaba at malalim na pagmumuni-muni ng may-akda,…

Ang mga may-akda ng sanaysay ay M. I. Teroganyan, O. T. Leontieva

Kung nasa harap mo ang mga poster ng isang lingguhan o sampung araw na repertoire ng lahat ng mga opera house sa bansa, sa halos bawat isa sa kanila ay makikita mo ang mga pangalan ng isa, dalawa, at posibleng tatlong opera na isinulat ng mga kompositor na Pranses. Sa anumang kaso, mahirap isipin ang isang opera troupe na hindi magtatanghal ng Carmen ni Georges Bizet o ng Faust ni Charles Gounod. Walang alinlangan, ang mga gawang ito ay kasama sa ginintuang pondo ng mga klasiko ng opera sa mundo, at ang oras ay walang kapangyarihan upang malabo ang kanilang mga kahanga-hangang kulay ng musika. Ang mga henerasyon ng mga tao ay nagtatagumpay sa bawat isa, ngunit ang katanyagan ng mga obra maestra na ito nina Bizet at Gounod ay hindi humihina.

Ngunit, siyempre, ang kahalagahan ng French opera sa makasaysayang proseso ng pag-unlad ng genre na ito ay malayo sa naubos ng mga pinangalanang gawa nina Gounod at Bizet. Simula kay Jean-Baptiste Lully (1632-1687), nararapat na ipagmalaki ng kulturang Pranses ang marami sa mga kompositor nito, na nag-iwan ng mahalagang pamana sa larangan ng musikal na teatro. Ang pinakamahusay na mga halimbawa ng pamana na ito ay may kapansin-pansing epekto sa pag-unlad ng iba pang mga pambansang paaralan ng opera.

Noong Abril 1659, ang dulang "Pastoral Issy" ay itinanghal sa Paris. Ang mga may-akda ng musika at lyrics nito ay Pranses: Robert Kamber at Pierre Peren. Ang marka ng dula ay hindi nakaligtas, ngunit isang poster ang nakaligtas, na nagpapahiwatig na ang "Pastoral" ay nakalista bilang "ang unang French comedy na itinakda sa musika at ipinakita sa France." Pagkaraan ng ilang sandali, noong 1671, binuksan ang Royal Academy of Music na may limang-aktong pastoral na "Pomona" ng parehong mga may-akda - sina Kambert at Peren. Nag-isyu si Louis XIV ng patent kay Peren, ayon sa kung saan ang huli ay ganap na namamahala sa produksyon sa Academy of Operas. Ngunit sa lalong madaling panahon ang mga renda ng Royal Academy of Music ay naipasa kay Jean Baptiste Lully, isang taong may mahusay na katalinuhan, hindi mauubos na enerhiya at komprehensibo talento sa musika. Isang mahalagang makasaysayang misyon ang nahulog sa kanyang kapalaran - ang maging tagapagtatag ng Pranses pambansang opera.

Ang pamana ni Lully ay kinakatawan ng mga musikal at teatro na gawa tulad ng Armida, Roland, Bellerophon, Theseus, Isis. Sa kanila, ang French opera art ay pinagtibay bilang isang liriko na trahedya (ang salitang "lyrical" noong mga araw na iyon ay nangangahulugang isang musikal, inaawit na trahedya). Ang mga pakana ng huli ay batay sa mga pangyayari sa sinaunang kasaysayan o mitolohiyang Griyego.

Ang mga marka ng opera ni Lully ay naglalaman ng maraming kabayanihan at liriko na mga sandali, mga eksena sa genre at mga yugto. Ang kompositor ay perpektong nararamdaman ang likas na katangian ng boses, ang kanyang mga solong bahagi ng boses, mga ensemble, mga koro ay mahusay na tunog. Ito ay kay Lully na ang mga kasunod na henerasyon ng mga Pranses na musikero ay may utang sa katotohanan na sa kanilang mga opera ang mga recitative na eksena ay mahusay na naghahatid ng melodiousness ng wikang Pranses. Lully - kilalang master pagsulat ng orkestra. Ang kanyang mga makukulay na paraan ay magkakaiba, ang paleta ng tunog ay malawak - lalo na sa mga kasong iyon kapag ang kompositor ay bumaling sa paglalarawan ng mga larawan ng kalikasan.

Si Jean Philippe Rameau (1683-1764) ay ang susunod na pangunahing tauhan sa genre ng opera pagkatapos ni Lully. Ang kanyang Hippolyte, Gallant India, Castor at Pollux, The Triumph of Hebe, Dardanus at iba pang mga gawa ay nagpapatuloy at bumuo ng mga tradisyon ni Lully. Minarkahan ng katangi-tanging panlasa, sila ay palaging melodic, maliwanag na theatrical. Bigyang-pansin ni Ramo ang mga eksena sa sayaw. Tandaan natin sa pagdaan na kahit gaano pa tayo magbago mga tampok na istilo Suporta ng Pranses, ang elemento ng sayaw ay palaging maglalaro ng isang kilalang papel dito.

Ang mga pagtatanghal ng opera ni Rameau, tulad ng sa kanyang hinalinhan na si Lully, ay walang alinlangan na kabilang sa mga makabuluhang phenomena ng buhay kultural ng Paris sa panahon ni Louis XV. Gayunpaman, ang panahon, na nakikilala sa mabilis na pag-unlad ng socio-political ng lahat ng mga seksyon ng bansang Pranses, ay hindi nasiyahan sa mga tradisyonal na artistikong ideya at anyo. Ang tumaas na panlasa at pangangailangan ng Parisian bourgeoisie ay hindi na tumutugma istilo ng musika opera ni Lully - Rameau kasama ang kanilang mga kalunos-lunos na plot na hinango mula sa sinaunang Griyego at biblikal na mga alamat. Ang nakapalibot na katotohanan imperiously iminungkahi sa mga musikero ng mga bagong imahe, tema, plots. Nagmungkahi siya ng bagong genre ng opera. Kaya sa kalagitnaan ng ikalabing-walo siglo, isang pambansang comic opera ang isinilang sa France.

Ang mga pinagmulan nito ay masayang Parisian farce at patas na pagtatanghal. Talamak na satirical sa kanilang oryentasyon, kinutya nila ang mga ugali ng mga naghaharing uri - ang aristokrasya, ang klero. Nalikha din ang mga parodies ng drama at opera. Ang mga may-akda ng ganitong uri ng mga representasyon ay kusang-loob na gumamit ng mga himig na umiral sa mga tao.

Ang paglitaw ng French comic opera ay naimpluwensyahan din ng The Servant Madam ni G. Pergolesi, na nakilala ng mga Parisian noong 1752 sa panahon ng paglilibot ng tropang Italyano. Simula noon, pinagtibay ng French comic opera ang kakaibang katangian ng Italyano: ang musikal na aksyon ay pinagsasama ng mga eksena sa pakikipag-usap - mga interludes.

Sa parehong taon 1752, nang ang The Servant-Madam ay nangyayari sa Paris, isinulat ni Jean-Jacques Rousseau ang kanyang "Country Enchanter". Hindi lamang puro panlabas na anyo ng genre ng komedya ang ginagamit dito. Ang "mangkukulam sa nayon" ay panimula na iginiit bagong uri pagganap sa musika: ang mga maalamat na figure at mythological heroes ay pinalitan ng French yugto ng opera ordinaryong tao na may kanilang pang-araw-araw na interes, saya at kalungkutan.

Kasama ni J. J. Rousseau, malaki ang utang ng French comic opera sa talento ng mga kompositor gaya ng E. R. Duny (1709-1775), P. A. Monsigny (1729-1817), F. A. Philidor (1726-1795) at A. E. M. Gretry (18131). Sa pakikipagtulungan sa P. Lesage, Ch. Favard, J. F. Marmontel at iba pang librettists, lumikha sila ng mahusay na mga halimbawa ng pambansang musikal na komedya. Sa ebolusyon nito, siyempre, dumaranas ito ng mga makabuluhang pagbabago - pangunahin sa mga tuntunin ng balangkas. Kasama ng isang masayahin at kaakit-akit na intriga, sensitibo, sentimental na mood, kung minsan ay mahusay na dramatikong damdamin, makahanap ng lugar sa libretto ng mga bagong comic opera. Ang mga tampok na ito ay minarkahan, sa partikular, ang Monsigny's Deserter, Nina, o Mad with Love ni N. Daleyrak, at sa partikular pinakamahusay na paglikha Gretry - "Richard pusong leon". Sa mga gawang ito, ang mga tampok na musikal ng romantikong opera ng kasunod na, ika-19 na siglo ay hinog na.

Habang ang genre ng comic opera ay umuunlad nang malaki kumpara sa mga unang eksperimento sa lugar na ito, nangingibabaw ang diwa ng mahigpit na mga klasikal na opera sa Royal Academy of Music, ang mga tema at istilo nito ay malapit sa malikhaing paaralan ni Gluck. Ito ay ang Tararus ni Antonio Salieri, Oedipus in Colon ni Antonio Sacchini, Demofont ni Luigi Cherubini.

Sa aming kwento tungkol sa kasaysayan ng French opera, hindi nagkataon na binanggit ang pangalan ng German composer na si Christoph Willibald Gluck. Ilang sandali bago ang tagumpay ng Pranses rebolusyong burges 1789 Sinundan ng Paris nang may malalim na interes ang mga aktibidad ni Gluck, na pinili ang kabisera ng France bilang artistikong arena kung saan ang kanyang sikat na reporma sa opera. Ang Gluck ay batay sa isang French lyric na trahedya. Siya, gayunpaman, ay inabandona ang purong pampalamuti luho, kapansin-pansin sa panlabas na epekto at katangian ng mga maharlikang ideya ng panahon ng Lully-Ramo. Ang lahat ng mga hangarin ng kompositor, ang lahat ng kanyang nagpapahayag na paraan ay nasa ilalim ng isang layunin: upang makagawa ng isang makabuluhan, natural at lohikal na pagbuo ng musikal na drama mula sa opera. Ang lahat ng mga paaralan sa opera, kabilang ang French opera house, ay sinamantala ang mataas na artistikong tagumpay ni Gluck sa isang antas o iba pa.

Ang storming ng Bastille (Hulyo 14, 1789) ay nagmamarka ng simula ng isang rebolusyonaryong kaguluhan sa France. Lahat ng aspeto ng sosyo-politikal na buhay ng bansa ay kapansin-pansing nagbabago. Gayunpaman, nakakapagtaka na ang panahong ito, sa maikling panahon, ngunit puno ng magulong mga kaganapan, ay hindi minarkahan ng gayong mga gawaing opera, na sa mga artistikong makabuluhang larawan ay kukuha ng kadakilaan ng mga kaganapan. Ang masiglang paggalaw ng buhay panlipunan ay nagdirekta ng mga malikhaing pagsisikap Mga kompositor ng Pranses at ang mga nakahanap ng pangalawang tahanan sa France (halimbawa, Luigi Cherubini), sa ibang direksyon. Isang malaking bilang ng mga martsa, mga rebolusyonaryong kanta ang nalilikha (kabilang sa mga ito ang mga obra maestra tulad ng "All Forward" at "Carmagnola" ng hindi kilalang mga may-akda, "La Marseillaise" ni Rouget de Lisle), mga choral at orchestral na gawa na inilaan para sa mga manonood ng mga lansangan at mga parisukat, para sa mga parada at prusisyon, para sa mga dakilang pambansang kasiyahan. Kasabay nito, hindi umaangat ang opera house sa mga musical-dramatic na pagtatanghal ni Gretry tulad ng "Offering to Liberty", "Triumph of the Republic" o "The Republican Chosen One". Ang mga komposisyong ito ay itinanghal sa Royal Academy of Music, na pinalitan ng pangalan noong panahong iyon sa National Opera Theatre. Sa mga araw kung kailan bumagsak ang monarkiya at pinatay si Haring Louis XVI, minarkahan nila ang pagkawasak ng mahigpit na istilo ng klasisismo, mula pa noong panahon ni Lully.

Ang pinaka makabuluhang kababalaghan ng inilarawan na panahon ay ang genre ng opera na "horrors and salvation". Ang panlipunang motibo sa mga opera na ito ay hindi makabuluhan: isang purong pag-ibig na tema ang nanaig na may halong walang muwang na moralidad. Isang nakakaaliw na kwento na puno ng lahat ng uri ng pakikipagsapalaran. Anumang kasawian ang dumating sa bayani o pangunahing tauhang babae - kung minsan ay nagmula sila sa mababang uri - sila ay palaging "sa ilalim ng kurtina" na naghihintay ng isang masayang denouement. Ang inosenteng biktima at mabuti ay nagtagumpay, ang kontrabida at bisyo ay pinarusahan.

Sa mga opera na "horrors and salvation" ang diwa ng melodrama ay naghari, mayroong maraming mga kamangha-manghang mga sandali. Ang kanilang dramaturgy ay binuo ng mga kompositor sa isang contrasting na paghahambing ng iba't ibang mga sitwasyon sa entablado. Ang mga karakter ng mga pangunahing tauhan ay pinili at binigyang-diin sa pamamagitan ng musikal na paraan. Hangga't maaari, ang sitwasyon ng aksyon ay tumpak na naihatid. Ang romantikong espiritu ay tumindi, ang marka ay pinayaman nang husto dahil sa mas malawak na paggamit ng mga genre ng pang-araw-araw na musika - couplet song, romance, march, meloically close at accessible sa pinakamalawak na hanay ng mga tagapakinig. Ang istilo ng opera na "horrors and salvation" ay may positibong epekto sa kasunod na pag-unlad ng hindi lamang Pranses, kundi pati na rin ang sining ng opera sa mundo. The Horrors of the Monastery by Burton (1790), Gretry's William Tell (1791) at Cherubini's Lodoiska (1791) ang mga unang gawa ng genre na ito. Mula sa mga serye ng mga opera na sumunod sa kanila, iisa-isa namin ang The Cave ni J. F. Lesueur (1793) at The Water Carrier (o Two Days) ni Cherubini (1800).

Ang mga taon ng konsulado at imperyo ni Napoleon Bonaparte (1799-1814) ay nag-iwan ng kapansin-pansing imprint sa kulturang musikal ng Pransya. Ang "Imperial Academy of Music" (bilang ang "National Opera Theatre" ay tinatawag na ngayon) ay nagtanghal ng mga opera na pangunahing batay sa mga alamat, mito o sinaunang makasaysayang mga kaganapan. Isang mataas na tono ang naghahari sa entablado, natatabunan ng isang pagtatanghal ang isa pa sa kanyang karangyaan at karangyaan. Ang iba pang mga gawa ay isinulat na may lantad na layunin upang luwalhatiin ang makapangyarihang Napoleon.

Para sa mga kompositor ng "Imperial Academy of Music" ng mas lumang henerasyon at kabataan, na papasok pa lang sa independent malikhaing paraan. Ang pinakamahusay na mga opera sa panahong ito ay ang "Semiramide" ni S. S. Catel, "Bards" ni J. F. Lesueur at lalo na ang "The Vestal Virgin" ng Italian G. L. Spontini, na ang maliwanag na theatricality at spectacle ay inaasahan ang operatic work ni D. Meyerbeer.

Ang mga pagtatanghal ng comic opera ay ginaganap sa dalawang sinehan - Feido at Favard. Matagumpay na nagtrabaho dito sina E. N. Megyul at N. Daleirak, N. Yvoire at F. A. Boildieu. Ang "Joseph in Egypt" ni Megül (1807) ay dapat ituring na isang kakaibang kababalaghan, kung saan walang mga pag-iibigan o mga babaeng karakter. Sa isang mahigpit na istilo ng musika, na nabuo ng alamat ng Bibliya, maraming liriko na tumatagos na mga pahina sa opera. Kawili-wili din ang magaan at matikas na "Cinderella" ni Isoire (1810). Ang parehong mga opera ay naiiba sa kabuuan ng kanilang musikal at nagpapahayag na paraan. Parehong nagpapatotoo na ang genre ng comic opera ay naging flexible at malikhaing nangangako para sa pagpapaunlad ng musikal at theatrical art.

Tagumpay sa French komiks opera XIX V. ay higit na nauugnay sa pangalan ni Boildieu, na lumikha sa panahon ng pagpapanumbalik ng Bourbon (1814-1830) ang kanyang pinaka makabuluhang gawain- "The White Lady" (1825) (Ang libretto ng opera ay pag-aari ng sikat na manunulat ng dulang si Eugene Scribe, isang patuloy na katuwang kasama sina Meyerbeer, Offenbach at isang bilang ng iba pang natitirang mga kompositor.). Ang musika ng opera ay dahil sa malalim na pag-unawa ni Boildieu sa romantikong diwa ng pinagmulang pampanitikan, na isinulat ni Walter Scott. Ang may-akda ng The White Lady ay isang mahusay na operatic playwright. Ang mga elemento ng pantasya ay matagumpay na umakma sa makatotohanang pagbuo ng aksyon; ang orkestra, mga soloista at mga koro ay mahusay na tunog. Ang papel ng mga gawa ni Boildieu ay medyo malaki: ang mga direktang thread ay napupunta mula sa kanya sa genre ng lyrical opera, na itinatag ang sarili sa entablado ng Pransya noong ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo.

Gayunpaman, nagawa ni Daniel Francois Esprit Aubert (1782-1871) na makamit ang pinakadakilang taas sa larangan ng comic opera. Ang Peru ng kompositor ay nagmamay-ari ng napakahusay na halimbawa ng genre bilang Fra Diavolo (1830). Si Aubert ay lubos na nauunawaan at nararamdaman ang katangian ng comic opera. Ang musika ng "Fra Diavolo" ay magaan at matikas, melodiko at madaling maunawaan, pinaypayan ng banayad na katatawanan at liriko.

Ang isa pang maluwalhating pahina sa kasaysayan ng French opera house ay konektado sa pangalan ni Aubert. Noong 1828, naganap ang premiere ng kanyang The Mute from Portici (o Fenella) sa entablado ng Grand Opera, linya ng kwento na batay sa mga pangyayaring nauugnay sa pag-aalsa ng Neapolitan noong 1647. Nilikha ng kompositor bago ang rebolusyon ng 1830, sa bisperas ng pagbagsak ng dinastiyang Bourbon, ang opera ay umapela sa nasasabik na kalagayan ng publiko noong mga taong iyon. Bilang produkto ng isang makasaysayang-bayanihang plano, inihanda niya, "kasama" ang "William Tell" ni Rossini, ang lupa para sa pag-usbong ng natitirang talento ni Giacomo Meyerbeer.

Sa unang pagkakataon, nakilala ni Paris ang operatic work ni Meyerbeer noong 1825, nang ang kanyang "Crusader in Egypt" ay itinanghal sa Grand Opera. Kahit na ang trabaho ay nagkaroon ng isang tiyak na tagumpay sa publiko, ang kompositor, perpektong orienting ang kanyang sarili sa kapaligiran masining na buhay Ang Paris, ang musikal na "kabisera" ng mundo, ay naunawaan na ang ibang istilo ng opera ay kailangan, na naaayon sa ideolohiya ng bagong burges na lipunan. Ang resulta ng mga kaisipan at malikhaing paghahanap ni Meyerbeer ay ang opera na Robert the Devil (1831), na ginawang European celebrity ang pangalan ng may-akda nito. Dagdag pa, isinulat ng kompositor ang "Huguenots" (1836), pagkatapos - "Propeta" (1849). Ito ang mga gawa ni Meyerbeer na nagtatag ng istilo ng tinatawag na "grand" opera.

magkaiba sa plot at ideolohikal na oryentasyon, ang mga opera ni Meyerbeer ay pinag-isa ng marami karaniwang mga tampok. Una sa lahat - isang koneksyon sa direksyon ng romanticism, na itinatag sa European art - panitikan, pagpipinta. Bahagyang nararamdaman ang mga batas entablado ng teatro, ang kompositor sa bawat kaso ay nakakamit ng nakamamanghang panoorin. Ang aksyon ng kanyang mga opera ay palaging mabilis na umuunlad, ito ay puno ng mga kapana-panabik na kaganapan; ang damdamin ng mga tauhan ay malinaw na maliwanag, ang kanilang mga karakter ay marangal at dakila. Ang malikhaing pag-iisip ng kompositor ay inspirasyon lamang ng mga taong may kawili-wili, minsan kalunos-lunos na kapalaran (Robert sa Robert the Devil, Raul at Valentine sa The Huguenots, John of Leiden sa The Prophet).

Ang operatic dramaturgy ni Meyerbeer ay umaasa sa pamamaraan ng contrast - kapwa sa pagitan ng mga kilos at sa loob ng mga ito. Batay sa isang mahusay na kaalaman sa Italian opera school, ang vocal style ng kompositor ay minarkahan ng malawak na pag-awit at malinaw na ipinahayag na melodic na simula. Ang isang nabuong bahagi ng orkestra ay isang pantay na bahagi ng musikal na dramaturhiya ni Meyerbeer. Sa tulong ng tunog ng orkestra kung minsan ay nakakamit ng kompositor ang napakalakas na mga dramatikong epekto (bilang halimbawa, kunin natin ang sikat na eksena ng "Conspiracy and Consecration of Swords" sa ika-apat na act ng "The Huguenots"). Sa loob ng higit sa isang-kapat ng isang siglo, ang estilo ng "grand" opera ni Meyerbeer ay ang nangungunang isa sa France, na nakaimpluwensya sa parehong mga domestic composers at iba pang mga masters. mga pambansang paaralan(lalo na." Kasambahay ng Orleans» Malinaw na may mga bakas ng pagkakalantad si Tchaikovsky operatic dramaturgy Meyerbeer - Scribe).

Isa sa mga pinakamaliwanag na pahina sa kasaysayan kultura ng musika Ang France ay kabilang sa makabuluhang panahon na nauugnay sa lyric opera. Una klasikong pattern ang kanya ay si Faust ni Charles Gounod, na ipinalabas noong 1859, iyon ay, noong kalagitnaan ng ikalabinsiyam siglo. Sa mga sumunod na dekada, ang genre ng lyric opera ay nangibabaw sa French musical theatre, sa kalaunan ay nagpapatunay na ang pinaka-mabubuhay sa mga tuntunin ng artistikong interes sa ngayon. Mahaba ang listahan ng mga kompositor na nagtrabaho sa genre na ito. Ang higit pa, siyempre, ay ang listahan ng mga gawa na sumunod kay Faust. "Romeo at Juliet" (1867) ni C. Gounod; "Pearl Seekers" (1863), "Jamile" (1871) at "Carmen" (1875) ni J. Bizet; "Beatrice at Benedict" G. Berlioz (1862); "Mignon" A. Thomas (1806); "Samson at Delilah" ni C. Saint-Saens (1877); "Tales of Hoffmann" ni J. Offenbach (1880); "Lakme" L. Delibes (1883); "Manon" (1884) at "Werther" (1886, premiere - 1892) J. Massenet - ito ang pinakamahusay, pinakasikat na mga halimbawa ng French lyric opera.

Kahit na ang pinakasimpleng kakilala sa pamana ng entablado ng mga kompositor na ito ay nakakumbinsi sa amin na sa anumang kaso malikhaing sariling katangian hindi umuulit ng isa pa. Ito ay dahil hindi lamang sa pagkakaiba ng mga talento; sa halip, ang pagkakaiba sa pagitan ng ideolohikal at aesthetic view mga artistang hindi sabay na nabuo. Kaya, halimbawa, ang opera na Werther ay isinulat halos labintatlong taon mamaya kaysa kay Faust, sa ibang sosyo-historikal na panahon: 1859 ay tumutukoy sa panahon ng Ikalawang Imperyo (Napoleon III), 1886, nang nilikha si Werther, - sa pagtatatag. ng isang burges na republika sa bansa. Gayunpaman, si Werther, tulad ni Faust, ay kabilang sa genre ng lyrical opera.

Ang genre ay naging napaka "capacious" sa sarili nitong paraan. Ito ay kinakatawan ng parehong "Faust", na lumalapit sa istilo ng isang "grand" opera sa mga panlabas na anyo, at ang two-act, "chamber" opera na "Beatrice and Benedict" ni Berlioz; ang pinaka-makatang "Tales of Hoffmann" ni Offenbach, na siyang tanging operatic opus ng dakilang mambabatas ng French operetta, at isang napakatalino na halimbawa ng realismo sa entablado - "Carmen" ni Bizet. Kung idaragdag natin sa itaas na ang liriko na opera ay nailalarawan sa pamamagitan ng madalas na pag-akit ng mga may-akda nito sa mga klasiko ng world fiction (Goethe, Shakespeare), sa mga oriental na tema ("Pearl Diggers", "Jamila", "Lakme"), sa mga paksa sa bibliya ("Samson at Delilah"), kung gayon sa pangkalahatan ang inilarawan na kababalaghan ay magpapakita ng motley, magkasalungat na larawan.

Tandaan, gayunpaman, ang sumusunod na regularidad. Ang French lyric opera, bilang panuntunan, ay umaalis sa malalaking makasaysayang at kabayanihan na mga tema, na nakakulong sa sarili nito pangunahin sa globo ng matalik na buhay ng isang tao. Ang hypertrophied constructions ng "malaking" opera, ang mga nabuong choral scenes at ensembles ay pinapalitan ng romance, cavatina, ballad, arioso, ibig sabihin, puro chamber stage forms. Kailan nagiging batayan ng libretto pinakadakilang mga likha panitikan sa daigdig - halimbawa, "Hamlet" at "Romeo and Juliet" ni Shakespeare, "Faust", "Werther" at "Wilhelm Meister" ni Goethe - ang opera ay nawalan ng malalim na ideyang pilosopikal, na nagbibigay-diin sa drama ng pag-ibig.

Ngunit ang mga "minus" na ito ng bagong musical at theatrical genre ng French art ay natubos ng maraming "plus" nito. Nakatuon ang iyong atensyon sa kapayapaan ng isip tao, ang mga may-akda ng mga liriko na opera ay lumikha ng mga gawa na minarkahan ng tunay na katapatan at init ng pakiramdam. Marami sa kanila, partikular sa Massenet, katangian ng portrait natanggap ng mga bayani ang pinakamadaling sikolohikal na pagkakumpleto.

Sa mga score nina Gounod at Bizet, Offenbach at Delibes, Thomas at Massenet, may mga madalas na kaso ng paggamit ng mga halimbawa ng pang-araw-araw na alamat ng lungsod, na naging dahilan upang ang mga gawa ng mga kompositor na ito ay malapit at naiintindihan ng mass listener.

Hiwalay, dapat itong sabihin tungkol sa "Carmen" ni Bizet. Ang pinakabihirang katotohanan sa paglilipat ng masalimuot na damdamin at relasyon ng tao, ang kapangyarihan emosyonal na epekto sa madla, ang kahanga-hangang kagandahan at kasabay nito ang kamangha-manghang katalinuhan ng marka, na sumasalamin sa parehong mabagyo na saya at ang trahedya ng kapahamakan, inilagay ang opera ni Bizet sa mga natatanging gawa ng buong mundo ng panitikan sa musika.

Ang French opera ay hindi maiisip kung wala ang Pelléas et Mélisande ni Claude Debussy (1862-1918) at The Spanish Hour ni Maurice Ravel (1875-1937).

Si Debussy ang nagtatag ng impresyonismo sa musika. Ang kanyang tanging opera, na nilikha sa pinakadulo simula ng ika-20 siglo. batay sa drama ng parehong pangalan ng simbolista na si M. Meterliik, ganap na sumasalamin sa aesthetics ng kakaibang kalakaran na ito sa sining. Ang opera ay naglalaman ng maraming magagandang tuklas kapwa sa larangan ng harmonic at orchestral na kulay, at sa larangan ng recitative-declamatory writing. Gayunpaman, sa loob nito, naghahari ang walang pag-asa na pesimismo.

Ang "Spanish Hour" ni Ravel ay isang lyric-comedy opera. Ang pangunahing atensyon ng may-akda nito ay nakatuon sa orkestra. Sa tulong nito, ang musikal na buhay ng workshop ng relo, kung saan nagaganap ang aksyon ng opera, ay iginuhit, kamangha-mangha sa mga tuntunin ng pagpapatawa at katumpakan ng pagpaparami. Tulad ng sa mga ballet ni Ravel, ang mga orihinal na "choreographic symphony" na ito, sa "Spanish Hour" lahat ay batay sa isang nakakaaliw na intriga at isang orkestra na palette na nakakaakit sa mga kulay nito. Ang pinakamahalagang bahagi ng musical operatic dramaturgy ay ang kompositor ay sadyang kumuha ng malawak na binuo na vocal form sa background, na nagbibigay-daan sa recitative-declamatory na paraan ng vocal writing.

Ganito, sa madaling sabi, ang kasaysayan ng French opera mula sa kalagitnaan ng ika-17 siglo hanggang sa simula ng ika-20 siglo.

Pagkatapos ng Debussy at Ravel, ang French musical theater ay may medyo maliit na bilang ng mga bagong gawa na nag-iwan ng kapansin-pansing marka sa sining ng ating panahon. Lumingon ang Paris Grand Opera kontemporaryong musika V mahabang serye ballets, plot at divertissement, na nagpatuloy sa sikat na French ballet tradition. Sa larangan ng opera, walang ganoong kasaganaan ng mga gawa ng repertoryo, bagaman ang modernong French opera ay nilikha sa pamamagitan ng mga pagsisikap ng mga makabuluhang kompositor tulad ng A. Honegger, F. Poulenc, D. Milhaud, A. Sauge at iba pa.

Ang una sa mga modernong kompositor ng Pranses na nagtatrabaho sa genre ng opera, ay dapat na pinangalanang Darius Milhaud (1892-1974). Mayaman at makulay ang larawan ng kanyang operatic work. Sumulat siya ng 15 opera at limang pangunahing yugto ng mga gawa sa iba pang mga genre. Isa sa mga unang karanasan sa teatro ni Milhaud ay ang musika para sa Aeschylus' Oresteia, na isinalin ni P. Claudel. Ngunit ang unang bahagi lamang ng trilogy, ang Eumenides, ay naging isang tunay na opera. Ang "Agamemnon" at "Choephors" ay nasa likas na katangian ng mga orihinal na oratorio na may maindayog na bahagi ng nagsasalitang koro kasama ng iba't ibang pagkakaiba. mga instrumentong percussion(ang pamamaraan na ito ay kalaunan ay mahusay na binuo ni K. Orff).

Ang pangalawang karanasan ni Milhaud sa genre ng opera-oratorio ay si Christopher Columbus (1930). Ito ay isang napakagandang komposisyon ng dalawampu't pitong mga kuwadro na gawa sa dalawang gawa. Sa buong aksyon, binabasa ng mambabasa ang "aklat ng kasaysayan", at ang mga koro na matatagpuan sa auditorium, nagkomento dito. Sa koro, bilang saksi ng kanyang sariling buhay, ay si Columbus. Ang isang kailangang-kailangan na kondisyon para sa produksyon ay isang screen ng pelikula, na nagpapakita ng mga tunay na kakaibang tanawin at tunay na mga bagyo sa dagat, na sinasabi ng tagapagsalaysay.

Ang tema ng Amerikano ay nagpatuloy na nagpasigla sa Milhaud pagkatapos ng Columbus. Noong 1932, naganap ang kanyang pagganap sa Paris. bagong opera"Maximilian" batay sa drama ni Franz Worfel na "Juarez at Maximilian", at noong 1943 isinulat ni Milhaud ang opera na "Bolivar" (batay sa drama ni J. Superviel). Ang parehong mga gawa, na nauugnay sa tema at materyal (ang pakikibaka ng mga mamamayang Latin America laban sa kolonisasyon at kanilang panloob na rebolusyonaryong pakikibaka), ay medyo nakapagpapaalaala sa mga opera ng Meyerbeer-Scribe, ibig sabihin, sa kanilang "lubok na interpretasyon ng makasaysayang balangkas ... sa ang estilo ng mga lithograph para sa mga tao."

Sa bisperas ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig, ang opera ni Milhaud na Esther ng Carpentras ay itinanghal sa Opéra-Comique de Paris, at Medea sa Grand Opera dalawang linggo bago ang pananakop.

Ang tanging pangunahing gawain para sa musikal na teatro sa post-war na gawain ng Milhaud ay ang opera na David (1925-1954), na itinanghal sa Jerusalem sa pagsasalin sa Hebrew sa okasyon ng ika-3000 anibersaryo ng lungsod ng Jerusalem. Isa itong misteryong opera sa limang gawa para sa isang sikat kuwento sa Bibliya(libretto ni Armand Lunel). Ang mga epicly harsh chorus dito ay kahalili ng mga dramatikong eksena (ang tagumpay ni David laban kay Absalom) at mga liriko na yugto (ang panaghoy ni David sa namatay na sina Saul at Jonathan).

Isang malaking kontribusyon sa operatic culture ng France noong ika-20 siglo. ginawa ng Swiss Arthur Honegger (1892-1955). Sa kanyang trabaho, ang mga gawa sa entablado ng halo-halong opera at oratorio na mga anyo ay may malaking kahalagahan: "mga monumental na fresco" "King David", "Joan of Arc sa stake", "Dance of the Dead".

"King David" (1921) - isang opera-oratorio para sa koro, orkestra at isang mambabasa sa isang kuwento sa Bibliya (katulad ng sa nabanggit na Milhaud opera). Binibigyang-kahulugan ni Honegger ang alamat ng Bibliya sa tradisyon ng evangelical na "Passion" ni Bach at oratorio ni Handel kasama ang kanilang mga paksang biblikal din.

Si Judith (1925), isang drama sa Bibliya na may teksto ni R. Morax, ay nagpatuloy at bumuo ng opera-oratoriad form ni Haring David, ngunit mas malapit sa opera (walang mambabasa at speech dialogue, ang pangalawang edisyon ng akda ay may ang subtitle na "Opera seria").

Ang ikatlong yugto ng trabaho ni Honegger ay ang opera Antigone sa isang teksto ni Jean Cocteau (1927), na pinalabas sa Opéra-Comique de Paris noong 1943. Tulad ng Antigone ni Anouilh, ang opera ay naging isang anti-pasistang manipestasyon ng Popular Front sa ilalim ng pananakop. Tinahak nina Honegger at Cocteau ang landas ng modernisasyon ng balangkas, anyo, at konseptong ideolohikal sinaunang trahedya, sa kaibahan sa mga tendensya ng stylization, na natagpuan expression sa Stravinsky's "Oedipus Rex" (isang text din ni Cocteau, 1927) at "Antigone" ni K. Orff (1949).

Ang susunod at sentro sa kahalagahan nito Ang dramatikong oratorio ni Honegger na "Joan of Arc at the stake" ay nilikha sa pakikipagtulungan ng pinakamalaking modernong French playwright na si P. Claudel (1938). Tinawag ng mga may-akda ang gawaing ito na isang misteryo, na tumutukoy sa mga relihiyoso at sekular na pagtatanghal na iyon. na nilalaro sa mga parisukat ng mga lungsod ng Pransya noong Middle Ages.

Ang komposisyon ni Joan of Arc sa stake ay napaka-orihinal. Ang pangunahing papel ay ginampanan ng isang dramatikong aktres. Ang pangunahing tauhang babae ay hindi talaga nakikilahok sa mga choral folk scene: ito ang kanyang mga alaala, mga impresyon ng kamakailang nakaraan. Ang mga kaganapan ay sumusunod sa magkakasunod na kabaligtaran utos. Si Jeanne, na nakatali sa isang poste, kung saan ang apoy ng Inkisisyon ay naitayo na sa paanan, narinig niya ang mga hiyawan ng nasasabik na pulutong na nagtipon upang panoorin ang pagsunog ng "sorceress", sa isip ay muling ginawa ang pulong ng simbahan hukuman na naghatol sa kanya ng bitay, naalala ang koronasyon sa Reims, ang pagsasaya ng mga tao sa okasyon ng tagumpay laban sa British, at maging ang napakalayo na mga larawan ng kanyang pagkabata sa nayon Pagkatapos ng bawat bagong yugto ng mga alaala, isang kakila-kilabot na katotohanan ang nagbabalik : Si Jeanne, nakatali sa isang poste at naghihintay ng pagbitay.

Ang multifaceted work na ito, na mayaman sa contrasts, ay kinabibilangan ng parehong symphonic episodes at bright mga pagpipinta ng genre, nagsalita ako ng mga dialogue, at chorus. Ang musikal na materyal ay iba-iba: narito ang musika na may mataas na symphonic na istilo (prologue), at dance stylization (sa alegorikong eksena ng paglalaro ng baraha), at magkakaibang pag-unlad ng mga melodies ng katutubong kanta ("Trimaso", "Laon Bells"), at Gregorian chant. Ang mga katangian ng mga simbolo ng tunog ay madalas na lumilitaw at umuulit (uungol ng isang aso, pag-awit ng isang nightingale, pagtunog ng mga kampana, imitasyon ng dagundong ng isang asno at ang pagdugo ng mga tupa). Ang trahedya at farcical, historikal at moderno ay magkasalungat na pinagsama sa oratorio. Partikular na nababahala si Honegger sa accessibility at agarang epekto ni Joan sa taya. Ito ay inilaan upang maisagawa sa France noong 1938 at nabigyang-katwiran ang layunin nito. Pagkatapos ng premiere noong Mayo 12, 1938 sa Basel, ang oratorio ay ginanap sa dose-dosenang mga French southern city, at pagkatapos ng Liberation ay itinanghal ito sa Paris Grand Opera.

Si Francis Poulenc (1899-1963) ay naging pinakamahalagang kompositor ng opera sa France sa mga taon pagkatapos ng digmaan. Dati, katamtaman ang interes niya sa musical theater. Noong 1947, ang kanyang burlesque opera na The Breasts of Tiresias (batay sa isang dula ni G. Apollinaire) ay itinanghal sa Paris Opera-Comique. Ang musika ni Poulenc dito ay puno ng taos-pusong kasiyahan, ngunit hindi ito ang saya ng isang elegante at magaan na komedya, ito ay isang kakatwa sa diwa ng Rabelais. Ang opera ay kinanta ni Denise Duval, na mula noon ay naging pinakamahusay na babaeng performer sa lahat ng tatlong opera ni Poulenc. Ang kanyang kahanga-hangang boses at pambihirang artistikong katangian ay isang uri ng sukat at modelo para sa kompositor nang gumawa siya sa one-act monologue opera na The Human Voice at sa The Dialogues of the Carmelites.

"Boses ng tao" para magtext dramatikong eksena Si Jean Cocteau ay itinanghal komiks opera noong 1959. Sa one-act na opera na ito, isang babae, na inabandona ng kanyang kasintahan, ay nag-uusap tungkol sa kanya sa telepono sa huling beses. Ikakasal na siya bukas. Ang pag-uusap ay madalas na nagambala. Lumalaki ang pananabik at kawalan ng pag-asa ng babae: nagkukunwaring masayahin, pagkatapos ay umiiyak at umamin na sinubukan na niyang magpakamatay. Ang eksena ay 45 minuto ang haba. Ang kompositor, bilang isang tunay na master ng vocal writing, ay nagawang malampasan ang panganib ng monotony ng isang mahabang monologue ng parehong uri. Ang vocal na bahagi sa melodic recitative ay nagmula sa Debussy's Pelléas et Mélisande, ngunit may pagkakatulad kay Puccini sa mga ariose na yugto.

Inatasan ng teatro ng Milan na "La Scala" Poulenc na binubuo noong 1953-1956. mahusay na opera na "Dialogues of the Carmelites". Ito ay itinanghal sa unang pagkakataon noong Enero 26, 1957. Pagkatapos ng Italian premiere, naging malinaw na walang modernong opera mula noong panahon ni Puccini ang nagkaroon ng walang kondisyong tagumpay sa La Scala, kung saan maraming bagong opera ang itinanghal sa post-war. taon (Stravinsky's Career of the Mot, Wozzeck" ni A. Berg, "Consul" Menotti, "David" Milhaud), na hindi nakatanggap ng ganoong emosyonal na tugon gaya ng opera ni Poulenc.

"Dialogues of the Carmelites" - isang sikolohikal na drama. Ang tema nito ay ang panloob na espirituwal na pakikibaka, ang personal na pagpili ng isang tao na inilagay sa isang kritikal na sitwasyon: isang tema na kilala sa modernong dramaturhiya may kaugnayan at may kaugnayan sa ating panahon. Ang isang espesyal na problema dito ay ang pagpili ng tiyak na makasaysayang materyal - isang yugto mula sa panahon ng Rebolusyong Pranses noong 1789 (ang pagbitay sa labing-anim na madre ng Carmelite ng monasteryo ng Compiègne, na ginulo ng hatol ng isang rebolusyonaryong tribunal). Sa balangkas na ito, isinulat ang isang dula ni J. Bernanos na "Innate Fear", na ginamit at muling ginawa ni Poulenc. Ay hindi epikong gawain tungkol sa Great Revolution, ngunit isang liriko-sikolohikal na drama sa isang relihiyoso at etikal na tema. Dito ay walang pagtanggi o paninindigan ng mga rebolusyonaryong ideya, walang pagsusuri sa isang makasaysayang pangyayari. Ang isang makitid na sitwasyon ay kinuha, ang mga kahihinatnan ng mga kaguluhan sa lipunan para sa isang maliit na grupo ng mga tao, ang mga pangyayari na hindi nakasalalay sa kanila ay naglalagay ng maraming mga pagpipilian sa buhay bago ang pangangailangan na gumawa ng isang nakamamatay na desisyon. Para sa modernong, lalo na sa Pranses, ang dramaturgy, tulad ng isang pamamaraan ng dramatikong salungatan, tulad ng nabanggit na, ay tipikal. Ngunit mayroon sa "Dialogues of the Carmelites" at ang sarili nito orihinal na tampok: kung sa "Antigone" at "Lark" Anuya "mahina" na mga pangunahing tauhang babae ay sumasalungat sa kanilang "walang pagtatanggol na kahinaan" at sa kanilang espirituwal na lakas - karahasan, paniniil, kung gayon ang sentral na pigura ng opera ni Poulenc, ang mahinang nilalang ni Blanche, ay gumagawa. moral na gawa tanging "sa loob ng kanyang sarili", tanging ang kanyang panloob na kahinaan - ang kanyang "katutubong takot" - ang nanalo. Pumupunta siya sa kanyang kamatayan nang walang takot, nagsasagawa ng isang sakripisyong gawa ng isang tao na pakiramdam ng pagkakaisa, katapatan sa pagkakaibigan, sa utos ng kanyang budhi, at hindi dahil sa awtomatikong pagsunod. ideya sa relihiyon pagiging martir. Ang ideya ng sakripisyo ng Simbahan, na puno ng hindi makatao na panatismo, si Blanche at ang kanyang kaibigan, ang madre na si Constanta, ay panloob na lumalaban mula simula hanggang wakas. Ang puso ni Blanche, na mahina at natatakot sa pakikibaka sa buhay ng isang tao, ay taimtim na tumutugon lamang sa pagdurusa ng tao, at hindi sa abstract na ideya ng isang "dakilang sakripisyo".

Pumunta si Blanche sa monasteryo dahil sa takot sa buhay, sa mga pagkabalisa at kalupitan nito. Ang kanyang espirituwal na suporta ay pananampalataya. Ngunit ang monastikong buhay mula sa unang sandali ay nagsimulang sirain ang suportang ito, nakita ni Blanche ang kakila-kilabot na paghihimagsik ng abbess ng monasteryo laban sa banal na pagpapakumbaba at narinig ang kanyang propesiya tungkol sa pagkamatay ng simbahan. Nararamdaman ni Blanche ang paghihirap ng simbahan, ang katapusan ng pananampalataya, na wala nang kapangyarihan upang suportahan at palakasin ang nababagabag na kaluluwa ng tao. Gayunpaman, ang mga madre ay nanumpa ng pagkamartir at nagpasya na mamatay "para sa layunin ng pananampalataya", na pumasok sa isang hindi patas na tunggalian sa mga rebolusyonaryong awtoridad. Ang mga Carmelite ay nakulong at hinatulan ng kamatayan para sa pag-uudyok "sa pangalan ng Diyos". Kasama nila, bumangon si Blanche sa scaffold, malaya mula sa pagsunod sa dogma ng simbahan, ngunit tapat sa batas ng pagkakaibigan: umaasa siya na ang kanyang pagsasakripisyo sa sarili ay magpapaginhawa ng kahit isang tao sa kanyang pagkamatay - ang kanyang kaibigan na si Constanta. Ang hitsura ng tao ni Blanche, na tumanggap ng kamatayan para lamang "huwag hamakin ang sarili," ay nagpapalala sa masakit na impresyon ng kawalan ng pag-asa sa napakalungkot at malungkot na drama ng opera nina Bernanos at Poulenc. Parehong artista ang nagpapakita trahedya ng tao nauugnay sa pagbagsak ng kapangyarihan at kapangyarihan ng pananampalataya, at nagliliwanag, kahit na hindi direkta, ang sandali matinding krisis sa kasaysayan ng Simbahang Katoliko, na sa kanyang sarili ay napaka-kaugnay para sa modernong Kanluran, at sa partikular para sa France. Sa gawaing ito, ang pinakadakilang pakikiramay ay dulot hindi ng mga panatiko ng relihiyon, hindi ng mga lingkod ng pananampalataya, kundi ng mga "apostata" nito, pag-aalinlangan, pagkakamali.

Ang opera ni Poulenc ay may makabuluhang dedikasyon: "Monteverdi, Mussorgsky at Verdi." Sa musikal na interpretasyon ng talumpati, itinuturing ni Poulenc ang kanyang sarili na isang tagasunod hindi lamang ni Debussy, kundi pati na rin ng Mussorgsky. Iniuugnay ni Poulenc ang maalalahanin at mahigpit na dramaturhiya ng kanyang opera sa tradisyon ng "mahusay" na opera ni Verdi. At ang buong gawain sa kabuuan, gaya ng malamang na pinaniniwalaan ni Poulenc, ay nilayon na ipagpatuloy ang dakila tradisyon ng opera, na sinimulan ng gawa ni Monteverdi, na sa unang pagkakataon ay nagbigay sa opera ng isang tunay na trahedya, sikolohikal na tumpak na mga motibasyon para sa mga aksyon ng tao at malinaw na mga balangkas ng mga karakter.

Sa mga kasalukuyang kompositor ng French opera, ang pigura ng Romanian na si Marcel Mikhailovich (b. 1898), na nakatira sa Paris mula noong 1919, ay kapansin-pansin. Ang Peru ng kompositor na ito ay nagmamay-ari ng dalawa lalo na ang katangian sa pagpili ng materyal para sa mga taon pagkatapos ng digmaan opera: "The Return" (1954) - isang dula sa radyo na nakatuon kay A. Honegger batay sa sikat na maikling kuwento ni Maupassant na "On the Port" (libretto ni K. Ruppel), trahedya na kwento"ibinalik" at nakalimutan, na may mga paksang kontemporaryong overtone at socio-kritikal na motibo; at ang pangalawa - "Krapp, o ang Huling Tape" (1960), one-act na opera batay sa isang dula ni Samuel Beckett.

Noong 1950, natapos ni Henri Barrot (b. 1900) ang kabayanihan na trahedya sa genre ng opera - Numancia batay sa Cervantes (batay sa isang balangkas mula sa isang sinaunang kuwento tungkol sa pakikibaka ng Espanya laban sa pamamahala ng Roma). Noong 1951, gumanap si Emanuel Bondeville (b. 1898) kasama ang liriko na musikal na drama na Madame Bovary (pagkatapos ng Flaubert), noong 1954, itinanghal ang opera ni Henri Sauge (p. 1901) ang Marianne's Caprices (pagkatapos ng Musset).

Ito ay kagiliw-giliw na tandaan na ang kompositor ng kontemporaryong chanson at musika ng pelikula, na tanyag sa France, si Joseph Cosma (b. 1905), ay nagsulat din ng isang malaking opera-oratorio na "The Weavers" sa teksto ni J. Gaucheron, na unang isinagawa. noong 1959 sa German Democratic Republic at noong 1964 lamang na itinanghal ng Théâtre de Lyon. Ang opera-oratorio ay nakatuon sa kasaysayan ng pag-aalsa ng mga maghahabi ng Lyon noong 1831. Gayunpaman, hindi hinangad ng mga may-akda na lumikha ng isang makasaysayang opera, ngunit binigyang-diin ang kaugnayang pampulitika ng materyal para sa kasalukuyan. Sa ngalan ng modernidad, nagsasalita ang mambabasa na nangunguna sa pagtatanghal. Ang mismong kasaysayan ng pag-aalsa ay isang memoir. pangunahing ideya gawa - ang pangangailangan para sa isang rebolusyonaryong reorganisasyon ng mundo ng mga pwersa ng uring manggagawa.

Ang malalaking choral scenes at matingkad na mga episode ng kanta ang naging batayan ng gawaing ito. Madaling ikinonekta ng Cosma ang chanson at choir sa mga pabigkas na pahayag ng mga soloista. Ang bahagi ng pananalita ng mambabasa ay nagkomento sa aksyon. Ang gawain ay nagbibigay ng mga pagkakataon para sa parehong konsiyerto at pagtatanghal sa entablado.

Iilan lamang ang mga tunay na Pranses na musikero tulad nitong Italyano, siya lamang sa France ay napanatili ang katanyagan sa loob ng isang buong siglo.
R. Rolland

J. B. Lully - isa sa mga pinakadakilang kompositor ng opera noong ika-17 siglo, ang nagtatag ng French musical theater. Si Lully ay pumasok sa kasaysayan ng pambansang opera kapwa bilang tagalikha ng isang bagong genre - lyrical na trahedya (bilang ang dakilang mythological opera ay tinawag sa France), at bilang isang natitirang theatrical figure - sa ilalim ng kanyang pamumuno na ang Royal Academy of Music ay naging ang una at pangunahing opera house France, na kalaunan ay nakakuha ng katanyagan sa buong mundo sa ilalim ng pangalang Grand Opera.

Si Lully ay ipinanganak sa pamilya ng isang miller. Ang mga kakayahan sa musika at pag-uugali sa pag-arte ng binatilyo ay nakakuha ng atensyon ng Duke of Guise, na, ca. Noong 1646 dinala niya si Lully sa Paris, na nagtalaga sa kanya sa serbisyo ni Prinsesa Montpensier (kapatid na babae ni Haring Louis XIV). Hindi natanggap edukasyon sa musika sa kanyang sariling bayan, na sa edad na 14 ay maaari lamang kumanta at tumugtog ng gitara, si Lully ay nag-aral ng komposisyon, pagkanta sa Paris, nag-aral sa pagtugtog ng harpsichord at lalo na sa kanyang paboritong biyolin. Ang batang Italyano, na nakamit ang pabor ni Louis XIV, ay ginawa sa kanyang korte maningning na karera. Isang mahuhusay na birtuoso, na sinabi ng mga kontemporaryo - "upang tumugtog ng biyolin tulad ng Baptiste", hindi nagtagal ay pumasok siya sa sikat na orkestra na "24 Violins of the King", ca. 1656 inorganisa at pinamunuan ang kanyang maliit na orkestra na "16 Violins of the King". Noong 1653, natanggap ni Lully ang posisyon ng "composer ng korte ng instrumental na musika", mula noong 1662 siya ay naging superintendente ng musika ng korte, at pagkalipas ng 10 taon - ang may-ari ng isang patent para sa karapatang magtatag ng Royal Academy of Music sa Paris " sa habambuhay na paggamit ng karapatang ito at ilipat ito upang ipamana sa sinumang anak na humalili sa kanya bilang superintendente ng musika ng hari." Noong 1681, pinarangalan ni Louis XIV ang kanyang paborito ng mga liham ng maharlika at titulo ng royal adviser-secretary. Ang pagkamatay sa Paris, si Lully hanggang sa katapusan ng kanyang mga araw ay pinanatili ang posisyon ng ganap na pinuno ng buhay musikal ng kabisera ng Pransya.

Ang gawain ni Lully ay higit na binuo sa mga genre at anyo na binuo at nilinang sa korte ng "Sun King". Bago lumipat sa opera, si Lully sa mga unang dekada ng kanyang paglilingkod (1650-60) ay gumawa ng instrumental na musika (mga suite at divertissement para sa mga instrumentong kuwerdas, mga indibidwal na piraso at martsa para sa mga instrumento ng hangin, atbp.), mga espirituwal na komposisyon, musika para sa pagtatanghal ng ballet("Sick Cupid", "Alsidiana", "Ballet of Mocking", atbp.). Patuloy na nakikilahok sa mga ballet ng korte bilang isang may-akda ng musika, direktor, aktor at mananayaw, pinagkadalubhasaan ni Lully ang mga tradisyon ng sayaw ng Pransya, ang maindayog na intonasyon at mga tampok ng entablado. Ang pakikipagtulungan kay J. B. Molière ay nakatulong sa kompositor na makapasok sa mundo Pranses na teatro, upang madama ang pambansang pagka-orihinal ng pananalita sa entablado, pag-arte, pagdidirekta, atbp. Si Lully ay nagsusulat ng musika para sa mga dula ni Molière ("Pag-aasawa nang hindi sinasadya", "Ang Prinsesa ni Elis", "Ang Sicilian", "Pag-ibig sa Manggagamot", atbp. ), gumaganap bilang Pursonjak sa komedya na Monsieur de Poursonac at Mufti sa The Tradesman in the Nobility. Sa loob ng mahabang panahon ay nanatili siyang isang kalaban ng opera, na naniniwala na Pranses hindi angkop para sa genre na ito, Lully noong unang bahagi ng 1670s. biglang nagbago ang kanyang pananaw. Sa panahon ng 1672-86. nagtanghal siya ng 13 liriko na trahedya sa Royal Academy of Music (kabilang sina Cadmus at Hermione, Alceste, Theseus, Atys, Armida, Acis at Galatea). Ang mga gawang ito ang naglatag ng pundasyon ng French musical theater at nagpasiya sa uri ng pambansang opera na nangingibabaw sa France sa loob ng ilang dekada. “Gumawa si Lully ng isang pambansang French opera, kung saan ang teksto at musika ay pinagsama sa pambansang paraan ng pagpapahayag at panlasa, at kung saan ay sumasalamin kapuwa sa mga pagkukulang at mga birtud ng Pranses na sining,” ang isinulat ng mananaliksik na Aleman na si G. Kretschmer.

Ang istilo ng liriko na trahedya ni Lully ay nabuo na may malapit na kaugnayan sa mga tradisyon ng teatro ng Pransya noong panahon ng Klasiko. Ang uri ng malaking komposisyon na may limang yugto na may paunang salita, ang paraan ng pagbigkas at dula sa entablado, mga mapagkukunan ng balangkas ( sinaunang mitolohiyang Griyego, kasaysayan ng sinaunang Roma), mga ideya at mga usaping moral(ang salungatan ng damdamin at katwiran, simbuyo ng damdamin at tungkulin) inilalapit ang mga opera ni Lully sa mga trahedya nina P. Corneille at J. Racine. Hindi gaanong mahalaga ang koneksyon ng liriko na trahedya sa mga tradisyon ng pambansang balete - malalaking divertissement (plug-in dance number na hindi nauugnay sa balangkas), solemne prusisyon, prusisyon, kasiyahan, mahiwagang pagpipinta, pastoral na mga eksena ay nagpahusay sa pandekorasyon at kamangha-manghang mga katangian. ng pagganap ng opera. Ang tradisyon ng pagpapakilala ng ballet na lumitaw sa panahon ni Lully ay napatunayang lubhang matatag at nagpatuloy sa French opera sa loob ng ilang siglo. Ang impluwensya ni Lully ay makikita sa mga orkestra na suite ng huling bahagi ng XVII - maagang XVIII V. (G. Muffat, I. Fuchs, G. Telemann at iba pa). Binubuo sa diwa ng mga ballet divertissement ni Lully, kasama nila ang mga sayaw na Pranses at mga piraso ng karakter. Laganap sa opera at instrumental na musika noong ika-18 siglo. nakatanggap ng isang espesyal na uri ng overture, na nabuo sa liriko na trahedya ng Lully (ang tinatawag na "French" na overture, na binubuo ng isang mabagal, solemne na pagpapakilala at isang masigla, gumagalaw na pangunahing seksyon).

Sa ikalawang kalahati ng siglo XVIII. ang liriko na trahedya ni Lully at ng kanyang mga tagasunod (M. Charpentier, A. Campra, A. Detouches), at kasama nito ang buong istilo ng court opera, ay nagiging object ng pinakamatalim na talakayan, parodies, panlilibak ("ang digmaan ng mga buffons", "ang digmaan ng mga glucian at picchinnist") . Ang sining, na lumitaw sa panahon ng kasagsagan ng absolutismo, ay nakita ng mga kontemporaryo nina Diderot at Rousseau bilang sira-sira, walang buhay, magarbo at magarbo. Kasabay nito, ang gawain ni Lully, na gumanap ng isang tiyak na papel sa pagbuo ng isang mahusay na istilo ng kabayanihan sa opera, ay nakakuha ng pansin ng mga kompositor ng opera (J.F. Rameau, G.F. Handel, K.V. Gluck), na nahilig sa monumentality, pathos, mahigpit na makatwiran, maayos na organisasyon ng kabuuan.

Jean-Baptiste LULLY sa kanyang mga opera na tinatawag na "tragedie mise en musique" (literal na "tragedy set to music", "tragedy on music"; sa Russian musicology, ang hindi gaanong tumpak, ngunit mas euphonious na terminong "lyrical tragedy" ay kadalasang ginagamit), Hinangad ni Lully na pahusayin ang mga dramatikong epekto sa musika at magbigay ng katapatan sa pagbigkas, dramatikong kahalagahan sa koro. Salamat sa kinang ng produksyon, sa pagiging epektibo ng ballet, sa mga merito ng libretto at sa musika mismo, ang mga opera ni Lully ay nagtamasa ng mahusay na katanyagan sa France at Europe at tumagal sa entablado ng halos 100 taon, na nakaimpluwensya sa karagdagang pag-unlad genre. Ang mga mang-aawit sa mga opera sa ilalim ni Lully ay unang nagsimulang gumanap nang walang maskara, ang mga kababaihan ay sumayaw sa ballet sa isang pampublikong entablado; sa unang pagkakataon sa kasaysayan, ang mga trumpeta at obo ay ipinakilala sa orkestra, at ang overture, hindi katulad ng Italyano (allegro, adagio, allegro), ay nakatanggap ng anyong libingan, allegro, libingan. Bilang karagdagan sa mga liriko na trahedya, nagsulat si Lully ng isang malaking bilang ng mga ballet (ballets de cour), symphony, trio, arias para sa violin, divertissement, overtures at motet.

Iilan lamang ang mga tunay na Pranses na musikero tulad nitong Italyano, siya lamang sa France ay napanatili ang katanyagan sa loob ng isang buong siglo.
R. Rolland

J. B. Lully - isa sa mga pinakadakilang kompositor ng opera noong ika-17 siglo, ang nagtatag ng French musical theater. Si Lully ay pumasok sa kasaysayan ng pambansang opera kapwa bilang tagalikha ng isang bagong genre - lyrical na trahedya (bilang ang dakilang mythological opera ay tinawag sa France), at bilang isang natitirang theatrical figure - sa ilalim ng kanyang pamumuno na ang Royal Academy of Music ay naging ang una at pangunahing opera house sa France, na kalaunan ay nakakuha ng katanyagan sa buong mundo na tinatawag na Grand Opera.

Si Lully ay ipinanganak sa pamilya ng isang miller. Ang mga kakayahan sa musika at pag-uugali sa pag-arte ng binatilyo ay nakakuha ng atensyon ng Duke of Guise, na, ca. Noong 1646 dinala niya si Lully sa Paris, na nagtalaga sa kanya sa serbisyo ni Prinsesa Montpensier (kapatid na babae ni Haring Louis XIV). Hindi nakatanggap ng edukasyon sa musika sa kanyang tinubuang-bayan, na sa edad na 14 ay maaari lamang kumanta at tumugtog ng gitara, si Lully ay nag-aral ng komposisyon at pagkanta sa Paris, nag-aral sa pagtugtog ng harpsichord at, lalo na, ang kanyang paboritong biyolin. Ang batang Italyano, na nanalo sa pabor ni Louis XIV, ay gumawa ng isang napakatalino na karera sa kanyang korte. Isang mahuhusay na birtuoso, na sinabi ng mga kontemporaryo - "upang tumugtog ng biyolin tulad ng Baptiste", hindi nagtagal ay pumasok siya sa sikat na orkestra na "24 Violins of the King", ca. 1656 inorganisa at pinamunuan ang kanyang maliit na orkestra na "16 Violins of the King". Noong 1653, natanggap ni Lully ang posisyon ng "composer ng korte ng instrumental na musika", mula noong 1662 siya ay naging superintendente ng musika ng korte, at pagkalipas ng 10 taon - ang may-ari ng isang patent para sa karapatang magtatag ng Royal Academy of Music sa Paris " sa habambuhay na paggamit ng karapatang ito at ilipat ito upang ipamana sa sinumang anak na humalili sa kanya bilang Superintendente ng Musika sa Hari." Noong 1681, pinarangalan ni Louis XIV ang kanyang paborito ng mga liham ng maharlika at titulo ng royal adviser-secretary. Ang pagkamatay sa Paris, si Lully hanggang sa katapusan ng kanyang mga araw ay pinanatili ang posisyon ng ganap na pinuno ng buhay musikal ng kabisera ng Pransya.

Ang gawain ni Lully ay higit na binuo sa mga genre at anyo na binuo at nilinang sa korte ng "Sun King". Bago lumipat sa opera, si Lully sa mga unang dekada ng kanyang paglilingkod (1650-60) ay gumawa ng instrumental na musika (mga suite at divertissement para sa mga instrumentong string, mga indibidwal na piraso at martsa para sa mga instrumento ng hangin, atbp.), mga sagradong komposisyon, musika para sa mga pagtatanghal ng ballet (" Sick Cupid", "Alsidiana", "Ballet of Mockery", atbp.). Patuloy na nakikilahok sa mga ballet ng korte bilang isang may-akda ng musika, direktor, aktor at mananayaw, pinagkadalubhasaan ni Lully ang mga tradisyon ng sayaw ng Pransya, ang maindayog na intonasyon nito at mga tampok sa entablado. Ang pakikipagtulungan kay J. B. Molière ay nakatulong sa kompositor na makapasok sa mundo ng French theater, na madama ang pambansang pagkakakilanlan ng stage speech, acting, directing, atbp. Si Lully ay nagsusulat ng musika para sa mga dula ni Molière ("Marriage involuntaryly", "Princess of Elis", " The Sicilian" , "Love the Healer", atbp.), ay gumaganap bilang Pursonjak sa komedya na "Monsieur de Pursonjac" at Mufti sa "The tradesman in the nobility". Sa loob ng mahabang panahon nanatili siyang isang kalaban ng opera, na naniniwala na ang wikang Pranses ay hindi angkop para sa genre na ito, si Lully noong unang bahagi ng 1670s. biglang nagbago ang kanyang pananaw. Sa panahon ng 1672-86. nagtanghal siya ng 13 liriko na trahedya sa Royal Academy of Music (kabilang sina Cadmus at Hermione, Alceste, Theseus, Atys, Armida, Acis at Galatea). Ang mga gawang ito ang naglatag ng pundasyon ng French musical theater at nagpasiya sa uri ng pambansang opera na nangingibabaw sa France sa loob ng ilang dekada. "Gumawa si Lully ng isang pambansang French opera, kung saan ang teksto at musika ay pinagsama sa pambansang paraan ng pagpapahayag at panlasa, at na sumasalamin sa parehong mga pagkukulang at mga birtud ng Pranses na sining," ang isinulat ng mananaliksik na Aleman na si G. Kretschmer.

Ang istilo ng liriko na trahedya ni Lully ay nabuo na may malapit na kaugnayan sa mga tradisyon ng teatro ng Pransya noong panahon ng Klasiko. Ang uri ng isang malaking limang-aktong komposisyon na may paunang salita, ang paraan ng pagbigkas at dula sa entablado, mga pinagmumulan ng balangkas (sinaunang mitolohiyang Griyego, ang kasaysayan ng Sinaunang Roma), mga ideya at mga problema sa moral (ang salungatan ng damdamin at katwiran, pagsinta at tungkulin ) ilapit ang mga opera ni Lully sa mga trahedya nina P. Corneille at J. Racine . Hindi gaanong mahalaga ang koneksyon ng liriko na trahedya sa mga tradisyon ng pambansang balete - malalaking divertissement (plug-in dance number na hindi nauugnay sa balangkas), solemne prusisyon, prusisyon, kasiyahan, mahiwagang pagpipinta, pastoral na mga eksena ay nagpahusay sa pandekorasyon at kamangha-manghang mga katangian. ng pagganap ng opera. Ang tradisyon ng pagpapakilala ng ballet na lumitaw sa panahon ni Lully ay napatunayang lubhang matatag at nagpatuloy sa French opera sa loob ng ilang siglo. Ang impluwensya ni Lully ay makikita sa mga orkestra na suite ng dulo XVII-simula Ika-18 siglo (G. Muffat, I. Fuchs, G. Telemann at iba pa). Binubuo sa diwa ng mga ballet divertissement ni Lully, kasama nila ang mga sayaw na Pranses at mga piraso ng karakter. Laganap sa opera at instrumental na musika noong ika-18 siglo. nakatanggap ng isang espesyal na uri ng overture, na nabuo sa liriko na trahedya ng Lully (ang tinatawag na "French" na overture, na binubuo ng isang mabagal, solemne na pagpapakilala at isang masigla, gumagalaw na pangunahing seksyon).

Sa ikalawang kalahati ng siglo XVIII. ang liriko na trahedya ni Lully at ng kanyang mga tagasunod (M. Charpentier, A. Campra, A. Detouches), at kasama nito ang buong istilo ng court opera, ay nagiging object ng pinakamatalas na talakayan, parodies, at pangungutya ("ang digmaan ng ang mga buffon", "ang digmaan ng mga glucian at picchinnist") . Ang sining, na lumitaw sa panahon ng kasagsagan ng absolutismo, ay nakita ng mga kontemporaryo nina Diderot at Rousseau bilang sira-sira, walang buhay, magarbo at magarbo. Kasabay nito, ang gawain ni Lully, na gumanap ng isang tiyak na papel sa pagbuo ng isang mahusay na istilo ng kabayanihan sa opera, ay nakakuha ng pansin ng mga kompositor ng opera (J.F. Rameau, G.F. Handel, K.V. Gluck), na nahilig sa monumentality, pathos, mahigpit na makatwiran, maayos na organisasyon ng kabuuan.

16. French opera noong ika-17 siglo. Pagkamalikhain J. B. Lully.

Aesthetics ng French Classicism. Ang musikang Pranses, kasama ang Italyano, ay isa sa mga makabuluhang kultural na phenomena noong ika-17-18 siglo. Ang pag-unlad ng musikal na sining ay pangunahing nauugnay sa opera at silid na instrumental na musika.

Nakaranas ng French opera malakas na impluwensya classicism (mula sa lat. classicus - "halimbawa") - ang artistikong istilo na binuo sa France noong ika-17 siglo; at higit sa lahat - ang klasikal na teatro. Ang mga manunulat ng dulang sina Pierre Corneille at Jean Racine, na nagpapakita ng masalimuot na pakikibaka ng mga hilig, ay umawit ng pakiramdam ng tungkulin sa mga trahedya. Ang mga aktor ay gumanap sa isang espesyal na paraan: kinanta nila ang mga salita, madalas na gumamit ng mga kilos at ekspresyon ng mukha. Naimpluwensyahan ng paraang ito ang istilo ng pag-awit ng Pranses: naiiba ito sa Italian bel canto sa kalapitan nito sa kolokyal na pananalita. Ang mga mang-aawit, tulad ng mga dramatikong aktor, ay malinaw na binibigkas ang mga salita, bumulong sa mga bulong at hikbi.

Sa korte ng "Sun King" na si Louis XIV, ang opera ay sinakop ang isang mahalagang lugar. Ang Royal Academy of Music (ang teatro kung saan ginanap ang mga pagtatanghal ng opera) ay naging isa sa mga simbolo ng karangyaan ng korte ng hari at ng kapangyarihan ng monarko.

Jean-Baptiste Lully(1632-1687) - Isang natatanging musikero, kompositor, konduktor, biyolinista, harpsichordist - dumaan siya sa isang buhay at malikhaing landas na lubhang orihinal at sa maraming aspeto ay katangian ng kanyang panahon. Sa musikang Pranses, lumitaw ang isang uri ng opera seria - isang liriko na trahedya (fr. Tragedie lyrique). Ang lumikha ng genre na ito ay ang kompositor na si Jean Baptiste Lully. Ang mga opera ni Lully, malalaking five-act na mga gawa, ay kapansin-pansin sa kanilang marangyang pagtatanghal, ang karilagan ng mga tanawin at kasuotan, ayon sa hinihingi ng korte, na nagnanais ng maliliwanag na salamin sa mata at isang holiday. Ito ay mga dramang tipikal sa panahon ng Baroque na may mga katangian ng klasisismo. Dito nagngangalit ang mga hilig, naganap ang mga kabayanihan. Artipisyal, pinong kagandahan sa musika at tanawin, katangian ng Baroque, at klasikong poise, pagkakatugma ng konstruksiyon. Ito ay isang tampok ng mga opera ni Lully.

Sumulat si Lully ng mga opera batay sa mga paksa mula sa sinaunang mitolohiya at mga epikong tula ng Renaissance. Ang kanyang pinakamahusay na opera - "Armida" (1686) - ay nilikha batay sa kabayanihan na tula ng makatang Italyano na si Torquato Tasso "The Liberated Jerusalem". Ayon sa balangkas, kinukulam ng Reyna ng Damascus na si Armida sa kanyang mga alindog ang kabalyero ng crusader na si Reno (Si Tasso ay may Rinaldo). Gayunpaman, ang mga kasama ni Reno ay nagpapaalala sa kanya ng tungkulin sa militar, at iniwan ng kabalyero ang kanyang minamahal, at sinira niya ang kaharian sa kawalan ng pag-asa. Ang ideya ng opera ay nakakatugon sa mga kinakailangan ng klasisismo (isang salungatan ng tungkulin at pakiramdam), ngunit ang mga karanasan sa pag-ibig ng mga karakter ay ipinakita nang may tulad na pagpapahayag at lalim na sila ay naging sentro ng aksyon. Ang pangunahing bagay sa musika ni Lully ay ang pinahabang monologue arias, kung saan ang mga tema ng isang kanta o dance character ay kahalili ng recitative, na flexible at banayad na naghahatid ng damdamin ng mga karakter. Ang impluwensya ng Baroque ay ipinakita hindi lamang sa panlabas na karangyaan ng produksyon, kundi sa pagtaas ng atensyon sa drama ng pag-ibig; ito ay ang lalim ng damdamin, at hindi pagsunod sa tungkulin na ginagawang kawili-wili ang mga tauhan para sa nakikinig. Ang pag-unlad ng pambansang opera ay nagpatuloy sa gawain ng nakababatang kontemporaryo ni Lully, si Jean Philippe Rameau (1683-1764). Sumulat din siya sa genre ng lyrical tragedy. Sa mga gawa ni Rameau, lumalim ang sikolohikal na katangian ng mga tauhan, hinangad ng kompositor na madaig ang panlabas na ningning at karangyaan ng French opera. Sa pagkakaroon ng background sa chamber instrumental music, pinalakas niya ang papel ng orkestra. Isang mahalagang papel ang ginampanan ng mga dance number, na mga kumpletong eksena.

Si Jean Baptiste ay ipinanganak sa Florence noong Nobyembre 28, 1632. Ang anak ng isang miller, si Lully, bilang isang bata, ay dinala sa France, na naging kanyang pangalawang tahanan. Sa una sa paglilingkod sa isa sa mga marangal na kababaihan ng kabisera, ang batang lalaki ay nakakuha ng atensyon ng kanyang makikinang na mga kakayahan sa musika. Matapos matutong tumugtog ng biyolin at makamit ang kamangha-manghang tagumpay, nakapasok siya sa orkestra ng korte. Si Lully ay nakilala sa korte, una bilang isang mahusay na biyolinista, pagkatapos ay bilang isang konduktor, koreograpo, at sa wakas bilang isang kompositor ng ballet at kalaunan ay opera na musika.

Noong 1650s, pinangasiwaan niya ang lahat ng mga institusyong pangmusika ng serbisyo sa hukuman bilang "Musical Superintendent" at "Maestro ng Royal Family". Bilang karagdagan, siya ay sekretarya, tiwala at tagapayo ni Louis XIV, na nagbigay sa kanya ng maharlika at tumulong sa pagkuha ng malaking kayamanan. Ang pagkakaroon ng pambihirang isip, malakas na kalooban, talento sa organisasyon at ambisyon, si Lully, sa isang banda, ay nakasalalay sa maharlikang kapangyarihan, sa kabilang banda, siya mismo ay may malaking impluwensya sa buhay musikal ng hindi lamang Versailles, Paris, ngunit sa buong France.

Bilang isang performer, si Lully ang naging tagapagtatag ng French violin at conductor school. Ang mga pagsusuri ng mga kilalang kontemporaryo ay napanatili tungkol sa kanyang paglalaro. Ang kanyang pagganap ay nakikilala sa pamamagitan ng kadalian, biyaya at sa parehong oras ay isang napakalinaw, masiglang ritmo, na palagi niyang sinusunod kapag binibigyang kahulugan ang mga gawa ng pinaka magkakaibang emosyonal na istraktura at pagkakayari.

Ngunit ang pinakamalaking impluwensya sa karagdagang pag-unlad paaralang pranses Ang mga pagtatanghal ay ginawa ni Lully bilang isang konduktor, lalo na bilang isang konduktor ng opera. Dito wala siyang alam na kapantay.

Sa totoo lang, ang operatic work ni Lully ay nabuksan sa huling labinlimang taon ng kanyang buhay - noong 70s at 80s. Sa panahong ito lumikha siya ng labinlimang opera. Theseus (1675), Hatys (1677), Perseus (1682), Roland (1685) at lalo na si Armida (1686) ay kilala sa kanila.

Ang opera ni Lully ay lumitaw sa ilalim ng impluwensya ng klasiko na teatro noong ika-17 siglo, ay konektado dito ng pinakamalapit na ugnayan, at higit na pinagtibay ang istilo at dramaturhiya nito. Ito ay isang mahusay na etikal na sining ng isang kabayanihan, ang sining ng mahusay na mga hilig, mga trahedya na salungatan. Ang mismong mga pamagat ng mga opera ay nagpapahiwatig na, maliban sa karaniwang Egyptian na "Isis", ang mga ito ay batay sa mga eksena mula sa sinaunang mitolohiya at bahagyang mula sa medieval knightly epic. Sa ganitong diwa, ang mga ito ay kaayon ng mga trahedya ng Corneille at Racine o ang pagpipinta ng Poussin.

Ang librettist ng karamihan sa mga opera ni Lully ay isa sa mga kilalang classicist playwrights - si Philip Kino. Sa Kino, ang pagsinta ng pag-ibig, ang pagnanais para sa personal na kaligayahan ay sumasalungat sa mga dikta ng tungkulin, at ang mga huli ay pumalit. Ang balangkas ay karaniwang nauugnay sa digmaan, na may pagtatanggol sa sariling bayan, ang mga pagsasamantala ng mga heneral ("Perseus"), na may nag-iisang labanan ng bayani laban sa hindi maiiwasang kapalaran, na may salungatan ng masasamang spells at kabutihan ("Armida") , na may mga motibo ng paghihiganti ("Theseus"), pagsasakripisyo sa sarili ("Alceste "). Ang mga aktor ay nabibilang sa magkasalungat na mga kampo at sila mismo ay nakakaranas ng kalunos-lunos na pag-aaway ng damdamin at kaisipan.

Ang mga karakter ay iginuhit nang maganda, mabisa, ngunit ang kanilang mga imahe ay hindi lamang nanatiling sketchy, ngunit - lalo na sa mga liriko na eksena - naging matamis. Ang kabayanihan ay nagpunta sa isang lugar nakaraan; kinain siya ng kagandahang-loob. Hindi nagkataon na tinawag ni Voltaire, sa kanyang polyetong The Temple of Good Taste, sa pamamagitan ng bibig ng Boileau, ang Cinema na isang ladies' man!

Si Lully, bilang isang kompositor, ay malakas na naimpluwensyahan ng klasikal na teatro sa pinakamagagandang araw nito. Malamang na nakita niya ang mga kahinaan ng kanyang librettist at, higit pa rito, hinahangad na malampasan ang mga ito sa ilang lawak sa kanyang musika, mahigpit at marangal. Ang opera ni Lully, o "lyrical na trahedya" kung tawagin, ay isang monumental, mahusay na binalak, ngunit perpektong balanseng komposisyon ng limang mga gawa, na may isang paunang salita, isang pangwakas na apotheosis, at ang karaniwang dramatikong kasukdulan sa pagtatapos ng ikatlong yugto. Nais ni Lully na bumalik sa mga kaganapan at hilig, aksyon at karakter ng Sinehan ang naglalaho na kadakilaan. Para dito, ginamit niya, una sa lahat, ang paraan ng pathetically uplifted, melodious recitation. Melodically pagbuo ng intonational na istraktura, siya ay lumikha ng kanyang sariling declamatory recitative, na nabuo ang pangunahing musikal na nilalaman ng kanyang opera. "Ang aking recitative ay ginawa para sa mga pag-uusap, gusto ko itong maging perpekto!" Sabi ni Lully.

Sa ganitong diwa, ang masining at nagpapahayag na relasyon sa pagitan ng musika at poetic na teksto sa French opera ay ganap na naiiba mula sa Neapolitan masters. Hinangad ng kompositor na muling likhain ang plastik na paggalaw ng taludtod sa musika. Isa sa pinaka perpektong sample ang kanyang estilo - ang ikalimang eksena ng pangalawang gawa ng opera na "Armida".

Ang libretto ng sikat na liriko na trahedya ay batay sa balangkas ng isa sa mga yugto ng tula ni Torquato Tasso na "Jerusalem Delivered". Ang aksyon ay nagaganap sa Silangan sa panahon ng mga Krusada.

Ang opera ni Lully ay binubuo ng higit pa sa mga recitatives. Mayroon ding mga bilugan na ariose na numero sa loob nito, melodikal na nauugnay sa mga panahong iyon, sensitibo, malandi o nakasulat sa masiglang pagmamartsa o cutesy na mga ritmo ng sayaw. Nagtapos sa arias ang mga declamatory scenes ng mga monologo.

Si Lully ay malakas sa mga ensemble, lalo na sa katangian, na ipinagkatiwala sa mga karakter ng komiks, na nagtagumpay siya nang mahusay. Ang isang makabuluhang lugar ay inookupahan sa "lirikal na trahedya" at mga koro - pastoral, militar, relihiyon at ritwal, hindi kapani-paniwalang kamangha-manghang at iba pa. Ang kanilang papel, kadalasan sa mga eksena ng karamihan, ay higit na pandekorasyon.

Si Lully ay isang napakatalino na master ng opera orchestra para sa kanyang panahon, hindi lamang mahusay na sinamahan ang mga mang-aawit, kundi pati na rin ang pagpinta ng iba't ibang mala-tula at nakalarawan na mga larawan. Ang may-akda ng "Armida" ay binago, naiiba ang mga kulay ng timbre na may kaugnayan sa mga epekto at sitwasyon sa entablado ng teatro.

Ang partikular na sikat ay ang napakahusay na dinisenyo na panimulang "symphony" ni Lully sa opera, na nagbukas ng aksyon, at samakatuwid ay natanggap ang pangalang "French Overture".

Ang ballet music ni Lully ay nanatili hanggang ngayon sa teatro at concert repertoire. At dito ang kanyang trabaho ay pangunahing para sa French art. Ang operatic ballet ni Lully ay hindi palaging isang divertissement: madalas itong itinalaga hindi lamang isang pandekorasyon, kundi pati na rin isang dramatikong gawain, artistikong at masinop na naaayon sa kurso ng aksyon sa entablado. Kaya naman ang pastoral-idyllic dances (sa "Alceste"), pagluluksa (sa "Psyche"), comic-characteristic (sa "Isis") at iba pa.

Bago ang Lully, ang French ballet music ay mayroon nang sariling tradisyon, hindi bababa sa isang siglo, ngunit ipinakilala niya ang isang bagong stream dito - "mabilis at katangian na melodies", matalim na ritmo, masiglang tempo ng paggalaw. Sa oras na iyon, ito ay isang buong reporma ng ballet music. Sa pangkalahatan, mayroong mas maraming instrumental na bilang ng "lirikal na trahedya" kaysa sa Italian opera. Kadalasan sila ay mas mataas sa musika at higit na naaayon sa aksyong nagaganap sa entablado.

Shackled sa pamamagitan ng mga kaugalian at mga convention ng hukuman buhay, moral, aesthetics, Lully pa rin nanatili "isang mahusay na raznochintsy artist na kinikilala ang kanyang sarili bilang katumbas ng pinaka marangal na mga ginoo." Nagdulot ito sa kanya ng pagkamuhi sa maharlika ng korte. Siya ay hindi isang estranghero sa malayang pag-iisip, bagama't sumulat siya ng maraming musika sa simbahan at higit na binago ito. Bilang karagdagan sa mga palabas sa palasyo, nagbigay siya ng mga pagtatanghal ng kanyang mga opera "sa lungsod", iyon ay, para sa ikatlong estate ng kabisera, kung minsan ay libre. Pinalaki niya nang may sigasig at tiyaga sa mataas na sining mahuhusay na tao mula sa ibaba, tulad ng siya mismo. Nililikha muli sa musika ang sistema ng damdamin, ang paraan ng pagpapahayag ng kanyang sarili, maging ang mga uri ng tao na madalas magkita sa korte, si Lully sa mga komiks na yugto ng kanyang mga trahedya (halimbawa, sa Acis at Galatea) ay hindi inaasahang ibinaling ang kanyang mga mata sa folk theater. , ang mga genre at intonasyon nito. At nagtagumpay siya dito, dahil sa kanyang panulat ay lumabas hindi lamang ang mga opera at mga himno ng simbahan, kundi pati na rin ang pag-inom at mga kanta sa kalye. Ang kanyang mga himig ay inaawit sa mga lansangan, "nai-strum" sa mga instrumento. Gayunpaman, marami sa kanyang mga himig ay nagmula sa mga kanta sa kalye. Ang kanyang musika, na hiniram sa mga tao, ay bumalik sa kanya. Ito ay hindi nagkataon na ang nakababatang kontemporaryo ni Lully, si La Vieville, ay nagpapatotoo na ang isang pag-ibig aria mula sa opera na "Amadis" ay kinanta ng lahat ng mga kusinero ng France.

Mahalaga ang pakikipagtulungan ni Lully sa napakatalino na lumikha ng makatotohanang komedya ng Pranses na si Molière, na madalas na nagsasama ng mga numero ng ballet sa kanyang mga pagtatanghal. Bukod sa puro ballet music, ang mga komiks na pagtatanghal ng mga naka-costume na character ay sinabayan pa ng singing-story. Si Monsieur de Poursonac, The Philistine in the Nobility, The Imaginary Sick Man ay isinulat at itinanghal sa entablado bilang mga komedya ng ballet. Para sa kanila, si Lully - ang kanyang sarili ay isang mahusay na artista, na gumanap sa entablado nang higit sa isang beses - nagsulat ng sayaw at vocal na musika.

Ang impluwensya ni Lully sa karagdagang pag-unlad ng French opera ay napakahusay. Hindi lamang siya ang naging tagapagtatag nito - lumikha siya ng isang pambansang paaralan at pinalaki ang maraming estudyante sa diwa ng mga tradisyon nito.