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É da natureza humana organizar tudo em prateleiras, encontrar um lugar para cada coisa e dar-lhe um nome. Isso pode ser especialmente difícil de fazer na arte, onde o talento é uma categoria que não permite comprimir uma pessoa ou um movimento inteiro em uma célula de um catálogo geral ordenado. O abstracionismo é exatamente esse conceito. Tem sido debatido há mais de um século.

Abstractio - distração, separação

Os meios expressivos de pintura são linha, forma, cor. Se você os separar de valores, referências e associações desnecessárias, eles se tornam ideais, absolutos. Platão também falou sobre a beleza verdadeira e correta das linhas retas e formas geométricas. A ausência de analogia entre o que é retratado e os objetos reais abre caminho para a influência sobre o observador de algo ainda desconhecido, inacessível à consciência comum. Significado artístico a pintura em si deve ser superior à importância daquilo que retrata, porque a pintura talentosa dá origem a um novo mundo sensorial.

Foi assim que raciocinaram os artistas-reformadores. Para eles, o abstracionismo é uma forma de buscar métodos que possuem um poder nunca antes visto.

Novo século - nova arte

Os críticos de arte discutem sobre o que é arte abstrata. Os historiadores da arte defendem apaixonadamente o seu ponto de vista, preenchendo as lacunas na história da pintura abstrata. Mas a maioria concordou quanto à época do seu nascimento: em 1910, em Munique, Wassily Kandinsky (1866-1944) expôs a sua obra “Sem título. (Primeira aquarela abstrata).”

Logo Kandinsky, em seu livro “Sobre o Espiritual na Arte”, proclamou a filosofia de um novo movimento.

O principal é a impressão

Não se deve pensar que o abstracionismo na pintura surgiu do nada. Os impressionistas mostraram um novo significado de cor e luz na pintura. Ao mesmo tempo, o papel da perspectiva linear, da adesão exata às proporções, etc., tornou-se menos importante. Todos os principais mestres da época foram influenciados por este estilo.

As paisagens de James Whistler (1834-1903), os seus “noturnos” e “sinfonias”, lembram surpreendentemente as obras-primas dos artistas expressionistas abstratos. A propósito, Whistler e Kandinsky tinham sinestesia - a capacidade de dotar as cores do som de uma determinada propriedade. E as cores em suas obras soam como música.

Nas obras de Paul Cézanne (1839-1906), especialmente em período tardio sua criatividade, a forma do objeto é modificada, adquirindo um tipo especial de expressividade. Não é à toa que Cézanne é chamado de precursor do cubismo.

Movimento geral para frente

O abstracionismo na arte tomou forma como um movimento único no curso do progresso geral da civilização. Os intelectuais estavam entusiasmados com as novas teorias da filosofia e da psicologia, os artistas procuravam conexões mundo espiritual e material, personalidade e espaço. Assim, Kandinsky, em sua justificativa da teoria da abstração, apoia-se em ideias expressas nos livros teosóficos de Helena Blavatsky (1831-1891).

Descobertas fundamentais na física, na química e na biologia mudaram as ideias sobre o mundo e o poder da influência humana sobre a natureza. Progresso técnico reduziu a escala terrestre, a escala do Universo.

Com o rápido desenvolvimento da fotografia, muitos artistas decidiram atribuir-lhe uma função documental. Argumentavam: a função da pintura não é copiar, mas criar uma nova realidade.

A arte abstrata é uma revolução. E pessoas talentosas com atitudes mentais sensíveis sentiram: estava chegando a hora da mudança social. Eles não estavam errados. O século XX começou e continuou com convulsões sem precedentes na vida de toda a civilização.

Fundadores

Junto com Kandinsky, Kazimir Malevich (1879-1935) e o holandês Piet Mondrian (1872-1944) estiveram na origem do novo movimento.

Quem não conhece o “Quadrado Negro” de Malevich? Desde a sua criação em 1915, tem entusiasmado tanto profissionais como pessoas comuns. Alguns vêem isso como um beco sem saída, outros como um simples ultraje. Mas toda a obra do mestre fala da abertura de novos horizontes na arte, de avançar.

A teoria do Suprematismo (lat. supremo - mais alto), desenvolvida por Malevich, afirmava a primazia da cor entre outros meios de pintura, comparou o processo de pintura a um ato de Criação, “arte pura” no sentido mais elevado. Sinais profundos e externos de Suprematismo podem ser encontrados nas obras e artistas contemporâneos, arquitetos e designers.

O mesmo impacto teve gerações subsequentes O trabalho de Mondrian. Seu neoplasticismo baseia-se na generalização da forma e no uso cuidadoso de cores abertas e sem distorções. Linhas retas pretas horizontais e verticais em um fundo branco formam uma grade com células de tamanhos diferentes e as células são preenchidas com cores locais. A expressividade das pinturas do mestre encorajou os artistas a compreendê-las criativamente ou a copiá-las cegamente. Artistas e designers usam o abstracionismo para criar objetos muito reais. Os motivos Mondrian são especialmente comuns em projetos arquitetônicos.

Vanguarda russa - poesia de termos

Os artistas russos revelaram-se especialmente receptivos às ideias dos seus compatriotas - Kandinsky e Malevich. Essas ideias se encaixam de maneira especialmente orgânica na era turbulenta do nascimento e da formação de um novo sistema social. A teoria do Suprematismo foi transformada por Lyubov Popova (1889-1924) e (1891-1956) na prática do construtivismo, que teve uma influência particular na nova arquitetura. Os objetos construídos naquela época ainda são estudados por arquitetos de todo o mundo.

Mikhail Larionov (1881-1964) e Natalya Goncharova (1881-1962) tornaram-se os fundadores do Raionismo ou Regionalismo. Eles tentaram mostrar o intrincado entrelaçamento de raios e planos de luz emitidos por tudo que preenche o mundo circundante.

No movimento dos Cubo-Futuristas, que também tratava da poesia, em tempo diferente Alexandra Esther (1882-1949), (1882-1967), Olga Rozanova (1886-1918), Nadezhda Udaltsova (1886-1961) participaram.

O abstracionismo na pintura sempre foi um expoente de ideias extremas. Essas ideias irritaram as autoridades estado totalitário. Na URSS, e mais tarde em Alemanha fascista os ideólogos determinaram rapidamente que tipo de arte seria compreensível e necessária para o povo e, no início dos anos 40 do século XX, o centro de desenvolvimento da arte abstrata mudou-se para a América.

Canais de um stream

Arte abstrata é uma definição bastante vaga. Sempre que o objeto da criatividade não tem uma analogia concreta com o mundo circundante, falamos de abstração. Na poesia, na música, no balé, na arquitetura. EM belas-Artes As formas e tipos desta direção são especialmente diversas.

Os seguintes tipos de arte abstrata na pintura podem ser distinguidos:

Composições de cores: no espaço da tela a cor é o principal, e o objeto se dissolve no jogo de cores (Kandinsky, Frank Kupka (1881-1957), Orphist (1885-1941), Mark Rothko (1903-1970) , Barnett Newman (1905-1970)).

O abstracionismo geométrico é um tipo de pintura de vanguarda mais intelectual e analítico. Ele rejeita a perspectiva linear e a ilusão de profundidade, resolvendo a questão da relação das formas geométricas (Malevich, Mondrian, elementalista Theo van Doesburg (1883-1931), Josef Albers (1888-1976), seguidor da op art (1906-1997). )).

Abstracionismo expressivo - o processo de criação de uma imagem é especialmente importante aqui, às vezes o próprio método de aplicação da tinta, como, por exemplo, entre os artistas tachi (de tache - mancha) (Jackson Pollock (1912-1956), pintor tachi Georges Mathieu (1921-2012), Willem de Kooning (1904-1997), Robert Motherwell (1912-1956)).

O minimalismo é um retorno às origens da vanguarda artística. As imagens são completamente desprovidas de referências e associações externas (n. 1936), Sean Scully (n. 1945), Ellsworth Kelly (n. 1923)).

A arte abstrata é coisa do passado?

Então, o que é arte abstrata agora? Agora você pode ler na Internet que a pintura abstrata é coisa do passado. Vanguarda russa, quadrado preto - quem precisa disso? Agora é a hora da rapidez e da clareza das informações.

Informação: uma das pinturas mais caras de 2006 foi vendida por mais de 140 milhões de dólares. Chama-se “Nº 5.1948”, o autor é Jackson Pollock, expressivo artista abstrato.

Ao contrário das belas artes clássicas, que visam retratar a realidade, a arte abstrata geralmente não tem nada a ver com o mundo natural. Embora a abstração na arte exista em muitas culturas desde os tempos antigos, o auge da popularidade do movimento é considerado o início do século XX.

Movimento nas Praças (1961)

Bridget Riley

No gênero da arte óptica, o artista cria ilusões através da manipulação de padrões, formas e cores. Bridget Riley é uma das principais artistas britânicas do Nessa direção, seu trabalho se equipara aos trabalhos de Victor Vasarely. Em “Movement in Squares”, ela retrata um tabuleiro de xadrez distorcido, criando uma sensação de profundidade e movimento.

Série de pinturas abstratas (1986)

Gerhard Richter

Gerhard Richter é um famoso artista alemão que criou tais vários trabalhos que ainda é difícil determinar sua pertença a qualquer um dos gêneros de arte. Ele pintou a primeira obra da série Abstract Canvases em 1976 e a continuou nas duas décadas seguintes. Quando Richter cria pinturas, ele começa aplicando grandes listras da cor principal e, aos poucos, desenvolve a composição, refletindo seu andamento, detalhes aleatórios e modelos. Curiosamente, em fevereiro de 2015, uma das pinturas da série foi vendida por US$ 44 milhões, estabelecendo assim um recorde de preço entre as obras de artistas vivos. Artistas europeus.

Laranja, Vermelho, Amarelo (1961)

Marcos Rothko

Mark Rothko é considerado um pioneiro do estilo expressionista abstrato, em que a cor é o tema principal da pintura. Suas obras populares incluem telas que utilizam blocos retangulares simétricos e uma paleta de cores contrastantes. A pintura “Campo de Cores” também é recordista do preço de venda em leilão aberto: Em maio de 2012 foi vendido por quase US$ 87 milhões.

Azul II (1961)

Piet Mondrian

A abstração geométrica é um tipo de arte abstrata baseada no uso de formas geométricas. Piet Mondrian cunhou o termo "neoplasticidade" para suas pinturas geométricas abstratas, que utilizavam apenas linhas retas, três cores primárias e preto, branco e cinza neutros. A última pintura completa de Mondrian, Boogie-Woogie on Broadway, foi inspirada na atmosfera urbana de Manhattan e no movimento musical de mesmo nome que o artista adorava. A pintura é considerada o ápice da visão de Mondrian, fazendo pleno uso de seu vocabulário gráfico de linhas, quadrados e cores.

11 (1952)

A pintura por gotejamento é uma forma de arte abstrata em que a tinta é pingada ou derramada na tela, em vez de ser cuidadosamente aplicada com vários instrumentos. Jackson Pollock é o mais famoso especialista em pintura por gotejamento. Entre suas obras destaca-se “No 11”, adquirida. galeria Nacional Austrália em 1973 por US$ 1,3 milhão (na época, um recorde mundial para a pintura americana contemporânea). Os jornais australianos criticaram a compra e houve um escândalo, que resultou na atenção do público para o crescimento da popularidade da pintura. Hoje esta pintura é uma das principais peças do acervo da galeria, e sua compra é considerada um sucesso incrível.

Composição VII (1913)

Kazimir Malevitch

Kazimir Malevich foi o fundador do movimento artístico conhecido como Suprematismo, que se concentrava em formas geométricas básicas, como círculos, quadrados, linhas e retângulos, e no uso de uma gama limitada de cores. Assim, ele é um pioneiro da arte abstrata geométrica. O famoso "Quadrado Negro" tem significado histórico, é chamado de “ponto zero da pintura”. A obra é considerada icônica não só no gênero da arte abstrata, mas também na pintura em geral.

Pinturas abstratas famosas atualizado: 12 de setembro de 2018 por: Glebe

Arte abstrata arte abstrata

(arte abstrata), uma direção da arte do século XX que se recusa a retratar objetos e fenômenos reais na pintura, escultura e gráficos. Surgiu na década de 10, no final dos anos 40 - início dos anos 60. pertencia aos movimentos artísticos mais difundidos. Alguns movimentos da arte abstrata (Suprematismo, Neoplasticismo), ecoando buscas na arquitetura e na indústria da arte, criaram estruturas ordenadas a partir de linhas, formas geométricas e volumes, outros (Tachismo) buscaram expressar a espontaneidade, a inconsciência da criatividade na dinâmica dos pontos ou volumes.

ARTE ABSTRATA (arte abstrata, arte não objetiva (cm. ARTE NÃO OBJETIVA), arte não figurativa), um conjunto de tendências nas artes plásticas do século XX, que substituiu a reprodução direta da realidade natural por signos e símbolos pictóricos e plásticos ou jogo “puro” formas artísticas. A abstração “pura” deve ser percebida condicionalmente, pois mesmo nas imagens mais abstratas da natureza concreta sempre se pode adivinhar certos motivos e protótipos figurativos de objetos - natureza morta, paisagem, arquitetura, etc.
A arte do ornamento sempre serviu como reservatório constante deste tipo de formas. Importantes precursores históricos da arte abstrata foram também o antigo fascínio dos artistas pelas anamorfoses (ou, por assim dizer, imagens “aleatórias”), que eram discernidas em texturas naturais (por exemplo, em seções de minerais), bem como o princípio de non-finito, que surgiu no Renascimento (cm. NÃO FINITO)(incompletude externa, permitindo admirar o jogo de linhas e cores independentemente das formas do enredo). A arte predominantemente ornamental do Islã, assim como a caligrafia do Extremo Oriente, que libertou o pincel da necessidade de imitar constantemente a natureza externa, desenvolveu-se em uma direção não objetiva ao longo da Idade Média. Na Europa, na era do romantismo e do simbolismo, ou seja, no século XIX, os artistas, por vezes, geralmente na fase de esboço, mas por vezes em obras acabadas, entravam no mundo das visões não figurativas (estas são fantasias individuais do falecido JMW Turner (cm. TURNER Guilherme) ou esboços de G. Moreau); mas estas foram apenas excepções isoladas, e o ponto de viragem decisivo ocorreu apenas no início da década de 1910.
A arte da “grande espiritualidade”
As primeiras pinturas abstratas reais foram criadas em 1910-1911. V. V. Kandinsky (cm. KANDINSKY Vasily Vasilyevich) e o tcheco F. Kupka (cm. COMPRAR Frantisek), e já em 1912 o primeiro deles fundamentou detalhadamente suas descobertas criativas no ensaio programático “Sobre o Espiritual na Arte”. Nos 12 anos seguintes, outros eventos marcantes ocorreram: por volta de 1913, M. F. Larionov (cm. LARIONOV Mikhail Fedorovich) e N. S. Goncharova (cm. GONCHAROVA Natalya Sergeevna) mudou-se do futurismo para a arte abstrata (Larionov chamou o novo método de “rayonismo”); Ao mesmo tempo, mudança semelhante ocorreu na obra do italiano G. Balla (cm. BOLA Giacomo). Em 1912-1913 nasceu o “orfismo” inútil de R. Delaunay (cm. Delaunay Roberto) e em 1915-1917. - uma versão geométrica mais estrita da arte abstrata criada por K. S. Malevich (cm. MALEVICH Kazimir Severinovich) na Rússia (Suprematismo), e depois por P. Mondrian (cm. MONDRIAN Piet) na Holanda (neoplasticismo). Como resultado, formou-se um campo experimental onde se cruzaram quase todos os estilos vanguardistas da época, do futurismo ao dadaísmo.
Três direções surgiram imediatamente criatividade abstrata: 1) geométrico; 2) icônico (ou seja, com foco em símbolos ou pictogramas); 3) orgânico, seguindo o ritmo da natureza (na Rússia, o maior defensor de tais orgânicos abstratos foi principalmente P. N. Filonov (cm. FILONOV Pavel Nikolaevich)). Tal classificação, no entanto, diz respeito apenas a características externas e formais, uma vez que todas as versões da arte abstrata inicial eram, de uma forma ou de outra, simbólicas e todas eram, de uma forma ou de outra, inspiradas pelos “ritmos cósmicos” da natureza. O Orfismo de Delaunay, baseado numa escala de cores puras, formou uma direção especial que pode ser convencionalmente chamada de “cromática”.
Por trás das diferenças formais escondia-se uma semelhança de conteúdo interno. Tendo experimentado forte influência teosofia e movimentos místicos semelhantes (ou seja, a influência de autores como H. P. Blavatsky (cm. BLAVATSKAYA Elena Petrovna) e seus seguidores, bem como P. D. Uspensky (cm. USPENSKY Petr Demyanovich) na Rússia e M. Schoenmaekers na Holanda), Kandinsky, Kupka, Malevich e Mondrian estavam convencidos de que as suas pinturas, onde o velho mundo desaparece claramente no “nada” cósmico, representam um apocalipse artístico ou, por outras palavras, mostram ao espectador aquele limiar além do qual abre uma nova “era de grande espiritualidade” (Kandinsky) e “introduz o mundo na prosperidade” (Filonov). O início de um período de guerras e revoluções apenas fortaleceu essas crenças romântico-idealistas.
Design e letras
Na década de 1920 a arte abstrata, mantendo sua base utópica (mas não mais tão “apocalíptica”), tornou-se mais prática e menos mística. "Bauhaus (cm. BAUHAUS)“na Alemanha, dominou ativamente o seu potencial criativo (principalmente na sua versão geométrica) para atualizar o design e, com ele, a vida social em geral. O abstracionismo começou a ser introduzido na vida, inclusive na moda (por exemplo, S. Delaunay-Turk (cm. Sónia DELONE) usou motivos das pinturas do marido para desenhar tecidos, interiores e até carros). Foi a arte abstrata que contribuiu poderosamente para a formação do que começou a ser chamado de “estilo moderno”. criatividade decorativa. Por sua vez, a não-objetividade foi ativamente dominada na escultura, tanto de cavalete quanto de monumental-decorativa (H. Arp (cm. ARP Hans (Jean)), C. Brancusi (cm. BRANCUZI Constantin), N. Gabo (cm. GABO Naum Abramovich), A. Pevzner, etc.). As atividades da associação francesa “Abstração-criação” contribuíram para a transição da arte abstrata das utopias filosóficas para imagens mais contemplativas e líricas.
No entanto, a quarta direção desta arte, finalmente nova, é a chamada. O “abstracionismo lírico” (que se tornou uma autoexpressão pessoal, à sua maneira confessional, dos artistas) tomou forma um pouco mais tarde, na década de 1940. em Nova York. Era o expressionismo abstrato, dominado por uma pincelada muito grande e texturizada, como se lançada espontaneamente na tela (J. Pollock (cm. Pollock Jackson), W. de Kooning (cm. Kuning Willem), e etc.). A tensão dramática inerente a muitas destas coisas assumiu Europa Ocidental 1940-1950 ainda mais personagem trágico no chamado "informe (cm. INFORMEL)"(Vols, A. Tapies, J. Fautrier), enquanto em Tachisme (cm. TACHISMO) Pelo contrário, prevaleceu o princípio da épica maior ou da paisagem impressionista (J. Mathieu, P. Tal-Coat, H. Hartung, etc.); Inicialmente, o foco de ambas as direções (cujos nomes às vezes são usados ​​como sinônimos) era Paris. No mesmo período, também ocorreram pontos de convergência entre a arte abstrata e a caligrafia do Extremo Oriente (por exemplo, na obra do americano M. Toby e do chinês Zao-Wuki, que trabalhou na França).
Entre o underground e a glória
O reconhecimento oficial da arte abstrata no Ocidente ocorreu em meados do século XX, numa época de domínio do estilo internacional na arquitetura (formas não objetivas - pictóricas ou escultóricas - animaram muito a monotonia das estruturas de vidro-concreto). Paralelamente a isso, surgiu a moda da “pintura de campo colorido”, explorando as possibilidades expressivas de superfícies coloridas grandes, uniformemente (ou com leves variações tonais) pintadas (B. Newman, M. Rothko (cm. Marca ROTKO)) e na década de 1960. - para contornos nítidos “Hard-Edge” ou “pintura de bordas claras”. Mais tarde, a arte abstrata, via de regra, deixou de ser isolada estilisticamente, fundindo-se com a pop art, a op art e outros movimentos pós-modernos.
EM Rússia soviética arte abstrata por muito tempo(desde a década de 1930) na verdade desenvolveu-se clandestinamente, uma vez que foi oficialmente considerado o foco das “influências formalistas reacionárias do Ocidente” (é característico que as palavras “abstracionismo” e “modernismo” fossem frequentemente usadas como sinônimos na imprensa soviética) . Durante o período de “degelo”, a arquitetura serviu como uma espécie de saída para ele, muitas vezes incluindo composições abstratas ou semi-abstratas em seu design. Chegando ao público durante os anos da perestroika, a nova arte abstrata russa demonstrou uma rica gama de diversas tendências (principalmente em pintura e gráficos), que deram continuidade única aos primórdios da vanguarda russa. Entre seus mestres reconhecidos (1960-1990) está E. M. Belyutin (cm. BELYUTIN Eliy Mikhailovich), Yu. S. Zlotnikov, EL Kropivnitsky (cm. KROPIVNITSKY Evgeniy Leonidovich), MA Kulakov, L. Ya. (cm. NEMUKHIN Vladimir Nikolaevich), LV Nusberg (cm. NUSBERG Lev Valdemarovich), VL Slepyan, EA Steinberg (cm. STEINBERG Eduard Arkadevich).

dicionário enciclopédico. 2009 .

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Substantivo, número de sinônimos: 1 abstracionismo (2) Dicionário de sinônimos ASIS. V. N. Trishin. 2013… Dicionário de sinônimo

Arte abstrata (lat. abstração– remoção, distração) ou arte não figurativa- uma direção de arte que abandonou a representação de formas próximas da realidade na pintura e na escultura. Um dos objetivos da arte abstrata é alcançar a “harmonização” retratando certas combinações de cores e formas geométricas, evocando no espectador uma sensação de completude e completude da composição. Figuras proeminentes: Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalia Goncharova e Mikhail Larionov, Piet Mondrian.

História

Abstracionismo(arte sob o signo das “formas zero”, arte não objetiva) – direção artística, formada na arte da primeira metade do século XX, recusando-se totalmente a reproduzir as formas do real mundo visível. Os fundadores da arte abstrata são considerados V. Kandinsky , P. Mondrian E K. Malevich.

V. Kandinsky criou seu próprio tipo de pintura abstrata, libertando as manchas impressionistas e “selvagens” de quaisquer sinais de objetividade. Piet Mondrian chegou à sua não-objetividade através da estilização geométrica da natureza iniciada por Cézanne e os cubistas. Os movimentos modernistas do século XX, centrados no abstracionismo, afastam-se completamente dos princípios tradicionais, negando o realismo, mas ao mesmo tempo permanecendo no quadro da arte. A história da arte sofreu uma revolução com o advento da arte abstrata. Mas esta revolução não surgiu por acaso, mas naturalmente, e foi prevista por Platão! Em sua última obra Filebo, ele escreveu sobre a beleza das linhas, superfícies e formas espaciais em si, independentemente de qualquer imitação objetos visíveis, de toda mimese. Esse tipo de beleza geométrica, ao contrário da beleza das formas naturais “irregulares”, segundo Platão, não é relativa, mas incondicional, absoluta.

Século 20 e tempos modernos

Após a Primeira Guerra Mundial, 1914-18, as tendências da arte abstrata muitas vezes se manifestaram em trabalhos individuais representantes do dadaísmo e do surrealismo; Ao mesmo tempo, havia o desejo de encontrar aplicações para formas não figurativas na arquitetura, nas artes decorativas e no design (experiências do grupo Style e da Bauhaus). Vários grupos de arte abstrata (" Arte concreta", 1930; "Círculo e Quadrado", 1930; “Abstração e Criatividade”, 1931), reunindo artistas de diversas nacionalidades e movimentos, surgiu no início dos anos 30, principalmente na França. No entanto, a arte abstrata não se difundiu naquela época e em meados dos anos 30. os grupos se separaram. Durante a Segunda Guerra Mundial (1939-45), uma escola do chamado expressionismo abstrato surgiu nos Estados Unidos (pintores J. Pollock, M. Tobey etc.), que se desenvolveu após a guerra em muitos países (sob o nome de tachisme ou “arte sem forma”) e proclamou como seu método o “puro automatismo mental” e a impulsividade subconsciente subjetiva da criatividade, o culto de combinações inesperadas de cores e texturas.

Na segunda metade da década de 50, surgiram nos Estados Unidos a instalação e a pop art, que um pouco mais tarde glorificaram Andy Warhol com sua interminável circulação de retratos de Marilyn Monroe e latas de ração para cachorro - abstracionismo de colagem. Nas artes plásticas dos anos 60, a forma estática e menos agressiva de abstração, o minimalismo, tornou-se popular. Ao mesmo tempo Barnett Newman, fundador da arte abstrata geométrica americana junto com A. Liberman, A. Held E K.Noland foram contratados com sucesso desenvolvimento adicional ideias do neoplasticismo holandês e do suprematismo russo.

Outro movimento da pintura americana é chamado de abstracionismo “cromático” ou “pós-pintura”. Seus representantes foram, até certo ponto, inspirados pelo Fauvismo e pelo Pós-Impressionismo. Estilo rígido, contornos enfaticamente nítidos da obra E. Kelly, J. Jungerman, F. Stella gradativamente deu lugar a pinturas de cunho melancólico contemplativo. Nas décadas de 70 e 80, a pintura americana voltou à figuratividade. Além disso, uma manifestação tão extrema como o fotorrealismo tornou-se generalizada. A maioria dos historiadores da arte concorda que os anos 70 são o momento da verdade para a arte americana, uma vez que durante este período ela finalmente se libertou da influência europeia e tornou-se puramente americana. Porém, apesar do retorno formas tradicionais e géneros, do retrato à pintura histórica, o abstraccionismo não desapareceu.

Pinturas e obras de arte “não representacional” foram criadas como antes, uma vez que o retorno ao realismo nos EUA foi superado não pelo abstracionismo como tal, mas pela sua canonização, a proibição da arte figurativa, que foi identificada principalmente com o nosso realismo socialista , e, portanto, não poderia deixar de ser considerado odioso em uma sociedade “democrática livre”, na proibição dos gêneros “baixos”, nas funções sociais da arte. Ao mesmo tempo, o estilo da pintura abstrata adquiriu uma certa suavidade que faltava antes - volumes aerodinâmicos, contornos borrados, riqueza de meios-tons, esquemas de cores sutis ( E. Murray, G. Stefan, L. Rivers, M. Morley, L. Chese, A. Bialobrod).

Todas essas tendências lançaram as bases para o desenvolvimento da arte abstrata moderna. Não pode haver nada congelado ou definitivo na criatividade, pois isso seria a morte para ela. Mas não importa o caminho que o abstracionismo tome, não importa as transformações que sofra, a sua essência permanece sempre inalterada. É que o abstracionismo nas belas-artes é a forma mais acessível e nobre de capturar a existência pessoal, e na forma mais adequada - como uma impressão fac-símile. Ao mesmo tempo, o abstracionismo é uma realização direta da liberdade.

instruções

No abstracionismo, duas direções claras podem ser distinguidas: a abstração geométrica, baseada principalmente em configurações claramente definidas (Malevich, Mondrian), e a abstração lírica, em que a composição é organizada a partir de formas que fluem livremente (Kandinsky). Existem também vários outros grandes movimentos independentes na arte abstrata.

Cubismo

Movimento de vanguarda nas artes plásticas que se originou no início do século XX e se caracteriza pelo uso de formas geométricas enfaticamente convencionais e pelo desejo de “dividir” objetos reais em primitivos estereométricos.

Regionalismo (Rayismo)

Um movimento na arte abstrata da década de 1910, baseado na mudança do espectro e da transmissão da luz. A ideia do surgimento de formas a partir da “intersecção dos raios refletidos” é característica vários itens“, já que o que uma pessoa realmente percebe não é o objeto em si, mas “a soma dos raios vindos da fonte de luz e refletidos no objeto”.

Neoplasticismo

Designação do movimento de arte abstrata que existiu em 1917–1928. na Holanda e artistas unidos agrupados em torno da revista “De Stijl” (“Estilo”). Caracterizado por claro formas retangulares na arquitetura e na pintura abstrata na disposição de grandes planos retangulares, pintados nas cores primárias do espectro.

Orfismo

Direção na pintura francesa da década de 1910. Os artistas orfistas procuraram expressar a dinâmica do movimento e a musicalidade dos ritmos com a ajuda das “regularidades” da interpenetração das cores primárias do espectro e da intersecção mútua de superfícies curvas.

Suprematismo

Um movimento de arte de vanguarda fundado na década de 1910. Malevitch. Foi expresso em combinações de planos multicoloridos das formas geométricas mais simples. A combinação de formas geométricas multicoloridas forma composições suprematistas assimétricas equilibradas e permeadas de movimento interno.

Taquismo

Um movimento na arte abstrata da Europa Ocidental das décadas de 1950 a 1960, que se tornou mais difundido nos Estados Unidos. É uma pintura com manchas que não recriam imagens da realidade, mas expressam a atividade inconsciente do artista. Traços, linhas e manchas em taquisma são aplicados na tela com movimentos rápidos da mão, sem um plano pré-pensado.

Expressionismo abstrato

O movimento dos artistas pintando rapidamente e em grandes telas, usando pinceladas não geométricas, pincéis grandes, às vezes pingando tinta na tela para revelar plenamente as emoções. O método de pintura expressiva aqui é frequentemente tão importante quanto a própria pintura.

Abstracionismo no interior

Recentemente, o abstracionismo começou a passar das pinturas dos artistas para o interior aconchegante da casa, atualizando-o com vantagem. Um estilo minimalista com formas claras, por vezes bastante inusitadas, torna o ambiente inusitado e interessante. Mas é muito fácil exagerar na cor. Considere a combinação da cor laranja neste estilo de interior.

O branco dilui melhor a laranja rica e, por assim dizer, a esfria. A cor laranja deixa o ambiente um pouco mais quente; não prevenir. A ênfase deve estar no mobiliário ou no seu design, por exemplo, uma colcha laranja. Nesse caso, as paredes brancas vão abafar o brilho da cor, mas vão deixar o ambiente colorido. Nesse caso, pinturas da mesma escala servirão como um excelente complemento - o principal é não exagerar, caso contrário haverá problemas de sono.

Combinação de laranja e flores azuis prejudicial para qualquer ambiente, a menos que se trate do berçário. Se você escolher tons não brilhantes, eles se harmonizarão bem, adicionarão humor e não terão um efeito prejudicial mesmo em crianças hiperativas.

O laranja combina bem com o verde, criando o efeito de uma tangerina e um tom chocolate. O marrom é uma cor que varia do quente ao frio, por isso normaliza idealmente a temperatura geral do ambiente. Além disso, esta combinação de cores é adequada para cozinha e sala, onde é necessário criar um ambiente sem sobrecarregar o interior. Depois de decorar as paredes nas cores branco e chocolate, você pode colocar com segurança uma cadeira laranja ou pendurar um quadro brilhante com uma rica cor tangerina. Enquanto estiver em uma sala assim, você estará de ótimo humor e desejará fazer o máximo de coisas possível.

Pinturas de artistas abstratos famosos

Kandinsky foi um dos pioneiros da arte abstrata. Ele começou sua busca no impressionismo e só então chegou ao estilo do abstracionismo. Em seu trabalho, ele explorou a relação entre cor e forma para criar uma experiência estética que abrangesse tanto a visão quanto as emoções do espectador. Ele acreditava que a abstração completa proporciona espaço para uma expressão profunda e transcendente, e copiar a realidade apenas interfere nesse processo.

A pintura era profundamente espiritual para Kandinsky. Ele procurou transmitir a profundidade da emoção humana através de uma linguagem visual universal formas abstratas e flores que transcenderiam as fronteiras físicas e culturais. Ele viu abstracionismo como um modo visual ideal que pode expressar a "necessidade interior" do artista e transmitir ideias e emoções humanas. Ele se considerava um profeta cuja missão era compartilhar esses ideais com o mundo em benefício da sociedade.

Escondidos em cores vivas e linhas pretas claras representam vários cossacos com lanças, bem como barcos, figuras e um castelo no topo de uma colina. Como muitas pinturas deste período, imagina uma batalha apocalíptica que levará à paz eterna.

Para facilitar o desenvolvimento de um estilo de pintura não objetivo, conforme descrito em sua obra Sobre o Espiritual na Arte (1912), Kandinsky reduz os objetos a símbolos pictográficos. Ao remover a maioria das referências a para o mundo exterior, Kandinsky expressou sua visão de uma forma mais universal, traduzindo a essência espiritual do sujeito através de todas essas formas para uma linguagem visual. Muitas dessas figuras simbólicas foram repetidas e refinadas em suas obras posteriores, tornando-se ainda mais abstratas.

Kazimir Malevitch

As ideias de Malevich sobre forma e significado na arte levam de alguma forma a uma concentração na teoria do estilo de arte abstrata. Malevich trabalhou com estilos diferentes na pintura, mas concentrou-se mais no estudo de formas geométricas puras (quadrados, triângulos, círculos) e sua relação entre si no espaço pictórico. Graças aos seus contactos no Ocidente, Malevich conseguiu transmitir as suas ideias sobre a pintura a amigos artistas na Europa e nos Estados Unidos, influenciando assim profundamente a evolução da arte moderna.

"Quadrado Negro" (1915)

A icônica pintura “Quadrado Negro” foi exibida pela primeira vez por Malevich em uma exposição em Petrogrado em 1915. Este trabalho incorpora os princípios teóricos do Suprematismo desenvolvidos por Malevich em seu ensaio “Do Cubismo e do Futurismo ao Suprematismo: novo realismo na pintura."

Na tela à frente do observador há uma forma abstrata em forma de quadrado preto desenhado sobre fundo branco - é o único elemento da composição. Embora a pintura pareça simples, existem elementos como impressões digitais e pinceladas visíveis através das camadas pretas de tinta.

Para Malevich, o quadrado significa sentimentos, e o branco significa vazio, nada. Ele via o quadrado preto como uma presença divina, um ícone, como se pudesse se tornar uma nova imagem sagrada para arte não objetiva. Ainda na exposição, esta pintura foi colocada no local onde normalmente é colocado um ícone em uma casa russa.

Piet Mondrian

Piet Mondrian, um dos fundadores do movimento holandês De Stijl, é reconhecido pela pureza das suas abstrações e prática metódica. Ele simplificou radicalmente os elementos de suas pinturas para representar o que viu não diretamente, mas figurativamente, e para criar uma linguagem estética clara e universal em suas telas. Em suas pinturas mais famosas da década de 1920, Mondrian reduziu suas formas a linhas e retângulos e sua paleta ao mais simples. O uso do equilíbrio assimétrico tornou-se fundamental no desenvolvimento da arte moderna, e as suas icónicas obras abstratas continuam a influenciar o design e são familiares à cultura popular de hoje.

"The Gray Tree" é um exemplo da transição inicial de Mondrian para o estilo abstracionismo. A madeira tridimensional é reduzida às linhas e planos mais simples, utilizando apenas cinzas e pretos.

Esta pintura faz parte de uma série de obras de Mondrian que foram criadas com uma abordagem mais realista, onde, por exemplo, as árvores são representadas de forma naturalista. Embora os trabalhos posteriores tenham se tornado cada vez mais abstratos, por exemplo, as linhas de uma árvore são reduzidas até que a forma da árvore seja quase imperceptível e secundária a composição geral linhas verticais e horizontais. Aqui ainda se percebe o interesse de Mondrian em abandonar a organização estruturada de linhas. Este passo foi significativo para o desenvolvimento da abstração pura em Mondrian.

Roberto Delaunay

Delaunay foi um dos primeiros artistas do estilo de arte abstrata. Sua obra influenciou o desenvolvimento dessa direção, baseada na tensão composicional causada pela oposição de cores. Ele rapidamente caiu sob a influência colorística neo-impressionista e acompanhou de perto o esquema de cores das obras em estilo abstrato. Ele considerou a cor e a luz as principais ferramentas com as quais se pode influenciar a realidade do mundo.

Em 1910, Delaunay deu sua própria contribuição ao cubismo na forma de duas séries de pinturas representando catedrais e a Torre Eiffel, que combinavam formas cúbicas, movimento dinâmico e cores brilhantes. Esta nova forma de usar a harmonia de cores ajudou a separar esse estilo do cubismo ortodoxo, recebendo o nome de Orfismo, e influenciou imediatamente os artistas europeus. A esposa de Delaunay, a artista Sonia Turk-Delone, continuou a pintar no mesmo estilo.

A principal obra de Delaunay é dedicada a Torre Eiffel- o famoso símbolo da França. Esta é uma das mais impressionantes de uma série de onze pinturas dedicadas à Torre Eiffel entre 1909 e 1911. É pintado de vermelho vivo, o que o distingue imediatamente do cinza da cidade circundante. O tamanho impressionante da tela realça ainda mais a grandiosidade deste edifício. Como um fantasma, a torre ergue-se acima das casas circundantes, em figurativamente abalando os próprios alicerces da velha ordem. A pintura de Delaunay transmite esse sentimento de otimismo sem limites, inocência e frescor de uma época que ainda não testemunhou duas guerras mundiais.

Frantisek Kupka

Frantisek Kupka é um artista checoslovaco que pinta no estilo abstracionismo, formou-se na Academia de Artes de Praga. Quando estudante, ele se baseou principalmente temas patrióticos e escreveu composições históricas. Seus primeiros trabalhos foram mais acadêmicos, no entanto, seu estilo evoluiu ao longo dos anos e acabou migrando para a arte abstrata. Escrito em muito maneira realista, até mesmo seus primeiros trabalhos continham temas e símbolos místicos surreais, que foram preservados ao escrever abstrações. Kupka acreditava que o artista e sua obra participavam de uma atividade criativa contínua, cuja natureza não é limitada, como absoluta.

“Amorfo. Fuga em duas cores" (1907-1908)

A partir de 1907-1908, Kupka começou a pintar uma série de retratos de uma menina segurando uma bola na mão, como se fosse brincar ou dançar com ela. Ele então desenvolveu imagens cada vez mais esquemáticas e acabou recebendo uma série de desenhos completamente abstratos. Eles foram feitos em uma paleta limitada de vermelho, azul, preto e branco. Em 1912, no Salon d'Automne, uma destas obras abstratas foi exposta publicamente pela primeira vez em Paris.

Artistas abstratos modernos

Desde o início do século XX, artistas, incluindo Pablo Picasso, Salvador Dali, Kazemir Malevich, Wassily Kandinsky, têm experimentado as formas dos objetos e a sua percepção, e também questionado os cânones existentes na arte. Preparamos uma seleção dos mais famosos artistas abstratos contemporâneos que decidiram ultrapassar os limites do conhecimento e criar a sua própria realidade.

Artista alemão David Schnell(David Schnell) adora passear por lugares onde a natureza já reinou, mas agora eles estão repletos de construções humanas - de parques infantis para plantas e fábricas. As memórias dessas caminhadas dão origem às suas brilhantes paisagens abstratas. Dando liberdade à imaginação e à memória, em vez de fotografias e vídeos, David Schnell cria pinturas que lembram a realidade virtual do computador ou ilustrações para livros de ficção científica.

Ao criar suas pinturas abstratas em grande escala, a artista americana Cristina Baker(Kristin Baker) inspira-se na história da arte e nas corridas da Nascar e da Fórmula 1. Ela primeiro dá dimensão ao seu trabalho aplicando várias camadas de tinta acrílica e cobrindo as silhuetas com fita adesiva. Christine então o remove com cuidado, revelando as camadas subjacentes de tinta e fazendo com que a superfície de suas pinturas pareça uma colagem multicolorida de várias camadas. Na verdade último estágio Em seu trabalho, ela raspa todas as irregularidades, fazendo com que suas pinturas pareçam um raio X.

Em suas obras a artista Origem grega do Brooklyn, Nova York Eleanna Anagnos(Eleanna Anagnos) explora aspectos Vida cotidiana que muitas vezes escapam à atenção das pessoas. Durante o seu “diálogo com a tela”, conceitos comuns adquirem novos significados e facetas: o espaço negativo torna-se positivo e as pequenas formas aumentam de tamanho. Tentando desta forma dar “vida às suas pinturas”, Eleanna tenta despertar a mente humana, que deixou de fazer perguntas e de estar aberta a algo novo.

Dando origem a respingos brilhantes e manchas de tinta na tela, o artista americano Sarah Spitler(Sarah Spitler) se esforça para refletir o caos, o desastre, o desequilíbrio e a desordem em seu trabalho. Ela se sente atraída por esses conceitos porque estão além do controle humano. Portanto, seu poder destrutivo torna as obras abstratas de Sarah Spitler poderosas, enérgicas e emocionantes. Além do mais. a imagem de tinta resultante na tela, tintas acrílicas, lápis de grafite e esmalte enfatizam a efemeridade e a relatividade do que está acontecendo ao redor.

Inspirado pela arquitetura, o artista de Vancouver, Canadá, Jeff Dapner(Jeff Depner) cria pinturas abstratas em múltiplas camadas que consistem em formas geométricas. No “caos” artístico que cria, Jeff busca harmonia na cor, forma e composição. Cada um dos elementos de suas pinturas se conectam entre si e levam ao seguinte: “Meus trabalhos exploram a estrutura composicional [de uma pintura] através das relações de cores na paleta escolhida...”. Segundo o artista, suas pinturas são “sinais abstratos” que devem levar o espectador a um novo nível inconsciente.

direção

O abstracionismo (latim abstractio - remoção, distração) ou arte não figurativa é uma direção de arte que abandonou a representação de formas próximas da realidade na pintura e na escultura. Um dos objetivos da arte abstrata é alcançar a “harmonização” retratando certas combinações de cores e formas geométricas, evocando no espectador uma sensação de completude e completude da composição. Figuras proeminentes: Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalia Goncharova e Mikhail Larionov, Piet Mondrian.

Primeiro pintura abstrata foi pintado por Wassily Kandinsky em 1910. Ela está atualmente em Museu Nacional Geórgia - assim abriu uma nova página na pintura mundial - o abstracionismo, elevando a pintura à música.

Na pintura russa do século XX, os principais representantes do abstracionismo foram Wassily Kandinsky (que completou a transição para suas composições abstratas na Alemanha), Natalya Goncharova e Mikhail Larionov, que fundou o “Rauchismo” em 1910-1912, o criador do Suprematismo como um novo tipo de criatividade Kazimir Malevich, autor de “Quadrado Preto” e Evgeny Mikhnov-Voitenko, cujo trabalho se distingue, entre outras coisas, por inéditos ampla variedade direções do método abstrato aplicado em suas obras (algumas delas, inclusive o “estilo graffiti”, o artista foi o primeiro a utilizar entre mestres não só nacionais, mas também estrangeiros).

Um movimento relacionado ao abstracionismo é o cubismo, que busca representar objetos reais com uma infinidade de planos que se cruzam, criando a imagem de certas figuras retilíneas que reproduzem a natureza viva. Alguns dos exemplos mais marcantes do cubismo foram trabalhos iniciais Pablo Picasso.

Em 1910-1915, pintores da Rússia, da Europa Ocidental e dos Estados Unidos começaram a criar obras de arte abstratas; Entre os primeiros abstracionistas, os pesquisadores citam Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich e Piet Mondrian. O ano de nascimento da arte não objetiva é considerado 1910, quando Kandinsky escreveu sua primeira composição abstrata em Murnau, Alemanha. Os conceitos estéticos dos primeiros abstracionistas presumiam que Criatividade artística reflete as leis do universo escondidas atrás dos fenômenos externos e superficiais da realidade. Esses padrões, compreendidos intuitivamente pelo artista, foram expressos através da relação de formas abstratas (manchas coloridas, linhas, volumes, figuras geométricas) em uma obra abstrata. Em 1911, em Munique, Kandinsky publicou o que se tornou livro famoso“Sobre o Espiritual na Arte”, em que refletiu sobre a possibilidade de encarnar o internamente necessário, o espiritual, em contraste com o externo, o acidental. A “base lógica” das abstrações de Kandinsky baseou-se no estudo das obras teosóficas e antroposóficas de Helena Blavatsky e Rudolf Steiner. No conceito estético de Piet Mondrian, os elementos primários da forma eram as oposições primárias: horizontal - vertical, linha - plano, cor - não cor. Na teoria de Robert Delaunay, em contraste com os conceitos de Kandinsky e Mondrian, a metafísica idealista foi rejeitada; A principal tarefa do abstracionismo parecia ao artista ser o estudo das qualidades dinâmicas da cor e outras propriedades da linguagem artística (a direção fundada por Delaunay foi chamada de Orfismo). O criador do “rayonismo”, Mikhail Larionov, descreveu “a emissão de luz refletida; pó colorido."

Originada no início da década de 1910, a arte abstrata desenvolveu-se rapidamente, aparecendo em muitas áreas da arte de vanguarda na primeira metade do século XX. As ideias do abstracionismo estão refletidas na obra dos expressionistas (Wassily Kandinsky, Paul Klee, Franz Marc), cubistas (Fernand Léger), dadaístas (Jean Arp), surrealistas (Joan Miró), futuristas italianos (Gino Severini, Giacomo Balla,