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Habilidades do espectador, e seu significado para homem moderno A arte fala de forma mais clara, mais específica, mais bela - o que todos gostariam de dizer, mas não podem. A arte é como uma estrela-guia, iluminando o caminho de quem segue em frente, em direção à luz, quer ser melhor, mais perfeito. Este é o verdadeiro significado da arte... É para isso que as artes servem para proporcionar a oportunidade do conhecimento, do bem e do mal. A arte não falsifica nem substitui o mundo real, mas explica-o, expande-o e dá-lhe continuidade.

Wermeer de Delft Jan (pintor holandês. O maior mestre do gênero holandês e pintura de paisagem. A grande maioria das pinturas de Vermeer que chegaram até nós são esboços de gênero. Seus temas são típicos: uma pequena parte da sala, mulheres imersas em determinadas atividades: ler e escrever cartas de amor, ver joias, tocar música, comunicar-se com cavalheiros, etc.

FEDOTOV Pavel Andreevich (), pintor. Enquanto servia em um regimento de guardas em São Petersburgo, Fedotov se interessou por desenho e fez o seu próprio passos importantes no caminho para dominar a habilidade de um artista, ele teve aulas de pintura com professores da Academia de Artes de São Petersburgo, mas especial Educação Artistica não tinha. Fedotov iniciou sua atividade criativa com caricaturas. Depois de se aposentar, ele retratou os acontecimentos da vida cotidiana de forma satírica, muitas vezes grotesca. Sua primeira pintura significativa foi uma pequena obra de gênero, Consequência da Morte de Fidelka (1844). Fedotov é chamado de Gogol na pintura russa. Em pequenas pinturas, Fedotov denunciava, admirava, ria e chorava no estilo gogoliano. O conteúdo das pinturas expõe não os personagens retratados como tais, mas as circunstâncias e condições de vida da época. Suas pinturas e desenhos são caracterizados pela harmonia de composição e esquemas de cores. Fedotov é considerado o fundador do realismo crítico nas belas-artes russas. Marcos no caminho de Fedotov para o realismo crítico foram suas pinturas: Cavalheiro fresco(1847), A noiva exigente (1847), O casamento do major (1848). As obras posteriores de Fedotov refletiram sentimentos de melancolia e solidão: Viúva, Âncora, outra âncora, etc. Fedotov ilustrou as obras de escritores contemporâneos, em particular F. M. Dostoiévski.

Nenhum dos artistas europeus do século XIX foi agraciado com o triunfo tão grandioso que se abateu sobre o jovem pintor russo Karl Pavlovich Bryullov quando, em meados de 1833, abriu as portas da sua oficina romana aos espectadores com a pintura recém-concluída “O Último Dia de Pompéia.” Como Byron, ele tinha o direito de dizer sobre si mesmo que certa manhã acordou famoso. A palavra “sucesso” não é suficiente para caracterizar a atitude em relação à sua imagem. Havia algo mais evidente - o quadro causou uma explosão de alegria e admiração no público pelo artista russo, que parecia ter descoberto nova página na história da arte mundial.

que desperdiçou sua fortuna, mas busca o esplendor externo e a vida para se exibir. Na tela vemos um jovem - um aristocrata empobrecido - em um interior luxuoso. Ele está tomando café da manhã, folheando um livro de capa amarela. A mise-en-scène mostrada retrata o momento que antecede a aparição do hóspede no quarto. O cachorro já estava preocupado, a porta estava prestes a ranger... O barulho pegou o jovem de surpresa. Confuso e desajeitado, ele tenta encobrir as evidências de seus problemas com um livro - um péssimo café da manhã composto por uma fatia de pão preto. A pintura tem uma composição muito expressiva. Fedotov retrata o mundo em que vive o aristocrata - um mundo fantasmagórico de ilusões. Ele desenha com maestria o interior da sala: um tapete sob os pés de um jovem dândi, pinturas luminosas na parede, uma mesa polida de madeira rara, uma poltrona elegante. O autor não economiza nos acessórios - vemos uma cesta em forma de vaso antigo, uma estatueta, um abajur com abajur de renda e uma carteira vazia virada do avesso. Há um toque de comédia na comparação entre o mundo das coisas caras e o próprio herói. Tendo como pano de fundo o ambiente objetivo retratado com amor pelo artista, a vaidade e a vaidade mesquinha parecem ainda mais proeminentes, obrigando o herói a esconder sua essência. Assim, no filme “Café da Manhã de Um Aristocrata”, com bastante ironia e humor, Fedotov retrata vividamente as fraquezas humanas - a hipocrisia, o desejo de viver para se exibir, a pobreza sob o disfarce de brilho externo.

Palavra e imagem. As artes são temporais e espaciais.

O lado visível da realidade, uma imagem artística visível.

A ilustração como forma de relação entre uma palavra e uma imagem.

Ilustração da independência. A visibilidade dos eventos literários e a capacidade da ilustração de expressar os significados profundos de uma obra literária, o estilo do autor, o clima e a atmosfera da obra, bem como a singularidade da compreensão do artista sobre ela, sua atitude para com o assunto da história. Ilustradores famosos livros.

Exercício: escolher trabalho literário e vários episódios interessantes dele; recolher o material necessário à ilustração (a natureza das roupas dos personagens, a natureza dos edifícios e instalações, detalhes característicos do agregado familiar, etc.); construir esboços de ilustrações futuras e executar.

Materiais: materiais gráficos (opcional) ou guache, aquarela, pincéis, papel.
^ Assunto. Habilidades do espectador e sua importância para o homem moderno

A linguagem da arte e os meios de expressão. O conceito de “imagem artística”.

Diferentes níveis de compreensão do trabalho Artes visuais: nível do assunto e nível do enredo; nível de avaliação emocional, empatia; o nível das ideias de valor do artista sobre o mundo como um todo, sobre a conexão dos fenômenos, sobre o que é belo e o que é feio.

Composição como construção da realidade no espaço de uma imagem. Construção da obra como um todo. Organização visual e semântica do espaço da pintura. Organização visual e semântica do espaço da pintura. A figuratividade como expressão de sensações sensoriais e experiências de fenômenos da vida. A decoratividade como propriedade e meio de expressividade em uma obra de arte.

A personalidade do artista, sua posição criativa e o mundo de sua época em uma obra de arte. A natureza pessoal da criação e percepção de obras de arte.

A natureza criativa da percepção do espectador. Cultura da percepção como capacidade de construir experiências pessoais de espectador. As obras de arte são elos da cadeia cultural.

Exercício: uma análise analítica mais profunda e sistemática de obras de arte.
^ Assunto. História da arte e história da humanidade. Estilo e direção nas artes plásticas

Processo histórico e artístico na arte. O estilo como expressão artística da percepção do mundo, característica das pessoas de um determinado era cultural; a estrutura da arte de uma determinada época, país. A mudança de imagens de diferentes épocas e a variabilidade da linguagem da arte.

Exemplos de diferentes estilos grandes: estilo gótico Europa medieval, estilo do Oriente Muçulmano, Renascimento, Barroco e Classicismo, Art Nouveau.

Direções na arte dos tempos modernos. Uma direção como associação ideológica de artistas próximos na compreensão da finalidade e dos métodos de sua arte. No entanto, a direção não se torna a norma geral cultura artística do seu tempo.

Impressionismo e pós-impressionismo. Os Andarilhos. “Mundo da Arte”. Exemplos direções artísticas Século XX.

Exercício: análise das obras do ponto de vista do pertencimento ao seu estilo e direção.
^ Assunto. Maiores museus artes plásticas e seu papel na cultura

Museus do mundo: Galeria Tretyakov em Moscou, o Hermitage e o Museu Russo em São Petersburgo, o Museu Pushkin de Belas Artes em Moscou, o Louvre em Paris, Galeria de Arte antigos mestres em Dresden, Prado em Madrid, Metropolitan em Nova York.

Cada museu tem sua própria história de formação. Os princípios pelos quais as coleções dos museus nacionais foram formadas influenciaram significativamente a compreensão das pessoas sobre os valores da arte e desenvolvimento adicional arte (por exemplo: o papel da Galeria Tretyakov na formação de uma personalidade especial da pintura russa).

Conhecimento sobre Museus russos deve ser complementado pela familiaridade com os museus locais. A lista de museus estrangeiros pode ser alterada e complementada.

Trabalhar em um projeto (individual ou trabalho em equipe, trabalhar com um grupo de alunos; projeto de implementação ao longo do trimestre).

Projeto de trabalho.

Seleção e justificativa do tema.

Concepção e desenvolvimento de croquis.

Discussão e defesa da ideia do projeto.

Coleta de materiais.

Desenvolvimento e refinamento da ideia.

Execução do projeto no material.

Materiais:à escolha dos alunos de acordo com a ideia e conteúdo do projeto artístico e criativo.
^ FORMAÇÃO DE CONHECIMENTOS, HABILIDADES E HABILIDADES ARTÍSTICAS
Os alunos devem saber:

Sobre o sistema de géneros nas artes plásticas e o seu significado para analisar o desenvolvimento da arte e compreender as mudanças na visão do mundo e, consequentemente, nas formas de o representar;

Sobre o papel e a história imagem temática nas artes plásticas e seus tipos de gênero (cotidiano e gêneros históricos, temas mitológicos e bíblicos na arte);

Sobre o processo de trabalho do artista sobre uma pintura, sobre o significado de cada etapa desta obra, sobre o papel dos esboços e esboços;

Sobre a composição como integridade e estrutura figurativa de uma obra, sobre construção composicional obra, sobre o papel do formato, sobre o significado expressivo da dimensão da obra, sobre a relação entre o todo e o detalhe, sobre o significado de cada fragmento e o seu significado metafórico;

Sobre a beleza poética do cotidiano, revelada nas obras dos artistas; sobre o papel da arte na afirmação do significado de cada momento da vida de uma pessoa, na compreensão e no sentimento de uma pessoa sobre a sua existência e a beleza do mundo;

Sobre o papel da arte na criação de monumentos em homenagem a grandes eventos históricos; sobre a influência da imagem criada pelo artista na compreensão dos acontecimentos históricos;

Sobre o papel das imagens artísticas das artes plásticas na compreensão temas eternos vida, na criação Contexto cultural entre gerações, entre pessoas;

Sobre o papel da ilustração artística;

Sobre a tradução poética (metafórica) da realidade em todos os gêneros das artes plásticas; sobre a diferença entre enredo e conteúdo do filme; sobre o papel dos princípios construtivos, visuais e decorativos na pintura, gráfica e escultura;

a série mais significativa de grandes obras de arte sobre história e temas bíblicos na arte europeia e nacional; compreender o especial papel cultural e construtivo das pinturas temáticas russas dos séculos XIX e XX.

^ Os alunos devem ter uma ideia:

Sobre o histórico processo artístico, sobre mudanças significativas na imagem do mundo e nas formas de expressá-lo, sobre a existência de estilos e tendências na arte, sobre o papel da individualidade criativa do artista;

Sobre o caminho complexo, contraditório e agitado das belas-artes russa e mundial no século XX.

^ Em andamento trabalho prático Os estudantes devem:

Obter competências primárias na representação das proporções e movimentos da figura humana a partir da vida e da representação;

Aprenda a dominar materiais de pintura, desenho e modelagem em um nível adequado à idade;

Desenvolver a capacidade de observação, a capacidade de visualizar o quotidiano envolvente, formando a sensibilidade e a atividade na percepção da realidade;

Ganhar experiência criativa na construção de composições temáticas, o que envolve a coleta de material artístico e educativo, a formação posição do autor sobre o tema escolhido e buscando uma forma de expressá-lo;

Adquira habilidades para relacionar suas próprias experiências com os contextos da cultura artística.

^ NOTA EXPLICATIVA
O currículo de trabalho foi desenvolvido com base no componente federal do estado padrão educacional principal Educação geral em Arte, um programa aproximado de educação básica geral, baseado no conceito do programa do autor G. P. Sergeeva, I. E. Kashekova, E. D. Kritskaya “Art grades 8-9”, autores do programa “Music grades 1-7. Arte 8-9 anos"; “Belas artes do 5º ao 9º ano”, autor do programa N.D. Nemensky N.D., Moscou, Educação, 2012.

Este programa é projetado para dois anos de estudo - na 8ª e 9ª séries. De acordo com currículo do 8º ao 9º ano são atribuídas 70 horas para a disciplina “Arte”, 1 hora por semana.

gols x educação artística e educação estética na escola primária:

desenvolvimento da percepção emocional e estética da realidade, artística criatividade estudantes, pensamento figurativo e associativo, fantasia, memória visual-figurativa, gosto, necessidades artísticas;

Promover uma cultura de percepção de obras de artes plásticas, decorativas e aplicadas, arquitetura e design, literatura, música, cinema, teatro; dominar a linguagem figurativa dessas artes a partir da experiência criativa dos escolares;

Formação de um interesse sustentável pela arte, capacidade de perceber as suas características históricas e nacionais;

Adquirir conhecimentos sobre a arte como forma de domínio emocional e prático do mundo envolvente e da sua transformação; Ó meios expressivos ah e funções sociais da música, literatura, pintura, gráfica, artes decorativas e aplicadas, escultura, design, arquitetura, cinema, teatro;

Dominar as habilidades de uma variedade de atividades artísticas; proporcionando oportunidades de autoexpressão criativa e autoafirmação, bem como alívio psicológico e relaxamento por meio da arte.

^ Objetivo do programa- desenvolvimento da experiência de uma atitude emocional e valorativa em relação à arte como forma sociocultural de exploração do mundo, afetando os indivíduos e a sociedade.

Tarefas implementação deste curso:

Atualizar a experiência existente dos alunos com arte;

Adaptação cultural dos escolares ao moderno espaço de informação repleto de diversos fenômenos da cultura de massa;

Formação de uma ideia holística do papel da arte no processo cultural e histórico do desenvolvimento humano;

Aprofundar os interesses artísticos e cognitivos e desenvolver as capacidades intelectuais e criativas dos adolescentes;

Educação do gosto artístico;

Aquisição de competência cultural-cognitiva, comunicativa e sócio-estética;

Formação de competências e habilidades de autoeducação artística.

As tecnologias de informação e informática, os materiais de áudio e vídeo devem ter particular importância na organização das formas de trabalho presencial e extracurricular com os alunos.

Ao estudar tópicos individuais do programa grande importância tem um estabelecimento interdisciplinar conexões com aulas de literatura, história, biologia, matemática, física, tecnologia, ciência da computação. O conhecimento dos alunos sobre os principais tipos e gêneros de música, artes espaciais (plásticas), cinematográficas, seu papel no desenvolvimento cultural da humanidade e o significado para a vida de um indivíduo ajudarão a navegar pelos principais fenômenos da língua russa e arte estrangeira, descubra o máximo obras significativas; avaliar esteticamente os fenômenos do mundo circundante, as obras de arte e fazer julgamentos sobre eles; analisar o conteúdo, linguagem figurativa das obras tipos diferentes e gêneros de arte; aplicar meios artísticos e expressivos de diversas artes em sua criatividade.

O material artístico aproximado recomendado pelo programa pressupõe sua utilização variável no processo educativo, possibilita a atualização de conhecimentos, habilidades, métodos atividade criativa, adquiridos pelos alunos em fases anteriores de formação em disciplinas do ciclo artístico e estético.

Utilizando obras de arte específicas (musicais, artes plásticas, literatura, teatro, cinema), o programa revela o papel da arte na vida da sociedade e do indivíduo, a comunhão dos meios expressivos e as especificidades de cada um deles.

^ Resultados do domínio do programa “Arte”

O estudo da arte e a organização das atividades educativas, artísticas e criativas no processo de aprendizagem proporcionam aspectos pessoais, sociais, cognitivos, desenvolvimento de comunicação estudantes. A esfera emocional e espiritual dos escolares é enriquecida, formam-se orientações de valores e a capacidade de resolver problemas educacionais, artísticos e criativos; Cultiva-se o gosto artístico, desenvolve-se a imaginação, o pensamento figurativo e associativo, a vontade de participar em atividades socialmente significativas, em projetos artísticos da escola, em eventos culturais da região, etc.

Como resultado do domínio do conteúdo do curso, o desenvolvimento intelectual e emocional da personalidade do aluno é harmonizado, uma visão holística do mundo é formada, a percepção imaginativa se desenvolve e, através da experiência estética e do domínio de métodos de autoexpressão criativa, conhecimento e autoconhecimento são realizados.

^ Resultados do assunto as aulas do programa “Arte” são:

Dominar/apropriar-se das obras de arte como experiência espiritual de gerações; compreender o significado da arte, o seu lugar e papel na vida humana; respeito pela cultura de outro povo;

Conhecimento das leis básicas da arte; dominar as especificidades da imagem artística, as características dos meios de expressão artística, a linguagem dos diferentes tipos de arte;

Interesse sustentado em vários tipos de atividades educacionais e criativas, tradições artísticas do seu povo e as conquistas da cultura mundial.

^ Os graduados da escola básica aprenderão:

Perceber fenômenos da cultura artística nações diferentes mundo, para perceber o lugar da arte doméstica nele;

Compreenda e interprete imagens artísticas, navegue no sistema valores morais apresentados em obras de arte, tirar conclusões e conclusões;

Descrever os fenómenos da cultura musical e artística, utilizando terminologia adequada;

Estruturar o material estudado e as informações obtidas em outras fontes; aplicar competências e habilidades em qualquer tipo de atividade artística; resolver problemas criativos.

Metassujeito Os resultados do estudo da arte são métodos de atividade dominados que são aplicáveis ​​​​na resolução de problemas em situações da vida real:

Comparação, análise, generalização, estabelecimento de ligações e relações entre fenómenos culturais;

Trabalhar com diferentes fontes de informação, primando pela comunicação independente com a arte e a autoformação artística;

Competência cultural-cognitiva, comunicativa e sócio-estética.

Conexões interdisciplinares.

O programa examina vários fenômenos da arte musical e sua interação com imagens artísticas de outras artes: literatura - prosa e poesia, artes plásticas - pintura e escultura, arquitetura e gráfica, ilustrações de livros etc., teatro - ópera e balé, opereta e musical, ópera rock, além de cinema.

^ Requisitos para o nível de preparação do aluno:

Os graduados aprenderão:

• 
  navegar na diversidade cultural da realidade envolvente, observar vários fenómenos da vida e da arte nas atividades educativas e extracurriculares, distinguir entre valores verdadeiros e falsos;
• 
  organizar sua atividade criativa, determinar suas metas e objetivos, escolher e implementar formas de alcançá-los;
• 
  pensar em imagens, fazer comparações e generalizações, destacar propriedades e qualidades individuais de um fenômeno holístico;
• 
  perceber valores estéticos, expressar opinião sobre os méritos das obras de arte erudita e popular, ver ligações associativas e perceber o seu papel nas atividades criativas e performáticas.

• 
  um sentido estético desenvolvido, manifestando-se numa atitude emocional e valorativa perante a arte e a vida;
• 
  realização do potencial criativo no processo de atividade artística e estética coletiva (ou individual) na incorporação (criação) de imagens artísticas;
• 
  avaliação e autoavaliação das capacidades artísticas e criativas; capacidade de conduzir um diálogo e defender sua posição.

• 
  acumular, criar e transmitir os valores da arte e da cultura (enriquecendo o seu experiência pessoal emoções e experiências associadas à percepção e execução de obras de arte); sentir e compreender o seu envolvimento no mundo ao seu redor;
• 
  utilizar as qualidades comunicativas da arte; atuar de forma independente na execução individual de tarefas educacionais e criativas e trabalhar em modo de projeto, interagindo com outras pessoas na consecução de objetivos comuns; mostrar tolerância em atividades conjuntas;
• 
  participar da vida artística da turma, escola, cidade, etc.; analisar e avaliar o processo e os resultados das próprias atividades e correlacioná-los com a tarefa atribuída.

O currículo prevê a formação nos alunos de competências educacionais gerais, métodos universais de atividade e competências-chave.

Dominar o conteúdo do ensino básico geral na disciplina “Arte” promove:

• 
  desenvolver as ideias dos alunos sobre a imagem artística do mundo;
• 
  o domínio de métodos de observação, comparação, justaposição e análise artística;
• 
  generalização das impressões recebidas sobre os fenômenos em estudo, acontecimentos da vida artística do país;
• 
  ampliar e enriquecer a experiência de realização de tarefas educativas e criativas e encontrar soluções originais, percepção adequada da fala oral, sua expressividade entonação-figurativa, resposta intuitiva e consciente ao conteúdo figurativo e emocional das obras de arte;
• 
  melhorar a capacidade de formular a atitude perante o fenómeno artístico em estudo nas formas verbais e não verbais, de dialogar (directa ou indirectamente) com uma obra de arte, com o seu autor, com os alunos, com um professor;
• 
  formular o próprio ponto de vista em relação às obras de arte em estudo, aos acontecimentos da vida artística do país e do mundo, confirmando-o com exemplos específicos;
• 
  adquirir competências e habilidades para trabalhar com diversas fontes de informação.

• 
  alunos dominando as competências e habilidades de monitoramento e avaliação de suas atividades;
• 
  determinar o âmbito das suas preferências pessoais, interesses e necessidades, inclinações para tipos específicos de atividades;
• 
  melhorar a capacidade de coordenar as próprias atividades com as atividades dos alunos e professores e avaliar as próprias capacidades na resolução de problemas criativos.

^ Requisitos para o nível de preparação dos alunos do 8º ao 9º ano:

A educação artística na escola primária deve proporcionar aos alunos a oportunidade de:

• 
  ter uma compreensão dos gêneros e estilos de música clássica e arte contemporânea, características da linguagem artística e da dramaturgia musical;
• 
  determinar se as obras de arte pertencem a um dos gêneros com base em meios de expressão característicos;
• 
  conhecer os nomes de destacados russos e compositores estrangeiros, artistas, escultores. diretores, etc., conheçam suas obras mais significativas;
• 
  refletir sobre uma obra familiar, expressando julgamentos sobre a ideia principal, meios de sua implementação, características de entonação, gênero, forma, intérpretes;
• 
  fazer uma avaliação pessoal da música tocada nas aulas e fora da escola, argumentando a sua atitude face a determinados fenómenos musicais;
• 
  executar canções folclóricas e modernas, melodias familiares de obras clássicas estudadas;
• 
  completar tarefas criativas, participar de projetos de pesquisa;
• 
  utilizar conhecimentos sobre música e músicos, artistas adquiridos nas aulas na compilação de uma biblioteca de música doméstica, videoteca, etc.

^ CONTEÚDO DO CURSO

VIII CLASSE

DESIGN E ARQUITETURA NA VIDA HUMANA (19)
Design e arquitetura são artes construtivas entre as artes espaciais.

Visualmente - linguagem plástica e conteúdo estético do design e da arquitetura. O seu lugar na família das artes espaciais, a sua relação com as artes plásticas e decorativas.

A arquitetura como reflexo das atitudes sociais e dos ideais estéticos de qualquer século, de qualquer nação na forma de edifícios domésticos, públicos e culturais, o papel da arquitetura na organização do ambiente espacial e estrutural da cidade, que determina em grande parte o modo de vida de pessoas. O design é uma continuação lógica da contribuição do artista para a formação de um ambiente eternamente objetivo, mundo feito pelo homem: desde roupas, móveis, louças até carros, máquinas-ferramentas, etc.

Design e arquitetura como criação de uma “segunda natureza”, o ambiente artificial do nosso habitat. A diversidade do ambiente moderno de materiais e roupas. A unidade de conveniência e beleza, funcional e artística nos melhores exemplos de criatividade arquitetônica e de design. Trabalhos práticos individuais e coletivos.
^ Seção 1: Artista - design - arquitetura.

Fundamentos da composição nas artes construtivas. Harmonia, contraste e expressividade emocional de uma composição planar ou “Vamos trazer ordem ao caos!”

A cor é um elemento da criatividade composicional. Formulários gratuitos: linhas e manchas.

Carta – linha – texto. A arte do tipo.

Quando texto e imagem estão juntos. Noções básicas de composição de layout em design de impressão.
^ Seção 2: No mundo das coisas e dos edifícios. A linguagem artística das artes construtivas. Objeto e espaço
Desde uma imagem plana até um layout tridimensional.

Inter-relação de objetos em um layout arquitetônico.

Construção: parte e todo.

Cor na arquitetura e design
^ Seção 3: Cidade e pessoas. O significado social do design e da arquitetura na vida humana
Uma cidade através de tempos e países

Cidade hoje e amanhã

Coisa na cidade e em casa.

Design urbano. Design do ambiente espacial e material do interior.

Você é um arquiteto.
^ Seção 4: O homem no espelho do design e da arquitetura. Estilo de vida e design personalizado
Minha casa é meu modo de vida.

O interior que criamos.

A cultura da moda e nós.
^ Seção 5: Diversidade de gênero musical

A canção é o gênero mais democrático da arte musical. Peculiaridade música.

Variedade de gêneros de canções folclóricas.

Arte musical espiritual e secular.

Desenvolvimento da música de dança.

Dança, seu significado na vida humana.

Características da música de marcha. Variedade de gêneros.

Março, seu significado na vida humana.
^ Seção 6: Estilo musical - era Cameron
Estilo musical.

Música do Renascimento.

Música da época barroca.

Música da era clássica.

Música da era romântica.

Música da era do realismo.

Neoclassicismo e vanguarda clássica.

Tradições e inovação na música.

^ CURRÍCULO - PLANO TEMÁTICO

Seção 1: ARQUITETURA E DESIGN – ARTES CONSTRUTIVAS EM UMA SÉRIE DE ARTES ESPACIAIS.

^ O MUNDO QUE CRIA O HOMEM

ARTISTA – DESIGN – ARQUITETURA. A ARTE DA COMPOSIÇÃO – A BASE DO DESIGN E DA ARQUITETURA (5 horas)

O surgimento da arquitetura e do design em estágios diferentes desenvolvimento Social. Design e arquitetura como criadores da “segunda natureza”, o ambiente artificial do nosso habitat. A unidade de conveniência e beleza,

funcional e artístico.

A composição como base para a implementação de um plano em qualquer atividade criativa. Composição plana em design. Elementos de composição em design gráfico: spot, linha, cor, letra, texto e imagens. básico técnicas composicionais: busca de equilíbrio (simetria e assimetria, equilíbrio dinâmico), dinâmica e estática, ritmo, harmonia de cores. Ritmo e estática, movimento, na música.

Diversas formas de design gráfico, seus aspectos artístico-composicionais, visual-psicológicos e sociais.

Habilidades do espectador e sua importância para o homem moderno(1 hora)

A linguagem da arte e os meios de expressão. O conceito de “imagem artística”.

Diferentes níveis de compreensão de uma obra de arte: nível do assunto e nível do enredo; nível de avaliação emocional, empatia; o nível das ideias de valor do artista sobre o mundo como um todo, sobre a conexão dos fenômenos, sobre o que é belo e o que é feio.

A personalidade do artista, sua posição criativa e o mundo de sua época em uma obra de arte. A natureza pessoal da criação e percepção de obras de arte.

A natureza criativa da percepção do espectador. Cultura da percepção como capacidade de construir experiências pessoais de espectador. As obras de arte são elos da cadeia cultural.

Tarefa: uma análise analítica mais profunda e sistemática de obras de arte.

Alcance visual: retorno a trabalhos já familiares de aulas anteriores.

História da arte e história da humanidade.

Estilo e direção em artes plásticas (2 horas)

Processo histórico e artístico na arte. O estilo como expressão artística da percepção do mundo, característica das pessoas de uma determinada época cultural; a estrutura da arte de uma determinada época, país. A mudança de imagens de diferentes épocas e a variabilidade da linguagem da arte. Exemplos de vários grandes estilos: o estilo gótico da Europa medieval, o estilo do Oriente muçulmano, o Renascimento, o estilo russo do século XVII, o barroco e o classicismo, o modernismo.

Direções na arte dos tempos modernos. Uma direção como associação ideológica de artistas próximos na compreensão da finalidade e dos métodos de sua arte. Porém, a direção não se torna a norma geral da cultura artística de sua época.

Impressionismo e pós-impressionismo. Os Andarilhos. “Mundo da Arte”. Exemplos de movimentos artísticos do século XX.

Tarefa: análise de obras do ponto de vista de seu estilo e direção.

O alcance visual não ultrapassa os limites dos trabalhos já conhecidos das aulas anteriores.

A personalidade do artista e o mundo de sua época nas obras de arte(2 horas)

Conversação. A relação entre o universal e o pessoal na arte. O estilo do autor e o aumento da liberdade criativa e da iniciativa original do artista. Direção de arte e individualidade criativa artista.

Grandes artistas da história da arte e suas obras.

Uma imagem holística da criatividade de dois ou três grandes artistas escolhidos pelo professor.

Tarefa: obras selecionadas para uma conversa sobre artistas.

Maiores museus de belas artes(4 horas)

Museus do mundo: Galeria Tretyakov em Moscou, o Hermitage e o Museu Russo em São Petersburgo, o Museu Pushkin de Belas Artes em Moscou, o Louvre em Paris, a Galeria de Arte dos Velhos Mestres em Dresden, o Prado em Madrid, o Metropolitan Em Nova Iórque.

Cada museu tem sua própria história de formação. Os princípios pelos quais as coleções dos museus nacionais foram formadas influenciaram significativamente a compreensão das pessoas sobre os valores da arte e o desenvolvimento da arte.

O conhecimento sobre os museus russos deve ser complementado pela familiaridade com museus de importância local. A lista de museus estrangeiros pode ser alterada e complementada.

Alcance visual: álbuns, coleções de slides, vídeos dedicados a coleções de museus.

PLANO CURRÍCULO

Historicamente, desenvolveram-se formas estáveis ​​de existência e desenvolvimento da arte - arquitetura, artes decorativas e aplicadas, pintura, escultura, gráfica, fotografia artística, literatura, música, coreografia, teatro, cinema, televisão, arte...

Historicamente, desenvolveram-se formas estáveis ​​​​de existência e desenvolvimento da arte - arquitetura, artes decorativas e aplicadas, pintura, escultura, gráfica, fotografia artística, literatura, música, coreografia, teatro, cinema, televisão, artes variadas, circo. Estes tipos de arte correspondem a certos tipos de atividade artística. Cada um dos tipos de arte, refletindo o mundo como um todo, tem certas vantagens em uma reflexão mais direta, vívida e perfeita de alguns de seus lados, facetas e fenômenos. As belas-artes são uma das mais antigas, mas também são eternamente jovens. Os artistas criaram “imagens” há muitos milénios e ainda hoje as criam. Essa arte é enorme! Para conhecê-lo melhor, e não se perder nele, é preciso estudá-lo. A primeira coisa que quem quer conhecer a região que lhe interessa faz é estudar seu idioma...

Aula de artes plásticas na 7ª série sobre o tema: “Habilidades de visualização e sua importância para o homem moderno” (Rembrandt e sua pintura “Retorno filho prodígio) Seção: “Grandes Temas da Vida”. Objetivos: 1. Formar uma ideia sobre linguagem especial arte e seus meios de expressão. 2. Desenvolver o carácter pessoal de criação e percepção de obras de arte. 3. Apresentar aos alunos diferentes níveis de compreensão das obras de arte: nível da disciplina e nível do enredo; nível de avaliação emocional, empatia; o nível das ideias de valor do artista sobre o mundo como um todo, sobre a conexão dos fenômenos, sobre o que é belo e o que é feio. 4. Cultivar uma atitude moral e estética perante o mundo e a arte. Equipamentos e materiais: 1. Reproduções de pinturas para conversa temática e trabalho prático: Pintura Wermeer de Delft Jan, “Garota lendo uma carta”. . . “Âncora, mais âncora!” - Pavel Andreevich Fedotov » Bryullov K.P. O Último Dia de Pompéia Rembrandt O Retorno do Filho Pródigo PLANO DE LIÇÃO 1. Conversa sobre a natureza criativa da percepção do público, sua cultura e habilidade. 2. Declaração de uma tarefa artística. 3. Conclusão prática da tarefa. 4. Resumindo a lição e recebendo trabalho de casa. Progresso da aula Epígrafes: É para isso que servem as artes para proporcionar a oportunidade do conhecimento do bem e do mal. A. Durer Art não falsifica nem substitui mundo real, mas explica, amplia e continua. K. F. Yuon Sorokina A. I. professora de arte MBOU "Escola Secundária No. 2" Melenki No.b5d0 Página 1

...A arte fala de forma mais clara, mais específica, mais bela - o que todos gostariam de dizer, mas não podem. A arte é como uma estrela-guia, iluminando o caminho de quem segue em frente, em direção à luz, quer ser melhor, mais perfeito. Este é o verdadeiro significado da arte... M. M. Antokolsky Historicamente, desenvolveram-se formas estáveis ​​​​de existência e desenvolvimento da arte - arquitetura, artes decorativas e aplicadas, pintura, escultura, gráfica, fotografia artística, literatura, música, coreografia, teatro, cinema , televisão, pop art, circo. Estes tipos de arte correspondem a certos tipos de atividade artística. Cada um dos tipos de arte, refletindo o mundo como um todo, tem certas vantagens em uma reflexão mais direta, vívida e perfeita de alguns de seus lados, facetas e fenômenos. As belas-artes são uma das mais antigas, mas também são eternamente jovens. Os artistas criaram “imagens” há muitos milénios e ainda hoje as criam. Essa arte é enorme! Para conhecê-lo melhor, e não se perder nele, é preciso estudá-lo. A primeira coisa que quem quer conhecer a região que lhe interessa faz é estudar sua língua... Então hoje em nossa aula falaremos sobre a língua que o artista fala. Um artista pode representar qualquer coisa: florestas - campos, árvores - grama, cidades - montanhas, oceanos - espaço... Pode ser um animal e um pássaro, uma flor e um prado ensolarado, um sorriso e uma lágrima humana. Pode ser tristeza e alegria, nobreza e maldade, verdade e mentira, bem e mal. Esta poderia ser a vida de pessoas que vivem ao nosso lado, pessoas que faleceram há muito, muito tempo, o que significa a vida hoje, passada ou que ainda não está por vir. O artista retrata o mundo como todos o vemos e como só ele, o único artista, o vê, embora existam muitos artistas. Eles trabalham com diferentes técnicas visuais e, portanto, os mestres das artes plásticas são diferenciados e chamados de forma diferente. Como? (Escultores, artistas gráficos, arquitetos, pintores.) Os pintores trabalham com pincéis e tintas. Olhemos para tempos distantes, quando a palavra “tecnologia” significava “arte”, “habilidade”, que dependia não de máquinas, computadores e eletrônica sofisticada, mas da habilidade pessoal do mestre artista, de suas mãos hábeis. Dominando uma ou outra técnica artística, ele soube fazê-la, ou seja, soube usar a imagem pretendida, o que significa que a executou com a técnica... Os artistas possuem muitas técnicas, embora na maioria das vezes trabalhem com os mesmos meios simples de seus tataravôs (Lembremos que os pincéis também eram usados ​​​​na antiguidade pré-histórica). Porém, dominar a técnica de representação é apenas metade do trabalho, que na arte é chamado de criatividade. E a criatividade só surge quando o artista não só sabe fazer, mas tem algo para contar às pessoas! Existem pensamentos, mas sempre os seus e em nenhum caso repetindo os pensamentos dos outros; Eles têm as suas próprias ideias, as suas próprias ansiedades e alegrias, mas também são importantes para todas as outras pessoas. E é aí que “o que” e “como” (e em outras palavras, “conteúdo” e “meios”) estão inextricavelmente conectados entre si, unidos em uma unidade especial e coerente, graças à habilidade do professor de artes plásticas Sorokin A.I. “Escola Secundária No. 2” Melenki Página 2

o artista e sua atitude entusiasmada perante a vida, isso é criatividade, e na criatividade surge uma obra de arte com seu conteúdo único e linguagem artística. Nas aulas de arte, sentimos e criamos como artistas, mas na maioria das vezes, quando nos voltamos para as obras de arte, somos espectadores. Ser espectador também é uma arte. Tal afirmação pode parecer estranha à primeira vista. Na verdade, estamos acostumados a considerar a criação de pinturas, a composição de músicas e de livros como criatividade. Mas uma atividade aparentemente fácil e puramente passiva como contemplar pinturas, ler romances, ouvir sinfonias - pode isso ser chamado de atividade? natureza criativa? Sim você pode. Além disso, há todos os motivos para dizer que o destino do desenvolvimento de todos os tipos de arte depende em grande parte do estado, do nível e da natureza da criatividade do espectador. Afinal, no momento em que um escritor termina um livro, um pintor termina uma pintura, estas obras são, por assim dizer, factos biografia pessoal seus criadores. A verdadeira vida da obra de qualquer artista só começa quando leitores, espectadores, ouvintes podem conhecê-la, quando surge uma avaliação pública da obra. Se esta avaliação for negativa ou, pior ainda, indiferente, o trabalho é rapidamente esquecido e, por assim dizer, morre. Como a obra do artista não encontrou eco vivo na alma das pessoas, significa que nasceu morta e, com razão, sobreviveu rapidamente à idade da mariposa. Assim, a criação de obras de arte e a sua percepção, compreensão e avaliação estão intimamente ligadas e dependentes. Um não existe sem o outro, juntos formam um todo único, o que se chama vida artística sociedade. O tempo e a sociedade exigem um mestre na arte para criar imagens fortes, emocionantes e obras significativas, imbuído das ideias avançadas da época; vestido com roupas brilhantes e originais forma de arte. Patético é o artista que, seja por mediocridade ou por adesão a métodos de criatividade falhos e infrutíferos, mais cedo ou mais tarde não conseguiu conquistar o favor do público. Qualquer consolo aqui é inútil. Se você não conquistou, significa que não havia nada com que conquistá-lo... Mas o espectador que está pronto para descartar uma obra só porque lhe pareceu incompreensível, estranho, incomum no primeiro contato também é digno de arrependimento . Claro, pode ser que por trás dessa estranheza não haja absolutamente nada de bom escondido, e então a indiferença desdenhosa a uma imagem ou livro ruim e torturado seja completamente justificada. Mas acontece, e muitas vezes, algo completamente diferente: é preciso pensar profundamente sobre a obra do artista, entender suas características originais, design profundo, e no final o espectador será generosamente recompensado: alguma faceta da realidade antes desconhecida para ele, nova características da vida espiritual serão reveladas a ele por seus contemporâneos, verifica-se que esta obra é capaz de proporcionar tanto a alegria do conhecimento quanto um grande prazer estético. Essa tensão de forças espirituais ao conhecer uma obra de arte é uma espécie de criatividade. Além disso, é claro, essa criatividade se manifesta não apenas quando o espectador se depara com algo de que não gosta imediatamente. E nos casos em que a obra cativa já no primeiro momento de encontro com ela, vai grande trabalho sentimentos, pensamentos, fantasias, ocorre um processo de compreensão maravilhoso e precioso, que pode enriquecer a mente e a alma de uma pessoa, tornando-as mais profundas, mais sutis, mais maduras. Afinal, é para isso que existe a criatividade artística. Sorokina A.I. professora de arte MBOU "Escola Secundária No. 2" Melenki No.fbd3 Página 3

Assim, a arte de ser espectador, como qualquer outra arte, exige elevação espiritual, fuga de pensamento, bem como certas habilidades e conhecimentos. Quando a fotografia foi inventada, há mais de cem anos, ouviram-se vozes de que a arte da pintura havia chegado ao fim e logo desapareceria como desnecessária. Na verdade, mesmo o artista mais habilidoso e meticuloso não é capaz de fornecer uma reprodução tão precisa da natureza, o que é conseguido instantaneamente com a ajuda de uma câmera. Mas décadas se passaram. A fotografia melhorou ano após ano e ganhou capacidades técnicas com as quais os seus descobridores nunca sonharam. Além disso, ao longo do tempo, a fotografia trouxe à tona toda uma galáxia de maravilhosos mestres em seu ofício que criaram e estão criando obras que, sem dúvida, merecem o direito de serem avaliadas como obras de verdadeira e grande arte. No entanto, a pintura ainda existe e se desenvolve como uma forma especial e única. Criatividade artística, sem sofrer nenhum dano de concorrência com a fotografia. Pelo contrário, até a pintura beneficiou deste concurso, porque para as novas gerações as qualidades e características únicas e originais das criações dos mestres do pincel tornaram-se ainda mais claras e evidentes. O que mostrou a competição criativa entre dois tipos de belas artes – novas e antigas? Imaginemos que um fotógrafo e um pintor decidissem captar a mesma paisagem ou, digamos, criar uma imagem da mesma pessoa. Um fotógrafo - se não for um “artesão frio”, mas sim uma pessoa com alma e experiência de artista - claro, trabalhará muito e com cuidado antes de tirar uma foto. Guiado pelo objetivo de alcançar uma ou outra impressão específica, o fotógrafo-artista escolherá o ponto de vista fotográfico mais vantajoso para a fotografia que concebeu, refletirá profundamente sobre a natureza da iluminação, os limites do enquadramento, etc. fotografando uma pessoa, ele tentará “emboscar” sua modelo na pose mais familiar e natural para ela, se esforçará para capturar uma expressão facial que nos permita compreender o caráter e a psicologia dessa pessoa. Como resultado, como sabemos, um fotógrafo pode conseguir a criação de paisagens e retratos impressionantes e artisticamente valiosos. Tudo isso é verdade. Mas a fotografia é sempre baseada numa reprodução fotomecânica e documental da natureza. Mesmo o fotógrafo mais talentoso e inventivo, não importa quais técnicas e truques ele recorra, não pode de alguma forma mudar ou, principalmente, generalizar a natureza (isto é, não apenas copiá-la, mas selecioná-la e revelá-la de uma forma ampla imagem artística ela mais traços de caráter): a própria natureza não permite isso, base técnica sua profissão. Nesse sentido, podemos dizer que a pintura só começa onde termina a fotografia. Pois toda pintura é uma generalização. A principal diferença entre o trabalho de um pintor e de um fotógrafo não é que para o segundo deles seja inatingível utilizar o livre movimento da pincelada ou, por exemplo, pré-processar (primer) a tela para dar expressividade à superfície de as pinturas; Não que a forma de arte do pintor lhe permita alcançar uma reverência viva em cada milímetro de imagens, completamente subordinada à sua vontade criativa, gostos, estilo, etc., mas o fotógrafo ainda não consegue superar a certa morte, o frio da “máquina” de óptica fotográfica. Tudo isso é muito importante, mas não é esse o ponto. A capacidade da fotografia de conseguir uma recriação muito expressiva da aparência externa de um evento, pessoa, objeto, paisagem. Mas ela está completamente acorrentada a essa aparência externa, a um único fato. O fotógrafo não pode dar ao espectador uma imagem imaginária que absorva a experiência generalizada de centenas e milhares de observações cotidianas; ele não pode criar imagens tipificadas; Sorokina A.I. professora de arte MBOU "Escola Secundária No. 2" Melenki No.fbd Página 4

E a tarefa da pintura não é apenas mostrar algo, mas também revelar a essência interior do que é retratado, reproduzir “personagens típicos de circunstâncias típicas" Às vezes (e muitas vezes) acontece que os detalhes visuais formam a base da história da imagem e desempenham um papel decisivo na revelação da sua intenção figurativa. Aqui está uma foto dos holandeses artista XVII século J. Vermeer de Delft “Garota com uma Carta”. O enredo aqui é muito simples, desprovido de qualquer nitidez ou eficácia. A menina que lê parece congelada, a expressão em seu rosto é calma e serena, e de forma alguma evoca no espectador pensamentos de qualquer agitação emocional, dificuldades ou pensamentos profundos. Em geral, embora a figura ocupe um lugar central no quadro, ela não chama mais atenção do que os demais detalhes da tela. Mas todos esses detalhes são escritos com o máximo tato. Compreendemos plenamente a beleza do pelo macio do tapete vermelho, o charme delicado das frutas empilhadas em um fino prato de metal, o frescor do ar que entra pela janela. Nossa visão parece aguçar-se ao conhecermos esta imagem, e notamos as menores linhas da franja da cortina, reflexos sutis da luz quente do dia que literalmente permeia toda a imagem. Porém, tudo isso extremamente detalhado história detalhada sobre os detalhes do mundo objetivo que cerca uma pessoa não é de forma alguma um fim em si mesmo; ele tem significado profundo, está associado a uma certa filosofia de vida. A poesia do quotidiano, a afirmação da beleza das coisas simples, o quotidiano pacífico, tão característico dos holandeses democráticos pintura XVII séculos, encontrou a expressão mais elevada e sutil nesta tela de Vermeer. Na imagem nomeada, os detalhes são os “personagens” principais da imagem; mostrar a beleza de sua aparência significava para o artista falar sobre o encanto do ambiente cotidiano de uma pessoa, que traz a marca de seus gostos, tradições e ideias sobre a beleza. Mas acontece outra coisa: os detalhes da imagem adquirem uma espécie de significado alegórico, acabam sendo “ atores"uma narrativa dramática sobre a vida de uma pessoa. A este respeito, recordemos a tela de P. Fedotov “Âncora, mais âncora!” (Âncora (encore) – também (francês)). Seu enredo pode ser resumido em apenas algumas palavras. O caso se passa em alguma cidade do interior em meados do século passado, quando um cruel regime de servidão reinava na Rússia sob Nicolau I. Em uma cabana, deitado em um banco, um oficial seminu se diverte com a professora de arte Sorokina A.I. MBOU “Escola Secundária No. 2”, Melenki Página 5

aquele que faz o cachorro pular o chibouk. Isso é tudo, na verdade. Porém, outro detalhe fica claro no título: ao gritar com o cachorro, o policial confunde palavras russas com francesas. Parece que o que se pode esperar de uma imagem criada a partir de um enredo tão simples? Uma cena cotidiana ingênua, nada mais. Mas diante de nós está uma das obras de pintura mais profundas e significativas, que fala sobre a difícil e sombria atemporalidade de Nikolaev. Para compreender o conteúdo desta história, é necessário antes de tudo observar atentamente todos os detalhes da imagem. O artista mostrou o espaço apertado da cabana com teto fortemente suspenso. A vela flutuante mal ilumina a cabana, sombras sinistras percorrem suas paredes e cantos. Um violão no aparelho de som, coisas espalhadas sobre a mesa: uma navalha, pratos, restos de comida em uma tigela - tudo isso, por assim dizer, marca o fluxo para o policial. Pela minúscula janela avista-se uma paisagem deserta de inverno, iluminada pelo frio luar. Como você pode ver, toda essa história não foi criada com a ajuda de ação dramática, uma descrição detalhada de eventos e incidentes. Aqui os detalhes contam a história, o cenário conta a história, as justaposições visuais e os efeitos falam eloquentemente. Eles recriam de forma vívida e pungente o sentimento de dolorosa solidão a que o oficial está condenado. Degradado, atolado na lama lamacenta do quotidiano cruel e miserável, este homem perdeu todo o gosto pela vida, desperdiçando-a sem sentido, estupidamente, deitado o dia todo, matando o tempo em diversões vazias, como a retratada brincadeira com um cão. Mais uma coisa digna de nota: Fedotov não achou necessário mostrar claramente o rosto do oficial. Não havia necessidade disso; poderia ter sido uma ênfase desnecessária no que já estava claro. O cenário mostrado de forma tão expressiva, a história das coisas e dos detalhes nos deram uma ideia completa e abrangente do herói do filme. Mesmo que não vejamos seu rosto, ele já está claramente desenhado em nossa imaginação: olhos opacos, traços flácidos, trazendo a marca fatal do vazio interior. Nesta pitoresca história, o destino trágico uma pessoa sob as condições de um vil regime de servidão que distorceu e humilhou impiedosamente almas humanas. Poderíamos citar muitos pinturas de enredo, em que a história sobre uma ação ou evento específico fica em segundo plano em comparação com o significado narrativo detalhes finos– seja obra de um mestre russo início do século XIX século por A. Venetsianov, “Rumo à Noite” por M. Vrubel, telas de J.-B. Chardin, um pintor francês do século XVIII, que mais frequentemente retratou a vida das pessoas comuns, e outros. Você deve ser capaz de compreender o conteúdo daqueles filmes onde quase não há ação, não existe um enredo “literário” multifacetado. Essas pinturas foram e são criadas com muita frequência. A arte de ser espectador é uma arte grande e difícil. Requer paciência e consideração, uma visão ampla, uma compreensão das leis e características peculiares de cada tipo e gênero de criatividade. Requer o desenvolvimento não apenas de uma visão física, mas também de uma visão espiritual especial, de uma visão artística. Em outras palavras, para compreender plenamente o artista, é preciso, em certo sentido, ser você mesmo um artista, uma pessoa de percepção criativa, digna de ser um amigo, um juiz justo e, por assim dizer, um co- autor de um mestre da arte. Compreender a pintura, como qualquer outro tipo de arte, não vem por si só: ela coroa um trabalho longo, persistente e versátil para cultivar as qualidades de um artista-visualizador avançado. Mas este trabalho é generosamente recompensado: um espectador sensível, atencioso e compreensivo da obra de arte é saudado como igual, Sorokina A.I. Belas Artes MBOU “Escola Secundária No. 2”, Melenki Página 6.