O lugar mais significativo no desenvolvimento do realismo da Europa Ocidental pertence à arte francesa. E isso não é coincidência. Já a partir do final do século XVIII, a França desempenhou um papel de liderança na vida sócio-política da Europa, e a luta de classes entre a nobreza, a burguesia e o proletariado assumiu nela formas clássicas claras. Escondendo-se atrás do manto real e imperial ou afirmando o seu poder de forma aberta, a burguesia celebrou a vitória. “A indústria e o comércio cresceram em proporções imensas”, escreveu K. Marx sobre a França nas décadas de 50 e 60, “a especulação na bolsa de valores celebrou as suas orgias cosmopolitas; a pobreza das massas destacava-se nitidamente ao lado do brilho atrevido do luxo dissoluto adquirido através da fraude e do crime.”
O movimento democrático e proletário em meados do século XIX adquiriu ampla escala na França. A revolução de 1830 foi seguida pela revolução de 1848; O proletariado, que lidera as amplas massas populares, aparece cada vez mais decisivamente na arena política. Em junho de 1848, ele se levantou abertamente contra a burguesia e, em 1871, tendo proclamado a Comuna de Paris, fez a primeira tentativa heróica da história de tomar o poder político em suas próprias mãos.
Exacerbação das contradições sociais, grandiosas batalhas de classe, novas Problemas sociais, as questões da reorganização democrática da sociedade não podiam deixar de entusiasmar as mentes progressistas, obrigando-as a analisar os fenómenos da realidade e a procurar novos caminhos na arte. Na França, que dá a imagem mais clara da formação e desenvolvimento das principais tendências do século XIX, a ascensão do realismo é observada mais cedo do que em outros países, a direção realista acaba por estar mais intimamente ligada à vida sócio-política , apresenta os maiores representantes da arte do século XIX.
A Revolução de Julho de 1830 foi um marco significativo no caminho do desenvolvimento Arte francesa. Sob sua influência, as ilusões românticas estão sendo eliminadas, o interesse pelas questões sociais está aumentando e um programa teórico independente de realismo está sendo desenvolvido. Os requisitos básicos para a nova arte foram formulados por Laviron e Galbaccio no Salão de 1833. Eles receberam seu desenvolvimento nas obras dos principais teóricos e defensores do realismo: Thoré-Burget, Chanfleury, Duranty, Castagnari e outros. Todos esses críticos - representantes da geração de 1848 - trouxeram à tona a questão do papel educativo da arte. A arte, argumentaram, deve contribuir para o desenvolvimento da sociedade no caminho do progresso, deve ser uma “mestra de vida” e, para isso, precisa ser relevante, socialmente rica e compreensível para as pessoas. A arte deve ajudar as pessoas a compreender o mundo que as rodeia e a compreender as suas contradições. Será capaz de fazer isso deixando de lado toda idealização e embelezamento da vida. A veracidade da imagem é apresentada como uma das condições necessárias à criatividade - o artista pinta o que sabe, o que vê à sua frente. O apelo à rejeição dos modelos geralmente aceites e à afirmação da verdade da vida na arte ajudou os artistas avançados a dominar novos métodos e meios de expressão artística e abriu amplas perspectivas para atividades criativas. Ao mesmo tempo, alguns críticos de meados do século XIX por vezes reduziram o conceito de realismo à autenticidade externa da imagem, à natureza ilusória da transferência mundo visível, o que, claro, desorientou os artistas.
Filipe Zhanron. Entre os antecessores dos grandes artistas realistas, merecem destaque alguns mestres menos significativos. Na falta do talento de seus seguidores, eles prepararam o caminho para eles. Entre eles está Philippe Jeanron (1809-1877). Ele participou das revoluções de 1830 e 1848 e apareceu frequentemente na imprensa defendendo princípios realistas. Ja entrou trabalho cedo“Crianças na Barricada” (1831, Museu de Caen) Genron voltou-se para uma representação direta de eventos revolucionários. Em suas obras posteriores, ele fez uma análise social da realidade, contrastando entre si representantes de várias classes da sociedade moderna: a nobreza, a burguesia e o proletariado. Ao retratar os trabalhadores, o artista enfatizou sua pobreza e sofrimento, sem evitar algum sentimentalismo. Zhanron também é conhecido como pintor de retratos. Ele deixou retratos expressivos de personalidades importantes de seu tempo - representantes da intelectualidade republicana.

Realismo na França e na Inglaterra (literatura e arte no século XIX)

Em meados do século, o realismo tornou-se a tendência dominante na cultura europeia.

O realismo surgiu na França e na Inglaterra sob condições de relações capitalistas estabelecidas. As contradições sociais e as deficiências do sistema capitalista determinaram a atitude fortemente crítica dos escritores realistas em relação a ele. Eles denunciaram a avareza, a desigualdade flagrante, o egoísmo e a hipocrisia. Na sua intencionalidade ideológica, torna-se realismo crítico. Ao mesmo tempo, a obra dos grandes escritores realistas está permeada pelas ideias de humanismo e justiça social.

Literatura da França. Um exemplo de poesia realista na França do século XIX foi o poeta Pierre Jean de Béranger (1780-1857). Ele falou durante o período da monarquia napoleônica e em 1813, na canção “Rei Yveto”, condenou as aventuras militares de Napoleão. e sua política tributária. Durante a Restauração, tornou-se um verdadeiro poeta-lutador. Suas canções divertidas durante esse período ridicularizaram os habitantes ricos e bem-sucedidos da cidade. A canção política de Beranger é repleta de democracia e marcada por um animado humor nacional.

Um brilhante representante do realismo crítico foi Stendhal(de propriedade de Henri Bayle, 1783-1842). O escritor era admirado por pessoas de caráter ativo e forte. Ele viu tais heróis entre as figuras da Renascença ("Crônicas Italianas"), em Shakespeare, entre seus contemporâneos.

Um dos romances mais maravilhosos Stendhal- “Vermelho e Preto” (1830). O herói do romance é Julien Sorel, um admirador apaixonado da era napoleônica, um homem de alma sublime e sensível, que luta para derrotar o ambiente social inerte. Porém, ele não consegue fazer isso, pois as classes dominantes não o aceitaram, plebeu de nascimento. No romance “O Mosteiro de Parma”, o escritor condena a era reacionária, que predeterminou a tragédia de pessoas inteligentes, talentosas e profundamente sentimentais.

O auge, o ponto mais alto do desenvolvimento do realismo da Europa Ocidental é o trabalho de Honore de Balzac(1799-1850). De acordo com o plano de Balzac, sua obra principal, o épico “A Comédia Humana”, consistiria em 143 livros refletindo todos os aspectos da vida da sociedade francesa. Balzac dedicou todas as suas forças a esta obra titânica; criou 90 romances e contos.

Neste épico, os romances estão conectados por um conceito comum e muitos personagens. Inclui romances como “The Unknown Masterpiece”, “ Couro shagreen", "Eugenia Grande", "Père Goriot", "Cesar Birotteau", "Ilusões Perdidas", "Primo Betta" e muitos outros. O épico é uma imagem realista de alcance grandioso, refletindo a moral e as contradições da vida social da França. Balzac dota seus heróis de inteligência, talento e caráter forte. Suas obras são profundamente dramáticas, retratam o poder do “princípio do dinheiro”, desintegrando antigos laços patriarcais e familiares, atiçando as chamas das paixões egoístas.

Próspero foi o mestre da novela Mérimée(1803-1870), notável escritor realista. Seus contos são lacônicos, rígidos, elegantes. Apresentam personagens fortes e vibrantes, naturezas íntegras e capazes de sentimentos fortes - “Carmen” (serviu de base para ópera de mesmo nome Bizet), Colomba, Falcom. Mesmo naqueles contos em que o escritor retrata heróis românticos e situações românticas, a ação não é transferida para um plano romântico, mas é dada uma motivação realista.

Escreveu Mérimée e peças. Uma das obras mais destacadas do escritor é a crônica “Jacquerie”, que retrata o movimento camponês do século XIV. Ele escreveu o único grande romance, “Crônica dos Tempos de Carlos IX”, que fala sobre a luta entre católicos e protestantes e os acontecimentos Noite de São Bartolomeu. O autor desmascara a intolerância fanática.

Em conexão com a mudança na posição política da burguesia após a revolução de 1848 e a sua recusa em cooperar com a classe trabalhadora, um novo tipo de realismo crítico está emergindo na literatura francesa - os escritores recusam-se a criar imagens poderosas, e o conceito de o típico se reduz ao mais comum, ao comum. Em geral, a arte se aproxima ainda mais da vida.

O maior representante da nova etapa do realismo foi Gustave Flaubert(1821-1880). A atitude do escritor para com as camadas sociais da população era contraditória: ele odiou a burguesia durante toda a sua vida, tratou as massas com desprezo e considerou a atividade política inútil. Por isso, Flaubert convoca o artista a “entrar na torre de marfim” e servir a beleza. Apesar da insustentabilidade desta posição, Flaubert deu uma notável imagem crítica da vulgaridade burguesa, sem permanecer alheio à luta social. Uma das obras marcantes Flaubert- romance "Madame Bovary". No centro do romance está a imagem de uma mulher de ambiente burguês. Bem-educado literatura romântica, ela morre em colisão com a realidade burguesa. O romance “Educação dos Sentimentos” retrata a moral das províncias e de Paris, a insignificância moral da burguesia. Este romance desenvolve o tema de um jovem letárgico, inerte, incapaz de atividade ativa. Os romances “Salambo”, “A Lenda de São Julião, o Misericordioso” e “Heródias” baseiam-se em temas históricos, nos quais a situação de épocas distantes é restaurada com objetividade científica. O escritor alcançou uma precisão escrupulosa na reprodução de detalhes realistas, profundidade análise psicológica, revelado através de monólogo interno.

Inglaterra:

Literatura da Inglaterra. O escritor escocês Walter Scott (1771-1832) aproximou-se dos românticos pelo seu interesse pela Idade Média. No início de sua carreira criativa, colecionou folclore escocês e escreveu poemas românticos. Sua prosa realista trouxe-lhe fama mundial.

Walter Skol - criador do gênero novela histórica, combinando tendências românticas e realistas. A morte do clã escocês é retratada pelo escritor nos romances “Waverley” e “Rob Roy”. Os romances “Ivanhoe” e “Quentin Durward” pintam um retrato da Inglaterra e da França medievais. Os romances “Os Puritanos” e “A Lenda de Montrose” destacam a luta de classes que se desenrolou na Inglaterra nos séculos XVII-XVIII.

A obra de W. Scott é caracterizada por uma composição especial de romances, predeterminada por destacar a descrição da vida, modo de vida e costumes do próprio povo, e não de reis, generais e nobres. Ao mesmo tempo, retratando a vida privada, o escritor reproduz um quadro de acontecimentos históricos.

Um dos grandes artistas da literatura mundial - Charles Dickens(1812-- 1870), ele é o fundador e líder do realismo crítico na literatura inglesa, um notável satírico e humorista. Seu primeiro trabalho, “The Pickwick Club Notes”, retrata a Inglaterra ainda patriarcal. Rindo da boa índole, credulidade e ingenuidade de seu herói, Dickens simpatiza com ele, destacando seu altruísmo, honestidade e fé na bondade.

O romance seguinte, As Aventuras de Oliver Twist, retrata uma cidade capitalista com suas favelas e a vida dos pobres. O escritor, acreditando no triunfo da justiça, obriga seu herói a superar todos os obstáculos e alcançar a felicidade pessoal.

Contudo, as obras Dickens cheio de drama profundo. O escritor apresentou toda uma galeria de portadores do mal social, que são representantes da classe burguesa. Este é o agiota Ralph Nickleby, o cruel professor Oquirs, o hipócrita Pecksniff, o misantropo Scrooge, o capitalista Bounderby. A maior conquista de Dickens é a imagem do Sr. Dombey (o romance Dombey and Son) - um homem por quem todos os sentimentos morreram, e sua complacência, estupidez, egoísmo e insensibilidade são gerados por pertencer ao mundo dos proprietários.

Qualidades de Dickens como otimismo inerradicável, humor brilhante e muito nacional, uma visão sóbria e realista da vida - tudo isso faz dele o maior depois de Shakespeare escritor nacional Inglaterra.

Dickens contemporâneo - William Thackeray(1811-1863) em seu melhor romance “Vanity Fair” expõe de forma vívida e figurativa os vícios da sociedade burguesa. Nesta sociedade, cada um desempenha o papel que lhe foi atribuído. Thackeray não vê heróis positivos; ele tem apenas duas categorias de personagens - enganadores ou enganados. Mas o escritor busca a verdade psicológica e evita o grotesco e o exagero característicos de Dickens. Thackeray trata a elite nobre burguesa da sociedade com desprezo, mas é indiferente à vida das classes mais baixas. Ele é um pessimista, um cético.

No final do século XIX. A direção realista da literatura inglesa foi representada principalmente pela obra de três escritores que ganharam fama mundial: John Galsworthy (1867-1933), George Bernard Shaw (1856-1950), Herbert George Wells (1866-1946).

Assim, D. Galsworthy na trilogia “The Forsyte Saga” e “Modern Comedy” deu uma imagem épica da moral da Inglaterra burguesa final do século XIX-início do século XX revelando o papel destrutivo da possessividade na vida pública e privada. Ele escreveu dramas. Exerceu o jornalismo, onde defendeu os princípios do realismo. Mas na trilogia Fim do Capítulo surgiram tendências conservadoras.

D. B. Shaw é um dos fundadores e primeiros membros da “Sociedade Fabian” socialista, criadora de discussões dramáticas, no centro das quais está o choque de ideologias hostis, uma solução intransigente para problemas sociais e éticos (“Casas dos Viúvos”, “Profissão da Sra. Warren”, “ Applecart"). O método criativo de Shaw é caracterizado pelo paradoxo como meio de derrubar o dogmatismo e o preconceito (“Androcles e o Leão”, “Pigmalião”) e ideias tradicionais (peças históricas “César e Cleópatra”, “Santa Joana”).

G. D. Wells é um clássico da literatura de ficção científica. Nos romances “A Máquina do Tempo”, “O Homem Invisível”, “Guerra dos Mundos” o escritor contou com os mais recentes conceitos científicos. O escritor conecta os problemas que surgem para as pessoas em conexão com o progresso científico e tecnológico com as previsões sociais e morais para o desenvolvimento da sociedade: “A história da humanidade está se tornando cada vez mais uma competição entre a educação e o desastre”.

Arte musical. Na Itália e no século XIX. Nas condições da reação política, a ópera revelou-se o gênero mais popular e democrático da arte teatral. O auge do realismo na ópera musical do século XIX. - a obra do grande compositor italiano Giusete Verdi (1813-1901), intimamente associado ao movimento de libertação italiano (“Nabucco”, “Lombardos na Primeira Cruzada”). Em obras operísticas como Ernani, Macbeth e A Batalha de Legnano, é expresso um protesto contra toda a violência e opressão. As apresentações das óperas de Verdi, imbuídas das ideias da luta pela libertação e unificação da Itália, foram acompanhadas por tempestuosas manifestações patrióticas.

Obras-primas do realismo operístico são as óperas Aida, Otelo e Falstaff de Verdi. São dramas musicais com desenvolvimento contínuo de ação. As cenas são construídas livremente, com uma transição flexível do recitativo para o monólogo, do solo para o conjunto. Um lugar importante é dado à orquestra. Verdi tem uma fusão completa de música com ação dramática. A democracia e a profunda humanidade da obra de Verdi trouxeram-lhe grande popularidade. Suas óperas estão constantemente no repertório casas de ópera paz.

As óperas italianas deram vida a novos princípios de performance vocal e cênica: expressividade dramática do canto, habilidade de atuação do cantor, precisão histórica de cenários e figurinos. Vocalistas notáveis, representantes do bel canto com fama mundial foram os cantores A. Patti, J. Pasta, I. Colbran e outros, os cantores M. Battistini, F. Galdi e outros.

No mesmo período, uma nova direção apareceu na ópera - a verdadeira (nt. verismo, de vero - verdadeiro, verdadeiro). Seus representantes são os compositores R. Leoncavallo (1857-1919), P. Mascagni (1863-1945), W. Giordano (1867-1948), G. Puccini (1858-1924). As obras desses mestres baseiam-se em histórias realistas; um verdadeiro reflexo do mundo espiritual das pessoas comuns; música emocionalmente expressiva, falta de uma ideia social elevada. Um certo estilo de atuação também se desenvolveu - expressão exagerada, aberturas sentimentais, drama agudo. As melhores obras desta direção são “Honor Rusticana” de Mascagni, “Pagliacci” de Leoncavallo. Graças à profundidade psicológica, a obra de G. Puccini, que escreveu “La Bohème”, “Tosca”, “Cio-chio-san”, supera as fronteiras do verismo.

Na França, desenvolveu-se a ópera lírica, que difere da grande ópera por seus temas mais íntimos e enredos emprestados da literatura clássica. Estas são as óperas “Manon” e “Werther” de J. Massenet, “Fausto” e “Romeu e Julieta” de C. Gounod, “Hamlet” de A. Thomas e outras óperas líricas foram criadas sobre temas orientais exóticos. Estes são “Lakmé” de L. Delibes, “The Pearl Fishers” e “Djamile” de J. Bizet, “Samson and Delilah” de C. Saint-Saens. As óperas líricas incorporam de forma verdadeira e sutil as experiências humanas. A representação da vida cotidiana é caracterizada pela poesia. A linguagem musical destas óperas é democrática e próxima do folclore urbano.

A ópera “Carmen” de J. Bizet é reconhecida como o auge do realismo na ópera francesa. O trabalho de Bizet é caracterizado pelo refinamento das formas e pela clareza de apresentação. Os heróis da ópera são pessoas simples com personagens fortes e contraditórios. Esta ópera incorpora o sabor musical nacional espanhol. Ele contém um intenso curso de eventos dramáticos e uma variedade de cenas folclóricas. Esta é uma das óperas mais populares do mundo. PI Tchaikovsky reconheceu-o como “uma obra-prima no sentido pleno da palavra”.

Meados do século 19 tornou-se a hora do nascimento de um novo gênero musical- opereta - ópera leve, incluindo dança e diálogo (derivada da ópera cômica). O berço da opereta é a França, e seus fundadores são os compositores F. Herve e J. Offenbach.

Em Um século no início do século XIX. Junto com Viena, Salzburgo, Seisenstadt, Esterhasa e outros tornaram-se centros musicais. A Ópera da Corte de Viena foi inaugurada em 1869, este teatro tornou-se o principal teatro musical do país. Seu repertório foi dominado por óperas francesas e italianas. No último terço do século XIX. A opereta Venet" foi desenvolvida. Seus fundadores: F. Suppe (1819--1895), que escreveu “A Bela Galatea”, “Boccaccio” e uma de suas melhores operetas - “Donna Juanita”; J. Strauss (filho) (1825 -1849) - suas melhores criações " Barão Cigano", "The Bat" e outros. Um grande compositor deste gênero é K. Mialecker (1842-1899) - autor das operetas "The Beggar Student", "Gasparon", "Poor Jonathan".

As obras desses compositores utilizam amplamente melodias folclóricas, ritmos de dança e as operetas se distinguem pela melodia.

As valsas vienenses (“Danúbio Azul”, “Contos dos Bosques de Viena”, etc.) também trouxeram fama mundial a I. Strauss, graças à qual recebeu o nome de “Rei das Valsas”.

Apesar do fato de que para criatividade Compositores ingleses Século XIX Em geral, caracterizada pela ausência de um caráter nacional claramente definido, a cultura da ópera na Inglaterra cresceu rapidamente. O Covent Garden Theatre era o maior da Inglaterra e recebia apresentações da Ópera Real Italiana. Em 1856 foi fundada a Royal English Opera. No final do século XIX. Começou um período que ficou na história com o nome de Renascimento musical inglês - aumenta o interesse dos compositores pelos temas nacionais.

Arte. Neste tipo de arte, a principal característica do realismo é a compreensão do caráter social do homem. No entanto, na pintura o realismo está mais intimamente associado aos meios visuais que criam a ilusão de autenticidade visual do que na literatura.

A direção realista da pintura francesa fortaleceu sua posição na meados do século XIX V. após a revolução de 1848. Na história da arte francesa, nunca a luta entre dois campos, duas culturas artísticas fundamentalmente opostas, foi tão intensa como durante este período. As melhores características do povo francês e sua arte avançada foram incorporadas por artistas como Millet, Courbet, Manet e Carp. Eles não foram autorizados a assistir a exposições e foram perseguidos em jornais e revistas. Eles foram combatidos por uma massa de negociantes de arte, favoritos de Napoleão III e de toda a burguesia reacionária do Segundo Império.

J. F. Mime (1814-1875) nas suas pinturas épicas monumentais e cheias de verdades de vida mostrou o campesinato francês, o seu trabalho, a sua força moral (“The Ear Pickers”, “Angelus”).

Millet e Courbet tornaram-se os precursores do impressionismo. As obras de Edouard Manet (1832-1883) são dedicadas a Paris. Ele é um dos coloristas brilhantes do mundo da arte. Nas suas pinturas, com espantosa vigilância e frescura, transmite-se uma verdadeira caracterização de todos os tipos de habitantes de Paris (“Café da Manhã no Estúdio”, “Leitura”, “No Barco”, “Dana”), que transmitem até hoje o aparecimento da França daquela época. Embora Manet em suas primeiras pinturas tenha tentado repensar as imagens e temas dos antigos mestres no espírito da modernidade (“Almoço na Grama”, “Olympia”), ele começou a criar pinturas sobre temas cotidianos, históricos e revolucionários. A página mais forte da história do realismo crítico francês é a sua Última foto"Bar at the Folies Bergere" é sobre a solidão da existência humana. Antecipando o impressionismo, ele se voltou para a pintura light plein air (“Argenteuil”) (Plein air (francês plein air, lit. - ar livre) - na pintura, a reprodução das mudanças no ar ambiente causadas pela luz solar e pelo estado da atmosfera ).

A pintura inglesa floresceu no século XIX. para o primeiro terço do século. Está associado ao desenvolvimento de uma brilhante pintura de paisagem.

Um dos artistas mais originais de sua época foi William Termu (1775-1851). Ele viajou extensivamente pela Europa e suas paisagens assumiram um toque romântico (“Naufrágio”). Ousadas nas buscas pelas cores e pela luz, com uma escala distorcida de objetos, suas pinturas são, por assim dizer, antecessoras do impressionismo (“Chuva, vapor e velocidade”). Ele também se tornou famoso como pintor histórico, criando paisagens com características mitológicas ou cenas históricas(“Jardim das Hespérides”, “Edifício Dido Cartago”, etc.)

Obras de F. Goya. Após a morte de Velázquez em 1660, a arte espanhola esteve em profundo declínio durante cem anos. E só no final do século XVIII - início do século XIX. A atrasada Espanha produziu inesperadamente um artista brilhante que se tornou não apenas um dos maiores pintores e artistas gráficos da Espanha, mas também teve uma influência profunda em toda a arte europeia dos séculos XIX e XX - Francisco Goya (1746 - 1828). Ele criou um grande número de belos afrescos, pinturas, águas-fortes, litografias e desenhos. (Gravura (do ácido nítrico francês) é um tipo de gravura onde um desenho é riscado com uma agulha de gravação em uma camada de verniz resistente a ácido cobrindo uma placa de metal. As áreas arranhadas são gravadas com ácido, e o resultado em profundidade a imagem é preenchida com tinta e desenhada no papel.)

Teatro. Na Alemanha politicamente fragmentada, a vida teatral concentrava-se em Pequenas cidades, em que os teatros da corte apresentavam repertório clássico.

A abolição dos monopólios dos teatros da corte em 1869 levou ao surgimento de muitos teatros comerciais e à diminuição do nível artístico do repertório. A luta pela criação de performances como uma obra de palco único começou no Teatro Meiningen, que se tornou o teatro da cidade em 1871. Os maiores atores da Alemanha em meados e finais do século XIX. havia B. Davison, A. Mashkovsky, E. Possart.

Os grandes trágicos I. Caina e A. Zorm brilharam nas peças de G. Ibsen e G. Hauptmann.

Na virada do século, Berlim tornou-se o centro teatral da Alemanha. Em 1883 foi inaugurado o Teatro Alemão, em 1889 - o Teatro Livre, que promoveu a dramaturgia de Ibsen, Hauptmann, E. Zola, L. Tolstoy.

No início do século XIX. A vida teatral da Áustria foi marcada por um grande florescimento criativo dos teatros dos subúrbios, que esteve associado às atividades do dramaturgo F. Raymond e do ator I. N. Pestrai. No entanto, após a revolução de 1848, estes teatros perderam o seu carácter democrático e o seu repertório foi dominado por peças de entretenimento.

Na segunda metade do século XIX. O Burg Theatre ocupou um lugar de destaque na vida teatral da Áustria. Seu diretor, G. Laube, estabeleceu os clássicos no palco. Em 70-8Q-e. O teatro foi dirigido por F. Dilgenstedt, que encenou um ciclo de tragédias shakespearianas, peças de Ibsen, Gogol, Turgenev, L. Tolstoy.

Balé. O berço do balé europeu moderno é a Itália. O balé italiano foi baseado nas tradições da pantomima e da dança antigas e na rica cultura da dança folclórica. Na virada dos séculos XVIII-XIX. Iniciou-se uma nova etapa no desenvolvimento do balé italiano, coincidindo com o período da luta de libertação do povo italiano. As apresentações foram criadas com base no princípio do balé eficaz, rico em dramaturgia, dinâmica e expressão. Esses balés foram encenados por G. John e S. Vshit, e dançarinos de pantomima se apresentaram neles.

O Teatro La Scala foi considerado o maior centro de balé da Europa. Em 1813, uma escola de balé foi criada no teatro;

Na segunda metade do século XIX. na Itália o mesmo que em outros países Europa Ocidental, houve um declínio na arte do balé. Nessa época, um estilo virtuoso de atuação foi estabelecido. A atenção está voltada para a superação das dificuldades técnicas e a expressividade dramática é relegada a segundo plano. Na década de 80 do século XIX. Foram encenadas performances em sua maioria encantadoras, caracterizadas pelo incômodo e, via de regra, desprovidas de conteúdo ideológico.

Charles Baudler- Poeta francês. A atividade poética de B. coincidiu com o florescimento dos movimentos românticos e parnasianos na literatura francesa. Depois da tempestade da Revolução Francesa e da epopeia das Guerras Napoleónicas, estabeleceu-se na França uma ordem burguesa que não cumpria não só as aspirações das grandes massas, mas também as aspirações das camadas médias, aquela pequena burguesia, que produziu o maior número de artistas em geral e de escritores e poetas em particular.

Deve-se notar também que na época de 1848, quando uma forte convulsão revolucionária abalou o mundo burguês, Baudelaire pareceu acordar. Suas obras datam dessa época - “Crepúsculo”, “Amanhecer” e “The Rag Pickers' Feast”. Notas democráticas e ligeiramente revolucionárias começaram a aparecer na poesia de B., mas logo desapareceram em uma decepção ainda mais sombria.

Sua obra principal é “As Flores do Mal” (Les fleurs du mal, 1857; há uma tradução russa de Yakubovich-Melshin e Ellis; muitos outros poetas a traduziram: Sologub, Vyacheslav Ivanov, etc.). “Flowers of Evil” é a quintessência daqueles estados de espírito de que falamos acima. Contemporâneo dos parnasianos, que exigia extraordinária filigrana de forma poética, firmeza de estrutura, economia de palavras, ritmo estrito e escolha de imagens e profunda correspondência de expressões com elas, B. não apenas obedeceu a todas essas condições, mas acabou por ser um dos maiores mestres desta forma, clássica à sua maneira, do verso. B. pertence à raça dos poetas-escultores. Ele esculpe ou forja seus poemas. Suas obras são sólidas, cada palavra está definitivamente em seu lugar. O artesanato aqui é masculino.

O realismo como direção independente consolidou-se na década de 40 do século XIX, transformando-se posteriormente na forma de realismo crítico (o ponto mais alto do realismo - a exposição dos vícios da sociedade). O desenvolvimento do realismo foi acompanhado pelo desenvolvimento do modo de produção capitalista e, consequentemente, pelo crescimento das contradições sociais, que se refletiu na arte desta época.

Realismo na arte do século XIX. combina com romantismo

Decepção com os resultados das revoluções

Atitude negativa em relação à realidade burguesa

Apelo ao mundo espiritual do homem

A luta pela autoafirmação pessoal

O tema da nacionalidade está próximo

Porém, diferentemente dos românticos que fogem da realidade, considerando emergências, personalidades extraordinárias, situações heróicas, vida de paixões tempestuosas, o realismo penetra profundamente na realidade, na vida pública.

Novas abordagens dos artistas realistas do século XIX. é refletir o que realmente está acontecendo “aqui e agora”. Os artistas estavam convencidos da possibilidade de conhecer objetivamente mundo existente por meio da arte. Eles se voltaram para cenas da vida burguesa, iluminaram a vida dos camponeses e o trabalho cotidiano das classes populares urbanas.

Um dos primeiros realistas da pintura francesa foi Gustavo Courbet, que abordou o tema do trabalho (“Triturador de Pedra”), escreveu telas sociais baseadas em motivos reais (“Funeral em Ornans”). O “prosaísmo” de Courbet é um desafio aberto à crítica oficial.

François Millet- gênero camponês, sem matizes melodramáticos e etnográficos, mas através da transmissão de poses, gestos, movimentos corporais, revelou a natureza do processo de trabalho, a força e destreza dos camponeses (“Mulheres Camponesas com Galhos”, “Coletadoras de Orelhas” ) - telas épicas monumentais cheias de vitalidade e verdade.

Honoré Daumier é um artista de realismo crítico que, como O. Balzac, criou a “Comédia Humana” da época em milhares de litografias, desenhos e pinturas - caricaturas do rei Luís Filipe nas revistas satíricas “Caricatura” e “Charivari” ( “Down the Curtain”), seu gênero principal é a sátira da moral: o mundo filisteu de vigaristas, tolos, provincianos da capital (“Líderes da Justiça”). “A Lavadeira” não é um retrato, mas uma imagem coletiva de todas as lavadeiras parisienses; um retrato em que o autor expressa todo o seu amor pelo povo. Uma série de ilustrações para “Dom Quixote”, onde na imagem do personagem principal o artista procurou refletir a sua própria posição na sociedade, o tema do sofrimento humano. A relevância social de suas histórias contrabalança a censura proibida.

Paisagem nacional francesa:

Jean Baptiste Camille Corot– espiritualidade poética da natureza; motivo favorito – “depois da chuva”, ou seja. mudança de estado de natureza; a tonalidade prateada de sua pintura é “a névoa cinzenta de Coro”.

Escola Barbizon– objetivo principal: retratar a singularidade da paisagem nacional, transmitindo as mudanças nos estados da natureza, rejeitando os cânones composicionais. Théodoro Rousseau– “Paisagem com Ponte” é uma paisagem da vida, atenção especial à forma, todas as árvores são individuais, a modelagem pitoresca torna-as volumosas e quase esculturais, a sua monumentalidade é realçada pelo horizonte baixo.

Jules Dupre– “Paisagem de outono” - o efeito do sol poente enfatiza o contraste de cores da paisagem de outono depois da chuva, as árvores que dominam a composição são especialmente solenes.

Charles Daubigny– paisagens fluviais (“Margens do Rio Oise”), a vontade de captar as mais ligeiras alterações do estado da natureza, a transmissão pitoresca subtil da luz que envolve os objectos.

Do final do século XVIII. A França desempenhou um papel importante na vida sócio-política da Europa Ocidental. Século XIX foi marcado por um amplo movimento democrático que abraçou quase todos os setores da sociedade francesa. A revolução de 1830 foi seguida pela revolução de 1848. Em 1871, as pessoas que proclamaram a Comuna de Paris fizeram a primeira tentativa na história da França e de toda a Europa Ocidental de tomar o poder político no estado.

A situação crítica no país não poderia deixar de afetar a percepção do mundo pelas pessoas. Nesta época, a intelectualidade progressista francesa esforça-se por encontrar novos caminhos na arte e novas formas de expressão artística. É por isso que as tendências realistas apareceram na pintura francesa muito antes do que em outros países da Europa Ocidental.

A revolução de 1830 deu vida às liberdades democráticas na França, das quais os artistas gráficos não deixaram de aproveitar. Caricaturas políticas contundentes dirigidas aos círculos dominantes, bem como aos vícios reinantes na sociedade, encheram as páginas das revistas “Charivari” e “Caricaturas”. Ilustrações para periódicos foram feitas na técnica de litografia. Artistas como A. Monier, N. Charlet, J. I. Granville, assim como o maravilhoso artista gráfico francês O. Daumier trabalharam no gênero da caricatura.

Um papel importante na arte da França no período entre as revoluções de 1830 e 1848 foi desempenhado pela direção realista da pintura de paisagem - a chamada. Escola Barbizon. Este termo vem do nome da pequena vila pitoresca de Barbizon, perto de Paris, onde nas décadas de 1830-1840. Muitos artistas franceses vieram estudar a natureza. Não satisfeitos com as tradições da arte acadêmica, desprovidas de concretude viva e identidade nacional, dirigiram-se a Barbizon, onde, estudando cuidadosamente todas as mudanças ocorridas na natureza, pintaram quadros retratando recantos modestos da natureza francesa.

Embora as obras dos mestres da escola de Barbizon se distingam pela veracidade e objetividade, nelas sempre se fazem sentir o humor do autor, suas emoções e experiências. A natureza nas paisagens de Barbizon não parece majestosa e distante, é próxima e compreensível para as pessoas.

Os artistas muitas vezes pintavam o mesmo lugar (floresta, rio, lagoa) em diferentes horas do dia e sob diferentes condições climáticas. Eles processaram esboços feitos ao ar livre no estúdio, criando uma imagem que fazia parte de sua estrutura composicional. Muitas vezes, o frescor das cores característico dos esboços desaparecia na pintura acabada, razão pela qual as telas de muitos Barbizons se distinguiam pela cor escura.

O maior representante da escola de Barbizon foi Theodore Rousseau, que, já famoso pintor paisagista, afastou-se da pintura acadêmica e veio para Barbizon. Protestando contra o desmatamento bárbaro, Rousseau dota a natureza de qualidades humanas. Ele mesmo falou em ouvir as vozes das árvores e compreendê-las. Excelente conhecedor da floresta, o artista transmite com muita precisão a estrutura, espécie e escala de cada árvore (“Floresta de Fontainebleau”, 1848-1850; “Carvalhos em Agremont”, 1852). Ao mesmo tempo, as obras de Rousseau mostram que o artista, cujo estilo se formou sob a influência da arte acadêmica e da pintura dos antigos mestres, não conseguiu, por mais que tentasse, resolver o problema da transmissão do ambiente luz-ar. . Portanto, a luz e a cor em suas paisagens são na maioria das vezes de natureza convencional.

A arte de Rousseau teve grande influência nos jovens artistas franceses. Representantes da Academia, envolvidos na seleção das pinturas para os Salões, tentaram impedir a exposição da obra de Rousseau.

Mestres famosos da escola de Barbizon foram Jules Dupre, cujas paisagens contêm características da arte romântica (“The Big Oak”, 1844-1855; “Paisagem com Vacas”, 1850), e Narcisse Diaz, que povoou a floresta de Fontainebleau com figuras nuas. de ninfas e deusas antigas (“Vênus com Cupido”, 1851).

O representante da geração mais jovem de Barbizons foi Charles Daubigny, que iniciou sua carreira criativa com ilustrações, mas na década de 1840. dedicou-se à paisagem. Suas paisagens líricas, dedicadas a recantos despretensiosos da natureza, são repletas de luz solar e ar. Muitas vezes, Daubigny pintava não apenas esboços, mas também pinturas acabadas. Construiu um barco-oficina no qual navegou ao longo do rio, parando nos locais mais atrativos.

O maior artista francês do século XIX estava próximo dos barbizonianos. K. Koro.

A revolução de 1848 levou a um extraordinário aumento na vida social da França, na sua cultura e arte. Nessa época trabalhavam no país dois grandes representantes da pintura realista - J.-F. Millet e G. Courbet.

O realismo francês está associado principalmente aos nomes de Stendhal e Balzac, e isso é historicamente verdadeiro. No entanto, não devemos esquecer que tiveram antecessores talentosos, em cujas obras os princípios realistas da escrita foram delineados com muita clareza. Estamos falando do poeta Pierre-Jean Beranger, que se tornou amplamente conhecido por suas canções, e do prosador Paul-Louis Courier, o famoso panfletário que, segundo Stendhal, devolveu a língua francesa à sua “antiga simplicidade”. As canções de Beranger e os panfletos de Courier contribuíram para o desenvolvimento de uma poética realista. O mesmo objetivo foi perseguido pelos ensaios cotidianos, moralmente descritivos e “fisiológicos”, que eram uma escola de massa do realismo francês.

Na primeira metade do século XIX, surgiram no cenário literário francês grandes escritores que lhe trouxeram fama mundial: Frederic Stendhal (pseudônimo de Henri-Marie Bayle; 1783-1842), Honoré de Balzac (nome verdadeiro Balsa; 1799-1850). ) e Prosper Merimee (1803-1870).

Stendhal (romances “Armanet”, “Vermelho e Preto”, “O Mosteiro de Parma”, “Lucien Leuven”, “Lamiel”, o conto “Memórias de um Egoísta”, o conto “Vanina Vanini”, os livros “A Vida de Haydn, Mozart e Metastasio”, “História da Pintura na Itália”, “Roma, Nápoles e Florença”, “Sobre o Amor”, “A Vida de Rossini”, “Racine e Shakespeare” e outras obras) foi o criador de uma romance psicológico realista. Este era o dele mérito principal, que o movimento literário mundial não passou despercebido.

Stendhal foi um democrata que procurou as causas dos fenômenos na realidade circundante. Ele tinha um interesse excepcional pela mente humana e suas conexões com os sentidos. Stendhal estava acostumado a pensar que a base de todas as ações humanas é um desejo pessoal e egoísta, que, no entanto, deve estar subordinado a um sentimento moral. Ele atribuiu grande importância à vontade e a considerou uma das principais forças da personalidade.

Em suas obras de arte, Stendhal, ao contrário de outros realistas, em particular Balzac, dá mais ênfase ao mundo interior de uma pessoa do que à sociedade e ao ambiente externo do herói. Uma pessoa é atraída por isso não tanto como um produto social, mas sim pela vida de sua consciência. Mas ainda assim, Stendhal não abandona o determinismo sócio-histórico. Assim, cercando Pietro, o herói do conto “Vanina Vanini”, com uma aura romântica, Stendhal motiva sua paixão pela nacionalidade (italiana), pelo papel especial da religião em sua mente (após a derrota, ele, um patriota, sente-se punido e recorre à ajuda da religião), sentimento social, ordenando-lhe que prefira o amor de uma mulher ao amor da sua pátria. Ao expor os princípios da criatividade, Stendhal utiliza a sua experiência e extrai os personagens que retrata de uma série de pessoas que lhe são familiares: “Pego uma das pessoas que conheci e digo para mim mesmo: este homem adquiriu certos hábitos por meio de saio todas as manhãs em busca da felicidade, e então dou um pouco mais de inteligência.” Stendhal acreditava que o homem (e em muitos aspectos a sociedade) é governado pelas paixões. O mais importante deles é o amor, que se tornou o centro do seu interesse artístico.

Stendhal identifica quatro paixões amorosas (“Sobre o Amor”): “paixão-amor”, “paixão-ambição”, “paixão-atração”, “paixão física”. A atenção predominante é dada aos dois primeiros, dos quais o “amor-paixão” é verdadeiro e eterno, e a “ambição-paixão” é hipócrita e nascida no século XIX.

O psicologismo de Stendhal baseia-se no contraste entre “paixão-amor” e “paixão-ambição”, por um lado, e no contraste entre paixões e razão, por outro. O herói de Stendhal, como mais tarde o Pechorin de Lermontov, percebe que nele parece haver dois em uma pessoa: um vive e age, e o outro o observa. Da experiência da contemplação, o escritor tira uma conclusão importante: “A alma tem apenas estados, não tem propriedades estáveis”. A forma mais profunda de revelar o mundo interior, a vida da alma é o monólogo interno, característico de todos os personagens principais do escritor - Julien Sorel, Lucien Levene, Fabrizio del Dongo, etc.

Na vida mental, Stendhal está interessado no movimento do pensamento, uma vez que as paixões são permeadas por um princípio racional. O escritor não chega a explorar os estados mentais, apenas apontando-os. Porém, as ações dos heróis são sempre retratadas por ele em conjunto com as reações a eles, e isso dá uma ideia da infinita individualidade da experiência racional e sensorial das pessoas.

Nas profundezas da arte romântica do início do século XIX, o realismo começou a se formar, associado a sentimentos sociais progressistas. Este termo foi introduzido pela primeira vez em meados do século XIX. O crítico literário francês J. Chanfleury deve designar a arte que se opõe ao romantismo e ao simbolismo” Mas o realismo é uma categoria mais profunda do que os estilos artísticos individuais na arte. Realismo em Num amplo sentido as palavras visam refletir plenamente a vida real. É uma espécie de núcleo estético da cultura artística, que já se fazia sentir no Renascimento - “Realismo Renascentista”, e no Iluminismo - “Realismo Iluminista”. Mas desde os anos 30

Século XIX a arte realista, que lutava por uma representação precisa do ambiente circundante, denunciava involuntariamente a realidade burguesa. Com o tempo, essa corrente é chamada realismo crítico, coincidiu com a ascensão do movimento operário em vários países europeus.

Inicialmente, o realismo foi identificado com o naturalismo, e a transição para ele, digamos, na Alemanha e na Áustria, foi Biedermeier- uma direção de estilo que se caracterizou pela poetização do mundo das coisas, pelo conforto do interior da casa e pela atenção especial às cenas do cotidiano familiar. Biedermeier rapidamente degenerou em um naturalismo filisteu e açucarado, onde os pequenos detalhes do cotidiano vinham em primeiro lugar, mas retratados “exatamente como na vida”.

Na França, o realismo estava associado ao pragmatismo, à predominância de visões materialistas e ao papel dominante da ciência. Entre os maiores representantes do realismo na literatura estão O. Balzac, G. Flaubert, e na pintura - O. Daumier e G. Courbet.

Apoio deBalzac(1799-1850) já numa das suas primeiras obras “Shagreen Skin”, combinando imagens românticas e simbolismo com análises sóbrias, retratou de forma realista a atmosfera de Paris após a revolução de 1830. Seguindo as leis de sua arte, Balzac, em uma série de romances e contos que compuseram a épica “Comédia Humana”, mostrou um corte social da sociedade em que vivem representantes de todas as classes, condições, profissões, tipos psicológicos e interagir, que se tornaram nomes conhecidos, como, por exemplo, Gobseck e Rastignac. O épico, composto por 90 romances e contos e conectados por um conceito e personagens comuns, incluía três seções: estudos de moral, estudos filosóficos e estudos analíticos. Esboços de costumes retratavam cenas da vida provincial, parisiense, rural, privada, política e militar. Assim, Balzac mostrou brilhantemente as leis do desenvolvimento da realidade em uma espiral dos fatos à generalização filosófica. Segundo o próprio autor, ele procurou retratar uma sociedade que “contém em si a base do seu movimento”. O épico de Balzac é uma imagem realista da sociedade francesa, de alcance grandioso, refletindo suas contradições, o outro lado das relações e da moral burguesa. Ao mesmo tempo, Balzac afirmou mais de uma vez que não pintava retratos de indivíduos específicos, mas imagens generalizadas: seus personagens literários não eram modelos copiados servilmente, mas representavam uma espécie de exemplo de família, combinando os traços mais característicos de uma determinada imagem. A generalização é um dos principais mandamentos da estética de Balzac.

Estética Gustava Flaubert(1821-1880) encontrou expressão no conceito que criou sobre o papel especial e o elitismo da literatura, que comparou à ciência. O aparecimento do romance “Madame Bovary” marcou uma nova era na literatura. Usando um enredo simples sobre o adultério, Flaubert é a nossa maneira de mostrar as origens profundas da vulgaridade circundante, a insignificância moral da burguesia provinciana, a atmosfera sufocante do Segundo Império que emergiu após o golpe de julho de Luís Bonaparte em 1848. O romance , esta obra-prima da literatura francesa, não é sem razão chamada de enciclopédia da província francesa do século XIX. O escritor, selecionando detalhes característicos, restaura a partir de sinais insignificantes da época um quadro histórico de toda a sociedade. A pequena cidade de Yonville, onde o romance se passa, representa toda a França em miniatura: tem a sua própria nobreza, o seu próprio clero, a sua própria burguesia, os seus próprios trabalhadores e camponeses, os seus próprios mendigos e bombeiros que tomaram o lugar dos militares. Estas pessoas, vivendo lado a lado, estão essencialmente separadas, indiferentes umas às outras e por vezes hostis. A hierarquia social aqui é inquebrável, forte

empurra os fracos: os donos descontam sua raiva nos servos - nos animais inocentes. O egoísmo e a insensibilidade, como uma infecção, espalham-se por todo o distrito, estados de desesperança e melancolia penetram em todos os poros da vida. O artista Flaubert preocupou-se com a cor e a estrutura sonora do romance, que serviu como uma espécie de acompanhamento para triste história Ema Bovary. “Para mim”, escreveu Flaubert, “apenas uma coisa era importante - transmitir a cor cinza, a cor do mofo em que vegetam os piolhos”. Com seu drama provinciano, Flaubert desferiu um golpe no gosto burguês e no falso romantismo. Não à toa, “Madame Bovary” foi comparada a “Dom Quixote” de Cervantes, o que acabou com o hobby romance de cavalaria. Flaubert provou as enormes possibilidades da arte realista e teve uma influência decisiva no desenvolvimento do realismo na literatura mundial.

A revolução de 1830 abriu uma nova etapa na história da cultura artística na França, em particular, contribuiu para o desenvolvimento da caricatura como um poderoso meio de crítica. Na literatura, na poesia, nas artes plásticas, os gráficos responderam de forma mais vívida aos eventos revolucionários. O reconhecido mestre dos gráficos satíricos foi Honoré Daumier(1808-1879). Brilhante desenhista, mestre da linha, criou imagens expressivas com um traço, mancha ou silhueta e fez da caricatura política uma verdadeira arte.

Dominando com maestria a técnica de modelagem de luz e sombra, Daumier utilizou técnicas gráficas em suas pinturas e sempre enfatizou o contorno. Com um traço preto-marrom calmo e fluido, ele delineava os contornos de figuras, perfis e toucados, característica de seu método pictórico.

As pinturas de Daumier são designadas por ciclos, o primeiro dos quais foi revolucionário. Pode-se dizer com bastante razão que a revolução de 1830 criou Daumier o artista gráfico, a revolução de 1848 criou Daumier o pintor. Daumier era um republicano convicto e as simpatias do artista estavam do lado do proletariado e da intelectualidade democrática. A obra mais significativa do ciclo revolucionário é “Insurreição”, onde, ao retratar apenas algumas figuras, colocando-as na diagonal, Daumier conseguiu a impressão e o movimento de uma grande multidão de pessoas, e a inspiração das massas, e a extensão de a ação além dos limites da tela. A ênfase foi colocada apenas na figura de um jovem de camisa leve. Ele está subordinado ao movimento geral e ao mesmo tempo o dirige, voltando-se para quem anda atrás e com a mão levantada indicando o caminho para a meta. Ao lado dele está um intelectual, cujo rosto pálido está congelado de espanto, mas ele, levado pelo impulso geral, funde-se com a multidão.

O ciclo “Dom Quixote” pode ser chamado de ciclo transversal na obra de Daumier. A sua interpretação das imagens de Dom Quixote e Sancho Pança não tem análogos na arte francesa. Em contraste com os ilustradores banais de Cervantes, Daumier estava interessado apenas no lado psicológico da imagem, e o leitmotiv de todas as suas 27 variações é o magro, incrivelmente alto e ereto Dom Quixote, cavalgando por uma paisagem montanhosa sombria em seu monstruosamente ossudo. , como uma quimera gótica Rossinante; e atrás dele montado em um burro está o covarde Sancho Pança, sempre atrasado. A imagem de Sancho parece dizer: basta de ideais, chega de luta, é hora de finalmente parar. Mas Dom Quixote avança invariavelmente, fiel ao seu sonho, não se deixa deter pelos obstáculos, não se deixa atrair pelas bênçãos da vida, está todo em movimento, em busca.

Se em “Dom Quixote” Daumier refletiu a trágica contradição entre os dois lados da alma humana, então na série “Juízes e Advogados” surgiu um contraste terrível entre a aparência, a aparência externa de uma pessoa e sua essência. Nestas séries verdadeiramente brilhantes, Daumier ascendeu ao nível social e

O realismo começou a tomar forma nas profundezas do romantismo no início do século XIX. Esta nova viragem esteve associada ao sentimento público progressista e à intensificação dos processos de formação das nações, das culturas nacionais, do interesse pela história étnica e cultura, antes de tudo, à literatura nacional. Falaremos sobre romantismo e simbolismo mais tarde, de alguma forma como parte de um tópico separado. Por enquanto, é importante e suficiente dizer que o romantismo desmascarou e rejeitou o papel de liderança do classicismo e do academicismo no desenvolvimento das artes plásticas.

Primeiro mandato realismo introduzido em meados do século XIX Escritor francês e o crítico literário J. Chanfleury. Realismo significava completo e exibição precisa em torno da vida real, que expôs involuntariamente os vícios e problemas da realidade burguesa da época.

J. Chanfleury

No entanto, o realismo como fenómeno estético na cultura artística não era absolutamente novo sem utilizar a terminologia adequada, sentia-se já no Renascimento - “realismo renascentista”, e durante o Iluminismo - “realismo iluminista”. Mas no século XIX países diferentes tinha suas próprias características específicas.

Na França, o realismo, chamado realismo crítico , estava associado ao pragmatismo e ao predomínio de visões materialistas, ao papel dominante da ciência e da literatura nacional francesa na determinação das tarefas de desenvolvimento das artes plásticas. Entre os maiores representantes do realismo crítico francês na literatura estavam O. Balzac, V. Hugo e G. Flaubert, cujas obras eram bem conhecidas entre a parte culta Sociedade russa e já foram parcialmente traduzidos.

Honoré de Balzac

Victor Hugo Gustave Flaubert

Os principais representantes do realismo crítico na pintura francesa foram Honoré Daumier, Gustave Courbet, François Millet, Camille Corot e Théodore Rousseau.

Revolução de 1830 abriu uma nova etapa no desenvolvimento das artes plásticas, da caricatura, em particular das imagens brilhantes e expressivas O. Daumier (1818-1879) fez da gráfica satírica uma verdadeira arte.

Retrato de Honore Daumier de O. Daumier no gênero da caricatura

As obras gráficas e pictóricas de Daumier são designadas por séries ou ciclos: “Dom Quixote” e “Homens de Justiça” (“Juízes e Advogados”), mas a primeira foi uma série revolucionária composta por duas partes: 1830 e 1848. As obras mais significativas deste ciclo são “Insurreição” e “Assembleia Legislativa”.
Ao retratar apenas algumas pessoas na diagonal, o artista teve a impressão de uma grande multidão se movendo. O destaque está na figura de um jovem de camisa leve, que se subordina ao movimento geral e o direciona, indicando o caminho até o gol com a mão levantada.

Insurreição. 1830

Na gravura/litografia, o artista retratou a Assembleia Legislativa ou o Ventre Legislativo de ministros e membros do governo como uma empresa feia e moralmente miserável.

Útero legislativo

Na série “Juízes e Advogados” - uma demonstração do terrível contraste entre a aparência, a aparência externa de uma pessoa e sua essência. Os advogados e juízes Daumier são a quintessência da falsidade, da hipocrisia e do vício, a personificação não apenas do tribunal burguês, mas de parte da sociedade como um todo.

Advogado de Defesa Judicial

A interpretação das imagens dos heróis do ciclo de Dom Quixote - mostrando a trágica contradição entre os dois lados da alma humana - não tem análogos na arte mundial. Dom Quixote, emaciado, incrivelmente alto, cavalga entre uma sombria paisagem montanhosa em um Rocinante monstruosamente ossudo, invariavelmente avançando, fiel ao seu sonho, não é parado pelos obstáculos, não é atraído pelas bênçãos da vida, está todo em movimento, em busca. Atrás dele está o seu oposto - montado num burro, o sempre atrasado e covarde Sancho Pança, que parece dizer: chega de ideais, chega de luta, é hora de finalmente parar.

Dom Quixote Sancho Pança e Dom Quixote

O tema central da obra do artista eram as pessoas comuns: operários, pequenos empregados, artesãos, lavadeiras, que ele pintava, refletindo não só elas situação difícil, mas o valor de seu trabalho e personalidade. Sua frase de efeito, “é preciso ser um homem de seu tempo”, refletia a direção geral do realismo crítico.

O fardo ou a lavadeira, a amante da impressão

Carruagem de 3ª classe

A principal figura do realismo crítico francês é Gustavo Courbet (1819-1877).

Gustavo Courbet

Ele foi o primeiro dos artistas da Europa Ocidental a proclamar abertamente o realismo como seu método criativo: retratar os aspectos menos atraentes da vida sem embelezamento, idealização e sentimentalismo. Os personagens de suas pinturas eram representantes de todos os segmentos da população, inclusive os mais baixos - trabalhadores, mendigos, prostitutas.

O principal no trabalho de Courbet foi sua capacidade, ao retratar pessoas específicas, de dar à sua aparência características de significado típico, e cenas simples de gênero nos temas de Courbet adquiriram características de monumentalidade.

Trituradores de pedra Winnowers

Funeral em Ornans

O artista muitas vezes confere até mesmo aos retratos um caráter de gênero, retratando a modelo em uma situação cotidiana específica. Um exemplo disso é uma cena que retrata o pai e os amigos do artista relaxando em um pequeno café local.

Tarde de relaxamento em Ornane

Outros exemplos de retratos de Courbet são a representação de uma pessoa como símbolo de uma determinada direção na criatividade artística.

à esquerda está um retrato de Hector Berlioz, o fundador do programa sinfônico
à direita está um retrato de Charles Baudelaire, um clássico da poesia francesa (Flores do Mal, etc.) - o fundador da decadência e do simbolismo.

A imagem mais indicativa é o Atelier de Courbet ou a Oficina do Artista - uma composição alegórica complexa, onde por trás de cada imagem realista e reconhecível por retrato há um certo tipo, elevado pelo artista à categoria de símbolo.

Atelier ou Oficina do Artista

Ao mesmo tempo, o artista destacou que se trata de um novo tipo de alegoria, realista, que nada tem em comum com a fantasia romântica ou o sentimentalismo choroso do simbolismo.
Para Courbet, a qualidade mais importante da arte realista não era a simpatia pelos desfavorecidos e oprimidos, mas a representação da sua utilidade como membros da sociedade; não um reflexo do mundo interior, mas uma característica social dos modelos.
Courbet acreditava que a essência do realismo é a negação do ideal como tal, a razão deve prevalecer em tudo o que diz respeito ao homem; Somente tal posição, acreditava o artista, leva à libertação do indivíduo e, em última análise, à democracia.

Vindo de uma família camponesa F. Painço (1814-1875), fez da vida e da obra do camponês o tema principal de suas pinturas, mostrando o trabalho rural como estado natural do homem, forma de sua existência.

Jean-François Millet

O artista acreditava que é no trabalho que se manifesta a ligação do homem com a natureza, que o educa e enobrece.

Plantando batatas Colhedores de orelhas

Em meados do século XIX, surgiram na França artistas que trabalharam principalmente no campo das paisagens nacionais. O papel principal na paisagem realista pertence a Camille Corot (1796-1875).

Camille Corot

Esforçando-se para criar uma imagem realista e generalizada da natureza, Corot tentou expressar nela seus sentimentos e humores. O artista considerava a luz sutil e calmamente difusa dos dias nublados seu principal meio. Ele trabalhou muito na transmissão da luz no quadro, buscando os mais diversos tons de uma mesma cor, os chamados valeurs, tentando reverenciar suas paisagens.

Fonte de rajada de vento

Vista de Riva. Tirol italiano Tivoli, jardins de Villa d'Este, arredores de Roma, Itália

A arte da França na Era do Iluminismo desenvolveu-se nas condições do declínio do sistema feudal-absolutista, do crescimento e da unidade das forças democráticas antifeudais da sociedade às vésperas da revolução burguesa.

A decomposição do absolutismo, o fortalecimento de novas forças sociais - foram processos que duraram décadas. A nobreza agarrou-se tenazmente aos seus privilégios de servidão, o estado absolutista os protegeu, a igreja manteve a crença na sua inviolabilidade, perseguindo qualquer dúvida e protesto. Mas o pensamento social avançado desenvolveu-se cada vez mais rapidamente, e as revoltas camponesas e urbanas abalaram cada vez mais a França escravizada.

Era necessária uma luta ideológica obstinada para preparar as mentes para a revolução, para a acção. Era necessário limpar o terreno para esta acção, libertando as mentes das pessoas de falsos conceitos arraigados, da crença em preconceitos antigos, da submissão a ordens sociais monstruosas e contrárias à razão.

É por isso que V. G. Belinsky chamou o século 18 na França de século da negação. Os filósofos iluministas, liderados por Voltaire e Montesquieu, Diderot e Rousseau, submeteram o sistema feudal e a Igreja a críticas destrutivas. As atividades dos iluministas, suas visões filosóficas e políticas foram o elemento mais importante e dirigente da cultura progressista da época.

Francês cultura artística século 18 refletia a aparência da época. A luta contra a Igreja e o absolutismo, destruindo a sua autoridade, enfraqueceu o significado dos temas religiosos e históricos e a hierarquia dos géneros característica do século XVII. Nas artes plásticas, o princípio secular e, mais tarde, o civil, certamente vence. Isso se reflete na relação dos gêneros; novos gêneros, desde as festividades galantes do início do século até o quadro histórico dos anos pré-revolucionários que glorificam a luta heróica, adquirem domínio entre eles.

A luta contra a desigualdade de classes, adquirida no século XVIII. um alcance tão significativo deu origem a uma afirmação decisiva na arte da dignidade da pessoa. O interesse pelos movimentos mentais sutis e complexos, pela análise das experiências em seus matizes sutis determinou a originalidade do realismo do século XVIII. A procura do individual e da característica na arte desta época destaca-se ainda mais claramente em contraste com as apoteoses do “Rei Sol” do final do século XVII.

Portanto, um lugar importante na arte do século XVIII foi ocupado pelo retrato, pela vida cotidiana e pela natureza morta - gêneros em que as tendências realistas da cultura artística se desenvolveram mais plenamente. Nunca antes, com exceção da Holanda do século XVII, esses gêneros, próximos da vida cotidiana, do mundo espiritual de uma pessoa comum, se desenvolveram tão intensamente. Novas tendências na arte foram percebidas e apoiadas energicamente por educadores, especialmente Denis Diderot; suas resenhas de exposições - os famosos "Salões" - são notáveis ​​​​por sua viva ligação com prática artística, defesa ativa de missões avançadas.

Em última análise, a consequência destas mudanças foi a modificação dos géneros tradicionais - mitológicos e religiosos, bem como do género do retrato cerimonial. No retrato cerimonial, as notas íntimas e líricas soavam mais fortes, e o quadro mitológico adquiria o caráter de uma cena galante.

O surgimento da cultura artística francesa do século XVIII, sensível aos novos problemas da época, parece muito mutável. O triste reflexo das galantes celebrações de Watteau, a afetação lúdica das pastorais de Boucher, a poesia da vida cotidiana nas cenas de gênero de Chardin, a acuidade analítica da obra de Latour - tudo isso se refere apenas à primeira metade do século XVIII, que se destacou, é ao que parece, por uma unidade estilística muito maior do que a segunda.

As interações e lutas dos movimentos artísticos foram determinadas pelo desenvolvimento do movimento antifeudal, pela sua expansão e ascensão. Mas a cultura nobre, nas suas formas requintadas e requintadas típicas da época, ao longo de muitas décadas determinou as características do movimento artístico dominante. O declínio da nobreza foi acompanhado por uma arte que havia perdido a grandeza de um grande estilo artístico, desprovido de heroísmo, drama e energia. Pintura, escultura e Artes Aplicadas tornaram-se elementos da elegante decoração decorativa de mansões privadas com seus pequenos interiores íntimos. Esse estilo, denominado Rococó, foi marcado pela decadência; ele era paquerador e afetado, muitas vezes erótico; a fragilidade e capricho das formas ornamentais combinavam-se nele com a sofisticação das delicadas cores desbotadas. Mas a arte do Rococó continha seus méritos líricos, principalmente quando era enriquecida pela poesia íntima do sentimento capturado na vida. O âmbito da arte Rococó foi bastante amplo, embora não abrangente, desde a história da arte no século XVIII. é a história de uma luta complexa entre movimentos artísticos, cujo final foi o triunfo do classicismo revolucionário de Louis David.

No desenvolvimento da arte francesa do século XVIII. existem várias etapas ( A periodização que passou a ser utilizada na história da arte francesa de acordo com o reinado dos reis é arbitrária e está longe de coincidir com o processo real de desenvolvimento artístico.).

Nas primeiras duas décadas, a imagem ainda era muito heterogênea; os princípios decorativos do Rococó desenvolveram-se juntamente com as tradições do academicismo, mas ainda não haviam se formado em um sistema único; Durante este período de crise, quando a dúvida prevaleceu sobre a afirmação, o fenómeno mais marcante foi a obra de Antoine Watteau.

1730-1740 - o próximo período caracterizado pelo desenvolvimento estilo decorativo Rococó, liderado por mestres como Boucher e Nattier. Por outro lado, este é o apogeu do gênero cotidiano realista e da natureza morta de Chardin e do retrato realista de Latour. Assim, nestas duas décadas intensificou-se a luta entre os movimentos artísticos. Isto se deve ao fortalecimento das forças sociais progressistas e à cristalização de novos ideais estéticos – juntamente com a crescente autoconsciência do terceiro estado.

Nas décadas de 1750-1760, o realismo de Chardin, Latour e mestres próximos a eles continuou a se desenvolver. Mas a luta está a avançar para uma fase mais activa. A pregação de Grezov sobre a dignidade moral das pessoas do terceiro estado substitui os gêneros líricos de Chardin, e a sensibilidade e o didatismo do sentimentalismo contrastam com a frivolidade e o vazio da arte rococó. No campo da estética e da crítica artística, estes anos testemunharam uma atividade particularmente ativa de educadores que expuseram a depravação da cultura nobre. A alta intensidade da luta social e o crescimento da consciência cívica geraram interesse pelos heroísmos antigos; os crescentes rebentos do classicismo prenunciaram a formação de novos ideais artísticos dignos da era revolucionária.

Desde os anos 70. século 18 podemos falar de uma nova etapa, quando o classicismo vai se tornando gradativamente a direção dominante não só na arquitetura, onde foi definido anteriormente, mas também na pintura e na escultura. A arte deste período incorporou a “sede de ação enérgica” que tomou conta dos franceses.

Arquitetura

Se o século XVII na arquitectura francesa foi marcado por grandiosas obras de construção do rei, cujo principal resultado foi a criação do conjunto monumental de Versalhes, onde o próprio estilo do classicismo na sua impressionante pompa revela elementos de ligação interna com a arquitectura barroca , então o século XVIII traz consigo novas tendências.

A construção mudou para as cidades. As novas necessidades da época colocaram o problema da criação de uma espécie de casa senhorial residencial urbana. O desenvolvimento das relações burguesas, o crescimento do comércio e da indústria, o fortalecimento do papel do terceiro estado na vida pública propuseram a tarefa de construir novos edifícios públicos - bolsas, locais comerciais, teatros públicos. O papel crescente das cidades na vida económica e política do país, o surgimento de novos tipos de edifícios privados e públicos impõem novas exigências aos arquitectos na criação de um conjunto urbano.

Jules Hardouin-Mansart, Robert de Cotte. Capela do Palácio de Versalhes. 1699-1710 Visão interna

sofre alterações e estilo arquitetônico era. Característica do classicismo do século passado, a grande unidade das soluções figurativas da aparência externa e do espaço interno do início do século XVIII. se desintegra. Este processo de desintegração é acompanhado por uma separação entre a prática construtiva e os ensinamentos teóricos, uma diferença nos princípios de design de interiores e fachadas. Os principais arquitetos em seus trabalhos teóricos ainda veneram a antiguidade e as regras das três ordens, mas na prática arquitetônica direta eles se afastam dos requisitos estritos de clareza lógica e racionalismo, subordinação do particular ao todo e construtividade clara. A obra de Robert de Cotte (1656-1735), sucessor de Jules Hardouin-Mansart como arquitecto real (concluiu a construção da capela do Palácio de Versalhes, bela na sua arquitectura rigorosa e nobre), fornece um exemplo convincente disso. . Naqueles construídos por ele na década de 1710. Nas mansões parisienses (Hotel de Toulouse e Hotel d'Estrée), nota-se uma forma arquitetônica mais leve e um livre desenvolvimento da decoração.

O novo estilo, denominado Rococó ou Rocaille, não pode ser visto apenas de um lado, vendo nele apenas um produto reacionário e pouco promissor de uma classe decadente. Este estilo refletia não apenas as aspirações hedonistas da aristocracia. Algumas tendências progressistas da época também foram refratadas de forma única no Rococó; daí as exigências de um layout mais livre e que corresponda à vida real, um desenvolvimento mais natural e animado e um espaço interno. A dinâmica e leveza das massas arquitetônicas e da decoração contrastavam com a pompa pesada do design de interiores na era do poder supremo do absolutismo francês.

No início do século XVIII. a construção principal ainda é realizada pela aristocracia, mas seu caráter está mudando significativamente. O lugar dos castelos senhoriais é ocupado pelas mansões urbanas, os chamados hotéis. O enfraquecimento do absolutismo também se refletiu no fato de a nobreza ter deixado Versalhes e se estabelecido na capital. Nos subúrbios verdes de Paris - Saint-Germain e Saint-Opor - foram construídos, um após outro, durante a primeira metade do século, luxuosos hotéis-mansões com extensos jardins e serviços (fig. na página 258). Ao contrário dos edifícios palacianos do século anterior, que perseguiam os objectivos de representatividade impressionante e grandeza solene, nos casarões que agora se criam muita atenção é dada à própria comodidade da vida. Os arquitectos abandonam a cadeia de grandes salões, que se estendem num enfilade solene, em favor de salas mais pequenas, dispostas de forma mais casual de acordo com as necessidades da vida privada e da representação pública dos proprietários. Muitas janelas altas iluminam bem o interior.

De acordo com a sua localização na cidade, hotéis da primeira metade do século XVIII. representou em grande medida um fenómeno de transição de uma propriedade rural para uma casa na cidade. Trata-se de um conjunto arquitetônico fechado, uma espécie de conjunto habitacional dentro de um quarteirão, ligado à rua apenas pelo portão frontal. A casa fica nos fundos do terreno, voltada para um vasto pátio ladeado por instalações de serviço baixas. A fachada oposta está voltada para o jardim, que mantém um traçado regular.

Nos hotéis da primeira metade do século XVIII. A contradição característica da arquitetura francesa desta época manifestou-se mais claramente - a discrepância entre a arquitetura externa e a decoração interior. A fachada do edifício, via de regra, mantém elementos de ordem tradicional, interpretados, porém, de forma mais livre e leve. Decoração

No entanto, os espaços interiores muitas vezes rompem completamente com as leis da tectónica, fundindo a parede com o tecto numa concha completa de espaço interno que não tem limites definidos. Não é por acaso que os artistas decorativos, que conseguiram decorar o interior com incrível sutileza e perfeição, adquiriram um papel tão importante nesta época. O período do Rococó inicial e maduro conhece toda uma galáxia de mestres que criaram obras-primas requintadas de decoração de interiores (Gilles Marie Oppenor, 1672-1742; Just Aurèle Meissonnier, 1693-1750, e outros). Muitas vezes um edifício foi construído por um arquiteto e projetado por outro. Mas mesmo quando todo o trabalho foi realizado por um mestre, sua abordagem para resolver a aparência externa do hotel e seu interior era fundamentalmente diferente. Um dos mais proeminentes arquitetos rococó, Germain Beaufran (1667-1754), em seu tratado “Livre d'Architecture” (1745), disse diretamente que atualmente a decoração de interiores é uma parte completamente separada da arquitetura, que não leva em conta o decoração do exterior do edifício Na sua prática, perseguiu consistentemente esta tese. Na arquitectura do castelo de Lunéville, nos hotéis de Naisy, construídos na década de 1720, sente-se a adesão às tradições do classicismo - o central. parte é claramente destacada, enfatizada por um pórtico com colunas ou pilastras. Poucos falam aqui dos detalhes moldados e da relativa leveza dos elementos da ordem.

Jean Courton. Hotel Matignon em Paris. Plano.

Pierre Delamere. Hotel Soubise em Paris. 1705-1709 Fachada.

Beaufran decide seus interiores de maneira completamente diferente. Um exemplo brilhante disso é a decoração interior do Hotel Soubise (1735-1740). Independentemente da aparência externa da mansão, que foi concluída por Delamere em 1705-1709. Na tradição clássica, Beaufran confere aos quartos do hotel o caráter de graciosas bomboneiras. Painéis esculpidos, ornamentos de estuque e painéis pitorescos cobrem as paredes e o teto como um tapete contínuo. O efeito destas formas requintadamente elegantes e caprichosamente leves deve ser especialmente impressionante em contraste com a arquitetura mais contida da fachada.

A construção religiosa durante este período foi incomparavelmente menos importante do que a construção secular. Os edifícios do século anterior foram em sua maioria concluídos.

Assim é a igreja de São Roque em Paris, iniciada por Robert de Cotte no final do século XVII. e concluído após a morte deste arquiteto por seu filho J.-R. de Cottom.

Jean Nicola Servandoni. Igreja de São Sulpício em Paris. 1733-1745 Fachada.

A mais interessante igreja parisiense de Saint-Sulpice, também iniciada no século XVII. Na década de 20. século 18 A fachada principal permaneceu inacabada. Foi projetado por vários arquitetos. O projeto do famoso decorador Meissonnier (1726), que tentava transferir os princípios de Rocaille para a arquitetura exterior, foi rejeitado. Em 1732, outro decorador, Jean Nicolas Servandoni (1695-1766), venceu o concurso anunciado para o desenho da fachada, recorrendo às formas clássicas na sua decisão. Sua ideia serviu de base para futuras construções. A fachada da igreja está dividida em dois níveis, cada um com a sua ordem. Torres erguem-se em ambos os lados da fachada.

Do segundo quartel do século XVIII. As ricas cidades comerciais da província começaram a desempenhar um papel cada vez mais proeminente na construção francesa. O assunto não se limitou à construção de edifícios individuais. Todo o sistema da antiga cidade feudal, com os seus edifícios caóticos, com uma intrincada rede de ruas incluídas nos estreitos limites das fortificações da cidade, entrou em conflito com as novas necessidades dos crescentes centros comerciais e industriais. A manutenção de muitas posições-chave pelo absolutismo levou, no entanto, inicialmente a uma solução bastante conciliatória para os problemas de planeamento urbano. Em muitas cidades, a reconstrução de certas partes da cidade velha é realizada através da construção de praças reais. A tradição dessas praças remonta ao século XVII, quando foram criadas não com o objetivo de trazer ordem ao caos da cidade medieval, mas como um local aberto para a instalação de uma estátua do rei. Agora a razão permaneceu, por assim dizer, a mesma - tudo o que surgiu no século XVIII. Durante o período da monarquia, as praças destinavam-se a servir para a instalação de um monumento ao monarca, mas os próprios arquitectos perseguiram objectivos de planeamento urbano muito mais amplos.

Uma das primeiras praças de um novo tipo associada à requalificação e desenvolvimento de quarteirões inteiros da cidade foi a praça de Bordéus. O seu projectista e construtor foi Jacques Gabriel (1667-1742), representante do famoso edifício do século XVI. dinastia de arquitetos, pai do famoso arquiteto Jacques Ange Gabriel.

Os trabalhos de planejamento e desenvolvimento da praça começaram em 1731. O local foi alocado nas margens do largo Garonne. O arquitecto desenvolveu ampla e diversificadamente as possibilidades de criação de um novo conjunto, abrangendo uma parte significativa da cidade e ligando-a ao ambiente natural.

Jacques Gabriel iniciou a sua obra em Bordéus com a demolição de edifícios antigos e indefinidos na margem do rio e a construção de um magnífico aterro. A cidade voltou-se para o Garonne - sua principal decoração. Esta viragem pretendia consolidar tanto a praça, aberta ao rio, como o traçado das duas ruas que desaguam na praça. Utilizando o princípio de planejamento de Versalhes, o arquiteto aplicou-o a um novo organismo social e artístico - a cidade, resolvendo-o de forma mais ampla. Os edifícios localizados nas laterais da praça destinavam-se ao comércio e às necessidades económicas da cidade: à direita está a bolsa de valores, à esquerda está o edifício da repartição de finanças. Sua arquitetura se distingue pela contenção e simplicidade elegante. A construção da central e do pavilhão central entre as duas ruas foi concluída após a morte de Jacques Gabriel por seu filho. Uma série de princípios inovadores da Place de Bordeaux - seu caráter aberto, sua frente para o rio, a conexão com os bairros da cidade com a ajuda de ruas de raios - Jacques Ange Gabriel logo desenvolveu de forma brilhante em seu trabalho na Place Louis XV em Paris .

Emmanuel Aqui de Corney. O conjunto da Place Stanislas, Place Carrière e Place de la Government em Nancy. 1752-1755 Fotografia aérea.

Se o conjunto da praça de Bordéus forneceu uma solução que antecipou muitos princípios de planeamento de épocas posteriores, então outro conjunto notável de meados do século XVIII - um complexo de três praças em Nancy, mais intimamente associado ao passado - parece resumir o métodos de organização do espaço da época barroca.

Emmanuel Aqui de Corney. Praça do Governo em Nancy. 1752-1755 Forma geral.

Três praças de diferentes formas - a retangular Praça Stanislaus, a longa Praça Carrière e a oval Praça do Governo - formam um organismo intimamente unido e internamente fechado que existe apenas numa ligação muito relativa com a cidade. O pátio de honra oval do Palácio do Governo é separado por uma arcada da cidade e do parque circundantes. O movimento ativo a partir dela só pode, em essência, desenvolver-se através da Praça Carrière em forma de avenida e do arco triunfal, de modo que, ao entrar na Praça Stanislav, será imediatamente bloqueado pelo edifício monumental da Câmara Municipal. Tem-se a impressão de duas monumentais cortes de honra, espalhadas em frente a magníficos palácios e ligadas por uma viela reta. É característico que as ruas voltadas para a Praça Stanislav sejam separadas dela por grades. O charme do conjunto é criado pela arquitetura festiva dos palácios, incrível artesanato de grades forjadas e douradas, fontes em dois cantos da praça, projetadas em um único tom rococó elegante e elegante. O planejador da área e arquiteto dos edifícios principais foi Emmanuel Eray de Corney (1705-1763), aluno de Beaufran, que trabalhou principalmente na Lorena. Construído em 1752-1755, este complexo nas suas formas e princípios de planeamento já parecia um tanto anacrónico em comparação com o novo movimento da arquitectura iniciado no final da primeira metade do século XVIII.

Este movimento, cuja influência já tinha marcado o desenho da praça de Bordéus, exprimiu-se na rejeição dos extremos e peculiaridades do Rococó em favor de uma arquitectura mais razoável e ordenada, num interesse crescente pela antiguidade. A ligação deste movimento com o fortalecimento das posições da burguesia é inegável.

Justamente na virada da primeira e da segunda metade do século, remonta ao discurso dos enciclopedistas, que propunham o critério da razão como única medida de todas as coisas. A partir dessas posições, toda a sociedade feudal e seus descendentes – o estilo Rococó – são criticados como desprovidos de lógica, racionalidade e naturalidade. E vice-versa, todas essas qualidades são vistas na arquitetura dos antigos. Durante estes anos surgiram exposições dedicadas a monumentos de arquitetura antiga. Em 1752, o famoso amador e filantropo Conde de Caylus começou a publicar a obra “Coleção de Antiguidades Egípcias, Etruscas, Gregas e Romanas”. Dois anos depois, o arquiteto David Leroy viaja para a Grécia e lança o livro “Ruínas das Mais Belas Estruturas da Grécia”. Entre os teóricos da arquitetura destaca-se Abbé Laugier, cujos “Estudos de Arquitetura”, publicados em 1753, suscitaram viva resposta em amplos círculos da sociedade francesa. Falando do ponto de vista do racionalismo, ele defende a arquitetura razoável, isto é, a arquitetura natural. A pressão das ideias educativas e, em última análise, democráticas, foi tão grande que também teve impacto nos círculos artísticos oficiais. Os líderes da política artística do absolutismo sentiram a necessidade de contrastar algo com o programa positivo dos enciclopedistas, a sua crítica convincente à ilogicidade e à antinaturalidade da arte rococó. O poder real e a Academia estão a tomar certas medidas para arrancar a iniciativa das mãos do terceiro estado e liderar eles próprios o movimento nascente. Em 1749, uma espécie de missão artística foi enviada à Itália, liderada pelo irmão da todo-poderosa favorita de Luís XV, Madame Pompadour, futuro Marquês de Marigny, que atuava como diretor dos edifícios reais. Ele estava acompanhado pelo gravador Cochin e pelo arquiteto Jacques Germain Soufflot, futuro construtor do Panteão parisiense. O objetivo da viagem foi conhecer a arte italiana - esse berço da beleza. Eles visitaram as escavações de Herculano e Pompéia recentemente iniciadas. Soufflot também estudou os antigos monumentos de Paestum. Toda esta viagem foi um sinal de novos fenómenos na arte, e a sua consequência foi uma nova viragem para o classicismo e uma luta mais acirrada com os princípios de Rocaille, mesmo nos vários tipos de arte decorativa. Ao mesmo tempo, esta viagem fornece provas claras de quão diferentemente o apelo à herança antiga foi entendido e que diferentes conclusões foram tiradas disso por representantes da classe dominante e pelos próprios artistas. Os resultados das impressões e reflexões italianas foram expressos por Marigny nas palavras: “Não quero nem os excessos atuais nem a severidade dos antigos - um pouco disso, um pouco daquilo”. Posteriormente, aderiu a esta política artística de compromisso ao longo dos seus muitos anos de actividade como diretor de artes plásticas.

Os seus companheiros de viagem, Cochin e Soufflot, assumiram uma posição muito mais progressista e activa. O primeiro publicou ao retornar o tratado “Revisão das Antiguidades de Herculano com Diversas Reflexões sobre a Pintura e Escultura dos Antigos” e depois travou uma luta muito acirrada na impressão contra os princípios da arte rocaille, pelo rigor, pureza e clareza de formas arquitetônicas e decorativas. Quanto a Souflo, a sua viagem adicional a Paestum e o estudo local de dois monumentos notáveis ​​da arquitectura grega testemunham o seu profundo interesse pela antiguidade. Em sua prática construtiva, ao retornar da Itália, os princípios do classicismo triunfaram completa e intransigentemente.

Durante esta era de transição, a obra do mais cativante mestre da arquitetura francesa, Jacques Ange Gabriel (1699-1782), tomou forma e floresceu. O estilo de Gabriel parece corresponder às exigências de Marigny, mas é um fenómeno extremamente original e orgânico gerado pelo desenvolvimento natural e “profundo” da arquitectura francesa. O mestre nunca esteve na Itália, muito menos na Grécia. A obra de Gabriel parecia continuar e desenvolver a linha da arquitetura francesa que emergiu nos edifícios posteriores de Jules Hardouin-Mansart (Grand Trianon e capela de Versalhes), na fachada oriental do Louvre. Ao mesmo tempo, assimilou também as tendências progressistas contidas na arquitetura rococó: a proximidade com as pessoas, a intimidade, bem como a sutileza requintada dos detalhes decorativos.

A participação de Gabriel no trabalho de planeamento urbano do pai em Bordéus preparou-o bem para resolver os problemas de conjunto que o ocupavam em meados do século XVIII. um papel cada vez mais proeminente na prática arquitetônica. Justamente nesta época, a imprensa intensificava a atenção a Paris, ao problema de transformá-la numa cidade digna do nome de capital.

Paris tinha belos monumentos arquitetônicos, uma série de praças criadas no século anterior, mas todas elas eram ilhas separadas, independentes e isoladas de desenvolvimento organizado. Em meados do século XVIII, surgiu uma praça que desempenhou um papel importante na formação do conjunto do centro parisiense - a atual Place de la Concorde. Deve o seu aparecimento a toda uma equipa de arquitectos franceses, mas o seu principal criador foi Jacques Ange Gabriel.

Em 1748, por iniciativa dos mercadores da capital, foi apresentada a ideia de erguer um monumento a Luís XV. A Academia anunciou um concurso para a criação de uma praça para este monumento. Como podem ver, o início foi totalmente tradicional, no espírito do século XVII - o espaço era destinado a uma estátua do monarca.

No primeiro concurso nenhum dos projetos foi selecionado, mas a localização da praça foi finalmente definida. Após um segundo concurso, realizado em 1753 apenas entre membros da Academia, o projecto e a construção foram confiados a Gabriel, para que este tivesse em conta outras propostas.

O local escolhido para a praça foi um vasto terreno baldio às margens do Sena, na então periferia de Paris, entre o jardim do Palácio das Tulherias e o início da estrada que conduz a Versalhes. Gabriel tirou proveito extraordinariamente frutífero e promissor desta localização aberta e costeira. Sua área tornou-se o eixo do desenvolvimento de Paris. Isso foi possível graças à sua orientação versátil. Por um lado, a praça é pensada como o limiar dos complexos palacianos das Tulherias e do Louvre: não é sem razão que três raios imaginados por Gabriel conduzem até ela vindos de fora da cidade - as vielas dos Campos Elísios, cuja intersecção mental está localizada nos portões de entrada do Parque das Tulherias. O monumento equestre de Luís XV está orientado na mesma direção - voltado para o palácio. Ao mesmo tempo, apenas um lado da praça é acentuado arquitetonicamente - paralelo ao Sena. Aqui está prevista a construção de dois majestosos edifícios administrativos, e entre eles está sendo projetada a Royal Street, cujo eixo é perpendicular ao eixo Champs-Elysees - Tuileries. No final dela, muito em breve começa a ser construída a Igreja da Madeleine do arquitecto Contan d'Ivry, fechando a perspectiva com o seu pórtico e cúpula. Nas laterais dos seus edifícios, Gabriel desenha mais duas ruas, paralelas à Royal. Isto dá outra direção possível de movimento, conectando a praça com outros bairros em crescimento da cidade.

Gabriel resolve os limites do quadrado de uma forma muito espirituosa e completamente nova. Ao construir apenas uma das suas faces norte, propondo o princípio do livre desenvolvimento do espaço, a sua ligação com o ambiente natural, procura ao mesmo tempo evitar a impressão da sua amorfa e da sua incerteza. Nos quatro lados ele projeta valas rasas e secas, cobertas de gramados verdes, margeadas por balaustradas de pedra. As lacunas entre eles dão uma ênfase adicional clara aos raios dos Champs Elysees e ao eixo da Royal Street.

Jacques Ange Gabriel. Desenvolvimento do lado norte da Place de la Concorde (antiga Place Louis XV) em Paris. 1753-1765

A aparência dos dois edifícios que fecham o lado norte da Place de la Concorde expressa claramente os traços característicos da obra de Gabriel: uma harmonia clara e calma do todo e dos detalhes, a lógica das formas arquitetônicas facilmente percebidas pelo olho. A camada inferior do edifício é mais pesada e maciça, o que é realçado pela grande rusticação da parede; carrega dois outros níveis unidos por colunas coríntias, motivo que remonta à clássica fachada oriental do Louvre.

Mas o principal mérito de Gabriel reside não tanto no desenho magistral das fachadas, com as suas esbeltas colunas estriadas elevando-se acima das poderosas arcadas do piso inferior, mas no conjunto sonoro específico destes edifícios. Ambos os edifícios são impensáveis ​​​​um sem o outro, e sem o espaço da praça, e sem uma estrutura situada a uma distância considerável - sem a Igreja da Madeleine. É para isso que se orientam ambos os edifícios da Place de la Concorde - não é por acaso que cada um deles não tem um centro acentuado e é, por assim dizer, apenas uma das alas do todo. Assim, nestes edifícios, projectados em 1753 e começados a ser construídos em 1757-1758, Gabriel delineou os princípios das soluções volumétrico-espaciais que se desenvolveriam no período do classicismo maduro.

Gabriel. Petit Trianon em Versalhes. Plano.

Jacques Ange Gabriel. Petit Trianon em Versalhes. 1762-1768

A pérola da arquitetura francesa do século XVIII é o Petit Trianon, criado por Gabriel em Versalhes em 1762-1768. O tema tradicional de um castelo rural é resolvido aqui de uma forma completamente nova. O pequeno edifício, de planta quadrada, enfrenta o espaço com todas as quatro fachadas. Aqui não há destaque predominante para as duas fachadas principais, até recentemente tão características de palácios e quintas. Cada uma das partes tem um significado independente, que se expressa nas suas diferentes decisões. E, ao mesmo tempo, essa diferença não é fundamental - são, por assim dizer, variações do mesmo tema. Revestimento de fachada espaço aberto O parterre, percebido da maior distância, é interpretado de forma mais plástica. Quatro colunas anexas que ligam os dois pisos formam uma espécie de pórtico ligeiramente saliente. Motivo semelhante, porém de forma modificada - as colunas são substituídas por pilastras - soa em dois lados adjacentes, mas cada vez de forma diferente, pois devido à diferença de níveis, num caso o edifício tem dois pisos, no outro - três . A quarta fachada, voltada para os matagais do parque paisagístico, é totalmente simples - a parede é dissecada apenas por janelas retangulares de diferentes tamanhos em cada uma das três camadas. Assim, com poucos recursos, Gabriel alcança incrível riqueza e riqueza de impressões. A beleza deriva da harmonia das formas simples e facilmente percebidas, da clareza das relações proporcionais.

O layout interior também foi projetado com grande simplicidade e clareza. O palácio é composto por um conjunto de pequenas salas rectangulares, cuja decoração decorativa, baseada na utilização de linhas rectas, cores claras e frias e na parcimónia dos materiais plásticos, corresponde à contenção elegante e à graça nobre do aspecto exterior.

A obra de Gabriel foi um elo de transição entre a arquitetura da primeira e da segunda metade do século XVIII.

Em edifícios das décadas de 1760-1780. A geração mais jovem de arquitetos já forma uma nova etapa do classicismo. Caracteriza-se por uma viragem decisiva para a antiguidade, que se tornou não só uma inspiração para os artistas, mas também um tesouro das formas que utilizaram. As exigências de razoabilidade de uma obra arquitetônica vão até a rejeição de enfeites decorativos. É apresentado o princípio do utilitarismo, que está ligado ao princípio da naturalidade do edifício, de que são exemplos os edifícios antigos, tão naturais como utilitários, cujas formas são ditadas por uma necessidade razoável. A coluna, o entablamento e o frontão, que se tornaram o principal meio de expressão da imagem arquitetônica, voltam ao seu significado construtivo e funcional. Conseqüentemente, a escala das divisões de pedidos é ampliada. A construção do parque é caracterizada pelo mesmo desejo de naturalidade. Associado a isto está o abandono do parque regular, “artificial” e o florescimento do jardim paisagístico.

Soufflo. Panteão em Paris. Plano.

Jacques Germain Soufflot. Panteão (antiga Igreja de Santa Genevieve) em Paris. Iniciado em 1755. Vista geral.

Um fenómeno característico da arquitectura destas décadas pré-revolucionárias foi o predomínio na construção de edifícios públicos. É nos edifícios públicos que os princípios da nova arquitectura são mais claramente expressos. E é muito significativo que uma das obras arquitetônicas mais marcantes desse período - o Panteão - logo tenha passado de um edifício de significado religioso a um monumento público. A sua construção foi idealizada por Luís XV como a igreja da padroeira de Paris - São Pedro. Genevieve, o lugar onde suas relíquias são guardadas. O desenvolvimento do projeto foi confiado em 1755 a Jacques Germain Soufflot (1713-1780), que regressara recentemente de uma viagem à Itália. O arquiteto entendeu sua tarefa de forma muito mais ampla do que seu cliente. Apresentou um plano que, além da igreja, incluía uma vasta área com dois edifícios públicos - as faculdades de direito e de teologia. Nos seus trabalhos posteriores, Souflot teve que abandonar este plano e limitar a sua tarefa à construção de uma igreja, cujo aspecto geral atesta, no entanto, que o arquitecto a concebeu como um edifício de grande significado social. O edifício, de planta cruciforme, é coroado por uma grandiosa cúpula sobre um tambor rodeado de colunas. Fachada principal enfatizado por um poderoso pórtico profundo de seis colunas com frontão. Todas as outras partes da parede ficam completamente vazias, sem aberturas. A lógica clara das formas arquitetônicas é claramente percebida à primeira vista. Nada de místico ou irracional - tudo é razoável, estrito e simples. A mesma clareza e estrita consistência são características do desenho espacial do interior do templo. O racionalismo da imagem artística, expresso de forma tão solene e monumental, revelou-se extremamente próximo da visão de mundo dos anos revolucionários, e a igreja recém-concluída foi transformada em 1791 num monumento ao grande povo da França.

Dos edifícios públicos construídos em Paris nas décadas pré-revolucionárias, destaca-se a Escola Cirúrgica de Jacques Gondoin (1737-1818). O projecto, no qual começou a trabalhar em 1769, distinguiu-se pela grande amplitude de conceito, que é geralmente um traço característico da arquitectura destes anos. Junto com este edifício, Gondoin planejou reconstruir todo o bairro. E embora o plano de Gondoin não tenha sido totalmente implementado, o próprio edifício da Escola Cirúrgica, concluído em 1786, foi concluído em grande escala. Esta é uma extensa estrutura de dois andares com um grande pátio. O centro do edifício é marcado por um impressionante yurtik. A parte mais interessante do interior é o grande salão semicircular do teatro anatômico com bancos elevados em estilo anfiteatro e abóbada tampada - uma combinação peculiar de metade do Panteão Romano com o Coliseu.

O teatro tornou-se um novo tipo de edifício público difundido durante este período. E na capital e em muitas cidades do interior crescem um após o outro edifícios de teatro, concebidos em sua aparência como parte importante do conjunto arquitetônico da cidade Centro Comunitário. Um dos edifícios mais bonitos e significativos deste tipo é o teatro de Bordéus, construído em 1775-1780. arquiteto Victor Louis (1731-1807). Um enorme volume de contornos retangulares é colocado em uma área aberta da praça. Um pórtico de doze colunas adorna uma das laterais estreitas do edifício do teatro, conferindo uma presença solene à fachada da entrada principal. O entablamento do pórtico contém estátuas de musas e deusas, definindo a finalidade do edifício. A escadaria principal do teatro, inicialmente de lance único, depois dividida em dois braços que conduziam em direções opostas, serviu de modelo para muitos edifícios posteriores do teatro francês. A arquitectura simples, clara e solene do teatro de Bordéus, a clara solução funcional do seu espaço interno fazem deste edifício um dos monumentos mais valiosos do classicismo francês.

Nos anos em análise, iniciou-se a actividade de vários arquitectos, cuja obra no seu conjunto já pertence ao período seguinte da arquitectura francesa, inspirada nas ideias da revolução. Em alguns projetos e edifícios já estão delineadas aquelas técnicas e formas que se tornarão traços característicos do novo

Realismo, simbolismo. A apresentação apresentará o trabalho dos artistas franceses Courbet, Daumier e Millet.

Realismo na pintura francesa

O estilo do classicismo, que reinou na arte do Iluminismo, já foi suplantado no final do século XVIII por um novo estilo, que foi consequência das convulsões causadas pela revolução burguesa na França e da decepção com seus resultados. Esse estilo se tornou romantismo. Dediquei vários posts à arte do romantismo. Hoje falaremos sobre realismo, que começou a tomar forma nas profundezas da arte romântica. O crítico literário francês Jules François Chanfleury, que primeiro usou o termo “realismo”, contrastou-o com simbolismo e romantismo. Mas o movimento artístico realista não se tornou um antagonista absoluto do romantismo, mas foi a sua continuação.

O realismo francês, que luta por uma reflexão verdadeira da realidade, tornou-se naturalmente associado ao movimento revolucionário e foi chamado de “realismo crítico”. Apelo à modernidade em todas as suas manifestações, reprodução de personagens típicos em circunstâncias típicas baseado na autenticidade real da imagem - o principal requisito do realismo.

“A arte da pintura não pode ser outra coisa senão a representação de objetos visíveis e tangíveis pelo artista... um artista realista deve transmitir a moral, as ideias e a aparência da sua época”
Gustavo Courbet

É improvável que eu pudesse falar sobre a obra e o destino de Gustave Courbet, muitas vezes chamado de fundador realismo na pintura francesa, melhor do que os criadores fizeram filme "Liberdade de Courbet" da série “Meu Pushkinsky”

Na sua apresentação "Realismo na pintura francesa" Também tentei apresentar o trabalho de maravilhosos artistas franceses François Millet E Honoré Daumier. Para quem se interessa pelo assunto, recomendo dar uma olhada no site Gallerix.ru

Como sempre, pequeno lista de livros, onde você pode ler sobre o realismo francês e os artistas realistas franceses:

• Enciclopédia para crianças. T.7. Arte. Parte dois. – M.: Avanta+, 2000.
• Beckett V. História da pintura. – M.: Astrel Publishing House LLC: AST Publishing House LLC, 2003.
• Dmitrieva N.A. História curta artes Edição III: Países da Europa Ocidental no século XIX; Rússia XIX século. – M.: Arte, 1992
• Emokhonova L.G. Cultura artística mundial: livro didático. Um manual para estudantes. média. ped. livro didático estabelecimentos. – M.: Centro Editorial “Academia”, 1998.
• Lvova E.P., Sarabyanov D.V., Borisova E.A., Fomina N.N., Berezin V.V., Kabkova E.P., Nekrasova L.M. Arte Mundial. Século XIX. Artes plásticas, música, teatro. – São Petersburgo: Peter, 2007.
• Samin D. K. Cem Grandes Artistas. – M.: Veche, 2004.
• Freeman J. História da Arte. – M.: Editora Astrel, 2003.

Movimento realista na arte e na literatura do século XIX.

No século 19, a sociedade começou a se desenvolver rapidamente. Novas tecnologias estão surgindo, a medicina, a indústria química, a energia, a engenharia mecânica e os transportes estão se desenvolvendo. A população começa a se deslocar gradativamente das antigas aldeias para as cidades, primando pelo conforto e pela vida moderna.
A esfera cultural não pôde deixar de reagir a todas estas mudanças. Afinal, as mudanças na sociedade - tanto econômicas quanto sociais - começaram a criar novos estilos e rumos artísticos. Assim, o romantismo é substituído por uma grande tendência estilística - o realismo. Ao contrário do seu antecessor, este estilo assumiu um reflexo da vida tal como ela é, sem qualquer embelezamento ou distorção. Este desejo não era novo na arte – é encontrado na antiguidade, no folclore medieval e na Era do Iluminismo.
O realismo encontrou sua expressão mais brilhante desde o final do século XVII. A crescente consciência de quem está cansado de viver de acordo com ideais inexistentes dá origem a uma reflexão objetiva - o realismo, que em francês significa “substancial”. Algumas tendências realistas aparecem nas pinturas de Michelangelo Caravaggia e Rembrandt. Mas o realismo tornou-se a estrutura mais holística de pontos de vista sobre a vida apenas no século XIX. Nesse período, atinge a maturidade e expande suas fronteiras para todo o território europeu e, claro, para a Rússia.
O herói do movimento realista é uma pessoa que encarna a razão, buscando julgar as manifestações negativas da vida circundante. As obras literárias exploram as contradições sociais e retratam cada vez mais a vida de pessoas desfavorecidas. Daniel Defoe é considerado o fundador do romance realista europeu. A base de suas obras é o bom começo do homem. Mas pode ser alterado pelas circunstâncias, está exposto a fatores externos.
Na França, o fundador da nova direção foi Frederic Stendhal. Ele literalmente nadou contra a maré. Afinal, na primeira metade do século XIX, o romantismo reinava na arte. O personagem principal era um “herói extraordinário”. E de repente Stendhal tem uma imagem completamente diferente. Na verdade, seus personagens vivem não apenas em Paris, mas nas províncias. O autor provou ao leitor que a descrição da vida cotidiana, das verdadeiras experiências humanas, sem exageros ou embelezamentos, pode ser levada ao nível da arte. G. Flaubert foi ainda mais longe. Já revela o caráter psicológico do herói. Isso exigia uma descrição absolutamente precisa dos mínimos detalhes, uma exibição do lado externo da vida para transmitir sua essência com mais detalhes. Seu seguidor nessa direção foi Guy de Maupassant.
As origens do desenvolvimento do realismo na arte do século 19 na Rússia foram autores como Ivan Krylov, Alexander Griboyedov, Alexander Pushkin. Os primeiros elementos mais marcantes de realismo apareceram já em 1809 na coleção de fábulas de estreia de I.A. Krylov. O principal cerne de todas as suas fábulas é um fato concreto. A partir dela se forma o caráter, nasce esta ou aquela situação comportamental, que é agravada pelo uso de ideias estabelecidas sobre o caráter dos personagens animais. Graças ao gênero escolhido, Krylov mostrou vivas contradições na vida moderna - confrontos entre fortes e fracos, ricos e pobres, ridicularizando funcionários e nobres.
Em Griboyedov, o realismo se manifesta no uso de personagens típicos que se encontram em circunstâncias típicas - princípio fundamental dessa direção. Graças a esta técnica, sua comédia “Woe from Wit” ainda é relevante hoje. Os personagens que ele utilizou em suas obras sempre podem ser encontrados.
O realista Pushkin apresenta um conceito artístico ligeiramente diferente. Seus personagens procuram padrões de vida, apoiando-se em teorias iluministas e valores humanos universais. História e religião desempenham um papel importante em suas obras. Isso aproxima suas obras das pessoas e de seu caráter. Uma nacionalidade ainda mais aguda e profunda manifestou-se nas obras de Lermontov e Gogol, e mais tarde nas obras de representantes da “escola natural”.
Se falamos de pintura, o lema principal dos artistas realistas do século XIX era uma representação objetiva da realidade. Assim, artistas franceses, em meados da década de 30 do século XIX, liderados por Theodore Rousseau, começaram a pintar paisagens rurais. Descobriu-se que a natureza mais comum, sem enfeites, pode se tornar um material único para a criação. Seja um dia sombrio, um céu escuro antes de uma tempestade, um lavrador cansado - tudo isso é uma espécie de retrato da vida real.
Gustave Courbet, pintor francês da segunda metade do século XIX, despertou a ira nos meios burgueses com suas pinturas. Afinal, ele retratou a vida verdadeira, o que viu ao seu redor. Podem ser cenas de gênero, retratos e naturezas mortas. Suas obras mais famosas incluem “Funeral em Ornans”, “Fogo”, “Veado à beira da água” e as pinturas escandalosas “A Origem do Mundo” e “Adormecidos”.
Na Rússia, o fundador do realismo na arte do século XIX foi P.A. Fedotov (“O Matchmaking do Major”). Recorrendo à sátira em suas obras, denuncia a moral viciosa e simpatiza com os pobres. Seu legado inclui muitas caricaturas e retratos.
Na segunda metade do século XIX, o tema da “vida popular” foi retomado por I.E. Repin. Os seus famosos filmes “Recusa de Confissão” e “Barcaças no Volga” expõem a exploração brutal do povo e o protesto que fermenta entre as massas.
Tendências realistas continuaram a existir no século XX nas obras de escritores e artistas. Mas, sob a influência dos novos tempos, começaram a adquirir outras características mais modernas.

Realismo francês.

Realismo dos anos 30-40

O realismo é um reflexo verdadeiro e objetivo da realidade. O realismo surgiu na França e na Inglaterra em condições de triunfo das ordens burguesas. Os antagonismos sociais e as deficiências do sistema capitalista determinaram a atitude fortemente crítica dos escritores realistas em relação a ele. Eles denunciaram a avareza, a flagrante desigualdade social, o egoísmo e a hipocrisia. Na sua intencionalidade ideológica, torna-se realismo crítico. Junto com as ideias de humanismo e justiça social. Na França, nas décadas de 30 e 40, Opore de Balzac criou suas melhores obras realistas, que escreveu a “Comédia Humana” de 95 volumes; Victor Hugo - “Notre Dame de Paris”, “O Noventa e Terceiro Ano”, “Os Miseráveis”, etc.
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Gustave Flaubert - “Madame Bovary”, “Educação dos Sentidos”, “Salambo” Prosper Merimo - mestre dos contos “Mateo Falcone”, “Colomba”, “Carmen”, autor de peças, crônicas históricas “Crônica dos Tempos” '', etc.
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Nos anos 30 e 40 na Inglaterra. Charles Dickens é um notável satírico e humorista, suas obras “Dombey and Son”, “Hard Times”, “Great Expectations”, que são o auge do realismo. William Makepeace Thackeray no romance “Vanity Fair”, na obra histórica “The History of Henry Esmond” e na coleção de ensaios satíricos “The Book of Snobs” mostrou figurativamente os vícios inerentes à sociedade burguesa. No último terço do século XIX. A literatura dos países escandinavos adquire ressonância global. Estas são, em primeiro lugar, as obras de escritores noruegueses: Henrik Ibsen - os dramas “A Doll’s House” (“Nora”), “Ghosts”, “Enemy of the People” apelaram à emancipação personalidade humana da moralidade burguesa hipócrita. Bjornson dramas “Bankruptcy”, “Beyond Our Strength” e poesia. Knut Hamsun - romances psicológicos “Fome”, “Mistérios”, “Pan”, “Victoria”, que retratam a rebelião do indivíduo contra o ambiente filisteu.

Revolução de 1789ᴦ., época de intensa luta política. Na França, cinco regimes políticos mudam: 1.) período 1795 - 1799 do Diretório, 2.) período 1799 - 1804 do consulado de Napoleão. 3) 1804 - 1814 - período do Império Napoleônico e das guerras 4) 1815 - 1830 - período da restauração 5) 1830 - 1848 período da Monarquia de Julho, 6) revolução de 1848, fortalecimento da burguesia. O realismo na França tomou forma teórica e como palavra. A literatura é dividida em duas etapas: Balzaciana e Flaubertiana. e) 30-ano, realismo significa a reprodução de vários fenômenos naturais. Anos 40, realismo - cenário para a representação da vida moderna, baseada não só na imaginação, mas também na observação direta. Características: 1) análise da vida, 2) afirma-se o princípio da tipificação 3) o princípio da ciclização 4) orientação para a ciência 5) manifestação do psicologismo. O gênero principal é o romance. II) anos 50 Uma viragem no conceito de realismo, que esteve associado à obra pictórica de Courbet, ele e Chanfleury formularam um novo programa. Prosa, sinceridade, objetividade no que se observa.

BERANGE Pierre-Jean- compositor francês. Primeiro obras significativas B. deste tipo são seus panfletos sobre Napoleão I: ''Rei Iveto'', ''Tratado político''. Mas o apogeu da sátira de B. cai na era da restauração. O regresso ao poder dos Bourbons, e com eles dos aristocratas emigrantes, que nada aprenderam e nada esqueceram durante os anos da revolução, evoca em B. uma longa série de canções e panfletos, nos quais todo o sistema social e político de a época encontra uma reflexão satírica brilhante. Eles são continuados por canções de panfletos dirigidas contra Luís Filipe como representante da burguesia financeira no trono. Nessas canções, que o próprio B. chamou de flechas disparadas contra o trono, a igreja, a burocracia, a burguesia, o poeta aparece como uma tribuna política, através da criatividade poética defendendo os interesses do filistinismo operário, que desempenhou um papel revolucionário na Era B., que mais tarde finalmente passou para o proletariado. Estando em oposição a Napoleão durante seu reinado, B. afirma o culto à sua memória durante os Bourbons e Luís Filipe. Nas canções deste ciclo, Napoleão é idealizado como representante do poder revolucionário associado às massas. Os principais motivos deste ciclo: fé no poder das ideias, a liberdade como uma espécie de bem abstrato, e não como resultado real da luta de classes, que é extremamente importante associada à violência (Ideia, Pensamento). Em uma das músicas deste ciclo, B. chama seus professores: Owen, La Fontaine, Fourier. Temos, portanto, diante de nós um seguidor do socialismo utópico pré-marxista. A primeira coleção de poemas priva-o do favor dos superiores da universidade onde então serviu. A segunda coleção sujeita B. a processo, terminando em três meses de prisão, por insultar a moralidade, a Igreja e a autoridade real. A quarta cobrança resultou em uma segunda pena de prisão para o autor, desta vez de 9 meses. Com tudo isso, a participação de B. na vida política no sentido próprio da palavra (se não nos preocuparmos com o efeito revolucionário das canções) resultou em formas bastante moderadas, por exemplo.
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na forma de apoio aos liberais na revolução de 1830. Nos últimos anos, B. retirou-se da vida pública, estabelecendo-se perto de Paris, passou no seu trabalho dos motivos políticos para os sociais, desenvolvendo-os no espírito do populismo ("Red Jeanne" , "Vagabundo", "Jacques", etc.) .

BALZAC, ONORE(Balzac, Honoré de) (1799–1850), escritor francês que recriou um quadro completo da vida social de sua época. Uma tentativa de fazer fortuna no ramo editorial e gráfico (1826-1828) envolveu Balzac em grandes dívidas. Voltando-se novamente à escrita, ele publicou um romance em 1829 O Último Shuang. Este foi o primeiro livro publicado em seu próprio nome, junto com um guia humorístico para maridos Fisiologia do casamento 1829), ela atraiu a atenção do público para o novo autor. Começou então a principal obra de sua vida: em 1830 o primeiro Cenas da vida privada, uma obra-prima indiscutível Casa de um gato jogando bola, em 1831 o primeiro Romances e histórias filosóficas. Por vários anos Balzac trabalhou meio período como jornalista freelancer mas de 1830 a 1848 seus principais esforços foram dedicados a uma extensa série de romances e contos mundo conhecido Como Comédia humana. Em 1834, Balzac teve a ideia de conectar as obras escritas desde 1829 e futuras com personagens comuns e combiná-las em um épico, mais tarde denominado “Comédia Humana”. Incorporando a ideia de interdependência universal no mundo, Balzac concebeu um estudo artístico abrangente da sociedade e do homem francês. A estrutura filosófica deste edifício artístico é o materialismo do século XVIII, as teorias das ciências naturais contemporâneas a Balzac e elementos peculiarmente fundidos. ensinamentos místicos. A Comédia Humana tem três seções. I. Esboços de costumes: 1) cenas da vida privada; 2) cenas da vida provinciana; 3) cenas da vida parisiense; 4) cenas da vida política; 5) cenas da vida militar; 6) cenas da vida rural. II. Estudos filosóficos. III. Estudos analíticos. Estes são, por assim dizer, três círculos de uma espiral que ascende dos fatos às causas e fundamentos (ver Prefácio de The Human Comedy, Collected.
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soch., vol. 1, M., 1960). A “Comédia Humana” incluiu 90 obras. Balzac b. foi o primeiro grande escritor a prestar muita atenção ao contexto material e à “aparência” de seus personagens; antes dele, ninguém havia retratado a ganância e o carreirismo implacável como as principais motivações da vida. Gobsek 1830), em Uma obra-prima desconhecida (1831), Eugênia Grande, Cartas para um estranho sobre o amor pela condessa polonesa.

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Nas décadas de 1830-1840, especialmente nas obras de Balzac, surgiram traços característicos do realismo. Os realistas vêem a sua principal tarefa na reprodução artística da realidade, no conhecimento das leis que determinam a sua dialética e diversidade de forma.

“A própria sociedade francesa deveria ser a historiadora; eu só poderia ser seu secretário”, apontou Balzac no prefácio de “A Comédia Humana”, proclamando o princípio da objetividade na abordagem de representação da realidade como o princípio mais importante do realismo. arte. Junto com isso, o grande romancista observa: “A tarefa da arte não é copiar a natureza, mas expressá-la!” Na verdade, como arte que dá uma imagem multidimensional da realidade; o realismo está longe de se limitar à descrição moral e à vida cotidiana, suas tarefas incluem também um estudo analítico das leis objetivas da vida - históricas, sociais, éticas, psicológicas, bem como uma avaliação crítica; homem moderno e a sociedade, por um lado, e a identificação de um princípio positivo na realidade viva, por outro.

Um dos postulados-chave do realismo - o estabelecimento dos princípios da tipificação realista e a sua compreensão teórica - também está associado principalmente à literatura francesa, à obra de Balzac. Inovador para o primeiro metade do século XIX século e o princípio da ciclização introduzido por Balzac também se tornou significativo para o destino do realismo em geral. “A Comédia Humana” representa a primeira tentativa de criação de uma série de romances e histórias interligadas por uma complexa cadeia de causas e consequências e destinos de personagens, cada vez aparecendo numa nova fase do seu destino e evolução moral e psicológica. A ciclização correspondeu ao desejo do realismo por um estudo artístico abrangente, analítico e sistemático da realidade.

Já na estética de Balzac se revela uma orientação para a ciência, antes de mais nada para a biologia. Esta tendência desenvolve-se ainda mais no trabalho de Flaubert, que procura aplicar os princípios da investigação científica em romance moderno. Assim, a atitude “científica” característica da estética positivista manifesta-se na prática artística dos realistas muito antes de se tornar líder no naturalismo. Mas tanto em Balzac como em Flaubert, o desejo de “cientificidade” é livre, mas da tendência inerente aos naturalistas de absolutizar as leis naturais e o seu papel na vida da sociedade.

O lado forte e positivo do realismo na França é o psicologismo, em que a tradição romântica aparece mais profunda e multifacetada. A gama de motivações causais da psicologia, do caráter e das ações de uma pessoa, que em última análise consiste em seu destino, é significativamente ampliada na literatura do realismo. A ênfase é colocada igualmente no determinismo histórico e social e no princípio pessoal e individual; Graças a isso, consegue-se a maior confiabilidade da análise psicológica.

O principal gênero de realismo na França, como em outros países, é o romance em suas variedades: moral descritivo, sócio-psicológico, psicológico, filosófico, fantasia, aventura, histórico.

Novos temas são refletidos nas obras dos realistas: o desenvolvimento da sociedade moderna, o surgimento de novos tipos e relações, nova moralidade e novas visões estéticas. Esses temas estão incorporados nas obras de Stendhal, Balzac e Merimee. A originalidade nacional do realismo francês refletiu-se no desejo desses escritores de compreender a essência da rica experiência social acumulada pela sociedade francesa durante o período turbulento que começou com a revolução de 1789 e continuou durante a vida dos escritores.

Munidos não só do seu talento, mas também de um profundo conhecimento da realidade, os realistas criaram um panorama gigantesco Vida francesa mostrando-a em movimento. As obras de Stendhal, Balzac, Mérimée e Bérenger indicavam que, no decorrer da história, a nobreza francesa aproximava-se do declínio completo. Os realistas também viram o padrão de surgimento de novos mestres da vida - representantes da burguesia, que marcaram nas imagens de Valno ou Gobsek.

As características do realismo emergente manifestam-se imediatamente de diferentes maneiras nas obras de diferentes escritores. Apesar de os problemas das obras de Balzac e Stendhal serem em muitos aspectos semelhantes, as características individuais de seu método criativo diferem significativamente: Stendhal é, antes de tudo, um mestre do romance psicológico, que se esforça para explorar profundamente o mundo interior de pessoas individuais. Balzac cria uma enorme tela da realidade francesa, um mundo inteiro povoado por muitas figuras.

Tanto Stendhal quanto Balzac são caracterizados pelo historicismo. A ideia que permeia as suas obras é que a sociedade está em constante mudança e procuram as razões desta evolução. O historicismo também é inerente a Merimee. Para ele, a vida em sociedade é uma mudança constante no equilíbrio das forças sociais que afeta o caráter humano. Em várias de suas obras, Merimee mostra seus contemporâneos, mutilados e corrompidos pela sociedade burguesa (“Double Fault”, “Etruscan Vase”, etc.).

Todas as características acima do realismo francês apareceram já nas décadas de 1830 e 40, principalmente nas obras de Balzac e Stendhal. No entanto, a novidade fundamental do realismo como método artístico permanece pouco compreendida pelos escritores e críticos da época. Os discursos teóricos de Stendhal (incluindo “Racine e Shakespeare”, “Walter Scott e “A Princesa de Cleves””) estão inteiramente alinhados com a luta pelo romantismo. Embora Balzac sinta a novidade fundamental do método da “Comédia Humana”, ele não lhe dá nenhuma definição específica. Nas suas obras críticas, separa-se de Stendhal e Mérimée, reconhecendo ao mesmo tempo a proximidade que o liga a estes escritores. No “Etude on Bayle” (1840), Balzac tenta classificar os fenômenos da literatura contemporânea, mas ao mesmo tempo classifica a si mesmo (o “eclético”) e Stendhal (a “literatura das ideias”) como movimentos diferentes. Balzac considerou a “escola de ideias” caracterizada por um princípio analítico que visa revelar os complexos conflitos do mundo interior. Por “escola eclética” ele quis dizer a arte que busca uma ampla cobertura épica da realidade e generalizações sociais contidas em uma variedade de tipos criados por artistas com base em observações da vida. Mesmo um crítico autoritário do século XIX como Sainte-Beuve, no artigo “Dez anos depois na literatura” (1840), dispensa o termo “realismo”, e em “A Comédia Humana” vê apenas uma manifestação de excessivo e condenável veracidade, comparando seu autor a “um médico que divulga imodestamente as vergonhosas doenças de seus pacientes”. O crítico interpreta as obras de Stendhal de forma igualmente superficial. E só com o aparecimento de “Madame Bovary” (1857) de Flaubert, Sainte-Beuve declara: “...pareço captar os sinais de uma nova literatura, características aparentemente distintivas dos representantes das novas gerações” (“Madame Bovary” de Gustave Flaubert” (1857)).

Tudo isso indica que a formação de um conceito teórico de um novo método artístico na primeira fase de sua evolução está significativamente aquém da prática. Em geral, a primeira fase do realismo francês representa a criação de um novo método, cuja fundamentação teórica começará um pouco mais tarde.

O crescimento da tendência crítica na literatura francesa seguiu uma linha ascendente, intensificando-se à medida que se revelava a essência antipopular da monarquia burguesa de Luís Filipe. Como prova disso, na segunda metade da década de 30 surgiram as “Ilusões Perdidas” de Balzac, dedicado ao tema decepção com a realidade burguesa.

Na França, a estética realista recebeu uma formulação teórica mais pronunciada do que em outros países, e a própria palavra “realismo” foi usada pela primeira vez como um termo que expressa um conjunto de princípios artísticos, cujos proponentes criaram algo como uma escola.

Como observado anteriormente, o termo “realismo” começa a aparecer nas páginas das revistas francesas já na década de 1820, mas somente na década de 1840 esta palavra é libertada do seu significado avaliativo negativo. Mudanças profundas na atitude em relação ao conceito de “realismo” ocorrerão um pouco mais tarde, em meados dos anos 50, e estarão associadas às atividades de J. Chanfleury e L. E. Duranty e pessoas com ideias semelhantes.

Deve-se notar que o caminho dos primeiros realistas franceses estava longe de ser tranquilo. A sociedade burguesa envenenou e perseguiu aqueles que escreveram a verdade sobre ela. As biografias de Bérenger, Stendhal e Balzac são ricas em factos que testemunham a forma inteligente como os círculos dominantes burgueses usaram uma variedade de meios para se livrarem dos escritores de que não gostavam. Beranger foi levado a julgamento por suas obras. Stendhal foi quase desconhecido durante sua vida. Balzac, amplamente conhecido no exterior, morreu sem receber o devido reconhecimento na França. A carreira de Merimee foi bastante bem-sucedida, mas ele também foi apreciado como escritor somente após sua morte.

As décadas de 1830 e 40 representaram um período importante na história da França e de sua literatura. Ao final desse período, ou seja, às vésperas da revolução de 1848, já estava claro que o que havia de mais significativo, de mais novo na rica experiência literária dos anos 30 e 40 estava associado ao movimento realista, cujos representantes foram capazes de criar as imagens mais vívidas e verdadeiras da vida francesa entre as duas revoluções, para estabelecer uma base sólida para o desenvolvimento da literatura nacional francesa.

A escola de arte francesa da virada dos séculos XVII e XVIII pode ser considerada a principal escola europeia; foi na França daquela época que se originaram estilos de arte como Rococó, Romantismo, Classicismo, Realismo, Impressionismo e Pós-Impressionismo.

Rococó (Rococó francês, de rocaille - motivo decorativo em forma de concha) - estilo da arte europeia da 1ª metade do século XVIII. O Rococó é caracterizado pelo hedonismo, um retiro no mundo da peça teatral idílica e uma predileção por temas pastorais e sensual-eróticos. O caráter da decoração rococó adquiriu formas enfaticamente elegantes e sofisticadas.

François Boucher, Antoine Watteau e Jean Honoré Fragonard trabalharam no estilo Rococó.

Classicismo - um estilo de arte europeia do século XVII - início do século XIX, cujo traço característico era o apelo às formas da arte antiga como padrão estético e ético ideal.

Jean Baptiste Greuze, Nicolas Poussin, Jean Baptiste Chardin, Jean Dominique Ingres e Jacques-Louis David trabalharam no estilo do classicismo.

Romantismo - um estilo de arte europeia dos séculos XVIII-XIX, cujos traços característicos eram a afirmação do valor intrínseco da vida espiritual e criativa do indivíduo, a representação de paixões e personagens fortes e muitas vezes rebeldes.

Francisco de Goya, Eugene Delacroix, Theodore Gericault e William Blake trabalharam no estilo do romantismo.

Eduardo Manet. Café da manhã na oficina. 1868

Realismo - um estilo de arte cuja tarefa é capturar a realidade da forma mais precisa e objetiva possível. Estilisticamente, o realismo tem muitas faces e muitas opções. Vários aspectos do realismo na pintura são o ilusionismo barroco de Caravaggio e Velázquez, o impressionismo de Manet e Degas e as obras de Nynen de Van Gogh.

O nascimento do realismo na pintura está mais frequentemente associado à obra do artista francês Gustave Courbet, que abriu a sua exposição pessoal “Pavilhão do Realismo” em Paris em 1855, embora ainda antes dele, artistas da escola de Barbizon Theodore Rousseau, Jean- François Millet e Jules Breton trabalharam de forma realista. Na década de 1870. o realismo foi dividido em duas direções principais - naturalismo e impressionismo.

A pintura realista tornou-se difundida em todo o mundo. Os Itinerantes trabalharam no estilo do realismo com forte orientação social na Rússia do século XIX.

Impressionismo (da impressão francesa - impressão) - um estilo de arte do último terço do século XIX - início do século XX, cujo traço característico era o desejo de captar da forma mais natural o mundo real na sua mobilidade e variabilidade, de transmitir o seu fugaz impressões. O impressionismo não levantou questões filosóficas, mas focou na fluidez do momento, no clima e na iluminação. Os temas dos impressionistas tornam-se a própria vida, como uma série de pequenas férias, festas, agradáveis ​​piqueniques na natureza num ambiente amigável. Os impressionistas foram dos primeiros a pintar ao ar livre, sem terminar o trabalho no ateliê.

Edgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Georges Seurat, Alfred Sisley e outros trabalharam no estilo do impressionismo.

Pós-Impressionismo é um estilo de arte que surgiu no final do século XIX. Os pós-impressionistas procuraram transmitir livre e genericamente a materialidade do mundo, recorrendo à estilização decorativa.

O pós-impressionismo deu origem a movimentos artísticos como o expressionismo, o simbolismo e o modernismo.

Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cezanne e Toulouse-Lautrec trabalharam no estilo pós-impressionista.

Vamos dar uma olhada mais de perto no impressionismo e no pós-impressionismo usando o exemplo do trabalho de mestres individuais da França no século XIX.

Edgar Degas. Auto-retrato. 1854-1855

Edgar Degas (vida 1834-1917) - Pintor, artista gráfico e escultor francês.

Começando com pinturas históricas e retratos de composição rígida, na década de 1870 Degas aproximou-se dos representantes do impressionismo e passou a retratar a vida urbana moderna - ruas, cafés, apresentações teatrais.

Nas pinturas de Degas, uma composição dinâmica, muitas vezes assimétrica, um desenho preciso e flexível, ângulos inesperados e uma interação ativa entre figura e espaço são cuidadosamente pensadas e verificadas.

E. Degas. Banheiro. 1885

Em muitas obras, Edgar Degas mostra o comportamento e a aparência característicos das pessoas, gerados pelas peculiaridades de sua vida, revela o mecanismo do gesto profissional, da postura, do movimento humano e de sua beleza plástica. A arte de Degas é caracterizada por uma combinação do belo e do prosaico; o artista, como observador sóbrio e sutil, capta simultaneamente o tedioso trabalho cotidiano escondido por trás do elegante espetáculo.

A técnica preferida do pastel permitiu a Edgar Degas demonstrar plenamente seu talento como desenhista. Tons ricos e pinceladas “brilhantes” de pastel ajudaram o artista a criar aquela atmosfera colorida especial, aquela leveza iridescente que tanto distingue todas as suas obras.

Em sua maturidade, Degas frequentemente voltava-se para o tema do balé. Figuras frágeis e leves de bailarinas aparecem diante do espectador seja no crepúsculo das aulas de dança, seja no centro das atenções do palco, ou em curtos minutos de descanso. A aparente aleatoriedade da composição e a posição imparcial do autor criam a impressão de espionar a vida alheia; o artista nos mostra um mundo de graça e beleza, sem cair no sentimentalismo excessivo;

Edgar Degas pode ser chamado de colorista sutil; seus pastéis são surpreendentemente harmoniosos, às vezes suaves e leves, às vezes construídos em contrastes de cores nítidos. O estilo de Degas se destacou por sua incrível liberdade; ele aplicava pastéis com pinceladas ousadas e quebradas, às vezes deixando o tom do papel transparecendo no pastel ou acrescentando pinceladas a óleo ou aquarela. A cor nas pinturas de Degas surge de um brilho iridescente, de um fluxo fluido de linhas de arco-íris que dão origem à forma.

As obras tardias de Degas distinguem-se pela intensidade e riqueza de cores, que são complementadas pelos efeitos da iluminação artificial, das formas ampliadas, quase planas, e do espaço exíguo, conferindo-lhes um carácter intensamente dramático. Naquilo

período Degas escreveu um de seus melhores trabalhos- “Dançarinos Azuis”. O artista trabalha aqui com grandes manchas de cor, dando importância primordial à organização decorativa da superfície da pintura. Pela beleza da harmonia das cores e do desenho composicional, a pintura “Dançarinos Azuis” pode ser considerada a melhor encarnação do tema do balé de Degas, que alcançou nesta pintura a máxima riqueza de texturas e combinações de cores.

P. O. Renoir. Auto-retrato. 1875

Pierre Auguste Renoir (vida 1841-1919) - Pintor, artista gráfico e escultor francês, um dos principais representantes do impressionismo. Renoir é conhecido principalmente como um mestre do retrato secular, não desprovido de sentimentalismo. Em meados da década de 1880. na verdade, rompeu com o impressionismo, retornando à linearidade do classicismo durante o período de criatividade de Ingres. Colorista notável, Renoir muitas vezes consegue a impressão de pintura monocromática com a ajuda de combinações sutis de valores, semelhantes em tons de cores.

P. O. Piscina infantil. 1869

Como a maioria dos impressionistas, Renoir escolhe episódios fugazes da vida como temas de suas pinturas, dando preferência às cenas festivas da cidade - bailes, danças, passeios (“Ponte Nova”, “Splash Pool”, “Moulin da la Galette” e outros). Nessas telas não veremos preto nem marrom escuro. Apenas uma gama de cores claras e brilhantes que se fundem quando se olha as pinturas de uma certa distância. As figuras humanas nestas pinturas são pintadas com a mesma técnica impressionista da paisagem ao seu redor, com a qual muitas vezes se fundem.

P. O. Renoir. Retrato da atriz Zhanna Samari. 1877

Um lugar especial na obra de Renoir é ocupado por imagens femininas poéticas e encantadoras: internamente diferentes, mas externamente ligeiramente semelhantes entre si, parecem marcadas pela marca comum da época. Renoir pintou três retratos diferentes da atriz Jeanne Samary. Uma delas mostra a atriz com um elegante vestido azul esverdeado sobre fundo rosa. Neste retrato, Renoir conseguiu enfatizar as melhores características de sua modelo: beleza, mente viva, olhar aberto, sorriso radiante. O estilo de trabalho do artista é muito livre, em alguns lugares ao descuido, mas isso cria uma atmosfera de extraordinário frescor, clareza espiritual e serenidade. Na representação dos nus, Renoir atinge a rara sofisticação dos cravos (pintura na cor dos). pele humana), construído sobre uma combinação de tons de pele quentes com reflexos esverdeados claros e azuis acinzentados, conferindo uma superfície lisa e fosca à tela. Na pintura “Nu à luz do sol”, Renoir usa principalmente cores primárias e secundárias, excluindo completamente o preto. Os pontos coloridos obtidos com pequenos traços coloridos proporcionam um efeito de fusão característico à medida que o observador se afasta da imagem.

Ressalte-se que a utilização dos tons verde, amarelo, ocre, rosa e vermelho para retratar a pele chocou o público da época, despreparado para perceber o fato de que as sombras deveriam ser coloridas, repletas de luz.

Na década de 1880, teve início o chamado “período Ingres” na obra de Renoir. A obra mais famosa deste período é “Os Grandes Banhistas”. Para construir uma composição, Renoir começou a usar esboços e esboços pela primeira vez, as linhas do desenho tornaram-se claras e definidas, as cores perderam o brilho e a saturação anteriores, a pintura como um todo começou a parecer mais contida e fria.

No início da década de 1890, novas mudanças ocorreram na arte de Renoir. De forma pictórica surge uma iridescência da cor, razão pela qual este período às vezes é chamado de “pérola”, depois este período dá lugar ao “vermelho”, assim chamado pela preferência por tons de cores avermelhadas e rosa.

Eugène Henri Paul Gauguin (vida 1848-1903) - Pintor, escultor e artista gráfico francês. Junto com Cézanne e Van Gogh, foi o maior representante do pós-impressionismo. Começou a pintar na idade adulta; seu período inicial de criatividade está associado ao impressionismo. As melhores obras de Gauguin foram escritas nas ilhas do Taiti e Hiva Oa, na Oceania, onde Gauguin deixou a “civilização viciosa”. Os traços característicos do estilo de Gauguin incluem a criação em grandes telas planas de composições de cores estáticas e contrastantes, profundamente emocionais e ao mesmo tempo decorativas.

Na pintura “Cristo Amarelo”, Gauguin retratou a crucificação tendo como pano de fundo uma típica paisagem rural francesa, o Jesus sofredor está rodeado por três camponesas bretãs. A paz no ar, as poses calmas e submissas das mulheres, a paisagem saturada de amarelo ensolarado com árvores com folhagem vermelha de outono, o camponês ocupado com seus negócios ao longe, não podem deixar de entrar em conflito com o que está acontecendo na cruz. O ambiente contrasta fortemente com Jesus, cujo rosto mostra aquela fase de sofrimento que beira a apatia, a indiferença a tudo o que o rodeia. A contradição entre os tormentos sem limites aceitos por Cristo e a natureza “despercebida” deste sacrifício pelas pessoas - esta é tópico principal este trabalho de Gauguin.

P. Gauguin. Você é ciumento? 1892

Pintura “Oh, você está com ciúmes?” pertence ao período polinésio da obra do artista. A pintura é baseada em uma cena da vida, observada pelo artista:

na praia, duas irmãs - acabaram de nadar e agora seus corpos estão estendidos na areia em poses voluptuosas casuais - falando de amor, uma lembrança causa discórdia: “Como? Você é ciumento!".

Ao pintar a beleza exuberante da natureza tropical, pessoas naturais intocadas pela civilização, Gauguin retratou um sonho utópico de um paraíso terrestre, de uma vida humana em harmonia com a natureza. As pinturas polinésias de Gauguin lembram painéis em sua cor decorativa, planicidade e monumentalidade de composição e generalidade do design estilizado.

P. Gauguin. De onde viemos? Quem somos nós? Onde estamos indo? 1897-1898

A pintura “De onde viemos? Quem somos nós? Onde estamos indo?" Gauguin considerou-o o culminar sublime das suas reflexões. Segundo o plano do artista, a pintura deveria ser lida da direita para a esquerda: três grupos principais de figuras ilustram as questões colocadas no título. O grupo de mulheres com filho do lado direito da imagem representa o início da vida; o grupo do meio simboliza a existência diária de maturidade; no grupo da extrema esquerda, Gauguin retratou a velhice humana, aproximando-se da morte; o ídolo azul ao fundo simboliza o outro mundo. Esta pintura é o auge do estilo pós-impressionista inovador de Gauguin; seu estilo combinava o uso claro de cores, cor e composição decorativa, planicidade e monumentalidade da imagem com expressividade emocional.

A obra de Gauguin antecipou muitas características do estilo Art Nouveau que surgia neste período e influenciou a formação dos mestres do grupo “Nabi” e de outros pintores do início do século XX.

V.Van Gogh. Auto-retrato. 1889

Vicente Van Gogh (vida 1853-1890) - Artista pós-impressionista francês e holandês, começou a pintar, como Paul Gauguin, já na idade adulta, na década de 1880. Até então, Van Gogh trabalhou com sucesso como negociante, depois como professor em um internato, e mais tarde estudou em uma escola missionária protestante e trabalhou por seis meses como missionário em um bairro mineiro pobre na Bélgica. No início da década de 1880, Van Gogh voltou-se para a arte, frequentando a Academia de Artes de Bruxelas (1880-1881) e de Antuérpia (1885-1886). No período inicial de seu trabalho, Van Gogh escreveu esboços e pinturas em uma paleta escura e pictórica, escolhendo como temas cenas da vida de mineiros, camponeses e artesãos. As obras de Van Gogh deste período (“Os Comedores de Batata”, “A Velha Torre da Igreja em Nynen”, “Sapatos”) marcam uma percepção dolorosamente aguda do sofrimento humano e sentimentos de depressão, uma atmosfera opressiva de tensão psicológica. Em cartas ao irmão Theo, o artista escreveu o seguinte sobre uma das pinturas desse período, “Os Comedores de Batata”: “Nela, procurei enfatizar que essas pessoas, comendo suas batatas à luz de uma lamparina, cavavam a terra com as mesmas mãos que estendiam ao prato; Assim, a pintura fala de muito trabalho e do fato de os personagens ganharem honestamente sua comida." Em 1886-1888. Van Gogh morou em Paris, visitou o prestigioso estúdio de arte privado do famoso professor P. Cormon em toda a Europa, estudou pintura impressionista, gravura japonesa e obras sintéticas de Paul Gauguin. Nesse período, a paleta de Van Gogh tornou-se clara, o tom terroso da tinta desapareceu, surgiram tons de azul puro, amarelo dourado, vermelho, sua característica pincelada dinâmica e fluida (“Agostina Segatori no Café Tambourine”, “Ponte sobre o Sena ,” "Père Tanguy", "Vista de Paris do apartamento de Theo na Rue Lepic").

Em 1888, Van Gogh mudou-se para Arles, onde a originalidade do seu estilo criativo foi finalmente determinada. O temperamento artístico ardente, um impulso doloroso para a harmonia, a beleza e a felicidade e, ao mesmo tempo, o medo das forças hostis ao homem, são materializados quer em paisagens brilhando com as cores ensolaradas do sul (“A Casa Amarela”, “A Colheita. La Croe Valley”), ou em imagens sinistras que lembram um pesadelo (“Cafe Terrace at Night”); dinâmica de cor e pincelada

V.Van Gogh. Terraço do café noturno. 1888

enche de vida espiritual e movimento não apenas a natureza e as pessoas que a habitam (“Red Vineyards in Arles”), mas também objetos inanimados (“Quarto de Van Gogh em Arles”).

O intenso trabalho de Van Gogh nos últimos anos foi acompanhado por crises de doença mental, que o levaram a um hospital psiquiátrico em Arles, depois a Saint-Rémy (1889-1890) e a Auvers-sur-Oise (1890), onde cometeu suicídio. . Criatividade a dois anos recentes A vida do artista é marcada por uma obsessão extática, expressão extremamente intensificada de combinações de cores, mudanças repentinas de humor - do desespero frenético e visionário sombrio (“Estrada com Ciprestes e Estrelas”) a uma sensação trêmula de iluminação e paz (“Paisagem em Auvers depois a chuva").

V.Van Gogh. Íris. 1889

Durante o período de tratamento na clínica Saint-Rémy, Van Gogh pintou o ciclo de pinturas “Íris”. Sua pintura de flores carece de alta tensão e mostra a influência das estampas japonesas ukiyo-e. Essa semelhança se manifesta no destaque dos contornos dos objetos, nos ângulos inusitados, na presença de áreas detalhadas e áreas preenchidas com uma cor sólida que não corresponde à realidade.

V.Van Gogh. Campo de trigo com corvos. 1890

“Campo de Trigo com Corvos” é uma pintura de Van Gogh, pintada pelo artista em julho de 1890 e é uma de suas obras mais famosas. A pintura foi supostamente concluída em 10 de julho de 1890, 19 dias antes de sua morte em Auvers-sur-Oise. Há uma versão de que Van Gogh cometeu suicídio no processo de pintar esta pintura (saindo ao ar livre com materiais para pintar, ele deu um tiro na região do coração com uma pistola comprada para espantar bandos de pássaros, depois alcançou de forma independente o hospital, onde morreu devido à perda de sangue).