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A música clássica mundial é impensável sem as obras de compositores russos. Rússia, grande país com pessoas talentosas e seus herança cultural, sempre esteve entre as principais locomotivas do progresso e da arte mundial, incluindo a música. A escola russa de composição, cuja tradição foram as escolas soviética e russa de hoje, começou no século XIX com compositores que combinavam a arte musical europeia com melodias folclóricas russas, unindo a forma europeia e o espírito russo.

Muito pode ser dito sobre cada uma dessas pessoas famosas; todas elas têm destinos difíceis e às vezes trágicos, mas nesta revisão tentamos dar apenas uma breve descrição da vida e obra dos compositores.

1.Mikhail Ivanovich GLINKA (1804—1857)

Mikhail Ivanovich Glinka é o fundador da língua russa música clássica e o primeiro compositor clássico russo a alcançar fama mundial. As suas obras, baseadas nas tradições centenárias da música folclórica russa, foram uma palavra nova na arte musical do nosso país.
Nasceu na província de Smolensk e estudou em São Petersburgo. A formação da visão de mundo e da ideia principal do trabalho de Mikhail Glinka foi facilitada pela comunicação direta com personalidades como A.S. Pushkin, V.A. O ímpeto criativo para o seu trabalho foi acrescentado por uma viagem de muitos anos à Europa no início da década de 1830 e encontros com os principais compositores da época - V. Bellini, G. Donizetti, F. Mendelssohn e mais tarde com G. Berlioz, J. Meyerbeer. O sucesso veio para M.I. Glinka após a produção da ópera “Ivan Susanin” (“Life for the Tsar”) (1836), que foi recebida com entusiasmo por todos pela primeira vez na música mundial, na arte coral russa e na sinfônica e ópera europeia; a prática foi combinada organicamente, assim como apareceu um herói semelhante a Susanin, cuja imagem resume Melhores características figura nacional. V.F. Odoevsky caracterizou a ópera " novo elemento em Arte, e um novo período começa em sua história - o período da música russa."
A segunda ópera é o épico “Ruslan e Lyudmila” (1842), obra realizada tendo como pano de fundo a morte de Pushkin e nas difíceis condições de vida do compositor, devido ao caráter profundamente inovador da obra, foi recebida ambiguamente pelo público e pelas autoridades e trouxe experiências difíceis para M.I. Depois disso, viajou muito, morando alternadamente na Rússia e no exterior, sem parar de compor. Seu legado inclui romances, obras sinfônicas e de câmara. Na década de 1990, a "Canção Patriótica" de Mikhail Glinka era o hino oficial da Federação Russa.

Citação de M.I. Glinka: “Para criar beleza, você mesmo deve ser puro de alma.”

Citação sobre M.I. Glinka: “Toda a escola sinfônica russa, como um carvalho inteiro em uma bolota, está contida na fantasia sinfônica “Kamarinskaya”. P. I. Tchaikovsky

Fato interessante: Mikhail Ivanovich Glinka não gozava de boa saúde, apesar disso era muito tranquilo e conhecia muito bem geografia, talvez se não tivesse se tornado compositor, teria se tornado um viajante. Ele conhecia seis línguas estrangeiras, incluindo persa.

2. Alexander Porfirievich BORODIN (1833—1887)

Alexander Porfirievich Borodin, um dos principais compositores russos da segunda metade do século XIX, além do talento como compositor, era químico, médico, professor, crítico e tinha talento literário.
Nascido em São Petersburgo, desde a infância todos ao seu redor notaram sua atividade incomum, paixão e habilidades em vários campos, principalmente na música e na química. AP Borodin é um compositor russo, ele não teve professores músicos profissionais, todas as suas conquistas na música são graças a trabalho independente no domínio das técnicas de composição. A formação de A.P. Borodin foi influenciada pelo trabalho de M.I. Glinka (como de fato todos os compositores russos do século 19), e o ímpeto para o estudo intensivo da composição no início da década de 1860 foi dado por dois eventos - em primeiro lugar, seu conhecimento e casamento com o talentoso pianista E.S. M.A. Balakirev e juntando-se à comunidade criativa de compositores russos, conhecida como “Mighty Handful”. No final das décadas de 1870 e 1880, A.P. Borodin viajou e excursionou pela Europa e pela América, encontrou-se com os principais compositores de sua época, sua fama cresceu, ele se tornou um dos compositores russos mais famosos e populares da Europa no final do século XIX. século.
O lugar central na obra de A.P. Borodin é ocupado pela ópera “Príncipe Igor” (1869-1890), que é um exemplo de épico heróico nacional na música e que ele próprio não teve tempo de concluir (foi completado por seus amigos A.A. Glazunov e N.A. Rimsky-Korsakov). Em "Príncipe Igor", tendo como pano de fundo imagens majestosas de acontecimentos históricos, reflete-se a ideia principal ao longo da obra do compositor - coragem, grandeza serena, nobreza espiritual do melhor povo russo e a força poderosa de todo o povo russo, manifestada na defesa de sua pátria. Apesar de A.P. Borodin ter deixado um número relativamente pequeno de obras, a sua obra é muito diversificada e é considerado um dos pais da música sinfónica russa, que influenciou muitas gerações de compositores russos e estrangeiros.

Citação sobre A.P. Borodin: “O talento de Borodin é igualmente poderoso e surpreendente em sinfonia, ópera e romance. Suas principais qualidades são força e amplitude gigantescas, alcance colossal, rapidez e impetuosidade, combinadas com incrível paixão, ternura e beleza." V.V.

Fato interessante: a reação química dos sais de prata dos ácidos carboxílicos com os halogênios, resultando em hidrocarbonetos halogenados, que ele foi o primeiro a estudar em 1861, leva o nome de Borodin.

3. Modesto Petrovich MUSORGSKY (1839—1881)

O modesto Petrovich Mussorgsky é um dos mais brilhantes compositores russos do século XIX, membro do “Mighty Handful”. O trabalho inovador de Mussorgsky estava muito à frente do seu tempo.
Nasceu na província de Pskov. Como muitas pessoas talentosas, desde criança mostrou habilidades musicais, estudou em São Petersburgo, foi, tradição familiar, militar. O acontecimento decisivo que determinou que Mussorgsky nasceu não para o serviço militar, mas para a música, foi o seu encontro com M.A. Balakirev e a adesão ao “Punhado Poderoso”. Mussorgsky é ótimo porque em suas obras grandiosas - as óperas "Boris Godunov" e "Khovanshchina" - ele capturou na música os marcos dramáticos da história russa com uma novidade radical que a música russa não conhecia antes dele, mostrando neles uma combinação de massa cenas folclóricas e riqueza variada tipos, o caráter único do povo russo. Estas óperas, em numerosas edições do autor e de outros compositores, estão entre as óperas russas mais populares do mundo. Outra obra marcante de Mussorgsky é o ciclo de peças para piano "Quadros de uma Exposição", miniaturas coloridas e inventivas permeadas por um refrão-tema russo e pela fé ortodoxa.

A vida de Mussorgsky teve tudo - grandeza e tragédia, mas ele sempre se distinguiu pela genuína pureza espiritual e altruísmo. Seus últimos anos foram difíceis - vida agitada, falta de reconhecimento da criatividade, solidão, vício em álcool, tudo isso o determinou morte prematura aos 42 anos deixou relativamente poucas obras, algumas das quais concluídas por outros compositores. A melodia específica e a harmonia inovadora de Mussorgsky anteciparam algumas características do desenvolvimento musical do século XX e desempenharam um papel importante na formação dos estilos de muitos compositores mundiais.

Citação de M.P. Mussorgsky: “Os sons da fala humana, como manifestações externas de pensamento e sentimento, devem, sem exagero e violência, tornar-se música que seja verdadeira, precisa, mas artística, altamente artística.”

Citação sobre M.P. Mussorgsky: “Os sons russos originais em tudo o que Mussorgsky criou” N. K. Roerich

Fato interessante: no final da vida, Mussorgsky, sob pressão de seus “amigos” Stasov e Rimsky-Korsakov, renunciou aos direitos autorais de suas obras e as doou a Tertius Filippov

4. Pedro Ilitch Tchaikovsky (1840—1893)

Pyotr Ilyich Tchaikovsky, talvez o maior compositor russo do século XIX, elevou a arte musical russa a níveis sem precedentes. Ele é um dos mais importantes compositores da música clássica mundial.
Nativo Província de Vyatka, embora suas raízes paternas estejam na Ucrânia, Tchaikovsky mostrou desde a infância habilidades musicais, no entanto, minha primeira formação e trabalho foram na área de direito. Tchaikovsky foi um dos primeiros compositores “profissionais” russos; estudou teoria musical e composição no novo Conservatório de São Petersburgo. Tchaikovsky foi considerado um compositor “ocidental”, ao contrário das figuras populares do “Punhado Poderoso”, com quem manteve boas relações criativas e de amizade, mas a sua obra não é menos permeada pelo espírito russo, conseguiu combinar de forma única o Herança sinfônica ocidental de Mozart, Beethoven e Schumann com as tradições russas herdadas de Mikhail Glinka.
O compositor liderou vida ativa- foi professor, maestro, crítico, figura pública, trabalhou em duas capitais, excursionou pela Europa e América. Tchaikovsky era uma pessoa emocionalmente instável; entusiasmo, desânimo, apatia, temperamento explosivo, raiva violenta - todos esses estados de espírito mudavam nele com bastante frequência;
Para destacar algo melhor da obra de Tchaikovsky - tarefa difícil, possui diversas obras de igual porte em quase todas gêneros musicais- ópera, balé, sinfonia, música de câmara. O conteúdo da música de Tchaikovsky é universal: com melodicismo inimitável ela abraça imagens de vida e morte, amor, natureza, infância, revela obras da literatura russa e mundial de uma nova maneira e reflete os processos profundos da vida espiritual.

Citação do compositor:
“Sou um artista que pode e deve homenagear minha Pátria. poder artístico, ainda não fiz nem um décimo do que posso fazer. E quero fazer isso com toda a força da minha alma."
“A vida só tem beleza quando consiste na alternância de alegrias e tristezas, na luta entre o bem e o mal, entre a luz e a sombra, numa palavra - na diversidade na unidade.”
"Grande talento requer muito trabalho duro."

Citação sobre o compositor: “Estou pronto para servir de guarda de honra dia e noite na varanda da casa onde mora Piotr Ilyich - isso é o quanto eu o respeito”. A. P. Chekhov

Fato interessante: A Universidade de Cambridge concedeu a Tchaikovsky o título de Doutor em Música à revelia e sem defesa de dissertação, e a Academia de Belas Artes de Paris o elegeu membro correspondente.

5. Nikolai Andreevich RIMSKY-KORSAKOV (1844—1908)

Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov é um talentoso compositor russo, uma das figuras mais importantes na criação de uma inestimável herança musical russa. Seu mundo único e a adoração da beleza eterna e abrangente do universo, a admiração pelo milagre da existência, a unidade com a natureza não têm análogos na história da música.
Nascido na província de Novgorod, segundo a tradição familiar tornou-se oficial da Marinha e visitou vários países da Europa e das duas Américas num navio de guerra. Recebeu sua educação musical primeiro de sua mãe, depois teve aulas particulares com o pianista F. Canille. E, mais uma vez, graças a M.A. Balakirev, o organizador do “Mighty Handful”, que introduziu Rimsky-Korsakov na comunidade musical e influenciou o seu trabalho, o mundo não perdeu um compositor talentoso.
O lugar central no legado de Rimsky-Korsakov são as óperas - 15 obras que demonstram a diversidade de soluções de gênero, estilísticas, dramáticas e composicionais do compositor, possuindo, no entanto, um estilo especial - com toda a riqueza da componente orquestral, as principais. são linhas vocais melódicas. Duas direções principais distinguem o trabalho do compositor: a primeira é a história russa, a segunda é o mundo dos contos de fadas e épicos, pelo qual recebeu o apelido de “contador de histórias”.
Além de sua atividade criativa independente direta, N.A. Rimsky-Korsakov é conhecido como publicitário, compilador de coleções de canções folclóricas, pelas quais demonstrou interesse grande interesse, e também como completista das obras de seus amigos - Dargomyzhsky, Mussorgsky e Borodin. Rimsky-Korsakov foi o criador de uma escola de composição; como professor e diretor do Conservatório de São Petersburgo, treinou cerca de duzentos compositores, maestros e musicólogos, entre eles Prokofiev e Stravinsky.

Citação sobre o compositor: “Rimsky-Korsakov era um homem muito russo e um compositor muito russo. Acredito que esta sua essência primordialmente russa, sua profunda base folclórica russa, deveria ser especialmente apreciada hoje.” Mstislav Rostropovich

A obra dos compositores russos do final do século 19 - primeira metade do século 20 é uma continuação holística das tradições da escola russa. Ao mesmo tempo, o conceito de abordagem à filiação “nacional” desta ou daquela música foi nomeado. Praticamente não há citação direta de melodias folclóricas, mas a entonação de base russa, a alma russa, permanece.

6. Alexander Nikolaevich SKRYABIN (1872 - 1915)

Alexander Nikolaevich Scriabin - compositor e pianista russo, um dos personalidades mais brilhantes Cultura musical russa e mundial. A criatividade original e profundamente poética de Scriabin destacou-se pela sua inovação mesmo tendo como pano de fundo o nascimento de muitas novas tendências na arte associadas a mudanças na vida pública na virada do século XX.
Nascido em Moscou, sua mãe morreu cedo, seu pai não conseguia dar atenção ao filho, pois servia como embaixador na Pérsia. Scriabin foi criado pela tia e pelo avô e mostrou talento musical desde a infância. No início, ele estudou no corpo de cadetes, teve aulas particulares de piano e, depois de se formar no corpo, ingressou no Conservatório de Moscou, seu colega de classe foi S.V. Depois de se formar no conservatório, Scriabin dedicou-se inteiramente à música - como pianista-compositor concertista fez digressões pela Europa e pela Rússia, passando a maior parte do tempo no estrangeiro.
O auge da criatividade composicional de Scriabin foram os anos 1903-1908, quando a Terceira Sinfonia ("Poema Divino"), o sinfônico "Poema do Êxtase", poemas para piano "Trágicos" e "Satânicos", 4ª e 5ª sonatas e outras obras foram lançado. “Poema do Êxtase”, composto por diversos temas-imagens, concentrados ideias criativas Sryabin é sua obra-prima mais brilhante. Combina harmoniosamente o amor do compositor pelo poder grande orquestra e o som lírico e arejado de instrumentos solo. A colossal energia vital, a paixão ardente e o poder obstinado incorporados no “Poema do Êxtase” causam uma impressão irresistível no ouvinte e mantêm o poder de seu impacto até hoje.
Outra obra-prima de Scriabin é “Prometheus” (“Poema de Fogo”), em que o autor atualizou completamente sua linguagem harmônica, afastando-se do tradicional sistema tonal, e também pela primeira vez na história, esta obra deveria ser acompanhada de música colorida, mas a estreia, por motivos técnicos, ocorreu sem efeitos de iluminação.
O último “Mistério” inacabado foi o plano de Scriabin, um sonhador, romântico, filósofo, para apelar a toda a humanidade e inspirá-la a criar uma nova ordem mundial fantástica, a união do Espírito Universal com a Matéria.

Citação de A.N. Scriabin: “Vou dizer a eles (pessoas) - para que eles... não esperem nada da vida exceto o que podem criar para si mesmos... Vou dizer-lhes que não há nada para lamentar, para que não haja perda. Para que não tenham medo do desespero, o único que pode dar origem ao verdadeiro triunfo. Forte e poderoso é aquele que experimentou o desespero e o derrotou.

Citação sobre A.N. Scriabin: “O trabalho de Scriabin foi o seu tempo, expresso em sons, mas quando o temporário, o transitório encontra sua expressão na criatividade. grande artista, adquire significado permanente e torna-se duradouro." GV Plekhanov

7. Sergei Vasilyevich Rahmaninov (1873 - 1943)

Sergei Vasilyevich Rachmaninov é o maior compositor mundial do início do século 20, um talentoso pianista e maestro. A imagem criativa do compositor Rachmaninov é frequentemente definida pelo epíteto “o compositor mais russo”, enfatizando nesta breve formulação seus méritos na unificação tradições musicais Escolas de composição de Moscou e São Petersburgo e na criação de um estilo próprio e único que se destaca na cultura musical mundial.
Nascido na província de Novgorod, aos quatro anos começou a estudar música sob a orientação da mãe. Ele estudou no Conservatório de São Petersburgo, após 3 anos de estudo foi transferido para o Conservatório de Moscou e se formou com uma grande medalha de ouro. Ele rapidamente se tornou conhecido como maestro e pianista, e compôs músicas. A estreia desastrosa da inovadora Primeira Sinfonia (1897) em São Petersburgo causou uma crise criativa do compositor, da qual Rachmaninov emergiu no início de 1900 com um estilo formado que unia a canção da igreja russa, o romantismo europeu emergente, impressionismo moderno e o neoclassicismo - e tudo isso está repleto de simbolismo complexo. Durante este período criativo nasceram seus melhores trabalhos, incluindo 2 e 3 concertos de piano, Segunda Sinfonia e sua obra preferida - o poema "Sinos" para coro, solistas e orquestra.
Em 1917, Rachmaninov e sua família foram forçados a deixar o nosso país e se estabelecer nos EUA. Durante quase dez anos depois de partir, ele não compôs nada, mas fez extensas turnês pela América e pela Europa e foi reconhecido como um dos maiores pianistas da época e um grande maestro. Apesar de toda a sua atividade agitada, Rachmaninov permaneceu uma pessoa vulnerável e insegura, lutando pela solidão e até pela solidão, evitando a atenção irritante do público. Ele amava sinceramente e sentia falta de sua terra natal, perguntando-se se havia cometido um erro ao deixá-la. Ele estava constantemente interessado em todos os eventos que aconteciam na Rússia, lia livros, jornais e revistas e ajudava financeiramente. As suas últimas obras - Sinfonia n.º 3 (1937) e "Danças Sinfónicas" (1940) foram o resultado do seu percurso criativo, incorporando o que há de melhor no seu estilo único e um sentimento pesaroso de perda irreparável e saudade da pátria.

Citação de S.V.
“Eu me sinto como um fantasma vagando sozinho em um mundo que lhe é estranho.”
“A mais alta qualidade de toda arte é a sua sinceridade.”
“Os grandes compositores sempre e antes de tudo prestaram atenção à melodia como início principal Na música. Melodia é música base principal de todas as músicas... A inventividade melódica, no sentido mais elevado da palavra, é a principal objetivo de vida compositor.... Por esta razão, os grandes compositores do passado demonstraram tanto interesse pelas melodias folclóricas de seus países."

Citação sobre S.V.
“Rachmaninoff foi criado a partir de aço e ouro: o aço está em suas mãos, o ouro está em seu coração. Não consigo pensar nele sem lágrimas. Não apenas admirei o grande artista, mas amei a pessoa que há nele. I.Hoffman
"A música de Rachmaninov é o Oceano. Suas ondas - musicais - começam tão além do horizonte, e te elevam tão alto e te abaixam tão lentamente... que você sente esse Poder e Respiração." A. Konchalovsky

Fato interessante: durante o Grande Guerra Patriótica Rachmaninov deu vários concertos de caridade, cujos rendimentos enviou ao Fundo do Exército Vermelho para combater os ocupantes nazistas.

8. Igor Fedorovich STRAVINSKY (1882-1971)

Igor Fedorovich Stravinsky é um dos compositores mundiais mais influentes do século XX, um líder do neoclassicismo. Stravinsky tornou-se um "espelho" era musical, a sua obra reflecte uma multiplicidade de estilos, em constante intersecção e difíceis de classificar. Ele combina livremente gêneros, formas, estilos, escolhendo-os em séculos de história musical e submetendo-os às suas próprias regras.
Nasceu perto de São Petersburgo, estudou na Faculdade de Direito da Universidade de São Petersburgo, estudou de forma independente disciplinas musicais, teve aulas particulares com N.A. Rimsky-Korsakov, esta foi a única escola de compositores de Stravinsky, graças à qual ele dominou a técnica composicional com perfeição. Começou a compor profissionalmente relativamente tarde, mas a sua ascensão foi rápida - uma série de três balés: “O Pássaro de Fogo” (1910), “Petrushka” (1911) e “A Sagração da Primavera” (1913) imediatamente o levaram ao posto de compositores de primeira grandeza.
Em 1914, ele deixou a Rússia, como se viu, quase para sempre (em 1962 houve viagens à URSS). Stravinsky é um cosmopolita, tendo sido forçado a mudar de vários países – Rússia, Suíça, França, e acabou por ficar a viver nos EUA. Sua obra está dividida em três períodos - “russo”, “neoclássico”, “produção em massa” americana, os períodos são divididos não pelo tempo de vida em diferentes países, mas pela “caligrafia” do autor.
Stravinsky era uma pessoa muito educada e sociável, com um maravilhoso senso de humor. Seu círculo de conhecidos e correspondentes incluía músicos, poetas, artistas, cientistas, empresários e estadistas.
A última grande conquista de Stravinsky - "Requiem" (Hinos Funerais) (1966) absorveu e combinou a experiência artística anterior do compositor, tornando-se a verdadeira apoteose da obra do mestre.
Uma característica única se destaca na obra de Stavinsky - “singularidade”, não foi à toa que foi chamado de “compositor de mil e um estilos”, constante mudança de gênero, estilo, direção do enredo - cada uma de suas obras é única, mas ele voltava constantemente a designs nos quais se pode ver Origem russa, as raízes russas são ouvidas.

Citação de I.F. Stravinsky: “Tenho falado russo toda a minha vida, tenho uma sílaba russa. Talvez isso não seja imediatamente visível na minha música, mas é inerente a ela, está em sua natureza oculta”.

Citação sobre I.F. Stravinsky: “Stravinsky é um compositor verdadeiramente russo... O espírito russo é indestrutível no coração deste talento verdadeiramente grande e multifacetado, nascido da terra russa e intimamente ligado a ela...” D. Shostakovich

Fato interessante (fábula):
Uma vez em Nova York, Stravinsky pegou um táxi e ficou surpreso ao ler seu sobrenome na placa.
-Você é parente do compositor? - ele perguntou ao motorista.
- Existe algum compositor com esse sobrenome? - o motorista ficou surpreso. - Ouça pela primeira vez. No entanto, Stravinsky é o nome do dono do táxi. Não tenho nada a ver com música - meu sobrenome é Rossini...

9. Sergei Sergeevich PROKOFIEV (1891—1953)

Sergei Sergeevich Prokofiev é um dos maiores compositores russos do século XX, pianista e maestro.
Nascido na região de Donetsk, envolveu-se com música desde criança. Prokofiev pode ser considerado um dos poucos (se não o único) “prodígios” musicais russos, desde os 5 anos se dedicou à composição, aos 9 escreveu duas óperas (claro, essas obras ainda são imaturas, mas mostram vontade de criar), aos 13 anos passou nos exames do Conservatório de São Petersburgo, entre seus professores estava N.A. O início de sua carreira profissional causou uma tempestade de críticas e incompreensões ao seu estilo individual, fundamentalmente anti-romântico e extremamente modernista. O paradoxo é que, ao mesmo tempo em que destruia os cânones acadêmicos, a estrutura de suas composições permaneceu fiel aos princípios clássicos e posteriormente tornou-se uma obra-prima; força restritiva do ceticismo modernista que tudo nega. Desde o início de sua carreira, Prokofiev se apresentou e excursionou bastante. Em 1918, ele fez uma viagem internacional, incluindo uma visita à URSS, e finalmente retornou à sua terra natal em 1936.
O país mudou e a criatividade “livre” de Prokofiev foi forçada a ceder à realidade das novas exigências. O talento de Prokofiev floresceu com nova força- ele escreve óperas, balés, músicas para filmes - música nítida, obstinada e extremamente precisa, com novas imagens e ideias, lançou as bases para a música clássica e a ópera soviética. Em 1948, três acontecimentos trágicos ocorreram quase simultaneamente: a sua primeira esposa espanhola foi presa sob suspeita de espionagem e exilada em campos; foi emitida uma Resolução do Poliburo do Comité Central do Partido Comunista Bolchevique de Toda a União, na qual Prokofiev, Shostakovich e outros foram atacados e acusados ​​de “formalismo” e de danos à sua música; Houve uma forte deterioração da saúde do compositor; ele retirou-se para sua dacha e praticamente nunca mais saiu dela, mas continuou a compor.
Uma das obras mais brilhantes Período soviético tornaram-se as óperas "Guerra e Paz", "O Conto de um Homem Real"; os balés “Romeu e Julieta” e “Cinderela”, que se tornaram um novo padrão do balé mundial; oratório “Guardião da Paz”; música para os filmes "Alexander Nevsky" e "Ivan, o Terrível"; sinfonias nº 5,6,7; obras de piano.
A obra de Prokofiev surpreende pela versatilidade e amplitude de temas, pela originalidade pensamento musical, frescor e originalidade constituíram uma era inteira na cultura musical mundial do século 20 e tiveram um impacto poderoso em muitos compositores soviéticos e estrangeiros.

Citação de S.S. Prokofiev:
“Pode um artista ficar à margem da vida?.. Tenho a convicção de que um compositor, tal como um poeta, um escultor, um pintor, é chamado a servir o homem e o povo... Ele, antes de tudo, é obrigado a ser um cidadão em sua arte, para glorificar a vida humana e conduzir as pessoas a um futuro brilhante..."
“Sou uma manifestação de vida, que me dá forças para resistir a tudo que não é espiritual”

Citação sobre S.S. Prokofiev: "... todas as facetas de sua música são lindas. Mas há uma completamente coisa incomum. Aparentemente, todos nós temos algumas falhas, dúvidas, apenas... Mau humor. E nesses momentos, mesmo que eu não toque ou ouça Prokofiev, mas apenas pense nele, recebo uma carga de energia incrível, sinto uma grande vontade de viver e atuar.”

Fato interessante: Prokofiev amava muito o xadrez e enriqueceu o jogo com suas ideias e conquistas, incluindo o xadrez “nove” que ele inventou - um tabuleiro 24x24 com nove conjuntos de peças colocadas nele.

10. Dmitry Dmitrievich SHOSTAKOVICH (1906 - 1975)

Dmitry Dmitrievich Shostakovich é um dos compositores mais importantes e executados do mundo, sua influência na música clássica moderna é imensurável. As suas criações são verdadeiras expressões do drama humano interior e da crónica dos difíceis acontecimentos do século XX, onde o profundamente pessoal se confunde com a tragédia do homem e da humanidade, com o destino do seu país natal.
Nascido em São Petersburgo, o primeiro lições de música recebido de sua mãe, formou-se no Conservatório de São Petersburgo, ao ingressar no qual seu reitor Alexander Glazunov o comparou a Mozart - por isso surpreendeu a todos com sua excelente memória musical, ouvido aguçado e dom para composição. Já no início da década de 20, ao final do conservatório, Shostakovich já tinha uma bagagem de obras próprias e se tornou um dos melhores compositores do país. A fama mundial chegou a Shostakovich após vencer o 1º Competição internacional Chopin em 1927.
Até certo período, nomeadamente antes da produção da ópera "Lady Macbeth de Mtsensk", Shostakovich trabalhou como um artista livre - uma "vanguarda", experimentando estilos e géneros. A severa demolição desta ópera, organizada em 1936, e as repressões de 1937 marcaram o início da subsequente luta interna constante de Shostakovich para expressar os seus pontos de vista através dos seus próprios meios, nas condições de imposição estatal de tendências na arte. Em sua vida a política e a criatividade estão intimamente ligadas, ele foi elogiado pelas autoridades e perseguido por elas, ocupou altos cargos e deles foi afastado, ele e seus familiares foram premiados e estiveram à beira da prisão.
Pessoa gentil, inteligente e delicada, encontrou nas sinfonias a sua forma de expressar os princípios criativos, onde podia falar a verdade sobre o tempo da forma mais aberta possível. De toda a extensa criatividade de Shostakovich em todos os gêneros, são as sinfonias (15 obras) que ocupam o lugar central, as mais dramaticamente intensas são as sinfonias 5, 7, 8, 10, 15, que se tornaram o auge da música sinfônica soviética; Um Shostakovich completamente diferente se revela na música de câmara.
Apesar de o próprio Shostakovich ser um compositor “doméstico” e praticamente nunca ter viajado para o estrangeiro, a sua música, de essência humanística e de forma verdadeiramente artística, espalhou-se rápida e amplamente pelo mundo e foi executada pelos melhores maestros. A magnitude do talento de Shostakovich é tão imensa que a plena compreensão deste fenômeno único da arte mundial ainda está por vir.

Citação de D.D. Shostakovich: “A verdadeira música é capaz de expressar apenas sentimentos humanos, apenas ideias humanas avançadas”.

Os compositores clássicos são conhecidos em todo o mundo. Cada nome de um gênio musical é uma individualidade única na história da cultura.

O que é música clássica

A música clássica são melodias encantadoras criadas por autores talentosos que são justamente chamados de compositores clássicos. Suas obras são únicas e sempre serão procuradas por intérpretes e ouvintes. A música clássica, por um lado, costuma ser chamada de música estrita, profundamente significativa, que não está relacionada aos seguintes gêneros: rock, jazz, folk, pop, chanson, etc. desenvolvimento histórico música há um período do final do século XIII - início do século XX, denominado classicismo.

Os temas clássicos distinguem-se pela entonação sublime, sofisticação, variedade de tons e harmonia. Eles têm um efeito positivo na visão emocional de adultos e crianças.

Estágios de desenvolvimento da música clássica. Sua breve descrição e principais representantes

Na história do desenvolvimento da música clássica, podem ser distinguidas as seguintes etapas:

• Renascença ou Renascença - início do século XIV - último quartel do século XVI. Na Espanha e na Inglaterra, o período renascentista durou até o início do século XVII.
• Barroco - substituiu o Renascimento e perdurou até o início do século XVIII. O centro do estilo era a Espanha.
• O classicismo é o período de desenvolvimento da cultura europeia desde o início do século XVIII até o início do século XIX.
• O romantismo é uma direção oposta ao classicismo. Durou até meados do século XIX.
• Clássicos do século XX - era moderna.

Breve descrição e principais representantes dos períodos culturais

1. Renascimento - um longo período de desenvolvimento de todas as áreas da cultura. - Thomas Tallis, Giovanni da Palestina, T. L. de Victoria compuseram e deixaram criações imortais para a posteridade.

2. Barroco - nesta época surgem novas formas musicais: polifonia, ópera. Foi nesse período que Bach, Handel e Vivaldi criaram suas famosas obras. As fugas de Bach são construídas de acordo com as exigências do classicismo: adesão obrigatória aos cânones.

3. Classicismo. Compositores clássicos vienenses que criaram suas criações imortais na era do classicismo: Haydn, Mozart, Beethoven. Surge a forma sonata e a composição da orquestra aumenta. e Haydn diferem das pesadas obras de Bach na construção simples e na elegância das melodias. Ainda era um clássico, uma busca pela perfeição. As obras de Beethoven são o limite do contato entre o romântico e o estilos clássicos. Na música de L. van Beethoven há mais sensualidade e ardor do que cânone racional. Surgiram gêneros importantes como sinfonia, sonata, suíte e ópera. Beethoven deu origem ao período romântico.

4. Romantismo. As obras musicais são caracterizadas pela cor e pelo drama. Vários gêneros musicais estão sendo formados, por exemplo, baladas. Obras para piano de Liszt e Chopin receberam reconhecimento. As tradições do romantismo foram herdadas por Tchaikovsky, Wagner e Schubert.

5. Clássicos do século XX - caracterizados pelo desejo dos autores de inovação nas melodias; surgiram os termos aleatórios, o atonalismo; As obras de Stravinsky, Rachmaninov, Glass são classificadas no formato clássico.

Compositores clássicos russos

Tchaikovsky P.I. - compositor russo, crítico musical, figura pública, professor, maestro. Suas composições são as mais executadas. Eles são sinceros, facilmente percebidos, refletem a originalidade poética da alma russa, imagens pitorescas da natureza russa. O compositor criou 6 balés, 10 óperas, mais de cem romances, 6 sinfonias. O mundialmente famoso balé “Lago dos Cisnes”, a ópera “Eugene Onegin”, “Álbum Infantil”.

Rachmaninov S.V. - as obras do notável compositor são emocionantes e alegres, e algumas têm conteúdo dramático. Seus gêneros são variados: desde pequenas peças até concertos e óperas. As obras geralmente reconhecidas do autor: as óperas “O Cavaleiro Avarento”, “Aleko” de Poema de Pushkin“Ciganos”, “Francesca da Rimini” baseada num enredo emprestado da “Divina Comédia” de Dante, poema “Os Sinos”; suíte “Danças Sinfônicas”; concertos de piano; vocalizar para voz com acompanhamento de piano.

Borodin A.P. foi compositor, professor, químico e médico. A criação mais significativa é a ópera “Príncipe Igor” de trabalho histórico“O Conto da Campanha de Igor”, que o autor escreveu durante quase 18 anos. Durante sua vida, Borodin não teve tempo de terminá-la; após sua morte, a ópera foi completada por A. Glazunov e N. Rimsky-Korsakov. O grande compositor é o fundador dos quartetos e sinfonias clássicos na Rússia. A Sinfonia “Bogatyr” é considerada a coroa da sinfonia heróica nacional mundial e russa. Os quartetos instrumentais de câmara, o Primeiro e o Segundo Quartetos, foram reconhecidos como excelentes. Um dos primeiros a introduzir figuras heróicas da literatura russa antiga nos romances.

Grandes músicos

Mussorgsky M.P., de quem se pode falar, é um grande compositor realista, um corajoso inovador que aborda problemas sociais agudos, um magnífico pianista e um excelente vocalista. As obras musicais mais significativas são a ópera “Boris Godunov” baseada na obra dramática de A.S. Pushkin e “Khovanshchina” - drama musical folclórico, o personagem principal dessas óperas são os rebeldes de diferentes estratos sociais; ciclo criativo “Quadros de uma Exposição”, inspirado nas obras de Hartmann.

Glinka M.I. - famoso compositor russo, fundador do movimento clássico na cultura musical russa. Ele completou o processo de criação de uma escola de compositores russos, baseada no valor da música folclórica e profissional. As obras do mestre estão imbuídas de amor à Pátria e refletem a orientação ideológica do povo daquela época histórica. O mundialmente famoso drama folclórico “Ivan Susanin” e a ópera-conto de fadas “Ruslan e Lyudmila” tornaram-se novas tendências na ópera russa. Obras sinfônicas“Kamarinskaya” e “Abertura Espanhola” de Glinka são os fundamentos do sinfonismo russo.

Rimsky-Korsakov N.A. é um talentoso compositor, oficial da marinha, professor e publicitário russo. Duas tendências podem ser traçadas em sua obra: histórica (“A Noiva do Czar”, “Mulher Pskov”) e de conto de fadas (“Sadko”, “Snow Maiden”, suíte “Scheherazade”). Característica distintiva as obras do compositor: originalidade baseada em valores clássicos, homofonia na estrutura harmônica das primeiras obras. Suas composições têm a assinatura do autor: soluções orquestrais originais com partituras vocais construídas de forma inusitada, que são as principais.

Os compositores clássicos russos tentaram refletir em suas obras o pensamento cognitivo e o folclore característicos da nação.

Cultura europeia

Os famosos compositores clássicos Mozart, Haydn, Beethoven viveram na capital da cultura musical da época - Viena. Os gênios estão unidos pela atuação magistral, excelentes soluções composicionais e pelo uso de diferentes estilos musicais: desde melodias folclóricas até desenvolvimentos polifônicos de temas musicais. Os grandes clássicos são caracterizados por uma atividade mental criativa abrangente, competência, clareza na construção formas musicais. Em suas obras, intelecto e emoções, componentes trágicos e cômicos, facilidade e prudência estão organicamente ligados.

Beethoven e Haydn gravitaram em torno de composições instrumentais, Mozart teve sucesso tanto em composições operísticas quanto orquestrais. Beethoven foi um criador insuperável de obras heróicas, Haydn apreciou e usou com sucesso o humor e os gêneros folclóricos em sua obra, Mozart foi um compositor universal.

Mozart - criador da sonata forma instrumental. Beethoven melhorou-o e elevou-o a alturas insuperáveis. O período se tornou um período de apogeu do quarteto. Haydn, seguido por Beethoven e Mozart, deram uma contribuição significativa para o desenvolvimento deste gênero.

Mestres italianos

Giuseppe Verdi - um notável músico do século XIX, desenvolveu a ópera tradicional italiana. Ele tinha uma habilidade impecável. O ponto culminante da sua atividade de composição foram as obras operísticas “Il Trovatore”, “La Traviata”, “Othello”, “Aida”.

Niccolo Paganini - nascido em Nice, uma das personalidades mais talentosas musicalmente dos séculos XVIII e XIX. Ele era um mestre do violino. Compôs caprichos, sonatas, quartetos para violino, violão, viola e violoncelo. Escreveu concertos para violino e orquestra.

Gioachino Rossini - trabalhou no século XIX. Autor de música sacra e de câmara, compôs 39 óperas. Trabalhos pendentes - " Barbeiro de Sevilha", "Otelo", "Cinderela", "A pega ladrão", "Semiramis".

Antonio Vivaldi é um dos maiores representantes da arte do violino do século XVIII. Ganhou fama graças ao seu mais trabalho famoso- 4 concertos para violino “As Estações”. Viveu uma vida incrivelmente frutífera vida criativa, compôs 90 óperas.

Famosos compositores clássicos italianos deixaram um legado musical eterno. Suas cantatas, sonatas, serenatas, sinfonias, óperas darão prazer a mais de uma geração.

Peculiaridades da percepção musical de uma criança

Ouvir boa música tem um efeito positivo no desenvolvimento psicoemocional de uma criança, segundo psicólogos infantis. A boa música apresenta a arte às pessoas e molda o gosto estético, dizem os professores.

Muitas criações famosas foram criadas por compositores clássicos para crianças, tendo em conta a sua psicologia, percepção e especificidades de idade, ou seja, para ouvir, enquanto outros compuseram diversas peças para pequenos intérpretes, facilmente percebidas de ouvido e tecnicamente acessíveis a eles.

“Álbum Infantil” de P.I. para pequenos pianistas. Este álbum é uma dedicatória a um sobrinho que amava música e era muito Criança superdotada. A coleção contém mais de 20 peças, algumas delas baseadas em material folclórico: motivos napolitanos, dança russa, melodias tirolesas e francesas. Coleção “Canções Infantis” de P.I. projetado para percepção auditiva por crianças. Canções de clima otimista sobre a primavera, os pássaros, um jardim florido (“Meu Jardim”), sobre compaixão por Cristo e Deus (“Cristo teve um jardim quando criança”).

Clássicos infantis

Muitos compositores clássicos trabalharam para crianças, cuja lista de obras é muito diversificada.

Prokofiev S.S. "Pedro e o Lobo" - conto sinfônico para crianças. Graças a este conto de fadas, as crianças conhecem instrumentos musicais Orquestra Sinfónica. O texto do conto de fadas foi escrito pelo próprio Prokofiev.

Schumann R. “Cenas Infantis” são contos musicais de enredo simples, escritos para intérpretes adultos, memórias de infância.

Ciclo de piano de Debussy "Children's Corner".

Ravel M. “Mother Goose” baseado nos contos de fadas de C. Perrault.

Bartok B. “Primeiros passos ao piano.”

Ciclos para crianças Gavrilova S. “Para os mais pequenos”; “Heróis dos Contos de Fadas”; “Caras sobre animais.”

Shostakovich D. “Álbum de peças para piano para crianças.”

Bach I.S. “O livro de música de Anna Magdalena Bach.” Ao ensinar música aos filhos, ele criou peças e exercícios especiais para que eles desenvolvessem habilidades técnicas.

Haydn J. é o progenitor da sinfonia clássica. Ele criou uma sinfonia especial chamada “Children’s”. Os instrumentos utilizados: um rouxinol de barro, um chocalho, um cuco - conferem-lhe um som inusitado, infantil e lúdico.

Saint-Saëns K. surgiu com uma fantasia para orquestra e 2 pianos chamada “Carnaval dos Animais”, na qual transmitia com maestria o cacarejo das galinhas, o rugido de um leão, a complacência de um elefante e seu modo de movimento, e o cisne comoventemente gracioso através de meios musicais.

Ao compor composições infantis e juvenis, os grandes compositores clássicos cuidaram dos interessantes enredos da obra, da acessibilidade do material proposto, levando em consideração a idade do intérprete ou ouvinte.

Entre essas melodias há uma melodia para qualquer estado de espírito: romântico, positivo ou triste, para relaxar e não pensar em nada ou, pelo contrário, para organizar os pensamentos.

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O compositor e pianista italiano trabalha na direção do minimalismo, recorre frequentemente à música ambiente e combina habilmente a música clássica com outros estilos musicais. Para um amplo círculo ele é conhecido por suas composições atmosféricas que se tornaram trilhas sonoras de filmes. Por exemplo, você provavelmente reconhece a música do filme francês “1 + 1”, escrita por Einaudi.

themagger.net

Glass é uma das personalidades mais polêmicas do mundo dos clássicos modernos, que ou é elogiado até os céus ou criticado com esmero. Ele toca em seu próprio grupo, o Philip Glass Ensemble, há meio século e escreveu músicas para mais de 50 filmes, incluindo The Truman Show, The Illusionist, Taste of Life e Fantastic Four. Toques Compositor americano-minimalistas confundem a linha entre a música clássica e a popular.

latimes. com

Autor de inúmeras trilhas sonoras, melhor compositor de cinema de 2008 pela European Film Academy e pós-minimalista. Ele conquistou a crítica com seu primeiro álbum Memoryhouse, no qual a música de Richter foi sobreposta a leituras de poesia, e os álbuns subsequentes também usaram prosa literária. Além de escrever suas próprias composições ambientais, ele faz arranjos de obras clássicas: “As Quatro Estações” de Vivaldi em seu arranjo liderou as paradas de música clássica do iTunes.

Este criador de música instrumental italiano não está associado ao aclamado cinema, mas já é conhecido como compositor, virtuoso e experiente professor de piano. Se você descrever a música de Marradi em duas palavras, elas seriam “sensuais” e “mágicas”. Suas criações e capas vão agradar aos amantes dos clássicos retrô: as notas do século passado ficam evidentes nos motivos.

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O famoso compositor de filmes criou acompanhamento musical para muitos filmes e desenhos animados de bilheteria, incluindo Gladiador, Pearl Harbor, Inception, Sherlock Holmes, Interestelar, Madagascar e O Rei Leão. Sua estrela está na Calçada da Fama de Hollywood, e em sua estante estão o Oscar, o Grammy e o Globo de Ouro. A música de Zimmer é tão variada quanto esses filmes, mas independentemente do tom, ela toca o coração.

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Hisaishi é um dos mais famosos compositores japoneses, tendo recebido quatro prêmios da Academia Japonesa de Cinema por Melhor música para o filme. Ele ficou famoso por compor a trilha sonora do anime Nausicaä of the Valley of the Wind, de Hayao Miyazaki. Se você é fã das obras do Studio Ghibli ou dos filmes de Takeshi Kitano, provavelmente admira a música de Hisaishi. É principalmente leve e leve.

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Este multi-instrumentista islandês é apenas um menino comparado aos mestres listados, mas aos 30 anos já se tornou um neoclassicista reconhecido. Ele gravou acompanhamento para um balé, ganhou um prêmio BAFTA pela trilha sonora da série de TV britânica “Murder on the Beach” e lançou 10 álbuns de estúdio. A música de Arnalds lembra um vento forte em uma praia deserta.

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As obras mais famosas de Lee Ru Ma são Kiss the Rain e River Flows in You. O compositor e pianista coreano da Nova Era escreve clássicos populares que são compreensíveis para ouvintes em qualquer continente, com qualquer Gosto musical e educação. Suas melodias leves e sensuais se tornaram o início do amor pela música para piano para muitos.

Dustin O’Halloran

fraturadair.com

O compositor americano é interessante porque não tem formação musical, mas ao mesmo tempo escreve as músicas mais agradáveis ​​​​e bastante populares. As músicas de O'Halloran foram usadas no Top Gear e em vários filmes. Talvez a trilha sonora de maior sucesso tenha sido a do melodrama “Like Crazy”. Este compositor e pianista sabe muito sobre a arte de reger e como criar música eletrônica. Mas seu campo principal são os clássicos modernos. Cacciapaglia gravou vários álbuns, três deles com o Royal Orquestra Filarmônica. Sua música flui como água, é uma ótima maneira de relaxar com ela.

Que outros compositores contemporâneos valem a pena ouvir?

Se você adora o épico, adicione Klaus Badelt, que trabalhou com Zimmer em Piratas do Caribe, à sua playlist. Você também não pode perder Jan Kaczmarek, Alexandre Desplat, Howard Shore e John Williams - você precisa escrever um artigo separado para listar todos os seus trabalhos, méritos e prêmios.

Para música neoclássica mais saborosa, confira Nils Frahm e Sylvain Chauveau.

Se você não se cansa, lembre-se do criador da trilha sonora de "Amelie" Yann Tiersen ou descubra o compositor japonês Tammon: ele escreve melodias arejadas de contos de fadas.

Quais músicas de compositores você gosta e quais não? Quem mais você adicionaria a esta lista?

Na virada dos séculos XIX para XX em Cultura europeia diferentes movimentos artísticos coexistiram. Alguns desenvolveram as tradições do século XIX, outros surgiram como resultado de pesquisas criativas mestres modernos. O fenômeno mais significativo da arte musical foi o romantismo tardio. Os seus representantes distinguiram-se por um interesse crescente em música sinfônica e a grandiosa escala das obras. Os compositores criaram programas filosóficos complexos para suas obras. Muitos compositores se esforçaram em seu trabalho para continuar as tradições românticas do passado, por exemplo, S.V. Rachmaninoff (1873-1943), Richard Strauss (1864-1949). Gostaria de me deter mais detalhadamente nesses dois representantes do estilo do romantismo tardio.

Sergei Vasilyevich Rahmaninov

Sergei Vasilievich Rachmaninov é um compositor, pianista e maestro russo.

4 concertos, “Rapsódia sobre um tema de Paganini” (1934) para piano e orquestra, prelúdios, estudos-quadros para piano, 3 sinfonias (1895-1936), fantasia “The Cliff” (1893), poema “Ilha dos Mortos ” (1909), “Danças Sinfônicas” (1940) para orquestra, cantata “Primavera” (1902), poema “Sinos” (1913) para coro e orquestra, óperas “Aleko” (1892), “O Cavaleiro Avarento”, “ Francesca da Rimini” (ambos 1904), romances.

As obras de Sergei Vasilyevich Rachmaninoff, compositor e pianista virtuoso, combinaram harmoniosamente as tradições da arte russa e europeia. Para a maioria dos músicos e ouvintes, as obras de Rachmaninoff são um símbolo artístico da Rússia. O tema da pátria é encarnado com particular força nas obras de Sergei Rachmaninov. O pathos romântico é combinado em sua música com climas líricos e contemplativos, riqueza melódica inesgotável, amplitude e liberdade de respiração - com energia rítmica. A música de Rachmaninov é uma parte importante do romantismo tardio na Europa. Depois de 1917, Rachmaninov foi forçado a viver no exterior - na Suíça e nos EUA. Suas atividades de composição e principalmente de performance tornaram-se um fenômeno sem o qual é impossível imaginar vida cultural Oeste 20-40 Século XX.

O legado de Rachmaninov inclui óperas e sinfonias, música de câmara e coral, mas acima de tudo o compositor escreveu para piano. Ele gravitou em torno do virtuosismo poderoso e monumental e procurou fazer do piano uma orquestra sinfônica em sua riqueza de cores.

A obra de Rachmaninov conecta diferentes épocas e culturas. Permite que os músicos russos sintam a sua profunda ligação com as tradições europeias, e para os músicos ocidentais, Rachmaninov abre a Rússia - mostra a sua verdadeira riqueza espiritual.

Richard Strauss

Richard Strauss foi um compositor alemão do final da era romântica, especialmente famoso por seus poemas sinfônicos e óperas. Ele também foi um excelente maestro.

O estilo de Richard Strauss foi seriamente influenciado pelas obras de Chopin, Schumann e Mendelssohn. Influenciado pela música de Richard Wagner, Strauss voltou-se para a ópera. A primeira obra deste tipo é “Guntram” (1893). Esse trabalho romântico; sua linguagem musical é simples, as melodias são lindas e melodiosas.

Desde 1900, a ópera tornou-se o gênero principal na obra de Richard Strauss. As obras do compositor distinguem-se pela simplicidade e clareza da linguagem musical; nelas o autor utilizou gêneros de dança cotidiana.

A atividade criativa de Strauss durou mais de setenta anos. O compositor começou como romântico tardio, depois chegou ao expressionismo e finalmente voltou-se para o neoclassicismo.

Alexander Nikolaevich Scriabin

Desde a infância ele foi atraído pelos sons do piano. E aos três anos já ficava horas sentado diante do instrumento, tratando-o como um ser vivo. Depois de se formar no Conservatório de Moscou, Alexander começou a dar concertos e lecionar, mas o desejo de compor era mais forte. Começa a compor e suas obras entram imediatamente no repertório de outros pianistas.

“A arte deve ser festiva”, disse ele, “deve elevar e encantar”. Mas, na verdade, sua música revelou-se tão ousada, nova e incomum que a execução de sua “Segunda Sinfonia” em 21 de março de 1903 em Moscou se transformou em um escândalo natural. Alguém admirou, alguém pisou e assobiou... Mas Scriabin não se envergonhou: sentiu-se um messias, o arauto de uma nova religião - a arte. Ele acreditava em seu poder transformador. Ele pensou na escala planetária então em voga. A filosofia mística de Scriabin refletiu-se na sua linguagem musical, especialmente na harmonia inovadora, muito além dos limites da tonalidade tradicional.

Scriabin sonhava com um novo gênero sintético, onde não apenas sons e cores se fundissem, mas também cheiros e a plasticidade da dança. Mas o plano permaneceu inacabado. Scriabin morreu em Moscou em 14 (27) de abril de 1915. Sua vida, a vida de um gênio, foi curta e brilhante.

Sergei Prokofiev

Sergei Prokofiev é um compositor russo e soviético, um dos compositores mais famosos do século XX.

A definição de “compositor” era tão natural para Prokofiev quanto “homem”.

Na música de Prokofiev pode-se ouvir a harmonia agudamente dissonante, o ritmo elástico e o motorismo deliberadamente seco e ousado de Prokofiev. A crítica reagiu instantaneamente: “O jovem autor, que ainda não completou a sua formação artística, pertencente ao movimento extremista dos modernistas, vai muito mais longe na sua coragem do que os franceses modernos”.

Muitos dos contemporâneos do jovem Prokofiev e até mesmo investigadores da sua obra ignoraram a “corrente lírica” da sua música, rompendo as imagens agudamente satíricas, grotescas e sarcásticas, através dos ritmos deliberadamente ásperos e pesados. E são muitas, essas entonações líricas e tímidas nos ciclos de piano “Fleetness” e “Sarcasm”, no tema secundário da primeira parte da Segunda Sonata, em romances baseados em poemas de Balmont, Apukhtin, Akhmatova.

Pode-se dizer sobre Prokofiev: grande músico encontrou seu lugar entre os grandes transformadores da vida.

Mily Balakirev

Mily Balakirev - compositora, pianista e maestrina russa (1836/37-1910)

O “Mighty Handful” foi formado - uma comunidade de pessoas com ideias semelhantes que deram muito à música russa.

A liderança de Balakirev no círculo foi facilitada por seu gosto impecável, mente analítica clara e conhecimento de uma grande quantidade de material musical. O clima no círculo foi expresso por um dos críticos da época: “A música pode mover montanhas”. A natureza de Balakirev era muito enérgica e encantadora. No círculo, ele rapidamente assumiu o papel de organizador.

Ele tratou o círculo como uma espécie de criatividade: ele criou, “influenciando” jovens compositores. A partir deles ele montou a futura paleta musical da Rússia.

Gradualmente, a ideia de uma Escola de Música Gratuita surgiu em Balakirev.

Em 1862 Livre Escola de Música abriu e deu seu primeiro concerto. Balakirev atuou como regente de uma orquestra sinfônica.

Ele mesmo escreveu muito, mas não sentiu satisfação criativa com o que criou. Como escreveu Cesar Cui, “até sua morte ele disse que apenas o que escrevíamos sob sua proteção era bom”.

Glazunov Alexander Konstantinovich

Alexander Glazunov - compositor russo e soviético (1865-1936)

Glazunov é um dos maiores compositores russos do final do século XIX e início do século XX. Sucessor das tradições de Mighty Handful e Tchaikovsky, ele combinou os ramos lírico-épico e lírico-dramático da música russa em sua obra. Um dos principais lugares na herança criativa de Glazunov pertence à música sinfónica de vários géneros. Reflete as imagens heróicas do épico russo, imagens da natureza nativa, da realidade russa e das canções dos povos eslavos e orientais. As obras de Glazunov distinguem-se pelo relevo dos temas musicais, pelo som pleno e claro da orquestra e pelo uso extensivo de técnicas polifónicas (utilizou o som simultâneo de vários temas, uma combinação de desenvolvimento imitativo e variacional). Entre as melhores obras de Glazunov está também um concerto para violino e orquestra (1904).

A contribuição de Glazunov para a música instrumental de câmara, bem como para o gênero balé (Raymonda, 1897, etc.) é significativa. Seguindo as tradições de Tchaikovsky, Glazunov aprofundou o papel da música no balé, enriquecendo o seu conteúdo. Glazunov possui arranjos de hinos e canções russas, tchecas e gregas. Juntamente com Rimsky-Korsakov, ele completou a ópera “Príncipe Igor” e gravou de memória o 1º movimento da 3ª sinfonia de Borodin. Participou na preparação para publicação das obras de M. I. Glinka. Orquestrou La Marseillaise (1917), uma série de obras de compositores russos e estrangeiros.

Nikolai Yakovlevich Myaskovsky

Nikolai Myaskovsky - compositor russo e soviético (1881-1950).

Juntamente com Prokofiev e Stravinsky, Nikolai Yakovlevich Myaskovsky estava entre os compositores que refletiam o humor da intelectualidade criativa da Rússia no período pré-revolucionário. Eles entraram na Rússia pós-outubro como velhos especialistas e, vendo ao seu redor o terror dirigido contra sua espécie, não conseguiram se livrar do sentimento de complexidade. No entanto, eles criaram honestamente (ou quase honestamente), refletindo a realidade que os rodeava.

A imprensa da época escreveu: “A Vigésima Sétima Sinfonia é uma composição de um artista soviético. Você não se esquece disso nem por um minuto.” Ele é considerado o chefe da escola sinfônica soviética. As obras musicais de Myaskovsky refletem sua época; no total, ele escreveu 27 sinfonias, 13 quartetos, 9 sonatas para piano e outras obras, muitas das quais se tornaram marcos na música soviética. O compositor caracterizou-se por uma fusão de princípios intelectuais e emocionais. A música de Myaskovsky é única, marcada pela concentração de pensamento e ao mesmo tempo por paixões intensas. Em nossa época, pode-se ter atitudes diferentes em relação à obra de N. Myaskovsky, mas, sem dúvida, suas vinte e sete sinfonias refletiram plenamente a vida da era soviética.

Nikolai Rimsky-Korsakov

Nikolai Rimsky-Korsakov – compositor russo (1844-1908)

A obra do grande compositor N. Rimsky-Korsakov, quase inteiramente pertencente ao século XIX, penetra como uma agulha no século XX: durante oito anos viveu e trabalhou neste século. O compositor é como uma ponte que liga dois séculos de música mundial. A figura de Rimsky-Korsakov também é interessante porque ele foi essencialmente autodidata.

Georgy Vasilievich Sviridov

Georgy Vasilievich Sviridov - compositor e pianista soviético (1915-1998).

Graças à sua simplicidade, a música de Georgy Sviridov é fácil de distinguir das obras de outros compositores. Mas esta simplicidade é bastante semelhante ao laconicismo. A música de Sviridov tem expressividade despretensiosa, mas é expressiva em essência, e não em forma colorida vários tipos delícias. Ela é caracterizada por um rico mundo interior, suas emoções genuínas são contidas... A música de Sviridov é fácil de entender, o que significa que é internacional, mas ao mesmo tempo profundamente patriótica, já que o tema da Pátria a atravessa como um vermelho fio. G. Sviridov, segundo seu professor D. Shostakovich, “nunca se cansou de inventar uma nova linguagem musical”, em busca de “novas Artes visuais" Por isso é considerado um dos mais autores interessantes Século XX.

Muitas vezes G. Sviridov era conhecido como um compositor cujo trabalhos vocais difícil de executar. Durante décadas, a música se acumulou em seus depósitos criativos, aguardando seus intérpretes. O estilo tradicional de execução muitas vezes não era adequado para a música de Sviridov; O próprio compositor disse que a novidade e complexidade de sua música vocal se deve ao fato de a própria fala estar em constante aprimoramento. A esse respeito, ele lembrou atores e poetas antigos, outrora famosos e elegantes. “Hoje”, afirmou Sviridov, “eles não nos causarão uma impressão tão forte. A fala deles nos parecerá educada, fofa ou muito simples. O poeta Igor Severyanin era o que havia de mais moderno tanto no imaginário quanto no vocabulário, mas agora é percebido como algo saído de um museu.” Novas características da fala muitas vezes atrapalhavam os cantores, mas era nessa direção, segundo Sviridov, que deveriam ter trabalhado.

Talvez ninguém antes de Sviridov tenha feito tanto para desenvolver e enriquecer gêneros vocais - oratório, cantata, coro, romance... Isso coloca G. Sviridov entre os principais compositores não apenas em escala russa, mas também em escala global.

Stravinsky Igor Fedorovich

Stravinsky Igor Fedorovich - compositor e maestro russo (1882-1971).

Stravinsky passou a maior parte da sua vida fora da Rússia, mas nunca deixou de ser um compositor russo. Ele se inspirou na cultura russa e na língua russa. E ele ganhou fama verdadeiramente mundial. O nome de Stravinsky foi e continua sendo conhecido mesmo entre aqueles que têm pouco interesse por música. Ele entrou na história mundial da cultura musical do século 20 como um grande mestre em combinar as tradições musicais da modernidade e da antiguidade.

As obras de Stravinsky quebraram a estrutura estabelecida e mudaram a atitude em relação ao folclore. Eles ajudaram a entender como uma canção folclórica, percebida pelo prisma da modernidade, ganha vida nas mãos do compositor. Graças a compositores como Stravinsky, no final do século XX o prestígio do folclore aumentou e a música etno desenvolveu-se.

No total, o compositor escreveu oito partituras orquestrais para o teatro de balé: “O Pássaro de Fogo”, “Petrushka”, “A Sagração da Primavera”, “Apollo Musagete”, “O Beijo da Fada”, “O Jogo de Cartas”, “Orfeu ”, “Agon”. Ele também criou três obras de balé com canto: “Conto de Fadas”, “Pulcinella”, “Casamento”.

Taneyev Sergey Ivanovich

romantismo impressionismo musical

Taneyev Sergei Ivanovich - compositor, pianista e professor russo (1856-1915).

O nome deste grande músico e professor raramente é mencionado hoje, mas quando examinado mais de perto, evoca um respeito genuíno. Ele não se tornou famoso como compositor, mas dedicou toda a sua vida ao Conservatório de Moscou, criando músicos inegavelmente notáveis ​​​​como S. Rachmaninov, A. Scriabin, N. Medtner, R. Gliere, K. Igumnov e outros. Aluno de P. Tchaikovsky, S. Taneyev criou uma escola inteira que distinguiu compositores russos e soviéticos de compositores de todo o mundo. Todos os seus alunos deram continuidade às tradições do sinfonismo de Taneyev. Muitos pessoas famosas na virada dos séculos 19 e 20, como Leo Tolstoy, chamou-o de amigo e considerou uma honra comunicar-se com ele.

Taneyev pode ser comparado a Sócrates, que, sem escrever obras filosóficas sérias, deixou para trás numerosos estudantes.

Taneyev desenvolveu muitas teorias musicais, criou uma obra única “Contraponto móvel da escrita estrita” (1889–1906) e sua continuação “A Doutrina do Cânone” (final dos anos 90–1915). Todo artista, tendo dedicado sua vida à arte, sonha que seu nome não seja esquecido por seus descendentes. Nos últimos anos de sua vida, Taneyev ficou muito preocupado por ter escrito poucas obras que nascessem da inspiração, embora tenha escrito muito e intensamente. De 1905 a 1915 escreveu vários ciclos corais e vocais, obras de câmara e instrumentais.

Dmitry Dmitrievich Shostakovich

Dmitry Dmitrievich Shostakovich - compositor e pianista soviético (1906-1975).

Shostakovich, sem dúvida, foi e continua sendo maior compositor Século XX. Contemporâneos que o conheceram de perto afirmaram que ele raciocinou algo assim: por que se preocupar se seus descendentes ainda saberão sobre você por meio de suas obras musicais? Shostakovich não agravou as relações com as autoridades. Mas na música ele protestou contra a violência contra o indivíduo.

Ele escreveu a Sinfonia nº 7 (dedicada ao cerco de Leningrado).

Shostakovich viu com seus próprios olhos como as pessoas morrem, como os aviões e as bombas voam, e em sua obra “Sinfonia nº 7” ele tentou refletir todos os acontecimentos que as pessoas vivenciaram.

A Sinfonia foi executada pela Grande Orquestra Sinfônica do Comitê de Rádio de Leningrado. Durante os dias do cerco, muitos músicos morreram de fome. Os ensaios foram interrompidos em dezembro. Quando foram retomados em março, apenas 15 músicos enfraquecidos podiam tocar. Apesar disso, os shows começaram em abril. Em maio, um avião entregou a partitura da sinfonia à cidade sitiada. Para reabastecer a orquestra, os músicos desaparecidos foram enviados da frente.

Shostakovich respondeu à invasão fascista com a Sinfonia nº 7 (1941), dedicada à cidade de Leningrado e que recebeu reconhecimento mundial como símbolo da luta contra o fascismo.

Impressionismo

No ultimo terços do século XIX século, uma nova direção apareceu - o impressionismo (impressionismo francês, de impressão - “impressão”), apareceu inicialmente na pintura francesa. Os músicos impressionistas buscavam transmitir sensações sutis e complexas e buscavam sofisticação e sofisticação do som. É por isso que eles estavam perto simbolismo literário(anos 70 do século XIX - anos 10 do século XX), que também teve origem na França.

Os simbolistas exploraram esferas desconhecidas e misteriosas, tentaram compreender o “mundo ideal” escondido sob o véu da realidade. Os compositores impressionistas frequentemente recorriam à poesia e ao drama do simbolismo.

Fundador do impressionismo musical - Compositor francês, pianista e maestro Claude Debussy (1862-1918). Em sua obra, a harmonia (em vez da melodia) ganhou destaque; um papel importante foi dado ao som colorido da orquestra. O principal eram as nuances do som, que, como na pintura, refletiam matizes de humor, sentimentos e impressões.

Os compositores buscaram retornar à clareza das harmonias, à simplicidade das melodias e formas, à beleza e acessibilidade da linguagem musical. Eles se voltaram para a polifonia e reviveram a música de cravo.

Max Reger

As características do romantismo tardio e do neoclassicismo foram combinadas na obra do compositor e maestro alemão Max Reger. Escreveu para conjuntos de órgão, orquestra, piano, violino, viola e câmara. Reger procurou compreender a herança do século XVIII, especialmente a experiência de Johann Sebastian Bach, e nas suas obras recorreu a imagens musicais de uma época passada. Porém, sendo um homem da virada do século XIX para o XX, Reger preencheu sua música com harmonias originais e timbres inusitados.

Neoclassicismo

O neoclassicismo tornou-se uma das oposições à tradição romântica do século XIX, bem como aos movimentos a ela associados (impressionismo, expressionismo, verismo, etc.). Além disso, aumentou o interesse pelo folclore, o que levou à criação de toda uma disciplina - a etnomusicologia, que estuda o desenvolvimento do folclore musical e compara processos musicais e culturais entre diferentes povos do mundo. Alguns recorrem às origens das culturas antigas (Carl Orff) ou confiam inteiramente em Arte folclórica(Leos Janacek, Bela Bartok, Zoltan Kodai). Ao mesmo tempo, os compositores continuam ativamente a experimentar nas suas composições e a descobrir novas facetas e possibilidades de linguagem, imagens e estruturas harmónicas.

A queda dos princípios estéticos do século XIX, a crise política e económica do início do novo século, curiosamente, contribuíram para a formação de uma nova síntese, que levou à penetração de outros tipos de arte na música: a pintura , gráficos, arquitetura, literatura e até cinematografia. No entanto leis gerais, que dominaram a prática do compositor desde a época de I.S. Bach, foram violados e transformados.

Na virada dos séculos 19 e 20, um longo e complexo processo de domínio das tradições, estilos e gêneros da cultura europeia por músicos russos foi concluído. No final do século XIX. Os Conservatórios de São Petersburgo e Moscou tornaram-se respeitáveis instituições educacionais. Todos os excelentes compositores daquela época e muitos excelentes intérpretes saíram de suas paredes. Surgiram escolas de instrumentistas, cantores e dançarinos. A ópera e o balé russos cativaram o público europeu. O Teatro Imperial desempenhou um papel importante no desenvolvimento do teatro musical. Ópera Mariinskii em São Petersburgo e na ópera russa privada de Moscou, criada pelo industrial e filantropo russo Savva Ivanovich Mamontov (1841 - 1918).

A música russa da virada do século entrelaçava as características do romantismo tardio e do impressionismo. A influência dos movimentos artísticos literários, e sobretudo do simbolismo, foi grande. No entanto, os grandes mestres desenvolveram seus próprios estilos. É difícil atribuir seu trabalho a qualquer movimento específico, e isso é prova da maturidade da cultura musical russa.

A primeira impressão que se tem ao conhecer a música do século XX é como se entre arte musical Há um abismo entre os tempos modernos e todos os séculos anteriores - as diferenças na aparência sonora das obras são tão significativas.

Até funciona de 10 a 30 anos. O século 20 parece excessivamente tenso e áspero no som. Na verdade, a música do século XX, tal como nos séculos anteriores, refletia o mundo espiritual e emocional das pessoas, porque o ritmo da vida humana acelerou, tornou-se mais difícil e intenso.

Acontecimentos trágicos e contradições - guerras, revoluções, progresso científico e tecnológico, totalitarismo e democracia - não só agravaram sentimentos da alma, inerente às pessoas, mas também levou a humanidade à beira da destruição. É por isso que o tema do confronto entre a vida e a morte tornou-se fundamental na música do século XX. O tema do autoconhecimento pessoal revelou-se não menos importante para a arte.

O século XX foi marcado por muitas inovações na arte e na literatura associadas a mudanças catastróficas na consciência pública durante revoluções e guerras mundiais. No final do século XIX e início do século XX, e especialmente na década pré-outubro, através de tudo Arte russa, e em particular na música, há um tema de antecipação de grandes mudanças que deveriam varrer a velha e injusta ordem social. Nem todos os compositores perceberam a inevitabilidade, a necessidade da revolução e simpatizaram com ela, mas todos ou quase todos sentiram a tensão antes da tempestade.

Novos conteúdos, como sempre, exigiam novas formas, e muitos compositores tiveram a ideia de atualizar radicalmente a linguagem musical. Em primeiro lugar, abandonaram o tradicional sistema europeu de modos e chaves. Surgiu o conceito de música atonal. É uma música em que um sistema claro de tons não é determinado pelo ouvido, e as consonâncias dos acordes (harmonias) se associam livremente, sem observar regras rígidas. Outra característica importante da linguagem musical do século 20 foram os sons incomuns. Para transmitir imagens da vida moderna, eles usaram efeitos sonoros incomuns (retinidos e rangidos de metal, barulho de máquinas e outros sons “industriais”) e inventaram novas ferramentas. No entanto, outro caminho produziu resultados mais interessantes. Os compositores experimentaram instrumentos tradicionais: timbres mistos, tocados em registros inusitados, técnicas técnicas alteradas. E descobriu-se que uma orquestra sinfônica clássica ou formas operísticas podem mostrar perfeitamente a vida de uma cidade com seu complexo sistema de sons e ruídos e, o mais importante, as reviravoltas imprevisíveis de pensamento e “torções” na psique humana no final de o 2º milénio.

No entanto, as buscas inovadoras não levaram de forma alguma ao abandono das tradições. Foi o século XX que reviveu herança musical eras passadas. Depois de duzentos e trezentos anos de esquecimento, as obras de Monteverdi, Corelli e Vivaldi, mestres alemães e franceses do século XVII, começaram a ser ouvidas novamente.

A atitude em relação ao folclore mudou radicalmente. No século 20 surgiu um novo movimento - o neofolclorismo (do grego "neos" - "novo" e "folclore"). Os seus apoiantes apelaram à utilização de músicas folclóricas gravadas em áreas rurais profundas, e não “suavizadas” num estilo urbano. Tendo entrado na complexa estrutura de uma sinfonia, sonata ou ópera, tal canção trouxe à música uma paixão sem precedentes, uma riqueza de cores e entonações.

Na virada dos séculos XIX para XX, uma nova direção artística– expressionismo (do latim expressio – “expressividade”). Seus representantes refletiram em suas obras a trágica visão de mundo do homem durante a Primeira Guerra Mundial - desespero, dor, medo da solidão. “A arte é um grito de socorro daqueles que vivenciam dentro de si o destino da humanidade”, escreveu o fundador do expressionismo na música, Arnold Schoenberg (1874-1951).

Arnold Schoenberg

O expressionismo musical desenvolveu-se na Áustria, mais precisamente, na sua capital, Viena. Seus criadores são Arnold Schoenberg, Alban Berg e Anton Webern. A comunidade criativa de compositores entrou na história da música com o nome de Escola Nova Vienense (Novovenskaya). Cada um dos mestres seguiu seu caminho na arte, mas suas obras também têm muito em comum. Em primeiro lugar, o espírito trágico da música, o desejo de experiências agudas e choques profundos. Por trás disso está uma intensa busca espiritual, um desejo de ganhar religiosidade e ideais morais, perdido pela maioria pessoas modernas. Finalmente, todos os três compositores desenvolveram um método unificado de compor música - o sistema dodecafônico, que mudou drasticamente as ideias tradicionais sobre a estrutura modal e harmônica de uma obra.

O trabalho de Schoenberg resolve um problema principal - expressar o sofrimento humano através da música. Pressentimentos pesados ​​​​e lânguidos, um sentimento de horror melancólico são soberbamente transmitidos já nos primeiros trabalhos - Five Pieces for Orchestra (1909). Em termos de humor e forma, estes são prelúdios de câmara, mas foram escritos para uma grande orquestra sinfônica, e o design de som sutil e transparente alterna com poderosos “gritos” de sopros e batidas de tímpanos.

O resultado das reflexões de Schoenberg sobre os acontecimentos da Segunda Guerra Mundial foi a cantana "A Survivor from Warsaw" (1947) para leitor, coro e orquestra. O texto utilizado são histórias verdadeiras de testemunhas oculares do massacre nazista dos habitantes do gueto judeu de Varsóvia. A música desta composição em grande escala, construída em uma série, segue as melhores tradições do expressionismo - é complexa, trágica e intensamente emocional. O compositor parece tentar apresentar seus heróis diante de Deus e da Eternidade e assim mostrar que seu sofrimento não foi em vão. A cantata termina com o canto de uma oração, e sua música, baseada nos sons da mesma série, cresce organicamente a partir da escuridão trágica das partes anteriores.

Vanguarda

As novas condições da realidade social tiveram impacto em toda a cultura artística como um todo, por um lado, dando um novo fôlego à tradição clássica, e por outro, fazendo nascer uma nova arte - a vanguarda (do “vanguarda” francesa - indo em frente), ou modernismo (do lat. “modernus” – novo, moderno), que refletia mais plenamente a face da época. Essencialmente, o termo “modernismo” denota tendências artísticas, movimentos, escolas e atividades de mestres individuais do século XX que proclamaram a liberdade de expressão como base do seu método criativo.

O movimento de vanguarda musical abrange os anos 50 aos 90. Século XX. Surgiu após a Segunda Guerra Mundial não por acaso: os choques dos tempos de guerra, e depois uma mudança brusca no modo de vida, causaram decepção nos valores morais e culturais de épocas anteriores. Representantes da geração dos anos 50-60. Queria me sentir livre das tradições, criar minha própria linguagem artística.

A vanguarda musical costuma incluir a chamada música concreta, baseada na liberdade das harmonias tonais, e não nas séries harmônicas: o sonorismo é um dos tipos de técnicas composicionais modernas que utiliza principalmente sons coloridos (latim “sonorus” - sonoro , barulhento) e praticamente ignora conexões precisas de afinação, música eletrônica. As primeiras pesquisas na direção da vanguarda foram empreendidas no início do século XX pelo compositor russo A.N. Scriabin. Alguns ouvintes ficaram cativados por sua música com seu poder inspirador, enquanto outros ficaram indignados com sua singularidade.

UM. Scriabin

A busca por novos métodos de criatividade deu vida a muitos estilos incomuns. Os compositores usam equipamentos eletrônicos de gravação e reprodução de som como instrumentos “clássicos” – gravadores, sintetizadores e, nos últimos anos, computadores. O surgimento da música eletrônica foi causado pelo desejo de atrair a atenção para os “clássicos” de milhões de fãs de pop e rock (onde instrumentos eletrônicos pertence à posição de liderança). Porém, os compositores que trabalham nesta área também têm outro objetivo. Estão a tentar explorar a complexa relação entre o homem e o mundo da tecnologia, que subjuga cada vez mais a consciência das pessoas. Diálogo "ao vivo" entre um músico e seu "duplo" eletrônico nos mais trabalhos talentosos assume um profundo significado simbólico.

Acontecendo

Desde os anos 50 na música, como em outras formas de arte (por exemplo, no teatro), existe uma direção chamada acontecimento (do inglês, acontecendo - “acontecendo”, “acontecendo”). Sua fonte pode ser considerada a obra "4" 33 "(1954) do compositor americano John Cage (nascido em 1912). Entra em cena um pianista, que fica sentado em silêncio ao piano por quatro minutos e trinta e três segundos, depois fica levanta-se e sai A estreia foi um escândalo: o público esclarecido decidiu que estava simplesmente zombando, e a pessoa comum teve a oportunidade de comentar condescendentemente: “Eu também posso fazer isso”. planos do autor, mas não era um fim em si mesmo, Cage transformou fenômenos da realidade circundante em uma obra musical: silêncio enquanto esperava o início do jogo, sons emitidos pelos ouvintes (tosse, sussurros, rangidos de cadeiras, etc. ) O público e o músico agiram assim como intérpretes e autores espontâneos da peça resultante, a música transformada de uma imagem auditiva em uma imagem visual. Isto mais tarde se tornou uma característica distintiva do acontecimento: a performance da obra torna-se, de fato. , uma pantomima silenciosa. John Gaiola

A arte musical do século XX está repleta de ideias inovadoras. Marca uma mudança radical em todos os aspectos da linguagem musical. No século XX, a música serviu frequentemente como fonte de representação de terríveis acontecimentos históricos que marcaram época, cujas testemunhas e contemporâneos foram a maioria dos grandes compositores desta época, que se tornaram inovadores e reformadores.

CONCLUSÃO

Assim, o século XX foi um século de diversidade na música. A música do século XX, tal como nos séculos anteriores, refletia o mundo espiritual e emocional das pessoas, porque o ritmo da vida humana acelerou, tornou-se mais difícil e intenso.

Acontecimentos trágicos e contradições - guerras, revoluções, progresso científico e tecnológico, totalitarismo e democracia, não só agravaram as experiências emocionais inerentes às pessoas, mas também levaram a humanidade à beira da destruição. É por isso que o tema do confronto entre a vida e a morte tornou-se fundamental na música do século XX.

O tema do autoconhecimento pessoal revelou-se não menos importante para a arte. Cada vez mais representantes das novas gerações queriam sentir-se livres das tradições e criar a sua própria linguagem artística.

A arte musical do século XX é extraordinariamente volumosa. Talvez não exista um único estilo musical histórico que não se reflita de uma forma ou de outra no colorido caleidoscópio musical do século XX. Nesse sentido, o século foi um marco. Tudo o que os séculos anteriores de desenvolvimento musical acumularam e toda a singularidade das culturas musicais nacionais tornaram-se subitamente propriedade pública.

Cada época nos deu seus gênios. Quer sejam compositores do século XIX ou do século XX, as suas obras já ocuparam o seu lugar na história da humanidade e tornaram-se um modelo para todas as gerações não só na música, e, apesar da idade da criação, pretendem servir para o alegria das pessoas.

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Entre essas melodias há uma melodia para qualquer estado de espírito: romântico, positivo ou triste, para relaxar e não pensar em nada ou, pelo contrário, para organizar os pensamentos.

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O compositor e pianista italiano trabalha na direção do minimalismo, recorre frequentemente à música ambiente e combina habilmente a música clássica com outros estilos musicais. Ele é conhecido por um amplo círculo de composições atmosféricas que se tornaram trilhas sonoras de filmes. Por exemplo, você provavelmente reconhece a música do filme francês “1 + 1”, escrita por Einaudi.

themagger.net

Glass é uma das personalidades mais polêmicas do mundo dos clássicos modernos, que ou é elogiado até os céus ou criticado com esmero. Ele toca em seu próprio grupo, o Philip Glass Ensemble, há meio século e escreveu músicas para mais de 50 filmes, incluindo The Truman Show, The Illusionist, Taste of Life e Fantastic Four. As melodias do compositor minimalista americano confundem a linha entre a música clássica e a popular.

latimes. com

Autor de inúmeras trilhas sonoras, melhor compositor de cinema de 2008 pela European Film Academy e pós-minimalista. Ele conquistou a crítica com seu primeiro álbum Memoryhouse, no qual a música de Richter foi sobreposta a leituras de poesia, e os álbuns subsequentes também usaram prosa literária. Além de escrever suas próprias composições ambientais, ele faz arranjos de obras clássicas: “As Quatro Estações” de Vivaldi em seu arranjo liderou as paradas de música clássica do iTunes.

Este criador de música instrumental italiano não está associado ao aclamado cinema, mas já é conhecido como compositor, virtuoso e experiente professor de piano. Se você descrever a música de Marradi em duas palavras, elas seriam “sensuais” e “mágicas”. Suas criações e capas vão agradar aos amantes dos clássicos retrô: as notas do século passado ficam evidentes nos motivos.

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O famoso compositor de filmes criou acompanhamento musical para muitos filmes e desenhos animados de bilheteria, incluindo Gladiador, Pearl Harbor, Inception, Sherlock Holmes, Interestelar, Madagascar e O Rei Leão. Sua estrela está na Calçada da Fama de Hollywood, e em sua estante estão o Oscar, o Grammy e o Globo de Ouro. A música de Zimmer é tão variada quanto esses filmes, mas independentemente do tom, ela toca o coração.

musicaludi.fr

Hisaishi é um dos mais famosos compositores japoneses, tendo recebido quatro prêmios da Academia Japonesa de melhor música para cinema. Ele ficou famoso por compor a trilha sonora do anime Nausicaä of the Valley of the Wind, de Hayao Miyazaki. Se você é fã das obras do Studio Ghibli ou dos filmes de Takeshi Kitano, provavelmente admira a música de Hisaishi. É principalmente leve e leve.

twitter.com/theipaper

Este multi-instrumentista islandês é apenas um menino comparado aos mestres listados, mas aos 30 anos já se tornou um neoclassicista reconhecido. Ele gravou acompanhamento para um balé, ganhou um prêmio BAFTA pela trilha sonora da série de TV britânica “Murder on the Beach” e lançou 10 álbuns de estúdio. A música de Arnalds lembra um vento forte em uma praia deserta.

yiruma.manifo.com

As obras mais famosas de Lee Ru Ma são Kiss the Rain e River Flows in You. O compositor e pianista coreano da Nova Era escreve clássicos populares que são compreensíveis para ouvintes de qualquer continente, com qualquer gosto musical e formação. Suas melodias leves e sensuais se tornaram o início do amor pela música para piano para muitos.

Dustin O’Halloran

fraturadair.com

O compositor americano é interessante porque não tem formação musical, mas ao mesmo tempo escreve as músicas mais agradáveis ​​​​e bastante populares. As músicas de O'Halloran foram usadas no Top Gear e em vários filmes. Talvez a trilha sonora de maior sucesso tenha sido a do melodrama “Like Crazy”. Este compositor e pianista sabe muito sobre a arte de reger e como criar música eletrônica. Mas seu campo principal são os clássicos modernos. Cacciapaglia gravou vários álbuns, três deles com a Royal Philharmonic Orchestra. Sua música flui como água, é uma ótima maneira de relaxar com ela.

Que outros compositores contemporâneos valem a pena ouvir?

Se você adora o épico, adicione Klaus Badelt, que trabalhou com Zimmer em Piratas do Caribe, à sua playlist. Você também não pode perder Jan Kaczmarek, Alexandre Desplat, Howard Shore e John Williams - você precisa escrever um artigo separado para listar todos os seus trabalhos, méritos e prêmios.

Para música neoclássica mais saborosa, confira Nils Frahm e Sylvain Chauveau.

Se você não se cansa, lembre-se do criador da trilha sonora de "Amelie" Yann Tiersen ou descubra o compositor japonês Tammon: ele escreve melodias arejadas de contos de fadas.

Quais músicas de compositores você gosta e quais não? Quem mais você adicionaria a esta lista?