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Compositor francês. 22 de agosto de 1862 em Saint-Germain-en-Laye, perto de Paris, em uma família de renda modesta - seu pai era um ex-fuzileiro naval, então coproprietário de uma loja de faiança. As primeiras aulas de piano foram ministradas à criança superdotada por Antoinette-Flora Mothe (sogra do poeta Verlaine).

Em 1873, Debussy ingressou no Conservatório de Paris, onde durante 11 anos estudou com A. Marmontel (piano) e A. Lavignac, E. Durand e O. Basil (teoria musical). Por volta de 1876 compôs seus primeiros romances baseados em poemas de T. de Banville e P. Bourget. De 1879 a 1882 ele passou as férias de verão - primeiro no Castelo de Chenonceau e depois com Nadezhda von Meck - em suas casas e propriedades na Suíça, Itália, Viena e Rússia.

Durante essas viagens, novos horizontes musicais se abriram diante dele, e seu conhecimento das obras de compositores russos da escola de São Petersburgo revelou-se especialmente importante. Apaixonado pela poesia de De Banville (1823-1891) e de Verlaine, o jovem Debussy, dotado de uma mente inquieta e propenso à experimentação (principalmente no campo da harmonia), gozava de fama de revolucionário. Isto, no entanto, não o impediu de receber o Prémio Roma pela sua cantata em 1884. Filho pródigo(L'Enfant prodigue).

Debussy passou dois anos em Roma. Lá conheceu a poesia dos pré-rafaelitas e começou a compor um poema para voz e orquestra, A Virgem Escolhida, a partir de um texto de G. Rossetti (La Demoiselle lue). Ele tirou impressões profundas de suas visitas a Bayreuth, e a influência de Wagner se refletiu em seu ciclo vocal, Cinq Pomes de Baudelaire (Cinco Poemas de Baudelaire). Entre outros hobbies jovem compositor- orquestras exóticas, javanesas e anamitas, que ouviu na Exposição Mundial de Paris em 1889; as obras de Mussorgsky, que naquela época penetravam gradativamente na França; ornamentação melódica do canto gregoriano.

Em 1890, Debussy começou a trabalhar na ópera Rodrigue et Chimine baseada no libreto de K. Mendes, mas dois anos depois deixou a obra inacabada (por muito tempo o manuscrito foi considerado perdido, depois foi encontrado; a obra foi instrumentada do compositor russo E. Denisov e encenado em vários teatros). Na mesma época, o compositor tornou-se visitante regular do círculo do poeta simbolista S. Mallarmé e leu pela primeira vez Edgar Allan Poe, que se tornou o autor preferido de Debussy. Em 1893, começou a compor uma ópera baseada no drama Pellas et Mlisande, de Maeterlinck, e um ano depois, inspirado na écloga de Mallarmé, completou o prelúdio sinfônico A Tarde de um Fauno (Prlude l "Aprs-midi d" un faune).

Debussy conheceu desde a juventude as principais figuras literárias deste período; entre seus amigos estavam os escritores P. Louis, A. Gide e o linguista suíço R. Godet. O impressionismo na pintura atraiu sua atenção. O primeiro concerto inteiramente dedicado à música de Debussy teve lugar em 1894 em Bruxelas, numa galeria de arte - tendo como pano de fundo novas pinturas de Renoir, Pissarro, Gauguin e outros. No mesmo ano, iniciaram-se os trabalhos de três noturnos para orquestra, originalmente concebidos como um concerto para violino do famoso virtuoso E. Ysaïe. O autor comparou o primeiro dos noturnos (Nuvens) com.

No final do século XIX. a obra de Debussy, considerada análoga ao impressionismo em artes plásticas e simbolismo na poesia, abraçou uma gama ainda mais ampla de associações poéticas e visuais. Entre as obras deste período estão o quarteto de cordas em sol menor (1893), que refletia a paixão pelos modos orientais, o ciclo vocal Prosa lírica (Proses Lyriques, 1892-1893) baseado em textos próprios, Canções de Bilitis (Chansons de Bilitis) baseado nos poemas de P. Louis, inspirou o idealismo pagão da Grécia Antiga, bem como Willow Tree (La Saulaie), um ciclo inacabado para barítono e orquestra baseado em poemas de Rossetti.

Em 1899, pouco depois de se casar com a modelo Rosalie Texier, Debussy perdeu até mesmo a pequena renda que tinha: seu editor J. Artmann morreu. Sobrecarregado de dívidas, ainda encontrou forças para terminar Nocturnos no mesmo ano, e em 1902 - a segunda edição da ópera em cinco atos Pelleas e Melisande. Encenado em Paris em 30 de abril de 1902, Pelléas causou sensação. Esta obra, notável em muitos aspectos (combina poesia profunda com sofisticação psicológica, a instrumentação e interpretação das partes vocais é surpreendentemente nova), foi classificada como a maior conquista no gênero operístico depois de Wagner. O ano seguinte trouxe o ciclo Estampes - já desenvolvia um estilo característico da obra para piano de Debussy. Em 1904, Debussy iniciou uma nova união familiar - com Emma Bardac, que quase levou ao suicídio de Rosalie Texier e causou publicidade impiedosa de algumas circunstâncias da vida pessoal do compositor. No entanto, isso não impediu a conclusão da melhor obra orquestral de Debussy - três esquetes sinfônicos do Mar (La Mer; tocados pela primeira vez em 1905), bem como maravilhosos ciclos vocais - Três Canções da França (Trois chansons de France, 1904) e o segundo caderno das festividades galantes baseado em poemas de Verlaine (Ftes galantes, 1904).

O melhor do dia

Durante o resto de sua vida, Debussy teve que lutar contra a doença e a pobreza, mas trabalhou incansavelmente e de forma muito frutífera. A partir de 1901, passou a aparecer em periódicos com resenhas espirituosas sobre acontecimentos da vida musical atual (após a morte de Debussy, foram coletadas na coleção Monsieur Croche - antidiletante, publicada em 1921). A maioria de suas obras para piano apareceu durante o mesmo período. Duas séries de Imagens (Imagens, 1905-1907) foram seguidas por uma suíte Canto infantil(Children's Corner, 1906-1908), dedicado a Shushu, filha do compositor (ela nasceu em 1905, mas Debussy só conseguiu formalizar seu casamento com Emma Bardac três anos depois).

Embora os primeiros sinais de câncer tenham surgido já em 1909, nos anos seguintes Debussy fez várias viagens de concertos para sustentar sua família. Ele conduziu próprios escritos na Inglaterra, Itália, Rússia e outros países. Dois cadernos de prelúdios para piano (1910-1913) demonstram a evolução da escrita distinta característica de estilo piano compositor. Em 1911, ele escreveu a música para o mistério de G. d'Annunzio O Martírio de São Sebastião (Le Martyre de Saint Sbastien), a partitura baseada em suas marcações foi feita pelo compositor e maestro francês A. Caplet. Apareceram imagens do ciclo orquestral Debussy há muito se sentia atraído pelo balé e, em 1913, compôs a música para o balé Games (Jeux), interpretado pela companhia de Sergei Diaghilev em Paris e Londres.

No mesmo ano, o compositor começou a trabalhar no balé infantil The Toy Box (La boоte а jojoux) - sua instrumentação foi completada por Caplet após a morte do autor. Esta tempestade atividade criativa foi temporariamente suspenso pela Primeira Guerra Mundial, mas já em 1915 surgiram inúmeras obras para piano, incluindo Doze Estudos (Douze tudes), dedicados à memória de Chopin. Debussy iniciou uma série de sonatas de câmara, até certo ponto baseadas no estilo da música instrumental francesa dos séculos XVII e XVIII. Conseguiu completar três sonatas deste ciclo: para violoncelo e piano (1915), para flauta, viola e harpa (1915), para violino e piano (1917). Ele ainda teve forças para refazer o libreto da ópera baseado na história de E. Poe A Queda da Casa de Usher - o enredo há muito atraía Debussy, e ainda na juventude ele começou a trabalhar nesta ópera; agora ele recebeu um pedido de G. Gatti-Casazza. O compositor morreu em Paris em 26 de março de 1918.

Debussy é um grande compositor, crítico, maestro, pianista francês e fundador do impressionismo musical. Achille Claude Debussy nasceu em uma pequena cidade em 1862. O pai do menino era um burguês pobre e tinha uma loja de louças chinesas. Aos 8 anos, Claude começou a aprender a tocar piano. Mais tarde, ele recebeu aulas de Antoinette Mothe de Fleurville, que afirmou ter estudado com o próprio Chopin. Além disso, ela era sogra de Verlaine. E foi ela quem aconselhou o menino a entrar no conservatório.

Aos 10 anos, Claude ingressou no conservatório para continuar seus estudos musicais. Seus professores foram Antoine Marmontey, Albert Lavignac, conhecido por sua paixão pelo tradicionalismo, e Frank Cesar. Mesmo assim, Claude tinha um estilo de jogo próprio, que não agradava aos professores. Aos 16 anos, o menino executou uma sonata de Schumann em um concurso. E só então os professores do conservatório o apreciaram - ficou em 2º lugar.

Só no início do verão de 1880, Debussy viaja pela Itália e Suíça com a família de Nadezhda von Meck. E ele passa o verão deste ano e do próximo na propriedade dela. Lá ele ensina música para crianças e pela primeira vez conhece compositores russos: Borodin, Balakirev, Tchaikovsky e outros. E isso terá posteriormente grande influência em seu trabalho.

Nas próximas duas décadas vem desenvolvimento criativo Debussy, começa a se envolver com o “simbolismo”, a se comunicar com muitos músicos e poetas famosos da época, escreve músicas baseadas em poemas de Verlaine e Baudelaire. Mas suas obras diferem do “simbolismo” clássico em sua graça e sofisticação.

Desde o início do século XIX, Debussy abandonou o “simbolismo” e passou para a natureza, cenas cotidianas e retratos. Ele expressa sua atitude em relação a esses tópicos de forma tão realista que eles se tornam quase tangíveis. Ainda há debate sobre quem é Debussy – um simbolista ou um impressionista.

A partir daí, Debussy tornou-se crítico musical. Como resultado desta atividade, em 1914 publicou o livro “Mr. Krosh - Anti-Amateur”, que contém todos os seus melhores artigos críticos.

Debussy dedicou os últimos anos de sua vida à realização de seu planos criativos: Concertos e apresentações frequentes.

Debussy faleceu aos 54 anos. Ao longo de toda a sua carreira criou três óperas, três balés, cinco obras para orquestra, obras para piano, conjunto de câmara, romances e canções. Os melhores foram reconhecidos como a ópera “Pelléas et Mélisande”, a fantasia sinfônica “O descanso da tarde de um fauno”, prelúdios, entre os quais se destacam “Passos na neve”, “A catedral submersa” e “A menina com cabelos louros”. destacam-se os noturnos “O Mar”, “A Suíte Bergamasca” e “Cantinho das Crianças” para piano.

Biografia 2

Claude Debussy (1862-1916) - compositor francês. Nasceu em uma família francesa média. Seu pai tinha sua própria loja onde faziam pratos, mas logo após o nascimento do filho, o pai vendeu sua fonte de renda. A família mudou-se para Paris, onde puderam dar uma boa educação ao filho.

No entanto, durante a Guerra Franco-Prussiana, Claude e sua mãe deixaram a capital e foram para Cannes para ficarem o mais longe possível das terríveis paisagens. Lá, Claude começa a se interessar por tocar piano e tem aulas com professores locais.

Depois ingressa no Conservatório de Paris, onde logo ganha o Prêmio Roma. Claude diferia de todos os outros estudantes pela sua relutância em submeter-se aos padrões. Ele tentou criar seu próprio estilo musical. Isso causou conflitos com os professores.

Ele trabalhou como pianista para Nadezhda von Meck. Graças a ela, Debussy viajou por vários países europeus, onde estudou estilos musicais. Mas alguns meses depois ele foi demitido porque ficou claro que estava apaixonado por uma das filhas de von Meck.

Em 1885 foi enviado para Roma, onde teve que “trabalhar” seus bônus. Este foi um período difícil na vida de Debussy. Os conflitos surgem novamente enquanto Claude tenta ir além da norma.

Debussy logo rompeu completamente com a academia depois que eles se recusaram a incluir uma de suas obras em um programa de concerto por ser muito inovadora.

Erik Satie desempenhou um papel importante na vida de Debussy. Em sua obra, o compositor viu algo novo, inusitado, algo que independe de padrões. Foi graças a este homem que o estilo individual de Debussy começou a tomar forma rapidamente.

Claude, que anteriormente admirava Wagner, escreve com desprezo sobre este homem. Ele diz que Wagner nunca serviu nem à música nem à Alemanha. Ninguém sabia o que causava uma relação tão fria entre Debussy e Wagner.

Em 1894, Claude Debussy escreveu "A Tarde de um Fauno". Este trabalho abre os primeiros passos para o impressionismo na música.

O segundo período da vida de Claude Debussy foi marcado por doenças, enfermidades e pobreza. No entanto, ele continuou a trabalhar duro em suas obras. Ele logo começou a fazer discursos sobre o estado da música na época. Todos os seus discursos após sua morte foram reunidos em uma coleção.

A família de Debussy estava necessitada, então ele trabalhava como maestro e ia a concertos em meio período. Então o compositor começou a escrever músicas para balé, que há muito o atraía. Em 1912, Claude começa a trabalhar no balé infantil "The Toy Box", mas não tem tempo para terminar o trabalho e morre. Kaple termina a música.

A obra do compositor foi interrompida pela Primeira Guerra Mundial. Mas já em 1915, Claude Debussy começou a trabalhar novamente e o mundo ouviu um grande número de novas composições para piano.

Giulio Gatti-Casazza contratou Debussy para escrever uma composição para a ópera. Até os últimos minutos de vida, o grande compositor trabalhou na encomenda, mas não teve tempo de terminar a obra.

Na Europa Ocidental música de piano No final do século XIX e início do século XX, as obras para piano de Debussy, juntamente com as obras de outro compositor francês - Maurice Ravel, o norueguês Edvard Grieg e o húngaro Bel Bartok, revelaram-se os maiores fenómenos artísticos.

O campo da música para piano ocupa um lugar muito importante na obra de Debussy. Sendo um pianista de primeira classe, Debussy dedicou-se às obras para piano ao longo de sua vida. As características mais típicas de sua obra relativas à esfera figurativa, diversidade de gênero e estilo foram encontradas mais personificação vívida em suas obras para piano.

A música para piano de Debussy, mais do que qualquer outra área da sua obra, sofreu uma evolução significativa desde o período inicial até ao final da actividade do seu compositor.

A originalidade da obra para piano de Debussy reside principalmente em sua estrutura figurativa. Nenhum dos compositores do passado incorporou na música para piano tamanha variedade e riqueza de temas associados às pinturas da natureza (“Névoas”, “Urze”, “Vento na Planície”, “Jardins na Chuva”).

Debussy não se esforçou por uma solução puramente pictórica (isto é, por uma solução específica e exata). imagem musical fenômenos do mundo circundante). Para ele, o problema do colorido e da cor esteve sempre associado à transferência de um certo estado de espírito, sentimento e atitude própria para uma determinada imagem poética. Cada esboço de paisagem tem uma certa coloração emocional - seja contemplação calma e sonhadora ou meditação majestosa; um humor severo e às vezes sombrio pode dar lugar instantaneamente a uma alegria inebriante.

Debussy também foi atraído pela possibilidade de incorporar cenas de gênero e retratos musicais na música para piano. Aqui o compositor revela a capacidade de criar uma imagem musical muito real e realista com alguns traços precisos (“Evening in Grenada”, suíte “Children's Corner”, prelúdios - “Girl with Flaxen Hair”, “Interrupted Serenade”, “ Portões da Alhambra”, “Menestréis” , "General Lyavin, o excêntrico").

Entre as obras para piano de Debussy estão também aquelas inspiradas em contos de fadas e motivos lendários (“Fadas - lindas dançarinas”, “Catedral Afundada”), obras de antigos arte antiga("Dançarinos Délficos", "Canopus")

Princípios da estrutura composicional obras de piano O compositor, assim como o tema, distinguem-se pela grande originalidade. De formas grandes dá preferência à suite para piano como género constituído por um conjunto de peças independentes (“Suíte Bergamas”, “Pequena Suite”, “Cantinho das Crianças”), ou miniaturas individuais. Evitando o desenvolvimento efetivo da imagem em suítes e miniaturas, Debussy a revela de vários lados com inúmeras tonalidades coloridas, substituindo-se rapidamente e por vezes criando uma sensação de “caleidoscopicidade”. Daí a propensão do compositor para gêneros de improvisação livre, como prelúdios, “Imagens”, “Estampas”.

Recusando formas tradicionais(sonata, variações, concerto), Debussy ainda manteve a harmonia e integridade da composição na maioria de suas obras. Ele evita a imprecisão e a amorfa da forma, dividindo-a claramente em seções internas usando cesuras, fermatas e paradas em movimento.

Debussy tornou-se o criador de um novo estilo de piano, original e original, contendo uma textura multifacetada, uma melodia escondida em um fundo harmônico, uma linguagem harmônica complexa baseada em mudanças inesperadas em tonalidades muito distantes, no uso frequente de consonâncias dissonantes não resolvidas, especialmente ritmos caprichosos e mutáveis.

O compositor cria novas técnicas de técnica pianística, baseadas em combinações complexas de seus diversos tipos - acordes e oitavas, passagens escalonadas e arpejadas, alternâncias alternadas de mãos. Muitas das obras de Debussy são caracterizadas por uma mudança inesperada de textura, causada por uma mudança nas imagens ou em seus tons coloridos. Debussy costuma usar o som simultâneo dos registros extremos do piano sem preencher o meio. Isso cria um efeito tridimensional e permite manter a transparência da textura.

O estilo das obras para piano do compositor é inseparável do seu estilo de execução e distingue-se por uma rejeição total de tudo o que é externo e ostentoso. Este é um estilo de câmara no melhor sentido da palavra, onde as capacidades virtuosas do instrumento estão sempre subordinadas a uma tarefa artística séria.

As obras de Debussy se distinguem por uma pedalada particularmente sutil e complexa (com uso extensivo de meios pedais), baseada na necessidade de atrasar o som de sons individuais e de complexos inteiros de acordes em longos trechos.

As obras do compositor exigem que os intérpretes tenham nuances e gradações de dinâmica sutis e variadas, além de domínio de técnicas colorísticas de produção sonora.

Em muitas das peças de Debussy encontramos frequentemente um grande número de instruções do autor para os intérpretes, revelando o lado figurativo da performance (“como uma reclamação terna e triste”, “temperamento explosivo”, “nervoso e bem-humorado”). Encontramos instruções semelhantes nas canções de Mussorgsky, onde também auxiliam o intérprete na revelação do conceito da obra. Muitas vezes essas instruções vêm de certas tarefas pitorescas e coloridas: “vibrar”, “espinhoso”, “soa baixinho na névoa espessa”, “quase tamboro” (“quase um tambor”). Eles mais uma vez enfatizam o desejo do compositor de expandir e enriquecer a paleta de timbres do piano, de subordinar completamente as tarefas técnicas virtuosas às artísticas e pictóricas.

Ao comparar a obra pianística de Debussy com o legado de seus grandes antecessores, que revolucionaram a música e a performance pianística mundial (Beethoven, Schumann, Chopin e Liszt), vemos que as obras de Debussy são certamente inferiores a eles em profundidade de conteúdo, em alcance emocional, em a escala de ideias e formas Mas este lado método artístico Debussy, como um artista colorido, contribuiu para a expansão máxima do timbre e das capacidades sonoras do piano e enriqueceu a literatura pianística do século XX com muitas obras maravilhosas.

Claude Achille Debussy (1862-1918). Representante do impressionismo musical. Obras famosas - Prelúdios, incluindo -"Passos na neve", "Menina com cabelo louro", Catedral submersa", ópera "Pelléas et Mélisande" fantasia sinfônica "Descanso da tarde de um fauno."

Claude Debussy nasceu em 22 de agosto de 1862 na pequena cidade de Saint-Germain-en-Pins. Foi o primeiro filho da família do dono de uma modesta loja chinesa, Manuel-Achille Debussy, e de sua esposa Victoria. O bebê tinha uma estranha testa dividida, o que poderia muito bem ser um sinal de hidrocefalia. Ao contrário dos temores de seus pais, Achille-Claude Debussy (o menino recebeu esse nome no batismo) cresceu como uma criança normal, embora o formato incomum de sua testa tenha permanecido a característica mais marcante de sua aparência ao longo de sua vida.

Depois de algum tempo, os assuntos financeiros do pai ficaram completamente perturbados e a família mudou-se para Paris. Por problemas de saúde, o menino não foi à escola; sua mãe lhe deu o ensino primário, graças a ela, Debussy manteve seu amor por tudo que é refinado e refinado ao longo de sua vida.

Claude e seus irmãos passavam muito tempo na casa de Achille-Antoine Arosa, um homem tão culto quanto rico. Ele gostava especialmente de pintar e colecionar pinturas. Arosa também apoiou jovens artistas que mais tarde ficaram conhecidos como "Impressionistas". Debussy poderia conhecer alguns deles pessoalmente. As cores vivas da natureza meridional, onde se localizava a mansão de um rico patrono das artes, as pinturas impressionistas e as primeiras impressões musicais fizeram com que o jovem Claude não pudesse escolher o que fazer: pintar quadros ou tocar piano. O pai tinha certeza de que seu filho se tornaria marinheiro.

As dúvidas foram dissipadas por Madame Mothe de Fleurville, a primeira professora de Debussy, com quem ele começou a estudar ao retornar a Paris. Esta senhora estudou algum tempo com Chopin, conheceu Wagner e muitas celebridades musicais da época visitaram de boa vontade seu salão. Os anos de estudo com o famoso pianista - de 1870 a 1873 - foram ofuscados por acontecimentos que foram um grande teste para a França. A Guerra Franco-Prussiana de 1871 terminou em derrota para os franceses. A humilhação da nação resultou em protestos abertos, os habitantes da cidade construíram barricadas e proclamaram uma comuna de curta duração. Durante dois meses ocorreram combates nas ruas da cidade, milhares de pessoas morreram, outras foram baleadas posteriormente.

Uma situação difícil também se desenvolveu na própria casa de Madame de Fleurville. Sua filha era esposa de Paul Verlaine, que acabara de trazer Arthur Rimbaud, de dezessete anos, para casa. Havia uma conexão completamente aberta entre os dois poetas, e os hábitos e opiniões de Rimbaud simplesmente chocaram aqueles que o rodeavam. Um hooligan, um libertino, um livre-pensador e um anarquista - tudo isso coexistia nele com as imagens bizarras da poesia simbolista. Madame de Fleurville continuou a preparar Claude para os exames, apesar do divórcio da filha e da prisão que ameaçava o genro, que feriu Rimbaud com um tiro de revólver.

Depois de ingressar no conservatório, Debussy ingressou na turma de Antoine Marmontel, que dava aulas para crianças avançadas. Debussy teve um relacionamento caloroso com o professor de solfejo Albert Lavignac. E o professor de composição Ernest Guiraud apreciava tanto as novas ideias de seus alunos que eles logo se tornaram grandes amigos. Sob sua orientação, Debussy começou a reconhecer seu talento único como compositor.

Os anos de estudo no conservatório, de 1873 a 1879, foram repletos de impressões artísticas vívidas para Debussy. COM primeiros anos, que amava e entendia a arte, Debussy não pôde deixar de assistir às primeiras exposições dos impressionistas, que aconteceram em 1874 e 1875 em um salão privado. Debussy reverenciava profundamente a música de G. Berlioz e C. Saint-Saëns, admirava as ricas cores musicais das óperas de Massenet e estava interessado na obra do compositor belga Cesar Franck. As apresentações frívolas na Ópera-Comique também não passaram despercebidas. E durante a apresentação do balé “Namuna” de Lalo ele gritou e aplaudiu tanto que foi retirado do teatro.

No verão de 1880, Debussy teve a oportunidade de expandir seus horizontes. Graças à recomendação de Marmontel, Debussy conheceu Nadezhda Filaretovna von Meck. O nome desta mulher extraordinária está associado principalmente ao nome de P. I. Tchaikovsky, cujo patrono ela permaneceu por mais de dezesseis anos. Após a morte do marido, engenheiro de minas, ela herdou uma grande fortuna, que gastou em seu grande amor - a música, viajando pela Europa com seus onze filhos e no trio de músicos de sua casa. Pelo acordo, Debussy passaria o verão em sua casa como pianista. Viveu com a família von Meck durante quase três meses, período durante o qual visitou a Suíça e as mais belas cidades da Itália: Roma e Florença. E nos próximos dois anos, Debussy passará as férias de verão na companhia da família von Meck - em sua propriedade nas proximidades de Podolsk e viajando pela Europa.

Debussy é atraído por um objetivo elevado - o Prix de Rome, que permite ao vencedor continuar três anos viver e melhorar sua arte às custas do governo francês em Roma, na Villa Medici. Somente na segunda tentativa Debussy alcançou seu objetivo - sua cantata “O Filho Pródigo” foi muito apreciada por Charles Gounod, autor do famoso “Fausto”. Debussy viveu em Roma de 1884 a 1887. Apreciou os tesouros da arte guardados em galerias de arte e museus, as performances de rua da Commedia Dell'Arte com as imagens eternas de Arlequim, Columbine e Pulcinella. Ele ouviu as missas de Palestrina e di Lasso em uma pequena igreja e pôde conhecer pessoalmente lendas musicais Século XIX: F. Liszt e D. Verdi. Parecia que a pérola da arquitetura renascentista, construída em 1557, a Villa Medici, os antigos monumentos da cidade “eterna” e a sociedade de talentosos jovens franceses deveriam criar uma atmosfera criativa especial. Mas Debussy ficou desapontado com suas expectativas. As condições de vida não lhe agradavam; os olhares e as conversas das pessoas ao seu redor o irritavam. Nesse clima, trabalha o poema sinfônico “Primavera”, inspirado em uma pintura de Botticelli. Esta obra em duas partes para coro sem palavras foi a única obra concluída durante sua vida na Villa Medici.

Retornando a Paris, Debussy foi forçado a ganhar seu próprio sustento. Dá aulas particulares, arranja, sem parar de escrever música: pequenas peças de salão e canções baseadas em poemas de poetas simbolistas da época, de quem se aproximou nos encontros na casa de Stéphane Mallarmé. Mallarmé apresenta a Debussy a ideia de uma síntese das artes, que se torna uma revelação para ele.

Nesse período, Debussy escreveu as Cinco Canções de Baudelaire e completou o oratório “A Virgem, a Eleita” baseado no poema de Rosseti, que iniciou na Itália. Ele vai com ela para Londres, na esperança de despertar o interesse dos britânicos em seu novo trabalho. A maior cidade do mundo o conquistou, mas os britânicos naquela época não estavam nem um pouco interessados ​​na música francesa. Em 1888 e 1889, Debussy assistiu a apresentações de óperas de R. Wagner em Bayreuth. A atmosfera semi-religiosa que reinava na cidade diminuiu um pouco o entusiasmo do jovem Debussy pela obra do grande alemão.

Debussy continuou seus experimentos musicais, passando a usar uma escala cromática de 12 tons em vez das escalas maiores e menores. Nesta época escreveu: Dois Arabescos, uma Pequena Suite, um ciclo de canções “Forgotten Ariettas” baseado em poemas de Verlaine, completou Fantasia para piano e orquestra, bem como a famosa “Suíte Bergamas”.

A Exposição Mundial realizada em Paris em 1889-1890 teve uma influência muito significativa na obra de Debussy. Abalou a capital como uma descarga elétrica: a estrutura de aço da Torre Eiffel ergueu-se acima da cidade, e a riqueza cultural e material de diferentes países foi demonstrada em inúmeras tendas e pavilhões. Soavam melodias autênticas húngaras e ciganas, música folclórica da Europa, África e países árabes. Foi também uma celebração da música russa, tradicionalmente considerada exótica: “Night on Bald Mountain” de M. Mussorgsky, trechos de “Prince Igor” de A. Borodin, “Capriccio Espagnol” de N. Rimsky - Korsakov. Os concertos em que N.A. Rimsky-Korsakov atuou como maestro soaram como uma revelação para os parisienses. Depois disso, Debussy dedicou quase quatro anos ao estudo da partitura de “Boris Godunov” de M. Mussorgsky, na qual ficou muito impressionado com os ritmos, que lembram a fala de um recitador.

Em 1892, Debussy conheceu a peça “Pelléas et Mélisande” de M. Maeterlinck, que havia sido publicada recentemente. Ele imediatamente percebeu que este era apenas o texto que lhe permitiria dar vida às suas ideias. Debussy imediatamente esboçou vários temas para a ópera planejada. Começa também a trabalhar no Quarteto de Cordas, recorrendo ao poema de S. Mallarmé “A Tarde de um Fauno”. A execução do Prelúdio de “A Tarde de um Fauno” em 22 de dezembro de 1894 tornou-se o primeiro verdadeiro sucesso do compositor. Em pouco tempo, Fauno ganhou fama internacional. Finalmente, aos trinta e três anos, Debussy encontrou a sua própria voz e o seu nome tornou-se conhecido.

O trabalho em Pelléas et Mélisande progrediu cada vez mais lentamente. Debussy foi extremamente exigente com tudo o que escreveu. A primeira versão da ópera foi concluída na primavera de 1895; em um círculo de pessoas e amigos com ideias semelhantes, o próprio Debussy tocou a partitura inteira, cantando todas as árias. Apesar de todos os presentes terem demonstrado admiração pela nova criação do compositor, ele voltou ao início e refez quase todos os versos. Isso exigiu extrema dedicação e mais dois anos de trabalho.

Nesta época conheceu o compositor espanhol Albéniz e Maurice Ravel. Longas conversas entre os três compositores foram dedicadas principalmente à técnica de tocar piano, que Albeniz tinha um domínio notável, e à música espanhola. Tanto Debussy quanto Ravel não resistiram ao seu charme. Os nomes de Debussy e Ravel são frequentemente mencionados juntos, mas, exceto nesse período, eles nunca tiveram um relacionamento próximo e sua amizade logo se desfez. A habilidade de Albéniz como pianista levou Debussy a começar a compor uma Suíte para piano em três movimentos em 1896.

Em 1899, Debussy completou Noturnos para orquestra sinfônica e coro feminino, que mais tarde dedicaria à sua esposa. Debussy casou-se com uma costureira da Borgonha, Rosalie Texier. Ela era econômica e prática; os assuntos familiares de Debussy foram temporariamente colocados em ordem. Num pequeno apartamento que o jovem casal alugou, conseguiu montar para si um escritório, que pintou nas suas cores verdes preferidas, decorado com seda chinesa e gatos decorativos. Lá ele continuou a trabalhar em Pelléas et Mélisande.

Em 1901 ele conseguiu completar a Suíte para Piano. A ópera Pelléas et Mélisande estava em fase de conclusão e estava prevista para ser encenada na Opera-Comique no próximo ano. Enquanto decorriam os trabalhos nestas obras, todas as três partes dos “Nocturnos” - “Nuvens”, “Celebrações” e “Sereias” - foram executadas pela primeira vez e foram recebidas com entusiasmo tanto pelos ouvintes como pela crítica. Debussy, confiante de que sua música seria calorosamente recebida, finalmente se deixou persuadir a entregar a partitura de Pelléas et Mélisande ao teatro. Em 13 de janeiro de 1902 começaram os ensaios.

Depois de dez anos criando a ópera, encená-la pareceu a Debussy uma tarefa sem esperança. Conflito com Maeterlinck, ofendido pela recusa de Debussy em levar sua esposa, Georgette Leblanc, para desempenhar o papel principal, dificuldades financeiras que chegaram aos processos judiciais. Na estreia, os problemas começaram já no segundo ato: risadas, show de gatos. Os amigos e apoiadores de Debussy, incluindo Pierre Lalo e Paul Dukas, formaram uma frente unida e as discussões ruidosas continuaram até o final da apresentação. Gradualmente, a ópera começou a ser aceita com cada vez mais calma. De apresentação em apresentação - eram quatorze naquele verão - a ópera ganhou força. O governo francês concedeu-lhe a Cruz de Honra.

Debussy agora passa os verões na casa dos pais de Lily em Besheney. Aqui ele começou a trabalhar em seu próprio libreto para a segunda ópera planejada baseada na história de Edgar Allan Poe, “O Diabo na Torre do Sino”. O compositor ainda dedicou muito tempo à composição de músicas para piano: Cadernos de Esboços, Gravuras e Gravuras. Debussy estuda periodicamente atividade crítica, ele sabia como expressar seus pensamentos de forma precisa e concisa. Uma viagem a Londres para a produção de "Anel dos Nibelungos" através do Canal da Mancha, planos de infância para uma carreira de marinheiro e, o mais importante - uma pintura muito estilizada representando o mar, pincéis do artista japonês Hokusai, a quem Debussy profundamente admirado - tudo isso se tornou fonte de inspiração para a criação do retrato sonoro do elemento mar – Esboço Sinfônico “Mar”.

Os problemas financeiros não abandonaram Debussy, ele foi obrigado a dar aulas particulares, e foi graças a isso que em 1904 ocorreu um encontro que mais uma vez virou dramaticamente sua vida de cabeça para baixo. Raoul Bardac, que teve aulas com Debussy, apresentou-o à sua mãe, Emma Bardac, esposa de um banqueiro de sucesso. Debussy já admirava sua voz antes, quando a ouvia nos salões de seus amigos ricos. Da amizade, o relacionamento deles cresceu para algo mais - naquela época Debussy já havia finalmente decidido romper com Lily. Ele passa os verões com Madame Bardac na ilha de Jersey, onde escreve as peças para piano Masks e The Island of Joy, ambas inspiradas nas pinturas de Antoine Watteau, um artista do século XVIII. Lily, tomada pelo desespero, tentou atirar em si mesma. Debussy não a visitou no hospital, deixando suas contas médicas sem pagar. Um escândalo estourou e muitos amigos e músicos lhe deram as costas.

Apesar do estado de “extremo vazio” causado pelo escândalo em torno do seu divórcio, Debussy encontrou forças para trabalhar: Danças (“Sagradas” e “Profanas”) para harpa e orquestra, encomendadas pela companhia de Pleyel para demonstrar as capacidades do nova – cromática – harpa, “ Três Canções da França" baseada nos poemas de Charles d'Orléans e a segunda série de "Celebrações Galantes" - ambas as séries foram lançadas com uma dedicatória: "À minha pequena Emma, ​​​​com gratidão. "

Emma estava esperando um filho, o que se tornou o momento mais feliz para Debussy nesse período de sua vida cheio de problemas e dificuldades financeiras. A menina recebeu o nome de Claude-Emma, ​​​​mas na família ela era carinhosamente chamada de Shushu. Logo depois disso, Emma se divorciou oficialmente do marido, e seu ex-marido teve que pagar-lhe uma quantia significativa de pensão alimentícia - e Debussy finalmente se casou com ela. Por um curto período, eles puderam viver em abundância. Debussy até comprou um gato, um animal cuja semelhança era frequentemente notada.

Debussy busca cada vez mais a solidão. Já não visto nos cafés e restaurantes da moda que tantas vezes visitou nos tempos da sua juventude despreocupada, ficou agora fascinado pela ideia de uma imersão mística na música. Em 1905 ele escreveu a primeira de duas séries de peças para piano sob o título geral "Imagens". Aqui Debussy experimenta harmonia e modo, evitando tonalidades maiores e menores. A primeira apresentação do ciclo foi um grande sucesso. Debussy terminará a segunda série em 1907, continuando suas experiências no campo da técnica pianística, explorando as possibilidades “visuais” do impressionismo. Ele usa três linhas de notas em vez das tradicionais duas, visando expandir ainda mais o alcance sonoro. Debussy tira força de sua família - o quarto das crianças e os primeiros passos de Shushu o inspiraram a escrever a suíte para piano “Children's Corner” em 1906, como um sinal de terno amor por sua esposa e filha.

O interesse pela música de Debussy está crescendo rapidamente na Inglaterra; ele virá aqui várias vezes para dar concertos, regendo suas próprias composições. A fama mundial chega ao compositor após as produções de Pelléas et Mélisande na Alemanha e na Itália, e principalmente na América, onde o sucesso foi tão retumbante que o diretor do teatro veio a Paris para comprar os direitos de encenar várias outras óperas que Debussy planejava escrever , segundo rumores, em um futuro próximo. Debussy admitiu honestamente que essas obras ainda existiam apenas em esboços, a obra avançava muito devagar e, muito provavelmente, ele não terminaria nada na hora marcada, mas foi persuadido a aceitar o adiantamento. Debussy acabou por ter razão; todas essas óperas permaneceram projetos, que, no entanto, ele não esqueceu até o fim da vida.

No verão de 1909, devido a fortes dores, foi forçado a consultar um médico. O diagnóstico foi: câncer de estômago. Mas as dificuldades financeiras não abandonaram Debussy e ele foi forçado a continuar trabalhando, superando a dor. No mesmo ano, Debussy recebeu um cargo de responsabilidade no Conservatório de Paris - participou dos trabalhos do júri dos concursos. E isso o fascinou tanto que um ano depois ele escreveu Rapsódia para clarinete e piano especificamente para testar os competidores. Além disso, está a trabalhar numa série de “Imagens” para orquestra, que inclui, inspiradas em motivos espanhóis, “Iberia” e “Spring Round Dances”, ao som de uma canção folclórica francesa.

O ano de 1909 foi marcado pela primeira visita do Ballet Russo a Paris, no Teatro Chatelet. As “danças polovtsianas” da ópera “Príncipe Igor” de Borodin, interpretadas pela trupe de Diaghilev, literalmente explodiram o palco parisiense. Sobre próximo ano O Ballet Russo traz “Scheherazade” baseado na suíte de Rimsky-Korsakov e no Ballet do jovem compositor russo I. Stravinsky “O Pássaro de Fogo”. Este foi o ímpeto para toda uma revolução nas artes decorativas e o início da “febre russa”. Salões inteiros em uma noite mudaram seus interiores imitando o esplendor bárbaro das decorações de L. Bakst. As mulheres usavam roupas esvoaçantes inspiradas em seus ternos. As produções do Balé Russo chocaram Debussy incrivelmente, e o respeito mútuo surgiu entre Stravinsky e Debussy, que mais tarde se transformou em amizade.

Num dia de maio de 1911, estava marcada a estreia da obra da segunda fase de Debussy, o Mistério “O Martírio de São Sebastião”, escrita em colaboração com o poeta italiano Gabriele d’Annuzio. Este Mistério, cuja música foi escrita por um pagão reconhecido, e o papel de um santo cristão foi interpretado por uma dançarina judia, Ida Rubinstein, não poderia deixar de causar conflitos religiosos. Debussy foi forçado a dar desculpas. Decepcionado, Debussy, porém, continuou a trabalhar em obras teatrais - em 1912, concordou com a produção de “A Tarde de um Fauno” de Vaclav Nezhinsky, aceitou novas encomendas, inclusive para o balé “Jogos” para as temporadas russas (o a performance será encenada em 1915, mas novamente sem sucesso).

Para Debussy, sua família era seu mundinho, onde ele podia mergulhar completamente na paz. A maior alegria foi trazida por sua filha Shushu; ele podia ouvir seu doce balbucio por horas e compartilhar toda a sua doce diversão. E agora seus pensamentos assumiram o controle novo roteiro para balé, escrito por André Helle baseado em seu livro infantil "The Toy Box". A música foi concluída rapidamente, mas Debussy pediu a Andre Caplet para fazer a orquestração (o balé não foi encenado durante sua vida). Em 1913, Debussy concluiu o trabalho no segundo caderno dos Prelúdios (o primeiro foi concluído em 1910). Dois ciclos de peças - 12 em cada - foram escritos seguindo o exemplo do compositor favorito do compositor, Chopin, e absorveram inúmeras impressões dos últimos anos. No inverno, Debussy fez sua última viagem internacional - uma recepção calorosa em Moscou e São Petersburgo suavizou as severas geadas russas e, em fevereiro de 1914, recebeu o título honorário de membro da Academia de Santa Cecília em Roma. Todos esses lugares lembraram ao compositor sua juventude distante, onde visitou com a família von Meck. O último país que Debussy visitou nesta viagem foi a Holanda, onde os seus concertos não tiveram menos sucesso. Agora ele se tornou famoso, e a Academia de Belas Artes de Paris finalmente percebeu isso, convidando-o a se tornar um de seus membros. Mas as eleições foram adiadas e a saúde de Debussy deteriorou-se rapidamente.

No verão de 1914, eclodiu a primeira terrível catástrofe do século XX. O assassinato do herdeiro austríaco ao trono em 28 de junho de 1914 na cidade sérvia de Sarajevo foi o ímpeto para a eclosão da Primeira Guerra Mundial. Debussy, de 52 anos, acometido de uma doença incurável, ficou extremamente frustrado com sua inutilidade. Diante de seus olhos, seus amigos, músicos, ingressaram voluntariamente no serviço militar. Ele começa a editar uma nova edição francesa das polonesas e valsas de seu querido Chopin. A ideia principal era substituir as edições alemãs de obras clássicas. O ódio aos alemães cresceu junto com as tristes notícias das frentes, as experiências sinceras do compositor resultaram na “Canção de Ninar Heroica”,

Inspirado por Chopin, Debussy escreveu uma série de doze estudos para piano. Os estudos foram seguidos pela suíte “Branco e Preto”, cujo nome corresponde plenamente à escuridão e à falta de cor que, segundo Debussy, desceu não só sobre a Europa, mas sobre toda a vida cultural. Revivendo as tradições musicais clássicas francesas, Debussy decide escrever seis sonatas para vários conjuntos de instrumentos. Sonata para violoncelo e piano, Sonata para flauta, viola e harpa e Sonata para violino e piano foram concluídas com bastante rapidez, mas a doença começou a causar-lhe um sofrimento insuportável e decidiu-se recorrer à cirurgia. Mas antes mesmo de ir para a cirurgia, ele termina uma música para coral infantil“Natal das crianças que não têm mais abrigo”, nas suas próprias palavras. O rigoroso inverno de 1915/16 trouxe notícias da devastação de aldeias inteiras na Bélgica e no norte da França. Isso chocou tanto o compositor que ele expressou seus sentimentos em uma canção triste. A operação teve sucesso apenas parcial; Debussy, praticamente incapacitado, passou todo o tempo em casa sob a supervisão da esposa e durante esse tempo não escreveu nada além de cartas. Ele morreu num dos dias mais sombrios, 25 de março de 1918, quando as tropas alemãs se aproximaram de Paris e os projéteis inimigos explodiram bem ao lado da casa de Debussy. Apenas alguns colegas que vieram da frente puderam assistir ao seu funeral. Não havia papel de jornal suficiente, por isso a morte de Debussy só foi mencionada nos jornais franceses; a maioria das condolências veio do exterior: Inglaterra, Espanha, Itália e até jornais alemães prestaram homenagem à memória do grande músico. A viúva de Debussy viveu mais 16 anos, preservando sagradamente sua memória. E sua amada filha, Shusha, não sobreviveu ao pai por muito tempo: ela morreu durante a epidemia de difteria em 1919.

Lista das principais obras:

Orquestral

"Primavera"; Prelúdio à Tarde de um Fauno; Noturnos: “Nuvens”, “Celebrações”, “Sereias”; "Mar"; “Imagens”: “Giges”, “Ibéria”, “Danças Redondas de Primavera”; Suíte Pequena; Rapsódia para saxofone e orquestra (orquestrada por Roger-Ducasse); Primeira Rapsódia para clarinete e orquestra; Marcha Escocesa.

Estágio Ópera "Pelléas et Mélisande"; Balés: “Jogos”, “Caixa de Brinquedos”; Mistério “Martírio de São Sebastião”.

Vocal Cantatas: “O Filho Pródigo”, “Gladiador”, “A Virgem Eleita”; Cinco poemas de Baudelaire, “Festividades galantes” duas séries), “Três canções de França”, Três baladas baseadas nas palavras de François Villon, Três poemas de Stéphane Mallarmé, “O Natal das crianças que já não têm abrigo”.

Câmara

COM quarteto de trombetas em sol menor; Sonata para violoncelo e piano; Sonata para flauta, viola e harpa; Sonata para violino e piano;

Funciona para piano

“Imagens Esquecidas”; “Suíte Bergamas”; “Impressões”; “Imagens” (dois episódios); “Máscaras”; “Ilha da Alegria”; “Cantinho das Crianças”; Prelúdios (dois cadernos); Esboços (dois livros); Seis epígrafes antigas para piano a quatro mãos; Suíte “White and Black” para dois pianos, etc.

Debussy com sua primeira esposa.

Desenvolvimento metodológico de aulas para alunos do ensino médio.

Tese do aluno V D/O Matyukhina I.A.

UNIVERSIDADE PEDAGÓGICA DO ESTADO DA RÚSSIA em homenagem. A.I.HERTZEN

Faculdade de Música

São Petersburgo -

O Impressionismo na arte da França no final do século XIX e início do século XX. Características da obra de Claude Debussy. Desenvolvimento metodológico de aulas.

ARTIGO INTRODUTÓRIO

A tese proposta fornece material para estudar uma direção da arte como o impressionismo. O autor aborda algumas questões do surgimento e desenvolvimento do impressionismo na música e na pintura. Naturalmente, é dada especial atenção à obra de Claude Debussy, como o mais destacado representante desta tendência musical.

O impressionismo é um fenômeno brilhante e interessante, muito se pode falar e escrever sobre ele, mas o escopo deste trabalho é limitado, por isso o autor procurou delinear brevemente a essência principal das questões, que são as seguintes: o que é impressionismo, sua origem e desenvolvimento na virada dos séculos 19-20, quem são os artistas impressionistas, quais são as propriedades distintivas de suas pinturas, quem é Claude Debussy e qual é a sua música.

O trabalho proposto contém 3 capítulos:

"Impressionismo na arte da França no final do século 19 e início do século 20"

“Características da obra de Claude Debussy”

“Desenvolvimento metodológico de aulas para alunos do ensino médio”

O Capítulo 1 faz uma excursão pela história do impressionismo, indicando suas principais tendências e características. Aator focou na obra de artistas como C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Sisley e outros. O autor também procurou falar sobre as tendências do impressionismo musical.

O Capítulo 2 fornece uma análise de algumas das obras para piano e sinfônicas de Claude Debussy.

O Capítulo 3 contém alguns desenvolvimentos metodológicos que um professor na escola pode usar ao ministrar aulas sobre este assunto.

O objetivo do trabalho apresentado: ampliar os horizontes artísticos e musicais dos alunos, apresentá-los ao mundo da arte, da música, da estética e apresentá-los à beleza e à harmonia.

Impressionismo na arte da França no final do século XIX e início do século XX.

O impressionismo é um dos movimentos mais brilhantes e interessantes da arte francesa. último trimestre XIX, nasceu num ambiente muito complexo, caracterizado pela diversidade e contrastes.

O termo impressionsioisme vem da palavra francesa impressão - “impressão”. Isto é o que C. Monet chamou à sua pintura – “Impressão. Nascer do sol"

O impressionismo manifestou-se inicialmente na pintura. Os artistas que aderiram a este movimento foram C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Sisley, E. Degas. Num esforço para expressar as suas impressões diretas das coisas com a maior precisão possível, os impressionistas libertaram-se das regras tradicionais e criaram um novo método de pintura. A sua essência era transmitir a impressão externa da luz, a sombra dos reflexos na superfície da pintura. objetos com pinceladas separadas de tinta pura, que dissolviam visualmente a forma no ambiente de luz e ar circundante. O método impressionista tornou-se a expressão máxima do próprio princípio do pitoresco. Para um artista impressionista, o que importa não é o que ele retrata, mas o que importa é como ele retrata. O objeto tornou-se apenas uma razão para resolver “problemas visuais” puramente pictóricos, de modo que o impressionismo inicialmente teve outro nome, mais tarde esquecido - “cromatismo” do grego chroma - “cor”.

Os impressionistas atualizaram seu esquema de cores; abandonaram as cores escuras e terrosas e aplicaram cores puras e espectrais à tela, quase sem misturá-las primeiro na paleta. Das oficinas saem ao ar livre (pleinair - “ar livre”). O antecessor dos impressionistas, E. Manet, orgulhava-se de que todas as suas pinturas, como ele mesmo afirmava, fossem pintadas, exceto uma, inteiramente a partir da vida.

Para método criativo Os impressionistas são caracterizados pela brevidade e pelo esboço. Afinal, apenas um breve esboço tornou possível registrar com precisão os estados individuais da natureza. Os impressionistas acreditavam que a realidade está mudando as sensações de luz. Como essas sensações mudam o tempo todo, os artistas trabalharam para capturar esses momentos de desaparecimento. Eles alcançaram efeitos completamente sem precedentes de transmissão de brilho, cintilação, jogo de claro-escuro, harmonias leves, harmoniosas e coloridas. Nas décadas de 80 e 90, os artistas impressionistas tornaram-se mestres excepcionais na transmissão da iluminação, da neblina, do jogo da água, do céu, das nuvens, etc. O tema principal do seu trabalho é a França - sua natureza, vida, pessoas. Eles também pintaram as ruas barulhentas de Paris (C. Pissarro. “Boulevard Montmartre” 1879, “Place Teatro francês em Paris" 1898, "Boulevard des Capucines" de C. Monet 1873) e vilas de pescadores (A. Renoir. "Ebb Tide at Ypore" 1883), encontramos muitos motivos realistas nos melhores artistas impressionistas. Monet, Renoir, Degas, Sisley e outros apresentam muitas características sociais marcantes. Além das avenidas; ruas, pontes, eles se interessavam por atrizes comuns, empregadas domésticas, dançarinas, lavadeiras, jóqueis, etc. (E. Degas. “The Milliner.” Cerca de 1885, O. Renoir. “The Breakfast of the Rowers.” 1881, E. Degas. “ Jóqueis em frente à tribuna." 1869-1872, "Passadeiras". Aproximadamente 1884, "Dançarina amarrando uma fita de sapato." 0k.

A paisagem tornou-se uma verdadeira revelação nas pinturas de artistas impressionistas. Foi na paisagem que as suas aspirações inovadoras se revelaram em toda a sua diversidade e riqueza de nuances e tonalidades (C. Monet. “White Water Lilies.” 1889, C. Pissarro. “Autumn Morning in Eragny.” 1897, A. Sisley . “Paisagem nevada” com um caçador ", 1873, O. Renoir. "Na margem do lago". Assim, o interesse pela natureza, impressão, enredo e cor dá origem a uma linguagem pictórica especial entre os artistas impressionistas.

O impressionismo musical surgiu no final dos anos 80 e início dos anos 90. Assim como na pintura, manifestou-se principalmente no desejo de transmitir impressões fugazes, meios-tons, penumbra. Essas aspirações levam ao fato de que o brilho sonoro vem à tona, muita atenção é dada à cor e à busca por sons e harmonias orquestrais extraordinárias. O fenômeno que preparou diretamente o impressionismo musical é a poesia francesa moderna e o impressionismo pictórico. Os impressionistas baseavam sua música no jogo do claro-escuro musical, na indescritível “sensação sonora”. Rejeitando a completude clássica das formas, os compositores impressionistas ao mesmo tempo recorrem voluntariamente aos gêneros da música programática, à dança folclórica e às imagens musicais, nas quais buscam formas de atualizar a linguagem musical.

Ao contrário do impressionismo pictórico, representado pelos nomes de vários grandes mestres, o impressionismo musical, essencialmente, tem apenas um representante proeminente - Claude Debussy. Com algumas reservas, grandes compositores franceses como P. Dukas podem ser classificados como impressionistas. F. Schmitt, L. Aubert, C. Ququelin (nos primeiros dias da criatividade), J. Roger-Ducas. Também encontramos características impressionistas da música em Maurice Ravel em seu famoso ciclo de peças para piano “Reflexões” e outras obras.

Assim como os artistas impressionistas, os representantes do impressionismo musical se manifestam em sua atração por paisagens poéticas e espirituais. Por exemplo, obras sinfônicas como “A Tarde de um Fauno”, “Noturnos”, “O Mar” de Debussy e a peça para piano “O Jogo da Água” de Ravel. A proximidade com a natureza, as sensações que surgem ao perceber a beleza do céu, do mar, da floresta, são capazes, segundo Debussy, de despertar a imaginação do compositor e dar vida a novas técnicas sonoras.

Outra área do impressionismo musical é a fantasia. Os compositores recorrem a imagens da mitologia antiga, a lendas medievais (“Seis Epígrafes Antigas” para piano a 4 mãos, “Flauta de Pã” para flauta solo de C. Debussy, etc.). Eles se voltaram para o mundo dos sonhos, para paisagens sonoras cintilantes, abrindo novas possibilidades para a escrita sonora poética, novos meios de expressão musical.

O nascimento do impressionismo musical na França foi precedido por um período denominado “período de renovação nacional”. Naqueles anos após a Guerra Franco-Prussiana de 1870-1871, as obras sinfônicas e de câmara dos compositores franceses reviveram visivelmente e a vida de concertos intensificou-se. Criado em 1871, o Conselho Nacional sociedade musical» incentiva a criatividade dos compositores franceses contemporâneos, promovendo de todas as formas possíveis a execução pública das obras e a sua publicação. O lugar central na criatividade musical da era da “renovação” pertence a Cesar Frank e Camille Saint-Saëns. Um papel importante vida artística A França da virada do século foi interpretada pelos alunos de Frank e adeptos de suas ideias criativas Henri Dupari, Vincent d'Indy, Gabriel Foret, Ernest Chausson.

Um papel importante na formação da música impressionista foi desempenhado pela preservação e desenvolvimento das tradições clássicas herdadas de épocas anteriores. Debussy se interessava muito pelo canto gregoriano, seus modos e entonações, e ouvia com entusiasmo as obras dos mestres da polifonia. Nas obras dos antigos mestres ele admirava a sua riqueza meios musicais, onde, em sua opinião, se encontra algo importante para o desenvolvimento da arte moderna. Estudando a música de Palestrina, Orlando Lasso Debussy encontra muitas possibilidades modais que enriquecem a esfera do maior-menor, da flexibilidade rítmica, longe da quadratura tradicional. Tudo isso o ajudou a criar sua própria linguagem musical. Debussy apreciou muito a herança musical dos grandes músicos russos do século XVIII. No artigo “J.F. Rameau”, Debussy escreve sobre a “pura tradição francesa” na obra deste compositor, manifestada na “ternura, delicadeza e encanto, acentos verdadeiros, declamação estrita no recitativo...”. Debussy também lamenta que a música russa “por muito tempo tenha seguido caminhos que a afastaram insidiosamente daquela clareza de expressão, daquela precisão e compostura de forma, que são as qualidades especiais e características do gênio francês” (1, p. 23). É improvável que Debussy tivesse sido capaz de expressar tão plenamente as suas aspirações sem ter tido antecessores nisto.

A sutileza de “capturar” o clima, a escrita detalhada dos impressionistas na música teria sido impossível sem o domínio da engenhosa tecnologia sonora e do miniaturismo de “Preludes”, “Nocturnes”, “Etudes” de Chopin, que Debussy idolatrava desde a infância. As descobertas colorísticas de E. Grieg, N. A. Rimsky-Korsakov, liberdade de voz e improvisação espontânea de M. P. Mussorgsky encontraram uma continuação original na obra de Debussy. Sua paixão por Wagner, rapidamente superada, contribuiu para a busca de novos meios e formas harmônicas.

A estética do impressionismo influenciou todos os principais gêneros musicais: em vez de sinfonias multimovimento desenvolvidas, começaram a ser cultivados esquetes sinfônicos, a canção romântica foi substituída por uma miniatura vocal, onde predominava a recitação com acompanhamento colorido e visual na música para piano, surge uma miniatura livre, que se caracteriza por um desenvolvimento de liberdade muito maior do que na miniatura romântica, bem como por uma constante variabilidade de linguagem harmônica, padrão rítmico, textura, andamento. Tudo isso confere à forma das peças um caráter improvisado e também contribui para a transmissão de impressões em constante mudança.

O programa impressionista se distingue por um enredo único e o lado dramatúrgico parece ter sido filmado. As imagens do programa estão veladas. Sua principal tarefa é excitar a imaginação do ouvinte, ativar a imaginação e direcioná-la para determinadas impressões e estados de espírito. E é a transição desses estados, mudanças constantes de humor que determina a lógica básica do desenvolvimento.

Assim, o termo impressionismo, usado pelos críticos do final do século XIX num sentido crítico ou irónico, tornou-se mais tarde uma definição geralmente aceite, abrangendo uma vasta gama de fenómenos musicais na viragem dos séculos XIX e XX, tanto em França como em França. outros países europeus. Mas o impressionismo musical, assim como o impressionismo artístico, não foi durável. Esta arte frágil e elegante não estava em sintonia com a atmosfera tensa da Primeira Guerra Mundial e das explosões revolucionárias. A beleza sensual e refinada é substituída pelo culto ao poder primitivo, e a nitidez das consonâncias, a clareza construtiva e a primitividade da forma, a textura, a tensão e a franqueza dos ritmos aparecem na música. Estas novas tendências anti-impressionistas foram proclamadas por Erik Satie, e mais tarde estas aspirações encontraram o seu desenvolvimento no Grupo dos Seis. O impressionismo pictórico e musical surgiu tradições nacionais. Nas obras de artistas e compositores impressionistas encontram-se temas relacionados, cenas coloridas de gênero, esboços de retratos, mas a paisagem ocupa um lugar excepcional. Comer recursos comuns e no método artístico do impressionismo pictórico e musical - o desejo de transmitir a primeira impressão direta de um fenômeno. Isto não é difícil de ver comparando, por exemplo, o prelúdio “Velas” de Debussy com a paisagem de E. Manet “Veleiros saindo do porto de Boulogne”, 1864. ou com a paisagem de C. Monet “Regatta at Sainte-Adresse”, 1867. É impossível não notar a atração dos impressionistas pelas formas em miniatura; tudo isso decorreu de seu método artístico principal; eles valorizavam a transitoriedade, a transitoriedade das impressões vivas. Portanto, os pintores não se voltam para uma grande composição ou afresco, mas para um retrato, um esboço; músicos - não para uma sinfonia ou oratório, mas para um romance, uma orquestra ou uma miniatura de piano. Acima de tudo, o impressionismo pictórico influenciou a música no campo dos meios de expressão musical. Assim como na pintura, as buscas dos músicos, principalmente Debussy, visavam ampliar o leque de meios expressivos necessários para incorporar novas imagens e, antes de tudo, maximizar o enriquecimento do lado colorido da música. Essas pesquisas abordaram modo, harmonia, melodia, ritmo, textura e instrumentação. É crescente o papel da linguagem modal-harmônica e do estilo orquestral, que, pelas suas capacidades, estão mais inclinados a transmitir princípios pictóricos, figurativos e colorísticos.

A orquestra de Debussy é muito original e única. Distingue-se pela elegância do design e pela abundância de detalhes, mas cada um deles é audível. Debussy compara diferentes timbres de instrumentos e diferentes métodos de produção sonora. Sua orquestra surpreende pela diversidade de timbres, sonoridade iridescente e colorido colorido. Assim, o compositor escreveu os seus esquetes sinfónicos “O Mar” numa cidade costeira às margens do Oceano Atlântico, captando “da natureza” o barulho crescente das ondas e o som poderoso do vento. O que ele tem em comum com a pintura é o desejo de criar uma arte alegre, carinhosa e que dê prazer às pessoas. Debussy amava muito a natureza, falava dela como a maior fonte de inspiração e considerava a proximidade com ela um critério de criatividade. Ele defendeu a criação de um tipo especial de música ao ar livre que promovesse a fusão do homem com a natureza. Isso também mostra uma ligação com os artistas impressionistas que abandonaram o trabalho no ateliê e saíram para o ar livre - sob céu aberto, no ar, onde descobriram novos motivos pictóricos e, principalmente, uma visão diferente de formas e cores. Conectados com poetas e artistas, os músicos buscaram seu caminho em uma nova direção. Eles pegaram emprestada a terminologia de artistas que sugeriram novas ideias de percepção estética; As definições em uso incluem: cor sonora, cor instrumental, pontos harmônicos, paleta de timbre.

O impressionismo desempenhou um papel importante no desenvolvimento da cultura. Ele trouxe para a pintura novas descobertas no campo da técnica e da composição - trabalho ao ar livre, observação sutil, pitoresco, tom claro, negligência dos detalhes em prol da cor. Devido ao seu estilo de pintura único, a superfície das pinturas dos impressionistas parece trêmula e instável, graças às quais conseguiram transmitir o brilho dos raios do sol, as ondulações da água, as sensações do ar, a leveza e a leveza. de objetos.

O conceito de impressionismo foi posteriormente estendido até mesmo ao movimento do simbolismo na pintura. E, de fato, a abstração da cor da forma transformou os objetos da imagem em símbolos instáveis ​​da realidade. A imagem impressionista é simbólica pela sua dualidade: naturalismo e subjetividade ao mesmo tempo. Ao mesmo tempo, no processo de desenvolvimento do método impressionista, a subjetividade da percepção pictórica, superando a objetividade, ascendeu a um nível formal cada vez mais elevado, abrindo caminho para todos os movimentos do pós-impressionismo, incluindo o simbolismo de Gauguin e o expressionismo de Van Gogh. No estágio seguinte de desenvolvimento artístico, não foram mais as sensações que foram absolutizadas e diferenciadas, mas os próprios meios de representação. Foi o impressionismo que serviu de impulso para o surgimento da arte abstrata e, no início do século 20, para o surgimento de movimentos como o cubismo, o construtivismo e o taquismo. O Impressionismo transformou não apenas a pintura e a música, mas também a escultura, a literatura e até a crítica. O interesse pela obra dos impressionistas não desaparece em nossa época. E hoje as pinturas dos artistas impressionistas e a música de Debussy surpreendem pela novidade de sua visão de mundo, pelo frescor dos sentimentos nelas embutidos, pela força, coragem e meios de expressão inusitados: harmonia, textura, forma, melodia.

CARACTERÍSTICAS DO TRABALHO DE CLAUDE DEBUSSY

Claude Debussy foi um dos artistas mais interessantes e curiosos do seu tempo, estava sempre à procura de novas formas de melhorar as suas competências, estudando o trabalho de músicos inovadores do seu tempo: Liszt, Grieg, compositores da escola russa: Borodin, Mussorgsky , Rimsky-Korsakov. Na sua busca pela atualização da música francesa, Debussy contou também com a experiência dos seus clássicos, nomeadamente a obra de Rameau e Couperin. O compositor lamentou que a música russa tenha seguido por muito tempo caminhos que a distanciavam da clareza de expressão, da precisão e da compostura de forma, que, em sua opinião, são as qualidades características da cultura musical francesa.

Debussy tinha um amor extraordinário pela natureza. Para ele era uma espécie de música. “Não ouvimos os milhares de sons da natureza que nos rodeia, não compreendemos o suficiente desta música, tão diversa e que nos é revelada com tanta abundância”, disse o compositor (3, p. 227). O desejo de buscar algo novo na arte atraiu Debussy ao círculo do poeta Mallarmé, onde se agrupavam representantes do impressionismo e do simbolismo.

Debussy entrou para a história da cultura artística como o maior representante do impressionismo musical. A obra de Debussy é frequentemente identificada com a arte dos pintores impressionistas; os seus princípios estéticos estendem-se à obra do compositor.

COM primeira infância Debussy estava no mundo da música para piano. Mante de Fleurville, aluno de Chopin, preparou-o para ingressar no conservatório. Ótimo valor, sem dúvida, teve instruções e conselhos que recebeu de Chopin e depois comunicou ao seu aluno. No conservatório, Debussy estudou piano com o professor Marmontel, um famoso pianista-professor francês. Além de Debussy, Bizet, Guiraud, d'Indy e outros estudaram com ele.

Já naqueles anos, o jovem Debussy chamava a atenção pela expressividade sutil de sua atuação e excelente qualidade sonora.

No período inicial de sua criatividade, obras para piano apareceram ao lado das obras vocais e sinfônicas de Debussy. As características originais da individualidade do compositor manifestaram-se mais claramente em dois “Arabescos” - E-dur e G-dur (1888). Caracterizam-se por uma imagem artística, o que implica graça e “leveza” da composição. Cores transparentes, beleza e plasticidade das linhas melódicas são típicas do estilo subsequente de Debussy. Em 1890 Debussy cria seu primeiro ciclo para piano, a Suíte Bergamo, composta por quatro partes:

Prelúdio, Minueto, Luar e Passpier. Aqui já são claramente visíveis duas tendências que se tornarão típicas dos ciclos subsequentes do compositor: a confiança nas tradições de género dos cravistas e a tendência para os esboços paisagísticos. Utilizando os gêneros da música antiga, Debussy os interpreta livremente. Ele aplica com ousadia a linguagem harmônica e a textura dos tempos modernos.

Desde 1901 as obras para piano seguem uma após a outra sem interrupção. Debussy dá-lhes os seus melhores momentos de inspiração. A Suíte “For Piano” já é um ciclo completamente maduro de Debussy. É composto por três peças - Prelúdio, Sarabande e Tocata. Neste ciclo, Debussy, mais do que em qualquer outro lugar em sua música para piano, mostrou as características do classicismo. Refletem-se não só na escolha dos géneros, mas também no rigor da música, na clareza da forma de cada peça e na simetria harmoniosa de todo o ciclo.

A primeira peça é uma composição típica do tipo tocata para ele. Mantido em movimento contínuo e num único andamento, combina a transparência e a graça das peças virtuosas dos cravistas com as técnicas de escrita do século XIX. O caráter nacional do Prelúdio é enfatizado pelo tema principal, baseado na canção folclórica francesa “Não entraremos mais na floresta”.

A segunda peça incorpora as características da antiga sarabanda - seriedade, nobreza de caráter, andamento lento, métrica de três tempos, textura de acordes. Mas a linguagem harmônica da peça é moderna.

A Tocata, que encerra o ciclo, pode ser classificada como o mesmo tipo de peça do Prelúdio, mas nela o princípio do movimento contínuo se expressa de forma mais consistente e, portanto, seu caráter é mais homogêneo.

Prelude, Sarabande, Toccata abrem uma série de coleções para piano escritas por Debussy em período maduro criatividade. Em 1903 Aparecem “Estampas”: “Pagodes”, “Noite em Granada”, “Jardins na Chuva”. Em 1905 é criada a primeira série de “Imagens”: “Reflexos na Água”, “Dedicação a Rameau”, “Movimento”, dois anos depois - a segunda série: “Sinos tocando na folhagem”, “E a lua desce sobre o lugar onde antes existia um templo”, “Peixinho Dourado”. Todas essas obras contêm três peças. Esta tendência surgiu pela primeira vez nos romances e na música sinfónica de Debussy.

Na série de peças escritas após o Prelúdio, Sarabande e Tocata, intensificaram-se as tendências programáticas, visuais e impressionistas.

O ano de 1903 ficou marcado pelo aparecimento das “Estampas”. O próprio título “Impressões” é interessante. Em “Noturnos” para orquestra, o título da peça musical foi interpretado de forma pitoresca. Agora as peças recebem seus nomes da terminologia da pintura e dos gráficos. Em suas obras, Debussy incorpora emoção-humor em fusão com impressões pictóricas, esforça-se com o nome para dar impulso à percepção do ouvinte, para direcionar sua imaginação. Daí a atração por títulos pitorescos. E posteriormente o compositor usa nomes como “Esboços”, “Pinturas”.

Uma das peças mais interessantes de “Prints” é “Gardens in the Rain”. Tal como o Prelúdio e a Tocata da série de piano anterior, esta peça é caracterizada por um movimento rápido e contínuo e uma clara elasticidade rítmica. A nível entonacional, há uma ligação com o Prelúdio, uma vez que a base tópico principal a mesma canção francesa serve. Em “Jardins à Chuva” destacam-se os traços característicos da imagem associados ao conceito do programa. O movimento rítmico uniforme das semicolcheias e as “gotas” de sons melódicos em staccato que aparecem contra ele imitam a “música” da chuva de verão. Para transmitir os efeitos coloridos da mudança da luz solar, o compositor, de forma muito sutil, leva gradativamente à substituição do menor pelo maior. No final da peça, uma música alegre e jubilosa soa como um hino à natureza florescente.

Outra peça maravilhosa de “Prints” é “Evening in Grenada”. Aqui Debussy pinta um quadro pitoresco do povo espanhol com habilidade excepcional. Esta peça foi escrita de uma maneira que lembra um pouco o Boulevard dos Capuchinhos, de Claude Monet. Em ambas as obras, os autores se esforçam para transmitir a impressão geral de um grande espaço de trânsito, uma multidão heterogênea e colorida. Eles estão interessados ​​principalmente no todo, e não no exame detalhado dos fenômenos individuais. Este princípio determina a estrutura característica de “Noite em Granada”: estruturas pequenas e variadas, falta de desenvolvimento de temas a longo prazo. Uma peça escrita de forma livre, dando a impressão de imagens da vida do povo espanhol que se substituem facilmente, a peça é composicionalmente harmoniosa e completa. A unidade do todo é facilitada pela base do gênero: a peça é permeada pelo ritmo da métrica habanera. Os temas mais importantes da obra estão escritos no caráter desta dança. O princípio ronda de alternância de temas e o enquadramento da peça com o material da introdução também desempenham um papel organizador.

Nesta obra, Debussy cria a impressão de perspectiva espacial e essa impressão perdura durante toda a peça. Já nos primeiros compassos, movimentos de oitava ascendentes sucessivos revelam cada vez mais espaço e criam uma perspectiva ampla, e mais tarde ele “encaixa” as imagens de sua imagem musical nesta “moldura sonora”.

Entre as melhores imagens da natureza já criadas por Debussy está a peça “Reflexos na Água”. Esta não é apenas uma imagem pitoresca, mas também uma “escuta” sincera do mundo do “reino da água”. No início aparece a imagem de uma superfície de água calma, mas a calma é perturbada por um movimento sutil, um splash. Após um momento de silêncio - um novo tremor na superfície da água...

Ao longo de três anos (1910-1913), dois volumes de “Prelúdios” foram apresentados e publicados - cada um contendo 12 peças. Os prelúdios de Debussy incluem: paisagens, retratos, lendas, obras de arte, cenas. As paisagens são representadas por prelúdios como “Velas”, “O que o Vento Oeste Viu”, “Vento na Planície”, “Urze”, “Passos na Neve”, “Colinas de Anacanria”. Neles, Debussy incorpora suas impressões sobre a natureza.

Nos retratos: o lírico “Garota com Cabelo Linho” e o humorístico “Em Respeito a S. Pichvik Esq. PChPK.” podemos ver a imagem brilhante e encantadora que Debussy alcança com sua melodiosidade e amplitude melódica, bem como a imagem totalmente correspondente ao herói de Dickens, irônico e bem-humorado ao mesmo tempo. A comédia desta peça contrasta inesperadamente entre um tom sério e um tom lúdico.

Nas lendas: “Ondine”, “Peck’s Dance”, “Fairies, Lovely Dancers”, “The Sunken Cathedral” Debussy volta-se para o mundo da ficção popular. Estas peças refletiam a habilidade excepcional do compositor em transmitir plasticidade e várias formas movimentos. E também na utilização de meios texturais e harmônicos característicos de cada imagem.

Quanto à concretização de obras de arte, trata-se de prelúdios como “The Delphic Dancers”, que abre o primeiro caderno de prelúdios. O prelúdio é inspirado na impressão de um fragmento escultórico do frontão de um templo grego, bem como no prelúdio “Canopus”. A tampa de uma urna grega que decorava a escrivaninha de Debussy, chamada de “dossel”, serviu de tema. Como em “Delphic Dancers”, o compositor emite linhas suaves e pensativas e o ritmo contido de uma canção fúnebre.

Cenas são apresentadas em prelúdios de Debussy como "Serenade Interrupted", "Minstrels", "Fireworks". Ele revela cada tema de forma criativa, utilizando diversos meios expressivos adequados a ele. Por exemplo: “Fogos de artifício” (este prelúdio é inspirado na impressão de um festival folclórico, provavelmente no feriado de 14 de julho - dia da tomada da Bastilha - durante o qual é tocada a Marselhesa) é interessante por suas técnicas de gravação de som . Glissando, várias passagens e progressões de acordes criam uma imagem sonora muito colorida.

“Prelúdios” é uma enciclopédia da arte de Debussy, porque aqui ele atinge o maior domínio das características imagem-som, ao “apreender” instantaneamente a impressão em toda a sua variabilidade. Nos prelúdios, tais características do impressionismo se manifestam como o registro de impressões fugazes de quaisquer fenômenos característicos da realidade, a transmissão da impressão externa de luz, sombra, cor, bem como o esboço e o pitoresco, o registro de vários estados da natureza, etc.

A música para piano de Debussy é muito bonita, interessante e por isso muito popular entre os ouvintes. É o mesmo entre os artistas.

A primeira obra orquestral de Debussy, que revelou a extraordinária originalidade do seu estilo, foi “Prelude to descanso da tarde fauno." O enorme sucesso do Prelúdio fez do compositor um sinfonista reconhecido. O Prelúdio "A Tarde de um Fauno" foi escrito com base em um poema de Stéphane Mallarmé em 1892. Debussy concebeu mais duas pinturas sinfônicas - “Interlúdio” e “Paráfrases Finais à Tarde de um Fauno”. Queria criar um ciclo sinfônico para acompanhar a leitura do poema de Mallarmé. Mas, tendo se convencido do significado independente de “Prelúdio”, ele abandonou o plano original. No Prelúdio, como no poema de Mallarmé, não há enredo desenvolvido e ação em desenvolvimento dinâmico. Em geral, a base desta composição é uma imagem melódica de “langor”, que se constrói sobre entonações cromáticas. É interessante que para a concretização orquestral desta imagem, Debussy quase sempre usa o mesmo timbre instrumental específico - uma flauta em registro grave. Todo o desenvolvimento sinfônico do prelúdio é uma variação na textura da apresentação do tema e na sua orquestração. A obra de Mallarmé atraiu o compositor pelo pitoresco muito vívido de uma criatura mitológica imersa em sonhos de lindas ninfas. Mallarmé, ao ouvir pela primeira vez a música de Debussy, ficou impressionado com a sua proximidade com a sua ideia poética. O próprio compositor considerou “Fauno” uma ilustração muito livre do poema e não pretendeu expressar a sua essência. A música de Debussy é imbuída de langor sensual, felicidade, inspirada na memória da beleza de um dia quente de verão, nuvens se estendem preguiçosamente pelo céu, refletidas na superfície de um lago na floresta, tudo isso é expresso de forma muito mais brilhante e específica do que em Poema de Mallarmé. A trama antiga foi a ocasião para a expressão de sentimentos muito modernos, no espírito do impressionismo com a sua inerente admiração pelas impressões fugazes. Em “Fauno” pode-se encontrar muito em comum com as paisagens musicais dos românticos, mas “Fauno” difere delas pelo colorido puramente impressionista e pela riqueza de tons de claro-escuro. Esta partitura distingue-se pela sua extraordinária variedade e riqueza de cores orquestrais, que lembram a paleta dos artistas impressionistas. Esta é a primeira partitura a estabelecer plenamente os princípios da escrita orquestral impressionista. “Fauno” é uma miniatura sinfônica, escrita na forma de terceira parte e, pelas suas características externas, está ligada à tradição de longa data deste gênero. Mas o conteúdo, a atmosfera emocional e a gama de meios expressivos aqui são muito originais. Já um humor básico é expresso em muitos tons, e é difícil dizer o que é mais importante - a imagem musical ou sua transformação colorística.

Ao ouvir esta obra, fazem-se ligações com obras de compositores da segunda metade do século passado. Lembro-me de “As Fontes de Villa d'Este” do terceiro ciclo de “Anos de Peregrinação” de Liszt e do poema sinfônico “Sadko” de Rimsky-Korsakov com sua paleta harmônica e orquestral muito colorida. Mas todos esses elementos individuais foram transformados por. Debussy em algo independente, e tudo o que apareceu separadamente nas obras sinfônicas anteriores de Debussy apareceu aqui em completa completude estilística.

As imagens mitológicas de Mallarmé foram o ponto de partida para Debussy. Ficou fascinado pela ideia de recriar imagens da natureza na música, transmitindo a sensação de fusão com ela, e manteve-se fiel a esse sentimento ao longo da vida. E foi justamente isso que encheu a música de “Fauno” de conteúdos específicos e a tornou atrativa para o ouvinte. Em essência, "Faun" foi um exemplo de paisagem musical impressionista. Afastou-nos da atividade frenética da vida, da luta e dos conflitos dramáticos para o mundo da natureza, rico em cores e imagens. A este respeito, o Prelúdio de Debussy pode ser comparado a as melhores paisagens artistas impressionistas (C. Monet. “Nenúfares Brancos”, “Campo de Tulipas”; O. Renoir “Caminho na Grama Alta”).

“O Fauno” revelou toda a riqueza do talento de Debussy, a inesgotabilidade de suas fantasias criativas e meios de expressão.

O compositor utilizou amplamente várias sequências de sétima e não acordes, uma combinação de cromática e diatônica, uma orientação colorística pronunciada, as nuances mais sutis - toda a originalidade da música de Debussy era muito incomum para sua época.

Além da harmonia, a orquestra do compositor é única. Sua partitura se distingue pela graça de seu design e abundância de detalhes. Debussy muda o centro de gravidade das cordas para instrumentos de sopro. Ele compara timbres, diversas técnicas de produção sonora, inventa combinações coloridas, etc. Portanto, sua orquestra surpreende pela diversidade de timbres, sonoridade iridescente e colorido distinto.

“Prelúdio à Tarde de um Fauno” também é interessante porque nele Debussy encontrou o gênero de música sinfônica ao qual permaneceu fiel ao longo de sua obra subsequente. “Noturnos”, “Mar”, “Imagens”, claro, têm uma aparência própria um pouco diferente de “Fauno”, mas todos são caracterizados pelas mesmas qualidades - pitoresco, poesia na compreensão específica desses termos, que ele introduzido na música sinfônica do compositor impressionista.

“Prelúdio à Tarde de um Fauno” ficou na história da arte musical europeia como exemplo de pintura sonora paisagística de estilo impressionista, e como um dos conquistas notáveis Debussy.

Seguindo Fauno, os Noturnos foram criados. Eles continuaram a linha de poesia interpretada de forma única delineada nele. Mas os “Nocturnes” são mais desenvolvidos em conceito e conteúdo, a sua música é mais eficaz e rigorosa. Embora aqui haja contemplação, especialmente em “Nuvens”, ela é de uma natureza completamente diferente: não se trata mais de pensamentos lânguidos, mas de reflexão profunda. Em suma, apesar da indubitável semelhança do gênero sinfônico, “Fauno” e “Noturnos” são obras muito diferentes.

“Nocturnes” foi apresentada pela primeira vez em 9 de dezembro de 1990 nos concertos de Lamoureux sob a batuta de K. Chevillard e despertou grande entusiasmo de uma parte do público e protestos dos chamados “acadêmicos” musicais.

Debussy compreendeu o caráter inusitado de suas obras e forneceu ao programa do primeiro concerto os comentários do autor:

“O título – “Noturnos” – assume aqui um significado mais geral e ainda mais decorativo. Não estamos falando da forma usual do noturno, mas de tudo que liga esta palavra a certas impressões e sensações luminosas.

“Nuvens” é a imagem de um céu parado com nuvens que passam lenta e melancólicamente, flutuando em agonia cinzenta, suavemente sombreadas por luz branca.

“Celebrações” - movimento, ritmo dançante da atmosfera, com rajadas de luz repentinas, bem como um episódio de procissão (uma visão deslumbrante e quimérica) passando pela celebração e fundindo-se com ela; mas o pano de fundo permanece - é um feriado, uma mistura de música com poeira brilhante, fazendo parte do ritmo geral.

“Sereias” - o mar e o seu ritmo infinitamente diverso; então, entre as ondas prateadas sob a lua, o canto misterioso das sereias aparece, espalha-se em gargalhadas e desaparece...” (14. p. 57).

Os críticos notaram o exotismo dos Noturnos, bem como a influência de Rimsky-Korsakov e Balakirev.

Em “Nocturnes” a atenção principal é dada à transmissão dos efeitos do claro-escuro, do jogo de cores, tudo o que tanto atrai a imaginação do artista impressionista.

“Nuvens”, “Celebrações”, “Sereias” formam um pitoresco tríptico de gênero da personificação dos três elementos. Nele, o quadro “Celebrações”, que retrata o triunfo de ritmos alegres, é emoldurado por paisagens sonoras: uma - “Nuvens” com a profundidade sem fundo do céu, onde se misturam vários tons de cores; a outra - "Sereias" - é toda variada e decorativa e um elemento de fantasia de conto de fadas.

A inovação de Debussy foi que a atenção principal se concentrou na transmissão dos tons da imagem principal - impressões semelhantes em significado aos detalhes da imagem. Tal como os mestres da pintura impressionista, Debussy enriqueceu a paleta com muitas tonalidades novas e alcançou enorme habilidade na transmissão de luz, cor e ar, tudo o que é tão difícil de traduzir musicalmente. A trama sonora de “Nocturnos”, ora turva, ora penetrada pelos raios do sol forte, ressuscita em nosso imaginário imagens de espaços arejados, o jogo de nuvens e ondas. Em tudo isso, Debussy foi um mestre consumado.

A princípio, o compositor decidiu escrever cada um dos Noturnos para uma composição orquestral especial: o primeiro para cordas; a segunda para três flautas, quatro trompas, três trombetas e duas harpas; o terceiro para dois grupos orquestrais combinados (cada parte também incluía uma parte de violino solo). Segundo Debussy, estes poderiam se tornar estudos que ajudariam a dominar a riqueza de tonalidades de uma tinta, como um artista com sua constante preocupação com a cor como base. Mas ele pôde encontrar exemplos de escrita colorística não apenas entre artistas impressionistas. Certamente as partituras de Rimsky-Korsakov, Borodin, Balakirev, especialmente “Scheherazade” e “Tamara”, deram-lhe muito.

O primeiro noturno é “Nuvens” - não há contrastes brilhantes, nem rítmicos nem entonativos, mas a gama colorida de tons de cores é amplamente desenvolvida. São eles que transmitem toda a variabilidade e incerteza sonora associada à imagem do céu coberto por nuvens que se movem lentamente. Quase toda a partitura de “Clouds” é projetada em tons dinâmicos moderados, mas tem muitas comparações colorísticas que criam o efeito de manchas de luz aparecendo e desaparecendo. Debussy decidiu com sucesso aqui a tarefa mais difícil personificação musical de uma imagem visual. Este quadro musical pode ser comparado com algumas paisagens de C. Monet, (por exemplo: “Barco à Vela em Argenteuil”), como Debussy, existe uma rica gama de cores, uma abundância de penumbra, uma compreensão refinada e específica da colorística possibilidades do trabalho. Assim como os pintores impressionistas alcançaram efeitos surpreendentes baseados na teoria das cores puras “separadas”, Debussy também procurou fazer com que as cores brilhassem em sua paleta orquestral sem fundir timbres, mas apenas aquelas a partir das quais uma paleta impressionista pudesse ser criada.

O segundo “Nocturne” - “Celebrations” - aqui os elementos do gênero vêm à tona. Aqui está a alegria da vida, os ritmos inebriantes das danças de rua e das procissões. Em “Celebrações” ouvimos uma tarantela e uma marcha perseguida, ora aproximando-se ora afastando-se, numa bizarra fusão de diferentes melodias que se dissolvem gradualmente no ambiente festivo da cidade.

O terceiro dos "Noturnos" - "Sereias" - foi escrito para coral feminino e orquestra. Esta é provavelmente a mais pitoresca das três partituras, é a mais fantástica e impressionistamente colorida. Esta peça transmite os elementos do mar, iluminados pelo luar, e as vozes sedutoras das sereias - habitantes de contos de fadas do reino subaquático. Tudo na pontuação é instável e incerto. Humor geral a paz e a tranquilidade são apenas ocasionalmente sombreadas por clímax, que não são dinâmicos; aqui há apenas uma implementação textural e colorística da imagem principal, que mantém seu caráter passivo-contemplativo; A partitura de "Sirens" é um exemplo de escrita impressionista refinada. Sons misteriosos, cores encantadoras da melodia coral, habilmente combinados com timbres instrumentais. Esta peça alcança completa harmonia entre meios expressivos e intenção estética. Ao mesmo tempo, há muito mais tons de claro-escuro puramente impressionistas aqui do que em outras partituras dos Noturnos, que às vezes vêm à tona. Na música de “Sereias” há mais decoratividade do que expressividade; mais atenção é dada à transferência de tons de claro-escuro do que às imagens brilhantes inerentes a “Nuvens” e “Festividades”. Este foi provavelmente o motivo da rara execução de “Sirens”, em contraste com os dois primeiros noturnos que se firmaram no repertório mundial.

Os noturnos são três pinturas completamente independentes, unidas apenas por uma compreensão comum das características do gênero. Debussy adorava o gênero das pinturas sinfônicas. Uma das suas obras mais interessantes e belas são os esquetes sinfónicos “O Mar”, onde, ao contrário dos “Nocturnos”, a obra está imbuída de uma ideia única, que se concretiza de forma diferente em cada movimento.

Debussy não foi o descobridor da paisagem marítima na música, claro que conhecia as obras de Rimsky-Korsakov e Mussorgsky, mas possuindo um enorme talento, procurou as suas próprias formas de encarnar as imagens do mar e os seus esboços sinfónicos levaram lugar especial na literatura musical mundial,

Assim, o impressionismo musical encontrou sua expressão clássica na obra de C. Debussy, onde suas características e princípios foram mais claramente refletidos.

DESENVOLVIMENTO METODOLÓGICO DAS AULAS

O tema “Impressionismo e a obra de Debussy” é interessante, inusitado e bastante complexo, por isso é proposto para aulas extracurriculares de música no ensino médio. Este capítulo apresenta recomendações metodológicas e planos de aula para orientar o professor.

Objetivo: apresentar às crianças a obra de C. Debussy e um fenômeno da cultura francesa do século passado como o impressionismo, seus principais representantes.

A forma das aulas é conversacional. Os principais objetivos são ampliar os horizontes dos alunos, cultivar o gosto musical e artístico, ativar a percepção, desenvolver a imaginação e o pensamento imaginativo. Isso é facilitado pela criação de situações de busca, pela formulação de tarefas problemáticas e por tarefas criativas.

Ao oferecer aos escolares um tema tão complexo, o autor acredita que três aulas temáticas deveriam ser dedicadas a ele.

LIÇÃO Nº 1

Tópico: “O que é impressionismo?”

Recursos visuais:retratos de compositores: C. Debussy e M. Ravel; retratos dos artistas C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Sisley, E. Degas; reproduções de pinturas: C. Monet “Impression. Sunrise” 1872, “White Water Lilies” 1899, “Rouen Cathedral in the Evening” 1894, “Rouen Cathedral at Noon” 1894, bem como uma fotografia da Catedral de Rouen, E. Degas “On Horse racing” 1877-80, “Dance Rehearsal” 1875 -77, A. Sisley “Snow at Louvciennes” 1874, C. Pissarro “Boulevard Montmartre” 1897, O. Renoir “Girl with a Fan” 1881

Material musical: C. Debussy “Moonlight” de “Bergamsa Suite”, M. Ravel “The Play of Water”.

Objetivo: dar aos alunos uma compreensão holística do impressionismo.

Objetivos: a formação da empatia estética pelas obras de arte, a educação do pensamento musical holístico baseado na relação entre música e pintura.

A professora inicia a conversa com uma definição de impressionismo, fala sobre a primeira exposição de “artistas independentes” e diretamente sobre seus participantes. Esses artistas inventaram um novo método de pintura. É importante atentar para o fato de que eles foram uma espécie de revolucionários na pintura e todos esses diferentes artistas estavam unidos pela luta contra o academicismo e o conservadorismo na arte. A professora se oferece para conhecer pinturas de artistas impressionistas.

Perguntas para os alunos:

O que há de incomum na pintura impressionista? Que gêneros de pintura atraíram artistas impressionistas?

O que nos atrai em sua arte?

Como um artista realista pintaria a Catedral de Rouen?

O professor pode oferecer aos alunos as seguintes tarefas criativas: comparar uma fotografia da Catedral de Rouen e a pintura de C. Monet “Catedral de Rouen ao meio-dia” ou “Catedral de Rouen à noite”. Determine a quais gêneros artísticos os artistas impressionistas recorreram.

Depois que os alunos tiverem recebido uma compreensão geral do impressionismo pictórico, eles poderão passar para uma história sobre o impressionismo na música e seu representante mais proeminente, C. Debussy.

A professora sugere ouvir a obra de C. Debussy “Moonlight” da “Suíte Bergamon”.

Tarefa: discuta o título da peça que você ouviu.

Exemplos de perguntas:

Qual é a natureza deste trabalho?

Que impressão essa música causou em você?

O que há de incomum nessa música?

Por que chamamos esse trabalho de impressionista?

O que essa música tem em comum com as pinturas impressionistas?

Numa conversa sobre impressionismo musical, o professor deve prestar atenção especial à harmonia impressionista. Ao que representam essas consonâncias “estranhas”.

A professora sugere ouvir a obra “O Jogo da Água” de M. Ravel.

Tarefa: Dê um nome à música que você ouviu.

Exemplos de perguntas:

Que imagem ou imagens apareceram ao ouvir música?

Esta música é impressionista? Por que?

Que meios de expressão musical o compositor utiliza para revelar a imagem?

O que de interessante e incomum você ouviu neste trabalho?

Após analisar as obras musicais, a professora sugere encontrar características comuns do impressionismo artístico e musical. É aconselhável realizar a análise em forma de conversa entre os alunos expressando suas opiniões. A conversa é orientada apenas pelo professor. Ao final da lição, devemos observar mais uma vez os princípios estéticos básicos do impressionismo e as características desse movimento.

Exemplos de perguntas para reforçar o material da lição:

Sobre o que falamos nesta lição?

Que músicas você ouviu hoje?

Que novidades você aprendeu nesta lição?

Lição de casa (escrita):

Breve biografia de C. Debussy.

Lição nº 2.

Tema: Impressionismo e a obra para piano de C. Debussy.

Recursos visuais: Retrato de C. Debussy, reproduções de pinturas de C. Monet “A Praia de Sainte-Adresse”, E. Degas “Dançarinos Azuis”, O. Renoir “Retrato da Atriz Jeanne Samary”.

Material musical: K. Debussy, prelúdios - “Velas”, “Menestréis”, “Fogos de artifício”, “Dançarinos Délficos”, “Menina com Cabelo Linho”.

Objectivo: Apresentar aos alunos a obra para piano de C. Debussy.

Objetivos: Formação de determinados conhecimentos artísticos, desenvolvimento da imaginação criativa dos escolares, formação na análise de obras artísticas e musicais, desenvolvimento do interesse musical.

É útil fazer as seguintes perguntas aos alunos:

Que movimento histórico da arte foi discutido na última lição? Onde e quando se originou?

Quais são os traços característicos e características do impressionismo?

Cite os principais representantes do impressionismo artístico?

Que características da música impressionista você conhece? Depois que os alunos responderem a essas perguntas, você poderá passar diretamente para um novo tópico:

As últimas décadas do século XIX e início do século XX foram um período de intenso desenvolvimento da música para piano francesa. Uma característica da música para piano francesa naqueles anos era o crescimento arte romântica no impressionismo.

Depois de revisar esta era, os alunos são solicitados a responder às perguntas:

Que compositores românticos você conhece?

Nomeie suas obras?

O que é característico da música do romantismo?

Qual é a diferença entre romantismo e impressionismo?

Depois de discutir as respostas dos alunos, o professor passa a falar sobre as características da obra para piano de C. Debussy. As crianças devem ser atraídas para o facto de que, embora C. Debussy procurasse novas formas de implementar as suas ideias, ele era muito sensível à herança dos músicos russos do século XVIII (Ramo, Couperin) e às tradições altamente valorizadas. Também é importante observar; que C. Debussy foi um dos maiores cantores da natureza na música mundial. Ele capturou imagens muito diferentes, em épocas diferentes do ano, horas do dia, sob iluminação diferente, em climas diferentes. Podemos ver isso em obras como “Gardens in the Rain” de “Prints” para piano, bem como nos prelúdios:

“Névoas”, “Urze”, “Aromas e sons girando no ar noturno”, etc.

K. Debussy sentiu-se atraído por miniaturas de piano. Uma diferença significativa entre as miniaturas impressionistas e as românticas é a maior liberdade de desenvolvimento.

O professor se oferece para ouvir o prelúdio de C. Debussy “Sails”, após o qual faz uma série de perguntas:

Você gostou da música?

Em que cores musicais esta música foi escrita?

É dinâmico ou estático?

(Ao discutir esta questão, o professor precisa chamar a atenção dos alunos para o fato de que a natureza estática deste trabalho é enfatizada pelo ponto do órgão /Si bemol/ ao longo de toda a peça).

A música era a mesma o tempo todo?

Qual é a cor desta peça?

Que imagens vieram à mente enquanto ouvia?

Tarefa: Compare “Sails” e a pintura de C. Monet “A Praia de Sainte-Adresse”.

A professora sugere ouvir o prelúdio “Garota com Cabelo Linho”.

Qual é o caráter desta música?

O que te atrai nessa música?

Como você retrataria a imagem dessa garota?

Quem são menestréis?

O que há de interessante nesta peça? O que há de incomum nisso?

Que instrumentos musicais você pode ouvir aqui?

Os alunos terão interesse em saber que este prelúdio é sobre um teatro de menestréis itinerantes que existiu no século passado nos EUA, associado à arte negra, que teve grande influência no desenvolvimento de um novo estilo de música pop - o jazz, em que C. Debussy ficou profundamente interessado.

Tarefa: Use movimentos e plasticidade para transmitir o clima desta peça.

Depois disso, a professora se oferece para ouvir o prelúdio “Fogos de artifício”, mas não informa primeiro o título da obra.

Exemplos de perguntas:

Como você chamaria esta peça?

Qual é o clima nessas preliminares?

A professora chama a atenção dos alunos para como C. Debussy pinta habilmente um quadro de foguetes decolando, o brilho das luzes iluminando a escuridão da noite. Os alunos terão interesse em saber que esta obra é inspirada em imagens feriado nacional, aparentemente no Dia da Bastilha. Destaca-se também que o autor introduz um canto no final da peça, que lembra muito a entonação da “Marselhesa”, tocada nos dias de feriado nacional.

No final da aula, para consolidar os conhecimentos adquiridos pelos alunos, recomenda-se colocar as seguintes questões:

Que características da música para piano de C. Debussy você consegue citar? (desejo de constante variabilidade de estilos de vida, grande interesse por esquetes musicais de diversos movimentos, etc.)

Que impressão você teve com a música que ouviu?

Lição de casa: desenhe ilustrações para as peças musicais que você ouviu.

Lição nº 3.

Tema: Impressionismo e criatividade sinfônica de C. Debussy.

Recursos visuais: Retrato de C. Debussy, pinturas de C. Monet “Impressão. Nascer do sol" 1872, "Rochas em Belle-Isle" 1886, "Rochas em Etretat" 1886.

Material musical: C. Debussy “O Mar”, esquetes sinfônicos “Do Amanhecer ao Meio-dia no Mar”, “Jogo das Ondas”, “Conversa do Vento com o Mar”; N.A. Rimsky-Korsakov, suíte “Scheherazade”, introdução à ópera “Sadko”, “Canção do Convidado Varangiano” da ópera “Sadko”; fantasia orquestral de A. Glazunov “The Sea”.

Objectivo: Apresentar aos alunos as obras sinfónicas de C. Debussy.

Objetivos: Formação de uma percepção artística holística nos alunos, ensinando a compreender a linguagem musical, meios de expressão que influenciam a natureza da obra, desenvolvimento da audição timbre.

A música sinfônica na obra de C. Debussy ocupa um lugar não menos significativo que a música para piano. Ela também encarna as imagens e tramas mais típicas, características do estilo do compositor.

Uma das obras sinfônicas mais marcantes de C. Debussy é “O Mar” - três esquetes sinfônicos: “Do amanhecer ao meio-dia no mar”, “O jogo das ondas”, “Uma conversa entre o vento e o mar”.

Nestes esboços sinfônicos, os alunos do ensino médio poderão perceber o sentimento panteísta arrebatador que permeia esta obra e lhe confere um apelo especial.

K. Debussy gravitou em torno do gênero das pinturas sinfônicas. E um dia criou uma grande obra cíclica, uma peça única, encarnada de forma diferente em cada uma das três partes.

O compositor trabalhou nos estudos sinfônicos “O Mar” em 1903-1905. Ele dedicou este trabalho à sua esposa. É inspirado em impressões reais de Mar Mediterrâneo, do Atlântico, em cuja costa C. Debussy passou os meses de verão.

Neste tríptico, o compositor captou três estados dos elementos: a superfície adormecida do mar no nevoeiro matinal e o momento em que os raios do sol incidem sobre a sua superfície ao meio-dia; o delicioso jogo das ondas e o brilho da luz e, finalmente, ao entardecer, a eterna luta do mar com o vento indomável.

Após a fala introdutória, a professora sugere ouvir a obra e refletir sobre as questões: quão expressivamente o caráter das imagens musicais é transmitido na música e que meios o compositor utiliza para criá-la.

Quando os alunos conhecem os esquetes sinfónicos de “O Mar”, um lugar importante deve ser dado à análise da obra, uma vez que esta desempenha um grande papel no desenvolvimento da capacidade de resposta emocional. Se a obra ouvida permanece incompreensível, então no processo de análise criam-se oportunidades para chamar a atenção para o seu conteúdo, revelando a expressividade das imagens artísticas e da linguagem musical.

Perguntas para os alunos depois de ouvir:

Como o mar foi representado nesta obra?

Por que meios de expressividade o compositor encarna a versatilidade do mar?

O que torna este trabalho semelhante à pintura?

Após o diálogo com os alunos, o professor deverá resumir a conversa. É importante notar que em “O Mar” as imagens são bastante específicas; as imagens da natureza são percebidas pelos ouvintes não apenas através do prisma dos sentimentos do artista, mas também através de uma gravação sonora muito expressiva e precisa. Na sua música, o compositor pretendeu expressar não só o sentimento de excitação de quem contempla a grandeza da natureza, mas também encarnar três elementos - o som do mar, o movimento das ondas e as cores mutáveis. água do mar, refletindo o céu. A primeira pintura, “O Mar do Amanhecer ao Meio-dia”, transmite a impressão de um jogo de cores entre a água e o céu. A segunda pintura assemelha-se a um movimento de dança - “O Jogo das Ondas” - dedicado a retratar o elemento movimento. Na última foto - “Diálogo do Vento com o Mar” - a personificação da energia do ruído dos elementos em fúria. Todas as três partes estão interligadas pela unidade interna do conceito e métodos de desenvolvimento do material.

K. Debussy concentrou sua atenção no jogo variado de cores e formas do elemento água em mudança, que revelou a essência impressionista de sua arte. “O Mar” pertence ao conjunto de obras do género pictórico, pictórico-sinfónico, e numa compreensão tipicamente impressionista do pitoresco.

A seguir, a professora chama a atenção dos alunos para o facto de muitos compositores também incorporarem paisagens marítimas nas suas obras, e convida-os a relembrar obras musicais em que foram criadas imagens do elemento água: Suite “Scheherazade”, Introdução à ópera “Sadko ”, “Canção do Convidado Varangiano” N. Rimsky-Korsakov, a fantasia orquestral de A. Glazunov “O Mar”, etc.

É aconselhável que o professor sugira a comparação de “O Mar” de C. Debussy com alguma das obras acima mencionadas.

Tal tarefa interessará aos alunos do ensino médio, ativará sua percepção e os ajudará a aprender novo material e consolidar o que foi aprendido.

Ao final da aula, o professor deverá resumir todo o tema abordado - “Impressionismo e a obra de C. Debussy”.

Trabalho de casa: Ilustrar os esquetes sinfônicos de C. Debussy “O Mar”. Escreva um ensaio sobre o tema: “O que sinto ao ouvir a música de C. Debussy”.

PALAVRA FINAL

Assim, ao abordar as questões do impressionismo como um movimento importante, significativo e interessante na arte, o pelagogo apresenta aos alunos o mundo da pintura, da literatura e da música. Conhecer os melhores exemplos desse movimento aumentará seu nível educacional e ampliará seus horizontes.

A obra aborda apenas algumas questões dessa direção, uma vez que os problemas do impressionismo são materiais bastante complexos. Mesmo assim, o autor acredita que os alunos devem ser apresentados aos vários tipos de arte, aos vários movimentos e tendências da música, da literatura e da pintura, e isso sem dúvida dará frutos.

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Para preparar este trabalho, foram utilizados materiais do site http://www.refcentr.ru/

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