Ajuda na Tele2, tarifas, dúvidas

“A música deve lançar fogo no peito humano” - estas são as palavras do compositor alemão Ludwig van Beethoven, cujas obras pertencem às mais altas conquistas da cultura musical.

A visão de mundo de Beethoven foi formada sob a influência das ideias do Iluminismo e dos padrões amantes da liberdade da Revolução Francesa. Musicalmente, sua obra, por um lado, deu continuidade às tradições do classicismo vienense, por outro, capturou as características do novo rum Arte antiga. Do classicismo nas obras de Beethoven há sublimidade de conteúdo, belo domínio das formas musicais e um apelo aos gêneros sinfonia e sonata. Do romantismo, à experimentação ousada no domínio destes géneros, ao entusiasmo pelas miniaturas vocais e de piano.

Ludwig van Beethoven nasceu na Alemanha na família de um músico da corte. Começou a estudar música desde a infância, sob a orientação de seu pai. Mas o verdadeiro mentor de Beethoven foi o compositor, maestro e organista K.G. Nefe. A partir dos onze anos, Beethoven serviu como organista assistente na igreja, mais tarde como organista da corte e como acompanhante na Ópera de Bonn.

Em 1792 Beethoven mudou-se para Viena. Ele teve aulas de música com os maiores músicos da época. Daí o brilhante conhecimento do compositor sobre formas musicais, harmonia e polifonia. Beethoven logo começou a dar concertos; tornou-se popular. Foi reconhecido nas ruas e convidado para recepções festivas nas casas de pessoas de alto escalão. Ele inventou muito: escreveu sonatas, concertos para piano e orquestra, sinfonias.

Por muito tempo ninguém percebeu que Beethoven foi acometido de uma doença grave - ele começou a perder a audição. Convencido da incurabilidade da doença, o compositor decidiu morrer em 1802. preparou um testamento, onde explicou as razões da sua própria decisão. Mas Beethoven conseguiu superar o desespero e encontrou forças para continuar escrevendo música. A saída da crise foi a Terceira Sinfonia (“Heroica”).

Em 1803-1808 o compositor também trabalhou na criação de sonatas; em particular, a Nona para violino e piano, é dedicada ao violinista parisiense Rudolf Kreutzer, e por isso recebeu o título de “Kreutzer”; Vigésima terceira (“Appassionata”) para piano, Quinta e Sexta sinfonias.

A sexta sinfonia (“Pastoral”) tem como subtítulo “Memórias da Vida Rural”. Este trabalho retrata diferentes estados alma humana, afastado por um tempo das experiências e lutas internas. A sinfonia transmite os sentimentos que surgem do contato com o mundo natural e a vida rural. Sua estrutura é incomum – cinco partes em vez de quatro. A sinfonia contém elementos de figuratividade e onomatopeia (pássaros cantam, trovões rugem, etc.). As descobertas de Beethoven foram posteriormente utilizadas por muitos compositores românticos.

O topo criatividade sinfônica Nona Sinfonia de Beethoven. Foi concebido em 1812, mas o compositor trabalhou nele de 1822 a 1823. A sinfonia é grandiosa; O final é especialmente incomum, representando algo como uma grande cantata para coro, solistas e orquestra, escrita com o texto da ode “To Joy” de J.F. Schiller.

Na primeira parte, a música é cruel e dramática: do caos dos sons nasce um tema preciso e totalmente em grande escala. A segunda parte, um scherzo, tem caráter semelhante ao primeiro. A terceira parte, realizada em em um ritmo lento, é o olhar calmo de uma alma iluminada. Duas vezes os sons das fanfarras explodiram no fluxo tranquilo da música. Eles lembram tempestades e batalhas, mas não são capazes de mudar a imagem filosófica geral. Esta música é o ápice das letras de Beethoven. A quarta parte é o final. Os temas das partes anteriores flutuam diante do ouvinte como se o passado estivesse passando. E aqui surge o tema da alegria. A estrutura interna do tema é surpreendente: tremor e contenção estrita, grande força interior, liberada em um grandioso hino ao bem, à verdade e à beleza.

A estreia da sinfonia ocorreu em 1825. na Ópera de Viena. Para concretizar o plano do autor não bastava uma orquestra de teatro amadores: vinte e quatro violinos, dez violas, doze violoncelos e contrabaixos. Para uma orquestra clássica vienense, tal composição era extraordinariamente massiva. Além disso, qualquer parte coral (baixo, tenor, contralto e soprano) incluía vinte e quatro cantores, o que também ultrapassava as normas habituais.

Durante a vida de Beethoven, a Nona Sinfonia permaneceu incompreensível para muitos; foi admirada apenas por quem conhecia de perto o compositor, seus alunos e ouvintes esclarecidos em música, mas com o tempo, orquestras famosas ao redor do mundo começaram a incluir a sinfonia em seu repertório.

As obras do período tardio da obra do compositor caracterizam-se pela contenção de sentimentos e profundidade filosófica, o que as distingue das primeiras obras apaixonadas e dramáticas. Durante sua vida, Beethoven escreveu 9 sinfonias, 32 sonatas, 16 quartetos de cordas, a ópera Fidelio, Missa Solene, 5 concertos para piano e um para violino e orquestra, aberturas e peças individuais para diversos instrumentos.

Surpreendentemente, o compositor escreveu muitas de suas obras (incluindo a Nona Sinfonia) já completamente surdo. Mas também ele últimos trabalhos- sonatas e quartetos para piano - obras-primas insuperáveis ​​​​da música de câmara.

Ryabchinskaya Inga Borisovna
Cargo: professor de piano, acompanhante
Instituição educacional: Escola de Música Infantil MBU DO em homenagem a D.D. Chostakovitch
Localização: cidade de Volgodonsk, região de Rostov
Nome do material: desenvolvimento metodológico
Assunto: "Épocas históricas. Estilos musicais" (classicismo, romantismo)
Data de publicação: 16/09/2015

Parte do texto da publicação

Instituição orçamentária municipal de educação complementar Escola de música infantil em homenagem a D. D. Shostakovich, Volgodonsk
Desenvolvimento metodológico sobre o tema:

“Épocas históricas.

Estilos musicais »
classicismo, romantismo
) O desenvolvimento foi realizado por Inga Borisovna Ryabchinskaya, professora da primeira categoria, acompanhante da categoria mais alta
Estilo e época são dois conceitos inter-relacionados. Cada estilo está intimamente ligado à atmosfera histórica e cultural em que foi formado. As tendências estilísticas mais importantes apareceram, existiram e desapareceram na sequência histórica. Em cada um deles manifestaram-se claramente princípios artísticos e figurativos gerais, meios de expressão e métodos criativos.
CLASSICISMO
As palavras “clássico”, “classicismo”, “clássico” vêm da raiz latina - classicus, isto é, exemplar. Quando chamamos um artista, escritor, poeta, compositor de clássico, queremos dizer que ele alcançou o mais alto domínio e perfeição na arte. Seu trabalho é altamente profissional e é para nós
amostra.
Existem duas etapas históricas na formação e desenvolvimento do classicismo.
Primeira etapa
remonta ao século XVII. Crescendo a partir da arte renascentista classicismo XVII V. desenvolveu-se simultaneamente com o Barroco, em parte em luta, em parte em interação com ele, e durante este período teve seu maior desenvolvimento na França. Para os clássicos deste período, exemplos insuperáveis ​​​​de criatividade artística foram as obras de arte antiga, onde o ideal era a ordem, a racionalidade e a harmonia. Em suas obras buscaram beleza e verdade, clareza, harmonia, completude de construção.
Segunda fase
- o classicismo tardio, de meados do século XVIII ao início do século XIX, está associado principalmente a
Escola clássica vienense
. Ele entrou na história da cultura europeia como
Idade da iluminação
ou a Idade da Razão. O homem atribuía grande importância ao conhecimento e acreditava na capacidade de explicar o mundo. O personagem principal é uma pessoa que está pronta para feitos heróicos, subordinando seus interesses - gerais, espirituais
classicismo

classicismo

claro

harmonia

claro

harmonia

estrito

formulários

estrito

formulários

equilibrado

sentimentos

equilibrado

sentimentos

Os impulsos são a voz da razão. O que o torna diferente é fortaleza moral, coragem, veracidade, devoção ao dever. A estética racional do classicismo refletiu-se em todos os tipos de arte.
Arquitetura
Este período é caracterizado pela ordem, funcionalidade, proporcionalidade das peças, tendência ao equilíbrio e simetria, clareza de planos e construções, organização rigorosa. Deste ponto de vista, o símbolo do classicismo é o traçado geométrico do parque real de Versalhes, onde árvores, arbustos, esculturas e fontes se localizavam segundo as leis da simetria. O Palácio Tauride, erguido por I. Starov, tornou-se o padrão dos clássicos estritos russos.
Na pintura
O desenvolvimento lógico do enredo, uma composição clara e equilibrada, uma transferência clara de volume, com a ajuda do claro-escuro o papel subordinado da cor e o uso de cores locais adquiriram a importância principal (N. Poussin, C. Lorrain, J. Davi).
Na arte poética
Houve uma divisão em gêneros “altos” (tragédia, ode, épico) e “baixos” (comédia, fábula, sátira). Representantes destacados da literatura francesa P. Corneille, F. Racine, J. B. Molière contribuíram grande influência sobre a formação do classicismo em outros países. Um ponto importante deste período foi a criação de diversas academias: ciências, pintura, escultura, arquitetura, inscrições, música e dança.
Estilo musical do classicismo
O classicismo na música diferia do classicismo nas artes afins e foi formado em 1730-1820. Em diferentes culturas nacionais, os estilos musicais difundiram-se em diferentes épocas; O que é indiscutível é que em meados do século XVIII o classicismo triunfou em quase toda parte. O conteúdo das composições musicais está ligado ao mundo dos sentimentos humanos, que não estão sujeitos ao controle estrito da mente. No entanto, os compositores desta época criaram um sistema de regras muito harmonioso e lógico para a construção de uma obra. Na era do classicismo, gêneros como ópera, sinfonia e sonata foram formados e alcançaram a perfeição. A verdadeira revolução foi a reforma operística de Christophe Gluck. Seu programa criativo baseava-se em três grandes princípios - simplicidade, verdade, naturalidade. No drama musical ele buscava significado, não doçura. Da ópera, Gluck retira tudo o que é supérfluo: decorações, efeitos magníficos, dá à poesia maior poder expressivo, e a música fica totalmente subordinada à divulgação do mundo interior dos heróis. A ópera "Orfeu e Eurídice" foi a primeira obra em que Gluck implementou novas ideias e marcou o início da reforma operística. Rigor, proporcionalidade de forma, simplicidade nobre sem pretensão, sentimento
a medida artística nas obras de Gluck lembra a harmonia das formas escultura antiga. Árias, recitativos e coros formam uma grande composição operística. O apogeu do classicismo musical começou na segunda metade do século XVIII em Viena. A Áustria naquela época era um império poderoso. A multinacionalidade do país também afetou a sua cultura artística. A maior expressão do classicismo foi a obra de Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, que trabalhou em Viena e formou uma direção na cultura musical - a escola clássica vienense.
Os fundadores do classicismo vienense em

música

W. Mozart

J.Haidn L.

Beethoven
A estética do classicismo baseava-se na crença na racionalidade e harmonia da ordem mundial, que se manifestava na atenção ao equilíbrio das partes da obra, no acabamento cuidadoso dos detalhes e no desenvolvimento dos cânones básicos da forma musical. Foi nesse período que se formou finalmente a forma sonata, baseada no desenvolvimento e oposição de dois temas contrastantes, e se determinou a composição clássica das partes da sonata e da sinfonia.
vienense

classicismo

vienense

classicismo

Forma sonata
Sonata - (do italiano sonare - soar) é uma das formas de música instrumental de câmara, que possui diversas partes. Sonatina - (sonatina italiana - diminutivo de sonata) - uma sonata pequena, de tamanho mais conciso, muito mais simples em conteúdo e mais fácil tecnicamente. Os instrumentos para os quais as sonatas foram originalmente compostas incluem violino, flauta, cravo - o nome geral para todos os instrumentos de teclado - cravo, clavicórdio, piano. O gênero sonata para cravo (piano) atingiu seu maior florescimento na era do classicismo. Nessa época, tocar música em casa era popular. A primeira parte da sonata, apresentada em forma de sonata, distingue-se pela maior tensão e nitidez. A primeira parte (sonata allegro) consiste em três seções: A primeira seção da sonata allegro inclui as partes principal e secundária, de ligação e final: reprise, desenvolvimento, exposição
A segunda seção da sonata allegro - desenvolvimento A terceira seção da sonata allegro - reprise:
exposição

lar

consignacao

Principal

chave

lado

consignacao

Chave

dominantes

desenvolvimento

desenvolvimento

oposição

festas

oposição

festas

modificação

festas

modificação

festas

"tecer"

festas

"tecer"

festas

Possível seção do código sonata allegro:
Segunda parte
forma sonata - lenta. A música transmite um fluxo tranquilo de pensamento, glorifica a beleza dos sentimentos e pinta uma paisagem requintada.
A terceira parte
sonatas (final). Os finais das sonatas costumam ser executados em andamento rápido e têm caráter dançante, por exemplo, um minueto. Freqüentemente, os finais das sonatas clássicas são escritos na forma
rondó
(do italiano rondo - círculo). Parte repetida -
A
-
refrão
(tema principal),
B, C, D
- contrastante
episódios
.
reprise

lar

consignacao

Principal

chave

lado

consignacao

Principal

chave
lote vinculativo lote final
código

código

a tonalidade é fixa

a tonalidade é fixa

contrastes são removidos

contrastes são removidos

som dos temas principais

som dos temas principais

José Haydn

"Haydn, cujo nome brilha tão intensamente no templo da harmonia..."
Joseph Haydn é o fundador do classicismo vienense, movimento que substituiu o barroco. Sua vida ainda ocorrerá principalmente na corte de governantes seculares, e novos princípios musicais serão formados em seu trabalho, novos gêneros surgirão. Tudo isso
mantém seu significado em nosso tempo... Haydn é considerado o fundador da música instrumental clássica, o fundador da orquestra sinfônica moderna e o pai da sinfonia. Ele estabeleceu as leis da sinfonia clássica: deu-lhe um aspecto harmonioso e completo, determinou a ordem de seu arranjo, que se preserva em suas características principais até hoje. A sinfonia clássica tem um ciclo de quatro dígitos. A primeira parte ocorre em um ritmo acelerado e na maioria das vezes parece enérgica e animada. A segunda parte é lenta. Sua música transmite o humor lírico de uma pessoa. A terceira parte - minueto - é uma das danças favoritas da época de Haydn. A quarta parte é o final. Este é o resultado de todo o ciclo, uma conclusão de tudo o que foi mostrado, pensado, sentido nas partes anteriores. A música do final é geralmente dirigida para cima; é uma afirmação da vida, solene e vitoriosa. Na sinfonia clássica foi encontrada uma forma ideal que pode conter um conteúdo muito profundo. Na obra de Haydn, também se estabelece o tipo de sonata clássica em três movimentos. As obras do compositor são caracterizadas pela beleza, ordem, simplicidade sutil e nobre. Sua música é muito brilhante, leve, principalmente em tom maior, cheia de alegria, maravilhosa alegria terrena e humor inesgotável. Seus ancestrais foram camponeses e trabalhadores, cujo amor pela vida, perseverança e otimismo foram herdados pelo clássico. “Meu falecido pai era fabricante de carruagens de profissão, súdito do Conde Harrach e, por natureza, um ardente amante da música.” Haydn já descobriu o interesse pela música quando criança. Percebendo o talento do filho, seus pais o enviaram para estudar em outra cidade - lá o menino morava sob os cuidados de um parente. Haydn mudou-se então para outra cidade, onde cantou no coral. Na verdade, desde os 6 anos de idade, Joseph Haydn levou uma vida independente. Podemos dizer que foi autodidata, pois não tinha dinheiro nem ligações para estudos sistemáticos com professores famosos. À medida que envelhecia, sua voz tornou-se mais áspera e o muito jovem Haydn se viu na rua sem teto sobre sua cabeça. Ele ganhava a vida ensinando lições que já havia dado a si mesmo. O auto-estudo continua: Haydn estuda cuidadosamente a música de C.F.E. Bach (filho de J.S. Bach), ouve músicas que soam nas ruas (incluindo melodias eslavas), e Haydn começa a compor. Ele é notado. Na Europa, os nobres procuravam superar-se contratando os melhores músicos. Os anos que o jovem Haydn passou como artista livre foram frutíferos, mas ainda assim foi uma vida difícil. O já casado Haydn (todos descrevem o casamento como extremamente malsucedido) aceita o convite do Príncipe Esterhazy. Na verdade, na corte de Esterhazy, Haydn
durará 30 anos. Suas responsabilidades incluem compor música e dirigir a orquestra principesca. O príncipe Esterhazy (ou Esterhazy) era, segundo todos os relatos, um homem decente e um grande amante da música. Haydn poderia fazer o que amava. A música foi escrita sob encomenda - sem "liberdade criativa", mas esta era uma prática comum na época. Além disso, o pedido tem uma vantagem significativa: a música encomendada certamente foi executada imediatamente. Nada estava escrito na mesa.
Desde o primeiro acordo oficial entre o Príncipe Esterhazy e

Vice Kapellmeister Joseph Haydn:
“Pela primeira ordem de Sua Senhoria, o Grão-Duque, o vice-kapellmeister (Haydn) compromete-se a compor qualquer música que Sua Senhoria desejar, a não mostrar novas composições a ninguém e, mais ainda, a não permitir que ninguém as copie, mas guardá-los exclusivamente para seu senhorio e sem seu conhecimento e permissão graciosa para não compor nada para ninguém. Joseph Haydn é obrigado a comparecer ao salão todos os dias (seja em Viena ou em qualquer uma das propriedades principescas) antes e depois do jantar e apresentar-se caso sua senhoria se digne ordenar a execução ou composição de música. Espere e, tendo recebido o pedido, leve-o ao conhecimento dos demais músicos. Com tanta confiança, Sua Alteza Sereníssima concede-lhe, vice-kapellmeister, um subsídio anual de 400 florins do Reno, que receberá trimestralmente no tesouro principal. Além disso, ele, Joseph Haydn, tinha direito a receber um kosht da mesa do oficial ou meio florim por dia de dinheiro da mesa, às custas do mestre. (O salário foi posteriormente aumentado várias vezes). Haydn considerou seus trinta anos de serviço com os príncipes de Esterhazy um bom período de sua vida. No entanto, ele sempre foi um otimista. Além disso, Joseph Haydn teve todas as oportunidades para compor e sempre escreveu muito e rápido. Foi durante o seu serviço na corte dos príncipes de Esterhazy que Haydn ganhou fama. A relação entre Esterhazy e Haydn é perfeitamente ilustrada pelo famoso caso da Sinfonia de Despedida. Os membros da orquestra recorreram a Haydn com um pedido para influenciar o príncipe: seus apartamentos revelaram-se pequenos demais para a mudança de suas famílias. Os músicos sentiam falta de suas famílias. Haydn influenciou a música: escreveu uma sinfonia com mais um movimento. E quando essa parte soa, os músicos vão saindo aos poucos. Restam dois violinistas, mas eles também apagam as velas e vão embora. O príncipe entendeu a dica e atendeu às “exigências” dos músicos.
Em 1790, o Príncipe Esterhazy, Miklos, o Magnífico, morre. O novo príncipe, Anton, não estava com disposição para música. Não, Anton deixou os músicos do regimento, mas dissolveu a orquestra. Haydn permaneceu desempregado, embora com uma grande pensão que Miklos lhe atribuiu. E ainda havia muita energia criativa. Então Haydn tornou-se novamente um artista livre. E ele irá para a Inglaterra a convite. Haydn logo fará 60 anos, ele não sabe línguas! Mas ele parte para a Inglaterra. E novamente - triunfo! “Minha língua é perfeitamente compreendida em todo o mundo”, disse o compositor sobre si mesmo. Na Inglaterra, Haydn não teve apenas um sucesso impressionante. De lá trouxe mais 12 sinfonias e oratórios. Haydn testemunhou sua própria glória – e isso é muito raro. O fundador do classicismo vienense deixou um grande número de obras, e esta é uma música equilibrada e de afirmação da vida. O oratório "A Criação" é uma das obras mais famosas de Haydn. Esta é uma pintura musical monumental, contemplação do universo, por assim dizer... Haydn tem mais de 100 sinfonias que Hoffmann as chamou de “Alegria infantil da alma”. Um grande número de sonatas, concertos, quartetos, óperas... Joseph Haydn é o autor do hino nacional alemão.

Wolfgang Amadeus Mozart

27 de janeiro de 1756 – 5 de dezembro de 1791
A arte de Haydn teve uma influência tremenda na formação do estilo sinfônico e de câmara de Wolfgang Mozart. Depender
Suas realizações no campo da sonata e da música sinfônica de Mozart contribuíram com muitas coisas novas, interessantes e originais. Toda a história da arte não conhece personalidade mais marcante que ele. Mozart tinha memória e audição fenomenais, tinha habilidades brilhantes como improvisador, tocava violino e órgão lindamente e ninguém poderia desafiar sua primazia como cravista. Ele era o músico mais popular, mais reconhecido e mais querido de Viena. Suas óperas são de grande valor artístico. Há dois séculos, “As Bodas de Fígaro” (uma ópera buffa, mas realista e com elementos líricos) e “Don Giovanni” (uma ópera definida como um “drama alegre” - é ao mesmo tempo uma comédia e uma tragédia com muito forte e imagens complexas) tiveram sucesso com melodia encantadoramente elegante, simplicidade e harmonia luxuosa. E “A Flauta Mágica” (uma ópera - um singspiel, mas ao mesmo tempo um conto de fadas filosófico sobre a luta entre o bem e o mal) ficou na história da música como o “canto do cisne” de Mozart, como uma obra que mais plenamente e revela vividamente sua visão de mundo, seus pensamentos acalentados. A arte de Mozart é perfeita em habilidade e absolutamente natural. Ele nos deu sabedoria, alegria, luz e bondade. Johann Chrysostom Wolfgang Theophile Mozart nasceu em 27 de janeiro de 1756 em Salzburgo. Amadeus é o análogo latino do nome grego Theophilus - “o favorito de Deus”. Mozart costuma ser chamado por dois nomes. Wolfgang Amadeus é uma criança prodígio. O pai de Mozart - Leopold Mozart - era ele mesmo músico famoso- um professor e um compositor bastante prolífico. Na família nasceram 7 filhos, dois sobreviveram: Nannerl, a irmã mais velha de Mozart, e o próprio Wolfgang. Leopold começou a ensinar as duas crianças desde a infância e saiu em turnê com elas. Foi um verdadeiro período de peregrinação. Foram vários passeios, no total duraram mais de 10 anos (com pausas para voltar para casa ou doenças infantis). O pai não apenas mostrou aos filhos a Europa, incluindo os monarcas. Ele estava procurando conexões que permitissem que seu filho maduro conseguisse um futuro emprego de acordo com seu talento brilhante. Mozart começou a compor no mesmo primeira infância, e sua música antiga é tocada quase com a mesma frequência que sua música madura. Além disso, durante as viagens, o pai contratou para o filho os melhores professores da Europa (na Inglaterra era o filho mais novo de J. S. Bach - “London Bach”, na Itália - o famoso Padre Martini, com quem estudou, aliás , e um dos fundadores das escolas de composição profissional na Rússia, Maxim Berezovsky). Na mesma Itália, o muito jovem Mozart cometeu um “pecado terrível”, que está incluído em todas as biografias: na Capela Sistina, depois de ouvi-lo uma vez, lembrou-se completamente e anotou o guardado
A obra do Vaticano "Miserere" de Allegri. “E aqui Wolfgang passou no famoso “exame” de sutileza de audição e precisão de memória. De memória, escreveu o famoso “Miserere” de Gregorio Allegri que ouviu. Esta obra foi amplamente considerada a coroa do gênero e o auge da música papal para a Sexta-Feira Santa. Não é de surpreender que a capela tenha tomado muito cuidado para proteger esta obra de copistas indesejados. O que Wolfgang conseguiu fazer naturalmente criou uma grande sensação. O pai conseguiu acalmar a mãe e a irmã em Salzburgo, que temiam que ao gravar “Miserere” Wolfgang tivesse pecado e pudesse ter problemas.” Mozart não só não se formou na universidade, como nem sequer foi à escola. Seu pai também lhe ensinou educação geral (matemática, línguas). Mas eles cresceram cedo e em todas as camadas da sociedade. Não havia tempo para a subcultura adolescente. As crianças, claro, estavam muito cansadas. Por fim, cresceram, o que fez com que deixassem de ser crianças prodígios, que o público perdesse o interesse por eles. Na verdade, Mozart teve que voltar a “conquistar” o público, já como músico adulto. Em 1773, o jovem Mozart começou a trabalhar para o Arcebispo de Salzburgo. Ele pôde continuar viajando e, claro, trabalhar duro. Sob o próximo arcebispo, Mozart deixou seu posto na corte e tornou-se um artista livre. Depois de uma infância composta por contínuas viagens pela Europa e serviço ao arcebispo, Mozart mudou-se para Viena. Continua a viajar periodicamente para outras cidades europeias, mas a capital austríaca tornar-se-á a sua residência permanente. “Mozart foi o primeiro dos grandes músicos a permanecer um artista livre e foi o primeiro compositor da história - um representante da boemia artística. É claro que trabalhar para o mercado livre significava pobreza." A vida “com pão de graça” não é tão simples e otimista quanto pode parecer. Na música do Mozart maduro, a tragédia de seu destino brilhante é sentida através do brilho e da beleza da música, a tristeza e a compreensão, a expressão, a paixão e o drama são destacados. Wolfgang Mozart partiu para sua vida curta mais de 600 obras. É preciso entender que estamos falando de obras de grande porte: óperas, concertos, sinfonias. Mozart é um compositor universal. Escreveu música instrumental e vocal, ou seja, em todos os gêneros e formas existentes em sua época. No futuro, tal universalismo tornar-se-á um fenómeno raro. Mas Mozart é universal não só por esta razão: “A sua música contém um mundo enorme: contém o céu e a terra, a natureza e o homem, a comédia e a tragédia, a paixão em todas as suas formas e profunda
paz interior" (K. Barth). Basta relembrar algumas de suas obras: óperas, sinfonias, concertos, sonatas. As obras para piano de Mozart estavam intimamente ligadas ao seu ensino e prática performática. Ele foi o maior pianista de seu tempo. No século 18 É claro que havia músicos que não eram inferiores a Mozart em virtuosismo (nesse aspecto, seu principal rival era Muzio Clementi), mas ninguém se comparava a ele no sentido profundo de sua atuação. A vida de Mozart ocorreu numa época em que o cravo, o clavicórdio e o pianoforte (como o piano era chamado anteriormente) eram comuns na vida musical. E se em relação às primeiras obras de Mozart se costuma falar do estilo do cravo, então a partir do final da década de 1770 o compositor sem dúvida escreveu para piano. Sua inovação se manifestou mais claramente em seus trabalhos para teclado de plano patético. Mozart é um dos maiores melodistas. A sua música combina as características das canções folclóricas austríacas e alemãs com a melodia das canções italianas. Apesar de suas obras se distinguirem pela poesia e graça sutil, muitas vezes contêm melodias com grande pathos dramático e elementos contrastantes. A criatividade instrumental de câmara de Mozart é representada por uma variedade de conjuntos (de duetos a quintetos) e obras para piano (sonatas, variações, fantasias). O estilo de piano de Mozart se distingue pela elegância, clareza e acabamento cuidadoso da melodia e do acompanhamento. V. Mozart escreveu 27 concertos para piano e orquestra, 19 sonatas, 15 ciclos de variações, 4 fantasias (duas em dó menor, uma em dó maior, combinadas com uma fuga, e mais uma em ré menor). Juntamente com os ciclos de grande escala, a obra de Mozart contém muitas pequenas peças, às quais ele próprio nem sempre dava a devida importância. Estes são minuetos, rondos, adágios, fugas separados. A ópera era uma arte socialmente significativa. PARA Século XVIII exceto os cortesãos casas de ópera Já existiam dois tipos de casas de ópera públicas: sérias e cômicas - cotidianas (seria e buffa). Mas na Alemanha e na Áustria o Singspiel floresceu. Entre a grande quantidade de obras criadas pelo gênio de Mozart, as óperas são suas criações favoritas. A sua obra revela uma rica galeria de imagens da vida de óperas - séria, buffa e singspiel, sublime e cómica, gentil e travessa, inteligente e rústica - todas elas retratadas de forma natural e psicologicamente autêntica. A música de Wolfgang Amadeus Mozart combina harmoniosamente o culto da razão, o ideal da nobre simplicidade e o culto do coração, o ideal de uma personalidade livre. O estilo de Mozart sempre foi considerado a personificação da graça, leveza, vivacidade de espírito e sofisticação verdadeiramente aristocrática.
P.I. Tchaikovsky escreveu: “Mozart é o ponto mais elevado e culminante que a beleza alcançou na esfera da música... o que chamamos de ideal”.
Ludwig van Beethoven

16 de dezembro de 1770 – 26 de março de 1827
Ludwig van Beethoven tornou-se famoso como o maior sinfonista. Sua arte é permeada pelo pathos da luta. Implementou as ideias avançadas do Iluminismo, que estabeleceram os direitos e a dignidade da pessoa humana. Ele possuía nove sinfonias, uma série de aberturas sinfônicas (“Egmont”, “Coriolanus”) e trinta e duas sonatas para piano que formaram uma era na música para piano. O mundo das imagens de Beethoven é diverso. Seu herói não é apenas corajoso e apaixonado, ele é dotado de um intelecto bem desenvolvido. Ele é um lutador e um pensador. Em sua música, a vida se manifesta em toda a sua diversidade - paixões violentas e devaneios desapegados, pathos dramático e confissões líricas, imagens da natureza e cenas da vida cotidiana. Completando a era do classicismo, Ludwig van Beethoven abriu simultaneamente o caminho para o próximo século. Beethoven é uma década e meia mais novo que Mozart. Mas esta é uma música qualitativamente diferente. Pertence aos “clássicos”, mas nas suas obras maduras aproxima-se do romantismo. O estilo musical de Beethoven é uma transição do classicismo para o romantismo. Mas para compreender a sua obra é necessário primeiro olhar para o panorama da vida social e musical da época. No final do século XVIII, surgiu e se desenvolveu o fenômeno do “Sturm und Drang” (Sturm und Drang) - um período em que os padrões foram quebrados
classicismo em favor de maior emotividade e abertura. Este fenômeno capturou todas as esferas da literatura e da arte, tem até um nome interessante: contra-Iluminismo. Os maiores representantes do Sturm und Drang foram Johann Wolfgang Goethe e Friedrich Schiller, e este próprio período antecipou o surgimento do Romantismo. A carga de energia e a intensidade dos sentimentos na música de Beethoven estão inextricavelmente ligadas aos fenômenos listados na vida social da Europa Ocidental daquela época e às circunstâncias da vida pessoal do gênio. Ludwig van Beethoven nasceu em Bona. A família não era rica, flamengos de origem, músicos de profissão. O pai estava ansioso para fazer do filho um “segundo Mozart”, mas a carreira de virtuoso concertista como criança prodígio não deu certo, mas houve um “treinamento” constante no instrumento. Já criança, Ludwig começou a trabalhar meio período (teve que abandonar a escola) e aos 17 anos assumiu a responsabilidade pela família: trabalhava com salário permanente e dava aulas particulares. O pai tornou-se viciado em álcool, a mãe morreu cedo e os irmãos mais novos permaneceram na família. Mesmo assim, Beethoven encontra tempo e frequenta a Universidade de Bonn como voluntário. Toda a juventude universitária foi então capturada pelo impulso revolucionário vindo da França. O jovem gênio admirava os ideais da Grande Revolução Francesa. Ele até dedicou sua Terceira Sinfonia “Eroica” a Napoleão Bonaparte, porém, riscou a dedicatória, decepcionado com a “corporificação terrena dos ideais”, e em vez disso indicou: “Em memória de um grande homem”. “Ninguém é tão mesquinho quanto os grandes” - as famosas palavras de Beethoven. Os ideais de “liberdade, igualdade, fraternidade” permaneceram para sempre os ideais de Beethoven – e isso também implicou grandes decepções na vida. Ludwig van Beethoven estudou e reverenciou exaustivamente a obra de J. S. Bach. Em Viena ele se apresenta diante de Mozart, que elogia muito o jovem músico. Logo Beethoven mudou-se completamente para Viena e posteriormente ajudou seus irmãos mais novos a se mudarem para lá. Toda a sua vida estará ligada a esta cidade. Em Viena, ele tem aulas de disciplinas especiais, entre seus professores estão Haydn e Salieri (três sonatas para violino de Beethoven são dedicadas a Salieri). Apresenta-se nos salões da aristocracia vienense e depois nos seus próprios concertos, perante um vasto público. Seus dedos no teclado foram apelidados de “demoníacos”. “Quero agarrar o destino pela garganta; ele certamente não será capaz de me derrubar completamente” (das cartas de Beethoven). Já na juventude, Beethoven percebeu que estava ficando surdo (“Há dois anos tenho evitado cuidadosamente toda a sociedade, porque não posso dizer às pessoas: “Sou surdo!” “Isso ainda seria possível se tivéssemos
Tenho outra profissão, mas com o meu ofício nada pode ser pior” (das cartas de Beethoven). As intervenções médicas periódicas não trouxeram cura e a surdez progrediu. No final da vida, ele não ouviu mais nada. Mas a audição interna permaneceu - porém, não era mais possível ouvir “pessoalmente” o que se ouvia lá dentro. E a comunicação com as pessoas era extremamente difícil; com amigos eu praticava escrever em cadernos de “conversa”. O surdo que tudo ouve - era assim que às vezes era chamado. E ele ouviu o principal: não só música, mas também ideias e sentimentos. Ele ouvia e entendia as pessoas. “Esse amor, esse sofrimento, essa perseverança de vontade, essas alternâncias de desânimo e orgulho, dramas internos - encontramos tudo isso nas grandes obras de Beethoven”... (Romain Rolland). O afeto de Beethoven é conhecido: a jovem condessa Giulietta Guicciardi. Mas ele permaneceu sozinho. Quem foi sua “amada imortal”, a carta a quem foi encontrada após a morte do compositor, não se sabe ao certo. Mas alguns pesquisadores consideram Teresa Brunswik, aluna de L. Beethoven, a “amada imortal”. Ela tinha talento musical - tocava piano lindamente, cantava e até regia. Ludwig van Beethoven teve uma longa amizade com Teresa. Em 1814, Beethoven ganhou fama mundial. O Congresso de Viena começa - após a vitória sobre Napoleão e a entrada das tropas russas, austríacas e prussianas em Paris - e o famoso Congresso pacífico de Viena começa com a ópera Fidelio de Beethoven. Beethoven torna-se uma celebridade europeia. Ele é convidado ao palácio imperial para uma celebração em homenagem ao dia do nome da Imperatriz Russa, a quem dá um presente: uma Polonaise escrita por ele. Ludwig van Beethoven compôs muito.
32 sonatas para piano
A sonata para piano foi para Beethoven a forma mais direta de expressão dos pensamentos e sentimentos que o entusiasmavam, suas principais aspirações artísticas. Sua atração por esse gênero foi particularmente forte. Se as sinfonias surgiram como resultado e generalização de um longo período de busca, então a sonata para piano refletia diretamente toda a variedade de buscas criativas. Beethoven, como um notável virtuose do piano, até improvisou na maioria das vezes em forma de sonata. Nas improvisações ardentes, originais e desenfreadas de Beethoven nasceram imagens de suas futuras grandes obras. Cada sonata de Beethoven é uma obra de arte completa; juntos eles formam um verdadeiro tesouro do pensamento clássico na música. Beethoven interpretou a sonata para piano como um gênero abrangente, capaz de refletir a diversidade de estilos musicais do nosso tempo. EM
Nesse aspecto, ele pode ser comparado a Philipp Emanuel Bach (filho de J.S. Bach). Este compositor, quase esquecido no nosso tempo, foi o primeiro a dar à sonata para teclado do século XVIII o seu o significado de um dos principais tipos de arte musical, imbuindo suas obras para teclado de pensamentos profundos. Beethoven foi o primeiro a seguir o caminho de F. E. Bach, porém, superando seu antecessor na amplitude, variedade e significado das ideias expressas nas sonatas para piano, em sua perfeição e significado artístico. Uma enorme variedade de imagens e humores - da pastoral suave à solenidade patética, da efusão lírica à apoteose revolucionária, das alturas pensamento filosófico aos momentos do gênero folclórico, da tragédia ao humor - caracterizam as trinta e duas sonatas para piano de Beethoven, criadas por ele ao longo de um quarto de século. O caminho da primeira (1792) à última (1822) sonata de Beethoven marca uma era inteira na história da música para piano mundial. Beethoven começou com um modesto estilo de piano classicista (ainda amplamente associado à arte de tocar cravo) e terminou com música para piano moderno, com sua enorme gama sonora e inúmeras novas possibilidades expressivas. Chamando suas últimas sonatas de “uma obra para instrumento de martelo” (Hammerklavier), o compositor enfatizou sua modernidade
pianístico
expressividade. Em 1822, Beethoven completou sua carreira com a Trigésima Segunda Sonata. longo curso nesta área da criatividade. Ludwig van Beethoven trabalhou muito nos problemas do virtuosismo do piano. Em busca de uma imagem sonora única, desenvolveu incansavelmente o seu estilo original de piano. A sensação de amplo espaço aéreo obtida pela justaposição de registros distantes, acordes massivos, textura densa, rica e multifacetada, técnicas timbre-instrumentais, uso rico de efeitos de pedal (em particular, o pedal esquerdo) - essas são algumas das técnicas inovadoras características de Estilo de piano de Beethoven. Começando com a primeira sonata, Beethoven comparou a música de câmara com a música para teclado do século XVIII. seus majestosos murais sonoros pintados com traços grandes e ousados. A sonata de Beethoven começou a se assemelhar a uma sinfonia para piano. Pelo menos um terço das 32 sonatas para piano são bem conhecidas até mesmo por pessoas que se consideram "não amadores". Destas: sonata “Pathétique” nº 8. Um começo imperioso, orgulhoso e trágico - e ondas fortes de música. Um poema inteiro em três partes, cada uma delas linda. Alegria, sofrimento, rebelião e luta - um círculo de imagens típico de Beethoven, aqui expresso ao mesmo tempo com violência e grande
nobreza. Esta é uma ótima música, como qualquer sonata ou sinfonia de Beethoven. “Quasi una fantasia”, a chamada sonata “Moonlight” nº 14, dedicada à jovem condessa Giulietta Guicciardi, que foi aluna de Beethoven. O compositor se interessou por Julieta e até pensou em casamento, mas ela preferiu outra pessoa. Normalmente o ouvinte se limita à primeira parte, sem saber qual é o final - “uma cachoeira subindo” - como diz figurativamente um dos pesquisadores. E há também “Appassionata” (nº 23), “A Tempestade” (nº 17), “Aurora” (nº 21)... As sonatas para piano são uma das melhores e mais preciosas partes do brilhante legado de Beethoven. Numa longa e emocionante sequência de suas magníficas imagens, toda a vida de um grande talento, uma grande mente e um grande coração passa diante de nós, não alheio a nada humano, mas justamente por isso, ele deu todas as suas batidas ao mais querido , ideais mais sagrados da humanidade avançada. L. Beethoven é o sucessor das tradições de Mozart. Mas a sua música ganha expressões completamente novas: o drama na música chega à tragédia, o humor chega à ironia e a letra torna-se uma revelação de uma alma sofredora, uma reflexão filosófica sobre o destino e o mundo. A música para piano de Beethoven é um exemplo de gosto artístico. Os contemporâneos frequentemente comparavam o clima emocional das sonatas de Beethoven com o pathos das tragédias de Schiller. Além de 32 sonatas para piano, também existem sonatas para violino. Uma é definitivamente familiar para muitos, pelo menos pelo nome - “Kreutzer Sonata” - Sonata nº 9 para violino e piano. E há também os famosos quartetos de cordas de Beethoven. Destes, os “Quartetos Russos” são especialmente populares. Você realmente pode ouvir melodias russas nelas (“Ah, talento, meu talento”, “Glória” - Beethoven estava especialmente familiarizado com essas músicas da coleção de Lvov). Não é por acaso: os quartetos foram escritos a pedido do diplomata russo Andrei Razumovsky, que viveu muito tempo em Viena e foi patrono de Beethoven. Duas sinfonias do compositor são dedicadas a Razumovsky. Beethoven possui nove sinfonias, a maioria delas conhecidas do público. Deixe-me lembrá-lo da Terceira Sinfonia (Heroica), a Quinta Sinfonia com o famoso Tema do Destino. Esses “golpes do destino” caem e caem novamente, o destino continua batendo na porta. E a luta não termina na primeira parte. O resultado só é visível no final, onde o tema do destino se transforma na exultação da alegria da vitória. Pastoral (6ª sinfonia) – o próprio nome sugere uma celebração da natureza. A impressionante 7ª Sinfonia é finalmente a mais famosa,
a Nona Sinfonia que marcou época, cuja ideia Beethoven vinha fermentando há muito tempo. Beethoven também viveu a vida de um “artista livre” (no entanto, a partir de Mozart, isso se tornou a norma) com todas as suas dificuldades e incertezas. Várias vezes Beethoven tentou deixar Viena, então a nobreza austríaca ofereceu-lhe um salário, desde que ele não fosse embora. E Beethoven permaneceu em Viena. Aqui ele conheceu seu principal triunfo. Do abismo da tristeza, Beethoven decidiu glorificar a Alegria. (Roland). Beethoven já estava muito doente. Este não é apenas o início da surdez, o compositor desenvolve uma doença hepática grave. Também não havia dinheiro suficiente e houve problemas na minha vida pessoal (criar o meu sobrinho). Nessas condições nasceu o que às vezes era difícil considerar como uma criação humana. Abraço, milhões! (Beethoven. 9ª Sinfonia, final). É também chamada de Sinfonia Coral, pelo fato de no final o já conhecido coro soar a letra de Friedrich Schiller - “Ode à Alegria”, que periodicamente se transformava em diferentes hinos, agora é o Hino do Europeu União. Beethoven morreu em 26 de março de 1827. Em 2007, o patologista vienense e especialista em medicina forense Christian Reiter (professor associado do Departamento de Medicina Forense da Universidade Médica de Viena) sugeriu que a morte de Beethoven foi involuntariamente acelerada por seu médico Andreas Wavruch, que repetidamente perfurou o peritônio do paciente (para retirar o líquido), após o que aplicou loções contendo chumbo nas feridas. Os testes capilares de Reuter mostraram que os níveis de chumbo de Beethoven aumentavam acentuadamente cada vez que ele visitava o médico.
Beethoven - professor
Beethoven começou a dar aulas de música ainda em Bonn. Seu aluno de Bonn, Stefan Breuning, permaneceu o amigo mais dedicado do compositor até o fim de seus dias. Breuning ajudou Beethoven na revisão do libreto de Fidelio. Em Viena, a jovem condessa Juliet Guicciardi tornou-se aluna de Beethoven na Hungria, onde Beethoven ficou na propriedade de Brunswick, Teresa Brunswik estudou com ele; Dorothea Ertmann, uma das melhores pianistas da Alemanha, também foi aluna de Beethoven. D. Ertman ficou famosa por sua execução das obras de Beethoven. O compositor dedicou-lhe a Sonata nº 28. Ao saber que o filho de Dorothea havia morrido, Beethoven tocou para ela por muito tempo. Karl Czerny também começou a estudar com Beethoven. Karl foi talvez o único filho entre os alunos de Beethoven. Ele tinha apenas nove anos, mas já se apresentava em shows. Czerny estudou com Beethoven durante cinco anos, após os quais o compositor lhe entregou um documento no qual anotava
“As conquistas excepcionais do aluno e sua incrível memória musical.” A memória de Cherny era realmente incrível: ele sabia tudo de cor obras de piano professores. Czerny começou cedo atividade pedagógica
e logo se tornou um dos melhores professores de Viena. Entre seus alunos estava Theodor Leschetizky, que pode ser considerado um dos fundadores da escola russa de piano. Leshetitsky, tendo se mudado para a Rússia para São Petersburgo, por sua vez foi professor de A. N. Esipova, V. I. Safonov, S. M. Maikapara. Franz Liszt estudou com K. Czerny durante um ano e meio. Seu sucesso foi tão grande que seu professor lhe permitiu falar em público. Beethoven esteve presente no concerto. Ele adivinhou o talento do menino e o beijou. Liszt guardou a memória desse beijo por toda a vida. Foi Liszt, e não Czerny, quem herdou o estilo de tocar de Beethoven. Tal como Beethoven, Liszt interpreta o piano como uma orquestra. Durante a digressão pela Europa, promoveu a obra de Beethoven, executando não só as suas obras para piano, mas também sinfonias que adaptou para piano. Naquela época, a música de Beethoven, especialmente a música sinfônica, ainda era desconhecida do grande público. Foi graças aos esforços de F. Liszt que o monumento ao compositor Ludwig van Beethoven foi erguido em Bonn em 1839. É impossível não reconhecer a música de Beethoven. Laconismo e relevo de melodias, dinâmica, ritmo muscular claro - este é um estilo heróico-dramático facilmente reconhecível. Mesmo nos movimentos lentos (onde Beethoven reflete), o tema principal de Beethoven soa: do sofrimento à alegria, “dos espinhos às estrelas”. M. I. Glinka considerou Beethoven o auge do classicismo vienense, o artista que mais profundamente penetrou nas profundezas da alma humana e a expressou perfeitamente em sons. Beethoven disse: “A música deveria lançar fogo na alma humana!”
Conclusão
Mudanças fundamentais ocorreram nas orquestras; não houve mais necessidade do cravo ou do órgão como principais instrumentos musicais - clarinete, flauta, trompete e outros, pelo contrário, tomaram seu lugar na orquestra e criaram um novo, som especial. A nova composição da orquestra levou ao surgimento da sinfonia, gênero musical mais importante. Um dos primeiros compositores a utilizar o formato sinfônico foi filho de I.S. Bach - Carl Philipp Emmanuel Bach. Junto com a nova composição da orquestra, surge

quarteto de cordas composto por dois violinos, viola e violoncelo. As composições são criadas especificamente para um quarteto de cordas com padrão próprio de quatro tempos. Formou-se uma forma sonata-sinfônica multimovimento (ciclo de 4 partes), que ainda é a base de muitas composições instrumentais. Na mesma época, foi criado um piano, cujo desenho remonta ao século XVIII. sofre mudanças significativas, o mecanismo teclado-martelo é melhorado, uma estrutura de ferro fundido, pedais e um mecanismo de “ensaio duplo” são introduzidos, o arranjo das cordas muda e o alcance se expande. Todas essas inovações evolutivas permitiram aos pianistas executar obras virtuosas com maior facilidade. várias opções, utilizando diversos meios de expressão e dinâmicas enriquecidas. Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart e Ludwig van Beethoven - três grandes nomes, três “Titãs” que entraram para a história como
vienense

clássicos
. Compositores escola vienense dominou com maestria uma variedade de gêneros musicais - desde canções do dia a dia até sinfonias. O alto estilo musical, em que o rico conteúdo figurativo se materializa numa forma artística simples mas perfeita, é a principal característica da obra dos clássicos vienenses. Foram os compositores da escola clássica vienense que criaram o gênero sonata para piano, um concerto clássico ao mais alto nível. A descoberta do classicismo consistiu na expressão do desejo do mais elevado ideal de perfeição, da estrutura celestial da alma e da vida. Haydn disse que Deus não ficaria ofendido por ele por louvá-Lo em um estilo novo, brilhante e claro. A cultura musical do classicismo, assim como a literatura, assim como as artes plásticas, glorifica as ações do homem, suas emoções e sentimentos, sobre os quais reina a razão. Artistas criativos em seus trabalhos são caracterizados pelo pensamento lógico, harmonia e clareza de forma. O classicismo é o estilo de uma época historicamente específica. Mas o seu ideal de harmonia e proporcionalidade permanece até hoje um modelo para as gerações subsequentes.
Enquanto isso, os séculos de classicismo já recuavam; na poliestilística sem precedentes de “Don Juan” e no espírito rebelde de “Egmont” podia-se sentir o século do romantismo com a sua trágica ironia, consciência artística desordenada e liberdade de intimidade lírica.
Princípios do classicismo
1. A base de tudo é a razão. Só o que é razoável é belo. 2. A principal tarefa é fortalecer a monarquia absoluta, o monarca é a personificação da razão. 3. O tema principal é o conflito de interesses, sentimentos e deveres pessoais e civis. 4. A maior dignidade de uma pessoa é o cumprimento do dever, o serviço à ideia de Estado. 5. Herança da antiguidade como modelo. 6. Imitação da natureza “decorada”. 7. A categoria principal é a beleza.
Literatura
Keldysh Yu. - Classicismo. Enciclopédia Musical, Moscou: Enciclopédia Soviética, de "Compositor Soviético", 1973 - 1982. Classicismo - Grande Dicionário Enciclopédico, 2000 Yu A. Kremlev - Sonatas para Piano de Beethoven, Editora do Compositor Soviético, Moscou 1970.
Compositores da Era Clássica

Friedrich Kalkbrenner Joseph Haydn Johann Nepomuk Hummel Jan Vanhal Giovanni Battista Pescetti Dominico Cimarosa Ivan Laskovsky Leopold Mozart Christian Gottlob Nefe Wolfgang Amadeus Mozart Giovanni Battista Grazioli Andre Gretry Johann E. Hummel Daniel Steibelt Ignaz Pleyel Ludwig van Beethoven Niccolò Paganini Anton Diabelli Alexander Lvovich Gurilev Jan Ladislav Dussek Jacques Aubert Christoph Willibald Gluck Giovanni Paisiello Alexander Ivanovich Dubuk Lev Stepanovich Gurilev Karl Czerny Daniel Gottlob Türk Wilhelm Friedemann Bach Antonio Salieri Johann Christian Bach Mauro Giuliani Johann Christoph Frederick Bach John Field Carl Philip Emmanuel Bach Alexander Taneyev Frédéric Duvernoy Gaetano Donizetti Johann Wilhelm Hessler Eustigney Fomin Johann Benda Tobias Haslinger Luigi Cherubini Vincenzo Bellini Albert Behrens Johann Philipp Kirnberger Muzio Clementi Henri Jerome Bertini Henri Kramer
Luigi Boccherini Johann Baptiste Kramer Dmitry Bortnyansky Rodolphe Kreutzer Peter Bulakhov Friedrich Kuhlau Carl Maria von Weber Johann Heinrich Leo Henri Lemoine Genishta Joseph Iosifovich Mikhail Cleophas Oginsky Giovanni Battista Pergolesi
ROMANTISMO
O Romantismo é um movimento ideológico e artístico que surgiu na cultura europeia e americana no final do século XVIII. - primeira metade do século XIX. - foi uma reação à estética do classicismo, uma reação peculiar ao Iluminismo com seu culto à razão. O surgimento do romantismo deveu-se a vários motivos. O mais importante deles
-
decepção com os resultados da Revolução Francesa
,
não correspondeu às expectativas depositadas nele. A visão de mundo romântica é caracterizada por um forte conflito entre a realidade e os sonhos. A realidade é baixa e não espiritual, está permeada pelo espírito do filistinismo, do filistinismo e só vale a pena ser negada. Um sonho é algo lindo, perfeito, mas inatingível e incompreensível à razão. O romantismo surgiu e se desenvolveu pela primeira vez na década de 1790. na Alemanha, no círculo de escritores e filósofos da escola de Jena, cujos representantes são considerados W. G. Wackenroder, Ludwig Tieck, Novalis, irmãos F. e A. Schlegel). A filosofia do romantismo foi sistematizada nas obras de F. Schlegel e F. Schelling e era que existe um prazer positivo no belo, expresso na contemplação serena, e existe um prazer negativo no sublime, informe, infinito, causando não alegria, mas espanto e compreensão. O canto do sublime está associado ao interesse do romantismo pelo mal, ao seu enobrecimento e à dialética do bem e do mal. No século 18 Tudo o que era estranho, pitoresco e existente nos livros e não na realidade era chamado de romântico. No início. Século XIX O Romantismo tornou-se a designação de uma nova direção, oposta ao classicismo e ao Iluminismo. De época em época, de estilo em estilo subsequente no campo da arte, você pode “construir uma ponte” e expressar o correspondente
definição de movimentos artísticos: o barroco é um sermão, o romantismo é uma confissão. Assim, eles estão “espalhados” para os lados do classicismo harmonioso e ordenado. Na arte barroca, uma pessoa se dirige a uma pessoa (prega) algo globalmente importante; no romantismo, uma pessoa se dirige ao mundo, declarando-lhe que as menores experiências de sua alma não são menos importantes que tudo o mais. E aqui não está apenas o direito a um sentimento individual, mas também o direito de agir. O Romantismo, substituindo o Iluminismo, coincide com a revolução industrial, marcada pelo aparecimento da máquina a vapor, da locomotiva, do navio a vapor, da fotografia e da periferia fabril. Se o Iluminismo se caracteriza pelo culto à razão e à civilização baseado em seus princípios, então o romantismo afirma o culto à natureza, aos sentimentos e ao natural no homem. Foi na era do romantismo que se concretizaram os fenómenos do turismo, do montanhismo e dos piqueniques, destinados a restaurar a unidade do homem e da natureza. A imagem de um “nobre selvagem”, armado com “sabedoria popular” e não estragado pela civilização, é procurada. O romantismo opõe a ideia educativa de progresso ao interesse pelo folclore, pelo mito, pelos contos de fadas, pelo homem comum, pelo retorno às raízes e à natureza. Em desenvolvimento adicional Romantismo alemão distingue-se pelo interesse por motivos mitológicos e de contos de fadas, que foi especialmente expresso nas obras dos irmãos Wilhelm e Jacob Grimm e de Hoffmann. G. Heine, iniciando a sua obra no quadro do romantismo, submeteu-a posteriormente a uma revisão crítica. O romantismo filosófico exige um repensar da religião e a busca do ateísmo. "A verdadeira religião é o sentimento e o sabor do infinito." Mais tarde, na década de 1820, o estilo romântico se espalhou pela Inglaterra, França e outros países. O romantismo inglês inclui as obras dos escritores Racine, John Keats e William Blake. O romantismo na literatura generalizou-se em outros países europeus, por exemplo: na França - Chateaubriand, J. Stael, Lamartine, Victor Hugo, Alfred de Vigny, Prosper Merimee, Georges Sand, Stendhal; na Itália - N. U. Foscolo, A. Manzoni, Leopardi, na Polônia - Adam Mickiewicz, Juliusz Słowacki, Zygmunt Krasinski, Cyprian Norwid; nos EUA - Washington Irving, Fenimore Cooper, W. C. Bryant, Edgar Allan Poe, Nathaniel Hawthorne, Henry Longfellow, Herman Melville.
No romantismo russo surge a liberdade das convenções clássicas, uma balada é criada, drama romântico. Uma nova ideia está sendo estabelecida sobre a essência e o significado da poesia, que é reconhecida como uma esfera independente da vida, uma expressão das aspirações ideais e mais elevadas do homem. O romantismo da literatura russa mostra o sofrimento e a solidão do personagem principal. Na Rússia, V. A. Zhukovsky, K. N. Batyushkov, E. A. Baratynsky, N. M. Yazykov também podem ser considerados poetas românticos. A poesia inicial de A. S. Pushkin também se desenvolveu no âmbito do romantismo. A poesia de M. Yu Lermontov pode ser considerada o auge do romantismo russo. As letras filosóficas de F. I. Tyutchev são ao mesmo tempo a conclusão e a superação do romantismo na Rússia. O Romantismo começou como um movimento literário, mas teve uma influência significativa na música e na pintura. EM belas-Artes O romantismo manifestou-se mais claramente na pintura e na arte gráfica, e menos na arquitetura. O desenvolvimento do romantismo na pintura ocorreu em acirradas polêmicas com os adeptos do classicismo. Os românticos censuraram os seus antecessores pela “racionalidade fria” e pela falta de “movimento da vida”. No século XVIII, os motivos preferidos dos artistas eram paisagens montanhosas e ruínas pitorescas. Suas principais características são composição dinâmica, espacialidade volumétrica, cores ricas, claro-escuro (por exemplo, obras de Turner, Géricault e Delacroix). Nas décadas de 20 e 30, as obras de muitos artistas eram caracterizadas pelo pathos e pela excitação nervosa; mostravam tendência para motivos exóticos e jogos de imaginação, capazes de afastar o “quotidiano monótono”. A luta contra as normas classicistas congeladas durou muito tempo, quase meio século. O primeiro que conseguiu consolidar a nova direção e “justificar” o romantismo foi Theodore Gericault. Representantes da pintura: Francisco Goya, Antoine-Jean Gros, Theodore Gericault, Eugene Delacroix, Karl Bryullov, William Turner, Caspar David Friedrich, Carl Friedrich Lessing, Carl Spitzweg, Carl Blechen, Albert Bierstadt, Frederic Edwin Church, Fuseli, Martin.
ROMANTISMO NA MÚSICA
A música do período romântico é um período da história da música europeia, que abrange aproximadamente os anos 1800-1910. Na música, a direção do romantismo surgiu na década de 1820, seu desenvolvimento durou todo o século XIX. - o século do apogeu da cultura musical da Europa Ocidental. O romantismo não é apenas letra, mas o domínio de sentimentos, paixões, elementos espirituais, que só são conhecidos nos cantos da própria alma. Um verdadeiro artista os identifica com a ajuda de uma intuição brilhante.
A música deste período desenvolveu-se a partir de formas, géneros e ideias musicais estabelecidas em períodos anteriores, como o período clássico. Os compositores românticos tentaram expressar a profundidade e a riqueza do mundo interior de uma pessoa com a ajuda de meios musicais. A música se torna mais proeminente e individual. Gêneros musicais estão sendo desenvolvidos, incluindo baladas. As ideias e a estrutura das obras que se estabeleceram ou surgiram em períodos anteriores foram desenvolvidas durante o romantismo. Como resultado, as obras relacionadas ao Romantismo são percebidas pelos ouvintes como mais apaixonadas e emocionalmente expressivas. É geralmente aceito que os predecessores imediatos do Romantismo foram Ludwig van Beethoven - na Áustria - Música alemã e Luigi Cherubini – em francês; Muitos românticos (por exemplo, Schubert, Wagner, Berlioz) consideraram K.V. O período de transição do classicismo para o romantismo é considerado o período pré-romântico - um período relativamente curto na história da música e da arte. Se na literatura e na pintura direção romântica basicamente completa o seu desenvolvimento em meados do século XIX, então a vida do romantismo musical na Europa é muito mais longa. O romantismo musical como movimento surgiu no início do século XIX e desenvolveu-se em estreita ligação com vários movimentos da literatura, pintura e teatro. Os principais representantes do romantismo na música são: na Áustria - Franz Schubert, e os românticos tardios - Anton Bruckner e Gustav Mahler; na Alemanha - Ernest Theodor Hoffmann, Carl Maria Weber, Richard Wagner, Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Johannes Brahms, Ludwig Spohr; na Inglaterra - Edward Elgar; na Hungria - Franz Liszt; na Noruega - Edvard Grieg; na Itália - Niccolo Paganini, Vincenzo Bellini, antigo Giuseppe Verdi; na Espanha - Felipe Pedrel; na França - D. F. Aubert, Hector Berlioz, J. Meyerbeer e o representante do romantismo tardio Cesar Frank; na Polónia - Frederic Chopin, Stanislaw Moniuszko; na República Tcheca - Bedrich Smetana, Antonin Dvorak;
na Rússia, Alexander Alyabyev, Mikhail Glinka, Alexander Dargomyzhsky, Mily Balakirev, N.A. Rimsky-Korsakov, Modest Mussorgsky, Alexander Borodin, Caesar Cui, P.I.

Não é por acaso que a forma de arte ideal foi declarada a música, que, pela sua especificidade, expressa da forma mais plena os movimentos da alma. Foi a música da era do romantismo que ocupou um lugar de destaque no sistema artístico. O romantismo na música é caracterizado por um apelo ao mundo interior do homem. A música tem a capacidade de expressar o incognoscível, de transmitir o que as palavras não conseguem transmitir. O romantismo sempre se esforça para escapar da realidade. Tocar a vida das pessoas comuns, compreender seus sentimentos, contando com a música - isso ajudou representantes do romantismo musical a tornar suas obras realistas. O principal problema da música romântica é o problema da personalidade, e sob uma nova luz - no seu conflito com o mundo exterior. Um herói romântico fica sempre solitário quando é uma pessoa extraordinária e talentosa. O tema da solidão é talvez o mais popular em toda a arte romântica. Um artista, um poeta, um músico são os heróis favoritos nas obras dos românticos (“O Amor de um Poeta” de Schumann, “A Sinfonia Fantástica” de Berlioz com o subtítulo “Um Episódio da Vida de um Artista”). A revelação do drama pessoal muitas vezes adquiriu um toque de autobiografia entre os românticos, o que trouxe especial sinceridade à música. Por exemplo, muitas das obras para piano de Schumann estão relacionadas com a história de seu amor por Clara Wieck. Richard Wagner enfatizou fortemente a natureza autobiográfica de suas óperas. A atenção aos sentimentos leva a uma mudança de gêneros - as letras, nas quais predominam as imagens do amor, adquirem posição dominante. O tema da natureza está muitas vezes entrelaçado com o tema da “confissão lírica”. O desenvolvimento do gênero e do sinfonismo lírico-épico está intimamente ligado às imagens da natureza (uma das primeiras obras é a “grande” sinfonia em dó maior de F. Schubert). O tema da fantasia tornou-se uma verdadeira descoberta para os compositores românticos. A música aprendeu pela primeira vez a incorporar imagens fabulosamente fantásticas por meios puramente musicais. Nas óperas dos séculos XVII a XVIII. personagens "sobrenaturais" (como a Rainha da Noite de "A Flauta Mágica" de Mozart) falavam em linguagem "convencional"
linguagem musical, pouco se destacando da formação de pessoas reais. Os compositores românticos aprenderam a transmitir o mundo da fantasia como algo completamente específico (com a ajuda de cores orquestrais e harmônicas incomuns). Um exemplo notável é a "Cena da Garganta do Lobo" em The Magic Shooter, de Weber. O interesse pela arte popular é altamente característico do romantismo musical. Como os poetas românticos, que através do folclore enriqueceram e atualizaram linguagem literária, os músicos recorreram amplamente ao folclore nacional - canções folclóricas, baladas, épicos (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, J. Brahms, B. Smetana, E. Grieg). Tudo o que foi ouvido pelos ouvidos foi imediatamente traduzido em criatividade. O folclore - canções, danças, lendas - é processado, temas, enredos, entonações são retirados daí. Entre os românticos, a música (na Rússia - romance) adquire um valor especial. Surgem novas danças - mazurcas, polonesas, valsas. Incorporando imagens literatura nacional, história, natureza nativa, confiaram nas entonações e ritmos do folclore nacional, revivendo antigos modos diatônicos. Sob a influência do folclore, o conteúdo da música europeia mudou dramaticamente
.
Novos temas e imagens exigiram que os românticos desenvolvessem novos meios de linguagem musical e princípios de formação, ampliando o timbre e a paleta harmônica da música (modos naturais, comparações coloridas de maior e menor). E nos meios de expressão, o geral dá cada vez mais lugar ao individualmente único.

Na orquestração, o princípio dos grupos ensemble deu lugar ao solo de quase todas as vozes orquestrais. Durante o apogeu do romantismo, surgiram vários novos gêneros musicais, incluindo gêneros musicais de programas (poemas sinfônicos, baladas, fantasias, gêneros musicais). O aspecto mais importante da estética do romantismo musical foi a ideia de uma síntese das artes, que encontrou sua expressão mais viva na obra operística de R. Wagner e na música programática de G. Berlioz, R. Schumann, F .
CONCLUSÃO
O surgimento do romantismo foi influenciado por três acontecimentos principais: a Grande Revolução Francesa, as Guerras Napoleónicas e a ascensão do movimento de libertação nacional na Europa. O romantismo como método e direção na música e na cultura artística foi um fenômeno complexo e contraditório. Em todos os países ele teve um brilhante
expressão nacional. Os românticos rebelaram-se contra os resultados da revolução burguesa, mas rebelaram-se de formas diferentes, pois cada um tinha o seu ideal. Mas com todas as suas múltiplas faces e diversidade, o romantismo tem características persistentes: decepção com o mundo que nos rodeia, sentimento de fazer parte do Universo, insatisfação consigo mesmo, busca de harmonia, conflito com a sociedade. Todos eles vieram da negação do Iluminismo e dos cânones racionalistas do classicismo, que restringiam a iniciativa criativa. Interesse por uma personalidade forte, que se opõe a todo o mundo circundante e depende apenas de si mesma, e atenção ao mundo interior de uma pessoa. A ideia de uma síntese das artes encontrou expressão na ideologia e na prática do romantismo. Uma visão individualizada e pessoal do mundo levou ao surgimento de novos gêneros musicais. Em conjunto com a tendência de desenvolvimento da produção musical caseira, da performance de câmara, não projetada para um público de massa e da técnica de execução perfeita, isso deu origem ao surgimento do gênero de miniaturas de piano - improvisados, momentos musicais, noturnos, prelúdios, muitos gêneros de dança que não haviam aparecido anteriormente na música profissional. Temas, motivos e técnicas expressivas românticas entraram na arte estilos diferentes, direções, associações criativas. As forças que se opõem ao romantismo começaram a surgir na segunda metade do século XIX (Brahms, Brückner, Mahler). Com o seu aparecimento, houve uma tendência ao retorno ao mundo real, à objetividade e à rejeição do subjetivo. Mas, apesar disso, a cosmovisão ou cosmovisão romântica revelou-se um dos movimentos estilísticos artísticos mais frutíferos. O romantismo como atitude geral, característica principalmente dos jovens, como desejo de liberdade ideal e criativa, ainda vive na arte mundial.
LITERATURA
Rapatskaya L. A. Romantismo na cultura artística Europa XIX v.: abertura " homem interior" // Arte Mundial.
11 º ano em 2 partes. M.: Vlados, 2008

Nem uma única esfera da arte musical do século XIX escapou da influência de Beethoven. Do lirismo vocal de Schubert aos dramas musicais de Wagner, do scherzo, das aberturas fantásticas de Mendelssohn às sinfonias trágico-filosóficas de Mahler, da música programática teatral de Berlioz às profundezas psicológicas de Tchaikovsky - quase todos os grandes fenómenos artísticos de o século XIX desenvolveu um aspecto da criatividade multifacetada de Beethoven. Seus elevados princípios éticos, escala de pensamento shakespeariana e inovação artística ilimitada serviram como estrela-guia para compositores de uma ampla variedade de escolas e movimentos. “Um gigante cujos passos invariavelmente ouvimos atrás de nós”, disse Brahms sobre ele.

Representantes destacados da escola romântica de música dedicaram centenas de páginas a Beethoven, proclamando-o como uma pessoa com ideias semelhantes. Berlioz e Schumann, em artigos críticos separados, e Wagner, em volumes inteiros, afirmaram a grande importância de Beethoven como o primeiro compositor romântico.

Devido à inércia do pensamento musicológico, a visão de Beethoven como um compositor profundamente relacionado com a escola romântica sobreviveu até hoje. Entretanto, a ampla perspectiva histórica aberta pelo século XX permite-nos ver o problema. “Beethoven e os Românticos” sob uma luz ligeiramente diferente. Avaliando hoje a contribuição que os compositores da escola romântica deram à arte mundial, chegamos à convicção de que Beethoven não pode ser identificado nem reunido incondicionalmente com os românticos que o idolatravam. Não é típico dele principal e geral, o que permite combinar no conceito de uma única escola o trabalho de artistas tão diversos como, por exemplo, Schubert e Berlioz, Mendelssohn e Liszt, Weber e Schumann. Não é por acaso que nos anos críticos em que, tendo esgotado o seu estilo maduro, Beethoven procurava intensamente novos caminhos na arte, a escola romântica emergente (Schubert, Weber, Marschner e outros) não lhe abriu quaisquer perspectivas. E aquelas novas, grandiosas em seu significado, esferas que ele finalmente encontrou em sua obra do último período, de forma decisiva não coincidem com os fundamentos do romantismo musical.

É necessário clarificar a fronteira que separa Beethoven dos românticos, estabelecer importantes pontos de divergência entre estes dois fenómenos, próximos um do outro no tempo, certamente tocantes nos seus lados individuais e, no entanto, diferentes na sua essência estética.

Formulemos, em primeiro lugar, aqueles momentos de comunhão entre Beethoven e os românticos, que deram a estes últimos uma razão para verem neste brilhante artista uma pessoa com ideias semelhantes.

Tendo como pano de fundo a atmosfera musical da Europa pós-revolucionária, isto é, da Europa burguesa do início e meados do século XIX, Beethoven e os românticos ocidentais estavam unidos por uma importante plataforma comum - a oposição ao esplendor ostentoso e ao entretenimento vazio, que começou a dominar naqueles anos no palco de concertos e na ópera.

Beethoven é o primeiro compositor a livrar-se do jugo de um músico da corte, o primeiro cujas obras não estão nem externamente nem essencialmente ligadas à cultura principesca feudal ou às exigências da arte eclesial. Ele, e depois dele outros compositores do século XIX, é um “artista livre” que não conhece a humilhante dependência da corte ou da igreja, que foi o destino de todos os grandes músicos de épocas anteriores - Monteverdi e Bach, Handel e Gluck, Haydn e Mozart... E, no entanto, a liberdade conquistada em relação às exigências restritivas do ambiente da corte acarretou novos fenómenos, não menos dolorosos para os próprios artistas. A vida musical no Ocidente encontrou-se decisivamente nas mãos de um público pouco esclarecido, incapaz de apreciar as elevadas aspirações da arte e que procura nela apenas entretenimento leve. A contradição entre a busca dos compositores avançados e o nível filisteu do público burguês inerte dificultou enormemente a inovação artística no século passado. Esta foi a tragédia típica do artista do período pós-revolucionário, que deu origem à imagem tão difundida na literatura ocidental “ gênio não reconhecido no sótão." Ela identificou o pathos ardente e incriminador dos trabalhos jornalísticos de Wagner, que classificou o teatro musical contemporâneo como “uma flor estéril de uma ordem social podre”. Evocou a ironia cáustica dos artigos de Schumann: por exemplo, sobre as obras do compositor e pianista Kalkbrenner, que trovejou por toda a Europa, Schumann escreveu que primeiro compõe passagens virtuosas para o solista, e depois só pensa em como preencher as lacunas entre eles. Os sonhos de Berlioz de um estado musical ideal surgiram diretamente de uma aguda insatisfação com a situação que se estabelecera no mundo musical de sua época. Toda a estrutura da utopia musical que ele criou expressa um protesto contra o espírito de empresa comercial e de patrocínio governamental às tendências retrógradas, tão característico da França de meados do século passado. E Liszt, constantemente confrontado com as exigências limitadas e atrasadas do público de concertos, atingiu tal grau de irritação que a posição de um músico medieval começou a parecer-lhe ideal, que, em sua opinião, teve a oportunidade de criar, focando apenas segundo seus próprios critérios elevados.

Na guerra contra a vulgaridade, a rotina e a frivolidade, o principal aliado dos compositores da escola romântica foi Beethoven. Foi a sua obra, nova, ousada, espiritual, que se tornou a bandeira que inspirou todos os jovens compositores avançados do século XIX em busca de uma arte séria e verdadeira que abrisse novas perspectivas.

E em sua oposição às tradições ultrapassadas do classicismo musical, Beethoven e os românticos foram percebidos em meados do século XIX como um todo. A ruptura de Beethoven com a estética musical da Era do Iluminismo foi para eles o ímpeto para a sua própria busca, tipificando a psicologia dos tempos modernos. O poder emocional sem precedentes da sua música a sua nova qualidade lírica a liberdade de forma em comparação com o classicismo do século XVIII e finalmente gama mais ampla idéias artísticas e meios expressivos- tudo isso despertou a admiração dos românticos e recebeu ainda mais desenvolvimento multifacetado em sua música. Só a versatilidade da arte de Beethoven e o seu foco no futuro podem explicar um fenómeno tão paradoxal à primeira vista que vários compositores, por vezes completamente diferentes entre si, se percebiam como herdeiros e sucessores de Beethoven, tendo motivos reais para tal opinião. E, de fato, não foi de Beethoven que Schubert recebeu aquele pensamento instrumental desenvolvido que deu origem a uma interpretação fundamentalmente nova do plano do piano nas canções do cotidiano? Berlioz concentrou-se apenas em Beethoven ao criar suas grandiosas composições sinfônicas, nas quais recorreu à programação e aos sons vocais. As aberturas do programa de Mendelssohn são baseadas nas aberturas de Beethoven. A escrita vocal-sinfônica de Wagner remonta diretamente ao estilo operístico e oratório de Beethoven. O poema sinfônico de Liszt - produto típico da era romântica na música - tem como fonte os traços pronunciados do colorismo que apareceram nas obras do falecido Beethoven, uma tendência à variação e uma interpretação livre do ciclo sonata. Ao mesmo tempo, Brahms recorre à estrutura classicista das sinfonias de Beethoven. Tchaikovsky revive seu drama interior, organicamente conectado com a lógica da formação sonata. Exemplos de tais conexões entre Beethoven e compositores do século XIX são essencialmente inesgotáveis.

E numa escala mais ampla, existem traços de parentesco entre Beethoven e seus seguidores. Por outras palavras, o trabalho de Beethoven antecipou algumas tendências gerais importantes na arte do século XIX como um todo.

Em primeiro lugar, este é um princípio psicológico, perceptível tanto em Beethoven como em quase todos os artistas das gerações subsequentes.

Não foram tanto os românticos, mas os artistas do século XIX em geral que descobriram a imagem do mundo interior único do homem - uma imagem ao mesmo tempo holística e em movimento contínuo, voltada para dentro e refratando diferentes aspectos do objetivo, mundo externo. Em particular, a descoberta e afirmação desta esfera figurativa reside, antes de mais, na diferença fundamental entre o romance psicológico do século XIX e os géneros literários de épocas anteriores.

O desejo de retratar a realidade através do prisma do mundo espiritual da individualidade também é característico da música de toda a era pós-Beethoven. Refratando através das especificidades da expressividade instrumental, deu origem a algumas novas técnicas formativas características que aparecem consistentemente tanto nas sonatas e quartetos tardios de Beethoven, como nas obras instrumentais e musicais. obras de ópera românticos.

Para a arte da “era psicológica”, os princípios classicistas de construção da forma, expressando os aspectos objetivos do mundo, nomeadamente formações temáticas distintas claramente opostas entre si, estruturas completas, seções simetricamente dissecadas e equilibradas da forma, e o design conjunto-cíclico do todo, perderam sua relevância. Beethoven, como os românticos, encontrou novas técnicas que atendiam às tarefas da arte psicológica. Trata-se de uma tendência para a continuidade do desenvolvimento, para elementos de uma parte na escala de um ciclo sonata, para a variação livre no desenvolvimento do material temático, muitas vezes baseado em transições motívicas flexíveis, para um bidimensional - vocal-instrumental - estrutura do discurso musical, como se incorporasse a ideia de texto e subtexto do enunciado * .

* Para mais informações sobre isso, consulte o capítulo “Romantismo na Música”, seção 4.

São essas características que reúnem as obras do falecido Beethoven e dos românticos, que em todos os outros aspectos são fundamentalmente contrastantes entre si. Fantasia “The Wanderer” de Schubert e “Symphonic Etudes” de Schumann, “Harold in Italy” de Berlioz e “Scottish Symphony” de Mendelssohn, “Preludes” de Liszt e “Ring of the Nibelung” de Wagner - quão longe essas obras são em sua gama de imagens, clima, som externo das sonatas e quartetos de Beethoven do último período! E, no entanto, ambos são marcados por uma tendência única para a continuidade do desenvolvimento.

O que aproxima o falecido Beethoven dos compositores da escola romântica é a extraordinária expansão do leque de fenómenos abrangidos pela sua arte. Essa característica se manifesta não apenas na diversidade da temática em si, mas também no extremo grau de contraste na comparação de imagens dentro de uma obra. Assim, se os compositores do século XVIII tinham contrastes, por assim dizer, num único plano, então no final de Beethoven e em várias obras da escola romântica são comparadas imagens de mundos diferentes. No espírito dos gigantescos contrastes de Beethoven, os românticos colidem entre o terreno e o sobrenatural, a realidade e o sonho, a fé espiritualizada e a paixão erótica. Lembremos a Sonata em Si menor de Liszt, a Fantasia em Fá menor de Chopin, o "Tannhäuser" de Wagner e muitas outras obras da escola musical-romântica.

Finalmente, Beethoven e os românticos caracterizam-se por um desejo de expressão detalhada - um desejo que também é altamente característico da literatura do século XIX, não apenas do plano romântico, mas também do plano claramente realista. Uma tendência semelhante é refratada através da especificidade musical na forma de uma textura multielementar, densa e muitas vezes multifacetada (polimelódica), orquestração extremamente diferenciada. A enorme sonoridade da música de Beethoven e dos românticos também é típica. Nesse aspecto, sua arte difere não apenas do som de câmara e transparente das obras classicistas do século XVIII. Opõe-se igualmente a algumas escolas do nosso século que, tendo surgido como reacção à estética do romantismo, rejeitam a sonoridade “grossa” carregada da orquestra ou do piano do século XIX e cultivam outros princípios de organização do tecido musical ( por exemplo, impressionismo ou neoclassicismo).

Podemos apontar também alguns pontos mais específicos de semelhança nos princípios de formação de Beethoven e dos compositores românticos. E, no entanto, à luz da nossa percepção artística actual, surgem momentos de diferença entre Beethoven e os românticos que são tão fundamentalmente importantes que, contra este pano de fundo, as características de semelhança entre eles parecem ficar em segundo plano.

Hoje está claro para nós que a avaliação de Beethoven pelos românticos ocidentais foi unilateral, em certo sentido até tendenciosa. Eles “ouviram” apenas os aspectos da música de Beethoven que “ressoavam em sintonia” com suas próprias ideias artísticas.

É característico que não tenham reconhecido os últimos quartetos de Beethoven. Estas obras, que iam muito além das ideias artísticas do romantismo, pareciam-lhes um mal-entendido, fruto da imaginação de um velho enlouquecido. Eles também não apreciaram suas obras do período inicial. Quando Berlioz, com um golpe de caneta, riscou todo o significado da obra de Haydn como arte supostamente aplicada à corte, ele expressou de forma extrema uma tendência característica de muitos músicos de sua geração. Os românticos entregaram facilmente o classicismo do século XVIII ao passado irremediavelmente passado, e com ele a obra do primeiro Beethoven, que estavam inclinados a considerar apenas como uma etapa anterior à obra propriamente dita do grande compositor.

Mas a abordagem dos românticos à obra de Beethoven do período “maduro” também mostra unilateralidade. Por exemplo, eles elevaram o programa “Sinfonia Pastoral” a um pedestal, que, à luz da nossa percepção atual, não se eleva de forma alguma acima de outras obras de Beethoven no gênero sinfônico. Na Quinta Sinfonia, que os cativou com a sua fúria emocional e temperamento cuspidor de fogo, eles não apreciaram a sua estrutura formal única, que constitui o aspecto mais importante do conceito artístico geral.

Estes exemplos reflectem não diferenças particulares entre Beethoven e os românticos, mas uma profunda discrepância geral entre os seus princípios estéticos.

A diferença mais fundamental entre eles está em sua atitude.

Não importa como os próprios românticos interpretassem sua obra, todos eles, de uma forma ou de outra, expressavam nela uma discórdia com a realidade. A imagem de uma personalidade solitária, perdida num mundo estranho e hostil, uma fuga da realidade sombria para o mundo de um sonho inatingivelmente belo, um protesto violento à beira da agitação nervosa, flutuações mentais entre a exaltação e a melancolia, o misticismo e a princípio infernal - foi precisamente esta esfera de imagens, alheia à obra de Beethoven, que foi V arte musical descoberto pela primeira vez pelos românticos e desenvolvido por eles com elevada perfeição artística. A visão heróica e otimista de Beethoven, seu equilíbrio mental, a sublime fuga de pensamento que nunca se transforma em uma filosofia do outro mundo - tudo isso não foi aceito pelos compositores que se consideravam herdeiros de Beethoven. Mesmo Schubert, que, muito mais do que os românticos da próxima geração, manteve a simplicidade, a mundanidade e a conexão com a arte da vida popular - mesmo em seu auge, as obras clássicas estão associadas principalmente ao clima de solidão e tristeza. Ele foi o primeiro em “Margarita na roda giratória”, “O andarilho”, o ciclo “Winter Reise”, “A Sinfonia Inacabada” e muitas outras obras a criar a imagem de solidão espiritual que se tornou típica dos românticos. Berlioz, que se considera um sucessor das tradições heróicas de Beethoven, capturou, no entanto, nas suas sinfonias imagens de profunda insatisfação com o mundo real, ansiando pelo irrealizável, a “tristeza mundana” de Byron. Indicativa neste sentido é a comparação da “Sinfonia Pastoral” de Beethoven com a “Cena nos Campos” de Berlioz (de “Fantastique”). A obra de Beethoven está envolta em um clima de harmonia brilhante, imbuída de um sentimento de fusão do homem e da natureza - na de Berlioz há uma sombra de sombria reflexão individualista. E mesmo o mais harmonioso e equilibrado de todos os compositores da era pós-Beethoven, Mendelssohn não se aproxima do otimismo e da força espiritual de Beethoven. O mundo em que Mendelssohn está inserido harmonia completa, é um mundo burguês estreito e “aconchegante” que não conhece tempestades emocionais nem insights brilhantes de pensamento.

Comparemos finalmente o herói de Beethoven com os heróis típicos da música do século XIX. Em vez de Egmont e Leonora - personalidades heróicas e eficazes, dotadas de um elevado princípio moral, encontramos personagens inquietos e insatisfeitos, oscilando entre o bem e o mal. É assim que são percebidos Max de O atirador mágico de Weber, Manfred de Schumann, Tannhäuser de Wagner e muitos outros. Se o Florestan de Schumann representa algo moralmente completo, então, em primeiro lugar, esta mesma imagem - fervilhante, frenética, de protesto - expressa a ideia de extrema irreconciliabilidade com o mundo exterior, a quintessência do próprio clima de discórdia. Em segundo lugar, no total, sobre Eusébio, levado da realidade para o mundo de um belo sonho inexistente, ele personifica a típica dupla personalidade de um artista romântico. Duas brilhantes marchas fúnebres - a de Beethoven da "Sinfonia Eroica" e a de Wagner de "Crepúsculo dos Deuses" - refletem, como uma gota d'água, a essência das diferenças na visão de mundo de Beethoven e dos compositores românticos. Para Beethoven, o cortejo fúnebre foi um episódio da luta que terminou com a vitória do povo e o triunfo da verdade; em Wagner, a morte do herói simboliza a morte dos deuses e a derrota da ideia heróica.

Essa profunda diferença de visão de mundo foi refratada em uma forma musical específica, formando uma linha clara entre o estilo artístico de Beethoven e o dos românticos.

Ela se manifesta principalmente na esfera figurativa.

A expansão das fronteiras da expressividade musical pelos românticos esteve em grande parte ligada à esfera dos contos de fadas e das imagens fantásticas que descobriram. Para eles, esta não é uma esfera subordinada, nem aleatória, mas o mais específico e original- precisamente o que, de uma perspectiva histórica ampla, distingue principalmente o século XIX de todos os anteriores eras musicais. Provavelmente, a terra da bela ficção personificou o desejo do artista de escapar da realidade chata do dia a dia para o mundo de um sonho inatingível. É também indiscutível que na arte da música, a autoconsciência nacional, que floresceu magnificamente na era do romantismo (como consequência das guerras de libertação nacional do início do século), manifestou-se num maior interesse pelo folclore nacional. , permeado por motivos mágicos e de contos de fadas.

Uma coisa é certa: uma nova palavra na arte da ópera do século XIX só foi dita quando Hoffmann, Weber, Marschner, Schumann, e depois deles - e num nível particularmente elevado - Wagner rompeu fundamentalmente com o histórico, mitológico e cômico enredos inseparáveis ​​do classicismo do teatro musical, e enriqueceram o mundo da ópera com motivos fabulosos, fantásticos e lendários. A nova linguagem da sinfonia romântica também se origina em obras inextricavelmente ligadas ao programa mágico dos contos de fadas - nas aberturas “Oberonianas” de Weber e Mendelssohn. A expressividade do pianismo romântico tem origem em grande parte na esfera figurativa das “Peças Fantásticas” ou “Kreisleriana” de Schumann, na atmosfera das baladas de Mickiewicz - Chopin, etc., etc. , que é uma das conquistas mais importantes da arte mundial do século XIX, o fortalecimento geral do encanto sensual dos sons, que separa tão diretamente a música do classicismo da música da era pós-Beethoven - tudo isso está associado principalmente com o fabuloso e fantástico círculo de imagens, desenvolvido de forma consistente pela primeira vez nas obras do século XIX. É aqui que se origina em grande parte a atmosfera geral da poesia, a celebração da beleza sensual do mundo, fora da qual a música romântica é impensável.

Para Beethoven, a esfera fantástica das imagens era profundamente estranha. É claro que, em termos de poder poético, sua arte não é de forma alguma inferior à romântica. No entanto, a alta espiritualidade do pensamento de Beethoven, sua capacidade de poetizar vários aspectos da vida, não está de forma alguma associada a imagens mágicas, de contos de fadas, lendárias e místicas de outro mundo. Apenas sugestões deles são ouvidas em casos isolados, e sempre ocupam um lugar episódico, e de forma alguma central, no conceito geral das obras - por exemplo, no Presto da Sétima Sinfonia ou no final da Quarta. Este último (como escrevemos acima) parecia a Tchaikovsky uma imagem fantástica do mundo dos espíritos mágicos. Esta interpretação foi sem dúvida inspirada na experiência de meio século de desenvolvimento da música depois de Beethoven; Tchaikovsky parecia projetar a psicologia musical do final do século XIX no passado. Mas ainda hoje, aceitando tal “leitura” do texto de Beethoven, não podemos deixar de ver como coloristicamente O final de Beethoven é menos brilhante e completo do que as peças fantásticas dos românticos, que em geral eram significativamente inferiores a ele na escala de talento e poder de inspiração.

É este critério do colorismo que enfatiza de forma particularmente clara os diferentes caminhos seguidos pelas pesquisas inovadoras dos românticos e de Beethoven. Mesmo nas obras do estilo tardio, que à primeira vista estão completamente distantes do estilo classicista, a linguagem harmônica e instrumental-timbrística de Beethoven é sempre muito mais simples, mais clara que a dos românticos e expressa mais o princípio lógico e organizador da expressividade musical. . Quando ele se desvia das leis da harmonia funcional clássica, esse desvio leva mais provavelmente aos modos antigos e pré-clássicos e à estrutura polifônica do que às complicadas relações funcionais da harmonia dos românticos e sua polimelodia livre. Ele nunca se esforça por aquele colorido, densidade e luxo autossuficientes de sons harmônicos que constituem o aspecto mais importante da linguagem musical romântica. A abordagem colorística de Beethoven, especialmente nas últimas sonatas para piano, foi desenvolvida a um nível muito elevado. E ainda assim nunca atinge um significado dominante, nunca suprime o conceito sonoro geral. E a própria estrutura de uma obra musical nunca perde sua clareza e relevo. Para demonstrar as aspirações estéticas opostas de Beethoven e dos românticos, comparemos novamente Beethoven e Wagner, o compositor que levou ao seu ápice as tendências típicas dos meios de expressão românticos. Wagner, que se considerava herdeiro e sucessor de Beethoven, em muitos aspectos chegou perto de seu ideal. Porém, seu discurso musical extremamente detalhado, rico em timbres externos e tonalidades de cores, picante em seu encanto sensual, cria aquele efeito de “monotonia do luxo” (Rimsky-Korsakov), em que o sentido da forma e da dinâmica interna da música é perdido. Para Beethoven, tal fenômeno era fundamentalmente impossível.

A enorme distância entre o pensamento musical de Beethoven e os românticos manifesta-se igualmente claramente na sua atitude em relação ao género das miniaturas.

No quadro das miniaturas de câmara, os românticos atingiram patamares artísticos até então inéditos para este tipo de arte. O novo estilo das letras do século 19, expressando a manifestação emocional direta, o clima íntimo do momento, o devaneio, foi idealmente incorporado em uma música e em uma peça para piano de um movimento. Foi aqui que a inovação dos românticos se manifestou de forma especialmente convincente, livre e ousada. Romances de Schubert e Schumann, “Momentos Musicais” e “Impromptu” de Schubert, “Canções sem Palavras” de Mendelssohn, noturnos e mazurcas de Chopin, peças para piano de um movimento de Liszt, ciclos de miniaturas de Schumann e Chopin - todos eles caracterizam brilhantemente o novo pensamento romântico da música e refletem soberbamente a personalidade de seus criadores. A criatividade alinhada com as tradições classicistas sonata-sinfônicas era muito mais difícil para os compositores românticos; eles raramente alcançavam a persuasão artística e a completude de estilo que caracteriza suas peças de um movimento. Além disso, os princípios de construção da forma, típicos das miniaturas, penetram consistentemente nos ciclos sinfónicos dos românticos, mudando radicalmente a sua aparência tradicional. Por exemplo, a “Sinfonia Inacabada” de Schubert absorveu as leis da escrita romântica; Não é por acaso que ficou “inacabado”, ou seja, em duas partes. O "Fantástico" de Berlioz é percebido como um ciclo gigantescamente expandido de miniaturas líricas. Heine, que chamou Berlioz de “uma cotovia do tamanho de uma águia”, captou com sensibilidade a contradição inerente à sua música entre as formas externas da sonata monumental e a mentalidade do compositor, que gravitava em torno da miniatura. Schumann, ao se voltar para uma sinfonia cíclica, perde em grande parte a individualidade de um artista romântico, tão claramente manifestada em suas peças para piano e romances. O poema sinfônico, refletindo não apenas a aparência criativa do próprio Liszt, mas também a estrutura artística geral de meados do século XIX, com todo o desejo claramente expresso de preservar a estrutura sinfônica generalizada de pensamento característica de Beethoven, baseia-se principalmente em uma parte designs de românticos, a partir de suas características técnicas livres de variação colorida de construção de formas, etc., etc.

Na obra de Beethoven há uma tendência diametralmente oposta. É claro que a diversidade, variedade e riqueza da busca de Beethoven é tão grande que não é difícil encontrar obras em miniatura no seu património. E, no entanto, não se pode deixar de ver que obras deste tipo ocupam uma posição subordinada em Beethoven, inferior, em regra, a valor artístico gêneros sonatas em grande escala. Nem as bagatelas, nem as “Danças Alemãs”, nem as canções podem dar uma ideia da individualidade artística do compositor, que se revelou um génio no domínio da forma monumental. O ciclo de Beethoven "To a Distant Beloved" é corretamente apontado como um protótipo de futuros ciclos românticos. Mas quão inferior é esta música no poder da inspiração, no brilho temático, na riqueza melódica, não só aos ciclos de Schubert e Schumann, mas também às sonatas do próprio Beethoven! Que melodia incrível têm alguns de seus temas instrumentais, especialmente em obras do estilo tardio. Recordemos, por exemplo, o Andante do andamento lento da Nona Sinfonia, o Adagio do Décimo Quarteto, o Largo da Sétima Sonata, o Adagio da Vigésima Nona Sonata, entre uma infinidade de outros. Nas miniaturas vocais de Beethoven tal riqueza de inspiração melódica quase nunca é encontrada. É característico que no âmbito do ciclo instrumental, como elemento da estrutura do ciclo sonata e sua dramaturgia Beethoven frequentemente criava miniaturas completas, destacando-se por sua beleza e expressividade imediatas. São inúmeros os exemplos deste tipo de composições em miniatura que servem de episódio de um ciclo entre os scherzos e minuetos das sonatas, sinfonias e quartetos de Beethoven.

E ainda mais no período tardio de sua criatividade (e é exatamente isso que se tenta aproximar da arte romântica), Beethoven gravita em torno de telas grandiosas e monumentais. É verdade que durante este período ele criou “Bagatelle” op. 126, que pela sua poesia e originalidade se elevam acima de todas as outras obras de Beethoven na forma de uma miniatura de um movimento. Mas não se pode deixar de ver que estas miniaturas são um fenómeno único para Beethoven, que não teve continuidade na sua obra subsequente. Pelo contrário, todas as obras da última década da vida de Beethoven - das sonatas para piano (nº 28, 29, 30, 31, 32) à “Missa Solene”, da Nona Sinfonia aos últimos quartetos - com máximo o poder artístico afirma sua mentalidade monumental e majestosa característica, sua atração por escalas grandiosas e “cósmicas”, expressando uma esfera figurativa sublimemente abstrata.

Uma comparação do papel das miniaturas na obra de Beethoven e dos românticos torna especialmente óbvio quão estranha (ou falhada) a estes últimos é a esfera do pensamento filosófico abstrato, altamente característico de Beethoven em geral, e especialmente para as obras do falecido período.

Lembremo-nos de quão consistente foi a atração de Beethoven pela polifonia ao longo de toda a sua carreira. caminho criativo. No período posterior de sua criatividade, a polifonia tornou-se para ele a forma mais importante de pensamento, um traço característico do estilo. Em plena consonância com a orientação filosófica do pensamento, percebe-se o elevado interesse de Beethoven pelo último período no quarteto – gênero que, justamente em sua própria obra, emergiu como expoente de um princípio profundamente intelectual.

Inspirados e embriagados de sentimento lírico, os episódios do falecido Beethoven, em que as gerações subsequentes, não sem razão, viram o protótipo das letras românticas, via de regra, são equilibrados por partes objetivas, na maioria das vezes abstratamente polifônicas. Deixe-nos pelo menos indicar a relação entre o Adágio e o final polifônico na Vigésima Nona Sonata, a fuga final e todo o material precedente na Trigésima Primeira. Melodias cantilenas livres de movimentos lentos, muitas vezes ecoando a melodia lírica de temas românticos, aparecem no final de Beethoven cercadas por material abstrato, puramente abstrato. Asceticamente ásperos, muitas vezes de estrutura linear, desprovidos de música e motivos melódicos, esses temas, muitas vezes em refração polifônica, deslocam o centro de gravidade artística da obra das partes melódicas lentas. E só isso perturba a imagem romântica de toda música. Mesmo as variações finais da última sonata para piano, escrita para “Arietta”, que à primeira vista se assemelha muito a uma miniatura romântica, afastam-se muito da esfera lírica íntima, entrando em contacto com a eternidade, com o mundo majestoso do cosmos. .

Na música dos românticos, a área do abstratamente filosófico acaba por estar subordinada ao princípio emocional e lírico. Conseqüentemente, as capacidades expressivas da polifonia são significativamente inferiores ao brilho harmônico. Os episódios contrapontísticos são geralmente raros nas obras dos românticos e, quando ocorrem, apresentam uma aparência completamente diferente da polifonia tradicional, com sua estrutura espiritual característica. Assim, em “The Witches' Sabbath” da “Symphony Fantastique” de Berlioz, na sonata em Si menor de Liszt, as técnicas de fuga são portadoras de uma imagem mefistofélica e ameaçadoramente sarcástica, e de forma alguma daquele sublime pensamento contemplativo que caracteriza a polifonia de o falecido Beethoven e, note-se de passagem, Bach ou Palestrina.

Não é por acaso que nenhum dos românticos deu continuidade à linha artística desenvolvida por Beethoven em sua escrita para quarteto. Berlioz, Liszt e Wagner estavam “contra-indicados” neste próprio gênero de câmara, com sua restrição externa, a completa ausência de “pose oratória” e variedade, e a uniformidade da coloração do timbre. Mas os compositores que criaram belas músicas no âmbito do som do quarteto também não seguiram o caminho de Beethoven. Nos quartetos de Schubert, Schumann e Mendelssohn, a percepção emocional e sensualmente colorida do mundo domina o pensamento concentrado. Em toda a sua aparência, estão mais próximos da escrita sinfônica e do piano-sonata do que da escrita quarteto de Beethoven, que se caracteriza pela lógica “nua” do pensamento e pela pura espiritualidade em detrimento do drama e da acessibilidade imediata da temática.

Há outra característica estilística importante que separa claramente a mentalidade de Beethoven da romântica, nomeadamente a “cor local”, descoberta pela primeira vez pelos românticos e constituindo uma das realizações musicais mais marcantes do século XIX.

Essa característica estilística era desconhecida pela criatividade musical da era do classicismo. É claro que elementos do folclore sempre penetraram amplamente na composição profissional na Europa. Porém, antes da era do romantismo, eles, via de regra, dissolviam-se em métodos universais de expressividade e obedeciam às leis da linguagem musical pan-europeia. Mesmo nos casos em que na ópera imagens de palco específicas eram associadas à cultura extra-europeia e à cor local característica (por exemplo, imagens de “janízaros” nas óperas cómicas do século XVIII ou as chamadas “índias” em Rameau), a própria linguagem musical não ultrapassou o quadro de um estilo europeu unificado. E só a partir da segunda década do século XIX, o antigo folclore camponês começou a penetrar de forma consistente nas obras de compositores românticos, e de uma forma que enfatizava e sombreava especificamente os seus traços nacionais e originais característicos.

Assim, a brilhante originalidade artística do “Magic Shooter” de Weber, na mesma medida que o círculo de imagens fantásticas dos contos de fadas, está associada às entonações características do folclore alemão e tcheco. A diferença fundamental entre as óperas italianas de Rossini, que pertencem à tradição classicista, e o seu “Guilherme Tell” é que o tecido musical desta ópera verdadeiramente romântica está imbuído do sabor do folclore tirolês. Nos romances de Schubert, a canção alemã cotidiana foi pela primeira vez “limpa” das camadas do “verniz” operístico italiano estrangeiro e brilhou com novas reviravoltas melódicas emprestadas das canções multinacionais cotidianas de Viena; Até as melodias sinfónicas de Haydn evitavam esta coloração local única. O que seria de Chopin sem a música folclórica polaca, de Liszt sem os “verbunkos” húngaros, de Smetana e Dvorak sem o folclore checo, de Grieg sem o norueguês? Deixamos agora mesmo de lado a escola musical russa, uma das mais significativas da música do século XIX, indissociável da sua especificidade nacional. Colorindo as obras de uma forma única figura nacional, as conexões folclóricas afirmaram um dos traços mais característicos do estilo romântico na música.

Beethoven está do outro lado da fronteira nesse aspecto. Tal como os seus antecessores, o princípio folclórico da sua música aparece quase sempre profundamente mediado e transformado. Às vezes, em casos separados, literalmente isolados, o próprio Beethoven indica que sua música está “no espírito alemão” (alla tedesca). Mas é difícil não notar que essas obras (ou melhor, partes individuais das obras) são desprovidas de qualquer sabor local claramente perceptível. Os temas folclóricos estão tão entrelaçados no tecido musical geral que suas características distintivas nacionais estão subordinadas à linguagem da música profissional. Mesmo nos chamados “quartetos russos”, onde o genuíno temas folclóricos, Beethoven desenvolve o material de tal forma que a especificidade nacional do folclore é gradualmente obscurecida, fundindo-se com os habituais “turnos de fala” do estilo instrumental sonata europeu.

Se a originalidade modal do tematismo influenciou toda a estrutura da música destas partes do quarteto, então essas influências são, de qualquer forma, profundamente processadas e não são diretamente perceptíveis ao ouvido, como é o caso dos compositores das escolas românticas ou democráticas nacionais. século XIX. E a questão não é que Beethoven fosse incapaz de sentir a originalidade dos temas russos. Pelo contrário, as suas transcrições de canções inglesas, irlandesas e escocesas falam da incrível sensibilidade do compositor ao pensamento folk modal. Mas no quadro do seu estilo artístico, inseparável do pensamento sonata instrumental, a cor local não interessa a Beethoven e não afecta a sua consciência artística. E isto revela outra faceta de fundamental importância que separa a sua obra da música da “era romântica”.

Por fim, a divergência entre Beethoven e os românticos manifesta-se também em relação ao princípio artístico, que, segundo a tradição, a partir das visões de meados do século XIX, é habitualmente considerado o mais importante ponto de comunhão entre eles. Estamos falando de programação, que é a pedra angular da estética romântica na música.

Os compositores românticos chamavam persistentemente Beethoven de criador da música programática, vendo nele seu antecessor. Com efeito, Beethoven tem duas obras conhecidas, cujo conteúdo o próprio compositor esclareceu com a ajuda de palavras. Foram estas obras - a Sexta e a Nona Sinfonias - que foram percebidas pelos românticos como a personificação do seu próprio método artístico, como a bandeira do novo programa musical da “era romântica”. Contudo, se olharmos para este problema com um olhar imparcial, não é difícil ver que o programa de Beethoven é profundamente diferente daquele da escola romântica. E antes de tudo, porque o fenômeno, que era privado e atípico para Beethoven, tornou-se um princípio consistente e essencialmente importante na música do estilo romântico.

Os românticos do século XIX precisavam vitalmente da programação como fator que contribuiria frutuosamente para o desenvolvimento de seu novo estilo. Na verdade, aberturas, sinfonias, poemas sinfônicos, ciclos de peças para piano - todos de natureza programática - constituem a contribuição geralmente reconhecida dos românticos para o campo da música instrumental. Contudo, o que é novo e caracteristicamente romântico aqui não é tanto o apelo a associações extra-musicais, exemplos dos quais permeiam toda a história da Europa criatividade musical , Quantos literário a natureza dessas associações. Todos os compositores românticos gravitaram em torno literatura moderna , uma vez que imagens específicas e a estrutura emocional geral da mais recente poesia lírica, do épico fantástico de contos de fadas e do romance psicológico os ajudaram a libertar-se da pressão das tradições classicistas ultrapassadas e a “tatear” em busca de suas próprias novas formas de expressão. Lembremo-nos pelo menos do papel de fundamental importância das imagens do romance “O Diário de um Fumante de Ópio” de De Quincey-Musset, das cenas da “Noite de Walpurgis” do “Fausto” de Goethe, da história de Hugo “O Último Dia de um Homem Condenado ”E outros tocaram na Sinfonia Fantástica de Berlioz. A música de Schumann foi diretamente inspirada nas obras de Jean Paul e Hoffmann, os romances de Schubert na poesia lírica de Goethe, Schiller, Müller, Heine, etc. O impacto de Shakespeare, redescoberto pelos românticos, na nova música do século XIX pode dificilmente será superestimado. É palpável ao longo da era pós-Beethoven, começando com Oberon, Sleep in noite de Verão"Mendelssohn", "Romeu e Julieta" de Berlioz e terminando com a famosa abertura de Tchaikovsky no mesmo enredo. Lamartine, Hugo e Liszt; as sagas nórdicas dos poetas românticos e o “Anel do Nibelungo” de Wagner; Byron e “Harold in Italy” de Berlioz, “Manfred” de Schumann; Escriba e Meyerbeer; Apel e Weber, etc., etc. - cada grande indivíduo artístico da geração pós-Beethoven encontrou sua nova estrutura de imagens sob a influência direta da modernidade mais recente ou aberta da literatura. “Renovação da música através da ligação com a poesia” - foi assim que Liszt formulou esta tendência mais importante da era romântica na música.

Beethoven, por outro lado, é geralmente estranho à programação. Com exceção da Sexta e Nona Sinfonias, todas as outras obras instrumentais de Beethoven (mais de 150) representam o auge clássico da música do chamado estilo “absoluto”, como os quartetos e sinfonias dos maduros Haydn e Mozart. Sua estrutura entoacional e princípios de formação de sonatas generalizam a experiência de um século e meio do desenvolvimento anterior da música. Portanto, o impacto do seu tematismo e desenvolvimento sonata é imediato, acessível ao público e não necessita de associações extra-musicais para revelar plenamente a imagem. Quando Beethoven se volta para a programação, descobre-se que ela é completamente diferente daquela dos compositores da escola romântica.

Assim, a Nona Sinfonia, que utiliza o texto poético da ode “À Alegria” de Schiller, não é de forma alguma uma sinfonia de programa no sentido próprio da palavra. Esta é uma obra única na forma, que combina dois gêneros independentes. O primeiro é um ciclo sinfônico em grande escala (sem finale), que em todos os detalhes da temática e da forma é adjacente ao estilo “absoluto” típico de Beethoven. A segunda é uma cantata coral baseada no texto de Schiller, formando um gigantesco culminar de toda a obra. Ela só aparece Depois disso, já que o desenvolvimento da sonata instrumental se esgotou. Este não foi o caminho seguido pelos compositores românticos, para quem a Nona de Beethoven serviu de modelo. Sua música vocal com letra, via de regra, está dispersa ao longo do esboço da obra, desempenhando o papel de um programa concretizador. É assim que se constrói, por exemplo, “Romeu e Julieta” de Berlioz, um híbrido único de música orquestral e teatro. Tanto nas sinfonias “Laudatória” e “Reforma” de Mendelssohn, como mais tarde na Segunda, Terceira e Quarta de Mahler, a música vocal com letra é privada da independência de género que caracteriza a ode de Beethoven ao texto de Schiller.

A “Sinfonia Pastoral” aproxima-se, nas suas formas externas de programação, das obras sonata-sinfónicas dos românticos. E embora o próprio Beethoven indique na partitura que essas “memórias da vida rural” são “mais uma expressão de humor do que pintura sonora”, as associações específicas do enredo aqui são muito claras. É verdade que eles não são tanto pitorescos quanto de natureza operística e cênica. Mas é precisamente na ligação profunda com o teatro musical que se revela toda a especificidade única do programa da Sexta Sinfonia.

Ao contrário dos românticos, Beethoven não se orienta aqui por um sistema completamente novo de pensamento artístico para a música, que, no entanto, conseguiu se manifestar na literatura moderna. Ele se baseia na “Sinfonia Pastoral” em tais sistema figurativo, que (como mostramos acima) está há muito incorporado na consciência tanto dos músicos quanto dos amantes da música.

Como resultado, as próprias formas de expressão musical na “Sinfonia Pastoral”, apesar de toda a sua originalidade, baseiam-se em grande parte em complexos entoacionais de longa data; Novas formações temáticas puramente beethovenianas que surgem em seu contexto não as obscurecem. Tem-se a impressão certa de que na Sexta Sinfonia Beethoven refrata deliberadamente através do prisma de sua nova estilo sinfônico imagens e formas de expressão do teatro musical do Iluminismo.

Com esta obra única, Beethoven esgotou completamente o seu interesse pela programação instrumental propriamente dita. Nos vinte (!) anos seguintes - e cerca de dez deles coincidem com o período do estilo tardio - não criou uma única obra com títulos específicos e claros. associações extramusicais nos moldes da “Sinfonia Pastoral”*.

* Em 1809-1810, ou seja, no período entre a “Appassionata” e a primeira das sonatas posteriores, caracterizado pela busca de um novo caminho no campo da música para piano, Beethoven escreveu a Vigésima Sexta Sonata, dotada de títulos de programas (“Les Adieux”, “L"absence”, “La Retour”) Estes títulos têm muito pouco efeito na estrutura da música como um todo, na sua temática e desenvolvimento, obrigando a recordar o tipo de programa que foi encontrado na música instrumental alemã antes da cristalização do estilo classicista sonata-sinfônico, em particular nos primeiros quartetos e nas sinfonias de Haydn.

Estes parecem ser os principais e fundamentais pontos de diferença entre Beethoven e os compositores da escola romântica. Mas como uma perspectiva adicional ao problema aqui colocado, chamemos a atenção para o facto de que os compositores do final do século XIX e do nosso tempo “ouviram” aspectos da arte de Beethoven aos quais os românticos do século passado eram “surdos”.

Assim, a viragem do falecido Beethoven para os modos antigos (Op. 132, “Missa Solene”) antecipa ir além do sistema tonal clássico maior-menor, que é tão típico da música do nosso tempo em geral. A tendência, característica das obras polifônicas do falecido Beethoven, de criar uma imagem não por meio da completude entoacional e da beleza direta do próprio tematismo, mas por meio do complexo desenvolvimento em vários estágios do todo, baseado em temas “abstratos”, também se manifestou em muitos escolas de compositores nosso século, começando com Reger. A tendência para a textura linear e o desenvolvimento polifônico ressoa nas modernas formas de expressão neoclássicas. O estilo de quarteto de Beethoven, que não foi continuado pelos compositores românticos ocidentais, foi revivido de forma única nos nossos dias nas obras de Bartok, Hindemith e Shostakovich. E finalmente, depois de um período de meio século entre a Nona Sinfonia de Beethoven e as sinfonias de Brahms e Tchaikovsky, a monumental sinfonia filosófica, que era um ideal inatingível para os compositores de meados e terceiro quartel do século passado, “voltou à vida”. Nas obras de grandes mestres do século XX, nas obras sinfônicas de Mahler e Shostakovich, Stravinsky e Prokofiev, Rachmaninov e Honegger, vive um espírito majestoso, pensamento generalizado, conceitos de grande escala característicos da arte de Beethoven.

Daqui a cento ou cento e cinquenta anos, o futuro crítico poderá abranger mais plenamente toda a multiplicidade de facetas da obra de Beethoven e avaliar a sua relação com vários movimentos artísticos de épocas subsequentes. Mas ainda hoje é claro para nós: a influência de Beethoven na música não se limita às ligações com a escola romântica. Assim como Shakespeare, descoberto pelos românticos, ultrapassou muito as fronteiras da “era romântica”, inspirando e fertilizando grandes descobertas criativas na literatura e no teatro até hoje, também Beethoven, em sua época elevado ao escudo pelos compositores românticos, nunca deixa de surpreender cada nova geração com sua consonância com ideias avançadas e buscas da modernidade.

Os clássicos vienenses entraram no história do mundo a música como grandes reformadores Seu trabalho não é apenas único em si mesmo, mas também valioso porque determinou o desenvolvimento do teatro musical, gêneros, estilos e direções. Suas composições lançaram as bases para o que hoje é considerado música clássica.

Características gerais da época

Esses autores estão unidos pelo fato de terem criado na virada de duas grandes eras culturais e históricas: o classicismo e o romantismo. Os clássicos vienenses viveram numa época de transição, em que havia uma procura activa de novas formas não só na música, mas também na ficção, na pintura e na arquitectura. Tudo isso determinou em grande parte a direção de suas atividades e os problemas de seus escritos. Os séculos XVIII e primeira metade do século XIX foram marcados por graves convulsões políticas, guerras que literalmente viraram o mapa da Europa de cabeça para baixo e tiveram um forte impacto nas mentes da intelectualidade moderna e nos círculos educados da sociedade. Os clássicos vienenses não foram exceção. Por exemplo, é sabido que as guerras napoleônicas influenciaram muito a obra de Beethoven, que em sua famosa 9ª sinfonia (“Coral”) transmitiu a ideia de unidade universal e paz. Esta foi uma espécie de resposta a todos os cataclismos que abalaram o continente europeu no momento que estamos a considerar.

Vida cultural

Os clássicos vienenses viveram num período em que o barroco ficou em segundo plano e uma nova direção começou a desempenhar um papel de liderança. Buscou a harmonia das formas, a unidade da composição e, portanto, abandonou curvilíneoépoca anterior. O classicismo começou a determinar a aparência cultural de muitos estados europeus. Mas, ao mesmo tempo, já naquela época havia uma tendência a superar as formas rígidas desse movimento e a criar obras poderosas com elementos de drama e até de tragédia. Estes foram os primeiros sinais do surgimento do romantismo, que determinou o desenvolvimento cultural de todo o século XIX.

Reforma da ópera

Os clássicos vienenses desempenharam um papel decisivo no desenvolvimento de todos os géneros musicais do período em análise. Cada um deles, por assim dizer, especializou-se em algum estilo ou forma musical, mas todas as suas conquistas foram incluídas no fundo dourado da música mundial. Gluck (compositor) foi o maior e um dos mais famosos autores de sua época. É difícil superestimar o seu papel no desenvolvimento do teatro: afinal, foi ele quem deu ao gênero ópera a forma acabada como o conhecemos agora. O mérito de Christopher Gluck é que ele foi o primeiro a se afastar da compreensão da ópera como uma obra de demonstração de habilidades vocais, mas subordinou o princípio musical à dramaturgia.

Significado

Gluck é o compositor que fez da ópera uma verdadeira performance. Em suas obras, assim como nas obras de seus seguidores, os vocais passaram a depender em grande parte da palavra. O enredo e a composição, e principalmente o drama, passaram a determinar o desenvolvimento da linha musical. Assim, a ópera deixou de ser um gênero exclusivamente divertido, mas se transformou em um tipo sério de criação musical com dramaturgia complexa, personagens interessantes do ponto de vista psicológico e uma composição fascinante.

Obras do compositor

A escola clássica vienense formou a base de todo o teatro musical mundial. Grande parte do crédito por isso vai para Gluck. Sua ópera “Orfeu e Eurídice” tornou-se um avanço neste gênero. Nele, o autor focou não no virtuosismo da performance, mas na dramaticidade dos personagens, graças aos quais a obra recebeu tal sonoridade e ainda hoje é executada. Outra ópera, Alceste, também foi uma palavra nova na música mundial. O compositor austríaco concentrou-se novamente no desenvolvimento do enredo, graças ao qual a obra recebeu poderosas conotações psicológicas. A obra ainda é apresentada nos melhores palcos do mundo, o que sugere que a reforma do gênero operístico realizada por Gluck foi de fundamental importância para a evolução do teatro musical como um todo e determinou o futuro desenvolvimento da ópera nessa direção.

A próxima etapa do desenvolvimento

O compositor austríaco Haydn também pertence à famosa galáxia de autores que deram um contributo significativo para a reforma dos géneros musicais. Ele é mais conhecido como o criador de sinfonias e quartetos. Graças a eles, o maestro ganhou grande popularidade não só nos países da Europa Central, mas também fora das suas fronteiras. As mais conhecidas são as suas obras, incluídas no repertório mundial sob o nome de “Doze Sinfonias de Londres”. Distinguem-se por um sentimento de otimismo e alegria, que, no entanto, é característico de quase todas as obras deste compositor.

Características de criatividade

Uma característica das obras de Joseph Haydn foi a sua ligação com o folclore. Nas obras do compositor é frequente ouvir motivos de música e dança, o que tornou as suas obras tão reconhecíveis. Isto refletia a atitude do autor, que em grande parte imitava Mozart, considerando-o melhor compositor no mundo. Dele ele emprestou melodias alegres e leves, o que tornou suas obras extraordinariamente expressivas e com um som brilhante.

Outras obras do autor

As óperas de Haydn não são tão populares quanto seus quartetos e sinfonias. No entanto, este género musical ocupa um lugar de destaque na obra de Compositor austríaco, portanto, algumas de suas obras desse tipo devem ser mencionadas, especialmente porque são uma etapa notável em sua biografia criativa. Uma de suas óperas chama-se “O Farmacêutico” e foi escrita para a inauguração do novo teatro. Haydn também criou várias outras obras desse tipo para os novos edifícios do teatro. Ele escreveu principalmente no estilo da ópera buffa italiana e às vezes combinou elementos cômicos e dramáticos.

As obras mais famosas

Os quartetos de Haydn são justamente chamados de pérola da música clássica mundial. Eles combinam os princípios básicos do compositor: elegância de forma, virtuosismo de execução, som otimista, diversidade temática e forma original de execução. Um dos famosos ciclos é chamado de “Russo” porque é dedicado ao czarevich Pavel Petrovich, o futuro imperador russo Paulo I. Outro grupo de quartetos é destinado ao rei prussiano. Estas composições foram escritas de uma forma nova, pois se distinguiam pela extraordinária flexibilidade sonora e pela riqueza de tonalidades musicais contrastantes. Foi com este tipo de género musical que o nome do compositor ganhou importância mundial. Note-se aqui que o autor recorreu frequentemente às chamadas “surpresas” nas suas composições, fazendo passagens musicais inesperadas em locais onde o público menos esperava. A “Sinfonia Infantil” de Haydn é uma dessas obras incomuns.

Características gerais da obra de Mozart

Este é um dos autores musicais mais famosos, que ainda goza de extraordinária popularidade entre os fãs de música clássica e é amado em todo o mundo. O sucesso de suas obras se explica pelo fato de se distinguirem pela harmonia lógica e completude. Nesse sentido, muitos pesquisadores atribuem seu trabalho à era do classicismo. No entanto, outros acreditam que o compositor vienense se tornou um prenúncio do romantismo: afinal, nas suas obras já existia uma clara tendência para retratar imagens fortes e extraordinárias, bem como um profundo estudo psicológico das personagens (estamos a falar de ópera neste caso). Seja como for, as obras do maestro distinguem-se pela profundidade e ao mesmo tempo extraordinária facilidade de percepção, dramatismo e otimismo. São fáceis e acessíveis a todos, mas ao mesmo tempo muito sérios e filosóficos no seu conteúdo e som. Este é precisamente o fenômeno de seu sucesso.

Óperas do compositor

A escola clássica vienense desempenhou um papel decisivo no desenvolvimento do gênero ópera. O grande crédito por isso pertence a Mozart. As apresentações encenadas com sua música ainda são extremamente populares e apreciadas não apenas pelos verdadeiros amantes da música, mas também pelo grande público. Talvez este seja o único compositor cuja música é conhecida de uma forma ou de outra por todos, mesmo que tenham uma vaga ideia da sua obra.

A ópera mais famosa é talvez As Bodas de Fígaro. Este é provavelmente o trabalho mais alegre e ao mesmo tempo extraordinariamente engraçado do autor. O humor é ouvido em quase todas as partes, o que o tornou tão popular. A famosa ária do personagem principal se tornou um verdadeiro sucesso já no dia seguinte. A música de Mozart - brilhante, divertida, divertida, mas ao mesmo tempo extraordinariamente sábia em sua simplicidade - venceu imediatamente amor universal e reconhecimento.

Outra ópera famosa do autor é “Don Giovanni”. Em termos de popularidade, talvez não seja inferior ao acima mencionado: produções desta performance podem ser vistas em nosso tempo. É significativo que o compositor tenha apresentado a história bastante complexa deste homem de uma forma muito simples e ao mesmo tempo séria, demonstrando mais uma vez a sua profunda compreensão da vida. Nisso, o gênio conseguiu mostrar os componentes dramático e otimista, que estão inextricavelmente ligados entre si em todas as suas obras.

Hoje em dia, a ópera “A Flauta Mágica” não é menos famosa. A música de Mozart atingiu seu apogeu em sua expressividade. Nesta obra é leve, arejada, alegre e ao mesmo tempo invulgarmente séria, por isso só podemos perguntar como o autor conseguiu transmitir todo um sistema filosófico em sons tão simples e harmoniosos. Outras óperas do compositor também são conhecidas, por exemplo, hoje em dia pode-se ouvir periodicamente La Clemenza di Titus, tanto em apresentações teatrais como em concertos. Assim, o gênero ópera ocupou um dos lugares principais na obra do brilhante compositor.

Trabalhos selecionados

O compositor trabalhou em diversas direções e criou um grande número de obras musicais. Mozart, cuja “Serenata Noturna”, por exemplo, há muito ultrapassou o âmbito dos concertos e se tornou amplamente conhecida, escreveu de uma forma muito simples e linguagem acessível. Talvez seja por isso que ele é frequentemente chamado de gênio da harmonia. Mesmo nas obras trágicas havia um motivo de esperança. Em “Requiem” expressou o seu pensamento sobre uma vida futura melhor, para que, apesar do tom trágico da música, a obra deixe uma sensação de paz iluminada.

O concerto de Mozart também se distingue pela sua harmonia harmoniosa e completude lógica. Todas as partes estão subordinadas a um único tema e unidas por um motivo comum, que dá o tom de toda a obra. Portanto, sua música é ouvida de uma só vez. Este tipo de gênero incorpora os princípios básicos do trabalho do compositor: uma combinação harmoniosa de sons e partes, um som brilhante e ao mesmo tempo virtuoso da orquestra. Ninguém mais conseguiu estruturar a sua obra musical de forma tão harmoniosa como Mozart. A “Serenata Noturna” do compositor é uma espécie de padrão para a combinação harmoniosa de partes com sons diferentes. Passagens alegres e altas, muito ritmadas, dão lugar a partes virtuosas quase inaudíveis.

Menção especial deve ser feita às massas do autor. Ocupam lugar de destaque em sua obra e, como outras obras, estão imbuídas de um sentimento esperança brilhante e alegria iluminada. Também vale a pena mencionar o famoso “Rondo Turco”, que ultrapassou o âmbito dos concertos, podendo ser ouvido com frequência até em anúncios televisivos. Mas o maior sentido de harmonia, talvez, seja encontrado no concerto de Mozart, no qual o princípio da completude lógica atingiu o seu mais alto grau.

Brevemente sobre o trabalho de Beethoven

Este compositor pertence inteiramente à era do domínio do romantismo. Se Johann Amadeus Mozart está, por assim dizer, no limiar do classicismo e de uma nova direção, então Ludwig Van Beethoven passou completamente a retratar paixões fortes, sentimentos poderosos e personalidades extraordinárias em suas obras. Ele se tornou talvez o representante mais proeminente do romantismo. É significativo que, voltando-nos para o dramático, temas trágicos, ele escreveu apenas uma ópera. O gênero principal para ele continuou sendo sinfonias e sonatas. Ele é creditado por reformar essas obras, assim como Gluck reformou a performance de ópera em sua época.

Uma característica marcante da obra do compositor foi que o tema principal de suas obras era a imagem da vontade poderosa e titânica de um indivíduo que, com um enorme esforço de vontade, supera as dificuldades e todos os obstáculos. L. V. Beethoven também dedicou muito espaço em suas composições ao tema da luta e do confronto, bem como ao motivo da unidade universal.

Alguns fatos biográficos

Ele veio de uma família de músicos. Seu pai queria que o menino se tornasse um compositor famoso, então trabalhou com ele usando métodos bastante severos. Talvez seja por isso que a criança cresceu por natureza sombria e severa, o que posteriormente afetou sua criatividade. Beethoven trabalhou e viveu em Viena, onde estudou com Haydn, mas esses estudos rapidamente decepcionaram tanto o aluno quanto o professor. Este último chamou a atenção para o facto de o jovem autor ser dominado por motivos bastante sombrios, o que não era aceite na altura.

A biografia de Beethoven também conta brevemente sobre o período de sua paixão pela luta de libertação. A princípio aceitou com entusiasmo as guerras napoleônicas, mas depois, quando Bonaparte se autoproclamou imperador, abandonou a ideia de escrever uma sinfonia em sua homenagem. Em 1796, Ludwig começou a perder a audição. No entanto, isso não o impediu atividade criativa. Já completamente surdo, escreveu sua famosa 9ª sinfonia, que se tornou uma verdadeira obra-prima no mundo repertório musical. (é impossível falar brevemente sobre isso) também contém informações sobre a amizade do maestro com pessoas marcantes de sua época. Apesar do caráter reservado e severo, o compositor era amigo de Weber, Goethe e outras figuras da era do classicismo.

Obras mais famosas

Já foi dito acima que um traço característico da obra de L. V. Beethoven era o desejo de retratar personagens fortes e emocionais, a luta de paixões e a superação de dificuldades. Entre as obras deste género destaca-se “Appassionata”, que, pela intensidade de sentimentos e emoções, é talvez uma das mais poderosas. Quando questionado sobre a ideia da sua criação, o compositor referiu-se à peça de Shakespeare “A Tempestade”, que, segundo ele, serviu de fonte de inspiração. O autor traçou um paralelo entre os motivos dos impulsos titânicos na obra do dramaturgo e a sua interpretação musical deste tema.

Uma das obras mais populares do autor é “ Sonata ao Luar”, que, pelo contrário, está imbuída de um sentido de harmonia e tranquilidade, como que em contraste com a melodia dramática das suas sinfonias. É significativo que o próprio nome desta obra tenha sido dado pelos contemporâneos do compositor, talvez porque a música lembrasse o brilho do mar numa noite tranquila. Estas são as associações que surgiram na maioria dos ouvintes ao ouvir esta sonata. Não menos, e talvez ainda mais popular, é a famosa composição “Für Eliza”, que o compositor dedicou à esposa do imperador russo Alexandre I, Elizaveta Alekseevna (Louise). Esta obra impressiona por sua incrível combinação de motivos leves e passagens dramáticas sérias no meio. Um lugar especial na obra do maestro é ocupado por sua única ópera “Fidelio” (traduzida como “Fiel” com Língua italiana). Esta obra, como muitas outras, está imbuída do pathos do amor à liberdade e de um apelo à liberdade. “Fidelio” ainda não sai do palco dos apresentadores, embora a ópera não tenha recebido reconhecimento imediato, como quase sempre acontece.

Nona Sinfonia

Esta obra é talvez a mais famosa entre as demais obras do compositor. Foi escrito três anos antes de sua morte, em 1824. A Nona Sinfonia conclui a busca de longo e longo prazo do compositor para criar o perfeito obra sinfônica. Difere de todas as anteriores porque, em primeiro lugar, introduziu uma parte coral (à famosa “Ode à Alegria” de F. Schiller) e, em segundo lugar, nela o compositor reformou a estrutura do género sinfónico. O tema principal é gradualmente revelado em cada parte da obra. O início da sinfonia é bastante sombrio e pesado, mas mesmo assim soa um motivo distante de reconciliação e iluminação, que cresce à medida que a composição musical se desenvolve. Finalmente, no final, soam vocais corais bastante poderosos, convocando todas as pessoas do mundo à união. Assim, o compositor enfatizou ainda mais a ideia central de sua obra. Ele queria que seus pensamentos fossem expressos da forma mais clara possível, por isso não se limitou apenas à música, mas também apresentou a atuação dos cantores. A sinfonia foi um sucesso retumbante: na primeira apresentação, o público aplaudiu de pé o compositor. É significativo que L. V. Beethoven a tenha composto quando já era uma pessoa completamente surda.

O significado da escola vienense

Gluck, Haydn, Mozart, Beethoven tornaram-se os fundadores da música clássica, tendo uma enorme influência em toda a história musical subsequente não só da Europa, mas também do mundo. A importância destes compositores e a sua contribuição para a reforma do teatro musical dificilmente podem ser superestimadas. Trabalhando em diversos gêneros, eles criaram a espinha dorsal e a forma das obras, com base nas quais seus seguidores compuseram novas obras. Muitas de suas criações há muito ultrapassaram o âmbito dos concertos e são amplamente ouvidas em filmes e na televisão. “Rondo Turco”, “Sonata ao Luar” e muitas outras obras destes autores são conhecidas não só pelos amantes da música, mas também por aqueles que não estão familiarizados com a música clássica. Muitos investigadores consideram, com razão, a fase vienense de desenvolvimento dos clássicos como a que define a história da música, uma vez que foi durante este período que foram estabelecidos os princípios básicos para a criação e escrita de óperas, sinfonias, sonatas e quartetos.

L. V. Beethoven é um compositor alemão, representante da escola clássica vienense (nascido em Bonn, mas passou a maior parte de sua vida em Viena - desde 1792).

O pensamento musical de Beethoven é uma síntese complexa:

Ø realizações criativas dos clássicos vienenses (Gluck, Haydn, Mozart);

Ø a arte da Revolução Francesa;

Ø novos emergentes na década de 20. Século XIX movimento artístico - romantismo.

As obras de Beethoven trazem a marca da ideologia, da estética e da arte do Iluminismo. Isso explica em grande parte o pensamento lógico do compositor, a clareza das formas, a consideração de todo o conceito artístico e os detalhes individuais das obras.

É digno de nota também que Beethoven se mostrou mais plenamente nos gêneros sonatas e sinfonias(gêneros típicos dos clássicos) . Beethoven foi o primeiro a usar o chamado "sinfonismo de conflito" baseado na justaposição e colisão de imagens musicais contrastantes. Quanto mais dramático o conflito, mais complexo é o processo de desenvolvimento, que para Beethoven se torna a principal força motriz.

As ideias e a arte da Grande Revolução Francesa deixaram a sua marca em muitas das criações de Beethoven. Das óperas de Cherubini há um caminho direto para Fidelio de Beethoven.

As obras do compositor incorporam entonações atraentes e ritmos precisos, respiração melódica ampla e instrumentação poderosa dos hinos de canções, marchas e óperas desta época. Eles transformaram o estilo de Beethoven. É por isso que a linguagem musical do compositor, embora ligada à arte dos clássicos vienenses, era ao mesmo tempo profundamente diferente dela. Nas obras de Beethoven, ao contrário de Haydn e Mozart, raramente se encontra ornamentação requintada, padrões rítmicos suaves, câmara, textura transparente, equilíbrio e simetria da temática musical.

Compositor de uma nova era, Beethoven encontra diferentes entonações para expressar seus pensamentos - dinâmico, inquieto, áspero. O som de sua música torna-se muito mais rico, denso e dramaticamente contrastante. Seus temas musicais adquirem um laconicismo e uma simplicidade severa até então sem precedentes.

Os ouvintes educados no classicismo do século XVIII ficaram atordoados e muitas vezes causaram mal-entendidos força emocional A música de Beethoven, manifestada em um drama violento, ou em um escopo épico grandioso, ou em letras comoventes. Mas foram precisamente estas qualidades da arte de Beethoven que encantaram os músicos românticos. E embora a ligação de Beethoven com o romantismo seja inegável, sua arte em seus principais contornos não coincide com ela. Não se enquadra inteiramente na estrutura do classicismo. Pois Beethoven, como poucos outros, é único, individual e multifacetado.

Temas da obra de Beethoven:

Ø Foco em Beethoven – a vida do herói, que ocorre em uma luta constante por um futuro belo e universal. A ideia heróica corre como um fio vermelho por toda a obra de Beethoven. O herói de Beethoven é inseparável do povo. Ao servir a humanidade, ao conquistar a liberdade para ela, ele vê o propósito da sua vida. Mas o caminho para a meta passa por espinhos, luta, sofrimento. Muitas vezes um herói morre, mas a sua morte é coroada pela vitória, trazendo felicidade à humanidade libertada. A atração de Beethoven pelas imagens heróicas e pela ideia de luta se deve, por um lado, à sua personalidade, ao destino difícil, à luta contra ele e à superação constante das dificuldades; por outro lado, a influência das ideias da Grande Revolução Francesa na visão de mundo do compositor.

Ø Encontrei a reflexão mais rica nas obras de Beethoven e tema natureza(6ª sinfonia “Pastoral”, sonata nº 15 “Pastoral”, sonata nº 21 “Aurora”, 4ª sinfonia, muitos movimentos lentos de sonatas, sinfonias, quartetos). A contemplação passiva é estranha a Beethoven: a paz e a tranquilidade da natureza ajudam a compreender profundamente questões emocionantes, a reunir pensamentos e forças interiores para a luta da vida.

Ø Beethoven penetra profundamente esfera dos sentimentos humanos. Mas, revelando o mundo da vida interior e emocional de uma pessoa, Beethoven desenha o mesmo herói, capaz de subordinar a espontaneidade dos sentimentos às exigências da razão.

Principais características da linguagem musical:

Ø Melódica . A base fundamental da sua melodia está nos sinais de trombeta e nas fanfarras, nas exclamações oratórias convidativas e nas voltas de marcha. O movimento ao longo dos sons de uma tríade é frequentemente usado (G.P. “Sinfonia Eróica”; tema do final da 5ª sinfonia, G.P. I parte 9 da sinfonia). As cesuras de Beethoven são sinais de pontuação na fala. As fermatas de Beethoven são pausas após perguntas patéticas. Temas musicais As obras de Beethoven consistem frequentemente em elementos contrastantes. A estrutura contrastante dos temas também é encontrada nos antecessores de Beethoven (especialmente Mozart), mas com Beethoven isso já se torna um padrão. O contraste dentro do tópico se transforma em conflito G.P. e P.P. em forma de sonata, dinamiza todas as seções da sonata allegro.

Ø Metrorritmo. Os ritmos de Beethoven nascem da mesma fonte. O ritmo carrega uma carga de masculinidade, vontade e atividade.

§ Ritmos de marcha extremamente comum

§ Ritmos de dança(em fotos de diversão folclórica - o final da 7ª sinfonia, o final da sonata Aurora, quando depois de muito sofrimento e luta chega um momento de triunfo e alegria.

Ø Harmonia. Com a simplicidade do acorde vertical (acordes das funções principais, uso lacônico de sons não acordes), há uma interpretação contrastante e dramática da sequência harmônica (conexão com o princípio da dramaturgia do conflito). Modulações nítidas e ousadas em tonalidades distantes (em oposição às modulações plásticas de Mozart). Em suas obras posteriores, Beethoven antecipa as características da harmonia romântica: tecido polifônico, abundância de sons sem acordes, sequências harmônicas requintadas.

Ø Formas musicais As obras de Beethoven são construções grandiosas. “Este é o Shakespeare das massas”, escreveu V. Stasov sobre Beethoven. “Mozart era responsável apenas pelos indivíduos... Beethoven pensava na história e em toda a humanidade.” Beethoven é o criador da forma variações gratuitas(final da sonata para piano nº 30, variações sobre tema de Diabelli, 3º e 4º movimentos da 9ª sinfonia). Ele é creditado por introduzir a forma de variação na forma grande.

Ø Gêneros musicais. Beethoven desenvolveu a maioria dos gêneros musicais existentes. A base de seu trabalho é a música instrumental.

Lista das obras de Beethoven:

Música orquestral:

Sinfonias – 9;

Aberturas: “Coriolanus”, “Egmont”, “Leonora” - 4 opções para a ópera “Fidelio”;

Concertos: 5 piano, 1 violino, 1 triplo – para violino, violoncelo e piano.

Música de piano:

32 sonatas;

22 ciclos de variação (incluindo 32 variações em c-moll);

Bagatelas (incluindo “Fur Elise”).

Música de conjunto de câmara:

Sonatas para violino e piano (incluindo “Kreutzerova” nº 9); violoncelos e piano;

16 quartetos de cordas.

Música vocal:

Ópera "Fidélio";

Músicas, inclusive. ciclo “A um Amado Distante”, adaptações músicas folk: escocês, irlandês, etc.;

2 Missas: Dó maior e Missa Solene;

oratório “Cristo no Monte das Oliveiras”.