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O Renascimento é o apogeu de todas as artes (Teatro, Música, Pintura, Arquitetura, Literatura, etc.). Falarei sobre literatura e artes plásticas.

Literatura Renascentista- uma grande tendência da literatura, parte integrante de toda a cultura do Renascimento. Ocupa o período dos séculos XIV ao XVI. Difere da literatura medieval porque se baseia em ideias novas e progressistas do humanismo. Sinônimo de Renascença é o termo “Renascença”, de origem francesa. As ideias do humanismo surgiram primeiro na Itália e depois se espalharam por toda a Europa. Além disso, a literatura do Renascimento se espalhou por toda a Europa, mas adquiriu seu próprio caráter nacional em cada país. O termo Renascimento significa renovação, apelo de artistas, escritores, pensadores à cultura e arte da antiguidade, imitação de seus elevados ideais.

O conceito de humanismo

O conceito de “humanismo” foi introduzido por cientistas do século XIX. Vem do latim humanitas (natureza humana, cultura espiritual) e humanus (humano), e denota uma ideologia dirigida ao homem. Na Idade Média havia uma ideologia religiosa e feudal.

Durante o Renascimento, houve um afastamento da ideologia da igreja feudal, surgiram ideias de emancipação do indivíduo, surgiu a afirmação da elevada dignidade do homem como criador livre da felicidade terrena. As ideias tornaram-se decisivas no desenvolvimento da cultura como um todo, influenciaram o desenvolvimento da arte, da literatura, da música, da ciência e refletiram-se na política. O humanismo é uma visão de mundo de natureza secular, antidogmática e antiescolástica. O desenvolvimento do humanismo começa no século XIV, nas obras de humanistas como Dante, Petrarca, Boccaccio, etc. No século XVI, o processo de desenvolvimento de uma nova visão de mundo desacelera devido à influência da reação feudal-católica . É substituído pela Reforma.

Literatura renascentista em geral

Falando do Renascimento, estamos falando diretamente da Itália, como portadora da parte principal cultura antiga, e sobre o chamado Renascimento do Norte, ocorrido nos países do norte da Europa: França, Inglaterra, Alemanha, Holanda, Espanha e Portugal.

A literatura da Renascença é caracterizada pelos ideais humanísticos acima mencionados. Esta época está associada ao surgimento de novos gêneros e à formação do realismo inicial, que é chamado de “realismo renascentista” (ou Renascimento), em contraste com as fases posteriores, educacional, crítica, socialista.

As obras de autores como Petrarca, Rabelais, Shakespeare, Cervantes expressam uma nova compreensão da vida de uma pessoa que rejeita a obediência servil pregada pela Igreja. Eles representam o homem como a criação mais elevada da natureza, tentando revelar a beleza de sua aparência física e a riqueza de sua alma e mente. O realismo renascentista é caracterizado pela escala das imagens (Hamlet, Rei Lear), pela poetização da imagem, pela capacidade de ter grandes sentimentos e ao mesmo tempo pela alta intensidade do conflito trágico (Romeu e Julieta), refletindo a colisão de um pessoa com forças hostis a ela.

A literatura renascentista é caracterizada por vários gêneros. Mas certas formas literárias prevaleceram. O gênero mais popular foi o conto, chamado de conto renascentista. Na poesia, o soneto (estrofe de 14 versos com rima específica) torna-se a forma mais característica. A dramaturgia está recebendo grande desenvolvimento. Os dramaturgos mais proeminentes da Renascença são Lope de Vega na Espanha e Shakespeare na Inglaterra.

O jornalismo e a prosa filosófica são generalizados. Na Itália, Giordano Bruno denuncia a igreja em suas obras e cria seus próprios novos conceitos filosóficos. Na Inglaterra, Thomas More expressa as ideias do comunismo utópico em seu livro Utopia. Autores como Michel de Montaigne (“Experimentos”) e Erasmo de Rotterdam (“In Praise of Folly”) também são amplamente conhecidos.

Entre os escritores da época estavam cabeças coroadas. O duque Lorenzo de' Medici escreve poesia, e Margarida de Navarra, irmã do rei Francisco I da França, é conhecida como a autora da coleção Heptameron.

O Renascimento é uma das páginas mais impressionantes da história da arte mundial. Abrange cerca de três séculos (séculos XIV - XVI). Em comparação com as eras do Mundo Antigo (cerca de 5.000 mil anos), da Idade Média (cerca de 1.000 anos), o Renascimento parece ser um período de tempo muito curto. Porém, pelo número de obras de arte brilhantes, a novidade e a coragem das buscas dos mestres daquela época património artístico O Renascimento não é inferior aos estágios anteriores de desenvolvimento da arte mundial.

A Itália se tornou o berço do Renascimento. Já no século XIV, nos escritos do grande poeta humanista italiano Francesco Petrarca (1304-1374), surgiu o conceito de Rinascimento - Renascimento (em francês "Renascimento").

Neste momento foram lançadas as bases Ciência moderna, alto nível chega à literatura, que recebeu possibilidades de distribuição até então inéditas com a invenção da imprensa pelo alemão Johann Gutenberg. Nesta época, Cristóvão Colombo e Copérnico fizeram suas descobertas, escreveram seus obras imortais os grandes italianos Dante, Petrarca, o francês François Rabelais, autor do romance "Gargantua e Pantagruel", Michel Montaigne, criador das famosas "Experiências". As tragédias de Shakespeare e Dom Quixote de Cervantes, marcantes em sua profundidade de compreensão da psicologia humana e no conhecimento de suas paixões e aspirações, foram escritas durante o Renascimento.

A base ideológica da cultura renascentista é a direção filosófica do humanismo (do latim “humanus” - homem). O homem torna-se novamente a “medida de todas as coisas”. O lema da arte renascentista poderia ser tirado das palavras do humanista italiano do século XV. O Conde Pico della Mirandola no seu elogio, na boca do Deus Criador, dirigindo-se ao homem: “Coloco-te no centro do mundo...”

Ao contrário da cultura românica e gótica cultura medieval O avivamento foi de natureza secular, embora a gama principal de assuntos permanecesse ligada a temas mitológicos e bíblicos. A Renascença contrastou os dogmas da Igreja com a visão de mundo dos humanistas que afirmavam o valor personalidade humana.

Um dos fundamentos da arte renascentista é uma nova compreensão da herança da antiguidade.

Os ideais do humanismo também se refletem na arquitetura: os edifícios adquirem uma aparência clara e harmoniosa, suas proporções e escalas correspondem a uma pessoa.

O verdadeiro fundador das artes plásticas da Alta Renascença foi o brilhante florentino Leonardo da Vinci (1452-1519)

Os manuscritos de Leonardo indicam que ele não foi apenas um grande pintor e escultor, mas também arquiteto, mecânico, engenheiro, botânico e anatomista.

Sendo uma pessoa multi-talentosa, Leonardo da Vinci interessava-se por tudo o que o rodeava, anotando as suas impressões num caderno que levava sempre consigo. “Entregando-me a uma sede insaciável de conhecimento, sonho em compreender a origem de inúmeras criaturas da natureza”, disse ele sobre si mesmo. Ao longo da sua vida, o artista vê o mundo com toda a diversidade das suas formas como uma criação da natureza, tendo uma “mente própria”, apelando aos pintores para serem mediadores entre a natureza e a arte.

Instituição Educacional Municipal Sanatório Internato nº 2

"Arte Renascentista"

Trabalho concluído

Morozova K 9 "A"

Eu verifiquei o trabalho

Nesterova A.S.

Magnitogorsk 2010

Introdução

A humanidade tem sua própria biografia: infância, adolescência e maturidade. A era chamada Renascença é provavelmente comparada ao período de maturidade emergente com seu romance integral, a busca pela individualidade e a luta contra os preconceitos do passado. Sem a Renascença não haveria civilização moderna. O berço da arte da Renascença, ou Renascença (francês: Renascença), foi a Itália.

A arte do Renascimento surgiu com base no humanismo (pagamentos, humanus “humane”) - uma corrente de pensamento social que se originou no século XIV. na Itália e depois durante a segunda metade dos séculos XV a XVI. espalhar para outros países europeus. Os humanistas inspiraram-se na antiguidade, que lhes serviu de fonte de conhecimento e modelo de criatividade artística. O grande passado, que sempre se lembrava de si mesmo na Itália, era percebido naquela época como a mais alta perfeição, enquanto a arte da Idade Média parecia inepta e bárbara. Originado no século XVI. o termo “renascimento” significava o surgimento de uma nova arte que revive a antiguidade clássica e a cultura antiga.

Na arte do Renascimento, os caminhos da compreensão científica e artística do mundo e do homem estavam intimamente interligados. Seu significado cognitivo estava inextricavelmente ligado à sublime beleza poética; em seu desejo de naturalidade, não se rebaixava à mesquinha vida cotidiana. Na época do Renascimento italiano, costuma-se distinguir vários períodos: Proto-Renascimento (segunda metade do século XIII-XIV), início do Renascimento (século XV), Alto Renascimento (finais do século XV - primeiras décadas do século XVI) , final da Renascença (últimos dois terços do século XVI)

1. Proto-Renascimento

Na cultura italiana dos séculos XIII-XIV. Tendo como pano de fundo as ainda fortes tradições bizantinas e góticas, começaram a aparecer características de uma nova arte - a futura arte do Renascimento. É por isso que este período da sua história foi denominado Proto-Renascimento (ou seja, aquele que preparou a ofensiva do Renascimento; do grego “pro-tos” - “primeiro”).

Não houve período de transição semelhante em nenhum dos países europeus. Na própria Itália, a arte proto-renascentista existia apenas na Toscana e em Roma.

A cultura italiana entrelaçou características do antigo e do novo. “O último poeta da Idade Média” e o primeiro poeta nova era Dante Alighieri (1265-1321) criou a língua literária italiana, o que Dante começou foi continuado por outros grandes florentinos do século XIV - Francesco Petrarca (1304-1374), o fundador da poesia lírica europeia, e Giovanni Boccaccio (1313-1375) , o fundador do gênero do conto) na literatura mundial. O orgulho da época são os arquitetos e escultores Niccolo e Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio e o pintor Giotto di Bondone.

2. Início da Renascença

No século 15 A arte italiana assumiu uma posição dominante na vida artística Europa. As bases da cultura humanística secular (isto é, não eclesiástica) foram lançadas em Florença, o que empurrou Siena e Pisa para segundo plano. Florença daquela época era chamada de “a flor da Itália, rival da gloriosa cidade de Roma, da qual se originou e cuja grandeza imita”. O poder político pertencia a comerciantes e artesãos. Várias das famílias mais ricas tiveram uma influência especial nos assuntos da cidade. Eles competiam constantemente entre si. Esta luta terminou no final do século XIV. vitória da casa bancária Medici. Seu chefe, Cosimo de' Medici, tornou-se o governante não oficial de Florença. Escritores, poetas, cientistas, arquitetos e artistas reuniram-se na corte de Cosimo de' Medici (e depois de seu neto Lorenzo, apelidado de Magnífico).

Uma verdadeira revolução ocorreu na arquitetura então. Uma extensa construção começou em Florença, mudando a aparência da cidade diante de nossos olhos.

1. Alta Renascença

A Alta Renascença, que deu à humanidade grandes mestres como Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo, Giorgione, Ticiano, Bramante, abrange um período relativamente curto - desde o final do século XV. até o final da segunda década do século XVI. Somente em Veneza o florescimento da arte continuou até meados do século.

Mudanças fundamentais associadas a eventos decisivos na história mundial, os sucessos dos avançados pensamento científico, expandiu incessantemente as ideias das pessoas sobre o mundo - não apenas sobre a Terra, mas também sobre o Espaço. A percepção do mundo e da personalidade humana parece ter se ampliado; na criatividade artística isso se refletiu não apenas na escala majestosa de estruturas arquitetônicas, monumentos, ciclos solenes de afrescos e pinturas, mas também no conteúdo e na expressividade das imagens. Linguagem figurativa, que, segundo alguns pesquisadores, na época início da Renascença poderia parecer muito “falador”, tornou-se generalizado e reservado. A arte da Alta Renascença representa uma dinâmica vibrante e complexa processo artístico com brilhos deslumbrantes e crises subsequentes.

1.1Leonardo da Vinci

Na história da humanidade não é fácil encontrar outra pessoa tão brilhante como o fundador da arte da Alta Renascença, Leonardo da Vinci (1452 - 1519). A natureza abrangente das atividades deste grande artista e cientista só ficou clara quando foram examinados manuscritos dispersos de seu legado. Uma quantidade colossal de literatura foi dedicada a Leonardo, e sua vida foi estudada detalhadamente. E, no entanto, grande parte do seu trabalho permanece misterioso e continua a entusiasmar as mentes das pessoas.

Leonardo da Vinci nasceu na aldeia de Anchiano, perto de Vinci, perto de Florença; ele era filho ilegítimo de um tabelião rico e de uma simples camponesa. Percebendo as extraordinárias habilidades do menino para a pintura, seu pai o encaminhou para a oficina de Andrea Verrocchio. No quadro da professora “O Batismo de Cristo”, a figura de um anjo loiro espiritualizado pertence ao pincel do jovem Leonardo.

Entre suas primeiras obras está a pintura "Madona da Flor" (1472). Ao contrário dos mestres do século XV. Leonardo recusou-se a usar a narrativa, o uso de detalhes que distraem a atenção do espectador, saturados de imagens de fundo. A imagem é percebida como uma cena simples e ingênua da alegre maternidade da jovem Maria. Duas grandes figuras preenchem todo o espaço da imagem; apenas do lado de fora da janela, na parede escura, é visível um céu azul claro e frio. Um momento específico é capturado: a mãe, ela mesma ainda uma menina carinhosa e animada, entrega uma flor ao filho, sorrindo, e observa como o bebê sério examina cuidadosamente um objeto desconhecido. A flor conecta as duas figuras entre si. Leonardo experimentou muito em busca de diferentes composições de tintas; foi um dos primeiros na Itália a passar da têmpera para a pintura a óleo “Madonna com uma Flor” executada justamente nesta técnica, então ainda rara. Trabalhando em Florença, Leonardo não encontrou uso para seus poderes, nem como cientista-engenheiro, nem como pintor. A refinada sofisticação da cultura e a própria atmosfera da corte de Lorenzo de' Medici permaneceram profundamente estranhas para ele. Por volta de 1482, Leonardo entrou ao serviço do duque de Milão, Lodovico Moro. O mestre recomendou-se primeiro como engenheiro militar, arquiteto, especialista na área de engenharia hidráulica, e só depois como pintor e escultor. No entanto, o primeiro período milanês da obra de Leonardo (1482-1499) revelou-se o mais frutífero. O mestre tornou-se o artista mais famoso da Itália, dedicou-se à arquitetura e à escultura e voltou-se para os afrescos e pinturas de altar.

Nem todos os grandes planos, incluindo projetos arquitetônicos, Leonardo conseguiu fazer isso. A execução da estátua equestre de Francesco Sforza, pai de Lodovico Moro, continuou (com interrupções) por mais de dez anos, mas nunca foi fundida em bronze. Um modelo de barro em tamanho real do monumento, instalado em um dos pátios do castelo ducal, foi destruído pelas tropas francesas que capturaram Milão.

Esta é a única grande obra escultórica de Leonardo da Vinci e foi muito apreciada pelos seus contemporâneos. Uma ideia da estátua pode ser formada a partir de desenhos que retratam diferentes opções e etapas de trabalho. Inicialmente, a estátua representava um cavaleiro em movimento rápido, montado em um cavalo empinado, mas sua fundição revelou-se tecnicamente impossível; O monumento Sforza deveria ser uma vez e meia maior que os monumentos equestres feitos por Donatello e Verrocchio. O monumento foi apelidado de Grande Colosso.

Chegamos ao nosso tempo pinturas Leonardo do período milanês. Primeiro composição do altar A Alta Renascença foi “Madonna na Gruta” (1483-1494). O pintor afastou-se das tradições do século XV, em cujas pinturas religiosas prevalecia o solene constrangimento. No retábulo de Leonardo há poucas figuras: uma Maria feminina, o Menino Jesus abençoando o pequeno João Batista e um anjo ajoelhado, como se olhasse para fora da imagem. As imagens são idealmente bonitas, naturalmente conectadas com o ambiente. Esta aparência de gruta entre rochas basálticas escuras com uma lacuna nas profundezas é uma paisagem típica de Leonardo: em geral, fantasticamente misteriosa, mas em particular - na representação de cada planta, cada flor entre a grama espessa - feita com precisão conhecimento das formas naturais. As figuras e rostos estão envoltos em uma névoa arejada, o que lhes confere uma suavidade especial. Os italianos chamaram essa técnica de Leonardo de sfumato.

Em Milão, aparentemente, o mestre criou a pintura “Madonna and Child” (“Madonna Litta”). Aqui, ao contrário de “Madonna com uma Flor”, ele buscou maior generalização e idealidade da imagem. O que é retratado não é um momento específico, mas um certo estado de alegria serena e de longo prazo, no qual uma jovem e bela mulher está imersa, amamentando um filho. É expressiva a clareza da composição equilibrada com duas janelas simetricamente localizadas, entre as quais se inscreve a silhueta viva e flexível de uma meia figura feminina. Uma luz fria e clara ilumina seu rosto fino e suavemente esculpido com um olhar meio abaixado e um sorriso leve, quase imperceptível. A pintura foi pintada em têmpera, dando sonoridade aos tons do manto azul e do vestido vermelho de Maria. O cabelo cacheado dourado escuro e fofo do bebê é incrivelmente retratado, e seu olhar atento fixo no observador não é infantilmente sério.

Um clima diferente e dramático distingue a pintura monumental de Leonardo “ última Ceia", interpretada por ele em 1495-1497. encomendada por Lodovico Moro para o refeitório da Igreja de Santa Maria della Grazie em Milão. O destino desta famosa obra de Leonardo é trágico. Mesmo durante a vida do mestre, as tintas começaram a desmoronar. No século XVII uma porta foi arrombada na parede do refeitório, destruindo parte da composição, e no século XVIII. as instalações foram transformadas em armazém de feno. Restaurações ineptas causaram grandes danos ao afresco. Em 1908, foram realizadas obras de limpeza e reforço da pintura. Durante a Segunda Guerra Mundial, o teto e a parede sul do refeitório foram destruídos por uma bomba. A restauração realizada em 1945 salvou a pintura de mais destruição; os restos da pintura de Leonardo foram identificados e protegidos. No entanto, apenas a ideia mais geral pode agora ser formada sobre a grande criação do mestre.

Um enorme afresco (4,6 x 8,8 m) ocupa toda a parede final do refeitório. Cristo, cuja figura está ao centro, contra o fundo do portal, e os apóstolos estão sentados à mesa. O clímax dramático da refeição é retratado, quando Cristo pronunciou as palavras fatídicas: “Um de vocês me trairá”. Elas evocam nos apóstolos uma série de sentimentos diferentes: desespero, medo, perplexidade, raiva; alguns saltam dos assentos e gesticulam descontroladamente. Para não criar confusão, o artista combinou os personagens em quatro grupos de três figuras cada e os colocou à esquerda e à direita do Salvador. Leonardo abandonou a tradicional colocação de Judas do outro lado da mesa, mas o traidor é imediatamente reconhecido entre os participantes da refeição por sua figura recuando, pelo gesto convulsivo de sua mão segurando a bolsa e por seu sinistro perfil sombreado. A imagem de Cristo não é apenas o centro espacial, colorido, mas também espiritual da composição. O professor está sozinho em sua sábia calma e submissão ao destino.

Quando Milão foi tomada pelas tropas francesas em 1499, Leonardo deixou a cidade. O tempo de suas andanças começou. Por algum tempo ele trabalhou em Florença. Lá, o trabalho de Leonardo parecia iluminado por um clarão brilhante: ele pintou um retrato de Mona Lisa, esposa do rico florentino Francesco di Giocondo (por volta de 1503). O retrato, conhecido como La Gioconda, tornou-se uma das obras mais célebres da pintura mundial.

Um pequeno retrato de uma jovem, envolta em uma névoa de ar, sentada contra o pano de fundo de uma estranha paisagem rochosa verde-azulada, está cheio de uma ansiedade tão viva e terna que, segundo Vasari, você pode ver o pulso batendo no oco do pescoço de Mona Lisa. Parece que a imagem é fácil de entender. Enquanto isso, na extensa literatura dedicada a La Gioconda, colidem as interpretações mais opostas da imagem criada por Leonardo.

Na história da arte mundial existem obras dotadas de poderes estranhos, misteriosos e mágicos. É difícil explicar, impossível descrever. Entre eles, um dos primeiros lugares é ocupado pela imagem da jovem florentina Mona Lisa. Ela, aparentemente, era uma pessoa extraordinária, obstinada, inteligente e integral por natureza. Leonardo colocou em seu olhar incrível, fixo no espectador, o famoso, como se deslizasse sorriso misterioso, na sua expressão facial, marcada por uma variabilidade instável, uma carga de tamanha força intelectual e espiritual que elevou a sua imagem a uma altura inatingível.

Nos últimos anos de vida, Leonardo da Vinci trabalhou pouco como artista. Tendo recebido um convite do rei francês Francisco I, partiu para a França em 1517 e tornou-se pintor da corte. Leonardo logo morreu. No desenho de um autorretrato (1510-1515), o patriarca de barba grisalha e olhar profundo e triste parecia muito mais velho do que sua idade.

É impossível imaginar que Leonardo da Vinci pudesse viver e criar em outra época. No entanto, sua personalidade transcendeu seu tempo e elevou-se acima dele. A criatividade de Leonardo antes de Vinci é inesgotável. A escala e a singularidade de seu talento podem ser avaliadas pelos desenhos do mestre, que ocupam um dos lugares de honra na história da arte mundial. Não apenas os manuscritos dedicados às ciências exatas, mas também os trabalhos sobre a teoria da arte estão intimamente ligados aos desenhos, esboços, esboços e diagramas de Leonardo da Vinci. No famoso “Tratado de Pintura” (1498) e seus demais registros, muita atenção é dada ao estudo do corpo humano, informações sobre anatomia, proporções, relação entre movimentos, expressões faciais e estado emocional de uma pessoa. Muito espaço é dado aos problemas de claro-escuro, modelagem volumétrica, perspectiva linear e aérea.

A arte de Leonardo da Vinci, a sua investigação científica e teórica e a singularidade da sua personalidade passaram por toda a história da cultura mundial e tiveram uma enorme influência sobre ela.

1.2 Rafael

A obra de Rafael (1483-1520) na história da arte mundial está associada à ideia de beleza e harmonia sublimes. É geralmente aceito que na constelação de mestres brilhantes da Alta Renascença, em que Leonardo personificava o intelecto e Michelangelo - o poder, era Rafael o principal portador da harmonia. É claro que, de uma forma ou de outra, cada um deles possuía todas essas qualidades. Não há dúvida, porém, de que a busca incansável por um começo brilhante e perfeito permeia toda a obra de Rafael e constitui o seu significado interior.

Raphael estudou inicialmente em Urbino com o pai, depois com o pintor local Timoteo Vite. Em 1500 mudou-se para a capital da Úmbria, Perugia, para continuar seus estudos na oficina pintor famoso, chefe da escola da Úmbria de Pietro Perugino. O jovem mestre rapidamente superou seu professor Rafael foi chamado de Mestre das Madonas. O clima de pureza espiritual, ainda um tanto ingênuo em uma de suas primeiras pequenas pinturas - “Madonna Conestabile” (1502-1503), - adquiriu um caráter sublime em seu melhor. trabalhar Período inicial Rafael - “O Noivado de Maria” (1504) Tendo como pano de fundo uma arquitetura maravilhosa, a cena do noivado de Maria e José é uma imagem de grande beleza. Esta pequena pintura já pertence inteiramente à arte da Alta Renascença. Principal personagens, grupos de meninas e meninos cativam pela sua graça natural. Seus movimentos, poses e gestos são expressivos, melodiosos, precisos e plásticos, por exemplo, as mãos de Maria e José que se aproximam colocando um anel em seu dedo. na foto. Tons dourados, vermelhos e verdes escuros, em sintonia com o suave céu azul, criam um clima festivo.

Em 1504, Rafael mudou-se para Florença. Aqui seu trabalho adquiriu maturidade e grandeza silenciosa. No ciclo das Madonas, ele variou a imagem de uma jovem mãe com o Menino Jesus e o pequeno João Batista tendo como pano de fundo uma paisagem. A Madonna dos Verdes (1505) é especialmente boa. A pintura utiliza a composição piramidal de Leonardo, e a coloração é caracterizada por uma sutil harmonia de cores

Os sucessos de Rafael foram tão significativos que em 1508 ele foi convidado para a corte papal em Roma. O artista recebeu a encomenda de pintar os apartamentos de Estado do Papa, as chamadas estrofes (quartos) do Palácio do Vaticano.

Nessas salas, Rafael e seus alunos decoraram os tetos com estuques dourados e pinturas, os pisos foram revestidos com mármore estampado e cada parede foi coberta com afrescos multifigurados até o painel decorativo. As pinturas das estrofes do Vaticano (1509-1517) trouxeram fama a Rafael e o promoveram ao principal mestre não só de Roma, mas também da Itália.

Como antes, Raphael voltou-se novamente para imagem favorita Madonna e criança. O mestre estava se preparando para criar sua grande obra-prima - a “Madona Sistina” (1515-1519) para a Igreja de São Sisto em Piacenza. Na história da arte, a Madona Sistina é uma imagem de beleza perfeita. Esta grande pintura do altar retrata não apenas a Mãe Divina com o Filho Divino, mas o milagre do aparecimento da Rainha Celestial, trazendo seu Filho às pessoas como um sacrifício expiatório. Emoldurada por cortinas verdes sobre nuvens claras, Maria está com o Menino nos braços. O olhar de Seus olhos escuros e sem brilho é direcionado para além e como se atravessasse o observador. Este olhar pode ver o que está escondido dos outros. Na imagem de Cristo, uma criança grande e bela, pode-se discernir algo não infantilmente intenso e visionário. O artista alcançou aqui um raro equilíbrio dinâmico: a aparente simplicidade clara, traços de idealidade abstrata, a divindade de um milagre e o peso real das formas se entrelaçam, complementam e enriquecem. À esquerda de Nossa Senhora, o Papa Sisto IV contempla o milagre com ternura orante. Santa Bárbara, olhando reverentemente para baixo, pertencente, como Maria, ao céu, voa facilmente nas nuvens. Dois anjos apoiados no parapeito olham para cima e voltam a atenção do observador para imagem central. Pela primeira vez na obra de Rafael, uma imagem religiosa estabelece contato pleno com o espectador. Isso determina a elevada e emocionante humanidade da imagem.

Nos últimos anos de sua vida, Rafael criou murais da Villa Romana Farnesina. No seu salão principal encontra-se o afresco “O Triunfo de Galatea” (1519). Ninfa do mar Galatea flutua no mar sobre uma concha, arrastada por golfinhos. As fantásticas criaturas que a rodeiam e os pequenos cupidos voadores formam uma composição imbuída de alegria jubilosa. Combina os tons dourados dos corpos nus, o azul do mar e do céu.

Sob a liderança de Rafael, em 1519 foi concluída a pintura das chamadas Loggias - uma grande galeria em arco construída por Bramante no segundo andar do Palácio do Vaticano. Numerosos afrescos decorativos foram pintados pelos alunos de Rafael com base em seus desenhos. Mais tarde, as pinturas foram danificadas por restaurações grosseiras. A imaginação criativa de Rafael e seu dom como decorador podem ser julgados em parte pela cópia das pinturas da Loggia que decoravam as paredes da galeria do Palácio Hermitage (construída em São Petersburgo na década de 80 do século XVIII pelo arquiteto Giacomo Quarenghi ).

Rafael era um maravilhoso mestre do desenho. Aqui seu senso de linha impecável, leve e livre foi claramente demonstrado. Ele também fez uma contribuição significativa para a arquitetura. O próprio nome de Rafael - o Divino Sanzio - tornou-se mais tarde a personificação de um artista ideal dotado de um dom divino.

Foi sepultado com grandes honras no Panteão Romano, onde suas cinzas repousam até hoje.

1.3 Miguel Ângelo

Michelangelo Buonarroti (1475 - 15b4) é o maior mestre da Alta Renascença, que criou excelentes obras de escultura, pintura e arquitetura.

Michelangelo passou a infância na pequena cidade toscana de Caprese, perto de Florença. Ele passou sua juventude e anos de estudo em Florença. EM escola de Artes Na corte do duque Lorenzo de' Medici, a beleza da arte antiga lhe foi revelada e ele se comunicou com grandes representantes da cultura humanística. Quase todas as obras escultóricas de Michelangelo pertencem a Florença. Ele está enterrado na igreja florentina de Santa Croce. No entanto, Roma pode igualmente ser chamada de cidade de Michelangelo.

Em 1496 veio para Roma, onde logo a fama chegou até ele. A maioria trabalho famoso o primeiro período romano - “Pieta” (“Lamentação de Cristo”) (1498-1501) na capela da Basílica de São Pedro. No colo de Maria, jovem demais para um filho tão adulto, jaz o corpo sem vida de Cristo. O luto da mãe é leve e sublime, só no gesto da mão esquerda o sofrimento mental parece transbordar. O mármore branco é polido para brilhar. No jogo de luz e sombra, a sua superfície parece preciosa.

Retornando a Florença em 1501, Michelangelo comprometeu-se a criar uma colossal estátua de mármore de David (1501-1504). A estátua atinge cinco metros e meio de altura. Ela personifica o poder ilimitado do homem. David está apenas se preparando para atacar seu inimigo com uma pedra atirada de uma funda, mas já se sente que ele é um futuro vencedor, cheio de consciência de sua força física e espiritual. O rosto do herói expressa uma vontade indestrutível.

Feita por ordem da República Florentina, a estátua foi instalada na entrada do Palazzo Vecchio. A inauguração do monumento em 1504 tornou-se uma celebração nacional. “David” decorou a praça durante mais de três séculos e meio. Em 1873, o monumento foi instalado na Galeria da Academia de Belas Artes de Florença. No antigo local onde o próprio Michelangelo colocou a estátua, existe agora cópia de mármore.

Michelangelo considerava-se apenas um escultor, o que, no entanto, não o impediu, verdadeiro filho do Renascimento, de ser um grande pintor e arquiteto. O trabalho mais grandioso pintura monumental Alta Renascença - pintura de teto Capela Sistina no Vaticano, feita por Michelangelo em 1508-1512.

O túmulo do Papa Júlio II poderia ter se tornado um ápice no campo da escultura se Michelangelo tivesse conseguido realizar seu plano original. O projeto de Michelangelo era ousado e grandioso: quarenta estátuas de mármore decorariam o mausoléu. O mestre comprometeu-se a esculpi-los ele mesmo. Mas a tumba na forma que Michelangelo pretendia nunca foi criada. Após a morte de Júlio II, seus herdeiros firmaram repetidamente contratos com Michelangelo para retomar o trabalho. Das estátuas destinadas ao túmulo, chegou até nós o “Escravo Acorrentado” - um jovem forte e atarracado que se esforça em vão para se libertar das algemas, e o “Escravo Moribundo” - um belo jovem que aguarda a morte como libertação de tormento (por volta de 1513).

Uma estátua do profeta hebreu Moisés (1515-1516) foi destinada ao segundo andar do túmulo de Júlio II. Sua barba cai em fios apertados e retorcidos, os músculos de seu corpo poderoso estão congelados em tensão e seus olhos bem abertos são ameaçadores. Moisés, na interpretação de Michelangelo, é um líder do povo, um homem de paixões vulcânicas, um sábio perspicaz.

Grande parte da obra de Michelangelo permaneceu não realizada ou inacabada. Possuindo um caráter extraordinariamente independente, perspicaz e direto, ele foi, no entanto, forçado a servir clientes onipotentes. Houve sucessivos governantes no trono papal, e cada um seguiu seus próprios gostos, interesses dinásticos e pessoais. Em 1520, Michelangelo recebeu uma encomenda do Papa Clemente VII da família Medici. Na igreja florentina de San Lorenzo, onde foram sepultados membros da família Medici, o mestre teve que construir e decorar com escultura uma nova capela - o túmulo de sua família. No entanto, acontecimentos trágicos na Itália interromperam as obras da capela. Em 1527, as tropas espanholas de Carlos V ocuparam e derrotaram Roma. Uma revolta popular eclodiu em Florença e os Medici foram derrubados. Além disso, uma epidemia de peste começou na cidade. O Papa Clemente VII, em aliança com Carlos V, organizou uma campanha contra Florença, que resistiu heroicamente. Durante o cerco, Michelangelo supervisionou a construção de fortificações. Após a queda da república, foi salvo das represálias apenas pela vaidade de Clemente VII, que sonhava em perpetuar sua família pelas mãos do maior mestre. Nas condições do terror brutal dos Medici que regressaram ao poder, da profunda humilhação da Itália, da morte de amigos e associados em 1531, Michelangelo retomou o trabalho interrompido de criação da capela, que é uma das suas obras mais marcantes. .

Michelangelo não se sentia seguro em Florença. Em 1534, deixou sua cidade natal e mudou-se para Roma, onde, por ordem do Papa Paulo III, pintou na parede final da Capela Sistina. famoso afresco“O Juízo Final” (1536-1541) Tendo como pano de fundo um céu frio e azulado, muitas figuras são engolfadas por um movimento turbulento. Um sentimento trágico de catástrofe mundial domina. A hora da retribuição se aproxima, os anjos anunciam a vinda do Juízo Final. O movimento de multidões gigantescas se desenrola em círculo à direita, os pecadores são lançados no inferno em uma corrente inexorável. Eles são arrastados por demônios, perseguidos por anjos sem asas, e os justos ascendem ao céu pela esquerda. No centro está a poderosa figura nua de Cristo, realizando o Julgamento. Ameaçador, inflexível, belo em sua irada impiedade, ele se parece mais com um deus pagão do trovão. A caída Mãe de Deus está cheia de profunda tristeza diante do incomensurável sofrimento humano. São Bartolomeu é um símbolo de desespero terrível. Nas mãos do santo está a pele arrancada dele, na qual Michelangelo retratou seu rosto como uma máscara distorcida pelo sofrimento.

O afresco foi concluído por Michelangelo em 1541. Para a Itália, esta foi uma época de crescente pressão da Igreja Católica sobre a cultura humanística. Os ideais elevados e brilhantes que o mestre adorou durante toda a sua vida são coisas do passado. A criação de Michelangelo, de 66 anos, causou grande descontentamento entre os líderes da igreja. O Papa Paulo IV Caraffa considerou esta obra obscena, pois continha muitas figuras nuas. Michelangelo foi convidado a armar algumas das figuras, ao que o artista respondeu: “Diga ao Papa que este assunto é pequeno e pode ser facilmente resolvido. Deixe-o colocar o mundo em ordem, e as pinturas poderão ganhar decência muito rapidamente.” Daniele de Valterra, um aluno dedicado de Michelangelo, fez as alterações necessárias no afresco, tentando, no entanto, protegê-lo de distorções severas. Nas últimas décadas de sua vida, o mestre se dedicou apenas à arquitetura e à poesia. A obra do grande Michelangelo constituiu uma época inteira e esteve muito à frente do seu tempo; desempenhou um papel tremendo na arte mundial e também influenciou a formação dos princípios do Barroco.

Itália renascentista

2. Renascença tardia

Na segunda metade do século XVI. na Itália, o declínio da economia e do comércio aumentava, o catolicismo entrou na luta contra cultura humanística, a arte vivia uma crise profunda. Fortaleceu tendências anti-clássicas anti-renascentistas, corporizadas no maneirismo (ver artigo “A Arte do Maneirismo”)

O maneirismo dificilmente afetou Veneza, que na segunda metade do século XVI se tornou o principal centro da arte renascentista tardia. Embora a importância comercial e política da República de Veneza estivesse em declínio constante, tal como o seu poder, a Cidade das Lagoas ainda estava livre do poder do Papa e do domínio estrangeiro, e a riqueza que acumulou era enorme. Durante este período, o modo de vida de Veneza e o carácter da sua cultura distinguiram-se por tal amplitude e esplendor que nada parecia indicar o declínio do enfraquecido Estado veneziano. Em linha com a alta tradição humanística do Renascimento nas novas condições históricas, a obra de grandes mestres, enriquecida com novas formas, desenvolvida em Veneza final da Renascença- Palladio, Veronese, Tintoretto.

2.1 Andrea Pallaaio

Andrea Palladio (1508-1580) - o maior arquiteto renascentista do norte da Itália durante o final da Renascença. Ele nasceu em Pádua e foi muito influenciado pelos humanistas do norte da Itália. O poeta Giangiorgio Trissino de Vicenza, professor de Andrea di Pietro della Gondola, deu-lhe o nome de Palladio (de deusa grega Atenas Pallas), porque considerava este jovem capaz de reviver a beleza e a sabedoria dos antigos gregos. Para estudar monumentos antigos, Palladio visitou repetidamente Roma, bem como Verona, Split na Croácia e Nîmes na França. Palladio estabeleceu os princípios da arquitetura que foram desenvolvidos na arquitetura Classicismo europeu Séculos XVII-XVIII e recebeu o nome de Palladianismo. Palladio delineou suas ideias na obra teórica “Quatro Livros de Arquitetura” (1570). As composições de Palladio são repletas de naturalidade, paz, completude, ordem estrita, a disposição dos edifícios relacionada ao meio ambiente é clara e adequada. Os edifícios de Palladio decoravam Vicenza, Veneza e a paisagem circundante.

Vicenza é considerada a cidade de Palladio. O seu primeiro grande edifício aqui foi a Basílica (1549), cuja base foi a Câmara Municipal do século XIII. O arquiteto cercou o antigo edifício com uma arcada de mármore branco de dois níveis. O arquiteto construiu frequentemente palácios e vilas de campo em Vicenza. Ele atribuiu um papel importante à fachada deles. Por exemplo, a fachada do Palazzo Chiericati (1560), que se estende ao longo da praça, depois da Basílica, o edifício mais monumental de Vicenza, está literalmente permeada de ar. Seu andar inferior é ocupado por uma poderosa colunata contínua - uma galeria; No último andar, galerias profundas estão localizadas nos cantos.

As vilas construídas por Palladio nos arredores de Vicenza são variadas. Mas eles estão unidos princípios gerais, atendendo aos requisitos de comodidade, sentido de proporção, simetria e liberdade de composição, harmoniosamente ligados à natureza envolvente. A villa mais famosa “Rotunda” (1551-15b7) perto de Vicenza é o primeiro edifício com cúpula central para fins seculares. A brilhante solução composicional e plástica de Palladio para a Rotunda serviu de protótipo para muitos templos e mausoléus no futuro. A villa branca fica numa colina, num vale, numa zona maravilhosa e pitoresca. Representa em planta a última obra de Palladio em Vicenza, iniciada no ano de sua morte Teatro Olímpico (1580) - a primeira obra monumental edifício do teatro na Itália A construção foi concluída pelo arquiteto Scamozzi Palladio, que aqui utilizou o tipo de teatro romano, embora tenha dado ao auditório uma forma elíptica em vez de redonda. E este oval com colunatas e a fachada do palco são decoradas com inúmeras estátuas. No palco há decorações permanentes representando cinco palácios e casas divergentes e construídas. Há algo emocionante, solene e triste no silêncio espaço vazio um teatro que outrora surpreendeu a imaginação com seus espetáculos mágicos.

Os edifícios e ideias arquitetônicas de Palladio tiveram forte influência no desenvolvimento posterior da arquitetura europeia, especialmente na Inglaterra, França e Rússia, uma praça com um salão redondo inscrito nela, coberta por uma cúpula em cada lado do edifício cúbico. são pórticos de frontão com escadas colocadas à frente. Despensas estão escondidas nas encostas do morro.

Em Veneza, Palladio ergueu as igrejas de San Giorgio Maggiore (iniciada em 1565) e Il Redentore (1577-1592), que em planta têm a forma de uma cruz latina. Localizada na ilha de mesmo nome, a igreja de San Giorgio. Maggiore incluiu um espaço aquático no conjunto central das lagoas de Veneza, completando com sua silhueta os aspectos mais importantes da cidade

2.2 Paulo Veronese

O caráter festivo e de afirmação da vida do Renascimento veneziano foi mais claramente manifestado na obra de Paolo Veronese Paolo Cagliari (1528-1588), natural de Verona e, portanto, apelidado de Veronese, passou a infância e os anos de estudo em sua cidade natal. Em 1558, o mestre recebeu um convite para participar da decoração do Palácio Ducal de Veneza, onde rapidamente se tornou famoso. A beleza de Veneza, sua vida luxuosa e seus tesouros artísticos deixaram uma impressão indelével no jovem pintor. , criou magníficos conjuntos decorativos de pinturas de parede e teto com muitos personagens e detalhes divertidos. Brilhante mestre da cor, Veronese pintou em uma gama luminosa de cores ricas e sonoras e tons sutis, unidos por um tom prateado comum.

Um de melhores trabalhos jovem Veronese - pintando o teto da Igreja de San Sebastiano em Veneza (1556-1557), dedicado à história da heroína bíblica Ester. O mestre utilizou o efeito de um “avanço” do teto, como resultado do qual o teto. o céu azul “abriu-se” diante do público. As figuras foram retratadas em ângulos vertiginosos. Na composição “ O Triunfo de Mordecai" empinando cavalos, cavaleiros e guerreiros, mantos esvoaçantes e um estandarte, um fragmento elevado às alturas. estrutura arquitetônica com uma multidão aglomerada atrás da balaustrada - tudo cria a impressão de uma celebração verdadeiramente triunfante. A combinação de tons frios de prata e azul, ondas de calor de roxo, laranja, os contrastes de preto e rosa agradam infinitamente aos olhos. ele sucesso retumbante em Veneza

Nos anos florescimento criativo Veronese decorou com pinturas a Villa Barbaro-Volpe em Masere (1560-1561), construída por Andrea Palladio. Esses afrescos se tornaram uma das maiores conquistas da pintura monumental e decorativa.

O lugar central na pintura de cavalete de Paolo Veronese é ocupado por suas famosas telas monumentais em histórias do evangelho, que o artista, que se inspirou na vida social de Veneza, preencheu com impressões das concorridas e vibrantes festividades venezianas. Essas obras são conhecidas pelo nome geral de “Festas de Veronese”. em Caná” (15b3) e “Festa na casa de Levi” (1573) Na enorme tela “As Bodas de Caná”, que retrata cerca de cento e trinta figuras, a cena da festa se desenrola ao pé de um luxuoso terraço do palácio com um arcada branca e balaustrada contra o pano de fundo do céu azul brilhante Em uma multidão lotada, colorida e cheia de movimento, o artista colocou soberanos europeus e, disfarçado de músicos em primeiro plano, retratou Ticiano, Tintoretto e ele mesmo

Ainda mais grandiosa e decorativa é a “Festa na Casa de Levi”, que acontece em uma magnífica loggia monumental de três vãos. A alegria pagã da imagem atraiu a atenção da Santa Inquisição. , no qual foi acusado de retratar “palhaços, alemães bêbados, anões e outras bobagens”

2.3 Tintoretto

O completo oposto de Veronese era seu contemporâneo Tintoretto (1518 - 1594), cujo nome verdadeiro era Jacopo Robusti. Ele nasceu em Veneza e era filho de um tintureiro, daí o apelido do mestre - Tintoretto, ou Pequeno Tintureiro.

A abundância de influências artísticas externas dissolveu-se na individualidade criativa única deste último dos grandes mestres do Renascimento italiano. Em sua obra, ele foi uma figura gigantesca, criador de um temperamento vulcânico, de paixões violentas e de intensidade heróica. Michelangelo e Ticiano, Tintoretto abriu novos caminhos na arte. Não admira que sua obra tenha tido um grande sucesso tanto entre os contemporâneos quanto entre os contemporâneos. gerações subsequentes Tintoretto se distinguiu por uma capacidade de trabalho verdadeiramente desumana, uma busca incansável. Ele sentiu a tragédia de sua época de forma mais aguda e profunda do que a maioria de seus contemporâneos. O mestre se rebelou contra as tradições estabelecidas nas artes plásticas - a observância da simetria, do equilíbrio estrito. , a estática, ampliou os limites do espaço, saturou-o de dinâmica, ação dramática, passou a expressar os sentimentos humanos com mais clareza. Ele é o criador de cenas de multidão imbuídas da unidade da experiência.

Em 1539, o pintor abriu sua oficina em Veneza. Os primeiros trabalhos de Tintoretto são pouco conhecidos. A pintura “O Milagre de São Marcos” (1548) trouxe-lhe fama. A expressividade das formas e o rico esquema de cores de grandes manchas vermelhas e azuis criam a impressão de um milagre acontecendo diante dos olhos de uma multidão confusa. Voando rapidamente de cabeça para baixo, São Marcos em roupas escarlates esvoaçantes impede a execução de um homem condenado injustamente. A restauração das últimas décadas revelou a rica paleta colorida do mestre em todo o seu esplendor.

A pintura “Introdução ao Templo” da igreja de Santa Maria del Orto (1555) é inusitada. Tintoretto retratou uma escada semicircular assimétrica subindo abruptamente. Maria já atingiu o seu auge, e personagens secundários em primeiro plano, incluindo uma mulher com uma menina, direcionam a atenção do espectador para ela com gestos e olhares. O artista construiu de forma expressiva e ousada a composição na diagonal - a técnica mais dinâmica da pintura. Na pintura, Tintoretto expressou a ideia do aperfeiçoamento espiritual do homem.

Em Veneza, devido às condições climáticas, não se utilizavam afrescos para decorar os edifícios, mas sim enormes pinturas pintadas na técnica da pintura a óleo. Tintoretto é um mestre da pintura monumental, autor de um gigantesco conjunto composto por várias dezenas de obras. Foram feitos para os corredores superior e inferior da Scuola di San Rocco (Escola de São Roque; 1565-1588).

O mestre iniciou o projeto da Scuola di San Rocco com a criação da grandiosa composição monumental “A Crucificação”. Uma imagem com vários personagens - espectadores (homens e mulheres), guerreiros, algozes, em semicírculo, cobre a cena central da crucificação. Aos pés da cruz, os familiares e discípulos do Salvador formam um grupo de rara força espiritual. No brilho das cores do céu crepuscular, Cristo parece abraçar com as mãos o mundo inquieto e preocupante, pregado nas travessas, abençoando-o e perdoando-o. E nos últimos anos de sua vida, Tintoretto sentiu-se atraído por cenas de multidão. A “Batalha do Czar” (cerca de 1585) que ele criou para o Palácio Ducal ocupa uma parede inteira. Em essência, esta é a primeira pintura verdadeiramente histórica da pintura europeia. Para transmitir na imagem a tensão da batalha, o mestre utilizou o ritmo inquieto das linhas, choques de cores e flashes de luz. Tudo está em movimento, a imagem parece refletir um violento choque de elementos.

A obra de Tintoretto completa o desenvolvimento da cultura artística do Renascimento na Itália.

Conclusão

O Renascimento continua sendo verdadeiramente o período mais bonito da história. Quantas obras magníficas foram criadas naquela época, que ainda hoje não nos cansamos de admirar. Ao fazer este trabalho, descobri o maravilhoso mundo do Renascimento.

Itália

O Renascimento - uma época de florescimento cultural após uma longa estagnação - começou primeiro na Itália. Se em outros países europeus escritores, artistas e cientistas dos séculos XV a XVI são atribuídos a esta época, então na Itália, berço do Renascimento, suas características aparecem nas obras de poetas, nas obras de cientistas, nas pinturas dos pintores anteriores - nos séculos XIII a XIV.

No solo da Itália, muitos monumentos culturais da Roma Antiga foram preservados. De Grécia antiga Muitas obras de arte maravilhosas foram trazidas para cá nos tempos antigos. Nos monumentos de arte e literatura da antiguidade romana e grega, os humanistas viam a imagem de uma pessoa bela, forte e harmoniosamente desenvolvida. Graças às atividades dos humanistas, obras de arte e ideias da antiguidade foram encontradas, preservadas, estudadas e revividas. É daí que vem a palavra renascimento. Mas logo esta palavra adquiriu um significado mais amplo. Começou a significar não apenas o renascimento dos antigos, mas também o nascimento de novos. valores culturais. A Renascença foi uma época de florescimento novo e sem precedentes da literatura e da arte.

Existem três etapas principais no desenvolvimento da arte do Renascimento italiano.

A primeira fase - a Primeira Renascença, ou Primeira Renascença - é um período de desenvolvimento de um novo estilo. O centro da vida artística na Itália neste século é Florença.

Dante Alighieri (1265 – 1321) chamado o último poeta da Idade Média e o primeiro poeta do Renascimento. Dante nasceu e viveu em Florença. Quando o partido no poder se dividiu, ele ficou do lado daqueles que não queriam permitir que Florença caísse sob o poder do papa. Os habitantes da cidade apreciaram a coragem do poeta e elegeram Dante para a prefeitura. Ele tinha então trinta e seis anos. Mas os apoiantes do papa ganharam vantagem e começaram a lidar com os seus oponentes. Dante teve que aprender quão difícil é o destino de um exilado, quão amargo é o pão numa terra estrangeira. Por quase vinte anos o poeta vagou cidades diferentes Itália, esperançosa e desesperada. Ele morreu em 1321 em Ravenna, nunca tendo cruzado os limites da cidade de sua cidade natal, Florença. Quando o jovem Dante começou a escrever poesia, a popular língua italiana não era apreciada pelos poetas. Preferiram o latim, que o povo não falava. Mas Dante proclamou corajosamente o direito e o dever do poeta de escrever em língua materna. Ao longo dos últimos anos de sua vida difícil e tempestuosa, Dante escreveu um poema que chamou de “Comédia” (em sua época esse nome era dado a obras com final feliz). E os descendentes deram-lhe o nome de “Divina Comédia” para expressar a sua admiração pela criação de Dante. A Divina Comédia foi admirada por contemporâneos e descendentes. A.S. Pushkin, que mencionou repetidamente o nome de Dante em suas obras, classificou A Divina Comédia como uma das criações brilhantes da literatura mundial.

Ao lado de Dante é sempre mencionado o nome de outro grande poeta italiano - Francesco Petrarca (1304 – 1374). Dante antecipou algumas das ideias da Renascença, mas o primeiro humanista da Itália foi Petrarca. Em uma de suas obras, ele foi o primeiro a contrastar a ciência medieval de Deus com o estudo do homem. Petrarca viveu numa época complexa e contraditória, e sua vida também foi contraditória e complexa. Ele era próximo da poderosa corte do Papa e serviu sob o comando do cardeal, mas escreveu sobre os vícios do Papa e de sua comitiva. Em todas as reviravoltas de sua vida difícil, Petrarca manteve seu amor ardente por sua pátria. Os poemas patrióticos de Petrarca, como sua canzone "Minha Itália", tornaram-se as obras favoritas dos patriotas italianos. Petrarca é conhecido e lembrado principalmente como um dos poetas líricos mais notáveis ​​de todos os tempos e povos. Essa fama lhe foi trazida por seus poemas sobre seu amor pela bela Laura.

A Itália foi o berço não apenas de poetas brilhantes, mas também de prosadores. O mais notável deles é Giovanni Boccaccio (1313 – 1375). Ele escreveu histórias nas quais ridicularizava maldosamente as invenções do padre sobre santos e milagres, expunha a hipocrisia dos monges e rejeitava a pregação medieval de renúncia à vida. Os heróis de suas histórias eram pessoas fortes, saudáveis, alegres, inteligentes, leais à amizade, capazes de defender a si mesmas e ao seu amor. Essas obras retratavam com veracidade a vida e os costumes da Itália daquela época.

Na primeira metade do século XV. três artistas viveram e trabalharam em Florença, que receberam o apelido "Pais da Renascença": arquiteto Brunelleschi, escultor Donatello e pintor Masaccio. Através da linguagem da arquitetura, da escultura e da pintura, glorificaram a beleza física do homem. Ao contrário dos ensinamentos da Igreja, eles afirmaram o direito das pessoas à liberdade e à felicidade e disseram que uma pessoa pode e deve aprender as leis do mundo pelo poder da razão.

O arquiteto mais notável do início da Renascença foi Filippo Brunelleschi (1377 – 1446). Ele foi o primeiro a criar formas arquitetônicas que foram utilizadas e aprimoradas por arquitetos italianos ao longo dos dois séculos seguintes, e mais tarde começaram a ser utilizadas por arquitetos em muitos países europeus. Brunelleschi também foi o primeiro pesquisador das leis da perspectiva. Há 14 anos ele estuda meticulosamente os monumentos preservados da antiguidade em Roma: medindo, esboçando, analisando as técnicas de composição e construção dos antigos mestres. Em monumentos antigos ele encontra protótipos de formas de um novo estilo. A obra-prima geralmente aceita da obra de Brunelleschi, que caracteriza toda a inovação do arquiteto, é uma pequena igreja em Florença, a Capela Pazzi (c. 1430).

Escultor Donatello (1386 – 1466) alcançou níveis notáveis ​​de realismo em suas obras. Junto com as figuras de antigos heróis e santos, Donatello começou a recriar a imagem de seus contemporâneos. Com igual entusiasmo, trabalhou na estátua equestre do comandante Gattamelata (1446 - 1453) e na figura do florentino, apelidado de Zuccone. Os heróis de Donatello são rebeldes e orgulhosos, mostram vontade de lutar e sede de justiça.

Pintor Masaccio (1401 – 1428) os contemporâneos o compararam a um cometa - ele brilhou muito intensamente e queimou muito rapidamente. Masaccio viveu apenas 27 anos, mas durante sua curta vida conseguiu introduzir muitas novidades na pintura. Foi o primeiro a utilizar a perspectiva científica em suas obras, desenvolvida pelo arquiteto Brunelleschi.

Masaccio, Donatello e Brunelleschi foram inaugurados no século XV. Eles foram seguidos por uma série brilhante de artistas notáveis ​​que trabalharam ao longo do século em diferentes áreas das cidades da Itália. A glória da arte florentina do século XV. composta pelos pintores Paolo Uccello, Andreo del Castagno, Benozzo Gozzoli, Fra Filippo Lippi, Domenico Ghirlandaio. Na virada dos séculos XV para XVI, um círculo de artistas e poetas reuniu-se em torno do palácio do governante sem coroa de Florença, Lorenzo de Medici, ou - como era chamado - o Magnífico. Estiveram presentes os pintores Sandro Botticelli, Antonio Pollaiolo, Filippino Lippi e o escultor Andrea Verrocchio. Na Úmbria, Piero della Francesca tornou-se famoso - sempre majestoso e monumental em sua arte. Em Pádua - a severa e rigorosa Andrea Mantegna.

As buscas desses destacados artistas italianos do início da Renascença culminaram no brilhante trabalho dos mestres da primeira metade do século XVI. A época em que esses mestres trabalharam - a segunda etapa do Renascimento italiano, é chamada de Alta Renascença ou Alta Renascença.

Um dos maiores artistas italianos da Alta Renascença Leonardo da Vinci (1452 – 1519) também foi um notável cientista, pensador e engenheiro. Durante toda a sua vida ele observou e estudou a natureza - os corpos celestes e as leis de seu movimento, as montanhas e os segredos de sua origem, a água e os ventos, a luz do sol e a vida das plantas. Leonardo também considerava o homem como parte da natureza. Ele mostrou em tudo seu amor curioso, ativo e inquieto pela natureza. Foi ela quem o ajudou a descobrir as leis da natureza, a colocar as suas forças ao serviço do homem, foi ela quem fez de Leonardo o maior artista, que com igual atenção capturou uma flor desabrochando, um gesto expressivo de uma pessoa e um nevoeiro neblina cobrindo montanhas distantes. Arte, ciência e invenção estavam intimamente interligadas nas atividades de Leonardo da Vinci Leonardo nasceu em 1452 nas proximidades da pequena cidade de Vinci (razão pela qual foi chamado de Leonardo da Vinci). Aos quatorze anos mudou-se para Florença. Seu pai enviou Leonardo para estudar na oficina de arte de Andrea Verrocchio, pintor, arquiteto e escultor notável, pessoa versátil, como muitas pessoas cultas do Renascimento. Leonardo aprendeu muito na oficina de Verrocchio, mas logo, segundo seus contemporâneos, deixou para trás tanto os colegas quanto o professor. Uma das primeiras obras de Leonardo da Vinci que sobreviveu até nossos dias é “Madonna com uma Flor”, ou “Madonna Benois” (1478). Conseguindo a impressão de realidade, Leonardo procurou tornar a imagem tridimensional e em relevo. O principal meio visual do artista, que o auxilia nisso, é o claro-escuro, ou seja, transmitir o relevo dos objetos no plano pictórico por meio do jogo de luz. Leonardo, que conheceu e estudou as questões de incidência e reflexão de um raio de luz, conscientemente, como um cientista, percebeu e transmitiu muitos tons de luz, as mais sutis transições de sombra, às vezes interrompendo a sombra espessa com uma suave faixa de reflexo. Leonardo utilizou esses meios visuais ao longo de toda a sua carreira. Em 1481, Leonardo da Vinci deixou Florença e mudou-se para Milão. A primeira encomenda em Milão foi a criação de um monumento equestre de bronze. Mas o grandioso trabalho de longo prazo de Leonardo foi perdido. Outra importante obra realizada em Milão também foi danificada - o afresco “A Última Ceia”, pintado em 1495-1497. na parede do refeitório do mosteiro de Santa Maria delle Grazie. Leonardo passou as últimas duas décadas de sua vida vagando, movendo-se de um lugar para outro, sem encontrar qualquer uso real para seus talentos. A mais importante das obras deste período é o retrato conhecido mundialmente como “La Gioconda” (início do século XVI. ). Leonardo da Vinci passou os últimos anos de sua vida na França e morreu em 1519 no castelo de Cloux, perto de Amboise. Apenas cerca de dez pinturas de Leonardo sobreviveram até hoje, sem dúvida executadas por ele mesmo, mas além disso, há muitos desenhos, desenhos e notas diversas.

O artista mais brilhante e alegre da Renascença foi Rafael Santi (1483 – 1520) da cidade de Urbino. Ao longo de sua obra, Rafael disse: uma pessoa deve ser bonita - deve ter um corpo bonito e forte, uma mente totalmente desenvolvida, uma alma gentil e simpática. Rafael retratou essas pessoas em suas pinturas. Ele mesmo era uma pessoa assim. Rafael nasceu em 1483. Recebeu as primeiras aulas de desenho e pintura de seu pai, o artista e poeta Giovanni Santi. Aos dezessete anos, Raphael veio para a cidade de Perugia e tornou-se aluno do artista Perugino. Uma das pinturas de Rafael desta época é “O Sonho do Cavaleiro”

(final do século XV). Em 1504, Rafael chegou a Florença, cidade onde viveram e trabalharam os maiores artistas italianos Leonardo da Vinci e Michelangelo da época. Há alguém aqui com quem aprender. E o Rafael estuda. Estudando e trabalhando. Acima de tudo, ele é atraído neste momento pela imagem da Madona com o Menino. O período florentino da obra de Rafael é chamado de “Período das Madonas”. Depois cria o quadro “Madonna Granduca” (c. 1505 – 1506). O autorretrato pintado por Rafael nesses anos está naturalmente incluído na galeria de belas imagens por ele criadas. Em 1508, o Papa Júlio II convocou Rafael a Roma e, juntamente com outros artistas, encarregou-o de pintar as estrofes e salas de aparato do Palácio do Vaticano. Logo Júlio 2 ordenou que todos os artistas fossem demitidos e restou apenas Rafael. De 1509 a 1517 Foram pintados três salões, sendo o melhor deles o “Salão de Assinaturas”. Por volta de 1511, foi criado um retrato de Júlio 2. O contemporâneo do artista, o historiador de arte Vasari, disse: “Ele pintou o retrato do Papa Júlio de forma tão vívida e verossímil que era estranho olhar para ele, como se ele estivesse realmente sentado. diante de nós vivos...”. Rafael, que soube transmitir com tanta precisão em um retrato a aparência única e a vida espiritual única de uma pessoa, trabalhou nas imagens das Madonas de uma maneira completamente diferente. A encantadora imagem de uma mulher foi criada por Rafael na famosa pintura “A Madona Sistina” (1515 – 1519). Rafael não foi apenas um grande pintor, mas também um excelente arquiteto. Ele construiu palácios, vilas, igrejas e pequenas capelas. Em 1514, o papa encarregou Rafael da construção da maior igreja com cúpula do mundo – a Catedral de São Pedro. Petra. A morte interrompeu este trabalho de Rafael. Em 6 de abril de 1520, aos 37 anos, faleceu. Ele foi enterrado em um dos edifícios mais bonitos de Roma - o Panteão, que se tornou o túmulo do grande povo da Itália.

Michelangelo Buonarroti (1475 – 1564) nascido em 6 de março de 1475, passou a infância em Florença. Tinha 13 anos quando se tornou aluno do artista plástico Ghirlandaio. Aos 25 anos já tinha criado muitas obras escultóricas, das quais as melhores são “Baco” (c. 1497 – 1498) e “Lamentação de Cristo” (1498 – 1501). Aos 26 anos, o artista assume um trabalho incrivelmente difícil. Um escultor começou a esculpir uma estátua em um bloco de mármore com mais de 5 m de altura, mas estragou o mármore e jogou-o fora. Os melhores mestres, até mesmo Leonardo da Vinci, recusaram-se a fazer uma escultura deste mármore mutilado. Michelangelo concordou. Três anos depois a estátua estava pronta. Este foi o menino judeu David, que derrotou o inimigo de sua terra natal - o mais poderoso gigante filisteu Golias - em um combate individual. Em 1505 A estátua foi colocada na Piazza Florence, ao ar livre, para que todos pudessem vê-la. Por mais de três séculos, a estátua de mármore favorita dos florentinos, que os moradores chamavam de Gigante, ficou aqui. Em 1873, a estátua foi transferida para a Academia de Artes, para um salão especialmente construído para ela. Em seu lugar, a pedido dos moradores, foi colocada uma cópia em mármore, e na Piazzale Michelangelo, em 1875, quando se comemorou o 400º aniversário do nascimento do escultor, foi erguida uma cópia em bronze de David. Em 1508, o Papa Júlio II deu a Michelangelo a ordem de pintar o teto da Capela Sistina em Roma. As dimensões da futura pintura ultrapassaram 600 metros quadrados. m.Em condições incrivelmente difíceis, deitado de costas, sobre andaimes altos, o próprio artista, sem assistentes, recriou em imagens no teto da capela uma lenda bíblica contando os acontecimentos desde a criação do mundo até o dilúvio. A melhor imagem desta pintura é a do primeiro homem, Adão. Michelangelo passou quatro anos fazendo esse trabalho. Todo o corpo do artista doía devido à tensão excessiva e constante. Seus olhos quase pararam de ver: para ler um livro ou olhar qualquer coisa, ele tinha que levantá-lo bem acima da cabeça. Gradualmente esta doença passou. Em 1520, Michelangelo iniciou a construção em Florença do túmulo dos Médici, governantes da cidade, e em 1534 (o tempo de construção foi adiado devido ao levante de 1527, no qual o convicto republicano Michelangelo participou ativamente) concluiu a capela e os túmulos de Giuliano e Lorenzo localizados nela Medici. Em 1534-1541 na mesma Capela Sistina onde pintou o teto, o artista cria o afresco “O Juízo Final”. Em 1545, ele finalmente concluiu o túmulo do Papa Júlio II, encomenda que recebeu 40 anos antes. As melhores estátuas para esta tumba foram criadas em 1513-1516. Esta é a figura de Moisés, segundo a lenda bíblica - o formidável e sábio líder do povo judeu, e as estátuas de dois jovens cativos (“Escravos”). Michelangelo morreu em 18 de fevereiro de 1564. Seu corpo foi retirado secretamente de Roma e enterrado em sua terra natal. E agora em Florença, na Piazzale Michelangelo, existe uma cópia em bronze de David como monumento ao artista, que com a sua arte afirmou e defendeu a liberdade e a beleza do homem.

A Alta Renascença, assim como a Primeira Renascença, nos deixaram alguns edifícios que são legitimamente considerados obras-primas da arquitetura mundial.

O autor de muitos deles foi um arquiteto maravilhoso Donato d’Angelo Bramante (1444-1514). Ele criou os edifícios mais brilhantes que trouxeram a Bramante a fama do maior arquiteto de sua época em Roma. Entre suas melhores obras estão os grandiosos edifícios do Vaticano (iniciados no início do século XVI). Num dos mosteiros romanos, Bramante construiu uma pequena igreja - Tempietto (1502 - 1503). Já os contemporâneos consideraram-no uma obra-prima. O projeto da Catedral de São Pedro (1506 - 1514) elaborado por Bramante não foi executado por ele. Mas a ideia do arquiteto de criar uma grandiosa estrutura em cúpula não foi em vão. Rafael e Michelangelo usaram-no no projeto da Catedral de São Pedro.

Pintores venezianos do século XV. (mais tarde Renascimento) recebeu encomendas de pinturas principalmente da igreja. Na maioria das vezes, eles representavam Nossa Senhora sentada solenemente em um trono cercada por anjos e santos.

Na segunda metade do século XV. o maior artista de Veneza foi Giovanni Bellini (1430–1516). As figuras das pessoas em suas pinturas são pintadas em volume, suas poses são naturais e ao mesmo tempo invariavelmente imponentes. Ao retratar o céu, ele conseguiu transmitir a profundidade do espaço e a leveza da distância. Mas os alunos de Bellini - Giorgione de Castelfranco e Titian Vecellio - deixaram o seu professor para trás, abrindo novas possibilidades para a pintura do seu tempo. Em sua cidade natal, Giorgione (1477 - 1510) criou para a igreja uma pintura conhecida como Madonna de Castelfranco (c. 1505). No início do século XVI. Os artistas europeus já tinham aprendido a perceber as características da sua natureza nativa, mas a paisagem ainda servia principalmente de pano de fundo para as figuras. Na pintura “A Tempestade” (c. 1505), Giorgione deu à paisagem o papel principal. Durante a Renascença, Judith, a heroína de uma antiga lenda, era frequentemente retratada como um símbolo de heroísmo e façanha. Giorgione não ignorou este tema e criou a sua “Judith” (c. 1502). Em 1510, Giorgione, ainda jovem, morreu de peste. Sua pintura “Vênus Adormecida” (1507 – 1508) permaneceu inacabada. A obra de seu falecido amigo foi concluída por um dos maiores mestres da Renascença, Ticiano.

Ticiano Vecellio (1477 ou 1485 – 1576) viveu uma vida longa. Funciona período tardio suas obras são muito diferentes das anteriores. Entre 1500 e 1516 pintou uma série de pinturas sobre temas evangélicos, mitológicos e alegóricos. Eles estão unidos pela energia e poder da cor, pela representação sutil e viva do corpo nu e pelo brilho quente da luz solar. 1517 - 1530 é a época em que o talento de Ticiano atinge a maturidade e sua fama ultrapassa as fronteiras da Itália. O artista trata livremente dos temas que escolhe. Ticiano dominou perfeitamente a arte de expressar sentimentos e humores humanos em combinações de cores. Exemplo disso é a sua tela “Festa de Vênus” (1518) e a enorme pintura “Assunta” (“Ascensão de Maria”, 1518). O retratista dedicou muito esforço. Cercado pela honra e admiração de seus contemporâneos, viveu de forma rica e independente. A nobreza veneziana, o imperador alemão e o rei espanhol procuraram o consentimento de Ticiano para trabalhar para eles. Mas ele cumpriu apenas as ordens de que gostava. Nos retratos, Ticiano buscou não apenas semelhança externa, mas também revelou traços de caráter com ousadia. Na década de 60 do século XVI. refere-se à sua pintura “A Madalena Penitente” (1560 – 1565). Incomum para aquela época foi o trabalho tardio de Ticiano - “São Sebastião” (1570). Não só os seus contemporâneos mais jovens aprenderam com as obras de Ticiano, mas também tiveram o maior impacto na pintura europeia durante séculos.

Os maiores artistas da segunda metade do século XVI. estavam também Paolo Veronese e Jacopo Tintoretto.

Paulo Veronese (1528 – 1588) – Grande mestre pintura decorativa, criador das enormes e espetaculares pinturas que adornam os tetos e paredes do Palácio Ducal. Essas pinturas têm temas alegóricos e mitológicos. Uma de suas obras é a colossal pintura “As Bodas de Caná da Galiléia” (1563). A pintura de Veronese é viva e alegre, imaginação flexível, cores vivas e cintilantes, uma sutil sensação de luz. No entanto, nos estágios posteriores da criatividade, humores ansiosos e sombrios penetram em sua arte. Esta é a sua pintura “A Última Ceia” (antes de 1573), então rebatizada de “A Festa na Casa de Levi”.

Jacopo Tintoretto (1518 – 1594) na juventude fez como lema as palavras: “desenho de Michelangelo, coloração de Ticiano”. O colorido cintilante torna sua pintura semelhante à arte de outros venezianos. Mas Tintoretto tem muitas características originais. No filme “A Batalha do Arcanjo Miguel com Satanás” (final dos anos 80 do século XVI), a ação é transferida para o ar. Em suas obras posteriores, em sua maioria sombrias e agitadas, Tintoretto transmite nuances dos humores trágicos de seus heróis e retrata multidões capturadas por uma rajada de sentimentos violentos.

Nos mesmos anos em que Veronese e Tintoretto pintaram seus quadros, ele trabalhou no norte da Itália Andréa Palladio (1508 – 1580)- o melhor arquiteto do final do Renascimento. Em sua obra, Palladio utilizou técnicas da arquitetura grega e romana, mas evitou copiá-las diretamente e criou obras originais. Magníficos edifícios construídos por Palladio adornam sua cidade natal, Vicenza e Veneza.

Inglaterra

Na Inglaterra, o Renascimento começou um pouco mais tarde do que na Itália, e aqui teve suas diferenças importantes. Assim como na Itália, na Inglaterra os primeiros que começaram a expressar os pensamentos e sentimentos dos tempos modernos em seus livros foram os humanistas. Eles não podiam simplesmente falar sobre como era maravilhoso ser humano; eles viram como as pessoas na Inglaterra estavam sofrendo.

No início do século XVI. O primeiro grande humanista da Inglaterra apareceu Tomás More (1478 – 1535)- “Utopia”. Antes dele, ninguém ousava falar a verdade tão diretamente. Thomas More escreveu sobre a crueldade das leis dirigidas contra os pobres, sobre a falta de sentido das guerras de conquista e sobre a injustiça do sistema social. Durante o Renascimento na Inglaterra, houve muitos poetas talentosos Eles criaram obras sobre amor, amizade e a beleza do mundo ao seu redor. Mas, acima de tudo, as ideias da Renascença na Inglaterra foram incorporadas nos palcos dos teatros.

Willian Shakespeare (1564 – 1616). Sabemos pouco sobre a vida de Shakespeare. Ele não escreveu memórias nem manteve um diário. Os manuscritos de suas peças foram perdidos. Aqueles poucos pedaços de papel que contêm algumas linhas escritas pelo próprio Shakespeare, ou simplesmente levam sua assinatura, são considerados tesouros históricos raros. William Shakespeare nasceu em 23 de abril de 1564 na pequena cidade inglesa de Stratford, localizada às margens do rio Avon. Seu pai era artesão e comerciante. Quando Shakespeare tinha pouco mais de vinte anos, ele foi para Londres. Uma vez dentro cidade grande Sem fundos, sem amigos e conhecidos, Shakespeare, como afirma a lenda, a princípio ganhou a vida guardando cavalos perto do teatro, onde vinham nobres cavalheiros. Mais tarde - disso se sabe com certeza - Shakespeare começou a atuar no próprio teatro: garantiu que os atores subissem no palco na hora certa, reescreveu os papéis, substituiu o prompter - em uma palavra, conheceu bem os bastidores - o - cenas vida do teatro. Então Shakespeare começou a receber pequenos papéis no teatro. Ele não se tornou um grande ator, mas falou tão bem em suas peças sobre a arte de atuar e, o mais importante, construiu suas peças com tanta habilidade que isso testemunhou um incrível conhecimento do palco. Shakespeare escreveu mais do que apenas peças. Seus poemas - sonetos - cativaram seus contemporâneos e continuam a cativar seus descendentes com o poder dos sentimentos, profundidade de pensamento e graça de forma. Mas o principal negócio de Shakespeare, a paixão de toda a sua vida, foi a criação de peças teatrais. A alegria exultante da vida, a glorificação de uma pessoa saudável, forte, corajosa, com sentimentos brilhantes e que pensa com ousadia - isso é o principal nas primeiras peças de Shakespeare - comédias: “A Megera Domada”, “A Comédia dos Erros”, “Os Dois Cavalheiros de Verona”, “Sonho de uma Noite de Verão”, “Muito barulho por nada”, “Como Você Gosta”, “Noite de Reis” (1593 – 1600). Talvez a criação mais famosa de Shakespeare seja a sua primeira grande tragédia, Romeu e Julieta (1597). Após a produção de "Júlio César", de 1601 a 1608, Shakespeare criou as maiores tragédias: "Hamlet", "Rei Lear", "Macbeth" e "Otelo". suas peças adquiriram um caráter diferente. Eles estão um tanto afastados da vida real. Motivos fantásticos começam a soar neles. Em 1612, Shakespeare escreveu sua última peça, A Tempestade. Logo deixou o teatro e em 1616, no dia em que completou 52 anos, morreu. Shakespeare foi enterrado na igreja de sua terra natal, Stratford. Admiradores de seu talento ainda vêm aqui de todo o mundo para venerar o túmulo do grande dramaturgo, visitar a casa onde ele morou e assistir suas peças no Stratford Memorial Theatre.

França

Na França, o Renascimento começou um século e meio depois do que na Itália - no final do século XV. O Renascimento francês, que começou tardiamente, adquiriu enorme amplitude e características de uma nacionalidade sem precedentes até mesmo na Itália.

Em primeiro lugar, podemos falar da obra do maior escritor desta época - François Rabelais (1494 – 1553). Rabelais é um verdadeiro filho do seu tempo, o Renascimento. Como suas melhores figuras, surpreendeu-se pela versatilidade de seus conhecimentos: foi médico, advogado, poeta, arquiteto, filósofo, professor e cientista natural. Rabelais se distinguiu por sua inteligência brilhante, temperamento de lutador e consideração de cientista. Publicou a primeira parte do seu famoso livro “Gargântua e Pantagruel” em 1532, a última, a quinta, foi publicada 32 anos depois, em 1564.

Um grupo de sete poetas, jovens contemporâneos de Rabelais, adotou o nome "Plêiades"(este é o nome da constelação de sete estrelas brilhando intensamente no céu noturno). Foi chefiado por Pierre Ronsard (1524 – 1585), um letrista maravilhoso. Em um dos sonetos, Ronsard previu a imortalidade para a mulher que amava. Ele acabou tendo razão: a simples camponesa Maria Dupont, a quem Ronsard dedicou a coleção “O Amor de Maria” (1555), vive na memória da posteridade há quatrocentos anos graças aos seus poemas. Ronsard fez muito para enriquecer a língua francesa, que, como se viu, é capaz de expressar os mais sutis matizes de sentimentos e pensamentos. “Pleiad” estava especialmente preocupado com o destino da língua nativa: afinal, o florescimento da cultura certamente requer um discurso flexível, rico e vibrante. O camarada de armas de Ronsard, Joaquim du Bellay, expressou essas idéias das Plêiades em seu ensaio “Defesa e Glorificação da Língua Francesa” (1549). Durante sua curta vida (du Bellay morreu aos trinta e oito anos, em 1560), ele criou poemas que se tornaram livros didáticos de poesia francesa. Os sonetos de Du Bellay são considerados exemplares.

Espanha

O maior escritor humanista da Espanha, um dos mais notáveis ​​realistas da literatura do Renascimento, foi o brilhante Miguel Cervantes de Saavedra (1547 – 1616). A vida de Cervantes, criador de Dom Quixote, não foi fácil. Ele veio de uma família nobre empobrecida. Embora Cervantes tenha recebido uma boa educação em artes liberais, durante muito tempo não conseguiu encontrar utilidade para seus conhecimentos e habilidades: um serviço nada invejável na comitiva do cardeal, uma parte de soldado e muitos anos de cativeiro argelino e, finalmente, o lugar de um viajante oficial arrecadando impostos. Enquanto está neste serviço, ele acaba na prisão por culpa de outra pessoa. Cervantes ingressou no círculo literário, mas nunca recebeu reconhecimento real por seu trabalho em vida. Tendo ingressado cedo no campo literário, Cervantes descobriu toda a força de seu talento genial apenas nos últimos anos, quando criou os maravilhosos contos “Novelas Edificantes”, verdadeiras cenas da vida popular - “Interlúdios” e, por fim, o famoso romance “ Dom Quixote” - o épico sobre a triste imagem do Cavaleiro e seu fiel escudeiro Sancho Pança.

Com a obra de Cervantes, o romance espanhol tornou-se propriedade de toda a humanidade, e Lope de Vega (1562 – 1635) Ele encenou seus dramas no teatro espanhol próximo ao teatro de Shakespeare.

Lope de Vega encontrou o seu lugar na vida sem muita dificuldade. Ao contrário de Cervantes, ele recebeu reconhecimento vitalício por seu trabalho. Em que gêneros literários Lope de Vega não atuou: no drama, na poesia épica e na letra, na teoria e crítica literária, nos contos! Porém, o primeiro lugar em sua obra pertence, sem dúvida, ao drama. Mais de quinhentas peças de Lope de Vega, na sua maioria comédias, chegaram até nós. O escritor e humanista Lope de Vega soube não só divertir o espectador - como ampliou seus horizontes, apresentando-o ao passado histórico, à vida de outros povos - a distante Rus e a América ultramarina. Em termos da força do protesto político na obra de Lope de Vega, o seu maravilhoso drama “Fuente Ovejuna” (“Fonte Ovelha”) ocupa um lugar especial. As comédias que fazem sucesso constante entre os telespectadores incluem: “Cachorro na Manjedoura”, “Menina com Jarro”, “A Professora de Dança”, “A Viúva Valenciana”.

Alemanha

“Que alegria viver! As ciências florescem, as mentes despertam: você, barbárie, pegue a corda e prepare-se para ser expulso!” - foi o que escreveu o maior humanista alemão, talentoso satírico, escritor e filósofo em 1518 Ulrich von Hutten (1488-1523). Ele veio de uma antiga família de cavaleiros e empunhava não apenas uma caneta, mas também uma espada. Seu pai queria vê-lo como ministro da igreja, mas o jovem Hutten fugiu do mosteiro e com o tempo tornou-se um dos mais ousados ​​oponentes da Roma papal. Em 1522, Hutten participou ativamente da revolta da cavalaria contra o Eleitor (Príncipe) Arcebispo de Trier. Mas nem os habitantes da cidade, nem mesmo os camponeses, que sofriam com a opressão feudal, queriam apoiar os cavaleiros rebeldes. Hutten fugiu para a Suíça, onde logo morreu na pobreza. Seus “Diálogos”, criados em 1520, são muito espirituosos e cáusticos. Uma sátira brilhante - as famosas “Cartas de Pessoas Negras” (1515 - 1517) - foi escrita com a estreita participação de Hutten. Letters from Dark People foi um sucesso internacional. Eles foram lidos com entusiasmo tanto em Londres como em Paris.

Albrecht Dürer (1471 – 1528) foi o maior artista e inovador da pintura alemã. Ele nasceu em Nuremberg, uma cidade onde a impressão floresceu. O pai de Dürer era ourives. Dürer recebeu suas primeiras habilidades de desenho na oficina de seu pai. Percebendo, porém, que seu filho demonstrava mais inclinação para a pintura do que para a fabricação de joias, Dürer, o mais velho, enviou Albrecht, de quinze anos, para ser aprendiz do pintor de Nuremberg, Wolgemut. Quatro anos depois, Dürer fez uma viagem obrigatória às cidades alemãs para todo aspirante a artista. Ele teve que aperfeiçoar sua arte para alcançar o título de mestre. Em meados da década de 90 do século XV. Um jovem artista alemão veio para a Itália. Não era costume os pintores alemães viajarem para Itália, e o jovem alemão foi um dos poucos que decidiu fazê-lo. Voltando para casa, o artista pintou um autorretrato (1498), retratando-se não como um simples artesão, como era o artista naqueles anos na Alemanha, mas como um nobre ricamente vestido. A versatilidade de interesses, tão característica do povo renascentista, também distinguiu Dürer. Ele pintou quadros, criou xilogravuras, foi um dos primeiros a recorrer à gravura em cobre, foi engenheiro e arquiteto, estudou matemática, foi teórico da arte, leu autores antigos e escreveu poesia. Onze anos depois de sua primeira viagem à Itália, já um mestre reconhecido, Dürer foi novamente a Veneza. Surpreendeu os italianos com a sutileza de sua arte, mas ele mesmo aprendeu muito com eles. Durer adotou a doutrina das proporções do corpo humano dos teóricos da arte italianos e, posteriormente, ele mesmo introduziu muitas coisas novas na ciência das proporções. O artista apresentou os resultados de suas pesquisas e observações em “Quatro Livros sobre Proporções”. Em 1520-1521 Dürer viajou para a Holanda. E onde quer que estivesse, ele desenhava em todos os lugares. O artista registrou em seus álbuns de viagens paisagens montanhosas e vistas de cidades, uma lebre e um rinoceronte, além de retratos de pessoas que conheceu. Ele foi atraído pela moral e costumes do país, roupas, atrações locais e coisas estranhas. Esses desenhos o ajudaram posteriormente a criar desenhos e gravuras. Dürer criou mais de 200 gravuras. Uma das suas melhores gravuras é “São Jerónimo na sua cela” (c. 1514). A arte de Dürer como gravador encantou seus contemporâneos. Dürer não foi menos notável na pintura. Os santos de suas pinturas são pessoas vivas, fortes de alma e de corpo. Sua Madona e o Menino Jesus (“Maria e o Menino”, 1512) é tão bela quanto a jovem veneziana que Dürer pintou na Itália em 1505. Suas outras obras também são conhecidas: “Três Camponeses” (c. 1497), “Apocalipse” (1498), “Quatro Apóstolos” (1526), ​​​​“Jovem” (1512), “Hieronymus Holzschuer” (1526), ​​​​etc.

Um mestre significativo da Renascença alemã foi Lucas Cranach, o Velho (1472 – 1553). Cranach viajou muito, mas passou a maior parte de sua vida na corte dos príncipes saxões em Wittenberg. Como artista da corte e criado do príncipe, pintou retratos cerimoniais, inúmeras pinturas sobre temas religiosos e mitológicos e decorou salões para recepções e celebrações. Uma das pinturas do artista retratava uma caçada principesca – um passatempo favorito da nobreza (1529). Cranach foi um dos primeiros na Alemanha a pintar a natureza do seu país natal. A paisagem também está presente em suas pinturas religiosas “Descanso na Fuga para o Egito” (1504). Cranach pintou muitos retratos. Mas acima de tudo, talvez, ele tenha tido mais sucesso em seu retrato de Martinho Lutero (1532).

Outro maravilhoso pintor de retratos alemão, Hans Holbein, o Jovem (1497 – 1543), incapaz de encontrar uma oportunidade de trabalhar na Alemanha, ele deixa sua cidade natal, Augsburg, mais cedo. Ele se instala na Suíça, em Basileia, um importante centro gráfico. Em Basileia, Holbein ilustrou livros, pintou fachadas de casas e criou desenhos para gravuras. “Dança da Morte (1524 – 1526) é a série mais significativa de suas gravuras. Holbein nos deixou um maravilhoso retrato de perfil de Erasmo de Rotterdam (1523), um retrato do jovem comerciante Georg Giese (1532). Holbein pintava frequentemente retratos de pessoas extraordinárias que se destacavam pelas suas capacidades e inteligência. Este é Charles de Morette, enviado do rei francês à Inglaterra (1534 - 1535). O retrato de Morett foi pintado em Londres, para onde Holbein se mudou no final de sua vida. Aqui ele se tornou o artista da corte do rei inglês Henrique VIII. Além de retratos pitorescos cerimoniais de membros da família real e pessoas próximas ao rei, Holbein criou muitos retratos a lápis nessa época. Eles são escritos com traços leves e confiantes e geralmente coloridos com giz colorido.

O destino do artista foi difícil e trágico Matthias Grunewald (depois de 1460 – 1528). Por seu compromisso com os ideais da reforma e simpatia pelos camponeses rebeldes, perdeu seu lugar na corte episcopal de Mainz, onde foi considerado um artista da corte, foi forçado a fugir e só escapou milagrosamente da corte da igreja. Suas pinturas se destacam pela riqueza emocional de cores, rara entre os artistas alemães. Grunewald pintou exclusivamente sobre temas religiosos. A obra mais famosa é o altar do mosteiro de Isenheim (c. 1512 - 1516).

Holanda

O início do Renascimento holandês, que substituiu a Idade Média, pode ser comparado a uma pessoa que acordou após um longo sono e viu com surpresa e deleite como o mundo ao seu redor era bom. Tudo lhe parece lindo, cheio de significado profundo - a luz prateada da manhã perfurando o ar úmido, e as flores, e as ruas tranquilas com casas sob telhados pontiagudos, e a lareira, e os utensílios domésticos simples e, claro, as pessoas. Na Holanda não encontraremos afrescos, como na Itália, mas na Idade Média, aqui, como em outros países do Norte da Europa, floresceu a sofisticada arte das miniaturas de livros. As ilustrações dos manuscritos foram feitas com tanta habilidade e cores tão brilhantes que os livros se transformaram em verdadeiras joias. Sim, eles valiam seu peso em ouro. Foram os holandeses, que exigiam riqueza e riqueza de cores da tinta, que tiveram a honra de aprimorar a técnica da pintura a óleo, que mais tarde se espalhou pela Europa sob o nome de estilo flamengo. Acredita-se que os inventores desta técnica eram famosos irmãos Hubert van Eyck (c. 1370 – 1426) e Jan van Eyck (c. 1390 – 1441). O famoso Retábulo de Gante (1426 – 1432) foi criado pelos irmãos van Eyck. Os estudiosos ainda estão debatendo para determinar quais cenas do altar Hubert pintou e quais seu irmão mais novo, Jan, pintou. Obviamente, Hubert iniciou o trabalho e, após sua morte, Jan o concluiu. Pode-se também supor que a pintura mais inovadora pertence a Jan, mais avançado que Hubert, que ainda estava associado à arte gótica. Jan van Eyck – artista, matemático e diplomata – foi um verdadeiro homem da Renascença. Silêncio e calma emanam do retrato do casal Giovanni e Giovanna Arnolfini (1434).

A arte perfeita de van Eycks parecia abrir os olhos dos mestres holandeses do século XV. tanto nas possibilidades da pintura quanto no significado do mundo real. Brilhante e duro Rogier van der Weyden (1399 – 1464), contador de histórias habilidoso Diric Bouts (c. 1410 – 1475), um mestre excepcionalmente talentoso e original que mais se aproximou do Renascimento italiano, Hugo van der Goes (c. 1435 – 1482) conquistou a arte holandesa no século XV. fama mundial. Até artistas do norte começaram a ser convidados para a Itália, aprendendo com eles habilidades de pintura.

Na pequena cidade provinciana de Hertogenbosch trabalhou um dos mestres mais estranhos e misteriosos de toda a história da arte. Hieronymus van Aken (c. 1450 – 1516), conhecido como Bosch. Suas pinturas são habitadas por criaturas bizarras e malignas: monstros com cauda, ​​​​peixes com patas de cavalo, répteis sem precedentes. Bosch, como mais de um artista antes dele, está ligado ao povo, às suas superstições, ao seu humor e folclore. Existe um antigo provérbio flamengo: “O mundo é um palheiro: cada um tira dele o que pode agarrar”; e Bosch pinta o quadro “A Wagon of Hay” (final do século XV – início do século XVI). A arte de Bosch é interessante porque ele introduz motivos cotidianos e paisagísticos em suas composições sobre temas religiosos.

O artista é um pensador, Pieter Bruegel, o Velho (entre 1525 e 1530 – 1569), Pensando intensamente no sentido da existência humana, ele estava muito à frente de seu tempo. Seu talento brilhante estava restrito à estrutura de temas geralmente aceitos e até mesmo de gêneros de pintura contemporânea. A arte europeia daquela época não conhecia uma paisagem real - a natureza era apenas um pano de fundo, um palco onde as pessoas agiam. E só Bruegel descobriu para pintar a vida da natureza, cheia de significado independente, o significado da mudança das estações, a grandiosidade e a beleza da paisagem. Ainda muito jovem, Bruegel viajou para Itália, onde Michelangelo e os grandes venezianos trabalhavam, mas a sua individualidade revelou-se demasiado forte para sucumbir à influência mesmo desses mestres. Muito mais fortes e importantes para Bruegel foram as impressões dos grandiosos panoramas do mar e das montanhas alpinas. A natureza tornou-se a protagonista de suas obras. E junto com as linhas leves e precisas dos desenhos de viagem de Bruegel arte mundial paisagem entrou. Mais tarde, já mestre maduro, Bruegel pintou a famosa série de paisagens “As Estações”. A precisão e expressividade de suas silhuetas podem ser invejadas pelos melhores desenhistas da arte mundial. Um exemplo disso é a pintura “Caçadores na Neve” (1565). Camponeses simples atraem a atenção amigável do artista. E aqui Bruegel tornou-se o pioneiro de um novo gênero - o gênero camponês cotidiano, recebendo por isso de seus descendentes o apelido de Muzhitsky (“Dança Camponesa”, 1567). A arte do artista tornou-se cada vez mais sombria e pessimista no final da década de 1560. Em 1568, pouco antes de sua morte, Bruegel pintou sua pintura mais significativa e sombria, “O Cego”.

A obra do grande humanista holandês Desidério de Erasmo de Roterdã (1469 – 1535) intimamente associado ao Renascimento alemão. Desiderius Erasmus de Rotterdam gozava da reputação de uma das pessoas mais educadas da Europa. Ele se opôs resolutamente ao obscurantismo da Igreja, visitou muitos países e em todos os lugares foi saudado com entusiasmo por numerosos admiradores. Um raro sucesso aconteceu com sua maravilhosa sátira “In Praise of Stupidity”.

Verificamos que a arte do Renascimento em diferentes países tinha características próprias. Mas enfatizemos que o comum e principal para a arte desta época era o realismo. O realismo da arte renascentista foi um grande avanço em relação à arte simbólica e convencional da Idade Média. A beleza do corpo humano e da natureza circundante abriu-se diante dos olhos dos mestres. Um grande interesse pelo homem, pelas suas experiências, pensamentos e ações deu origem na pintura, na escultura, na literatura, na gráfica a uma imagem vital, viva e complexa de uma pessoa e, sobretudo, de uma pessoa - uma figura, um pensador, um herói.

É um termo que, como... A ciência é um produto do “eu” teórico A moralidade é um produto do “eu” prático

Ideias. 28. Renascimento O humanismo é a base de valor da cultura Renascimento era Renascimentoé considerado por pesquisadores da Europa Ocidental... político 2) econômico 3) legal 4) moral 5) arte 6) religiões 7) ciência 8) tecnologia Tradições culturais...

Composição

O berço do Renascimento é a Itália. A literatura da Renascença é inseparável da corrente da vida espiritual desta época - o humanismo (proteção da liberdade de pensamento, destruição das fronteiras de classe, emancipação do indivíduo). Existem 2 estágios no desenvolvimento da cultura renascentista: inicial e tardio. Entre as fases principais podemos distinguir aproximadamente a fase do “alto” Renascimento.

O início do Renascimento está associado ao nome e à obra de Dante Alighieri. A vida e obra de Dante Alighieri. Poesia de Dante Dante nasceu na segunda quinzena de maio de 1265 em Florença, principal centro cultural da Itália nos séculos XII-XIV. Sabe-se que os Alighieri possuíam casas e terrenos em Florença e arredores e eram pessoas de renda média. Aos 18 anos, Dante perdeu o pai e tornou-se o mais velho da família. Em 1283, matriculou-se na guilda dos farmacêuticos e médicos. Dante estudou em uma escola medieval, depois estudou francês e provençal. O jovem poeta estudou cuidadosamente os poetas antigos, principalmente Virgílio, a quem considerou seu “líder, mestre e professor” durante toda a vida.

O principal hobby do jovem Dante era a poesia. Começou a escrever poesia cedo e já no início dos anos 80 do século XIII. escreveu muitos poemas líricos, quase exclusivamente de conteúdo amoroso. Aos 18 anos, Dante passou por uma grande crise psicológica - seu amor por Beatrice, filha do florentino Folco Portinari, amigo de seu pai, que mais tarde se casou com o nobre Simone de Bardi e morreu em 1290 aos 25 anos. Dante descreveu a história de seu amor por Beatrice em uma pequena coleção” Vida nova“Após a morte de Beatriz, o poeta estudou intensamente teologia, filosofia e astronomia e tornou-se uma das pessoas mais eruditas de seu tempo. Dante participou ativamente vida politica Florença.

Na década de 90, fez parte dos conselhos municipais, desempenhou funções diplomáticas e, em junho de 1300, foi eleito membro do colégio de seis priores que governava Florença. Na luta entre os partidos Branco e Negro, Dante ficou do lado dos Brancos. Em novembro de 1301, o príncipe Charles de Valois realizou represálias contra apoiadores do partido Branco. Em janeiro de 1302, Dante foi condenado a uma multa elevada. Ele foi pessoalmente acusado de suborno. O poeta, temendo o pior, fugiu de Florença. Ele passou o resto de sua vida no exílio. Dante passou os últimos anos de sua vida em Ravenna com o príncipe Guido da Polenta, sobrinho de Francesca da Rimini, a quem elogiou. Aqui ele trabalhou em sua famosa "Divina Comédia".

Dante esperava um retorno honroso para casa, mas não viveu para ver isso. Ele morreu em 14 de setembro de 1321. em Ravena. Posteriormente, Florença fez tentativas controversas de recuperar as cinzas do grande exílio, mas Ravenna sempre recusou. atividade literária Dante começou como poeta literário. Em 1292 (aos 27 anos), Dante escreveu o primeiro Literatura da Europa Ocidental história autobiográfica""Nova Vida", em que incluiu trinta poemas dedicados a Beatriz. Dante não incluiu todos os seus poemas no livro, mas apenas aqueles que considerava mais relacionados com Beatriz. Como resultado de uma seleção tão subjetiva, um número dos excelentes poemas que ficaram fora do livro Os poemas estão organizados em ordem fonológica. "Uma Nova Vida" começa com uma história sobre o primeiro encontro do poeta de nove anos com sua colega Beatrice.

Mesmo assim, seu coração “estremeceu”. Nove anos depois, ocorreu o segundo encontro do poeta com Beatriz, o que causou grande excitação na alma de Dante. A garota curvou-se calorosamente para ele e isso encheu sua alma de felicidade. O poeta tem um sonho: o deus do amor carrega sua amada nos braços e dá-lhe um gostinho do coração do poeta. Amigos zombam de Dante e o declaram doente. Isso faz com que Dante esconda seu amor por Beatrice. Ele finge estar apaixonado por outra mulher. A pretensão revelou-se tão convincente que Beatrice deixa de se curvar diante dele.

O poeta está desesperado. Ao longo do livro, ele fala sobre o efeito enobrecedor de Beatrice sobre ele e as pessoas ao seu redor. A principal virada na “Nova Vida” é a morte de Beatrice. A história da morte de Beatrice é preparada pela história da morte de seu pai e pela dor de Beatrice. O poeta tem a premonição de que sua amada morrerá em breve. Ele tem um sonho em que é informado da morte de Beatrice. Ao acordar, um de seus amigos diz que Beatrice morreu. O desespero do poeta não tem limites. Seus poemas transmitem a profundidade e a sinceridade dos sentimentos:

O desânimo das lágrimas, a fúria da confusão

Me segue tão implacavelmente

Que cada olhar tem pena do meu destino.

Como será a vida para mim a partir desse momento?

Como a Madonna passou para outro mundo,

A linguagem humana não pode dizer.

Vários anos de melancolia desesperada se passam, o poeta conhece uma “senhora compassiva” e fica temporariamente apaixonado por ela. Mas ele logo se arrepende e decide se dedicar inteiramente ao canto de Beatriz. Ele quer acumular conhecimento para contar sobre sua amada algo que ainda não foi dito sobre nenhuma mulher.