Se alguém souber como criar imagem brilhante, uma combinação incomum de palavras ou cores, transmitindo expressivamente um pensamento, então suas obras são consideradas arte.

Ao mesmo tempo, imagens brilhantes e impressionantes podem ter cores diferentes: você pode descrever habilmente o sentimento de Amor, Ato nobre, mas você também pode descrever habilmente ações sujas, pensamentos lascivos ou, por exemplo, um sentimento de desesperança (decadentes ou simplesmente sofredores de “amor infeliz” muitas vezes pecam com este último). Acontece que a arte pode trazer o bem e o mal, pode ser criativa e destrutiva.

É por isso que a apreciação das obras de arte pelos críticos não significa nada, porque na maioria das vezes avaliam precisamente a habilidade, e não o significado e - especialmente não as consequências da influência deste trabalho na sociedade.
E essa influência é realmente grande. Por que? Vamos voltar às profundezas da arte e da psicologia.

A arte é multifacetada: possui a primeira série semântica, a segunda e as subsequentes séries semânticas, a atitude do autor em relação ao herói (que pode ser diferente e nem sempre é expressa abertamente, o que dificulta a compreensão da obra), meios-tons de sentimentos e tons de emoções... Por tudo isso, a riqueza semântica da arte As obras são muito grandes e complexas. E nós, ao ler um poema ou assistir a um filme, nem sempre processamos conscientemente todas as informações transmitidas por esta obra, e o que não entra no campo de visão da consciência vai direto para o subconsciente. Uma obra de arte contém um modelo de vida ou uma esfera separada dela (por exemplo, um modelo de relacionamento entre um homem e uma mulher).

Assim, devido ao seu imaginário e multicamadas, as obras de arte ficam impressas no subconsciente, onde a quintessência da obra e a visão do autor sobre a vida passam despercebidas por nós. A arte afeta não tanto a mente quanto a alma.

Não foi à toa que Yu. K. Olesha disse: “Um escritor é um engenheiro da alma humana”. V.V. Mayakovsky também escreveu corretamente: “A palavra é o comandante do poder humano”. A arte é uma forma figurativa de programar as ações humanas e, portanto, o futuro.
Colocando no subconsciente certos significados e imagens, a arte influencia o destino de cada pessoa, a forma como ela criará os filhos e os motivos de suas atividades, que afetarão seu trabalho e atividades de lazer. Ao moldar a visão de mundo de todos os estratos sociais, é possível controlar o comportamento das massas, controlar a situação da sociedade como um todo e estabelecer o vetor desenvolvimento adicional desta sociedade. Assim, a arte permite gerir propositadamente os processos sociais a longo prazo.

Aqui vale destacar a ação a longo prazo como uma das propriedades mais importantes, pois é um fator muito poderoso. Deixe-me dar um exemplo aproximado. Com a ajuda do bombardeio, você pode destruir uma cidade em uma semana, mas também reconstruí-la em um mês. Com a ajuda da arte destrutiva, você pode destruir a sociedade em dez anos, mas depois levará várias décadas para se recuperar e, a partir de certo ponto, as mudanças serão irreversíveis. Ou outro exemplo. Os incentivos monetários melhoram a qualidade do trabalho apenas durante o momento em que esse dinheiro é pago. A ideia “trabalho é alegria”, incorporada com a ajuda da arte, permitiu Hora soviética aumentar a motivação para trabalhar por décadas. Visto que uma obra de arte pode conter programas úteis e prejudiciais, ela pode tanto cultivar uma Pessoa altamente moral quanto corrompê-la.

A compreensão da natureza gerencial da cultura e da arte também está presente nos mais altos escalões do poder. Isto é confirmado pelos parágrafos 80, 81 da Estratégia de Segurança Nacional da Federação Russa, aprovada. Por Decreto Presidencial de 12 de maio de 2009:

“As principais ameaças à segurança nacional na esfera cultural são o domínio dos produtos culturais de massa centrados nas necessidades espirituais dos estratos marginalizados, bem como os ataques ilegais a bens culturais.

O impacto negativo sobre o estado da segurança nacional no domínio da cultura é reforçado pelas tentativas de rever as opiniões sobre a história da Rússia, o seu papel e lugar na história mundial, e a promoção de um modo de vida baseado na permissividade e na violência, racial , intolerância nacional e religiosa.”

Infelizmente, não só a cultura de massa, mas também a arte de elite (teatro, poesia) promovem as coisas acima mencionadas, bem como a depravação e a vulgaridade do pensamento.

Muitos autores, infelizmente, não pensam nisso e escrevem tudo o que lhes vem por “inspiração” (o uso de aspas será justificado a seguir). Ao mesmo tempo, muitos provavelmente notaram que cada um recebe o seu, algo que se adapta ao seu espírito. Por que isso está acontecendo?

O fato é que a obra reflete a visão de mundo e moralidade do autor, sua visão de mundo, suas atitudes comportamentais e paradigmas de pensamento. Além disso, tudo isso penetra na obra como que por si só, na maioria das vezes despercebido pelo autor, porque, novamente, vem de seu subconsciente. (É por isso que, aliás, suas obras podem ser utilizadas para autoanálise, pois mostram a cada um seus próprios problemas internos. Muitas vezes o resultado da criatividade surpreende o próprio autor, já que os processos de criação de uma obra no subconsciente vida comum não são rastreados. A criatividade é como uma mensagem para você mesmo.)

Alguns autores abdicam da responsabilidade citando “inspiração”, e alguns até afirmam que suas histórias e imagens vêm de Deus. Então, por que as aspas são usadas ao falar sobre inspiração neste artigo?

A palavra “inspiração” significa que Deus soprou sua ideia no autor. Pela inspiração vêm as obras mais puras e verdadeiras que estão de acordo com o propósito de Deus. E olhando para muitas das obras que chamam sua atenção, você entende que elas claramente não vieram de Deus para o autor. Além de Deus, existe um inconsciente coletivo, sobre o qual Jung e muitas outras fontes de informação escreveram. Uma obra de arte pode nascer na cabeça do autor sob a influência de determinados grupos de pessoas, de movimentos filosóficos, da cultura envolvente ou mesmo de acontecimentos do quotidiano. No final das contas, a influência de seu ambiente e cultura sobre o autor não foi cancelada. E “inspiração” nesses casos é apenas uma palavra bonita que pode ser facilmente substituída por “impressão” ou “obsessão”.

Isso significa que todas as obras criadas devem ser analisadas do ponto de vista moral, e só então decidir se devem ser mostradas ao povo ou se é melhor não fazê-lo, para não transmitir aos outros os seus equívocos. Você pode escrever tudo o que vier, mas publicar não é tudo. Esta é uma mensagem para os autores. Mas igualmente, um apelo aos detentores do poder que selecionam obras para eventos culturais, produções, coleções publicadas com recursos públicos.

Para Raikin, como exemplo de atitude errada em relação à arte (detalhes no link)

No final do século XX - início do século XXI, tornou-se moda pensar que a arte deveria ser livre, que nenhum padrão ou estrutura deveria ser imposta a ela, e que mesmo a arte “suja” é necessária, porque reflete a realidade, que também pode ser altamente artístico e requisitado, e isso é supostamente normal. Às vezes há opiniões de que o bem e o mal são geralmente conceitos relativos, de modo que a arte não pode ser avaliada a partir dessas posições. É assim?

Vamos começar com o principal. Para os indivíduos, o bem e o mal são verdadeiramente relativos, pois o que é bom para um pode ser mau para outro. Mas se olharmos para a escala de toda a humanidade, veremos padrões gerais e compreenderemos que existem processos que podem ser identificados como claramente benéficos ou prejudiciais para a sociedade como um todo. Existem valores comuns a todas as religiões, a todos os sistemas jurídicos, antigos e modernos. Por exemplo, o assassinato e o estupro foram sempre proibidos, e as sociedades onde isso era permitido, mais cedo ou mais tarde, tornaram-se obsoletas. Todas as pessoas normais desejam amor, harmonia, saúde, vida tranquila. A Voz da Consciência (se não for suprimida) diz a mesma coisa a todos. Pessoas que têm senso de justiça e sabem ver os padrões gerais do mundo entendem que existe o bem objetivo e o mal objetivo. Essas pessoas sentem intuitivamente que existem valores comuns pelos quais a alma de qualquer pessoa se esforça e sem os quais a felicidade é impossível. São esses valores que devem ser o critério de avaliação de qualquer atividade.

Visto que a arte é, como descobrimos acima, um meio de gestão, então, no interesse da sociedade e do Estado, ela deve ser criativa. Tal arte é capaz de formar pessoas capazes e dispostas a viver humanamente, que se esforçam para tornar o mundo um lugar melhor, para criar, para construir relacionamentos saudáveis, para liderar imagem saudável vida.

E se a arte cria um sentimento de desesperança, carrega atitudes prejudiciais à sociedade (egoísmo, niilismo, culto ao sexo, violência, etc.), então ela é destrutiva e não trará nada de bom, por mais habilidosa e altamente artística que seja. ser.

Alguém dirá: bom, precisamos expor os vícios, exibir lados sombrios realidade! Pois bem, aqui é preciso distinguir: o autor da obra faz uma avaliação negativa dos vícios, dá uma alternativa a eles? Ou ele simplesmente aprecia os vícios humanos, descrevendo-os de forma vívida e figurativa, tornando-os, em essência, mais populares ou mesmo atraentes?

“Todas as tentativas pseudo-inovadoras de prescindir da tensão ética, sem compreender onde está em cima, onde está em baixo, onde está o bem, onde está o mal, estão fadadas ao fracasso e ao esquecimento, pois o trabalho do artista é extrair um significado claro do caos de vida com vontade de fazer o bem, e não adicionar caos ao caos da vida com sua própria alma." (Fazil Iskander)

Gostaria também de recordar as palavras de M.V. Lomonosov: “Não custa muito notar erros: dar algo melhor é o que convém a uma pessoa digna”.

Criações que “refletem a dura realidade”, em que a atitude negativa do autor em relação aos vícios não é sentida e nenhuma alternativa é dada, estragam o gosto do leitor e corrompem as mentes. Eles trabalham contra a sociedade e o Estado.

Considerando que a arte é uma ferramenta poderosa para influenciar a psique, o verdadeiro objetivo digno da criatividade deveria ser a melhoria do mundo e a disseminação de elevados ideais universais.

Assim, apenas aqueles autores e apenas aquelas obras de arte que carregam alta moralidade, divulgam ideias de justiça, estimulam a criatividade, e se levantam algum problema ou tocam no tema do vício, então o fazem de tal forma que o espectador (leitor ) cria-se uma compreensão clara do que não fazer e do que consequências trágicas isso pode levar a. É aconselhável dar dicas sobre formas de resolver o problema levantado ou oferecer uma alternativa.

Elena Smolitskaia

Alexandre Alexandrovich Vlaskin

Motivos políticos arte

A criatividade artística e a auto-expressão, bem como as actividades dos políticos, têm grande influência na sociedade. Muito se tem dito e escrito sobre a estreita ligação entre arte e política; esta ligação foi reforçada nos tempos antigos, quando escultores e artistas formavam imagens heróicas de governantes e refletiam as suas façanhas e vitórias. Arte posterior começou não apenas a elogiar, mas também a denunciar e difamar certas figuras ou ideologias. Quais são os motivos políticos da arte e daqueles que a criam?

Os políticos fazem história, permanecem nela, assim como artistas e escritores se esforçam para permanecer nela... Os autores não apenas refletem o mundo para a posteridade, mas também contribuem para a formação da modernidade, avaliam e oferecem sua visão. Ao mesmo tempo, ambos os processos podem ser politicamente tendenciosos, porque o que desperta o interesse do público é benéfico para aqueles que querem ganhar o poder.

A cultura de massa, o progresso no campo da transmissão de informação, o surgimento de meios de comunicação globais, bem como o domínio do modelo de consciência do clipe - tudo isso afetou significativamente a arte e a política. Na verdade, para o homem modernoÉ difícil esconder-se da propaganda e das propostas de opiniões diferentes, e a arte pode transformar algumas ideologias numa forma popular e elegante.

A própria arte contemporânea faz parte do paradigma estético e ético; materializa o espírito da época em certas obras e, portanto, não fica alheia às questões atuais.

Arte Moderna se esforça para moldar a moda; a moda influencia o estilo de vida e a visão de mundo da sociedade de consumo. O autor, por sua vez, pode se engajar em rotulagens artísticas, demonizar alguns e exaltar outros, e parte do público adota seus pontos de vista sem sequer se interessar pela política como tal. Visto que a arte contemporânea é muitas vezes um protesto, uma rebelião do autor, uma resposta às normas estabelecidas, estereótipos, um teste de moralidade pública, a oposição política também é característica dela. Os trabalhadores da arte moderna em diferentes períodos da história foram cantores e artistas de revoluções, mesmo que alguns mais tarde tenham compreendido a tragédia de tal caminho. No entanto, hoje na Rússia a arte contemporânea é parcialmente utilizada como ferramenta política.

Intervenção da arte contemporânea e da Rússia pós-soviética

Mayakovsky, que na sua época foi um autor provocador e progressista, falou sobre “um tapa na cara do gosto público”. No final do século XX, as bofetadas transformaram-se numa série de golpes, numa espécie de competição de provocação.

O período da perestroika, e posteriormente a década de 90, é caracterizado pelo facto de vários autores escandalosos terem recebido uma espécie de “passe todo-o-terreno” para todas as esferas da sociedade. A competição pela permissividade resultou em dezenas de exposições, eventos e performances, onde o padrão moral foi rebaixado e os fundamentos e valores tradicionais e conservadores foram atacados.

O acontecimento significativo de que fala Vladimir Salnikov tornou-se muito característico: “A própria arte dos anos 90 nasceu em 18 de abril de 1991, quando na Praça Vermelha o grupo “Estes” de Anatoly Osmolovsky expôs com seus corpos a palavra de suas três letras. ”

Um dos símbolos do fortalecimento e difusão de novas abordagens foi o nu Oleg Kulik, retratando um cachorro. O pano de fundo deste ato, que recebeu reconhecimento mundial, também é indicativo - o artista “virou cachorro” por causa da fome. Ele simplesmente deu aos críticos o que eles apresentaram com sucesso sociedade ocidental, mas isso continua selvagem para a Rússia.

Apesar do facto de a maior parte dos cidadãos ainda aderir a pontos de vista conservadores e estar longe de estudar as subtilezas da história da arte, formou-se uma grande e vibrante comunidade de informais na moribunda União Soviética. Do ambiente informal surgiram dezenas de artistas, poetas e músicos que, durante o período de permissividade e incentivo para ir além das fronteiras morais, receberam oportunidades ilimitadas para experiências criativas.

A nova arte, que recebeu uma espécie de carta branca e apoio de prêmios, não poderia reformatar a consciência da geração mais velha, mas poderia ter uma influência muito séria sobre os jovens, especialmente na ausência de programas governamentais nesta área.

Como produtos brilhantes, mas artificiais e muitas vezes nocivos, na esteira da perestroika, exemplos de arte ocidental, que antes não eram difundidos, mas passaram a ser chamados de avançados e progressistas, também inundaram nosso país. Aqui há abstração, um desejo de suplantar o realismo, e experiências existenciais, e depressão, e negação dos cânones, e experimentos com o corpo em vez de explorar a alma. E tal produto foi cultivado, assim como a goma de mascar ou o álcool foram cultivados.

No entanto, existem dezenas de exemplos de obras e autores que não tiveram uma influência destrutiva na sociedade, mas os precedentes individuais podem ser considerados servindo a interesses políticos pró-ocidentais. Por exemplo, a figura do estrategista político profissional Marat Gelman, que se tornou maestro da arte moderna. Ele participou ativamente vida politica país nos anos 90 e início dos anos 2000, mas depois de uma série de escândalos, quando suas exposições foram chamadas de ofensivas e atropeladoras dos alicerces da sociedade russa, ele anunciou a redução do mercado de arte contemporânea na Federação Russa, e mais tarde mudou-se para Montenegro, criticando ativamente as políticas de Vladimir Putin.

Alexander Brener também se autodenomina um ativista político. Ele ganhou fama aparecendo nu em certos lugares, explicando isso com vários subtextos. Uma de suas ações mais memoráveis ​​foi um show no Campo de Execução, na Praça Vermelha, usando luvas de boxe e desafiando o então presidente Boris Yeltsin para uma luta. É verdade que, neste caso, Brener ainda usava shorts.

Nos processos de promoção da criatividade nova e obscura, ganham destaque os gestores de arte e galeristas, que podem contribuir para o desenvolvimento e a prosperidade do autor. Direcionam as solicitações às suas atividades e, se necessário, introduzem um componente político na encomenda ou seleção das obras.

PARA início do XXI século, desenvolveu-se na Rússia uma comunidade que se dedicava não tanto à arte no sentido clássico, mas a experimentos de natureza provocativa. Isso se aplica às artes plásticas, ao cinema e ao teatro. A arte depressiva que rejeitava a autoridade e desprezava os cânones clássicos começou a ser elevada à norma. Aqui também lembramos “Norma”, de Vladimir Sorokin, um escritor cult que ganhou popularidade apenas na virada do século. Não foi à toa que sua prosa foi chamada de “excremental”, pois se dava muita atenção aos excrementos.

Características de posicionamento da arte contemporânea

É claro que nem todos os autores e galeristas perseguem objetivos políticos e aumentam a sua popularidade através de provocações. Por exemplo, o famoso galerista Sergei Popov falou sobre o corte de ícones e outras zombarias nas exposições: “Reagi de forma extremamente negativa à exposição “Cuidado com a Religião” - foi uma provocação em forma pura. E deu origem a uma reacção muito negativa do público conservador à arte contemporânea; ainda estamos a colher os frutos de tais acções idiotas. A arte só pode ser apresentada como uma provocação em países onde estão preparados para isso. Mas os artistas não têm o direito de abater porcos e mostrar imagens de mulheres nuas em países onde a lei Sharia se aplica - as suas cabeças serão cortadas por isso. Mas na Rússia não se pode fazer provocações sobre temas religiosos e ignorar o contexto do país”.

Assim, a provocação não é pré-requisito para a arte contemporânea. Esta é em grande parte uma escolha, e uma escolha consciente e motivada. Aqueles que fizeram esta escolha muitas vezes tornam-se participantes não só de processos artísticos, mas também políticos, um instrumento nas mãos de estrategistas políticos.

O acionismo tornou-se uma característica importante do período pós-soviético. Um dos principais artistas, Anatoly Osmolovsky, descreveu esse fenômeno da seguinte forma: “Em uma sociedade que não é sensível à arte, o artista tem que bater na cabeça dele com um microscópio, em vez de observar nele algumas bactérias benéficas. A sociedade na Rússia não é sensível à arte, por isso os nossos artistas, desde os anos 90, têm praticado envolvimento direto na própria sociedade - estas são ações, intervenções.”

O Actionismo, sendo uma saída dos espaços artísticos habituais, também está próximo da política, e uma série de ações carregam conotações políticas. Esse tipo de atividade também atrai a mídia, que divulga ativamente ações brilhantes e provocativas. Com o desenvolvimento da Internet, os eventos virais e de clipes estão se tornando um produto popular que atinge um grande público. Este é o benefício indubitável de usar a arte moderna para promover a ideologia desejada.

Os jornalistas trouxeram o accionismo, que muitas vezes se enquadra no artigo do Código Penal da Federação Russa sobre vandalismo, para novo nível popularidade. É estranho por si só que a ação do grupo Voina de capotar um carro da polícia tenha sido geralmente chamada de ato artístico. Mas este grupo também recebeu um prémio de prestígio em 2011 prêmio estadual“Kandinsky”, instituído pelo Ministério da Cultura para a ação de desenhar um pênis na ponte levadiça em frente ao prédio do FSB em São Petersburgo.

Os atuais “encrenqueiros” que implementam uma mensagem ideologicamente destrutiva - o artista Pavlensky, Pussy Riot, Blue Rider, antigo grupo artístico Voina - todos eles se formaram justamente sob a influência do estilo dos anos 90, o incentivo à permissividade, que tornado sinônimo de liberdade. E exemplos semelhantes pode ser chamada de uma das armas da guerra de informação. Assim como no final dos anos 80, o rock and roll tornou-se uma arma contra o comunismo e o sovietismo. É verdade que, diferentemente dos hinos do rock, as ações que envolvem desenhar enormes falos ou envolvê-los em arame farpado não recebem tantos fãs.

As conotações políticas de Brener ou as provocações de Ter-Oganyan, que cortou ícones com um machado, foram substituídas por uma orgia do grupo artístico “Guerra” no museu, dançando no templo, mas a essência permaneceu a mesma - o o autor recebe fama (embora escandalosa) e citações, e um possível cliente ou patrono – uma metáfora política acessível às massas, que pode ser ativamente utilizada no futuro.

Segundo o artista Nikas Safronov, hoje no mundo cerca de cem pessoas decidem a política de toda arte, e não importa se você sabe desenhar ou não. Se você tem carisma, se faz as pessoas falarem de você, isso já pode fazer parte da arte.

O choque entre provocadores e conservadorismo

Na verdade, como disseram muitos especialistas, inclusive A. Konchalovsky em sua famosa palestra sobre arte contemporânea, o objetivo de provocar muitas vezes substitui a habilidade artística, como pode ser visto nos carros-chefe do gênero.

Com o fortalecimento dos sentimentos conservadores, com o fortalecimento do patriotismo civil e do Estado em geral, as ações livres dos artistas provocadores começaram a receber cada vez mais críticas.

No início do novo século, a moda pós-modernista havia se fortalecido no teatro, na literatura e nas artes plásticas, mas o rumo conservador escolhido pelo Estado levou a um choque de interesses e preferências no ambiente artístico. Alguns procuraram mostrar algo que exigia explicação adicional, algo que repetia em grande parte a tradição ocidental de dez, vinte ou trinta anos atrás. Mas os princípios da terapia de choque na arte, que foram popularizados ao mesmo tempo que a terapia de choque era aplicada na economia a todo o país, não cativaram a maioria dos cidadãos. Chocante, arrogante, obscuro, desafiador, às vezes agressivo e depressivo - tudo isso permaneceu estranho. Percebendo isso, os promotores dessa arte passaram a insistir no elitismo de seu produto, no fato de ser apenas para a elite, instruída e altamente desenvolvida. Essa divisão tornou-se um dos fatores do conflito. Essa característica já se manifestou mais de uma vez na história da Rússia, mas nem todos tiram conclusões. As pessoas chamam de gado, massas cinzentas, jaquetas acolchoadas e assim por diante. A comunidade ortodoxa, que tem sido rotulada como “obscurantista”, recebe epítetos especiais. Com esta abordagem, um pequeno grupo isola-se e também elimina a possibilidade de espalhar popularidade a camadas mais amplas, chamando o seu produto de “arte não para as massas”. Tomemos, por exemplo, a peça “Boris Godunov” de Bogomolov, onde no palco do teatro acadêmico a situação de poder é retratada com um toque de modernidade, e nas telonas são mostrados os créditos “As pessoas são caipiras estúpidos”. de vez em quando.

Seguir tradições e fundamentos para uma parte da sociedade é retratado como algo vergonhoso e atrasado, e esta é uma das tarefas importantes da ideologia liberal russa. A imagem de um “padre ladrão” aparece em filmes (“Leviatã”), em canções (Vasya Oblomov “Multi-Move”) e no palco (“Boris Godunov”). Tudo isso parece trabalhar em uma tendência e a mais Meios eficazes Contra isto parece estar a criação de um produto artístico alternativo de apelo de massa. Excelentes exemplos nesta área são o filme “A Ilha”, o livro “Unholy Saints”, etc.

Talvez os conflitos mais ressonantes entre provocação e conservadorismo tenham sido a situação recente com a ópera Tannhäuser, bem como os escândalos em torno da exposição “Arte Proibida” em 2006. Aqui já podemos falar do choque de conceitos políticos, do liberalismo e do ocidentalismo contra a conservação, quando há um impacto destrutivo deliberado sobre objetos e objetos de culto religioso.

A Igreja e a Ortodoxia em geral tornam-se um dos alvos da provocação artística, o que pode ser considerado uma forma de influenciar os arquétipos nacionais. Estas são as famosas catedrais de enemas azuis, recortes de ícones e assim por diante.

É verdade que a arte contemporânea pode influenciar a política de uma forma mais direta. A mesma peça “Boris Godunov” é uma caricatura do atual governo com imagens do presidente e do patriarca. Há também produções no “independente” Theatre.doc, onde apareceram as peças “Berlusputin”, “Caso Bolotnaya”, “ATO”, e agora estão preparando uma peça sobre o diretor ucraniano Sentsov, condenado por preparar atos terroristas na Crimeia . Aqui se defende o direito de xingar no palco, o que se denomina dispositivo artístico integral.

Ao mesmo tempo, quando este teatro começou a ter problemas com as instalações, tanto figuras famosas da cultura russa como ocidentais o defenderam ativamente. Incluir estrelas culturais estrangeiras na agenda política é uma técnica popular. Eles defenderam Tannhäuser e o mesmo Sentsov. Vale lembrar Madonna, que foi a um dos shows com a inscrição “Russy Riot” nas costas, embora não soubesse realmente nada sobre esse grupo. Tais exemplos demonstram a unidade dos objetivos políticos e das linhas gerais, que diretores, atores e artistas estão dispostos a servir.

Também é interessante observar a penetração da arte contemporânea politizada nas regiões. Os liberais têm tradicionalmente tido baixa popularidade nas províncias e através da arte é possível transmitir aqueles pontos que são difíceis de perceber na boca dos políticos visitantes. A experiência de Perm com a introdução massiva de arte moderna e obscura na região dos Urais não provou ser da melhor maneira possível. A apoteose da participação da política nesse processo foi a exposição de Vasily Slonov, que retratou os símbolos das Olimpíadas de Sochi de uma forma nojenta e assustadora. Mas apresentações teatrais mais compreensível, com a ajuda deles é mais fácil transmitir a visão de mundo. É por isso que o Theatre.doc viaja com prazer, é por isso que tentaram encenar a peça escandalosa “The Bath Attendant” em Pskov, é por isso que “The Orthodox Hedgehog” aparece em Tomsk.

Várias figuras culturais juntaram-se às colunas de manifestantes e participantes dos protestos. Isto em si não é novo, uma vez que sempre houve muitos rebeldes na arte, mas a actual situação russa é desprovida de qualquer revolucionismo romântico, é antes um jogo monótono de dissidência, ao qual Ulitskaya, Makarevich, Akhedzhakova, Efremov, em parte Grebenshchikov e outros se juntaram a pessoas talentosas, em sua maioria em idade de aposentadoria. Os representantes da velha intelectualidade, que ainda se lembram da política da cozinha e do samizdat, ficam felizes em vê-los, mas os jovens de alguma forma não ficam impressionados com esses “líderes da opinião pública”. Entre as jovens figuras da oposição, além de Tolokonnikova e Alyokhina, que são percebidas de forma ambígua até pela oposição, podemos destacar os músicos Vasya Oblomov e Noize MC, que, no entanto, não são tão radicais.

Guardiões na arte contemporânea

Junto com as forças liberais, que veem na arte moderna pró-ocidental e pós-moderna o seu ambiente vivificante, bem como a oportunidade de difundir uma ideologia próxima de si, começaram a aparecer cada vez mais autores, bem como sindicatos criativos, que, utilizando o estilo vanguardista, a pop art, defendem os valores já patrióticos.

Os movimentos artísticos da moda podem e devem ser um meio de autoexpressão e de transmissão das teses necessárias para os guardiões, para aqueles que precisam de uma Rússia independente que honre os valores tradicionais.

Exemplos de proteção política na arte podem ser vistos não apenas em salões e galerias, mas também nas ruas das nossas cidades. Muitas exposições de artistas que apoiam as políticas do Kremlin, bem como performances temáticas, são realizadas sob ar livre, atraindo centenas de espectadores e jornalistas.

Separadamente, pode-se notar cultura de rua– arte de rua, cuja manifestação popular é o graffiti. Em Moscou e em várias outras cidades, começaram a aparecer cada vez mais grafites patrióticos, e em grande escala, cobrindo centenas de metros quadrados de superfície.

Há também artistas que se inspiram em temas patrióticos e em imagens dos líderes do país. Assim, uma descoberta nesta área há vários anos foi o artista de São Petersburgo Alexei Sergienko, que ficou famoso por uma série de retratos de Vladimir Putin. Ele então criou uma série de pinturas no estilo de Andy Warhol, mas apenas com símbolos russos icônicos, bem como uma coleção de roupas “patrióticas”, decoradas com bonecos de nidificação e outros elementos clássicos da cultura russa.

Na música e na literatura, uma certa camada patriótica se formou em torno do tema Donbass. Estes são Zakhar Prilepin, que anteriormente foi considerado um oposicionista e colaborou com o NBP, e Sergei Shargunov, e o grupo mais popular“25/17” com letras sinceras e vários outros autores famosos. Estas pessoas e grupos, cada um dos quais com milhares ou dezenas de milhares de fãs, constituem um sério contrapeso à ala liberal das figuras criativas.

Associações inteiras também estão atraindo a atenção. Assim, a fundação Art Without Borders causou enorme ressonância com a exposição “At the Bottom”, que coletou exemplos de cenas imorais e às vezes ofensivas no mundo moderno. Teatro russo. Ao mesmo tempo, notou-se que foram recebidos fundos orçamentais para uma série de produções escandalosas. Este acontecimento causou uma tempestade de indignação em parte da comunidade teatral.

A própria fundação, no entanto, também é conhecida por exposições de arte nas quais jovens autores demonstram trabalhos sobre temas políticos atuais no estilo da pop art.

Houve também apresentações teatrais com espírito patriótico. Pode-se lembrar a tentativa do teatro Vladimir de transferir a história da “Jovem Guarda” para a Ucrânia moderna - esta performance recebeu muitas críticas iradas dos críticos.

Há também o projeto “SUP”, que se destacou não só pelas leituras sobre o tema do conflito ucraniano, mas também por uma pequena performance política sobre sonhos de revoluções e experiência histórica que nega essas mesmas revoluções.

Neste início de temporada (política e criativa), devemos esperar um reforço do vínculo protetor, fortalecimento e maior diversidade artística. No mínimo, a perspectiva de atrair público depende da qualidade do produto artístico, da sua originalidade e eficácia, e esta é, de facto, uma luta da intelectualidade, de quem pode ser líder da opinião pública. E a reflexão de opiniões e crenças nos palcos e salas não é menos importante do que as apresentações de rua.

Sobre a situação atual no campo da arte contemporânea

Na temporada 2015-2016, a parte liberal da comunidade artística continuou a falar em “apertar os parafusos” e aumentar a pressão governamental. O escândalo com o prêmio “ Máscara dourada”, que eles decidiram reformatar. O conselho de especialistas existente entre os “nossos” foi alterado, o que indignou muitos críticos e diretores. Kirill Serebrennikov e Konstantin Bogomolov até se recusaram a participar dos próximos eventos. Mas os especialistas simplesmente tornaram-se diferentes, com opiniões e pontos de vista diferentes, e não pessoas do mesmo campo. Mas mesmo isso indignou os liberais, que viam política nesta mudança. Acontece que os chamados “criadores livres” são intolerantes às críticas, e o prêmio de teatro de maior prestígio foi usurpado para introduzir no teatro nacional seus próprios cânones e princípios, que estão longe de ser clássicos e acadêmicos. Os autores dos escândalos do palco principal tornaram-se vencedores deste prêmio. A “Máscara de Ouro”, por sua vez, desempenhou o papel de uma espécie de proteção: “Bom, não dá para repreendê-lo, ele é o laureado da “máscara”.

Os artistas contemporâneos procuram apresentar-se como especiais e marcantes, ao mesmo tempo que ditam as suas próprias opiniões e prestam atenção à política. Os motivos políticos só podem intensificar-se em Próximo ano, que coincide com as eleições parlamentares e, consequentemente, com um aumento da atividade política. Graças à Internet, vários autores e críticos terão acesso a públicos amplos, e obras brilhantes e originais terão como objetivo a divulgação das ideologias necessárias. Mesmo as manifestações não podem ser excluídas nova onda accionismo político.

Naturalmente, é difícil e irracional suprimir tal onda com proibições e restrições. Mas a prática de respostas simétricas parece bastante viável – algo que já foi testado com sucesso na política externa. Ou seja, no mundo da arte esta será uma resposta de criatividade à criatividade, de criatividade à criatividade, uma batalha pelo público, apesar de a maioria da população ainda estar inclinada a valores conservadores e tradicionais, não procurar caminhos para compreender o abstrato, não está disposto a substituir seu gosto pelas “tapas” dos artistas. Naturalmente, esta afirmação não se aplica a provocações e violações diretas da lei, para as quais existem mecanismos confiáveis ​​completamente diferentes.

Diapositivo 2

• A arte, como manifestação dos poderes livres e criativos do homem, a fuga de sua imaginação e espírito, era frequentemente usada para fortalecer o poder. tempos diferentes criou imagens majestosas idealizadas de governantes e líderes.
• Agosto da Prima Porto. Estátua romana
• Paleta Narmer. Antigo Egito

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É difícil discordar de N. Berdyaev quando afirma: “A arte deve ser gratuita. Este é um axioma muito elementar, por isso não há necessidade de quebrar cópias. A autonomia da arte é afirmada para sempre. A criatividade artística não deve estar sujeita a normas externas, morais, sociais ou religiosas... Artes gratuitas cresce nas profundezas espirituais de uma pessoa, como um fruto grátis. E só a arte em que esta profundidade é sentida é profunda e valiosa.”

Analisando as especificidades da arte do século XX, descobrimos que se iniciou o processo de formação de um novo estilo, integrando as características do desenvolvimento da consciência científica, da tecnologia e de outros aspectos da cultura. A atitude em relação à arte começou a mudar como algo que apenas enfeita a vida, torna-se igual em direitos à ciência, compreendendo os mesmos problemas da existência, mas por outros meios: com a ajuda; imagem artística, adequado à nova realidade. Este processo foi típico da arte europeia e russa.

No entanto, estes processos foram significativamente deformados pelas transformações radicais que ocorreram nas esferas socioeconómicas e políticas da vida humana.

Compreender a natureza livre da arte sempre foi característica do artista, mas ainda é difícil ficar longe problemas atuais durante períodos de mudanças revolucionárias na sociedade.

Assim, K. Malevich, como muitos outros artistas da Rússia revolucionária, esteve inicialmente ativamente envolvido em atividades sociais para a renovação cultural. No entanto, ele logo observa: “Para meu grande desgosto, a maioria dos jovens artistas acredita que o espírito de renovação na arte está subordinado a novas ideias políticas e à melhoria das condições sociais de vida, graças às quais eles se transformam em executores da vontade dos governantes, deixando de para renovar a beleza em si”, escreveu ele. “Eles esquecem que o valor da arte não pode ser reduzido a uma ideia, seja ela qual for, e que todas as artes há muito se tornaram valores internacionais...”

Prestemos, no entanto, atenção ao facto de que nos Estados totalitários é dada especial atenção à arte. Vamos pensar nas razões desse fenômeno.

Como é sabido, Característica principal o totalitarismo é a unidade de todas as esferas da vida social. O seu denominador comum é a ideologia: na Itália e na Alemanha - fascista, na URSS - marxista-leninista, na China - maoísta, etc.

Nestas condições, a arte é considerada o meio mais importante de influência ideológica sobre os cidadãos do país, a formação de um modo de vida especial que corresponde a orientações ideológicas.

A arte contemporânea, tornando-se massiva, tendo recebido novos meios técnicos de distribuição, pode influenciar muito mais eficazmente do que a propaganda direta, influenciando não só a lógica, mas também os sentimentos das pessoas.

O governo totalitário presta especial atenção às áreas de maior prestígio. A concentração de alavancas e oportunidades econômicas nas mãos do Estado permitiu dar apoio material à exploração espacial, ao desenvolvimento da ópera, do balé e dos esportes, e ocupar posições de liderança no mundo nessas áreas. Na verdade, uma magnífica escola de ópera e balé Teatro Bolshoi, os brilhantes concertos dos Moiseevites, a escola performática do Conservatório de Moscou, sempre encantaram numerosos fãs desses gêneros em muitos países ao redor do mundo.

As próprias figuras culturais são involuntariamente atraídas para o processo de ideologização da sociedade. E mesmo que o artista não declare a sua posição política, inevitavelmente se vê envolvido num grande jogo político. Este jogo de poder totalitário com pessoas de arte tem algumas regularidades: o poder usa primeiro os mais dotados deles, os seus potencial criativo e um impulso revolucionário para fins de propaganda, e depois isola da sociedade.

Aqui estão alguns exemplos típicos. Em 1917, K. Malevich foi eleito presidente do departamento de arte do Conselho de Deputados dos Soldados de Moscou, então membro da comissão de segurança valores artísticos arte e comissário para a proteção de valores do Kremlin. Em 1924 criou e dirigiu o Instituto Estadual cultura artística. Mas já em 1926 ele foi afastado do cargo e depois de algum tempo o instituto foi totalmente liquidado. Em 1932, as suas obras foram incluídas na exposição “Arte da Era do Imperialismo” no Museu Russo; em 1935, a última exposição das suas obras (até 1962) teve lugar na União Soviética; Mas a primeira exposição representativa foi realizada em Moscou apenas em 1988.

Na Alemanha, os líderes da União Nacional Socialista dos Estudantes, falando em 1933 em salão de montagem Universidade de Berlim, declararam-se defensores do expressionismo - arte “original alemã”. Até 1936, a Galeria Nacional de Berlim exibiu obras de Barlach, Nolde, Franz Marc, Kandinsky e Klee. Logo, porém, tais exposições foram proibidas ou fechadas pela Gestapo no dia da inauguração. Em 1933, o Ministro da Propaganda Goebbels enviou a Edvard Munch, o “Grande Mestre Alemão”, um telegrama entusiasmado em homenagem ao seu 70º aniversário, e logo ordenou a prisão de suas pinturas.

Em 19 de julho de 1937, às vésperas da abertura da exposição “A Arte da Degeneração”, Hitler fez um discurso cheio de ódio em Munique: “De agora em diante travaremos uma guerra impiedosa de limpeza contra os elementos restantes que são destruindo a nossa cultura... Que estas figuras culturais pré-históricas regressem ao nível da Idade da Pedra e dos gagos da arte às cavernas dos seus antepassados, para ali acrescentarem os seus rabiscos cosmopolitas primitivos.”

O totalitarismo não tolera a diversidade e, portanto, cria seu próprio padrão artístico, que é oficial, como o realismo socialista na URSS. Tudo o que não o cumprisse foi banido. E a proibição é terrível não só porque não permite ver os resultados da criatividade, mas também porque inicialmente deforma a consciência do artista, direcionando seu talento em uma determinada direção.

Um dos contos de Ray Bradbury contém um sábio aviso à humanidade. Um viajante do tempo descuidado esmagou apenas uma borboleta insignificante e imperceptível com sua bota forjada. Voltando ao presente, ele descobre que isso levou a uma mudança no regime governamental.

A cada busca interrompida, a humanidade empobrece sua vida espiritual.

Numa sociedade totalitária, a arte era dada até significado mágico, porque se acreditava que em um livro, filme, etc. certamente deve haver um herói bonito, inteligente e patriótico, porque, ao conhecê-lo, as pessoas também ficarão assim. Mas a essência da arte não se esgota no seu conteúdo de classe social, não lhe importa se é um artista proletário ou um burguês, mas o que importa é se ele é talentoso ou não, não importa qual seja o a profissão de seu herói é - ele é um bobo da corte, um rei ou um camponês, mas o que importa é como exatamente a obra é interpretada temas eternos Bem e Mal, Amor, Verdade, Beleza...

A principal condição para a criatividade é a liberdade. Mas “o totalitarismo destruiu a liberdade de pensamento num grau inimaginável em qualquer época anterior”, escreveu J. Orwell. - ...A questão que é importante para nós é esta: a literatura pode sobreviver em tal sociedade? Parece-me que a resposta será curta: não, não pode. Se o totalitarismo vencer à escala global, então a literatura morrerá... E na prática, o totalitarismo parece já ter alcançado os seguintes resultados: a literatura italiana está em profundo declínio e na Alemanha quase deixou de existir. A queima de livros é o aspecto mais revelador das atividades dos nazistas, e mesmo na Rússia o florescimento da literatura que antes era esperado não ocorreu, a maioria dos escritores russos talentosos cometeu suicídio ou desapareceu nas prisões.”

Proibição da inovação, aprovação da estética fotográfica do “realismo socialista”, “retorno ao classicismo”, proclamação da “superioridade” Arte soviética sobre as artes de todos os países e de todos os tempos passados” transformou-se num verdadeiro drama da cultura russa.

Dezenas de figuras culturais partiram e, durante muitos anos, seus nomes foram apagados da cultura da Rússia (V. Kandinsky, por exemplo, foi classificado como expressionismo alemão nas publicações soviéticas), S. Yesenin, Vl. Piast, M. Tsvetaeva suicidou-se, P. Filonov, reduzido à pobreza extrema, morreu nos primeiros dias Bloqueio de Leningrado, N. Gumilyov, B. Pilnyak, B. Yasensky e muitos outros foram baleados, I. Babel, O. Mandelstam,

V. Meyerhold e muitos outros morreram em prisões e campos. Vl. Mayakovsky e A. Fadeev se mataram, percebendo o horror das consequências de colocar seu talento a serviço do partido. Outros, como B. Pasternak e A. Akhmatova, foram forçados a permanecer em silêncio durante décadas. B. Pasternak, que recebeu o Prêmio Nobel, não pôde aceitar.

De outro estado totalitário - Alemanha fascista- Outro laureado, o jornalista alemão Karl Ossietzky, um opositor declarado do nacional-socialismo, não pôde partir em 1935. Os jornais nazistas escreveram então: “A atribuição do Prémio Nobel ao traidor mais famoso é um desafio tão arrogante e inescrupuloso, um insulto tão grande ao povo alemão que uma resposta apropriada deveria ser dada”. K. Ossetsky foi jogado em um campo de concentração, após um telegrama forçado de sua esposa para a Academia Sueca recusando o prêmio, ele foi transportado para uma clínica, onde logo morreu.

O que os regimes totalitários têm em comum é o globalismo da arte como consequência do globalismo das tarefas: o Reich milenar na Alemanha e um futuro maravilhoso para toda a humanidade na URSS. Daí os monumentos monumentais em ambos os países de tamanho sem precedentes. Mesmo aquele ser vivo que sempre nutre a arte – o costume, a tradição – está envolto num véu ideológico. O que resta é apenas aquilo a partir do qual crescem os próprios dominantes do sistema totalitário.

Assim, a “verdadeira” história da Rússia começou em 1917, e a pré-história começou com os dezembristas, que abriram o movimento de libertação nacional. A história está sendo reescrita, monumentos estão sendo demolidos e destruídos. ambiente histórico. E em cada cidade, em vez de nomes históricos, existem ruas Sovetskie, Krasnoarmeyskie e Kommunisticheskie.

Não vamos, contudo, simplificar o problema argumentando que sob o totalitarismo o surgimento de fenómenos artísticos únicos e talentosos é impossível.

A vida num Estado totalitário é sempre mais complicada do que esquemas. Os filmes mais brilhantes e alegres que se tornaram clássicos, como “Circus”, “Volga-Volga”, “Jolly Fellows”, foram criados nos trágicos anos pré-guerra para o país. O seu sucesso foi predeterminado não só pelo talento dos seus criadores, mas também pelas necessidades dessa arte do povo soviético, que vivia esmagadoramente em apartamentos comunitários, à vista de todos e precisava, por um lado, de compensação pelas realidades de uma população impotente. existência e, por outro, que acreditavam firmemente num futuro brilhante.

Nestas condições, quando, como disse J. Orwell, “toda a arte é propaganda”, os artistas criaram não só porque tinham uma ordem ideológica, muitos deles professavam sinceramente os valores da nova sociedade.

No entanto, em regimes totalitários sempre, junto com a arte oficial, desenvolve-se uma cultura paralela - o underground, ou seja, cultura underground, manifestada através do “samizdat”, dissidência, e através do uso generalizado da língua esópica.

Todo mundo conhece os nomes de V. Vysotsky, B. Okudzhava, B. Akhmadulina. Estes são os artistas cuja exposição em Moscou (Izmailovo) foi destruída por escavadeiras. E aqueles artistas, escritores, diretores, cujo trabalho não foi totalmente proibido, esconderam o verdadeiro significado no subtexto, que a intelectualidade aprendeu a “ler”. Os teatros “Sovremennik” e “On Taganka” eram famosos por suas alegorias, “ Jornal literário", revista " Novo Mundo", filmes de A. Tarkovsky. Os artistas usaram a linguagem esópica para mostrar as suas obras, porque, como argumentou Vrubel, um artista sem o reconhecimento do seu trabalho pelo público, sem diálogo com o espectador, está fadado ao esquecimento.

O grande humanista do nosso tempo, A. Schweitzer, no seu conhecido livro “Cultura e Ética”, escrito em 1923, observou:

“...Quando a sociedade influencia mais o indivíduo do que o indivíduo influencia a sociedade, começa a degradação da cultura, porque neste caso o valor decisivo - as inclinações espirituais e morais de uma pessoa - é necessariamente diminuído. A sociedade fica desmoralizada e incapaz de compreender e resolver os problemas que surgem diante dela. Como resultado, mais cedo ou mais tarde ocorre uma catástrofe.”

Esta reflexão profunda dá-nos a chave para a compreensão de muitos processos e fenómenos no campo da cultura, tanto do passado como do presente, relacionados com a interação do artista e da sociedade.

Uma condição óbvia para a liberdade de criatividade é a concretização real dos ideais democráticos na vida da sociedade. Contudo, nem um único país no mundo pode reivindicar uma solução para este problema crítico. Proclamação de normas democráticas pela comunidade mundial e por muitos países no século XX. é sem dúvida uma grande conquista para a humanidade. Ao mesmo tempo, a sua implementação plena ainda não se tornou uma realidade. A liberdade, sem condições materiais para a sua realização, não pode ser traduzida em realidade e permanece apenas no mundo do possível. Além disso, uma sociedade em que o poder do dinheiro é tão grande não pode, em princípio, ser verdadeiramente democrática. A propósito, a comercialização da cultura que tanto preocupa a todos não é acidental; é uma consequência natural da estrutura socioeconómica moderna das sociedades democráticas.

Assim, a arte do século XX. - de uma forma ou de outra - com perdas e ganhos, acabou por se inserir no contexto social e político.

Por que o governo está tentando influenciar a arte de uma forma ou de outra?

Quais são as formas de influência do poder sobre a arte nos estados totalitários e democráticos?

Como a sociedade influencia a arte nos estados democráticos?

Lição 1. “Arte e Poder”

I. Saudações. Palavra introdutória do professor.

Hoje na lição teremos que compreender a relação, e talvez a oposição, de dois conceitos como “arte” e “poder”. Primeiro você precisa encontrar respostas para as perguntas: (SLIDE 1)

O que é arte?

O que é poder? (respostas dos alunos).

Arte - o processo e resultado de uma expressão significativa de sentimentos em uma imagem. A arte é parte integrante da cultura humana.
Poder - esta é a oportunidade e capacidade de imporvai , influenciam as atividades e o comportamento de outras pessoas, mesmo apesar de sua resistência.

O poder apareceu com o surgimento sociedade humana e sempre acompanhará o seu desenvolvimento de uma forma ou de outra.

Quando a arte apareceu? (respostas dos alunos)

A origem da arte e os primeiros passos do desenvolvimento artístico da humanidade remontam ao sistema comunal primitivo, quando foram lançados os alicerces da vida material e espiritual da sociedade.

Que conclusão podemos tirar de tudo o que foi dito acima?

Conclusão: arte e poder surgiram e se desenvolveram simultaneamente e são parte integrante da formação da vida social.

II. Aprendendo novo material.

Muitas vezes o governo utiliza o ambiente cultural da sociedade para influenciar a consciência de massa. Com a ajuda da arte, o poder secular ou religioso foi fortalecido.

A arte incorporou as ideias da religião em imagens visíveis, glorificou governantes e perpetuou a memória dos heróis.

Um dos primeiros exemplos da influência do poder na arte podemos considerar o aparecimento de ídolos de pedra ou madeira criados por povos primitivos. E não importa se era a imagem de uma pessoa ou de um animal. Na maioria das vezes, esses ídolos monumentais inspiravam admiração em uma pessoa, mostrando sua insignificância diante das forças da natureza e dos deuses. Durante o mesmo período, completamente lugar especial Na sociedade antiga, os xamãs e os sacerdotes detinham um enorme poder. (SLIDE 2)

Como a arte do antigo Egito difere da arte das tribos primitivas?

Na arte do antigo Egito, junto com imagens de deuses, encontramos imagens do faraó. Filho do deus sol Rá. Sua encarnação terrena. Ele é igual aos deuses e domina as pessoas. E mais uma vez a arte vem em auxílio do poder. Imortalizar os nomes dos faraós em afrescos, preservar seus traços faciais em máscaras funerárias, falar de sua grandeza com a ajuda de monumentos monumentais como pirâmides, palácios e templos. (SLIDE 3,4)

Mas a questão é: a arte é personificada neste momento?

As imagens que vemos neste período são canônicas, são generalizadas e idealizadas. Podemos observar isso especialmente claramente na arte da Roma Antiga e Grécia antiga. Lembre-se da descrição da aparência de Hércules: “Hércules era cabeça e ombros mais alto do que todos os outros, e sua força excedia a de um homem. Os olhos brilhavam com uma luz divina incomum. Ele empunhava o arco e a lança com tanta habilidade que nunca errava”, não é isso? imagem perfeita um herói imortalizado em mitos. (SLIDE 5)

A Roma Antiga, sendo em muitos aspectos herdeira da Grécia, continuou a idealizar as imagens de seus heróis, imperadores e deuses. Mas cada vez mais a atenção da arte está voltada para uma pessoa específica, os retratos transmitem cada vez mais de forma clara e escrupulosa as características da pessoa que está sendo retratada. Muitas vezes isso se devia ao aumento do interesse pelo indivíduo, com a ampliação do círculo de retratados.

Durante a República, tornou-se costume erguer estátuas em locais públicos (em altura toda) funcionários políticos ou comandantes militares. Tal honra foi concedida por decisão do Senado, geralmente para comemorar vitórias, triunfos e conquistas políticas. Tais retratos eram geralmente acompanhados de uma inscrição dedicatória contando sobre os méritos. Se uma pessoa cometesse um crime, suas imagens eram destruídas, enquanto as estátuas dos governadores simplesmente tinham suas “cabeças” trocadas. Com o advento do Império, o retrato do imperador e sua família tornou-se um dos mais poderosos meios de propaganda. (SLIDE 6)

Diante de nós está um retrato do imperador Otaviano Augusto na forma de um comandante. Ele faz um discurso para o exército. A concha do imperador lembra suas vitórias. Abaixo está uma imagem de cupido em um golfinho (significando a origem divina do imperador).

É claro que tanto o rosto quanto a figura do imperador são idealizados e correspondem plenamente aos cânones da imagem da época.

Uma das formas de afirmar o poder é construir palácios magníficos. O luxo da decoração muitas vezes incutia no homem comum um sentimento de insignificância diante dos nobres. Mais uma vez, enfatizando as diferenças de classe e indicando pertencer a uma casta superior.

Na mesma época, arcos e colunas triunfais começaram a ser erguidos para comemorar as vitórias. Na maioria das vezes eram decorados com imagens escultóricas de cenas de batalha e pinturas alegóricas. Muitas vezes você pode ver os nomes dos heróis gravados nas paredes dos arcos triunfais. (SLIDE 7)

No século XV, após a queda de Bizâncio, considerada a sucessora do Império Romano e chamada de “segunda Roma”, Moscou tornou-se o centro da cultura ortodoxa. Os czares de Moscou consideravam-se herdeiros das tradições bizantinas. Isto reflecte-se nas palavras: “Moscou é a Terceira Roma, mas nunca haverá uma quarta”.

Para corresponder a este elevado status, por ordem do Grão-Duque de Moscou Ivan III, a Catedral da Assunção em Moscou foi construída em 1475-1479 pelo arquiteto italiano, o mais habilidoso arquiteto e engenheiro Aristóteles Fioravanti. (SLIDE 8)

A conclusão da construção da primeira igreja de pedra em Moscou - a Catedral da Assunção - tornou-se o motivo da fundação do Coro dos Diáconos Cantores Soberanos. A escala e o esplendor do templo exigiam maior poder musical do que antes. Tudo isso enfatizou o poder do soberano.

Mas vamos voltar ao grandes vitórias, como em Roma antiga arcos triunfais são construídos para comemorar as vitórias conquistadas.

1. Arco do Triunfo em Paris - um monumento na Praça Charles de Gaulle, erguido em 1806-1836 pelo arquiteto Jean Chalgrin.Construída por ordem de Napoleão I, que queria imortalizar a glória do seu exército. Os nomes dos generais que lutaram ao lado do imperador estão gravados nas paredes do arco (SLIDE 9)

2. Portão do Triunfo (arco) em Moscou.Inicialmente, o arco foi instalado na Praça Tverskaya Zastava, no local de um arco de madeira construído em 1814 para a reunião cerimonial das tropas russas que retornavam de Paris após a vitória sobre Tropas francesas. Os portões estão decorados com cavaleiros russos - imagens alegóricas Vitória, Glória e Bravura. As paredes do arco foram revestidas com pedra branca da vila de Tatarova, perto de Moscou, as colunas e a escultura foram fundidas em ferro fundido(SLIDE 10, 11)

Podemos observar a celebração do poder na música de forma especialmente clara na música. Por exemplo, no hino nacional do Império Russo de 1833 (1917) “God Save the Tsar!” Música Príncipe Alexei Fedorovich Lvov, palavras de Vasily Andreevich Zhukovsky “Oração Russa”. Para aquele mesmo “professor” literário de Zhukovsky de Pushkin

- Quem pode dar um exemplo do uso deste tipo de hinos em história moderna? (Deus salve a rainha).

Um exemplo uso moderno Hinos semelhantes podem servir como hino britânico.

III. Trabalho independente

- Qual é a influência do poder na arte?

- Quão profundos são seus relacionamentos?

Você pode formar sua própria ideia sobre este assunto respondendo às seguintes perguntas: (SLIDE 12)

1. Para que serviu a arte no desenvolvimento da cultura humana? (para fortalecer o poder – religioso e secular)

2. Como a arte ajudou a fortalecer o poder e a autoridade dos governantes? (a arte incorporou as ideias da religião em imagens visíveis; heróis glorificados e imortalizados; deu-lhes qualidades extraordinárias, heroísmo e sabedoria especiais)

3. Que tradições são evidentes nestas imagens monumentais? (tradições que remontam aos tempos antigos - adoração de ídolos, divindades que evocam admiração)

4. Qual funciona o poder mais claramente fortalecido? (estátuas equestres, arcos e colunas triunfais, catedrais e templos)

5. Qual arco e em homenagem a quais eventos foi restaurado em Moscou na Kutuzovsky Prospekt? ( em 1814 portões triunfais em homenagem ao encontro do exército libertador russo que retornou da Europa após a vitória sobre Napoleão; foi demolido em 1936; em 1960 foi recriado na Praça da Vitória, perto Poklonnaya Gora, no local onde o exército de Napoleão entrou na cidade)

6. Qual arco está instalado em Paris? (por decreto de Napoleão em homenagem ao seu exército; os nomes dos generais que lutaram ao lado do imperador estão gravados nas paredes do arco)

7. Em que época Moscou se tornou o centro da cultura ortodoxa? (no século 15, após a queda de Bizâncio, que foi considerado o sucessor do Império Romano e foi chamado de Segunda Roma)

8. Como aumentou a imagem cultural do estado moscovita? (o pátio do czar de Moscou se torna o local de residência de muitos ortodoxos culturalmente educados, arquitetos, construtores, pintores de ícones, músicos)

9. Por que Moscou foi chamada de “Terceira Roma”? (Os czares de Moscou se consideravam herdeiros das tradições romanas)

10. Qual arquiteto começou a reconstruir o Kremlin de Moscou? (Arquiteto italiano Fiorovanti)

11. O que marcou a conclusão da construção da primeira igreja de pedra em Moscou - a Catedral da Assunção? (a formação de um coro de clérigos cantores soberanos, pois a escala e o esplendor do templo exigiam maior potência no som da música)