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SMIRNOV
Mikhail Dmitrievich, compositor.

(1929 – 2006)

Um dos mais brilhantes representantes da escola de composição dos Urais. Fundador e primeiro presidente (1983-1993) Pessoa. organização da União dos Compositores da Rússia. Membro do Comitê Investigativo da Rússia (1966), homenageado. Atividades Artes da Federação Russa (1981). Membro correspondente Academia Petrovsky. Ciências e Artes, 2000 (São Petersburgo), trabalhador honorário do ensino profissional superior da Federação Russa (1999). Acadêmico Presidencial (1998-2000).

Gênero. 19 de novembro de 1929 na aldeia. Beloyarka, região de Kurgan. Durante a guerra, ainda adolescente, trabalhou na ChTZ como torneiro de carrossel. Fundamentos básicos da música. Adquiri conhecimentos em apresentações amadoras: cantei em coral, toquei acordeão de botões e toquei clarinete em banda de metais. Em 1950 ele se formou em Chel. música escola com o nome P.I. Tchaikovsky na aula de clarinete, então - o Estado dos Urais. Conservatório com o nome Deputado Mussorgsky: como clarinetista (1955) e como compositor (1961, turma de L. B. Nikolskaya).

Desde 1961 viveu e trabalhou em Chelyabinsk. Combinado com sucesso trabalho criativo de pedagógico: preparado um grande número de músicos especialistas, muitos dos quais alcançaram grande reconhecimento público. Em 1995, recebeu o título acadêmico de Professor do Departamento de Regência Orquestral e foi Professor Honorário do Chelyabinsk academia estadual cultura e artes.

O compositor escreveu obras de diferentes gêneros: 2 concertos para clarinete, 3 quartetos de cordas, 6 obras do gênero cantata-oratório, criadas em colaboração com poetas Urais, entre elas: “Salve, nosso poder” (1970, letra de L. Kuznetsov) , “Gray Ural” (1970, letra de L. Chernyshov), “Em Nome do Comissário do Povo de Ferro” (1973, letra de L. Chernyshov), “Glória ao Povo Vitorioso” (1985, letra de G. Suzdalev ), sonatas para violino, viola, violoncelo e piano, aberturas, peças de concerto para orquestra russa instrumentos folclóricos, concerto para domra e orquestra, mais de 40 músicas. Lugar especial A obra do compositor é ocupada por grandes formas e gêneros - cantata, oratório, sinfonia, concerto, sonata. M. Smirnov é o autor do Hino da Região de Chelyabinsk.

As aspirações artísticas mais vivas e consistentes de S. estão incorporadas na criatividade sinfônica: cinco sinfonias para grandes Orquestra Sinfónica(A sexta não está concluída), três sinfonias - para uma orquestra de instrumentos folclóricos russos. Cada um deles, apesar de todas as diferenças de conteúdo, incorpora conteúdos complexos, muitas vezes trágicos, refletindo a compreensão processo histórico, compreensão profunda do passado e do presente. Para concretizar seu conceito, o compositor frequentemente usava símbolos de entonação da época, vários gêneros cotidianos e técnicas modernas de escrita orquestral e desenvolvimento dramático.

Via de regra, as estreias das obras de M. Smirnov despertam grande interesse do público e recebem uma resposta positiva de intérpretes e ouvintes. As obras de Smirnov são lembradas e penetram profundamente na consciência não apenas pela consonância dos temas selecionados com os dias de hoje. Eles são escritos pela mão de um mestre experiente com grande senso de escala e possibilidades expressivas os meios aos quais ele se volta. Mas o principal é que esta música é duramente conquistada: carrega dentro de si o drama daquilo que foi vivido e vivido todos os dias, não poderia ter sido escrito; A música de M. Smirnov foi ouvida em diferentes cidades da Rússia (Perm, Yekaterinburg, São Petersburgo, Moscou), bem como no exterior.

Mikhail Dmitrievich Smirnov faleceu em 9 de agosto de 2006, após uma doença longa e grave. Até o último dia trabalhou na Sexta Sinfonia, que não conseguiu concluir. Como sinal de profundo respeito por sua personalidade, compreensão de seu significado na cultura russa, ter M.D. Smirnova foi designada para a sala de concertos da Academia Estadual de Cultura e Artes de Chelyabinsk; A liderança da Academia estabeleceu uma bolsa com o nome de M.D. Smirnov, que será concedido a jovens músicos pelo sucesso na atividade criativa.

As tradições por ele estabelecidas nas diversas áreas da atividade musical, a sua exatidão e elevados critérios para os resultados de criatividade, performance, vida artística em geral, estão vivos na memória de quem trabalhou com ele, estudou com ele e tocou sua música.

No período de 2003 a 2006. O compositor criou as seguintes obras: Sinfonia nº 3 para orquestra folclórica russa (2003)

“Prachet” para soprano e orquestra folclórica (2004)

“Há uma guerra popular acontecendo” na letra. V. Pyatkova, canção para o 60º aniversário da Vitória na Grande Guerra Patriótica (2004)

Sexta Sinfonia (não concluída, 2004 – 2006)

Em 2004, foram realizados com sucesso dois concertos de autor: na Sala de Concertos. S.S. Prokofiev (orquestra folclórica russa “Malachite” dirigida pelo Artista do Povo da Federação Russa V. Lebedev) e no Estado de Chelyabinsk. Academia de Cultura e Artes (orquestra de instrumentos folclóricos dirigida por A. Saltanova)

Em 2003, Mikhail Dmitrievich Smirnov tornou-se o Laureado do Prêmio Estadual da Região de Chelyabinsk na categoria “Excelentes Trabalhadores da Cultura e da Arte”;

Básico aceso.:

Sinetskaya T. Mikhail Smirnov // Compositores do Sul dos Urais: monografia. - Chelyabinsk: Casa de Impressão, 2003. – P. 44 – 76; Gubnitskaya S.Z., Sinetskaya T.M. Música Compositores de Chelyabinsk para instrumentos folclóricos russos // Performance instrumental folclórica dos Urais e da Sibéria: Interuniversidade. Sentado. Arte. - Chelyabinsk, ChGIK, 1991. – P. 54 – 71; Ignatieva L. Subimos com esta música: o autor do hino da região de Chelyabinsk tem 70 anos. – Gente. trabalhador. – 1999, 7 de dezembro; Sinetskaya T. Tempo e espaço de Mikhail Smirnov // Criatividade do compositor regional no contexto da musicologia moderna: Mat. científico-prático conferência do Quinto Plenário Pers. departamento. CI da Rússia. – Cheliabinsk, 2005. – P.128 – 135.

Gudkov

Evgeniy Georgievich, compositor (1939 - 2008)

Nome E.G. Gudkov é amplamente conhecido por suas inúmeras canções, corais e sinfônicas. obras, música para o povo russo. instrumentos, teatro performances. Por duas décadas, as transmissões musicais na rádio de Chelyabinsk foram precedidas por uma introdução musical bem conhecida - os compassos de abertura da canção de E. Gudkov com a letra. L. Tatyanicheva “A Rússia se reflete nos Urais.” E hoje, no toque dos sinos instalados na praça central (Praça da Revolução) e medindo regularmente o tempo, reconhecemos uma das melodias brilhantes do poema sinfônico “Minha Cidade”, dedicado a Chelyabinsk. É assim que a obra e a vida do compositor se entrelaçam de forma natural e orgânica. Essa interação continua nas salas de concerto, no repertório de grupos performáticos e solistas, no processo pedagógico da música instituições educacionais, onde o domínio da herança musical dos compositores dos Urais tornou-se agora um componente obrigatório dos programas educacionais.

Gênero. 7 de setembro de 1939 em Chelyabinsk. Em 1959 ele se formou em Chel. música escola com o nome PI Tchaikovsky (departamento de instrumentos folclóricos). Estudou composição com N.N. Yukhnovsky. Em 1964 - departamento de composição do Estado dos Urais. Conservatório (turma de N.M. Khlopkov). Desde então, ele viveu e trabalhou em Chelyabinsk. Desde 1966 - membro da União dos Compositores da URSS (agora - IC da Rússia). Em 1999 E. Gudkov recebeu o título de “Trabalhador Honorário do Sindicato dos Compositores da Rússia”.

Autor de obras de diversos gêneros. Entre os principais op. – ópera “The Gorge of Winged Horses” (K. Skvortsov), ópera-ballet “Silver Hoof” (baseado nos contos de P. Bazhov), balé “Well, Just Wait”, “ Poema romântico(concerto)" para violoncelo e orquestra, "Sinfonietta" para orquestra de cordas e tímpanos, "Pathetic Triptych" para orquestras sinfônicas e de metais, obras instrumentais de câmara, música para russo. adv. instrumentos - “Abertura Alegre”, suíte “Heroes”, abertura “Mari Region (Mari-El”, “Ural Concertino” para balalaika e orquestra folclórica, “Suite para acordeão de botões”, etc.

A área de criatividade preferida do compositor é a música associada à palavra, ao texto poético. Uma profunda compreensão da natureza da música contribuiu para o nascimento de obras originais de grandes e pequenas formas. Entre eles estão o oratório “A Rússia me deu um coração” (V. Sorokin, 1968), as cantatas “Songs of Our Land (K. Skvortsov, 1977), “Bright Day” (N. Rubinskaya, 1986), “Surprise Cantata” (1973); ciclo coral baseado em poemas de A. Pushkin (1999), “Bétulas Russas” (miniatura coral em memória de V. Shukshin, 2000), sinfonia poética “Estrela de Natal” (B. Pasternak, 2000); dois coros na estação M. Lermontov: “Anjo”, “Oração”. E. Gudkov criou mais de 50 canções (“Três Cidades”, “Legendary Tankograd”, “Tractor - Puck!”, “Walk, Son”, etc.), escreveu músicas para 30 apresentações dramáticas.

Gudkov – cantor genuíno Ural na música, seu trabalho está intimamente ligado à literatura Ural. Uma das colaborações mais frutíferas e vibrantes é com L.K. Tatyanicheva. Representantes de diferentes gerações, encontraram-se unidos por laços de sangue na expressão do seu amor pelos Urais. A suíte coral “The Seasons” (1963), a comovente miniatura vocal “Alyonka” e a canção lírico-épica “Rus is Reflected in the Urals” (1966), o ciclo vocal “Ship Forest” (1998) são sem dúvida os melhores que foi criada hoje com base na poesia de nossa destacada conterrânea. Seja qual for o gênero ao qual Gudkov recorre, ele é facilmente reconhecível por seus temas amplos e melodicamente ricos, natureza orgânica, seleção precisa de meios expressivos e visão suave e clara da vida.

A música do compositor foi tocada em Moscou e São Petersburgo, Perm e Yekaterinburg, na costa do Mar Negro do Cáucaso e na região de Lipetsk, em Omsk, Tyumen, Novosibirsk. O melhor sinfônico, de câmara e coros essas cidades.

Entre 2003 e 2008. O compositor criou as seguintes obras:

"Blagovest". Díptico-concerto para coro misto, piano e sinos orquestrais (2003)

Dois coros em memória de V.M. Shukshina para coro misto desacompanhado (2004)

“Concerto matinal para você” (refrão) para coro misto desacompanhado (2004)

“Revelation” para violoncelo, piano e quatro agudos (2004)

Título honorário “Artista Homenageado da Federação Russa” (2004)

Laureado com o Prêmio e Medalha da Assembleia Legislativa da Região de Chelyabinsk por sua contribuição para o desenvolvimento da cultura e da arte da Região de Chelyabinsk (2004)

Básico aceso.:

Sinetskaya T. Mikhail Smirnov // Compositores do Sul dos Urais: monografia. - Chelyabinsk: Casa de Impressão, 2003. – P. 44 – 76; Gubnitskaya S.Z., Sinetskaya T.M. Música de compositores de Chelyabinsk para instrumentos folclóricos russos // Performance instrumental folclórica dos Urais e da Sibéria: Interuniversidade. Sentado. Arte. - Chelyabinsk, ChGIK, 1991. – P. 54 – 71; Belogrudov O. (Perm) // Sov. música. – 1986, nº 8. –Pág.125. Sobre o produto E. Gudkov, apresentado nos Dias de Música da Região de Chelyabinsk em Perm; Parfentyeva N. Usamos sua música para verificar as horas. - Chel. trabalhador. – 1999, 7 de setembro; T. M. Sinetskaya Gudkov Evgeniy Georgievich. – Chelyabinsk: Encic. / Comp. V.S. Deus, V. A. Chernozemtsev. – Chelyabinsk: Cinturão de Pedra, 2001. – P. 210.

WECKER
Vladimir Pavlovich, compositor (1947 - 2018)

1. Autobiografia

Gênero. 2 de fevereiro de 1947 em Kopeisk, região de Chelyabinsk. De 1963 a 1967 estudou no Museu de Música de Chelyabinsk. escola com o nome P. I. Tchaikovsky na aula de acordeão de botões de P. M. Anokhin. Ao mesmo tempo estudou composição com M. D. Smirnov. Depois de servir no exército, ele ingressou na Universidade Estadual dos Urais. Conservatório (1970-1975), cujo departamento de composição foi concluído com sucesso na turma do prof. N. M. Puzeya.

De 1975 a 1994 – professor, professor associado (1991) Pessoa. estado Instituto de Cultura. Desde 1981 - membro da União dos Compositores da URSS (agora - IC da Rússia). Desde 1994 ele mora na Alemanha, permanecendo oficialmente (por declaração pessoal) membro do Comitê de Investigação da Rússia (filial de Chelyabinsk).

V. Wecker é autor de 3 sinfonias (1974, 1979, 1982), Capriccio no estilo “beat” (1978), Aberturas para orquestra sinfônica. (1982), duas sinfonias. suíte do balé “Teseu” (1986, 1990); a ópera “Desafio para um Duelo” (1985-1989) baseada na peça “Não estamos mudando a Pátria” de K. Skvortsov; concertos instrumentais: para balalaica com orquestra de instrumentos folclóricos russos (1979), para balalaica e orquestra de câmara(2001), para piano e orquestra sinfônica (em memória de J. Gershwin, 1991), para clarinete e orquestra de câmara (1992), para acordeão e orquestra de câmara (Primeira - 2001, Segunda - 2002).

A música de câmara de V. Wecker é invulgarmente diversificada: o compositor é muito livre na escolha dos instrumentos e composições de câmara: 3 sonatas, 3 sonatinas, cerca de 100 miniaturas para piano; 6 miniaturas para quarteto de cordas, “Pequeno tríptico” para solo de violino, “Meditação” para violino e piano, Sonatina para clarinete, “Suíte Infantil” para balalaica, Intermezzo para balalaica e piano, 3 sonatas para acordeão de botões, suíte em 4 partes “Motivos russos”, “Coral e fuga” » para 3 botões acordeões, etc Em geral, a música A linguagem das obras instrumentais do compositor não pode ser chamada de simples. Requer escuta, compreensão intelectual e a capacidade de perceber muitos elementos musicais independentes em unidade. O amor por fórmulas sincopadas e rítmicas, a compreensão do ritmo como o expoente mais importante da pulsação da época sempre tornam a música de V. Wecker impulsiva, de respiração livre e, ao mesmo tempo, organizada internamente.

A bagagem criativa do compositor inclui várias dezenas de canções e romances. Desde 1975 V. Wekker liderou o conjunto vocal-instrumental “Katerina”, trabalho com o qual lhe permitiu ganhar experiência e habilidade no gênero vocal, abrindo caminho para a criação de canções de diferentes formas, gêneros, conteúdos e composições performáticas. As composições vocais mais famosas: “Everything from Russia”, “Summer Song of the Oriole”, “Song about the Urals”, “Viburnum is in Bloom”, “Chelyabinsk, you are my love”, wok. ciclo “Quatro canções no estilo do romance russo” no Art. A. Feta et al.

Por muitos anos, o compositor vinha à Rússia todos os anos, reunia-se com intérpretes e apresentava novas composições aos ouvintes. A conquista do compositor durante sua vida na Alemanha foi fundamental trabalho teórico“New Musical Theory”, publicada pela Blau Eule na Alemanha em Abril de 2003, que o compositor apresentou em universidades de música na Rússia.

A intensa atividade de concertos acompanhou toda a sua carreira criativa. Já vivendo permanentemente na Alemanha, os concertos do autor de V. Wecker aconteceram em Chelyabinsk (S.S. Prokofiev Concert Hall, 2005), Yekaterinburg (Conservatório dos Urais, ORNI p/u L. Shkarupa, 2005); Alemanha (dedicada ao 60º aniversário de Rottenburg, orquestra de cordas de composição “italiana” (bandolins, domras, guitarras, maestro V. Wecker, 2007); Moscou (Academia Gnessin, ORNI p/u B. Vorona, 2008). Em 2007 , foram realizados 10 concertos de autor na Alemanha dedicados ao 60º aniversário do compositor.

Ensaios:

“O Amor por Três Laranjas”, musical baseado no conto de fadas de C. Gozzi, art. M. Svetlova (posto no Teatro Dramático Bolshoi de Kazan, dirigido por A. Slavutsky, 2004); Concerto nº 2 para balalaika e kam. orquestra (2007);

“Faith, Hope, Love”, tríptico para saxofone e cam. orquestra (folk), 2003;

Obras para orquestra de instrumentos folclóricos (2003 – 2008):

- “Valsa Festiva”

- “Memórias da Pátria”

Noturno , "Cantabile", "Scherz-Musette"

- "Das Lied von Mond"

-"Romance cruel";

13 obras para dueto de acordeão.

Básico literatura:

Speshkov V. “Viverei uma vida humana lá e uma vida criativa aqui.” - Chel. Trabalhador. – 1997, 19 de abril

Sinetskaya T. Wekker Vladimir Pavlovich. – Chelyabinsk: Encic. / Comp.: V.S. Deus, V. A. Chernozemtsev. – Chelyabinsk: Cinturão de Pedra, 2001. – P. 136

Konoplyanskaya N. Outra visão: os compositores de Chelyabinsk, curiosamente, escrevem sobre beleza. - Chel. Trabalhador. – 2001, 26 de dezembro

Sinetskaya T. Vladimir Vekker // Compositores do Sul dos Urais: monografia. - Chelyabinsk: Casa de Impressão, 2003. – P. 108 - 145

2. Prêmios, títulos e laureados estaduais e regionais

– Em 2004 foi galardoado com o Prémio Alemão-Russo de Cultura ( Estugarda).

3. Lista de obras indicando número da obra e ano de escrita

Obras musicais e teatrais

1. Ópera " Desafio para um duelo" (“Anosov”) baseado na peça “Não estamos mudando a Pátria” de K. Skvortsov, libreto de V. Wecker, 1985-1989

2. Balé" Teseu" por mitologia grega antiga(não concluído), 1986

3. O musical “O Amor por Três Laranjas” baseado no conto de fadas de C. Gozzi, art. M.Svetlova, 2004

Obras para orquestra sinfônica

1. Sinfonia nº 1 em 3 movimentos, 1974

2. Concerto para acordeão com orquestra sinfônica, 1977

3. Capriccio no estilo Beat, 1978

4. Sinfonia nº 2 em 3 movimentos, 1979

5. Abertura, 1982

6. Sinfonia nº 3 em 4 movimentos, 1982

7. Suíte nº 1 do balé Teseu, 1986

8. Suíte nº 2 do balé Teseu, 1990

9. Poema-concerto para piano e orquestra sinfônica (em memória de J. Gershwin), 1991

10. Concerto para clarinete e orquestra de câmara, 1992

11. Concerto nº 2 para balalaica e orquestra de câmara, 2001

12. Concerto nº 1 para acordeão de botões e orquestra de câmara, 2001

Obras para orquestra de instrumentos folclóricos russos

1. Concerto nº 1 para balalaika com orquestra de instrumentos folclóricos russos em 3 partes, 1979

2. Três danças, 1982.

3. Suíte em estilo “Retro”, 1984

4. “Fé, Esperança, Amor”, tríptico para saxofone e câmera. orquestra (folclórica), 2003

5. “Valsa de férias”

6. “Memórias da Pátria”

8. "Cantável"

9. "Scherz-Musette"

10. "Das Lied von Mond"

11. “Romance Cruel”

Obras instrumentais de câmara

Música para piano

1. Sonatina nº 1, 1967

2. Seis Prelúdios, 1971-1990

3. Sonata nº 1 em 3 movimentos, 1973

4. Sonata nº 2 (jazz), 1977

5. Peça “Bebê Caprichoso”, 1980

6. Sonatina nº 2, 1986

7. Duas Pequenas Danças, 1987

8. White Stagecoach, peça de jazz, 1987

9. Sonata leve em estilo clássico em 2 movimentos, 1992

10. 24 peças (prelúdios) para piano em novos modos, 1995

11. Ciclo de peças infantis para piano, 2002

Música para acordeão

1. Sonata nº 1 em 3 movimentos, 1974

2. Sonata nº 2 em 2 movimentos, 1979

3. Sonata nº 3 em 3 movimentos, 1987

4. “Motivos Russos”, suíte em 4 partes, 1982

5. Scherzo, 1982

6. “Chorale and Fugue” para acordeões de três botões, 1986

7. Sonata nº 3 em 3 movimentos, 1987

8. Fantasia, 1988

9. Peça "Trem de Brinquedo", 1988

10. Três peças, 1988

11. Suíte nº 1 (para jovens), 1990

12. Suíte nº 2 (para jovens), 1991

13. Peça para acordeão ou acordeão “Folhas de Outono”. 1998

Música para balalaica

1. Três peças, 1976

2. Sonata para balalaica e piano em 3 movimentos, 1982

3. “Suíte Infantil” para balalaica e piano (em 8 partes), 1987

4. “Intermezzo” para balalaica e piano, 1988

Música para violino e clarinete

1. “Pequeno tríptico” para violino solo, 1984

2. Sonatina para clarinete e piano, 1986

3. Três improvisados ​​para clarinete solo, 1990

4. “Meditação” para violino e piano, 2001

Conjuntos

1. Seis miniaturas para quarteto de cordas, 1974

2. “Polka-Fox” para quarteto de instrumentos folclóricos, 1985

3. “Intermezzo” (fantasia de concerto para sexteto de instrumentos folclóricos, 1989

4. Suíte “Retro” nº 2 para orquestra de câmara, 2001

5. Suíte “Retro” nº 3 para orquestra de câmara, 2002

Composições corais e vocais

1. Oratório "Perekop" arte. K. Kuliev para solistas, coro misto e orquestra sinfônica em 6 partes 1975

2. Quatro canções no estilo do romance russo baseadas em poemas de A. Fet, 1980

3. Cerca de 80 músicas, incluindo: 1975-93

2) Letra de “Rússia Nativa”. I. Gritsaya

3) Letra de “Campo Imortal”. B.Repina

4) “Canção sobre os Urais” Arte. L. Tatyanicheva

5) Letra “Chelyabinsk - você é meu amor”. A. Kunitsyn e V. Wecker

6) Letra de "Cidades Jovens". L. Tatyanicheva

7) Letra de “Time Calls Forward”. A. Levina

8) Letra “Esta é a música que o Komsomol canta”. V. Slyadnevoy

9) Letra do "Ano Dois Mil". A.Barto

10) Letra “Meu bisavô cantou”. F. Aliyeva

11) Letra de “Seus olhos”. V.Tushnova

12) Letra de "Rowan Waltz". V. Lebedeva

13) Letra de "Katerina" Yu. Levitansky

14) Letra de “Adeus ao Inverno”. R. Karagodina

15) “O que você está fazendo, macieira”, letra. V. Gurko

16) Letra “Ah, meu amor, amor”. Yu Levina

17) Letra de “Minha Balalaechka”. I. Maslova

18) Letra “Desenrole o fole melodioso”. R. Shagaleeva

19) Letra “Viburnum está florescendo”. L. Kuznetsova

20) Letra de "Pão do Pai" E. Nefedova

21) Letra “Eu canto sobre minha Rússia”. L. Tatyanicheva

22) Letra de “Canção de Verão do Oriole”. D. Osina

23) Letra de “Tudo da Rússia”. A. Zemlyansky

24) Letra de "Minuto de Silêncio". B. Pasternak.

25) Letra de "Cinema Antigo". Yu.

26) Letra de “Campo de Glória” de V. Firsov

27) Letra de “Rock and roll vermelho” de V. Feroz

28) Letra de “Canção sobre Magnitogorsk” de A. Pavlova

29) Letra de “Canção sobre golfinhos” de N. Kirsanova

30) Letra “Eu não vivo assim”. A. Dementiev

31) Letra “Em um minuto de música”. N. Rubtsova

32) Letra “O amor é certo”. V.Vetrova

33) Letra de "Bebê Elefante" Yu.

34) Letra de "Pomba Branca". A.Barto

35) Letra de "dança africana". A.Barto

36) Letra de “Na Bela Paris”. A.Barto

37) Letra “Diga-me algo bom”. R. Rozhdestvensky

4. Lista de trabalhos publicados

1. Wecker, V. Canções [Partituras]: para voz e vocais. resposta. acompanhado por fp. (acordeão) / V. Wecker. – Cheliabinsk, 1983. – 68 p.

2. Wekker, V.P. “Eu canto sobre minha Rússia”, letra. L. Tatyanicheva [Notas]: na coleção. Canções para voz e conjuntos vocais acompanhados de piano (acordeão). – Cheliabinsk: ONMC, 1983

3. Wekker, V.P. Letra de “Rússia Nativa”. I. Gritsaya [Notas]: na coleção. Canções para voz e conjuntos vocais acompanhados de piano (acordeão). – Cheliabinsk: ONMC, 1983

4. Wekker, V.P. Letra de “Campo Imortal”. B. Repin [Partituras]: em coleção. Canções para voz e conjuntos vocais acompanhados de piano (acordeão). – Cheliabinsk: ONMC, 1983

5. Wekker, V.P. “Canção sobre os Urais”, art. L. Tatyanicheva [Notas]: na coleção. Canções para voz e conjuntos vocais acompanhados de piano (acordeão). – Cheliabinsk: ONMC, 1983

6. Wekker, V.P. “Chelyabinsk - você é meu amor”, letra. A. Kunitsyn e V. Wecker [Notas]: na coleção. Canções para voz e conjuntos vocais acompanhados de piano (acordeão). – Cheliabinsk: ONMC, 1983

7. Wekker, V.P. “Diga-me algo bom” [Notas]: na coleção. Músicas de compositores R. Rozhdestvensky Urais. - Moscou: Sov. compositor, 1985

1. Wekker, V.P. Concerto nº 1 para balalaika com orquestra de instrumentos folclóricos russos em 3 partes [Notas] na coleção. Peças de concerto para balalaika: edição 15.- Moscou: Sov. compositor, 1986

9. Wekker, V.P. Seis miniaturas para quarteto de cordas [Notas]: para acordeão de botões na coleção. Tocam Compositores soviéticos: V.5.- M.: Sov. compositor, 1986

10. Wekker, V.P. “Toy Train”, [Partituras]: peça para acordeão de botões em coleção. Sexo em uma escola de música. V.58.- Moscou: Sov. compositor, 1988

11. Wekker, V. P. “Seus olhos”, letra. V. Tushnova [Notas]: na coleção. Canções de compositores russos: V.1.- Moscou: Sov. compositor, 1988

12. Wekker, V.P. Três peças [Notas]: para balalaika em coleção. Repertório de concerto de um tocador de balalaica - Moscou: Música, 1988.

13. Wekker, V.P. “Children's Suite” [Partituras]: para balalaica e piano em coleção. Álbum para crianças. (em 8 partes) V.2.- Moscou: Música, 1989

14. Wekker, V.P. Scherzo [Partituras]: para acordeão em coleção. Peças de concerto para acordeão de botões: V.51.- Moscou: Sov. compositor, 1990

15. Wekker, V.P. Suíte no estilo “Retro” [Partituras]: orquestra de instrumentos folclóricos russos em coleção. Uma orquestra de instrumentos folclóricos russos toca Academia Russa música com o nome dos Gnesins - Magnitogorsk, 1996.

16. Wekker, VP “Pomba Branca”, letra. A. Barto [Partituras]: em coleção. Canta “Sonho”: V.1 Comp. V. Sheremetyev - 1997

17. Wekker, V. P. “dança africana”, letra. A. Barto [Partituras]: em coleção. Canta “Sonho”: V.1 Comp. V. Sheremetyev - 1997

18. Wekker, V.P. “In Beautiful Paris”, letra. A. Barto [Partituras]: em coleção. Canta “Sonho”: V.1 Comp. V. Sheremetyev - 1997

19. Wekker, V.P. Sonata nº 1 em 3 partes [Partituras]: para acordeão de botões na coleção. Karthaus-

20. Wekker, V.P. Sonata nº 2 em 2 partes [Notas]: para acordeão de botões na coleção. Karthaus- Schmulling Musikverlage (Alemanha), 1998

21. Wekker, V.P. “Chorale and Fugue” para acordeões de três botões [Notas]: para acordeão de botões na coleção. Karthaus- Schmulling Musikverlage (Alemanha), 1998

22. Wekker, V.P. Sonata nº 3 em 3 partes [Notas]: para acordeão de botões na coleção. Karthaus- Schmulling Musikverlage (Alemanha), 1998

23. Wekker, V.P. “Chelyabinsk - você é meu amor”, letra. A. Kunitsyn e V. Wecker [Notas]: na coleção. À noite, Chelyabinsk. - Chelyabinsk: PO "Livro", 2001

24. Wekker, V. P. “Cidades Jovens”, letra. L. Tatyanicheva [Notas]: na coleção. À noite, Chelyabinsk. - Chelyabinsk: PO "Livro", 2001

25. Wekker, V.P. “Time Calls Forward”, letra. A. Levin [Notas]: na coleção. À noite, Chelyabinsk. - Chelyabinsk: PO "Livro", 2001

26. Wekker, V.P. “Esta é a música que o Komsomol canta”, letra. V. Slyadneva [Notas]: na coleção. À noite, Chelyabinsk. - Chelyabinsk: PO "Livro", 2001

27. Wekker, V. P. “Ano Dois Mil”, letra. A. Barto [Partituras]: em coleção. À noite, Chelyabinsk. - Chelyabinsk: PO "Livro", 2001

28. Wekker, V.P. “Meu bisavô cantou”, letra. F. Aliyeva [Notas]: na coleção. À noite, Chelyabinsk. - Chelyabinsk: PO "Livro", 2001

29. Wekker, V. P. “Seus olhos”, letra. V. Tushnova [Notas]: na coleção. À noite, Chelyabinsk. - Chelyabinsk: PO "Livro", 2001

30. Wekker, V. P. "Nova teoria musical » [Notas]: publicado por Blau Eule na Alemanha

31. Bychkov, V.V.Música para acordeão de compositores Urais (Sonata nº 1 de V. Wecker) [Texto] / V.V. Bychkov, V.D. - (História da arte). – 2016.- Nº 1 (45). – páginas 161–172; .Bibliografia: pág. 167 (13 títulos); *O mesmo [Recurso eletrônico]. - Modo de acesso:http://elibrary.ru/item.asp?id=25767643 EBS “Elibrary.ru”, por senha [de computadores ChOUNB]. - Boné. da tela.

Lista de gravações publicadas de composições

CD discos

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Chegou o ano dos 25 anos do Jornal Regional. Na véspera do aniversário, a OG, juntamente com os seus leitores, resumiu o resultado da votação, que durou dois meses. Aqui estão 25 das melhores músicas de artistas de Sverdlovsk - desde composições testadas pelo tempo até composições modernas.

1.055 pessoas correspondentes do “Jornal Regional” entrevistados para escolher o mais músicas famosas Artistas de Sverdlovsk.

1953. “Ural Mountain Ash” (Coro Folclórico dos Urais)

Música - Evgeny Rodygin, letra - Mikhail Pilipenko

Muitos russos têm certeza de que esta é uma canção folclórica. Mas os Urais sabem que em 1953 a música desta composição foi composta por um nativo de Nizhnyaya Salda, Evgeniy Rodygin, e os poemas por um residente de Sverdlovsk, Mikhail Pilipenko, que então chefiava a redação do jornal juvenil “Na Smenu ”.

Certa vez, Evgeny Rodygin contou a OG como ele compõe música: “Desde os dois primeiros versos do poema, já entendi se era meu ou não”, diz Evgeny Pavlovich. “A mesma coisa aconteceu com o Ural Rowanushka.” Por acaso, meu olhar caiu sobre os versos “Oh, sorveira...”, e minha consciência literalmente se agarrou a esses versos. E depois de alguns minutos já “senti” a melodia.”

• Pavel Krekov, Ministro da Cultura da região de Sverdlovsk:
• - Claro, serei o primeiro a nomear “Ural Rowan Tree” de Evgeny Rodygin. E como nasci no norte do Cazaquistão, em regiões virgens, não posso deixar de falar sobre a música “Novos colonos estão chegando” - o programa da televisão de Zelenograd começava com ela todos os dias. E recentemente descobri que uma das minhas músicas favoritas, “The School Romance Is Finished”, foi escrita por Alexander Novikov, e fiquei agradavelmente surpreso.

1954. “Novos colonos estão chegando” (grupo masculino do Coro Ural)

Música - Evgeny Rodygin, letra - Nina Solokhina

1953 - início do desenvolvimento das terras virgens. O compositor Rodygin recebe uma carta de Nizhnyaya Salda de Sverdlovsk com poemas sobre terras virgens. O refrão da música “Oh, you, gelado inverno” apareceu ao compositor sob a influência de uma música do repertório de Leonid Utesov, “The Killer Whale Swallow”, popular nos anos quarenta.

Evgeny Pavlovich deu a música para Coro dos Urais e ouvi do diretor artístico: “Isto é foxtrote, não se canta assim nas aldeias!” Depois disso grupo de homens O Ural Folk Choir teve que aprender a música em segredo e literalmente lutar para incluí-la no programa. Em março de 1954, a música foi gravada na All-Union Radio e começou a ser ouvida com frequência no ar. Um dia, Nikita Khrushchev a ouviu e elogiou. Foi assim que ela se curou vida plena. E em 1957, Rodygin foi aceito no Sindicato dos Compositores por ela.

• Evgeny Artyukh, deputado da Assembleia Legislativa da região de Sverdlovsk:
• — O primeiro que me vem à cabeça é Evgeny Rodygin, porque foi ele quem glorificou a região em canções de toda a história da música Ural, muito antes do rock Ural, que amo e respeito muito. Gostaria de destacar três composições favoritas: “Ural Rowanushka” - uma. Disseram que era uma das canções favoritas de Yeltsin. “Novos colonos estão chegando” - dois. Para ela, Rodygin recebeu um apartamento de Khrushchev, onde ainda mora. Bem, “Sverdlovsk Waltz” é três.
• Conheço Evgeny Pavlovich pessoalmente. Conhecemo-nos há doze anos, quando juntos começámos a organizar o festival anual de criatividade para idosos, “Encantamento de Outono”. Já se tornou uma tradição subir todos os anos com ele ao palco do festival e tocar “Ural Rowan”. A propósito, há cinco anos iniciamos uma tradição no âmbito do movimento artístico “Velho Bukashkin” de nos reunirmos com artistas todo dia 31 de maio no pátio da casa em Lenina, 5 perto da sorveira em flor e cantar “Ural rowan tree” junto com Evgeny Rodygin ao acordeão.

1962. “Valsa de Sverdlovsk” (Evgeny Rodygin, Augusta Vorobyova)

Música - Evgeny Rodygin, letra - Grigory Varshavsky

Na década de 60 do século passado, o Coro Ural era liderado por um homem que tinha uma relação tensa com Rodygin. Por isso, o autor da famosa composição teve que negociar com os artistas para que à noite eles viessem ao estúdio de televisão aprender a música junto com a orquestra sinfônica. O engenheiro de som Valery Boyarshinov gravou essa música. E soou primeiro em todo o país e depois no exterior: “Sverdlovsk Waltz” foi traduzido para o chinês, as línguas bálticas e o hebraico...

• Oleg Rakovich, produtor de televisão, diretor da State Television and Radio Broadcasting Company-Ural:
• — Até agora, a música “Sverdlovsk Waltz” de Evgeny Rodygin me causa a impressão mais forte. Durante vinte anos foi com ela que minha manhã começou, já que essa música abria o bloco de notícias todos os dias na rádio e na televisão dos Urais. E não ficou chato! “Sverdlovsk Waltz” não é apenas uma composição muito bonita, mas também forte do ponto de vista ideológico.

1984. “Cidade Antiga” (Alexander Novikov)

Para muitos que não se interessam muito por história, mas conhecem a obra do bardo dos Urais, esta canção continua a ser a principal fonte de conhecimento sobre a história de Yekaterinburg, uma espécie de minicurso sobre os principais marcos. No nível das citações comuns, eles dirão que “Nikolashka foi costurado aqui” e sobre “Demidov colocou moedas falsas aqui em algum lugar”. Embora a cidade, em geral, não seja tão antiga e nem tão antiga, os historiadores têm grandes dúvidas sobre moedas falsas. No entanto, você não pode apagar as palavras da música.

1984. “Leve-me, motorista de táxi” (Alexander Novikov)

Música e letra - Alexander Novikov

Ironicamente, a música “Take Me, Cabby” tornou-se uma memória do futuro - o estado “recompensou” o bardo com dez anos de prisão, dos quais cumpriu seis, foi libertado mais cedo e posteriormente reabilitado pelo Supremo Tribunal da Rússia por falta de corpus delicti.

1985. “Adeus América!” ("Nautilus Pompilius")

Música - Vyacheslav Butusov, letras - Dmitry Umetsky, Vyacheslav Butusov

No início, seus criadores não levaram a música famosa a sério - ela foi feita simplesmente como um “acrescento” ao álbum. Naquela época, Butusov tinha um esboço de uma música no estilo reggae. Mas apareceu uma rumba e os vocais foram gravados com ela: “Eu nem entendia sobre o que estava escrevendo”, lembra Vyacheslav. “Naquela época, eu via a América como uma lenda, um mito. Minhas associações com a América eram as seguintes: Gojko Mitic como índio, Fenimore Cooper, e assim por diante... E escrevi em nome de um homem que se despedia da infância, ia numa viagem independente. Então deixei meus pais. Eu tinha 20 anos."...

• Alexander Pantykin, Presidente do Sindicato dos Compositores da Região de Sverdlovsk:
• — Eu tenho três dessas músicas. A primeira é “The Last Letter”, mais conhecida como “Goodbye America!” grupo "Nautilus Pompilius". Esta composição tornou-se verdadeiramente um manifesto de toda uma geração que combina surpreendentemente; condição emocional Anos 80-90: dor, tragédia e auto-ironia. O segundo é “Ural Mountain Ash”, de Evgeny Rodygin. Ele contém todos os Urais em sua forma mais pura. A terceira música que vou citar é “Sonya Loves Petya”, escrita por Yegor Belkin - o hino do Old New Rock e o hino não oficial do clube de rock de Sverdlovsk.

1986. “Bound by One Chain” (“Nautilus Pompilius”)

O texto de um dos cartões de visita do grupo Nautilus Pompilius foi escrito em 1986, no alvorecer da “perestroika”, durante a chamada transição para as relações de mercado e o início da liberalização da sociedade soviética.

Na forma original da música, o verso “Atrás do nascer do sol vermelho está um pôr do sol marrom”. Este foi um indício do parentesco entre o regime político da URSS e a Alemanha nazista. Mas por insistência da direção do clube de rock de Sverdlovsk, a cor foi alterada para um poético “rosa” - sem conotações políticas. Ao contrário dos receios, a canção não suscitou quaisquer objecções por parte da liderança do partido.

1987. “Eu quero estar com você” (“Nautilus Pompilius”)

Música - Vyacheslav Butusov, letras - Ilya Kormiltsev

Quanto mais rápido a popularidade da música crescia, mais histórias, lendas e rumores ela adquiria. Segundo uma versão, o texto é baseado em uma história real que aconteceu com Butusov. Sua amada namorada cometeu suicídio porque Vyacheslav não respondeu às cartas durante o treinamento militar. De acordo com outra versão, Butusov escreveu a música em 1986 no apartamento de Alexei Balabanov, quando o aspirante a diretor estava filmando um episódio para sua tese de estudante. Yegor Belkin, que esteve presente, falou imparcialmente sobre nova música Butusova. Vyacheslav ficou chateado e, um ano depois, apresentou a música ao público em um festival em Tallinn, e a melodia, ao contrário das previsões de Belkin, foi um sucesso estrondoso. De acordo com a terceira versão, Butusov simplesmente “colou” a letra da música de dois poemas diferentes de Kormiltsev.

• Nikita Korytin, diretora do Museu de Belas Artes de Yekaterinburg:
• — Minha música favorita dos autores dos Urais é “Eu quero estar com você” do grupo “Nautilus Pompilius”. Não sei por que, mas essa melodia em particular realmente penetrou na minha alma.

1989. “Dança na ponta dos pés” (“Nastya”)

Música e letras - Nastya Poleva

“Dance on Tiptoe” foi a primeira composição da obra de Nastya Poleva, para a qual ela mesma escreveu o texto e a música. Antes, as letras de suas músicas eram compostas por melodias prontas.

Foi gravado e incluído no único álbum remake de mesmo nome da discografia de Nastya apenas em 1994. Em entrevista, Poleva disse que ao criar a música imaginou Napoleão, um pequeno imperador francês que muitas vezes tinha que se esticar e ficar na ponta dos pés.

• Yaroslava Pulinovich, dramaturga:
• — As músicas de “Nautilus Pompilius” vêm primeiro à mente, você não consegue nem escolher qual música é mais atraente; E eu gosto muito das músicas de Nastya Poleva desde que era adolescente - especialmente “Dance on Tiptoe”.

1989. “Ninguém vai ouvir” (“Chaif”)

A música foi escrita por Vladimir Shakhrin no verão, durante uma pescaria de duas semanas no Lago Balkhash. Shakhrin completou 30 anos e o entusiasmo juvenil foi substituído pelo reflexo de um homem adulto. “Fui dominado pela sensação de que você não é mais um menino - você já tem dois filhos, muitos de seus amigos já desapareceram em algum lugar”, lembra Vladimir. — E para Chaif, 1989 foi um período difícil. Começaram a tocar de forma um tanto viscosa, a leveza e a ironia desapareceram e não houve entusiasmo. Na música, de alguma forma, transmiti com muita precisão todas essas experiências.”

“Nobody Will Hear” refletia as realidades e estados de espírito dos últimos meses da URSS, mas, apesar disso, a música não se tornou uma música descartável - mesmo aqueles que, devido à sua tenra idade, não conseguem mais sentir o que significa “há um problema com o chá - só sobrou um pacote”, tudo pegará igualmente esse “grito de homem” histérico, colocando algo pessoal em “oh-yo” (o segundo título da música).

• Nastya Poleva, musicista, líder do grupo “Nastya”:
• — Gosto do período inicial de “Chaifs” - os tempos de “White Crow”. Quanto ao clube de rock de Sverdlovsk, seguimos o trabalho um do outro como antes e agora continuamos a fazê-lo - essas pessoas são muito queridas para mim. E se ainda falarmos de uma música, vou chamar de “Sargento Bertrand” do grupo “April March”.

1991. “Caminhando sobre as Águas” (“Nautilus Pompilius”)

Música - Vyacheslav Butusov, letras - Ilya Kormiltsev

A música é baseada em uma história bíblica modificada sobre a falta de fé do apóstolo Pedro. Segundo o texto, Peter foi substituído por Andrey, e o cenário de ação também foi ligeiramente alterado. Butusov gostou imediatamente do texto proposto por Kormiltsev, principalmente por sua falta de conotações cotidianas e sociais.

1993. “Como a guerra” (“Agatha Christie”)

Música e letra - Gleb Samoilov

Samoilov Jr. queria guardar a música para sua apresentação solo, então por muito tempo não a mostrou ao grupo. Depois que a música foi incluída no álbum, o tecladista de Agatha Christie, Alexander Kozlov, previu um grande futuro para a composição. E assim aconteceu - “Like in War” trouxe popularidade não apenas para o álbum em si, mas para toda a banda.

1994. “Orange Mood” (“Chaif”)

Música e letra - Vladimir Shakhrin

O mundo ouviu pela primeira vez a música “Orange Mood” de Vladimir Shakhrin em 1994, no álbum da banda de mesmo nome. Shahrin escreveu ele mesmo a letra e a música. “Orange Mood” foi gravada no estúdio “Novik Records” de Yekaterinburg em uma pequena sala do tamanho de uma cozinha comum. Os músicos não se prepararam especificamente para a gravação do álbum - eles queriam recriar a atmosfera dos shows em apartamentos e o clima “laranja” do início dos anos oitenta. Segundo Shakhrin, a música resultante se tornou o novo hino dos estudantes em vez de “Gaudeamus”, e após o lançamento da música, muitas empresas surgiram para organizar feriados com o nome “Orange Mood”. Os Chaifs foram os primeiros a pensar em transformar o bom humor em cor laranja, criando um hino sincero e otimista para o cara comum que descansa em seu dia de folga.

• Victor Sheptiy, deputado da Assembleia Legislativa da região de Sverdlovsk:
• — Gosto da música “Orange Mood” do grupo “Chaif”, porque é positiva e muito Ural. Além disso, conheço Vladimir Shakhrin pessoalmente e já assisti a seus shows mais de uma vez. A música deles é de nível verdadeiramente profissional. E eu realmente gosto dela. Se Shahrin concordar, com certeza cantarei “Orange Mood” com ele!

1994. “17 anos” (“Chaif”)

Música e letra - Vladimir Shakhrin

Shahrin escreveu essa música para sua esposa Elena, após dezessete anos de casamento. O líder do grupo Chaif ​​​​conheceu a esposa em 1976, quando estudava em uma faculdade de construção. Como lembra o próprio músico, isso aconteceu durante o treino na academia: “Eu a vi dançando, fazendo alguns exercícios de ginástica na trave. Fiquei encantado pela graça e pelo charme, comecei a namorar, tivemos um romance turbulento, que foi acompanhado com atenção por todo o albergue.” Algum tempo depois, o casal se casou e teve duas filhas.

Quanto à frase “Deixe tudo ser como você quiser”, segundo a lenda, Mike Naumenko a deixou como autógrafo no pôster como lembrança de Shakhrin.

1995. “Taiga de conto de fadas” (Agatha Christie)

Música - Alexander Kozlov, letras - Gleb Samoilov

Os músicos chamam a música de “piada estética”. Durante os ensaios, descobriu-se que a melodia de “Fairytale Taiga” lembra uma das músicas do filme “Ivan Vasilyevich muda de profissão”. Os membros da banda decidiram brincar com isso e gravaram um vídeo no qual participaram quase todos os atores principais. comédia famosa Leonid Gaidai - Yuri Yakovlev, Alexander Demyanenko, Natalya Krachkovskaya e Leonid Kuravlev. “Agatha Christie” dedicou o vídeo resultante à memória do lendário diretor.

1995. “Por que diabos precisamos de guerra” (Olga Arefieva e o grupo “Ark”)

Música e letra - Olga Arefieva

A canção do manifesto pacifista refere-se ao slogan da Guerra do Vietnã “Faça amor, não faça guerra”. Veteranos cansados ​​​​e desgastados pela guerra - soldados e marinheiros - na velhice decidem começar uma vida normal. Mas nem tudo é tão simples, porque “a infecção está em nós” - isto é, a guerra deve ser eliminada antes de tudo de nós mesmos...

1998. “Argentina - Jamaica - 5:0” (“Chaif”)

Música e letra - Vladimir Shakhrin

Como você sabe, o líder do grupo Chaif, Vladimir Shakhrin, é um grande fã de futebol. E a ideia de criar a música “Argentina - Jamaica - 5:0” nasceu, claro, no campo de futebol. Em 1998, na Copa do Mundo da França, a seleção jamaicana perdeu para a Argentina com um placar desastroso e perdeu a chance de chegar aos playoffs. Após o jogo, Vladimir Shakhrin (que na época estava em Paris), passando pela Torre Eiffel, avistou um grupo de jamaicanos - eles estavam sentados no asfalto, batendo tambores e cantarolando algo triste, e ao lado deles estavam os argentinos dançando e se divertindo... Voltando para casa, Shahrin escreveu uma música reggae.

1999. “Medlyak” (“Sr. Creed”)

Música e letra - Alexander Makhonin

Alexander Makhonin - também conhecido como Mister Credo - nasceu na Ucrânia, mas ainda jovem mudou-se para Yekaterinburg com seus pais. O auge da carreira deste intérprete é a canção “Medlyak” ou como também é chamada “White Dance”, sem a qual nem uma única discoteca em todos os clubes do país poderia prescindir dela.

Não se sabe a quem Makhonin realmente dedicou essa música, mas, como diz o cantor, sua esposa Natalya sempre inspirou sua criatividade. Graças a ela apareceu este pseudônimo incomum “Mr. Credo”: “No início dos anos 90 não tínhamos Chanel nem Paco Rabanne, e a regra da boa forma era ter perfumes da empresa letã Dzintars”. Minha namorada usava perfume dessa empresa chamada “Credo”. E uma vez ela me chamou de brincadeira de “Meu amado Sr. Credo”. Eu gosto disso. Eu me chamei de Sr. Creed e me casei com a garota.

2000. “Calor” (“Chicherina”)

Música e letra - Alexander Alexandrov

“Heat” foi escrita pelo guitarrista e backing vocal da banda Chicherina. No ano em que “Calor” foi escrito, o verão nos Urais foi muito seco e anormalmente quente. Aleksandrov, sentado em uma sala, escreveu um texto simples sobre uma heroína que se atrasou para um encontro por causa do calor.”

2000. “Forever Young” (“Significando Alucinações”)

Música - Sergei Bobunets, letras - Sergei Bobunets, Oleg Genenfeld

Foi apresentado pela primeira vez no filme “Brother-2” (2000). Sergei Bobunets diz que a ideia desta música estava amadurecendo há vários meses; o músico queria escrever sobre a eterna juventude, embora temas semelhantes já tivessem sido utilizados por muitos grupos: “Eu queria escrever uma espécie de hino para me justificar, meus amigos... E então um dia em uma boate eu defendi uma garota (ela mais tarde se tornou minha esposa), e no dia seguinte, quando eu estava mentindo e “queimando” meus olhos roxos com pasta de dente, Oleg, nosso diretor , vim visitar um amigo doente e em meia hora escrevemos duas músicas, uma delas era “Forever Young”.

Aliás, como escreveu “OG”, é com essa música que um dos nossos melhores boxeadores, o campeão mundial Sergei Kovalev, entra no ringue: “Uma vez ouvi a música “Semantic Hallucinations” e decidi que iria para lá .”

2000. “Estrelas 3000” (“Significando alucinações”)

Música - Sergei Bobunets, letras - Oleg Genenfeld

Oleg Genenfeld e Sergei Bobunets escreveram juntos a letra de muitas das canções de “Semantic Hallucinations”. Como eles próprios dizem, pela primeira vez tentaram compor uma linha cada - foi assim que apareceu a música “Helicóptero”, depois “ Óculos rosa” e “Forever Young”... Mas os poemas de “Stars 3000” foram escritos na íntegra pela primeira vez pelo próprio Oleg: “Eu estava atormentado pela insônia naquela época. Às quatro da manhã resolvi tomar um café, sentei na cozinha e escrevi logo “Estrelas” sem rascunho, em texto simples.”

A propósito, os cosmonautas russos têm a tradição de assistir ao filme “Sol Branco do Deserto” antes do voo. Após o lançamento da música, outra apareceu - não deixe de ouvir “Stars 3000”. Eles até deram a Oleg um chaveiro com um astronauta, que ele carrega na mochila como um talismã.

2001. “Saucers” (“Chicherina”) Música - Yulia Chicherina, letra - Alexander Alexandrov

A melodia foi lançada em 2001 em um álbum chamado “Current”. De acordo com o enredo do vídeo desta música, um grupo de jovens músicos brinca e joga golfe ao lado de um raro vaso semimístico de origem extraterrestre. Eles têm todas as chances de quebrar essa maravilha cara, mas no final, os golfistas profissionais que jogam na margem oposta quebram-na com um golpe preciso.

2011. “Guindastes” (“Alai Oli”)

Música e letra - Olga Marques

Alai Oli é uma banda de reggae-ska criada por Olga Marquez e Alexander Shapovsky. A música "Cranes" é cartão de visitas equipe. A composição foi escrita em Yekaterinburg e dedicada ao amigo do solista.

2012. “Nuvens” (“Samsara”)

Música e letra - Alexander Gagarin

O grupo Samsara foi fundado em 1997. “Eu componho músicas em qualquer lugar”, conta Alexander Gagarin. - Mas eu tenho muita preguiça, quando aparece metade da música eu já me acalmo, sei que de um jeito ou de outro vai acabar. Cantamos “Clouds” há três anos, mas parece-me que nunca me cansarei”...

2012. “Kurara-Chibana” (“Kurara”)

Música - Yuri Obleukhov, letra - Oleg Yagodin

Solista de “Kurara” Oleg Yagodin: “Ouvimos “GusGus” e seu álbum “Arabian Horse” durante seis meses. E sugeri que os caras fizessem algo parecido. Muitas vezes nos perguntam o que é "Kurara-Chibana" - na verdade é o nome da garota japonesa, Miss Universo 2006.

• Sergei Netievsky, participante do espetáculo " Bolinhos Urais»:
• — Estou com clima de Ano Novo, então a primeira coisa que me vem à mente é a nossa música “dumplings” (está tudo bem se eu for um pouco imodesto?). “Ano Novo - tangerina na boca!” Alguns anos atrás, os caras e eu escrevemos para Concerto de ano novo e até cantou com os Chaifs.

Ramo Ural da União dos Compositores da Federação Russa

(até 1966, departamento de Sverdlovsk)

sociedade organização. compositores e musicólogos, promovendo o desenvolvimento da criatividade, execução e divulgação da música Ural. autores. Formado em 1939 pela Comissão Organizadora, chefiada por M.P. Frolov (presidente do departamento em 1939-44). V. A primeira composição incluiu V.N. Trambitsky (presidente em 1944-48), V.I. Shchelokov (presidente em 1948-52), N.R. Conservatório B.D. Gibalin (presidente em 1952-59), N.M. Khlopkov e outros Nas décadas de 1940-50, os graduados de Leningrado tornaram-se membros do Sindicato. (A.G. Friedlander, K.A. Katsman, L.B. Nikolskaya) e Uralsk. conservatório: G.N. Beloglazov (presidente em 1953-61), N.M. Puzey (presidente em 1961-66, 77-88), G.N. O departamento SK reuniu compositores de Sverdl., Permsk., Chelyab., Orenb., Tyumen. região Em 1961, foi aberta a primeira seção juvenil do país no Comitê de Investigação, composta por: M. Kesareva, V. Bibergan, V. Kazenin (desde 1930, Presidente do Comitê de Investigação da Rússia), N. Berestov (desde 1979, Presidente do Comitê de Investigação da Yakutia), S. Manzhigeev (desde 1979 presidente do Comitê de Investigação da Buriácia), E. Gudkov (), musicólogos N. Vilner, L. Marchenko. O organizador da seção juvenil da nova geração (desde 1982) foi A. Nimensky (desde 1995, presidente do Departamento do Comitê de Investigação). Em 1983, foram formados governos autônomos. departamento em Chelyabinsk, em 1993 - em Perm.

O Sindicato realiza eventos criativos regulares. reuniões com exposição e discussão de novos produtos. Formulário, relatando yavl. plenários (a cada 3-4 anos), festivais, participação em congressos de composições de toda a Rússia e de toda a União. em Moscou, apresentações nas cidades dos Urais e outras regiões do país, no exterior. Para melhorar as condições criativas. O Departamento do Trabalho opera um fundo de seguro. Desde 1981, reuniões regulares com ouvintes são realizadas no clube Camerata, liderado por Zh. Na década de 1990, o UrO SK uniu aprox. 40 músicos. Entre eles está Nar. Artistas russos K. Katsman, E. Rodygin; mais de 10 homenagens números de ações judiciais, laureados estaduais. (V.A. Kobekin) e Prêmios Leninsk Komsomol (E. Rodygin, S. Sirotin, E. Shchekalev), Prêmio do Governador (V. Kobekin, musicólogo T. I. Kaluzhnikova), etc. compositores vencedores do Internacional competições (O.Ya. Nirenburg, L.I. Gurevich, M.A. Basok, E.N. Samarina, A.B. Byzov, etc.), participantes permanentes do Internacional. festivais. (V. Kobekin na Alemanha, V.D. Barykin na Áustria, etc.). Espalhe você. a música é facilitada pela organização nos Urais do lançamento de CDs com gravações de composições de membros do Ramo Ural do SK interpretadas por ur. músicos.

Aceso.: Compositores dos Urais. Sverdlovsk, 1968; Compositores de Yekaterinburg. Ecaterimburgo, 1998; Problemas da música moderna. cultura: virada do século // Resumos de relatórios de toda a Rússia. conf., dedicado 60º aniversário da música Ural. Yekaterinburgo, 1999.

L. K. Shabalina

Enciclopédia Histórica dos Urais. - Ramo Ural da Academia Russa de Ciências, Instituto de História e Arqueologia. Yekaterinburg: Livro Acadêmico. CH. Ed. V. V. Alekseev. 2000 .

Veja o que é o “Ramo Ural da União dos Compositores da Federação Russa” em outros dicionários:

FILIAL URAL DA UNIÃO DE COMPOSITORES DA RÚSSIA- (até 1966 Sverdl. separação). Básico em 1932 (aprovado oficialmente em 16 de maio de 1939) por V.N Trambitsky e M.P. Em anos diferentes A Diretoria do ICR foi chefiada por V.I. Shchelokov, B.D. Gibalin, N.M. Em 1961... ... Ecaterimburgo (enciclopédia)

Shchelokov, Vyacheslav Ivanovich- Este artigo deve ser Wikiificado. Formate-o de acordo com as regras de formatação do artigo. A Wikipedia tem artigos sobre outras pessoas com o mesmo sobrenome, veja Shchelokov... Wikipedia

República Socialista Federativa Soviética Russa- RSFSR. I. Informações gerais A RSFSR foi fundada em 25 de outubro (7 de novembro) de 1917. Faz fronteira a noroeste com a Noruega e a Finlândia, a oeste com a Polónia, a sudeste com a China, a MPR e a RPDC, bem como nas repúblicas sindicais incluídas na URSS: a oeste com... ...

República Socialista Federativa Soviética Russa, RSFSR (educação pública e instituições culturais e educacionais)-VIII. Educação pública e instituições culturais e educacionais = A história da educação pública no território da RSFSR remonta aos tempos antigos. EM Rússia de Kiev a alfabetização elementar era difundida entre diferentes segmentos da população, sobre a qual... ... Grande Enciclopédia Soviética

Cultura musical dos Urais

A cultura musical dos Urais é caracterizada pela diversidade de nacionalidades. tradições e sócio-culto. formas de manifestação da música. Atividades. Música a vida da região é apresentada por M.K. Russo, Bashk., Udm. e outros povos. No processo de colonização da U. Rus. dos séculos XI-XII. A cultura russa foi formada aqui. MK. Rússia. música folclore trazido para a Ucrânia de vários regiões da Rússia enriqueceram a imagem etnicamente diversa da população local. música criatividade. Nv. russo. o folclore desenvolveu-se sob a influência predominante do norte da Rússia. tradições. Uma das suas características notáveis ​​é a proximidade das aldeias. e montanhas culturas, devido à disseminação do tipo ocidental de assentamento nos EUA. As primeiras gravações folclóricas com texto musical na Rússia foram coletadas no século XVIII. nas terras Ur.-Siberianas por K. Danilov, que serviu com os Demidovs.

Naib. antigos centros de russo profissional MKU associado a escolas ortodoxas canto coral. Nas igrejas das propriedades Stroganov ur.-Pomeranian e Kama nos séculos XVI-XVII. formou-se uma escola de canto “Usolskaya”, entre cujos mestres havia um enxame de famosos. S. Golysh, I. Lukoshkov, F. Subbotin. Reformas russas as igrejas do final do século XVII, que causaram o reassentamento forçado dos cismáticos na Ucrânia, levaram a uma existência paralela nos séculos XVIII-XX. duas tradições russas canto religioso: Velho Crente, basicamente monodicoral, que manteve as habilidades de canto com estandartes, ou ganchos, e polifônico, aceito pela igreja oficial “Nikon”. Espalhado na Rússia através da Ucrânia e da Rússia Ocidental. A polifonia dos templos partes foi apoiada e adotada pela escola Stroganov no final do século XVII. Os futuros clérigos estudaram a habilidade do canto polifônico a`sarelIa em mosteiros, igrejas e, mais tarde, em escolas e seminários teológicos. Cantar era disciplina obrigatória nas escolas paroquiais e no início. escola Fortes tradições folclóricas e musicais, estabelecidas pelo prof. escolas de canto religioso, bem como aulas de canto gratuitas. e cursos de regência organizados por A. Gorodtsov, F. Uzkikh e outros contribuíram para manter um alto nível da cultura coral russa. nós. VOCÊ.

História do russo instrumental. a música na U. remonta à prática de tocar nar. instrumentos. Tornando-se um prof. música A alegação está relacionada com instrumentos europeus. origem. Apresentações amadoras solo e em conjunto sobre eles tornaram-se difundidas no século XVIII. obrigado aos engenheiros de minas, advogados e outros especialistas que vieram da Europa para a Ucrânia e c. Rússia (em particular, a Carta e o Programa Educacional da Mineração de Petersburgo corpo de cadetes prevista a formação obrigatória em música). Os cientistas políticos desempenharam um papel significativo na popularização da performance de câmara amadora. exilados.

Um componente importante da música. nível de vida havia orcs, incl. regimentais militares introduzidos na Rússia por Peter I. Orc. organizado em cidades fronteiriças, províncias. cidade (Orenb., Perm), em grandes fábricas governamentais e privadas (Ekat., Nizhny Tagil, etc.). Tradições de atrair orcs regimentais e militares. para participação em celebrações oficiais, foram preservados até o século XX. Durante o século XIX. várias funções operadas nos EUA. por composição, postagem. e vr. orc. grupos destinados a produções musicais e teatrais, atendendo bailes, shows e programas de entretenimento do Irbit Yarm., temporadas de verão em cidades privilegiadas. jardins, resorts, etc. Entre os conhecidos nos EUA no século XIX. mestres de banda orc. - violinistas V. Meshchersky, J. e I. Tikhacheki, L. Goyer, M. Krongold, L. Vinyarsky e outros. passou a exercer funções educativas. As produções apareceram em seu repertório. música clássica.

K ser. Século XIX aumento no número de alunos estabelecimentos, o influxo de estrangeiros e russos. especialistas contribuíram para elevar o nível do M.K.U., o que atraiu a atenção de intérpretes e trupes de música e teatro. Suas atividades se intensificaram em conexão com o desenvolvimento da navegação ao longo do Kama e o comissionamento da ferrovia.

PARA final do século XIX V. na organização musical A vida de U. sofreu mudanças significativas; em Perm e Yekat. Círculos de música e teatro foram formados, clubes de música privados foram abertos. escolas. Nos corredores dos nobres e das sociedades. coleção As operações foram realizadas por amadores com a participação de solistas em turnê. produções, programas de concertos complexos. Liderado pelas musas. foram poucos os casos. prof. - graduados em São Petersburgo, Moscou. e o Conservatório de Varsóvia e músicos amadores V. Vsevolozhsky, V. Bolterman, I. Diaghilev, S. Gedgovd, E. Peterson, G. Naglovsky em Perm, S. Gilev, P. Davydov, S. Hertz, G. Svechin, E .Schneider, P.Kroneberg em Ekat. e outros Em 1894, o primeiro U. op. teatro. Em Ekat. às 19h00. Uma sala de concertos foi construída para o Banco Siberiano por I. Makletsky. No início. Século XX Ur. departamento. Imperial Russo música sociedades foram formadas em Perm (1908) e Ekat. (1912). Em Ekat. após a abertura do op. teatro (1912) baseado na música. aula IRMO, diretor V. Tsvetikov, foi criada a primeira música nos EUA. escola (1916).

Eventos de 1917 e civis. A guerra interrompeu as atividades das escolas de canto religioso, das organizações de teatro, concertos e educação musical e levou à liquidação do departamento. IRMO, pela saída de músicos de destaque. No trabalho clubes, unidades militares e escolas, a prática da educação universal foi estabelecida. hinos, canções, marchas. Foram organizados comícios e concertos em teatros e salas de concerto, terminando com o canto em massa da “Internationale”. Os concertos das brigadas de música e teatro da Blusa Azul nas empresas tornaram-se difundidos. Na operação. teatros por falta de produção. rev.-polit. tópicos, foram realizados experimentos para atualizar o conteúdo do op clássico. Assim, “Life for the Tsar” de M. Glinka (antes de se estabelecer na versão “Ivan Susanin”) foi encenada em Sverdl. intitulado "O Martelo e a Foice" (1925). Estado ordem de produção rugido o conteúdo levou ao surgimento do plural. operação ideológica superficial.

Nestas condições difíceis, os EUA mantiveram um nível relativamente elevado de prof. e amador M.K. Na operação. trupes de Perm e Sverdl. Solistas talentosos cantaram. Orc. op. postagem de teatros. deu concertos sinfônicos(maestros I. Palitsyn, A. Margulyan e outros). Desenvolvimento de M.K. contribuiu para a descoberta da música. escolas e instituições educacionais em Perm (1924) e Orenb. (1927). Em 1929 em Sverdl. música início da escola prof. treinamento de desempenho em vernáculo instrumentos, que mais tarde permitiram a criação de conjuntos de concertos e orquestras. adv. ferramentas. Do segundo andar. Na década de 1920, a música era transmitida regularmente. transmissões de centros de rádio locais. Gestão Sverdl. música a transmissão de rádio foi chefiada pelo compositor V. Trambitsky.

Na virada das décadas de 20 e 30, o processo de industrialização acelerada da Ucrânia, que determinou o crescimento da sua população, exigiu uma expansão da rede de instituições culturais. Teatros musicais comédias estreadas em Sverdl. (1933) e Orenb. (1936). Na região c. foram organizados por estado sociedade filarmónica, reunindo vários conjuntos instrumentais, grupos corais e de dança, música e literatura. Salas de leitura Ts. lugar na estrutura de Sverdl. A Filarmónica foi ocupada pela primeira e única orquestra sinfónica dos EUA. (1936) no cap. com o maestro M. Paverman. Um conservatório foi criado em Sverdl. (1934), música. escola em Chelyab. (1935) e Magnitogorsk (1939).

Um fenômeno notável foi o desenvolvimento da arte. apresentações amadoras. Social os princípios da educação musical e estética dos trabalhadores assumiram as atividades educativas dos músicos profissionais. Sob suas mãos. nas cidades, vilas e aldeias. vocal de câmara, coral, orquestral, op. canecas. Para identificar os melhores intérpretes, foram realizados concursos de arte. apresentações amadoras.

Na implementação do partido-estado. afinar A década de 1930 foi marcada pelo fortalecimento dos métodos de comando administrativo de gestão cultural. Rápido. Comitê Central do Partido Comunista dos Bolcheviques de União, datado de 23 de abril. 1932 “Sobre a reestruturação das organizações literárias e artísticas” marcou o início. aprovação de formas stalinistas de ideologização da cultura, incl. introdução de um sistema hierarquicamente centralizado de sindicatos criativos. Nv. departamento. A União dos Compositores da URSS (Sverdl.) foi formada em 1939. Nas suas origens estavam os compositores M. Frolov (presidente do conselho), V. Trambitsky, V. Zolotarev, V. Shchelokov e outros. a criatividade restringiu a iniciativa dos compositores e dificultou o desenvolvimento das musas. linguagem

As repressões dos anos 30 também afetaram o destino dos músicos, por exemplo, artistas orcs. Sverdl. teatros op. e balé (V. Volak, G. Kozlovitsky, I. Petkevich) e comédia musical (A. A. Vacker).

Durante o nível de guerra. a terra tornou-se um abrigo para aqueles evacuados de Leningrado para os EUA. teatros op. e balé com o nome. S.M. Kirov (Perm) e Maly op. (Orenb.), para os compositores S. Prokofiev, D. Kabalevsky, o pianista G. Neuhaus, os musicólogos V. Zuckerman, M. Druskin e outros. e a criação de música nos EUA. tal. instituições, grupos performáticos. Então, em 1943 em Sverdl. estava aberto na quarta. música especial escola em Ur. Conservatório, em 1945 em Perm - escola coreográfica. Em 1943, uma sociedade filarmônica foi organizada em Kurgan, Sverdl. A Filarmônica apareceu como acadêmico. capela do coro (diretor de arte Z. Ishutina) e Ur. adv. coro (diretor artístico L. Christiansen), em 1944 foi criada uma capela do coro em Magnitogorsk (diretor artístico S. Eidinov). Muito trabalho foi feito pelas equipes de concerto, que realizaram dezenas de milhares de apresentações em francês. e na parte traseira. Sr. Os músicos partiram para a França, nem todos voltaram do campo de batalha.

Final dos anos 40 - cedo. Anos 50 para o desenvolvimento da música. os processos judiciais na URSS foram desfavoráveis. Rápido. Comitê Central do Partido Comunista de União (Bolcheviques) “Sobre a ópera “Grande Amizade” de V. Muradeli” datada de 10 de fevereiro. 1948 consolidou os princípios do partido-estado. mãos cultura. Recriminações de “formalismo” dirigidas aos principais criadores de corujas. música, forçando-os ao auto-arrependimento público levou a uma maior supressão de sua potencial criativo. A ópera "The Thunderstorm" de V. Trambitsky (baseada em A. Ostrovsky) foi retirada da produção em Leningrado. Teatro com o nome S. Kirov. A completa rejeição da nova música estrangeira do século 20, sua longa ausência de concertos, teatro e programas educacionais empobreceu o M.K. Sucessos foram alcançados no gênero coral-canção promovido (B. Gibalin, L. Lyadova, E. Rodygin). Adquirido desde os primeiros anos das corujas. experiência das autoridades na organização do público em geral. festividades, acompanhadas de cantos em massa, foram utilizadas durante os “Festivais da Canção” nos EUA. Sverdl participou ativamente de sua organização desde 1957. região sociedade coral no cap. com G. Rogozhnikova. Desde o final dos anos 50, a televisão tem desempenhado um papel importante na popularização das canções pop populares. A composição de canções tornou-se a base das obras sinfônicas. você. compositores N. Puzey, G. Toporkov e outros.

Na década de 50, o Sverdl foi inaugurado nos EUA. região musical-dramático e Chelyab. op. teatros. Nv. O tema nos anos 40-50 foi encarnado no balé “A Flor de Pedra” de A. Friedlander, op. "Okhonya" de G. Beloglazov, op-aqueles "Mark Beregovik" de K. Katsman e outros op. compositores W.

No final dos anos 50 e 60, a rede de acadêmicos expandiu-se de forma incomum. instituições cujos programas previam música. educação: institutos de cultura (Chelyab., Perm), escolas de música, música-pedagógica e cultural-educacional, música. professores em pedintes e pedagogos, escolas de arte infantil. Com plural Empresas, universidades, faculdades técnicas e escolas criaram botas de cano alto culturais, cujas aulas também eram ministradas por professores musicólogos.

Nv. A escola de concertos e performances foi representada pelo quarteto de cordas que leva seu nome. N. Myaskovsky, pianista I. Renzin, tocador de balalaica V. Blinov, cantor V. Baeva, etc. teatros dos EUA. Uma série de produções de Sov. op. implementado com sucesso Perm. operação de teatro. e balé.

Música amadora A arte nas décadas de 60 e 70 caracterizou-se pela difusão de canções originais, principalmente entre jovens e estudantes. Em U. havia org. clubes de música amadores. Aumentando a rega. a atualidade da música original e o repertório dos grupos de rock predeterminaram o desenvolvimento dessas tendências como arte underground. Na segunda metade. Anos 80 graças aos grupos de rock “Nautilus Pompilius”, “Agatha Christie” e outros, que receberam amplo reconhecimento. fama, Sverdl.-Ekat. tornou-se um dos c. musica rock.

Abertura de departamentos de variedades a partir da década de 70. em Sverdl. música escola, Chelyab. instituto de cultura contribuiu para o desenvolvimento das tradições do jazz clássico e a manutenção de altos prof. nível plural grupos de variedades U. Acad. música A reivindicação dos EUA dos anos 70-80 foi apresentada da seguinte forma músicos talentosos, como laureado de Estado. Avenida URSS. compositor V. Kobekin (1987), cap. maestro e chefe dir. Sverdl. op. teatro E. Brazhnik e A. Titel, laureados do internacional. e pianista de competições All-Union N. Pankova, dom player T. Volskaya, acordeonista V. Romanko, cap. maestro da orquestra sinfônica. Sverdl. A Sociedade Filarmônica de V. Kozhin e outras sociedades corais foram transformadas em sociedades musicais, unindo representantes. diferente. tipos de música ação judicial (1987).

Na virada dos anos 80-90, quando se abriram novas oportunidades para a manifestação da iniciativa pessoal dos organizadores musicais. assuntos, em U. começando. formar numerosos teatro musical independente e bandas de concerto: conjunto, orquestra, coral (incluindo canto religioso), dança. Remoção do status fechado das grandes cidades industriais. c. A Ucrânia tornou possível desenvolver relações externas bilaterais. Eventos internacionais começaram a ser realizados regularmente na Ucrânia. música festivais: duetos de piano (Ekat.), música de órgão(Chelyab.), performances individuais (Perm). Nv. os artistas intensificaram suas atividades de turnê no exterior e passaram a participar mais amplamente em eventos internacionais. competições A habilidade das musas infantis aumentou. equipes. Descoberta musical liceus (incluindo coros) e sociedades filarmônicas infantis (Ekat., 1979 e Chelyab., 1984) - evidência de uma nova abordagem para o desenvolvimento da música. habilidades das crianças. Esta é a fonte do sucesso futuro.

Aceso.: Do passado musical. Vol. 1. M., 1960; Vol. 2. M., 1965; Compositores dos Urais. Sverdlovsk, 1968; Sobre música e músicos dos Urais. // Notas científicas e metodológicas do Conservatório do Estado dos Urais. Vol. 3.Sverdlovsk, 1959; Parfentiev N.P., Parfentieva N.V. A escola Stroganov na música russa dos séculos XVI-XVII. Cheliabinsk, 1994; Belyaev S.E. Educação musical nos Urais: origens, tradições. Ecaterimburgo, 1995; Belyaev S.E. Figuras da cultura musical dos Urais no século XVI e início do século XX. Livro de referência bibliográfica. Yekaterinburgo, 1999.

CONSERVATÓRIO DO ESTADO DE MAGNITOGORSK

Departamento de Regência Coral

Resumo da tese

Retrato criativo Compositor dos Urais Vladimir Sidorov

Cantata “Nos Urais na Fábrica” (nº 7 “Espantalho”, nº 8 “Canção Antiga”)

Concluído por: aluno do 5º ano

Deev Constantino

Professor-consultor:

Arte. professora Silagina N.S.

CAPÍTULO 1

Desenvolvimento da criatividade do compositor no sul dos Urais

A história dos Urais é uma das páginas mais brilhantes e heróicas da história da Rússia. No final do século XVI, nos Urais do Sul, como resultado da construção de uma série de fortificações fronteiriças, as terras foram colonizadas por colonos russos e colonos dentre os povos da região do Volga. Com o surgimento dos assentamentos cossacos russos, surgem novas oportunidades para o desenvolvimento cultural geral da região. Os colonos trouxeram para cá a escrita russa e as tradições da arte popular.

No final do século XVII e início do século XVIII, a grande indústria mineira e metalúrgica desenvolveu-se fortemente nos Urais. Artesãos e mineiros, carvoeiros e lenhadores, carpinteiros, pedreiros e outros trabalhadores a levantaram. Igrejas ortodoxas e escolas paroquiais foram construídas nas aldeias cossacas. Foram os principais centros culturais dos assentamentos emergentes. Um desses centros no sul dos Urais foi a vila de Magnitnaya, fundada em 1743. (8)

A região dos Urais do Sul, musicalmente, permaneceu por muito tempo um remanso provincial na Rússia. E embora se realizassem concertos na nossa região nos séculos XVIII e XIX, encontros musicais, subscreveu-se literatura musical e venderam-se instrumentos musicais, não há necessidade de falar de uma cultura musical desenvolvida da época.(2)

A cultura musical dos Urais do Sul começou a desenvolver-se ativamente a partir do final do século XIX. Os moradores mais ricos dos Urais do Sul demonstraram particular interesse pela música, que contavam com suas próprias pequenas orquestras e corais que faziam apresentações e concertos abertos. Um dos representantes mais brilhantes desta camada da sociedade foram os irmãos Pokrovsky e o gerente da destilaria M.D. Entre os moradores de Chelyabinsk falava-se até do seguinte: “Para conseguir um emprego com os Pokrovskys ou Ketov, você certamente deve saber cantar ou tocar algum instrumento”. (2)

A cultura musical deste período manifestou-se principalmente na forma de amadorismo. “A base do repertório eram antigas canções cossacas, que não perderam o sentido no início do século XX. A coleção “Canções dos Cossacos de Orenburg”, compilada pelo centurião A.I. Myakutin e publicada em 1905, era muito popular.” (8)

No final do século XIX e início do século XX, músicos famosos vinham cada vez mais fazer turnês pelo sul dos Urais. O ímpeto para intensificar as atividades de concerto de artistas das cidades centrais da Rússia foi a construção da Ferrovia Transiberiana. Sabe-se, por exemplo, que F.I. Chaliapin, então ainda aspirante a artista de ópera, veio a Zlatoust para concertos em 1892. Em 1903, G. Morgulis, de 26 anos, chegou a Chelyabinsk, que se tornou essencialmente o fundador da cultura musical do sul dos Urais.(2)

Um ponto de viragem que mudou radicalmente a vida das aldeias cossacas foi a grandiosa construção de um gigante metalúrgico. Nesse período surgiram os primeiros brotos da cultura musical de Magnitostroy, incorporando ideias fecundas pedagogia musical e educação musical dos anos 20. “Desde os primeiros dias de construção vieram para cá músicos talentosos e de grande formação. Eles estabeleceram uma base sólida para uma cultura musical e, mais amplamente, artística genuína. Graças a eles foi possível preservar em grande parte o que poderia ter se perdido em outros centros culturais do país: o rumo de todo trabalho musical para uma iluminação ampla e profissionalmente equipada e para uma elevada realização espiritual de ações criativas e conexões renovadas com a cultura artística do passado.” (8) As atividades de músicos maravilhosos como L. Averbukh, V. Dekhtereva, M. Novikov, N. Gurevich, L. Weinstein tornaram-se um impulso poderoso para o desenvolvimento da cultura musical de Magnitostroy.

A terra dos Urais do Sul alimentou uma galáxia de músicos, muitos dos quais deram uma contribuição significativa para o desenvolvimento da música russa. Nomes como V. Krylov (o fundador da formação profissional em tocar acordeão de botão), N. Faktorovich (um dos fundadores da Orquestra Sinfônica Filarmônica), E. Filippova (por muitos anos foi o maestro titular do teatro de opereta ), I. Zak (lançou uma base sólida para as atividades do Teatro de Ópera e Ballet de Chelyabinsk em homenagem a M.I. Glinka), S.G. Eidinov - músico - lenda (criador do primeiro coro profissional), o musical Magnitogorsk não pode ser imaginado sem esta pessoa incrível, eles constituem o orgulho da cultura dos Urais do Sul.(2)

Nos anos do pós-guerra, a criatividade dos compositores amadores começou a desenvolver-se ativamente. Refletiu principalmente o mundo interior das experiências humanas, a resposta aos acontecimentos em curso na cidade e na região dos Urais do Sul. A base da melodia revelou claramente as características da composição folclórica. Shutov Ivan Iosifovich é um dos primeiros compositores amadores do sul dos Urais. “Sua música, como um rio límpido, refletia tudo o que constitui a alma de um russo: seu amor, sua dor, a história de sua vida, lugares caros ao seu coração.” O compositor escreveu muitas obras (músicas) sobre os Urais, elogiando a beleza, a extensão de sua terra natal, o trabalho árduo e a coragem de seus filhos e filhas. (2)

Entre os primeiros fundadores que lançaram as bases para a atividade de composição profissional na região de Chelyabinsk estão as figuras de E. Gudkov e M. Smirnov, que começaram a trabalhar na década de 60. Foram eles que escreveram as primeiras páginas da crônica musical de Chelyabinsk. Isto é confirmado pelo musicólogo S. Gubnitskaya no artigo “Até os Novos Amanheceres dos Urais”: “Gudkov e Smirnov são representantes da geração mais velha de compositores de Chelyabinsk, a formação da criatividade dos compositores em nossa região está associada aos seus nomes... Seus nomes o trabalho é sempre uma resposta direta aos acontecimentos mais importantes dos nossos dias, é um reflexo dos sentimentos e aspirações do povo russo.” (9)

Na década de 70, uma associação de compositores foi formada em Chelyabinsk, representada por talentos brilhantes e únicos. E em maio de 1983, a filial de Chelyabinsk do Sindicato dos Compositores da RSFSR foi inaugurada. No mesmo ano (18 de dezembro), realizou-se em Sverdlovsk o 12º plenário da organização de compositores dos Urais, dedicado à obra de jovens autores. Hoje são nomes bem conhecidos entre músicos amadores e profissionais: Yu.E Galperin, V.P. Sua criatividade é brilhante e direção interessante na vida musical da região e tem uma influência significativa no desenvolvimento da cultura musical dos Urais.

O tema preferido dos compositores dos Urais é o tema da Pátria, do seu passado histórico, do quotidiano do nosso tempo, reflectido nas obras de E. Gudkov (oratório “A Rússia deu-me um coração”), M. Smirnov (cantata “Glória ao nosso poder”), V. Gibalin (ciclo “Felicidade” estradas difíceis”) e outros.

Não há um único acontecimento importante na vida do país que não receba eco nas obras dos compositores Urais: a cantata “Primavera da Vitória” de Y. Galperin, escrita para o 30º aniversário da vitória sobre o fascismo, M. Smirnov “ Glória ao povo vitorioso”, oratório de V. Sidorov “O Conto da Montanha Magnética”, dedicado ao 50º aniversário da Usina Metalúrgica Magnitogorsk e outros.

Com toda a amplitude dos interesses criativos dos compositores Urais, a multiplicidade de temas, diferentes amplitudes figurativas, é claramente visível um tema que une todos os autores: este é o tema da região nativa dos Urais, glorificando as façanhas laborais, a beleza espiritual e a força de o povo Ural, a natureza única do cinturão de pedras, os nossos dias. A viragem dos compositores para a poesia e a literatura regionais permitiu-lhes não só dominar profundamente a história, as tradições e os problemas modernos da sua região, mas também criar novas oportunidades para os compreender, para combinar a originalidade e a singularidade da imagem sonora do Urais com as tendências e movimentos gerais da linguagem musical moderna, características estilísticas criatividade de cada compositor. Estas são, em primeiro lugar, canções baseadas em poemas dos poetas Urais I. Palmov, G. Suzdalev, B. Ruchev, V. Timofeev, L. Tatyanicheva e outros. Entre as obras mais marcantes estão “Rus is Reflected in the Urals” de E. Gudkov, “A Felicidade das Estradas Difíceis” de V. Gibalin, “Os Urais - a Terra Dourada”, “Lago Ilmen”, “Montanhas Urais” de M. Smirnov, “Pontes Magnitogorsk” , “Há uma cidade na fábrica”, “Canção sobre a cidade amada” de V. Sidorov e outros.

A interação orgânica da literatura e da música dos Urais é a base fecunda sobre a qual nascem interessantes obras musicais de vários gêneros. A parte da criatividade representada pelos gêneros vocal-coral, cíclico, cantata-oratório é muito extensa e significativa - a ópera “Anosov” de V.P.

oratórios: V. Semenenko “Poema sobre Magnitka” baseado em poemas de poetas Urais, “Em Nome do Comissário do Povo de Ferro”, “Gray Ural” de M. Smirnov, “I Walk on the Earth” de Y. Galperin, “ Russia Gave Me a Heart” de E. Gudky com palavras de V. Sorokin, cantatas: “Key of the Earth” com palavras de L. Chernyshev, “Glory to our state” de M. Smirnov, “Victory Spring” de Yu. Galperin com poemas de poetas Urais, “Bright Day” de E. Gudkov com palavras de N. Rubinskaya , ciclos corais: “Seasons” de E. Gudkov, “Autumn Harmonies”, “Eternal Flame” de V. Gibalin, “Woman's Sands ” por Y. Galperin, “Terra Amada” por Sirotin e outros.

A atividade dos compositores dos Urais é uma página brilhante e interessante da vida musical da região. A gama de gêneros musicais dos Urais do Sul é ampla e inclui praticamente tudo - de uma música a uma sinfonia. Como os capítulos 2 e 3 se concentrarão na obra do compositor de Magnitogorsk, Vladimir Aleksandrovich Sidorov, gostaria de prestar atenção ao desenvolvimento da criatividade do compositor na cidade de Magnitogorsk. Em geral, “...é muito modesto em escala e realizações, e como fenômeno do processo musical e cultural, está em fase de formação de tradições profissionais”. (13)

Por muito tempo Objetivamente, não havia ambiente musical para criar potencial de compositor em Magnitogorsk. Isto se explica pela unificação da política cultural, baseada no cumprimento das ordens sociais com o envolvimento de veneráveis ​​​​compositores, o que reduziu drasticamente a necessidade de pessoal profissional próprio. Assim, até o início dos anos 90, apenas os amadores demonstravam interesse pela composição. Entre suas composições estão obras corais e instrumentais “acadêmicas”, obras de estilo folclórico, composições rock e pop e canções de bardo. Comparado aos profissionais, seu trabalho não é tão versátil e limita-se principalmente a uma ou duas áreas de gênero. A maioria das obras foi criada nos gêneros da música vocal.

As tradições musicais típicas que continuam a linha da música de massa soviética podem ser encontradas nas obras de Viktor Vaskevich, Evgenia Karpunina, Alexander Nikitin, Irina Kurdakova, Vladimir Braitsev, Ivan Kapitonov, Tamila Yaes. Seu trabalho contém vários elementos de técnica composicional, o que indica uma seleção hábil e criteriosa de meios musicais e expressivos que visam incorporar certas imagens e transmitir as mais sutis nuances de humor. Por exemplo, as canções de V. Vaskevich “Veterans”, V. Braitsev “Memory”, I. Kapitonov “Precisamos de paz como o ar” são uma fusão de voltas melódicas do urbano romance cotidiano, canções de marcha e ritmos de dança ativos. A influência das entonações “sensuais” de uma canção lírica e cotidiana pode ser traçada em “The Christmas Romance” de V. Vaskevich, “The Years” de I. Kapitonov, “What é vivido é vivido” de V. Braitsev. A. Nikitin, em suas próprias composições e arranjos de canções folclóricas, utiliza sutilmente as possibilidades tanto do som coral quanto das técnicas expressivas de entonação coral. Nas obras de E. Karpunina encontraremos uma canção-composição (“Canção Anti-Guerra”), uma cena-canção (“Figaro”), uma canção-romance (“De Lermontov”) e uma peça-estilização (“ Piano Dançante”).

Um lugar significativo nas obras de I. Kurdakova, V. Vaskevich, E. Karpunina é dado às obras para crianças. Enriquecem significativamente o repertório dos grupos performáticos infantis e contribuem para o desenvolvimento das tradições desta direção na arte musical. Os mais populares são o ciclo vocal de Irina Kurdakova “Todo o ano - um ano alegre”, o esboço da canção “The Old Drummer” de Viktor Vaskevich, “Rainbow” de Evgenia Karpunina.

No campo da cultura do entretenimento, os autores mais famosos são Vitaly Titov, Vladimir Lekarchuk, Evgeny Korablev, Vladimir Tyapkov, Alexey Baklanov e outros. Música rock, música pop, jazz, música de bardo - essas são as direções típicas de sua criatividade. Cada um dos músicos recorre a uma forma de expressão que lhe é próxima e fá-lo a um nível que permite que as suas obras encontrem o seu ouvinte.(13)

Uma certa parte das obras, criadas nos gêneros de canções turísticas, dançantes e folclóricas estilizadas, muitas vezes existem como folclore urbano. Uma tendência típica de suas atividades amadoras é que as funções de autor e intérprete sejam combinadas em uma só pessoa. “A variedade de orientações de gênero e estilo permite que os compositores incorporem visões de mundo polares e transmitam um estado figurativo e emocional contrastante de percepção da realidade. Compreensão filosófica da vida, contemplação poética, alta espiritualidade, canto de alegrias “terrenas”, negação niilista – este é o mundo da música de autores amadores.” (13) Também dão preferência à música vocal. A gama de suas variedades é muito ampla: desde obras escritas nas tradições da arte coral profissional, estilizadas ou arranjadas no espírito nacional (canções dos cossacos dos Urais, tártaros, canções bashkir), canções de massa até composições usando os “atributos” de hard rock e discoteca.

As atividades composicionais de Rafail Bakirov e Alexander Mordukhovich, professores do Departamento de Instrumentos Folclóricos do Conservatório Magnitogorsk, são apresentadas sob uma perspectiva diferente. Compor é para eles uma segunda especialidade, junto com a principal – atuar e ensinar. O lugar de destaque na criatividade é ocupado por músicas escritas para instrumentos folclóricos: acordeão de botão, acordeão, balalaica. No entanto, a paleta de gêneros de obras é bastante diversificada - sinfonia, sonata, suíte, concerto, variação, miniatura, ciclo de canções.

Ambos os compositores são amplamente procurados em Magnitogorsk. Suas obras reabastecem não só o repertório performático, mas também pedagógico de alunos e alunos de escolas de música. “Profissional, em termos de qualificação, o trabalho dos compositores está orientado para determinadas tradições nacionais. Nas obras de Rafail Bakirov, a cultura da música e da dança do povo tártaro é refratada de várias maneiras. Além de arranjos musicais, ele cria diversas obras: um tríptico tártaro para balalaica e orquestra, uma suíte em tártaro temas folclóricos para conjunto de instrumentos folclóricos e outros, em que se cita material folclórico e se utilizam os princípios de desenvolvimento característicos deste último, valorizando o sabor nacional.

As características estilísticas da música judaica influenciam muitas das obras de Alexander Mordukhovich, que se esforça para recriar a riqueza e expressividade da linguagem musical nacional através de entonações típicas e características rítmicas da métrica. Ambos os compositores – A. Mordukhovich e R. Bakirov – também se voltam para a música folclórica russa, usando diferentes formas de dominá-la em seu trabalho (da citação à generalização através do estilo nacional).” (13)

O ano de 1983 pode ser considerado um marco na formação das tradições da composição na cidade de Magnitogorsk, quando a cidade adquiriu seu primeiro compositor profissional, formado pela Magnitogorsk Music College, e depois pelo Conservatório dos Urais. Seu trabalho será discutido com mais detalhes no próximo capítulo.

Resumindo tudo o que foi dito acima, gostaria de observar mais uma vez que a atividade de composição profissional em Magnitogorsk concentrou-se nas áreas associadas à tradição da produção musical amadora. Obviamente, foi o canto amador e a execução de instrumentos musicais folclóricos que determinaram o surgimento da composição amadora. O subsequente desenvolvimento da performance profissional (principalmente instrumentos corais e folclóricos) estimulou a formação de competências de composição profissional correspondentes.

Revisão do trabalho de V.A.

O ano de 1983 pode ser considerado um ponto de partida único na formação das tradições de composição criativa na cidade de Magnitogorsk, associado ao aparecimento aqui do seu primeiro compositor profissional, Vladimir Sidorov, residente nativo de Magnitogorsk.

Vladimir Alexandrovich nasceu em 1º de outubro de 1956. Seus pais não eram músicos, mas sempre reinou um clima festivo na casa. A família costumava cantar acordeão quando se reunia para reuniões. O pequeno Volodya começou a demonstrar interesse por este instrumento desde a infância. E aos 12 anos ingressou na escola de música nº 2 e teve aulas de acordeão com o professor V.M.

Durante esses mesmos anos, V. Sidorov deu os primeiros passos na composição. Seu primeiro trabalho, um arranjo da canção folclórica russa “Jolly Geese”, foi apresentado em uma apresentação original no concurso municipal de jovens acordeonistas e recebeu um certificado de honra. Enquanto estudava numa escola de música, o jovem compositor compõe e executa estudos e peças em concertos escolares. Posteriormente, 28 estudos e peças para acordeão de botões foram incluídos na coleção, recentemente publicados pela editora Magnitogorsk.

Ao longo dos anos de estudos na escola do departamento teórico, V. Sidorov dá os primeiros passos na composição em diversos gêneros musicais. São romances baseados em poemas de poetas russos, no gênero de música instrumental de câmara - sonata para acordeão (“Infantil”) em 3 partes, quarteto de cordas nº 1 em 5 partes. Entre as obras para orquestra estão “Conto de Fadas Russo”, suíte sinfônica e outras (Anexo nº 1).

Em 1977, depois de se formar na Escola de Música Magnitogorsk e já ter experiência inicial como compositor, V. Sidorov ingressou no Conservatório Estadual dos Urais em homenagem a M.P. No exame de admissão em composição, uma Fantasia sobre o tema da canção folclórica russa “Por causa das Montanhas Azuis”, escrita para uma orquestra de instrumentos folclóricos, foi apresentada a uma comissão rigorosa. Com a admissão ao conservatório foi determinado caminho adicional– o caminho de um compositor profissional.

Ao longo dos anos de estudo na universidade na classe de V.D. Bibergan e depois de V.A. Kobekin, um grande número de obras diversas foram criadas, cujos primeiros intérpretes foram alunos do conservatório. Para citar apenas algumas das obras deste período - uma ópera de câmara baseada na peça “The Blind” de M. Maeterlinck, uma abertura para orquestra sinfônica, várias obras corais, um trio para flauta, violino e violoncelo, seis ternos romances para barítono e piano, um concertino para três trompetes e piano e outros (Anexo nº 1). Ainda estudante, o compositor colabora com sucesso com grupos Magnitogorsk. Por ordem da Magnitogorsk Iron and Steel Works, para o 50º aniversário do empreendimento, foi escrito o oratório “O Conto da Montanha Magnética”, que foi executado pela primeira vez pelo Coro Estadual de Magnitogorsk sob a direção de S.G. orquestra de instrumentos folclóricos russos da Escola de Música Magnitogorsk (diretor A. N. Yakupov) a suíte “My Happiness” foi escrita com base nos poemas de nossa compatriota R.A. Este trabalho foi amplamente apreciado pelos ouvintes na competição zonal de orquestras de instrumentos folclóricos.

Em expedições criativas às aldeias dos Urais, V. Sidorov conhece o folclore, coleciona várias canções e melodias. Essas gravações formam a base da cantata “Canções dos Cossacos dos Urais”, que foi apresentada no exame final de estado do conservatório em 1983. A chegada de Vladimir Alexandrovich para trabalhar em sua cidade natal, seu ativo Atividade social transferir a criatividade da composição amadora para outro nível de existência.

Desde 1983, V. Sidorov vive e trabalha na cidade de Magnitogorsk. Enquanto lecionava em uma escola de música, ele continua a se engajar frutuosamente em atividades de composição. Em 1985, tornou-se membro do Fundo Musical da União dos Compositores da URSS e é um participante ativo em seminários para jovens criativos, plenários das filiais de Svedlovsk e Chelyabinsk da União dos Compositores da URSS. Desde 1995, Professor Associado do Conservatório Estadual de Magnitogorsk

A individualidade criativa do compositor se manifesta em diversos gêneros. São obras instrumentais de câmara, obras vocais de câmara, canções, obras corais e orquestrais, obras musicais e dramáticas. Artista multifacetado, Vladimir Sidorov também se mostra em temas infantis. Além de ciclos corais para jovens intérpretes, escreveu o musical “Tales of Grandfather Skrip”, a ópera “O Pequeno Príncipe” e muitas canções.

Canções com temas variados ocupam um lugar de destaque na obra do compositor. A gama histórica e geográfica da literatura a que Vladimir Aleksandrovich se refere é ampla. Ele colabora ativamente com poetas dos Urais. A canção “Monument”, um conjunto de 5 canções “Flowers are Children”, oito canções baseadas em poemas de Valery Timofeev, canções baseadas em poemas de Lyudmila Tatyanicheva, Vladilen Mashkovtsev, Boris Ruchev, Nina Kondratkovskaya, Rimma Dyshalenkova, Vasily Makarov e outros . A gama temática das canções é muito ampla: o tema da terra natal é revelado em canções dedicadas a Magnitogorsk: “Canção sobre a cidade amada”, “Magnitka é barulhenta”, “Casa com três janelas”, “A única primeira Magnitogorsk ” e outras, o tema do amor e da amizade se reflete nas canções “Esperando”, “Cartas”, “Lembre-se de mim”, “Reavaliação de valores” e outras. Muitas músicas foram escritas pelo compositor com base em seus próprios textos: “Friendly Persuasion”, “Magnitogorsk Plays Hockey”, “For Friends”, “Sinto-me bem com você” e outras. Entre as canções baseadas em poemas de poetas estrangeiros: “Recusa de poesia séria” (Anônimo século III aC, Roma antiga), “Em um trem suburbano” (U. Joshi, Índia), “Eu era uma garota modesta” (do vagantes), “Shela O, Nile” (R. Burns), “Bottomless Sky” (F.H. Daglarja, Turquia), “Like You” (R. Dalton, Salvodor) e outros. A diversidade dos interesses poéticos do compositor - da poesia oriental aos contemporâneos de Magnitogorsk - refletiu-se na música vocal de câmara, nas obras corais e nas obras musicais e dramáticas. Entre os romances e canções estão “Cinco Ternos Romances” para barítono e piano (para poemas de vários poetas), ciclos vocais para soprano e piano para poemas de Solomea Neris e Garcia Lorca e outros. (Apêndice No. 1)

Os coros, escritos em anos diferentes, reflectem diversas esferas figurativas e estilísticas da obra do compositor, desde obras de base folclórica (“Carol” para coro misto sem acompanhamento, “Duas Flores de Primavera” para coro feminino, violino e piano) – aos dramáticos e sérios (suíte coral da ópera -lendas “A Conquista de Novgorod”, oratório “A Lenda da Montanha Magnética” para leitor, coro e orquestra). Apesar de toda a diversidade de obras corais, seus versos melódicos são fundamentalmente unidos. Clareza de pensamento, linguagem democrática e foco na simplicidade de expressão são determinados principalmente pela natureza do músico. A palavra para ele não é apenas um impulso, ela determina a imagem, o estilo, a estrutura. Indicativos a este respeito são tanto obras corais (cantatas: “Canções dos Cossacos dos Urais”, “Mensagem de Fredman”, “Na Fábrica dos Urais” e outras) como obras musicais e dramáticas (fantasmagoria musical “Cínicos”, hinos líricos a textos do Antigo Testamento “ Canção Canção do Rei Salomão”, “Requiem” baseado em histórias bíblicas e textos de Nietzsche, Schopenhauer e outras obras). As imagens de suas obras vocais e corais são visíveis, concretas e personificadas.

O compositor é parcial na escolha do texto poético. O seu apelo a certos poetas está ligado à sua proximidade mundo espiritual, com seu interesse pela psicologia da relação conflituosa entre o homem e o mundo que o rodeia. A capacidade semântica, a “materialidade” das metáforas, a elevada inteligência dos poemas, a sua aparente simplicidade, escondendo um significado filosófico complexo - estas qualidades estilísticas da poesia do compositor estão organicamente incorporadas na música (quatro refrões a poemas de poetas orientais, “O Love of Alexander Blok” - um monodrama em 5- estas pinturas, “A Conquista de Novgorod” é uma lenda da ópera). No gênero de música “leve”, V. Sidorov escreveu “Trouble from a Tender Heart” - um vaudeville baseado na peça de V. Sollogub, “Advice for Beginning Cooks” - quatro coros desacompanhados baseados em textos de um livro de receitas. Gostaria de ressaltar que os roteiros e libretos de todas as obras musicais e dramáticas foram escritos pelo próprio compositor. Muitas obras vocal-corais e musical-dramáticas são pensadas para uma execução altamente profissional, pois contêm significativas dificuldades técnicas, texturais e harmônicas que exigem grande impacto emocional. É nas interpretações desta música que se manifesta o estilo de execução coral, combinando habilidade técnica, flexibilidade vocal, dinâmica e rítmica com conteúdo, sinceridade, emotividade na sonoridade das cores do timbre das partes e no significado espiritual da performance.

Nas obras cíclicas, V. Sidorov quase nunca indica a natureza da execução musical, indicando apenas o ritmo da métrica. O compositor acredita que as temáticas musicais falam por si. Se a música for de natureza solene ou dançante, não há necessidade de explicar isso em outros termos. O intérprete de tais obras tem liberdade de interpretação dentro do texto determinado. Exemplos de tais obras são o poema coral baseado nos poemas de Andrei Voznesensky “O Mestre”, a cantata “Nos Urais na Fábrica”. Entre as composições de grande formato encontram-se obras escritas não para apresentação em concerto, mas para audição individual. A obra “Requiem” foi criada em estúdio e não se destina ao palco de concertos, o mesmo se pode dizer da cantata “Fredman's Message”, escrita para leitor, coro e cravo baseada nas obras de K.M. .

V. Sidorov criou muitas obras instrumentais e orquestrais. As obras mais populares são aquelas escritas para uma orquestra ou conjunto de instrumentos folclóricos russos. “Três canções folclóricas russas” (“Bigode”, “Swan”, “Mistress”), a suíte “My Happiness” baseada em poemas de R. Dyshalenkova, escrita para um conjunto vocal e orquestra de instrumentos folclóricos russos, “Buryat Triptych” foram ouvidos mais de uma vez em shows. O compositor escreveu duas suítes para acordeão, “Três Curiosidades” para um conjunto de instrumentos folclóricos, três canções russas para um sintetizador e um conjunto de instrumentos folclóricos. Entre as obras para a orquestra sinfônica pode-se citar “Conto de Fadas Russo” - uma suíte sinfônica, uma suíte orquestral do oratório “O Conto da Montanha Magnética”, o hino “Santa Rus'” e outros.

A música instrumental é bastante diversificada. Um grande lugar é ocupado por obras escritas para piano: “Cinco Princípios” para um piano bem preparado; variações, “Prelúdio, Estudo e Improvisação”, “Concerto Juvenil” para piano e orquestra e outros (Anexo nº 1). São apresentadas obras instrumentais de câmara para diversos instrumentos - trompetes, violino, violoncelo, flauta, oboé, contrabaixo, viola. Assim, nota-se que a bagagem criativa do compositor inclui obras de diversos gêneros, para diversas composições e categorias de intérpretes.

A coleção criativa de V. Sidorov inclui não apenas composições musicais, mas também coleções de poesia e prosa. Em 1992, foi publicada a primeira coleção de poesia “Noite em um compartimento frio”. (Poemas com e sem rima), e em 1997 foram publicados poemas e poemas “Alegoria da Ironia”. Rimma Andriyanovna Dyshalenkova disse sobre “Alegoria da Ironia”: “A coleção publicada de seus poemas é marcada por buscas vanguardistas pela forma mais curta, ou seja, basta uma metáfora. Isso meio que conforta seu coração estético.” (De uma conversa pessoal com a poetisa).

Para concluir o capítulo, gostaria de citar algumas declarações de poetas que colaboraram com o compositor ao longo dos anos: Alexander Borisovich Pavlov nasceu em 1950 em Magnitogorsk. Graduado pelo M.A. Gorky Literary Institute, autor de mais de 10 coleções de poesia, laureado com o prémio regional “Eaglet”. Membro do Sindicato dos Escritores Russos. “...Vladimir seleciona poesia real para suas canções, acrescenta e aprimora seu som inerente. Como compositor, compreende perfeitamente a organização fónica da alma do poeta...”

Boris Dubrovin é um famoso poeta de Moscou, participante da Grande Guerra Patriótica, autor de 32 livros, laureado em competições de toda a União, de toda a Rússia e internacionais: “Estou fascinado pela sua música e fiquei feliz em conhecer um sério e compositor muito talentoso. Você é um verdadeiro artista e mestre que pode fazer tudo. Esperemos que a nossa “Locomotiva a Vapor” voe adiante...”

Mashkovtsev Vladilen (1929-1997) - nascido em Tyumen. Formado pelo Instituto Literário M.A. Gorky, membro do Sindicato dos Escritores da URSS, autor de mais de 15 livros: “Vladimir Sidorov é um compositor talentoso, sua música é muitas vezes hipnótica, irrompe na vida como um fenômeno...”

Cantata “Na Fábrica dos Urais”

É como o hieróglifo Pitágoras,

Você ouve a música das esferas celestiais.

Mas a música das montanhas Magnitogorsk,

Você parece um Lúcifer formidável.

R. Dyshalenkova

(Dedicatória a V. Sidorov).

A cantata “Nos Urais na Fábrica” foi escrita para coro misto sem acompanhamento em 10 partes em 1986. A obra foi criada em colaboração criativa com a poetisa Ural Rimma Dyshalenkova.

Rimma Andriyanovna Dyshalenkova nasceu em 1942 na Bashkiria. A sua vida profissional em Magnitogorsk começou numa fábrica de cimento, onde Rimma Andriyanovna trabalhou durante 10 anos: “O início incerto do destino é comparável à queima em fornos. Comecei minha vida em Magnitogorsk separando tijolos.” Esses versos poéticos, retirados do poema “Introdução” (5), indicam que a poetisa conhece em primeira mão o árduo trabalho. Em poemas sobre triagem de tijolos, sobre trabalho duro em uma fábrica, um dos então já famosos poetas dos Urais, Boris Ruchev, viu verdadeiras letras de fábrica. Ele aconselhou R. Dyshalenkova a ingressar no instituto literário, dando-lhe uma recomendação. Assim começaram os anos de estudo no Instituto Literário de Moscou em homenagem a M.A.

A participação de R. Dyshalenkova nos assuntos da associação literária Magnitogorsk, estudos no Instituto Literário M.A. Gorky (que se formou em 1974), comunicação com Boris Ruchev, Nina Georgievna Kondratkovskaya de abençoada memória, Yuri Petrov, Stanislav Meleshin, Vladilen Mashkovtsev - tudo Estes não são apenas fatos de sua biografia pessoal, mas também de sua escrita.

Em 1978, seu primeiro livro foi publicado. A coleção de poemas “Quatro Janelas”, publicada pela editora Sovremennik da capital, traz reconhecimento literário à poetisa. O tema principal dos poemas são os Urais de trabalho, a “resistência ao fogo” do personagem Ural (“Dormitório dos Trabalhadores”, “Operadores de Guindaste”, “Na Loja” e outros). São muitas linhas interessantes dedicadas à infância, primeiro amor, maternidade (“Mãe”, “Cão e Menino”, “Casamento” e outras). “Ninguém com tanta ternura foi capaz de confessar seu amor pelo trabalhador Magnitogorsk como Rimma Andriyanovna em seu “Lullaby Tram”. Você mesmo precisa sentir o cansaço após os estrondosos turnos noturnos para sentir... a precisão de suas falas sobre como “com um sorriso derretido, um carro cansado e com uma canção de ninar mergulha no sono culpado”. E as fábricas se acalmam, e as flores desabrocham, e as avenidas saúdam o bonde da canção de ninar” (6).

Em 1979, R. Dyshalenkova tornou-se membro do Sindicato dos Escritores Russos. E em 1985, seu segundo livro, “Ural Quadrille”, foi publicado, incluindo poesia e um poema. É um lirismo que suscita a reflexão sobre o sentido e a finalidade da vida, sobre a beleza do trabalho humano. A coleção inclui poemas sobre a grandeza da terra natal, sobre a continuidade moral das gerações da classe trabalhadora dos Urais. “Rimma Dyshalenkova fala sobre sua pequena pátria em imagens que ninguém encontrou antes dela. E a imagem da Rússia aparece diante de nós: “as fontes têm olhos de camponês, o olhar órfão de gentis margaridas”, e “as bétulas têm olhos cinzentos e claros, como se fossem as chorosas viúvas da Rússia” (6; 4).

Em 1992, foi publicada uma coleção de poemas civis e líricos “Das Alturas da Terra”. Ele incorpora as relações entre as pessoas, a beleza e a trágica destruição da natureza do sul dos Urais, que a moderna civilização industrial da região trouxe à beira da sobrevivência. A coleção também inclui dois poemas – “Running on Cement” e “Ural Quadrille”.

Hoje, o local de trabalho de R. Dyshalenkova é a empresa de televisão “TV-IN” da fábrica de Magnitogorsk. A “caligrafia” de seus programas é canônica: Rimma Andriyanovna convida para o estúdio pessoas que têm algo a contar aos seus conterrâneos. Seu novo livro está prestes a ser publicado, revelando o talento da poetisa por um lado completamente inesperado - é uma prosa lançada, composta por duas partes: a prosaica “Palavra de despedida do curandeiro” e uma seleção de poemas “Alatyr-Stone-Belovodye- Arkaim.”

“Rimma Andriyanovna é a governante de um território que não está marcado em nenhum mapa - o território da sabedoria. Ela tem um domínio impecável do material mais intratável do mundo – a palavra” (6). Sua reputação é reconhecida por mestres da palavra como nosso famoso compatriota Nikolai Voronov, ganhador do Prêmio de Estado em homenagem a M. Gorky Valentin Sidorov, secretário da União dos Escritores da Rússia Konstantin Skvortsov e outros.

R. Dyshalenkova colabora muito e frutuosamente com compositores da região dos Urais. Não apenas canções, mas também obras de grande escala foram escritas com base em seus poemas. Entre as obras podemos citar: “Valsa dos Metalúrgicos” de Lyadova, “Encontro na Montanha Magnética”, “Torta de Coca”, “Mesa para os Ferreiros” de A. Nikitin, “Slavyanka” de A. Mordukhovich, “Ivashkin Spoons” de V. Semenenko, música teatral de A. Torticollis e outros.

Uma co-criação particularmente próxima ocorreu com o compositor do Conservatório Magnitogorsk V. Sidorov. As canções “Approaching Chelyabinsk”, “Knock on my door”, “Winter Meets Summer” foram escritas com base nos poemas de R. Dyshalenkova. Entre as principais composições está a suíte para conjunto vocal “My Happiness”, que inclui os poemas “Like Beyond the River”, “The Wind Touched the Reeds”, “My Happiness”, “The honey has brewed, é hora de festejar” e a cantata “Nos Urais na Fábrica”.

Em 1980, R. Dyshalenkova começou a escrever um poema em danças, canções, parábolas, feitiços e cantigas “Ural Quadrille”. Ela compartilhou suas ideias com V. Sidorov. O compositor foi atraído pelo enredo e pela forma inusitada de construção do ciclo e alegremente mergulhou no trabalho de uma nova composição.

A forma de construção do texto poético baseia-se na antiga construção da quadrilha dos Urais. Anteriormente, numa aldeia ou cidade industrial, esta ação atraía muitos participantes e espectadores. Cada nova ação na quadrilha era anunciada pelo líder, gritando de forma importante: “Figura primeiro!” Segundo..."etc. A dança desenvolveu-se em jogos, canções e encontros. Há um total de 12 figuras na fonte poética (3, 4). O compositor inclui na cantata 9 figuras e um poema “Reunião” (na cantata é o nº 6 “Raciocínio dos Velhos”), retirado do ciclo de poemas de R. Dyshalenkova “Canções dos Antigos Urais”.

O poema “Gathering” tem seu próprio destino. Inicialmente fazia parte do poema “Quadrilha Ural”, mas durante a censura foi excluído devido à sua orientação ideológica. Posteriormente, devido às mudanças sociais, “Encontro” foi incluído no ciclo de poemas “Canções dos Antigos Urais” (3). O compositor, ao criar a cantata, recorreu à fonte original, pegando todos os números que compunham o manuscrito (inclusive “Reunião”).

O tema do conteúdo poético da obra reflete diversas imagens da vida dos trabalhadores. O personagem principal são pessoas comuns do interior dos Urais. O número central do poema e da cantata é o nº 6 “Os Velhos Estão Raciocinando”. A ideia da edição é revelar a ligação histórica entre as gerações velhas e jovens.

A cantata foi escrita para coro desacompanhado e consiste em 10 partes:

Nº 1 Dança de roda; Nº 2 colheres Ivashka; Nº 3 Calúnia feminina; N.º 4 Jovens sussurram; Nº 5 Miradouro do Ribeiro; Não. 6 Os idosos raciocinam; #7 Espantalho; Nº 8 Canção antiga; Nº 9 Mummers; Nº 10 Ao longo da quadrilha

(no futuro serão indicados apenas números).

O gênero é baseado em uma canção coral. Uma canção coral polifônica inclui não apenas uma base melódica, mas também uma variedade de técnicas polifônicas. É este gênero que combina a profundidade e objetividade do conteúdo, o alcance épico do desenvolvimento musical com a simplicidade e acessibilidade da forma (7).

Não é por acaso que o compositor escreve uma peça para um coro desacompanhado. Aqui é difícil “se esconder” atrás da textura - tudo é decidido por uma melodia musical brilhante e expressiva e uma polifonia bastante desenvolvida. Os números corais possuem características claras e específicas do gênero musical. Há uma combinação de conteúdo e clareza, o material melódico é nacional em espírito e forma.

Embora o compositor tenha chamado sua obra de cantata, ela não deve ser considerada na perspectiva de uma cantata clássica. Em primeiro lugar, as partes têm duração tão curta que seria mais apropriado chamá-las de números, por isso, à primeira vista, é difícil determinar o desenvolvimento cíclico da forma e função das partes. O princípio de conectar as peças lembra mais a construção de uma suíte. Você pode apontar algumas partes que carregam significado. Portanto, o nº 1 “Round Dance” é a introdução, o nº 10 “Along the Quadrille” é a conclusão, o nº 6 “Old Men Are Reasoning” e o nº 8 “Old Song” são os culminantes.

O nº 1, como mencionado acima, é a parte introdutória não só no sentido de moldar a estrutura da cantata, mas também no ciclo poético. Esta é uma imagem da natureza, representando os ricos Urais, os Urais em atividade e os Urais em repouso. O ouvinte é apresentado a uma imagem da vida do povo Ural de diferentes lados: em uma margem – “os altos-fornos estão fumegando”, na outra – “as feiras são barulhentas”.

Entre as partes da cantata podem-se identificar números “masculinos” e “femininos”. Os números “masculinos” incluem o nº 2, o nº 6 e o ​​nº 8. A segunda edição retrata o trabalho dos artesãos populares. Está escrito de forma viva e bem-humorada, ridicularizando a “traição” das colheres ao seu mestre. O sexto número é uma canção trabalhista sobre a difícil vida cotidiana dos trabalhadores, no espírito das canções Udaletsky. Aqui você pode ouvir em tudo uma crença na justiça, esperança em tempos melhores, e no final da edição há uma clara ameaça aos infratores. A partir deste número pode-se traçar um fio lógico para o próximo número “masculino” – “Canção Antiga”, onde as imagens e pensamentos embutidos no texto poético são desenvolvidos, levando a um clímax. Estas duas partes são as mais significativas da cantata. (O nº 8 será discutido com mais detalhes abaixo).

Os números 3 e 4 são “femininos”. A conversa é conduzida em nome das meninas. O número 3 retrata uma cena ritual de leitura da sorte e o veredicto de um ente querido. O tom comovente e íntimo transmite a atmosfera mágica do sacramento. O tecido musical transparente, combinado com frases recitativas, retrata claramente a cena enquanto as meninas contam a sorte e sussurram. O nº 4 conta a história da vida de uma jovem esposa que aparentemente foi forçada a se casar com um homem rude e rude. Mas a música e a letra transmitem mais do que sofrimento e melancolia, mas sim zombaria do marido estúpido, que aguarda retribuição por maltratar a esposa. Na música, o desenvolvimento vai de um sussurro a uma afirmação decisiva.

O nº 5 pode ser chamado de “misto”. Esta é uma canção de casamento que retrata uma cena ritual de casamento. A parte é baseada em um diálogo entre um rapaz e uma garota. A menina expressa pensamentos e esperanças para a vida de casada.

O nº 9 também se aplica a casamentos. O desenvolvimento direto do material temático cria a impressão de uma cena teatral em desenvolvimento. Em forma de diálogo entre as partes masculina e feminina, é desenhado um quadro de flerte entre os amigos da noiva e os amigos do noivo. Um clima descontraído e lúdico é alcançado através da estilização de cantigas folclóricas.

Finalmente, o nº 10 serve como conclusão tanto no texto quanto no material musical. O fio temático vai do primeiro ao último número como um relato em terceira pessoa dos dias atuais. Esta edição é uma espécie de resumo de toda a série, contando que depois de tanto tempo as pessoas se lembram das tradições e costumes de seus antepassados.

(No. 7 “Espantalho” será discutido em detalhes).

Assim, as partes aparentemente não relacionadas, após um exame mais profundo, revelam-se um ciclo estruturado logicamente.

Revelador imagem musical Em cada parte, o compositor utiliza toda a paleta de cores timbres das vozes. A imagem de uma jovem (nº 3) é veiculada pela parte de viola solo; há coros onde partes inteiras executam solos (nº 5, nº 8), comparações contrastantes do elenco feminino com o masculino (nº 6, nº 8, nº 9) avivam a percepção e teatralizam (o princípio do dialogismo ); no nº 10, a vocalização coral “diz” o que não pode ser dito em palavras. Em vários coros há uma proporção contrastante de partes individuais em relação a todo o coro tutti. O compositor costuma usar divisões em partes (nº 3 - alto e tenor, nº 4 - tenor e baixo, nº 5 - soprano). Na conclusão do nº 7, o compositor apresenta os octavistas baixos.

Como mencionado anteriormente, a cantata é dominada por canções com uma forma característica de variação de verso (Nº 2, Nº 5, Nº 6, Nº 8), mas também há partes com um padrão predominante de 3 partes (Nº. 1, nº 4). A repetição é sentida no nº 4 e no nº 5. Os números 3, 7, 9 estão na forma de desenvolvimento transversal, o número 10 está próximo de uma reprise de duas partes, embora a dependência de dísticos possa ser rastreada em todos os lugares. Na cantata é difícil identificar formas puras, pois quase todas são sintetizadas.

Eu chamaria um dos padrões no desenvolvimento do material musical de desejo de dinamizar as seções finais (geralmente reprise). Isso se manifesta na compactação da textura e no uso de dinâmica “alta”. A seção clímax ocorre com mais frequência precisamente no final (nº 1, nº 8, nº 10). Na reprise nº 7 o tema é ampliado.

Um de características características A escola nacional de canto russa é a predominância do pensamento horizontal linear. Quase todos os números contêm polifonia subvocal, imitações dispostas em uma vertical sonora, onde predomina a harmonia clara (sistemas clássicos), ou agrupamentos sonoros. O estilo polifônico de apresentação não substitui completamente o homofônico-harmônico.

A análise harmônica da cantata revelou-se muito interessante e inusitada. Aqui podemos encontrar uma variedade de sistemas de T-S-D simples rácios (nº 9), à modalidade (nº 3).

O compositor usa habilmente os acordes de sétima acusticamente ricos dos graus secundários: II, VI, III, VII, S7. Em algumas partes há uma variabilidade tonal constante (geralmente entre tonalidades paralelas). Existem números com curvas predominantemente plagal brilhante (nº 6) ou autênticas (nº 8); é possível combinar vários centros tonais (g – Es - No. 5).

Desvios brilhantes, modulações ousadas usando dominante menor, subdominante harmônico, tônicas de mesmo nome, junto com modos tradicionais do sistema maior-menor. No nº 3, o quarto grau superior (modo Lídio) forma um suporte em Uv5/3 (b – d - fis).

Podemos traçar relações poliharmônicas (nº 1), onde as funções VI, II, D soam em um baixo dominante constante.

A complexa linguagem harmônica de algumas partes exige extremo cuidado por parte dos intérpretes e do maestro.

Em cada parte da cantata, o compositor indica um tempo claro. Depois de percorrer toda a obra, podemos dizer que predominam andamentos móveis e até rápidos (6 números). Algumas partes são claramente de natureza dançante (nº 2, nº 9, nº 10). Muitas vezes é encontrada uma métrica de 3 partes: Nº 2 – 6/8, Nº 3 – 6/4, Nº 4 – 3/4, mas predomina a métrica bipartida: Nº 1, Nº 4 – C, Nº. 8 – 4/4, Nº 5, Nº 9 – 2/4, Nº 10 – 2/4 por 3/4.

Atenção adicional deve ser dada aos nºs 3, nº 7, nº 10. Eles combinam tamanhos variáveis, muitas vezes complexos: Nº 3 - 6/4 por 5/4, Nº 7 - 11/8 por 8/8, Nº 10 - 2/4 por 3/4. Nos números 4 e 7 há síncopes no padrão rítmico.

Alguns números incluem elementos de imagem sonora: no nº 2, a ênfase em “2i” () cria a sensação de pisada durante a dança; no nº 4, a linha do baixo é construída através de um quarto de pausa, retratando suspiros que refletem; o significado do texto. No nº 7, na palavra “breakdown”, o compositor indicou a altura aproximada do som, sugerindo que fosse executado com grito, e no nº 3, o solo de viola é executado com um recitativo fixo, refletindo também o texto.

Em termos de nuances, os números são muitas vezes construídos sobre uma comparação contrastante de “p” e “f”, utilizando o princípio da dinamização. Apenas dois movimentos devem se destacar nesse aspecto: o nº 5 pode ser chamado de “quieto” - nuance predominante de “pp” a “mf”, apenas os últimos compassos são tocados em “f”. O nº 6, ao contrário, é “alto” - apenas 6 compassos no meio do movimento estão em “r”.

O regente precisa estar atento a essas características ao trabalhar, pois, superadas as dificuldades de execução, a música ganhará vida.

Em termos de tessitura e dinâmica, dificilmente haverá dificuldades, uma vez que V. Sidorov leva em consideração as capacidades naturais dos intérpretes. Uma gama confortável e um desenvolvimento lógico do pensamento musical são as chaves para uma boa estrutura e conjunto.

Agora o nº 7 “Espantalho” e o nº 8 “Canção Antiga” serão examinados com mais detalhes.

“Espantalho” surpreende pela sua espontaneidade e ingenuidade infantil. Uma reminiscência de estampas populares brilhantes ou piadas e fábulas de bufões.

A imagem do espantalho ganha vida, é espiritualizada, é caracterizada por sentimentos humanos:

“A aldeia tinha medo da dor...

O espantalho chora, molha as lágrimas...”

A imagem excêntrica é enfatizada por características de fala vívidas características de dialetos, ditos e ditados populares:

“As crianças vestiram o espantalho,

Eles fizeram uma cabeça de um balde...

Desgastado espantalhos de brocado roupa

Discursos importantes são ditos...

…eles dizem, espantalhos não vivem a vida assim...

…ficou estridente o espantalho começou a tilintar...

...correu para ajudar honesto pessoas…"

(as palavras sublinhadas são as mais coloridas).

Deve-se notar que o compositor capta com sensibilidade a entonação e o clima do verso, colorindo-os e enfatizando-os na tela musical. “Discursos importantes são falados” - um ligeiro aumento dinâmico (e entonação), mas no episódio seguinte - o clima muda, “o espantalho começou a guinchar...” - dinâmica “r”, um único conjunto rítmico se perde (soprano e baixo - colcheias individuais “afiadas”), o tenor está completamente desligado , harmonia aguda instável - o trítono soa constantemente. (ver Apêndice No. 3, 2 dígitos, 6 batidas, terceiro dígito)

“A aldeia tem um espantalho para chorar…” como se um espantalho estivesse lamentando (excitadamente) – na partitura stretta B-T-S+A, um motivo de entonação corre nas tonalidades h-moll – cis-moll – d-moll, o a tessitura está aumentando constantemente. Etapas alteradas adicionam nitidez, formando Um5/3. (4 dígitos, 2 batidas)

“Seja qual for a notícia, são os locais...” mistério, abstração da realidade, sonhos – na música isso é “representado” pela harmonia incomum dos acordes de sétima, pela nuance do “r”. (2º dígito)

O texto poético neste coro desempenha um papel dominante, que V. Sidorov encarna com sucesso, conferindo às partes corais um caráter de apresentação recitativo-declamatório. A estrutura do coro assenta no desenvolvimento de dois temas. O primeiro (número 1) é mais melodioso, vocal, e recebe grande desenvolvimento no futuro; o segundo tema (número 2), como mencionado - recitação coral, permanece quase inalterado.

Esquematicamente, a estrutura do coro fica assim: A B A1 B1 A2 - em geral, o formato do coro pode ser definido em três a cinco partes.

O coro começa com uma imitação do primeiro tema nas tonalidades Ré-dur - tônica (alto), A-dur - dominante (tenor), h-moll - grau VI, tonalidade paralela (soprano), após o qual h-moll é fixo (Um sustenido - passo introdutório), após strett-y “Penduraram nas laterais” (2ª figura, 8º compasso) nas tonalidades h – cis – d chegamos a fis – h-moll dominante.

Neste episódio, o maestro precisa estar atento ao padrão metrorrítmico. O tamanho 11/8 é complexo, com agrupamentos em constante mudança. Opções de agrupamento 11/8 = 2+2+3+2+2; =3+3+3+2; =2+3+2+2+2; =2+2+2+2+3.

Após o quarto de pausa, a próxima seção (“Não importa o que aconteça…”) recebe uma nova coloração. Em vez do Ré maior original, ele é substituído pela tonalidade menor de mesmo nome (ré-moll). Encontramo-nos na esfera plana (em harmonia acorde VI com sétima, acorde V com sétima natural, acorde S com sétima, acorde T com sexta, acorde II com sétima, parada em D). É essa mudança tonal que dá a sensação de devaneio e “inusitado”. O tamanho 8/8 é agrupado 2+3+3.

“Os espantalhos usam traje de brocado” (2º número, 5º compasso). A melodia soprano é duplicada por todas as vozes em movimento paralelo. A linearidade está embutida nos acordes harmônicos de sétima.

Nova opção do primeiro tema, contra o fundo do ponto C do órgão - o tema está na tonalidade original de Ré-dur, o próximo compasso é Lá-dur no ponto G do órgão (3º dígito).

“O espantalho chora, esvai as lágrimas” – o segundo tema regressa, mas está numa nova versão, em vez de 6 compassos – 4; o tamanho não é 8/8, mas 11/8.

A reprise final “Começou desde então...” é um retorno do tema A, mas em aumento (6ª figura). O uníssono coral proclama com alegria o fim de todos os infortúnios do engraçado espantalho. Parte do humor vem da discrepância entre o solene e majestoso final musical e texto literário:

“Desde então começou entre aquelas pessoas

Ouça o espantalho no jardim.” (6º dígito)

A segunda frase é ainda mais pomposa - para todas as partes divisi, no ponto tônico do órgão (D-A) o primeiro tema soa em apresentação de acordes (6ª figura, 4º compasso).

Na última seção, o compositor define a fórmula de compasso para 8/8, mas estudando cuidadosamente o tecido musical e textual, pode-se discernir a métrica variável das semínimas em vez das colcheias (4/4; 3/4 5/4 2/4 4/4).

Em conversa com o compositor, que concordou com esta interpretação, Vladimir Sidorov sublinha que o texto poético desempenha aqui um papel dominante e organizacional. Os mestres de coro que futuramente realizarão este trabalho deverão prestar atenção a esta observação.

O coral “Espantalho” é muito interessante, mas também bastante difícil em termos de execução. Andamento rápido (um quarto = 216), métrica variável, linguagem harmônica complexa com desvios e comparações, adesão a nuances dinâmicas - requerem maior atenção.

Existem episódios de dicção estranhos (4ª figura). Na linha do baixo, o canto de duas semicolcheias termina em -oh. A próxima vogal é “o”, elas precisam ser separadas.

Elementos de gravação sonora - o coro retrata a queda de um espantalho - “ponto de ruptura” - apenas falando, sem altura específica (4º dígito, 2º compasso).

Contrastando com todas as dificuldades de execução, é preciso ressaltar que a tessitura é conveniente para todas as vozes, o conjunto de vozes está alinhado em quase todos os lugares, não há episódios tensos e forçados, o que ajuda a preservar a ordem.

“Ancient Song” ocupa o 8º lugar no ciclo “In the Urals at the Factory” e foi escrita para um coro misto de 4 vozes. Como o nome sugere, o número é uma obra no espírito de uma antiga canção folclórica, introduzindo o ouvinte no mundo da dura vida cotidiana da classe trabalhadora. O compositor recorreu ao folclore tradicional russo, refletindo a ideia embutida no texto do poeta. Utilizando meios precisos de expressão, forma e todo o complexo de valores musicais, o autor conseguiu uma maravilhosa fusão entre texto literário e habilidade composicional.

Apesar da compactação e da curta duração da questão, pode-se traçar a lógica do seu desenvolvimento. Esta canção é comparável a uma grande obra, onde o início está claramente definido - o núcleo principal, o crescimento de todos os meios de expressão até ao clímax e a conclusão como uma afirmação da ideia principal. A música transmite sutilmente o significado do texto verbal com uma forma de variação de verso absolutamente clara. A forma não foi escolhida pelo compositor por acaso: o verso confere clareza ao número, rigor de construção, facilidade de percepção na audição e também é sinal de cantabilidade. A variação permite, dentro de limites estritos, alcançar em pouco tempo expressividade artística e desenvolvimento interessante.

O número tem quatro versos e uma conclusão. Cada verso reflete seu próprio humor e ideia e leva a um clímax geral, cumprindo sua função na natureza cíclica do número.

O primeiro verso serve como guia. É lógico executá-lo na parte do baixo e na nuance “r”. Você pode contar imediatamente sobre o núcleo poderoso incorporado aqui. O som baixo de vozes baixas é mais adequado para refletir o texto e também sugere a escala que o desenvolvimento pode atingir em direção ao clímax.

A imagem de um povo condenado, cansado da opressão e do trabalho também é alcançada através do plano harmônico - uma melodia construída sobre os sons de uma tríade tônica atinge a oitava já no primeiro compasso. Não há harmonia subdominante ao longo de todo o verso: dois compassos - T, dois compassos - D com alterações mínimas. Mas o ímpeto para o desenvolvimento já está contido na primeira quarta entonação volitiva, no movimento ascendente dos primeiros movimentos melódicos e na abertura do período (ver Apêndice No. 3, 1 figura).

A segunda estrofe é a segunda onda de desenvolvimento: mudanças foram feitas em quase todo o plano musical. A nuance de “r” sobe para “mр”, enquanto o texto verbal é dado às duas partes extremas - soprano e baixo, e alto e tenor criam plenitude harmônica em boca fechada. A direção do movimento da melodia muda de ascendente para descendente, criando assim uma melodia menor. O aparecimento de um palco alterado (estágio VI alto) introduz um toque de parentesco com a música folclórica russa (2º dígito).

O terceiro versículo é a próxima rodada de crescimento dinâmico. A melodia do primeiro verso retorna, sofrendo uma série de alterações: a dinâmica aumenta para “mf”, o tema é executado nas partes de contraltos e baixos em uníssono. A atuação em uníssono cria uma sensação de chamado ao povo, como um grande grupo unido, movido por um único pensamento, um único objetivo (3ª figura). No terceiro número, quarto compasso, os tenores entram em um cânone, conectando-se com o contralto e o baixo, e após quatro compassos, no mesmo cânone, a parte soprano é ali ligada. Este desenvolvimento leva naturalmente ao aumento climático - o quarto verso, onde todas as vozes se unem em uma única voz afirmativa (4º dígito). A sonoridade monolítica é dada pelo uso pelo compositor da textura homofônico-harmônica de apresentação na nuance “f”. No quinto dígito, todas as unidades fracionárias desaparecem e todas as vozes soam em um único quarto de ritmo, o que lhe confere uma qualidade semelhante à de um hino. E a dupla repetição do quarto verso (5ª figura) é reproduzida como um início totalmente afirmativo. Utilizando elementos tradicionais da canção folclórica, o compositor recorre a um enorme intervalo entre as partes, chegando até uma décima, o que dá o efeito de um som tridimensional. O clímax atinge gradualmente o seu clímax, crescendo dinamicamente de “f” para “fff”. Os últimos compassos do número soam incríveis em sua escala. O último acorde de todas as partes corais soa afirmativo - uníssono (5º número, 8º compasso).

Todos os meios expressividade musical selecionados e organizados para melhor refletir o desenvolvimento das imagens incorporadas no texto.

No refrão, os cantos são utilizados na parte do baixo (situação semelhante ocorre no número 3 nas partes contralto e baixo). Mas à medida que as vozes se conectam, as figuras rítmicas tornam-se mais monótonas, retratando um discurso declamatório que afirma a ideia principal. Assim, todo o último verso é construído apenas no movimento em quartos.

Nuance também é usada conforme a imagem se desenvolve. Do “r”, ao conectar as vozes e “elevar” a nuance até “fff”, consegue-se a sensação de uma enorme onda sonora.

Ao longo de todo o movimento, a tonalidade de ré menor não muda. No primeiro verso, apenas um som cromático é usado - cis, que significa modo harmônico. No segundo dígito aparece o som “h” (VI grau alto), marcando o menor melódico. A parte termina com o som uníssono “d”, como afirmação da tônica.

A parte utiliza todos os tipos de combinações de vozes: desde a parte solo (número 1) até tutti (número 4, 5) até as de conjunto. A parte principal aqui é a parte do baixo - sempre é atribuído o texto e a melodia na forma principal. As vozes restantes são desligadas ou duplicadas em uníssono ou em terceiro lugar, ou executam vocalizações. Desta forma, são criados conjuntos: baixo e soprano (número 2), baixo e contralto com adição de tenor (número 3).

O alcance de cada voz facilita a execução da parte. A melodia é usada principalmente dentro da oitava, na parte soprano - uma décima maior. Vale ressaltar que a metade inferior da extensão é utilizada nos versos iniciais, “subindo” gradativamente até o número 4. Nos dois últimos números (4 e 5), a parte superior da tessitura é utilizada nas partes de todas as vozes. . Consegue-se assim o efeito de dinamização do material musical, da imagem, enquanto o intervalo entre as vozes é praticamente preservado.

Ao trabalhar com esta parte, o regente deve levar em consideração todas as características deste número. Em primeiro lugar, a construção da peça no sentido da dinamização merece a devida atenção. O maestro deve alcançar um aumento gradual (!) na nuance à medida que as vozes são conectadas. Isso é mais difícil na transição do primeiro número para o segundo, onde todas as vozes entram imediatamente após a parte do baixo solo, e do segundo para o terceiro, onde o alto e o baixo solo novamente após a parte de quatro partes. Você deve evitar usar os números 2 mais altos que os números 1 e 3 devido ao número de vozes.

A partir do número 3, nas junções dos versos poéticos, utiliza-se a entrada canônica das vozes e seu posterior alinhamento em uma única figura rítmica. Esta técnica cria a impressão de um fluxo contínuo de quartos, contribuindo para a criação da imagem. O maestro deve garantir que o desenvolvimento do pensamento musical não pare do número 3 até o final do movimento, preenchendo as cadências com declarações solo de partes individuais.

Você também deve prestar atenção ao movimento paralelo das vozes em terças (2º dígito) e em uníssono (3º dígito). Cada quarto cria uma harmonia vertical clara. O maestro deve garantir que todos os sons de um intervalo ou acorde bem construído sejam tocados simultaneamente e que sejam liberados em tempo hábil em todas as partes. Ao mesmo tempo, o objetivo principal ainda deve ser o movimento linear da melodia. Isto deve ser conseguido especialmente na vocalização do número 2 e nos números 4 e 5, quando o movimento uniforme das semínimas pode sobrecarregar o tecido musical.

Uma dificuldade particular para o regente-maestro é definir o andamento com sucesso. Deve estar mais próximo do cronômetro especificado recomendado pelo compositor. A escolha errada do andamento mudará a estrutura figurativa da parte: um andamento mais rápido não dará oportunidade de mostrar a amplitude e melodia dos primeiros versos, e um andamento mais lento sobrecarregará os últimos números e interromperá o movimento da coda.

Para concluir, gostaria de me debruçar sobre os intérpretes que colaboraram anteriormente e hoje executam a música de V. Sidorov.

Os primeiros intérpretes das canções do aspirante a compositor foram dois conjuntos vocais e instrumentais criados por V. Sidorov no Palácio de Cultura e Tecnologia da Margem Esquerda da Magnitogorsk Iron and Steel Works (“Magniton”) e no Palácio da Cultura “Construtores” ( "Eco"). Em 1975, VIA “Echo” participou num concurso regional de crítica na cidade de Zlatoust com a execução de um ciclo de canções escritas pelo compositor baseadas em poemas de Boris Ruchev. Este desempenho foi premiado com um diploma e o título de laureado.

Enquanto estudava no Conservatório dos Urais, V. Sidorov continua a trabalhar em estreita colaboração com músicos da cidade de Sverdlovsk. Ele escreveu um grande número de músicas para o conjunto “Júpiter”, formado por amigos e colegas de classe. Este conjunto fez inúmeras gravações de rádio. Assim, a música do compositor começou a ganhar popularidade.

Em Magnitogorsk, Vladimir Alexandrovich compõe músicas para diversas composições e grupos. O primeiro intérprete de obras corais foi a Capela Estadual de Magnitogorsk sob a direção de S. G. Eidinov: Oratório “O Conto da Montanha Magnética”, cantata “Na Fábrica dos Urais”. Alguns números da cantata foram executados em concertos do Coro de Câmara Municipal (diretor S. V. Sindina). Uma interpretação interessante foi dada à música escrita para a orquestra de instrumentos folclóricos, executada pela orquestra da escola de música (diretor A.N. Yakupov) e do conservatório (diretor S.A. Bryk), pelo conjunto “Native Tunes” (diretor V.S. Vaskevich, P. .A. Tsokolo).

“... Literalmente uma tempestade de aplausos foi causada pela execução de adaptações de três canções folclóricas russas: “Bigode”, “Swan”, “Mistress”. É curioso que o compositor Magnitogorsk V. Sidorov tenha escrito essas obras para um sintetizador com conjunto. Aplicativo instrumento eletrônico, no entanto, revelou-se completamente justificado e trouxe muitas novas cores tímbricas à partitura. Nesta noite inesquecível, os músicos tocaram muito bis e com prazer...” (Boletim informativo “Narodniki”, Moscou. No. 1 (13), 1996) e “...O Conjunto de Professores - é isso que eles brincando, chame de “Native Tunes” o próprio líder... Em “Três Canções Folclóricas Russas”, arranjadas pelo compositor V. Sidorov, os “professores” cantaram pela primeira vez. Segundo muitos, este é um dos melhores números do seu programa. Letra da música “Realmente, não há dinheiro!” o público realmente gosta…” (“Magnitogorsk News”, nº 21, 1997)

Muito trabalho foi feito com solistas e intérpretes de música vocal para criar gravações de áudio e álbuns magnéticos. Entre eles: I. Gventsadze, A. Kosterkina, T. Borisovskaya, T. Omelnitskaya, L. Bogatyreva, K. Vikhrova. Vejamos exemplos de algumas afirmações desses intérpretes: “...É gratificante conhecer um compositor que absorveu em sua obra tudo de melhor e mais íntimo que sempre caracterizou a canção russa: melodia e amplitude de alma, humor e ousadia. E tudo isso foi feito levando em consideração as tendências e tendências musicais modernas. Na minha opinião, o principal na obra de Vladimir Sidorov é a ligação inextricável de suas canções com o folclore...", "...as composições vocais de câmara de Vladimir Sidorov revelam as categorias profundas e filosóficas da existência. Esta é uma síntese orgânica do pensamento musical do nosso contemporâneo com os ápices da poesia clássica mundial. Essas composições são caracterizadas pelo entrelaçamento de voltas harmônicas misteriosas e de belo som que envolvem a melodia de “Her Majesty”, com textura polifônica e atenção a sutis nuances semânticas. Trabalhando em letras vocais Vladimir Sidorov e tendo gravado vários ciclos na rádio, recebi uma verdadeira satisfação criativa pelo contacto com música interessante e extraordinária. Acredito que estas composições são simplesmente necessárias para que os alunos do conservatório expandam a sua experiência estilística, melhorem as técnicas vocais e técnicas e enriqueçam a sua paleta espiritual...” (Irakli Gventsadze, laureado em concursos internacionais, professor associado do Conservatório Estatal de Magnitogorsk).

“...Quando entrei no VMMU, o destino me uniu a Vladimir Aleksandrovich Sidorov. Nosso encontro foi um impulso criativo para Vladimir Alexandrovich e um estímulo para o crescimento criativo para mim. Graças a Vladimir Alexandrovich, agora tenho meu próprio repertório e meu próprio rosto artístico... Tudo que canto foi escrito por Vladimir Alexandrovich Sidorov. É multifacetado pessoa criativa, com quem tenho interesse em trabalhar, e espero que ele também esteja. Nosso dueto foi formado com base na livre escolha criativa e o que nos conhecemos, fizemos e estamos fazendo me parece ser algum tipo de padrão natural...” (Larisa Bogatyreva., jornal “Voice of Magnitogorsk Youth” 1995)

Durante 1990-1998, o compositor lançou álbuns de áudio, incluindo álbuns solo e coleções de vários artistas: Tatyana Omelnitskaya “Por que eu te traí”, Larisa Bogatyreva “Depois da chuva na quinta-feira”, “Amargo”, Kristina Vikhrova “O Alegria do Amor””; “Canções R-Revolucionárias”, “Festa para amigos - crianças”, “Quando o amor se vai”, “Se você ouvir uma música sobre o amor”, “Alegoria da ironia”, “Magnitka na obra do compositor Vladimir. Sidorov”, “Somos inseparáveis ​​​​com a música”, “Vladimir Sidorov. Câmara Música vocal”

Para assinalar o 25º aniversário da actividade do compositor na arte musical, a editora “Magnit” decidiu implementar um projecto de publicação de uma série de colecções por género a partir da enorme bagagem criativa de Vladimir Aleksandrovich Sidorov. Pela primeira vez foram publicadas obras corais, vocais e instrumentais. Cada série é colorida; as coleções musicais são acompanhadas por fitas cassete com gravações dessa música executadas pelos melhores músicos de Magnitogorsk.

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(ao problema do funcionamento da arte musical).

Como um manuscrito. –Magnitogorsk, 2000.

Magnitogorsk 2001

Você pode obter informações adicionais e relacionadas nos seguintes sites:

www.vlsid.narod.ru - o quadro mais completo da obra do compositor, obras de diversos gêneros, catálogo de obras, páginas de artistas, jornalismo, resenhas, etc.