Capítulo I. Guitarra clássica: a história da criação, aperfeiçoamento e funcionamento.

§ 1. História da arte da guitarra da Europa Ocidental.

§ 2. História do desempenho do violão clássico na Rússia.

§ 3. Guitarra clássica nas províncias russas.

Capítulo II. Arte acadêmica do violão clássico: essência, estrutura, funções.

§ 1. Essência, estrutura e funções das artes cênicas acadêmicas.

§ 2º. Atuação profissional como primeiro componente da arte acadêmica.

§ 3. Sistema Educação vocacional como o segundo componente da arte acadêmica.

§ 4. A estrutura do repertório para guitarra clássica como o terceiro componente da arte acadêmica.

Capítulo III. A guitarra clássica no sistema de educação musical profissional nacional.

§ 1. Sistema moderno formação profissional em tocar violão clássico na Rússia.

§ 2º. Modelo educacional como forma de formação do violonista profissional.

§ 3º. Tecnologias da informação e informática no sistema de educação musical profissional.

Introdução à tese (parte do resumo) sobre o tema "Guitarra clássica na Rússia: para o problema do status acadêmico"

Conclusão da dissertação sobre o tema "Arte Musical", Ganeev, Vitaly Rinatovich

Lista de referências para pesquisa de dissertação candidato a crítica de arte Ganeev, Vitaly Rinatovich, 2006

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Seu berço foram os países do Oriente Próximo e Médio, onde surgiu há vários milênios.
Mas sua aparição em forma tradicional precedido por um longo caminho de desenvolvimento. De acordo com vários pesquisadores, o arco do caçador primitivo poderia ser usado não apenas como arma, mas também como instrumento musical. Assim, se várias cordas são puxadas em um arco, devido aos seus diferentes comprimentos, forças de tensão e espessuras, o tom do som emitido muda. Provavelmente, essa foi a aparência do instrumento musical, que se tornou o protótipo da cítara assírio-babilônica e egípcia. Por sua vez, as antigas cítaras tornaram-se os "ancestrais" do violão.

Nas antigas pirâmides egípcias e assírias monumentos arquitetônicos há hieróglifos representando o instrumento nablu, lembrando vagamente uma guitarra em forma. Curiosamente, os antigos egípcios usavam o mesmo hieróglifo para designar os conceitos de "bom", "bom", "bonito".
Na Mesopotâmia e no Egito, algumas variedades de cithara (incluindo a nabla egípcia e a árabe el-aud) receberam um desenvolvimento construtivo adicional e se espalharam por toda a costa do Mediterrâneo já no 3º - 2º milênio aC. Até agora, nos países da Ásia Menor, existe um instrumento musical "kinira", relacionado ao violão.

Na Grécia antiga, os instrumentos musicais mais populares eram kitara (kitarra), lira, harpa, pandora.
Nos primeiros séculos da nova era, o violão latino, relacionado ao grego, foi difundido nos países mediterrâneos da Europa. O parente mais próximo do violão, o alaúde, também era conhecido. O próprio nome "alaúde" vem da palavra árabe "el-aud", que significa "madeira" ou "eufônico".
Há uma suposição de que o alaúde e o violão foram trazidos para a Europa pelos árabes - através da Espanha conquistada por eles e no século VIII. Muito provavelmente, no entanto, essas ferramentas se espalharam para a Europa através da Grécia Antiga - graças à sua relações culturais com os países do Próximo e Médio Oriente.

Até o século 16, o violão era de três e quatro cordas. Eles tocaram com os dedos e uma palheta (um disco de osso e tartaruga).
No século 16, um violão de cinco cordas apareceu na Espanha e, desde então, ficou conhecido como violão espanhol. As cordas eram dobradas, às vezes a primeira corda ("cantora") era simples. De todos os países europeus, o violão foi o mais utilizado na Espanha, onde se tornou um instrumento verdadeiramente folclórico.
Com o advento da quinta corda e o aumento de suas capacidades artísticas e performáticas, o violão começa a competir com sucesso com o alaúde e a vihuela, seu antecessor, e gradualmente os desloca do uso musical.
Há uma série de talentosos virtuosos e compositores que elevaram a arte de tocar violão a um nível muito alto. Entre eles estão F. Corbetta (1620-1681), violonista da corte dos reis da Espanha, França e Inglaterra, seu aluno R. de Vize (1650-1725), violonista da corte do rei Luís XIV da França, F. Campion (1686 -1748), G. Sanz (1640-1710) e muitos outros.
Começaram a surgir as primeiras colecções de tablaturas e material didáctico para guitarra: "Guitar Book" de R. de Vize (1682), "Novas Descobertas da Guitarra" de F. Campion (1705) e muitos outros.

Eles imprimiram velhos danças espanholas- pascals, chaconnes, sarabandes, fólios e outras peças.
Na segunda metade do século XVIII, surge um violão de seis cordas (segundo os historiadores, novamente na Espanha). Com o advento da sexta corda e a substituição das cordas duplas por cordas simples, inicia-se a procissão triunfal do violão pelos países e continentes; ainda existe nesta forma. As possibilidades musicais do violão de seis cordas se tornaram tão grandes que se tornou um dos instrumentos mais queridos.
A "idade de ouro" da guitarra começa. Está associado aos nomes dos compositores e virtuosos da guitarra espanhóis F. Sora (1778-1839), D. Aguado (1784-1849) e italiano F. Carulli (1770-1871), M. Giuliani (1781-1829), M .Carcassi (1792-1853).

Artistas

Espanha

SOR José Fernando (Fernando Sor 1778 - 1839)

Guitarrista, compositor e professor espanhol. Na primeira infância, ele mostrou habilidades excepcionais e recebeu uma educação musical em um dos mosteiros católicos, aprimorando seu violão por conta própria. A guitarra de Sora criou uma verdadeira sensação em Londres, para onde ele foi depois de uma curta estadia em Paris. No outono de 1823, Sor com sua esposa, uma bailarina francesa, foi para a Rússia, onde suas apresentações foram um grande sucesso. em Moscou em Teatro Bolshoi O balé de Sora "Sandrillon" foi encenado. Em 1826 Sor retornou a Paris e lá permaneceu até o fim de seus dias. Apelidado de "O Beethoven da Guitarra", sua música profunda e emocional e a sonoridade suave e aveludada de sua execução fizeram dele um dos maiores guitarristas de seu tempo.
Sor nasceu em Barcelona. Aos cinco anos já compunha canções, acompanhando-se no velho violão do pai. Ele recebeu sua educação musical no mosteiro católico de Montserrat, perto de Barcelona, ​​e aos 13 anos já compunha músicas complexas. Certa vez seu professor foi ordenado a compor uma missa solene para solistas, coro e órgão, mas devido a doença não pôde prepará-la dentro do prazo. Sor ajudou seu professor completando o pedido de forma brilhante em uma noite.
Depois de completar sua educação musical e encontrar patronos, Sor se estabeleceu em Madri e se dedicou inteiramente à composição musical e ao aprimoramento de suas habilidades no violão. Em 1813 foi para Paris, onde logo ganhou fama como um dos melhores virtuosos, cativando Berlioz, Cherubini e outros músicos que viviam na capital francesa com sua execução. Em 1815, Soar foi para Londres, onde fez uma verdadeira sensação com seu violão. Em 1823, Sor já estava na Rússia, onde também teve uma recepção excepcional. Durante uma de suas viagens a São Petersburgo, Sor foi convidado para a corte da imperatriz Elizaveta Alekseevna, esposa de Alexandre I, que mostrou grande favor ao guitarrista. A proximidade com a corte prometia a Sor perspectivas brilhantes, e ele pretendia ficar na Rússia para sempre, mas foi forçado a deixá-la após a morte da imperatriz.
Depois de retornar à Europa Ocidental, Sor continuou a desfrutar de um sucesso sem precedentes. Sua autoridade entre os guitarristas era extremamente alta. No entanto, na década de 1930, o violão deixou de ser um instrumento de moda, e Sor, tanto como violonista quanto como compositor, também saiu de moda. Em junho de 1839, Sor morreu, meio esquecido até mesmo por seus colegas músicos.
A música de Sora tornou-se parte da história, muitas de suas composições para violão continuam vivas no palco de concertos, e sua "Escola para Violão" (1830) é considerada por muitos como a composição mais notável dedicada à técnica de tocar violão.

Itália

Giuliani Mauro (GIULIANI, Giuseppe Sergio Pantaleo 1781-1829)

Excelente guitarrista virtuoso italiano, compositor reconhecido por autoridades como J. Haydn e L. Beethoven. Nasceu perto de Nápoles. Quando criança, aprendeu a tocar violino e flauta, ao mesmo tempo em que se autodidatava no violão: aos vinte anos já havia alcançado resultados tão brilhantes que ganhou fama na Itália como o melhor violonista. A partir de 1800, iniciou-se a sua actividade concertística, inicialmente em Itália e em França. Em 1807 veio a Viena com concertos, onde os críticos de música o reconheceram unanimemente maior guitarrista Paz.
Tendo se estabelecido em Viena, Giuliani assumiu atividades de concerto e ensino. Entre seus amigos estão L. Beethoven e J. Haydn, os violinistas L. Spohr e J. Mayseder, os pianistas I. Hummel, I. Moscheles e A. Diabelli.
Em 1816 Giuliani grande sucesso turnê na Alemanha. Em 1819 apresentou-se em Roma em concertos com D. Rossini e N. Paganini.
As brilhantes performances de Giuliani e seus próprios concertos para violão e orquestra provaram a igualdade de direitos do violão como instrumento de concerto com o violino, violoncelo e piano. "Pequena Orquestra" - é assim que Beethoven caracterizou o som do violão de Giuliani.
Em 1821 Giuliani retornou à Itália e se estabeleceu em Roma. Nos últimos anos de sua vida, ele viajou pela Alemanha, Polônia, Rússia e Inglaterra, em todos os lugares causando deleite e espanto com sua arte.
M. Giuliani morreu em 1829 em Nápoles.

Carulli Ferdinand (Fernando 1770-1841)

Guitarrista, professor e compositor italiano. Inicialmente, ele estudou violoncelo. Depois de aprender a tocar violão sozinho, ele se tornou um guitarrista profissional. Belo timbre, pureza e fluência no violão garantiram seu sucesso em Nápoles e depois em Paris, onde se tornou o favorito dos salões. Carulli instalou-se em Paris em 1818. Tendo ganho fama como o melhor violonista de seu tempo, dividiu o campeonato com Matteo Carcassi e o manteve até o retorno de Fernando Sor.
Professor de destaque e intérprete brilhante, Carulli publicou cerca de trezentas de suas composições: peças para violão solo, concertos para violão e orquestra, obras de câmara, que se distinguem pela alta habilidade instrumental e técnica. Dois de seus trabalhos teóricos receberam amplo reconhecimento; estes são "Escola de tocar lira ou violão" (1810) e um estudo sobre acompanhamento "Harmonia aplicada ao violão" (1825). A "Escola" de Carulli ganhou particular popularidade: passou por cinco edições de uma só vez e foi publicada muitas vezes após a morte do autor.

Carcassi Matteo (1792 -1853)

Um dos mais famosos violonistas italianos de seu tempo, compositor e professor, seguidor de F. Carulli. Na história do violão, ele é conhecido como o autor de "A Escola de Tocar Violão" (1836) e de obras pedagógicas. Seus estudos para o violão sobreviveram até hoje, compondo o material de treinamento de qualquer violonista moderno e são considerados clássicos.
Matteo Carcassi estudou guitarra com primeiros anos em sua Itália natal. Ele ainda não tinha vinte anos quando já ganhou reputação na Itália como um virtuoso do violão. Em 1815 começou a ensinar guitarra e piano em Paris. Durante uma viagem de concerto à Alemanha em 1819, Carcassi conheceu o guitarrista francês Meissonier, que em 1812 fundou sua editora em Paris. Os dois guitarristas tornaram-se amigos íntimos e Meisonier publicou a maior parte do trabalho de Carcassi.
Em 1822 em Londres, depois de apenas alguns concertos, as pessoas começaram a falar sobre Carcassy como um excepcional guitarrista e professor. Ele logo retornou a Paris, mas visitava Londres todos os anos, onde seu talento na guitarra era muito apreciado e onde sempre foi esperado e reverenciado.
Quando Carcassi apareceu pela primeira vez em Paris, seu talento esteve por algum tempo na sombra de outro, mais velho e virtuoso guitarrista italiano Ferdinando Carulli, mas depois de alguns anos Carcassi alcançou reconhecimento e enorme sucesso. Ele deu concertos todos os anos na maioria das principais cidades da Europa. Em 1836, Carcassi retornou brevemente à Itália, mas Paris permaneceu sua residência permanente até sua morte em 1853.

França

Costa Napoleão (Napolón Coste / Claude Antoine Jean George Napolón Coste 1805 - 1883

Guitarrista e compositor francês. Nasceu em Franche-Comte. Sendo bastante jovem, já inicia a atividade de performer e professor. Em 1830 mudou-se para Paris, onde se tornou amigo de F. Sor, D. Aguado, F. Carulli e M. Carcassi, que ali residiam ao mesmo tempo que ele, que teve grande influência em sua obra. Em 1856, no concurso internacional para a melhor composição e o melhor instrumento, organizado em Bruxelas pelo violonista russo N. Makarov, recebeu o segundo prêmio por sua composição "A Grande Serenata".
Cost é um dos melhores artistas franceses do século XIX e é frequentemente comparado a Sor. Devido a uma lesão na mão como resultado de um acidente, ele foi forçado a interromper suas atividades de concerto. O próprio trabalho de Costa é relativamente pequeno, mas testemunha um talento de composição notável. Escreveu cerca de 70 obras para violão: valsas, variações, "Concerto Rondo", "Grande Serenata", o ciclo "Folhas de Outono", "25 Estudos" (op. 38), peças para oboé e violão, etc. pequenas peças sempre sentem harmonia harmoniosa e polifonia orquestral.
O nome de Costa está também associado a uma nova, revista e ampliada edição da Sor's School for the Guitar, na qual Cost incluiu a transcrição da suite de Robert de Wiese. Morreu em Paris.

Guitarra na Rússia

A história do violão na Rússia é interessante e muito original.
Em seu desenvolvimento, passou aproximadamente pelas mesmas etapas que nos países Europa Ocidental.
O historiador russo N. Karamzin escreveu que no século VI, os eslavos adoravam tocar cítara e harpa, não se separando deles mesmo em duras campanhas militares. Tocou na Rússia e o violão de quatro cordas.
Em 1769, o acadêmico Shtelin escreveu sobre o aparecimento no reinado da imperatriz Elizabeth do violão italiano de cinco cordas, para o qual foram publicadas revistas musicais especiais.

No final do século 18, um violão de seis cordas apareceu na Rússia. Logo ela se torna popular em todas as esferas da vida. São impressas as primeiras Escolas de tocar este instrumento e várias edições musicais. Escola mais antiga, publicado na Rússia, é "Improved Guitar School for Six Strings, or Self-Taught Guitar Playing Guide" de Ignatius von Geld. Foi publicado no início do século 19 em russo e alemão.
No mesmo período, "Etudes" e "Quatro Sonatas" para piano e violão de seis cordas do famoso virtuoso, compositor e professor P. Galyani, "Nova revista para violão de seis cordas" de A. Berezovsky, "Concerto para seis -violão de cordas acompanhado por orquestra" foram publicados em São Petersburgo o compositor Ashanin (1815).
Em 1821-1823 em Moscou e Nizhny Novgorod Foram abertas "academias de música", nas quais meninos e meninas aprendiam a tocar violão. Surgem excelentes virtuosos da guitarra russa - M. Sokolovsky, N. Makarov, V. Lebedev.

Vysotsky Mikhail Timofeevich (cerca de 1791-1837)

Guitarrista virtuoso russo e compositor de guitarra. Ele estudou violão com S. N. Aksenov. Gostava dos clássicos, especialmente Bach, cujas fugas tentava transcrever para o violão. Isso se refletiu no estilo sério e nobre de suas composições para violão: principalmente fantasias e variações do russo. temas folclóricos(ciclos de 4-5 variações, emoldurados por "screensavers" e "fins"), há também arranjos para violão de peças de V.A. Mozart, L. van Beethoven, J. Field (com quem o músico era próximo) e outros, dos quais 83 foram impressos; sua "Escola Prática e Teórica para o Violão" (1836) também foi publicada.

Makarov Nikolai Petrovich (1810-1890)

Guitarrista virtuoso russo, propagandista ativo da arte da guitarra.
Nasceu na cidade de Chukhloma, província de Kostroma. Ele passou sua infância nas propriedades de seu pai e tia M.P. Volkonskaya. Serviu como oficial do exército.
Tocava violino desde a infância. Aos vinte e oito anos, interessou-se pelo violão e, praticando de dez a doze horas por dia, logo alcançou um sucesso significativo.
O primeiro concerto de Makarov ocorreu em 1841 em Tula, no Salão da Assembleia da Nobreza, onde tocou a primeira parte do 3º Concerto de Giuliani.
Em 1852, Makarov viajou para o exterior, onde se encontrou com os maiores guitarristas da Europa: Tsani de Ferranti, Carcassi, Kost, Mertz, o mestre de guitarra Scherzer. Em 1856, em Bruxelas, organizou o 1º Concurso Internacional para a melhor composição para guitarra e o melhor instrumento, no qual atuou como solista com grande sucesso. O 1º prémio de melhor composição foi atribuído a J.K. Mertz, o 2º prémio a N. Kost, o 1º prémio de melhor instrumento ao mestre austríaco I. Scherzer, o 2º prémio ao mestre russo I. Arhuzen. N. Makarov morreu na aldeia de Funtikovo-Rozhdestvenskoye, região de Tula.

Sokolovsky Mark Danilovich (1818-1883)

Nascido na Ucrânia perto de Zhytomyr. Aprendi a tocar violão sozinho, seguindo as Escolas Giuliani, Leniani e Mertz.
Em 1841 deu o seu primeiro concerto a solo em Zhitomir, onde executou o Concerto em Mi Menor de F. Carulli. Em 1846 deu um concerto solo no salão da Assembleia Nobre. O concerto foi um grande sucesso e contou com a presença de mais de mil pessoas.
Em 1858 Sokolovsky foi para o exterior. Com grande sucesso são os seus concertos em Viena. Em 1863-1868 fez uma viagem triunfal pelas principais cidades da Europa: Paris, Londres, Berlim, Bruxelas, Dresden, Milão, Cracóvia, Varsóvia. Eles o chamam de "Grande Artista" na Alemanha, "Paganini da Guitarra" - na Inglaterra, "Kosciuszko dos Guitarristas" - na Polônia.
Em 25 de janeiro de 1869, Sokolovsky deu um concerto no salão lotado do Teatro Bolshoi. Seu concerto de despedida (devido a doença) aconteceu em 1877 em São Petersburgo, no salão da Capela de Canto da Corte.
Últimos anos Sokolovsky passou sua vida em Vilna (Vilnius), engajado em atividades pedagógicas. Um grande golpe para ele foi a recusa de N. Rubinstein em abrir uma aula de violão no Conservatório de Moscou.
Mark Sokolovsky morreu em 1883 em Vilna e foi enterrado no cemitério Rasu em Vilna; não muito longe disso, o famoso artista e compositor lituano Mikaelius Konstintinis Čiurlionis foi posteriormente enterrado.

Lebedev Vasily Petrovich (1867-1907)

Nasceu na província de Samara. Aluno do famoso guitarrista russo I. Dekker-Schenk.
Deu concertos com sucesso em São Petersburgo e outras cidades da Rússia. Em 1900 ele se apresentou com a orquestra de instrumentos folclóricos russos VV Andreev em Paris, na Exposição Mundial. A imprensa notou o grande sucesso do artista. Lebedev foi o primeiro intérprete da parte de violão no Quarteto para Violão, Violino, Viola e Violoncelo de N. Paganini. Ele ensinou em São Petersburgo no Museu Pedagógico e em partes do distrito militar. Morreu em Petersburgo.

declínio

Na segunda metade do século 19, a arte do violão declinou. A ópera, sinfonia e música instrumental relegou a guitarra a segundo plano e atrasou seu desenvolvimento por muitas décadas. Mas em ainda mais Isso foi facilitado pela moda e gostos pequeno-burgueses que se espalharam em todos os setores da sociedade. Segundo a expressão figurativa de Segóvia, o maior violonista do século XX, “o violão era pendurado nas paredes dos cabeleireiros”, seu principal objetivo era um acompanhamento primitivo de canções e romances, os músicos deixaram de considerar o violão um instrumento sério . Muitas tradições antigas deram em nada, inúmeras notas raras e manuscritos pereceram; artistas e compositores talentosos tornaram-se cada vez menos - o amadorismo e a ignorância varreram a arte do violão.
O declínio se espalhou para todos países europeus, mas menos do que outros, ele tocou a Espanha, na qual começou um novo renascimento do violão.
O músico que devolveu o bom nome ao violão e elevou sua arte a um novo patamar até então desconhecido foi Francisco Eshea Tarrega, um notável violonista, compositor e fundador espanhol. escola moderna jogos de guitarra.

Renascimento

Tarrega-Eshea Francisco (1852 - 1909)

Excelente violonista e compositor espanhol, fundador da escola espanhola de violão. Nasceu em 21 de novembro de 1852, faleceu em 5 de dezembro de 1909. Ele toca violão desde a infância. As habilidades musicais de Tarrega chamaram a atenção e, com o apoio de uma família rica, ele conseguiu ir para Madri e em outubro de 1874 entrar no conservatório, no qual se formou brilhantemente em duas especialidades - piano e composição. Apesar de suas boas habilidades pianísticas, Tarrega preferiu o violão, no qual ele melhorou tanto que decidiu dar seu próprio concerto no teatro Alhambra, em Madri. O enorme sucesso que acompanhou esta apresentação decidiu a questão completamente - Tarrega tornou-se guitarrista. As viagens de concertos à França, Itália, Áustria, Holanda e outros países confirmaram as excelentes habilidades do guitarrista. A imprensa comparou Tarrega com os maiores intérpretes contemporâneos - o violinista Pablo de Sarasate e o pianista Anton Rubinstein.

Barrios (Mangori) Agostinho (Agustín Barrios Mangore 23/05/1885-07/08/1944)

Um brilhante violonista virtuoso paraguaio, cuja importância foi plenamente apreciada quase 50 anos após sua morte. Nascido em uma família de músicos, na qual, além de Agostinho, havia mais sete filhos. Começou a tocar guitarra muito cedo. O primeiro professor foi Gustavo Escalda, que apresentou o jovem violonista ao mundo da música de Sor, Tarrega, Aguado e outros compositores cujas obras formaram a base do repertório violonístico tradicional. Aos 13 anos, notando o notável talento da criança, que já havia se manifestado em muitas áreas (ele era excelente no desenho, tinha incríveis habilidades matemáticas e talento literário), foi enviado para estudar no Colégio Nacional de Assunção.
Em 1910, Barrios, que já era conhecido como um violonista virtuoso, deixou o Paraguai e foi para a Argentina. Nos 34 anos seguintes, percorreu o continente sul-americano, dando concertos nas cidades da Argentina, Uruguai, Brasil, Venezuela, Costa Rica e El Salvador. Ele também viajou para o Chile, México, Guatemala, Honduras, Panamá, Colômbia, Cuba e Havaí. Entre 1934 e 1936 sua viagem à Europa aconteceu - ele jogou na Espanha, Alemanha e Bélgica.
Em 1932, o próprio Barrios passou a se autodenominar "Nitsuga Mangori - Violões Paganini" (Nitsuga é a leitura inversa de Agostinho, e Mangori é o nome do lendário líder dos índios Guarani). Por volta de meados dos anos 30, Barrios começou a desenvolver problemas de saúde - um coração doente já não lhe permitia fazer longas e extenuantes viagens de concertos. Ele passou os últimos anos de sua vida em San Salvador, capital do pequeno estado centro-americano de El Salvador, ensinando e compondo música, apenas ocasionalmente realizando concertos de violão solo.
Mangori não foi apenas um excelente intérprete, mas também um compositor, que possui mais de 300 obras para violão, muitas das quais são consideradas hoje entre os melhores trabalhos já escreveu para guitarra solo.

Vila-Lobos Heitor (Heitor Villa-Lobos 1887 - 1959)

Excelente compositor brasileiro, conhecedor do folclore musical, maestro, professor. Nasceu em 5 de março de 1887, faleceu em 17 de novembro de 1959. Teve aulas com F. Braga. Em 1905-1912 viajou pelo país, estudou vida folclórica, folclore musical (gravou mais de 1000 melodias folclóricas). A partir de 1915 apresentou-se com concertos de autor.
Em 1923-30. viveu principalmente em Paris, comunicou-se com compositores franceses. Na década de 1930, fez um grande trabalho na organização de um sistema unificado de ensino musical no Brasil, fundou várias escolas de música e corais. Vila-Lobos é autor de materiais didáticos especiais ("Guia Prático", "Canto Coral", "Solfeggio", etc.), a obra teórica "Educação Musical". Também atuou como maestro, promoveu a música brasileira em sua terra natal e em outros países. Recebeu a sua formação musical em Paris, onde conheceu A. Segovia e a quem mais tarde dedicou todas as suas composições para guitarra. As composições para violão de Vila-Lobos têm um figura nacional, ritmos e harmonias modernos neles estão intimamente entrelaçados com as canções e danças originais de índios e negros brasileiros. Chefe do Nacional escola de compositores. Iniciador da criação da Academia Brasileira de Música (1945, seu presidente). Desenvolveu um sistema de educação musical para crianças. Ele escreveu 9 óperas, 15 balés, 20 sinfonias, 18 poemas sinfônicos, 9 concertos, 17 quartetos de cordas; 14 "Shoros" (1920-29), "Brasileiro baiano" (1944) para conjuntos instrumentais, uma infinidade de corais, canções, músicas infantis, arranjos de samples folclóricos etc. - no total mais de mil dos mais diversos composições.

Segóvia Andrés (1893-1987)

Excelente guitarrista e professor espanhol. Nasceu na Andaluzia, na cidade de Linares, em 21 de fevereiro de 1893, e poucas semanas depois a família mudou-se para Jaén. A maravilhosa arte da improvisação dos guitarristas folclóricos andaluzes e cultura original isto terra antiga influenciou muito sua atitude.
Em 1910, o primeiro concerto público de Andrés Segovia, organizado por seus amigos, teve lugar no "Centro Artístico" de Granada.
Em 1915, Segovia conheceu o guitarrista Miguel Llobet, graças a quem pôde dar um concerto em Barcelona em janeiro de 1916. No entanto, eles não procuraram deixar o violão em grandes salões. Ela não era um instrumento popular, e todos achavam que o poder de seu som não era suficiente, e ela simplesmente não seria ouvida em uma grande sala.
O ponto de virada no destino do violão foi um concerto no Palau Chamber Music em Barcelona, ​​​​onde Segovia finalmente recebeu permissão para se apresentar. A beleza do som de um violão literalmente enfeitiçou os ouvintes.
A atmosfera do Renacimiento, o movimento para o renascimento das tradições folclóricas na música e na cultura da Espanha, contribuiu para o sucesso de Segóvia. Nos seis anos seguintes, o violonista ganhou reconhecimento por seu instrumento não só em salas de concerto Madrid e Barcelona, ​​mas também em outras cidades da Espanha. A isso deve ser adicionado o sucesso de duas turnês pela América do Sul em 1919 e 1921.
Os anos 20 do século XX tornaram-se o momento do nascimento de uma nova era na arte da guitarra e o início do reconhecimento mundial de Segóvia. Cada apresentação de Segovia era percebida como um milagre, como a descoberta de algo novo. Ele buscou superar estereótipos e estabelecer o violão como instrumento solo.
Três vezes, em 1926, 1927, 1935-1936, ele veio para a URSS e com sucesso constante deu concertos em Moscou, Leningrado, Kyiv e Odessa. Segovia se apresentou não apenas com shows, mas também se encontrou com violonistas locais, ouviu suas peças, realizou palestras metódicas e aulas abertas. Isso também afetou o desenvolvimento da arte do violão na União Soviética: após a turnê, muitos músicos profissionais começaram a ver o violão como um instrumento digno de estudo sério. O resultado foi a abertura de aulas de violão em escolas de música (então escolas técnicas), bem como em universidades de música individuais. P. S. Agafoshin foi um fervoroso defensor de Segóvia, que foi o primeiro na URSS a criar a "Escola de Tocar Violão de Seis Cordas", com base nas diretrizes metodológicas do notável violonista. Assim, Segovia não era apenas um artista, mas também um promotor ativo de seu instrumento.

Guitarra na Rússia 2

Agafoshin Petr (1874-1950)

Um maravilhoso guitarrista russo, um dos primeiros professores do violão de seis cordas. P.S. Agafoshin nasceu na aldeia de Pirogovo, província de Ryazan, em uma família camponesa. Paixão pelo violão herdada de seu pai (originalmente tocava violão de sete cordas). Tendo se mudado para Moscou, Petr Agafoshin melhorou sua execução em seu instrumento favorito por conta própria, apenas ocasionalmente usando o conselho de professores, entre os quais V. Rusanov, editor da revista de Moscou "Guitarist". Um papel significativo no desenvolvimento artístico de Agafoshin foi tocado por sua amizade com os artistas V. I. Surikov e D E. Marten, fãs apaixonados do violão. Participou como intérprete em muitos concertos. Acompanhou excelentes cantores F. Chaliapin, D. Smirnov, T. Ruffo. Reconhecimento da arte cênica de Agafoshin foi um convite para participar da ópera Don Quixote de Massenet no Teatro Bolshoi no ano de 1916, onde acompanhou F.I. Chaliapin.
O encontro em 1926 com Segóvia inspirou Agafoshin. Ele não perdeu um único concerto do artista espanhol, encontrou-se pessoalmente com ele. "Depois da partida de Segóvia", escreveu Agafoshin, "eu imediatamente reorganizei, fiz os ajustes necessários à minha produção, aos métodos do jogo. Com sua próxima chegada na primavera de 1927, minha condição era mais equilibrada, pois por isso tempo eu mesmo já era um pouco. Portanto, minhas observações posteriores de sua execução foram muito mais produtivas, pude focalizá-las em momentos individuais e detalhes de sua performance, especialmente aquelas peças que estavam em processo de meu estudo.
P.S. Agafoshin trabalhou como intérprete de orquestra no State Maly Theatre por mais de 40 anos. Em 1930-1950 deu um curso de guitarra no Musical College. Revolução de Outubro e o Conservatório Estadual de Moscou. Muitos famosos guitarristas soviéticos foram seus alunos (A. Ivanov-Kramskoy, E. Rusanov, I. Kuznetsov, E. Makeeva, Yu. Mikheev, A. Kabanikhin, A. Lobikov e outros).

Alexander Ivanov-Kramskoy (1912 - 1973)

Excelente guitarrista russo soviético, compositor, maestro, professor, autor da "Escola de tocar violão de seis cordas", um dos poucos guitarristas soviéticos que receberam o título de Artista Homenageado da RSFSR (1959). Nasceu em 26 de julho de 1912 em Moscou. Ele estudou no Colégio Musical com o nome da Revolução de Outubro com Petr Spiridonovich Agafoshin (violão de seis cordas), depois no Conservatório de Moscou (cursos avançados). Ele desempenhou um grande papel no desenvolvimento do violão de seis cordas na Rússia.
Ele se apresentou como solista e em conjunto com cantores (N. A. Obukhova, I. S. Kozlovsky). Desde 1932 ele trabalhou na All-Union Radio. Em 1939 ele recebeu o 2º prêmio no All-Union Competition for Performers on Folk Instruments. Em 1939-45. maestro do Song and Dance Ensemble do NKVD da URSS. Em 1947-52 foi o maestro do Coro Folclórico Russo e da Orquestra de Instrumentos Folclóricos da Rádio All-Union.
Autor de peças e escola para violão de seis cordas. Suas composições para violão (incluindo dois concertos para violão e orquestra) são muito populares entre os violonistas.
A atividade pedagógica de A. M. Ivanov-Kramskoy prosseguiu na Escola Acadêmica de Música do Conservatório de Moscou, onde de 1960 a 1973 dirigiu a aula de violão, tendo treinado muitos músicos talentosos. Depois lecionou no Instituto de Cultura.
Alexander Mikhailovich Ivanov-Kramskoy foi uma figura musical e pública proeminente que dedicou todas as suas energias à promoção da arte da guitarra. Após muitos anos de abandono, graças a um excelente intérprete e professor, o violão recuperou o status de instrumento de concerto profissional e passou a ser ensinado em instituições musicais secundárias e superiores do país. Morreu A. M. Ivanov-Kramskoy em Minsk durante um passeio. Ele foi enterrado em Moscou no cemitério Vvedensky.

Komoliatov Nikolai (n. 1945)

Um dos melhores guitarristas russos contemporâneos, professor. Nasceu em 1945 na cidade de Saransk, em 1962-70. estudou na escola e depois no Instituto. Gnesins na classe do famoso guitarrista russo A. M. Ivanov-Kramskoy. Graduado pelo Conservatório do Estado dos Urais. M.P. Mussorgsky. Desde a abertura da aula de guitarra na RAM. Gnesinykh trabalha como professor, tendo preparado muitos laureados de várias competições ao longo dos anos. Atualmente é professor da aula de violão da Academia Russa de Música. Gnesinas.
Em 1996, tornou-se laureado de uma competição internacional no Festival Latino-Americano de Artes. Ele é o primeiro intérprete de muitas obras de compositores contemporâneos. Firma "Melody" lançou dois discos solo do intérprete. O primeiro disco consistia em estudos e prelúdios de E. Vila-Lobos, e o segundo incluía obras de P. Panin (Dois estudos, Dois prelúdios, Dança do Xamã e Humoresco) e a suíte de I. Rekhin "Em Memória de E. Vila -Lobos".
Nas resenhas dos concertos de N. Komoliatov, a imprensa nota a riqueza timbrística de seu instrumento e técnica virtuosa, a elegância e sutileza do gosto artístico do músico.
Por realizações notáveis ​​no campo da arte da guitarra, N. Komoliatov recebeu o título de Artista Homenageado da Rússia. Por mais de 25 anos ele foi solista da Filarmônica Estatal de Moscou.

Yerzunov V Viktor (n. 1945)

Guitarrista, compositor, professor de música. Nasceu em 1945 em Saransk. O pai morreu na frente. As habilidades musicais apareceram cedo, mas não houve oportunidade de estudo.
Começou a aprender a tocar apenas aos 17 anos, no quintal. Estávamos contentes com três acordes principais... O ponto de virada foi o conhecimento de Nikolai Komoliatov, a única pessoa em Saransk que foi estudar com Alexander Mikhailovich Ivanov-Kramskoy. Ainda me lembro do primeiro prelúdio de Vila-Lobos, que ele tocou no nosso primeiro encontro.
E então o treinamento continuou com a ajuda de um manual de auto-instrução para tocar violão e "por correspondência". Nikolai Komoliatov, que então serviu como marinheiro e tocou no conjunto da Frota do Pacífico, gravou em um gravador em sua própria performance essas obras, cujas notas Victor possuía, e as enviou pelo correio de Vladivostok. Assim, "de ouvido", ele entendia as notas, tocando no modelo de seu professor distante. Em 1963, depois de se formar na escola, ele foi trabalhar como montador na fábrica Elektrovypryamitel. Ele conseguiu tocar violão mesmo durante o intervalo do almoço e depois do trabalho - até escurecer à noite. Eu preparei o programa para entrar na escola de música por conta própria. Não entrei na escola do Conservatório de Moscou, pois de acordo com a ordem do Ministério da Cultura naquele ano havia um conjunto de estudantes do Cazaquistão e do Uzbequistão. Mas no mesmo ano, uma pequena turma de violão de seis cordas foi aberta na Escola Gnessin, no Departamento de Instrumentos Folclóricos. Dois dos trinta candidatos foram aceitos. Um deles é Viktor Erzunov. Após 3,5 meses de estudo, Viktor foi convocado para as fileiras exército soviético, onde serviu na unidade de combate por três anos. Ao voltar para a escola, ele estudava dez horas por dia para recuperar o atraso. Ao mesmo tempo, começou a adquirir sua primeira experiência docente. Ele mesmo selecionou o repertório para os alunos a fim de incutir neles uma boa Gosto musical.
O professor de V. Yerzunov, Boris Khlopovsky, saiu para tocar no Mosconcert e recomendou seu melhor aluno para um emprego de professor. O cargo vago de professor de violão foi mantido por seis meses para Viktor Alekseevich, enquanto ele completava seus estudos. Em 1971 começou a trabalhar no Musical College. Gnesinas. Ao mesmo tempo, a convite de Marina Davydovna Khidekel, ele abriu uma aula de violão na Escola de Artes de Chernogolovskaya.
As primeiras peças já possuídas mestre maduro, selecionados após muitos anos de testes pelo tempo, foram publicados em 1989 na "Coleção de Repertório Pedagógico para Violão" junto com as obras dos clássicos. Uma coleção completamente autoral de composições próprias de Viktor Yerzunov "Álbum do guitarrista" para escolas de música infantil também foi lançada.

Alexandre Vinitsky
(n. 1950)

Guitarrista, compositor e professor de música russo. Laureado de competições internacionais. Graduado pela Academia Russa de Música. Gnesinas. Ele leciona no State Musical College. Gnessin violão clássico, realiza concertos solo, escreve música para violão, realiza seminários e master classes sobre o tema "Guitarra clássica no jazz". Participa de festivais internacionais de violão e música jazz, atua com sucesso no exterior e em principais cidades Rússia. NO programas de concertos composições do autor sonoro de Alexander Vinitsky, combinando estilos diferentes, além de arranjos musicais de Gershwin, Jobim, Bonff, Gilberto, Powell, Porter, Rodgers e outros compositores. 7 discos gravados. Publica seus trabalhos nas principais editoras musicais do mundo. Ele tem sido repetidamente presidente e membro do júri de competições internacionais de violão clássico na França, Polônia e Rússia.

Frauchi Alexander (n. 1954)

Um dos melhores violonistas-intérpretes russos. Nasceu em Rostov em 1954. Ele começou a dar seus primeiros passos na música sob a orientação de seu pai, Camille Arturovich Frauchi, um famoso violinista e, como dizem, um maravilhoso guitarrista e professor. Estudou no Centro Escola de música no conservatório Tchaikovsky em Moscou na classe de N. A. Ivanova-Kramskaya e no Conservatório. Mussorgsky em Sverdlovsk com G. Mineev. Em 1979 ganhou o primeiro prémio no concurso nacional concurso de música artistas em Leningrado, e em 1986 - o primeiro prêmio no Concurso Internacional de Guitarra em Havana (Cuba). Deu concertos a solo e conduziu master classes na Alemanha, França, Bélgica, Grã-Bretanha, EUA, Áustria, Itália, Jugoslávia, Polónia, Cuba, Hungria, República Checa, Bulgária, Turquia e Grécia. Alexander Frauchi tem sido repetidamente convidado como membro do júri para competições internacionais de guitarra. Um disco foi lançado pela empresa Melodiya, bem como um CD-ROM (1994) com uma gravação das obras de Nikita Koshkin.
Artista Homenageado da Rússia, professor de música, professor da Academia Russa de Música (antigo Instituto Musical e Pedagógico Gnessin) em Moscou.

A origem do violão se perde na escuridão do tempo: os cientistas não sabem quando e de onde veio. O desenvolvimento histórico do violão pode ser dividido em cinco períodos, que eu chamaria de formação, estagnação, renascimento, declínio e prosperidade.

Durante sua formação na cultura européia dos séculos 11 e 13, o violão substituiu muitos instrumentos de cordas e foi especialmente amado na Espanha. Além disso, a era da estagnação começou para o violão, que começou depois que o alaúde árabe foi trazido para a Europa. Durante quatro séculos, a maioria dos músicos europeus, levados pelo alaúde (para o qual foi criado um extenso repertório), esqueceram-se da guitarra. No entanto, os verdadeiros adeptos do violão aprenderam a tocar o repertório do alaúde, aproveitaram, por um lado, as técnicas características de tocar esse instrumento e, por outro, as vantagens do próprio violão, que consistia em maior facilidade de desempenho devido a um braço mais fino e mais longo e menos cordas. Como resultado, a partir de meados do século XVIII, iniciou-se o processo de renascimento do violão. No século 19, muitos músicos se apaixonaram por este instrumento e conseguiram entender sua alma. A música para violão foi escrita por F. Schubert, K. Weber, G. Berlioz e outros. Um número significativo de composições para violão e com sua participação foram criadas por Niccolò Paganini (1782-1840) (as obras escritas por ele ainda vivem no palco do concerto Seis sonatinas para violino com acompanhamento de guitarra). Surgiram intérpretes e compositores que dedicaram suas vidas inteiramente ao violão, por exemplo, F. Carulli (1770-1841), M. Giuliani (1781-1829), M. Carcassi (1792-1853) na Itália. Na Espanha - F. Sor (1788-1839) e F. Tarrega (1852-1909), que são justamente chamados de clássicos da arte do violão. No futuro, a tradição foi continuada por M. Llobet (1875-1938), E. Pujol (1886-1980) e especialmente o grande violonista espanhol do século XX Andrés Segovia (1893-1987), que trouxe o violão do salão para os maiores palcos do mundo.

Na Rússia, surpreendentemente, é com meados do século dezenove século marcou o declínio da arte da guitarra. As aulas de violão foram fechadas em instituições de ensino musical, que na época eram amplamente distribuídas graças às atividades da Sociedade Musical Russa. Aprender a tocar violão estava concentrado nas mãos de professores particulares, e seus sons tocantes eram ouvidos com mais frequência nas tavernas, em melhor caso- de salões e mandris de jardim. Somente na virada dos séculos 19 para 20 na Rússia começou um renascimento de uma atitude séria em relação ao violão e, em seguida, um florescimento gradual do desempenho do violão. Isso se deveu em grande parte à turnê de Andres Segovia na Rússia, que convenceu nossos ouvintes de que o violão como instrumento de concerto está no mesmo nível do violino, violoncelo e piano. Os associados russos do mestre espanhol Pyotr Agafoshin e seu aluno Alexander Ivanov-Kramskoy contribuíram em grande parte para a saída do violão da vida pequeno-burguesa para a esfera da arte musical e acadêmica. Assim, uma nova era começou na Rússia - uma época de formação intensiva e desenvolvimento do desempenho acadêmico de guitarra (solo e conjunto). As realizações da música de guitarra doméstica são evidenciadas de forma convincente pelo trabalho de guitarristas de concerto - alunos de universidades musicais russas.

Juntamente com os sucessos indubitáveis ​​da moderna escola russa de tocar violão nesta área, acumulamos muitos problemas agudos não resolvidos - musicais e artísticos, psicológicos, pedagógicos, tecnológicos e até socioculturais. Talvez o mais emocionante seja a falta de professores altamente qualificados, tocando profissionalmente e, além disso, com pensamento criativo. Sim, a propriedade dos violonistas domésticos é uma série de escolas de performance criadas por excelentes mentores, educadores sérios de jovens, grandes músicos. Seus nomes são bem conhecidos. Estes são M. Carcassy, ​​​​A. Ivanov-Kramskoy, E. Larichev, V. Yashnev, B. Volman, P. Veshitsky, P. Agafoshin, V. Kiryanov e outros. Merece um estudo sério trabalho criativo e a escola de E. Pujol, que estudou com o grande F. Tarrega. Outro exemplo é o trabalho do violonista de Samara A.I. Matyaev, professor e metodólogo autoritário, cujos alunos buscam e desenvolvem seus próprios caminhos na performance do violão e nos métodos de ensino. Então, na verdade, deveria ser. Assim, levantando aqui o problema da discrepância entre a crescente popularidade do violão, a demanda por formação sobre o mesmo e o número de professores qualificados, enfatizo a necessidade de organizar uma troca de opiniões entre professores de violão, em sentido mais amplo, para estabelecer um trabalho metodológico sério na escala das regiões e de toda a Rússia. Caso contrário, o estado de nossa literatura metodológica que existe hoje pode se enraizar por muito tempo.

Infelizmente, o mercado doméstico de guitarras está agora inundado com "escolas de guitarra" (ou "tutoriais") de base, que não desenvolvem nem o básico do profissionalismo nem uma atitude séria em relação ao violão em geral. Os autores de tais manuais na maioria das vezes procuram se estabelecer em seu estreito "mundo" do violão dessa maneira, no qual eles mesmos supostamente "dominam" o violão. Normalmente o texto ou material musical é reescrito, às vezes o dedilhado é alterado em alguns lugares, um ou dois novos exercícios são inventados - e a "Escola" para autodidata está pronta. Claro, não há nada do tipo em relação a aprender a tocar violino, piano ou, digamos, qualquer instrumento de sopro, e não pode ser. Mas a guitarra é um instrumento especial: simples e complexo. Quando se trata de jogar na vida cotidiana - parece que o mais fácil. Se você joga de verdade, profissionalmente, é muito difícil. Mas a cultura da guitarra ainda deve ser uma. E é do violão acadêmico que precisamos partir em todas as suas manifestações - profissionais e amadores, se queremos que esse instrumento popular faça parte da nossa cultura musical, que, como você sabe, é muito elevada em seu nível artístico.

Deve-se levar em conta, é claro, que o violão e a arte do violão existem em duas dimensões - folclórica e profissional. Como instrumento folclórico, o violão quase não sofre alterações: as peças, canções e romances realizados nele são preservados ao seu acompanhamento, as técnicas de execução permanecem inalteradas. Mas como instrumento musical profissional, o violão está em constante progresso: o repertório está se tornando mais complexo musical e tecnicamente, novas tendências na tecnologia de execução do violão estão surgindo, métodos mais avançados de produção de som, meios colorísticos, escolas e métodos estão surgindo . No entanto, às vezes surgem mal-entendidos aqui.

Descobriu-se que uma nova guitarra foi inventada, chamada "Gran". Lembro-me de uma reunião com grandes guitarristas que vieram ao Togliatti Institute of Arts para uma revisão. Eles também tinham uma patente para a "invenção" de um novo violão, e supostamente um ensino superior de violão (uma academia particular de violão de cauda!), No entanto, na realidade, descobriu-se que este instrumento não era uma invenção da atualidade em tudo. Na Noruega, existe uma espécie de violino, que, além das quatro cordas principais, tinha o mesmo número de cordas ressonantes localizadas mais baixas e conferindo ao instrumento uma coloração especial, enriquecendo seu timbre. Este violino foi afinado de diferentes maneiras e usado apenas como instrumento auxiliar na orquestra.Como você sabe, o mesmo princípio acústico subjaz ao desenho de muitas violas. A guitarra gran possui 12 cordas em relação ao horizonte do corpo, sendo seis inferiores (metal) e seis superiores (nylon). Grandes guitarristas tentam tocar todas as doze cordas! Em particular, eles usam ativamente em sua execução precisamente aquelas cordas que são ressonantes apenas para violinistas noruegueses. Como resultado, ao tocar tal instrumento, surge uma falsidade incrível - e, acima de tudo, combinações de acordes sujas (aleatórias). É claro que um número tão grande de cordas criará dificuldades colossais de natureza puramente técnica no jogo, que, talvez, apenas um robô, e não uma pessoa que não tenha reações de orientação funcionando perfeitamente e um sistema nervoso excepcionalmente resistente, poderia muito bem lidar.

No entanto, para ser justo, deve-se dizer que o som do violão gran é bastante profundo e timbremente bonito, pois é o resultado do som simultâneo de cordas de nylon e metal. Portanto, é possível que novas pesquisas ajudem aqueles que tocam este instrumento, superando as dificuldades orgânicas, a revelar suas qualidades úteis. Mas enquanto as declarações pretensiosas de apologistas de que a era do violão de cauda chegou, e todos os outros tipos de guitarras já se tornaram coisa do passado, na minha opinião, são profundamente errôneas.

Todo professor de violão precisa, aparentemente, se questionar sobre os principais valores de aprender a tocar violão. É improvável que eles possam ser admiração por métodos modernos, inovações profusamente anunciadas, repertório composto às pressas e "negociável". Na performance de violão, como em todos os outros tipos de artes cênicas musicais, é necessário, antes de tudo, buscar uma cultura de performance, por revelar o conteúdo artístico do que está sendo executado, por um som de alta qualidade e, claro, , para uma técnica livre e desenvolvida. Ou seja, a tudo o que compõe uma impressão musical e artística integral que encanta e cativa o ouvinte. Ao mesmo tempo, um professor que segue em sua arte as tradições clássicas testadas pela prática não deve passar por buscas e inovações (se, claro, vierem de músicos qualificados e competentes). É importante em todos os casos reservar o direito de analisar, generalizar e sintetizar os aspectos melhores, mais progressivos e úteis. É necessário aprender a ver e usar o mais necessário, tentando prever quais coisas novas podem realmente ser úteis em uma determinada situação educacional - digamos, para serem úteis no desenvolvimento de um aluno para o futuro (em um ano ou dois) . Afinal, o sucesso depende, em última análise, da adequação da aplicação individual de uma determinada técnica, golpe, método, abordagem, etc. exatamente nesta situação. Por exemplo, para argumentar abstratamente sobre o uso da técnica apoyando ou não aplicar... Não vale a pena falar sobre isso. É importante analisar e entender onde, quando, por que e em que medida é aconselhável usar essa técnica de performance tão bonita.

Vamos dar outro exemplo - o assento de um guitarrista. Havia muitos métodos de sua formação. O corpo do violão foi até encostado em uma cadeira ou mesa para melhor ressonância. E até hoje, vários bancos são substituídos por diferentes pernas. Um guitarrista coloca o pé esquerdo no direito e o outro - vice-versa. Existem diferentes opiniões sobre a posição do cotovelo direito, sobre a forma lúdica da mão direita, sobre a magnitude do ângulo do pescoço em relação ao corpo do performer. Em uma palavra, há muitas opiniões, e o critério geral para determinar as posições de jogo mais corretas, e mesmo levando em consideração as características individuais da estrutura das mãos e toda a constituição física do aluno, deve ser diferencial. Na minha opinião, o que é bonito é verdade. Mas para todo guitarrista, o apelo estético não pode ser puramente externo, visual, mas deve vir de dentro, o que, em essência, é uma manifestação da cultura musical interna. Somente com tal cultura, o violonista poderá "pronunciar" livremente, entoar música com a ajuda de um som musical ao vivo, que por sua vez se tornará a beleza da ordem externa, ou seja, percebida pelo ouvido exigente de alguém. Assim, fecha-se o círculo de considerações aqui expresso: para que a música tenha um efeito estético no ouvinte, seu intérprete deve ser uma pessoa plenamente culta e de gosto artístico impecável.

Passemos agora a outro problema que parece relevante. Muitas vezes, os pais, referindo-se às inclinações da própria criança, trazem crianças de quase seis anos para a aula de violão. Nesses casos, eles devem estar convencidos da conveniência da prévia introdução versátil e complexa da criança a vários tipos de arte (dançar, cantar, tocar os chamados instrumentos "elementares" que têm um timbre bastante bonito, mas são bastante fácil em termos de técnicas de produção de som, etc.). d.). É necessário convencer os pais de que é muito mais importante desenvolver um senso de ritmo e coordenação de movimentos, afinar o ouvido para a percepção de entonações musicais, alcançar uma compreensão da música possível nessa idade, do que se esforçar para aprender cedo domínio das habilidades de tocar guitarra.

Outro tema de nossas reflexões são os chamados "exames de ingresso" para a aula de violão, que, como se sabe, supostamente testam se um jovem candidato tem ouvido para música, ritmo e memória. Gostaria de alertar sobre a inutilidade de tais testes para determinar as perspectivas de uma execução instrumental bem-sucedida - especialmente no violão. Somente após alguns meses de aulas, o professor tem o direito de avaliar as habilidades do aluno e as perspectivas de seu aprendizado, que muitas vezes se revelam no processo de comunicação criativa ao vivo com a música, o professor e outros alunos. Às vezes passam três, quatro, cinco anos e acontece que o aluno reconhecido no início como “surdo, não rítmico” recebe um prêmio e o título de laureado da competição de toda a Rússia, ouve as palavras lisonjeiras de autoridades músicos.

Também relevante, é claro, não apenas para a aula de violão, é a questão de como, desde o início dos estudos em uma escola de música, conseguir aulas planejadas e sistemáticas para um aluno de um instrumento? Aqui não se pode prescindir do mais sério trabalho educacional necessário para que o aluno compreenda a futilidade da intenção de dominar o instrumento, conseguindo apenas assistir às aulas na escola e não estudar em casa. Claro, este é um tópico separado que merece um desenvolvimento especial em termos psicológicos e pedagógicos. Vou enfatizar seu significado especial para aulas de música bem-sucedidas.

Existem muitos outros problemas de guitarra que precisam de discussões sérias por guitarristas respeitáveis ​​e músicos altamente cultos. Talvez o mais importante deles seja o problema do som (real, é claro, para todos os instrumentos musicais, mas para violinistas, violoncelistas, pianistas, é bastante desenvolvido). O violão, figurativamente falando, é de fato o instrumento musical que não quebra o silêncio, mas o cria. Mas não é só nessa poesia que está o segredo da enorme popularidade do violão: em mãos hábeis, soa como uma orquestra. Tomando esta “orquestra” nas mãos, você pode sair, velejar, ir para a serra, ou subir ao palco e, depois de um minuto de afinação, dar rédea solta aos sons e aos dedos (esses “cinco punhais ágeis”, como Garcia Lorca disse) - para dar nossas almas junto com eles se emocionar ou esquecer.

Ministério da Cultura da Região Saratov

GOU SPO "Volsk Musical College

eles. V.V. Kovaleva (escola técnica) "

Curso de palestras

Disciplina:

"A história da performance em instrumentos folclóricos russos"

Executado

professor de especialização

"Instrumentos da Orquestra Folclórica"

Klochko G.V.

Tema I. A origem e desenvolvimento da música instrumental russa………………………………….3

1. A origem da música instrumental russa…………3

2. O papel dos músicos bufões na história da cultura musical russa …………………………………………………………………………………………………… ………………………………………………………………………

Tema II. Instrumentos folclóricos russos na cultura musical nacional dos séculos XI e XIX…………………………………………………………………………10

Gusli nos séculos XI - XIX…………………………………10

Violão de seis cordas na Rússia…………………………15

Violão de sete cordas nos séculos XVIII - XIX……………20

A formação do desempenho na domra russa ........ 25

Balalaica nos séculos XVIII - XIX………………………..29

TemaIII. A evolução do acordeão russo na segunda metade do século XIX - início do século XX…………………………34

O aparecimento das primeiras gaitas russas…………………34

O surgimento da performance de concerto na gaita na Rússia no final do século 19 - início do século 20……39

Tema4. Criação de uma direção acadêmica na arte balalaica-domra e harmônica-bayan (meados da década de 1880 - 1917)………………………………….45

V.V.Andreev e seus semelhantes na cultura musical russa do último terço do século 19…..45

Cromatização de balalaica e acordeão…………………..49

O aparecimento do bayan na Rússia e o desenvolvimento do concerto bayan…………………..

A arte de tocar balalaica no início do século XX...

O desenvolvimento da arte da guitarra na Rússia no início do século XX…………………………………….

TemaV. Formação de uma orquestra performance domra-balalaika e harmônica-bayan

Criação das primeiras orquestras de gaita cromática …………………………………………………………………………………………………………………… ………………………………………………………………………………………………………………

O surgimento da orquestra balalaica de V.V. Andreev……………………………………………7

Características da formação do repertório da orquestra de instrumentos folclóricos russos………………….15

TemaVI. Performance em instrumentos folclóricos russos em 1917 - 1941

O papel das competições e olimpíadas do segundo semestre

Década de 1920 - início dos anos 30 no desenvolvimento da performance…………………………………….18

2. A origem da educação profissional em instrumentos folclóricos…………………………22

3. A formação de ensemble profissional e arte orquestral………………………………….26

Desenvolvimento de arte profissional solo..34

I.Ya.Panitsky…………………………………………….39

TemaVII. Performing art em instrumentos folclóricos russos durante a Grande Guerra Patriótica (1941 - 1945)

Artes cênicas amadoras e profissionais…………………………45

Obras dos anos de guerra para instrumentos folclóricos russos………………………………………..50

TemaVIII. Tocando em instrumentos folclóricos russos na primeira década do pós-guerra (1945 - 1955)

Desenvolvimento do desempenho profissional….53

Funciona para instrumentos de cordas dedilhadas. O desenvolvimento do repertório original do acordeão de botão……………………………………………………………………………………70

TemaEUX. O auge da apresentação em instrumentos folclóricos russos (final dos anos 1950 - 1990)

O desenvolvimento das artes cênicas profissionais……………………………………………….75

Composições para instrumentos folclóricos dedilhados bayan e solo……………………………85

Tema I. A origem e o desenvolvimento da música instrumental russa

A origem da música instrumental russa

Desde tempos imemoriais, o povo russo procurou expressar seus pensamentos, aspirações, experiências emocionais com a ajuda da música instrumental. Artesãos talentosos desconhecidos criaram e melhoraram uma grande variedade de instrumentos musicais.

A origem da música russa remonta aos tempos antigos. Surgiu nas profundezas do sistema comunal primitivo das tribos eslavas que habitavam um vasto território.

O centro de uma das uniões tribais era a tribo Ros, que vivia no rio Ros (um afluente do Dnieper, abaixo de Kyiv). Mais tarde, o nome dessa tribo se espalhou para todos os eslavos orientais, chamados Russ, e o território em que viviam - a terra russa, Rus.

Segundo os historiadores, os eslavos eram um povo alto, forte e bonito: "eram pessoas boas e nada cruéis", gostavam muito de cantar, pelo que eram apelidados de "amantes de canções".

No século VIII, os eslavos orientais estavam passando por um processo de decomposição do sistema comunal primitivo, os rudimentos do poder do Estado estavam amadurecendo. Por esta altura incluem o aparecimento de escultura, música, dança.

Os antigos eslavos orientais tinham vários tipos de arte associados a formas rituais de crenças religiosas pagãs. A realização dos rituais era acompanhada de cantos, tocar instrumentos musicais, dançar com elementos da ação teatral.

No primeiro estágio de sua origem, a música ainda era muito primitiva. O canto era monofônico e as melodias eram construídas em 3-4 sons. Em muitas músicas não havia combinações de semitons. No entanto, sua estrutura metro-rítmica era bastante diversificada: havia uma relação estreita entre a melodia e as palavras.

Os antigos eslavos conheciam instrumentos musicais tipo diferente, por exemplo, os chamados tambores de membrana, onde a fonte sonora é uma membrana que vibra como resultado de um golpe nela. Entre os instrumentos deste tipo, os pandeiros e tambores são os mais famosos. Instrumentos de percussão também incluem um órgão de metal. Como sugerido, era um conjunto de placas de metal ou hemisférios. Dos instrumentos folclóricos de sopro, havia uma flauta longitudinal, uma flauta de Pã e ​​apitos de barro.

A flauta longitudinal parecia um tubo, geralmente com seis orifícios, dando uma escala diatônica. A flauta de Pã era um conjunto de tubos curtos de vários comprimentos, onde as extremidades superiores dos troncos eram abertas e as inferiores fechadas com um chumaço. O som foi extraído cortando o ar contra a borda da extremidade superior do tubo. A flauta de Pã foi o protótipo dos modernos cutelos. Apitos de barro ou ocarinas são figuras ocas de cerâmica, geralmente feitas na forma de um pássaro ou animal, e com 2-3 buracos de jogo. A harpa também era conhecida pelos eslavos. As informações sobre este instrumento chegaram até nós desde o século VI.

Se as canções foram transmitidas oralmente de geração em geração e assim preservadas na memória auditiva das pessoas por séculos, e algumas delas sobreviveram até hoje desde tempos imemoriais, então a música instrumental só poderia ser preservada em notação musical. Este último era propriedade dos mosteiros onde se cultivava o canto da igreja. Ele entrou na prática musical da Rússia (e mesmo assim de forma muito imperfeita) apenas no século XVII. A música instrumental era considerada secular e, portanto, pecaminosa, "demoníaca". Além disso, a vida dos próprios instrumentos foi de curta duração: feitos de material frágil, madeira. Eles estavam acima de tudo expostos à influência do tempo, e nada poderia impedir o processo de seu desaparecimento, sem mencionar o fato de que as terras eslavas eram constantemente submetidas a invasões de tribos selvagens, de modo que precisavam cultivar a terra com armas atrás deles.

A música e a arte instrumental dos antigos eslavos nasceram e se desenvolveram em estreita relação. Uma análise da estrutura das canções e dos instrumentos musicais permite afirmar que a prática cantante do povo garantiu o nascimento dos instrumentos musicais, e os instrumentos musicais, por sua vez, consolidaram a experiência da arte cantante, ou seja. a criação de muitas canções ocorreu sob a influência do sistema instrumental estabelecido, assim como as escalas de muitos instrumentos musicais nasceram muitas vezes a partir de melodias específicas e mais típicas de canções folclóricas, como materialização material dos resultados da prática criativa. E se você conhece a estrutura dos instrumentos, como produzir som neles, a natureza do som, então você já pode modelar a natureza da música daquela época.

A importância do período pré-Kiev na história da cultura instrumental russa é excepcionalmente grande. Foi durante esse período que foram lançadas as bases da música profissional russa original nacional.

1. O papel dos músicos bufões na história da cultura musical russa

No século IX, um grande e forte estado feudal inicial, Rus, foi formado no território da atual Ucrânia. Kyiv tornou-se sua capital. De acordo com a cidade principal, este estado começou a ser chamado de Kievan Rus. Kyiv torna-se o centro econômico e cultural de todas as terras eslavas orientais. A cultura de Kievan Rus atingiu um alto nível de desenvolvimento. Arquitetura, pintura, música estão se desenvolvendo rápida e intensamente.

Numerosas evidências históricas apontam para o grande papel da música na vida pública e estatal da Rússia de Kiev. Ela era um acessório invariável da vida principesca e da comitiva, acompanhando festas alegres e imprudentes e cerimônias oficiais solenes. A pintura da parede da Catedral de Santa Sofia de Kyiv reflete imagens semelhantes da produção musical da corte.

Documentos históricos indicam a existência na Rússia Antiga de duas categorias de cantores-músicos, que diferem entre si tanto na natureza de sua arte quanto em seu status social.

A um deles pertenciam bufões, perpetuamente perseguidos e perseguidos pela igreja, privados da proteção das leis, na maioria sem-teto e sem qualquer propriedade, mas sempre convidados bem-vindos, amados por todas as esferas da vida. A outra categoria incluía cantores principescos que ocupavam uma posição elevada na sociedade e eram reconhecidos por autoridades seculares e espirituais. Fontes literárias fornecem uma extensa lista de divertimentos proibidos pela igreja, entre os quais se destacam bufões, "buzzers", "swirts", "gamblers", "atos vergonhosos" nas ruas das cidades, "salpicos de pandeiro", "som de flauta" , "dança e todos os tipos de jogos".

Junto com grupos errantes de bufões que se deslocavam de um assentamento para outro, convidando os espectadores para suas performances dedicadas ao Natal, Entrudo, Páscoa, ou por uma taxa "contratada" para participar de casamentos ou outras férias em família, havia aqueles que viviam assentados . Eles possuíam sua própria fazenda e se engajavam em palhaçadas por ganhos adicionais e, em outros casos, talvez por puro amadorismo.

Mas, apesar da conhecida estratificação entre a bufonaria, era um tipo social de artista e músico medieval, em sua posição na sociedade e na natureza de sua arte, nitidamente diferente dos cantores e poetas principescos de alto escalão que glorificavam feitos de armas príncipe e seu esquadrão.

Os instrumentos musicais da Rússia Antiga diferiam não apenas na estrutura, mas também no papel que desempenhavam na vida cotidiana e vida pública. Cada ferramenta tinha sua própria finalidade e era usada em certos casos de acordo com costumes e tradições estabelecidas. Alguns gozavam de respeito e honra em todas as esferas da vida, outros foram severamente condenados e perseguidos. Por exemplo, a trombeta costumava ter um lugar especial como um instrumento nobre privilegiado que incutia coragem e destemor na alma de um guerreiro, chamando-o para feitos de armas. Em um dos antigos ensinamentos da igreja eslava, o cachimbo se opõe ao ranho e à harpa, que "reúnem demônios sem vergonha".

Os bufões de Kyiv pela primeira vez emitem um bipe - instrumento de cordas, que não se tornou menos popular que a harpa. A imagem mais antiga deste instrumento que chegou até nós remonta ao século XV. O corpo da trompa era em forma de pêra, a mesa de som era plana, o suporte das cordas era uniforme, sem dobrar. Três cordas estavam no mesmo nível e, portanto, o arco, que tinha formato de cebola, estava em contato com as três. Uma melodia era tocada na primeira corda fina, a segunda e a terceira cordas soavam sem alterar o tom (elas eram construídas em quintas, como um violino moderno). O som contínuo (zumbido) dos parafusos nas vozes mais baixas tornou-se um dos traços estilísticos mais característicos para música folclórica, chamado de bourdon, um quinto bourdoning. Durante o jogo, o instrumento era apoiado no joelho da perna esquerda ou preso entre os joelhos.

Durante as escavações arqueológicas em Novgorod em 1951 - 1962. pela primeira vez, amostras autênticas de bipes antigos relacionados. Como foi estabelecido por cientistas, no século XII.

Dos instrumentos de sopro em Kievan Rus, vários tipos de instrumentos do tipo flauta foram usados: ranho - uma flauta assobiando (durante as escavações arqueológicas em Novgorod, foram encontradas amostras de ranho que remontam ao século 11), um tubo - uma flauta de apito emparelhada , a flauta de vários canos de Pan (kugikly), bem como vários chifres e trombetas de pastor e militares (militares), cuja menção pode ser encontrada nas crônicas antigas do início do século VII. O chifre do pastor, como o cachimbo, era feito de madeira. Tanto os tubos quanto os chifres eram usados ​​​​tanto na vida cotidiana quanto nos assuntos militares. Escavações arqueológicas ainda não encontraram uma única cópia dessas ferramentas.

Há razões para acreditar que os bufões de Kievan Rus tocavam gaita de foles. É verdade que a primeira menção a eles remonta à época de Ivan, o Terrível (meados do século XVI), mas as fontes literárias não podem servir para designar a época em que este ou aquele instrumento surgiu, pois apareciam, via de regra, muito mais tarde. Muitos pesquisadores acreditam que a gaita de foles é um dos instrumentos mais antigos.

A gaita de foles russa (duda ou cabra) é um vento instrumento de palheta com um reservatório de ar (pele) feito de couro ou bexiga de touro. 4 - 5 tubos foram inseridos no orifício da pele. Um deles serviu para forçar a entrada de ar no pelo, o resto foi usado como brincadeira. Ao tocar, o performer pressionava o pelo com o cotovelo da mão esquerda no corpo, espremia o ar dele, que, entrando nas flautas, vibrava placas finas de junco presas dentro dos troncos, chamadas de “bips” ou “línguas”. ”. Com os dedos das mãos, o instrumentista fechava os orifícios localizados no tronco do tubo melódico, alterando assim o tom do som. As outras duas flautas soavam o tempo todo no mesmo tom e, à medida que se ajustavam a uma quinta, formava-se uma quinta bourdon. Algumas gaitas de foles tinham duas gaitas melódicas que soavam simultaneamente, em uma combinação de duas vozes. Durante o jogo, o músico soprava constantemente ar no pelo, para que a gaita de foles pudesse soar sem interrupção. Daqui veio expressão famosa“puxar a gaita de foles”, “cachimbo”.

Dos instrumentos de percussão, foram utilizados pandeiros (o nome comum para vários tambores), entre os quais instrumentos com bugigangas, como címbalos em um pandeiro moderno. O jogo em conjunto já era praticado no século 11. Assim, por exemplo, nos aposentos do príncipe Svyatoslav Yaroslavovich, um grande conjunto instrumental tocava regularmente. Seu repertório foi construído sobre o material de canções folclóricas.

No século XIII, quando quase toda a terra russa estava sob o jugo mongol-tártaro, Novgorod tornou-se o guardião e continuador das antigas tradições culturais russas.

A arte dos bufões de Novgorod estava em um nível muito alto nível. Nos épicos folclóricos, os bufões de Novgorod eram caracterizados como cantores talentosos e músicos instrumentais que possuíam habilidades de alto desempenho, um repertório amplo e variado. Há razões para acreditar que a maioria das canções executadas pelos bufões, e as cenas representadas por eles, surgiram de improviso e estavam em estreita conexão com as circunstâncias em que os bufões faziam suas apresentações.

Portadores de ideias progressistas - bufões - eram muitas vezes instigadores e participantes da agitação popular. Os representantes das autoridades eclesiásticas foram os primeiros a se manifestar contra os bufões. Os padres viam em suas atividades o renascimento do paganismo, distraindo o povo da igreja com "jogos demoníacos". A perseguição aos bufões foi lançada pelos czares Mikhail Fedorovich e, em particular, Alexei Mikhailovich. Assim, em 1648, a carta régia ordenava "queimar todos os navios barulhentos, punir aqueles que desobedecessem com chicote e batogas e exilá-los para lugares remotos por repetidas desobediências". De acordo com uma testemunha ocular, um comboio com instrumentos musicais foi queimado em um pântano do outro lado do rio Moscou.

Como resultado da perseguição, havia cada vez menos artesãos que faziam instrumentos musicais para bufões, a arte aos poucos foi perdendo seu caráter de massa, degenerada. No entanto, mesmo nos séculos XVIII-XIX, os bufões podiam ser encontrados em barracas folclóricas, em feiras em Moscou, São Petersburgo, Nizhny Novgorod.

A bufonaria na Rússia entrou na história da cultura russa como um fenômeno de grande significado social e artístico. Teve grande influência na formação de todos os gêneros da arte musical e da literatura.

1. Uma breve excursão pela história mundial da performance do violão.

2. A penetração da guitarra na Rússia ( final do XVII século).

3. A primeira "Escola de tocar violão de seis e sete cordas" de I. Geld.

4. A.O. Sichra e violão de sete cordas.

5. Principais guitarristas russos do século XIX: M.T.Vysotsky, S.N.Aksenov, N.N.Lebedev.

6. Os primeiros mestres da guitarra - I.A. Batov, I. G. Krasnoshchekov.

7. Guitarristas de seis cordas do século XIX - M.D. Sokolovsky, N.P. Makarov.

8. Atividades de publicação de V.A. Rusanov e A.M. Afromeev.

9. Andres Segovia e seus shows na Rússia.

10. Guitarra na competição All-Union em 1939.

11. Atividade performática de A.M. Ivanov-Kramskoy.

12. Guitarristas dos anos 50-70 do século XX: L. Andronov, B. Khlopovsky, S. Orekhov.

13. A guitarra no sistema de educação musical.

14. Arte da guitarra dos anos 70-90 do século XX: N.Komoliatov, A.Frauchi, V.Tervo, A.Zimakov.

15. Guitarra de jazz.

O caminho de desenvolvimento do violão na Rússia foi longo e difícil. O desenho final do violão no mundo como o conhecemos ocorreu apenas no século XVIII. Antes disso, havia precursores do violão - a cítara grega, a lira, o alaúde, a viola espanhola. O violão clássico de seis cordas teve e tem seus famosos intérpretes, compositores, mestres. Mauro Giuliani e Fernando Carulli, Matteo Carcassi e Fernando Sor, Francisco Tarrega e M. Llobet, Maria Luisa Anido e Andrés Segovia - cada um deles deixou uma marca notável na arte do violão.

Até o século 18, o violão não era amplamente utilizado na Rússia. Com a chegada de M. Giuliani e F. Sor, sua popularidade aumentou acentuadamente. No entanto, lembramos que os compositores italianos Giuseppe Sarti e Carlo Cannobio, que serviram na corte de Catarina II, foram os primeiros a trazer o violão para a Rússia; mais tarde, eles se juntaram a músicos franceses.

Ignaz Geld é da República Tcheca. O destino o trouxe para a Rússia em 1787. Viveu em Moscou, Petersburgo. Ele tocava guitarras de seis e sete cordas. Dava aulas de jogo. Em 1798, surgiram duas escolas de violão: uma - para seis cordas, a outra - um pouco antes - para sete cordas. Ele escreveu e publicou muitas composições para violão, voz e violão. Ele morreu em Brest-Litovsk.

Um dos mais brilhantes propagandistas do violão de sete cordas e fundador da escola russa de tocá-lo foi o violonista e compositor A.O. Sikhra (1773-1850). Alguns pesquisadores associam o surgimento do violão de sete cordas na Rússia a esse músico.

Andrei Osipovich Sikhra - nasceu em Vilna. Desde 1801 ele começou a viver em Moscou, onde deu aulas, se apresentou em vários concertos. Em 1813 mudou-se para São Petersburgo, onde publicou "Coleção de várias peças, que contém principalmente canções russas com variações e danças". Organizou a edição de uma revista de guitarra. Ele trouxe à tona uma galáxia de guitarristas russos, incluindo: S.N. Aksyonov, V.I. Morkov, V.S. Sarenko, V.I. Svintsov, F.M. Zimmerman e outros. Autor de um grande número de peças, arranjos de canções folclóricas russas. Por insistência de seu aluno V. Morkov, A. O. Sikhra escreveu "Escola Teórica e Prática para o Violão de Sete Cordas" e o dedicou a todos os amantes do violão. A primeira edição - 1832, a segunda - 1840. Ele foi enterrado no cemitério de Smolensk, em São Petersburgo.

Se A.O. Sikhra viveu e trabalhou principalmente na capital do norte, M.T. Vysotsky era dedicado a Moscou com todo o seu coração.

Mikhail Timofeevich Vysotsky - nasceu em 1791 na propriedade do poeta M. M. Kheraskov. Aqui ele recebeu suas primeiras aulas de violão de S.N. Aksyonov. Desde 1813 ele viveu em Moscou, onde se tornou um conhecido intérprete, professor e compositor.

Que sons! eu ainda estou

Sons doces eu;

Esqueço a eternidade, o céu, a terra,

Ele mesmo.

(M. Lermontov)

Entre os alunos: A.A. Vetrov, P.F. Beloshein, M.A. Stakhovich e outros. Autor de muitas peças para violão, principalmente fantasias e variações de temas folclóricos ("Spinner", "Troika", , perto da ponte", "A Cossack Danúbio"...). Pouco antes de sua morte, ele escreveu e publicou "A Practical School for the Seven-String Guitar in 2 Parts" (1836). Ele morreu em 1837 em profunda necessidade.

Semyon Nikolaevich Aksyonov (1784-1853) - um estudante de A.O. Sikhra, nasceu em Ryazan. Publicou a "New Magazine for the Seven-String Guitar", na qual publicou suas próprias fantasias e variações ("Among the Flat Valley"). Através dos esforços de Aksyonov, "Exercícios" de A.O. Sikhra foram publicados. Ele foi considerado o melhor virtuoso da guitarra em Moscou (junto com M.T. Vysotsky). Republicou a escola de I. Geld. Introduzido flageolets. Não se sabe se S.N. Aksyonov teve alunos, exceto no caso de várias aulas para Vysotsky. Basicamente, sua atividade laboral estava associada ao atendimento em vários departamentos.

Nikolai Nikolaevich Lebedev é um dos melhores guitarristas siberianos. Anos de vida 1838-1897. Testemunhas oculares compararam seu jogo com o jogo de M.T. Vysotsky: o mesmo talento milagroso como improvisador, sinceridade e sinceridade de desempenho, amor pela música russa. As informações biográficas são escassas. Sabe-se que N.N. Lebedev era um oficial. Ele poderia ter aulas de violão com seu pai, um guitarrista amador. Ele trabalhou como balconista em várias minas. Ocasionalmente dava concertos que surpreendiam a todos os presentes com o domínio do instrumento.

As artes cênicas de tocar violão não progrediriam sem instrumentos de primeira linha. Na Rússia, seus mestres apareceram logo após o surgimento de um amplo interesse por esse instrumento. O russo Stradivarius foi chamado de contemporâneo de Ivan Andreevich Batov (1767-1839), que fez cerca de cem excelentes instrumentos em sua vida - violinos, violoncelos, balalaikas. Das mãos de um excelente mestre, dez guitarras saíram, que soaram nas mãos de I.E. Khandoshkin, S.N. Aksyonov, M.T. Vysotsky.

Não menos famoso mestre foi Ivan Grigoryevich Krasnoshchekov; todos os musicais que Moscou tocava em suas guitarras. Os artistas apreciaram os instrumentos de Krasnoshchekov por seu som quente e suave, pela elegância e beleza do acabamento. Uma das guitarras (tocada pela famosa cigana Tanya, que admirava A.S. Pushkin com seu jeito de tocar e cantar) está guardada no Museu Glinka de Cultura Musical (Moscou).

Além das guitarras de Batov e Krasnoshchekov, as guitarras dos irmãos Arhuzen (Fyodor Ivanovich, Robert Ivanovich), F.S. Paserbsky, M.V. Eroshkin eram famosas em Moscou e São Petersburgo. Seus instrumentos não eram inferiores em força e beleza de tom às guitarras dos mestres ocidentais. Dos guitarristas russos de seis cordas, os mais famosos foram N.P. Makarov (1810-1890) e M.D. Sokolovsky (1818-1883).

Nikolai Petrovich Makarov é uma personalidade única: um lexicógrafo que publicou o Dicionário Completo Russo-Francês (1866), o Dicionário Alemão-Russo (1874), a Enciclopédia da Mente, ou Dicionário de Pensamentos Selecionados (1878); um escritor que escreveu vários romances e muitos artigos, um brilhante intérprete virtuoso no violão de seis cordas, organizou um concurso internacional para o melhor instrumento e para a melhor composição para violão (Bruxelas, 1856). antes do advento da escola moderna." Makarov, como violonista-músico, conquistou um lugar de honra entre seus compositores imortais; ele também fez muito para melhorar o design do violão (alongando o braço até o 24º traste - duas oitavas, fortalecendo o braço com um parafuso). Makarov descobriu o extraordinário mestre da guitarra Scherzer […]. Graças a suporte material Makarova Mertz escreveu muitas composições para violão. Ele poderia legitimamente se orgulhar de seu amor pela guitarra […]" .

Mark Danilovich Sokolovsky nasceu perto de Zhitomir. Desde cedo dominou a guitarra nas escolas de Giuliani, Legnani, Mertz. Deu vários concertos de sucesso em Zhytomyr, Vilna, Kyiv. Em 1847, ele se apresentou pela primeira vez em Moscou, atraindo a atenção da comunidade musical. Depois de uma série de concertos em Moscou, São Petersburgo, Varsóvia, ele fez uma turnê européia (1864-1868): Londres, Paris, Viena, Berlim. Em todos os lugares - uma recepção entusiástica. Em 1877, realizou-se o seu último concerto (em São Petersburgo, na sala da capela). Sepultado em Vila. Seus programas incluíam obras de Paganini, Chopin, Giuliani, Carulli, Mertz.

O desempenho da guitarra na Rússia passou por vários altos e baixos e crises associadas a eventos políticos e econômicos no país e no exterior. Um novo interesse pelo violão às vezes surgiu devido à vigorosa atividade de editores, teóricos e professores. Assim, no início do século 20, tocar música no violão recebeu apoio graças ao talento de popularização de V.A. Rusanov (1866-1918), que publicou as revistas "Guitarra" e "Música do Guitarrista" com a publicação de seu artigos históricos e teóricos próprios; a primeira parte de sua escola foi publicada.

O guitarrista, professor e editor de Tyumen M. Afromeev (1868-1920) deu uma grande contribuição para o desenvolvimento da performance violonística através de suas atividades editoriais. Em 1898-1918, ele literalmente inundou as lojas de música russas com coleções de peças para violão, livros autodidatas, escolas para violões de seis e sete cordas. Por vários anos ele publicou a revista "Guitarist".

Nos tempos soviéticos, o interesse pela guitarra aumentou significativamente como resultado da turnê de Andres Segovia na URSS. "Minha memória com grande prazer ressuscita em minha alma quatro viagens para União Soviética e todos os amigos que deixei lá". Os concertos de 1926,1927,1930 e 1936 revelaram aos ouvintes tamanhas possibilidades sonoras do violão, tamanha riqueza de timbres que tinham analogias com a orquestra. turnê na URSS, 7 álbuns de obras do repertório do guitarrista foram publicados, e as instituições educacionais do guitarrista soviético P.S., onde as atividades de professores como P.S.Agafoshin, P.I.Isakov, V.I.Yashnev, M.M.Gelis e outros produziram resultados. . Ivanov-Kramskoy (primeiro prêmio) e V. Belilnikov (um menino de 13 anos recebeu o segundo prêmio (!)). Outro participante - K. Smaga - recebeu um diploma. A. Ivanov-Kramskoy (aluno de P.S. Agafoshin ) apresentou no concurso o seguinte programa: F. Sor "Variações sobre um Tema de Mozart", J. Bach "Prelúdio", F. Tarrega "Memórias da Alhambra", F. Tarrega "Dança Mourisca". Do programa de V. Belilnikov (classe de V. I. Yashnev), conseguimos descobrir apenas uma peça - F. Sor "Variações sobre um tema de Mozart". K. Smaga interpretou "Prelude" de J.S. Bach, "Memories of the Alhambra" de F. Tarrega e várias outras peças. No entanto, mesmo as composições listadas dão uma ideia do grau de habilidade profissional dos concorrentes da época.

Alexander Mikhailovich Ivanov-Kramskoy (1912-1973) aprendeu a tocar violino na Escola de Música Infantil e no Colégio Musical. Revolução de Outubro formou-se na classe de guitarra PS Agafoshin. Então, por algum tempo, ele fez um curso de regência com K.S. Saradzhev no Conservatório de Moscou. Deu muitos concertos pelo país, tocou no rádio e na televisão.

O jogo do Artista Homenageado da RSFSR (1959) A.M. Ivanov-Kramskoy é desprovido de efeitos baratos, é caracterizado por uma certa restrição. No entanto, o guitarrista tem uma cara própria, métodos individuais de produção sonora e um repertório próprio, que inclui composições próprias músico. Cantores famosos acompanhados com maestria - I.S. Kozlovsky, N. Obukhova, G. Vinogradov, V. Ivanova, I. Skobtsov, instrumentistas - L. Kogan, E. Grach, A. Korneev ... A. M. Ivanov-Kramskoy - autor de um grande número de composições para violão: dois concertos, "Tarantella", "Improvisação", um ciclo de prelúdios, peças de dança, arranjos de canções folclóricas e romances, estudos. Escreveu e publicou uma escola de violão (reeditado muitas vezes). Por muitos anos, A.M. Ivanov-Kramskoy ensinou na escola de música do Conservatório de Moscou (mais de 20 graduados, incluindo N. Ivanova-Kramskaya, E. Larichev, D. Nazarmatov e outros). Ele morreu em Minsk a caminho de seu próximo show.

Junto com A.M. Ivanov-Kramskoy, o talento de L.F. Andronov, B.P. Khlopovsky, S.D. Orekhov foi revelado nos anos 50-60 do século XX. destinos diferentes, educação diferente, mas unidos pelos tempos difíceis militares e do pós-guerra.

Lev Filippovich Andronov nasceu em 1926 em Leningrado. Ele estudou no estúdio de música com V.I.Yashnev, depois se formou na Escola de Música Infantil na classe de violão de P.I.Isakov e na classe de acordeão de botão de P.I.Smirnov. Desde cedo começou a dar concertos a solo e em dueto com VF Vavilov (em 1957 o dueto tornou-se laureado do All-Union e International Youth Festivals). Em 1977 graduou-se no Conservatório Estadual de Leningrado como aluno externo, turma do professor A.B. Shalov. Gravou vários discos, incluindo "Concerto para violão com orquestra de câmara" de B. Asafiev. Ele tinha conexões criativas com muitos guitarristas famosos do mundo; foi repetidamente convidado a viajar para o exterior, mas por culpa dos funcionários da URSS, ele não recebeu permissão. Devido a vários ataques cardíacos, ele morreu antes de atingir a idade de 60 anos.

Boris Pavlovich Khlopovsky (1938-1988) depois de se formar na escola de música. Gnesinykh (1966) trabalhou como professor em sua escola natal e no Instituto Estadual de Cultura de Moscou, na orquestra de instrumentos folclóricos da All-Union Radio and Television, realizada em concertos solo com o jogador de balalaica V. Mineev, domrist V. Yakovlev. Em 1972, no I All-Russian Folk Instruments Competition, recebeu o 2º prêmio e o título de laureado (no programa: Villa-Lobos "Cinco Prelúdios", Ivanov-Kramskoy "Concerto No. 2", Vysotsky "Spinner" , Tarrega "Sonhos", Narimanidze "Rondo"). Seu filho, Vladimir, continuou as tradições familiares, se formou na escola de música do Conservatório de Moscou, então - GMPI. Gnesinas; em 1986 ele se tornou um vencedor do diploma do III concurso de intérpretes de instrumentos folclóricos de toda a Rússia. Outro filho, Pavel, também é guitarrista profissional.

Sergei Dmitrievich Orekhov (1935-1998) - na opinião de muitos guitarristas de Moscou, comparável a M.T.Vysotsky. Ele estudou na escola de circo, teve aulas de violão com o guitarrista de Moscou V.M. Kuznetsov. Eu fiz muito trabalho duro por conta própria. Ele trabalhou em grupos ciganos, conversando com Raisa Zhemchuzhnaya. Criou um dueto de guitarras de sete cordas com Alexey Perfilyev. Ele viajou por todo o país com shows, visitou Bulgária, Iugoslávia, Tchecoslováquia, França, Polônia. Ele tinha "uma técnica virtuosa incrível [...], ou seja, leveza, vôo com profundidade e elegância de som", "uma maneira livre, desinibida de tocar, improvisação vinda das profundezas da escola de violão russa". SD Orekhov é o autor de conhecidas adaptações de concertos de canções e romances russos - "Aqui a troika postal está correndo", "Salgueiros adormecidos", "Tudo está quieto", etc. Ele gravou vários discos de gramofone.

Por muitos anos, a All-Union Recording Company Melodiya, que lança anualmente grandes circulações gravações de artistas soviéticos e estrangeiros. Somente nos anos 50-60 ela lançou 26 discos: A. Segovia - 4, Marie-Louise Anido - 2, M. Zelenka - 1, A. Ivanov-Kramskoy - 10, E. Larichev - 3, L. Andronov - 1, B. Okunev - 2, etc. Mais tarde, foram adicionadas gravações de N. Komoliatov, A. Frauchi, Paco de Lucia ... A partir dos anos 90 do século XX, começaram a aparecer CDs de grande circulação músicos russos tanto a geração mais velha quanto a mais jovem.

Analisando o estado do desempenho do violão na Rússia nos anos 60-70 do século 20, deve-se notar um sério atraso na formação profissional de violonistas, em contraste com os tocadores de balalaica, domrista e acordeonista. A causa raiz de tal atraso (fraco equipamento técnico e “amadorismo” em músicos que tocam música em competições foi especialmente manifestado) foi visto na entrada tardia do violão no sistema de educação musical.

Apesar do fato de que as aulas de violão surgiram nos primeiros anos do poder soviético (a partir de 1918), a atitude em relação ao instrumento nas autoridades, incl. e no campo da cultura, era misto. A guitarra era considerada um instrumento de culto do meio burguês, contra o qual lutavam as forças das organizações Komsomol. O aprendizado do violão em instituições musicais ocorreu de forma esporádica, de forma amadora, o que mais uma vez menosprezou a avaliação do instrumento pelos círculos musicais profissionais. O avanço ocorreu apenas quando guitarristas que se formaram em universidades, em particular no Conservatório do Estado dos Urais, entraram na vida de concertos do país. Um dos primeiros graduados que receberam diplomas de ensino superior foram M.A. Prokopenko, Ya.G. Pukhalsky, K.M. Smaga (Conservatório de Kyiv), A.V. Mineev, V.M. Aulas de violão foram abertas no GMPI. Gnesins, nos conservatórios de Leningrado, Gorky, Saratov ...

Entre os violonistas da nova geração (70-90 anos do século XX), surgiram intérpretes que elevaram a produção musical de violão a alturas acadêmicas. Estes são N.A.Komoliatov, A.K.Frauchi, V.V.Tervo, A.V.Zimakov.

Nikolai Andreevich Komoliatov nasceu em 1942 em Saransk. Em 1968, ele se formou na Faculdade de Música do Conservatório de Moscou (classe de N.A. Ivanova-Kramskaya) e em 1975 - à revelia - no Conservatório do Estado dos Urais (classe de A.V. Mineev). Constantemente dá concertos; discos gravados, CDs. Ele foi o primeiro a tocar a sonata de E.Denisov para flauta e violão (com A.V. Korneev). Intérprete e propagandista de novas músicas originais para violão (I. Rekhin - uma suíte de cinco partes, uma sonata de três partes; P. Panin - dois concertos, miniaturas, etc.). Desde 1980, junto com A.K. Frauchi, abriu um curso de violão no GMPI. Gnesinas. Atualmente - Artista Homenageado da Federação Russa, professor. Dezenas de guitarristas se formaram em sua classe, incluindo muitos laureados, como A. Zimakov. Cada competição de artistas russos e internacionais em instrumentos folclóricos é representada por dois ou três alunos de N.A. Komoliatov (ver folhetos para competições).

Nos anos 70, o guitarrista moscovita Alexander Kamilovich Frauchi (1954) revelou seu talento. Depois de estudar na escola de música do Conservatório de Moscou (turma de N.A. Ivanova-Kramskaya), A.K. Frauchi continuou sua educação no departamento de correspondência do Conservatório Ural (turma de A.V. Mineev e V.M. Derun), enquanto trabalhava simultaneamente como solista Sociedade Filarmónica Regional. Em 1979 ele ganhou o segundo prêmio no II Concurso All-Russian de intérpretes em instrumentos folclóricos, e em 1986 ele completou com sucesso o concurso internacional em Havana, recebendo o primeiro prêmio e um prêmio especial. Além disso, o desempenho do músico soviético na competição causou sensação com sua habilidade, temperamento e interpretação inteligente das obras (na mesma competição, outro guitarrista soviético, Vladimir Tervo, ganhou o III prêmio, ele também causou uma resposta animada no público de guitarra). Após a competição cubana, A. Frauchi participou do festival Cinco Estrelas em Paris, e desde então viaja anualmente para todos os países do mundo com shows.

A. Frauchi combina intensa atividade de concerto com trabalho de ensino no GMPI. Gnesinas. Entre seus alunos estão laureados de competições russas e internacionais - A. Bardina, V. Dotsenko, A. Rengach, V. Kuznetsov, V. Mityakov ... Hoje A. K. Frauchi é o presidente da Associação de Guitarristas da Rússia. Seu credo é a separação do violão dos instrumentos folclóricos, porque. o violão, segundo ele, tem sua própria cultura, história, repertório, distribuição internacional, escola, e no mundo civilizado existe separadamente, como um piano ou um violino. Isso, em sua opinião, é o futuro do desempenho da guitarra na Rússia. A.K. Frauchi - Artista Homenageado da Federação Russa, Professor.

Vladimir Vladimirovich Tervo (1957) formou-se na Faculdade de Música. Gnesins (classe de V.A. Erzunov) e Moscou instituto estadual cultura (classe de A.Ya. Alexandrov). Laureado de três concursos - todo russo (1986, III prêmio), internacional (Havana, 1986 III prêmio; Barcelona, ​​1989, III prêmio) - não parou por aí: entrou no Conservatório dos Urais e se formou brilhantemente em 1992 no turma do professor adjunto V.M. .Deruna.

Aleksey Viktorovich Zimakov é siberiano, nascido em (1971) e criado em Tomsk. Ele recebeu suas primeiras aulas de violão de seu pai. Em 1988 ele se formou no Tomsk Musical College e em 1993 - GMPI. Gnesins (classe de N.A. Komoliatov). Excepcionalmente virtuoso, toca as obras mais complexas. O primeiro dos guitarristas foi premiado com o primeiro prêmio no concurso All-Russian de intérpretes em instrumentos folclóricos (Gorky, 1990). Além disso, ganhou primeiros prêmios em dois concursos internacionais (1990, Polônia; 1991, EUA). Vive e trabalha em Tomsk (professor de sua escola natal). Constantemente turnês na Rússia e países estrangeiros. O repertório segue obras clássicas.

As competições dos anos 90 do século XX e as vitórias dos violonistas russos confirmam que a escola profissional de violão cresceu visivelmente, se fortaleceu e tem perspectivas de desenvolvimento.

A guitarra mostrou-se digna em mais uma direção - no fazer jazz. Já em um estágio inicial do surgimento do jazz na América, o violão assumiu um lugar de liderança (se não de liderança) entre outros instrumentos de jazz, especialmente no gênero blues. A este respeito, vários guitarristas profissionais de jazz vieram à tona - Big Bill Bronze, John Lee Hooker, Charlie Christian, mais tarde Wills Montgomery, Charlie Byrd, Joe Pass. Dos violonistas europeus do século XX, destacam-se Django Reinhard, Rudolf Daschek e outros.

Na Rússia, o interesse pela guitarra jazz surgiu devido aos festivais de jazz realizados em diferentes cidades do país (Moscou, Leningrado, Tallinn, Tbilisi). Entre os primeiros artistas - N. Gromin, A. Kuznetsov; mais tarde - A. Ryabov, S. Kashirin e outros.

Aleksey Alekseevich Kuznetsov (1941) formou-se na Oktyabrskaya Revolution Music College, classe de domra. Ele se empolgou com o violão não sem a influência de seu pai - A.A. Kuznetsov Sr., que por muitos anos tocou violão no State Jazz da URSS, depois na orquestra sinfônica pop conduzida por Y. Silantyev, no quarteto de B. Tikhonov. A.A. Kuznetsov, Jr. também trabalhou por cerca de 13 anos na orquestra sinfônica de variedades sob a direção de Y. Silantyev, então - na Orquestra Sinfônica Estadual de Cinematografia. Como guitarrista de jazz, ele se mostrou nos festivais de jazz de Moscou em solo e vários conjuntos (o dueto de guitarristas Nikolai Gromin - Alexei Kuznetsov ganhou popularidade especialmente grande). Muitos são gravados em discos fonográficos. Conhecido como ensemble player e solista em conjuntos como o Leonid Chizhik Trio, os conjuntos de Igor Bril e Georgy Garanyan. Desde a década de 1990, trabalha como consultor no salão de música Accord, onde dá master class de guitarra jazz, e dá concertos nos ciclos Masters of Jazz e Guitar in Jazz. Artista nacional RF (2001).

Andrey Ryabov (1962) - graduado da Faculdade de Música de Leningrado. Mussorgsky na aula de guitarra jazz (1983). Ele recebeu reconhecimento público em um dueto com o guitarrista estoniano Tiit Pauls (o álbum "Jazz Tete-a Tete" foi lançado). Em seguida, tocou no quarteto do pianista A. Kondakov, no conjunto de D. Goloshchekin. No início dos anos 90 mudou-se para os EUA, onde deu concertos com os famosos músicos de jazz americanos Attima Zoller e Jack Wilkins. Criou seu próprio trio e atualmente é considerado um dos melhores guitarristas de jazz.

Porque na Rússia guitarra jazz recebeu o devido reconhecimento há relativamente pouco tempo, depois apareceu no sistema de educação musical no último quartel do século 20 (e ainda mais tarde na universidade). Conquistas no campo da tecnologia em guitarras acústicas e eletrificadas, o uso da eletrônica, a inclusão de elementos de "flamenco", estilo clássico, o desenvolvimento de métodos de ensino, a troca de experiências com músicos estrangeiros- tudo isso dá razão para considerar o violão neste gênero de música como um dos instrumentos promissores.