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Comunicado de imprensa

V Festival de Inverno do Extremo Oriente dedicado a

55º aniversário do Instituto Estadual de Artes do Extremo Oriente

Em 2017, Extremo Oriente instituto estadual comemora seu 55º aniversário.

A primeira universidade na Rússia a combinar três tipos de arte - música, teatro, pintura - foi criada como Instituto Pedagógico de Artes do Extremo Oriente. No ano do seu 30º aniversário (1992), foi renomeado como Instituto Estadual de Artes do Extremo Oriente, em 2000 o instituto tornou-se uma academia e em 2015 foi novamente renomeado como Instituto Estadual de Artes do Extremo Oriente.

Na formação conjunta de músicos, artistas, artistas dramáticos e encenadores, esperava-se encontrar muitos pontos de contacto: disciplinas comuns ou afins, amplas oportunidades que se abrem no domínio das artes sintéticas, por exemplo, a ópera, onde a música, a pintura e teatro são combinados, comunicação criativa e mutuamente enriquecedora.

O Ministério da Cultura levou a sério a criação de uma nova universidade. As ordens correspondentes foram emitidas: sobre a atribuição do patrocínio da faculdade de música ao Conservatório Estadual de Moscou. Tchaikovsky; sobre o departamento de teatro - Instituto Estadual de Artes Teatrais. Lunacharsky; sobre a faculdade de artes - Instituto de Pintura, Escultura e Arquitetura. Repina. Além disso, essas instituições de ensino foram obrigadas a doar com seus fundos cavaletes, livros de arte, trabalhos acadêmicos, moldes de cabeças antigas para desenho, instrumentos musicais, partituras e livros para biblioteca. Instituições de ensino secundário - para garantir um número suficiente de candidatos ao Instituto Pedagógico de Artes do Extremo Oriente.

A criação do Instituto de Artes tornou-se um acontecimento na vida cultural do Território de Primorsky e de todo o Extremo Oriente. Tornou-se possível formar pessoal altamente qualificado para teatros, orquestras, professores para escolas e faculdades e artistas.

A base do ensino superior no campo da arte no Extremo Oriente foi lançada por excelentes professores, graduados em universidades centrais: Conservatório de Moscou: V.A. Guterman, M. R. Dreyer, V.M.Kasatkin, E.A.Kalganov, A.V. graduados do Conservatório de Leningrado: A.S. Vvedensky, E.G. Urinson; Conservatório Ural - A.I. Zhilin, Conservatório de Odessa - S.L. Starostin e B.G. Kulnev, graduado pelo Instituto de Arte de Leningrado. Repina V.A. Goncharenko e outros. A faculdade de música passou a estudar de acordo com o plano habitual dos conservatórios, o departamento de artes - de acordo com o plano do Instituto. Surikov, teatro - de acordo com o plano da escola. Shchepkina.

Desde o início até o presente, o Instituto Estadual de Artes do Extremo Oriente tem sido um centro profissional de música, teatro e Educação Artistica no Extremo Oriente. O Instituto criou um sistema de educação artística de três níveis (escola de arte infantil – faculdade – universidade criativa):

centro estético infantil "World of Art", escola de arte infantil;

Faculdade de Música;

universidade: programas de especialização, bacharelado, mestrado, pós-graduação e estágio assistencial; programas adicionais de treinamento avançado e reciclagem profissional.

O Instituto inclui três faculdades: música (conservatório), teatro e artes; foi criado um departamento de estrangeiros (desde 1998).

Far Eastern State Institute of Arts - membro do conselho conjunto de dissertação D 999.025.04 da Far Eastern Federal University (especialidades 17.00.02 - Arte musical (história da arte) e 24.00.01 - Teoria e história da cultura (história da arte e cultura estudos).

Científico e atividade criativa O Instituto é vasto e variado. Aqui estão apenas alguns dos projetos mais significativos:

“Cultura do Extremo Oriente Russo e dos países da Ásia-Pacífico: Leste – Oeste” - conferência científica anual

I e II totalmente russo competição musical(etapas regionais).

Concurso internacional de jovens músicos-intérpretes “Musical Vladivostok”

"Arte Vladivostok" - Competição internacional de exposições de trabalhos criativos de estudantes e jovens artistas do Extremo Oriente, Rússia e países da APEC.

Olimpíadas de toda a Rússia nas disciplinas teóricas musicais “Obras-primas da cultura musical mundial” para estudantes de instituições de ensino profissional e escolas de arte infantil.

Escola criativa regional "Teatro Priboy"

“A estreia de jovens músicos-intérpretes, vencedores de concursos internacionais - para residentes de cidades e povoações do Extremo Oriente.”

Treinamento avançado para professores instituições de ensino na área da cultura e arte e escolas secundárias “Academia de Artes”.

I Festival-competição de música pop do Extremo Oriente.

Festival regional de criatividade infantil.

Festival de Artes de Inverno do Extremo Oriente

Concurso de artes cênicas do Extremo Oriente "Chave de Ouro" para professores infantis escolas de música e escolas de arte infantis com o nome. G.Ya.Nizovsky.

I Internacional Russo-Chinês festival infantil artes "Caleidoscópio Oriental".

Concurso de leitura do Extremo Oriente “Meu amor é minha Rússia”

Concurso Regional de Intérpretes de Música Contemporânea.

Concurso para melhor execução de obras de compositores da segunda metade do século XX

"Leituras de Tkachev" - concurso de leitura com o nome Artista do Povo da Federação Russa L.A. Tkachev, "Esperança Teatral"

"Pleno ar"

Master classes remotas usando o Disklavier. Vladivostok-Moscou.

« Da história escolas criativas Instituto de Artes: origens, tradições, professores destacados...”.

EQUIPE CRIATIVA ATUAL:

Orquestra Sinfónica - vencedor do Grande Prêmio do VII concurso de música instrumental do Extremo Oriente “Metronome”.

Orquestra de Instrumentos Folclóricos- laureado com os primeiros prémios dos IV e V concursos internacionais de jovens músicos-intérpretes “Musical Vladivostok” 2005-2007, vencedor do Grande Prémio do V concurso de toda a Rússia que leva o seu nome. N.N. Kalinina (São Petersburgo, 2009)

Coro Acadêmico – laureado do concurso regional “Singing Ocean”, vencedor do Grande Prémio do VI Concurso Internacional “Musical Vladivostok”.

Conjunto música de câmara"Concertone" - laureado do Concurso Internacional que leva seu nome. Shenderev (1997, 3º prémio), II Concurso Internacional de Pequim (1999, 2º prémio).

Trio instrumental russo “Vladivostok” na mesma composição desde a sua fundação em 1990: Artistas Homenageados da Federação Russa Nikolai Lyakhov (balalaika), Alexander Kapitan (acordeão), Sergei Arbuz (balalaika-contrabaixo).

Laureados: Competição Internacional com o nome. G. Shendereva (Rússia, 1997 - Diploma Prata); 17ª Competição Internacional “Grand Prix” (França, Bischviller, 1997 - Grande Prêmio e Medalha de ouro); II Concurso Internacional de Acordeões de Botão (China, Pequim, 1999 - 1º prémio); 38º Concurso Internacional de Acordeonistas de Botões, (Alemanha, Klingenthal, 2001 - 3º prémio).

Estúdio de ópera– laureado com o 1º prémio no Concurso Internacional “Musical Vladivostok” (2014, 2016)

Trio "Expecto" - laureado em concursos internacionais de acordeonistas de botão em Harbin (RPC, 2014, 1º prémio), em Castelfidardo (Itália), 2015, 1º prémio, “medalha de ouro”).

Quarteto "Colagem" laureado em concursos internacionais de acordeonistas de botões em Harbin (RPC, 2016, 1º prémio).

Trio "Oriente" laureado do concurso internacional de Lanciano (Itália, 2014, 1º prémio).

Graduados que deram uma contribuição significativa para o desenvolvimento da cultura,

arte e educação artística

Musicólogos, doutores em história da arte: professor da Universidade Pedagógica do Estado Russo. Herzen E.V. Hertsman, Professor do Conservatório de São Petersburgo, Artista Homenageado da Carélia U Gen-Ir, Professor do Conservatório Estadual de Moscou. PI Tchaikovsky R.L. Pospelov, professor da Academia Russa de Ciências. Gnessinykh E.M. Alkon, Professor do Departamento de Belas Artes da Escola de Arte, Cultura e Esportes da FEFU G.V. Alekseeva, professor do Instituto Estadual de Cultura de Moscou N.I. Efimova, professora, atuação Chefe do Departamento de Filosofia, História, Teoria da Cultura e Arte do Instituto Estadual de Música de Moscou. A.G. Schnittke A.G. Alyabyev, professor FEGII O.M. Shushkova, Yu.L. Fidenko.

Músicos intérpretes: Artista Homenageado da Federação Russa, diretor do conjunto “Dzhang” N.I. Erdenko, Artista Homenageado da Federação Russa, Chefe do Departamento de Regência Orquestral, Professor da Academia Russa de Música. Gnesinykh B.S. Raven, Artista Homenageado da Federação Russa, Professor F.G. Kalman, Artista Homenageado da Federação Russa, Professor A.K. Capitão, Laureado em concurso internacional, Artista Homenageado da República de Sakha (Yakutia), Professor do Departamento de Instrumentos de Cordas Orquestrais Ensino médio Música da República de Sakha (Yakutia) (Instituto) em homenagem. V.A. Bosikova O.G. Koshelev.

Atores: Artistas do Povo da Federação Russa A. Mikhailov, S. Stepanchenko, Yu. Kuznetsov, S. Strugachev, ganhador do Prêmio Estadual V. Priemykhov, Artista Homenageado da Federação Russa V. Tsyganova; Artistas do Povo da Federação Russa, atores do Teatro Dramático Regional de Primorsky em homenagem. Gorky, professor do departamento de atuação A.P. Slavsky, V. N. Sergiyakov, Artista nacional Federação Russa, laureado com o Prêmio do Governo Russo na área de cultura, diretor artístico do Território de Primorsky teatro acadêmico em homenagem a M. Gorky E.S. Zvenyatsky, Artistas Homenageados A.I. Zaporozhets, S. Salakhutdinova.

Artistas Homenageados da Federação Russa S.A. Litvinov, S.M. Tcherkasov, I.I. Duncay.

Convidamos todos para os concertos

V Extremo Oriente festival de inverno artes,

Informações sobre shows estão no site www.dv-art.ru

A história oficial da organização começou em outubro de 1938 por iniciativa de V.V. Artista, professora e figura pública Vasily Vasilyevich Bezrodny formou-se na Academia de Artes de São Petersburgo. I. E. Repina, Faculdade de Design Teatral. Segundo os contemporâneos, era uma pessoa de mentalidade moderna, com conhecimento e elevada cultura artística.

Em Vladivostok, naquela época, o ensino superior artístico era uma ocorrência rara. As habilidades profissionais e a visão artística de V. V. Bezrodny foram formadas na antiga Academia Imperial de Artes, onde naquela época A. P. Ostroumova-Lebedeva, I. I. Brodsky, M. P. Bobyshev, B. V. Ioganson, D. N. Kardovsky.

O clima da academia daqueles anos pode ser avaliado por uma sala especial inaugurada em 2013 no Museu de Pesquisa Científica Academia Russa Artes (NIM RAH) em São Petersburgo. Este é um salão dedicado à Academia de Artes em um dos períodos difíceis para ela - a década de 1920 e o início da década de 1930, quando aqui existia uma imagem incomum e heterogênea de várias tendências, às vezes mutuamente exclusivas. Isso influenciou o desenvolvimento do artista.

Uma das qualidades de V.V. Bezrodny, formado naquela época, pode ser chamada de versatilidade de sua natureza criativa. Isto afetou tanto a atmosfera na organização recém-criada em Primorye como a natureza das atividades do próprio V.V. Bezrodny, que estava envolvido não apenas nos assuntos do sindicato dos artistas locais, mas também nos seus esforços para estabelecer a educação artística.

Sobre os primeiros passos da Organização de Artistas de Primorye, V. I. Kandyba escreveu o seguinte: “Em 10 de outubro de 1938, pela primeira vez na história da região, artistas de diferentes lugares de Primorye se reuniram.

Esta reunião tornou-se a fundadora. Seu resultado foi a formação do comitê organizador da União dos Artistas de Primorsky, que em 1º de agosto de 1939 foi registrado pelo comitê organizador da União dos Artistas Soviéticos em Moscou.

Eles elegeram V. V. Bezrodny como presidente, V. F. Inozemtsev como vice-presidente e presidente do comitê de exposição, e T. G. Aleshunin como secretário técnico Os artistas de Primorye tomaram como modelo o itinerante “Artel dos Artistas Livres”, adotando, em primeiro lugar, formas de criatividade. comunicação. As famosas “quintas-feiras” de N. I. Kramskoy com desenhos e conversas sobre arte foram transformadas em Vladivostok em um estúdio de treinamento para artistas. Houve reuniões regulares, trabalho em mim mesmo. O espírito único de camaradagem, solidariedade, entusiasmo e aspiração criativa do estúdio reinou aqui. Não é à toa que já em 1939, de acordo com o plano da comissão organizadora, foi inaugurada uma exposição conjunta de obras de artistas de Primorye. Participaram 18 pessoas com 120 obras.”

A organização criativa incluiu I. A. Zyryanov, P. V. Muldin, O. Y. Bogashevskaya-Sushkova, S. S. Serezhin, M. A. Tsyganov, V. M. Fomin, N. A. Mazurenko, V. M. Sviridov, F. I. Rodionov, S. P. Kolabukhov, D. S. Budrin, D. P. Pravednikov, A. V. Zevin, T. I. Obraz. Kov , I. F. Palshkov (Suchan, desde 1972 - Partizansk), P. P. Medvedev (Artem), V. M. Zotov (Ussuriysk), S. P. Chaika (Ussuriysk), I. S. Derek (Ussuriysk), S. F. Arefin (Ussuriysk), Yu. , G. K. Aslanov (Ussuriysk).

Os membros da primeira composição da organização tinham diferentes níveis de escolaridade e diferentes experiências profissionais. Assim, M. A. Tsyganov formou-se no departamento de instrutores de clube da escola técnica de Rostov, depois trabalhou no clube do regimento como artista durante seu serviço no Exército Vermelho (1932-34), P. V. Muldin iniciou sua carreira criativa como estudante artista do cinema Ussuri. S. F. Arefin recebeu treinamento no Estúdio de Artistas Militares. I. F. Palshkov (1887-1954) formou-se na Escola Central de Desenho Técnico do Barão Stieglitz em 1912 e teve experiência de trabalho nas fábricas de impressão de chita de Serpukhov, Ivano-Voznesensk, bem como experiência como participante em exposições da Sociedade de Artistas não partidários em São Petersburgo (1914-1915) e receberam reconhecimento por paisagens, esboços e gráficos. Em 1916, I. F. Palshkov participou do estabelecimento de uma igreja na escola Arte folclórica Imperatriz Alexandra Feodorovna, pela qual foi premiado com um precioso distintivo com a imagem emblema estadual. Mas, apesar dessas diferenças, os artistas estavam unidos por uma coisa: seu trabalho refletia a natureza e a vida multifacetada do Território de Primorsky.

Em 1939, o comitê organizador da Associação de Artistas de Primorsky trabalhou na casa de V.V. Bezrodny em Pushkinskaya, 12. Esta casa não sobreviveu. V.V. Bezrodny mudou-se de Ussuriysk para Vladivostok em 1936.

Começa a trabalhar no teatro da Frota do Pacífico, criando esboços de cenários e figurinos. Paralelamente, o artista lança iniciativas educativas: cria o “Estúdio dos Artistas da Marinha” no Clube dos Marinheiros, que naquela época funcionava no prédio da Igreja Luterana, onde estudam soldados da Marinha Vermelha e do Exército Vermelho. .

Em 1939, no Clube dos Marinheiros (hoje Teatro Pushkin, Rua Pushkinskaya, 27), por iniciativa de Bezrodny, foi criada uma escola-estúdio, na qual os alunos estudavam no programa da escola secundária de artes. A consciência da necessidade de educação profissional (e não de estúdio) leva V. V. Bezrodny a persistir na questão da criação da Escola de Arte de Vladivostok. Em 1943, o Comissariado do Povo para a Educação da URSS aprovou a decisão de abrir uma escola de artes em Vladivostok, cujo diretor era T. G. Aleshunin (posteriormente transferido para o Instituto Pedagógico de Artes do Extremo Oriente, criado em 1962, para o cargo de vice -reitor para questões econômicas). Em 1944, foi feita a primeira captação de alunos; no ano letivo seguinte, 1945-1946, a escola contava com dois cursos de pintura e teatro e um de escultura.

Em 2014, a Escola de Arte de Vladivostok celebrou seu septuagésimo aniversário e atualmente está sendo compilado material para a criação de um álbum dedicado à história da escola e seu papel na formação e desenvolvimento da educação artística no Território de Primorsky e no Extremo Oriente. Neste artigo gostaria de enfatizar a conexão entre a organização criativa e a escola: professores da VCU daquele período V.V. Kostin, N. P. Zhogolev, D. P. Kosnitsky, Yu. A. Zemskov e outros e o atual L. T. Ubiraeva, S. . outros foram e são membros da organização Primorsky da União Artistas russos.

Com o tempo, a organização e trabalho criativo A organização de artistas de Primorsky atingiu um nível qualitativamente novo: as exposições de arte regionais tornaram-se regulares, os graduados da Escola de Arte de Vladivostok ingressaram na vida artística. Em 1959, a organização Primorsky mudou-se para um novo prédio na rua. Aleuta, 14-a.

Uma nova e brilhante etapa começa na vida do Sindicato dos Artistas de Primorsky em meados da década de 1950. Estes são os anos de formação profissional de I. V. Rybachuk, K. I. Shebeko, K. P. Koval, N. A. Mazurenko, S. F. Arefin, V. N. Gerasimenko, T. M. Kushnaryova, V. M. Medvedsky, V. M. Sviridov, B. F. Lobas, A. V. Teleshov, Durante esses anos, as primeiras resenhas do trabalho dos artistas de Primorye apareceram na revista “Artist”. As características gerais desta década foram formuladas por V. I. Kandyba: “... este é antes um período de formação e acumulação de forças, enraizando-se no solo costeiro de uma jovem geração de aspirantes a artistas”. O papel dos aspirantes a artistas em desenvolvimento artístico A realidade do Extremo Oriente é ótima.

No final da década de 1950, foram estabelecidas as características que permitiram chamar a arte à beira-mar nas exposições zonais subsequentes. Este é o papel predominante da paisagem, o desejo de dominar o gênero de pintura temática relacionada à história da região, a natureza do trabalho nela (o Território de Primorsky é o território de marinheiros, pescadores, mineiros), interesse em o tema do Norte, Chukotka, Kamchatka, Ilhas Curilas.

I. V. Rybachuk e K. I. Shebeko são considerados os descobridores do tema norte não apenas no Extremo Oriente, mas também na arte soviética. A exposição “Três Mestres” nos corredores da filial Primorsky do VTOO “União dos Artistas da Rússia” em 2014 com a participação de I. V. Rybachuk e K. I. Shebeko tornou possível olhar este material do ponto de vista de um moderno visão do tema na arte e avaliar mais uma vez a escala do que foi feito. O norte atraiu V.Medvedsky, I.A. Ionchenkova, N.D. Volkov (Ussuriysk) e outros artistas, incentivando-os a procurar meios artísticos especiais que reflitam adequadamente a natureza e as pessoas do Norte.

Outro tema não menos significativo na arte dos artistas de Primorye foi o tema Shikotan. Tendo se tornado objeto de pesquisas recentes relacionadas à atenção à arte russa da década de 1960 em geral, este tema acabou por estar associado ao trabalho de mais de duas dezenas de artistas do Território de Primorsky e durou várias décadas, dando impulso a a existência do grupo Shikotan. O primeiro período da existência do grupo está associado aos nomes de Yu. I. Volkov, I. A. Kuznetsov, V. S. Rachev, E. N. Korzh. A história da criação do grupo está ligada à personalidade de O. N. Loshakov, após se formar no Instituto de Arte de Moscou. V. I. Surikov, que veio para Vladivostok para lecionar em uma escola de arte. Paisagem, retrato, imagem temática - esses gêneros foram incorporados em dezenas de telas, cujo conteúdo principal era “a natureza do Extremo Oriente, então - o homem de forma simples e relacionamentos fortes com ela". As obras dos Shikotans concretizaram um estilo severo - uma direção na arte da década de 1960, de curta duração, mas, apesar disso, influenciou a atitude subsequente dos artistas soviéticos até o final da década de 1980. As exposições do grupo foram realizadas em Vladivostok e Moscou.

O. N. Loshakov participa da exposição de outono de 2014 como convidado honorário.

V.I. Kandyba e os historiadores da arte capital associam o período da década de 1960 ao desenvolvimento da pintura temático-temática: “A segunda metade da década de 1960 foi marcada por um acontecimento de grande importância para a pintura costeira - a formação da pintura temático-temática. De convidada rara, mas sempre bem-vinda, tornou-se presença obrigatória na maioria das nossas exposições.

A escassez aguda diminuiu claramente.” Entre os “artistas” estão V. I. Bochantsev, Yu. I. Volkov, V. N. Doronin, N. P. Zhogolev, K. I. Shebeko, S. A. Litvinov e outros, concebido para incorporar a imagem “ herói da época" e foi avaliado positivamente pelos críticos. , era um retrato. O tema mais importante da exposição “Extremo Oriente Soviético”, inaugurada em 1965 em Vladivostok, foi uma história sobre um contemporâneo: “marinheiros, baleeiros, pescadores, construtores, pastores de renas - são minas de ouro de personagens incríveis”. I. V. Rybachuk, K. I. Shebeko, V. A. Goncharenko, V. N. Doronin, A. V. Teleshov, M. I. Tabolkin trabalham neste gênero. Este período é caracterizado pelo desejo de uma ampla cobertura de tópicos que reflitam todos os aspectos da vida em Primorye e no Extremo Oriente. Os avanços nesta área estão associados eventos importantes na vida artística.

Em 1962, o Instituto Pedagógico de Artes do Extremo Oriente foi organizado com faculdades de música, teatro e artes (era assim chamado até 1992, de 1992 a 2000 - Instituto Estadual de Artes do Extremo Oriente, desde 2000 - Academia Estadual de Artes do Extremo Oriente ). Este passo deveu-se à situação do pessoal nas organizações criativas, que o primeiro reitor do instituto, G.V. Vasiliev, num memorando ao Ministro da Cultura da RSFSR, A.I. V. A. Goncharenko, reitor do instituto e reitor de 1973 a 1993, escreve que a abertura da universidade em Vladivostok foi percebida pelos artistas (inclusive) como “um presente do destino, uma chance inesperada. E, devo dizer, todos usaram isso ao máximo. Deles (alunos da primeira turma de formandos - nota do autor) saíram artistas brilhantes e professores maravilhosos: Yu.I. Volkov, OP Grigoriev, IA Ionchenkov, DP Kosnitsky, PY Rogal, VA Snytko, Yu. V. Sobchenko, VN Starovoitov, GM Tsaplin. Destaco especialmente S. A. Litvinov, que cresceu na nossa Academia, o primeiro professor de pintura do Extremo Oriente, que foi inteiramente moldado pela vida artística de Primorye.”

Graduados de universidades de arte em Leningrado e Moscou vieram para ensinar no instituto recém-formado - V. A. Goncharenko, K. I. Shebeko, V. I. Kandyba (crítico de arte) - Instituto de Pintura, Escultura e Arquitetura em homenagem. I. E. Repina, V. N. Doronin, V. I. Bochantsev - Instituto de Arte de Moscou. V. I. Surikova. Em 1967, S. A. Litvinov e Yu V. Sobchenko, dentre os primeiros graduados do instituto, iniciaram o caminho do ensino.

Em 1977, N. P. Zhogolev (Instituto de Pintura, Escultura e Arquitetura em homenagem a I. E. Repin) tornou-se um dos professores. O seu trabalho pedagógico e criativo, a participação em exposições e a criatividade dos seus alunos fizeram da vida artística da região “uma parte orgânica, igualitária e criativamente original da vida de toda a Rússia”. Não apenas graduados da Escola de Arte de Vladivostok, mas também graduados de escolas da Sibéria e da Rússia central (Irkutsk, Kemerovo, Blagoveshchenskoe, Novoaltaiskoe, Ivanovo, Ryazanskoe, etc.) começaram a se matricular no departamento de pintura da FEGII.

O segundo fator que influenciou o desenvolvimento da vida artística foi a organização da zona do Extremo Oriente.

Em 1960, foi criada a União dos Artistas da Federação Russa. Em 1960, a 1ª exposição republicana “ Rússia soviética”, e diante disso, organizações locais realizam exposições zonais nas quais participam todos os membros das equipes criativas. O trabalho sério das comissões expositivas contribui para grandes retornos profissionais, e os artistas também têm a oportunidade de comparar o seu trabalho com o trabalho de artistas de outros territórios. Com base nos resultados das exposições zonais, foram selecionados trabalhos para o nível totalmente russo. Este sistema foi mantido durante muitos anos, permitindo a entrada na vida artística geral do país, e continua até hoje. A propósito, Vladivostok foi palco da exposição zonal três vezes - em 1967, 1974 e 1985.

As tradições estabelecidas na década de 1960 desenvolveram-se até o final da década de 1980. Exposições pessoais de artistas de Primorye são realizadas em Moscou, álbuns de reproduções de K. I. Shebeko e K. P. Koval são publicados na série “Artistas da Federação Russa”. Os sucessos dos artistas de Primorye residem não apenas na pintura, mas também na arte gráfica de cavaletes e livros, na arte de cartazes (o artista mais notável nesta direção foi E. I. Datsko, que participa nesta exposição como convidado honorário), escultura, artes e ofícios e arte monumental.

Assim, para a Far Eastern Book Publishing House, a Far Eastern State University Publishing House e a Dalnauka Publishing House, existe um grupo de artistas que deram uma contribuição notável para o desenvolvimento da gráfica de livros no Território de Primorsky - V. S. Chebotarev, S. M Cherkasov, F. G. Zinatulin, E. I. Petrovsky, V. I. Vorontsov, V. G. Ubiraev, S. V. Gorbach e outros Desde O. Ivanov, que veio ensinar gráficos no Far Eastern Institute of Arts, retornou 3 anos depois a Leningrado. ingressar na pós-graduação, por isso “A faculdade de artes passou a ser exclusivamente uma faculdade de pintura”, a formação na área gráfica foi ministrada pela Escola de Arte de Vladivostok. V. S. Chebotarev, que se formou no Instituto de Pintura, Escultura e Arquitetura em homenagem a V. S. Chebotarev, leciona aqui desde 1960. I. E. Repin (oficina de A. F. Pakhomov, especializada em artista gráfico). V. S. Chebotarev participa de exposições com obras gráficas. Trabalha para editoras de livros no Extremo Oriente. A ascensão da gráfica litorânea, que está associada ao nome do artista, fez com que muitos de seus graduados passassem a atuar nesta área da arte.

Em 1978, uma seção de artes decorativas e aplicadas apareceu na organização Primorsky, reunindo artistas de Vladivostok, Artyom, Nakhodka, vila. Cavalerovo. Em conexão com a abertura de uma fábrica de tapetes e uma fábrica de porcelana em Artyom, uma fábrica de souvenirs e uma fábrica de porcelana em Vladivostok, uma fábrica de cerâmica artística em Spassk-Dalny, jovens artistas criativamente ativos que se formaram na Escola Superior de Arte e Indústria de Moscou , a Escola de Arte de Odessa que leva o nome. M. Grekova, Escola Superior de Arte Industrial de Leningrado, Instituto de Tecnologia de Moscou, Escola Superior de Arte Industrial de Leningrado em homenagem. V. Mukhina, Escola de Artes de Irkutsk.

Nas exposições de artes decorativas e aplicadas, os artistas da secção expuseram têxteis artísticos (tapeçaria, batik, macramé), porcelanas, cerâmicas, peças decorativas em metal, madeira e pedra com motivos do Extremo Oriente. EM anos diferentes A seção incluiu A.V. Katsuk, P.F. Fedotov, A.S. Pesegov, O.P. Grigoriev, O.G. Kosenko, V. K. Zakharenko (Nakhodka), T. G. Matyukhina (Artem), T. G. Limonenko, G. M. Maksimyuk, G. G. Dobrynina, T. M. Suslova e outros se declararam E.V.

Nas publicações dedicadas à organização Primorsky do Sindicato dos Artistas da Rússia, observa-se o equilíbrio dos diferentes gêneros da pintura, em um grande número de obras de arte gráfica, escultura, arte decorativa e aplicada e monumental. Artistas Primorye são os autores bom nível obras de cavalete, participam ativamente de exposições regionais, republicanas e de toda a Rússia, contribuem para a formação da aparência da cidade (painéis de mosaico, formas de arte em diversas zonas da cidade, concepção de interiores e fachadas de edifícios públicos). Em geral, as décadas de 1960-80 podem ser consideradas o período de formação de uma arte litorânea multifacetada e com personalidade própria.

Na década de 1990, as mudanças ocorridas na vida sócio-política do país refletiram-se na vida artística. A tese principal desta época, dos artistas que chegaram à arte no final da década de 1980, formulada no livreto da exposição “Geração dos anos 80”: “A geração dos anos 80 teve um tempo em que, como pioneira, foi tem permissão para criar fora de qualquer ideologia, por conta própria... Total liberdade de expressão, à qual, no entanto, ainda é preciso algum tempo para se acostumar. É a coisa mais difícil para uma geração que cresceu numa época e é obrigada a viver em outra. Aqui sobrevivem os mais fortes, ou melhor, os obcecados, para quem a pintura é vida.” O principal problema passa a ser, por um lado, a procura de oportunidades para expressar uma visão problemática através da arte vida moderna, por outro lado, o desejo de individualidade, que determina o lugar do artista na série geral. Durante este período, os jovens artistas desempenham um papel especial. As suas exposições apontam para “a existência de tendências e tendências diametralmente opostas na arte, a incompatibilidade de atitudes e gostos e abordagens mutuamente exclusivas para representar uma pessoa. A paleta de buscas estéticas dos jovens pintores...tornou-se mais complexa...várias formas de interpretar a realidade estão reivindicando o lugar do princípio condutor - desde a revelação incondicional da natureza e declarações diretas sobre o mundo até imagens alegóricas e estruturas simbólicas , bem como todo um conglomerado de técnicas emprestadas dos arsenais técnicos do modernismo moderno.” Esta tese é revelada pelas exposições dos grupos criativos “Vladivostok”, “Shtil”, “Lik”, cuja atividade remonta ao final da década de 1980 e início da década de 1990.

Uma das exposições marcantes desta época pode ser considerada a 2ª exposição de jovens artistas do Extremo Oriente “Território da Esperança” (1995, Vladivostok). Analisando o material apresentado, V. I. Kandyba escreve: “Agora estamos falando demais sobre as dificuldades da vida de um artista na Rússia. Mas como desejo que apesar deles, apesar de tudo, o nosso Extremo Oriente se tornasse um território abençoado de esperança para a criatividade. O mesmo que esta exposição é para nós, irradiando a luz da juventude e da esperança.” O que motiva um dos principais historiadores da arte do Extremo Oriente a olhar para o futuro com otimismo? Além da previsão geral, ele observa os trabalhos de L. A. Kozmina, I. G. e O. G. Nenazhivina, E. A. Tkachenko, A. G. Filatova, I. I. Butusov e outros, embora os considere não acessíveis a todos, mas notando o trabalho com forma e cor, significados e associações. Do ponto de vista atual, os artistas cujos nomes V.I. Kandyba citou no seu artigo responderam aos desafios da época, o seu trabalho é uma confirmação incondicional disso.

Mas na década de 1990, estes desafios tornaram-se agudos. O problema das novas formas, propostas pelo progresso técnico, foi relevante: na vida artística, forma-se a arte contemporânea, não associada às competências tradicionais do artista. A crise também ocorreu na região crítica de arte, que antes analisava e generalizava os fenômenos da vida artística, e nas novas condições passou a se assemelhar ao jornalismo de arte, embora tenha contribuído para a criação de um quadro do dia, mas não foi capaz de refletir a situação como um todo.

Se falamos de uma união criativa como organismo económico, mudanças fundamentais afetaram esta área da vida: o fundo de arte, como forma de organizar o emprego do artista, deixa de existir no Território de Primorsky. É claro que a década de 1990 pode ser considerada um período de crise para a arte da região.

Ao mesmo tempo, a vida nos incentiva a buscar novas formas de relacionamento com a sociedade. Em 1992, Vladivostok perdeu o estatuto de cidade portuária fechada e os contactos com artistas de outros países tornaram-se possíveis e estabelecidos. Os residentes de Primorye estão começando a participar de grandes eventos artísticos na região Ásia-Pacífico e a entrar no mercado de arte. Surgiram as galerias não estatais “Artetazh” (fundador e diretor A. I. Gorodniy), “Arka” (fundador e diretor V. E. Glazkova). Graças a eles, forma-se uma compreensão primária da figura do curador, que expõe a ideia da exposição de acordo com própria visão processo artístico, tópicos e garante sua implementação. De referir os esforços de A. I. Gorodny para organizar exposições colectivas com um grande número de participantes - membros do Sindicato dos Artistas, dando um recorte de um determinado fenómeno artístico: “110 autorretratos”, “Retrato de criança”, “Vladivostok: paisagens e rostos”, “Artistas em Andreevka”, etc. A experiência de trabalhar nestes locais, que proporcionou a oportunidade de conhecer a arte de artistas de outras regiões da Rússia e estrangeiros, representando arte contemporânea, fotografia , é claro, precisa de pesquisa aprofundada e generalização. Neste artigo, observamos o seguinte: tanto o Museu Artetazh quanto a Galeria Arka trabalharam e continuam a trabalhar com artistas membros do Sindicato dos Artistas da Rússia. “Artetazh” é um parceiro constante da filial de Primorsky na realização de exposições de grande escala (organização Primorsky da VTOO “União dos Artistas da Rússia”: 70 anos”, “Academia Estatal de Artes do Extremo Oriente: 50 anos”, “Artistas para a Marinha”, etc.)

Na década de 2000, uma imagem moderna da vida artística estava emergindo. Os membros da união criativa participam ativamente em exposições de vários níveis na Rússia e no exterior, nas maiores feiras de arte da região Ásia-Pacífico (KIAF, Guangzhou Art Fair, etc.). Grandes exposições de arte com a participação de artistas de Vladivostok foram realizadas como parte da cúpula da APEC 2012, da Bienal de Artes Visuais de Vladivostok, etc. Entre os mais significativos estão a série de cruzeiros artísticos no iate Allegro organizados em meados da década de 1990 por S. D. Gorbachev.

A ideia de criar o movimento “Casa de Prishvin” em 2001 (liderado pelo Artista Homenageado da Federação Russa V. I. Oleinikov), que uniu escritores, artistas, historiadores locais em conexão com o repensar criativo da estadia de M. Prishvin em Primorye, envolveu não apenas uma série de exposições, mas também uma série de reuniões criativas nas bibliotecas do Território de Primorsky.

Em 2006, V. F. Kosenko, A. P. Onufrienko e vários outros artistas, designers e arquitetos tiveram a ideia do projeto “Harmonia do Meio Ambiente”, que incluiu uma série de exposições. A mais marcante delas foi a exposição “Cidade, Mar, Vento, Vela” (programada para coincidir com o aniversário de Vladivostok). Foram apresentados projetos de arte monumental, pintura, gráfica, artes decorativas e aplicadas, arquitetura e design. A ideia da exposição é determinar o lugar do artista no ambiente urbano. No momento em que a exposição foi formada, já havia uma experiência positiva na restauração da estação ferroviária e do Arco do Tsarevich em Vladivostok por membros da organização Primorsky do Sindicato dos Artistas da Rússia. O projeto foi acompanhado por uma série de publicações em periódicos, o que indica tentativas não só de criar um produto artístico em si, mas de formar a opinião pública (essa ideia teve continuidade em palco moderno: em setembro de 2014, a Alliance-Française Vladivostok apresentou o projeto educativo “Arte Contemporânea na Arquitetura da Cidade”, que despertou grande entusiasmo entre os alunos das especialidades “arquitetura” e “design”). De certa forma, em 2006, os artistas de Primorye anteciparam seu tempo. E em 2013, a continuação do projeto foi a decoração do cinema Vladivostok com uma série de painéis cerâmicos de G.G. Dobrynina e V.F. Kosenko.

Outra iniciativa interessante foi a criação Fundação sem fins lucrativos artes visuais "MOST" em 2009, de autoria de A. L. Arsenenko e V. N. Starovoitov. Os organizadores nomearam a principal atividade no campo da arte. Um dos eventos da Fundação Gifts of the Magi é uma exposição beneficente de obras de artistas de Primorye no museu e complexo expositivo do PGOM que leva seu nome. V. K. Arsenyev na rua. Pedro, o Grande, 6 anos – segundo os organizadores, foi realizado por transmissão subsequente recursos provenientes da venda de pinturas para criar espaço adequado no museu para pessoas com mobilidade reduzida.

Esses exemplos indicam que no estágio atual o campo da busca criativa do artista foi ampliado.

A Far Eastern State Academy of Arts também está expandindo seu escopo habitual de atividades. Em 2009, o Departamento de Pintura havia formado nova formação professores. O renovado departamento anuncia-se com uma exposição nos corredores da Primorsky State Art Gallery “Painted”, o que por si só é um passo extraordinário. No artigo introdutório ao catálogo da exposição, V.I. Kandyba escreve que durante quase meio século de existência da academia, não surgiu nenhuma ideia sobre uma exposição coletiva de professores universitários. A exposição foi um marco, significando uma mudança geracional não só nas oficinas, mas também na salas de aula academias onde I. I. Butusov, A. V. Glinshchikov, A. A. Enin, E. E. Makeev, V. V. Medvedev, I. B. Obukhov, N. A. Popovich ensinam em 2009, que “tendo se tornado membros de uma única equipe, artistas e professores em uma pessoa, juntos personificam e potencial criativo corpo docente e o principal caminho de seu desenvolvimento no futuro.”

Em 2009, pela primeira vez, por iniciativa da Far Eastern State Academy of Arts, foi realizado um concurso internacional para jovens artistas “ArtVladivostok”, que termina com uma exposição baseada nos resultados. As exposições nos corredores da filial de Primorsky da União dos Artistas da Rússia e da Galeria de Arte do Estado de Primorsky estão se tornando exposições anuais com base nos resultados de plein airs e nas 2ª e 3ª competições ArtVladivostok. Na lista de exposições e eventos artísticos, jovens artistas - recém-formados da academia indicam pinturas plein air em São Petersburgo, Florença, participação em eventos totalmente russos eventos artísticos(exposição “Isso é ótimo!” no Museu Artetage em preparação para as Olimpíadas de 2014).

Durante o período de seu trabalho como presidente A. A. Pyrkova, através dos esforços do reitor da faculdade de pintura N. A. Popovich, foi formada uma seção juvenil da filial de Primorsky do VTOO “Sindicato dos Artistas da Rússia”.

Atualmente, a filial Primorsky do VTOO “Sindicato dos Artistas da Rússia” conta com 124 pessoas, incluindo historiadores da arte: Doutor em História da Arte V. M. Markov, Candidato em História da Arte O. I. Zotova, Trabalhador Homenageado da Cultura da Federação Russa L. I. Varlamova, Trabalhador Homenageado de Cultura da Federação Russa N. A. Levdanskaya. Também membro do Sindicato dos Artistas é o diretor do Museu Artetazh A. I. Gorodny.

Até 2003, a filial Primorsky do Sindicato dos Artistas da Rússia incluía a filial Nakhodka (hoje N DEPARTAMENTO DA CIDADE DE AKHODKA VTOO "UNIÃO DE ARTISTAS DA RÚSSIA"). O grupo de artistas Nakhodka foi fundado por iniciativa dos líderes da cidade de Nakhodka em 1980. Graduados das universidades de arte do país foram convidados e receberam moradia: V. V. Zakharenko, V. K. Zakharenko - graduados da Escola Superior de Arte e Indústria de Moscou, V. E. Ezhkov - graduado do Instituto de Pintura, Escultura e Arquitetura em homenagem. I.E. Repina, Yu. A. Reznichenko, N. P. Saunin são graduados pelo Far Eastern Institute of Arts. Em 1982, V. P. Lakhansky, membro do Sindicato dos Artistas da URSS e laureado com o Prêmio Primorsky Komsomol, foi convidado. Desde 1982, foi eleito membro do conselho da organização Primorsky e chefiou o grupo criativo de Nakhodka. Ao mesmo tempo, os artistas N. M. Kublov, V. P. Vodnev, V. A. Gorban, V. P. Popov, Yu. I. Tukhov, G. A. Omelchenko e outros trabalharam na cidade. Assim, obras gráficas interessantes funcionaram na década de 1980. declarou-se O. P. Kozich (graduada pelo Far Eastern Institute of Arts). Os gráficos de Kozich se distinguem por sua precisão de composição, design confiante e esquema de cores complexo. Uma grande contribuição para a arte gráfica foi feita por V. P. Bykov (em Hora soviética artistas viajaram muito por Chukotka, capturando o Norte em uma série de folhas gráficas) e F. F. Konyukhov. O trabalho de G. A. Omelchenko está associado a Nakhodka. O artista participou na 1ª exposição zonal “Extremo Oriente Soviético” com as séries gráficas “Vida Cotidiana do Pescador” e “Fronteiras do Extremo Oriente”, mas depois dedicou-se inteiramente à pintura. A descoberta se tornou um dos principais temas do cartazista V. A. Gorban. Um fenômeno notável foi o trabalho do pintor paisagista N. P. Saunin. Desde 1964, N. M. Kublov viveu e trabalhou em Nakhodka, tema principal Suas obras foram baseadas no tema do amor à sua pequena pátria, materializado em telas ricas em cores. Desde 1983, o escultor E. K. Sambursky vive e trabalha em Nakhodka (formado pela Frunze Art School, oficina de N. I. Ladyagin). Em 1987, os graduados do Far Eastern Institute of Arts V.K. e N.S. Usov foram convidados para Nakhodka.

Os anos oitenta foram um período criativamente rico. O núcleo do grupo é formado por jovens artistas e membros do Sindicato dos Artistas V. P. Lakhansky e G. A. Omelchenko, que trabalharam ativamente em pintura, gráfica e artes decorativas e aplicadas. As exposições anuais da cidade (de 1980 até a atualidade) - nos corredores do Museu e Centro de Exposições, das quais participam artistas de diferentes gerações, atraem a atenção dos moradores da cidade. Os artistas também participam em exposições regionais, zonais, republicanas e de toda a União e estabelecem contactos internacionais. Assim, V. P. Lakhansky, V. V. Zakharenko, V. P. Bykov tornaram-se participantes projeto internacional na cidade de Otaru (Japão), G. A. Omelchenko, V. P. Lakhansky, V. P. Bykov participaram da exposição na cidade de Maizuru (Japão), foram realizadas exposições de intercâmbio entre artistas da cidade de Nakhodka e artistas das cidades de Maizuru e Otaru (Japão). São realizadas viagens criativas às dachas acadêmicas do Sindicato dos Artistas, são realizados plein airs, são organizados encontros entre artistas e espectadores, encontros com alunos de escolas de artes da cidade e realizados concursos. Artistas V.V. Zakharenko, V.K. Zakharenko, V.P. Kozich, V.K. Usov, N.S. Usova. Graças à liderança da cidade, quase todos os membros do Sindicato dos Artistas receberam oficinas criativas.

A década de 1990 acabou sendo tão crítica para os artistas de Nakhodka quanto para outros. Devido ao afastamento territorial da cidade de Nakhodka de Vladivostok (180 km) e à composição dos membros da AHR na cidade de Nakhodka mais de 10 pessoas, por iniciativa de K. R. Avarsky, foi decidido criar a filial Nakhodka do AHR. O registro pelo Departamento de Justiça do Território de Primorsky ocorreu em junho de 2003.

Até 1990, a organização Primorsky incluía a filial Ussuri da União dos Artistas da Rússia (hoje U ORGANIZAÇÃO DA CIDADE DE SSURI VTOO “UNIÃO DE ARTISTAS DA RÚSSIA”). Ussuriysk é o segundo centro artístico do Território de Primorsky. Tradições artísticas foram fundadas aqui na década de 1940. A organização Ussuri do VTOO "Sindicato dos Artistas da Rússia" foi formada em 20 de junho de 1943 como uma filial da organização Primorsky do Sindicato dos Artistas da Rússia. Em 12 de março de 1944, a organização inaugurou a 1ª exposição de artistas Ussuri.

Grande papel na criação grupo criativo Os artistas Ussuri foram interpretados pelo Estúdio de Artistas Militares, fundado em janeiro de 1940 por graduados da Academia de Artes de São Petersburgo, os irmãos Friedman - Ovsey Isakovich, diretor artístico do Estúdio de Artistas Militares, professor do departamento de pintura de batalha na Academia de Artes, e Rafail Isakovich, diretor do estúdio e oficina de arte. Para o estúdio e o trabalho dos artistas em Ussuriysk, um prédio especial foi construído na rua. Volodarsky, 42. Durante a guerra, o estúdio na casa dos oficiais era chefiado por A. N. Romashkin.

Na década de 1950, começaram a funcionar oficinas de arte e produção. A organização Ussuri não era numerosa: 10 a 15 pessoas constituíam seu núcleo criativo. A vida de uma pequena organização sempre tem seus lados positivos e negativos. Nessa situação, o positivo foi que a equipe compacta pôde ser cativada pela ideia de uma pessoa – o líder. Na década de 1950, S. F. Arefin foi considerado o líder, que passou a participar de exposições regionais a partir da década de 1940. S. F. Arefin cresceu em Ussuriysk, durante a Grande Guerra Patriótica serviu na sede do Distrito do Extremo Oriente, onde concluiu cursos para artistas militares. Retornando a Ussuriysk, ingressou no Sindicato dos Artistas e esteve ativamente envolvido não apenas no trabalho criativo, mas também social na organização. Em 1966, o artista mudou-se para Vladivostok e por muitos anos praticamente abandonou a pintura de cavalete, tornando-se artista de teatro.

Sem dúvida, um papel de liderança desenvolvimento criativo interpretado por KP Koval. Suas obras apareceram em exposições republicanas e sindicais no final dos anos 1950. Formado pelo Estúdio de Artistas Militares de Ussuriysk, ele considerava a Dacha Acadêmica que leva seu nome como sua escola principal. I. E. Repin. Graças às suas corridas criativas na Academia, K. P. Koval era bem conhecido em Moscou e era chamado de “Koval de Ussuriysk”. Ele foi um professor maravilhoso, dando continuidade à tradição de ensino em estúdio em Ussuriysk e, de alguma forma, deu continuidade à linha pedagógica de V.V. Os alunos de seu estúdio eram chamados de “falsificadores”. K. P. Koval dedicou todo o seu talento generoso e forte à paisagem litorânea, cujos méritos foram notados pelo mestre paisagista A.A. Gritsai. O talento natural e a enorme capacidade de trabalho permitiram que K. P. Koval se tornasse um artista altamente profissional, uma pessoa com um “início criativo”. Graças a ele, a definição de “escola de pintura Ussuri” apareceu em exposições na região do Extremo Oriente e em exposições totalmente russas. O poder cativante de seu talento uniu e inspirou os artistas Ussuri. O editor do jornal da cidade de Ussuriysk, M. Dubranov, escreve sobre isso: “Há pessoas para quem o próprio destino está destinado a permanecer na prisão por história humana. Da... história de Ussuriysk, o artista Kim Petrovich Koval pode ser considerado uma dessas pessoas sem qualquer exagero.”

Na década de 1940, S. F. Arefin, G. K. Aslanov, Y. L. Ars, V. M. Zotov, S. P. Chaika, S. I. Derek lançaram bases sólidas para a vida artística estável da cidade. Nas décadas de 1950-1970, N. P. Borisov, B. A. Vyalkov, K. P. Koval, V. M. Medvedsky, N. Ya. Gritsuk, P. Ya. Lutchenko, N. D. Volkov, V. A. Serov, G. G. Lagerev, A. A. Usenko, na década de 1980 - Yu .  P. Galyutin, O. K. Nikitchik, I. T. Nikitchik, A. V. Pikhtovnikov. Na década de 1990, a organização foi reabastecida com novos membros - Yu. P. Larionov, M. R. Pikhtovnikova, E. A. Pikhtovnikov, N. N. Kazantsev, S. V. Gorbach, M. P. Sobolevsky.

Em 18 de março de 1985, ocorreu a inauguração da Casa dos Artistas, construída através do esforço dos artistas de Ussuriysk. A.V. desempenhou um papel importante neste assunto. Pikhtovnikov, que chefiou a comissão cultural da Câmara Municipal de Deputados. Por sua contribuição para o desenvolvimento da arte na Rússia e no Extremo Oriente, os artistas da organização foram agraciados com o título de Artista Homenageado da Federação Russa e Artista Homenageado da Federação Russa (K. P. Koval), Artista Homenageado da Federação Russa (A. V. Tkachenko, V. A. Serov, N. D. Volkov, O. K. Nikitchik, I. I. Dunkay).

O tema da Dacha Criativa em Andreevka está intimamente ligado à organização Ussuri. Andreevka, conhecida na comunidade artística como “a casa dos artistas”, revelou-se um lugar surpreendentemente atraente não apenas para relaxar e pescar. Aqui, nas terras do distrito de Khasansky, em Primorye, as tradições das casas criativas na Rússia central continuaram. Uma delas é a Dacha Acadêmica que leva seu nome. I. E. Repin em Vyshny Volochek– serviu para os residentes de Primorye como um local de comunicação e de aprendizagem, onde os participantes em corridas criativas eram artistas veneráveis ​​​​de Moscou, Leningrado e outras cidades da União Soviética, e aqueles que ainda não se tornaram mestres.

Os residentes de Primorye pavimentaram uma estrada permanente para Vyshny Volochek. Em terras primordialmente russas, em estreita comunicação com artista famoso- os anos sessenta A. A. Gritsai, V. N. Gavrilov, A. D. Romanychev, A. P. e S. P. Tkachev compreenderam as profundezas da profissão do artista. Na bagagem criativa de todos há um esboço do Acadêmico, onde, aliás, ainda hoje aparecem, apesar das circunstâncias radicalmente alteradas da vida artística.

Na década de 1970, após uma série de longas viagens, decidiu-se fazer sua própria dacha criativa: “vários pintores litorâneos K. Koval, A. Tkachenko, A. Teleshov, V. Prokurov, V. Medvedsky vieram a Andreevka pela primeira vez tempo. Andreevka é uma pequena vila no sul de Primorye, no distrito de Khasansky, localizada às margens da Baía Trinity, no Mar do Japão. O lugar é incrivelmente lindo. A criativa dacha “Andreevka” agora está localizada aqui. É mantido pela organização Ussuri da União dos Artistas da Rússia. Artistas do Extremo Oriente vêm aqui para trabalhar e relaxar - Primorye, Khabarovsk, Blagoveshchensk e em bons tempos os artistas vieram de Moscou, Leningrado, dos Estados Bálticos e da Rússia Central”, escreve R. P. Kosheleva, referente da União dos Artistas da Rússia. O editor do jornal encontrou um local para publicar sobre Andreevka na página com o título “Nas Casas da Criatividade” ao lado do material sobre a Dacha Acadêmica em Vyshny Volochyok, o que não é acidental. Andreevka foi um local de inspiração e trabalho para dezenas de artistas de diferentes gerações e ao mesmo tempo uma espécie de elo de ligação com o centro da Rússia.

Em 1990, com uma equipe de 10 pessoas, a filial de Ussuri separou-se da filial de Primorsky e adquiriu o status de organização independente.

Hoje filial de Primorsky, cidade de Nakhodka e Ussuriysk organização da cidade VTOO "Sindicato dos Artistas da Rússia" coopera estreitamente na organização de exposições de arte e plein airs na Rússia e no exterior.

Olga Zotova

membro do VTOO "Sindicato dos Artistas da Rússia",

secretário executivo da filial de Primorsky

VTOO "Sindicato dos Artistas da Rússia",

Doutor em História das Artes,

Professor Associado da Escola humanidades FEFU

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Atualmente, existem doze organizações criativas de artistas no Extremo Oriente: a filial Primorsky da VTOO “União dos Artistas da Rússia” é a segunda maior.

As atividades da organização estão intimamente ligadas à história das artes plásticas, não apenas em Primorye e no Extremo Oriente, mas em toda a Rússia.

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Dmitry Borovsky, maio de 1998

Arte: Extremo Oriente: visão geral

A enorme região, convencionalmente chamada de Extremo Oriente, inclui China, Japão, Coréia, Mongólia e Tibete - países que possuem uma série de características semelhantes, mas ao mesmo tempo diferenças culturais significativas.

Todos os países do Extremo Oriente experimentaram a influência das antigas civilizações da China e da Índia, onde, já no primeiro milénio aC, surgiram ensinamentos filosóficos e religiosos que lançaram as bases para a ideia da natureza como um Cosmos abrangente - uma vida organismo espiritualizado e espiritualizado que vive segundo suas próprias leis.

A natureza esteve no centro das buscas filosóficas e artísticas ao longo do período medieval, e suas leis foram consideradas universais, determinando a vida e as relações das pessoas. O mundo interior do homem foi comparado com as diversas manifestações da natureza. Isso influenciou o desenvolvimento do método simbólico nas artes plásticas, definindo sua forma alegórica linguagem poética. Na China, Japão e Coréia, sob a influência de tal atitude em relação à natureza, foram formados tipos e gêneros de arte, conjuntos arquitetônicos, intimamente ligada à paisagem envolvente, nasceu a arte da jardinagem e, finalmente, deu-se o surgimento da pintura de paisagem.

Sob a influência da antiga civilização indiana, o budismo começou a se espalhar e o hinduísmo também começou a se espalhar na Mongólia e no Tibete. Estes sistemas religiosos trouxeram não só novas ideias aos países do Extremo Oriente, mas também tiveram um impacto direto no desenvolvimento da arte. Graças ao Budismo, uma nova e até então desconhecida linguagem artística escultura e pintura, foram criados conjuntos cujo traço característico era a interação da arquitetura e das artes plásticas.

As características da representação de divindades budistas na escultura e na pintura evoluíram ao longo de muitos séculos à medida que linguagem especial símbolos que expressavam ideias sobre o universo, as leis morais e o destino humano. Desta forma, a experiência cultural e as tradições espirituais de muitos povos foram consolidadas e preservadas. As imagens da arte budista incorporavam as ideias do confronto entre o bem e o mal, a misericórdia, o amor e a esperança. Todas essas qualidades determinaram a originalidade e o significado universal das criações marcantes da cultura artística do Extremo Oriente.

Arte: Japão

O Japão está localizado nas ilhas do Pacífico, estendendo-se ao longo da costa oriental do continente asiático, de norte a sul. Ilhas japonesas localizado em uma área propensa a terremotos e tufões frequentes. Os residentes das ilhas estão habituados a estar constantemente em guarda, a contentar-se com uma vida modesta e a reconstruir rapidamente as suas casas e agregados familiares após desastres naturais. Apesar de elementos naturais, ameaçando constantemente o bem-estar das pessoas, a cultura japonesa reflete o desejo de harmonia com o mundo exterior, a capacidade de ver a beleza da natureza em grande e pequeno porte. Na mitologia japonesa, as consortes divinas, Izanagi e Izanami, eram consideradas os ancestrais de tudo no mundo. Deles surgiu uma tríade de grandes deuses: Amaterasu - a deusa do Sol, Tsukiyomi - a deusa da Lua e Susanoo - o deus das tempestades e do vento. Segundo as ideias dos antigos japoneses, as divindades não tinham aparência visível, mas estavam incorporadas na própria natureza - não apenas no Sol e na Lua, mas também em montanhas e rochas, rios e cachoeiras, árvores e ervas, que eram reverenciadas como espíritos-kami (a palavra Kami traduzido do japonês significa vento Divino ). Esta deificação da natureza persistiu durante toda a Idade Média e foi chamada Xintoísmo - caminho dos deuses, tornando-se a religião nacional japonesa; Os europeus chamam isso de xintoísmo.

Origens cultura japonesa enraizado nos tempos antigos. A maioria trabalhos iniciais as artes datam do 4º ao 2º milênio aC. O período mais longo e fecundo para a arte japonesa foi a Idade Média (séculos VI-XIX).

Arte: Japão: Arquitetura: Casa Tradicional Japonesa

O projeto de uma casa tradicional japonesa desenvolveu-se nos séculos XVII e XVIII. É uma moldura de madeira com três paredes móveis e uma fixa. As paredes não servem de suporte, pelo que podem ser afastadas ou mesmo removidas e ao mesmo tempo servir de janela. Na estação quente, as paredes eram em treliça revestidas com papel translúcido que deixava entrar a luz, e nas épocas frias e chuvosas eram revestidas ou substituídas por painéis de madeira. Na alta umidade do clima japonês, a casa deve ser ventilada por baixo. Portanto, é elevado 60 cm acima do nível do solo. Para proteger os pilares de sustentação do apodrecimento, eles foram instalados sobre fundações de pedra.

A leve moldura de madeira tinha a flexibilidade necessária, o que reduziu a força destrutiva do choque durante os frequentes terremotos no país. O telhado, telha ou junco, tinha grandes saliências que protegiam as paredes de papel da casa da chuva e do sol escaldante do verão, mas não bloqueavam os raios baixos do sol no inverno, início da primavera e final do outono. Havia uma varanda sob a cobertura do telhado.

O chão das salas estava coberto com esteiras - tatame, onde a maioria das pessoas se sentava em vez de ficar em pé. Portanto, todas as proporções da casa foram orientadas para a pessoa sentada. Como não havia móveis permanentes na casa, dormiam no chão, em colchões grossos especiais, que eram guardados em armários durante o dia. Comiam sentados em esteiras em mesas baixas; também serviam para diversas atividades. Divisórias internas deslizantes, revestidas de papel ou seda, podiam dividir os espaços interiores consoante as necessidades, o que permitia uma utilização mais diversificada, mas era impossível a cada um dos seus habitantes ter total privacidade no interior da casa, o que afectava intra- relações familiares na família japonesa, e num sentido mais geral - sobre as peculiaridades do caráter nacional dos japoneses.

Um detalhe importante da casa - um nicho localizado contra uma parede fixa - Tokonama, onde poderia pendurar uma pintura ou uma composição de flores - ikebana - ficar de pé. Era o centro espiritual da casa. A decoração do nicho revelou as qualidades individuais dos moradores da casa, seus gostos e inclinações artísticas.

Uma continuação da casa tradicional japonesa foi jardim. Funcionava como uma cerca e ao mesmo tempo conectava a casa com ambiente. Quando as paredes exteriores da casa foram afastadas, a fronteira entre o interior da casa e o jardim desapareceu e criou-se uma sensação de proximidade com a natureza e de comunicação direta com ela. Esta foi uma característica importante da perspectiva nacional. Porém, as cidades japonesas cresceram, o tamanho do jardim diminuiu e muitas vezes foi substituído por uma pequena composição simbólica de flores e plantas, que cumpria a mesma função de colocar a casa em contato com o mundo natural.

Arte: Japão: ikebana

A arte de arrumar flores em vasos - ikebana (vida de flores) - remonta ao antigo costume de colocar flores no altar de uma divindade, que se espalhou pelo Japão junto com o Budismo no século VI. Na maioria das vezes a composição segue o estilo da época - rikka (flores fornecidas) - consistia em um ramo de pinheiro ou cipreste e lótus, rosas, narcisos, montados em antigos vasos de bronze.

Com o desenvolvimento da cultura secular nos séculos X e XII, composições florais foram instaladas em palácios e bairros residenciais de representantes da classe aristocrática. Concursos especiais para arranjos de buquês tornaram-se populares na corte imperial. Na segunda metade do século XV, surgiu uma nova direção na arte do ikebana, cujo fundador foi o mestre Ikenobo Sen'ei. As obras da escola Ikenobo se distinguiam pela especial beleza e sofisticação, eram instaladas em altares domésticos e apresentadas como presentes;

No século XVI com a difusão cerimônias de chá um tipo especial de ikebana foi formado para decorar um nicho - Tokonoma no pavilhão de chá. A exigência de simplicidade, harmonia e esquema de cores contido, imposta a todos os objetos do culto do chá, estendeu-se também ao desenho das flores - chabana (ikebana para cerimônia do chá). Famoso mestre do chá Senno Rikyu criou um estilo novo e mais livre - nageire (flores colocadas descuidadamente), embora seja precisamente na aparente desordem que reside a particular complexidade e beleza das imagens deste estilo. Um tipo de nageire era o chamado tsuribana, quando as plantas eram colocadas em um recipiente suspenso em forma de barco. Tais composições eram apresentadas a quem ingressava em um cargo ou terminava os estudos, pois simbolizavam a “saída para o mar aberto da vida”.

Nos séculos XVII a XIX, a arte do ikebana generalizou-se e surgiu o costume de formação obrigatória das meninas na arte de arranjar buquês. No entanto, devido à popularidade do ikebana, as composições foram simplificadas e regras estritas de estilo tiveram que ser abandonadas. rikka a favor nageire, do qual mais um se destacou um novo estilo seika ou shoka (Flores naturais). No final do século XIX o mestre Ohara Wusin criou o estilo Moribana, cuja principal inovação foi que as flores foram colocadas em vasos largos.

Numa composição ikebana, via de regra, existem três elementos obrigatórios, indicando três princípios: Céu, Terra e Homem. Eles podem ser incorporados como uma flor, um galho e uma grama. A relação entre eles e os elementos adicionais criam obras que são diferentes em estilo e conteúdo. A tarefa do artista não é apenas criar uma bela composição, mas também transmitir nela da forma mais completa seus próprios pensamentos sobre a vida humana e seu lugar no mundo. As obras de excelentes mestres de ikebana podem expressar esperança e tristeza, harmonia espiritual e tristeza.

Segundo a tradição, no ikebana a estação é sempre reproduzida, e a combinação das plantas forma desejos simbólicos bem conhecidos no Japão: pinheiro e rosa - longevidade; peônia e bambu – prosperidade e paz; crisântemo e orquídea - alegria; magnólia - pureza espiritual e assim por diante.

Arte: Japão: escultura: netsuke

A escultura em miniatura - netsuke - difundiu-se nos séculos XVIII e XIX como um dos tipos de arte decorativa e aplicada. Seu surgimento se deve ao fato do traje nacional japonês - quimono - não possuir bolsos e todos os pequenos itens necessários (cachimbo, bolsa de tabaco, caixa de remédios) e assim por diante) são presos ao cinto por meio de um chaveiro de contrapeso. Netsuke, portanto, possui necessariamente um orifício para uma corda, com a ajuda da qual o objeto desejado é preso a ela. Chaveiros em forma de palitos e botões já eram usados, mas desde o final do século XVIII, mestres famosos já trabalhavam na criação do netsuke, colocando sua assinatura nas obras.

Netsuke é a arte da classe urbana, de massa e democrática. Com base nos temas do netsuke, pode-se julgar as necessidades espirituais, os interesses cotidianos, a moral e os costumes dos habitantes da cidade. Eles acreditavam em espíritos e demônios, que eram frequentemente representados em esculturas em miniatura. Eles adoravam as estatuetas dos “sete deuses da felicidade”, entre os quais os mais populares eram o deus da riqueza Daikoku e o deus da felicidade Fukuroku. Os temas constantes do netsuke eram os seguintes: uma berinjela quebrada com muitas sementes dentro - um desejo de uma prole masculina grande, dois patos - um símbolo de felicidade familiar. Um grande número de netsuke é dedicado aos temas do cotidiano e ao cotidiano da cidade. São atores e mágicos viajantes, vendedores ambulantes, mulheres envolvidas em atividades diversas, monges errantes, lutadores, até mesmo os holandeses em suas roupas exóticas, do ponto de vista japonês - chapéus de abas largas, camisolas e calças.

Distinguindo-se pela diversidade temática, o netsuke manteve a sua função original de porta-chaves, e esse propósito ditou aos artesãos um formato compacto, sem partes salientes frágeis, arredondado e agradável ao tacto. Isso também está relacionado à escolha do material: não muito pesado, durável, composto por uma só peça. Os materiais mais comuns eram vários tipos de madeira, marfim, cerâmica, laca e metal.

Arte: Japão: pintura e gráficos

A pintura japonesa é muito diversificada não só no conteúdo, mas também na forma: são pinturas murais, telas, pergaminhos verticais e horizontais executados em seda e papel, folhas de álbum e leques.

A pintura antiga só pode ser julgada por referências em documentos escritos. As primeiras obras notáveis ​​​​que sobreviveram datam do período Heian (794..1185). Estas são ilustrações do famoso “O Conto do Príncipe Genji” do escritor Murasaki Shikibu. As ilustrações foram feitas em vários pergaminhos horizontais e complementadas com texto. São atribuídos aos pincéis do artista Fujiwara Takayoshi (primeira metade do século XII).

Característica A cultura daquela época, criada por um círculo bastante estreito da classe aristocrática, era o culto da beleza, o desejo de encontrar em todas as manifestações da vida material e espiritual o seu encanto característico, por vezes indescritível e indescritível. A pintura da época, que mais tarde recebeu o nome de Yamato-e (traduzido literalmente pintura japonesa ), transmitiu não uma ação, mas um estado de espírito.

Quando os representantes severos e corajosos da classe militar chegaram ao poder, começou o declínio da cultura da era Heian. Um elemento narrativo foi estabelecido na pintura de pergaminhos: são lendas de milagres repletas de episódios dramáticos, biografias de pregadores da fé budista e cenas de batalhas de guerreiros.

Nos séculos XIV e XV, sob a influência dos ensinamentos da seita Zen, com especial atenção à natureza, a pintura de paisagem começou a desenvolver-se (inicialmente sob a influência dos modelos chineses).

Durante um século e meio, os artistas japoneses dominaram o chinês sistema artístico, fazendo uma cor pintura de paisagem patrimônio da arte nacional. Sua maior floração está associada ao nome excelente mestre Toyo Oda (1420..1506), mais conhecido pelo pseudônimo de Sesshu. Em suas paisagens, usando apenas os mais finos tons de tinta preta, ele conseguiu refletir todo o mundo multicolorido da natureza e seus inúmeros estados: a atmosfera saturada de umidade do início da primavera, o vento invisível, mas perceptível e a chuva fria de outono, o congelamento imóvel do inverno.

O século XVI abre a era dos chamados final da Idade Média, que durou três séculos e meio. Nessa época, as pinturas murais se espalharam, decorando os palácios dos governantes do país e dos grandes senhores feudais. Um dos fundadores da nova direção da pintura foi o famoso mestre Kano Eitoku, que viveu na segunda metade do século XVI. A xilogravura (xilogravura), que floresceu nos séculos XVIII e XIX, tornou-se outro tipo de arte da Idade Média. A gravura, assim como a pintura de gênero, era chamada de ukiyo-e (imagens do mundo cotidiano). Além do artista que criou o desenho e escreveu seu nome na folha acabada, um entalhador e um impressor participaram da criação da gravura. No início, a gravura era monocromática; colorida à mão pelo próprio artista ou pelo comprador. Então foi inventada a impressão em duas cores e, em 1765, o artista Suzuki Harunobu (1725..1770) foi o primeiro a usar a impressão multicolorida. Para isso, o entalhador colocou papel vegetal com um padrão em uma placa de corte longitudinal especialmente preparada (feita de pêra, cereja ou buxo japonês) e cortou o número necessário de placas impressas dependendo do esquema de cores da gravura. Às vezes havia mais de 30 deles. Depois disso, a impressora, selecionando as tonalidades desejadas, fazia impressões em papel especial. Sua habilidade era conseguir uma correspondência exata dos contornos de cada cor obtidos em diferentes tábuas de madeira.

Todas as gravuras foram divididas em dois grupos: teatrais, que retratavam atores do teatro clássico japonês Kabuki em diversos papéis, e cotidianos, retratando belezas e cenas de suas vidas. O mais famoso mestre da gravura teatral foi Toshushai Sharaku, que fechar-se retratava os rostos dos atores, enfatizando os traços do papel que desempenhavam, os traços característicos da pessoa reencarnada como personagem da peça: raiva, medo, crueldade, engano.

Artistas notáveis ​​como Suzuki Harunobu e Kitagawa Utamaro tornaram-se famosos na gravura da vida cotidiana. Utamaro foi o criador de imagens femininas que encarnavam o ideal nacional de beleza. Suas heroínas parecem ter congelado por um momento e agora continuarão seu movimento suave e gracioso. Mas esta pausa é o momento mais expressivo em que a inclinação da cabeça, o gesto da mão, a silhueta da figura transmitem os sentimentos pelos quais vivem.

A maioria mestre famoso gravuras eram artista genial Katsushika Hokusai (1776..1849). O trabalho de Hokusai é baseado na cultura pictórica centenária do Japão. Hokusai produziu mais de 30 mil desenhos e ilustrou cerca de 500 livros. Já com setenta anos, Hokusai criou um dos mais obras significativas- uma série de “36 vistas do Fuji”, permitindo compará-lo com o mais artistas excepcionais arte mundial. Mostrando o Monte Fuji - símbolo nacional Japão - de diferentes lugares, Hokusai revela pela primeira vez a imagem da pátria e a imagem do povo na sua unidade. O artista via a vida como um processo único em toda a diversidade das suas manifestações, partindo dos simples sentimentos de uma pessoa, das suas atividades quotidianas e terminando na natureza envolvente com os seus elementos e beleza. A obra de Hokusai, que absorveu a experiência secular da arte de seu povo, é o último ápice da cultura artística Japão medieval, seu resultado maravilhoso.

Arte: Japão: fontes de informação

Enciclopédia Microsoft Encarta 97 Edição Mundial em Inglês. Microsoft Corp., Redmond, 1996;

Recursos da Internet (Worldwide Web);

"Enciclopédia para Crianças", volume 6 ("Religiões do Mundo"), parte dois. Editora Avanta+, Moscou, 1996;

"Enciclopédia para Crianças", volume 7 ("Arte"), primeira parte. Editora Avanta+, Moscou, 1997;

Enciclopédia "Mitos dos Povos do Mundo". Editora "Enciclopédia Soviética", Moscou, 1991.

Arte: Japão: Glossário

Gravação- visualizar gráficos, em que a imagem é a impressão de um desenho aplicado a uma placa de madeira, linóleo, metal, pedra; a própria imagem em madeira, linóleo, papelão e assim por diante.

Ikebana(“flores reais”) - a arte japonesa de arranjar buquês; o próprio bouquet, elaborado de acordo com os princípios do ikebana.

Kondo(Salão Dourado) - templo principal Complexo de mosteiro budista japonês; mais tarde ficou conhecido como Hondo.

Kaijuma- na arquitetura japonesa há um enorme telhado de duas águas de um templo xintoísta; feito de palha ou casca de cipreste e, posteriormente, de telhas.

Xilogravura - gravação na árvore.

N´ etsuke- uma estatueta em miniatura feita de marfim, madeira ou outros materiais; servia de chaveiro com o qual pequenos objetos (por exemplo, uma carteira) eram presos ao cinto; pertencente ao traje nacional japonês.

Pagode- na arquitetura budista dos países do Extremo Oriente e Sudeste Asiático, uma torre memorial de vários níveis - relicário com um número ímpar (de sorte) de níveis.

R´ impa- escola de pintura japonesa dos séculos XVII..XVIII; gravitou em torno de temas literários de séculos passados; transmitiu as experiências líricas dos personagens.

Relicário- um recipiente para guardar relíquias.

Tyanyva(“jardim de chá”) - na arquitetura japonesa, um jardim associado à cerimônia do chá - puxar; forma um conjunto único com o pavilhão do chá - chashitsu.

Tyano´ Yu(“cerimônia do chá”) - na vida espiritual do Japão, um ritual filosófico e estético de unidade das pessoas, ajudando-as a se desligar da agitação da vida cotidiana.

Ukiyo-e(“imagens do mundo cotidiano”) - uma escola de pintura japonesa e xilogravuras Séculos XVII a XIX, refletindo a vida e os interesses da população urbana; tradições herdadas Pintura de gênero 15..16 séculos.

Haniwa(“círculo de argila”) - antiga cerâmica funerária japonesa; nomeado devido ao método de produção: anéis de argila moldados à mão são colocados uns sobre os outros; Período do amanhecer - 5..6 séculos.

Yamato´ uh(“Pintura Japonesa”) - nas artes plásticas do Japão dos séculos X a XI, uma direção independente, oposta à pintura chinesa; foram reproduzidos enredos de histórias, romances e diários medievais japoneses; Silhuetas, manchas de cores vivas e salpicos de brilhos dourados e prateados foram combinados de forma expressiva.

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A história da arte é uma especialidade para quem deseja estudar a história da arte desde a antiguidade até os dias de hoje, adquirir informações sobre valores artísticos, aprender uma língua estrangeira e comunicar-se nela com fluência, além de obter oportunidades de emprego no exterior. Esta profissão era popular há dois ou três séculos e não perde relevância no mundo moderno. É bem possível receber educação a distância em história da arte - muitas instituições de ensino superior oferecem essa oportunidade.

Currículo de educação a distância em história da arte

O programa de formação de historiadores de arte profissionais consiste em várias etapas:

• Formação em história da arte. Esta é uma seção clássica da educação profissional, inclui o estudo da história cultural desde a antiguidade até os dias atuais, aulas práticas com artistas e escultores famosos;
• Línguas estrangeiras.É claro que a ênfase principal está no aprendizado do inglês - é considerado internacional, compreensível em muitos países e amplia as oportunidades de emprego para os graduados. Mas algumas instituições de ensino superior permitem o estudo de uma língua estrangeira à sua escolha – inglês, italiano, espanhol, chinês, japonês;
• Prática do mercado de arte (crítica de arte aplicada). Ao estudar esta secção do currículo obrigatório, os alunos recebem conhecimentos sistemáticos no domínio do mercado internacional da arte, da sua precificação e da procura de obras específicas.

Você deve saber que o ensino a distância em história da arte envolve o cumprimento de todos os pontos do currículo, com obrigatoriedade aulas práticas. Cada instituição de ensino superior pode ampliar o conhecimento dos alunos dentro de uma seção específica do programa. Por exemplo, a prática no ensino de artes plásticas pode incluir a familiarização com as especificidades da atividade empreendedora, bem como com a tecnologia da informação.

Em geral, o ensino a distância para esta profissão é bastante complexo e envolve o estudo das seguintes disciplinas:

• Lingua estrangeira;
• Fundamentos de economia, estudos culturais e filosofia;
• Fundamentos da educação psicológica e pedagógica;
• Cultura da fala e conhecimentos básicos da língua russa;
• Aplicação de tecnologia na cultura;
• Bases de informação de atividades econômicas e de gestão;
• Ciência natural.

São disciplinas gerais que são cursadas por todos os alunos, independentemente da direção escolhida na história da arte.

Quais disciplinas estão incluídas no programa de história da arte?

O estudo da história da arte inclui as seguintes disciplinas:

• Mundo antigo;
• Idade Média;
• Países do Médio Oriente na Idade Média;
• Arte do Extremo Oriente na Idade Média;
• Leste (séculos XV-XIX);
• Próximo e Extremo Oriente do século XX;
• Arte da Europa Ocidental;
• História das artes decorativas e aplicadas, teatro, cinema e música;
• História da arquitetura e do design;
• Arte russa;
• História geral e história da Rússia;
• Arqueologia;
• Literatura;
• Ensinamentos estéticos;
• Teoria e metodologia da arte;
• História da crítica de arte;
• Fundamentos de gestão e marketing;
• Negócios na área artística;
• Monumentos de arte;
• Trabalhos de restauração;
• Trabalho museológico;
• Dados históricos sobre a língua estrangeira em estudo;
• Tradução de textos literários;
• Negócio de arte - materiais teóricos e práticos.

Considerando um volume tão grande de disciplinas cursadas no âmbito do ensino a distância para a profissão de “História da Arte”, não é de surpreender que os alunos remotamente realizem frequentemente testes intermediários e testes diferenciais - os professores precisam ter certeza da integridade e profundidade do conhecimento ganhou.

Onde e como obter educação

História da arte- um corpo docente que exige que cada aluno faça uma formação prática e por isso é impossível falar de forma inequívoca em ensino a distância. Pelo contrário, este método de educação refere-se a uma forma mista de educação - correspondência com o uso de tecnologias a distância.

Você pode se matricular em um corpo docente semelhante em muitas instituições de ensino superior, mas deve estar pessoalmente presente ao enviar o pacote de documentos para admissão. Além disso, os alunos deverão comparecer ao ramo principal ou adicional de uma instituição de ensino superior para realizar estágios, assistir a seminários e conferências, realizar testes, testes diferenciais e exames.

Instituições de ensino superior que oferecem a oportunidade de cursar ensino a distância na profissão de história da arte:

• Universidade Técnica do Estado do Extremo Oriente;
• Kazansky Universidade Estadual cultura e arte;
• Universidade Estadual de Moscou;
• Instituto Pedagógico do Estado de Perm;
• Universidade Estadual de Cultura e Artes de São Petersburgo.