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ARTE DOS ANOS 30

1. Características gerais

União dos Artistas

Em 23 de abril de 1932, o Comitê Central do partido adotou uma resolução "Sobre a reestruturação das organizações literárias e artísticas”, que eliminou todos os grupos artísticos que existiam nos anos 20 e criou uma única organização -União dos Artistas da URSS.

método do realismo social

No Primeiro Congresso da União escritores soviéticos em 1934 A.M. Gorky definiu "método do realismo socialista”, implicando o uso criativo da herança clássica da cultura mundial, a conexão da arte com a modernidade, a participação ativa da arte na vida moderna, sua imagem do ponto de vista de “humanismo socialista". Continuando as tradições humanísticas da arte anterior, combinando-as com o novo,conteúdo socialista, o "realismo socialista" deveria serum novo tipo de consciência artística.

arte oficial

Ao mesmo tempo, assumiu-se quemeio de expressão pode ser os mais diversosmesmo na interpretação do mesmo tema. Então, de qualquer forma, foi dito. Na verdade, foi por muitas décadas.

oficialmente autorizado de cima,

« sustentado ideologicamente" (que é o principal),

tendendo ao naturalismoa única direção possível na arte, uma espécie de diamat na ciência,

proibindo toda a dissidênciaconsciência artística,

ao mesmo tempo com um claramente depuradomecanismo de ordens do estado, planejado (para artistas, festa agradável)exposições e prêmios. (314)

Os temas da arte em todos os tipos e gêneros pareciam sugerir diversidade: deheroísmo da revolução e guerra civil antes dos dias de trabalho instigado e proposto pela própria vida. Gênero retrato deveria ter ficadoum dos principais, porque o arte realistasempre e acima de tudopesquisa humana, sua alma, sua psicologia.

Tal era este bonitovago em palavras e muito difícil programa. Como ela foi encarnada - mostroupróxima década. É claro que um mesmo tema pode ser desenvolvido e revelado de diferentes maneiras,

em fotos Petrov-Vodkin e Deineka,

paisagens Rylov e Nissky,

retratos Konchalovsky e Korina,

em gráficos Lebedev e Konashevich,

na escultura de Mukhina e Shadr,

como no futuro, sem se desviarprincípios realistas básicosvisões da natureza, os artistas do nosso tempo trabalharam e trabalham de forma diferente:V. Popkov, Y. Krestovsky, V. Ivanov, V. Tyulenev, G. Egoshin e outros (315)

Ideologização da arte

Mas o "método do realismo socialista", adotado por unanimidade no congresso "engenheiros de almas humanas» em 1934, completamentenão esperava nenhuma liberdade. Pelo contrário, a criatividade artística está se tornando cada vez mais rígida.ideologizado.Como um pesquisador, V. Piskunov, escreveu (o autor falou sobre poetas, mas isso se aplica totalmente aos artistas), “em um golpecaneta mandonagerações inteiras foram abatidase períodos", e apenaso melhor dos mestres"não se dignou a entrarrealistas socialistas". Isso deve ser sempre lembrado ao ler a história nacional. período soviético.

Exibições de arte

Na década de 1930, grandes esforços foram feitos para formarnacional escolas de arte , para criar multinacional arte soviética ". Décadas arte nacional e exposições republicanas, participação de representantes de diferentes repúblicas em exibições de arte:

"15 anos do Exército Vermelho",

"20 anos do Exército Vermelho",

"A Indústria do Socialismo" (1937),

"As melhores obras de arte soviética" (1940),

em exposições internacionais em Paris (1937) e Nova York (1939),

na organização da Exposição Agrícola All-Union (1939 - 1940)

uma das formas de comunicação cultural entre os povos da URSS nestes anos.

Foi especialmente grandeexposição "Indústria do socialismo". Mais do que 700 artistas Moscou, Leningrado e outras cidades da RSFSR e repúblicas sindicais; junto com já mestres maduros na exposiçãojuventude estreou. As obras expostas foram dedicadas aas melhores pessoas do país, bateristas dos planos quinquenais, novos edifícios da indústria soviética ", que mais tarde se tornoucomponente essencialqualquer grande escalaexposição oficial.

Academia de Artes

Em 1932, fechados nos primeiros anos da revolução foram recriadosAcademia de Artes de Toda a Rússia e depois - Instituto de Pintura, Escultura e Arquitetura.

atropelando os princípios democráticos

Vale lembrar que a década de 1930 foi um dosmais controversoe períodos trágicos tanto na história do nosso estado quanto em sua cultura e arte.Atropelamento de princípios democráticos humanistasna vida da sociedade se refletiu na atmosfera criativa. A base dos fundamentos do processo criativo foi violada -liberdade de expressão do artista.

Arte o papel de "explicador"

Por trás da declaração cada vez mais rígidao único estilo e modo de vida, com a exclusão da realidade de qualquer manifestação de liberdade de escolha, cada vez maisuma forma de arte unificada também foi decretada. Desde que a arte foi dadapapel de "explicador"» diretivas em forma visual, naturalmente se transformou em arteilustrado e direto("compreensível "), perdendo tudocompletude, complexidade e versatilidademeios expressivos. (316)

Negar o direito à liberdade do espírito

Apesar da demagógicacanto de um simples trabalhador- "construtor de um futuro brilhante", negou o próprio direito humano

à liberdade do espírito,

à sua visão do mundo,

finalmente, na dúvida - necessário incentivo para melhorarpersonalidade à criatividade.

Pois o que pode ser mais prejudicial à criatividade do que plantarformas dogmaticamente uniformes de glorificaçãoum injustamente exaltado sobre um milhão de pessoasforma ou várias formas, ou uma e falsa - idéias ? Isso levou ao fato de que os caminhos e destinos dos artistascada vez mais disperso.

Duas maneiras de artistas

Alguns, por assim dizer - ou na realidade -caiu no esquecimento, outros se tornaram " principais artistas da época» 30, o destino de alguns foi silêncio, obscuridade e esquecimento trágico, a falsidade inevitável e Mentiras deliberadas acompanhavam a glória dos outros.

arte oficial

Inúmeros trabalhos apareceram, como pinturas de V. Efanov e G. Shegal sobre “líder, professor e amigo”, “presidindo” congressos, inúmerasretratos do "líder dos povos". Falsamente otimista retratou a vida da aldeia em grandes telas festivas

S. Gerasimov. Férias coletivas na fazenda. 1937

A. Plastov. Férias na aldeia. 1937

Todas essas e outras fotos semelhantes foram emitidaspara a verdadeira "verdade da vida". Eles eram cheio dessa alegria, que é mesmo remotamentenão correspondia à verdade, mas Gorki é precisamente “otimismo históricoconsiderado um dos definidorespropriedades do "realismo socialista».

Falsificação da história, as ideias humanistas levaram acolapso da personalidade criativa. E, por sua vez, o artista, criando imagem falsa , falso mas construídosobre os princípios da verossimilhança visual, forçado acredite neleque estavam cheios sincero (e na década de 1930, especialmente pronunciado) desejopara a felicidade de todoshumanidade trabalhadora. Eu acho que isso é o maiortragédia soviética. (317)

arte não oficial

Ao mesmo tempo, na arte dos anos 30, pode-se citar alguns nomes de artistas que trabalharam de maneira interessante: Petrov-Vodkin, Konchalovsky, Saryan, Favorsky, Korin. A pintura mais importante da vida de Korin Rússia saindo » então não aconteceu", e a razão para isso, ao que nos parece, éatmosfera artística aqueles anos.

Em Leningrado desde 1925 ela trabalhouescola-oficina Filonov. Sob sua liderança, foi executado o design da famosa edição.Épico finlandês "Kallevala"», cenário para "Inspetor". Mas nos anos 30 a oficina está vazia. Os discípulos deixam o mestre. Uma exposição de obras de Filonov, preparada em 1930 no Museu Estatal Russonunca abriu. Ela estava destinada a acontecer apenas após 58 anos.

2. Pintura

BORIS VLADIMIROVICH IOGANSON (1893 - 1973)

Liderando tornam-se outros artistas. Entre eles, o lugar principal pertence a B.V. Ioganson (1893 - 1973), nos anos 20, que escreveu obras como

Rabfak vai (Vuzovtsy). 1928

corte soviética. 1928

nodal estação ferroviária em 1919. 1928

que apresentou uma pintura na exposição de 1933 "15 Anos do Exército Vermelho"

Interrogatório de comunistas. 1933

e na exposição de 1937 "Indústria do Socialismo" - uma grande tela

Na antiga fábrica dos Urais. 1937

Em ambas as obras, Ioganson parece estar se esforçandoseguir tradições, estabelecido por artistas russos, principalmenteRepin e Surikov. De fato, o artista sabe retratar "situações de conflito», empurre os personagens. No esplendor geral" sem fim " férias coletivas de fazenda» e inúmeras imagens «líder, professor e amigo" isto é já a dignidade de um mestre. Afeta principalmentesolução composicional.

Situações de conflito

Em "Interrogatório Comunista"colisão de duas forças diferentes, prisioneiros e inimigos, no "Ural Demidov" (o segundo nome da pintura "Na antiga fábrica de Ural") -trabalhador e criador, cujas visões, por vontade do artista, se cruzam como as visõesarqueiro ruivo e Pedroem "Manhã da Execução Streltsy" de Surikov. Eu mesmo processo de trabalho - Ioganson caminhou da descritividade, fragmentação, verbosidade e congestionamentocomposições para uma solução mais concisa e estrita, onde todo o conflito dramático é construído em uma colisãodois mundos hostis, é tradicional. Atésubstituição da localização da figura feminina- em busca de uma situação mais típica desde o primeiro plano na versão inicial até o masculino - no final (“Interrogação dos Comunistas”) lembra um poucoprocure uma solução por Repin em "Nós não esperamos".

Grande potencialpossibilidades de coresmostrado nestas fotos, especialmenteno primeiro, onde os contrastes de claro-escuro, flashes nítidos de azul profundo, marrom-vermelho, branco realçamo clima da tragédia do que está acontecendo. Mas no final - uma perda completa.

Sátira inadequada

Para o artista muda gosto simples porque ele refere-se a sátira, caricatura, assim fora do lugar em uma pintura.

Se os comunistas- mesmo nas mãos do inimigoavançando sem medo sobre ele;

se "Guardas Brancos"então certamente birras (ombro virado para cima, nuca repugnantemente vermelha, chicote levantado, etc.);

se o criador odeio seus olhos, mas não tenho certeza

se um trabalhador cheio de superioridade, dignidade, raiva e força interior.

Falsidade nas obras de Johanson

E tudo isso é deliberadoexcessivo, exagerado- e daí perde seu sentido etorna-se falso. (Embora houvesse realmente muitas dessas pessoas e tais situações.)

como revolucionário históricotelas de Brodsky,

Como as retratos de Ryazhsky,

esses obras de johansonilustrar expressivamentedesenvolvimento da arte nacionale é nesse sentido (e não no tradicional) que se pode realmente considerar "clássicos da arte soviética».

ALEXANDER ALEKSANDROVICH DEINEKA (1899 1969)

Na década de 1930, Deineka trabalhou muito.

detalhes lacônicos,

expressividade da silhueta,

discreto lineare ritmo de cores

a Principal princípios de sua arte. Os antigos "Ostovtsy" permanecemfiel às suas tradições. O assunto está se tornando mais diversificado.gênero, retrato, paisagem. Mas não importa o que escrevam, os sinais dos tempos aparecem em tudo.

Para a exposição "20 Anos do Exército Vermelho" Deineka escreveu uma das mais poéticas e trabalhos românticos

Futuros pilotos. 1938

três figuras de menino nuas(de costas), à beira-mar, olhandoem um hidroavião no céu azul, seus futuros conquistadores. Esse romantismoexpressivo e colorido- combinação

água azul escura

céu azul cinza,

luz solar inundando o aterro.

Visualizador os rostos dos meninos não são visíveis, mas todo o sistema da imagem transmite a sensaçãosede de vida, abertura espiritual. Muitas pinturas de Deineka desses anosdedicado ao esporte.

As aquarelas de Deineka

O mundo multifacetado da Europa e do Novo Mundo abriu em suas aquarelas escrito por ele após uma viagem ao exterior em 1935:

Tulherias. 1935

Rua em Roma. 1935

e outros, é claro, da "posição" de um soviético que tem "seu próprio orgulho".

Artistas oficialmente reconhecidos criaram uma imagem ilusória de um jubilosovida festiva dos anos 30, assim falso. Assim, a sensação de uma nova vida em construção é transmitida por Yu. Pimenov na foto

Y. Pimenov. Nova Moscou. 1937

tendências impressionistassão vividamente sentidas em imediatismo

impressão, habilmente transmitido como sedo ponto de vista de uma mulher dirigindo, na riqueza da luz e do ar, na dinamismo da composição. No brilhante escala festivatambém destacaimagem da nova Moscou.

Artistas notáveis

Durante esses anos, taisartistas maravilhosos, como N. Krymov (1884-1958), A. Kuprin , cada um dos quais, com seus próprios meios individuais, criouépica imagem majestosa da pátria

A. Kuprin. Rio. 1929

A. Kuprin. Dia de verão em Tarusa. 1939/40

A. Kuprin. Vale do Tião. 1937

Pitorescamente generoso, romântico, muitas paisagens da Criméia e da Rússia Central A. Lentulova , cheio de vida e suas naturezas mortas

A. Lentulov. Natureza morta com repolho. 1940

maravilha alegria de muitos trabalhosartistas nestes anos terríveis. (320)

Com toda a estrutura pictórica e plástica da tela, procurou expressaro espírito da modernidade, ritmos tensos nova vida G. Nyssky , retratando navios de guerra parados na enseada, veleiros voando em mar aberto, linhas de trilhos de trem indo para longe

G. Nissky. A caminho. 1933

Pode-se dizer que, em comparação com os anos 20, nos anos 30 apaisagem como gênero. Os artistas estão chegando para os Urais, para a Sibéria, no Extremo Norte, para a Crimeia. Pátria - este vasto território de um Estado multinacional - dáricas impressões para pintores, nas paisagens em que prevalece uma ideia:a natureza do nosso país, apresentado pelos mestres em toda a sua generosidade e caprichosa variabilidade de iluminação em diferentes momentos do dia e do ano, não é apenas um símbolo da beleza da terra natal, mas também símbolo de tempo de uma forma ou de outra, é renovada pelo trabalho de milhões de pessoas. Pintores repúblicas nacionais imprimir amorosamente os sinais do novo em seu país.

MARTIROS SERGEYEVICH SARYAN

M. Saryan pinta belas paisagens, retratos

Retrato do arquiteto A. Tamanyan

Retrato do poeta A. Isahakyan

e naturezas-mortas. Vales verdes, deslumbrantes montanhas nevadas da Armênia, seus antigos templos e novos canteiros de obras invadindo suas paisagens agrestes

Fundição de cobre Alaverdi. 1935

Vintage. 1937

Flores e frutas. 1939

magnífico, iluminado pelo brilhante talento de um pintor nato, sua incrível generosidade decorativa.

Paisagens testemunham a nova face da ArmêniaG. Gyurtszhyan, F. Terlemezyan, a imagem da nova Geórgia é dada nas telasA. Tsimakuridze, V. Japaridze, E. Akhvlediani.

PETER PETROVICH KONCHALOVSKY

O retrato se desenvolveu intensamente na década de 1930. P.P. Konchalovsky escreveu toda uma série de belos retratos de figuras culturais:

V. Sofronitsky ao piano. 1932

Retrato de S. Prokofiev. 1934

Retrato de V. Meyerhold. 1938

Neste último, como sempre com Konchalovsky,cor aberta, sonora, mas é dado em contraste comO olhar intenso de Meyerholde sua postura, que traz algo à imagem perturbador . Isso não é surpreendente: antes de sua prisão e mortepoucos dias restantes. (321)

MIKHAIL VASILIEVICH NESEROV

Depois de quase 15 anos de silêncioM. Nesterov fez vários retratos da intelectualidade soviética

Retrato de artistas P.D. e A. D. Korinykh. 1930

Retrato de I. P. Pavlova. 1935

Retrato de um cirurgião Yudin. 1935

Retrato de V. I. Mukhina. 1940

Quem retratou Nesterov,

seja Pavlov com seu entusiasmo juvenil, obstinado, coletado, inspirado, conciso egesto de mão expressivoque acentua ainda mais sua natureza irreprimível, dinâmica, "explosiva";

escultor Shadr de pé em pensamento profundono torso de mármore gigante;

cirurgião Lee Yudin

ou artista Kruglikova, -

Ele enfatiza, em primeiro lugar, que essas pessoas são criadores e o sentido de sua vida está ematividades criativasna arte ou na ciência. Nos retratos de Nesterov hámedida clássica, simplicidade e clareza, eles são realizados nas melhores tradiçõespintura russa, principalmente V. A. Serov.

PAVEL DMITRIEVICH KORIN (1892-1971)

O aluno de Nesterov P. D. Korin (1892-1971) percorre o caminho de Nesterov no retrato, ele também enfatizainteligência, complexidade humana, mas seu estilo de escrita é diferente,

a forma é mais dura, mais clara,

silhueta mais nítida,

desenho mais expressivo

cor mais dura.

K. Magalashvili

O interesse pela intelectualidade criativa já na década de 1920 também foi demonstrado porartista georgiano K. Magalashvili

Retrato do escultor Y. Nikoladze, 1922,

Retrato da pintora Elena Akhvlediani, 1924,

Retrato de um pianista e. Orbeliani, 1925

Em 1941 escreve

Retrato do pianista V. Kuftina. 1941

S. Salamzade

O artista azerbaijano S. Salam-zade escolhe a aparência de um trabalhador como tema

S. Salmzade. Retrato do descaroçador de algodão Mayush Kerimova. 1938

3. Pintura monumental

arte monumental

Os anos 30 foram uma certa fase do desenvolvimentotodos os tipos de arte monumental. (322)

Abertura Exposição Agrícola de Toda a União,

Canal de Moscou,

construção metrô na capital,

clubes, palácios de cultura, teatros, sanatórios etc.,

participação de artistas soviéticos emexposições internacionaisdeu vida a muitas obras

escultura monumental,

pintura monumental,

Artes e Ofícios.

Os artistas de Moscou, Leningrado, outras cidades da RSFSR e das repúblicas nacionais, que preservaram e retrabalharam criativamente as tradições e formas de arte nacional, consideradas as principaisproblemas de síntese artística.

pintura monumental

Na pintura monumental, o lugar de destaque pertence aA.A. Deineke, E.E Lansere.Este último se formou como artista antes mesmo da revolução. Na década de 1930, atuou

murais em Kharkov, Tbilisi.

Pintura do salão do restaurante da estação ferroviária Kazansky em Moscou

É devoto amizade e unidade dos povos, fala sobre riqueza natural do país.

Pintura do salão do restaurante do hotel "Moscou"

baseado na tradiçãopintura de plafond ilusório italiano, especialmente o veneziano Tiepolo.

pintura monumental nos mesmos anos também trabalharamV. Favorsky, A. Goncharov, L. Bruni. Na pintura

Favorsky. Pintura na Casa dos Modelos em Moscou. 1935 (grafito, não preservado)

Favorsky conseguiusíntese de arquitetura e pinturaEste trabalho teve um enorme impacto em seus alunos.

4. Escultura

4.1 Monumentos

Trabalhou muito em esculturae velhos mestres, que se declararam nos primeiros anos do poder soviético, e jovem . Note-se que na década de 30 em todos os tipos e gêneros de escultura - emretrato, composição estatuária, relevo- tornou-se perceptível gravitação para a idealização da natureza. Isso foi especialmente verdadeiro na escultura monumental apresentada em concursos para vários monumentos. (323)

MATVEY GENRIKHOVICH MANIZER (1891 1966)

É significativo que emconcurso para um monumento a Chapaev(para a cidade de Samara) e Shevchenko (para Kharkov), o vencedor foi M. Manizer, sucessorescola acadêmicaEscultura russa com sua atração pornarrativa e idealização.

Monumento a V. I. Chapaev. Samara. 1932

Monumento a T. G. Shevchenko. Kharkiv. 1935

No monumento a Shevchenko, Manizer apresentou o poeta principalmente como um lutador,acusador de autocracia.

Essa ideia é reforçada pelo fato de sua figura se oportriste imagem de um trabalhador agrícola, condicionalmente nomeado mais tarde pelo nome da heroína de seu poema "Katerina"

Catarina.

(uma das 16 figuras que representam "etapas da luta do povo ucranianopara sua liberação). O monumento é calculadopara uma viagem de ida e voltae colocado na entrada do parque (o autor do pedestal, arquiteto I. Langbard).

Em 1936-1939, Manizer executou (junto com seus alunos) uma série de estátuas para a estação de MoscouMetrô "Ploshchad Revolyutsii"". Este trabalho dificilmente pode ser chamado de bem-sucedido, o que foi agravado pelo fato de queespaço limitado, arcos baixos interfere na síntese orgânicaarquitetura e escultura.

Escultura lírica

Na escultura de um plano lírico, habilmente modelado, profundamente poético, continua a trabalhar A. T. Matveev . Trabalhos de retrato maravilhosos são criados por Y. Nikoladze

I. Nikoladze. Retrato de G. Tabidze. 1939

I. Nikoladze. Busto de I. Chavchavadze. 1938

Psicológico sutil ou imagens pungentes- em escultura de retrato S. Lebedeva

S. Lebedeva. Retrato de V. Chkalov. 1937 (Estudo, bronze)

Em um caminho criativo independente entre nestes anosjovens escultores. Para eles, os problemas também são primordiais.síntese de escultura e arquitetura.

VERA IGNATIEVNA MUKHINA (1889 1853)

De grande importância para o desenvolvimento da escultura monumental soviética foi a participação da URSS naexposição internacional"Arte, Tecnologia e Vida Moderna", sediado em Paris.pavilhão soviético foi construído de acordo com projeto B. M. Iofana. grupo escultórico para ele fez V.I. Mukhina.

De volta a 1922 - 1923, de acordo com o plano de propaganda monumental, ela realizou uma completa paixão,figura de movimento violento, representando " a chama da revolução." (324)

Mulher camponesa. 1927

Em 1927 ela criouescultura de cavalete de uma camponesa,

volumes pesados ​​e bem tricotados,

plasticidade lacônica e expressiva

que testemunham o interesse constante emimagem generalizada monumental.

Nos retratos da década de 1930 ela encontrou bastante linguagem moderna escultura realista baseada em modelos clássicos.

Dr. A. A. Zamkov. 1935

Arquiteto S.A. Castelos. 1935

Mas acima de tudo, os mestres estão interessadosPrincípios de síntese de arquitetura e escultura.

Trabalhador e agricultor coletivo. 1937

Uma das soluções originais foi dada por Mukhina em seu trabalho para a Exposição Internacional. Edifício Iofan terminou com uma gigantesca, levantada33 m de altura com um pilãoque é perfeitamente orgânicocoroado por um grupo escultórico.

Eles mantêm o comprimento do braçofoice e martelo de mão. Foi difícil encontrar maissolução únicaeste tópico do que Mukhina encontrou. Do grupo escultórico vemmovimento poderoso, o que cria uma rápidacorrida de figuras para a frente e para cima. Expressivamente interpretadodobras de roupas e lenço. Facilidade, prata com brilho em aço inoxidável, em que a escultura é feita, valorizam ainda maisimpressão dinâmica. O escultor inovador Mukhina conseguiu incorporar neste trabalhoo ideal de uma época.

Trabalhando com Iofan

A colaboração de Mukhina comarquiteto Iofanlevou à unidade artística de um simples,arquitetura construtivo-holística e plasticamente formas esculturais ricas, lacônicas e completas. Além disso, o papel da escultura é predominante aqui. Prédio,forrado com mármorecom hastes de aço inoxidável, na verdade, apenas um pedestal para ela, escultura naturalmente completadoritmos arquitetônicos verticais, deu ao prédio perfeição arquitetônica.Este é um dos maismonumentos expressivos, realizado de acordo com o uma vez concebido "plano de propaganda monumental". Entregue agora em um pedestal baixo, ele perdeu toda a sua monumentalidade. (325)

escultura decorativa

Durante esses anos, o escultor trabalha muitoescultura decorativa, e também completa o trabalho de Shadr sobre o que ele começou na década de 1930

Shadr. Monumento a A. M. Gorki. 1951

instalado em Moscou em frente à estação ferroviária Belorussky.

4.2 Escultura de animais

VASILY ALEKSEEVICH VATAGIN (1883 1969)

Na década de 1930, a escultura animalesca desenvolveu-se de forma interessante, onde se destacam, sem dúvida, os nomes de dois mestres - V. Vatagina quem conhece perfeitamente não apenas as características, mas também a psicologia dos animais, trabalha muito

em uma árvore

Urso do Himalaia. 1925

e bronze

Tigre. 1925

IVAN SEMENOVICH EFIMOV (1878 1959)

e I. Efimov, que realizou suas obras emuma grande variedade de materiais mais generalizado, decorativodo que Vatagin, e a besta doadoraCaracterísticas do antropomorfismo

Gato com uma bola. 1935 (porcelana)

Galo. 1932 (cobre forjado).

A parte mais preciosa da criatividade de ambos - seus desenhos.

5. Gráficos

5.1 Ilustração do livro

Vladimir Andreevich Favorsky (1886 1964)

No calendário destes anos, o lugar de liderança continua a ser ocupado porilustradores de livros. V.A. Favorsky , que trabalha muito intensamente - xilogravuras

Ilustrações para "A Palavra de regimento de Igor»,

Ilustrações para "Vita Nova" de Dante,

Ilustrações para Hamlet de Shakespeare

conduz toda uma escola de gráficos. (326)

A. Goncharov com profissionais altamente penetrantesilustrações para Smolett e Shakespearerecebe atenção especial entre seus alunos. Em geral, no entanto, a xilogravura é empurrada de volta paralitografia segundo plano, além de desenhar -carvão e aquarela preta.

escola de Leningrado

Na década de 1930, uma nova perna foi introduzida na arte da xilogravuraescola de Leningrado, em que há mais graça vindo deTradições do "Mundo da Arte". Estas são as obras de L. Khizhinsky que começou sua carreira na Ucrânia,G. Epifanova, N. Vanderfleet, S. Mochalov, N. Alekseev, que morreu cedo . Mestres do grafismo de cavalete, cantores da paisagem elegíaca da aquarela foramV. Pakulin e N. Tyrsa, os ritmos da nova captura industrial de Leningradoaquarelas de N. Lapshin.

Georgy Semenovich Vereisky (1886 1962)

Desde meados dos anos 30, trabalha quase exclusivamente na técnica de gravura e litografia. G. Vereisky (mais de 50 vezes ele retratouator V. P. Ershovbuscando profundidadecaracterísticas psicológicas).

Konstantin Ivanovich Rudakov (1891 1949)

Na maioria várias técnicas e gênerostrabalhou como desenhista brilhante K. Rudakov (ilustrações para Zola e Maupassant, imagens gráficas de cavalete da vida da Europa Ocidental,retratos de contemporâneos)

Retrato do artista I.K. Roda. 1936 (aqua.)

Dementy Alekseevich Shmarinov (1907 1995)

Uma galáxia de jovens artistas gráficos se apresenta com ilustrações de clássicos russos e soviéticos. D. Shmarinov , aluno de D. Kardovsky, torna-se grave,sentimento trágico

Ilustrações para "Crime e Castigo" de Dostoiévski. 1935 - 1936

desenhos bonitos e simples

Desenhos para Contos de Belkin. 1937

Uma série de desenhos para "Peter I » A. Tolstoi. 1940

Ilustrações para "A Hero of Our Time" de M.Yu. Lermontov. 1939 - 1940

Desenhos para "Pedro EU ”, na verdade, composições históricas inteiras com personagens vívidos, com uma excelente transferência de forma esboçada doo espírito da era de Pedro. Shmarinov evitou muitos detalhes cotidianos para dar à série um alto estilo épico. (327)

Evgeny Adolfovich Kibrik (1906 - 1978)

E.A. Kibrik (1906 - 1978) atua com uma simplicidade cativante e uma sensação sutil do espírito gaulês

Ilustrações para "Cola Breugnon". 1936

Ilustrações para The Legend of Ulenspiegel por Charles de Coster. 1938

Kibrik escreveu mais tarde: “Toda a minha vida me esforcei para incorporar uma imagem. Esta é uma imagempessoa gentil, corajosa e engraçada. Ele ama a vida e as pessoas. Ele luta contra o mal. Para ele quer imitar. Esta imagem apareceu no meu trabalhoora diante de um borgonhês, ora flamengo, ora ucraniano, ora russo» (4, p. 15). (328)

Sergei Vasilyevich Gerasimov (1885 1964)

S.V. Gerasimov em aquarelas pretascria personagens temperamentais e fortes de heróis

Ilustrações para o conto "O Caso Artamonov" de A.M. Gorki. 1938 1939

Kukryniksy

Kukryniksy (união de três artistas -M.V. Kupriyanova, P. N. Krilova, N.A. Sokolova), na década de 20, se declararamartistas satíricos, ilustram principalmente obras satíricas

Ilustrações para "Gentlemen Golovlev" de M.E. Saltykov-Schedrin

ou episódios individuais (satíricos) em obras literárias

Ilustrações para "Klim Samghin" de M. Gorky

Detgiz

Artistas de Leningrado K.I. Rudakov, N. A. Tyrsa estão trabalhandoClássicos ocidentais e russos, V. V. Lebedev e E.I. Charushin -sobre a literatura infantil, mantendo cada um a sua própria face criativa. Em torno de Detgiz, chefiado por V. Lebedev, todo um grupo de notáveisCartas de Leningradoalta cultura: Yu. Vasnetsov, V. Kurdov, V. Konashevich e muitos outros.

"Pushkiniana"

O 100º aniversário da morte de Pushkin em 1937 trouxe à vida todo um " Pushkiniano »

desenhos e aquarelas N. Ulyanova dedicado aos lugares de Pushkin,

série de L. Khizhinsky,

litografias P. Schillingovsky

"Que grande felicidadeque a Rússia tem Pushkin. Todas as nossas vidas ele brilha sobre nós,como o sol que nunca se põe!" - mais tarde escreveu um cronograma excelente, um mestre do desenho afiado N. Kuzmin , que ilustrou "Eugene Onegin" à "maneira Pushkin" (5, p. 50).

literatura nacional

O interesse pela literatura clássica nacional é onipresente. Ganhou fama generalizadailustrações de S. Kobuladze

S. Kobuladze. Ilustrações para o poema de Shota Rustaveli "O Cavaleiro na Pele de Pantera". 1935 1937

Sublime exaltação de personagens heróicos alcançou

cunhagem forma plástica,

a consistência da composição,

por pouco tangibilidade esculturalna transferência de comitiva,

seleção dos principais nele.

Ciclo de guaches dedicado a Davi de Sasun, realizado por E. Kochar (1939).

6. Arquitetura

Concurso para a construção do Palácio dos Sovietes em Moscou

Muitos arquitetos famosos (Fr. Vesnin, M. Gelfreich, B. Iofan, M. Ginzburg, mesmo ch.-e. Corbusier) participaramconcurso para a construção do Paláciosoviéticos em Moscou. Ganhouprojeto de construção de vários andares cercado por colunas, com estátua de V. I. Lênin andar de cima. Então mausoléu cubistapoderia estar perto deestrutura gigantesca, reivindicando alguns sobvencer a arquitetura clássica. Mas o projeto não estava destinado a se tornar realidade.

Pavilhões do VSH

A rivalidade entre o construtivismo e um certosemelhança do classicismoobservada na arquitetura dos anos 30 com uma clara predominância desta última no final da década. Em 1937 - 1939, na Exposição Agrícola All-Union,personificando repúblicasenormes pavilhões emespírito pseudo-nacional.

Metrô de Moscou

Desde meados da década de 1930, eles vêm construindoas primeiras estações do metrô de Moscou

Com decoração de luxo(mosaico, escultura, grisalha, fresco, vitrais, vários tipos de mármore, candeeiros e grelhas de bronze, etc.)

e sobrecarregado soviéticosimbolismo da foice, martelo

e decoração estrelas de cinco pontas.

Império Estalinista

pompa, pompa excessiva, Às vezes até à custa da conveniênciae bom senso

enormes colunatas,

torres com pináculosricamente decoradoescultura ridícula, em que as formas que dizem ser clássicas são executadas como se mão de bárbaro

arcos gigantes do portão, desproporcional a uma pessoa, o que em si já viola as leis da arquitetônica, oriundas de arte clássica

firmemente estabelecidoMais tardee foram submetidos acríticas apenas no final dos anos 50. Mas o nome irônico apropriado ainda vale entre as pessoas"Império de Stalin".

Veio qualitativamente novo palco cultura da canção soviética. É marcado pelo rápido florescimento da música de massa no trabalho de compositores profissionais. Isso foi facilitado por uma série de razões, e acima de tudo - a aproximação do pensamento do compositor com as necessidades do público em geral. Melodias de canções emocionantes, cativantes e memoráveis ​​desses anos testemunham a escuta atenta de seus autores à vida musical de massa, seu presente e passado. As tradições do folclore revolucionário, da música cotidiana antiga e moderna e da variedade musical são submetidas a uma nova compreensão criativa.

Uma característica notável desse período é a pronunciada independência das canções do autor. Composições I. Dunayevsky, Dm. e Dan. Pokrassov, A. Alexandrova, V. Zakharova, M. Blanter e outros clássicos da canção soviética são marcados com o selo do talento individual.

Durante esses anos, a arte e os mestres da palavra poética da canção floresceram. Linhas poéticas V. Lebedev-Kumach, M. Isakovsky, M. Svetlov, V. Gusev bem lembrado e apanhado pelo povo. A formação de temas principais composição A década de 1930 foi acompanhada por novas e brilhantes técnicas artísticas.

O papel principal do tema do trabalho foi determinado pela atmosfera da época. A vida do jovem Estado socialista se desenrolou no ritmo tenso dos primeiros planos quinquenais, carregando a literatura e a arte com o pathos de um surto trabalhista. O espírito de coesão militar, que outrora alimentou as imagens cantadas da revolução e da guerra civil, agora foi encarnado na forma de um criador de pessoas, construtor de uma nova vida pacífica. O áspero pathos revolucionário da música é substituído pela energia tempestuosa do coletivismo. Conectando-se com as imagens da juventude, ela identificou as características típicas do herói da canção dos anos 30 - otimista, cheio de força de vontade e confiança em próprias forças. A primeira, verdadeiramente massa nesse sentido, foi "Canção do Contador" D. Shostakovich - B. Kornilov.

Abanada com alegres humores primaveris, a “Canção do Contador” revela algumas semelhanças com as melodias descontraídas das alegres canções francesas.

Ao mesmo tempo, tem sinais óbvios de hino - um tom convidativo e instigante surge de uma chamada enérgica, sonora (que lembra a Marselhesa) de quartos. Assim, a melodia do cantar junto acaba sendo literalmente "tecida" a partir de quartas contornos - elas são formadas por saltos ou batidas de suporte métrico, que enfatizam o intervalo oculto de uma quarta no movimento passo a passo. A combinação de uma melodia de marcha com uma figura dançante de acompanhamento dá à música o caráter de alegria e entusiasmo juvenil.

Esta composição estava destinada a desempenhar um papel marcante na cultura da música dos anos 30. Em primeiro lugar, ela antecipou a marcha da juventude - uma das principais variedades da canção de massa dos anos seguintes. Em segundo lugar, abriu a história da frutífera comunidade da música e do cinema soviético.

Entre as melhores músicas dedicado ao tema trabalho, "Marcha dos Entusiastas" Dunayevsky(poesia D "Aktila), seu próprio "Marcha das Brigadas Femininas"(poesia Lebedev-Kumach), "Espaços verdes" V. Zakharova; entre os líricos "Montes escuros dormem" N. Bogoslovsky - B. Laskin, escrito em uma forma de valsa doméstica. Participantes em manifestações festivas muitas vezes realizado "Marcha das brigadas de choque" compositor internacionalista húngaro B. Reinitz. Das músicas dedicadas a uma determinada profissão (muitas delas foram escritas durante esses anos), sem dúvida a melhor é "Marcha dos condutores de tratores" Dunayevsky - Lebedev-Kumach.

É difícil não notar que as cores dos cartazes das músicas dos anos 30, salpicadas de alegria, diversão e o triunfo das vitórias trabalhistas, retratam a vida povo soviético na forma de uma espécie de comunidade ideal, não sujeita a contradições e dificuldades sérias. Vida real países - com todas as complexidades da reestruturação econômica, as duras circunstâncias da coletivização Agricultura, repressões e acampamentos, a severidade das manifestações do culto à personalidade - estava longe de ser tão límpida quanto parecia em muitos hinos e marchas. E ainda assim seria injusto perceber as canções desta época como um meio de idealização incondicional da realidade. Afinal, eles transmitiam uma verdadeira atmosfera de entusiasmo em massa. Para milhões de trabalhadores, os ideais de construção pacífica eram um testamento revolucionário, um firme apoio moral e uma garantia de um futuro feliz. Daí - o otimismo da canção de massa, glorificando a alegria do trabalho e a fé sincera do povo no triunfo da justiça. Esses sentimentos e humores com força particular resumiam as imagens das canções que vinham dos filmes.

Canção soviética na década de 1930. CANÇÃO NO CINEMA. CRIATIVIDADE DE I. DUNAEVSKY

Compositor soviético Isaak Osipovich Dunayevsky (1900-1955)

O cinema sonoro torna-se um promotor ativo da composição. As melhores músicas A década de 1930 surgiu no caminho da introdução dos compositores na arte mais jovem do nosso tempo. As tarefas figurativas de um determinado filme muitas vezes determinavam a estrutura emocional e a solução de gênero das músicas destinadas a ele. Tal, por exemplo, é o famoso "Fluxo, música, ao ar livre" (V. Pushkov - A. Apsalon) do filme "Sete corajosos"(1936, diretor S. Gerasimov). Sua base rítmica é retirada do antigo dueto "Nosso mar é insociável" C. Vilboa, e a cor principal radiante é inseparável do romance do filme dedicado aos conquistadores das latitudes do mar do norte.

O significado geral dos pensamentos e sentimentos permitiu que as músicas que saíam da tela ganhassem uma vida independente. O melhor deles se tornou o símbolo da música de toda uma geração. Tal como "Cidade Favorita" N. Bogoslovsky - E. Dolmatovsky, "Canção sobre Moscou" T. Khrennikova - V. Guseva dos filmes dos últimos anos pré-guerra, que encerraram o período de paz na vida do povo soviético. Entre as canções populares trazidas pelo cinema dos anos 30, "Eu te acompanhei em um feito" (Bogoslovsky-Lebedev-Kumach), "Gaivota" (Y. Milyutin - Lebedev-Kumach), "Nuvens sobre a cidade" (P. Armand), "Três Tanques" (Dm. e Dan. Pinturas - B. Laskin).

Compositores trabalham muito no cinema D. Shostakovich, Yu. Milyutin, N. Kryukov, V. Pushkov, N. Bogoslovsky, irmãos Dm. e S. Pokrassy. No entanto, o mais popular foi Isaac Osipovich Dunayevsky(1900-1955). A música cinematográfica contribuiu de todas as maneiras possíveis para as manifestações abrangentes de seu brilhante dom musical. A principal direção da criatividade deste excelente músico foram vários gêneros da música pop. O primeiro de compositores soviéticos ele se voltou para a opereta (Dunaevsky escreveu música para trinta apresentações teatrais, doze operetas, duas cantatas, dois balés e muitas peças para uma orquestra de variedades). Em colaboração com Leonid Utyosov, Dunayevsky cria programas de variedades, que incluem suas transcrições de jazz de canções dos povos da URSS, bem como música clássica. Essa experiência contribuiu para o domínio dos recursos harmônicos, rítmicos e orquestrais do jazz. As habilidades adquiridas foram posteriormente incorporadas de forma convincente no estilo de música do compositor, ao mesmo tempo em que se uniram às tradições primordiais da composição russa. As melodias de Dunaevsky revelam uma conexão com muitas fontes - canções russas e ucranianas da cidade, romance cotidiano, vários gêneros de dance pop, versos de vaudeville. O internacionalismo de seu pensamento composto era surpreendentemente amplo e democrático.

Dunayevsky participou da criação de 28 filmes. Nos anos 30 é "Felizes Companheiros", "Circo", "Volga-Volga", "Três Camaradas", "Filhos do Capitão Grant", "Goleiro", "Noiva Rica", "Buscadores da Felicidade", "Caminho Brilhante" e etc

Canção soviética na década de 1930. TRABALHO DA CANÇÃO DE DUNAEVSKY. CANÇÕES JUVENIL

Filme "Jolly Guys" Poster

O sucesso instantâneo chegou a Dunayevsky com a aparição nas telas do filme "Meninos engraçados"(1934, diretor G. Alexandrov). O centro da dramaturgia musical é o alegre "Marcha dos Meninos Alegres"- uma espécie de manifesto, em forma de slogan poético, falava sobre o papel da música na vida das pessoas. A melodia da "March of the Merry Boys" absorveu entonações heterogêneas. Então, como um dos protótipos, a música amada pelos jovens dos anos 20 é adivinhada "Nossa locomotiva". Ao mesmo tempo, ecos de canções populares mexicanas também são ouvidos aqui.

O deslizamento cromático em direção ao clímax do verso é uma reminiscência dos traços característicos das melodias do jazz e da música americana de gênero leve. As diversas fontes de entonação não causam de forma alguma um sentimento de dissonância ou artificialidade. O fato é que a coerência dos elementos melódicos, aparentemente tão remotos em sua origem, foi alcançada revelando cuidadosamente seu parentesco interior (muitas vezes tão inesperado!). Usando material entoacional, o compositor de alguma forma o subordina às leis do pensamento da canção russa. Pegue pelo menos suave, típico para russo romance doméstico arredondamentos melódicos no final de cada oito compassos. A organicidade de uma complexa liga estilística é a característica mais importante do estilo de composição de Dunaevsky, inerente à maioria das melodias de suas canções.

"Marcha dos Meninos Alegres" foi o ancestral de muitas canções juvenis de Dunayevsky. Todos eles, estando sujeitos a especificidades de gênero específicas, têm uma série de características comuns. Ao mesmo tempo, cada um deles tem sua própria singularidade. Por exemplo, "Canção do Vento Alegre" do filme "Os Filhos do Capitão Grant" ou "Juventude" do filme "Volga-Volga"(ambos em versos Lebedev-Kumach). O primeiro uniu entusiasmo juvenil e pathos de coragem. Ela enriqueceu a paleta de canções juvenis com um sabor romântico pronunciado. A segunda, baseada no efeito motor do trava-línguas, tem um espírito completamente diferente. Ele revive o antigo gênero de música passageira sob o disfarce de uma marcha da juventude moderna. Dunayevsky também é dono de uma das melhores (difundidas nos anos 30) marchas de educação física - « Marcha esportiva» (poesia Lebedev-Kumach) do filme "Goleiro". Sua melodia elástica e ritmada está saturada de slogans declamatórios entoados. Dunaevsky também disse sua própria palavra no campo da canção pioneira, à qual pertence "Ei, tudo bem"(poesia Lebedev-Kumach), que há muitos anos tem vindo a ocupar um lugar firme na prática concertista de coros infantis.

É difícil ignorar uma característica tão atraente da melodia de Dunaievski como o principal princípio triunfante nela. O compositor extrai os recursos coloridos do major de diferentes fontes. Esta é uma introdução aos sons de uma tríade maior, típica de uma música doméstica do passado, e hinos juvenis do início dos anos 20, e um rico arsenal importante de jazz americano. Na linguagem da canção de Dunayevsky, as entonações de romance estão firmemente estabelecidas, que foram condenadas há pouco tempo como pertencentes a letras sensíveis. Ao mesmo tempo, aqui também, a preferência é dada às cores principais claras. Por exemplo, na órbita de um ritmo de marcha enérgico "Canções sobre o vento alegre" uma das frases do conhecido romance está envolvida "Portão"(início do refrão). O repensar do gênero original passou por uma velha canção "Caminhadas ao longo do Don"- todas as três ondas principais, subindo sucessivamente uma sobre a outra, existem no refrão "Juventude».

Dunayevsky contribui significativamente para o desenvolvimento de muitas outras variedades de gênero da música de massa soviética.

Filme "Circo". Poster

O armazém de hinos majestosamente solene é inerente a muitas canções sobre a pátria, sobre o trabalho, sobre o povo soviético. Este gênero tornou-se difundido na música e na arte coral da década de 1930. No entanto, nem todos os compositores conseguiram alcançar resultados altamente artísticos no sentido de aproximar o princípio do hinário da canção de massa. As funções obviamente oficiais dadas ao canto solene surtiram efeito. Ainda mais valioso é o fato da popularidade inquestionável de obras talentosas e emocionais dedicadas a tópicos cívicos e sociais. Takova "Canção da Pátria" (do filme "O circo"). Este hino conquista com uma combinação de masculinidade e sentimento lírico sincero. Parece o orgulho de um homem em sua terra. Uma característica da construção dos versos é que a princípio soa o refrão coral (o refrão solo, respectivamente, está no meio). A promoção do pensamento musical e poético generalizador à tona enfatiza a inclusão épica da imagem da canção. A dinâmica intervalar no início das duas primeiras frases (um movimento para uma quarta na primeira, para uma sexta na segunda) é uma reminiscência da tradição popular da canção urbana e, sobretudo, de uma tradição como "Por causa da ilha na vara". No entanto, um reforço significativo dessa dinâmica reside no fato de que o desvio culminante para a esfera subdominante não ocorre na terceira frase, como ocorreu nas canções mencionadas, mas já na segunda. Um elo importante na dramaturgia entoacional (que, aliás, coincide com o sentido do texto em tudo) são os passos de oitava no final do refrão ( educaçao Fisica 1 -educaçao Fisica 2) e no início da música ( si 1 -si 2). O intervalo de oitava, como um feixe brilhante, destaca duas funções principais uma após a outra, aumentando visivelmente a sensação de luz e amplitude.

De muitas maneiras próximas às canções juvenis de Dunaevsky, sua "Marcha dos Entusiastas"(poesia D "Aktila), que cantava a alegria do trabalho inspirado. O efeito de crescente solenidade é enfatizado pela interpretação de dois volumes do verso, o que é incomum para uma música de massa. Frases breves e enérgicas que abrem a primeira construção temática são substituídas por uma suave subida hínica. O refrão soa como um poderoso resultado coral e, em sua última apresentação, as partes do solista e do coro são combinadas em contraponto.

A importância do hino vem crescendo em conexão com o alcance que as manifestações solenes dos trabalhadores e os desfiles de cultura física de massa receberam na década de 1930. Os aniversários de outubro e 1º de maio foram amplamente comemorados. Uma adição brilhante à rotina de músicas das férias foi "Moscou em maio" Dm. e Dan. Pokrássov(poesia Lebedev-Kumach). Seus tons alegres e animados estão realmente em sintonia com o clima festivo brilhante. Esta música combina as tradições das marchas militares russas e música aplicada para bandas de metais.

Canção soviética na década de 1930. CANÇÕES-MEMÓRIA DA GUERRA CIVIL

Edição musical da música de Matvey Blanter para os versos de Mikhail Golodny "Partizan Zheleznyak"

As canções-memórias da guerra civil ocupam um lugar especial no panorama da canção dos anos 30. Juntamente com a memória do passado, nasceu neles a ideia da continuidade das gerações, que foi ativamente desenvolvida na canção civil soviética das décadas seguintes.

O apelo ao heroísmo do passado levou ao estilo de uma balada, ou seja, uma música com início de enredo, conduzindo a narração por conta do narrador. Os acontecimentos da guerra civil são refratados aqui através das imagens de heróis, abanados por um halo de romance áspero e corajoso. Apesar de a imagem de gênero das canções-memórias ser definida pelos ritmos das marchas, elas são dominadas por tons líricos excitados. A variedade dessas cores é evidenciada pela famosa "Kakhovka" (Dunayevsky-M. Svetlov) e "Águia" (V. Bely-I. suecos). Cada uma das músicas é brilhantemente individual, apesar de ambas terem o mesmo (até as cesuras) tamanho poético(uma combinação de anfibrach de quatro pés e três pés). Aliás, exatamente o mesmo tamanho poético existe em outra balada popular - "Partisan Zheleznyak" M. Blanter com letra de M. Golodny.

"Canção sobre Kakhovka"- esta é uma balada sobre camaradagem na linha de frente, um apelo a um amigo dos anos de guerra. Aqui são usadas as entonações da canção de um soldado compassivo. "O pobre homem morreu em um hospital militar". Ao subordinar as entonações familiares aos ritmos firmes de uma marcha, o compositor ao mesmo tempo lhes dá a energia de um discurso coloquial excitado - repetindo ou enfatizando persistentemente metricamente picos melódicos. "Águia"- uma história dramática sobre como um jovem soldado do Exército Vermelho foi levado à execução. Percursos com intervalos amplos ganham altura consistentemente, como se lembrassem o bater das asas da águia. Esse sentimento é potencializado pela síncope característica que enfatiza os picos das frases.

A natureza da cena de gênero é "Canção de Shchors" Blanter(poesia Com fome), construído em um ritmo de cavalaria elástico. Este ritmo assume uma pressão arrojada e impetuosa em "Tachanka" K. Listova(poesia M. Ruderman).

As canções das baladas eram baseadas em tempos típicos de guerra e ao mesmo tempo em situações simbólicas. Como, por exemplo, a despedida de um jovem e uma menina saindo para brigar em diferentes partes do mundo - da música “Adeus” (“A ordem foi dada a ele para o oeste …”) Dm. e Dan. Pokrássovà poesia M. Isakovsky. O heroísmo da guerra civil é ressuscitado por outra canção bem conhecida irmãos Pokrass "Na estrada militar"(poesia A. Surkova).

Canções-memórias da guerra civil são muitas vezes referidas como um tema de defesa. Eles despertaram a memória do povo do passado militar, ajudando assim a educar as novas gerações na prontidão para defender sua pátria.

O uso generalizado de canções de defesa está relacionado com a atmosfera perturbadora do período pré-guerra. A ameaça de uma invasão fascista está se tornando cada vez mais óbvia. O resultado de situações tensas nas fronteiras do país estão lutando no Extremo Oriente (perto do Lago Khasan), a guerra com os Finlandeses Brancos (1938-1939). Canções de defesa, unidas pela ideia de defender a Pátria, falavam da prontidão do povo soviético em repelir qualquer invasão hostil. Na "vanguarda" dessa direção estava o trabalho dos fundadores dos compositores militares soviéticos Dan. e DM. Pokrássov. O reconhecimento universal trouxe-lhes canções "Se houver guerra amanhã"(poesia Lebedev-Kumach), "Estas não são nuvens, nuvens de trovoada"(poesia Surkov). As obras dos irmãos Pokrass se enraizaram firmemente na vida cotidiana. "Três Tanques" do filme "Condutores de tratores"(poesia B. Laskina) cantava, como se costuma dizer, dos mais novos aos mais velhos. Nas suas melodias, estes compositores cultivavam os melos da canção de trabalho pré-revolucionária (emocionalmente aberta, não desprovida de sensibilidade), combinando-a com os ritmos de uma marcha e equipando-a com elementos da música de dança. Famosa durante esses anos "Do Extremo Oriente" Y. Milyutina - V. Vinnikova.

O início lírico, que coloriu notavelmente as canções de conteúdo militar, afetou especialmente o grupo de canções "Cossack". Seu representante mais brilhante é "Campo de Polyushko" Knipper - Gusev.

As tradições da canção do soldado russo são colocadas no mainstream do tema da defesa.

Compositor soviético Alexander Vasilyevich Alexandrov (1883-1946)

Canções sobre o Exército Soviético são originárias do tema do Exército Vermelho durante a Guerra Civil. Sua extensa camada é uma crônica musical da trajetória histórica do primeiro Exército de Trabalhadores e Camponeses do mundo. O protagonismo na propaganda da canção militar pertence a Red Banner Song and Dance Ensemble do Exército Soviético(mais tarde, duas vezes Red Banner Song and Dance Ensemble do Exército Soviético em homenagem a A. Aleksandrov). Há quase uma década e meia que o trabalho do seu organizador e líder permanente está associado a esta equipa. Alexandre Vasilyevich Alexandrov (1883-1946).

Tendo começado a trabalhar no Ensemble, Alexandrov dedica um grande esforço para popularizar e processar russo músicas folk, bem como canções folclóricas da revolução e da guerra civil. Sua interpretação coral do canto "Vales e colinas" tornou-se amplamente conhecido não só em nosso país, mas também no exterior.

Na década de 1930, surgiram várias canções do próprio Alexandrov, escritas especialmente para o Ensemble. O tema da história é o épico do Exército Vermelho da Guerra Civil, bem como a glorificação do Exército Vermelho. Todos eles pertencem a vários tipos de marchas. Sim estilo melódico "Escalão"(poesia O. Kolycheva) gravita em torno do folclore do velho soldado, com suas frases ousadas e arrebatadoras. Entonação próxima a canções revolucionárias líricas "Zabaikalskaya"(poesia S. Alymova). Um tiro de cantiga animada está espalhado na música "Voe do céu, aviões"(poesia Alymova). Uma melodia clara e lapidar de uma canção do exército em massa, transmitida em uma paleta de coral, muitas vezes equipada com um tom característico de "soldado" (registros superiores) - essas são as propriedades expressivas da caligrafia do autor de Alexandrov. As obras do compositor mostram um profundo conhecimento das tradições clássicas da escrita coral russa. Não é por acaso que suas melodias às vezes carregam ecos tradição antiga louvores corais - kants. Em particular, isso se aplica a uma área tão importante do trabalho de Alexandrov como hinos corais solenes. Criado pelo compositor nos anos pré-guerra Hino do Partido Bolchevique mais tarde tornou-se a base. Inicialmente, o coro era composto por camponeses das regiões centrais da Rússia. Compondo suas próprias canções, Zakharov levou em conta o estilo peculiar de performance dos cantores folclóricos - uma polifonia coral complexa com a inclusão de tons de improvisação. Uma continuação natural das tradições de permanência músicas folk apareceu majestoso épico "Dorozenka"(nas palavras de um agricultor colectivo P. Semenova), "O guarda de fronteira estava vindo do serviço"(as palavras M. Isakovsky).

As canções líricas em quadrinhos são exemplos brilhantes de humor folclórico suculento. "Vendo" , "Na Vila" , "E quem sabe". Todos eles estão em verso M. Isakovsky, colaborador permanente Zakharov.

Na música "Na Vila" fala de eletricidade, com a qual a luz de uma nova vida entra na vida dos colcosianos. O clima festivo é sublinhado por intrincada ornamentação vocal, reproduzindo o efeito de palhetas arrojadas de gaita. Aliás, no espírito das improvisações de gaita, as performances instrumentais são construídas entre os versos de muitas músicas. Entre eles, um lugar de destaque pertence às músicas no estilo de uma cantiga lírica - “sofrimento feminino”. As entonações de suspiros inerentes a esse estilo são claramente ouvidas na música. "Vendo". Extremamente interessante encarnado "sofrimento" em uma canção popular "E quem sabe". Sua melodia calma e sem pressa é habilmente “tocada” por explosões de entonações interrogativas. Quint ups nos finais de frases - aliás, o exemplo mais raro em melodia lírica -, assim como as oitavas correspondentes a perguntas-palavras, são um exemplo de articulação expressiva da música com um texto poético.

Usando caracteristicas do idioma folclore camponês, Zakharov muitas vezes dá aos seus escritos uma clara técnicas modernas. Estes incluem, em particular, síncopes. A síncope de Zakharov ocorre no momento de uma típica canção popular cantando uma sílaba ou outra. Esse recurso, em particular, é visto claramente nas músicas "Na Vila" e "Vendo".

A música se distingue por sua originalidade brilhante "Espaços verdes"- a primeira marcha da juventude, criada com base na estrutura de canto das canções camponesas.

Edição da música "Katyusha" na década de 1930

Um notável fortalecimento do início lírico na canção de massa testemunha o aumento da natureza democrática de sua linguagem musical. Esse processo, conectado à abordagem da composição das tradições da música cotidiana, afetou praticamente todas as esferas da música soviética dos anos 30. As entonações líricas são refratadas em canções juvenis em marcha, em canções heróicas, patrióticas, etc. É bastante natural que o crescente interesse pelas letras estimule o surgimento de canções líricas próprias, ou seja, aquelas que falam diretamente sobre os sentimentos e as relações humanas.

Um sinal estável desses anos é uma canção lírica em massa baseada em melos cotidianos. Ela é caracterizada pela sinceridade, abertura emocional e franqueza. Os sentimentos dos amantes nessas canções são avivados pela pureza da luz, compreensão amigável. Um dos lugares centrais nas letras das canções do período pré-guerra é ocupado pelo tema do amor entre uma menina e um lutador, defensor da Pátria. Ela corre como um fio vermelho através das músicas "Gaivota" Milyutina - Lebedeva-Kumach, "Eu te acompanhei em um feito" Bogoslovsky - Lebedev-Kumach, "Cara Curly" G. Nosova - A. Churkina. O exemplo mais claro desta linha é "Katusa" Blanter - Isakovsky. A melodia de "Katyusha" cresce a partir da célula terçã - seus contornos se desdobram em uma justaposição de cânticos afetuosos com uma dança viva (a cada segundo compasso). Uma alusão à esfera entoacional da canção de um soldado, contida em voltas melódicas, arremessos de quarta quinta, dá a essa melodia um colorido peculiar de gênero - o início da dança lírica se entrelaça aqui livremente com o heróico.

Os conceitos das letras das canções desses anos não podem ser esgotados apenas pelo campo da canção de massa. Paralelamente, havia uma área de arte variada, onde as imagens das músicas eram completamente entregues ao poder da experiência amorosa. Estes são "Canção de Annie" e "Coração, você não quer paz" Dunayevsky - Lebedev-Kumach do filme "Meninos engraçados". A música pop foi formada no trabalho de representantes da arte do jazz - compositores A. Varlamova, A. Tsfasman, além de representantes da linha de romance e dança B. Fomina, I. Zhak, M. Volovac e outros. O grande sucesso coube ao lote de músicas em ritmos de dança, como o foxtrot Tsfasman, tango "Sol Cansado" G. Petersburgo, "A noite vai embora" Varlamov, "Uma nota" N. Brodsky e outros, realizados por solistas de orquestra de jazz.

Ao se familiarizar com as obras de arte soviética, você percebe imediatamente que é muito diferente do período anterior da história da arte. Essa diferença reside no fato de que toda a arte soviética está impregnada da ideologia soviética e foi chamada a ser a condutora de todas as ideias e decisões do Estado soviético e do Partido Comunista, como força dirigente da sociedade soviética. Se na arte do século 19 - início do século 20, os artistas submeteram a realidade existente a sérias críticas, então no período soviético tais obras eram inaceitáveis. O pathos da construção de um estado socialista estava ligado como um fio vermelho em todas as belas artes soviéticas. Agora, 25 anos após o colapso da URSS, há um interesse crescente pela arte soviética por parte do público, especialmente para os jovens. Sim, e a geração mais velha está repensando muito a história passada de nosso país e também está interessada em obras aparentemente muito familiares de pintura, escultura e arquitetura soviéticas.

Arte do período da Revolução de Outubro, da Guerra Civil e dos anos 20-30.

Nos primeiros anos após a revolução e durante os anos da guerra civil, um grande papel foi desempenhado por cartaz político de combate. Os clássicos da arte do cartaz são legitimamente considerados D.S.Moore e V.N.Deni. Cartaz de Moor "Você se inscreveu para ser voluntário?" e agora cativa com a expressividade da imagem.

Além do pôster impresso, durante os anos da Guerra Civil, surgiram pôsteres desenhados à mão e estampados. isto "ROSTA Windows", onde o poeta V. Mayakovsky participou ativamente.

Durante a Guerra Civil trabalhou plano de propaganda monumental, compilado por V.I. Lenin, cujo significado era a construção em todo o país de monumentos a pessoas famosas que de uma forma ou de outra contribuíram para a preparação e realização da revolução socialista. Os executores deste programa são principalmente escultores N. A. Andreev I.D. Shadr.

Na década de 1920, foi formada uma associação que desempenhou um papel significativo na construção de uma nova sociedade soviética - a Rússia" (AHRR) "Associação de Artistas Rússia revolucionária(ARR).

Na década de 1930, foi criada uma única União de Artistas da URSS, reunindo todos os artistas que, em seu trabalho, deveriam seguir o método do realismo socialista. Artistas da geração mais velha (B. Kustodiev, K. Yuon e outros.) e os mais jovens procuravam refletir o novo na realidade soviética.

Na criatividade I.I. Brodsky refletiu o tema histórico e revolucionário. O mesmo tema nas obras M. Grekova e K. Petrov-Vodkiné sublimemente romântico.

Nos mesmos anos, o épico começou "Leniniana", que criou inúmeras obras dedicadas a V.I. Lenin durante o período soviético.

Os pintores de gênero (mestres do gênero cotidiano) e os retratistas dos anos 20-30 devem, antes de tudo, ser chamados M. Nesterov, P. Konchalovsky, S. Gerasimov, A. Deinek, Y. Pimenov, G. Ryazhsky e outros artistas.

Na área de paisagem tais artistas trabalharam como K.Yuon, A.Rylov, V.Baksheev e outros R.

Após a revolução e a guerra civil, houve uma rápida construção de cidades nas quais muitos monumentos a figuras proeminentes da revolução, partidos e estados. escultores famosos nós estamos A.Matveev, M.Manizer, N.Tomsky, S.Lebedeva e outros.

Belas Artes Soviéticas 1941 -1945 e os primeiros anos do pós-guerra

Durante a Grande Guerra Patriótica, a arte soviética refutou resolutamente o ditado de que "quando as armas ressoam, as musas se calam". Não, durante o período das guerras mais cruéis e terríveis da história da humanidade, as musas não se calaram. Imediatamente após o pérfido ataque dos fascistas alemães à União Soviética, o pincel, o lápis e o cinzel dos artistas se tornaram uma arma formidável na luta contra o inimigo.

A revolta heróica do povo, sua unidade moral tornou-se a base sobre a qual surgiu a arte soviética da Guerra Patriótica. Ele estava cheio de idéias patriotismo. Essas ideias inspiraram artistas de cartazes, pintores inspirados a criar pinturas contando sobre as façanhas do povo soviético e determinaram o conteúdo das obras em todos os tipos de arte.

Um grande papel nesta época, como nos anos da guerra civil, foi desempenhado por um cartaz político, onde artistas como V.S. Ivanov, V.B. Koretsky e outros. Um pathos irado é inerente às suas obras, nas imagens que criaram, revela-se a vontade inflexível das pessoas que se levantaram para defender a Pátria.

Um verdadeiro renascimento é vivenciado durante a guerra por um pôster desenhado à mão. Seguindo o exemplo do "ROSTA Windows" em 1941 - 1945, foram criadas inúmeras planilhas "Windows TASS". Eles ridicularizaram os invasores, expuseram a verdadeira essência do fascismo, convocaram o povo a defender a Pátria. Entre os artistas que trabalham em "Windows TASS", em primeiro lugar, deve-se citar Kukryniksov (Kupriyanov, Krylov, Sokolov).

A série gráfica desta época conta de forma convincente sobre as experiências do povo soviético durante os anos de guerra. Magnífica série de desenhos marcados com mágoa D.A. Shmarinova "Não vamos esquecer, não vamos perdoar!" A gravidade da vida de Leningrado sitiada é capturada em uma série de desenhos A.F. Pakhomov "Leningrado nos dias do bloqueio".

Era difícil para os pintores trabalharem durante os anos de guerra: afinal, é preciso tempo e condições adequadas, materiais para criar um quadro acabado. No entanto, havia muitas telas que foram incluídas no fundo dourado da arte soviética. Os pintores do estúdio de artistas militares com o nome de A.B. Grekov nos contam sobre a difícil vida cotidiana da guerra, sobre heróis guerreiros. Eles viajaram para as frentes, participaram das hostilidades.

Artistas militares capturaram em suas telas tudo o que eles mesmos viram e vivenciaram. Entre eles P.A. Krivonogov, o autor da pintura "Vitória", B.M. Nemensky e seus a foto "Mãe", uma camponesa que abrigava soldados em sua cabana, sobreviveu muito em um momento difícil para a Pátria.

Telas de grande valor artístico foram criadas durante esses anos A.A. Deineka, A.A. Plastov, Kukryniksy. Suas pinturas dedicadas a Feitos heróicos Povo soviético O povo soviético na frente e na retaguarda está imbuído de entusiasmo sincero. Os artistas afirmam a superioridade moral do povo soviético sobre a força brutal do fascismo. Isso manifesta o humanismo do povo, sua fé nos ideais de justiça e bondade. A coragem do povo russo é evidenciada por telas históricas criadas durante a guerra, inclusive como o ciclo pinturas de E.E. Lansere "Troféus de armas russas"(1942), tríptico de P.D. Korin "Alexander Nevsky", tela de A.P. Bubnov "Manhã no campo Kulikovo".

O retrato também nos contou muito sobre as pessoas da época da guerra. Muitas obras de notável mérito artístico foram criadas neste gênero.

A galeria de retratos do período da Guerra Patriótica foi reabastecida com muitos obras escultóricas. Pessoas de vontade inflexível, personagens corajosos, marcados por diferenças individuais brilhantes, são representados em retratos esculturais de S.D. Lebedeva, N.V. Tomsky, V.I. Mukhina, V.E. Vuchetich.

Durante a Guerra Patriótica, a arte soviética cumpriu honrosamente seu dever patriótico. Os artistas chegaram à vitória após passarem por profundas experiências, que possibilitaram nos primeiros anos do pós-guerra a criação de obras de conteúdo complexo e multifacetado.

Na segunda metade das décadas de 1940 e 1950, a arte foi enriquecida com novos temas e imagens. Suas principais tarefas durante esse período foram refletir os sucessos da construção do pós-guerra, a educação da moralidade e dos ideais comunistas.

O florescimento da arte nos anos do pós-guerra foi amplamente facilitado pelas atividades da Academia de Artes da URSS, que inclui os mestres mais significativos.

Arte anos pós-guerra outros recursos também são característicos, principalmente relacionados ao seu conteúdo. Durante esses anos, o interesse dos artistas em mundo interior pessoa. Daí a atenção que pintores, escultores e artistas gráficos dão aos retratos e composições de gênero, que permitem imaginar pessoas em diversas situações de vida e mostram a originalidade de seus personagens e experiências. Daí a humanidade especial e o calor de muitas obras dedicadas à vida e à vida do povo soviético.

Naturalmente, neste momento, os artistas continuam a se preocupar com os eventos da guerra recente. Repetidamente eles se voltam para as façanhas do povo, para as experiências dolorosas do povo soviético em tempos difíceis. Tais pinturas daqueles anos são conhecidas como "Mashenka" de B. Nemensky, "Carta da frente" de A. Laktionov, "Descanse após a batalha" de Y. Nemensky, "Return" de V. Kostecki e muitos outros.

As telas desses artistas são interessantes porque o tema da guerra é resolvido neles em um gênero cotidiano: eles desenham cenas da vida do povo soviético na guerra e na retaguarda, falam sobre seu sofrimento, coragem, heroísmo.

Vale ressaltar que as pinturas conteúdo histórico também muitas vezes resolvido durante este período no gênero cotidiano. Gradualmente vida tranquila O povo soviético, que substituiu as dificuldades dos anos de guerra, encontra uma encarnação cada vez mais completa e madura no trabalho de muitos artistas. Um grande número aparece gênero pinturas (ou seja, pinturas do gênero cotidiano), marcantes com uma variedade de temas e enredos. Esta é a vida da família soviética, com suas alegrias e tristezas simples ( "De novo cara!" F. Reshetnikova), isso é trabalho quente em fábricas e fábricas, em fazendas coletivas e fazendas estatais ( "Pão" por T. Yablonskaya, "Em Campos Pacíficos" A. Mylnikova). Esta é a vida da juventude soviética, o desenvolvimento de terras virgens, etc. Uma contribuição particularmente importante para a pintura de gênero foi feita durante este período por artistas A.Plastov, S.Chuikov, T.Salakhov e outros.

Continuado a desenvolver com sucesso durante esses anos, o retrato é P. Korin, V. Efanov e outros artistas. No campo da pintura de paisagem durante este período, além dos artistas mais antigos, incluindo M. Saryan, trabalhou R. Nissky, N. Romadin e outros.

Nos anos seguintes, as belas artes do período soviético continuaram a se desenvolver na mesma direção.

A criatividade do compositor profissional nos gêneros concerto-filarmônico e musical-teatral também passou por mudanças significativas na década de 1930. Naturalmente, eles não podiam deixar de ser associados às transformações da vida social que levaram ao estabelecimento de um novo sistema estatal centralizado. Em 23 de abril de 1932, foi adotada a resolução do Comitê Central do Partido Comunista de Toda a União dos Bolcheviques “Sobre a reestruturação das organizações literárias e artísticas”. Este documento partidário sublinhava que o quadro das organizações literárias e artísticas que se formava na década de 1920 "já se estreita e dificulta o alcance sério da criatividade artística". Entre essas organizações, liquidadas por decisão do Comitê Central do PCUS (b), estava também a RAPM, que há muito se transformou em um grupo que colocou seus interesses de "clã" acima da verdade. O texto do documento do partido apontava o perigo de tais associações se transformarem "de um meio de maior mobilização dos escritores e artistas soviéticos em torno das tarefas da construção socialista em um meio de cultivar o isolamento do círculo, a separação das tarefas políticas de nosso tempo e de grupos significativos de escritores e artistas que simpatizam com a construção socialista."

Apesar de o decreto de 23 de abril de 1932 ter abolido efetivamente o direito dos artistas de estabelecer associações e associações livres, foi recebido com entusiasmo pela esmagadora maioria deles. Muitos deles esperavam mudanças benéficas, pela abolição da discriminação anterior contra os chamados "companheiros de viagem" e aprovaram a ideia de se unir em uniões criativas únicas com base em sua filiação profissional. A própria ideia de igualdade em tais uniões para absolutamente todos os mestres da arte, independentemente de suas posições artísticas, preferências estilísticas, parecia abrir amplas perspectivas de livre desenvolvimento em sua implementação prática. indivíduos criativos em uma condição indispensável - seu apoio à construção socialista no país. Quanto ao resto, era como se tudo ficasse ao critério dos próprios artistas, que livremente escolheram os caminhos para alcançar a verdade na arte e os meios que utilizaram para resolver as tarefas que se lhes propõem.

A associação organizacional de trabalhadores criativos foi assegurada pela criação de sindicatos criativos unificados. Entre eles estava a União dos Compositores Soviéticos (mais tarde a União dos Compositores da URSS) - uma associação de compositores e musicólogos, criada em uma base ideológica comum, reconhecida então por todas as uniões criativas. O papel decisivo em sua aprovação foi desempenhado pelo Primeiro Congresso de Escritores da União, realizado em 1934 sob a liderança e com a participação ativa de A. M. Gorky. O método do realismo socialista tornou-se a base teórica para a consolidação das figuras criativas do país.
A essência do método foi formulada na carta da União dos Escritores da URSS em 1934: “O realismo socialista exige do artista imagem artística realidade em seu desenvolvimento revolucionário. Essa fórmula significava, de fato, não um reflexo da vida na arte como ela é, em suas complexas contradições, mas a construção de um modelo ideal, um modelo para imitação, uma recriação da realidade como deveria ser para corresponder ao ideal stalinista do socialismo.

Desde as primeiras tentativas de compreender processo artístico dificuldades significativas surgiram do ponto de vista do realismo socialista. A prática viva não se encaixava no método do leito de Procusto, portanto, era necessário ajustar artificialmente as obras a critérios que adquiriram força de lei, ou excomungar completamente essas obras e seus criadores da arte soviética em geral. O dano irreparável causado pela introdução forçada desse método decorreu das reivindicações de seus seguidores ao monopólio. Além disso, ocorreu uma substituição significativa: o princípio do realismo foi proclamado em palavras, enquanto os seguidores do novo método criaram na verdade um mito romântico com um mundo dual característico dos artistas românticos. Os horrores do velho mundo, que era o centro de todos os vícios e opressões concebíveis perpetrados pelos que estavam no poder, eram combatidos pela harmonia elevada da nova sociedade de construtores e guerreiros - cavaleiros sem medo e reprovação. É claro que esse modelo nunca apareceu nas criações mais talentosas em sua pureza pura, mas serviu como uma espécie de diretriz, um ideal ao qual se deve lutar. Daí a insistente exigência de otimismo, otimismo sob comando, assim que a realidade soviética se tornou objeto de representação artística; daí a atitude desconfiada em relação ao tema trágico e aos artistas da visão de mundo trágica.

Na música, a imposição do realismo socialista imediatamente encontrou dificuldades significativas. “O realismo socialista não é uma forma padrão pronta de criatividade musical”, escreveu V. Gorodinsky, um proeminente crítico soviético, “em perseguição”. Este método, segundo o crítico, não limita em nada a iniciativa do artista e não é de forma alguma algo estabelecido de uma vez por todas, incapaz de se desenvolver, sempre e em toda parte igual. Mas o que exatamente a música tinha que conter para atender aos critérios do método ainda não estava claro. Não é por acaso que a conversa sobre a essência do realismo socialista na música logo se extinguiu, e o assunto se limitou a uma simples repetição da fórmula ritual sem nenhuma tentativa séria de descobrir se ela é geralmente aplicável à arte de imagens sonoras entoadas. .

Se nos voltarmos para o estado real das coisas que se desenvolveram em vários tipos de arte nos anos 30, deve-se enfatizar que na literatura, nas artes plásticas, no teatro e no cinema, um processo de relativa estabilização foi delineado em todos os lugares. Foi associado a um afastamento da estética dos anos 20, das direções extremas da então vanguarda artística. O simbolismo do cartaz, a agitação direta de discursos destinados à pronúncia oratória diante de pessoas que enchiam espaços abertos, é coisa do passado, assim como a prática de apresentações teatrais de massa desapareceu. Mesmo os líderes das organizações proletárias apresentam o slogan "uma pessoa viva", rejeitando os pedidos de "roupas" ficção. Acabaram-se as correntes experimentais, que agora eram vistas como uma expressão de extremos esquerdistas e manias estético-burguesas. A eles se estendeu a crítica à escola formal na crítica literária - o rótulo de "formalismo" por muito tempo se transformou em um meio comum de represália contra aquelas áreas onde se impunha a tarefa de atualizar os meios linguísticos. A orientação para os clássicos começou a determinar o desenvolvimento de quase todas as manifestações da criatividade artística.

No entanto, seria errôneo dizer que a arte soviética da década de 1930 abandonou completamente qualquer busca, de estabelecer novas tarefas artísticas. Em vários trabalhos, ambas as tendências anteriores se fundiram harmoniosamente - o desenvolvimento da tradição clássica e a busca de uma nova linguagem, consonante com a modernidade. Talvez essa combinação nunca tenha se manifestado com tanta clareza e perfeição artística como na música. Mas também afetou o desenvolvimento da arte teatral de forma bastante clara e perceptível. Na década de 1930, o prestígio dos teatros acadêmicos aumentou significativamente, onde o Teatro de Arte de Moscou ganhou destaque: liderado por K. Stanislavsky e V. Nemirovich-Danchenko, apresentou uma série de performances marcantes marcadas por uma leitura inovadora dos clássicos ( Anna Karenina por L. Tolstoy, "Escola do Escândalo" por R. Sheridan e outros). Mas o antigo antípoda do Teatro de Arte de Moscou, que por muitos anos se proclamou o teatro de V. Meyerhold, também se voltou para os clássicos e contribuiu para o renascimento de A. Ostrovsky, ao qual os anos 30 foram associados (a produção da peça "Floresta").

A cultura do período soviético e pós-soviético é uma brilhante e em grande escala da herança russa. Os acontecimentos de 1917 tornaram-se um ponto de referência no desenvolvimento de um novo modo de vida, a formação de um novo modo de pensar. O humor da sociedade no final do século XIX - início do século XX. resultou na Revolução de Outubro, um ponto de viragem na história do país. Agora ela estava esperando por um novo futuro com seus próprios ideais e objetivos. A arte, que em certo sentido é um espelho da época, tornou-se também uma ferramenta para colocar em prática os princípios do novo regime. Ao contrário de outros tipos de criatividade artística, a pintura, que é formar e moldar o pensamento de uma pessoa, penetrou na consciência das pessoas da maneira mais precisa e direta. Por outro lado, a arte pictórica estava menos subordinada à função de propaganda e refletia as experiências do povo, seus sonhos e, sobretudo, o espírito da época.

vanguarda russa

A nova arte não evitou completamente as velhas tradições. A pintura, nos primeiros anos pós-revolucionários, absorveu a influência dos futuristas e das vanguardas em geral. A vanguarda, com seu desprezo pelas tradições do passado, tão próximas às ideias destrutivas da revolução, encontrou adeptos no rosto dos jovens artistas. Paralelamente a essas tendências nas artes visuais, desenvolveram-se tendências realistas, que ganharam vida pela crítica realismo XIX dentro. Essa bipolaridade, amadurecida na época da mudança de época, tornou a vida do artista daquela época especialmente estressante. Os dois caminhos que surgiram na pintura pós-revolucionária, embora fossem opostos, no entanto, podemos observar a influência da vanguarda na obra dos artistas realistas. O próprio realismo naqueles anos era diverso. Obras desse estilo têm uma aparência simbólica, agitada e até romântica. Transmite com absoluta precisão de forma simbólica uma mudança grandiosa na vida do país, o trabalho de B.M. Kustodiev - "Bolchevique" e, cheio de tragédia patética e júbilo incontrolável, "Novo Planeta" de K.F. Yuon.

Pintura de P. N. Filonov, com seu método criativo especial - "realismo analítico" - é uma fusão de dois movimentos artísticos contrastantes, que podemos ver no exemplo de um ciclo com título de propaganda e que significa "Entrando no auge do mundo".

P.N. Filonov Navios do ciclo Entrando no Dia Mundial. 1919 GTG

A natureza inquestionável dos valores humanos universais, inabaláveis ​​mesmo em tempos tão conturbados, é expressa pela imagem da bela “Madona de Petrogrado” (nome oficial “1918 em Petrogrado”) de K.S. Petrov-Vodkin.

Uma atitude positiva em relação aos eventos revolucionários contagia o trabalho luminoso, ensolarado e arejado do pintor de paisagens A.A. Rylov. A paisagem “Pôr do Sol”, em que o artista exprimiu a premonição do fogo da revolução, que se acenderá a partir da chama crescente do fogo do juízo final da época passada, é um dos símbolos inspiradores desta época.

Juntamente com as imagens simbólicas que organizam a elevação do espírito nacional e carregam consigo, como uma obsessão, houve também uma tendência na pintura realista, com o desejo de uma transferência concreta da realidade.
Até hoje, as obras desse período guardam uma centelha de rebeldia que pode se declarar dentro de cada um de nós. Muitas obras não dotadas de tais qualidades ou contrárias a elas foram destruídas ou esquecidas, e jamais serão apresentadas aos nossos olhos.
A vanguarda deixa para sempre sua marca na pintura realista, mas começa um período de desenvolvimento intensivo da direção do realismo.

O tempo das associações artísticas

A década de 1920 é a época de criar um novo mundo sobre as ruínas deixadas pela Guerra Civil. Para a arte, este é o período em que força total várias associações criativas lançaram suas atividades. Seus princípios foram parcialmente moldados pelos primeiros agrupamentos artísticos. A Associação de Artistas da Revolução (1922 - AHRR, 1928 - AHRR), executou pessoalmente as ordens do Estado. sob o lema " realismo heroico"Os artistas que fizeram parte dela documentaram em suas obras a vida e a vida de uma pessoa - a ideia da revolução, em vários gêneros de pintura. Os principais representantes da AHRR foram I.I. Brodsky, que absorveu as influências realistas de I.E. Repin , que trabalhou no gênero histórico e revolucionário e criou toda uma série de obras representando V. I. Lenin, E. M. Cheptsov - um mestre do gênero cotidiano, M. B. Grekov, que pintou cenas de batalha em uma loucura bastante impressionista. Todos esses mestres foram os fundadores do gêneros em que eles realizaram a maioria de seus Entre eles destaca-se a tela "Lenin in Smolny", na qual I. I. Brodsky transmitiu a imagem do líder da forma mais direta e sincera.

Na pintura "Encontro de uma célula membro" E.I. Cheptsov de forma muito confiável, sem artificialidade, descreve os eventos que ocorreram na vida das pessoas.

Uma magnífica imagem alegre e barulhenta, cheia de movimento tempestuoso e celebração da vitória, é criada por M.B. Grekov na composição "Trompetistas do Primeiro Exército de Cavalaria".

A ideia de uma nova pessoa, uma nova imagem de uma pessoa é expressa pelas tendências emergentes no gênero retrato, cujos mestres mais brilhantes foram S.V. Malyutin e G.G. Ryazhsky. No retrato do escritor-lutador Dmitry Furmanov, S.V. Malyutin mostra um homem do velho mundo que conseguiu se encaixar no novo mundo. Uma nova tendência está se declarando, que se originou no trabalho de N.A. Kasatkin e desenvolvido ao mais alto grau em imagens femininas G.G. Ryazhsky - "Delegado", "Presidente", em que o início pessoal é apagado e o tipo de pessoa criada pelo novo mundo é estabelecido.
Uma impressão absolutamente precisa é formada sobre o desenvolvimento do gênero paisagem à vista do trabalho do pintor de paisagens avançado B.N. Yakovleva - "O transporte está melhorando."

B.N. O transporte de Yakovlev está melhorando. 1923

Este gênero retrata um país em renovação, a normalização de todas as esferas da vida. Durante esses anos, a paisagem industrial vem à tona, cujas imagens se tornam símbolos da criação.
A Sociedade de Pintores de Cavalete (1925) é a próxima associação de arte neste período. Aqui o artista procurou transmitir o espírito da modernidade, o tipo de pessoa nova, recorrendo a uma transmissão de imagens mais distante devido ao número mínimo de meios expressivos. Nas obras de "Ostovtsev" o tema dos esportes é frequentemente demonstrado. Sua pintura é repleta de dinâmica e expressão, que pode ser vista nas obras de A.A. Deineka "Defesa de Petrogrado", Yu.P. Pimenov "Futebol", etc.

Os membros de outra conhecida associação - as "Quatro Artes" - elegeram a expressividade da imagem, pela forma concisa e construtiva, bem como uma atitude especial quanto à sua riqueza cromática, como base da sua criatividade artística. O representante mais memorável da associação é K.S. Petrov-Vodkin e uma de suas obras mais marcantes deste período - "Morte do Comissário", que, através de uma linguagem pictórica especial, revela uma imagem simbólica profunda, símbolo da luta por uma vida melhor.

Da composição do P.V. "Quatro Artes". Kuznetsov, obras dedicadas ao Oriente.
A última grande associação artística deste período é a Sociedade dos Artistas de Moscou (1928), que se diferencia das demais pela forma de modelagem energética dos volumes, atenção ao claro-escuro e expressividade plástica da forma. Quase todos os representantes eram membros do "Tambourine Volt" - adeptos do futurismo - o que afetou muito seu trabalho. As obras de P. P. Konchalovsky, que trabalhou em diferentes gêneros. Por exemplo, retratos de sua esposa O.V. Konchalovskaya transmite as especificidades não apenas da mão do autor, mas também da pintura de toda a associação.

Em 23 de abril de 1932, todas as associações artísticas foram dissolvidas pelo Decreto "Sobre a Reestruturação das Organizações Literárias e Artísticas" e foi criada a União dos Artistas da URSS. A criatividade caiu nos sinistros grilhões da ideologização rígida. A liberdade de expressão do artista, base do processo criativo, foi violada. Apesar dessa ruptura, os artistas anteriormente unidos em comunidades continuaram suas atividades, mas valor principal novas figuras ocupavam o ambiente pitoresco.
B.V. Ioganson foi influenciado por I.E. Repin e V.I. Surikov, suas telas mostram uma busca composicional e possibilidades interessantes no esquema de cores, mas as pinturas do autor são marcadas por uma atitude excessivamente satírica, inadequada de maneira tão naturalista, que podemos observar no exemplo da pintura "No Velho Ural Plantar".

A.A. Deineka não permanece alheia à linha de arte "oficial". Ele ainda é fiel aos seus princípios artísticos. Agora continua trabalhando em temas de gênero, além de pintar retratos e paisagens. A pintura "Pilotos do Futuro" mostra bem sua pintura nesse período: romântica, leve.

O artista cria um grande número de trabalhos sobre o tema esportivo. Deste período, suas aquarelas, escritas após 1935, permaneceram.

A pintura da década de 1930 representa um mundo ficcional, a ilusão de uma vida brilhante e festiva. Foi mais fácil para o artista permanecer sincero no gênero da paisagem. O gênero de natureza morta está se desenvolvendo.
O retrato também está sujeito a um desenvolvimento intensivo. P.P. Konchalovsky escreve uma série de figuras culturais ("V. Sofronitsky ao piano"). As obras de M. V. Nesterov, que absorveu a influência de V.A. Serov, mostra uma pessoa como criadora, cuja essência de vida é uma busca criativa. É assim que vemos os retratos do escultor I.D. Shadr e o cirurgião S.S. Yudin.

PD Korin continua a tradição do retrato do artista anterior, mas seu estilo pictórico consiste em transmitir a rigidez da forma, uma silhueta mais nítida, mais expressiva e uma coloração áspera. Em geral, o tema da intelectualidade criativa é de grande importância no retrato.

Um artista em guerra

Com o advento da Grande Guerra Patriótica, os artistas começam a participar ativamente das hostilidades. Devido à unidade direta com os acontecimentos, surgiram nos primeiros anos obras cuja essência é uma fixação do que está acontecendo, um "esboço pitoresco". Muitas vezes, tais pinturas careciam de profundidade, mas sua transmissão expressava a atitude completamente sincera do artista, o ápice do pathos moral. O gênero do retrato chega a uma relativa prosperidade. Artistas, vendo e experimentando a influência destrutiva da guerra, admiram seus heróis - pessoas do povo, persistentes e nobres de espírito, que mostraram as mais altas qualidades humanísticas. Tais tendências resultaram em retratos cerimoniais: “Retrato do Marechal G.K. Zhukov" por P.D. Korina, carinhas alegres de P.P. Konchalovsky. Importância tem retratos da intelligentsia M.S. Saryan, criado durante os anos de guerra - esta é a imagem do acadêmico "I.A. Orbeli”, escritor “M.S. Shahinyan" e outros.

De 1940 a 1945, a paisagem também se desenvolve e gênero doméstico, que foram combinados em seu trabalho por A.A. Plastov. "O fascista voou" transmite a tragédia da vida deste período.

O psicologismo da paisagem aqui enche a obra ainda mais de tristeza e silêncio da alma humana, só o uivo de um amigo devoto corta o vento da confusão. Ao final, o significado da paisagem é repensado e passa a encarnar a dura imagem do tempo de guerra.
Alocado separadamente imagens do enredo, por exemplo, "Mãe do partidário" S.V. Gerasimov, que se caracteriza pela recusa em glorificar a imagem.

A pintura histórica oportuna cria imagens de heróis nacionais do passado. Uma dessas imagens inabaláveis ​​e inspiradoras é "Alexander Nevsky" de P.D. Korin, personificando o espírito orgulhoso invicto do povo. Nesse gênero, ao final da guerra, delineia-se uma tendência de dramaturgia simulada.

O tema da guerra na pintura

Na pintura do pós-guerra, ser. 1940 - con. Na década de 1950, o lugar de destaque na pintura foi ocupado pelo tema da guerra, como prova moral e física, da qual o povo soviético saiu vitorioso. Gêneros histórico-revolucionários, históricos estão se desenvolvendo. O tema principal do gênero cotidiano é o trabalho pacífico, sonhado por muitos anos de guerra. As telas desse gênero são permeadas de alegria e felicidade. linguagem artística gênero cotidiano torna-se narrativa e gravita em direção à vida. NO últimos anos Nesse período, a paisagem também sofre alterações. Nela revive-se a vida da região, reforça-se novamente a ligação entre o homem e a natureza, surge um ambiente de tranquilidade. O amor pela natureza também é cantado na natureza morta. Um desenvolvimento interessante recebe um retrato na criatividade artistas diferentes, que se caracteriza pela transferência do indivíduo. Uma das obras marcantes desse período foram: "Carta do front" de A.I. Laktionov, uma obra semelhante a uma janela para um mundo radiante;

a composição "Descanse após a batalha", na qual Yu.M. Neprintsev alcança a mesma vitalidade da imagem que A.I. Laktionov;

trabalho de A. A. Mylnikova "Em Campos Pacíficos", regozijando-se com alegria no final da guerra e na reunificação do homem e do trabalho;

imagem original da paisagem de G.G. Nissky - "Sobre as neves", etc.

Estilo severo para substituir o realismo socialista

Arte 1960-1980 é uma nova etapa. Um novo “estilo severo” está sendo desenvolvido, cuja tarefa era recriar a realidade sem tudo o que priva o trabalho de profundidade e expressividade e tem um efeito prejudicial sobre manifestações criativas. Caracterizou-se pela concisão e generalização da imagem artística. Artistas desse estilo glorificaram o início heróico de dias de trabalho duros, criados por uma estrutura emocional especial da imagem. O "estilo severo" foi um passo definitivo para a democratização da sociedade. O retrato tornou-se o principal gênero para o qual os adeptos do estilo trabalhavam; um retrato de grupo, um gênero cotidiano, um gênero histórico e histórico-revolucionário também estão se desenvolvendo. V.E. Popkov, que pintou muitos auto-retratos-pinturas, V.I. Ivanov é um defensor de um retrato de grupo, G.M. Korzhev, que criou telas históricas. A divulgação da essência do "estilo severo" pode ser vista na pintura "Geólogos" de P.F. Nikonov, "exploradores polares" A.A. e P. A. Smolins, "Capote do Pai" de V.E. Popkov. No gênero da paisagem, há um interesse pela natureza do norte.

Simbolismo da era da estagnação

Nos anos 1970-1980. uma nova geração de artistas está sendo formada, cuja arte influenciou até certo ponto a arte de hoje. Eles são caracterizados pela linguagem simbólica, entretenimento teatral. Sua pintura é bastante artística e virtuosa. Os principais representantes desta geração são T.G. Nazarenko ("Pugachev"),

cujo tema favorito era um feriado e um baile de máscaras, A.G. Sitnikov, que usa metáfora e parábola como forma de linguagem plástica, N.I. Nesterova, criador de pinturas ambíguas ("A Última Ceia"), I.L. Lubennikov, N. N. Smirnov.

A última Ceia. NI Nesterov. 1989

Assim, esta época aparece em sua variedade de estilos e diversidade como o elo final e formador das artes plásticas de hoje.

Nossa época descobriu uma enorme riqueza do patrimônio pitoresco das gerações anteriores. Um artista moderno não é limitado por quase nenhum quadro que foi definidor, e às vezes hostil ao desenvolvimento das artes plásticas. Alguns dos artistas de hoje estão tentando aderir aos princípios da escola realista soviética, alguém se encontra em outros estilos e tendências. As tendências da arte conceitual, que são percebidas de forma ambígua pela sociedade, são muito populares. A amplitude de meios e ideais artísticos e expressivos que o passado nos proporcionou deve ser repensada e servir de base para novos caminhos criativos e a criação de uma nova imagem.

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