sining ng Espanyol. Kultura ng musika. Mga mahuhusay na musikero. Ang akda ng kompositor ni I. Albéniz, E. Granados, F. Pedrell,

Manuel de Falla (1876-1946) - isang natatanging kompositor ng Espanyol, isang kinatawan ng impresyonismo. Malikhaing paraan. Siklo ng tinig na "Pitong Kanta ng Kastila". Pagpapatupad ng awiting bayan at intonasyon ng sayaw. Piano at opera. Aktibidad na kritikal sa musika.

Ang halaga ng pagkamalikhain M. de Falla.

Kultura ng musika at sining ng Hungary. Pagganap ng musika. Bagong opera school. Ang gawain nina Franz Lehar (1870-1948) at Imre Kalman (1882-1953).

Bela Bartok (1881-1945) - isang natatanging kompositor, pianista, guro. Iba't ibang genre sa kanyang trabaho. Pagproseso ng mga awiting bayan, mga gawang teoretikal sa alamat. Sining ng Opera. Mga tendensiyang impresyonista at ekspresyonista. Mga komposisyon ng piano. Mga siklo ng mga akda batay sa alamat. "Microcosm".

panitikan ng Czech at Slovak. Pagganap ng kultura. Agham sa musika.

malikhaing landas Leos Janacek (1854-1928) .

Paglikha Bohuslav Martinu (1890-1959) .

§ 15. Amerikanong musikal na kultura ng huling bahagi ng XIX - unang kalahati ng XX siglo

Panitikan. Musika. Pagkamalikhain ng mga performer-composers, mga tagalikha ng mga unang classical jazz opuses. Louis Armstrong, Benny Goodman, Duke Ellington. Ang pinagmulan ng genre ng musika. Sining ni Jerome Kern, Richard Rogers, Col Porter.

Frederic Low at ang kanyang musikal na My Fair Lady.

George Gershwin (1898-1937) . pamanang musikal. "Rhapsody in the Blues Style", ang natitirang kahalagahan nito sa pagbuo ng mga bagong trend sa American music (jazz symphonization). Iba't ibang genre ng thematics (blues, swing, ragtime). Ang isang Amerikano sa Paris ay isang napakatalino na orchestral suite. Opera Porgy at Bess. Mga kakaiba ng operatic dramaturgy. Vocal symphonic na katangian ng mga karakter.

Leonard Bernstein (1918-1990) Composer, conductor, pianist, musical publicist. Musical West Side Story. Isang bagong interpretasyon ng genre.

Ang gawain ni Samuel Barber (1910-1981), Aaron Copland (1900-1990), John Cage (1912-1992).

§ 16. Kultura ng musika at sining ng England, France, Italy at Poland sa huling bahagi ng XIX - unang bahagi ng XX century

Mga pambansang kompositor ng Ingles. E. Elgar, R.W. Williams, S. Scott, G. Holst.

Ang gawain ni Benjamin Britten (1913-1976). Sining ng Opera. Iba't ibang genre. "Requiem ng Digmaan". pagka-orihinal ng intensyon ng may-akda. Isang napakagandang komposisyon. Leitmotifs, leitrhythms, leitintervalik "Requiem". Tradisyon at pagbabago.

Pranses na sining, panitikan, musika. Mga performer, composers. French "Anim" at ang mga kinatawan nito Mga Tao: Louis Duray (1888-1979), Arthur Honegger (1892-1955), Germain Taifer (1892-1983), Darius Millau (1892-1974), Francis Poulenc (1899-1963), Jean Cocteau (1899-1963).

Paglikha F. Poulenc . Sining ng Opera. Monodrama "Ang Tinig ng Tao". Dramaturhiya sa musika. Iba pang mga sulatin.

Pangkat na "Young France" at mga kinatawan nito Mga Tao: André Jolivet (1905-1974), Olivier Messiaen (1908-1992).

Pag-unlad ng sining, panitikan, agham ng musika sa Italya. Pag-aaral ng awit at sayaw na alamat. Ang gawa ni Ottorino Respighi (1879-1936), Ildebrando Pizzetti (1880-1968), Gian Francesco Malipiero (1882-1973), Alfredo Casella (1883-1974).

Sining sa musika. Malikhaing samahan ng mga kompositor na "Young Poland". Pagkamalikhain, K. Shimanovsky, V. Lutovsky, M. Karlovich.

Krzysztof Penderecki (b. 1933) - isang maliwanag na kinatawan ng Polish musical avant-garde. Iba't ibang genre ng pagkamalikhain.

"Passion for Luke" - isang monumental na oratorio. Dramaturhiya sa musika. Serial-intonational na lohika ng pagbuo ng mga musikal na imahe, ang prinsipyo ng montage ng magkakaibang mga layer.

Kasunduan sa paggamit ng mga materyales sa site

Mangyaring gamitin ang mga gawa na nai-publish sa site para sa mga personal na layunin lamang. Ang paglalathala ng mga materyales sa ibang mga site ay ipinagbabawal.
Ang gawaing ito (at lahat ng iba pa) ay magagamit para sa pag-download nang walang bayad. Sa isip, maaari mong pasalamatan ang may-akda nito at ang mga tauhan ng site.

Ipadala ang iyong mabuting gawa sa base ng kaalaman ay simple. Gamitin ang form sa ibaba

Ang mga mag-aaral, nagtapos na mga estudyante, mga batang siyentipiko na gumagamit ng base ng kaalaman sa kanilang pag-aaral at trabaho ay lubos na magpapasalamat sa iyo.

Mga Katulad na Dokumento

Ang gumaganap na imahe ng kompositor na si A.N. Scriabin, pagsusuri ng ilang katangian ng kanyang piano technique. Scriabin-composer: periodization ng pagkamalikhain. Matalinhaga-emosyonal na mga globo ng musika ni Scriabin at ang kanilang mga tampok, ang pangunahing katangian ng kanyang istilo.

master's thesis, idinagdag noong 08/24/2013


cheat sheet, idinagdag noong 11/13/2009


Ang pagkabata at kabataan ng Rimsky-Korsakov, kakilala kay Balakirev, serbisyo sa Almaz. Mga gawa ng kompositor: musikal na larawan na "Sadko", symphonic suite na "Antar" at "Scheherazade". Mga overture, symphonic suite mula sa mga opera at mga transkripsyon ng mga eksena sa opera.

term paper, idinagdag noong 05/08/2012


Mga tampok ng musikang Ruso noong siglo XVIII. Ang Baroque ay isang panahon kung saan ang mga ideya tungkol sa kung ano ang musika ay dapat magkaroon ng hugis, ang mga musical form na ito ay hindi nawala ang kanilang kaugnayan sa araw na ito. Mahusay na exponents at musikal na mga gawa ng panahon ng Baroque.

abstract, idinagdag noong 01/14/2010


Maikling impormasyon tungkol sa buhay at gawain ng makikinang na Polish na kompositor at pianista na si Fryderyk Chopin. Makabagong synthesis bilang isang katangian ng kanyang musikal na wika. Mga genre at anyo pagiging malikhain ng piano Chopin, ang kanilang mga katangian.

abstract, idinagdag noong 11/21/2014


Ang pag-aaral ng landas ng buhay at pagkamalikhain ng kompositor at pianista na si F. Chopin. Ang piano performance ni Chopin, na pinagsasama ang lalim at katapatan ng mga damdamin na may biyaya at teknikal na pagiging perpekto. Artistic na aktibidad, musical heritage. Museo ng F. Chopin.

pagtatanghal, idinagdag noong 02/03/2011


Kultura ng kanta ng Russia noong ika-19 na siglo. Paaralan ng mga kompositor ng Russia: Mikhail Ivanovich Glinka; Alexander Sergeevich Dargomyzhsky; Peter Ilyich Tchaikovsky. Ang Mighty Handful ay isang natatanging kababalaghan sa musikang Ruso. Kultura ng musikal ng Russia sa simula ng ika-20 siglo.

Ang nilalaman ng artikulo

WESTERN EUROPEAN MUSIC. Ang musikang Kanlurang Europa ay tumutukoy sa musikal na kultura ng Europa - ang tagapagmana ng mga kultura ng Sinaunang Gresya, Sinaunang Roma at Imperyong Romano, na ang pagkawatak-watak sa kanluran at silangang bahagi ay naganap noong ika-4 na siglo.

Alinsunod sa kultura ng Kanlurang Europa, umunlad din ang mga kultura ng Silangang Europa at America. Ang kulturang musikal ng Russia, na nagpapakita ng maraming mga tampok na katulad ng musika ng Europa, ay isinasaalang-alang, bilang panuntunan, nang nakapag-iisa. Ang kultura ng sinaunang Griyego ay nagpataba sa Kanluran at Silangan. Ngunit ang Sinaunang Silangan (Egypt, Babylon, Media, Parthia, Sogdiana, Kushans, atbp.) ay may kapansin-pansing impluwensya sa pag-unlad ng musika ng Europa. Sa panahon ng Middle Ages, iba't-ibang mga Instrumentong pangmusika, ang mga bagong ritmo at sayaw ay kumalat mula sa timog ng Europa hanggang sa hilaga, at ang Muslim na Espanya ay ang konduktor ng mga tradisyong musikal at pampanitikan ng Arabe. Nang maglaon, ang mga Ottoman Turks ay naging tagapagdala ng propesyonalismo sa musika ng sibilisasyong Islam, na sa sarili nitong paraan ay pinarami ang kayamanan ng kulturang musikal ng mga tao sa Malapit at Gitnang Silangan na minana mula noong unang panahon.

Ang mga tampok na katangian nito ay Western European kulturang musikal na nakuha noong Middle Ages. Pagkatapos ay nabuo ang mga propesyonal na tradisyon ng musikal sa loob ng balangkas ng simbahang Kristiyano, at sa mga kastilyo ng mga aristokrata, at sa isang kabalyerong kapaligiran, at sa pagsasagawa ng mga musikero ng lungsod. Sa loob ng maraming siglo ang mga tradisyong ito ay monophonic, at sa panahon lamang ng mature na Middle Ages ay lumitaw ang polyphony at musikal na pagsulat, isang pinag-isang sistema ng mga mode at ritmo ng simbahan ay ipinanganak, at ang mga instrumentong pangmusika ng Europa (organ, harpsichord, violin) ay umabot sa pagiging perpekto. Pagkatapos ng Renaissance, ang musika ay naging mas malaya, na naghihiwalay sa mga teksto (liturgical, pampanitikan at patula). Ang indibidwal na katalinuhan ay lubos na pinahahalagahan, ang mga bagong musikal na genre ng makamundong nilalaman (opera) at mga anyo ng instrumental na musika ay ipinanganak, ang mga ideya tungkol sa naitala na musikal na "komposisyon" (komposisyon) at ang gawa ng kompositor ay lumitaw. Simula noong ika-17 siglo. ang pag-indibidwal ng proseso ng malikhaing ay pinatindi - kapwa sa pagbubuo ng musika at sa paggawa ng mga instrumentong pangmusika, at kalaunan sa sining ng pagtatanghal. Mas masinsinan kaysa sa kultura ng simbahan, ang korte at kultura ng musika sa lungsod ay umuunlad. Ang mga mode ng simbahan at ang pamamaraan ng polyphony sa anyo kung saan binuo ito ng simbahan (polyphony) ay nagbibigay-daan sa mga bagong mode (major at minor) at ang homophonic-harmonic na prinsipyo ng pagsasama-sama ng mga boses.

Ang mga bagong proseso na nabuo pagkatapos ng ika-17 siglo ay nagsiwalat pa rin ng pagkakapareho ng musikal na "wika" kung saan ang mga musikero ay "nagsalita" kahit saang bahagi ng mundo ng Europa sila nakatira. Ang musikal na "fashion" na lumitaw sa Italya, pagkatapos ay sa Pransya, pagkatapos ay sa Alemanya ay kumalat ng parehong aesthetic na mga ideya tungkol sa musika at mga pamamaraan ng paglikha nito, na tumutukoy sa pagka-orihinal ng estilo ng musikal (mga pamantayan, wikang musikal) ng isang partikular na makasaysayang panahon. . Ang mga hangganan ng mga istilong ito, sa kabila ng iba't ibang mga malikhaing larawan ng mga musikero, ay malinaw na nakatayo at nabuo ang parehong mga pangkakanyahan na pundasyon (baroque, classicism, romanticism, expressionism, impressionism, atbp.) Tulad ng sa panitikan, arkitektura, pinong sining ng kaukulang mga panahon. .

Bilang resulta ng patuloy na pagbabago ng mga istilo ng musika bilang ilang "mga diskarte" ng pagbubuo ng musika, nagbago ang mga semantika, nabuksan ang iba't ibang mga aspeto ng mga kakayahan nito upang ipahayag ang pabago-bago, pag-uugali, rational-matematika, sikolohikal na kakayahan ng isang tao. Ang pangangailangan ng mga Europeo na lumikha ng isang bagong bagay sa larangan ng musika, hindi tulad ng nauna, ay humantong sa iba't ibang mga indibidwal na estilo ng mga kompositor, at mula sa ika-20 siglo. - sa isang banda, sa "compilative" na paraan ng pagkamalikhain, gamit ang mga kilalang pamamaraan upang lumikha ng isang bagong gawaing pangmusika, at sa kabilang banda, sa kumpletong pagtanggi sa lahat ng kilalang estilistang pamantayan sa larangan ng paglikha at pagganap ng musika , sa pang-eksperimentong pagkamalikhain (avant-garde), sa paghahanap ng bagong bagay sa mga materyales na may kaugnayan sa mga modernong ideya tungkol sa musika (ingay at mga partikular na tunog ng kapaligiran), at sa mga bagong elektronikong instrumental na tunog, sa mga teknikal na pamamaraan ng pagproseso ng anumang uri ng tunog (sa mga synthesizer, tape, computer), sa pagtanggi sa mga paraan upang ayusin ang isang musikal na gawa sa papel gamit ang musical notation.

MUSIKA NG MIDDLE AGES.

Sa mahabang panahon, isang bagong uri ng kultura ang nabuo sa Kanlurang Europa, kung saan ang mga tradisyon ng kulto (simbahan), kabalyero (aristocratic) at burgher (urban). Ang kanilang pagiging tiyak at pakikipag-ugnayan ay nag-ambag sa pagbuo ng mga natatanging katangian ng kulturang musikal ng Kanlurang Europa.

Musika ng Simbahang Katoliko sa Maagang Middle Ages (ika-4-10 siglo).

Ang musika ng Kanlurang Europa ay una sa lahat ay nabuo ang mga propesyonal na tampok sa dibdib ng pagsasanay sa simbahang Kristiyanong Katoliko, na nagsimulang ipakita ang pagiging tiyak nito, simula sa ika-4 na siglo. Ang mga monasteryo ay mga sentro ng pag-aaral at propesyonalismo sa musika. Ang musika ng pagsamba ay nakikilala sa pamamagitan ng likas na katangian ng detatsment mula sa lahat ng walang kabuluhan, pagpapakumbaba at paglulubog sa panalangin. Kung sa pinakaunang mga pamayanang Kristiyano ang lahat ng nagtitipon ay umawit, pagkatapos ay pagkatapos ng Laodicean Council (364), ang mga propesyonal na mang-aawit lamang ang nagsimulang kumanta sa simbahan.

Gregorian chant.

Ang mga pinagmulan ng musikal na liturhiya ng uri ng Kristiyano ay makikita sa mga sinaunang himno ng Egypt, Judea, at Syria. Para sa mga klero, ang awtoridad sa larangan ng musika ay ang sinaunang Judiong haring si David. Siya ay madalas na lumilitaw sa Middle Ages: alinman sa biblikal na alamat, nagpapalayas ng mga demonyo mula kay Haring Saul sa kanyang pagtugtog sa isang instrumentong pangmusika, o itinatanghal na tumutugtog ng iba't ibang mga instrumento (salterya, alpa, mga kampana). Gayunpaman, ang simbahan ay bumuo ng mga bagong tradisyon sa musika batay sa pag-awit ng mga sagradong teksto: "Si David ay umawit sa mga salmo, at kami ay umaawit kasama ni David hanggang sa araw na ito. Gumamit si David ng cithara, ang mga kuwerdas nito ay walang buhay, habang ang simbahan ay gumagamit ng cithara na may mga live na kuwerdas; ang aming mga dila ay mga string: sila ay nagpapahayag ng iba't ibang mga tunog, ngunit isang pag-ibig "(mula sa pagbabawal ng simbahan ng Laodicean Council).

Ang pag-awit, na naging batayan ng Kristiyanong pagsamba, ay nanatiling monophonic sa mahabang panahon. Sa karamihan ng mga simbahan, ito ay isinagawa ayon sa uri ng salmo, na mukhang isang pagbigkas: isang maliit na hanay at halos hindi sinasadyang mga salita ng teksto ay isinagawa ng isang tao, at ang mga sumasamba ay tumugon sa parehong monotonous na pagbigkas. Nangibabaw ang teksto sa musika, na sumunod sa ritmo ng mga salita, at ang melodic na intonasyon ay hindi dapat makagambala sa kahulugan ng teksto. Noong ika-5–7 siglo mayroong iba't ibang mga monastikong tradisyon na binuo nang kahanay sa isang Romano. Sa Lyon, Britain at hilagang Italya, lumitaw ang pag-awit ng Gallican, sa Espanya (Toledo), na nasa ilalim ng impluwensya ng kulturang Arab-Muslim, Mozarabic. Mula sa ika-5–6 na siglo sa Italya naging kaugalian na magsagawa ng mga sagradong teksto sa paraan ng pag-awit ng mga himno, na nakikilala sa pamamagitan ng boses na awit at himig. Ang lumikha ng ganitong uri ng pag-awit ay si Bishop Ambrose sa Milan, na gumamit ng mga taludtod sa anyo ng sinaunang Romanong tula (Ambrose singing).

Sa pagpapalakas ng institusyon ng kapapahan, isinagawa ng espirituwal na awtoridad ang pagpili ng mga himig ng ritwal, isinagawa ang kanilang kanonisasyon. Mula sa ika-6 na c. sa Roma, nabuo ang isang singing school (Schola cantorum). Sa pagdating ng Gregorian na uri ng pag-awit, ang pag-iisa ng tradisyon ng pag-awit ng simbahan ay naganap, ang lumikha nito ay si Pope Gregory I. Nag-compile siya ng isang malaking hanay ng mga chants (antiphonary), na kinabibilangan ng maraming lokal na himig. Ang pangunahing bahagi ng mga himig ay binubuo ng "gumagalaw" na bahagi ng mga serbisyo sa simbahan: ang unang salmo, ang salmo para sa isang partikular na araw ng taon, panalangin sa panahon ng komunyon, atbp. Mahigpit, walang kibo at matinding chorales, kung saan ang melody ay sumunod sa ritmo ng mga salita, ay pinili para sa pagsamba. Ang mga teksto (Luma at Bagong Tipan) ay inaawit lamang sa Latin sa anyo ng monody - monophonic male singing, alinman sa chorus (in unison), o ng isang mang-aawit. Ang tanging instrumentong pangmusika na nagsimulang tumunog mula 660 sa simbahan, kasama ang pag-awit, ay ang organ na ipinakilala ni Pope Vitalian. Dahil nagmula sa Silangan, ang organ ay laganap sa pang-araw-araw na buhay, ngunit binigyan ito ng simbahan ng katayuan ng isang "banal na instrumentong pangmusika" at pinahusay ang disenyo nito hanggang sa ika-17 siglo, na nagtatayo ng malalaking organo kasama ng pagtatayo ng simbahan at pagbuo ng pamamaraan ng pagtugtog ng instrumentong ito.

Ang monotonous psalmodic na pag-awit ay walang ritmo (isang prosa text ang inaawit). Ang melody ay maayos na tumaas hanggang sa mas mataas na tono, hinawakan dito at bumaba sa orihinal na antas. Ang mga teksto at himig ay itinago sa mga espesyal na aklat at na-update. Ang bilog ng mga pangunahing mode-melodies, na nagbibigay-diin sa espirituwal na istraktura ng ritwal ng panalangin, ay limitado sa walo. Binubuo nila ang istraktura ng octoich - isang sistema ng walong paraan ng simbahan na nangibabaw sa pagsasanay ng pagtuturo ng mga choristers at sa teoryang musikal. Inireseta ng mga medieval theorists ang kanilang sariling emosyonal na istraktura para sa bawat fret: 1 - kadaliang kumilos, kagalingan ng kamay; 2 - kaseryosohan at nakalulungkot na solemnidad; 3 - kaguluhan, katulin, galit at kalubhaan; 4 - kalmado at kaaya-aya, madaldal at pambobola; 5 - kagalakan, kalmado at masaya; 6 - kalungkutan, nakakaantig at pagsinta; 7 - kagaanan ng kabataan, kasiyahan; 8 - kaseryosohan ng senile, kamahalan.

Sa hanay ng mga awiting Gregorian ay mayroong mga awit na naiiba sa pang-araw-araw na mga kanta at bumubuo ng isang espesyal na uri ng serbisyo - misa. Ito ay isang cycle ng mga himno sa okasyon ng pangunahing liturgical holidays mula sa 5-6 na mga seksyon. Ang bawat isa ay pinangalanan pagkatapos ng mga unang salita ng teksto: Kyrie eleison (Panginoon maawa ka); Gloria… (Gloria); Credo… (Naniniwala ako sa isang diyos); Sanctus… at Benedictus (Banal ang Panginoong Diyos ng mga hukbo); (Mapalad ang dumarating sa pangalan ng Diyos); Agnus Dei… (Ang Kordero ng Diyos na nag-alis ng mga kasalanan ng sanlibutan).

Ang pinagmulan ng polyphony.

Noong ika-9 na siglo sa mga sentro ng "pag-aaral ng musika" (ang monasteryo ng St. Gallen, ang mga katedral ng Reims, Luttich, Chartres, atbp.), kung saan mayroong mahusay na mga puwersa sa pag-awit, lumitaw ang mga bagong uri ng monophonic Gregorian na pag-awit, na humantong sa paglitaw ng polyphony sa simbahan. Hanggang sa ika-12–13 siglo dalawang boses na pag-awit (diaphony) ang nanaig. Ang himig ng Gregorian chant mismo ay hindi nagbago. Siya ay tumunog bilang isang reference na boses, na natanggap ang mga pangalan na "kahit na himig" (cantus planus), "malakas na himig" (cantus firmus). Walang vocal chants sa chorales, ang tono ng melody ay pumalit sa bawat isa sa bawat bagong pantig (syllabic chant). Sa paglipas ng panahon, ang pagganap ng chorale ay napuno ng mga inobasyon: sa mga lugar kung saan ang koro ay humalili sa solong pag-awit, isang mas makulay na himig ay nagsimulang lumitaw. Mas madalas na nangyari ito kapag ang bawat saknong ng teksto ay pinangungunahan ng isang uri ng melodic refrain (antiphon), at kapag sa dulo ng teksto, kapag ang mga tandang ay inaawit (tulad ng "Hallelujah!"), Melodic device na espesyal na pinalamutian ng boses. (melismas), pinalamutian na mga awit (anibersaryo) ang lumitaw. Ganito umusbong ang istilo ng melismatic singing. Sa mga serbisyo, bilang karagdagan sa pangunahing chorale, ang mga karagdagang teksto na may rhyme ay nagsimulang gumanap - sa mga espesyal na himig (mga pagkakasunud-sunod, mga landas). Nagpatunog sila sa Pasko at Pasko ng Pagkabuhay. Pagkatapos ay nagsimulang lumitaw ang pagkamalikhain ng may-akda (Notker Zaika at Totilon - ang mga monghe ng monasteryo sa St. Galen) at ang talento sa pag-arte ng mga monghe, na nagsimulang bumuo at maglaro ng mga yugto mula sa Ebanghelyo hanggang sa musika (pagsamba sa mga pastol, mga regalo sa sanggol na si Hesus, nagluluksa para sa mga sanggol na pinatay sa utos ni Herodes, atbp.). Isang kakaibang genre ng liturgical drama ang lumitaw, na kalaunan ay maghahayag ng sarili nito sa oratorio. Ang pagpapakilala ng magkakaibang musikal at patula na materyal ay nagpayaman sa Gregorian na awit at nakakaakit ng mga mananampalataya, ngunit ito ay nanatiling mahalagang monophonic.

Ang mga unang hakbang sa pagbuo ng polyphony ay tulad ng pag-awit, kapag ang mga tono ng choral melody ay nadoble ng isa pang boses na kasama ng chorale (organum). Ang bawat tono (tala) ay umawit lamang ng isang pantig, at ang pag-awit na may mga syllabic na tono ay "pinakapal" ang choral melody nang patayo, ngunit ang melody mismo ay lumipat sa isang direksyon. Ang artistikong at acoustic effect na nalikha sa simbahan nang tumunog ang mga boses sa iba't ibang rehistro ay naging mahalaga dito. Ginawang posible na suriin ang kalidad ng kumbinasyon ng mga tono nang patayo (hindi sa himig, ngunit sa pagkakatugma) - bilang euphonious (consonance) at dissonant (dissonance). Sa lugar ng Catholic Cathedral, nakamit ang isang espesyal na resonance, ang "echo" na epekto ay pinatindi, na pinadali hindi ng lahat ng mga agwat na lumitaw sa magkasanib na pag-awit, ngunit lalo na ng mga napapansin bilang parehong tono (perpekto) : octaves, fifths at quarts. Sa paglipas ng panahon, ang tunog ng parehong mga tinig ay magiging mas mababa parallel, i.e. mas malaya sa mga direksyon ng melodic na paggalaw: dalawang magkasabay na tunog ng boses ay maghihiwalay, pagkatapos ay magsasama, pagkatapos ay magkrus. Ang maagang uri ng polyphony na ito ay sumasakop sa halos lahat ng Europa, kabilang ang England. Ang Organum ay ang nangungunang genre ng polyphonic (polyphonic) na musika ng Middle Ages.

Musika sa Middle Ages.

Noong ika-11-12 siglo. (Saint-Martial era) isang espesyal na istilo ng dalawang boses na pag-awit na lumaganap, na nagmula sa southern French monastery sa Limoges at sa hilagang Espanyol na monasteryo ng Santiago de Compostela. Ang melismatics ay umunlad dito - ang dekorasyon ng pangunahing tono ng chorale na may independiyente at mas mobile na melody. Sa ilang mga lugar, ang soloista, habang ang ibang mga mang-aawit ay gumanap ng isang iginuhit na pantig, ay nagpakilala ng kanyang sariling awit ng pantig na ito (ng tatlo hanggang sampung tono). Sinira ng istilong melismatic ang parallelism ng dalawang boses na tunog " tala-sa-tala at nilikha ang mga kinakailangan para sa isang pakiramdam ng kalayaan ng parehong mga boses. Ngayon, natanggap nito ang pangalan ng "Gothic" polyphony, dahil ito ang pinakatuktok sa pag-unlad ng Gregorianism. Sa ilalim ng impluwensya ng nabuong polyphony (polyphony), ang Gregorian chant ay mauubos ang sarili nito sa panahon ng mature Middle Ages.

Teorya ng musika. Notasyon.

Ang pagbuo ng teorya ng musika sa Kanlurang Europa ay isinagawa sa loob ng balangkas ng pag-aaral ng simbahan. Ang pagmamana ng mga tradisyon ng mga sinaunang Griyego, ang mga pilosopo ay isinasaalang-alang ang musika sa sistema ng pitong "liberal arts", kung saan ito ay kasama ng arithmetic, geometry at astronomy (bilang bahagi ng "quadrium"). Kasunod ng pilosopong Romano na si Boethius, higit sa lahat ay mayroong tatlong uri ng musika: mundo - ang paggalaw ng makalangit na mga globo, tao - ang kumbinasyon ng mga tinig ng tao, instrumental - isang pagpapakita ng mga pattern ng numero. Ang kaalaman sa musika, batay sa pag-unawa sa mga batas ng kagandahan ng bilang at proporsyon, ay pinahahalagahan sa itaas ng pagsasanay: "Ang isang musikero ay isa na nakakuha ng kaalaman sa agham ng pag-awit hindi sa pamamagitan ng pagkaalipin sa isang praktikal na landas, ngunit sa pamamagitan ng dahilan sa tulong ng mga hinuha” (Boethius). Gayunpaman, “itinuwid” ng praktikal na pag-unlad ng musika ang teorya, na, pagkatapos ng Renaissance, ay nabuo sa direksyon ng mga indibidwal na musikal na wika, mga istilo, mga diskarte sa pagganap at pagpapabuti ng mga instrumento, sa paglilinaw ng mga terminong pangmusika at mga interpretasyon ng may-akda sa mga musikal na wika.

Ang pagtitiyak ng kulturang musikal ng Kanlurang Europa ay nauugnay sa hitsura ng notasyong pangmusika, na may utang sa pagsilang nito sa kasanayang pangmusika ng simbahan. Ang pagganap ng ensemble ng musika ay hindi nasiyahan sa mahabang panahon sa pamamagitan lamang ng isang naitala na tekstong pandiwang. Ang memorya ng mga mang-aawit, na kabisado ang ilang mga "tono" (modal melodies) na angkop para sa ilang mga teolohikong teksto, ay sobra sa karga. Ang notasyon ng liham, na kilala sa sinaunang Greece at sa mundo ng Islam, ay ginamit, ngunit nangangailangan ito ng tumpak na mga indikasyon ng kurso ng melodic development at ang ritmo ng tono.

Hanggang sa ika-11 siglo ang mga choristers ay gumamit ng mga espesyal na icon (neumes) na inilagay sa itaas ng mga salita ng teksto. Hindi naayos ng deranged writing ang ritmo, ngunit ang relatibong pitch at direksyon lamang ng melody.

Ang musikal-teoretikal na mga gawa ng mga Arabo (Al-Farabi), na isinalin sa Latin sa Muslim na Espanya, ay naging pinagmulan ng maraming inobasyon sa musika ng Kanlurang Europa. Kasama ang pagsasanay ng pagtugtog ng "lute" na nagmula sa mga Arabo (pinaikling, nang walang artikulo, ang Arabic na pangalan na "al-ud" - "laud", "lute"), ang mga Europeo ay hihiram ng isang paraan ng pag-record ng musika mula sa silangan. treatises: ang inskripsiyon ng apat (mamaya - limang) oud string na nagpapahiwatig ng mga tono sa Arabic na mga titik sa mga lugar kung saan sila ay pinched sa mga daliri (tablature). Ang mga musikero ng simbahan ay gumuhit din ng mga pinuno upang ipahiwatig ang iba't ibang mga posisyon ng pitch ng mga tono, ngunit ang bilang ng mga pinuno ay umabot sa 18, na nagbibigay ng buong hanay ng pag-awit. Mga pangunahing kaalaman ng modernong musikal na notasyon nilikha ang pinuno ng koro na si Guido mula sa Arezzo (c. 995-1050), na nagpapakilala ng isang sistema ng apat na linya ng musika (stave) na may mga pagtatalaga ng titik ng mga tono. Ang reporma ni Guido ay nakaapekto rin sa teorya ng musika, inilapit niya ang tradisyon ng pagsulat ng mga treatise tungkol dito sa "teknikal" ng paglikha ng musika, tinatanggihan ang "pilosopo" tungkol sa musika (sa diwa ni Boethius). Ang Guido ay kabilang din sa pagpapakilala ng mga kilalang pangalan ng European tone: do-re-mi-fa-sol-la-si. Ayon sa isang bersyon, ang mga ito ay nauugnay sa mga titik ng alpabetong Latin at lumitaw bilang isang paraan ng pag-awit ng mga tono (solmization) nang walang tekstong pandiwang sa isang Latin na rhyme na espesyal na imbento ni Guido. Ayon sa isa pang bersyon, ang mga pangalan ng mga tono ng Europa ay hiniram mula sa mga Arabo at tumutugma sa mga pangalan ng mga titik sa alpabetong Arabe: dal-ra-mim-fa-sad-lam-sin. ()

Maagang polyphony (polyphony).

Sa gawain ng mga musikero (Leonin, ikalawang kalahati ng ika-12 siglo at Perotin, ika-12-13 siglo), na nagsilbi sa Singing School ng Chapel ng Notre Dame Cathedral sa Paris, isang bagong uri ng polyphony ang nabubuo. Mula noong ika-12 siglo ang istilo ng paaralang Notre Dame ay nakikilala sa pamamagitan ng mga katangiang katangian nito: ang hitsura ng tatlo at apat na tinig, ang melodic mobility ng upper voice (treble), ang kalayaan at kaibahan ng mga karagdagang tinig na may kaugnayan sa choral, ang pagbabago ng chorale melody sa isang nasusukat na tunog ng background - isang matatag na boses. Ang pagkakaisa ng tunog ng musika ay nakamit ngayon hindi dahil sa mga textual na caesuras, ngunit dahil sa mga pag-uulit ng melodic chants at rhythmic phrases. Sa mga gawa ni Perotin, na pinangalanang "The Great", nabuo ang isang sistema ng mga musikal na ritmikong mode na independiyente sa teksto (mayroong 6 sa kanila, mamaya - 8) at isang bagong diskarte sa pag-unlad (canon, imitasyon) ay lilitaw, batay sa pag-uulit ng parehong himig sa ibang tinig. Ang mga prinsipyo ng polyphony ng Notre Dame school, na nakabatay hindi lamang sa patayo kundi pati na rin sa linear na paggalaw ng mga boses, ay kumakalat sa lahat ng dako. Ang bagal ng ritwal ng simbahan, na ipinahayag sa tunog ng chorale, ay nagsimulang pinagsama sa makulay ng melodic fantasy.

Sekular na tradisyon ng musika sa Middle Ages.

Sa loob ng mahabang panahon, ang sekular na musikal na pagkamalikhain ay nasa labas ng propesyonal na globo. Ang pagbuo nito ay pinadali ng pagbuo ng korte (knightly) na mga tradisyon sa kultura ng Europa, ang kanilang pakikipag-ugnayan sa musikal na kultura ng mga burghers, sa katutubong kultura ng isang medyebal na lungsod. Bumalik sa ika-9 na c. (panahon ng Carolingian) isang "akademya ng palasyo" ay inayos (na-modelo ayon sa sinaunang isa), kung saan ginanap ang mga hindi pagkakaunawaan sa siyensya, ang mga kumpetisyon ng mga makata at musikero ay inayos. Sa pagdating ng mga bagong sentro ng kultura (unibersidad), kasama ang malalaking katedral, kung saan mayroong mga paaralan para sa pagsasanay ng mga mang-aawit, ang pag-aaral ay nakatuon hindi lamang sa mga lupon ng mga klero, kundi pati na rin sa mga bilog ng napaliwanagan na maharlika.

Trouvers at troubadours.

Ang isang mahalagang papel sa pagbuo ng mga sekular na tradisyong musikal ay ginampanan ng ideolohiya ng chivalry. Mga Krusada sa Silangan at kakilala sa kultura ng Arab (Islamic) court - solong pag-awit ng mga binubuong tula sa saliw ng oud, na umunlad sa Muslim na Espanya, pinalawak ang pananaw sa mundo ng mga kabalyero, nag-ambag sa pagbuo ng mga pamantayan ng kanilang "mapayapa " pag-uugali at alituntunin ng karangalan. Ang espesyal na katangian ng pakikipag-usap ng kabalyero sa "magandang babae", debosyonal na paglilingkod sa kanya at ang mga mithiin ng magalang na pag-ibig ay nabuo noong ika-11-12 siglo. sa mga musikal at patula na gawa ng mga troubadours at trouveur (gaya ng tawag sa mga troubadours sa hilaga) - ang mga unang halimbawa ng sekular na tula na naitala sa pagsulat gamit ang musika. Ang paglikha ng mga taludtod na may pag-awit, na niluluwalhati ang Magagandang Ginang, ay hinihiling ng naliwanagang maharlika. Sa mga kastilyo at sa mga sekular na kasiyahan, ang kabalyero ay naging isang "magiliw na eksperto sa mga anting-anting na pambabae." Ang Provençal troubadours ay nagsulat ng tula hindi sa sinasalitang wika, ngunit sa pinong Koine.

Ang mga pangalan ng maraming troubadours at trouveur ay nagpapahiwatig na sila ay nagmula sa iba't ibang panlipunang strata: Guillaume VII, Count of Poitiers, Duke of Aquitaine; Bilang ng Angouleme; ang kawawang Gascon Markabrune, na nagsilbi sa Catalan court, Bernart de Ventadorn; Bertrand de Born. Peyre Vidal - malawak at malikot ang dila, na nagsilbi sa hukuman ng hari ng Hungarian, siya at si Girouat de Borneil ay malapit sa mga pinuno ng Barcelona; sa parehong korte nagsilbi si Giraut Riquier sa loob ng maraming taon, na ang mga melodies (48) ay ang pinaka-napanatili; Folke of Marseilles mula sa pamilya ng isang mayamang Genoese merchant at Goselm Fedi, na nawalan ng kayamanan at naging juggler. Noong ika-12 siglo nagtamasa ng tagumpay ang mga trobador sa hukuman ng Castilian sa hilagang Espanya. Karamihan sa mga Trouvers ay nagmula sa Arras (hilaga ng Laura). Maraming walang pamagat na taong-bayan at mga gumagala na kabalyero (Jean de Brienne) at mga kalahok sa mga krusada (Guillaume de Ferrieres, Bouchard de Marly) sa mga trouveur. Kilala si Canon de Bethune - ang anak ng konde, ang may-akda ng maraming kanta tungkol sa mga krusada; isang mahirap na juggler, ngunit isang edukado at banayad na makata, si Colin Muse, gayundin si Thibaut, Count of Champagne, King of Navarre (59 melodies ang napanatili).

Sa sining ng troubadours at trouveurs, mga genre ng katangian: alba (awit ng bukang-liwayway), serventa (awit sa ngalan ng isang kabalyero), ballad, rondo, canzone, dialogue songs, crusader march songs, laments (sa pagkamatay ni Richard the Lionheart). Ang mga liriko na nagpapahayag ng "malambot" na damdamin ay strophic, ang melody ay binubuo para sa isang saknong at paulit-ulit sa isang bago. Ang anyo ay karaniwang magkakaibang - kung minsan ay may mga pag-uulit ng mga seksyon, mga refrain, kung minsan nang wala ang mga ito, ang mga parirala ay malinaw na hinati at nakikilala sa pamamagitan ng sayaw. Ang koneksyon ng himig sa taludtod ay nahayag sa ritmo, dahil. ang melody ay "magkasya" sa isa sa anim na ritmikong mga mode ("mga pattern") - "artipisyal" na mga ritmikong numero.

Noong ika-12 at ika-13 siglo, ang gawain ng mga troubadours ay dumating sa Alemanya, ang mga teksto mula sa Pranses ay isinalin sa Aleman, at ang kanilang sariling mga tula ay lumitaw sa mga kilalang himig. Dito ang mga makata-mang-aawit ay tinatawag na minnesingers. Umunlad ang Minnesang sa mga korte - imperyal, ducal (Vienna), landgrave (Thuringia), Czech royal (Prague), kung saan ginanap ang mga kumpetisyon sa pag-awit. Ang pinakamalaking kinatawan ng minnesang noong ika-12–15 na siglo: Dietmar von Eist, Walther von der Vogelweide, Nidgart von Roventhal, Oswald von Wolkenstein. Si Oswald von Wohl, ang may-ari ng kastilyo ng pamilya, ay naging isang lalaking ikakasal, isang pilgrim, isang kusinero, at isang minnesinger knight. Si Heinrich ng Meissen ay binansagang "Frauenlob" ("Praiser of Women"). Si Adam de la Halle ang huli sa mga trouveur, isang edukadong makata at kilalang musikero na nagpalaganap ng malikhaing prinsipyo ng mga troubadours sa Italya. Sumulat siya ng polyphonic rondos at ballads at inilatag ang pundasyon ng musical at theatrical genre - siya ang unang lumikha ng court comedy performance na may musika. Laro tungkol kay Robin at Marion(tungkol sa pagmamahal ng isang kabalyero para sa isang pastol).

Mga Musikero ng Lungsod ( mga juggler, mga minstrel, spielman). Mula noong ika-9 na siglo lumilitaw ang impormasyon tungkol sa mga katutubong musikero, na ang awit at instrumental na repertoire ay magiging batayan ng sekular na mga liriko ng musika sa ika-12-13 siglo. Ang mga juggler, minstrel, shpilman ay mga musikero-artisan. Karamihan sa kanila ay gumala mula sa lungsod patungo sa lungsod, nagtanghal sila sa mga pista opisyal. Ang ilan ay nanirahan at naging mga trumpeter at drummer ng lungsod, mang-aawit, mime, aktor, performer sa iba't ibang mga instrumentong pangmusika (viel - isang uri ng biyolin, alpa, plauta, alampay - isang uri ng oboe, organ, atbp.). Kadalasan sila ay nagtatrabaho sa paglilingkod sa mga nakatatanda. Kabilang sa mga libot na apprentice, ang mang-aawit, makata at manunulat ng dulang si Hans Sachs ay naging tanyag, na naglakbay sa mga lungsod ng Alemanya at pinamunuan ang kilusang Meistersinger sa Nuremberg.

Ang Simbahang Katoliko ay hindi nakilala ang anumang musika, na bumubuo ng "perpektong sining" (ars perfectum) - ang mga musikal na anyo na nauugnay sa pagsamba. Ang mga utos ng mga konseho ng simbahan at ang mga pahayag ng mga pangunahing teologo na nababahala sa banal na pagpapalaki ng mga mananampalataya ay naglalaman ng mga pagbabawal sa pag-awit ng babae, pagsasayaw at mga katutubong ritwal, mga gumagala na mang-aawit at musikero, na tinatawag silang mga histrion, sa simbahan. Sa pamamagitan ng pagtuturo sa moral ng mga klero at mga parokyano, naprotektahan ng simbahan ang sarili mula sa buhay ng mga layko. Ang kultura ng musika ay pinagsama sa dalawang layer: kulto at sekular, eklesiastiko at sekular. Gayunpaman, mula sa ika-12-13 siglo. Ang "mga taong gumagala" ay nagsisimulang lumahok sa mga espirituwal na pagtatanghal, sa mga yugto ng serbisyo kung saan kinakailangan ang pagganap ng mga tungkulin sa komiks, o kung saan ang serbisyo ay isinagawa sa mga lokal na wika.

Kulto at sekular na musika noong ika-13–14 na siglo

Ang mga tampok ng sekularisasyon ng musika ng simbahan ay nagsimulang lumitaw sa ika-12-13 siglo. Ang mga sekular na imahe ay tumagos sa mga espirituwal na tema, at ang mga anyo ng liturhiya ay nagiging mas kahanga-hanga. Ang Gregorian chant ay nananatiling isang obligadong bahagi ng paglilingkod sa simbahan, ngunit ang mga posibilidad ng polyphonic presentation nito ay ipinahayag depende sa indibidwalidad ng may-akda. Ang mga panrehiyong polyphonic na paaralan ay ginagawa. Ang terminong "musica composita" (J. de Groheo, simula ng ika-14 na siglo), na malapit sa hinaharap na terminong "komposisyon", ay lumilitaw, ibig sabihin, sa pamamagitan ng pagkakatulad sa ginamit ng mga Muslim mula noong ika-9 na siglo. ang terminong "tarkib" (Arabic - "compilation"), - "composed music". Mayroong kumbinasyon ng pamamaraan ng sining ng simbahan na may mga katangian ng sekular.

Ang mga bagong anyo ng sagradong musika ay umuunlad, kung saan ang liriko na simula ay ipinakita. Sa Italya, kumakalat ang mga papuri sa himno (lauda), ipinakilala ang maikling rhymed prosa, malapit sa sekular na liriko. Sa pag-unlad ng espirituwal na maling pananampalataya (ang Franciscan order), ang mga espirituwal na awit ay lumitaw sa lokal na diyalekto. Sa France, binuo ni Arsobispo P. Corbeil ang "prosa ng asno" na naging tanyag, na pinuri ang asno at inilaan para sa kapistahan ng pagtutuli. sa Espanya noong ika-13 siglo. sa korte ng Hari ng Castile na si Alphonse X the Wise - isang makata, musikero, patron ng mga agham, espirituwal na lyrics ay umunlad: isang koleksyon ng mga himno (cantig) na nakatuon sa Birheng Maria ay lumitaw (higit sa 400 mga kanta sa Galician dialect). Ipinapahayag nila ang batayan ng awiting bayan, may mga koro, at isang instrumental na grupo ang nakikilahok sa kanilang pagtatanghal.

Motet. Gimel.

Ang hitsura at pag-unlad ng estilo ng treble ng pag-awit sa pagsasanay sa simbahan ay naiimpluwensyahan ng mga katutubong musikal na tradisyon, ang kanilang mga intonasyon at mga elemento ng katutubong "discordant" na pag-awit. Noong ika-12 siglo ang diwa ng kultura ng korte ng Pransya noong panahon ni Louis IX ay nagbibigay ng bagong genre - motet, na bumubuo ng multi-tiered polyphony. Ang motet ay naging nangungunang genre, "ang gothic miniature ng Middle Ages". Ang lumalagong trend patungo sa pagpapahayag ng mga makatotohanang imahe, patungo sa kanilang indibidwalisasyon, ay pinakamahusay na ipinakita sa genre na ito, na naging angkop para sa paglikha ng sagrado at sekular na musika. Bilang karagdagan sa bagong himig, nagsimula ring tumunog ang mga bagong salita dito. Sa chorale na inaawit sa Latin, isa pang himig (ilang himig) ang idinagdag na may teksto sa isang karaniwang wika, kadalasang nakakatawa, mapaglaro o erotikong nilalaman. Naging katangian ang mga pag-uulit (maindayog, motibo) at ang anyo ng kanta-couplet. Kapansin-pansin sa pagiging diminutiveness, playfulness at lyricism nito, dinagdagan ng motet ang grandious polyphonic "canvases" na may mas virtuoso technique at nag-ambag sa pagbuo ng indibidwal na pagkamalikhain. Ang mga motet ay tumunog sa mga kasiyahan, mga paligsahan, mga libangan at mga seremonya. Sa labas ng simbahan, sila ay ginanap na sinamahan ng ilang instrumento, at mula sa ikalawang kalahati ng ika-13 siglo. lumitaw ang mga instrumental na motet.

Ang pamumulaklak ng polyphony sa France ay humantong sa paglitaw ng isang mature na polyphonic na pagsulat, na hindi agad naabot ang kumbinasyon ng ilang mga independiyenteng (kapwa sa ritmo at sa himig) na mga tinig, na malalaman sa 16-18 na siglo. (ni J. Palestrina o J.S. Bach). Ang isa sa mga impulses na nagdala ng polyphonic style na mas malapit sa taas nito ay ang estilo ng pag-awit na kumalat sa England (gimel, mamaya - fabourdon). Ang paraan ng English folk singing ay nagdala ng mga kumbinasyon ng mga tinig sa pag-awit sa simbahan na bumuo ng mga patayong pagitan ng ikatlo at ikaanim, na itinuturing na hindi perpekto sa teorya ng simbahan. Binalangkas nila ang "problema" ng pagbuo ng mga bagong (di-ekklesiastikal) na mga mode - major at minor, kung saan ang ikatlong pagitan ay mangingibabaw. Sa isang banda, ang medieval na pagsasanay ng polyphonic na pag-awit, tulad ng dati, ay naghangad na "lumayo" mula sa kumbinasyon ng mga tinig sa kahabaan ng patayo at nagsimulang bumuo ng higit pa at higit pa sa kanilang linear (hindi gaanong umaasa sa bawat isa) na kilusan - counterpoint. Ngunit, sa kabilang banda, ang "paghahanap" para sa tertian tuning na nagbibigay-kasiyahan sa tainga (sa isang patayo, at hindi sa isang progresibong melodic na kumbinasyon - sa isang harmonic) ay magpapatuloy. Sa panahon ng mature Middle Ages, ang major-minor na modal system ay magsisimulang mag-kristal, na magiging mga detalye ng Western European musikal na pag-iisip sa modernong panahon, batay sa homophonic-harmonic technique.

MGA TAMPOK NG RENAISSANCE SA MUSIKA

"Bagong Sining" (ars nova).

Ang imahe ng isang propesyonal na musikero, na nabuo sa panahon ng Middle Ages sa simbahan, sa pagliko ng ika-13-14 na siglo. ay kinukumpleto ng imahe ng isang naliwanagang aristokrata na bumubuo ng musika para sa simbahan at para sa sekular na lipunan. Ang isang propesyonal ay kailangang magkaroon ng kaalaman sa mga batas sa musika, scholarship, na hindi alam ng isang karaniwang mahilig sa musika. Nagkaroon ng pag-unawa sa independiyenteng kahalagahan ng musika, ang kakayahang "bumuo" ayon sa sarili nitong mga batas at maging mapagkukunan ng kasiyahan. Ang pagtitiyak ng interaksyon ng kulto at sekular na musikal na propesyonalismo ay ipinakita sa demarcation ng musikal at patula na sining sa: "bagong sining" (ars nova) at "lumang sining" (ars antiqua). Ang Pranses na musikero, makata at pilosopo na si Philippe de Vitry (1291–1361), may-akda ng treatise Ars nova(c. 1320). Tinukoy ng gawaing ito ang isang bagong "vector" ng pag-unlad ng musika, na naiiba sa kultong itinatag bago ang panahong iyon. Ito ay ipinahayag hindi lamang sa pagkilala sa mga pagitan ng semitone bilang "hindi mali", at pangatlo bilang euphonious (consonance), kundi pati na rin ang mga bagong metro-rhythmic divisions – dalawang bahagi, pandagdag sa tatlong bahagi na nangingibabaw sa simbahan. Sa paglikha ng mga miniature lyrical motets, rondos, ballads, nagbago ang figurative structure ng propesyonal na musika. Ang isorhythmic technique (ostinato-variation principle) ay lumilitaw sa gawain ng mga kompositor: ang pagpapalaki ng mga tagal ng mga tono ng mas mababang pundamental na boses (melodic ostinato o pag-uulit - "cantus prius firmus") na may mga nakatataas na boses na bumubuo ng isang mobile light superstructure sa itaas nito. paulit-ulit na chorale ang himig ay tumigil sa paglalaro ng isang matalinghagang-melodiko na papel, ngunit nagiging salik ng maharmonya na patayo - ito ay ritmo na magkakasamang nag-aayos ng lahat ng mga tinig.

Ang tatlong-bahaging motet ng makata at kompositor na si Guillaume de Machaux (c. 1300–1377), na nagsilbi bilang cantor ng Notre Dame Cathedral at sekretarya ng Hari ng Bohemia, si John ng Luxembourg, ay nakakuha ng malaking katanyagan. Ang musika ay tumigil na maging isang "banal na agham", ito ay naging isang pagpapahayag ng makalupang prinsipyo: "Ang musika ay isang agham na nagsusumikap para sa atin na magsaya, kumanta at sumayaw" (Masho). Ang mga kompositor na patuloy na nagtatrabaho para sa simbahan ay hiniram ang ekspresyong istilo nito mula sa musikang ars nova. Noong ika-14 na siglo sa Italya ay lumitaw ang ilang matingkad na personalidad sa musika na nagsulat ng musika mula sa inspirasyon at bumuo ng kanilang sariling mga melodies para sa polyphonic na masa. Nangibabaw ang mga misa at mga mote ng simbahan, ngunit lumitaw din ang mga sekular na genre - madrigal, caccha, ballad. Nagpatuloy ang malikhaing landas ng mga troubadours, ngunit may ibang propesyonal na pamamaraan - polyphonic, na may mas malawak na hanay ng mga artistikong larawan. Kabilang sa mga namumukod-tanging musikero noong panahong iyon ay ang bulag na birtuoso na organista na si Francesco Landini (1325-1347), ang may-akda ng sikat na dalawa at tatlong boses na madrigal at languid-lyrical ballad.

Netherlandish (French-Flemish) polyphonic school noong ika-15–16 na siglo

Mula sa simula ng ika-15 siglo ang hilagang bahagi ay nagsimulang gumanap ng isang aktibong papel sa kultura ng musika ng Europa. Matapos ang pagsasama ng Netherlands sa mga pag-aari ng mga duke ng Burgundy, ang pakikipag-ugnayan ng mga tradisyon ng musikal na Pranses, Burgundian at Ingles ay tumitindi, na nagbibigay ng isang bagong propesyonal na paaralan ng mga polyphonic masters, na kumakalat ng impluwensya nito sa Italya, Espanya at mga kolonya. ng Bagong Daigdig. Noong ika-15-16 na siglo. Ang mga musikero ng Dutch ay nagtrabaho sa halos lahat ng mga pangunahing sentro ng lungsod sa Europa. Ang kanilang musika ay malinaw na nagpahayag ng espirituwal na prinsipyo na nauugnay sa matayog na mga ideya ng pananampalatayang Katoliko. Sa pag-asa sa mga nagawa ng Romanong paaralan ng musika ng simbahan, nagawa nilang patabain ang tradisyong ito ng mga bagong impulses mula sa panahon ng Arsnova, na nagbibigay sa musika ng simbahan ng isang pambihirang kapangyarihan ng artistikong kagandahan at pagiging perpekto. Ang mathematically rational na kasanayan ng polyphonic technique ay ipinakita sa tunog ng polyphonic choirs na umaawit nang walang saliw (a capella). Ang bagong choral polyphony ay resulta ng maraming phenomena na pinagtibay ng Dutch: orthodox chorale, polyphonic secular motets, pag-awit ng “in thirds” ng English, ang Flemish folk song at ang melodic Italian frotolla. Ang polyphony na ito ay nagsiwalat ng isang one-dimensional na tunog sa koro, na maaari lamang makamit sa organ. Ang balanse ng 4 o 5 na boses at ang malawak na hanay ng kanilang tunog (dahil sa pagkakasangkot ng mga mababang boses na pumalit sa mga falsetto) ay lumikha ng tuluy-tuloy na daloy ng musika, kung saan ang isang boses ay "nagpapatong" sa isa pa. Ito ay ang tuktok ng choral linear polyphony.

Sa paglilingkod sa simbahan, ang misa ay nagiging sentro, na nakakakuha ng katayuan ng isang independiyenteng genre ng musika. Sa akda ni Guillaume Dufay (1400–1474), ang apat na tinig na masa ay naging isang gawa ng sining mula sa magkakaibang bilang, nang ang pagsasama-sama ng mga bahagi ng serbisyo at ang kanilang intonasyon na pagkakaisa ay bumuo ng isang espesyal na integridad ng musika. Ang pagbibigay pugay sa mga sekular na motet, ang kompositor ay "naghahabi" ng mga katutubong melodies sa mga tinig ng misa, na nagha-highlight sa kanila sa kaluwagan, madalas na umaasa sa chord warehouse. Ang master ng polyphonic technique ay si Jan Okeghem (1428–1495), na may maraming tagasunod. Nakabuo siya ng mga pamamaraan para sa panggagaya (pag-uulit) ng isang himig sa iba't ibang boses (reversal, compression, overlay, atbp.). Mabisang pinapalitan ang buong tunog ng koro at ng mga grupo nito, nakamit niya ang tuluy-tuloy na pagkalikido ng tela ng musikal. Ang musika ay hindi nawala ang relihiyosong katangian nito, ngunit ang chorale ay nawala ang papel ng pundasyon sa polyphony, dahil. ang kanyang himig ay maaaring pumasa mula sa tinig patungo sa tinig at maaawit mula sa ibaba at mula sa itaas. Kadalasan, sa halip na isang koro, ang tungkulin ng pangunahing himig (cantus firmus) ay ginampanan ng isang himig na binubuo ng may-akda o isang kilalang kanta. Sa kasong ito, ang misa ay nakatanggap ng isang espesyal na pangalan o wala ito sa lahat (Okegem - Misa na walang pangalan, J.Despres - La Sol Fa Re).

Ang mga kilalang master ng Flemish polyphony ay sina Heinrich Isaac (c. 1450–1517) at Jacob Obrecht (c. 1430–1505). Ngunit nakamit ni Josquin Despres ang isang espesyal na papel sa organikong kumbinasyon ng simbahan at folk-secular melodic na prinsipyo sa choral polyphony. Sinulat niya ang parehong espirituwal na masa at sekular na madrigal, chanson. Ang kanyang musika ay kinikilala ng mga kontemporaryo bilang ang ideal ng "perpektong sining" ng simbahan, dahil hindi niya ginawang kumplikado ang polyphonic technique, ngunit lumikha ng isang mahigpit na "enlightened style" ng polyphonic writing. Ang katotohanang ito ay napakahalaga para sa pag-unlad ng musika ng simbahan, dahil ang independiyenteng kahalagahan ng musika ay hindi tinatanggap ng mga ministro ng simbahan, na nagtalaga dito ng tungkulin ng "nakatutuwang isip na may pag-awit, upang sila, na nasasabik, ay mas maunawaan ang kahulugan ng mga awit na ito" (Melanchthon).

Ang polyphonic technique sa "mahigpit" na istilo ng contrapuntal na pagsulat ay umabot sa tugatog nito sa akda nina O. Lasso at J. Palestrina. Pinagsama ni Lasso ang pamamaraan ng polyphonic na kasanayan ng simbahan sa sekular na imahe, espesyal na theatricality at emosyonalidad, carnivalism at wit (komposisyon Echo para sa dalawang koro). Pinagsama niya ang polyphonic at harmonic na mga prinsipyo ng tunog, ipinakilala ang mga nagpapahayag na chromatism, melodic ornaments, dramatic recitations (katulad ng operatic ones) sa sekular at espirituwal na mga gawa. Si Palestrina, na nagtrabaho sa pinakamalaking kapilya sa Roma at lumahok sa mga reporma ng Konseho ng Trent, ay kinilala bilang "tagapagligtas ng musika ng simbahan" sa panahon ng "nakakasakit" ng sekular na propesyonalismo. Ang may-akda ng maraming misa, motet, magnificats, hymns, madrigals (sekular at espiritwal), siya ay naging isang modelo ng estilo ng mahigpit na contrapuntal na pagsulat, kapag ang pagpapatuloy at patuloy na pagbabago ay artistikong makabuluhan. iba't ibang boses sa koro, ang paglipat ng melodic initiative mula sa boses patungo sa boses. Ang gayong mahusay na "paghahabi" ng mga tinig ay hindi nakakubli sa mga salita at epektibong binigyang-diin sa pamamagitan ng pagsisimula ng isang bagong melodic na linya o ng pagbabago sa mga rehistro. Artistically makabuluhang ay ang musikal komposisyon ng iba pang Renaissance masters: ang Italyano G. Allegri, ang Englishman T. Tallis, at iba pa.

Instrumental na musika ng Renaissance.

Noong ika-15-16 na siglo. Ang instrumental na musika ay nagsisimulang tumayo bilang isang malayang tradisyon at mabilis na kumalat sa pang-araw-araw na buhay, mga salon, sa mga korte at sa simbahan. Ang lute ay nakakakuha ng mahusay na katanyagan sa pang-araw-araw na buhay. Kasama ng mga espirituwal na komposisyon, ang unang naka-print na mga koleksyon ng musika ay nag-aalok ng mga instrumental na piraso para sa lute (tatlong lute tablature na pinagsama-sama ni O. Perucci noong 1507-1509). Gayunpaman, ang materyal ng instrumental na repertoire ay higit sa lahat ay nagmula sa boses - ito ay mga pagsasaayos ng mga motet, chanson, folk melodies at chorales. Sa pagtugtog ng organ, lute, at early claviers, ang mga prinsipyo ng iba't ibang pagpapatupad ng isang tema-melody ay nabuo (halimbawa, organ at clavier na mga gawa ng Espanyol na kompositor na si F. Antonio Cabezon (1510–1566)). Ngunit ang simbahan, na pinahihintulutan ang mga instrumental na tunog, ay nag-utos: “Hayaan ang mga obispo na pigilan ang pagtugtog ng organ upang mapakinggan ninyo ang mga salitang inaawit, at upang ang mga kaluluwa ng mga nakikinig ay bumaling sa papuri sa Diyos sa pamamagitan ng mga sagradong salita , at hindi sa mausisa, kawili-wiling mga himig” (Resolution of the Cathedral in Toledo , 1566).

Madrigal.

Ipinakilala noong ika-14 na siglo pinakamalinaw na ipinahayag ng madrigal genre ang bagong sekular na vector sa pag-unlad ng kulturang musikal. Batay sa mga mapagkukunan ng katutubong awit, ang musika ay pinagsama sa mga gawa ng mga makata ng Renaissance. Ang mga Madrigal ay mga tula, pangunahin ang nilalaman ng pag-ibig, na nilayon para sa pag-awit sa kanilang sariling wika, na isinulat ni F. Petrarch, G. Boccaccio, P. Bembo, T. Tasso, L. Ariosto at iba pa. Ang pagnanais para sa kahalayan ay nakikilala ang genre na ito, na kung saan naging tanyag hindi lamang sa Italya, kundi pati na rin sa France, Germany, England. Pinagsama nito ang mga bagong prinsipyo ng homophonic-harmonic ng musikal na wika, habang ang mga bagong dramatikong posibilidad ng melody ay masinsinang binuo, ang kakayahang "ipahayag" ang mga luha ng tao, mga reklamo, mga buntong-hininga o isang hininga ng hangin, daloy ng tubig, mga huni ng ibon. pagtuklas makasaysayang pagpapatuloy sa mga liriko ng troubadours at trouvers, ang madrigal ay umunlad hanggang sa simula ng ika-17 siglo. at pinagkadalubhasaan ang mga prinsipyo ng polyphony, na binuo sa mga sekular na genre: motet, kachcha, frotolle. Noong ika-16 na siglo Ang mga indibidwal na tinig sa madrigal ay nagsimulang mapalitan ng mga instrumento, na nag-ambag sa pagsilang ng isang homophonic-harmonic na bodega ng musika - ang primacy ng melody na may instrumental na saliw. Kasabay nito, lumitaw ang isang theatrical play na may musika - isang madrigal comedy (O. Vecchi, G. Torelli, atbp.), Malapit sa commedia dell'arte, kung saan lumitaw ang typified, tulad ng sa mga unang opera. mga katangiang pangmusika mga tauhan: katuwaan, galit, kalungkutan, paninibugho, panlilinlang, atbp. Ang kinikilalang master ng madrigal ay ang Italyano na si Carlo Gesualdo di Venosa (c. 1560–1615), na nakamit ang espesyal na melodic expression, na dinala ng mga bagong intonasyon na hindi batay sa diatonic , ngunit sa mga chromatic interval . Nagkaroon din ng genre ng chanson na malapit sa madrigal, na malawak na kumalat sa France. Mga eksena ng buhay sa lungsod, mga sketch ng kalikasan ( Awit ng ibon, Ang mga sigaw ni Paris, Satsat ng mga babae sa labahan) ay ipinakita sa mga sikat na kanta ni Clement Janequin (c.1475 - c.1560), pinuno ng mga kapilya sa Bordeaux, Angers, Paris at mang-aawit ng Royal Chapel. Bumisita siya sa Italya sa kanyang kabataan, kasama ang kanyang panginoon sa panahon ng "Mga Digmaang Italyano" (1505-1515), na nag-ambag sa pagkalat ng mga sekular na aristokratikong tradisyon ng Italya sa France at ang paglitaw ng kanilang sariling kultura ng musikal sa korte. Ang madrigal genre ay tumagos sa England, kung saan ang gawa ni John Dowland ay namumukod-tango.

Florentine Camerata. Drama sa bawat musika

("drama sa pamamagitan ng musika")

Nakuha ng mga ideya ng Renaissance ang isipan ng mga musikero sa ibang pagkakataon kaysa sa ibang mga larangan ng sining. Ang mundo ng musika ay "nahati" sa mga ideya tungkol sa kung paano dapat isama ang sinaunang Griyego sa musika ng ika-16 na siglo. Maraming mga siyentipiko ang yumuko sa Dutch polyphony ng J. Despres at sumalungat sa mga inobasyon ng iba pang mga musikero. Sa mga bilog ng korte ng Italya sa ikalawang kalahati ng ika-15 siglo. Ang mga independiyenteng asosasyon ng mga siyentipiko, makata, musikero (akademya) ay bumangon, kung saan ang mga bagong mithiin ay ipinahayag, tinatanggihan ang sining ng simbahan at nakatuon sa sinaunang panahon. Ang kompositor, lutenista at matematiko na si Vincenzo Galilei (1520-1591) ay naging inspirasyon ng mga artista at siyentipiko na bumubuo sa Florentine Camerata - isang aristokratikong komunidad ng mga taong katulad ng pag-iisip, kabilang ang mga makata, musikero, at artista. Sa trabaho Dialogue sa sinaunang at modernong musika(1581) tinutulan niya ang polyphony, para sa isang homophonic na istilo ng pagsulat, na nagdedeklara na sa "perpektong sining" ng simbahan ay walang anuman mula sa mga sinaunang klasiko at tinawag ang Netherlands na "medieval barbarians." Para sa mga miyembro ng camerata, ang mga karanasan ng tao ay sentro, na kanilang tinasa bilang "creative novelty" (inventio). Isang koleksyon ng mga madrigal at aria na monophonic, tinawag ni Giulio Caccini (1550–1618). Bagong musika(1601). Ang kompositor ay naging tanyag bilang imbentor ng "nagpapahayag" na istilong monophonic at recitative na pag-awit, na may emosyonal na kulay. Ang huling paghihiwalay ng simbahan (polyphonic) at sekular (homophonic) na mga uri ng musika ay ipinahayag niya sa anyo ng isang bagong malikhaing kredo ng musikero: upang bumuo ng musika "sa sariling paghuhusga" at upang payagan ang "mga pagbubukod sa anumang mga patakaran. " na itinatag ng mga canon ng simbahan.

Ang kasagsagan ng kultura ng korte ay ipinahayag sa mga genre ng musika at teatro. Ang pagkakaroon ng isulong ang ideya ng muling pagkabuhay ng sinaunang trahedya ng Griyego, ang aristokrasya ay hindi umaasa sa mga drama ng Sophocles o Euripides, ito ay nahilig sa mga imahe ng divertissement, sa isang hedonistic na interpretasyon ng mga mythological plot. Nagawa ng mga Florentine na lumikha ng kung ano ang magiging mula sa ika-18 siglo. katangian ng opera. Sa kanilang unang mga palabas sa teatro - "mga drama sa pamamagitan ng musika" ( Daphne, Eurydice J. Peri), ang himig ay nagsimulang mangibabaw (aria), ang synthesis ng musika sa salita ay natanto sa recitative-declamatory style ng pag-awit. Ang mundo ng pastoral, alien sa trahedya at espirituwal na banggaan, na ipinahayag sa mga musikal na drama ng mga Florentine, ay kinumpleto ng malikhaing henyo ni Claudio Monteverdi. Iniharap niya ang ideya ng isang "bagong pamamaraan" sa sining ng isang "nasasabik at militanteng istilo". Ang kanyang trabaho ay hindi naka-istilong, ngunit sa madrigals at arias pinamamahalaang niyang malinaw na isama ang parehong mga larawan ng kalikasan at ang mental na estado ng mga karakter, lalo na sa mga produksyon na tinawag niyang "tales on music": Orpheus ( Orpheus), Seneca at Ottavia ( Koronasyon ng Poppea), reklamo ni Ariadne ( Ariadne). Sa gawa ng Monteverdi, nagmula ang opera, sa unang pagkakataon na umabot sa isang synthesis ng musika, mga salita at aksyon sa entablado sa mga katangian ng operatic form: arias, recitatives, duets, choirs, instrumental ritornellos. Ang Opera ay isang napakagandang resulta ng musikal ng Italian Renaissance.

Baroque music (ika-17 - unang bahagi ng ika-18 siglo)

Maagang ika-17 siglo - ang oras kung kailan ang mga tampok ng istilong Baroque ay nagpapakita ng kanilang sarili sa sining. Sa mga sekular na anyo, ang musika ay lumalapit sa panitikan at nawawala ang koneksyon nito sa matematika. Ang musikal na sining ay hindi na isinasaalang-alang sa sistema ng quadrium, ngunit lumalapit sa retorika at, kasama ng gramatika at lohika, ay kasama sa trivium. Ang pagbuo ng mga instrumental na genre ay naghihiwalay sa musika mula sa tula at sayaw. Isang tatlong-volume na treatise ng German organist at kompositor na si Michael Praetorius (1571–1621) ay nai-publish Syntagma musicum(1615–1619), kung saan ang mga anyo ng sagrado at sekular na musika, mga instrumentong pangmusika (ogranography) at mga terminong pangmusika, pagtukoy sa kakanyahan ng mga vocal genre na katangian ng kanilang panahon (motet, madrigal) at instrumental (concert, prelude, fantasy, fugue, toccata, sonata, symphony), mga sikat na sayaw (allemande, courant, galliard, volta), atbp.

Ang mga detalye ng wikang pangmusika noong ika-17 siglo. nagpapakita ng sarili sa isang halo ng iba't ibang mga diskarte, estilo, mga imahe, sa kumbinasyon ng "luma" at "bago". Nangibabaw ang polyphonic technique, ngunit ang recitative-declamatory, textural-fantasy ay nagsisiksikan dito. Ang pagsasama-sama ng paglilingkod sa simbahan sa paglilingkod sa mga panginoon, ang mga musikero ay umasa sa iba't ibang mga estilo, na inihambing ang mga ito sa isang komposisyon: isang awit na aria na may isang Gregorian na awit, isang madrigal na may isang espirituwal na motet at isang konsiyerto. Ang kakayahang magpatawa, magpasaya sa isang tao, at sa parehong oras ay purihin ang Diyos, na umaangat sa pang-araw-araw na buhay - ang gawain ng isang musikero sa panahong ito. Ang kakayahan ng may-akda, ang propesyonal na kalidad ng musikal na "bagay" (komposisyon), na hindi nawawala sa isang panandaliang pagganap (improvisasyon), ngunit napanatili sa pagsulat sa mga manuskrito at publikasyong pangmusika (pag-print ng notasyon - mula sa katapusan ng ika-15 siglo. ) ay napapailalim sa pagtatasa. Mula sa katapusan ng ika-16 na siglo sa Italy, lumalabas ang terminong "composer".

Mga tampok ng Baroque sa Italya.

Sa Italya, ang mga bagong sekular na genre ng musika ay umuusbong at nakakakuha ng momentum. Ang Opera, na nagmula sa mga aristokratikong salon, ay demokrasya at nagmamartsa sa iba't ibang lungsod ng Italya at higit pa. Noong ika-17 siglo Isang uri ng opera-seria ("seryosong opera") ang binuo, batay sa mga mitolohiya at makasaysayang-bayanihang plot. Ang Venetian (M.A. Chesti, F. Cavalli) at Neapolitan (A. Scarlatti) ay nakakuha ng katanyagan mga paaralan ng opera. Kasama ng vocal at theatrical music, bagong genre ang umusbong: ensemble-instrumental concerto, solo - sonata, large-scale vocal at instrumental cycle - oratorio, maliit na organ at clavier na piraso - fantasies, toccatas, preludes; ang mga bagong polyphonic form ay ipinanganak (sa pamamaraan ng libreng counterpoint) - ricerkar, fugue; ang kagustuhan ay ibinibigay sa pang-araw-araw na ritmo at melodies - sayaw sa mga suite, kanta sa arias, canzones, serenades. Ang Baroque ay ipinakita sa isang pagkahilig para sa mga kaibahan (dynamic, textural, instrumental) at makasagisag na kalunos-lunos, pagpapahayag, kabayanihan at kalunos-lunos, isang paghahambing ng clownish at ang dakila. Ang pangunahing prinsipyo ng pag-iisip ng musikal ay nagsisimulang magbago - mula sa polyphonic hanggang homophonic-harmonic, kapag ang pangunahing bagay ay ang pagkahumaling ng hindi matatag na mga chord hanggang sa mga matatag. Ang isang paglipat ay ginagawa mula sa medieval modal system (modal) patungo sa isang bago - major-minor). Sa pagliko ng ika-16-17 siglo. Ang modal sounding ay naiiba sa modernong isa, ang pagpili ng ilang mga agwat, kaliskis, chord ay patuloy pa rin, ngunit ang masining na pagpapahayag ng hindi lamang katinig, kundi pati na rin ang dissonance (ikatlo, segundo) ay nagsimula nang makilala.

Ang mga tampok ng Baroque ay pinaka-malinaw na kinakatawan sa gawain ng mga Italyano na kompositor ng organ. Iniharap ng Venetian polyphonic school sina Andrea at Giovanni Gabrieli, na nagkumpara ng mga vocal at instrumental na tunog at nagpakilala ng chordal texture. Si G. Gabrieli (1557-1612/13) ay nagsimulang gumamit ng mga dinamikong indikasyon, ipinakilala ang mga pampakay at maindayog na pag-uulit, lumikha ng mga instrumental na komposisyon na malapit sa umuusbong na bagong sekular na genre ng konsiyerto.

Mga tampok ng Baroque sa Hilaga ng Europa.

Ang musika ng hilagang bahagi ng Europa ay nagpakita ng parehong mga tampok na pangkakanyahan, ngunit sa isang bahagyang naiibang paraan. Ang mga sekular na tradisyong musikal, na mabilis na umunlad sa Italya sa pagsisimula ng ika-17 siglo, ay umusad nang mas mabagal dito at, kaugnay ng kilusang Protestante, ay nanatiling nakagapos sa loob ng mahabang panahon sa loob ng balangkas ng simbahan. Ang Dutch polyphonic school ay nakalimutan, ngunit ang mga prinsipyo nito ay ginamit sa Austro-German na lupa, sa musika ng simbahang Protestante. Ang mga espirituwal na komposisyon ay napuno ng estilo ng opera na nagmula sa Italya at ang lohika ng pag-unlad ng tonal-harmonic. Ang gawa ni Heinrich Schütz (1585–1672), na mas gusto ang mga misa sa simbahan, mga mote, at mga magnificat, ay nagpapahiwatig. espirituwal na konsiyerto, oratorio ( Sagrado symphony, Simbuyo ng damdamin ayon kay Matthew at iba pa.). Bilang isang musikero ng korte, ministro ng simbahan sa mga korte ng German Electors at Landsgraves, nag-ambag siya sa pagbuo ng liturhiya ng Protestante. Batay sa kumbinasyon ng teatro at ang madrigal ng mga Italyano na may kabaligtaran ng Netherlands, ang kanyang pagluwalhati sa Diyos sa musika ay napuno ng sigla, nang hindi nawawala ang dakilang kalinisang-puri. Kaya musika ng simbahan hilagang Europa puspos ng mga makamundong katangian. May malinaw na pagpapatuloy sa pagitan ng Schütz at ng mga choral masters noong ika-18 siglo. - J.S. Bach at G.F. Handel, kung saan naging sentro ang genre ng oratorio at cantata. Bilang mga kontemporaryo, binuo ng mga kompositor na ito ang musikal na imahe ng kulturang Protestante. At kahit na ang kanilang mga malikhaing talambuhay ay nahulog sa unang kalahati ng ika-18 siglo, ang estilo ng kanilang mga sinulat ay nauugnay sa isang nakalipas na panahon, na tinukoy ng mga tampok ng Baroque. Hindi nagkataon na pinahahalagahan ng mga kontemporaryo ang mga gawa hindi ng dakilang Bach, kundi ng kanyang mga anak. Si Philipp Emmanuel Bach, isang mahusay na manlalaro ng cembalo, ay nagkaroon ng malaking tagumpay, gumawa siya ng mga naka-istilong sonata, kung saan ang bagong istilo ng musika klasisismo. Ang sukat ng pagkamalikhain at kasanayan ni J.S. Bach ay pinahahalagahan lamang noong ika-19 na siglo, nang mag-organisa si F. Mendelssohn-Bartholdy ng isang pampublikong pagtatanghal Si Matthew Passion(Berlin, 1829). Ang karunungan ni Bach ay nagulat sa lahat: "Hindi" Stream "[German" der Bach "- ang apelyido ng kompositor], ngunit" The Sea "ay dapat tumawag sa kanya!", - kaya matalinhagang tinasa ang kadakilaan ng musika ni Bach na L. Beethoven.

Ang gawain ni J.S. Bach ay ang rurok ng libreng polyphonic na pagsulat, ang batayan nito ay ang fugue (literal na "tumatakbo"), kapag ang mga tinig ay pumasok sa turn na may parehong maikli ngunit nagpapahayag na tema, inuulit ito (imitasyon) sa iba't ibang mga rehistro at sa iba't ibang Kulay. Ang mga boses (dalawa, tatlo o apat) ay nabuo nang sabay-sabay, na nagpapatunay ng kanilang pagkakapareho. Nakamit ni Bach ang mga taas sa kumbinasyon ng makatwirang "konstruksyon" ng musika ayon sa mga batas ng counterpoint at artistikong pagpapahayag ng mga imahe, harmonic at tonal development, at timbre finds. Ang makasagisag na istraktura ng kanyang mga gawa - choral (cantatas, oratorio, masa, Magnificat, na sumasakop sa pinakamalaking bahagi ng kanyang malikhaing pamana) at instrumental (toccatas, fugues, preludes, organ arrangement ng chorales, imbensyon, fantasies, atbp.) , puno ng oratorical pathos. Ang malikhaing pagsisikap ng kompositor ay nakatuon sa reporma ng Kristiyanong uri ng pagsamba sa mga kondisyon ng simbahang Protestante. Siya ay isang Lutheran, at ang Protestant chant ang naging batayan ng kanyang gawain. Isang natatanging birtuoso na organista, sa huling yugto ng kanyang buhay ay hawak niya ang nakakahiyang posisyon ng cantor sa Thomas Church sa Leipzig, pinangunahan kapilya ng koro mga lalaki. Sa huli, nakamit niya ang ninanais na posisyon ng "composer ng royal court chapel", na itinalaga sa kanya ng Elector Augustus III. Lumilikha ng pangunahing musika para sa simbahan, nagsulat si Bach ng maraming sekular na komposisyon, na gumaganap sa iba't ibang taon ng mga tungkulin ng isang kompositor ng korte para sa mga duke sa Weimar at Ketten. Gumawa siya ng mga obra maestra ng clavier suite batay sa mga maagang sayaw (Ingles at Mga French suite), orchestral concerto-grosso (6 Mga konsiyerto sa Brandenburg) solo at ensemble instrumental music - sonata, concertos, variations, polyphonic pieces (para sa organ, cello, violin, viola, flute, atbp.).

Ang wika ng musika ng Aleman na kompositor na si Georg Friedrich Handel ay pinagsama ang mga tampok ng baroque sa maagang klasiko. Mahilig magsulat ng Italian opera series, ikinonekta niya ang kanyang kapalaran sa England. Ngunit hindi kinilala ng publikong Ingles ang kanyang mga opera. Pagkatapos ay nagawang "ilapat" ng kompositor ang operatic theatricality at spectacle sa oratorio ( Mesiyas, Hudas Macabeo, Samson). Isinulat niya ang mga espirituwal na gawaing ito hindi para sa simbahan, ngunit para sa bulwagan ng konsiyerto (ginanap sila sa opera house). Kaya, ang musika na may mga kuwento sa Bibliya at mga bayani ay nakakuha ng isang sekular na katayuan, pangkulay ng mga imahe ng simbahan na may dramatiko at kabayanihan na mga indibidwal na karanasan at isang matapang na interpretasyon ng isang espirituwal na plano.

Classicism sa musika noong ika-17–18 siglo

Noong 17-18 siglo. ang sentro ng musikal na propesyonalismo ay lumipat mula sa simbahan patungo sa mga palasyo ng mga hari at maharlika, at sa kalagitnaan ng ika-18 siglo. – sa mga pampublikong institusyon ng lungsod: mga opera house (ang una - sa Venice noong 1637), mga bulwagan ng konsiyerto (ang una - sa London noong 1690) at mga panlabas na lugar, mga aristokratikong salon, mga musikal na lipunan, mga institusyong pang-edukasyon (mga akademya, konserbatoryo, mga paaralan). Ang kultura ng Kanlurang Europa ay nagsasagawa ng isang aktibong "dialogue" sa kultura ng Sinaunang Greece, na nagsimula sa panahon ng Renaissance ng Italya. Ang mga ideyang pilosopikal at masining ay lumitaw, dahil sa pagbabalik sa mga aesthetic ideals ng unang panahon, ngunit may diin sa kakayahan ng isip ng tao na lumikha ng pagkakaisa at kagandahan. Ang isang bagong musikal na aesthetics ay nabuo sa isang apela sa antiquity, na itinuturing na isang modelo ng lahat ng sining. Ang kanilang kakanyahan ay ang paghahayag ng kagandahan hindi sa Diyos, ngunit sa kalikasan, sa tao, at ngayon ang pagiging may-akda, ang masining na ginawa ng kamay ay napapailalim sa pagsusuri. Ang musikal na wika ng panahon ay nabuo - classicism, echoing ang wika ng panitikan at arkitektura. Ang isang espesyal na lugar sa kasaysayan ng musika ay inookupahan ng "Viennese classics" (J. Haydn, W. Mozart, L. Beethoven), na lumitaw bilang isang independiyenteng direksyon ng musika.

Ang mga ideya ng Enlightenment ay nagsilbing impetus para sa mga bagong ideya tungkol sa mga katangian ng musika - ang kakayahang gayahin ang mga tunog ng kalikasan at ang likas na katangian ng pagsasalita ng tao, ang mga ugali ng mga tao. Ang kakayahan ng musika na ipahayag ang mga tampok ng tunog ay naka-highlight iba't ibang tao at pagiging malikhain: "ang mga estilo ng mga musikero ay nagkakaiba sa parehong paraan tulad ng mga estilo ng iba't ibang mga makata." Ito ay humantong sa katotohanan na hindi lamang isang mahilig sa musika, isang artisan, ngunit " henyo sa musika"magagawang" maghanap para sa sariling mga landas "sa sining (H. Schubart, treatise Mga ideya para sa aesthetics ng musikal na sining, 1784). Hindi tulad ng pananalita at tula, ang musika ay itinuturing na isang malayang anyo ng sining - "ang sining ng mga tunog" (M. Shabanon Tungkol sa musika sa tunay na kahulugan ng salita at kaugnay ng kaugnayan nito sa pananalita, wika, tula at teatro, 1785); nauunawaan ang mga batas at layunin nito. Ang mga musikero ay nahaharap sa gawain na maging mas malapit sa isang tao: upang "ibalik ang mga kababalaghan ng mga sinaunang tao", dapat nilang "mapukaw ang mga hilig sa kaluluwa", pukawin ang ilang "mga epekto" sa mga tagapakinig at maranasan ang mga ito mismo (A . Kircher. Treatise Musurgia universalis, 1650). Sa ilalim ng impluwensya ng retorika, lumitaw ang isang teorya ng mga epekto sa musika - ang pagsasaalang-alang ng ilang mga "figure", na, "tulad ng sa tunay na pananalita, ay dapat na hatiin ayon sa kanilang layunin at aplikasyon" (I.N. Forkel Pangkalahatang kasaysayan musika, 1788). Ang mga estado ng pag-iisip (maharlika, pag-ibig, paninibugho, kawalan ng pag-asa, pagdurusa, atbp.) ay inuri, at ang mga elemento ng musika (tempo, timbre, mode, mga katangian ng mga agwat, atbp.) ay itinuturing na nakapagpahayag ng isa o iba pang epekto ( nababagong estado ng pag-iisip) . Nalalapat ito kapwa sa paglikha at pagtatanghal ng musika, dahil perpekto ito kapag "ang isang epekto ay pumapalit sa isa pa, ang mga hilig ay sumiklab at humina sa isang tuluy-tuloy na serye" (C.F.E. Bach Damhin ang tunay na sining ng paglalaro ng clavier, 1753–1762). Ang pagbubuo ng musika (pagsusulat ng tablature at mga tala) ay naiiba sa pagganap nito sa parehong paraan tulad ng pagkakaiba ng nakasulat at pasalitang pananalita (declamation). Mayroong teorya ng musika, na hiwalay sa pagsasanay sa musika. Ang paniniwala sa kapangyarihan ng isip, pag-unawa sa mga batas ng kalikasan, ay humahantong sa isang makatwirang paliwanag ng mga batas ng musika batay sa isang bagong pag-unawa sa pagkakaisa bilang batayan ng modal-tonal na pag-iisip: "Ang musika ay isang agham na dapat magkaroon ng ilang mga patakaran. ” (mga tract ni J.F. Rameau Bagong sistema ng teorya ng musika, 1726; Patunay ng prinsipyo ng pagkakaisa, 1750, atbp.).

Tinatanggihan ng Classicism ang polyphonic style at nauugnay na choral culture (" mga sinaunang klasiko"). Umuunlad ang pagkamalikhain ng instrumental at isinilang ang mga istilo: solo-violin, clavier, organ, ensemble, orchestral, concert, atbp. Ang mga sekular na anyo na nauugnay sa opera at ang homophonic-harmonic na bodega ng instrumental na musika ay nagtatagumpay. Ang dispassionate, ethos-based (generalized static character) at walang nakakaapekto na sistema ng mga mode ng simbahan ay itinapon at pinalitan ng bago - major-minor. At ang paglipat ng melody sa itaas na tinig ay nangangahulugang ang supremacy nito. Ang matalinghaga at pampakay na pagpapahayag ng mga instrumental na tema ay nagsimulang makamit bilang isang resulta ng kumbinasyon ng melodic na intonasyon sa salita, ang visual na imahe, kasama ang mga karakter ng mga karakter sa opera, madrigal, arias, mga piraso para sa harpsichord at lute. Sinimulan ni Melody na matukoy ang homophonic-harmonic na pag-iisip, ngunit hindi sa sarili nito. Natutunan ng propesyonalismo sa musika ang karanasan ng polyphony ng simbahan at nakabuo ng isang pakiramdam ng "pinalawak na espasyo ng tunog" - sa mga kumplikadong harmonic (vertical-chord) complex at iba't ibang mga layer ng texture. Ang himig (tema) ay nagsimulang umasa sa pagkakatugma ng ganitong uri, tulad ng sa pundasyon.

Ang homophonic-harmonic warehouse ay nabuo nang hindi mas maaga kaysa sa kalagitnaan ng ika-17 siglo. Sa proseso ng paglipat mula sa lumang estilo ng musika patungo sa bago, ang pagsasanay ng pagsasagawa ng isang musikal na gawain batay sa pangkalahatang bass ay napakahalaga, kapag ang gawain ay hindi nilikha nang maaga (ang komposisyon ay hindi naitala), ngunit ay improvised, na nakatuon sa isang naitala na boses ng bass, kung saan nilagdaan ang mga numero. Ang natitirang mga boses ay muling ginawa "sa kurso" ng tunog ayon sa mga tagubiling ito. Ang pagsasanay na ito, karaniwan sa pagtugtog ng organ at clavier, ay nag-ambag sa pagbuo ng isang bagong harmonic (chord) na pag-iisip. Ang mga kilalang polyphonic technique (mga boses, pag-uulit, panggagaya ng mga tema) ngayon ay umaasa hindi sa boses ng koro, ngunit sa "sound core" na "naka-compress" sa isang punto sa oras, sa chordal harmony. Samakatuwid, ang homophonic-harmonic na bodega ay hindi isang tagumpay ng monophony, ngunit isang multi-tiered na samahan ng mga tono na nasa ilalim ng isang boses at inilalantad ang mga harmoniya na nakatago dito. Ang Harmony mismo ay nagsimulang maunawaan bilang isang sistema ng bagong modal na pag-iisip batay sa mga sikolohikal na sensasyon ng "stable" (tense) at "unstable" (nakapapawing pagod) na mga tono at chord. Ang pagbabago ng mga susi sa isang gawain ay nagsilbing pinagmumulan ng pag-unlad ng musika at tiniyak ang paglalaro ng mga epekto, mga paglipat mula sa isang "estado ng pag-iisip" patungo sa isa pa. Ang kaibahan at "kaganapan" ng tunog, na nakamit sa pamamagitan ng pagbabago ng melodic intonations, ritmo, tempo, texture, ay dinagdagan ng kaibahan ng mga mode - ang paglipat ng buong tunog sa isang bagong tonal sphere. Ito ay hindi nagkataon na ang paglikha ng isang temperamental, "nakahanay" na sistema ng musika sa mga semitone ay naging isang natural na tagumpay ng ika-18 siglo. Ang major at minor scale na nabuo mula sa bawat isa sa 12 semitone ay naging katumbas at naging posible na ilipat ang melody mula sa isang susi patungo sa isa pa nang walang pagbaluktot. Ang temperament ang naging batayan ng Western European sound system bilang isa sa mga uri ng sound (interval) system (scales). Nilikha ni J.S. Bach, ang cycle ng 24 preludes at fugues Mabait si Clavier(bahagi 1 -1722, bahagi 2 - 1744) - isang makinang na artistikong sagisag ng pangkalahatang konsepto ng musikal ng Bagong Panahon.

Italian opera sa Europa.

Ang pinagmulan ng sekular na musikal na tradisyon noong 17-18 siglo. Nanatili ang Italya. Sa buong Europa (hanggang sa Russia), lumaganap ang Italian opera. Ang mga musikero ng Italya ay inanyayahan sa mga korte ng mga monarko ng Espanyol, Pranses, Austrian, at dinala bilang mga tagapaglingkod sa mga bahay ng mga marangal na aristokrata. Halimbawa, ang sikat na birtuoso na harpsichordist na nakipagkumpitensya sa Roma kasama si Handel, si Domenico Scarlatti, ang may-akda ng unang clavier sonatas, ay nagsilbi sa korte sa Lisbon bilang guro ni Reyna Maria Barbara ng Portugal, ang kompositor at cellist na si Luigi Boccherini (1743– 1805) nagsilbi sa Madrid, at ang post conductor ng Vienna Opera Company at musikero ng korte ay inookupahan ng kompositor na si Antonio Salieri (1750–1825). Hinangad ng mayayamang European court na lumikha ng sarili nilang mga musical amusement. Sa kalagitnaan ng ika-17 siglo. Ang mga musikero ng Aleman ay pinagkadalubhasaan ang mga paggawa ng opera sa Hamburg (G.F.Telemann, R.Kaiser). Ang buff opera na lumabas sa Italy, batay sa pang-araw-araw, folk at comedy plots ( Ginang Maid J. B. Pergolesi, 1733, Chekkina N. Picchini, 1760), kumakalat sa mga uri nito sa France (opera-comic), sa England (ballad opera), sa Vienna (singspiel).

Ang reporma ng opera seria, na naglalayong pagandahin ang mga dramatikong karanasan sa musikal na paraan, ay isinagawa ng Aleman na kompositor na si Christoph Willibald Gluck. Itinakda niya ang kanyang mga pananaw sa mga paunang salita sa mga opera na itinanghal sa Vienna ( Orpheus at Eurydice, 1762, Alcesta, 1767): "Dapat mapahusay ng musika ang pagpapahayag ng mga damdamin at magbigay ng malaking interes sa mga sitwasyon sa entablado." Ang mga rebolusyonaryong ideya ng Gluck, na naglalayong "paglabag sa mga batas" ng pandekorasyon-musika na opera ng Italyano at Pranses, ay may positibong epekto sa karagdagang pag-unlad ng genre, kahit na nagdulot sila ng isang matinding pakikibaka sa pagitan ng "Glukists at Picchinists".

Kasunod ng Italya, lumilikha ang France ng sarili nitong istilo ng opera. Ang mga tampok ng maagang klasisismo ay pinakamahusay na ipinahayag sa gawain ng musikero ng korte ng Pransya na si Jean Baptiste Lully. Ang pagkakaroon ng artistikong at musikal na kakayahan, naakit ni Lully ang atensyon ni Louis XIV, nagsimulang manguna sa mga orkestra ng korte, natanggap ang mga pamagat ng "composer ng korte ng instrumental na musika" at "master ng musika ng maharlikang pamilya." Ang musikero ay gumawa ng mga ballet at divertissement para sa mga kasiyahan sa korte, arias para sa mga dula ni J.B. Molière, siya ay sumayaw at gumanap sa mga produksyon. Bilang pinuno ng Royal Academy of Music, nakatanggap siya ng monopolyo sa pagtatanghal ng mga opera sa France. Lumikha siya ng isang musikal na liriko na trahedya, na inilipat ang mga komposisyong tampok ng mga trahedya nina P. Corneille at J. Racine sa opera. Pag-ibig sa mga paksang mitolohiya at sa mga heroic character na may matayog na damdamin, malinaw niyang binalangkas ang mga katangiang klasiko dito: pastoral, idyll contrasted pathos at heroism; sa dramaturgy, ang mga magkakaibang bahagi ay inihambing at ang prinsipyo ng "musical symmetry" ay nangingibabaw - isang panimula (overture) at konklusyon; nagpapahayag at nakataas na intonasyon ng mga bahagi ng boses at iba't ibang koro (mula sa katutubong-domestic hanggang sa pandekorasyon-larawan) ang nanaig; kasama ang maraming instrumental na numero na ginampanan ng orkestra. Ito ay isang pagdiriwang ng sekular na entertainment at homophonic-harmonic na istilo. Mula noong 1750, laban sa court-aristocratic operas ni Lully at ang pinakamalapit niyang tagasunod na si Rameau, sumiklab ang isang “buffon war” sa France, na pinamunuan ni J.-J. Sina Rousseau at D. Diderot ay mga tagasunod ng Italian comic buff opera, na ang mga tampok na demokratiko ay tinatanggap sa bisperas ng rebolusyon.

Instrumental na musika ng unang kalahati ng ika-18 siglo.

Ang pinakamaliwanag na kinatawan ng French classicism ay sina Francois Couperin at Jean Philippe Rameau. Ang mga clavier na komposisyon ng Couperin, Rameau, L.-K. Daken ay nagsisilbing isang halimbawa ng isang magagaling na istilo, katulad ng Rococo sa pagpipinta, dahil ang mga ito ay batay sa mga pinaliit na piraso ng isang portrait-pictorial at dance character ( Mga mang-aani, Mga tsismis Couperin, tamburin Ramo, Cuckoo Daken), na nailalarawan sa pamamagitan ng isang malaking bilang ng mga melodic na burloloy, mga dekorasyon (melismas). Isang paboritong repertoire ng mga aristokratikong bilog (mga piraso para sa lute ng French lutenist na si Denis Gautier at ng English lutenist na Dowland, sonatas para sa harpsichord ni Scarlatti, F.E. Bach, maraming opera-ballets batay sa divertissement Gallant India Rameau at iba pa) na nilinang ang senswal, malambot, eleganteng, mapaglarong-erotikong mga imahe. Upang makakuha ng kasiyahan sa musika, kinakailangan ang isang espesyal na paraan ng pagtatanghal: ang pagpipino at biyaya ay nakamit sa pamamagitan ng mga nagpapahayag na mga paghinto, ang paglalaro ng mga burloloy na may "aspirasyon" (fr. aspiration), "nakabitin" (suspensyon) - lahat na naglalapit sa musika sa paghinga , pinatataas ang declamatory expressiveness nito ( Couperin's treatise Ang sining ng pagtugtog ng harpsichord, 1716).

Ang suite form, na dumating sa Europe noong ika-16 na siglo, ay malawak na kumakalat. mula sa Muslim East (ang analogue nito ay ang Nuba sa mga Arabo at Persian mula sa ika-9 na siglo). Ang suite ay batay sa paghahalili sa isang key (mode) ng mga dance piece, na iba-iba sa tempo, ritmo, at karakter. Simula noon, ang lute na hiniram mula sa mga Arabo ay naging tanyag, kung saan ang repertoire ay inilatag sa batayan ng suite na may mga pares ng magkakaibang mga sayaw. Sa mga suite para sa harpsichord at ang iba't-ibang uri ng birhen, ang mga sayaw ay nagiging katangian ng mga figurative na piraso (W. Byrd, G. Purcell, L. Marchand, atbp.). Sa ilalim ng impluwensya ng opera, ang melodic na pagpapahayag ng instrumental na musika ay tumindi at ang papel ng mga instrumental na pagkakaiba-iba ay tumataas - isang anyo na pinangungunahan ng isang melodic na nagpapahayag na tema, na binago ng paulit-ulit na pagpapakita. Sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo sa pagbuo ng isang tema, magiging mahalaga ang pagbabago ng tonal nito. Paghahambing ng magkakaibang mga tema, ang kanilang mga paggalaw ng tono ay ang nangungunang prinsipyo sa paglikha klasikal na sonata, symphony, concerto. Samakatuwid, ang "anunsyo" ng pangunahing (orihinal) na susi kung saan nakasulat ang sonata o symphony ay partikular na kahalagahan.

Ang panahon ng organ at lute ay nawawala sa background, na nag-iiwan ng kapansin-pansing marka sa pagbuo ng isang bagong instrumental na kultura. Ngunit ang organ art ay nakakakuha ng bagong makapangyarihang pag-unlad (J.Sweelinck - sa Amsterdam, I.Ya.Froberg - sa Vienna, A.Reinken - sa Hamburg, G.Böhm - sa Lüneburg, I.Pachelbel sa Erfurt, D.Buxtehude - sa Lübeck). Ang "Scientific" polyphony ay lumalapit sa mga parokyano, na kinumpleto ng mga katutubong melo, batay sa mga kanta at sayaw ng Aleman, Pranses, Ingles, Polish, isang repertoire ng sambahayan ay nilikha para sa paglalaro ng musika sa bahay sa organ. Ang pangunahing interes ng mga musikero ay nakatuon sa symphonic at clavier na musika. Pinakamabuting natanto nila ang mga prinsipyo ng homophonic-harmonic ng musikal na wika kasama ng malakihang spatial-register na tunog at may mga pagbabago sa tonal-mode. Ang lute ay itinapon ng mga Europeo. Ang instrumento ay hindi nasiyahan ang mga bagong aesthetic na pangangailangan - nagawa nitong manatili sa isang susi lamang sa loob ng mahabang panahon. Ang hanay ng lute ay hindi rin sapat - ang mga kumplikadong chord harmonies ay tumunog nang may kahirapan at isang malawak na pag-aayos ng mga boses ay imposible. Pinalitan ni Claviers ang lute, ngunit sila mismo ay nangangailangan ng teknikal na pagpapabuti. Ang isang makabuluhang hakbang ay ang pag-imbento sa simula ng ika-18 siglo. martilyo-action na piano (piano at piano), kapag ang mga susi ay hinampas, hindi lamang ang epektibong paghahambing ng malakas (forte) at tahimik (piano) na mga tunog ay naging posible, kundi pati na rin ang mga dinamikong pagtaas at pagbaba. Ang mga master ng Italy, Germany, France ay pinahusay ang instrumento na ito sa buong ika-18 siglo. at simulan ang susunod. Ang piano, na naging isang simbolo ng bagong kultura ng Europa, ay pinalitan ang parehong lute at ang natitirang mga clavier. Sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo sa Vienna at London, lumitaw ang mga unang paaralan ng mga pianista (W. Mozart, L. Beethoven, J. Hummel, K. Czerny, M. Clementi, J. Field).

Musika ng Viennese Classics (ikalawang kalahati ng ika-18 siglo)

Ang musika para sa mga orkestra ay pinatunog sa mga simbahan, mga kastilyo at palasyo ng pamilya, mga opera house, mga hardin at mga parke, "sa tubig", mga pagbabalatkayo, mga prusisyon ( Musika para sa mga paputok Ang Handel ay ginanap ng 56 na musikero sa Green Park ng London noong 1749). Ang mga instrumento ay nagbago at madalas ay hindi eksaktong itinakda ng mga kompositor. Ang heyday ng bowed strings ay naghanda ng pagsilang ng isang symphony orchestra (“24 Violins of the King” sa korte ng Louis XIV sa Paris, “Royal Chapel of Charles II” sa London, atbp.). Ang orkestra ay maaaring magsama lamang ng isang tanso ( malaking harana B-dur Mozart para sa mga wind instrument na may double bass o counterbassoon ay isinagawa habang naglalakad). Sa opera at mga orkestra ng simbahan, nanaig ang "malambing" na mga kuwerdas na nakayuko, maaari ding isama ang organ, harpsichord. at woodwinds (flute, oboes, bassoons) o tanso (trumpeta, sungay), pati na rin ang pagtambulin (timpani – hiniram sa mga Ottoman Turks). Sa pagpapabuti ng mga disenyo ng sungay, klarinete, bassoon, trombone Sa wakas ay nabuo ni Beethoven ang komposisyon ng klasikal na malaking symphony orchestra.

Ang mga tampok ng late classicism ay pinakamahusay na ipinahayag sa akda ng Mga klasikong Vienna. Sa mga lupain ng Austro-Prussian, naganap ang paglipat mula sa estetika ng imitasyon tungo sa estetika ng purong musika. Sa Bavaria, ang orkestra na kapilya ng Mannheim ay namumukod-tangi (sa direksyon ni J. Stamitz). Ang istilo ng paglalaro ng mga musikero ng paaralan ng Mannheim ay nagdadala ng mga tampok ng sentimentalismo - nagpapahayag ng pagtaas at pagbaba ng sonority, mga dekorasyong dekorasyon - "mga buntong-hininga". Ang mga symphony na isinagawa nila, bagama't sinasabayan nila ang pambungad na overture-“symphony” sa mga Italian opera, ay naging mga independiyenteng gawa, na binubuo ng 4 na magkakaibang bahagi: mabilis (Allegro) - mabagal (Andante) - sayaw (minuet) - mabilis (finale) . Ang parehong mga bahagi ay naging batayan ng symphonic cycle ni Haydn at ng kanyang mga tagasunod. Noong ika-18 siglo pinakamalaki sentro ng musika Ang Europa ay naging Vienna. Ang gawain ng mga kompositor ng Viennese (Haydn, Mozart, Beethoven) ay nakikilala sa pamamagitan ng rasyonalismo sa pagbuo ng anyo, lapidarity at pagpapahayag ng mga tema, proporsyonalidad ng mga elemento ng istraktura ng musikal, na sinamahan ng mapagbigay na melodic richness, talino sa paglikha at dramatic pathos. Ang mga symphony, sonata, trio, quartets, quintets, concerto ng mga klasikong Viennese ay mga halimbawa ng purong musika, na hindi konektado sa salita, o sa teatro, o sa matalinghagang mga programa. Ang mga prinsipyo ng klasiko ay ipinahayag sa pamamagitan ng purong musikal na paraan, pagsunod sa mga batas ng genre at inilalantad ang lohikal na disenyo at pagkakumpleto ng anyo. Ang istilo ng mga klasikong Viennese likas na kalinawan sa pagbuo ng buong gawain at bawat bahagi nito, ang pagpapahayag at pagkakumpleto ng bawat tema, ang imahe ng bawat motibo, ang kayamanan ng instrumental na palette. Tulad ng arkitektura ng mga panahon ng klasisismo, ang proporsyonalidad ng musikal at simetrya ay nagpapakita ng kanilang mga sarili sa eksakto o iba't ibang mga pag-uulit ng tema, sa malinaw na minarkahan ng mga caesuras, sa mga cadences - huminto na katulad ng malalim na mga busog sa mga sayaw, sa isang serye ng mga kaibahan, pagkakatugma ng mga tema at motibo, sa layo (mga pagbabago) mula sa pamilyar na mga intonasyon. at bumalik sa kanila, atbp. Ang mga prinsipyong ito ay mahigpit na obligado para sa una at huling bahagi ng sonata at symphony , binuo ayon sa mga patakaran ng sonata allegro, pati na rin para sa iba pang mga anyo na minamahal ng mga klasiko: mga pagkakaiba-iba, rondos, minuets, scherzos, adagios.

Ang Austrian kompositor na si Joseph Haydn ay kinikilala bilang ama ng mga symphony. Sumulat siya hindi lamang instrumental na musika, kundi pati na rin ang mga opera, kanta, oratorio. Lumikha siya ng higit sa isang daang symphony, masayahin, may katatawanan at folk melos. Ang mga symphony na ginanap sa mga palasyo ng Vienna, Paris, London ay nawala ang kanilang mga aesthetics ng palasyo, ngunit napuno ng mga mala-tula na larawan ng katutubong buhay at kalikasan. Ang partikular na kahalagahan ay ang bagong sayaw ng mga tema (minuet, gavotte), na nakatulong upang palakasin ang anyo, upang paghiwalayin ang tema at ang mga pagkakaiba-iba nito sa kaluwagan. Ang klasikal (maliit) na komposisyon ng symphony orchestra ay itinatag: isang quintet ng bowed string (una at pangalawang violin, violas, cellos at double basses), timpani at wind pairs (flutes, clarinets, oboes, bassoons, horns, trumpets). Isang 4-part cycle na may malalim na kaibahan sa pagitan ng fast first at ng slow lyrical second, ang danceable third at ang stormy finale ay naitatag na. Maingat na ibinigay ni Haydn ang mga symphony ng matalinghagang pagka-orihinal. Ang mga tagapakinig, ngunit hindi ang may-akda, ay nagbigay ng mga pangalan para sa kanila:

paalam (№ 45), pagluluksa (№ 49), Militar (№ 100), May tremolo timpani (№ 103), Pilosopo (№ 22), Aleluya! (№ 30), Pangangaso(No. 73) at iba pa.

Ang musical genius ni Wolfang Amadeus Mozart ay lumitaw mula sa edad na 4. Ang naka-istilong Italian opera ay nakakuha ng batang Mozart, inilaan niya ang bahagi ng kanyang talento dito at lumikha ng maliwanag na komedya ( Kasal ni Figaro), dramatiko ( Don Juan), hindi kapani-paniwalang pilosopiko ( mahiwagang plauta ) mga musikal na drama. Ang musikal na pagpapahayag ng mga bayani sa opera ay nagpasiya sa istilo ng kompositor at nakaimpluwensya sa paglikha ng mga himig instrumental na nagpapahayag ng teatro (ang nanginginig na tender na pambungad na tema ng Symphony No. 40 g menor de edad; marilag na Symphony No. 41 C major,Jupiter at iba pa.). Siya ay nanatiling hindi naa-access sa kayamanan ng melody, sa kakayahang lumikha ng isang malambing na cantilena, na nauunawaan ang pag-unlad ng musika bilang isang natural na "daloy" ng isang tema sa isa pa. Ang kanyang kakayahan, pagsasama-sama ng mga instrumento, upang ipakita ang pagkakumpleto ng maharmonya na patayo, upang maihatid ang maharmonya na kulay ng himig sa pamamagitan ng mga orkestra na paraan ay kamangha-mangha. Sa musika ni Mozart, lahat ng boses ay melodic, kahit harmonic, lahat ay instrumental na "sing-alongs". Ang partikular na kahanga-hanga ay ang mabagal na paggalaw sa kanyang mga divertissement, symphonic at sonata cycle. Mayroon silang hindi matatawaran na lambing na ipinahayag sa musika. Ang ningning at kaluwagan ng mga tema, ang proporsyonalidad ng mga istrukturang pangmusika, parehong maliit (duet, trio, quartets, quintets, serenades, nocturnes), at malaki (symphony, concertos, sonatas) Pinagsasama ni Mozart ang hindi mauubos na imahinasyon sa variable na pag-unlad ng isang tema (sa rondos, variations, minuets, adagios, marches). Unti-unti, lumalayo siya mula sa matahimik na mood ng kanyang mga unang komposisyon (orchestral serenades, divertissement) tungo sa malalim na pagpapahayag - liriko at dramatiko, kung minsan ay trahedya ( Sonata fantasy c-moll, Requiem). Si Mozart ay isa sa mga nagtatag ng sining ng pagganap ng pagtugtog ng piano at ang nagtatag ng klasikal na konsiyerto para sa solong instrumento at orkestra.

Si Ludwig van Beethoven ang naging unang "libreng artista" sa mga kompositor. Kinukumpleto ng kanyang trabaho ang panahon ng klasisismo, na binubuksan ang panahon ng romantikismo, ngunit ang kompositor ay masyadong indibidwal, at ang kanyang estilo ay halos hindi nakakatugon sa mga pamantayan ng klasisismo. Nag-isip si Beethoven sa malawakang sukat at sa pangkalahatan kung ihahambing sa hedonistic-divertissement na mga saloobin ng mga classic. Ang pagiging sopistikado at dekorasyon ay nawala sa kanyang musika, hindi ito humaplos sa tainga at napagtanto bilang "hindi makinis", katulad ng hitsura ng kompositor, na lumakad nang walang peluka, na may "liwang ng leon" at isang tingin mula sa ilalim ng kanyang mga kilay. Ang magandang minuet sa ika-3 kilusan ng kanyang mga symphony ay napalitan ng isang scherzo. Sa pangkalahatan, ang akda ni Beethoven ay tumutugma sa linya ng pag-iisip ng mga klasiko at hindi mapaghihiwalay na nauugnay sa mga nakaraang Aleman (Handel, F.E. Bach, Gluck, Haydn, Mozart) at Pranses (A. Gretry, L. Cherubini, J. Viotti) na mga kompositor. Ang kabayanihan ni Beethoven (opera Fidelio, symphonic overtures Egmont, Coriolanus, Symphony No. 3) ay nabuo ng Rebolusyong Pranses. Isang musikero sa buhay at trabaho, tinanggap niya ang mga mithiin ng Deklarasyon ng mga Karapatan at Kalayaan ng Mamamayan. Ang panawagan para sa pagkakapantay-pantay, kalayaan at kapatiran ng lahat ng mga tao ay napakatingkad na nakapaloob sa ika-4 na kilusan ng Symphony No. 9, kung saan ang mga taludtod ng ode ni Schiller ay tumutunog Sa kagalakan. Ang pangunahing tema ng final ay naging anthem na ngayon ng European Union. Ang kalooban ni Beethoven, na humahamak sa karahasan at paniniil, ay ipinakita sa lahat ng dako. Pinatunayan niya ang kanyang sariling pagsuway sa kapalaran, nilabanan ang pagkabingi na nanaig sa kanya, at ang kalayaan mula sa aristokrasya at kapangyarihan. Ang pagtitiyak ng kanyang estilo ay ipinakita sa pagguho ng mga klasikal na prinsipyo ng pag-unlad ng musikal, sa paglabag sa mga proporsyon at mahusay na proporsyon. Malaya siyang "ihinto" ang matahimik na pag-agos ng oras sa isang mapilit na pag-uulit ng isang matalas na malakas na chord (tulad ng sa 1st movement ng Symphony No. 3). Ang musikal na anyo ng kanyang mga komposisyon ay naging mas malaya, at ang emosyonal na kapangyarihan ay mas maliwanag: mula sa mga liriko na intonasyon (Piano Sonata No. 14 Lunar, Symphony No. 6 pastoral) sa mapanghimagsik (Sonata para sa Piano Appassionata, Kreutzer Sonata para sa violin), nakakaawa (Sonata No. 8 kalunus-lunos, Symphony No. 3, No. 5) sa trahedya (funeral march sa ikalawang bahagi ng Sonata No. 12 at Symphony No. 3).

ROMANTICISMO NOONG 19TH CENTURY MUSIC

ika-19 na siglo - ang kasagsagan ng musikal na kultura ng Kanlurang Europa. Lumilitaw ang mga bagong paraan ng pagpapahayag ng musika, na nagpapakita ng malalim na indibidwalidad ng potensyal ng mga kompositor. Ang kakanyahan ng romantisismo ay pinakamahusay na ipinakita sa musika. Ang mga gawa ng mga romantikong kompositor, na naghahatid ng kayamanan ng mundo ng mga espirituwal na karanasan ng isang tao, ang mga lilim ng kanyang personal na pakiramdam, ay bumubuo ng batayan ng modernong repertoire ng konsiyerto. Ang romantikismo ay hindi lamang mga liriko, ngunit ang pangingibabaw ng mga damdamin, hilig, espirituwal na elemento, na kilala lamang sa mga sulok ng sariling kaluluwa. Ang isang tunay na artista ay nagpapakita sa kanila sa tulong ng mapanlikhang intuwisyon. Noong ika-19 na siglo Ang musika ay ipinahayag hindi sa estadistika, ngunit sa dinamika, hindi sa abstract na mga konsepto at makatwirang mga konstruksyon, ngunit sa emosyonal na karanasan buhay ng tao. Ang mga damdaming ito ay hindi nailalarawan, hindi pangkalahatan, ngunit napapailalim sa bawat sandali ng musikal na pagpaparami. Para sa mga romantiko, ang "pag-iisip sa mga tunog" ay mas mataas kaysa sa "pag-iisip sa mga tuntunin", at "nagsisimula ang musika kapag nagtatapos ang mga salita" (G. Heine).

Binibigyang-diin ng mga musikero ang koneksyon sa kanilang tinubuang-bayan, gumuhit ng inspirasyon mula sa mga katutubong layer ng kultura ng musika. Ganito ka national mga paaralan ng musika, na inilalantad ang pambansang kaugnayan ng bawat romantikong kompositor at ang pagka-orihinal ng kanyang istilo: Carl Maria Weber batay sa German folk melos at lumikha ng isang fairy tale pambansang opera (libreng tagabaril, 1821); Mikhail Ivanovich Glinka - Ruso ( Buhay para sa hari, 1836); Ang mga instrumental at vocal na komposisyon ni Franz Schubert ay puno ng Austrian melodies at pang-araw-araw na sayaw (landler, waltz), at sa larangan ng vocal music, siya, tulad ni Robert Schumann, ay ang lumikha ng isang bagong genre ng German song Lied; hindi lamang mazurkas at polonaises para sa piano, ngunit ang lahat ng mga gawa ni Fryderyk Chopin, na nanirahan sa Paris, ay napuno ng mga intonasyon ng kanyang tinubuang-bayan - Poland; bilang isang Hungarian, si Franz Liszt, sa patuloy na paglibot sa buong Europa, ay nilikha Hungarian Rhapsodies para sa piano at isinalin ang mga ritmo ng sayaw ng Hungarian verbunkos; ang gawa ni Richard Wagner ay batay sa mitolohiya at pilosopiya ng Aleman; Si Edvard Grieg ay nakakuha ng inspirasyon mula sa Norwegian na imahe, sayaw at kanta; Iginuhit ni Johannes Brahms ang mga tradisyon ng mga polyphonist ng Aleman at nilikha German Requiem; Bedrich Smetana at Antonin Dvorak - sa Slavic melos, Isaac Albeniz - sa Espanyol.

Ang pagbabagong naganap sa kultura ng Europa pagkatapos ng Rebolusyong Pranses ay nagdala ng bagong layer ng mga mamimili ng musika - ang mga burghers. Ang kultura ng hukuman at ang maharlika ay itinulak sa background. Ang piling kapaligiran ng mga tagapakinig ay napalitan ng masa na kapaligiran ng mga taong-bayan, mga tagagawa, mga mangangalakal, at ang mga intelihente ay naging mga mamimili ng mga gawang musikal. Kasama na ngayon ang mga kompositor, na ang malikhaing koneksyon sa madla ay nasa mga kamay ng mga negosyante. Pinatunog ang musika sa mga pampublikong bulwagan ng konsiyerto, sinehan, cafe, institusyong pang-edukasyon, mga musikal na lipunan. Ang mga mamamayan ay higit na naaakit sa nakakaaliw na musika, ang mga propesyonal na genre na "magaan" para sa pang-unawa ay umuunlad - operetta (J. Offenbach - sa France), orkestra at sayaw waltzes (J. Strauss - sa Vienna). Ang kabuhayan ng mga kompositor ay ibinigay, bilang karagdagan sa pagtangkilik, pati na rin ang kanilang sariling pagsasagawa, pianistic, pedagogical na aktibidad. Ang aktibidad ng pamamahayag ng mga kompositor mismo ay nakakakuha ng kahalagahan. Kaya Berlioz, idineklara ni Schumann sa kanilang mga artikulo ang "digmaan" sa kahalayan, kagaanan at gawain, na umuunlad sa katauhan ng mga mababang talento na "mga pampublikong paborito" sa kanilang paligid. Nilikha ni Schumann ang "New Musical Newspaper", na inilathala ito sa ngalan ng mga kathang-isip na karakter - mga miyembro ng "David Union", na diumano'y pinag-isa ang kanyang mga kaibigang katulad ng pag-iisip. Mula noong panahong iyon, ang mga kompositor ay hindi lamang lumikha ng musika, ngunit nagpapahayag din ng kanilang mga saloobin tungkol dito at tungkol sa sining (mga libro Sining at rebolusyon, Opera at drama Wagner).

Muling lumalapit ang musika sa salita. Ang terminong "romantisismo" na lumitaw sa mga bilog na pampanitikan (ipinakilala ni Novalis) ay ganap na tumutugma sa mga detalye ng gawain ng mga kompositor noong ika-19 na siglo. at simula ng ika-20 siglo. Ang literatura at musika ay "pinagkakasundo" sa isa't isa "sa unyon ng sakramento": "Ang mundo ay kinukulam lamang, / isang tali ang natutulog sa bawat bagay. / Gumising na may mahiwagang salita - / maririnig ang musika." (J. von Eichendorff). Ang pilosopikal na pag-iisip nina Herder, Schelling, Schopenhauer ay nagdala ng musika na mas malapit sa tula at nahiwalay kapwa sa iba pang mga anyo ng sining dahil sa kanilang pansamantalang kalikasan: proseso, pagbabago, pagbabago, walang humpay na paggalaw - ang batayan ng musika at pagkamalikhain sa salita. Ang isang mahalagang lugar sa mga gawa ng mga romantiko ay inookupahan ng pagnanais na ikonekta ang musika sa ilang mga plot at imahe (panitikan, patula, pictorial): Margarita sa umiikot na gulong, hari ng kagubatan Schubert; Tasso Liszt; mga pangarap, salpok, Carnival Schumann). Mas gusto ng mga musikero na lumikha ng mga miniature vocal na "drama" batay sa mga teksto nina H. Heine, W. Muller, L. Relshtab, F. G. Klopstock, J. W. Goethe, F. Schiller at iba pa: hari ng kagubatan, Serenade, Doble, mga ikot ng kanta magandang miller, 1823, landas ng taglamig, 1827 Schubert; Pag-ibig ng makata, 1840 Schumann). Sa kabila ng pagiging nauugnay sa pagkamalikhain sa panitikan, ang mga romantiko ay nagpapakita ng mga bagong panig pagpapahayag ng musika, na nagpapakita ng kanilang mga sarili sa mas matataas na anyo nito - instrumental ("purong"), hindi nauugnay sa salita. Iyon ang dahilan kung bakit ang malalim na emosyonal na imahe ng mga preludes at nocturne ni Chopin para sa pianoforte o mga sonata, intermezzo at concerto ni Brahms ay hindi nababawasan ng kawalan ng mga pamagat ng programa sa mga ito.

Ang musikal na drama ay patuloy na umusbong sa Italya, at ang "fashion" para sa mga palabas sa opera ng Italyano ay nanatili sa lahat ng dako. Ang mga idolo ng Opera ay: sa unang kalahati ng siglo, si Gioacchino Antonio Rossini, sa pangalawa - si Giuseppe Verdi. Sa sining ng opera, lumilitaw ang isang direksyon na malapit sa pampanitikan - verismo (P. Mascagni, R. Leoncavallo, G. Puccini). Gayunpaman, sa hilaga, lumilitaw ang opera sa isang bagong anyo, na may kulay na pambansang epiko, engkanto, mito. Isang uri ng romantikong opera ang nilikha ( Undine E.T. Hoffmann, 1813, libreng tagabaril Weber, 1820, tetralogy Singsing ng Nibelung Wagner, 1852-1874) - ang kabaligtaran ng Italyano at Pranses na mga opera ng makatotohanan, liriko, komiks at makasaysayang mga plano ( barbero ng seville Rossini, 1816; Norm V. Bellini, 1831; Mga Huguenot J. Meyerbeer, 1835; Romeo at Juliet C. Gounod, 1865; gayuma G. Donizetti, 1832; Rigoletto, 1851, La Traviata, 1853, Aida, 1870, falstaff, 1892 Verdi; Carmen J. Bizet, 1875).

Ang mga romantikong kompositor ay nakaramdam ng pagkakasalungat sa katotohanan, na hinahangad na "itago" mula sa mundo na pagalit sa kanila sa fiction o isang magandang panaginip. Ang mga banayad na espirituwal na panginginig ng boses, madamdamin na mga pores, ang pagkakaiba-iba ng mga mood ay nagsisimulang maayos sa musika - isang salamin ng mga tunay na alalahanin at mga tadhana ng buhay ng mga musikero, na kung minsan ay nabuo nang tragically. Ang instrumental na miniature ay naging malapit sa mga kompositor, ang mga bagong genre ng piano ay nilikha: impromptu, etude, nocturne, prelude, cycle ng mga piraso ng programa, ballad, na nakatanggap ng espesyal na pag-unlad sa gawain ng mga natitirang pianista (Schumann, Chopin, Liszt , Brahms).

ika-19 na siglo - ang edad ng tagumpay ng piano "panitikan". Hindi lamang ang disenyo ng piano ay pinagbubuti, kundi pati na rin ang pamamaraan ng pagtugtog nito, ang kakayahang lumikha ng isang kumanta na cantilena, ang mga nagpapahayag na melodic na linya ay ipinahayag. Ang ritmo ng mga kompositor ay napalaya mula sa mga "gapos" ng mga klasikong caesuras at ang mahigpit na regularidad ng mga pigura ng sayaw. Ang mga romantikong komposisyon ay puno ng improvisational na kadalian, kapag ang himig ay sumusunod sa pagkakaiba-iba ng mga galaw ng damdamin, ayon sa nilayon ng may-akda at bilang ang gumaganap ay maaaring madama. Ang papel na ginagampanan ng nuance at ang papel na ginagampanan ng pagganap ng musika ay pinalalakas.

Ang gawain ng mga kompositor ng unang kalahati ng ika-19 na siglo. mayroon pa ring mga koneksyon sa mga tradisyon ng mga klasikong Viennese, ngunit lumalabag sa mga batas ng mga klasikong genre: sa France, si Hector Berlioz ay lumikha ng isang autobiographical Nakamamanghang symphony o Episode mula sa buhay ng artista(1830) sa 5 bahagi, kabilang ang hindi lamang isang martsa (bahagi 4), kundi pati na rin isang waltz (bahagi 2); Sumulat si Schubert ng mga symphony para sa orkestra, kung saan ang "abnormal" na symphony, na binubuo ng 2 bahagi (symphony sa h-moll hindi natapos, 1822). Ang mga musikero ay hindi interesado sa kagandahan ng mga proporsyon ng musikal ng sonata-symphony cycle, ngunit sa sound brilliance ng orkestra, ang kakayahang "gumuhit" ng mga imahe. Kaya, ang orkestra na "imahe" ng mga masasamang espiritu na dumagsa sa kapistahan sa gabi ay kahanga-hanga. Kamangha-manghang symphony Berlioz (bahagi 5 Coven), kung saan hinahampas ng mga violinist ang mga string gamit ang baras ng busog upang ihatid ang "clattering bones". Ang senswalidad ay nasa harapan sa symphony ng mga romantiko. Pinalitan nila ang intelektwalidad ng klasikal na symphony ng isang symphonic overture at isang tula, kung saan mayroon lamang isang kilusan, at lahat ay napapailalim sa isang programang pampanitikan: ang mahiwagang at kamangha-manghang kapaligiran ng komedya ni W. Shakespeare ay nasa F. Mendelssohn-Bartholdy Isang panaginip sa isang gabi ng tag-init (1826), pilosopong drama J.W. Goethe - sa Liszt's Tasso.Reklamo at tagumpay(1856), ang mga trahedya ni Shakespeare - ni P.I. Tchaikovsky sa Romeo at Juliet(1880). Sa pagkamalikhain late romantics(Liszt, Wagner) ang papel ng leitmotif ("nangungunang motibo") bilang isang nauulit, nakikilalang katangian ng imahe ay pinahusay. Ang orkestra sa mga opera ni Wagner ay nakakakuha ng espesyal na kahalagahan, na kapansin-pansin hindi lamang sa kinang nito, ngunit sa karagdagang semantic load na nakuha dahil sa sistema ng mga leitmotif na binuo ng may-akda (ang motif ng Grail kingdom sa opera. Lohengrin, 1848). Minsan ang musikal na tela ng orkestra ay "hinabi" mula sa kanila, at sila ay sinasadya o hindi sinasadya na "naiintindihan" ng madla, tulad ng sa eksena ng pagpupulong nina Tristan at Isolde ( Tristan at Isolde, 1865), kung saan ang mga motibo ay pinapalitan ang isa't isa: "uhaw para sa isang petsa ng pag-ibig", "pag-asa", "pagtatagumpay ng pag-ibig", "kagalakan", "pagdududa", "nababalisa na pagkabalisa", atbp.). Nilikha ni Wagner, ang paraan ng pagkonekta ng hindi kumpletong mga tema-melodies, ngunit maliit at iba-iba sa pagpapahayag ng intonasyon-harmonic na "mga segment" nito (melodies-"tagpi-tagpi"), ang magiging nangungunang isa sa tema ng mga kompositor ng unang bahagi ng ika-20 siglo.

Musika sa simula ng ika-19–20 siglo

Sa Pransya, ang mga romantikong tampok ay nakakuha ng isang bagong kinang, puspos ng mga pandekorasyon na elemento, mga kakaibang "motibo" ng kolonyal na Silangan (S. Frank, C. Saint-Saens). Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo eto na ang style impresyonismo sa musika at simbolismo. Ang lumikha nito ay ang kompositor na si Claude Achille Debussy, na ang mga komposisyon para sa orkestra Prelude to the Afternoon of a Faun (1894), Nocturnes(1899), na ginanap pagkatapos ng mga unang eksibisyon ng mga impresyonistang artista, ay nagpatibay sa kanyang katanyagan bilang isang impresyonistang musikero. Nanatiling tapat si Debussy sa programming ng mga romantiko ( Hapon ng isang Faun, Batang babae na may flaxen na buhok, Mga hakbang sa niyebe, Mga paputok atbp.), ngunit hindi niya hinanap ang tangibility ng mga imahe, ngunit ang kanilang visibility. Isinulat niya ang ilan sa kanyang mga gawa "mula sa kalikasan", "en plein air" (symphonic sketches dagat, 1905). Ang kanyang musika ay walang hilig ng tao. Ang simbolikong kahalagahan nito ay pinahusay (opera Pelias at Mélisande, 1902): ito ay sapat sa sarili, at, "nilikha para sa hindi maipahayag", "lumalabas sa mga anino, upang bumalik dito minsan" (Debussy). Sa pagkamit nito, ang kompositor ay lumikha ng isang bagong musikal na wika, na humahantong sa pagkawasak ng mga pamantayan ng klasiko at romantikismo. Sa isip, si Debussy ay malapit sa French melos, ngunit umaasa sa mapagnilay-nilay na kagandahan ng Silangan, na kanyang kinagigiliwan, mga impression mula sa komunikasyon sa kalikasan, kasama ang literary bohemia ng France, mula sa laro ng Javanese orchestra - "gamelan", dinala sa Paris para sa World Exhibition noong 1889. Ang orkestra ni Debussy, sa kabaligtaran ng mga orkestra ng Aleman, ay nabawasan sa bilang ng mga instrumento, ngunit puspos ng mga bagong kumbinasyon. Ang mga motif-kulay, texture-kulay, harmonies-kulay ay nangingibabaw, tulad ng mapagpapalit na "sound spot", na nagpapatalas sa nagpapahayag na kahulugan ng prinsipyo ng sonority sa musika (tunog o sound-timbre na pangkulay, caloricity). Ang sound fabric ay nagiging mas transparent (ang mga layer ng bawat boses ay malinaw na naririnig) at napalaya mula sa "pressure" ng normative harmonic at tonal structures (ang mga pagtatapos ng melodies - cadences - nawawala). Ang mga tampok ng impresyonismo, bilang isa sa mga nangungunang uso sa musika noong unang bahagi ng ika-20 siglo, ay natagpuan ang pagpapahayag sa mga gawa ni M. Ravel, F. Poulenc, N. A. Rimsky-Korsakov, O. Respighi.

KULTURANG MUSIKA NG IKA-20 SIGLO

Musika ng ika-20 siglo ay nakikilala sa pamamagitan ng isang pambihirang pagkakaiba-iba ng mga istilo at uso, ngunit ang pangunahing vector ng pag-unlad nito ay ang pag-alis mula sa mga nakaraang istilo at ang "pagkabulok" ng wika ng musika sa mga bumubuo nitong microstructure. Ang mga pagbabago sa sosyal at kultural na larangan ng Europe ay naghihikayat sa paglahok ng mga bagong non-European na musical phenomena, at ang pagkonsumo ng mga produkto ng musika sa audio media ay nagbabago ng mga saloobin sa musika. Nagsisimula itong maunawaan bilang isang pandaigdigang kababalaghan, ang function ng consumer-entertainment nito ay pinahusay. Ang papel ng kulturang masa at popular mga genre ng musika, sila ay hiwalay sa kultura ng mga piling tao, Western European musical classics at propesyonal-academic na aktibidad ng kompositor. Noong 1950s at 1960s, isang bagong kultura ng kabataan ang lumitaw, na nagpoposisyon sa sarili bilang isang "kontra-kultura", kung saan ang musikang rock ay gumaganap ng isang nangungunang papel. Ang mga pagbabago sa mga teknolohiyang pangmusika, mga alituntunin ng aesthetic ay na-compress sa oras, at ang paglitaw ng lahat ng bago ay nakikita bilang isang matalim na pagtanggi sa nauna (alternatibong musika ng huling bahagi ng ika-20 siglo).

Musika ng unang kalahati ng ika-20 siglo.

Sa France, umuusbong ang mga bagong uso na itinatanggi ang impresyonismo bilang masyadong "tamad", isang istilong wala sa totoong buhay. Sa fashion sira-sira, buffoonery, mapangahas. Ang subverter ng mga nakaraang istilo, si Eric Satie, ay nabigla sa pagiging bago ng kanyang mga opus (ballet Parada para sa tropa ni S. Diaghilev, 1917 3 pirasong hugis peras at mga tuyong embryo para sa piano). Ipinakilala niya sa kanyang mga komposisyon ang mga tunog ng makinilya, mga beep, katok, dagundong ng propeller, jazz. Mayroong aesthetics ng musika na gumaganap ng papel na "musika wallpaper" - muwebles. May inspirasyon ng mga ideya ni J. Cocteau (manifesto Tandang at Harlequin, 1918), ang ideologist ng bagong musikang "malusog at puno ng mga hiyawan at parada sa kalye", ang mga kompositor ay nagkakaisa sa iba't ibang komunidad. Namumukod-tangi ang komunidad na “Six” (“French Six”), na kinabibilangan ni Arthur Honegger, ang lumikha ng isang gawaing pang-urban para sa isang orkestra na nagpaparangal sa kapangyarihan ng bagong lokomotibo. Pasipiko 231(1913) at isang bilang ng mga neoclassical opuses (oratorio-mystery Joan of Arc sa taya, 1935); may-akda ng sira-sira na ballet ( toro sa bubong, 1923), kumukuha ng inspirasyon mula sa alamat ng Brazil na si Darius Millau; Francis Poulenc, tagahanga ni Debussy at operatic reformer (mono-opera boses ng tao, 1958).

Expressionism sa musikal na kultura ng Germany.

Melodic at harmonic na wika ng mga kompositor ng Aleman at Austrian noong huling bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo. (Wagner, Brahms, A. Bruckner, G. Mahler, R. Strauss, G. Wolf, M. Reger) ay naging mas kumplikado, ang orkestra ay tumaas ang laki nito, ang musikal na notasyon ay oversaturated sa mga tagubilin ng may-akda sa larangan ng mga nuances. Ang interes ng mga musikero sa mga panloob na karanasan, mga matataas na imahe ay tumataas (opera Salome R. Strauss, 1905), trahedya at kataka-taka (symphony 2 c-moll ni Mahler, 1894). Ang huli na romantikismo ng Aleman ay "inihanda ang lupa" para sa isang bagong istilo - expressionism . Ang papel ng personalidad ng artista ay pinalakas, ang kanyang indibidwal na karanasan at makahulang pananaw sa mundo ay nakakakuha ng kahalagahan. "Natuklasan ng kompositor panloob na kakanyahan mundo at nagpapahayag ng pinakamalalim na karunungan sa isang wika na hindi naiintindihan ng kanyang isip; kung paano gumawa ng mga konklusyon ang isang somnambulist tungkol sa mga bagay na wala siyang ideya sa estado ng paggising "(A. Schopenhauer). Ang mga ideya ng musikal na globalismo ay nagsisimula nang maisakatuparan: "Ang musika ay may kakayahang maghatid ng isang makahulang mensahe na naghahayag ng mas mataas na anyo ng buhay kung saan ang sangkatauhan ay gumagalaw." Dahil dito, siya ay "nakikiusap sa mga tao ng lahat ng lahi at kultura" (A. Schoenberg, artikulo Pamantayan sa Pagsusuri ng Musika).

Ang kapaligiran ng kultural na buhay ng Alemanya at Austria sa simula ng ika-20 siglo. ay napuno ng mga kalunus-lunos na pag-aalala sa paparating na mga digmaang pandaigdig. Dito, isinagawa ang isang sinasadyang pagkasira ng tonal na pag-iisip ng mga nakaraang panahon - ang batayan ng musikal na wika ng mga klasiko at romantiko.

Ang pagtanggi sa tonal center (tonic) na nakikita sa isang tiyak na seksyon ng trabaho at ang mga hilig ng iba pang mga tono at pagkakatugma dito ay nabuo sa pamamagitan ng proseso ng chromatization ng sound range, ang emancipation ng lahat ng labindalawang semitones ng tempered sistema. Ang tonic bilang isang matatag (panghuling) musikal at sikolohikal na suporta ay iniiwasan, ang pakiramdam ng patuloy na paggalaw ng hindi matatag na mga tunog ay tumataas, ang sikolohikal na pag-igting ng paghihintay para sa mga tonic na hindi umiiral. Ang panimulang tono ay tumindi, na nagsasalin ng isang hindi matatag sa isa pa - mula na sa isang bagong tonality. Ang pagkakapareho ng mga posibleng tonics ay itinatag, wala sa mga ito ang ginustong. Ang pamamaraan na ito, na katangian na ni Wagner at mga kompositor ng post-romanticism (R. Strauss, A. Bruckner), ay humantong sa paglitaw dodecaphony(lit. - "labindalawang tunog") - "isang sistema ng labindalawang tunog na nauugnay lamang sa isa't isa", - ayon sa kahulugan ng tagapagtatag nito, ang Austrian na kompositor na si Arnold Schoenberg. Gumawa rin siya ng bagong istilo ng "speech singing" o "talk singing" ("Sprachgesang"), kung saan walang eksaktong taas ng tono ng tono. Ang mga tagasunod ng pamamaraang dodecaphonic (o "teknikal ng serye, serye") ay bumuo ng isang bagong paaralang Viennese (Schoenberg at ang kanyang mga mag-aaral na sina Alban Berg (1885–1935) at Anton Webern). Dahil ang lahat ng labindalawang tono sa sukat ay idineklara na pantay, pagkatapos ay ang paraan ng paglikha ng dodecaphone na musika ay batay sa mga bagong "makabuluhang yunit", na naging magkahiwalay na tono ng tunog. Tono at kumbinasyon ng ilang magkakaibang tono ( serye), ngunit hindi ang melody, hindi ang melodic-harmonic complex ay nagsimulang gumanap ng function ng isang "musical theme". Ang pagpapahayag ng naturang mga tema ay nakamit sa tulong ng mga diskarte na naglilimita sa pag-uulit ng mga tono at serye. Nagsimulang ipahayag ng musika ang mga damdamin ng pagkawala, pagkabalisa, kaguluhan, pagkapira-piraso ng kamalayan - mga palatandaan ng ekspresyonismo. Ang kredo ng mga ekspresyonistang musikero ay ipinahayag ng mga salita ni Schoenberg: "Ang sining ay ang sigaw ng mga nakikibaka sa kapalaran." Nakahanap ang serial technique ng isang mataas na artistikong sagisag sa post-war cantata ni Schoenberg Nakaligtas mula sa Warsaw(1947), konsiyerto para sa biyolin at orkestra ( Sa alaala ng isang anghel, 1935) at opera ni Berg ( Wozzeck, 1925). Sa gawain ni Webern, lumitaw ang mga tampok ng musical pointillism, nang ang "kaganapan" sa pag-unlad ng musika bumababa lamang sa pagbabago ng mga tono mismo - pagbabago ng kanilang tagal, timbre at dynamic na pangkulay. Ang mga gawa ay kapansin-pansin para sa kanilang walang uliran na kaiklian (ang kabuuang tagal ng lahat ng 31 Webern opuses ay tatlong oras ng tunog) at ang sukdulang saturation ng musical-tonal (dotted) na "impormasyon". Ang mga prinsipyo ng serial technique ng pagsulat (ang paraan ng dodecaphony na pinalawak sa mga posibilidad nito) ay mangibabaw sa mga gawa ng maraming kompositor.

Sa unang kalahati ng ika-20 siglo sa Europa, umuusbong ang mga phenomena na lumilikha ng mga kinakailangan para sa avant-garde. Ang mga kompositor ay bumaling sa hindi pangkaraniwang mga timbre, ritmo, intonasyon (folklore, jazz, kakaibang oriental na instrumento, ingay), pagpapalawak ng saklaw ng mismong materyal ng musika at pagtaas ng arsenal ng mga paraan na ginamit. Ang isang espesyal na pag-renew ay sinusunod sa lugar ng ritmo, na nagiging mas mahigpit, mas agresibo, mas magkakaibang sa karakter at puspos ng mga elemento ng exotic at archaic. Tumataas ang interes sa mga genre ng sayaw, plastik, stage-oratorio. Ang mito, engkanto at tunay (o inilarawan sa pangkinaugalian) musikal na alamat ay naging materyal para sa paglikha ng mga bagong akda batay sa mga makabagong pamamaraan ng pagsulat. Mas gusto ni Igor Stravinsky, Bela Bartok, Karl Orff ang bagong direksyon ng alamat (neofollore).

Ang isang katangiang tanda ng mga panahon ay ang maraming mga kompositor ay "subukan" ang kanilang mga sarili sa iba't ibang mga estilo, mas pinipili ang isa o ibang pamamaraan sa iba't ibang panahon ng kanilang trabaho: mula sa "Russian folklorism" (mga unang ballet Banal na tagsibol, Firebird, Parsley itinanghal noong 1910-1913 sa Paris) - sa polystylistics (ballet Pulcinella, 1920) at neoclassicism ( Symphony of Psalms, 1948 at mga himno para sa mga patay, 1966) - ganyan ang hanay ng Igor Stravinsky. Ang iba't ibang mga estilo ay minsan pinagsama sa isang gawain sa anyo ng isang espesyal na paraan ng malikhaing - polystylistics. Ang ninuno nito ay ang Amerikanong kompositor na si Charles Ives, na pinagsama ang mga salmo, ragtimes, jazz, makabayan at mga kanta sa trabaho, mga martsa ng militar, mga harmoniya ng koro sa loob ng isang komposisyon. Ang mga uri ng polystylistics tulad ng pagsipi, alusyon, collage ay nagsisimula nang gamitin.

Nanaig ang uso para sa walang tono (atonal) na musika, bagama't hindi lahat ng kompositor ay sumunod dito. Ang ilan naman ay nakipagtalo masining na halaga ang tonal na pundasyon ng melody at nagpakita ng interes sa non-classicism. Maraming mga opus ng Aleman na kompositor na si Paul Hindemith, kasama ang kanyang doktrina ng komposisyon, ay nagbigay-diin sa kahalagahan, kung hindi sa mode, at hindi bababa sa tonal center bilang isang nagpapahayag na paraan ng musika. Hindi mahalaga kung ang isang akda ay nakasulat sa mayor o minor, ito ay tinatawag sa pangunahing tono kung saan ito nagtatapos (Symphony in B para sa mga instrumentong pang-ihip ng hangin, 1951; cycle ng mga piraso para sa pianoforte Ludus tonalis, 1942). Ang pag-asa sa mayor-minor na pag-iisip ay nagpapakilala rin sa gawain ni Honegger, Poulenc, ang kompositor ng Italyano na si Alfredo Casella (1883–1947), at iba pa.

Ang gawa ng Pranses na kompositor na si Olivier Messiaen (1908–1992) ay namumukod-tangi para sa istilong pagka-orihinal nito. Nagtagumpay ang kompositor na supilin ang ritmikong at timbre na mga inobasyon na kanyang natagpuan, na resulta ng pag-aaral ng kultura ng India ( Turangalila, 1948), matataas na kaisipang espirituwal na may likas na teolohiko at panteistiko. Siya ay "nakikipag-usap" sa mga tagapakinig ng mga bulwagan ng konsiyerto tungkol sa mga walang hanggang halaga sa isang simpleng anyo ng musika ( Tatlong maliliit na liturhiya para sa banal na presensya, 1941, Dalawampung Mukha ng Batang Hesus, 1944).

Musika ng ikalawang kalahati ng ika-20 siglo.

Kultura ng ika-2 kalahati ng ika-20 siglo. minarkahan ng isang matalim na pagtanggi sa mga nakaraang mga usong pangkakanyahan. Ang labindalawang-tono na pamamaraan ng pagsulat ay nanatiling pinakamoderno at pangunahing para sa karamihan ng mga serialist na kompositor noong 1940s at 1950s. Mahalaga para sa 1950s ang reaksyon sa serial pamamaraan na ipinahayag sa isang artikulo ng Pranses na kompositor at konduktor na si Pierre Boulez Patay na si Schoenberg!(1952). Siya, tulad ng kompositor ng Italyano na si L. Berio, ay pinupuna ang paglikha ng musika sa tulong ng mga serye, dahil ang pamamaraang ito ay "walang kinalaman sa totoong musika." Pamana ng musika ng mga kompositor ng ika-20 siglo. naglalaman ng maraming kabaligtaran na phenomena: neo-romanticism at sonoristics, serialism at aleatorics, electronic constructivism at minimalism. Ang paglitaw ng neo-romanticism (string quartets ni W. Rym; 2nd symphony at 2nd concerto para sa cello at orchestra ni Krzysztof Penderecki, 1980, 1982; concerto para sa piano at orchestra ni Sigmund Krause, 1985) ay isang mulat na pagbabalik ng ilang musikero. ang mga romantikong mithiin ng nakaraan, ang pagtanggi sa musikal na eksperimento at constructivism, na naging batayan ng musikal at propesyonal na pagkamalikhain noong ika-20 siglo.

Ang radikal na demolisyon ng Western European musical tradition ay naganap noong kalagitnaan ng ika-20 siglo, nang ang isang direksyon na tinatawag na avant-garde ay nabuo sa gitnang Europa. Ang forerunner ng musical avant-garde ay maaaring ituring na iba't ibang mga indibidwal na pagpapakita ng paghahanap para sa isang bagong musikal na wika, na pinagsama ng ideya ng pag-abandona sa mga nakaraang tradisyon. Sa tinubuang-bayan ng futurism, sa Italya, ang kompositor at pintor na si Luigi Russolo Manifesto ng musikal na futurism(1913) ay hinimok: “Idirekta ang tubig mula sa mga kanal patungo sa mga silid ng museo at bahain ang mga ito! At hayaang dalhin ng kasalukuyang ang mga canvases!", "Hindi na natin mapipigilan ang ating pagnanais na lumikha ng bagong realidad na hindi kasama ang mga biyolin, piano, double bass at mga organong nagdadalamhati. I-break natin sila!" Idineklara ni Russolo na ang ideyal ng bagong realidad ay natural o mekanikal na ingay (libro Ang Sining ng Ingay, 1961): “Tawid tayo sa isang malaking lunsod, na bubuksan ang ating mga mata at tainga, at tayo ay mag-e-enjoy kapag nakikilala natin ang bula ng tubig, hangin, gas sa mga metal na tubo, ang kalansing ng mga tren sa mga riles .., ang pagkislap ng mga kurtina at mga watawat sa hangin.” Ang ideyang ito ay nakapaloob sa gawain ng Amerikanong kompositor na si Edgard Varèse (Pranses sa pamamagitan ng kapanganakan), na sa mga gawa noong 1920s ( Mga integral, Hyperprism, Densidad) pinagsama ang tunog at ingay, gamit ang mga ingay ng pandayan, ang tunog ng gumaganang lagarian, parang sirena.

Eksperimento ang bagong paraan ng pagbubuo ng musika. Ang pangunahing layunin ng pagkamalikhain ay ang paghahanap para sa mga bagong paraan ng pagpapahayag sa pamamagitan ng "pagkakabisado" sa pinagmulang materyal kung saan ang mismong mga ideya tungkol sa "musika" ay maaaring "mabuo": ang mga kompositor ay hindi nakatuon sa pagitan o ritmo, ngunit sa tunog, ang timbre nito , amplitude, dalas, tagal , pati na rin ang ingay, i-pause. Ang mga parameter na ito ng istruktura ng musika ay walang etniko o pambansang attachment - "ang mga tunog sa pamamagitan ng kanilang kalikasan ay hindi higit na Amerikano kaysa sa Egyptian" (J. Cage). Dahil kinilala na ang wika ng musika ay ganap na naubos, ang isa ay maaaring "magsimula sa simula, nang hindi lumilingon sa mga guho" (Stockhausen). Ang pagbubuo ng musika ay naging "reconnaissance ng posibilidad ng pagsasama-sama ng bagay" (György Ligeti). Ang eksperimento sa musika ay hindi tungkol sa paglikha ng isang gawa ng sining, ito ay "isang gawa na ang mga resulta ay hindi mahuhulaan" (Cage).

Sa isang banda, pinagtatalunan na ang batayan ng musika ay discursive-ordered thinking. Samakatuwid, ang priyoridad ay ibinigay sa musikal na teknolohiya, at ang "pormal na pagkakasunud-sunod" na umaabot "sa kailaliman ng musika, sa antas ng microstructure" (Boulez). Ang mga bagong makatwirang pamamaraan ng gawaing musikal ay umaakit sa marami na nauugnay sa matematika at pisikal at teknikal na edukasyon (Boulez, Milton Babbitt, Pierre Schaeffer, Janis Xenakis - ang imbentor ng kanyang sariling computer para sa paglikha ng mga elektronikong komposisyon na may mga programa sa komposisyon batay sa mga pormula sa matematika at pisikal na batas). Sa kabilang banda, nadala ng pilosopiya ng Budismo, ang Amerikanong kompositor na si John Cage ay naglagay ng aesthetics ng "katahimikan sa musika" (aklat Katahimikan, 1969), na nagpapatunay na ang musika ay hindi nilikha sa papel, ngunit "ay ipinanganak mula sa kawalan ng laman, mula sa katahimikan", na "kahit na katahimikan ay musika". Ang ideyang ito ay ipinatupad niya sa sikat na silent opus, na nagtuturo sa musikero na "tumahimik sa loob ng 4 na minuto at 33 segundo" bago magsimulang tumugtog ng instrumento ( 4"33"" tacet, 1952). Ang "Silent Music" ay humantong sa paglikha ng isang bagong genre ng musika - instrumental na teatro(sa gawa ng Aleman na kompositor na si Maurizio Kagel (b. 1931), Stockhausen, Italyano na kompositor na si Luciano Berio, b. 1925, atbp.).

Maraming mga kompositor ang bumaling sa gawain ng kanilang mga klasikal na nauna, hindi lamang bilang mga sipi sa musika, ngunit bilang mga sanggunian sa musika sa mga gawa ni Bach, Debussy, Berlioz, Beethoven, Mussorgsky, Stravinsky, gamit ang "montage" na pamamaraan (sa mga gawa ni Kagel) .

Ang interes ng mga kompositor sa alamat ay nakakakuha ng mga bagong tampok. Hindi lamang nila ginagawang muli ang kanilang sariling musikal na alamat, ngunit lalong lumilipat sa mga tunay na dokumentong pangmusika ng mga kulturang hindi Europeo - etniko at relihiyosong musika ng iba't ibang mga tao, ang pag-access sa kung saan ay ibinigay ng mga tagumpay ng modernong musikal na etnograpiya (lalo na ang American etnomusicology) at mga paglalakbay ng mga kompositor sa Africa at Asia, ang kanilang pag-aaral ng mga tradisyonal na musikal na kasanayan "sa lupa" (Mga Amerikano - Philip Glass, Steve Reich, Terry Riley, Pranses na si Jean-Claude Eloi, atbp.). Sa gawain ng ilang musikero, matagumpay na ginagamit ang mga makabagong pamamaraan sa pagsulat upang ipahayag ang mga ideyang pampulitika o pilosopikal, kultural na predilections (oratorio). Namatay si irae. Sa memorya ng mga biktima ng Auschwitz, 1967, Penderecki, vocal-electronic na komposisyon Hindi na kailangang ipagpalit si Marx, 1968, Italyano na kompositor na si Luigi Nono, b.1924).

Ang isa sa mga makabuluhang pigura ng Western European avant-garde ay ang Aleman na kompositor na si Karlheinz Stockhausen, na, sa kanyang mga gawa, sa mga libro, at sa kanyang aktibong gawain, ay bumalangkas ng espesyal na papel ng kompositor: "ang isang modernong artista ay isang tumatanggap ng radyo. , na ang kamalayan sa sarili ay nasa saklaw ng superconscious.” Malawakang ginagamit ang lahat ng modernong uri ng avant-garde, hinahangad niyang ipahayag ang malalim na mga ideyang pilosopikal na inspirasyon ng interes sa mistisismo ng India ( Mantra, 1970), sa astrolohiya ( Zodiac, 1975-1976), sa isang esoteric na interpretasyon ng kanyang malikhaing papel, bilang ang kakayahang isama ang mga tunog ng Cosmos o bigyang-kahulugan mga kuwento sa Bibliya(mga opera Huwebes mula sa Liwanag, 1978–1980, Sabado mula sa Liwanag, 1981–1983, Lunes na wala sa liwanag, 1985–1988).

Ang interes sa panoorin ng mga pagtatanghal sa musika at konsiyerto, tulad ng "mga palabas", ay lumalaki: mga aktor, mimes, kasuotan, ilaw at sound effects. Ang mga kondisyon ng konsyerto para sa pagtatanghal ng musika ay nagbabago, kapag ang mga musikero ay maaaring ibaba sa isang kuweba upang makamit ang pabilog na resonance, at ang mga tagapakinig ay maaaring ilagay sa mga nakasabit na upuan sa isang kalaliman. Ang mga espesyal na bulwagan ng konsiyerto ay itinatayo (ang Beethoven Hall sa Bonn, 1970, ang La Geod hall, isang konstruksyon sa mga suburb ng Paris sa anyo ng isang bola ng salamin na pinakintab na bakal na 36 m ang lapad). Binuksan ang mga espesyal na electronic studio, nilagyan ng mga synthesizer, na nagiging mga internasyonal na sentro para sa pagtuturo ng bagong musika (Center Georges Pompidou sa Paris). Ang eksperimento sa musika ay kinikilala bilang pangunahing layunin ng malikhaing gawa ng kompositor. Ang Unang Internasyonal na Dekada ng Eksperimental na Musika ay ginanap (Paris, 1958), ang mga International Summer Courses ay binuksan at gaganapin bagong musika sa Darmstadt (Germany), summer music school sa Darlington (UK). Ang mga kompositor ay hindi lamang nakakabisado ng mga bagong pamamaraan at pamamaraan ng paglikha ng musika, ngunit nagbibigay din ng mga lektura, sumulat ng mga gawa sa eksperimentong musika, nagsusuri at nagkomento sa kanilang sariling mga gawa. Ang paglikha ng musika mismo at ang paglikha ng mga teksto tungkol sa musikang ito (ang mga gawa ng Messiaen, ang mga multi-volume na publikasyon ng Stockhausen, ang mga artikulo ng Cage, atbp.) ay isang katangiang tanda ng pagkamalikhain ng kompositor noong ika-20 siglo.

Ang avant-garde na direksyon sa musika ay lumikha ng Electronic music. Noong unang bahagi ng 1950s, nagsimula ang pagbuo ng mga tunog, ingay at disenyo ng mga bagong elektronikong instrumento. May mga studio ng electronic music: sa Cologne, kung saan nagsusulat si Stockhausen; sa Paris sa French radio, kung saan nagtatrabaho ang isang grupo ng mga mananaliksik - Boulez, Messiaen, Pierre Henry, P. Schaeffer. Ang tagapagtatag ng isang bagong elektronikong direksyon, unang tinawag na konkretong musika, si Schaeffer, may-akda ng publikasyon Sa pag-aaral ng partikular na musika(1952), gumanap ng kanyang mga komposisyon para sa magnetic tape sa konsiyerto (Paris, 1948). Nilikha ni Schaeffer kasama si Henri Symphony para sa isang tao(1951) ay nagpakita ng masining na pagpapahayag ng elektronikong musika. Batay sa mga epekto ng electronic spatial sounding Elektronikong tula Varese (1958), gumanap sa Philips Pavilion sa World's Fair na may 425 loudspeaker na may 11 channel bawat isa. Mga komposisyon ng Cage ( Marso No. 2 para sa 12 radyo, 1951) at Stockhausen ( Mga Himno 1966–1967).

Sonoristics - isang direksyon na naglalagay sa unahan ng timbre (timbre-textural) na mga posibilidad ng musikal na sining. Ang pagpapahayag ng agwat (melodic-thematic relief) ay kumukupas sa background, na nagbibigay-daan sa sound coloring at saturation. Maaaring walang pitch ang isang buong tunog. Ang lugar ng mga musikal na nuances at mga pamamaraan ng pagkuha ng tunog ay hindi pangkaraniwang lumalawak. Ngayon ang "timbre ay naging pinakamahalagang kategorya sa komposisyon" (Boulez). Ang mga eksperimento na may tunog ay humahantong sa hindi pangkaraniwang pagdausdos, pagtugtog ng mga instrumentong may kuwerdas sa tulay, sa at sa likod ng tulay, paghampas sa fretboard, paghampas sa katawan ng piano, pagbuga ng hininga, pagbulong, pagsigaw, pag-awit nang walang panginginig ng boses, pagtugtog ng busog sa isang cymbal o vibraphone, tumutugtog sa isang mouthpiece, sa tunog ng mga silver tray, toilet flush tank, atbp. ( kapaligiran Ligati, 1961; Mga banggaan G.-M. Guretsky, 1960; De natural sonoris Penderecki, 1970). Kasama sa pagsasanay ang isang dissected piano, mga eksperimento kung saan isinagawa ni Cage ( Music book para sa 2 inihandang piano, 1944). Binago ng instrumento ang timbre nito sa proseso ng espesyal na paghahanda - pag-clamping ng mga string gamit ang mga espesyal na susi, paglalagay ng mga ito sa mga string o pagpasok sa pagitan ng mga ito. iba't ibang bagay(metal, goma, kahoy), atbp.

Ang Aleatorica (lat. "dice", "lot") ay isang paraan na naging reaksyon sa isang nakapirming komposisyon, kung saan ang lahat ng paraan at parameter ay kinokontrol para sa gumaganap. Lumilitaw ang gawain bilang isang partikular na sandali o yugto ng proseso ng komposisyon, kung saan "mas mahalaga ang mga pamamaraan kaysa sa mga resulta" (Karl Dahlhaus). Ang pagtutuon ng interes sa isang musikal na kaganapan, ang tagapalabas at tagapakinig ay kasangkot sa isang tiyak na aksyon, makibahagi dito at ibahagi ang "responsibilidad" ng may-akda para sa nilikhang panandaliang gawain. Nagdulot ng hindi kumpletong notasyong pangmusika, kondisyon, eskematiko, graphic, mga scenario-text ng imahe ang nakababahalang kasanayan. Hindi naayos sa pag-record, ang mobile na "text" ng isang musikal na komposisyon ay nakakuha ng pagkakataon na lumikha ng mga bagong bersyon ng pagganap nito, upang isagawa ang mga panloob na muling pagsasaayos ng mga bahagi, atbp. (3 sonata para sa piano Boulez - 1957, Mga Larong Venetian Vitold Lutoslavsky, 1962.) Ang nangyayari ay naging isang matinding anyo ng pagpapakita ng aleatorics.

Sa huling bahagi ng 1950s, ang pamamaraan ng minimalism ay ipinanganak (sa France - "rehearsal" na musika), batay sa pag-uulit ng pinakasimpleng pampakay na mga konstruksyon, ngunit sa isang espesyal na paraan, hiniram mula sa mga obserbasyon ng teknikal na "ingay" sa radio engineering, ng acoustic mismatches. Ang ideya ng pagtatrabaho sa pinakasimpleng pampakay na mga pormasyon ay iniharap ni Cage ( Mga Lektura sa Wala, 1959), ngunit ang pioneer ng bagong eksperimento ay ang Amerikanong kompositor na si Steve Reich. Sa sanaysay Musika ng pendulum(1968), ang pangunahing "tool" ay isang nasuspinde na mikropono, hinila at itinandayan tulad ng isang palawit sa espasyo ng acoustic system. Ang batayan ng pag-unlad sa minimalism ay ang hindi kasabay na tunog ng parehong pampakay na modelo sa eksaktong o minimally binagong pag-uulit nito. Lumilikha ng epekto ng "nagtatagpo" nang sabay-sabay at "divergent" na tunog sa ensemble sound ( yugto ng piano, 1967). Sa isang malawak na kahulugan, ang minimalism sa musika ay nagsimulang tukuyin ang pamamaraan ng paglikha ng isang gawa batay sa isang minimum paraan ng pagpapahayag- isa o higit pang melodic figure na binuo gamit ang psycho-physiological effect: maraming repetitions, technical-acoustic overlay, dynamic build-up, contrasts, tempo accelerations, atbp. Sa America, ang istilong ito ay tinawag ding New York School of Hypnosis. Ang mga kinatawan ng unang alon ng minimalism ay ang mga Amerikanong kompositor na sina T. Riley, F. Glass, Morton Feldman at iba pa.

Sa pagtatapos ng ika-20 siglo Ang avant-gardism ay nauubos ang sarili sa pamamagitan ng pag-impluwensya sa iba pang mga uri ng musikal na kultura - jazz, rock, film music. Ang resulta nito ay maaaring ituring na isang bagong ideya ng musika na binuo ng mga kontemporaryo at isang bagong saloobin patungo sa materyal na kung saan ito ginawa at kasama na ngayon ang pinakamalawak na hanay ng lahat ng kilalang makasaysayang at heograpikal na mga istilo at instrumental at tunog na mga teknolohiya. Bilang, tulad ng mataas na musikal na sining ng Europa, isang elitist phenomenon, ang avant-garde ay nawala sa kultura ng pang-araw-araw na buhay, na nagtatagumpay hanggang ngayon. Ang mga bagong musical form nito sa paglikha ng musika sa tulong ng mga computer program at high sound na teknolohiya ay nagbunga ng bagong uri ng non-academic na aktibidad sa musika, na naa-access ng isang baguhang musikero na dalubhasa sa mga batas ng pagbuo ng isang musikal na gawa sa labas ng mga dingding ng tradisyonal na musikal. mga institusyong propesyonal.

Tamila Jani-Zade, Walida Kelle

Panitikan:

Buchan E. Musika ng rococo at klasisismo. 1934
Druskin M.S. Clavier music ng Spain, England, Netherlands, France, Italy, Germany noong ika-16-18 na siglo. L., 1960
Musical aesthetics ng Western European Middle Ages at Renaissance. M., 1966
Musik der Altertums. Musikgeschichte sa Bildern. bd. 2 Leipzig, 1968
Salmen W. Haus-und Kammermusik/ Privates Musizieren im Gesellschaftlichen Wandel zwischen 1600 und1900. Musikgeschichte sa Bildern. Musika der Mittelalters und der Renaissance. Bd.4. Leipzig, 1969
Schneerson G. Pranses na musika noong ika-20 siglo. Ed.2. M., 1970
Kholopova V.N. Mga tanong ng ritmo sa gawain ng mga kompositor ng unang kalahati ng ika-20 siglo. M., 1971
Schwab H.W. Konzert. Musikgeschichte sa Bildern. Musika der Neuzeit. bd. 4 Leipzig, 1971
Druskin M.S. Sa Western European Music of the 20th Century. M., 1973
Musical aesthetics ng France. M., 1974
Kholopov Yu.N. Mga sanaysay sa Modern Harmony. M., 1974
Musika ng ika-20 siglo. Mga materyales at dokumento. M., 1975
Dubravskaya T.N. Musika ng Renaissance. ika-16 na siglo. M., 1976
Salmen W. Musikleben sa 16. Jahrhundert. Musikgeschichte sa Bildern. Musika der Mittelalters und der Renaissance. buhay. 9 Leipzig, 1976
Livanova T.N. Kanlurang European na musika noong ika-17-18 siglo sa isang serye ng mga sining. M., 1977
Musical aesthetics ng Kanlurang Europa noong ika-17-18 siglo. M., 1977
Yarotsinskiy S. Debussy, Impresyonismo at Simbolismo. M., 1978
Rosenshield K.K. Musika sa France noong ika-17 at unang bahagi ng ika-18 siglo. M., 1979
Druskin M.S. Kasaysayan ng banyagang kultura ng musika. Ika-2 kalahati ng ika-19 na siglo. M., 1980
Evdokimova Yu.K., Simakova N.A. Renaissance musika. M., 1982
. Tomo 2. M., 1982
Mga aesthetics ng musika Alemanya XIX sa. tomo 1, 2. M., 1981, 1982
Evdokimova Yu.K. Polyphony ng Middle Ages X-XIV na siglo. Kasaysayan ng polyphony. Isyu 1. M., 1983
Livanova T.N. Kasaysayan ng musikang Kanlurang Europa hanggang 1789. Ika-18 siglo. Tomo 1. 2nd ed. M., 1983
Filenko G.T. Pranses na musika ng unang kalahati ng ika-20 siglo. L., 1983
Musika ng ika-20 siglo. Mga sanaysay. Bahagi 2: 1917-1945. Aklat. 4. M., 1984
Bogoyavlensky S.N. musikang Italyano Unang kalahati ng ika-20 siglo. M., 1986
Zhitomirsky D.V., Leontyeva O.T., Myalo K.G. Western musical avant-garde pagkatapos ng World War II. M., 1989
Konen V.D. Ikatlong layer. Mga bagong mass genre sa musika ng ikadalawampu siglo. M., "Musika", 1994
Lobanova M.N. Western European musical baroque. M., 1994
Barsova I.A. Mga sanaysay sa kasaysayan ng notasyon ng marka (XVI - ang unang kalahati ng siglong XVIII). M., 1997
Konen V.D. Mga sanaysay sa kasaysayan ng banyagang musika. M., 1997
Kultura ng musika: XIX-XX. Isyu. 2. M., 2002
Saponov M. A. Minstrels. Isang libro tungkol sa musika ng medieval Europe. M., 2004
Fortunatov Yu.A. Mga lektura sa kasaysayan ng mga estilo ng orkestra. M., 2004



gawaing kurso

"Pambansang katangian at kultura ng Espanya"




Panimula

Kabanata 1. Pangkalahatang impormasyon tungkol sa Espanya

1.1 Kasaysayan ng Espanya

1.2 Heograpiya ng Espanya

Kabanata 2. Kultura ng Espanya

2.1 Panitikan

2.2 Arkitektura at sining

2.3 Musika

2.5 Edukasyon

2.6 Libangan at palakasan

Kabanata 3

3.1 Mga Tradisyon ng Espanya

3.2 Mga Espanyol

3.3 Espanyol. Kasaysayan ng wikang Espanyol

3.4 Mga Piyesta Opisyal sa Spain

3.5 Kasuotang Espanyol

3.6 Pambansang lutuin ng Espanya

3.7 Maikling paglalarawan ng mga lungsod, rehiyon at resort sa Spain

3.8 Mga Atraksyon sa Spain

3.9 Panahon sa Spain

Konklusyon

Bibliograpiya

Panimula




Anumang bansa at kultura nito ay umiiral nang mahabang panahon, at natural na sa mahabang panahon ang mga tradisyon nito ay hindi mababago. Mayroong iba't ibang mga bali, pagbabago ng mga palatandaan, lahat ng iyon, salamat sa kung saan maaari nating pag-usapan ang tungkol sa pag-unlad, ebolusyon o rebolusyon ng pambansang kultura. Laban sa background na ito ng patuloy na pagbabago, mahirap ilarawan ang sistematikong anumang uri ng pambansang kultura. Karamihan sa mga may-akda ay nagsasama sa mga kahulugan ng mga elementong bumubuo ng sistema ng pambansang kultura tulad ng wika, relihiyon at sining, ngunit wala sa mga elementong ito sa kanyang sarili ang maaaring magsilbi bilang isang tanda na nagpapakilala sa isang pambansang kultura mula sa iba. Paano maiiwasan ang isang mapaglarawang diskarte sa pambansang kultura, kung ang kasaysayan ng kultura o historiosophy (sa anyo ng isang "pambansang ideya") ay iminungkahi sa halip na isang teorya? Ang mga permanenteng at matatag na katangian ng pambansang kultura ay mahirap ihiwalay, at maraming paraan sa problemang ito. Iminumungkahi naming gawing pangunahing kategorya ng pagsusuri ang mga katangiang naroroon sa kultura ng isang bansa sa buong kasaysayan nito, na, sa isang banda, pinapayagan itong mapanatili ang katatagan at pagkakakilanlan nito, at sa kabilang banda, magtakda ng isang tiyak na paraan ng dinamika at ang katangian ng mga pagbabago sa kasaysayan.

Ang kaugnayan ng paksa ng pananaliksik. Ang Espanya ay sumasakop sa isang espesyal na lugar sa kontekstong ito. Ang bansang ito, na matatagpuan sa paligid ng mga pinakamalaking kaganapan ng ikadalawampu siglo, ngayon ay sumasakop sa isang nangungunang posisyon kasama ng iba pang mga bansa sa Europa. Bilang karagdagan, ngayon na ang Europa ay gumagawa ng isa pang pagtatangka sa pagkakaisa, ang mga makabuluhang pagkakaiba sa pagitan ng mga bahagi nito ay nakalantad. Ang kultural na konsepto ng "Western Europe", sa mas malapit, mas maingat na pagsasaalang-alang, gumuho, at ipaliwanag nang kaunti sa mga kasong iyon kung kinakailangan upang makakuha ng ideya ng isang partikular na bansa na heograpikal na nauugnay sa Europa.

Kabanata 1. Pangkalahatang impormasyon tungkol sa Espanya




Espanya ay isang European state na matatagpuan sa Iberian Peninsula, na ang kabisera ay Madrid. Ang pinuno ng Espanya ay si Haring Juan Carlos. Ang anyo ng pamahalaan ay isang monarkiya ng konstitusyonal. Ang hangganan ng Spain sa France, Portugal, Andorra at ang English colony ng Gibraltar, ay hugasan ng Mediterranean Sea at Atlantic Ocean.

Ang bansa ay nagmamay-ari ng Balearic, Pitius at Canary Islands, ang mga bundok at talampas ay bumubuo ng 90% ng lugar nito, sa teritoryo ng estado na ito ay mayroong Mount Mulasen (ang pinakatimog na punto sa Europa, kung saan nananatili ang snow kahit na sa tag-araw).

Klima: Sinasakop ng Espanya ang subtropikal na sona at sa karamihan ng teritoryo nito ay nailalarawan sa klima ng Mediterranean. Ang mga likas na kondisyon ng estadong ito ay malapit sa parehong European at African, ngunit mayroon din silang sariling mga katangian dahil sa heograpikal na lokasyon ng Iberian Peninsula.

Populasyon, mga wika: Ang Spain ay tahanan ng 39.6 milyong tao. Ang opisyal na wika ay Espanyol, bilang karagdagan, ang Basque, Catalan at Galician ay sinasalita dito.

Oras: Sa karamihan ng bansa, ito ay 2 oras sa likod ng Moscow, sa isla ng Tenerife - 3 oras.

Pera: Ang monetary unit ng bansa ay ang Euro (EUR). Sa mga pangunahing lungsod, maaari mong gamitin ang VISA, MASTER CARD, AMERICAN EXPRESS credit card.

Mga oras ng pagtatrabaho ng mga institusyon: Bukas ang mga tindahan mula 09.00 hanggang 13.30 at mula 16.30 hanggang 20.00. Ang mga maliliit na tindahan sa mga lugar ng resort ay karaniwang bukas hanggang 22.00. Ang mga department store ay bukas mula 10.00 hanggang 21.00 na oras (Lunes - Sabado), nang walang pahinga. Sa departamento ng serbisyo, maaari kang mag-isyu ng isang tax free coupon, na nagbibigay ng diskwento sa mga dayuhan. Bukas ang mga bangko mula 9:00 hanggang 14:00, mga museo - mula 10:00 hanggang 14:00, maliban sa mga sentral. Nagpapahinga ang mga empleyado tuwing Sabado ng hapon at Linggo. Sa panahon ng tag-araw, karamihan sa mga restaurant at bar ay naghihintay para sa kanilang mga bisita sa buong araw.

Mga tip: Sa mga hotel, restaurant at bar, kadalasang kasama sa bill ang mga tip, ngunit dito ay kaugalian na i-round up ang halaga. Karaniwang ibinibigay ang tipping sa mga porter, mga attendant ng ticket sa teatro na tutulong sa iyo sa iyong pamamasyal. Sa ibang mga kaso, ang tip ay karaniwang 5-10% ng singil.

Transportasyon: Sa Espanya, ang transportasyon sa lupa ay ibinibigay ng isang mahusay na binuo na network ng mga kalsada at riles. Mayroong isang mahusay na itinatag na sistema ng mga paglipad ng hangin sa pagitan ng mga pangunahing lungsod. Bilang karagdagan, ang mainland ng bansa ay konektado sa kontinente ng Africa, ang Balearic at Canary Islands sa tulong ng mga pampasaherong barko.

Sa mga lugar ng resort, ang pag-arkila ng kotse ay ibinibigay sa mga turista na higit sa 21 taong gulang. Upang tapusin ang isang kontrata, kailangan mong magkaroon ng isang pasaporte, isang internasyonal na lisensya sa pagmamaneho (na may hindi bababa sa isang taon ng karanasan) at isang deposito ng 50 hanggang 100 US dollars. Ang pagrenta ng kotse tulad ng Opel Corsa o Ford Fiesta ay nagkakahalaga ng humigit-kumulang $40 bawat araw. Ang gastos ng pag-upa ng kotse ay may kasamang seguro, ngunit ang gastos ng gasolina ay karaniwang hindi kasama sa kabuuang halaga, iyon ay, na nakatanggap ng isang kotse na may isang buong tangke, ang kliyente ay dapat na ibalik ito nang buo din ang gasolina. Ang isang litro ng gasolina sa Spain ay nagkakahalaga ng humigit-kumulang $0.9.




1.1 Kasaysayan ng Espanya




Ang pagiging nasa sangang-daan ng Europa at Africa, ang Espanya at ang Iberian Peninsula ay sumailalim sa mga pagsalakay ng mga lahi at sibilisasyon. Dumating ang mga Romano sa Espanya noong ika-3 siglo BC, ngunit tumagal sila ng dalawang siglo upang masakop ang peninsula. Unti-unting pinagtibay ang mga batas, wika at tradisyon ng mga Romano. Noong 409 AD, ang Romanong Espanya ay sinalakay ng mga tribong Aleman, at noong 419 ay naitatag ang kaharian ng Visigothic. Ang mga Visigoth ay namuno hanggang 711, pagkatapos ay tumawid ang mga Muslim sa Straits of Gibraltar at tinalo si Roderick, ang huling hari ng Gothic.

Noong 714, nakuha ng mga hukbong Muslim ang buong peninsula, maliban sa mga bulubunduking rehiyon ng hilagang Espanya. Ang pananakop ng mga Muslim sa katimugang Espanya (na tinawag ng mga Kastila na al-Andalus) ay tumagal ng halos 800 taon. Sa panahong ito, umunlad ang sining at agham, pinalaki ang mga bagong pananim at ipinakilala ang mga bagong teknolohiya sa agrikultura, at itinayo ang mga palasyo, mosque, paaralan, hardin, at paliguan. Noong 722, sa Covadonga sa hilagang Espanya, isang maliit na hukbo na pinamumunuan ng Visigothic na haring Pelayo ang nagdulot ng unang pagkatalo sa mga Muslim. Ang labanang ito ay minarkahan ang simula ng Reconquista - ang pagbabalik ng Espanya ng mga Kristiyano.

Sa pagtatapos ng ika-13 siglo, lumitaw ang Castile at Aragon bilang dalawang pangunahing sentro ng kapangyarihan sa Kristiyanong Espanya, at noong 1469 sila ay pinagsama sa pamamagitan ng kasal ni Isabella, isang Castilian prinsesa, at Ferdinand, tagapagmana ng trono ng Aragon. Tinawag na mga Katolikong Monarka, pinag-isa nina Isabella at Fernando ang buong Espanya at pinasimulan ang isang ginintuang panahon. Noong 1478, pinasimulan nila ang kilalang-kilalang malupit na Inkisisyon ng Espanya, kung saan libu-libong Hudyo at iba pang mga erehe ang pinatalsik at pinatay. Noong 1478, kinubkob nila ang Granada, at pagkaraan ng 10 taon ay sumuko sa kanila ang huling Muslim na hari, na minarkahan ang pinakahihintay na pagtatapos ng muling pananakop ng bansa.

Lumaki ang Spain bilang isang malawak na New World empire pagkatapos ng pagdating ni Columbus sa Americas noong 1492. Habang inaagaw ng mga mananakop ang lupain mula Cuba hanggang Bolivia, bumuhos ang ginto at pilak sa kabang-yaman ng Espanya mula sa Mexico at Peru. Monopolyo ng Espanya ang kalakalan sa mga bagong kolonya at naging isa sa pinakamakapangyarihang bansa sa mundo. Gayunpaman, ang proteksyonismong ito ay humadlang sa pag-unlad ng mga kolonya at humantong sa isang serye ng mga magastos na digmaan sa England, France at Netherlands.

Nang si Louis XVI ay pinatay sa pamamagitan ng guillotine noong 1793, nagdeklara ang Espanya ng digmaan sa bagong Republika ng Pransya, ngunit natalo. Noong 1808, ang mga tropa ni Napoleon ay pumasok sa Espanya, at ang korona ng Espanya ay nagsimulang mawalan ng kapangyarihan sa mga kolonya. Dahil sa isang pag-aalsa sa Madrid, ang mga Kastila ay nakipagkaisa laban sa mga Pranses at nakipaglaban sa limang taong panalo para sa kalayaan. Noong 1813, napigilan pa rin ang mga pwersang Pranses, at pagkaraan ng isang taon, muling umakyat si Fernando VII sa trono ng Espanya. Ang sumunod na dalawampung taong paghahari ni Fernando ay isang negatibong modelo ng monarkiya. Sa panahon ng kanyang paghahari, ang Inkisisyon ay naibalik, ang mga liberal at konstitusyonalista ay inusig, at ang kalayaan sa pagsasalita ay ipinagbabawal. Sa Espanya, nagsimula ang isang malubhang pag-urong ng ekonomiya, at ang mga kolonya ng Amerika ay nanalo ng kanilang kalayaan.

Ang nagwawasak na Digmaang Espanyol-Amerikano noong 1898 ay nagmarka ng pagtatapos ng Imperyong Espanyol. Ang Espanya ay natalo ng Estados Unidos sa isang serye ng isang panig na labanan sa dagat, bilang isang resulta kung saan ang inang bansa ay nawala sa Cuba, Puerto Rico, Guam at Pilipinas - ang huling pag-aari nito sa ibang bansa. Ang mga kaguluhan sa Espanya ay nagpatuloy hanggang sa unang bahagi ng ika-20 siglo. Noong 1923, nang ang bansa ay nasa bingit ng digmaang sibil, ipinahayag ni Miguel Primo de Riviera ang kanyang sarili bilang isang diktador ng militar at namuno hanggang 1930. Noong 1931, tumakas si Alfonso XIII sa bansa, ipinahayag ang Ikalawang Republika, ngunit sa lalong madaling panahon ito ay naging biktima ng panloob na salungatan. Hinati ng halalan noong 1936 ang bansa sa dalawang kampo: sa isang banda ang gobyernong republikano at mga tagasuporta nito (isang hindi mapakali na alyansa ng mga komunista, sosyalista at anarkista na naglalaban upang mapataas ang pagkakapantay-pantay sa lipunan at bawasan ang papel ng simbahan) at ang pagsalungat ng nasyonalista (isang kanang alyansa ng hukbo, simbahan, monarkiya at Falanges - mga partidong may pasistang paniniwala) sa kabilang banda.

Ang pagpaslang sa pinuno ng oposisyon na si José Calvo Sotelo ng mga pulis na Republikano noong Hulyo 1936 ay nagsilbing dahilan para ibagsak ng hukbo ang pamahalaan. Noong sumunod na digmaang sibil (1936-39), ang mga Nasyonalista ay nagtamasa ng malawak na suportang militar at pananalapi mula sa Nazi Germany at Pasistang Italya, habang ang kanilang mga kalaban ay mula lamang sa Russia at, sa mas mababang lawak, mula sa Inter-Brigades na binubuo ng mga dayuhang ideyalista. . Sa kabila ng banta ng pasismo, tumanggi ang England at France na suportahan ang mga Republican.

Noong 1939, ang mga Nasyonalista, na pinamumunuan ni Franco, ay nanalo sa digmaan. Mahigit 350,000 Espanyol ang namatay sa pakikibaka, ngunit hindi doon natapos ang pagdanak ng dugo. Tinatayang 100,000 Republicans ang pinatay o namatay sa bilangguan pagkatapos ng digmaan. Sa panahon ng 35-taong diktadura ni Franco, ang Espanya ay naubos ng mga blockade, hindi kasama sa NATO at UN, at nagdusa mula sa isang pagbagsak ng ekonomiya. Noong unang bahagi ng 1950s nagsimulang bumawi ang bansa, nang ang pagtaas ng turismo at ang pakikipag-alyansa sa Estados Unidos ay nagbigay ng kinakailangang suporta. Noong 1970, nararanasan ng Spain ang pinaka-dynamic na paglago ng ekonomiya sa Europa.

Namatay si Franco noong 1975, na dating hinirang si Juan Carlos, ang apo ni Alfonso XIII, bilang kanyang kahalili. Sa trono ni Juan Carlos, lumipat ang Espanya mula sa diktadura patungo sa demokrasya. Ang mga unang halalan ay ginanap noong 1977, isang bagong konstitusyon ang isinulat noong 1978, at ang isang nabigong kudeta ng militar noong 1981 ay isang walang saysay na pagtatangka na ibalik ang orasan. Noong 1982, sa wakas ay sinira ng Espanya ang nakaraan sa pamamagitan ng pagpili ng mayoryang sosyalistang pamahalaan. Ang tanging seryosong pagkukulang sa home front noong panahong iyon ay ang kampanyang terorista na isinasagawa ng separatistang grupong militar na ETA, na naglalayong bigyan ng kalayaan ang Basque homeland. Mahigit 800 katao ang napatay ng grupong ETA sa loob ng tatlumpung taon ng aktibidad ng terorista.

Noong 1986, sumali ang Spain sa EU, at noong 1992 ay minarkahan nito ang pagbabalik sa entablado ng mundo: Ang Barcelona ang nagho-host ng Olympic Games, ang Seville ay nagho-host ng Expo 92, at ang Madrid ay idineklara ang European Capital of Culture. Noong 1996, ibinoto ng mga Espanyol ang Konserbatibo sa pamumuno ni José María Aznar, isang tagahanga ni Elton John at dating maniningil ng buwis. Noong Marso 2000, muli siyang nahalal ng isang ganap na mayorya; ang kanyang tagumpay ay naiugnay sa matatag na estado ng ekonomiya ng Espanya, na lumago ng 45% sa isang taon sa panahon ng paghahari ni Aznar.




1.2 Heograpiya ng Espanya




Ang Espanya ay matatagpuan sa timog-kanluran ng kontinente ng Europa sa Iberian Peninsula. Sa kanluran ito ay hangganan sa Portugal (ang haba ng hangganan ay 1214 km), sa hilaga - sa France (623 km) at Andorra (65 km), sa timog - sa Gibraltar (1.2 km). Sa silangan at timog ito ay hugasan ng Dagat Mediteraneo, sa kanluran - ng Karagatang Atlantiko, sa hilaga - ng Bay of Biscay. Pag-aari ng Spain ang Balearic at Canary Islands, pati na rin ang limang sovereign zone sa baybayin ng Morocco. Ang kabuuang haba ng hangganan ay 1,903.2 km, ang haba ng baybayin ay 4,964 km. Ang Spain ay may matagal nang hindi pagkakaunawaan sa teritoryo sa Britain tungkol sa Gibraltar.

Sinasakop ng Spain ang 85% ng Iberian Peninsula. Ang gitnang bahagi ng bansa ay inookupahan ng malawak na talampas ng Meseta na may kadena ng bundok ng Central Cordillera, na binubuo ng Sierra de Guadarrama, Sierra de Gredos, Sierra de Tata. Sa hilaga ay ang Cantabrian Mountains. Ang Pyrenees ay umaabot sa hangganan ng France (Aneto peak, 3,404 m). Sa silangan ay matatagpuan ang mga bundok ng Iberian at Catalan. Sa timog ay ang mga bundok ng Sierra Morena at Andalusian. Ang Mount Mulasen, sa taas na 3,482 m, ay ang pinakamataas na punto sa mainland ng Spain, na matatagpuan sa mga bundok ng Andalusian. Ang Mount Pico de Teide (3,710 m) ay matatagpuan sa pinakamalaking ng Canary Islands - Tenerife. Ang mga pangunahing ilog ng bansa ay Tajo, Duero, Guadalquivir, Guadiana, Ebro.

Kabanata 2. Kultura ng Espanya




Ang Spain ay may kamangha-manghang artistikong pamana. Ang mga haligi ng ginintuang panahon ay ang mga tagasunod ng Toledo: El Greco at Diego Velazquez. Si Francisco Goya ay ang pinaka-prolific na pintor ng Espanya noong ika-18 siglo at lumikha ng mga kamangha-manghang tunay na larawan ng maharlikang pamilya. Sa simula ng ika-20 siglo, naimpluwensyahan ng mga kasuklam-suklam na artistang Espanyol na sina Pablo Picasso, Juan Gris, Joan Miro at Salvador Dali ang mundo ng sining. Ang arkitektura ng Espanya ay napaka-magkakaibang: mga sinaunang monumento sa Menorca sa Balearic Islands, mga guho ng Romano sa Merida at Tarragona, pandekorasyon na Islamic Alhambra sa Granada, mga gusali ng Mudéjar, mga katedral ng Gothic, mga palasyo at kastilyo, kamangha-manghang mga modernistang monumento at mga kakaibang eskultura ni Gaudí.

Isa sa mga pinakadakilang halimbawa ng fiction sa mundo ay ang ika-17 siglong nobelang Don Quixote ng Lamance ng Kastila na si Miguel Cervantes. Ang mga kilalang Espanyol na manunulat noong ika-20 siglo ay sina Miguel de Unamuno, Federico García Lorca at Camilo José Cela, nagwagi ng 1989 Nobel Prize sa Literatura. Kabilang sa mga sikat na babaeng manunulat sina Adelaide Garcia Morales, Ana Maria Matute at Montserrat Roig. Ang mga pelikulang Espanyol ay dating nauugnay sa gawain ng surrealist na henyo na si Louis Buñuel, na nabuhay sa halos buong buhay niya sa ibang bansa. Kinakatawan na sila ngayon ng mga ligaw na farces ng matagumpay na internasyonal na si Pedro Almodovar.

Noong 1790s, ang gitara ay naimbento sa Andalusia sa pamamagitan ng pagdaragdag ng ikaanim na string sa Arabic lute. Ang gitara ay kinuha ang modernong anyo nito noong 1870s. Itinaas ng mga Espanyol na musikero ang sining ng pagtugtog ng gitara sa taas ng virtuosity: Ginawa ni Andres Segovia (1893-1997) ang klasikal na gitara bilang isang hiwalay na genre. Ang Flamenco, isang musikang malapit na nauugnay sa canto ondo ng mga gypsies ng Andalusia, ay kasalukuyang binubuhay. Si Paco de Lucia ay isang internasyonal na kinikilalang flamenco guitarist. Ang kanyang kaibigan na si El Camarón de la Isla ay, hanggang sa kanyang kamatayan noong 1992, isang nangungunang musikero sa kontemporaryong canto ondo. Noong 1980, salamat kay Pat Negra at Ketam, lumitaw ang isang kumbinasyon ng flamenco at rock, at noong 1990, lumitaw ang radyo na "Tarifa", na nag-broadcast ng isang kaakit-akit na kumbinasyon ng flamenco, North African at medieval na melodies. Ang kumpanyang "Bacalao" ay isang kontribusyon ng Espanyol sa mundo ng teknolohiya, ang punong tanggapan nito ay matatagpuan sa Valencia.

Gustung-gusto ng mga Espanyol ang isports, lalo na ang football; ito ay nagkakahalaga ng pagbisita sa isang football match at pakiramdam ang pag-igting ng kapaligiran. Ang bullfighting ay popular din sa kabila ng patuloy na panggigipit mula sa mga internasyonal na aktibista sa karapatang panghayop.

Bagama't malalim na ang ugat ng Katolisismo sa lahat ng larangan ng lipunang Espanyol, halos 40% lamang ng mga Kastila ang regular na nagsisimba. Maraming mga Espanyol ang labis na nagdududa sa simbahan; noong digmaang sibil, ang mga simbahan ay sinunog at ang mga kleriko ay binaril dahil sila ay mga tagasuporta ng panunupil, korapsyon at ang lumang kaayusan.




2.1 Panitikan




Ang simula ng panitikang Espanyol sa Castilian ay inilatag ng dakilang monumento ng kabayanihang epiko ng Kastila na Awit ng aking Cid (c. 1140) tungkol sa mga pagsasamantala ng bayani ng Reconquista, si Rodrigo Diaz de Bivar, na binansagang Cid. Sa batayan nito at ng iba pang mga kabayanihan na tula, nabuo ang Spanish romance, ang pinakatanyag na genre ng Spanish folk poetry, noong Early Renaissance. Sa pinagmulan ng mga Espanyol na tula ay si Goncalvo de Berceo (c. 1180 - c. 1246), ang may-akda ng relihiyoso at didaktikong mga gawa, at ang nagtatag ng prosa ng Espanyol ay itinuturing na hari ng Castile at Leon Alfonso X the Wise (r. 1252-1284), na nag-iwan ng ilang makasaysayang mga salaysay at treatise. Sa genre ng fiction, ang kanyang mga gawain ay ipinagpatuloy ni Infante Juan Manuel (1282–1348), may-akda ng koleksyon ng mga maikling kwentong Konde Lucanor (1328–1335). Ang pinakadakilang makata sa unang panahon ng panitikang Castilian ay si Juan Ruiz (1283 - c. 1350), na lumikha ng Aklat ng Mabuting Pag-ibig (1343). Ang tugatog ng medyebal na tulang Espanyol ay gawa ng madamdaming liriko na si Jorge Manrique (c. 1440–1479).

Ang panahon ng Early Renaissance (simula ng ika-16 na siglo) ay minarkahan ng impluwensyang Italyano, na pinamumunuan ni Garcilaso de la Vega (1503–1536), at ng pamumulaklak ng Spanish chivalric romance. Ang "ginintuang panahon" ng panitikang Espanyol ay itinuturing na panahon mula sa kalagitnaan ng ika-16 hanggang sa katapusan ng ika-17 siglo, nang Lope de Rueda (sa pagitan ng 1500-1510 - c. 1565), Lope de Vega (1562-1635). ), Pedro Calderon (1600-1681) nagtrabaho , Tirso de Molina (1571–1648), Juan Ruiz de Alarcón (1581–1639), Francisco Quevedo (1580–1645), Luis Gongora (1561–1627) at panghuli Miguel de Cervantes Saavedra (1547–1616), may-akda na walang kamatayang Don Quixote (1605-1615).

Sa buong ika-18 at karamihan ng ika-19 na siglo. Ang panitikang Espanyol ay nasa malalim na paghina at higit sa lahat ay nakikibahagi sa panggagaya sa mga modelong pampanitikang Pranses, Ingles at Aleman. Ang Romantisismo sa Espanya ay kinakatawan ng tatlong pangunahing tauhan: ang sanaysay na si Mariano José de Larra (1809–1837), ang makata na si Gustavo Adolfo Becker (1836–1870) at ang manunulat ng prosa na si Benito Pérez Galdós (1843–1920), may-akda ng maraming makasaysayang nobela . Mga nangungunang posisyon sa panitikan noong ika-19 na siglo. sumasakop sa tinatawag na. Ang costumbrism ay isang imahe ng buhay at kaugalian na may diin sa lokal na kulay. Lumitaw ang naturalistic at realistic tendency sa akda ng mga nobelistang sina Emilia Pardo Basan (1852–1921) at Vicente Blasco Ibáñez (1867–1928).

Ang panitikang Espanyol ay nakaranas ng panibagong pagtaas sa unang kalahati ng ika-20 siglo. (ang tinatawag na "second golden age"). Ang muling pagkabuhay ng pambansang panitikan ay nagsisimula sa mga manunulat ng "henerasyon ng 1898", na kinabibilangan nina Miguel de Unamuno (1864-1936), Ramon del Valle Inclan (1869-1936), Pio Baroja (1872-1956), Azorin (1874- 1967); Nobel laureate (1922) playwright Jacinto Benavente (1866–1954); ang mga makata na si Antonio Machado (1875–1939) at ang 1956 Nobel Prize sa Literature winner na si Juan Ramon Jiménez (1881–1958). Kasunod nila, isang makinang na kalawakan ng mga tinatawag na makata ang pumasok sa panitikan. "Mga Henerasyon ng 1927": Pedro Salinas (1892–1951), Jorge Guillén (b. 1893), Vicente Aleixandre (1898–1984), na nanalo ng Nobel Prize noong 1977, Rafael Alberti (b. 1902), Miguel Hernandez (1910). –1942) ) at Federico García Lorca (1898–1936). Ang pagdating sa kapangyarihan ng mga Francoist ay trahedya na nagpaikli sa pag-unlad ng panitikang Espanyol. Ang unti-unting pagbabagong-buhay ng pambansang tradisyong pampanitikan ay nagsimula noong 1950s–1960s ni Camilo José Sela (1916), nagwagi ng Nobel Prize noong 1989, may-akda ng mga nobelang The Family of Pascual Duarte (1942), The Beehive (1943) at iba pa; Anna Maria Matute (1926), Juan Goitisolo (1928), Luis Goitisolo (1935), Miguel Delibes (1920), playwrights Alfonso Sastre (1926) at Antonio Buero Vallejo (1916), makata na si Blas de Otero (1916–1979) at iba pa Matapos ang pagkamatay ni Franco, nagkaroon ng makabuluhang pagbabagong-buhay sa buhay pampanitikan: ang mga bagong manunulat ng tuluyan (Jorge Semprun, Carlos Rojas, Juan Marse, Eduardo Mendoza) at mga makata (Antonio Colinas, Francisco Brines, Carlos Sahagun, Julio Lamasares) ay pumasok sa arena ng panitikan. .




2.2 Arkitektura at sining




Ang mga Arabo ay nagdala ng isang binuo na kultura ng dekorasyon sa sining ng Espanyol at nag-iwan ng isang bilang ng mga kahanga-hangang monumento ng arkitektura sa istilong Moorish, kasama ng mga ito ang moske sa Cordoba (ika-8 siglo) at ang Alhambra Palace sa Granada (ika-13-15 siglo). Noong ika-11-12 siglo. Ang istilong Romanesque sa arkitektura ay umuunlad sa teritoryo ng Espanya, isang kahanga-hangang monumento kung saan ang maringal na katedral sa lungsod ng Santiago de Compostela. Sa ika-13 - unang kalahati ng ika-15 siglo. sa Espanya, tulad ng sa lahat ng Kanlurang Europa, ang istilong Gothic ay nabuo. Ang Spanish Gothic ay madalas na humihiram ng mga tampok na Moorish, bilang ebedensya ng mga maringal na katedral sa Seville, Burgos at Toledo (isa sa pinakamalaki sa Europa). Ang isang espesyal na artistikong kababalaghan ay ang tinatawag na. ang istilong Mudéjar, na nabuo bilang resulta ng pagsasanib ng mga elemento ng Gothic sa arkitektura, at nang maglaon ay ang Renaissance, kasama ang pamana ng Moorish.

Noong ika-16 na siglo sa ilalim ng impluwensya ng sining ng Italyano sa Espanya, nabuo ang isang paaralan ng mannerism: ang mga kilalang kinatawan nito ay ang iskultor na si Alonso Berruguete (1490–1561), ang mga pintor na si Luis de Morales (c. 1508–1586) at ang dakilang El Greco (1541). –1614). Ang mga sikat na pintor na si Alonso San ches Coelho (c. 1531–1588) at ang kanyang mag-aaral na si Juan Pantoja de la Cruz (1553–1608) ang naging tagapagtatag ng sining ng portraiture sa korte. Sa sekular na arkitektura ng ika-16 na siglo. itinatag ang istilong ornamental na "plateresco", na pinalitan sa pagtatapos ng siglo ng malamig na istilong "herreresco", isang modelo kung saan ang monasteryo-palasyo ng Escorial malapit sa Madrid, na itinayo noong 1563-1584 bilang tirahan ng mga haring Espanyol.

Ang "ginintuang panahon" ng pagpipinta ng Espanyol ay tinatawag na ika-17 siglo, nang ang mga dakilang pintor na sina Jusepe Ribera (1588–1652), Bartolome Esteban Murillo (1618–1682), Francisco Zurbaran (1598–1664) at Diego de Silva Velázquez (1599– 1660) nagtrabaho. Sa arkitektura, pinigilan ang "herreresco" sa ikalawang kalahati ng ika-17 siglo. ay pinalitan ng isang sobrang pandekorasyon na istilong "churriguresco".

Panahon ng 18–19 na siglo karaniwang nailalarawan sa pamamagitan ng paghina ng sining ng Espanyol, sarado sa imitative classicism, at kalaunan sa superficial costumbrism. Laban sa background na ito, ang gawa ni Francisco Goya (1746-1828) ay namumukod-tangi lalo na.

Ang muling pagkabuhay ng dakilang tradisyon ng Espanyol ay nagaganap sa unang kalahati ng ika-20 siglo. Ang mga bagong landas sa sining ng mundo ay na-aspalto ng orihinal na arkitekto na si Antonio Gaudi (1852-1926), na tinawag na "henyo ng modernidad", ang nagpasimula at maliwanag na kinatawan ng surrealismo sa pagpipinta, Salvador Dali (1904-1989), isa sa mga tagapagtatag ng cubism, Juan Gris (1887-1921), abstractionist Juan Miro (1893-1983) at Pablo Picasso (1881-1973), na nag-ambag sa pag-unlad ng ilang mga lugar ng modernong sining.

Diego Velasquez. Ang pinakadakilang pintor ng Espanyol ay si Diego Velasquez (1599-1660), isang nakababatang kontemporaryo ng El Greco. Ipinanganak siya sa Seville, sa pamilya ng isang maharlika na Portuges, at mula pagkabata ay nagpasya siyang italaga ang kanyang sarili sa pagpipinta. Nag-aral siya sa workshop ng sikat na artista at siyentipiko ng Seville na si F. Pacheco, salamat sa kanyang rekomendasyon na lumipat siya sa Madrid. Sa edad na 23, naging pintor ng korte si Diego Rodriguez de Silva y Velasquez. Sa pagtatapos ng kanyang buhay, natanggap ni Velazquez ang pinakamataas na posisyon sa korte ng Madrid, naging isang marshal, isang kabalyero at isang miyembro ng Order of Santiago. Ang pare-pareho at mataas na suweldo ng hari ay nagpapahintulot sa kanya na huwag magpinta ng mga larawan para sa pera; ipininta lang niya ang gusto niya. Si Velasquez ay halos hindi nakipagtulungan sa mga relihiyosong paksa (gaya ng sinabi ni Théofil Gauthier, "kung hindi siya nagpinta ng mga anghel, ito ay dahil lamang sa hindi sila nag-pose para sa kanya"); bukod pa rito, ang pagnanasa na iyon, na itinuturing na katangian ng lahat ng "Espanyol", ay halos wala dito. Ang malamig na pagmamasid ang nagpasikat kay Velázquez. "Para sa kanya, ang ibig sabihin ng pamumuhay ay paglalayo. Ito ang sining ng distansya. Ang paghihiwalay mula sa pagpipinta ng lahat ng bagay na nauugnay sa mga paghihirap ng bapor, pinamamahalaang niyang panatilihing malayo ang kanyang sining, upang makita itong dalisay sa isang mahigpit na kakanyahan - isang sistema ng mga purong larawang gawain na nangangailangan ng malinaw na solusyon ... Ang kanyang mga pigura ay hindi mahahalata, puro mga pangitain ang mga ito, at totoong makamulto ang katotohanan. Kaya, sa wakas, ang sukdulang kawalan ng pagmamalasakit ng manonood. Ang kanyang gawain ay upang magpinta ng isang larawan at mapupuksa ito, na iniiwan kami sa harap ng eroplano ng canvas. Ito ang henyo ng kawalang-interes, "sabi ng pilosopo na si X. Ortega y Gasset tungkol kay Velasquez. Karamihan sa mga painting ni Velasquez ay mga portrait: nagpinta siya ng mga court dwarf, infantes, at Roman cardinals. Ang koleksyon ng mga haring Espanyol, na ngayon ay pag-aari ng Prado Museum, ay nagpapanatili ng mga tunay na obra maestra ng Velázquez, una sa lahat, ang Las Meninas, na naglalarawan sa maliit na Infanta Margarita na napapalibutan ng mga maids of honor (sa daungan. maid of honor). Tinawag ng Italian artist na si Luca Giordano ang pagpipinta na ito na "teolohiya ng pagpipinta".

Spain ikalawang kalahati XVIII - maagang XIX sa. ay isang lupain ng mga kontradiksyon. Habang nasa Russia, nakipag-ugnayan si Catherine II kay Voltaire at mga saradong monasteryo; habang ang France ay kumakanta ng Marseillaise at nagbitay sa mga hari, hinatulan ng Inkisisyon ng Espanya noong 1778 si Count Pablo Olavide, pinuno ng Seville, tagapagtayo ng kalsada sa kabila ng Sierra Morena, repormador at manunulat, sa walong taong pagkakakulong. Para saan? Para sa pag-aayos ng mga pampublikong bola at mga walang galang na komento tungkol sa mga monghe. Si Francisco Goya, na nakipagkaibigan sa mga mahihirap sa mga pintor sa korte, ay kaibigan ng mga enlighteners - at naroroon sa auto-da-fé at public executions.




2.3 Musika




Ang kasagsagan ng kulturang musikal ng Espanyol, lalo na sa genre ng musika ng simbahan, ay nagsimula noong ika-16 na siglo. Ang mga nangungunang kompositor ng panahong iyon ay ang master ng vocal polyphony na si Cristobal de Morales (1500-1553) at ang kanyang estudyanteng si Thomas Luis de Victoria (c. 1548-1611), na tinawag na "Spanish Palestrina", gayundin si Antonio de Cabezon (1510). -1566), na naging tanyag sa kanyang mga komposisyon para sa harpsichord at organ. Noong ika-19 na siglo pagkatapos ng mahabang panahon ng pagwawalang-kilos, si Felipe Pedrel (1841–1922), ang nagtatag ng bagong paaralan ng komposisyon ng Espanyol at ang lumikha ng modernong musikaolohiyang Espanyol, ang naging pasimuno ng muling pagbabangon ng pambansang kultura ng musika. Sa pagtatapos ng ika-19 - simula ng ika-20 siglo. Ang musikang Espanyol ay nakakuha ng katanyagan sa Europa sa pamamagitan ng mga kompositor tulad nina Enrique Granados (1867–1916), Isaac Albéniz (1860–1909) at Manuel de Falla (1876–1946). Ang modernong Espanya ay gumawa ng mga sikat na mang-aawit sa opera sa buong mundo gaya nina Placido Domingo, José Carreras at Montserrat Caballe.

2.4 Sinehan




Ang pinakasikat sa mga gumagawa ng pelikulang Espanyol, si Luis Bunuel (1900-1983), noong 1928, kasama si Salvador Dali, ay gumawa ng kanyang unang surreal na pelikula, Ang Andalusian Dog. Napilitang umalis si Buñuel sa Espanya pagkatapos ng Digmaang Sibil at nanirahan sa Mexico City, kung saan nilikha niya ang mga sikat na pelikulang Destroying Angel (1962), Belle of the Day (1967), The Discreet Charm of the Bourgeoisie (1973) at What Hinders the Cherished Layunin (1977). Ang panahon ng post-Franco ay nakita ang paglitaw ng ilang mga direktor ng pelikula sa Espanya na nakakuha ng katanyagan kapwa sa loob at labas ng bansa. Kabilang dito sina Carlos Saura, Pedro Almodovar (Woman on the Verge of a Nervous Breakdown, 1988; Kika, 1994) at Fernando Trueva (Belle Époque, 1994), na nag-ambag sa pandaigdigang katanyagan ng Spanish cinema.




2.5 Edukasyon




Ang pag-aaral ay sapilitan at libre mula sa edad na 6 hanggang 16, kung saan humigit-kumulang isang-katlo ng mga mag-aaral ang pumapasok sa mga pribadong paaralan. Mayroong higit sa 40 unibersidad sa Espanya; ang pinakamalaki ay ang Unibersidad ng Madrid at Barcelona. Noong 1992, 1.2 milyong mag-aaral ang nag-aaral sa mas mataas na institusyong pang-edukasyon, 96% ng mga ito sa mga unibersidad ng estado. Sa Spain, 4.3% ng GDP ang ginugol sa edukasyon noong 1995.




2.6 Libangan at palakasan




Sa gabi sa mga cafe at bar, ang mga pagtatanghal ng musika at sayaw ng Espanyol ay inayos; Madalas naririnig ang Andalusian flamenco cantes. Ang mga makukulay na folk festival, fairs at relihiyosong holiday ay ginaganap sa iba't ibang bahagi ng bansa.

Sa Spain, nananatiling popular ang mga bullfight. Ang paboritong isport ay football. Naglalaro din ang mga kabataan ng pelota, o ang Basque ball. Sa timog ng bansa, ang mga sabong ay nagtitipon ng malalaking manonood.

Kabanata 3




3.1 Mga Tradisyon ng Espanya




Espanya- ito ay isang napaka-espesyal na bansa, hindi tulad ng mga European na kapitbahay, ang pangunahing pag-aari kung saan, siyempre, ang mga Espanyol mismo. Ang mga maingay, mabait na mga tao ay hindi nagtatago ng kanilang saloobin sa iba, sa kabaligtaran, nagsusumikap silang ipahayag ito, at sa pinaka-emosyonal na paraan na posible. Naturally, sa gayong hindi mapakali na bansa, ang lahat ng uri ng mga kasiyahan, mga perya, mga pagdiriwang at mga karnabal ay lalong sikat. Isa sa mga ito, na nakatuon kay St. Joseph, ang patron saint ng mga karpintero at cabinetmaker, ay ginanap sa Valencia. Ang malalaking manika - fallas - gawa sa tela at makapal na karton, ang nagbigay ng pangalan sa masayang pagdiriwang na ito. Sa araw, kaugalian na magsuot ng mga ito sa kahabaan ng mga lansangan ng lungsod, at sa gabi, armado ng mga paputok at sparkler, sinusunog nila ang mga ito. Buong gabi pagkatapos nito, hindi tumitigil ang kasiyahan, at nagpapatuloy ang kasiyahan hanggang sa umaga.

Tulad ng sa ibang bansa, ang Bagong Taon sa Espanya ay isa sa pinakamahalaga at maingay na pista opisyal. Dito siya karaniwang nakikilala sa isang malaking kumpanya sa pangunahing kalye ng lungsod - marahil, alam ng maraming tao ang kaugalian ng Madrid na magtipon sa gitnang parisukat at kumain ng 12 ubas sa ilalim ng chiming clock, hinuhugasan ang mga ito ng champagne. Ito ay isang tunay na ritwal: ang mga Kastila, ang mga dakilang mahilig sa ubas, ay naniniwala na

Kasaysayan ng Labiau mula noong 1258. Wooden-earhen na kuta. Ang ekonomiya ng rehiyon ay kinakatawan ng pagsasaka ng pananim, pag-aalaga ng hayop, paggawa ng fishmeal, at paggawa ng barko. Mga gusali at istruktura ng konstruksyon ng Aleman. Ngayon - Polessk.

Kasaysayan ng Pereslavl-Zalessky. Mga tanawin ng Pereslavl-Zalessky. Monasteryo ng Goritsky. Pereslavl na makitid na gauge na riles. Nikitsky Monastery. Asul na bato. Mga museo ng Pereslavl-Zalessky. Historical-artistic at architectural museum-reserve.

Pag-uuri ng mga museo sa rehiyon ng Astrakhan. mga pangkat ng profile. Mga museo ng koleksyon at uri ng grupo. Ang paghahati sa pampubliko at pribadong museo at sa isang administratibo-teritoryal na batayan. Mga materyales sa museo, pagpapaandar ng eksibisyon ng mga museo.

Maikling talambuhay at ang papel ng arkitekto A.P. Zenkov sa buhay ni Almaty. Kasaysayan at yugto ng pagtatayo ng Holy Ascension Cathedral. Modernong panorama ng architectural at town-planning monument, ang paggamit nito sa potensyal na turista at iskursiyon.

Mga monumento ng arkitektura: Altai Territory, Buryatia, Krasnoyarsk Territory, Irkutsk at Kemerovo, Novosibirsk at Omsk, Tomsk at Chita na mga rehiyon. Kultura at buhay ng Transbaikalia. Mga open-air museum, kasaysayan at kagandahan ng mga gusali ng rehiyon ng Irkutsk.

Ang heograpikal na posisyon ng isla at ang mga kakaibang kondisyon ng klimatiko. Ang mga pangunahing pangkat etniko na naninirahan sa Cyprus ay mga Greek, Turks, Maronites at Armenians. Pambansang Cypriot holidays, tradisyon at kaugalian, pasyalan at makasaysayang monumento.

Rehiyon ng Astrakhan at ang lungsod ng Astrakhan. Ang rehiyon ng Astrakhan na may natatanging hanay ng mga mapagkukunan ng turista at libangan at sanatorium, ang mga pasyalan nito. Bahay-Museum ng V. Khlebnikov. Flora at fauna ng reserba, mud-balneological sanatorium.

Ang paglitaw ng Kitay-gorod. Kitai-Gorod wall. Apat na zone ng Kitay-gorod - Nogin, Staraya, Novaya, Dzerzhinsky (Lubyanka), Sverdlov (Theatrical), Revolution. Mga problema at prospect para sa pag-unlad ng Kitay-gorod.

Maikling paglalarawan ng Republika ng India, ang dibisyong administratibo-teritoryo nito, ekonomiya, pag-unlad ng turismo. Ang terorismo ay isang banta sa pambansang seguridad ng India. India bilang miyembro ng "nuclear club". Kultura, kasaysayan, kaugalian, tradisyon at relihiyon ng India.

Heograpikal na posisyon at populasyon ng lungsod ng Arkhangelsk - isang pangunahing pang-agham at pang-industriya na sentro ng hilagang-kanluran ng Russia. Paglalarawan ng mga pangunahing tanawin ng lungsod: lokal na kasaysayan, masining, makasaysayang museo, reserba, monasteryo.

Kasaysayan ng etniko ng Crimea. Crimea bilang isang multi-etnikong teritoryo. Ang kontribusyon ng mga grupong etniko at grupong etniko sa pamana ng kultura ng Crimea. Ang kasaysayan ng paglitaw ng mga Belarusian sa Crimea. Mga monumento ng kulturang Greek sa Crimea. Ang gusali ng Kenassa sa Simferopol bilang isang etnograpikong bagay.

Documentation substantiating ang internasyonal na proteksyon at pagsasama sa listahan ng mundo kultural na pamana ng monumento ng kasaysayan at kultura, "St. Petersburg kasama ang mga kapaligiran nito". Ang Shuvalov Park at ang ari-arian ng mga Shuvalov bilang isang object ng world cultural heritage.

Ang mga umiiral na labi ng mga medieval na lungsod, kastilyo, monasteryo, nayon, kung saan mayroong mga artipisyal o natural na kuweba. Mga kuweba bilang mga tirahan, kulto, libing o mga silid ng utility. Crimean cave towns Mangup, Chufut-Kale, Bakhchisaray.

Ang pag-aaral ng kasaysayan ng paglitaw at mga yugto ng pag-unlad ng lungsod ng Tyukalinsk, na matatagpuan sa Kanlurang Siberia sa hilagang-kanluran ng rehiyon ng Omsk sa Tyumen-Omsk highway. Mga tampok ng kumbinasyon ng orihinal na sinaunang at modernong arkitektura ng lungsod. Mga museo sa rehiyon.

Kasaysayan ng lungsod ng Dmitrov. Ang maginhawang lokasyon ng Dmitrov sa hilaga ng rehiyon ng Moscow, ang kalapitan sa Sergiev Posad at Klin, mayaman sa mga pasyalan. Mga ari-arian ng rehiyon ng Moscow at ang kanilang kasaysayan. Mga Templo ng Dmitrov. Mga monasteryo ng Borisoglebsky at Nikolo-Peshnoshsky.

Repasuhin ang kasaysayan ng lokal na rehiyon ng mga sangay ng museo ng rehiyon. Mga koleksyon sa arkeolohiya, paleontolohiya, numismatics, etnograpiya, kalikasan, kasaysayan, ekonomiya at kultura ng rehiyon. Tula samovar bilang isang kailangang-kailangan na katangian ng kapayapaan ng pamilya sa mga lumang araw.

Paglalarawan ng mga pangunahing tanawin ng Krasnodar, na dapat isama, una sa lahat, ang arkitektura nito - hindi nang walang dahilan sa simula ng ika-20 siglo. ang lungsod ay tinawag na Little Paris. Ang mga pangunahing kalye at boulevards, teatro, monumento, katedral ng Krasnodar.

Mga kondisyon ng klima at likas na atraksyon ng Apennine Peninsula. Mga makasaysayang ugat Italyano. Mga katangian ng antropolohikal at relihiyon ng bansa, pambansang pista opisyal, tradisyon, kaugalian. Italy bilang simbolo ng Renaissance.

1.2 Mga katangian ng mga genre ng entablado sa Espanya sa simula ng ika-20 siglo

Sa simula ng ika-20 siglo, bumaba ang drama at teatro ng Espanyol, bagaman dumami ang bilang ng mga gusali at tropa ng teatro. Ang mga pagsasaalang-alang sa kakayahang kumita ay nangibabaw sa lahat. Ang lugar ng mga teatro at tropa ay nasa kamay ng iba't ibang mga negosyante, walang permanenteng nakatigil na mga sinehan. Tanging ang pinakamalakas na tropa lamang ang naglaro nang magkakasunod na season sa parehong teatro; karamihan sa mga tropa ay lumipat mula sa lungsod patungo sa lungsod. Ang buong paraan ng buhay teatro ay hindi napapanahon. Sa katunayan, halos wala na ang pagdidirekta; nangingibabaw ang mga cliché sa acting game. Ang repertoire ay pinangungunahan ng Espanyol at isinalin na mga dula ng magaan na nilalaman, kadalasang bulgar. Ang teatro ay kinuha sa pamamagitan ng isang maliit na araw-araw na balangkas. Ang mga dula ng mga makabagong manunulat ng dula ay bihirang umakyat sa entablado. Ang mga banyagang klasiko ay hindi itinanghal. Ang mga dulang Espanyol ng "gintong convict" ay medyo bihira at halos (laging may mga pagbabago, na higit na nakabaluktot sa mga dulang ito na Balashov N.I. Spanish Classical Drama. M., 1975. .

Ang tono sa teatro ay itinakda ng maharlika at burgis na madla, na humiling lamang ng libangan mula sa kanya at nagtanim ng mga bulgar na panlasa (ito ang mga pangunahing tampok na nagpapakilala sa estado ng teatro sa Espanya at sa ilalim ng pamamahala ng mga Francoist).

Kasabay nito, nagsimula ang isang kilusan sa Espanya para sa muling pagkabuhay ng isang masining at orihinal na pambansang kultura ng musika (ang tinatawag na Renacimiento), na pinamumunuan ng kompositor at musical public figure na si F. Pedrell. Ang kanyang musikal na Op. (ang opera trilogy na "Pyrenees", atbp.), theoretical works at pedagogical activity ay nagkaroon ng mapagpasyang impluwensya sa pagbuo ng modernong Espanyol paaralan ng kompositor. Ang mga nagtatag ng bagong musika ay ang mga mag-aaral ni Pedrel na sina I. Albeniz, E. Granados y Campinha at M. de Falla y Mateu. Ang gawa ng M. de Falla ay ang rurok ng modernong musikang Espanyol, isa sa pinakamataas na tagumpay ng mga klasikong musikal sa Kanlurang Europa noong ika-20 siglo. umabot sa mataas na antas noong ika-20 siglo. sining ng pagtatanghal: mga piyanista na sina J. Turina, R. Viñes, mga violinist na P. Sarasate y Navasques, J. Manen, mga cellist na P. Casals, G. Casado, mga gitarista na si F. Tarrega, M. Llobet, A. Segovia, mga konduktor na E F. Arbos , J. Iturbi, mga mang-aawit na M. Guy. E. Hidalgo, C. Supervia, V. de los Angeles, T. Berganza, P. Lorengar. Kabilang sa mga musicologist ay sina R. Mithana-i-Gordon, F. Gasque, A. Salazar, J. Subira, E. L. Chavarri, E. M. Torner at iba pa. Sarabyanov D.V. Modernong istilo. Pinagmulan. Kwento. Mga problema. - M.: Sining, 1989. - P.108

Noong Digmaang Sibil ng Espanya, ang mga teatro na nasa mga teritoryong kontrolado ng mga Republikano ay kinuha ng estado. Buhay sa teatro sa mga sinehang ito ay kapansin-pansing muling nabuhay at umunlad nang malaki. Bilang karagdagan, ang mga teatro na ito ay bumuo ng mga mobile troupe na nagtanghal sa mga harapan.

Matapos ang tagumpay ni Heneral Franco, ang lahat ng mga progresibong reporma sa theatrical sphere na ipinatupad ng gobyernong republika ay nakansela. Ang mga sinehan sa Espanya ay muling kinuha ng mga pribadong kamay at naging isang komersyal na negosyo. Sa prinsipyo, hindi ito masyadong masama, ngunit may mga makabuluhang pagbabago sa theatrical repertoire. Kasama ang mga pagtatanghal sa isang sosyal na tema, muli silang nagsimulang magtanghal ng mga magaan na nakakaaliw na pagtatanghal. Ang teatro ay nawala ang mga modernistang ugali nito at maging pambansang katangian, ang sentro ng drama ay lumipat mula sa Madrid patungo sa Barcelona, ​​​​ang Spanish theater ay naging "Catalan" Ranx O.K. "Count Alarkos" H. Grau: puppet theater // Bulletin of VyatGGU. Tomo 2. Pilolohiya at kasaysayan ng sining. Bilang 3 (2) 2011. P. 146-150. .

Sa kalagitnaan lamang ng dekada 1950, sa kabila ng matinding panggigipit mula sa gobyernong Franco, muling nagsimulang magtanghal ng mga gawa ng mga klasikong Espanyol ang mga teatro ng Espanya. Unti-unti, muling sinimulan ng mga repertoire ng mga teatro ng Kastila ang mga dulang may matalas na pagpuna sa lipunan. Bilang karagdagan, sa Espanya noong 1950s at 1960s, ang mga tropa ng amateur na estudyante ay naging napakapopular, na nagtanghal din ng mga pagtatanghal na higit sa lahat ay sumasalungat sa rehimeng Franco. Ang mga sinehan na ito ay walang alinlangan na may positibong epekto sa propesyonal na teatro sa Spain. Bilang karagdagan, pinalaki nila ang isang kalawakan ng mga mahuhusay na aktor at direktor na si Silunas, V. Yu. "Ang buhay ay isang panaginip" - drama at pagganap // Mga Problema ng Iberoamerican Art: Sat. mga artikulo / [res. ed. E. A. Kozlova]. - M.: Editoryal URRS, 2008. Isyu. 2. - S. 13.

"Panahon ng Pilak" ng kulturang Ruso

1.1 Tula Ang simula ng ikadalawampu siglo ay ang kasagsagan ng tula ng Russia, ang panahon ng paglitaw ng mga maliliwanag na malikhaing indibidwal, tulad ng K. Balmont, A. Blok, S. Yesenin, I. Severyanin, N. Gumilyov, A. Akhmatova , M. Voloshin, A. Bely at iba pang makata...

Arkitektura ng Novgorod XI-XV siglo

Sa ikalawang kalahati ng ika-12 siglo, ang maliliit, katamtaman, ngunit kahanga-hangang mga templo ay nagsimulang itayo sa gastos ng mga boyars, mangangalakal, at residente ng lungsod. Sa oras na ito lumitaw ang isang bagong uri ng templo - halos parisukat sa plano, na may isang cuboid volume ...

Mga kontribusyon ng kultura at sining ng ika-20 siglo sa kabihasnan sa daigdig

Kultura ng Islam-Arabo. Sining ng Europa noong ika-19 na siglo: ang ebolusyon ng mga uri, genre at istilo

Sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, ang pagpaplano ng lunsod sa isang hindi pa naganap na sukat ay nabuksan sa Europa. Karamihan sa mga kabisera ng Europa - Paris, St. Petersburg ...

Kultura ng Russia noong ika-10 siglo

Ang unang kaganapan sa buong bansa, na lumalampas sa sukat sa lahat ng intra-tribal affairs ng mga lokal na prinsipe, ay polyudie. Hindi nakakagulat na ang salitang Ruso na ito ay pumasok sa wika ng Greek Caesar, at ang wika ng Scandinavian sagas ...

Kultura at espirituwal na buhay ng lipunang Ruso noong ika-19 na siglo

Ang simula ng ika-19 na siglo ay isang panahon ng kultura at espirituwal na pagtaas sa Russia, na (lalo na sa simula) ay itinaguyod ng patakaran ni Alexander I - ang patakaran ng "napaliwanagan na absolutismo". Ang mga pangunahing makasaysayang kaganapan sa kanyang panahon ...

Kultural na aspeto ng pag-unlad ng Kanlurang Europa noong unang bahagi ng ikalabinsiyam na siglo

Sa ikalabinsiyam na siglo, ang pagbuo ng isang industriyal na lipunan ay nagaganap. Nagmula ito noong ika-18 siglo at umiral hanggang sa kalagitnaan ng ika-20 siglo. Ang kulturang Europeo ay hindi maaaring tumugon sa mga pagbabago sa ekonomiya at panlipunan sa lipunan...

Modernismo sa kulturang Espanyol

Musika ng huling bahagi ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo

Ang katapusan ng ika-19 at simula ng ika-20 siglo (hanggang 1917) ay isang panahon na hindi gaanong mayaman, ngunit mas kumplikado. Hindi ito pinaghihiwalay mula sa nauna sa pamamagitan ng anumang bali: ang pinakamahusay...

Pambansang kaisipan at katangian ng mga tao ng Espanya

Mga tampok ng pag-unlad ng sining sa teatro sa Alemanya at Russia sa simula ng ikadalawampu siglo

Larawan ng Grand Duchess Alexandra Pavlovna ni Borovikovsky mula sa punto ng view ng pagsusuri sa sining

Ang ikalabing walong siglo ay isa sa mga pagbabago sa kasaysayan ng Russia. Ang kultura na nagsilbi sa mga espirituwal na pangangailangan ng panahong ito ay nagsimulang mabilis na makakuha ng isang sekular na karakter, na lubos na pinadali ng pagsasama-sama ng sining at agham...

Ang pag-unlad ng pagpipinta sa Russia sa pagtatapos ng ika-19 - simula ng ika-20 siglo

Sa krisis ng populist movement, noong dekada 90, ang "analytical method realismo XIX sa." Lapshina N. "World of Art". Mga sanaysay sa kasaysayan at malikhaing kasanayan. M., 1977.- P.86., gaya ng tawag sa domestic science, ay nagiging lipas na ...

Kultura ng Russia noong huling bahagi ng ikadalawampu siglo. postmodernong arkitektura

Ang kultura ng post-Soviet Russia (mula 1990s hanggang sa simula ng ika-21 siglo) ay kumplikado at nagkakasalungatan. Sa isang bahagyang pagpapahina ng impluwensya ng kagamitan ng estado, na may isang pampulitika at ideolohikal na multi-party system ...

Ang gawain ng mga Impresyonista bilang isang pagpapakita ng hindi pagkakapare-pareho ng makasaysayang panahon