Mga halimbawa ng musical cycle ng kompositor. Mga paikot na anyo
Ang anyo ng musika ay tinatawag paikot, kung ito ay binubuo ng ilang bahagi, independiyente sa anyo, magkasalungat sa karakter (pangunahin sa tempo), ngunit konektado sa pamamagitan ng pagkakaisa ng ideolohikal at masining na disenyo.
Ang terminong "cycle" ay nagmula sa Greek, ibig sabihin ay bilog. Ang paikot na anyo ay nauunawaan bilang sumasaklaw sa isa o ibang bilog ng iba't ibang mga musikal na imahe, genre, tempo. Ang pagsasarili ng mga bahagi ay ipinahayag sa katotohanan na kung minsan ay pinapayagan nila ang isang hiwalay na pagganap ("Funeral March" mula sa b-moll sonatas Chopin, Sonata-remembrance mula sa cycle na "Forgotten Motives" ni Medtner). Ang mga cycle ay maaaring binubuo ng ibang bilang ng mga bahagi: dalawang bahagi na prelude at fugue, tatlong bahagi na konsyerto at sonata, apat na bahagi sa isang sonata at symphony, pito o walong bahagi sa isang suite. Ang mga paikot na anyo ay matatagpuan sa karamihan iba't ibang genre musika: sa vocal at instrumental, solo at orchestral.
Ang mga paikot na anyo ay batay sa mga dramatikong tungkulin. Ang koneksyon ng mga bahagi sa kanilang batayan ay ang nangungunang prinsipyo ng mga cyclic form. ^ Mga prinsipyo ng pagsasama-sama ng mga bahagi sa isang cycle ay nahahati sa dalawang klase:
Prinsipyo ng suite(ang mga sinaunang sonata ng Bach at Handel ay binuo din sa prinsipyong ito) ay isang kumbinasyon ng isang bilang ng mga magkakaibang mga gawa. Nakabatay ang suite sa unity in plurality.
^ prinsipyo ng sonata ay ang paghahati ng isang gawain sa isang bilang ng mga hiwalay na gawa na nasa ilalim ng kabuuan. Batay sa pluralidad ng pagkakaisa.
Suite tinatawag na paikot na gawain, na binubuo ng ilang magkakaibang dula, na magkakaugnay ng iisang ideya, ngunit walang iisang linya ng pare-parehong pag-unlad. Ang suite ay maaaring ipakita bilang isang pagpapakita ng iba't ibang mga imahe sa kanilang paghahambing, bilang iba't ibang mga pahayag sa parehong okasyon.
Ang suite bilang isang genre at anyo ay lumitaw noong ika-16 na siglo (iba pang mga genre ng ika-16-18 na siglo ay isinulat din sa anyo ng isang suite: partita, sonata, concerto).
Sa paglitaw at pag-unlad ng anyo at genre ng sonata, ang suite ay tumigil sa pag-iral nang ilang sandali at muling binuhay mamaya, sa ika-19 na siglo, sa isang bagong anyo. Maraming mga compositional technique ang ipinanganak sa suite, na nakatanggap ng kanilang karagdagang pag-unlad mamaya.
^ Sinaunang suite.
Ang sinaunang suite ay pinaka-malinaw na kinakatawan sa mga gawa ng mga kompositor ng unang kalahati ng ika-18 siglo: Bach at Handel. Ang isang sinaunang suite ay isang serye ng mga piraso ng sayaw na nakaayos sa isang ikot sa isang tiyak na pagkakasunud-sunod ayon sa prinsipyo ng kaibahan (tempo, metro, ritmo, katangian ng paggalaw). Ang pinag-iisang simula ay ang pangkalahatang tonality, genre (lahat ng mga piyesa ay sayaw) at kadalasan ang pangkalahatang intonasyon na batayan.
Kasama sa sinaunang suite ang 4 sapilitan(pangunahing ) sayaw.
1. Allemande(German dance) - apat na beats, moderately slow, polyphonic warehouse. Ito ay isang round dance procession, na ginanap sa libreng hangin sa mga pasukan ng maharlika ng lungsod, na pumapasok sa kastilyo.
2. Courant(Italian dance) - tatlong beats, moderately fast, polyphonic warehouse. Isa itong double-solo na sayaw, karaniwan sa buhay hukuman.
3. Sarabande (sayaw ng espanyol) - tatlong beats, mas mabagal kaysa sa isang bodega ng chord. Ayon sa mga pinagmulan nito, ang proseso ng sayaw ng libing na ito, nang maglaon, na nawala ang obligadong pag-aari sa seremonya ng libing, ay nagpapanatili ng isang mahigpit na nagdadalamhati, marilag na katangian. Mga tampok ng genre ang sarabandes ay malawakang ginagamit ng mga kompositor iba't ibang panahon(Beethoven Egmont Overture, Shostakovich Symphony 7, finale, middle episode).
4. Gigue(Irish dance) - isang napakabilis na collective comic dance na may partikular na triplet movement (3 / 8, 12 / 8) at madalas ay may fugue presentation.
Ang ilan sa mga obligadong sayaw ay inulit ng dalawang beses na may variational development, isang doble. Ang pagkakaiba-iba ay nabawasan pangunahin sa ornamental chant ng isa sa mga boses.
Bilang karagdagan sa mga obligadong sayaw, halos palaging kasama ang suite karagdagang(kadalasan sa pagitan ng isang sarabande at isang gigue): isang minuet, isang gavotte, isang bure, kung minsan ang mga piraso ng isang karakter na hindi sayaw ay kasama: isang aria, isang scherzo, na nagpapataas ng kaibahan. Kadalasan ang suite ay nagsimula sa isang pagpapakilala - isang prelude o isang overture. Sa kabuuan, ang lumang suite ay naglalaman ng mga dula na may iba't ibang karakter at lubos na nakalarawan malawak na bilog mga phenomena sa buhay, ngunit hindi sa pakikipag-ugnayan at pag-unlad, ngunit sa kanilang paghahambing.
^ Form ng sayaw sa isang suite, bilang panuntunan, isang lumang dalawang bahagi (para sa mga sapilitan na sayaw) at isang tatlong bahagi para sa mga karagdagang. Sa lumang suite, ang ilang mga komposisyong istruktura ay binalangkas, na kalaunan ay nabuo sa mga independiyenteng anyo ng musika, kaya ang istraktura karagdagang sayaw inaasahan ang hinaharap na kumplikadong tatlong-bahaging anyo (Bach English suite g moll: Gavotte I - Gavotte II - Gavotte I, bawat isa ay nasa simpleng tatlong bahaging anyo). Nag-ambag ang mga double sa suite sa pagbuo ng variational form. Ang likas na katangian ng pag-aayos ng magkakaibang mga sayaw sa suite ay inaasahan ang pag-aayos ng mga bahagi ng sonata cycle
^ Bagong Suite.
Noong ika-19 na siglo, lumitaw ang isang bagong suite, na makabuluhang naiiba sa luma sa nilalaman at mga komposisyong tampok nito. Ang programming, na katangian ng musika noong ika-19 na siglo, ang pagnanais para sa higit na konkreto ng mga musikal na imahe, ay nakaapekto rin sa bagong suite. Ang nagtatag ng bagong suite ng programa ay si Schumann (Butterflies, Carnival, Children's Scenes). Sa hinaharap, ang suite ng programa ay bubuo sa gawain ng mga kompositor sa ibang pagkakataon (Mussorgsky's "Pictures at an Exhibition", "Scheherazade" ni Rimsky-Korsakov, " Sulok ng mga Bata» Debussy).
Nang maglaon noong ika-19 at ika-20 siglo ang genre ng suite ay mas malawak na binuo, nakakakuha ng mga tampok na hiniram mula sa lumang suite- pagsasayaw, mula sa Schumann suite - programmatic, multi-genre, mula sa sonata-symphony cycle - mga elemento ng dramatikong pag-unlad at sukat ng mga bahagi. Kasama sa suite ang mga bagong sayaw: waltz, polonaise, pambansa - bolero, tarantella, atbp. Ang mga numero ng sayaw ay sinasalihan ng mga hindi sayaw (scherzo, andante, march, nocturne).
Ginamit ng mga kompositor noong ika-19 na siglo ang genre ng suite sa iba't ibang paraan. Mga suite na binubuo ng mga numero ng isang pangunahing gawain: ballet, musika para sa drama, pati na rin ang mga suite sa mga tema ng mga kanta o sayaw.
^ Ikot ng sonata.
Ang sonata-symphony cycle ay isang cyclic na gawa na kabilang sa isa sa mga sumusunod na genre: sonata, symphony, concerto, trio, quartet, atbp., kung saan kaugalian na magpakita ng kahit isang galaw (sa karaniwang mga kaso, ang una ) sa anyong sonata.
Ito ay sumusunod mula sa kahulugan na kung minsan ay may mga kaso kapag ang mga multi-part na gawa na walang sonata form sa alinman sa mga bahagi ay itinuturing na sonata cycle (Mozart 11 sonatas, Beethoven 12 sonatas). Ang pangkalahatang kahalagahan ng cycle, ang pagkakaisa ng kabuuan at pinahintulutan silang maiugnay sa sonata cycle.
Ang pagsisiwalat ng malalim, seryosong nilalaman batay sa isang makabuluhang pag-unlad ng matingkad na mga imaheng musikal, sa magkakaibang paghahalili ng mga bahagi ng isang gawaing pangmusika na may pagkakaisa ng pangkalahatang ideya at integridad ng anyo ng musikal - ito ang mga katangian ng mature. mga siklo ng sonata-symphony. Ang mga katangiang ito ay pinagsama pangkalahatang konsepto symphonism, na nangangahulugang ang pinakamataas na uri ng musikal na pag-iisip, lalo na katangian ng symphonic cycle. Ang pangalan ng sonata ay pinananatili lamang para sa mga gawa para sa isa o dalawang instrumento; mas kumplikadong sonata-type ensembles ay pinangalanan ayon sa bilang ng mga instrumento (trio, quartet, quintet). Ang isang gawa ng uri ng sonata para sa orkestra ay tinatawag na symphony.
Ang sonata cycle ay nakikilala sa pamamagitan ng kahalagahan ng nilalaman ng bawat paggalaw at ang kanilang espesyal na panloob na organikong koneksyon. Sa klasikal na sonata-symphony cycle, karaniwang may tatlo (sonata, concerto) o apat (symphony) na bahagi.
oras ko- karaniwang may mas mabisa, dramatiko, contrasting, at madalas na magkasalungat na karakter, ay ipinakita sa isang binuo na anyo ng sonata at kadalasan sa mabilis na paggalaw (sonata allegro).
II oras. - karaniwang andante o adagio. Bilang isang tuntunin, ito ang sphere ng lyrics. Naghahatid ito ng mga damdamin, pag-iisip ng isang tao, ipinapakita ang kanyang panloob na mundo (kadalasan laban sa background ng mga larawan ng kalikasan). Anyo ng mabagal na bahagi: kumplikadong tatlong bahagi na may isang yugto, tema na may mga pagkakaiba-iba, sonata na anyo na walang pag-unlad (bihira na may pag-unlad), bihirang iba pang mga anyo.
ika-3 oras- karaniwang isang minuet o scherzo. Ipinapakilala ang isang genre-karakteristiko o pang-araw-araw na elemento - mga eksena buhay bayan. Naiiba sa mabilis na paggalaw, masayang karakter. Ang anyo ay karaniwang kumplikadong tatlong bahagi na may isang trio o sonata.
IV h. - ang finale ay karaniwang nasa mabilis na paggalaw, na may mga tampok na kanta at sayaw. Ang anyo ng finals ay sonata, rondo, rondo-sonata, bihira - isang tema na may mga pagkakaiba-iba.
Ang klasikal na ratio ng mga bahagi ay naging isang uri ng pamantayan para sa sonata-symphony cycle, dahil sumasaklaw sa iba't ibang aspeto ng realidad, ang pangunahing "point of view" ng artist sa mundo: drama, lyrics, genre-specific, araw-araw at epiko. Ang epiko sa finale ay hindi nangangahulugang isang kalmadong anyo ng pagsasalaysay, ngunit nasyonalidad bilang nilalaman ng finale. Ang ganitong klasikal na ratio ng mga bahagi ay mas tipikal ng Haydn at Mozart, madalas na pinapalitan ni Beethoven ang pangalawa at pangatlong bahagi.
Mayroon ding ibang bilang ng mga bahagi sa cycle. ^ Dalawang bahagi na cycle - Glière Concerto para sa boses at orkestra, kung saan ang 1 oras ay nasa anyong sonata, ngunit sa katamtamang bilis, na may likas na liriko, na, kumbaga, pinagsasama ang una at mabagal na liriko na bahagi ng cycle; 2 oras - sa genre ng waltz, na nakasulat sa anyo ng isang rondo, pinagsasama nito ang mga tampok ng ikatlong kilusan at ang finale ng apat na bahagi na cycle. Limang bahagi na ikot- Scriabin 2 symphony, kung saan ang unang bahagi ay gumaganap ng papel ng isang detalyadong pagpapakilala.
Sa sonata-symphony cycle, maraming pattern ang nabuo na nag-aambag sa pagkakaisa ng kabuuan. Ang mga sukdulang bahagi ay karaniwang nakasulat sa isang susi (sa mga menor de edad na gawa sa pangwakas - ang mayor ng parehong pangalan). Ang tonality ng cycle ay tinutukoy ng tonality ng unang paggalaw. Ang mga gitnang bahagi ay nakasulat sa iba pang mga susi, ngunit kadalasang malapit sa pangunahing isa. Sa pangkalahatan, ang mga mabagal na bahagi ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga tonality S mga sphere na may parehong pangalan o parallel major. Ang ika-3 bahagi ng mga klasiko ay karaniwang nasa pangunahing susi. Nang maglaon, ang pagpili ng mga susi para sa mga gitnang bahagi ay naging mas libre.
Para sa pagkakaisa ng ikot ng sonata, ang mga koneksyon sa tono sa pagitan ng mga bahagi ay napakahalaga. Mayroong madalas na mga koneksyon sa intonasyon sa pagitan ng gilid na bahagi ng unang paggalaw at ang mabagal na bahagi ng ikot, gayundin sa pagitan ng unang paggalaw at ang pangwakas. Bilang karagdagan sa mga link sa intonasyon sa iba't ibang parte cycle ay maaaring natupad ang parehong motibo o tema (Beethoven's "motive of fate" mula sa 5th symphony), gumaganap ng isang espesyal na dramatic function.
Ang sonata-symphony cycle ay may mga partikular na tampok sa iba't ibang genre. Kaya instrumental na konsiyerto kadalasang tatlong bahagi (walang scherzo). Ang isang tiyak na tampok ay ang prinsipyo ng kumpetisyon sa pagitan ng solo at orkestra na mga bahagi. Sa tampok na ito, pati na rin sa tradisyon ng mga klasiko na ulitin ang paglalahad, double exposure sa unang bahagi ng konsiyerto (una sa orkestra, pagkatapos ay sa soloista). Ang mga pagkakaiba sa mga paglalahad na ito ay mas madalas na textural, gayunpaman, may mga paglalahad ng iba't ibang mga tema (Beethoven 1 at 2 konsiyerto), sa mga kasong ito ang mga tema ng parehong mga eksposisyon ay kasangkot sa pagbuo. Sa pangkalahatan, ang unang bahagi ng konsiyerto ay likas na birtuoso, na pinaka-malinaw na ipinakita sa tradisyonal na cadenza (bago ang reprise o coda).
^ Iba pang mga uri ng cyclic form.
Kadalasan ang isang bilang ng mga romansa o kanta ay pinagsama sa ikot ng boses konektado sa pamamagitan ng iisang plano (Schubert "The Winter Road", Schumann "The Love of a Poet", Mussorgsky "Without the Sun", Sviridov "My Father is a Peasant"). Ang antas at likas na katangian ng pagkakaisa sa mga naturang cycle ay maaaring iba (ang koneksyon ng teksto ay ginagawang opsyonal ang tonal unity). Ang pangkalahatang lohika ng vocal cycle ay may ilang mga katangian na instrumental cycle: ang pag-unlad ay batay sa magkasalungat na juxtaposition at may posibilidad na maging rurok, ang huling pag-iibigan (awit) ay may mga palatandaan ng isang panghuling bahagi.
Sa ilang mga vocal cycle ay mayroong isang plot development. Ang aksyon ay nagbubukas sa kanila, lumilitaw ang mga bagong character, na binibigyang diin musikal na paraan: magkakaibang mga pagbabago sa tempo, genre, key, texture, atbp.
Minsan ang konsepto ng "cycle" ay inilalapat sa isang bilang ng mga independiyenteng mga gawa, na pinagsama ng ilang tampok, halimbawa, isang genre o opus, at gumagawa ng pinakakanais-nais na artistikong impresyon kapag ang mga gawang ito ay gumanap nang sunud-sunod (Scriabin Preludes op. 11 ).
^ Mga composite form.
Ang konsepto ng "contrast-composite forms" ay ipinakilala ng Russian musicologist na si V. Protopopov noong 60s. XX siglo.
contrast composite tinatawag na isang form na binubuo ng ilang magkakaibang bahagi, sa maraming aspeto ay katulad ng mga bahagi ng isang paikot na anyo, ngunit hindi gaanong independyente, nagpapatuloy nang walang pagkagambala at, ayon sa antas ng kanilang pagsasama sa isang kabuuan, na bumubuo ng isang anyo na malapit sa isang bahagi ( hindi paikot).
Ang mga contrasting-composite form ay may pagkakapareho sa mga cyclic na naglalaman ang mga ito ng pagkakasunod-sunod ng ilang magkakaibang bahagi. Sa isang bahagi - ang kawalan ng mga pahinga sa pagitan ng mga bahagi at ang kawalan ng kakayahang isaalang-alang ang mga bahaging ito bilang mga independiyenteng dula na nagpapahintulot sa hiwalay na pagpapatupad.
Ang mga contrasting-composite form ay mayroon ding mga partikular na feature. Maaaring naglalaman ang mga ito ng 2, 3, 4 o higit pang bahagi, mayroon o walang reprise, nangyari sa iba't ibang makasaysayang panahon at sa iba't ibang genre. Ang pinagmulan ng mga contrast-composite form ay nagmula sa panahon ng paglitaw ng opera (recitative-aria), at sa instrumental na musika - toccatas at fugues. Sa ikalawang kalahati ng ika-18 at ika-19 na siglo. sa pagbuo ng prinsipyo ng sonata, ang mga contrasting-composite na anyo ay nawawala sa background, ngunit nananatili pa rin ang kanilang kahalagahan para sa vocal music(maraming aria, ensemble, opera finale ang nakasulat sa form na ito). Ang form na ito ay malawakang ginagamit sa mga genre gaya ng pantasya, rhapsody, tula at, lalo na, sa mga transkripsyon ni Liszt. Ang mga contrasting-composite form ay lubos na binuo sa mga gawa ni Glinka ("Capriccio", maraming numero sa mga opera), Tchaikovsky ("Italian", "Spanish Capriccio"). Ang ika-12 symphony ni Shostakovich ay isang kapansin-pansing halimbawa ng contrast-composite form.
Contrasting-composite form, kasama ang lahat ng kanilang pagkakaiba-iba, ang Protopopov ay nahahati sa ilang mga uri:
dalawang bahagi (Fantasy f moll Chopin),
mga suite (Capriccio ng Glinka, Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov),
sonata-symphony (Beethoven Quartet cis moll, Shostakovich 11 at 12 symphony).
Seksyon 1. Libre at halo-halong mga anyo.
Bilang karagdagan sa mga karaniwang form na tinalakay sa itaas, may mga espesyal na form na tinatawag libre at halo-halong.
Libre ang mga naturang form ay tinatawag na hindi tumutugma sa mga tipikal na istruktura na isinasaalang-alang sa itaas, ngunit mga constructions ng isang espesyal na order ( pag-unlad ng musika isinasagawa sa mga indibidwal na istruktura).
Ang mga malayang anyo ay nagmula sa sinaunang panahon musika ng organ at naabot ang kanilang rurok sa gawain ni Bach (pangunahin sa genre ng pantasya). Kabaligtaran sa malinaw na istrukturang anyo ng homophonic music, improvisation, prelude, libreng sequence-modulation deployment, at pagpapatuloy ng pag-unlad ang nangingibabaw dito. Ang mga klasikong Vienna libreng mga form ay bihira. Ang mga form na ito ay umabot sa kanilang tunay na pamumulaklak sa mga gawa ng mga kompositor ng ika-2 kalahati ng ika-19 na siglo (Chopin, Liszt, Tchaikovsky). Ang isa sa mga dahilan ng pagkalat ng mga libreng form ay ang pagnanais ng mga romantikong kompositor na gawing mas nababaluktot ang anyo ng musikal, na mas ganap na tumutugma sa indibidwal na nilalaman (madalas na programmatic) ng bawat indibidwal na gawain.
dapat makilala dalawa major uri ng mga libreng anyo:
mga form ng system, ibig sabihin. sa kanilang pag-unlad batay sa isang tiyak na sistema, halimbawa, reprise;
mga hindi sistematikong anyo na may libreng interleaving ng mga seksyon.
^ Non-system free forms ay lubhang magkakaibang, indibidwal sa istraktura at hindi nagpapahiram sa kanilang sarili sa isang tiyak na pag-uuri. Ang mga ito ay pangunahing ginagamit sa malalaking instrumental na komposisyon at naglalaman malaking bilang ng mga paksa at seksyon: ^ ABCDA, ABCDB, ABCDAE.
magkahalong anyo.
Ang mga single-part form na pinagsasama-sama ang mga katangian ng ilang dati nang naitatag na tipikal na istruktura ay tinatawag magkahalong anyo.
Sa magkahalong anyo, madalas na isinusulat ang mga symphonic na tula, one-movement sonata, fantasies, ballads, at hindi gaanong madalas na magkakahiwalay na bahagi ng cyclic na mga gawa. Ang pagnanais ng mga kompositor para sa higit na pagkonkreto ng makasagisag na nilalaman at isang mas kumpleto at direktang pagmuni-muni ng mga proseso at phenomena ng buhay sa pamamagitan ng bago, mas maraming mga plastik na anyo ay humantong sa musika ng programa. Ang pakikibaka para sa programmatic na nilalaman ng musika, at ang mga anyo na nagsisilbi sa buong pagpapahayag nito, ay nag-aambag sa rapprochement at interpenetration iba't ibang sining (programang pampanitikan sa instrumental na musika, tula at musika sa romansa), pati na rin iba't ibang genre sa loob ng isang sining. Ang mga gawa na pinagsasama ang mga tampok ng lyrics, epiko, drama, fantasy (balada) ay malawakang kumakalat, na kinabibilangan ng interpenetration iba't ibang anyo , halimbawa, mga pagkakaiba-iba ng lyrical-epic na bodega at ang sonata, na nagbibigay ng magagandang pagkakataon para sa dramatikong pag-unlad.
Sa gawain ng mga klasikong kompositor ng Russia, lumilitaw ang mga bagong kumbinasyon ng mga anyo, genre, at mga diskarte sa pag-unlad na katangian ng katutubong musika na may mga kumplikadong genre at anyo ng isang binuo na propesyonal. sining ng musika. Tinutukoy ng mga kumbinasyong ito ang pambansang natatanging uri ng halo-halong mga anyo sa musikang Ruso.
Kabilang sa mga halo-halong anyo, ang pinakakaraniwan ay ang mga sumusunod uri:
^ Kumbinasyon ng sonata at variation.
Ang ganitong uri ng mga halo-halong anyo ay malawak na binuo ng mga klasikong Ruso. Paglikha ng malakihang komposisyon sa katutubong istilo, ginamit ng mga kompositor na Ruso para dito anyong sonata, binabago ito alinsunod sa mga bagong ideolohikal at masining na gawain ng pag-unlad ng pambansang musika pagkakaiba-iba pamamaraan ng pag-unlad.
Karaniwang nagtatayo ang mga kompositor ng Russia dobleng pagkakaiba-iba(sa dalawang paksa) batay sa paglikha ng malalaki, magkakaibang mga seksyon ng form, na binuo sa mga magkakaibang paksa. Kung ang mga ganitong magkakaibang mga seksyon ay inihambing nang dalawang beses (na may tonal contrast sa simula ng trabaho at tonal convergence sa dulo), at mayroon ding isang seksyon kung saan ang parehong mga tema ay malayang binuo (kabilang ang polyphonic device), kung gayon ang mga contour ay nagiging halata. anyong sonata.
Ang isang bahaging anyo, na pinagsasama ang pagkakaiba-iba at sonata, ay matatagpuan hindi lamang sa symphonic, kundi pati na rin sa mga gawa ng piano ng mga kompositor ng Russia, na binuo sa pagkakaiba-iba ng mga katutubong tema (Balakirev Fantasia "Islamey").
Ang mga kompositor ng Kanlurang Europa noong ika-19 na siglo, na lumikha ng mga pangunahing gawa batay sa pagkakaiba-iba ng mga katutubong tema, ay pinagsama rin ang mga prinsipyo ng sonata at pagkakaiba-iba (Liszt, Spanish Rhapsody). Gayunpaman, sa musikang Kanlurang Europa ay may isa pang uri ng kumbinasyon ng sonata at pagkakaiba-iba, kung saan ang sonata ay lumitaw batay sa libreng pagkakaiba-iba (pagbabagong-anyo) isang tema. Ibinigay ang kalayaan sa pagkakaiba-iba mas mataas na antas kaibahan ng seksyon. Ang prinsipyong ito ng pagbuo ng malalaking akda batay sa pagbabago ng isang tema ay tinatawag monotematismo(laganap sa mga gawa ng Liszt, Symphonic poems "Preludes", "Tasso").
^ Kumbinasyon ng sonata at cyclic forms .
Sa ilang mga sonata form ng Romantics, may mga side party na nagpapatuloy sa ibang bilis na may paggalang sa pangunahing isa at kumakatawan sa isang pinalawak na independyente at saradong anyo (Tchaikovsky Symphony 6, 1 oras), papalapit sa independiyenteng bahagi ng cycle. Sa kabilang banda, sa mga paikot na anyo ng ika-19 na siglo, ang proseso ng pagpapalakas ng pagkakaisa ng cycle ay nagpapatuloy. Ito ay ipinahayag sa pagpapalakas ng mga koneksyon sa pagitan ng iba't ibang bahagi ng cycle (thematic connections, attaca). Ang lahat ng ito ay lumilikha ng mga kinakailangan para sa pagsasama-sama ng lahat ng bahagi ng cycle sa isang malaking isang bahagi na trabaho, para sa pag-compress ng cycle sa isang bahagi.
Ang pagnanais para sa pagkakumpleto at pagiging konkreto ng sagisag ng iba't ibang magkakaibang mga imahe, para sa higit na pagkakaisa ng mga pangunahing ideolohikal at artistikong konsepto, pati na rin para sa pagpapatuloy ng pag-unlad, ay humahantong sa paglikha ng mga gawa. pagsasama-sama sa sarili mga tampok ng sonata cycle at isang bahagi anyong sonata.
Ang kumbinasyon ng sonata, i.e. reprise form na may cyclic, i.e. Ang non-reprise ay nagpapahiwatig ng isang makabuluhang pagbabago ng sonata reprise, kung wala ang reprise at ang coda ay hindi maisagawa ang mga function ng scherzo at finale ng cyclic form. Ang papel ng mabagal na bahagi ng cycle ay kinuha sa pamamagitan ng alinman sa isang mabagal na yugto sa pag-unlad, o isang bahaging bahagi sa paglalahad (Listen sonata h moll).
Ang isang halo-halong anyo ay maaari ding magkaroon ng ganap na indibidwal at natatanging mga tampok, na pinagsasama ang mga tampok ng iba't ibang mga tipikal na istruktura (Medtner's Sonata-memoir, na pinagsasama ang mga tampok ng isang sonata, isang sonata cycle at isang rondo).
^ Modyul 6. Mga espesyal na anyo ng vocal music
Ang sonata form na may episode ay ginagamit sa iba't ibang genre: mga indibidwal na piraso, finals ng cyclic forms, mabagal na paggalaw.
Maaaring may isa o iba pang nakumpletong form ang isang episode.
Sa ilang mga kaso, lumilitaw ang isang grupo mula sa episode hanggang sa muling paglabas.
Bilang karagdagan, may mga pinagsamang gitna sa anyong sonata na gumagamit ng pag-unlad na may isang yugto o kabaliktaran.
Dramaturgy sa anyong sonata. Ang kakanyahan ng sonata dramaturgy (sonata) ay hindi nakasalalay sa istruktura ng anyo ng sonata, ngunit sa mismong proseso ng pag-unlad. Ang prosesong ito ay ipinahayag sa mga espesyal na relasyon at pag-andar ng pampakay na materyal. Sa kaibahan sa juxtaposition o sa pamamagitan ng pag-unlad na tipikal ng isang kumplikadong tatlong bahagi na anyo o rondo, ang sonata form ay nakikilala sa pamamagitan ng isang dinamikong kumbinasyon, na ipinahayag sa masinsinang paghahanda ng mga sumusunod na tema o seksyon.
Ang mas mahalaga para sa sonata dramaturgy ay ang papel at pakikipag-ugnayan ng mga pag-andar ng materyal sa eksposisyon, kung saan mayroong tatlo:
1. ang pangunahing materyal na gumaganap ng malaking papel sa akda at nakatuon ang atensyon ng nakikinig (pangunahing paksa);
2. materyal na paghahanda na nagiging sanhi ng pag-asa sa susunod (pagpapakilala, mga link, mga hula);
3. panghuling materyal na may katangiang nagpapatibay (mga huling paksa, mga code).
Sa ratio ng pangunahin at panig na partido, palaging may hindi balanseng pabor sa P.P. Ito ay pinadali ng malaking sukat ng huli, at lalo na ang tonal fixation nito sa pamamagitan ng materyal ng isang affirmative na kalikasan at cadence.
Ang sonata form ay ginagamit sa sonata-symphony cycle (unang kilusan, finale, mabagal na paggalaw), mga indibidwal na gawa ng isang independiyenteng kalikasan, mga overture, mas madalas na vocal na musika at mga eksena sa opera. 41. Mga koneksyon ng mga bahagi ng isang instrumental na paikot na gawain.
Ang mga paikot na anyo sa musika ay mga musikal na anyo ng isang akda, na nagmumungkahi ng pagkakaroon ng magkakahiwalay na bahagi, independiyente sa istruktura, ngunit konektado sa pamamagitan ng pagkakaisa ng layunin. Sa Kasaysayan akademikong musika kilala ang mga cycle na "prelude-fugue", suite cycle, sonata-symphonic cycle. Ang isang cycle ay maaari ding sumangguni sa isang serye ng mga kaugnay na gawa (bawat isa ay maaaring may cyclic na anyo) o mga programa sa konsiyerto. Sa non-academic na musika (jazz, rock), ang mga conceptual na album at hiwalay na mga pangunahing gawa ay maaaring mahilig sa mga cyclical na anyo.
Ang dalawang bahagi na cycle na "prelude-fugue" ay kilala mula noong baroque. Iminumungkahi nito ang functionalization ng prelude bilang isang improvisational na pagpapakilala sa fugue.
Ang mga "prelude-fugue" na mga siklo ay maaaring pagsamahin sa mas malalaking mga siklo batay sa ilang pormal o pampakay na prinsipyo. Karamihan sikat na halimbawa- "The Well-Tempered Clavier" ni J.S. Bach, na binuo sa prinsipyo ng isang tiyak na paghahalili ng mga modal correspondence. Ang isang halimbawa mula sa musika ng ika-20 siglo ay ang "24 Preludes and Fugues" ni D. D. Shostakovich.
Ang suite, na kilala mula noong ika-16 na siglo, ay nailalarawan sa pamamagitan ng:
ang koneksyon ng mga indibidwal na bahagi ng trabaho na may tradisyonal na inilapat (kanta, sayaw) na mga genre, ang pagiging simple ng istraktura ng mga bahagi;
contrast juxtaposition ng mga bahagi;
isang ugali patungo sa pagkakaisa o pinakamalapit na pagkakaugnay ng mga susi ng mga bahagi.
Ang mga tuktok ng genre sa baroque na musika ay ang mga suite ng J. S. Bach at G. F. Handel, sa klasikal na panahon - W. A. Mozart at J. Haydn. Noong ika-19 na siglo, ang mga pangunahing kompositor ay bumaling sa genre ng suite pangunahin para sa layunin ng stylization (E. Grieg, M. Ravel, at iba pa).
Noong ika-20 siglo, ang genre ng suite ay makabuluhang pinag-isipang muli, ang mga bagong diskarte ay inilapat dito (halimbawa, ang dodecaphonic orchestral suites ni A. Schoenberg at A. Berg), ang bagong materyal ay sakop (halimbawa, sa P. Hindemith's suite na "1922", mga naka-istilong sayaw ng kaukulang oras: shimmy, boston, ragtime).
Ang ilang mga gawa ng hindi pang-akademikong musika (pangunahin ang progresibong rock) ay nauukol din sa suite form. Kasama sa mga halimbawa ang "Lizard" mula sa self-titled album ni King Crimson at "Atom Heart Mother" mula sa self-titled album ni Pink Floyd. Gayunpaman, ang mga "rock suite" ay madalas ding tinatawag na mga komposisyon na higit na nakahilig sa libre at halo-halong mga anyo (sa tradisyonal na musical-theoretical na terminolohiya).
Ang sonata-symphonic cycle ay kinabibilangan ng mga pinaka-abstract na genre ng akademikong musika, tulad ng symphony, sonata, quartet, concerto. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng:
abstraction mula sa inilapat na kalikasan ng musika (kahit na ang inilapat na materyal ay ginagamit bilang materyal ng anumang bahagi);
ang posibilidad ng matalinghaga at semantikong mga kaibahan sa pagitan ng magkahiwalay na bahagi (hanggang sa kanilang direktang pagsalungat);
kumplikadong pag-unlad ng tonal;
itinatag na mga function at anyo ng mga indibidwal na bahagi (katangian ng mga indibidwal na genre ng sonata-symphonic na musika).
Ang klasikal na sonata ay nabuo noong ika-18 siglo, naabot ang rurok nito noong Mga klasikong Vienna at nananatiling, na may ilang reserbasyon, isang buhay na genre. Ang Symphony bilang isang genre ay nabuo sa kalagitnaan ng ikalabing-walo siglo, ang tugatog ng pag-unlad ay naabot din sa mga klasikong Viennese at nananatiling buhay na genre ng akademikong musika. ( symphonic form hindi dapat malito sa symphonism, na maaaring katangian din ng mga gawa na hindi kabilang sa form na ito). Nakuha ng quartet ang anyo ng isang sonata cycle sa gawain ni J. Haydn at higit na binuo sa gawain ng mga klasikong Viennese. Sa ikalawang kalahati ng ika-20 siglo, ang leitmotif at monothematic na mga prinsipyo ay naging katangian ng maraming mga gawa ng genre na ito. Concerto bilang isang uri ng sonata-symphonic cyclic work, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagsalungat ng tunog ng buong komposisyon ng ensemble at mga indibidwal na grupo o mga soloista, ay nagkaroon ng hugis sa kasalukuyan nitong anyo sa pagtatapos ng ika-18 siglo.
Ang isang gawaing musikal ay maaaring binubuo ng mga bahaging pinag-isa ayon sa isang prinsipyong naiiba sa mga nasa nakalistang mga genre, ngunit may paikot na karakter sa isang antas o iba pa. Napakaraming genre ng inilapat na sagradong musika (misa, sagradong konsiyerto, vigil), cantatas, vocal at vocal-choir cycles (narrative at lyrical).
Ang buong mga gawa ay maaari ding pagsama-samahin sa isang cycle (bawat isa, sa turn, ay maaaring magkaroon o hindi maaaring magkaroon ng cyclic character). Ito ang mga cycle ng preludes at fugues na binanggit sa itaas, ang tetralogy ni R. Wagner na Der Ring des Nibelungen, mga conceptual na album sa non-academic na musika, gayundin ang mga indibidwal na pangunahing gawa ng jazz at rock music. 42. Wikang pangmusika.
Ang wikang musikal ay, tulad ng iba mga sistema ng wika, isang organisasyon ng ganitong uri, ang representasyon kung saan sa anyo ng isang hierarchical system ay may higit na kapangyarihan sa pagpapaliwanag kaysa sa isang simpleng paglalarawan ng taxonomic. Bilang isang resulta, tinatanggap na ang mga musikal na teksto na ating sinusunod ay bumubuo ng "musical speech", na kung saan ay ang pagsasakatuparan, ang produkto ng ilang ideal (hindi direktang nakikita) na sistema - ang musikal na "wika". ... Una, ang mismong konsepto ng "wika sa musika" (at, nang naaayon, "pagsasalita sa musika") ay nangangailangan ng paglilinaw. Ang una ay nauunawaan bilang isang sistema na hindi nangangahulugang natanto lamang sa mga tekstong pampanitikan, na binabawasan ang ilang mga pattern ng pagbuo. nagsasalita. halimbawa, "ang wika ng mga gawa ni Beethoven", ang ibig naming sabihin ay isang sistema na bumubuo hindi lamang sa mga gawang ito, kundi pati na rin sa lahat ng uri ng mga teksto na nagpapanatili ng mga pattern na katangian ng mga gawa ni Beethoven. . . . Ang musikal na pananalita na may ganitong pag-unawa ay naging bukas, iyon ay, binubuo ito ng isang walang katapusang bilang ng mga teksto. .
Susunod, ang konsepto ng istilo ay mahalaga sa atin. Ang konseptong ito ay maaaring tukuyin bilang isang set ng mga teksto na ipinostula upang kumatawan sa pagpapatupad ng isang sistema. Sa kabila. Sa paggalang sa iba't ibang mga estilo, ipinapalagay na nagpapatupad sila ng iba't ibang mga sistema. .
Ang istraktura ng sistema ng musika ay kinakatawan bilang isang hierarchy ng mga antas. Kaya, tila, posible na iisa ang antas ng mga indibidwal na tunog, ang antas ng mga kumbinasyon ng tunog, ang antas ng maharmonya (ang antas ng mga chord), ang antas (o isang bilang ng mga antas) ng pormal na artikulasyon. Sa loob ng isang antas mayroong mga yunit ng parehong pagkakasunud-sunod - mga tunog, kumbinasyon ng mga tunog, chord, iba't ibang mga seksyon ng form. Ang modelo ng bawat antas, tila, ay dapat bumuo ng mga teksto na tama mula sa punto ng view ng antas na ito. "43. Musical-lexical structures
Kasama ng purong terminolohikal na bokabularyo, ang diksyunaryo ay may kasamang malawak na layer ng pangkalahatang pampanitikan na bokabularyo na ginagamit sa musikal na panitikan upang suriin at ilarawan ang mga gawa ng musika, pati na rin upang ilarawan ang kanilang epekto sa panloob na mundo ng isang tao, sa aesthetic na pang-unawa ng nakikinig. . Inihanda ang diksyunaryo gamit ang Ingles at Amerikano mga diksyunaryong nagpapaliwanag sa musika, isang musical encyclopedia, pati na rin ang mga orihinal na teksto mula sa mga music book. Ang buhay ng tao ay hindi maiisip nang walang tunog na masining na mga imahe na lumitaw sa espasyo ng kaisipan kapag nakikita ang musika. Sinusuri ng monograp na ito ang istraktura ng nilalaman ng mga "musika" na mga fragment ng larawan ng mundo, na kinakatawan ng modernong Ingles. Ang mga istrukturang nagbibigay-malay na pinagbabatayan ng pang-unawa ng musikal na bokabularyo ng parehong propesyonal at isang baguhan ay sinusuri. Ang mga metaporikal na modelo ay ipinakita bilang isang nagbibigay-malay na batayan para sa pagbuo ng mga terminong pangmusika at karaniwang ginagamit na bokabularyo ng musikal ng wikang Ingles. Isinasaalang-alang ang paggana ng wika ng musika sa mga tekstong may iba't ibang ratios ng pandiwang at visual na bahagi. Ang aklat na ito ay isa pang hakbang sa pag-aaral ng ugnayan ng dalawang mundo - wika at musika. Ang libro ay inilaan para sa lahat na interesado sa mga isyu ng mental structuring ng linguistic perception ng nakapaligid na katotohanan. 44. Mga simpleng paraan ng musika at ang kanilang mga semantika
Binubuo ang gawain ng magkakahiwalay na mga pariralang pangmusika - maliliit na integral na mga fragment ng musika. Ang mga musikal na parirala ay pinagsama sa mga panahon. Ang mga panahon na magkatulad ang tunog ay pinagsama sa mga bahagi. Ang mga fragment (mga parirala, tuldok, bahagi) ng isang gawaing pangmusika ay ipinahiwatig ng mga letrang Latin: A, B, C, atbp. Ang iba't ibang kumbinasyon ng mga fragment ay bumubuo ng iba't ibang anyo ng musika. Kaya, ang isang karaniwang anyo sa klasikal na musika - ABA (kanta form), ay nangangahulugan na ang orihinal na bahagi A mawala kapag ito ay pinalitan ng bahagi B, at paulit-ulit sa dulo ng trabaho.
Mayroon ding mas kumplikadong structuring: motibo ( pinakamaliit na elemento anyo ng musika; 1-2 sukat), parirala (isang kumpletong musikal na pag-iisip; 2-4 na sukat), pangungusap (ang pinakamaliit na bahagi ng isang himig na nakumpleto ng ilang indayog; 4-8 na sukat), tuldok (isang elemento ng anyong musikal; 8-16 na sukat ; 2 pangungusap)
Ang iba't ibang paraan ng pagbuo at paghahambing ng mga elemento ng isang melody ay humantong sa pagbuo ng iba't ibang uri mga anyong musikal:
Isang pirasong anyo (A)
Tinatawag din itong ballad form o hangin. Ang pinaka primitive na anyo. Maaaring ulitin ang melody na may maliliit na pagbabago (form AA1A2...). Mga halimbawa: ditty.
Dalawang bahagi na anyo (AB)
Binubuo ito ng dalawang magkasalungat na fragment - isang argumento at isang counterargument (halimbawa, ang dulang "The Organ Grinder Sings" mula sa "Children's Album" ni P.I. Tchaikovsky). Gayunpaman, kung ang mga fragment ay hindi contrasting, iyon ay, ang pangalawang fragment ay binuo sa materyal ng una, pagkatapos ay ang dalawang-bahagi na anyo ay nagiging isang pagkakaiba-iba ng isang bahagi na anyo. Gayunpaman, ang gayong mga gawa (halimbawa, ang dulang "Remembrance" mula sa "Album para sa Kabataan" ni R. Schumann") ay minsang tinutukoy bilang dalawang bahagi.
Tatlong bahagi na form (ABA)
Tinatawag din itong kanta o ternary. Mayroong 2 uri ng tatlong bahagi na anyo - simple at kumplikado; sa simple, ang bawat seksyon ay isang panahon, ang gitna ay maaaring isang maikling paglipat; sa kumplikado - ang bawat seksyon ay, bilang panuntunan, isang dalawang bahagi o simpleng tatlong bahagi na anyo.
concentric na hugis
Ang konsentrikong anyo ay binubuo ng tatlo o higit pang mga bahagi, na umuulit pagkatapos ng gitnang bahagi sa reverse order, halimbawa: A B C B A 45. Semantics ng mga musical compositional forms
Ang musical-compositional system ay may ganoong detalyadong hanay ng mga konsepto na nagbibigay-daan dito na "makita" ang mga musikal na gawa sa pinakamaliit na detalye. Walang ibang agham ng musika ang may ganoong katalinuhan at katumpakan ng "pangitain" - ang kasaysayan ng musika, ang teorya ng pagganap, musikal na etnograpiya, musikal na estetika, atbp. Kasabay nito, ang mga konsepto ng musika at komposisyon ay may posibilidad na "makakuha" ng mga semantika, na nabuo sa pangmatagalang karanasan ng mga musikero sa pakikipag-usap sa konseptong sistema na nagpapaliwanag ng musika. Ang mga musikal na komposisyon mismo ay semantiko din - ang kanilang mga uri, uri, indibidwal na mga kaso. Ang mga anyo ng musikal ay kumukuha ng likas na pag-iisip ng musikal, bukod pa rito, multi-layered na pag-iisip, na sumasalamin sa mga ideya ng panahon, ang pambansang paaralan ng sining, ang estilo ng kompositor, atbp. Kaya, ang parehong bagay ng pagsasaalang-alang - ang mga anyo, komposisyon ng mga musikal na gawa - at ang mga pamamaraan ng pagsusuri ay dapat na konektado sa nagpapahayag at semantiko na globo ng musika.
Ang teoretikal na musikaolohiya ay tumatalakay sa dalawang uri ng mga wika - ang masining na wika ng musika at ang pang-agham na wika ng mga teoretikal na konsepto tungkol sa musika. Mayroong isang kategoryang pagkakaiba sa pagitan ng mga wikang ito, ngunit mayroon ding pagkakatulad - ang pagkakaroon ng itinatag na mga kahulugan ng semantiko. Sa wikang musikal, ang semantika ay may katangiang nag-uugnay-nagpapahayag, na may pinaghalong associative-conceptual, sa siyentipiko - sa kabaligtaran, associative-conceptual sa admixture ng associative-expressive; sa musika, ang yunit ng wika ay intonasyon; sa teorya ng musika, ang word-term. Sa mga tuntunin ng pamamaraan ng pagsusuri ng musika, mahalaga na ang mga koneksyon ay patuloy na nabuo sa pagitan ng mga musikal na intonasyon at mga konsepto ng musikalohikal (mga salita), saturating ang wika ng musika na may pagtaas ng kahalagahan, konseptwalidad at imahe, pagpapahayag - ang wika ng agham ng musika. Kunin natin ang "sonata development" bilang isang halimbawa. Sa isang banda, sa mga tuntunin ng musikal at artistikong, ang tagapalabas ay obligado na gampanan ang seksyong ito ng sonata form na hindi matatag, tulad ng pantasiya, na ang isang konseptong palatandaan ay dapat pumailanglang "sa hangin" ng bulwagan ng konsiyerto: "ito ay pag-unlad”. Sa kabilang banda, sa mga tuntunin ng teoretikal na agham, ang tanda, ang konsepto ng "pag-unlad ng sonata" ay dapat pukawin ang ideya ng ilang uri ng kawalang-tatag ng musika, pantasiya at napapalibutan ng ilang haka-haka na mga tunog ng intonasyon ng pag-unlad ng sonata. Sa pagpapatakbo ng "mekanismo" ng gayong koneksyon sa pagitan ng mga elemento ng musikal-sining at musikal-teoretikal na mga wika, ito ay isang garantiya na ang mga operasyon ng pagsusuri sa musika (na may angkop na kasanayan, sining) ay maaaring magsilbi upang ipakita ang nagpapahayag at semantiko. lohika ng isang gawaing musikal.
"Ang doktrina ng anyo ng musika" (musikalische Formenlehre) ay makasaysayang lumitaw sa Alemanya sa pagtatapos ng ika-18 siglo. at naging layunin nito na matukoy ang mga pamantayan ng istrukturang komposisyon para sa mga gawa ng iba't ibang genre - motet, opera aria, sonata, atbp. Ang pangunahing pangunahing gawain sa anyo ng musika, "The Doctrine of Musical Composition" ni A.B. Marx (1837-1847), itinuturing na "mga anyo" sa isang sistematikong pagkakaisa na may mga genre at lahat ng aspeto ng komposisyon ng musika - mga pagitan, pagkakaisa, polyphony, instrumentation, atbp. Hindi ang salitang "form" ang inilagay sa pamagat nito, kundi ang salitang "composition". Ang salitang "form" ay may mahabang pilosopikal na tradisyon at, bukod sa iba pang mga bagay, ay tumutugma sa kategorya ng kagandahan - simula kay Plotinus, ang kanyang "Metaphysics of Beauty" (ika-3 siglo), na muling binuhay noong ika-18-19 na siglo. Shaftesbury at Winkelman. At sinabi ni Glinka: "Ang ibig sabihin ng anyo ay ang ratio ng mga bahagi at ang kabuuan, ang anyo ay nangangahulugang kagandahan."
Kasabay nito, ang konsepto ng "musical form" ay hindi magkapareho sa konsepto ng "form" sa pilosopiya at aesthetics. Ang "Musical form" ay isang mono-category, hindi naka-link sa isang dyad o triad sa anumang iba pang kategorya. Ito ay hindi laban sa "nilalaman", ngunit may nilalaman, iyon ay, ang nagpapahayag-semantiko, intonational na kakanyahan ng isang musikal na gawain. Sa pilosopikal na tradisyon, ang "form" ay hindi independyente at nauunawaan lamang na may kaugnayan sa mga pantulong na kategorya: bagay at "eidos" (iyon ay, "form" - sa Plato), bagay, anyo, nilalaman (sa Hegel), anyo at nilalaman (sa Schiller). , sa Marxist-Leninist philosophy and aesthetics). Sa view ng hindi pagkakakilanlan ng pilosopiko at musikal na "form", at gayundin, sa opinyon ng may-akda, ang pagkaluma ng pilosopiko dyad "content-form", ipinapayong gumamit ng mas bago, semiotic na pagsalungat sa musicology: " ang eroplano ng nilalaman - ang eroplano ng pagpapahayag".
I. anyong musikal bilang isang kababalaghan;
II. musikal na anyo bilang isang makasaysayang typified komposisyon;
III. anyong musikal bilang indibidwal na komposisyon ng isang akda.
Ang nilalaman ng musikal na anyo bilang isang kababalaghan (I) ay tumutugma sa nilalaman ng konsepto ng musika at sining sa pangkalahatan. Sa sining bilang isang buo, ang mga layer ay pinagsama, na maaaring tawaging "espesyal" at "hindi espesyal". Ang "hindi espesyal" na layer ay sumasalamin sa totoong mundo, kasama ang mga negatibong aspeto nito. Ang "espesyal" ay perpektong mundo maganda, nagdadala ng etikal na ideya ng kabutihan sa tao, ang aesthetic na ideya ng pagkakaisa ng uniberso at psychologically - ang damdamin ng kagalakan. Ang musikal na anyo ay pangunahing nauugnay sa "espesyal" na nilalaman ng sining. At ang buong sistema ng musikal at komposisyonal na mga teorya ay nagtuturo sa pagkamit ng pagkakaisa, hindi cacophony, ang pagkakaugnay ng mga tinig, hindi ang kanilang paghihiwalay, maindayog na organisasyon, hindi disorganisasyon, sa huli - ang pagbuo ng mga anyo, ang pagbuo ng anyo, at hindi ang kawalan ng anyo. . At nagsusumikap siyang bumuo ng mga unibersal na panuntunan ng komposisyon na hindi nagbabago depende sa tiyak na ideya ng isang partikular na gawain. Alinsunod dito, ang agham ng musikal na anyo ay ang agham ng musikal na kagandahan, ng perpekto, "espesyal" na layer ng nilalaman ng musika.
Ang nilalaman, ang mga semantika ng musikal na anyo bilang isang makasaysayang typified na komposisyon (II) ay nabuo sa batayan ng parehong linguistic na mekanismo bilang ang semantics genre ng musika. Ang mga anyo ng genre ay ang Gregorian mass, medieval-revival rondo, virele, ballata, le at iba pa, ang genre na pangkulay ay klasikal na dalawa at tatlong bahagi na "mga anyo ng kanta", "adagio form" at iba pa. Ang mga semantika ng mga anyong musikal ay higit na naaapektuhan ng mga aesthetic, masining na ideya ng panahong iyon, na nakaimpluwensya sa paglitaw o humantong sa pag-usbong ng isang partikular na anyo. Halimbawa, ang magkahalong anyo ng ika-19 na siglo, na lumitaw sa panahon ng makasagisag at nakabubuo na impluwensya sa musika ng mga patula na genre ng mga balad, tula, ay naglalaman ng mga semantika ng pagsasalaysay tungkol sa mga hindi pangkaraniwang kaganapan, na may mga mahimalang pagbabago (pagbabago), na may isang mabagyo, climactic na pagtatapos. Ang pagtatatag ng mga semantika ng tipikal, makasaysayang napiling mga anyo ng musika ay ang metodolohikal na tampok ng aklat-aralin na ito.
Ang musikal na anyo bilang isang indibidwal na komposisyon ng isang akda (III) ay lumilitaw sa anyo ng dalawang pangunahing mga kaso: 1) concretization ng isang historically typified form, 2) isang indibidwal, untyped form. Sa parehong mga kaso, ang makabuluhang kahulugan ng form ay idinidikta ng malinaw na orihinal na ideya ng komposisyon. Kaya, ang Chopin's Nocturne sa c-moll, na nakasulat sa isang typified complex three-part form, ay may isang bihirang tampok - isang transformed reprise, na makikita sa romantikong plot-poem na pag-iisip noong ika-19 na siglo. At ang hindi na-type na anyo, halimbawa, ng Third Quartet ni Gubaidulina ay nagmula sa natatanging ideya ng interaksyon ng mga uri ng sound expression kapag naglalaro ng pizzicato at bow.
Sa tatlong antas ng nilalaman ng anyo ng musika, ang una, ang antas ng meta, ay pangkalahatan at naroroon sa lahat ng mga gawang pangmusika. Ang pangalawa, malapit sa kategorya ng genre sa semiotic na kahulugan, ang pinakamalinaw sa semantiko, ay lokal sa kasaysayan. Ang ikatlong antas ay kailangang-kailangan, ngunit ang mga gradasyon nito ay mula sa kaunting paglihis mula sa pamantayan ng karaniwang anyo hanggang sa isang walang katulad, natatanging komposisyon ng musika. 46. Texture bilang isang elemento ng musikal na wika.
Ang Faktura (lat. factura - device, structure) ay isang tipikal na paraan ng pagdidisenyo ng polyphonic musical composition sa isa sa (polyphonic) musical warehouses. Sa Russian musicology, ang (metaphorical) term na "musical fabric" ay kadalasang ginagamit bilang isang kasingkahulugan para sa texture. Halimbawa, ang pariralang "choral texture" ay naglalarawan ng tipikal na pagdaragdag ng musikal na tela sa monorhythmic arrangement ng mga kanta ng simbahan ("chorals") ni I.S. Bach at iba pang mga kompositor ng baroque, "arpeggiated texture" - sa clavier sonatas ng D. Scarlatti, pointillism - texture, na binubuo ng "nakahiwalay" na mga tono na ibinahagi sa pagitan ng mga indibidwal na boses o instrumento sa musika ng A. Webern, atbp.
Ang konsepto ng texture ay malapit na nauugnay sa konsepto ng isang musical warehouse, na ipinahayag sa mga tipikal na parirala, halimbawa, "old homophonic texture", "polyphonic texture", "heterophone texture", atbp. 47. Himig bilang elemento ng wikang musikal.
Upang maunawaan ang musika, tatlong bagay ang kailangan, dalawa sa kanila ay halata, ang pangatlo ay hindi.
Ang unang tulad kailangang bagay- ito ang kakayahang makilala sa pamamagitan ng mga elemento ng tainga ng wikang musikal - dynamic, timbre, rhythmic, melodic, harmonic, polyphonic, structural. Hindi ka dapat matakot sa mga espesyal na salitang ito - ang lahat ay hindi napakahirap.
Ang mga dinamikong elemento ay ang pinaka-halata. Ang musika ay maaaring malambot o malakas, at ang tunog ay maaaring mawala o mawala.
Ang mga elemento ng timbre ay kung ano, halimbawa, ang mga tunog ng iba't ibang mga instrumentong pangmusika ay naiiba sa bawat isa. Hindi natin mapag-aalinlanganan, na may kaunting karanasan sa musika, na makilala ang tunog ng violin mula sa tunog ng piano. Sumang-ayon tayo, bilang unang pagtataya, ang timbre na iyon ang nagpapakilala sa atin ng iba't ibang pinagmumulan ng tunog - ang tinig ng plauta at ang tinig ng alpa, ang tinig ng ina at ang tinig ng ama.
Ang mga elemento ng ritmo ay, sa pinakasimpleng pagtatanghal, mga ratio ng mga tagal ng mga tunog. Ang musika ay umiiral sa oras, at ang ilang mga tunog ay mas matagal kaysa sa iba. Sa katunayan, ang lahat ay mas kumplikado, ngunit para sa isang panimula ay paghigpitan natin ang ating sarili sa gayong kahulugan.
Ang mga melodic na elemento ay ang ratio ng mga tunog sa taas. Sa kasong ito, ang mga tunog ay hindi dapat i-play nang sabay-sabay, ngunit sa turn. Sa katunayan, muli, ang lahat ay mas kumplikado, ngunit sa ngayon ang kahulugan na ito ay sapat na. Kung hindi lubos na malinaw sa iyo kung ano ang "pitch", narito ang isang naa-access na kahulugan: upang maganap ang tunog, dapat mayroong isang tunog na katawan - isang kampanilya, isang string, isang haligi ng hangin sa isang tubo ( plauta, organ pipe, atbp.). Ang tunog na katawan ay nag-o-oscillate sa isang bilis o iba pa (halimbawa, 100 o 500 na vibrations bawat segundo). Ang mas maraming oscillations bawat segundo, mas mataas ang tunog, gaya ng sinasabi nila. Kahit na ang mga tinatawag na "non-musical" na mga tao (bagaman halos walang ganoong mga tao sa kalikasan, ngunit sinasabi nila ito) ay nakikilala sa pagitan ng mga tunog na "makapal" at "manipis", "madilim" at "liwanag" - ito ang pangunahing pagkakaiba sa pagitan ng mga tunog sa pitch.
Ang mga maharmonya na elemento ay din ang ratio ng mga tunog sa taas, ngunit ngayon ang mga tunog ay dapat na i-play hindi sa turn, ngunit sabay-sabay. Sa kasong ito, mayroong, bilang isang panuntunan, higit sa dalawang tulad ng sabay-sabay na muling ginawang mga tunog. At muli, sa katunayan, ang lahat ay mas kumplikado, ngunit sa ngayon ito ay sapat na upang kahit papaano ay maunawaan ang salitang "harmonya".
Ang mga elementong polyphonic ay ang sabay-sabay na pagpaparami, ngunit hindi ng mga indibidwal na tunog, ngunit ng dalawa o higit pang magkakaibang melodies.
Ang mga elemento ng istruktura ay ang partikular na kahawig ng musika sa wika at panitikan. Sa isang piraso ng musika, maririnig mo ang mga indibidwal na musikal na "mga salita", "mga parirala", "mga talata", "mga kabanata". Ngunit hindi ito nangangahulugan na ang mga musikal na "mga salita" ay isinalin sa normal na wika sa parehong paraan na isinasalin natin, halimbawa, mula sa Espanyol tungo sa Ruso. At, gayunpaman, ang daloy ng musika ay hindi tuloy-tuloy, ngunit nahahati sa mga bahagi - parehong maliit at malaki - at ang dibisyon na ito ay maaaring makita ng tainga.
Ngayon, kapag bigla akong nagsimulang magsalita tungkol sa dynamics, timbre, ritmo, melody, harmony, polyphony at structure, malalaman na natin ang pinag-uusapan natin.
Alalahanin na, tulad ng nabanggit sa itaas, tatlong bagay ang kailangan upang maunawaan ang musika, at sa ngayon ay napag-usapan lamang natin ang tungkol sa una sa kanila - ang kakayahang makilala ang mga elemento ng musikal na wika sa pamamagitan ng tainga.
Ginagamit ng modernong musikaolohiya ang mga pangunahing prinsipyo ng semiotic approach sa musika at sa wika nito. Ang wika ng musika ay maaaring isaalang-alang bilang isang hanay ng mga musikal na paraan (mga elemento) na binuo sa proseso ng makasaysayang pag-unlad at may isang kumplikadong istraktura, na itinuturing bilang isang karaniwang pamana ng kultura, ang lahat ng mga elemento ay magkakaugnay.
Ang nakapalibot na mundo ay puno ng mga tunog ng iba't ibang uri: narito ang mga tunog na binibigkas ng tao mismo at sa tulong ng mga instrumentong pangmusika upang ipahayag ang kanyang mga iniisip, mga karanasan, pati na rin ang mga tunog na direktang umiiral sa kalikasan. Ang anumang bagay ay maaaring makabuo ng tunog (parehong may buhay at walang buhay) ng iba't ibang katangian. Ang mga tunog ay naririnig mula sa lahat ng dako, maaari silang marinig kahit saan: sa bahay, sa trabaho, sa dalampasigan, sa kagubatan, atbp. Minsan ordinaryong tunog ay inililipat ng kompositor sa isang piraso ng musika, pagkatapos ay nakuha nila ang katayuan ng mga musikal, na humahantong sa ideya na ang hiyawan, ang mga tunog ng nakakaapekto ay maaaring tawaging musikal kung sila ay kasama sa daloy ng isang musikal na mensahe at sila ay binigyan ng kahulugang musikal.
Ayon sa kaugalian, ang mga elemento ng wika ng musika bilang isang espesyal na sistema ng pag-sign ay kinabibilangan ng mga tunog na nailalarawan sa pamamagitan ng pitch, loudness, duration at timbre, na bumubuo sa isang melody, harmony (mga indibidwal na consonance, chord). Ang mga musikal na tunog, na nakikipag-ugnayan sa isa't isa, ay bumubuo ng mga metro-ritmikong pattern, ay nabuo sa isang gawa na naglalaman ng isang tiyak na imahe ng musika.
Ang isang tampok na katangian ng wika ng musika ay ang pagkakaroon nito ng iba't ibang antas ng pag-sign na nakikipag-ugnayan sa bawat isa. Mayroong mga sumusunod na antas ng musical expressiveness (musical language), na bumubuo ng isang sistema ng mga antas: pitch (mode, harmony, timbres, registers, tonality, melody); maindayog (mga pattern ng ritmo); bahagi ng komposisyon (ang proseso ng musika sa kabuuan): lahat ng paraan na lumikha ng isang komposisyon; interpretasyon ng pagganap (agogics, articulation, stroke at performance intonation). Ang wika ng musika ay isang heterogenous system na naglalaman ng mga elemento na parehong lubos na organisado (harmonic side) at hindi gaanong organisado (dynamics).
Kaya, ang wika ng musika ay isang kumplikadong hierarchical, multi-level na sistema, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang ugali sa pag-unlad, pagkakapare-pareho at ang posibilidad ng pag-update ng mga bahagi na bumubuo nito. 48. Harmony bilang elemento ng musikal na wika.
Harmony (sinaunang Greek ἁρμονία - koneksyon, kaayusan; sistema, pagkakaisa; pagkakaugnay-ugnay, proporsyonalidad, pagkakatugma) - isang kumplikadong mga konsepto ng teorya ng musika. Ang harmonious ay tinatawag (kabilang ang pang-araw-araw na pananalita) isang pagkakaugnay-ugnay ng mga tunog na kaaya-aya sa pandinig at naiintindihan ng isip (konseptong pangmusika at aesthetic). Sa isang siyentipikong pananaw, ang ideyang ito ay humahantong sa komposisyon at teknikal na konsepto ng pagkakatugma bilang kumbinasyon ng mga tunog sa mga consonance at ang kanilang regular na pagkakasunud-sunod. Ang Harmony bilang isang siyentipiko at pang-edukasyon-praktikal na disiplina ay nag-aaral sa pitch organization ng musika.
Ang konsepto ng pagkakaisa ay ginagamit upang makilala ang isang lohikal na organisadong sistema ng pitch: ang uri ng mode (modal harmony, tonal harmony), estilo ng musika (halimbawa, "baroque harmony"), indibidwal na tiyak na sagisag ng pitch ("Prokofiev's harmony"), katangian ng mga chord (harmony bilang kasingkahulugan ng mga salitang " chord, consonance).
Ang konsepto ng pagkakatugma, gayunpaman, ay hindi dapat malito sa mga konsepto ng "saliw", homophony (halimbawa, sa ekspresyong "melody at harmony" sa halip na "melody at saliw" o sa halip na "melody at chord"; "polyphony at pagkakaisa" sa halip na "polyphony at homophony" ).
Ikot ng "prelude-fugue"
Ang dalawang-bahaging "prelude-fugue" cycle ay kilala mula pa noong panahon ng Baroque. Ito ay nagmumungkahi ng functionalization ng prelude bilang isang improvisational na pagpapakilala sa fugue.
Ang mga "prelude-fugue" na mga siklo ay maaaring pagsamahin sa mas malalaking mga siklo batay sa ilang pormal o pampakay na prinsipyo. Ang pinakasikat na halimbawa ay ang The Well-Tempered Clavier ni J.S. Bach, na binuo sa prinsipyo ng isang tiyak na paghahalili ng mga modal correspondence. Ang isang halimbawa mula sa musika ng ika-20 siglo ay ang "24 Preludes and Fugues" ni D. D. Shostakovich.
Ikot ng suite
Noong ika-20 siglo, ang genre ng suite ay makabuluhang muling naisip, ang mga bagong diskarte ay inilapat dito (halimbawa, dodecaphonic orchestral suites ni A. Schoenberg at A. Berg), ang bagong materyal ay sakop (halimbawa, sa P. Hindemith's suite "1922" fashion dances naaangkop na mga oras: shimmy, boston, ragtime).
Ang ilang mga gawa ng hindi pang-akademikong musika (pangunahin ang progresibong rock) ay nauukol din sa suite form. Kasama sa mga halimbawa ang "Lizard" mula sa album na may parehong pangalan ng rock band na King Crimson at "Atom Heart Mother" mula sa album na may parehong pangalan ni Pink Floyd. Gayunpaman, ang mga "rock suite" ay madalas ding tinatawag na mga komposisyon na higit na nakahilig sa libre at halo-halong mga anyo (sa tradisyonal na musical-theoretical na terminolohiya).
Sonata-symphony cycle
Ang sonata-symphony cycle ay kinabibilangan ng mga pinaka abstract na genre ng akademikong musika, tulad ng symphony, sonata, quartet, concerto. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng:
- abstraction mula sa inilapat na kalikasan ng musika (kahit na ang inilapat na materyal ay ginagamit bilang materyal ng anumang bahagi);
- ang posibilidad ng matalinghaga at semantikong mga kaibahan sa pagitan ng magkahiwalay na bahagi (hanggang sa kanilang direktang pagsalungat);
- kumplikadong pag-unlad ng tonal;
- itinatag na mga function at anyo ng mga indibidwal na bahagi (katangian ng mga indibidwal na genre ng sonata-symphonic na musika).
Ang klasikal na sonata ay nabuo noong ika-18 siglo, naabot ang rurok nito sa mga klasikong Viennese at nananatili, na may ilang reserbasyon, isang buhay na genre. Ang symphony bilang isang genre ay nabuo noong kalagitnaan ng ika-18 siglo, naabot din nito ang rurok nito sa mga klasikong Viennese at nananatiling buhay na genre ng akademikong musika. (Ang symphonic form ay hindi dapat ipagkamali sa symphonism, na maaaring katangian din ng mga akdang hindi nauugnay sa form na ito). Nakuha ng quartet ang anyo ng isang sonata cycle sa gawain ni J. Haydn at higit na binuo sa gawain ng mga klasikong Viennese. Sa ikalawang kalahati ng ika-20 siglo, ang leitmotif at monothematic na mga prinsipyo ay naging katangian ng maraming mga gawa ng genre na ito. Concerto bilang isang uri ng sonata-symphony cyclic work, na nailalarawan sa pamamagitan ng pagsalungat ng tunog buong membership ensemble at mga indibidwal na grupo o soloista, ay nabuo sa anyo na kilala ngayon sa pagtatapos ng ika-18 siglo.)))))))
Libre at halo-halong mga anyo
Ang isang gawaing musikal ay maaaring binubuo ng mga bahaging pinag-isa ayon sa isang prinsipyong naiiba sa mga nasa nakalistang mga genre, ngunit may paikot na karakter sa isang antas o iba pa. Ang mga ito ay maraming genre ng inilapat na sagradong musika (misa, sagradong konsiyerto, vigil), cantatas, vocal at vocal-choir cycles (narrative at lyrical).
Mga pangunahing cycle
Mga pinagmumulan
- G. V. Zhdanova. "Symphony" // Musical Encyclopedic Dictionary. M.: " Encyclopedia ng Sobyet", 1990, ss. 499.
- Yu. I. Neklyudov. "Suite" // Musical encyclopedic Dictionary. M .: "Soviet Encyclopedia", 1990, ss. 529-530.
- V. P. Frayonov. "Mga Paikot na Form" // Musical Encyclopedic Dictionary. M .: "Soviet Encyclopedia", 1990, p. 615.
- V. P. Chinaev. "Sonata" // Musical Encyclopedic Dictionary. M .: "Soviet Encyclopedia", 1990, ss. 513-514.
Tingnan din
- Quartet (genre)
Wikimedia Foundation. 2010 .
Tingnan kung ano ang "Cyclic forms (music)" sa iba pang mga diksyunaryo:
Sa musika, ang mga musikal na anyo ng isang akda, na nagmumungkahi ng pagkakaroon ng magkakahiwalay na bahagi, independyente sa istraktura, ngunit konektado sa pamamagitan ng pagkakaisa ng konsepto. Sa kasaysayan ng akademikong musika, kilala ang "fugue prelude" cycle, suite cycle, sonata at symphony ... ... Wikipedia
Mga musikal na anyo ng isang akda, na nagmumungkahi ng pagkakaroon ng magkakahiwalay na bahagi, independyente sa istraktura, ngunit konektado sa pamamagitan ng pagkakaisa ng disenyo. Sa kasaysayan ng akademikong musika, kilala ang Fugue Prelude cycle, suite cycle, sonata-symphony cycle. ... ... Wikipedia
I Music (mula sa Greek musice, literal na sining ng mga muses) ay isang uri ng sining na sumasalamin sa katotohanan at nakakaapekto sa isang tao sa pamamagitan ng makabuluhan at espesyal na organisadong pagkakasunud-sunod ng tunog, na binubuo pangunahin ng mga tono ... ... Great Soviet Encyclopedia
Variation form, o variation, isang tema na may mga variation, isang variation cycle, isang musical form na binubuo ng isang tema at ang ilang (hindi bababa sa dalawang) binagong reproductions (variations). Isa ito sa mga pinakalumang anyo ng musikal (kilala mula noong ika-13 siglo). ... ... Wikipedia
Ang terminong ito ay may iba pang kahulugan, tingnan ang Panahon. Ang panahon sa musika ay ang pinakamaliit na kumpletong istrukturang komposisyon na nagpapahayag ng higit pa o hindi gaanong kumpletong kaisipang musikal. At ito ay karaniwang binubuo ng 2 pangungusap. Mga Nilalaman 1 Tungkulin sa ... ... Wikipedia
Ang panahon sa musika ay ang pinakamaliit na kumpletong istrukturang komposisyon na nagpapahayag ng higit pa o hindi gaanong kumpletong kaisipang musikal. Maaari rin itong kumilos bilang isang anyo pansariling gawain. Sa Aleman mayroong isang katulad terminong pangmusika… … Wikipedia
Mga musikal na gawa na may kaugnayan sa mga teksto ng isang relihiyosong kalikasan, na nilalayon na itanghal sa panahon ng serbisyo sa simbahan o sa bahay. Sa ilalim ng espirituwal na musika maliit na pagiisip magpahiwatig ng musika ng simbahan ng mga Kristiyano; espirituwal sa isang malawak na kahulugan ... ... Wikipedia
- (lat. forma appearance, appearance, image, appearance, beauty) ng isang komposisyon, ay natutukoy sa pamamagitan ng pagsasaalang-alang sa disenyo nito (scheme, template o structure) at pagbuo sa paglipas ng panahon. Ang anyo ng musikal (lalo na sa maaga at kulto na musika) ay halos hindi mapaghihiwalay ... Wikipedia
ika-7 baitang
Tema: Mga paikot na anyo
Ang mga paikot na anyo sa musika ay mga akdang nagpapalagay ng pagkakaroon ng magkakahiwalay na bahagi, independiyente sa istruktura, ngunit konektado sa pamamagitan ng pagkakaisa ng layunin.
Sa kasaysayan ng akademikong musika, kilala ang mga cycle na "prelude-fugue", suite cycle, sonata-symphonic cycle.
Ang isang cycle ay maaari ding tawaging isang serye ng magkakaugnay na mga gawa (bawat isa ay maaaring may cyclic na anyo) o mga programa sa konsiyerto.
Sa non-academic na musika (jazz, rock), ang mga conceptual na album at hiwalay na mga pangunahing gawa ay maaaring mahilig sa mga cyclical na anyo.
^ Ikot "prelude-fugue"
Ang dalawang bahaging cycle na "prelude-fugue" ay kilala mula pa noong Baroque
Ang prelude ay gumaganap bilang isang improvisational na pagpapakilala sa fugue.
Ang mga "prelude-fugue" na mga siklo ay maaaring pagsamahin sa mas malalaking mga siklo batay sa ilang pormal o pampakay na prinsipyo. Ang pinakasikat na halimbawa ay ang Well-Tempered Clavier ni J.S. Bach.
Ang suite (mula sa French Suite - "row", "sequence") ay isang paikot na anyo ng musika, na binubuo ng ilang independiyenteng magkakaibang bahagi, na pinagsama ng isang karaniwang ideya.
Ang suite, na kilala mula noong ika-16 na siglo, ay nailalarawan sa pamamagitan ng:
ang koneksyon ng mga indibidwal na bahagi ng trabaho na may tradisyonal na inilapat (kanta, sayaw) na mga genre, ang pagiging simple ng istraktura ng mga bahagi;
contrast juxtaposition ng mga bahagi;
isang ugali patungo sa pagkakaisa o pinakamalapit na pagkakaugnay ng mga susi ng mga bahagi.
Sonata-symphony cycle
Ang sonata-symphonic cycle ay kinabibilangan ng mga pinaka-abstract na genre ng akademikong musika, tulad ng symphony, sonata, quartet, concerto.
Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng:
abstraction mula sa inilapat na kalikasan ng musika (kahit na ang inilapat na materyal ay ginagamit bilang materyal ng anumang bahagi);
ang posibilidad ng matalinghaga at semantikong mga kaibahan sa pagitan ng magkahiwalay na bahagi (hanggang sa kanilang direktang pagsalungat);
kumplikadong pag-unlad ng tonal;
itinatag na mga function at anyo ng mga indibidwal na bahagi (katangian ng mga indibidwal na genre ng sonata-symphonic na musika).
Ang klasikal na sonata ay nabuo noong ika-18 siglo, na umabot sa tuktok nito sa mga klasikong Viennese (Haydn, Mozart, Beethoven).
Ang symphony bilang isang genre ay nabuo noong kalagitnaan ng ika-18 siglo; naabot din nito ang rurok ng pag-unlad sa mga klasikong Viennese.
Symphony (mula sa Greek συμφονία - "consonance") - isang genre ng symphonic instrumental na musika maraming bahagi na canonized na anyo ng pangunahing nilalaman ng pananaw sa mundo.
Libre at halo-halong mga anyo
Ang isang gawaing musikal ay maaaring binubuo ng mga bahaging pinag-isa ayon sa isang prinsipyong naiiba sa mga nasa nakalistang mga genre, ngunit may paikot na karakter sa isang antas o iba pa. Napakaraming genre ng inilapat na sagradong musika (misa, sagradong konsiyerto, vigil), cantatas, vocal at vocal-choir cycles (narrative at lyrical).
Mga pangunahing cycle
Ang buong mga gawa ay maaari ding pagsama-samahin sa isang cycle (bawat isa, sa turn, ay maaaring magkaroon o hindi maaaring magkaroon ng cyclic character).
Ito ang mga cycle ng preludes at fugues na binanggit sa itaas, ang tetralogy ni R. Wagner na Der Ring des Nibelungen, mga conceptual na album sa non-academic na musika, gayundin ang mga indibidwal na pangunahing gawa ng jazz at rock music.
Ang sonata form ay isang musical form na binubuo ng tatlong pangunahing seksyon:
Paglalahad - pagsalungat ng pangunahin at pangalawang tema
Pag-unlad - pagbuo ng mga temang ito
Reprise - pag-uulit ng mga temang ito na may ilang pagbabago
Makinig tayo:
J.S. Bach, Prelude at Fugue No. 6, D minor, vol. 1 HTC
L. van Beethoven, Sonata No. 1, sa F minor
Ang mga klasikal na kompositor ay kilala sa buong mundo. Bawat pangalan henyo sa musika- isang natatanging indibidwalidad sa kasaysayan ng kultura.
Ano ang klasikal na musika
Klasikal na musika - kaakit-akit na melodies na nilikha ng mga mahuhusay na may-akda, na wastong tinatawag na mga klasikal na kompositor. Ang kanilang mga gawa ay natatangi at palaging hihingin ng mga performer at tagapakinig. Klasikal, sa isang banda, nakaugalian na ang tawag sa mahigpit, malalim na musika na hindi nauugnay sa mga direksyon: rock, jazz, folk, pop, chanson, atbp. Sa kabilang banda, sa makasaysayang pag-unlad ng musika ay mayroong isang panahon ng huling bahagi ng XIII - unang bahagi ng XX siglo, na tinatawag na classicism.
Ang mga klasikal na tema ay nakikilala sa pamamagitan ng napakahusay na intonasyon, pagiging sopistikado, iba't ibang mga kulay at pagkakaisa. Mayroon silang positibong epekto sa emosyonal na pananaw sa mundo ng mga matatanda at bata.
Mga yugto ng pag-unlad ng klasikal na musika. Ang kanilang maikling paglalarawan at pangunahing mga kinatawan
Sa kasaysayan ng pag-unlad ng klasikal na musika, ang mga yugto ay maaaring makilala:
- Renaissance o Renaissance - maagang 14 - huling quarter ika-16 na siglo. Sa Spain at England, ang Renaissance ay tumagal hanggang sa unang bahagi ng ika-17 siglo.
- Baroque - dumating upang palitan ang Renaissance at tumagal hanggang sa simula ng ika-18 siglo. Ang Espanya ang sentro ng istilo.
- Classicism - isang panahon ng pag-unlad kulturang Europeo mula sa simula ng ika-18 hanggang sa simula ng ika-19 na siglo.
- Ang Romantisismo ay isang direksyon na kabaligtaran sa klasisismo. Nagtagal ito hanggang sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo.
- Mga klasiko ng ika-20 siglo - ang modernong panahon.
Maikling paglalarawan at pangunahing kinatawan ng mga panahon ng kultura
1. Renaissance - isang mahabang panahon ng pag-unlad ng lahat ng larangan ng kultura. - Si Thomas Tullis, Giovanni da Palestina, T. L. de Victoria ay gumawa at nag-iwan ng walang kamatayang mga likha sa mga inapo.
2. Baroque - sa panahong ito, lumalabas ang mga bagong anyo ng musika: polyphony, opera. Sa panahong ito nilikha ni Bach, Handel, Vivaldi ang kanilang mga sikat na nilikha. Ang mga fugue ni Bach ay itinayo alinsunod sa mga kinakailangan ng klasisismo: sapilitan na pagsunod sa mga canon.
3. Klasisismo. Ang mga klasikal na kompositor ng Viennese na lumikha ng kanilang walang kamatayang mga likha sa panahon ng klasisismo: Haydn, Mozart, Beethoven. Lumilitaw ang Sonata form, ang komposisyon ng orkestra ay tumataas. at Haydn ay naiiba mula sa napakabigat na mga gawa ni Bach sa pamamagitan ng kanilang hindi kumplikadong konstruksyon at ang kagandahan ng kanilang mga melodies. Ito ay isang klasiko pa rin, nagsusumikap para sa pagiging perpekto. Ang mga komposisyon ni Beethoven ay ang bingit ng pakikipag-ugnayan sa pagitan ng romantiko at mga klasikong istilo. Sa musika ni L. van Beethoven, mayroong higit na senswalidad at sigasig kaysa sa makatwirang kanonisya. Ang mga mahahalagang genre tulad ng symphony, sonata, suite, opera ay namumukod-tangi. Si Beethoven ang nagbunga ng Romantikong panahon.
4. Romantisismo. Ang mga gawa sa musika ay nailalarawan sa pamamagitan ng kulay at drama. Nabubuo ang iba't ibang genre ng kanta, halimbawa, ballads. Ang mga komposisyon ng piano nina Liszt at Chopin ay nakatanggap ng pagkilala. Ang mga tradisyon ng romantikismo ay minana nina Tchaikovsky, Wagner, Schubert.
5. Classics ng ika-20 siglo - nailalarawan sa pamamagitan ng pagnanais ng mga may-akda para sa pagbabago sa melodies, ang mga terminong aleatoric, atonalism ay lumitaw. Ang mga gawa ng Stravinsky, Rachmaninov, Glass ay tinutukoy sa klasikal na format.
Mga klasikal na kompositor ng Russia
Tchaikovsky P.I. - Ruso na kompositor kritiko sa musika, pampublikong pigura, guro, konduktor. Ang kanyang mga komposisyon ang pinakamaraming gumanap. Ang mga ito ay taos-puso, madaling maramdaman, sumasalamin sa patula na pagka-orihinal ng kaluluwang Ruso, mga magagandang painting Kalikasan ng Russia. Ang kompositor ay lumikha ng 6 na ballet, 10 opera, higit sa isang daang romansa, 6 na symphony. Ang sikat sa buong mundo na ballet na "Swan Lake", ang opera na "Eugene Onegin", "Children's Album".
Rachmaninov S.V. - ang mga gawa ng namumukod-tanging kompositor ay emosyonal at masayahin, at ang ilan sa mga ito ay dramatiko sa nilalaman. Ang kanilang mga genre ay magkakaiba: mula sa maliliit na dula hanggang sa mga konsyerto at opera. Ang karaniwang kinikilalang mga gawa ng may-akda: opera " Miserly knight”, “Aleko” ni Ang tula ni Pushkin"Gypsies", "Francesca da Rimini" ayon sa isang plot na hiniram mula sa " Divine Comedy» Dante, tula na "The Bells"; suite na "Symphonic dances"; piano concerto; vocalise para sa boses na may saliw ng piano.
Borodin A.P. ay isang kompositor, guro, botika, doktor. Ang pinaka makabuluhang paglikha ay ang opera na "Prince Igor" ni gawaing pangkasaysayan"The Tale of Igor's Campaign", na isinulat ng may-akda sa halos 18 taon. Sa kanyang buhay, si Borodin ay walang oras upang tapusin ito; pagkatapos ng kanyang kamatayan, sina A. Glazunov at N. Rimsky-Korsakov ay natapos ang opera. Ang mahusay na kompositor ay ang nagtatag ng mga classical quartets at symphony sa Russia. Ang "Bogatyr" symphony ay itinuturing na koronang tagumpay ng mundo at Russian national-heroic symphony. Ang instrumental chamber quartets, ang First and Second Quartets ay kinilala bilang outstanding. Isa sa mga unang nagpakilala ng mga bayani mula sa sinaunang panitikang Ruso sa mga romansa.
Mahusay na musikero
M. P. Mussorgsky, na masasabing isang mahusay na kompositor ng realistiko, isang matapang na innovator, nakakaantig sa mga talamak na problema sa lipunan, isang mahusay na pianista at isang mahusay na bokalista. Ang pinaka makabuluhan mga gawang musikal ay ang mga opera na "Boris Godunov" batay sa dramatikong gawain ng A.S. Pushkin at "Kovanshchina" - folk musical drama, pangunahing gumaganap na karakter ang mga opera na ito - ang mga mapanghimagsik na tao mula sa iba't ibang strata ng lipunan; creative cycle na "Mga Larawan sa isang Exhibition", na inspirasyon ng mga gawa ni Hartmann.
Glinka M.I. - isang sikat na kompositor ng Russia, ang nagtatag ng klasikal na direksyon sa kulturang musikal ng Russia. Nakumpleto niya ang proseso ng paglikha ng isang paaralan ng mga kompositor ng Russia, batay sa halaga ng katutubong at propesyonal na musika. Ang mga gawa ng master ay puno ng pag-ibig para sa Fatherland, sumasalamin sa ideolohikal na oryentasyon ng mga tao doon. makasaysayang panahon. Ang sikat sa buong mundo na folk drama na "Ivan Susanin" at ang fairy-tale opera na "Ruslan at Lyudmila" ay naging mga bagong uso sa Russian opera. Ang symphonic works na "Kamarinskaya" at "Spanish Overture" ni Glinka ay ang mga pundasyon ng Russian symphony.
Si Rimsky-Korsakov N.A. ay isang mahuhusay na kompositor ng Russia, opisyal ng hukbong-dagat, guro, publicist. Dalawang agos ang matutunton sa kanyang akda: historikal (“ maharlikang nobya”, “Pskovityanka”) at kamangha-manghang (“Sadko”, “Snow Maiden”, suite na “Scheherazade”). Natatanging katangian mga gawa ng kompositor: pagka-orihinal batay sa mga klasikal na halaga, homophony sa harmonic construction maagang mga sinulat. Ang kanyang mga komposisyon ay may istilo ng may-akda: orihinal na mga solusyon sa orkestra na may hindi pangkaraniwang mga marka ng boses, na siyang mga pangunahing.
Sinubukan ng mga klasikal na kompositor ng Russia na ipakita sa kanilang mga gawa ang cognitive thinking at folklore na katangian ng bansa.
kulturang Europeo
Ang mga sikat na klasikal na kompositor na sina Mozart, Haydn, Beethoven ay nanirahan sa kabisera kultura ng musika oras na iyon - Vienna. Pinagsasama ng henyo ang mahusay na pagganap, mahusay na mga solusyon sa komposisyon, ang paggamit ng iba't ibang mga estilo ng musikal: mula sa mga katutubong melodies hanggang sa polyphonic development ng mga musikal na tema. Ang mahusay na mga klasiko ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang komprehensibong malikhaing aktibidad sa pag-iisip, kakayahan, kalinawan sa pagtatayo ng mga musikal na anyo. Sa kanilang mga gawa, ang talino at mga damdamin, mga trahedya at komiks na mga bahagi, ang kadalian at pagkamahinhin ay organikong magkakaugnay.
Nahilig sina Beethoven at Haydn sa mga instrumental na komposisyon, mahusay na pinamamahalaan ni Mozart ang parehong operatic at mga komposisyon ng orkestra. Si Beethoven ay isang hindi maunahang tagalikha ng mga kabayanihan na gawa, pinahahalagahan at matagumpay na ginamit ni Haydn ang katatawanan, mga uri ng folk-genre sa kanyang trabaho, si Mozart ay isang unibersal na kompositor.
Mozart - lumikha ng sonata instrumental na anyo. Naperpekto ito ni Beethoven, dinala ito sa hindi maunahang taas. Ang panahon ay naging panahon ng quartet heyday. Haydn, na sinundan ni Beethoven at Mozart, ay gumawa ng isang makabuluhang kontribusyon sa pagbuo ng genre na ito.
Italian masters
Si Giuseppe Verdi - isang natatanging musikero noong ika-19 na siglo, ay bumuo ng tradisyonal Italian opera. Siya ay may hindi nagkakamali na pagkakayari. Ang mga operatikong gawa na Il trovatore, La Traviata, Othello, Aida ay naging kulminasyon ng kanyang aktibidad sa kompositor.
Niccolo Paganini - isinilang sa Nice, isa sa mga pinaka-musika na likas na personalidad noong ika-18 at ika-19 na siglo. Siya ay isang birtuoso sa biyolin. Gumawa siya ng mga caprices, sonata, quartets para sa violin, guitar, viola at cello. Sumulat siya ng mga konsyerto para sa biyolin at orkestra.
Gioacchino Rossini - nagtrabaho noong ika-19 na siglo. May-akda ng sacred and chamber music, composed 39 operas. Mga Natitirang Gawa - " barbero ng seville", "Othello", "Cinderella", "The Thieving Magpie", "Semiramide".
Si Antonio Vivaldi ay isa sa pinakamalaking kinatawan ng violin art noong ika-18 siglo. Nakamit niya ang katanyagan salamat sa kanyang pinakasikat na gawa - 4 violin concertos na "The Seasons". Namuhay ng isang kamangha-manghang produktibong buhay malikhaing buhay, binubuo ng 90 opera.
Ang mga sikat na Italyano na klasikal na kompositor ay nag-iwan ng walang hanggang pamana sa musika. Ang kanilang mga cantatas, sonata, serenades, symphony, opera ay magbibigay kasiyahan sa higit sa isang henerasyon.
Mga kakaibang pang-unawa ng musika ng isang bata
Ang pakikinig sa magandang musika ay may positibong epekto sa psycho-emotional development ng bata, ayon sa mga child psychologist. Magandang musika nagpapakilala sa sining at bumubuo ng isang aesthetic na lasa, kaya iniisip ng mga guro.
Maraming kilalang mga likha ang nilikha ng mga klasikal na kompositor para sa mga bata, na isinasaalang-alang ang kanilang sikolohiya, pang-unawa at ang mga detalye ng edad, i.e. para sa pakikinig, habang ang iba ay binubuo ng iba't ibang mga piraso para sa mga maliliit na performer na madaling makita ng tainga at teknikal na naa-access sa kanila.
"Album ng mga Bata" ni Tchaikovsky P.I. para sa maliliit na pianista. Ang album na ito ay isang dedikasyon sa isang pamangkin na mahilig sa musika at napakagandang bata. Ang koleksyon ay naglalaman ng higit sa 20 piraso, ang ilan sa mga ito ay batay sa folklore material: Neapolitan motif, Russian dance, Tyrolean at French melodies. Koleksyon ng "Mga Kanta ng Bata" ni Tchaikovsky P.I. idinisenyo para sa auditory perception ng isang madla ng mga bata. Mga kanta ng isang optimistikong kalooban tungkol sa tagsibol, mga ibon, namumulaklak na hardin(“Aking hardin”), tungkol sa habag kay Kristo at sa Diyos (“Si Kristo ang sanggol ay may hardin”).
Classic ng mga bata
Maraming mga klasikal na kompositor ang nagtrabaho para sa mga bata, ang listahan ng mga gawa na kung saan ay napaka-magkakaibang.
Prokofiev S.S. "Peter at ang Lobo" - symphonic na kuwento para sa mga bata. Sa pamamagitan ng kuwentong ito, ipinakilala ang mga bata mga Instrumentong pangmusika orkestra ng symphony. Ang teksto ng kuwento ay isinulat mismo ni Prokofiev.
Schumann R. "Mga eksena ng bata" ay mga maikling kwentong musikal na may simpleng balangkas, na isinulat para sa mga adult na performer, mga alaala ng pagkabata.
Ang Piano Cycle ni Debussy na "Children's Corner".
Ravel M. "Mother Goose" batay sa mga fairy tale ni Ch. Perrault.
Bartok B. "Mga Unang Hakbang sa Piano".
Mga cycle para sa mga bata Gavrilova S. "Para sa pinakamaliit"; "Mga Bayani ng fairy tale"; "Mga bata tungkol sa mga hayop."
Shostakovich D. "Album ng Piano Pieces para sa mga Bata".
Bach I.S. Notebook para kay Anna Magdalena Bach. Nagtuturo sa kanyang mga anak ng musika, lumikha siya ng mga espesyal na piraso at pagsasanay para sa kanila upang bumuo ng mga teknikal na kasanayan.
Haydn J. - ninuno ng klasikal na simponya. Lumikha ng isang espesyal na symphony na tinatawag na "Mga Bata". Ang mga instrumentong ginamit: clay nightingale, rattle, cuckoo - bigyan ito ng isang hindi pangkaraniwang tunog, parang bata at nakakapukaw.
Si Saint-Saens K. ay nagbuo ng pantasya para sa orkestra at 2 piano na tinatawag na "Carnival of the Animals", kung saan mahusay niyang ipinarating ang kumakatok ng mga manok, ang dagundong ng isang leon, ang kasiyahan ng isang elepante at ang paraan ng paggalaw nito, isang nakakaantig na kaaya-ayang sisne sa pamamagitan ng musikal na paraan.
Ang pagbubuo ng mga komposisyon para sa mga bata at kabataan, ang mahusay na mga klasikal na kompositor ay nag-aalaga sa mga kagiliw-giliw na mga storyline ng trabaho, ang pagkakaroon ng iminungkahing materyal, na isinasaalang-alang ang edad ng tagapalabas o tagapakinig.
