Capítulo I. Guitarra clássica: história de criação, aperfeiçoamento e funcionamento.

§ 1. História da arte violonística da Europa Ocidental.

§ 2. História da execução do violão clássico na Rússia.

§ 3. Guitarra clássica nas províncias russas.

Capítulo II. Arte acadêmica de tocar violão clássico: essência, estrutura, funções.

§ 1. Essência, estrutura e funções da arte performática acadêmica.

§ 2. A atuação profissional como primeiro componente da arte acadêmica.

§ 3. Sistema Educação vocacional como o segundo componente da arte acadêmica.

§ 4. Estrutura do repertório para guitarra clássica como o terceiro componente da arte acadêmica.

Capítulo III. O violão clássico no sistema de ensino musical profissional nacional.

§ 1. Sistema moderno formação profissional para tocar violão clássico na Rússia.

§ 2. Modelo educacional como meio de formação do profissional intérprete de violão clássico.

§ 3. Tecnologias de informação e informática no sistema de ensino profissional musical.

Introdução da dissertação (parte do resumo) sobre o tema “Guitarra clássica na Rússia: ao problema do status acadêmico”

Conclusão da dissertação sobre o tema “Arte Musical”, Ganeev, Vitaly Rinatovich

Lista de referências para pesquisa de dissertação Candidato em História da Arte Ganeev, Vitaly Rinatovich, 2006

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Seu berço foram os países do Próximo e Médio Oriente, onde apareceu há vários milhares de anos.
Mas sua aparição em forma tradicional precedido por um longo caminho de desenvolvimento. Segundo vários pesquisadores, o arco de um caçador primitivo poderia ser usado não apenas como arma, mas também como instrumento musical. Portanto, se você puxar não uma corda em um arco, mas várias, devido aos diferentes comprimentos, força de tensão e espessura, a altura do som produzido muda. Provavelmente, era exatamente isso que tinha o instrumento musical, que se tornou o protótipo da cítara assiro-babilônica e egípcia. Por sua vez, as antigas cítaras tornaram-se os “ancestrais” do violão.

Nas antigas pirâmides egípcias e assírias monumentos arquitetônicos Existem hieróglifos representando o instrumento nabla, que lembra vagamente o formato de um violão. É interessante que o mesmo hieróglifo tenha sido usado pelos antigos egípcios para denotar os conceitos de “bom”, “bom”, “bonito”.
Na Mesopotâmia e no Egito, algumas variedades de kifars (incluindo o egípcio nabla e o árabe el-aud) receberam maior desenvolvimento construtivo e se espalharam por toda a costa do Mediterrâneo já no 3º - 2º milênio aC. Até agora, nos países da Ásia Menor pode-se encontrar o instrumento musical “kinira”, relacionado ao violão.

Na Grécia Antiga, os instrumentos musicais mais populares eram a kitara (kitarra), a lira, a harpa e a pandora.
Nos primeiros séculos da nova era, o violão latino, aparentado com o grego, foi muito difundido nos países mediterrâneos da Europa. O parente mais próximo do violão, o alaúde, também era conhecido. O próprio nome “alaúde” vem da palavra árabe “el-aud”, que significa “de madeira” ou “eufônico”.
Supõe-se que o alaúde e o violão foram trazidos para a Europa pelos árabes através da Espanha, que conquistaram no século VIII. Muito provavelmente, no entanto, estes instrumentos se espalharam pela Europa através da Grécia Antiga - graças à sua relações culturais com os países do Próximo e Médio Oriente.

Até o século XVI, o violão tinha três e quatro cordas. Eles tocavam com os dedos e uma palheta (um prato de osso e carapaça de tartaruga).
No século XVI surgiu na Espanha um violão de cinco cordas, e a partir dessa época passou a ser chamado de violão espanhol. As cordas eram duplas, às vezes a primeira corda (“cantora”) era simples. De todos os países europeus, o violão tornou-se mais difundido na Espanha, onde se tornou um instrumento verdadeiramente folclórico.
Com o advento da quinta corda e o aumento de suas capacidades artísticas e performáticas, o violão passa a competir com sucesso com o alaúde e a vihuela, seu antecessor, e aos poucos os desvia do uso musical.
Estão surgindo vários virtuosos e compositores talentosos que elevaram a arte de tocar violão a um nível muito alto. Entre eles estão F. Corbetta (1620-1681), violonista da corte dos reis da Espanha, França e Inglaterra, seu aluno R. de Wiese (1650-1725), violonista da corte do rei Luís XIV da França, F. Campion (1686 -1748), G. Sanz (1640-1710) e muitos outros.
Começaram a aparecer as primeiras coleções de tablaturas e livros didáticos para violão: “O Livro do Violão” de R. de Wiese (1682), “Novas Descobertas do Violão” de F. Campion (1705) e muitos outros.

Eles imprimiram antigos dança espanhola- pascais, chaconnes, sarabandes, folies e outras peças.
Na segunda metade do século XVIII surgiu um violão de seis cordas (segundo historiadores, novamente na Espanha). Com o advento da sexta corda e a substituição das cordas duplas por cordas simples, começa a marcha triunfante do violão por países e continentes; ainda existe nesta forma. As capacidades musicais do violão de seis cordas revelaram-se tão grandes que está se tornando um dos instrumentos preferidos.
Começa a "era de ouro" do violão. Está associado aos nomes dos compositores e virtuosos do violão espanhóis F. Sora (1778-1839), D. Aguado (1784-1849) e do italiano F. Carulli (1770-1871), M. Giuliani (1781-1829), M. Carcassi (1792-1853).

Artistas

Espanha

SOR José Fernando (Fernando Sor 1778 - 1839)

Guitarrista, compositor e professor espanhol. Na primeira infância demonstrou habilidades excepcionais e recebeu educação musical em um dos mosteiros católicos, aprimorando-se no violão por conta própria. O jeito de tocar guitarra de Sora causou sensação em Londres, para onde ele foi após uma curta estadia em Paris. No outono de 1823, Sor e sua esposa, uma bailarina francesa, foram para a Rússia, onde suas apresentações foram um grande sucesso. Em Moscou em Teatro Bolshoi O balé "Cendrillon" de Sora foi encenado. Em 1826, Sor retornou a Paris e lá permaneceu até o fim de seus dias. Foi apelidado de "Beethoven do violão", sua música profunda e emotiva, a sonoridade suave e aveludada de sua forma de tocar fizeram dele um dos maiores violonistas de sua época.
Sor nasceu em Barcelona. Aos cinco anos já compunha músicas, acompanhando-se no antigo violão do pai. Recebeu a sua educação musical no mosteiro católico de Montserrat, perto de Barcelona, ​​e aos 13 anos já compunha músicas complexas. Certa vez seu professor recebeu ordem de compor uma missa solene para solistas, coro e órgão, mas por motivo de doença não conseguiu prepará-la no prazo. Sor ajudou seu professor concluindo o pedido de maneira brilhante durante a noite.
Depois de completar a sua formação musical e encontrar mecenas, Sor instalou-se em Madrid e dedicou-se inteiramente à composição musical e ao aperfeiçoamento das suas aptidões violonísticas. Em 1813, foi para Paris, onde logo adquiriu a reputação de um dos melhores virtuosos, cativando Berlioz, Cherubini e outros músicos residentes na capital francesa com sua execução. Em 1815, Sor foi para Londres, onde causou verdadeira sensação ao tocar violão. Em 1823, Sor já estava na Rússia, onde também teve uma recepção excepcional. Durante uma de suas viagens a São Petersburgo, Sor foi convidado para a corte da Imperatriz Elizaveta Alekseevna, esposa de Alexandre I, que demonstrou grande favor ao violonista. A proximidade com a corte prometia perspectivas brilhantes para Sora, e ele pretendia ficar na Rússia para sempre, mas foi forçado a deixá-la após a morte da imperatriz.
Depois de retornar à Europa Ocidental, Sor continuou a desfrutar de um sucesso sem precedentes. Sua autoridade entre os guitarristas era extremamente alta. Porém, na década de 30 do século XIX, o violão deixou de ser um instrumento da moda, e Sor, como violonista e como compositor, também saiu de moda. Em junho de 1839, Sor morreu, meio esquecido até pelos amigos músicos.
A música de Sor tornou-se parte da história; muitas das suas obras para guitarra continuam a viver no palco de concertos, e a sua “Escola de Guitarra” (1830) é considerada por muitos como a obra mais notável dedicada à técnica de execução da guitarra.

Itália

Giuliani Mauro (GIULIANI, Giuseppe Sergio Pantaleo 1781-1829)

Excelente violonista e compositor virtuoso italiano, reconhecido por autoridades como J. Haydn e L. Beethoven. Nasceu perto de Nápoles. Ainda criança aprendeu a tocar violino e flauta, e ao mesmo tempo dominou o violão de forma autodidata: aos vinte anos já havia alcançado resultados tão brilhantes que adquiriu fama na Itália como o melhor violonista. Em 1800 iniciou a sua atividade concertística, inicialmente realizada em Itália e França. Em 1807 veio com concertos para Viena, onde os críticos musicais o reconheceram por unanimidade. maior guitarrista paz.
Tendo se estabelecido em Viena, Giuliani iniciou atividades de concerto e ensino. Entre seus amigos estão L. Beethoven e J. Haydn, os violinistas L. Spohr e I. Meiseder, os pianistas I. Hummel, I. Moscheles e A. Diabelli.
Em 1816 Giuliani e grande sucesso passeios na Alemanha. Em 1819 apresentou-se em Roma em concertos com D. Rossini e N. Paganini.
As performances brilhantes de Giuliani e a execução de seus próprios concertos para violão e orquestra provaram a igualdade do violão como instrumento de concerto com o violino, o violoncelo e o piano. “Uma pequena orquestra” - foi assim que L. Beethoven caracterizou o som do violão de Giuliani.
Em 1821, Giuliani retornou à Itália e estabeleceu-se em Roma. Nos últimos anos de sua vida, excursionou pela Alemanha, Polônia, Rússia e Inglaterra, causando por toda parte deleite e espanto com sua arte.
M. Giuliani morreu em 1829 em Nápoles.

Carulli Ferdinand (Fernando 1770-1841)

Guitarrista, professor e compositor italiano. Inicialmente ele estudou violoncelo. Depois de estudar violão por conta própria, tornou-se guitarrista profissional. Seu belo timbre, pureza e fluência no violão garantiram seu sucesso em Nápoles e depois em Paris, onde se tornou um queridinho dos salões. Carulli se estabeleceu em Paris em 1818. Tendo ganhado fama como o melhor violonista de sua época, dividiu o campeonato com Matteo Carcassi e manteve-o até o retorno de Fernando Sor.
Professor destacado e intérprete brilhante, Carulli publicou cerca de trezentas de suas obras: peças para violão solo, concertos para violão e orquestra, obras de câmara que se distinguem pela alta habilidade instrumental e técnica. Dois de seus trabalhos teóricos receberam amplo reconhecimento; estes são "A Escola de Tocar Lira ou Violão" (1810) e um estudo sobre acompanhamento "Harmonia aplicada ao violão" (1825). A "Escola" de Carulli ganhou especial popularidade: teve cinco edições ao mesmo tempo e foi publicada diversas vezes após a morte do autor.

Carcassi Matteo (1792 -1853)

Um dos mais famosos violonistas italianos de sua época, compositor e professor, seguidor de F. Carulli. Na história do violão é conhecido como o autor de “The School of Guitar Playing” (1836) e de obras pedagógicas. Seus estudos para violão sobreviveram até hoje, formando material de treinamento para qualquer violonista moderno e sendo considerado clássico.
Matteo Carcassi estudou violão com primeiros anos em sua Itália natal. Ele ainda não tinha vinte anos quando já havia conquistado reputação na Itália como um virtuoso do violão. Em 1815 começou a ensinar violão e piano em Paris. Durante uma viagem de concertos à Alemanha em 1819, Carcassi conheceu o violonista francês Meissonier, que em 1812 fundou sua própria editora em Paris. Os dois guitarristas tornaram-se amigos íntimos e Meissonnier publicou a maioria das obras de Carcassi.
Em 1822, em Londres, após apenas alguns concertos, Carcassi foi considerado um violonista e professor excepcional. Logo retornou a Paris, mas visitou anualmente Londres, onde seu talento na guitarra foi muito apreciado e onde foi sempre bem-vindo e reverenciado.
Quando Carcassi apareceu pela primeira vez em Paris, seu talento foi por algum tempo ofuscado por outro virtuoso da guitarra italiana mais velho, Ferdinando Carulli, mas depois de vários anos Carcassi alcançou reconhecimento e enorme sucesso. Ele deu concertos anualmente na maioria das principais cidades da Europa. Em 1836, Carcassi retornou brevemente à Itália, mas Paris permaneceu como sua residência permanente até sua morte em 1853.

França

Napoleão Coste / Claude Antoine Jean George Napoleão Coste 1805 - 1883

Guitarrista e compositor francês. Nasceu em Franco-Condado. Muito jovem, já começa a trabalhar como intérprete e professor. Em 1830 mudou-se para Paris, onde fez amizade com F. Sor, D. Aguado, F. Carulli e M. Carcassi, que aí viveram na mesma época, e tiveram grande influência na sua obra. Em 1856, no concurso internacional para a melhor composição e o melhor instrumento, organizado em Bruxelas pelo guitarrista russo N. Makarov, recebeu o segundo prémio pela sua composição “A Grande Serenata”.
Cost é um dos melhores artistas franceses do século 19 e é frequentemente comparado a Sora. Devido a uma lesão na mão em decorrência de um acidente, ele foi forçado a interromper suas atividades de concerto. A obra do próprio Costa é relativamente pequena, mas atesta o seu extraordinário talento como compositor. Escreveu cerca de 70 obras para violão: valsas, variações, "Concerto Rondo", "Grande Serenata", o ciclo "Folhas de Outono", "25 Estudos" (Op. 38), peças para oboé e violão, etc. pequeno As peças sempre sentem harmonia harmônica e polifonia orquestral.
O nome de Costa também está associado a uma edição nova, corrigida e ampliada da Sor's School for Guitar, na qual Coste incluiu uma transcrição da suíte de Robert de Wiese. Morreu em Paris.

Guitarra na Rússia

A história do violão na Rússia é interessante e muito original.
No seu desenvolvimento passou aproximadamente pelas mesmas etapas dos países Europa Ocidental.
O historiador russo N. Karamzin escreveu que no século VI os eslavos adoravam tocar cítara e harpa, não se separando delas mesmo durante duras campanhas militares. Eles também tocaram violão de quatro cordas na Rússia.
Em 1769, o acadêmico Shtelin escreveu sobre o surgimento de um violão italiano de cinco cordas durante o reinado da Imperatriz Elizabeth, para o qual foram publicadas revistas musicais especiais.

No final do século 18, um violão de seis cordas apareceu na Rússia. Logo se torna popular em todos os níveis da sociedade. Foram publicadas as primeiras escolas de tocar este instrumento e diversas publicações musicais. Escola mais antiga, publicado na Rússia, é “Uma escola de violão aprimorada para seis cordas, ou um guia autodidata para tocar violão”, de Ignatius von Held. Foi publicado no início do século XIX em russo e alemão.
No mesmo período, “Etudes” e “Quatro Sonatas” para piano e violão de seis cordas do famoso virtuoso, compositor e professor P. Gagliani, “Nova Revista para Violão de Seis Cordas” de A. Berezovsky, “Concerto para Violão de seis cordas acompanhado por orquestra” foram publicados em São Petersburgo pelo compositor Ashanin (1815).
Em 1821 - 1823 em Moscou e Nizhny Novgorod Foram abertas “academias de música”, nas quais rapazes e moças aprendiam a tocar violão. Aparecem excelentes virtuosos da guitarra russa - M. Sokolovsky, N. Makarov, V. Lebedev.

Vysotsky Mikhail Timofeevich (cerca de 1791-1837)

Virtuoso da guitarra russa e compositor de guitarra. Ele estudou violão com S. N. Aksenov. Interessou-se pelos clássicos, principalmente Bach, cujas fugas tentou arranjar para violão. Isso se refletiu no estilo sério e nobre de suas composições para violão: principalmente fantasias e variações do russo temas folclóricos(ciclos de 4 a 5 variações, emoldurados por “headpieces” e “finalizações”), há também arranjos para violão de peças de V.A. Mozart, L. van Beethoven, J. Field (de quem o músico era próximo), etc. 83 deles foram publicados; Sua “Escola Prática e Teórica de Violão” (1836) também foi publicada.

Makarov Nikolai Petrovich (1810-1890)

Virtuoso da guitarra russa, promotor ativo da arte da guitarra.
Nasceu na cidade de Chukhloma, província de Kostroma. Ele passou sua infância nas propriedades de seu pai e tia M.P. Volkonskaia. Serviu como oficial do exército.
Desde criança tocava violino. Aos vinte e oito anos, interessou-se pelo violão e, praticando de dez a doze horas diárias, logo alcançou um sucesso significativo.
O primeiro concerto de Makarov aconteceu em 1841 em Tula, no salão da Assembleia Nobre, onde tocou a primeira parte do 3º concerto de Giuliani.
Em 1852, Makarov viajou para o exterior, onde conheceu os maiores violonistas da Europa: Tsani de Ferranti, Carcassi, Costa, Mertz e o fabricante de guitarras Scherzer. Em 1856 organizou o Primeiro Concurso Internacional em Bruxelas para a melhor composição para violão e o melhor instrumento, no qual se apresentou com grande sucesso como solista. O 1º prémio de melhor composição foi para J. K. Mertz, o 2º prémio para N. Kost, o 1º prémio de melhor instrumento para o mestre austríaco I. Scherzer, o 2º prémio para o mestre russo I. Arhusen. N. Makarov morreu na aldeia de Funtikovo-Rozhdestvenskoye, região de Tula.

Sokolovsky Mark Danilovich (1818-1883)

Nasceu na Ucrânia, perto de Zhitomir. Aprendi a tocar violão sozinho, seguindo as Escolas de Giuliani, Leniani e Mertz.
Em 1841 deu seu primeiro concerto solo em Zhitomir, no qual executou o Concerto em Mi menor de F. Carulli. Em 1846 deu um concerto solo no Salão da Assembleia Nobre. O concerto foi um grande sucesso e mais de mil pessoas compareceram.
Em 1858, Sokolovsky viaja para o exterior. Os seus concertos em Viena são um enorme sucesso. Em 1863-1868 fez uma viagem triunfal às principais cidades europeias: Paris, Londres, Berlim, Bruxelas, Dresden, Milão, Cracóvia, Varsóvia. Ele é chamado de “Grande Artista” na Alemanha, “Paganini da Guitarra” na Inglaterra e “Kosciuszko dos Guitarristas” na Polônia.
Em 25 de janeiro de 1869, o concerto de Sokolovsky aconteceu no lotado salão do Teatro Bolshoi. Seu concerto de despedida (por doença) aconteceu em 1877 em São Petersburgo, no salão da Capela da Corte.
Últimos anos Sokolovsky passou a vida em Vilna (Vilnius), envolvido em atividades docentes. Um grande golpe para ele foi a recusa de N. Rubinstein em abrir uma aula de violão no Conservatório de Moscou.
Mark Sokolovsky morreu em 1883 em Vilna e foi enterrado no cemitério de Vilna Rasu; Não muito longe, o famoso artista e compositor lituano Mikaelius Konstintinis Čiurlionis foi posteriormente enterrado.

Lebedev Vasily Petrovich (1867-1907)

Nasceu na província de Samara. Aluno do famoso guitarrista russo I. Dekker-Schenk.
Ele deu concertos de sucesso em São Petersburgo e outras cidades russas. Em 1900 tocou com a orquestra de instrumentos folclóricos russos de VV Andreev em Paris, na Exposição Mundial. A imprensa notou o grande sucesso do artista. Lebedev foi o primeiro intérprete da parte de violão no "Quarteto para Violão, Violino, Viola e Violoncelo" de N. Paganini. Lecionou em São Petersburgo no Museu Pedagógico e em unidades do distrito militar. Morreu em São Petersburgo.

Declínio

Na segunda metade do século XIX, a arte do violão começou a declinar. Ópera, sinfônica e música instrumental empurrou a guitarra para segundo plano e atrasou seu desenvolvimento por muitas décadas. Mas ainda em maior medida Isto foi facilitado pela moda e gostos burgueses que se espalharam por todos os níveis da sociedade. Segundo a expressão figurativa de Segóvia, o maior violonista do século XX, “o violão ficava pendurado nas paredes dos salões de cabeleireiro”, seu objetivo principal passou a ser um acompanhamento primitivo de canções e romances, os músicos deixaram de considerar o violão um instrumento sério . Muitas tradições antigas deram em nada, inúmeras partituras e manuscritos raros pereceram; Havia cada vez menos intérpretes e compositores talentosos - o amadorismo e a ignorância dominaram a arte do violão.
O declínio se espalhou por tudo países europeus, mas menos que outros tocou a Espanha, onde começou um novo renascimento do violão.
O músico que devolveu o bom nome ao violão e elevou sua arte a um patamar novo e sem precedentes, foi Francisco Eschea Tárrega, um notável violonista virtuoso espanhol, compositor, fundador escola moderna tocar guitarra.

Renascimento

Tárrega-Eschea Francisco (1852 - 1909)

Excelente violonista e compositor virtuoso espanhol, fundador da escola espanhola de tocar violão. Nasceu em 21 de novembro de 1852 e faleceu em 5 de dezembro de 1909. Toco violão desde a infância. As aptidões musicais de Tárrega chamaram a atenção e, com o apoio de uma família abastada, conseguiu ir para Madrid e em outubro de 1874 ingressar no conservatório, onde se formou de forma brilhante em duas especialidades - piano e composição. Apesar das suas boas capacidades pianísticas, Tárrega preferiu a guitarra, na qual se aperfeiçoou tanto que decidiu dar o seu próprio concerto no Teatro Alhambra de Madrid. O enorme sucesso que acompanhou esta actuação finalmente decidiu a questão - Tarrega tornou-se guitarrista. Turnês de concertos na França, Itália, Áustria, Holanda e outros países confirmaram as excelentes habilidades do guitarrista. A imprensa comparou Tárrega com os maiores intérpretes contemporâneos - o violinista Pablo de Sarasate e o pianista Anton Rubinstein.

Barrios (Mangori) Augustin (Agustín Barrios Mangore 23/05/1885-07/08/1944)

Um brilhante virtuose do violão paraguaio cuja importância foi plenamente apreciada quase 50 anos após sua morte. Nasceu em uma família de músicos, na qual, além de Agostinho, havia mais sete filhos. Ele começou a tocar violão muito cedo. O primeiro professor foi Gustavo Escalda, que apresentou ao jovem violonista o mundo da música de Sor, Tárrega, Aguado e outros compositores, cujas obras formaram a base do repertório violonístico tradicional. Aos 13 anos, notando o notável talento do filho, que já se manifestava em diversas áreas (desenhava lindamente, tinha incríveis habilidades matemáticas e talento literário), foi enviado para estudar no Colégio Nacional de Assunção.
Em 1910, Barrios, que já era conhecido como um violonista virtuoso, deixou o Paraguai e foi para a Argentina. Nos 34 anos seguintes, percorreu o continente sul-americano, dando concertos em cidades da Argentina, Uruguai, Brasil, Venezuela, Costa Rica e El Salvador. Ele também visitou Chile, México, Guatemala, Honduras, Panamá, Colômbia, Cuba e Havaí. Entre 1934 e 1936 Sua viagem à Europa aconteceu - jogou na Espanha, Alemanha e Bélgica.
Em 1932, o próprio Barrios passou a se autodenominar “Nitsuga Mangori - Paganini do violão” (Nitsuga é a leitura reversa de Agostinho, e Mangori é o nome do lendário líder dos índios Guarani). Por volta de meados dos anos 30, Barrios começou a ter problemas de saúde - seus problemas cardíacos não lhe permitiam mais fazer longas e extenuantes viagens para shows. Passou os últimos anos de sua vida em San Salvador, capital do pequeno estado centro-americano de El Salvador, ensinando e compondo música, realizando apenas ocasionalmente concertos de violão solo.
Mangori não foi apenas um excelente intérprete, mas também um compositor, dono de mais de 300 obras para violão, muitas das quais hoje são consideradas entre melhores trabalhos já escrito para guitarra solo.

Villa-Lobos Heitor (Heitor Villa-Lobos 1887 - 1959)

Destacado compositor brasileiro, especialista em folclore musical, maestro, professor. Nasceu em 5 de março de 1887 e faleceu em 17 de novembro de 1959. Teve aulas com F. Braga. Em 1905-1912 viajou pelo país, estudou a vida popular, o folclore musical (gravou mais de 1000 melodias folclóricas). A partir de 1915 ele se apresentou com seus próprios concertos.
Em 1923-30. viveu principalmente em Paris, comunicou-se com compositores franceses. Na década de 1930, ele trabalhou muito para organizar um sistema unificado de educação musical no Brasil e fundou diversas escolas de música e corais. Vila-Lobos é autor de materiais didáticos especiais (“Guia Prático”, “Canto Coral”, “Solfejo”, etc.), e de uma obra teórica “Educação Musical”. Também atuou como maestro e promoveu a música brasileira em sua terra natal e em outros países. Recebeu a sua formação musical em Paris, onde conheceu A. Segovia e a quem posteriormente dedicou todas as suas composições para violão. As composições de Vila-Lobos para violão têm um caráter distinto figura nacional, os ritmos e harmonias modernas neles estão intimamente ligados às canções e danças originais dos índios e negros brasileiros. Chefe do nacional escola de compositor. Iniciador da criação da Academia Brasileira de Música (1945, seu presidente). Ele desenvolveu um sistema de educação musical para crianças. Escreveu 9 óperas, 15 balés, 20 sinfonias, 18 poemas sinfônicos, 9 concertos, 17 quartetos de cordas; 14 “Shoros” (1920-29), “Baianas Brasileiras” (1944) para conjuntos instrumentais, inúmeros corais, canções, músicas infantis, adaptações de amostras folclóricas, etc. - no total mais de mil composições diversas.

Segóvia Andrés (1893-1987)

Excelente guitarrista e professor espanhol. Nasceu na Andaluzia, na cidade de Linares, em 21 de fevereiro de 1893, e poucas semanas depois a família mudou-se para Jaén. A maravilhosa arte da improvisação dos guitarristas folclóricos da Andaluzia e cultura original esse terra antiga influenciou muito sua visão de mundo.
Em 1910, teve lugar no Centro Artístico de Granada o primeiro concerto público de Andrés Segovia, organizado pelos seus amigos.
Em 1915, Segovia conheceu o violonista Miguel Llobet, graças a quem conseguiu dar um concerto em Barcelona em janeiro de 1916. No entanto, eles não queriam deixar o violão entrar em grandes salões. Não era um instrumento popular e todos acreditavam que seu som não era forte o suficiente e simplesmente não seria ouvido em uma sala grande.
A virada no destino do violão aconteceu em um concerto no Palau Chamber Music Palace, em Barcelona, ​​​​onde Segovia finalmente recebeu permissão para se apresentar. A beleza do som de um violão literalmente enfeitiçou os ouvintes.
O sucesso adicional de Segóvia foi facilitado pela atmosfera do Renascimento, um movimento para o renascimento das tradições folclóricas na música e na cultura da Espanha. Nos seis anos seguintes, o violonista ganhou reconhecimento por seu instrumento não apenas em salas de concerto Madrid e Barcelona, ​​​​mas também em outras cidades da Espanha. A isto se soma o sucesso de duas viagens à América do Sul em 1919 e 1921.
A década de 20 do século XX marcou o nascimento de uma nova era na arte da guitarra e o início do reconhecimento mundial de Segóvia. Cada apresentação de Segóvia foi percebida como um milagre, como a descoberta de algo novo. Procurou superar estereótipos e estabelecer o violão como instrumento solo.
Três vezes, em 1926, 1927, 1935-1936, veio à URSS e deu concertos em Moscovo, Leningrado, Kiev e Odessa com sucesso constante. Segovia não apenas deu concertos, mas também se reuniu com violonistas locais, ouviu-os tocar e conduziu discussões metodológicas e aulas abertas. Isso também afetou o desenvolvimento da arte do violão na União Soviética: após a turnê, muitos músicos profissionais começaram a olhar para o violão como um instrumento digno de estudo sério. A consequência foi a abertura de aulas de violão nas escolas de música (então escolas técnicas), bem como em universidades de música individuais. Um fervoroso defensor de Segóvia foi P. S. Agafoshin, o primeiro na URSS a criar a “Escola de Tocar Violão de Seis Cordas”, baseada nos princípios metodológicos do destacado violonista. Assim, Segovia não foi apenas um artista, mas também um promotor ativo do seu instrumento.

Guitarra na Rússia 2

Agafoshin Pedro (1874-1950)

Um maravilhoso violonista russo, um dos primeiros professores do violão de seis cordas. P.S. Agafoshin nasceu na aldeia de Pirogovo, província de Ryazan, em uma família de camponeses. Ele herdou de seu pai a paixão pelo violão (inicialmente tocava um violão de sete cordas). Tendo se mudado para Moscou, Pyotr Agafoshin melhorou sozinho a forma de tocar seu instrumento favorito, apenas ocasionalmente usando o conselho de professores, entre os quais V. Rusanov, editor da revista "Guitar Player" de Moscou. Um papel significativo no desenvolvimento artístico de Agafoshin foi tocado por sua amizade com os artistas V.I. Surikov e D. . E. Martin, fãs apaixonados do violão. Participou como intérprete em vários concertos. Acompanhou os excelentes cantores F. Chaliapin, D. Smirnov, T. Ruffo. Reconhecimento pela atuação de Agafoshin arts foi um convite para participar da ópera "Dom Quixote" de Massenet no Teatro Bolshoi no ano 1916, onde acompanhou F.I. Chaliapin.
O encontro em 1926 com Segóvia inspirou Agafoshin. Não perdeu nenhum concerto do artista espanhol e conheceu-o pessoalmente. "Depois da saída de Segovia", escreveu Agafoshin, "reorganizei-me imediatamente, fiz os ajustes necessários na minha produção, nas minhas técnicas de jogo. Na sua próxima visita, na primavera de 1927, minha condição estava mais equilibrada, pois a essa altura eu já tinha alguns dominados. Portanto, minhas observações posteriores de sua execução foram muito mais produtivas, pude focalizá-las em momentos individuais e detalhes de sua atuação, especialmente aquelas peças que estavam em processo de meu estudo."
P.S. Agafoshin trabalhou por mais de 40 anos como artista de orquestra no State Maly Theatre. Em 1930-1950 ministrou um curso de violão na Faculdade de Música que leva seu nome. Revolução de Outubro e o Conservatório Estadual de Moscou. Muitos guitarristas soviéticos famosos foram seus alunos (A. Ivanov-Kramskoy, E. Rusanov, I. Kuznetsov, E. Makeeva, Yu. Mikheev, A. Kabanikhin, A. Lobikov e outros).

Alexander Ivanov-Kramskoy (1912 - 1973)

Excelente violonista russo soviético, compositor, maestro, professor, autor da "Escola de Tocar Violão de Seis Cordas", um dos poucos guitarristas soviéticos agraciados com o título de Artista Homenageado da RSFSR (1959). Nasceu em 26 de julho de 1912 em Moscou. Estudou no October Revolution Music College com Pyotr Spiridonovich Agafoshin (guitarra de seis cordas), depois no Conservatório de Moscou (cursos de formação avançada). Ele desempenhou um papel importante no desenvolvimento do violão de seis cordas na Rússia.
Atuou como solista e em conjunto com cantores (N. A. Obukhova, I. S. Kozlovsky). Desde 1932 trabalhou na Rádio All-Union. Em 1939 ele recebeu o 2º prêmio no Concurso All-Union de Intérpretes de Instrumentos Folclóricos. Em 1939-45. maestro do Conjunto de Canção e Dança do NKVD da URSS. Em 1947-52, regente do coro folclórico russo e da orquestra de instrumentos folclóricos da Rádio All-Union.
Autor de peças e escolas para violão de seis cordas. Suas obras para violão (incluindo dois concertos para violão e orquestra) são muito populares entre os violonistas.
A atividade pedagógica de A. M. Ivanov-Kramsky ocorreu na Escola Acadêmica de Música do Conservatório de Moscou, onde de 1960 a 1973 dirigiu a aula de violão, formando muitos músicos talentosos. Depois lecionou no Instituto de Cultura.
Alexander Mikhailovich Ivanov-Kramskoy foi uma figura musical e pública proeminente que dedicou toda a sua energia à promoção da arte do violão. Depois de muitos anos de esquecimento, graças a um excelente intérprete e professor, o violão voltou a adquirir o status de instrumento de concerto profissional e passou a ser ensinado em instituições musicais secundárias e superiores do país. AM morreu Ivanov-Kramskoy em Minsk durante uma turnê. Ele foi enterrado em Moscou, no cemitério de Vvedensky.

Komolyatov Nikolai (n. 1945)

Um dos melhores guitarristas e professores russos modernos. Nasceu em 1945 na cidade de Saransk, em 1962-70. estudou na escola e depois no instituto. Gnesins na classe do famoso guitarrista russo A. M. Ivanov-Kramsky. Graduado pelo Conservatório Estadual de Ural em homenagem. MP Mussorgsky. Desde a abertura da aula de violão na Academia Russa de Música. Gnesinykh trabalha como professor, tendo treinado muitos vencedores de diversas competições ao longo dos anos. Atualmente é professor de violão na Academia Russa de Música. Gnesins.
Em 1996 foi laureado em um concurso internacional no Festival de Artes Latino-Americanas. Ele é o primeiro intérprete de muitas obras de compositores contemporâneos. A empresa Melodiya lançou dois discos solo da artista. O primeiro disco era composto por estudos e prelúdios de E. Vila-Lobos, e o segundo incluía obras de P. Panin (Dois Estudos, Dois Prelúdios, Dança do Xamã e Humoresco) e a suíte de I. Rekhin “Em Memória de E. .Vila-Lobos”.
Nas resenhas dos concertos de N. Komolyatov, a imprensa nota a riqueza tímbrica de seu instrumento e a técnica virtuosística, a graça e a sutileza do gosto artístico do músico.
Por realizações notáveis ​​​​no campo da arte da guitarra, N. Komolyatov recebeu o título de Artista Homenageado da Rússia. Por mais de 25 anos foi solista da Filarmônica Estatal de Moscou.

ErzunovV Victor (n. 1945)

Guitarrista, compositor, professor de música. Nasceu em 1945 em Saransk. Meu pai morreu na frente. As habilidades musicais apareceram cedo, mas não houve oportunidade de estudar.
Comecei a aprender a brincar apenas aos 17 anos, no quintal. Estávamos satisfeitos com três acordes principais... O ponto de viragem foi conhecer Nikolai Komolyatov, a única pessoa em Saransk que foi estudar com Alexander Mikhailovich Ivanov-Kramsky. Ainda me lembro do primeiro prelúdio que Vila-Lobos fez no nosso primeiro encontro.
E então o treinamento prosseguiu com o auxílio de um manual de autoinstrução para tocar violão e “por correspondência”. Nikolai Komolyatov, que então servia como marinheiro e tocava no conjunto da Frota do Pacífico, gravou em um gravador sua própria execução dessas obras, cujas notas Victor possuía, e as enviou pelo correio de Vladivostok. Assim, “de ouvido”, ele entendia as notas, tocando conforme o modelo de seu distante professor. Em 1963, após se formar na escola, foi trabalhar como montador na fábrica da Elektrovypryamitel. Ele conseguia tocar violão mesmo na hora do almoço e depois do trabalho até escurecer. Eu mesmo preparei o programa de admissão na escola de música. Não entrei na escola do Conservatório de Moscou porque, de acordo com a ordem do Ministério da Cultura daquele ano, estavam sendo recrutados alunos do Cazaquistão e do Uzbequistão. Mas no mesmo ano, uma pequena aula de violão de seis cordas foi inaugurada na Escola Gnessin, no departamento de instrumentos folclóricos. Dos trinta candidatos, dois foram aceitos. Um deles é Viktor Erzunov. Após 3,5 meses de estudo, Victor foi convocado para as fileiras Exército soviético, onde serviu numa unidade de combate durante três anos. Ao voltar para a escola, estudava dez horas por dia para recuperar o tempo perdido. Foi então que começou a adquirir sua primeira experiência docente. Ele mesmo selecionou o repertório dos alunos para incutir neles uma boa Gosto musical.
O professor de V. Erzunov, Boris Khlopovsky, foi tocar no Mosconcert e recomendou seu melhor aluno para um cargo de professor. A vaga de professor de violão foi “mantida” para Viktor Alekseevich por seis meses enquanto ele completava seus estudos. Em 1971 começou a trabalhar na Faculdade de Música que leva seu nome. Gnesins. Ao mesmo tempo, a convite de Marina Davydovna Khidekel, abriu uma aula de violão na Escola de Artes de Chernogolovsk.
As primeiras peças já pertencentes para um mestre maduro, selecionados após muitos anos de testes, foram publicados em 1989 na “Coleção de Repertório Pedagógico para Violão” junto com obras de clássicos. Uma coleção totalmente original de composições próprias de Viktor Erzunov, “The Guitarist’s Album”, também foi lançada para escolas de música infantis.

Vinitsky Alexandre
(n. 1950)

Guitarrista, compositor e professor de música russo. Laureado em competições internacionais. Graduado pela Academia Russa de Música. Gnesins. Ensina na State Music College que leva seu nome. Gnessin violão clássico, atua em concertos solo, escreve músicas para violão, ministra seminários e master classes sobre o tema “Guitarra clássica no jazz”. Participa de festivais internacionais de violão e guitarra música jazz, atua com sucesso no exterior e em principais cidades Rússia. EM programas de concertos Alexander Vinitsky executa composições originais que combinam estilos diferentes, além de arranjos de músicas de Gershwin, Jobim, Bonfá, Gilberto, Powell, Porter, Rogers e outros compositores. Gravou 7 discos. Publica seus trabalhos nas principais editoras musicais do mundo. Foi repetidamente presidente e membro do júri de competições internacionais de guitarra clássica em França, Polónia e Rússia.

Frauchi Alexander (n. 1954)

Um dos melhores violonistas clássicos russos. Nasceu em Rostov em 1954. Começou a dar os primeiros passos na música sob a orientação de seu pai, Camille Arturovich Frauchi, um famoso violinista e, como dizem, um maravilhoso violonista e professor. Estudei na Central Escola de música no Conservatório. Tchaikovsky em Moscou na classe de N. A. Ivanova-Kramskaya e no Conservatório. Mussorgsky em Sverdlovsk com G. Mineev. Em 1979 ganhou o primeiro prémio no concurso nacional competição de música intérpretes em Leningrado, e em 1986 - primeiro prêmio no Concurso Internacional de Guitarra de Havana (Cuba). Deu concertos a solo e ministrou master classes na Alemanha, França, Bélgica, Grã-Bretanha, EUA, Áustria, Itália, Jugoslávia, Polónia, Cuba, Hungria, República Checa, Bulgária, Turquia e Grécia. Alexander Frauchi foi repetidamente convidado como membro do júri em competições internacionais de guitarra. Foi lançado um disco pela empresa Melodiya, além de um CD (1994) com gravações das obras de Nikita Koshkin.
Artista Homenageado da Rússia, professor de música, professor da Academia Russa de Música (antigo Instituto Pedagógico Musical Gnesin) em Moscou.

A origem do violão se perde na escuridão dos séculos: os cientistas não sabem quando e de onde ele veio. O desenvolvimento histórico do violão pode ser dividido em cinco períodos, que eu chamaria de formação, estagnação, renascimento, declínio e prosperidade.

Durante o período de sua formação na cultura europeia dos séculos 11 a 13, o violão substituiu muitos instrumentos de cordas e foi especialmente apreciado na Espanha. Começou então uma era de estagnação para o violão, que começou depois que o alaúde árabe foi trazido para a Europa. Durante quatro séculos inteiros, a maioria dos músicos europeus, fascinados pelo alaúde (para o qual foi criado um extenso repertório), esqueceram-se do violão. Porém, os verdadeiros adeptos do violão aprenderam a tocar o repertório do alaúde, aproveitaram, por um lado, as técnicas características de tocar este instrumento, e, por outro, as vantagens do próprio violão, que consistiam na maior facilidade de tocar. desempenho devido a um braço mais fino e longo e menos cordas. Como resultado, o processo de revitalização do violão começou em meados do século XVIII. No século XIX, muitos músicos apaixonaram-se por este instrumento e puderam compreender a sua alma. A música para violão foi escrita por F. Schubert, K. Weber, G. Berlioz e outros. Um número significativo de obras para violão e com sua participação foram criadas por Niccolo Paganini (1782-1840) (as obras por ele escritas ainda vivem no palco do concerto Seis sonatinas para violino com acompanhamento de violão). Surgiram intérpretes e compositores que dedicaram suas vidas inteiramente ao violão, por exemplo F. Carulli (1770-1841), M. Giuliani (1781-1829), M. Carcassi (1792-1853) na Itália. Na Espanha - F. Sor (1788-1839) e F. Tarrega (1852-1909), que são justamente chamados de clássicos da arte do violão. Posteriormente, a tradição foi continuada por M. Llobet (1875-1938), E. Pujol (1886-1980) e especialmente pelo grande violonista espanhol do século XX Andrés Segovia (1893-1987), que trouxe o violão do salão aos maiores palcos do mundo.

Na Rússia, surpreendentemente, é com meados do século XIX século, o declínio da arte da guitarra foi marcado. As aulas de violão nas escolas de música, que na época se difundiam graças às atividades da Sociedade Musical Russa, foram encerradas. O ensino do violão estava concentrado nas mãos de professores particulares, e seus sons comoventes eram ouvidos com mais frequência nas tabernas, em Melhor cenário possível- de salões e gazebos de jardim. Somente na virada dos séculos 19 e 20, na Rússia, começou o renascimento de uma atitude séria em relação ao violão e, em seguida, um florescimento gradual da performance do violão. Isto deveu-se em grande parte à digressão de Andres Segovia na Rússia, que convenceu os nossos ouvintes de que a guitarra como instrumento de concerto está no mesmo nível do violino, do violoncelo e do piano. Os associados russos do mestre espanhol Pyotr Agafoshin e de seu aluno Alexander Ivanov-Kramskoy contribuíram amplamente para a saída do violão da vida burguesa para a esfera da arte musical e acadêmica. Foi assim que uma nova era começou na Rússia - uma época de intensa formação e desenvolvimento da performance acadêmica (solo e conjunto) de violão. As conquistas da música para violão russa são demonstradas de forma convincente pelo trabalho de guitarristas concertistas - estudantes de universidades musicais russas.

Junto com os sucessos indiscutíveis da moderna escola russa de tocar violão nesta área, acumulamos muitos problemas agudos não resolvidos - tanto musicais e artísticos, quanto psicológicos, pedagógicos, tecnológicos e até socioculturais. Talvez o mais preocupante seja a escassez de professores altamente qualificados, que joguem profissionalmente e, além disso, que pensem criativamente. Sim, a herança dos violonistas nacionais é uma série de escolas de atuação criadas por excelentes mentores, educadores sérios de jovens e grandes músicos. Seus nomes são bem conhecidos. Estes são M. Karkassi, A. Ivanov-Kramskoy, E. Larichev, V. Yashnev, B. Volman, P. Veshitsky, P. Agafoshin, V. Kiryanov e outros. Vale a pena estudar seriamente trabalho criativo e a escola de E. Pujol, que estudou com o grande F. Tarrega. Outro exemplo é o trabalho do guitarrista Samara A. I. Matyaev, um professor e metodologista respeitado, cujos alunos buscam e desenvolvem seus próprios caminhos na execução do violão e nos métodos de ensino. Na verdade, é assim que deveria ser. Portanto, levantando aqui o problema da discrepância entre a crescente popularidade do violão, a demanda por seu ensino e o número de professores qualificados, enfatizo a necessidade de organizar uma troca de opiniões entre professores de violão, de forma mais ampla, para estabelecer sérias trabalho metodológico em escala regional e em toda a Rússia. Caso contrário, o estado da nossa literatura metodológica que existe hoje poderá criar raízes por muito tempo.

Infelizmente, o mercado nacional de guitarras está agora inundado com “escolas de guitarra” (ou “autodidatas”) de baixa qualidade que de forma alguma desenvolvem os fundamentos do profissionalismo ou uma atitude séria em relação à guitarra em geral. Os autores de tais manuais, na maioria das vezes, procuram se estabelecer em seu estreito “mundo” do violão, no qual eles próprios supostamente “dominam” o violão. Normalmente o texto ou material musical é reescrito, às vezes a digitação é alterada aqui e ali, um ou dois novos exercícios são inventados - e a “Escola” para autodidatas está pronta. Claro, não há nada semelhante em relação a aprender a tocar violino, piano ou, digamos, qualquer instrumento de sopro e não pode haver. Mas o violão é um instrumento especial: simples e complexo. Quando se trata de jogar em casa, parece o mais simples. Se você joga de verdade, profissionalmente, é muito difícil. Mas ainda deveria haver uma cultura de guitarra. E é precisamente da guitarra académica que devemos partir em todas as suas manifestações - tanto profissionais como amadoras, se quisermos que este instrumento popular faça parte da nossa cultura musical, que, como sabemos, é muito elevada na sua nível artístico.

Devemos, é claro, levar em conta que o violão e a arte do violão existem, por assim dizer, em duas dimensões - folclórica e profissional. Como instrumento folclórico, o violão quase não sofre alterações: as peças, canções e romances executados nele com seu acompanhamento são preservados e as técnicas de execução permanecem inalteradas. Mas como instrumento musical profissional, o violão está progredindo o tempo todo: o repertório está se tornando musical e tecnicamente mais complexo, novas tendências na tecnologia de execução do violão estão surgindo, métodos mais avançados de produção sonora, meios colorísticos, escolas e técnicas estão surgindo. . No entanto, também aqui às vezes surgem mal-entendidos.

Acontece que uma nova guitarra foi inventada, chamada “Gran”. Lembro-me de um encontro com grandes violonistas que vieram ao Instituto de Artes Togliatti para resenhas. Eles tinham uma patente para a “invenção” de um novo violão, e supostamente um ensino superior em violão (academia particular de grande violão!), porém, na verdade, descobriu-se que este instrumento não era uma invenção da atualidade. Na Noruega existe um tipo de violino que, além das quatro cordas principais, possuía o mesmo número de cordas ressonantes, localizadas abaixo e conferindo ao som do instrumento um colorido especial, enriquecendo seu timbre. Este violino era afinado de diferentes maneiras e era utilizado apenas como instrumento auxiliar na orquestra.Como se sabe, o mesmo princípio acústico esteve na base do desenho de muitas violas. O violão gran possui 12 cordas em relação ao horizonte da caixa acústica, sendo seis inferiores (metal) e seis superiores (nylon). Grandes guitarristas tentam tocar todas as doze cordas! Em particular, eles usam ativamente ao tocar exatamente aquelas cordas que para os violinistas noruegueses são apenas ressonantes. Como resultado, ao tocar tal instrumento, ocorre uma falsidade incrível - e, acima de tudo, combinações de acordes sujas (aleatórias). É claro que um número tão significativo de cordas criará dificuldades colossais no jogo de natureza puramente técnica, que, talvez, apenas um robô possa enfrentar plenamente, e não uma pessoa que não tenha reações de orientação perfeitas e uma capacidade excepcionalmente resiliente sistema nervoso.

Porém, para ser justo, é preciso dizer que o som do gran guitar é bastante profundo e belo timbralmente, pois é o resultado do som simultâneo de cordas de náilon e metal. Portanto, é possível que novas pesquisas ajudem quem toca esse instrumento, superando dificuldades orgânicas, a identificar suas qualidades úteis. Mas, por enquanto, as declarações pretensiosas dos apologistas de que a era do grande violão já chegou e todos os outros tipos de violão já se tornaram coisa do passado, na minha opinião, são profundamente errôneas.

Aparentemente, todo professor de violão precisa se perguntar quais são os principais valores de aprender a tocar violão. É improvável que possam ser admirados por métodos inovadores, inovações profusamente anunciadas, repertório composto às pressas e de “vendas”. Na execução do violão, como em todos os outros tipos de artes cênicas musicais, deve-se, antes de tudo, primar por uma cultura de performance, por identificar o conteúdo artístico do que está sendo executado, por um som de alta qualidade e, claro, por técnica gratuita e desenvolvida. Ou seja, a tudo o que constitui uma impressão musical e artística integral que encanta e cativa o ouvinte. Ao mesmo tempo, um professor que segue tradições clássicas comprovadas na prática em sua arte não deve ignorar buscas e inovações (se, claro, vierem de músicos qualificados e competentes). É importante em todos os casos reservar-se o direito de analisar, generalizar e sintetizar os aspectos melhores, mais progressivos e úteis. É preciso aprender a ver e usar o que é mais necessário, tentando prever quais coisas novas podem realmente ser úteis em uma determinada situação educacional - digamos, ser úteis no desenvolvimento de um aluno para o futuro (dentro de um ou dois anos) . Afinal, o sucesso depende, em última análise, da adequação da aplicação individual de uma determinada técnica, golpe, método, abordagem, etc. exatamente nesta situação. Por exemplo, argumentar abstratamente sobre se deve ou não usar uma técnica ao tocar violão apoyando ou não usar... Nem vale a pena falar sobre isso. É importante analisar e entender onde, quando, por que e em que medida é aconselhável utilizar esta maravilhosa técnica performática.

Vejamos outro exemplo - a posição do guitarrista. Havia muitos métodos para sua formação. O corpo do violão chegou a ser encostado em uma cadeira ou mesa para melhor ressonância. Até hoje, diferentes bancos são colocados sob diferentes pés. Um guitarrista coloca o pé esquerdo sobre o direito e o outro vice-versa. Existem opiniões diferentes sobre a posição do cotovelo direito, sobre a forma de tocar da mão direita, sobre o ângulo da posição do pescoço em relação ao corpo do intérprete. Em suma, as opiniões são muitas, mas o critério geral para determinar as posições de jogo mais corretas, e mesmo tendo em conta as características individuais da estrutura das mãos e de toda a constituição física do aluno, deve ser diferenciado. Na minha opinião, o que é bonito é verdade. Mas para todo violonista o apelo estético não pode ser puramente externo, visual, mas deve vir de dentro, o que, em essência, é uma manifestação da cultura musical interna. Somente com tal cultura o violonista será capaz de “pronunciar” e entoar música livremente com a ajuda de um som musical vivo, que por sua vez se tornará beleza externa, ou seja, percebida pelo ouvido perspicaz de alguém. Assim, fecha-se o círculo de considerações aqui expressas: para que a música tenha um efeito estético no ouvinte, seu intérprete deve ser uma pessoa plenamente culta e com gosto artístico impecável.

Passemos agora a outro problema que parece relevante. Muitas vezes os pais, citando as inclinações do próprio filho, trazem crianças de quase seis anos para a aula de violão. Nesses casos, seria necessário convencê-los da conveniência da introdução inicial, abrangente e abrangente da criança aos vários tipos de arte (dançar, cantar, tocar os chamados instrumentos “elementares”, que têm um timbre bastante bonito, mas são bastante fáceis em termos de técnicas de produção de som, etc.). d.). É preciso convencer os pais de que é muito mais importante desenvolver o sentido de ritmo e coordenação dos movimentos, sintonizar a audição à percepção das entonações musicais, alcançar a compreensão da música que é possível nesta idade, do que esforçar-se para o domínio precoce das habilidades de tocar guitarra.

Outro assunto de nossa reflexão são os chamados “exames de ingresso” para a aula de violão, que, como se sabe, supostamente testam o ouvido musical, o ritmo e a memória do jovem candidato. Gostaria de alertar sobre a inutilidade de tais testes para determinar as perspectivas de sucesso na execução instrumental - especialmente no violão. Somente após vários meses de aulas o professor tem o direito de avaliar as habilidades do aluno e as perspectivas de sua aprendizagem, que muitas vezes se revelam no processo de comunicação criativa ao vivo com a música, o professor e outros alunos. Às vezes, três, quatro, cinco anos se passam e acontece que o aluno reconhecido logo no início como “surdo, sem ritmo” recebe um prêmio e o título de laureado de uma competição totalmente russa, ouve palavras lisonjeiras dirigidas a ele por autoridade músicos.

Também relevante, claro, não apenas para a aula de violão, é a questão de como conseguir um treinamento sistemático e sistemático no instrumento desde o início do treinamento em uma escola de música? Aqui não podemos prescindir do mais sério trabalho educativo necessário para que o aluno compreenda a futilidade da intenção de dominar um instrumento, bastando apenas frequentar as aulas na escola e não estudar em casa. É claro que este é um tema à parte que merece um desenvolvimento especial em termos psicológicos e pedagógicos. Gostaria de enfatizar sua especial importância para o sucesso dos estudos musicais.

Existem muitos outros problemas de guitarra que precisam de discussões sérias por parte de guitarristas respeitados e músicos altamente cultos. Talvez o mais importante deles seja o problema do som (relevante, claro, para todos os instrumentos musicais, mas para violinistas, violoncelistas e pianistas é bastante desenvolvido). O violão, figurativamente falando, é justamente o instrumento musical que não quebra o silêncio, mas o cria. Mas não é só nesta poesia que reside o segredo da enorme popularidade da guitarra: em mãos hábeis soa como uma orquestra. Tomando esta “orquestra” nas mãos, você pode sair, navegar, ir para as montanhas ou subir ao palco e, após um minuto de afinação, dar liberdade aos sons e aos dedos (essas “cinco adagas ágeis, ” como disse Garcia Lorca) - para dar a nossa alma com eles, emocione-se ou esqueça-se.

Ministério da Cultura da região de Saratov

GOU SPO "Escola de Música Volsk"

eles. V.V. Kovaleva (escola técnica)"

Curso de palestras

Disciplina:

“História da performance em instrumentos folclóricos russos”

Realizado

professor de especialização

"Instrumentos da Orquestra Folclórica"

Klochko G.V.

Tópico I. A origem e o desenvolvimento da música instrumental russa………………………………...3

1. A origem da música instrumental russa………...3

2. O papel dos músicos bufões na história da cultura musical russa……………………………………………………5

Tópico II. Instrumentos folclóricos russos na cultura musical doméstica dos séculos 11 a 19………………………………………………………………10

Gusli nos séculos 11 a 19…………………………………10

Violão de seis cordas na Rússia…………………........15

Violão de sete cordas nos séculos 18 a 19……………20

A formação da performance na domra russa........25

Balalaika nos séculos 18 a 19………………………..29

AssuntoIII. A evolução do acordeão russo na segunda metade do século XIX – início do século XX………………………………34

O aparecimento dos primeiros harmônicos russos…………………34

O surgimento da performance de concerto de gaita na Rússia no final do século XIX – início do século XX……39

Assunto4. Criação de uma direção acadêmica na arte balalaika-domra e gaita-acordeão (meados da década de 1880 - 1917)……………………………….45

V. V. Andreev e pessoas com ideias semelhantes na cultura musical russa do último terço do século XIX.....45

Cromatização de balalaica e acordeão…………………..49

O aparecimento do acordeão de botões na Rússia e o desenvolvimento da performance do acordeão de concerto…………………..

A arte de tocar balalaica no início do século XX...

Desenvolvimento da arte da guitarra na Rússia no início do século XX…………………………………….

AssuntoV. Formação da orquestra performance de domra-balalaika e gaita-acordeão

Criação das primeiras orquestras harmônicas cromáticas…………………………………………………………4

O surgimento da orquestra balalaika de V. V. Andreev ………………………………………………… 7

Características da formação do repertório da orquestra de instrumentos folclóricos russos………………….15

AssuntoVI. Performance em instrumentos folclóricos russos em 1917 – 1941

O papel das competições e olimpíadas no segundo semestre

Década de 1920 - início dos anos 30 no desenvolvimento da performance…………………………………………………….18

2. As origens da educação profissional em instrumentos folclóricos……………………………22

3. Formação de conjunto profissional e arte orquestral…………………………….26

Desenvolvimento de arte profissional solo..34

I.Ya.Panitsky ……………………………………….39

AssuntoVII. Artes cênicas com instrumentos folclóricos russos durante a Grande Guerra Patriótica (1941 – 1945)

Artes cênicas amadoras e profissionais……………………...45

Obras dos anos de guerra para instrumentos folclóricos russos……………………………………………………..50

AssuntoVIII. Performance em instrumentos folclóricos russos na primeira década do pós-guerra (1945 – 1955)

Desenvolvimento do desempenho profissional….53

Funciona para instrumentos de cordas dedilhadas. Desenvolvimento do repertório original de acordeão……………………………………………………70

AssuntoEUX. O florescimento da performance de instrumentos folclóricos russos (final dos anos 1950 - 1990)

Desenvolvimento de artes cênicas profissionais…………………………………………………….75

Obras para acordeão de botões e instrumentos folclóricos dedilhados solo………………………………85

Tópico I. A origem e o desenvolvimento da música instrumental russa

As origens da música instrumental russa

Desde tempos imemoriais, o povo russo tem procurado expressar os seus pensamentos, aspirações e experiências emocionais com a ajuda da música instrumental. Artesãos talentosos e desconhecidos criaram e aprimoraram uma grande variedade de instrumentos musicais.

A origem da música russa remonta aos tempos antigos. Surgiu nas profundezas do sistema comunal primitivo das tribos eslavas que habitavam um vasto território.

O centro de uma das uniões tribais era a tribo Ros, que vivia às margens do rio Ros (um afluente do Dnieper, abaixo de Kiev). Mais tarde, o nome desta tribo se espalhou por todos os eslavos orientais, que passaram a ser chamados de russos, e pelo território em que viviam - terras russas, Rússia.

Segundo os historiadores, os eslavos eram um povo alto, forte e bonito: “não eram pessoas más e nada maliciosas”, gostavam muito de cantar, pelo que foram apelidados de “amantes da canção”.

Por volta do século VIII, os eslavos orientais viviam um processo de decomposição do sistema comunal primitivo e os primórdios do poder estatal estavam amadurecendo. O surgimento da escultura, da música e da dança remonta a essa época.

Os antigos eslavos orientais tinham vários tipos de arte associados a formas rituais de crenças religiosas pagãs. A realização dos rituais era acompanhada de cantos, toques de instrumentos musicais e danças com elementos de performance teatral.

Na primeira fase do seu surgimento, a música ainda era muito primitiva. O canto era monofônico e as melodias eram construídas em 3–4 sons. Muitas músicas não tinham combinações de meios-tons. Porém, sua estrutura metrorrítmica era bastante diversificada: havia uma estreita relação entre a melodia e a letra.

Os antigos eslavos conheciam instrumentos musicais Vários tipos, por exemplo, os chamados tambores de membrana, onde a fonte do som é uma membrana que vibra ao ser atingida. Entre os instrumentos desse tipo, os mais famosos são os pandeiros e os tambores. O órgão de metal também é um instrumento de percussão. Acredita-se que se tratava de um conjunto de placas ou hemisférios metálicos. Os instrumentos folclóricos de sopro incluíam a flauta longitudinal, a flauta de Pã e ​​os apitos de argila.

A flauta longitudinal tinha a forma de um tubo, geralmente com seis orifícios para tocar, conferindo uma escala diatônica. A flauta de Pã era um conjunto de tubos curtos de comprimentos variados, onde as extremidades superiores dos barris eram abertas e as extremidades inferiores fechadas com um chumaço. O som foi produzido cortando o ar contra a borda da extremidade superior do tubo. A flauta Pã foi o protótipo dos cugycles modernos. Apitos de barro ou ocarinas são estatuetas ocas de cerâmica, geralmente feitas em formato de pássaro ou animal e com 2 a 3 buracos para brincar. A harpa também era conhecida pelos eslavos. As informações sobre este instrumento chegaram até nós a partir do século VI.

Se as canções fossem transmitidas oralmente de geração em geração e, assim, preservadas na memória auditiva das pessoas durante séculos, e algumas delas sobreviveram até hoje desde tempos imemoriais, então a música instrumental só poderia ser preservada em notação musical. Este último era propriedade de mosteiros onde se cultivava o canto religioso. Entrou na prática musical russa (e de uma forma muito imperfeita) apenas no século XVII. A música instrumental era considerada secular e, portanto, pecaminosa, “demoníaca”. Além disso, a vida dos próprios instrumentos durou pouco: eram feitos de um material frágil, a madeira. Eles estavam mais expostos à influência do tempo, e nada poderia impedir o processo de seu desaparecimento, sem falar no fato de que as terras eslavas estavam constantemente sujeitas a invasões de tribos selvagens, por isso tiveram que cultivar a terra com armas nos ombros. .

A canção e a arte instrumental dos antigos eslavos nasceram e se desenvolveram em estreita inter-relação. A análise da estrutura das canções e dos instrumentos musicais permite afirmar que a prática musical do povo garantiu o nascimento dos instrumentos musicais, e os instrumentos musicais, por sua vez, consolidaram a experiência da arte da canção, ou seja, a criação de muitas canções ocorreu sob a influência da estrutura instrumental estabelecida, assim como as escalas de muitos instrumentos musicais muitas vezes nasceram a partir de melodias de canções folclóricas específicas e mais típicas, como encarnação material dos resultados da prática criativa. E se você conhece a estrutura dos instrumentos, como produzir som neles, a natureza do som, então já pode modelar a natureza da música daquela época.

A importância do período pré-Kiev na história da cultura instrumental russa é extremamente grande. Foi durante este período que foram lançadas as bases da música profissional russa nacional e distinta.

1. O papel dos músicos bufões na história da cultura musical russa

No século IX, um grande e forte estado feudal, a Rus, foi formado no território da atual Ucrânia. Kyiv tornou-se sua capital. Com base na cidade principal, este estado passou a ser chamado de Kievan Rus. Kiev torna-se o centro económico e cultural de todas as terras eslavas orientais. A cultura da Rússia de Kiev atingiu um alto nível de desenvolvimento. Arquitetura, pintura e música estão se desenvolvendo rápida e intensamente.

Numerosas evidências históricas apontam para o grande papel da música na vida social e estatal da Rússia de Kiev. Era um elemento invariável da vida principesca e druzhina, acompanhando festas alegres e desenfreadas e cerimônias oficiais solenes. As pinturas murais da Catedral de Santa Sofia de Kiev refletem imagens semelhantes de música da corte.

Documentos históricos indicam a existência na Rússia Antiga de duas categorias de cantores-músicos, distintos entre si tanto pela natureza da sua arte como pelo estatuto social.

A um deles pertenciam os bufões, sempre perseguidos e perseguidos pela igreja, privados da protecção das leis, na sua maioria sem-abrigo e sem quaisquer bens, mas sempre bem vindos, queridos em todos os níveis da sociedade. Outra categoria incluía cantores principescos, que ocupavam uma posição elevada na sociedade e gozavam do reconhecimento de autoridades seculares e espirituais. As fontes literárias fornecem uma extensa lista de diversões proibidas pela igreja, entre as quais estão bufões, “bufões”, “svirtsy”, “jogadores”, “desgraças ativas” nas ruas das cidades, “espirrar pandeiro”, “som de flauta”, “dança e todos os tipos de jogos” "

Junto com os grupos errantes de bufões que se deslocavam de um povoado para outro, convidando os espectadores para suas apresentações dedicadas ao Natal, Maslenitsa, Páscoa, ou por uma determinada taxa “contratados” para participar de casamentos ou outras férias em família, havia também aqueles que vivia sedentário. Eles possuíam sua própria fazenda e praticavam a bufonaria para obter renda adicional e, em outros casos, talvez por puro amadorismo.

Mas, apesar da conhecida estratificação entre os bufões, este era um tipo social de artista e músico medieval, em sua posição na sociedade e na natureza de sua arte, nitidamente diferente dos cantores e poetas principescos de alto escalão que glorificaram façanhas de armas o príncipe e seu esquadrão.

Os instrumentos musicais da Antiga Rus diferiam não apenas na estrutura, mas também no papel que desempenhavam na vida cotidiana e vida pública. Cada instrumento tinha uma finalidade própria e era utilizado em determinados casos de acordo com os costumes e tradições estabelecidas. Alguns foram respeitados e honrados em todos os níveis da sociedade, enquanto outros foram severamente condenados e perseguidos. Por exemplo, a trombeta costumava ocupar um lugar especial como um instrumento nobre privilegiado que infunde coragem e destemor na alma de um guerreiro, chamando-o para feitos de armas. Em um dos antigos ensinamentos da igreja eslava, a trombeta é contrastada com as fungadas e as harpas, que “reúnem demônios desavergonhados”.

Pela primeira vez, os bufões de Kiev apitam - instrumento de cordas, que não se tornou menos popular que a harpa. A imagem mais antiga deste instrumento que sobreviveu remonta ao século XV. O corpo do apito era em formato de pêra, a caixa acústica era plana e o suporte das cordas era liso, sem dobrar. As três cordas estavam no mesmo nível e portanto o arco, que tinha formato de arco, estava em contato com as três. A melodia era tocada na primeira corda fina, a segunda e a terceira cordas soavam sem alterar o tom (eram construídas em quintas, como um violino moderno). O som contínuo (zumbido) dos parafusos nas vozes graves tornou-se um dos traços estilísticos mais característicos da música folclórica, chamado de bourdon, um quinto bourdoning. Durante a execução, o instrumento era apoiado no joelho da perna esquerda ou segurado entre os joelhos.

Durante escavações arqueológicas em Novgorod em 1951-1962. Pela primeira vez, foram encontradas amostras autênticas de bipes antigos. Como os cientistas estabeleceram, por volta do século XII.

Dos instrumentos de sopro na Rússia de Kiev, vários tipos de instrumentos do tipo flauta foram usados: sopel - uma flauta de apito (durante escavações arqueológicas em Novgorod, foram encontradas amostras de bicos que datam do século 11), flauta - uma flauta de apito emparelhada, uma flauta de Pã de vários canos (kugikly), bem como vários instrumentos de pastor e trompas e trombetas militares (militares), cuja menção pode ser encontrada em crônicas antigas do início do século VII. A trombeta do pastor, assim como a trombeta, era feita de madeira. Tanto os cachimbos quanto as buzinas eram usados ​​​​tanto na vida cotidiana quanto em assuntos militares. Escavações arqueológicas ainda não descobriram um único exemplar dessas ferramentas.

Há razões para acreditar que os bufões da Rússia de Kiev tocavam gaita de foles. É verdade que a primeira menção a eles remonta à época de Ivan, o Terrível (meados do século XVI), mas as fontes literárias não podem servir de indicação da época do aparecimento deste ou daquele instrumento, visto que surgiram, via de regra , muito tarde. Muitos pesquisadores acreditam que a gaita de foles é um dos instrumentos mais antigos.

A gaita de foles russa (duda ou kozitsa) é um instrumento de sopro instrumento de palheta com reservatório de ar (pele) feito de couro ou bexiga de touro. 4–5 tubos foram inseridos no buraco da pele. Um deles servia para bombear ar para o pelo, os demais serviam como área de recreação. Ao tocar, o intérprete pressionava o fole com o cotovelo da mão esquerda contra o corpo, espremia dele o ar que, caindo nas flautas tocadas, fazia vibrar as finas placas de palheta fixadas no interior dos troncos, chamadas de “peepers” ou “juncos”. O instrumentista usava os dedos para fechar os orifícios localizados no cano da flauta melódica, alterando assim a altura do som. As outras duas flautas soavam o tempo todo no mesmo tom e, como se ajustaram a uma quinta, formou-se um quinto bourdon. Algumas gaitas de foles tinham duas flautas melódicas que soavam simultaneamente, em uma combinação de duas vozes. Enquanto tocava, o músico soprava constantemente ar no fole, para que a gaita de foles pudesse soar sem interrupção. Foi daqui que veio expressão famosa“puxar a gaita de foles”, “tocar a gaita de foles”.

Os instrumentos de percussão utilizados eram pandeiros (nome geral para vários tambores), entre os quais havia instrumentos com bugigangas, como os pratos de um pandeiro moderno. No século XI, a execução em conjunto já era praticada. Por exemplo, um grande conjunto instrumental tocava regularmente nos aposentos do Príncipe Svyatoslav Yaroslavovich. Seu repertório foi baseado em canções folclóricas.

No século 13, quando quase todas as terras russas ficaram sob o jugo mongol-tártaro, Novgorod tornou-se o guardião e continuador das antigas tradições culturais russas.

A arte dos bufões de Novgorod era de altíssimo nível alto nível. Nos épicos folclóricos, os bufões de Novgorod eram caracterizados como cantores e instrumentistas talentosos, com alto desempenho e um repertório amplo e variado. Há razões para acreditar que a maioria das canções executadas pelos bufões e as cenas que eles representaram pareciam improvisadas e estavam em estreita ligação com as circunstâncias em que os bufões apresentavam as suas actuações.

Os portadores de ideias progressistas - bufões - eram frequentemente instigadores e participantes da agitação popular. Representantes das autoridades eclesiásticas foram os primeiros a se manifestar contra os bufões. Os padres viram nas suas atividades um renascimento do paganismo, distraindo as pessoas da igreja com “jogos demoníacos”. A perseguição aos bufões foi lançada pelos czares Mikhail Fedorovich e especialmente Alexei Mikhailovich. Assim, em 1648, a carta real ordenava “queimar todos os vasos da fortuna, punir aqueles que desobedecem com chicote e batogs, e por repetida desobediência ao exílio em lugares remotos”. Segundo uma testemunha ocular, um comboio com instrumentos musicais foi queimado em um pântano do outro lado do rio Moscou.

Como resultado da perseguição, havia cada vez menos artesãos que faziam instrumentos musicais para bufões, e a arte gradualmente perdeu o seu apelo de massa e degenerou. No entanto, mesmo nos séculos 18 a 19, bufões podiam ser encontrados em barracas folclóricas, em feiras em Moscou, São Petersburgo e Nizhny Novgorod.

A bufonaria na Rússia entrou para a história da cultura russa como um fenômeno de enorme significado social e artístico. Teve grande influência na formação de todos os gêneros da arte musical e da literatura.

1. Uma breve excursão pela história mundial da guitarra.

2. Penetração do violão na Rússia ( final do XVII século).

3. A primeira “Escola de tocar violão de seis e sete cordas” de I. Geld.

4. A.O. Sihra e violão de sete cordas.

5. Principais guitarristas russos do século 19: M.T.Vysotsky, S.N.Aksyonov, N.N.Lebedev.

6. Os primeiros mestres da guitarra - I.A. Batov, I.G. Krasnoshchekov.

7. Guitarristas de seis cordas do século 19 - M.D. Sokolovsky, N.P.

8. Atividades editoriais de V. A. Rusanov e A. M. Afromeev.

9. Andres Segovia e seus shows na Rússia.

10. Guitarra no concurso de revisão All-Union em 1939.

11. Atividades desempenhadas por A. M. Ivanov-Kramsky.

12. Guitarristas dos anos 50-70 do século XX: L. Andronov, B. Khlopovsky, S. Orekhov.

13. A guitarra no sistema de ensino musical.

14. Arte da guitarra dos anos 70-90 do século XX: N. Komolyatov, A. Frauchi, V. Tervo, A. Zimakov.

15. Guitarra no jazz.

O caminho de desenvolvimento do violão na Rússia foi longo e difícil. O aparecimento definitivo do violão no mundo como o conhecemos ocorreu apenas no século XVIII. Antes disso, havia arautos do violão - a cítara grega, a lira, o alaúde, a viola espanhola. O violão clássico de seis cordas teve e ainda tem seus famosos intérpretes, compositores e mestres. Mauro Giuliani e Fernando Carulli, Matteo Carcassi e Fernando Sor, Francisco Tárrega e M. Llobet, Maria Luisa Anido e Andres Segovia - cada um deles deixou uma marca notável na arte do violão.

Na Rússia, o violão não foi difundido até o século XVIII. Com a chegada de M. Giuliani e F. Sora, sua popularidade aumentou visivelmente. Porém, lembremos que os primeiros a trazer o violão para a Rússia foram os compositores italianos Giuseppe Sarti e Carlo Cannobio, que serviram na corte de Catarina II; Mais tarde, juntaram-se a eles músicos franceses.

Ignaz Geld é originário da República Tcheca. O destino o trouxe para a Rússia em 1787. Morou em Moscou, São Petersburgo. Ele tocava guitarras de seis e sete cordas. Ministrava aulas de jogo. Em 1798, surgiram duas escolas de violão: uma para seis cordas e outra, um pouco antes, para sete cordas. Escreveu e publicou diversas obras para violão, voz e violão. Morreu em Brest-Litovsk.

Um dos mais brilhantes promotores do violão de sete cordas e fundador da escola russa de tocá-lo foi o violonista e compositor A. O. Sihra (1773-1850). Alguns pesquisadores associam o surgimento do violão de sete cordas na Rússia a esse músico.

Andrey Osipovich Sihra - nascido em Vilna. A partir de 1801 passou a morar em Moscou, onde deu aulas e se apresentou em diversos concertos. Em 1813 mudou-se para São Petersburgo, onde publicou “Coleção de uma série de peças, que contém principalmente canções russas com variações e danças”. Organizou o lançamento de uma revista de guitarra. Ele treinou uma galáxia de guitarristas russos, incluindo: SN Aksenov, VI Morkov, VS Sarenko, VI Svintsov, FM Zimmerman e outros. Autor de um grande número de peças e adaptações de canções folclóricas russas. Por insistência de seu aluno V. Morkov, A. O. Sihra escreveu “Escola Teórica e Prática para o Violão de Sete Cordas” e dedicou-a a todos os amantes do violão. A primeira edição foi em 1832, a segunda em 1840. Ele foi enterrado no cemitério de Smolensk, em São Petersburgo.

Se A. O. Sihra viveu e trabalhou principalmente na capital do norte, então MT Vysotsky foi dedicado a Moscou com toda a sua alma.

Mikhail Timofeevich Vysotsky nasceu em 1791 na propriedade do poeta M. M. Kheraskov. Aqui ele recebeu suas primeiras aulas de violão com S.N. Aksenov. A partir de 1813 viveu em Moscou, onde se tornou um intérprete, professor e compositor amplamente conhecido.

O que parece! Imóvel eu escuto

Para sons doces eu;

Eu esqueço a eternidade, o céu, a terra,

Você mesmo.

(M. Lermontov)

Entre os alunos: A.A.Vetrov, P.F.Beloshein, M.A.Stakhovich e outros. Autor de muitas peças para violão, principalmente fantasias e variações de temas folclóricos ("The Spinner", "Troika", "Perto do Rio, perto da ponte”, “ Um cossaco atravessava o Danúbio”…). Pouco antes de sua morte, ele escreveu e publicou “Uma Escola Prática para o Violão de Sete Cordas em 2 Partes” (1836). Ele morreu em 1837 em profunda pobreza.

Semyon Nikolaevich Aksenov (1784-1853) - aluno de A. O. Sikhry, nasceu em Ryazan. Publicou uma “Nova Revista para o Violão de Sete Cordas”, na qual publicou suas próprias fantasias e variações (“Entre o Vale Plano”). Graças aos esforços de Aksyonov, os “Exercícios” de A. O. Sihra foram publicados. Ele foi considerado o melhor virtuoso do violão de Moscou (junto com M.T. Vysotsky). Republicada a escola por I. Gelda. Ele introduziu harmônicos. Não se sabe se S. N. Aksenov teve alunos, exceto no caso de várias aulas para Vysotsky. Basicamente, a sua atividade laboral estava associada ao atendimento em diversos departamentos.

Nikolai Nikolaevich Lebedev é um dos melhores guitarristas siberianos. Anos de vida 1838-1897. Testemunhas oculares compararam sua execução com a de M.T. Vysotsky: o mesmo talento milagroso de improvisador, sinceridade e sinceridade de execução, amor pela música russa. As informações biográficas são escassas. Sabe-se que N. N. Lebedev era oficial. Ele poderia ter aulas de violão com seu pai, um guitarrista amador. Ele trabalhou como escriturário em várias minas. Ocasionalmente dava concertos que surpreendiam todos os presentes com o uso magistral do instrumento.

A arte performática de tocar violão não progrediria sem instrumentos de primeira classe. Na Rússia, seus próprios mestres apareceram logo após o surgimento do interesse generalizado por este instrumento. Os contemporâneos de Ivan Andreevich Batov (1767-1839) chamavam o russo Stradivarius, que durante sua vida fez cerca de uma centena de excelentes instrumentos - violinos, violoncelos, balalaikas. Dez guitarras saíram das mãos do notável mestre, que soaram nas mãos de I.E. Khandoshkin, S.N. Aksenov, M.T.

Ivan Grigorievich Krasnoshchekov não era um mestre menos famoso; Todo o musical de Moscou foi tocado em seus violões. Os intérpretes apreciaram os instrumentos de Krasnoshchekov pelo seu som quente e suave, pela graça e beleza da decoração. Um dos violões (tocado pela famosa cigana Tanya, que admirava A.S. Pushkin por sua forma de tocar e cantar) está guardado no Museu Glinka de Cultura Musical (Moscou).

Além das guitarras de Batov e Krasnoshchekov, as guitarras dos irmãos Arhuzen (Fyodor Ivanovich, Robert Ivanovich), FS Paserbsky, M. V. Eroshkin eram famosas em Moscou e São Petersburgo. Seus instrumentos não eram inferiores em força e beleza de timbre às guitarras dos mestres ocidentais. Dos violonistas russos de seis cordas, os mais famosos foram N.P. Makarov (1810-1890) e M.D. Sokolovsky (1818-1883).

Nikolai Petrovich Makarov é uma personalidade única: um lexicógrafo que publicou o Dicionário Completo Russo-Francês (1866), o Dicionário Alemão-Russo (1874) e a Enciclopédia da Mente, ou um Dicionário de Pensamentos Selecionados (1878); escritor que escreveu vários romances e muitos artigos; um brilhante virtuoso intérprete do violão de seis cordas. Organizou um concurso internacional para o melhor instrumento e para a melhor composição para violão (Bruxelas, 1856). Em 1874, publicou “Várias regras de maior Guitar Play", que foram de grande valor para os músicos até antes do surgimento da escola moderna. "Makarov, como músico-violonista, conquistou um lugar de honra entre seus compositores imortais; […] ele também fez muito para melhorar o design do violão (alongando o braço até a 24ª casa - duas oitavas, fortalecendo o braço com um parafuso). Makarov descobriu o extraordinário mestre da guitarra Scherzer [...]. Graças a apoio material Makarova Mertz escreveu muitas composições para violão. Ele poderia estar orgulhoso de seu amor pelo violão [...]".

Mark Danilovich Sokolovsky nasceu perto de Zhitomir. Ele dominou o violão desde cedo nas escolas de Giuliani, Legnani e Mertz. Deu vários concertos de sucesso em Zhitomir, Vilna, Kiev. Em 1847 se apresentou pela primeira vez em Moscou e atraiu a atenção da comunidade musical. Depois de vários concertos em Moscou, São Petersburgo, Varsóvia, ele fez uma turnê pela Europa (1864-1868): Londres, Paris, Viena, Berlim. Em todos os lugares - uma recepção entusiástica. Em 1877, aconteceu seu último concerto (em São Petersburgo, capela). Ele foi enterrado em Vilna. Seus programas incluíram obras de Paganini, Chopin, Giuliani, Carulli e Mertz.

O desempenho da guitarra na Rússia passou por uma série de altos e baixos associados a eventos políticos e econômicos no país e no exterior. Às vezes, um novo interesse pelo violão surgia graças às atividades enérgicas de editores, teóricos e professores. Assim, no início do século XX, tocar violão recebeu apoio graças ao talento popularizador de V. A. Rusanov (1866-1918), que publicou as revistas “Violão” e “Música do Guitarrista” com a publicação de seu próprio histórico e artigos teóricos; A primeira parte de sua escola foi publicada.

O violonista, professor e editor de Tyumen, M. Afromeev (1868-1920), deu uma grande contribuição para o desenvolvimento da performance do violão por meio de suas atividades editoriais. Em 1898-1918, ele literalmente inundou as lojas de música russas com coleções de peças de violão, autoinstruções e escolas para violão de seis e sete cordas. Durante vários anos publicou a revista "Guitarist".

Durante a era soviética, o interesse pelo violão aumentou significativamente como resultado das turnês de Andres Segovia na URSS. “Minha memória com grande prazer recorda em minha alma quatro viagens a União Soviética e todos os amigos que lá deixei." Os concertos de 1926, 1927, 1930 e 1936 revelaram aos ouvintes tamanha capacidade sonora do violão, tamanha riqueza de timbres que tinham analogias com uma orquestra. O segredo da influência do violão de Segóvia estava em uma fusão maravilhosa de habilidade incomparável e gosto sutil... Após a famosa turnê do espanhol na URSS, foram publicados 7 álbuns de obras do repertório do violonista, e as instituições educacionais do violonista soviético P.S., onde as atividades de professores como P.S. Agafoshin, P.I.Isakov, V.I.Yashnev, M.M.Gelis e outros produziram resultados. Em 1939, no Concurso All-Union de Intérpretes de Instrumentos Folclóricos, os laureados foram: A. Ivanov-Kramskoy (primeiro prêmio) e V. Belilnikov (13 anos- o velho recebeu o segundo prêmio (!)). Outro participante - K. Smaga - recebeu um diploma. A. Ivanov-Kramskoy (aluno de P.S. Agafoshina) realizou o seguinte programa na competição: F. Sor “Variações sobre um tema de Mozart ”, I. Bach “Prelúdio”, F. Tarrega “Memórias da Alhambra”, F. Tarrega “Dança Mourisca”. Do programa de V. Belilnikov (turma de V.I. Yashnev) foi possível descobrir apenas uma peça - F. Sor “Variações sobre um tema de Mozart”. K. Smaga executou “Prelude” de J. S. Bach, “Memory of the Alhambra” de F. Tarrega e várias outras peças. Porém, mesmo as redações listadas dão uma ideia do grau de qualificação profissional dos competidores da época.

Alexander Mikhailovich Ivanov-Kramskoy (1912-1973) estudou violino na Escola de Música Infantil e na Faculdade de Música que leva seu nome. Durante a Revolução de Outubro, ele se formou na aula de violão de P.S. Agafoshin. Então, por algum tempo, ele fez um curso de regência com K.S. Saradzhev no Conservatório de Moscou. Deu muitos concertos por todo o país, tocou na rádio e na televisão.

A atuação do Artista Homenageado da RSFSR (1959) A. M. Ivanov-Kramsky é desprovida de efeitos baratos e é caracterizada por uma certa contenção. Porém, o guitarrista possui personalidade própria, técnicas individuais de produção sonora e repertório próprio, que inclui próprias composições músico. Acompanhou com maestria vocalistas famosos - I.S. Kozlovsky, N. Obukhova, G. Vinogradov, V. Ivanova, I. Skobtsov, instrumentistas - L. Kogan, E. Grach, A. Korneev... A. M. Ivanov-Kramskoy - autor de um grande número de obras para violão: dois concertos, “Tarantella”, “Improvisação”, um ciclo de prelúdios, peças de dança, arranjos de canções folclóricas e romances, estudos. Escreveu e publicou uma escola de tocar violão (reimpressa diversas vezes). Por muitos anos, A. M. Ivanov-Kramskoy lecionou na escola de música do Conservatório de Moscou (mais de 20 graduados, incluindo N. Ivanova-Kramskaya, E. Larichev, D. Nazarmatov, etc.). Ele morreu em Minsk a caminho de seu próximo show.

Junto com A. M. Ivanov-Kramsky, nos anos 50-60 do século 20, o talento de L. F. Andronov, B. P. Khlopovsky, S. D. Orekhov foi revelado. Destinos diferentes, educação diferente, mas estavam unidos pela guerra e pelos tempos difíceis do pós-guerra.

Lev Filippovich Andronov nasceu em 1926 em Leningrado. Ele estudou em um estúdio de música com VI Yashnev, depois se formou na Escola de Música Infantil na aula de violão de PI Isakov e na aula de acordeão de PI Smirnov. Cedo começou a dar concertos solo e em duetos com VF Vavilov (em 1957 o dueto foi laureado nos Festivais Juvenis All-Union e Internacionais). Em 1977, formou-se no Conservatório Estadual de Leningrado como aluno externo na classe do Professor A.B. Shalov. Gravou vários discos, incluindo “Concerto para Guitarra e Orquestra de Câmara” de B. Asafiev. Teve conexões criativas com muitos guitarristas famosos do mundo; foi repetidamente convidado para viajar ao exterior, mas por culpa de autoridades da URSS, não recebeu permissão. Devido a vários ataques cardíacos, ele morreu antes de completar 60 anos.

Boris Pavlovich Khlopovsky (1938-1988) após se formar na Faculdade de Música que leva seu nome. Gnesinykh (1966) trabalhou como professor em sua escola natal e no Instituto Estadual de Cultura de Moscou, na orquestra de instrumentos folclóricos da Rádio e Televisão All-Union, apresentada em concertos solo com o balalaika V. Mineev, domrista V. Yakovlev. Em 1972, no Primeiro Concurso Russo de Intérpretes de Instrumentos Folclóricos, recebeu o 2º prêmio e o título de laureado (no programa: Villa-Lobos “Cinco Prelúdios”, Ivanov-Kramskoy “Concerto No. 2”, Vysotsky “ Spinner”, Tárrega “Sonhos”, Narimanidze “Rondo”). Seu filho, Vladimir, deu continuidade às tradições familiares, formou-se na escola de música do Conservatório de Moscou e depois no Instituto Pedagógico Musical do Estado. Gnessins; em 1986, ele ganhou um diploma no III Concurso Pan-Russo de Intérpretes de Instrumentos Folclóricos. Outro filho, Pavel, também é guitarrista profissional.

Sergei Dmitrievich Orekhov (1935-1998) - segundo muitos guitarristas de Moscou, comparável a M.T. Ele estudou em uma escola de circo, teve aulas de violão com o guitarrista moscovita V. M. Kuznetsov. Trabalhei muito e meticulosamente sozinho. Trabalhou em grupos ciganos, atuando com Raisa Zhemchuzhnaya. Criou um dueto de violões de sete cordas com Alexey Perfilyev. Ele percorreu todo o país com concertos, visitou a Bulgária, Iugoslávia, Tchecoslováquia, França e Polônia. Ele tinha “uma técnica virtuosística incrível [...], isto é, leveza, voo com profundidade e graça de som”, “uma forma de tocar livre e descontraída, improvisação vinda das profundezas da escola de guitarra russa”. SD Orekhov é o autor de famosos arranjos de concertos de canções e romances russos - “Aqui está a troika postal correndo”, “Os salgueiros-chorões estão dormindo”, “Silêncio, tudo está quieto”, etc.

Por muitos anos, grande auxílio na difusão da arte violonística no país foi prestado pela All-Union Recording Company "Melodiya", que lança anualmente grandes edições gravações de artistas soviéticos e estrangeiros. Só nos anos 50-60, ela lançou 26 discos: A. Segovia - 4, Maria-Louise Anido - 2, M. Zelenka - 1, A. Ivanov-Kramskoy - 10, E. Larichev - 3, L. Andronov - 1 , B. Okunev - 2, etc. Posteriormente foram complementados por gravações de N. Komolyatov, A. Frautschi, Paco de Lucia... A partir da década de 90 do século XX, começaram a surgir CDs multicirculação Músicos russos, tanto a geração mais velha como os jovens.

Analisando o estado do desempenho do violão na Rússia nas décadas de 60-70 do século XX, deve-se notar que houve um sério atraso na formação profissional dos violonistas, em contraste com os tocadores de balalaika, domristas e acordeonistas. A causa deste atraso (equipamento técnico fraco e “amadorismo” na produção musical dos músicos em competições foi especialmente evidente) foi vista na entrada tardia da guitarra no sistema de educação musical.

Apesar de as aulas de violão terem surgido nos primeiros anos do poder soviético (a partir de 1918), a atitude em relação ao instrumento nos órgãos governamentais, incl. e no campo da cultura foi polêmico. O violão era considerado um instrumento de culto do ambiente burguês, contra o qual a luta era travada pelas organizações do Komsomol. A formação para tocar violão em instituições musicais ocorreu de forma esporádica, de forma amadora, o que mais uma vez menosprezou a avaliação do instrumento pelos meios musicais profissionais. O avanço ocorreu apenas quando guitarristas formados em universidades, em particular no Conservatório Estadual dos Urais, entraram na vida de concertos do país. Um dos primeiros graduados a receber diplomas de ensino superior foram M.A. Prokopenko, Ya.G. Pukhalsky, K.M. Smaga (Conservatório de Kiev), A.V. Mineev, V.M. Derun (Conservatório de Ural). Foram abertas aulas de violão no GMPI que leva seu nome. Gnesins, nos conservatórios de Leningrado, Gorky, Saratov...

Entre os violonistas da nova geração (anos 70-90 do século XX), surgiram intérpretes que elevaram a música para violão a patamares acadêmicos. Estes são N.A. Komolyatov, A.K. Frauchi, V.V. Tervo, A.V. Zimakov.

Nikolai Andreevich Komolyatov nasceu em 1942 em Saransk. Em 1968 graduou-se na escola de música do Conservatório de Moscou (turma de N.A. Ivanova-Kramskaya), e em 1975, à revelia, no Conservatório Estadual dos Urais (turma de A.V. Mineev). Dá concertos constantemente; Discos gravados e CDs. Ele foi o primeiro a tocar a sonata para flauta e violão de E. Denisov (com A.V. Korneev). Intérprete e divulgador de novas músicas originais para violão (I. Rekhin - suíte de cinco partes, sonata de três partes; P. Panin - dois concertos, miniaturas, etc.). A partir de 1980, junto com AK Frauchi, abriu uma aula de violão no GMPI que leva seu nome. Gnesins. Atualmente - Artista Homenageado da Federação Russa, professor. Dezenas de guitarristas se formaram em sua turma, incluindo muitos laureados, como A. Zimakov. Cada competição russa e internacional de intérpretes de instrumentos folclóricos é representada por dois ou três alunos de N.A. Komolyatov (ver livretos para competições).

Na década de 70, o guitarrista moscovita Alexander Kamilovich Frauchi (1954) revelou seu talento. Depois de estudar na escola de música do Conservatório de Moscou (turma de N.A. Ivanova-Kramskaya), A.K. Frauchi continuou seus estudos no departamento de correspondência do Conservatório dos Urais (turma de A.V. Mineev e V.M. Derun), enquanto trabalhava simultaneamente como solista do Conservatório de Moscou sociedade filarmónica regional. Em 1979, no II Concurso Pan-Russo de intérpretes de instrumentos folclóricos, ganhou o segundo prémio e, em 1986, concluiu com sucesso o concurso internacional de Havana, recebendo o primeiro prémio e um prémio especial. Além disso, a atuação do músico soviético na competição causou sensação com sua habilidade, temperamento e interpretação inteligente das obras (na mesma competição, outro guitarrista soviético, Vladimir Tervo, ganhou o 3º prêmio, ele também causou uma resposta animada no público de guitarra). Após a competição cubana, A. Frautschi participou do festival Five Stars em Paris, e desde então tem feito turnês todos os anos com shows em todos os países do globo.

A. Frautschi combina intensas atividades de concerto com trabalho docente no Instituto Estadual de Música Pedagógica que leva seu nome. Gnesins. Entre seus alunos estão laureados de competições russas e internacionais - A. Bardina, V. Dotsenko, A. Rengach, V. Kuznetsov, V. Mityakov... Hoje A.K. Frauchi é o presidente da Associação Russa de Guitarristas. Seu credo é separar o violão dos instrumentos folclóricos, porque o violão, segundo ele, tem cultura, história, repertório, distribuição internacional, escola, e no mundo civilizado existe separadamente, como o piano ou o violino. Nisto, em sua opinião, reside o futuro da performance de guitarra na Rússia. A. K. Frauchi - Artista Homenageado da Federação Russa, professor.

Vladimir Vladimirovich Tervo (1957) formou-se na Faculdade de Música que leva seu nome. Gnessins (turma de V.A. Erzunov) e Moscou instituto estadual cultura (turma de A.Ya.Alexandrov). O vencedor de três concursos - All-Russo (1986, III prémio), internacional (Havana, 1986 III prémio; Barcelona, ​​​​1989, III prémio) - não parou por aí: ingressou no Conservatório dos Urais e formou-se brilhantemente em 1992 em a turma do Professor Associado V.M. .Deruna.

Alexey Viktorovich Zimakov é siberiano, nascido em (1971) e criado em Tomsk. Ele recebeu suas primeiras aulas de violão de seu pai. Em 1988 graduou-se no Tomsk Music College e em 1993 no GMPI. Gnessins (turma de N.A. Komolyatov). Ele é excepcionalmente virtuoso e toca as peças mais complexas. Ele foi o primeiro guitarrista a receber o primeiro prêmio no concurso russo de intérpretes de instrumentos folclóricos (Gorky, 1990). Além disso, ganhou primeiros prémios em duas competições internacionais (1990, Polónia; 1991, EUA). Vive e trabalha em Tomsk (professor da escola natal). Constantemente viaja pela Rússia e por toda parte países estrangeiros. Em seu repertório ele se apega a obras clássicas.

As competições dos anos 90 do século XX e as vitórias dos violonistas russos nelas confirmam que a escola profissional de violão cresceu visivelmente, se fortaleceu e tem perspectivas de maior desenvolvimento.

A guitarra mostrou-se digna em mais uma direção - na execução de jazz. Já no estágio inicial do surgimento do jazz na América, a guitarra ocupou um lugar de liderança (se não de liderança) entre outros instrumentos de jazz, especialmente no gênero blues. A este respeito, vários guitarristas profissionais de jazz se apresentaram - Big Bill Bronzy, John Lee Hooker, Charlie Christian e, mais tarde, Wills Montgomery, Charlie Byrd, Joe Pass. Entre os guitarristas europeus do século XX, destacaram-se Django Reinhard, Rudolf Daszek e outros.

Na Rússia, o interesse pela guitarra jazz surgiu graças aos festivais de jazz realizados em diferentes cidades do país (Moscou, Leningrado, Tallinn, Tbilisi). Entre os primeiros intérpretes estão N. Gromin, A. Kuznetsov; mais tarde - A. Ryabov, S. Kashirin e outros.

Alexey Alekseevich Kuznetsov (1941) formou-se no October Revolution Music College, turma de domra. Me interessei pelo violão não sem a influência de meu pai, A. A. Kuznetsov Sr., que tocou violão por muitos anos no State Jazz da URSS, depois na orquestra sinfônica pop dirigida por Yu. Silantiev, e no B Quarteto de Tikhonov. também trabalhou por cerca de 13 anos na orquestra sinfônica pop sob a direção de Y. Silantiev, depois na Orquestra Sinfônica Estadual de Cinematografia. Como guitarrista de jazz, ele provou seu valor em festivais de jazz de Moscou em solo e em vários conjuntos (o dueto dos guitarristas Nikolai Gromin - Alexey Kuznetsov tornou-se especialmente popular). Muito está gravado em discos de gramofone. Ele é conhecido como instrumentista e solista em grupos como o trio Leonid Chizhik, os conjuntos de Igor Bril e Georgy Garanyan. Desde a década de 90 trabalha como consultor no salão de música Accord, onde ministra master classes de guitarra jazz e se apresenta em concertos das séries “Masters of Jazz” e “Guitar in Jazz”. Artista nacional Federação Russa (2001).

Andrey Ryabov (1962) - graduado pela Faculdade de Música de Leningrado. Mussorgsky na aula de guitarra jazz (1983). Recebeu reconhecimento público em dueto com o guitarrista estoniano Tiit Pauls (foi lançado o álbum "Jazz Tete-a Tete"). Depois tocou no quarteto do pianista A. Kondakov, no conjunto de D. Goloshchekin. No início dos anos 90 mudou-se para os EUA, onde dá concertos com os famosos músicos de jazz americanos Attima Zoller e Jack Wilkins. Criou seu próprio trio e atualmente é considerado um dos melhores guitarristas de jazz.

Porque na Rússia guitarra jazz tendo recebido o devido reconhecimento há relativamente pouco tempo, apareceu no sistema de ensino musical no último quartel do século XX (e nas universidades ainda mais tarde). O avanço da tecnologia em violões acústicos e eletrificados, o uso da eletrônica, a inclusão de elementos do flamenco, do estilo clássico, o desenvolvimento de métodos de ensino, a troca de experiências com músicos estrangeiros- tudo isso dá motivos para considerar o violão um dos instrumentos mais promissores deste gênero musical.