Ajuda na Tele2, tarifas, dúvidas

Origem

Bisavô Dmitry Dmitrievich Shostakovich do lado paterno - veterinário Pyotr Mikhailovich Chostakovitch(1808-1871) - nos documentos considerava-se camponês; Ele se formou como voluntário na Academia Médico-Cirúrgica de Vilna. Em 1830-1831, participou na revolta polaca e, após a sua repressão, juntamente com a sua esposa, Maria Jozefa Jasinska, foi exilado nos Urais, na província de Perm. Na década de 40, o casal morava em Yekaterinburg, onde em 27 de janeiro de 1845 nasceu seu filho, Boleslav-Arthur.

Em Yekaterinburg, Pedro Chostakovitch ascendeu ao posto de assessor colegiado; em 1858 a família mudou-se para Kazan. Aqui, ainda nos anos de ginásio, Boleslav Petrovich tornou-se próximo dos líderes da “Terra e Liberdade”. Depois de se formar no ginásio, no final de 1862, foi para Moscou, seguindo os “landers” de Kazan Yu. trabalhou na gestão de Nizhny Novgorod estrada de ferro, participou ativamente na organização da fuga da prisão do revolucionário Yaroslav Dombrowski. Em 1865 Boleslau Chostakovitch retornou a Kazan, mas já em 1866 foi preso, transportado para Moscou e levado a julgamento no caso de N.A. Ishutin - D.V. Após quatro meses de permanência em Fortaleza de Pedro e Paulo ele foi condenado ao exílio na Sibéria; viveu em Tomsk, em 1872-1877 - em Narym, onde em 11 de outubro de 1875 nasceu seu filho, chamado Dmitry, então em Irkutsk, era gerente da filial local do Siberian Trade Bank. Em 1892, na época já cidadão honorário de Irkutsk, Boleslav Chostakovitch recebeu o direito de viver em qualquer lugar, mas optou por ficar na Sibéria.

Dmitry Boleslavovich Shostakovich(1875-1922) em meados da década de 90 foi para São Petersburgo e ingressou no departamento de ciências naturais da Faculdade de Física e Matemática da Universidade de São Petersburgo, após o que, em 1900, foi contratado pela Câmara de Pesos e Medidas , recentemente criado por D. I. Mendeleev. Em 1902 foi nomeado verificador sênior da Câmara e, em 1906, chefe da Tenda de Verificação da Cidade. Participação em movimento revolucionário Na família Shostakovich, no início do século 20, já havia se tornado uma tradição, e Dmitry não foi exceção: segundo depoimentos da família, em 9 de janeiro de 1905, participou da procissão até o Palácio de Inverno, e posteriormente proclamações foram impressas em seu apartamento.

Avô de Dmitry Dmitrievich Shostakovich pelo lado materno, Vasily Kokoulin (1850-1911), nasceu, como Dmitry Boleslavovich, na Sibéria; Depois de se formar na escola municipal de Kirensk, no final dos anos 60 mudou-se para Bodaibo, onde muitos foram atraídos pela “corrida do ouro” daqueles anos, e em 1889 tornou-se gerente de um escritório de mina. A imprensa oficial notou que ele “encontrou tempo para se aprofundar nas necessidades dos empregados e trabalhadores e satisfazer as suas necessidades”: introduziu seguros e cuidados médicos para os trabalhadores, estabeleceu o comércio de produtos mais baratos para eles e construiu quartéis aquecidos. Sua esposa, Alexandra Petrovna Kokoulina, abriu uma escola para filhos de trabalhadores; Não há informações sobre sua formação, mas sabe-se que em Bodaibo organizou uma orquestra amadora, muito conhecida na Sibéria.

Amor pela música herdado da mãe filha mais nova Kokoulinykh, Sofya Vasilievna (1878-1955): estudou piano sob a orientação de sua mãe e no Instituto de Donzelas Nobres de Irkutsk e, após a formatura, seguindo seu irmão mais velho, Yakov, foi para a capital e foi admitida no St. Conservatório de São Petersburgo, onde estudou primeiro com S. A. Malozemova e depois com A. A. Rozanova. Yakov Kokoulin estudou no departamento de ciências naturais da Faculdade de Física e Matemática da Universidade de São Petersburgo, onde conheceu seu compatriota Dmitry Shostakovich; O amor pela música os uniu. Yakov apresentou Dmitry Boleslavovich a sua irmã Sophia como uma excelente cantora, e o casamento deles ocorreu em fevereiro de 1903. Em outubro do mesmo ano, o jovem casal teve uma filha, Maria, e em setembro de 1906, um filho chamado Dmitri, e três anos depois - a filha mais nova, Zoya.

Infância e juventude

Dmitry Dmitrievich Shostakovich nasceu na casa nº 2 da rua Podolskaya, onde D.I. Mendeleev alugou o primeiro andar para a Tenda de Calibração da Cidade em 1906 [K 1].

Em 1915 Chostakovitch ingressou no Ginásio Comercial Maria Shidlovskaya, e suas primeiras impressões musicais sérias datam dessa época: depois de assistir a uma apresentação da ópera “O Conto do Czar Saltan” de N. A. Rimsky-Korsakov, o jovem Chostakovitch declarou seu desejo de levar a música a sério. Suas primeiras aulas de piano foram dadas a ele por sua mãe, e após vários meses de aulas Chostakovitch pude começar a estudar em particular Escola de música o então famoso professor de piano I. A. Glyasser.

Estudando com Glasser, Chostakovitch obteve algum sucesso na execução de piano, mas não compartilhou o interesse de seu aluno pela composição e, em 1918 Chostakovitch deixou sua escola. Próximo verão jovem músico ouviu A.K. Glazunov, que falou com aprovação sobre seu talento como compositor. No outono do mesmo ano, Shostakovich ingressou no Conservatório de Petrogrado, onde estudou harmonia e orquestração sob a direção de M. O. Steinberg, contraponto e fuga com N. A. Sokolov, enquanto também estudava regência. No final de 1919 Chostakovitch escrevi meu primeiro curso composição orquestral- Scherzo fis-moll.

Sobre Próximo ano Chostakovitch ingressou na aula de piano de L.V. Nikolaev, onde entre seus colegas estavam Maria Yudina e Vladimir Sofronitsky. Nesse período, foi formado o “Círculo Anna Vogt”, com foco nas últimas tendências da música ocidental da época. Um participante ativo neste círculo também se torna Chostakovitch, ele conhece os compositores B.V. Asafiev e V.V. Shcherbachev, o maestro N.A. Chostakovitch escreve “Duas Fábulas de Krylov” para mezzo-soprano e piano e “Três Danças Fantásticas” para piano.

No conservatório estudou com afinco e especial zelo, apesar das dificuldades da época: Primeiro Guerra Mundial, revolução, guerra civil, devastação, fome. Não havia aquecimento no conservatório no inverno, o transporte era precário e muitos desistiram da música e faltaram às aulas. Shostakovich “roeu o granito da ciência”. Quase todas as noites ele podia ser visto nos concertos da Filarmônica de Petrogrado, reaberta em 1921.

Uma vida difícil com uma existência meio faminta (as rações conservadoras eram muito pequenas) levava à exaustão severa. Em 1922, o pai de Shostakovich morreu, deixando a família sem sustento. E depois de alguns meses Chostakovitch passou por uma operação séria que quase lhe custou a vida. Apesar da saúde debilitada, ele procura trabalho e consegue um emprego como pianista-pianista em um cinema. Grande ajuda e apoio durante esses anos foram fornecidos por Glazunov, que conseguiu adquirir Chostakovitch rações adicionais e estipêndio pessoal.

década de 1920

Em 1923 Chostakovitch Graduou-se no conservatório em piano (com L.V. Nikolaev), e em 1925 - em composição (com M.O. Steinberg). Seu trabalho de formatura foi a Primeira Sinfonia. Enquanto estudava no conservatório como estudante de pós-graduação, ele ensinou leitura de partituras na faculdade de música em homenagem a M. P. Mussorgsky. De acordo com uma tradição que remonta a Rubinstein, Rachmaninov e Prokofiev, Chostakovitch planejou continuar sua carreira como pianista concertista e como compositor. Em 1927, no Primeiro Concurso Internacional de Piano Chopin em Varsóvia, onde Shostakovich também executou uma sonata de sua própria composição, recebeu um diploma honorário. Felizmente, o famoso maestro alemão Bruno Walter percebeu o talento incomum do músico ainda antes, durante sua turnê pela URSS; Depois de ouvir a Primeira Sinfonia, Walter imediatamente pediu a Shostakovich que lhe enviasse a partitura em Berlim; A estreia estrangeira da sinfonia ocorreu em 22 de novembro de 1927 em Berlim. Seguindo Bruno Walter, a Sinfonia foi executada na Alemanha por Otto Klemperer, nos EUA por Leopold Stokowski (estreia americana em 2 de novembro de 1928 na Filadélfia) e Arturo Toscanini, tornando assim o compositor russo famoso.

Em 1927, mais dois eventos significativos ocorreram na vida de Shostakovich. Visitei Leningrado em janeiro Compositor austríaco Nova Escola de Viena Alban Berg. A chegada de Berg se deveu à estreia russa de sua ópera Wozzeck, que se tornou um grande acontecimento na vida cultural do país e também inspirou Chostakovitch comece a escrever a ópera “The Nose”, baseada na história de N.V. Para outros evento importante foi o conhecimento de Shostakovich com I. I. Sollertinsky, que, durante seus muitos anos de amizade com o compositor, enriqueceu Chostakovitch conhecimento da obra de grandes compositores do passado e do presente.

Ao mesmo tempo, no final da década de 1920 e início da década de 1930, foram escritas as próximas duas sinfonias de Shostakovich - ambos com a participação de um coral: a segunda (“dedicação sinfônica a outubro” às palavras de A. I. Bezymensky) e a terceira (““ Primeiro de Maio” , nas palavras de S. I. Kirsanov).

Em 1928 Chostakovitch conhece V. E. Meyerhold em Leningrado e, a seu convite, trabalha por algum tempo como pianista e chefe do departamento musical do Teatro V. E. Meyerhold em Moscou. Em 1930-1933 trabalhou como chefe do departamento musical do Leningrado TRAM (hoje Baltic House Theatre).

década de 1930

A sua ópera “Lady Macbeth de Mtsensk” baseada na história de N. S. Leskov (escrita em 1930-1932, encenada em Leningrado em 1934), inicialmente recebida com entusiasmo e já existindo em palco há uma temporada e meia, foi destruída no Imprensa soviética (artigo “Confusão” em vez de música" no jornal "Pravda" de 28 de janeiro de 1936).

No mesmo ano de 1936, deveria ocorrer a estreia da 4ª Sinfonia - uma obra de alcance muito mais monumental do que todas as sinfonias anteriores. Chostakovitch, combinando pathos trágico com episódios grotescos, líricos e íntimos, e, talvez, devesse ter iniciado um novo período de maturidade na obra do compositor. Shostakovich suspendeu os ensaios da Sinfonia antes da estreia em dezembro. A 4ª Sinfonia foi executada pela primeira vez apenas em 1961.

Em maio de 1937 Chostakovitch lançou a 5ª Sinfonia - uma obra cujo caráter completamente dramático, em contraste com as três sinfonias de “vanguarda” anteriores, está externamente “escondido” na forma sinfônica geralmente aceita (4 movimentos: com uma forma sonata do primeiro movimento, um scherzo, um adágio e um final com um final aparentemente triunfante) e outros elementos “clássicos”. Stalin comentou o lançamento da 5ª Sinfonia nas páginas do Pravda com a frase: “A resposta criativa e empresarial do artista soviético às críticas justas”. Após a estreia da obra, um artigo elogioso foi publicado no Pravda.

Desde 1937 Chostakovitch ministrou aulas de composição no Conservatório Estadual de Leningrado em homenagem a N. A. Rimsky-Korsakov. Em 1939 tornou-se professor.

década de 1940

Enquanto nos primeiros meses do Grande Guerra Patriótica em Leningrado (até a evacuação para Kuibyshev em outubro), Chostakovitch começa a trabalhar na 7ª sinfonia - “Leningrado”. A sinfonia foi apresentada pela primeira vez no palco do Teatro de Ópera e Ballet Kuibyshev em 5 de março de 1942, e em 29 de março de 1942 - no Salão das Colunas da Casa dos Sindicatos de Moscou. Em 9 de agosto de 1942 a obra foi executada em sitiada Leningrado. O organizador e maestro foi o maestro da Orquestra Sinfônica do Bolshoi do Comitê de Rádio de Leningrado, Karl Eliasberg. A execução da sinfonia tornou-se um acontecimento importante na vida da cidade lutadora e de seus habitantes.

Em um ano Chostakovitch escreve a 8ª Sinfonia (dedicada a Evgeniy Aleksandrovich Mravinsky) na qual, como se seguisse o preceito de Mahler de que “o mundo inteiro deve ser refletido na sinfonia”, ele pinta um afresco monumental do que está acontecendo ao seu redor.

Em 1943, o compositor mudou-se para Moscou e até 1948 lecionou composição e instrumentação no Conservatório de Moscou (professor desde 1943). V. D. Bibergan, R. S. Bunin, A. D. Gadzhiev, G. G. Galynin, O. A. Evlakhov, K. A. Karaev, G. V. Sviridov estudaram com ele (no Conservatório de Leningrado), B. I. Tishchenko, A. Mnatsakanyan (na pós-graduação no Conservatório de Leningrado), K. S. Khachaturyan, B. A. Tchaikovsky, A. G. Chugaev.

Para expressar suas idéias, pensamentos e sentimentos mais íntimos Chostakovitch usa gêneros de música de câmara. Nesta área criou obras-primas como Quinteto de Piano (1940), Trio de Piano (1944), Quartetos de Cordas nº 2 (1944), nº 3 (1946) e nº 4 (1949).

Em 1945, após o fim da guerra, Chostakovitch escreve a 9ª Sinfonia.

Em 1948 foi acusado de “formalismo”, “decadência burguesa” e “rastejar diante do Ocidente”. Chostakovitch foi acusado de incompetência profissional, privado do título de professor nos Conservatórios de Moscou e Leningrado e deles expulso. O principal acusador foi o secretário do Comitê Central do Partido Comunista dos Bolcheviques de União, A. A. Zhdanov. Em 1948 ele cria ciclo vocal“Da poesia popular judaica”, mas deixa em cima da mesa (naquela época foi lançada no país uma campanha de “combate ao cosmopolitismo”). O Primeiro Concerto para Violino, escrito em 1948, também não foi publicado naquela época, e sua primeira apresentação ocorreu apenas em 1955. Apenas 13 anos depois, Shostakovich voltou a lecionar no Conservatório de Leningrado, onde orientou vários alunos de pós-graduação, incluindo V. Bibergan, G. Belov, V. Nagovitsyn, B. Tishchenko, V. Uspensky (1961-1968).

Em 1949, Shostakovich escreveu a cantata “Canção das Florestas” - um exemplo do patético “grande estilo” da arte oficial da época (baseado nos poemas de E. A. Dolmatovsky, que conta a história da triunfante restauração do pós-guerra União Soviética). A estreia da cantata é um sucesso sem precedentes e traz Chostakovitch Prêmio Stálin.

década de 1950

A década de cinquenta começou para Chostakovitch trabalho muito importante. Participando como membro do júri no Concurso Bach de Leipzig no outono de 1950, o compositor ficou tão inspirado pela atmosfera da cidade e pela música de seu grande residente - J. S. Bach - que ao chegar a Moscou começou a compor 24 Prelúdios e Fugas para piano.

Em 1954, ele escreveu a “Abertura Festiva” para a abertura da Exposição Agrícola de Toda a Rússia e recebeu o título de Artista do Povo da URSS.

Muitas obras da segunda metade da década estão imbuídas de otimismo e atípico Chostakovitch brincadeira anteriormente alegre. São eles o 6º Quarteto de Cordas (1956), o Segundo Concerto para Piano e Orquestra (1957) e a opereta “Moscou, Cheryomushki”. No mesmo ano, o compositor cria a 11ª Sinfonia, batizando-a de “1905”, e continua trabalhando no gênero concerto instrumental: Primeiro Concerto para Violoncelo e Orquestra (1959).

Durante esses anos começa a reaproximação Chostakovitch com autoridades oficiais. Em 1957 tornou-se secretário do Comitê de Investigação da URSS, em 1960 - do Comitê de Investigação da RSFSR (em 1960-1968 - primeiro secretário). No mesmo ano de 1960, Shostakovich ingressou no PCUS.

década de 1960

Em 1961 Chostakovitch realiza a segunda parte de sua duologia sinfônica “revolucionária”: em conjunto com a Décima Primeira Sinfonia “1905” ele escreve a Sinfonia nº tela, o compositor pinta quadros musicais de Petrogrado, o refúgio de V.I Lenin no Lago Razliv e os próprios eventos de outubro. Ele se propôs uma tarefa completamente diferente um ano depois, quando se voltou para a poesia de E. A. Yevtushenko - primeiro escrevendo o poema “Babi Yar” (para solista baixo, coro baixo e orquestra) e depois adicionando mais quatro partes do vida da Rússia moderna e sua história recente, criando assim uma sinfonia “cantata”, a Décima Terceira - que foi apresentada em novembro de 1962.

Após a retirada de N. S. Khrushchev do poder, com o início da era de estagnação política na URSS, o tom das obras de Shostakovich adquiriu novamente um caráter sombrio. Seus quartetos nº 11 (1966) e nº 12 (1968), concertos Segundo Violoncelo (1966) e Segundo Violino (1967), Sonata para Violino (1968), um ciclo vocal com as palavras de A. A. Blok, estão imbuídos de ansiedade, dor e melancolia inescapável. Na Décima Quarta Sinfonia (1969) - novamente “vocal”, mas desta vez de câmara, para dois cantores solo e uma orquestra composta apenas por cordas e percussão - Shostakovich utiliza poemas de G. Apollinaire, R. M. Rilke, V. K. Kuchelbecker e F. Garcia Lorca , que estão ligados por um tema - a morte (falam de morte injusta, precoce ou violenta).

década de 1970

Durante esses anos, o compositor criou ciclos vocais baseados em poemas de M. I. Tsvetaeva e Michelangelo, 13º (1969-1970), 14º (1973) e 15º (1974) quartetos de cordas e Sinfonia nº 15, uma composição caracterizada pela consideração do humor, nostalgia, lembranças. Shostakovich usa na música da sinfonia citações da abertura de G. Rossini para a ópera "Guilherme Tell" e o tema do destino da tetralogia da ópera de R. Wagner "O Anel do Nibelungo", bem como alusões musicais à música de M. I. Glinka, G. Mahler e os seus. A sinfonia foi criada no verão de 1971 e estreou em 8 de janeiro de 1972. O último ensaio Chostakovitch tornou-se Sonata para viola e piano.

Nos últimos anos de vida, o compositor esteve muito doente, sofrendo de câncer de pulmão. Dmitry Shostakovich morreu em Moscou em 9 de agosto de 1975 e foi enterrado, contra sua vontade, no cemitério Novodevichy da capital (lote nº 2).

Esposa - Chostakovitch Nina Vasilievna (nascida Varzar) (1909-1954)

Filho - Maxim Dmitrievich Chostakovitch(n. 1938) - maestro, pianista. Aluno de A.V. Gauk e G.N.

O significado da criatividade

Chostakovitch- um dos compositores mais executados do mundo. Um alto nível de técnica composicional, a capacidade de criar melodias e temas brilhantes e expressivos, o domínio magistral da polifonia e o melhor domínio da arte da orquestração, combinados com emotividade pessoal e eficiência colossal, tornaram suas obras musicais brilhantes, originais e possuidoras de enorme valor artístico. Contribuição Chostakovitch No desenvolvimento da música do século 20, ele é geralmente reconhecido como notável e teve uma influência significativa sobre muitos contemporâneos e seguidores. Aberto sobre a influência da linguagem musical e da personalidade sobre eles Chostakovitch declarado por compositores como Penderecki, Tishchenko, Slonimsky, Schnittke, Kancheli, Bernstein, Salonen, bem como muitos outros músicos [fonte não especificada 790 dias].

Gênero e diversidade estética da música Chostakovitch enorme, combina elementos da música tonal, atonal e modal do modernismo, do tradicionalismo, do expressionismo e do “grande estilo” entrelaçados na obra do compositor;

Música

Nos primeiros anos Chostakovitch foi influenciado pela música de G. Mahler, A. Berg, I. F. Stravinsky, S. S. Prokofiev, P. Hindemith, M. P. Mussorgsky. Estudando constantemente as tradições clássicas e de vanguarda, Shostakovich desenvolveu sua própria linguagem musical, carregada de emoção e tocando os corações de músicos e amantes da música em todo o mundo.

Os gêneros mais notáveis ​​​​na obra de Shostakovich são sinfonias e quartetos de cordas - ele escreveu 15 obras em cada um deles. Embora as sinfonias tenham sido escritas ao longo da carreira do compositor, Shostakovich escreveu a maioria dos quartetos no final de sua vida. Entre as sinfonias mais populares estão a Quinta e a Décima, entre os quartetos estão a Oitava e a Décima Quinta.

Na criatividade D. D. Shostakoviché notável a influência de seus compositores favoritos e reverenciados: J. S. Bach (em suas fugas e passacaglias), L. Beethoven (em seus últimos quartetos), P. I. Tchaikovsky, G. Mahler e parcialmente SV Rachmaninov (em suas sinfonias), A. Berg (em parte - junto com M. P. Mussorgsky em suas óperas, bem como no uso da técnica de citação musical). Dos compositores russos, Shostakovich tinha o maior amor por M. P. Mussorgsky, por suas óperas “Boris Godunov” e “Khovanshchina” Chostakovitch fez novas orquestrações. A influência de Mussorgsky é especialmente perceptível em cenas individuais da ópera "Lady Macbeth de Mtsensk", na Décima Primeira Sinfonia, bem como em obras satíricas.

Principais obras

• 15 sinfonias
• Óperas: “The Nose”, “Lady Macbeth of Mtsensk” (“Katerina Izmailova”), “The Players” (terminado por K. Meyer)
• Balés: “The Golden Age” (1930), “Bolt” (1931) e “Bright Stream” (1935)
• 15 quartetos de cordas
• Ciclo “Vinte e quatro Prelúdios e Fugas”, Op. 87 (1950-1951)
• Abertura festiva para a abertura da Exposição Agrícola de Toda a Rússia para o programa noturno de luz e música das fontes (1954)
• Quinteto
• Oratório “Canção das Florestas”
• Cantatas “O Sol Brilha Sobre Nossa Pátria” e “A Execução de Stepan Razin”
• Paraíso antiformalista
• Concertos e sonatas para vários instrumentos
• Romances e canções para voz com piano e orquestra sinfônica
• Opereta “Moscou, Cheryomushki”
• Música para filmes: “Pessoas comuns” (1945), “A Jovem Guarda” (1948), “A Captura de Berlim” (1949), “The Gadfly” (1955), “Hamlet” (1964), “Cheryomushki”, “Rei Lear” (1971).

Prêmios e prêmios

• Herói Trabalho Socialista (1966)
• Artista Homenageado da RSFSR (1942)
• Artista do Povo da RSFSR (1947)
• Artista do Povo da URSS (1954)
• Prêmio Stalin, primeiro grau (1941) - para quinteto de piano
• Prêmio Stalin, primeiro grau (1942) - pela 7ª sinfonia (“Leningrado”)
• Prêmio Stalin, segundo grau (1946) - para o trio
• Prêmio Stalin, primeiro grau (1950) - pelo oratório “Canção das Florestas” e música para o filme “A Queda de Berlim” (1949)
• Prêmio Stalin, segundo grau (1952) - por dez poemas para coro desacompanhado baseados em poemas de poetas revolucionários (1951)
• Prêmio Lenin (1958) - pela 11ª sinfonia “1905”
• Prêmio Estadual da URSS (1968) - pelo poema “A Execução de Stepan Razin” para baixo, coro e orquestra
• Prêmio Estadual da RSFSR em homenagem a M. I. Glinka (1974) - para o 14º quarteto de cordas e o ciclo coral “Fidelidade”
• Prêmio Estadual da RSS da Ucrânia em homenagem a T. G. Shevchenko (1976 - postumamente) - pela ópera “Katerina Izmailova”, encenada no palco do KUGATOB em homenagem a T. G. Shevchenko
• Prêmio Internacional da Paz (1954)
• Prêmio com o nome J. Sibelius (1958)
• Prêmio Leonie Sonning (1973)
• Três Ordens de Lenin (1946, 1956, 1966)
• Ordem Revolução de outubro (1971)
• Ordem da Bandeira Vermelha do Trabalho (1940)
• Ordem da Amizade dos Povos (1972)
• Comendador da Ordem das Artes e Letras (França, 1958)
• Cruz da Ordem de Honra do Comandante de Prata pelos Serviços Prestados à República da Áustria (1967)
• Medalhas
• Diploma Honorário para 1ª Internacional Concurso de Piano Chopin em Varsóvia (1927).
• Prêmio do 1º All-Union Film Festival para Melhor música para o filme “Hamlet” (Leningrado, 1964).
• Associação em organizações editar texto wiki]
• Membro do PCUS desde 1960
• Doutor em História da Arte (1965)
• Membro do Comitê Soviético para a Paz (desde 1949), Comitê Eslavo da URSS (desde 1942), Comitê Mundial para a Paz (desde 1968)
• Membro honorário do Instituto Americano de Artes e Letras (1943), Academia Real Sueca de Música (1954), Academia Italiana de Artes "Santa Cecília" (1956), Academia Sérvia de Ciências e Artes (1965)
• Doutor Honorário em Música pela Universidade de Oxford (1958)
• Doutor Honoris Causa da Northwestern University em Evanston (EUA, 1973)
• Membro da Academia Francesa de Belas Artes (1975)
• Membro correspondente da Academia de Artes da RDA (1956), da Academia de Belas Artes da Baviera (1968), membro da Academia Real de Música da Inglaterra (1958).
• Professor Emérito do Conservatório Mexicano.
• Presidente da Sociedade URSS-Áustria (1958)
• Deputado do Soviete Supremo da URSS das 6ª a 9ª convocações.
• Deputado do Conselho Supremo da RSFSR da 2ª à 5ª convocações.

Dmitry Dmitrievich Shostakovich (12 (25) de setembro de 1906, São Petersburgo - 9 de agosto de 1975, Moscou) - compositor russo soviético, pianista, professor e figura pública, um dos compositores mais importantes do século XX, que teve e continua a ter uma influência criativa nos compositores. Nos seus primeiros anos, Shostakovich foi influenciado pela música de Stravinsky, Berg, Prokofiev, Hindemith e, mais tarde (no meio... Leia tudo

Dmitry Dmitrievich Shostakovich (12 (25) de setembro de 1906, São Petersburgo - 9 de agosto de 1975, Moscou) - Compositor russo soviético, pianista, professor e figura pública, um dos compositores mais importantes do século 20, que teve e continua ter uma influência criativa nos compositores. Em seus primeiros anos, Shostakovich foi influenciado pela música de Stravinsky, Berg, Prokofiev, Hindemith e, mais tarde (em meados da década de 1930), de Mahler. Estudando constantemente as tradições clássicas e de vanguarda, Shostakovich desenvolveu sua própria linguagem musical, carregada de emoção e tocando os corações de músicos e amantes da música em todo o mundo.

Na primavera de 1926, a Orquestra Filarmônica de Leningrado, dirigida por Nikolai Malko, tocou pela primeira vez a Primeira Sinfonia de Dmitri Shostakovich. Numa carta ao pianista de Kiev L. Izarova, N. Malko escreveu: “Acabei de voltar de um concerto. Dirigiu pela primeira vez a sinfonia do jovem Leningrado Mitya Shostakovich. Sinto que abri uma nova página na história da música russa.”

A recepção da sinfonia pelo público, pela orquestra e pela imprensa não pode ser considerada simplesmente um sucesso, foi um triunfo. O mesmo foi sua procissão pelos palcos sinfônicos mais famosos do mundo. Otto Klemperer, Arturo Toscanini, Bruno Walter, Hermann Abendroth, Leopold Stokowski debruçaram-se sobre a partitura da sinfonia. Para eles, pensadores-regentes, a correlação entre o nível de habilidade e a idade do autor parecia implausível. Fiquei impressionado com a total liberdade com que o compositor de dezenove anos dispôs de todos os recursos da orquestra para concretizar suas ideias, e as próprias ideias atingiram um frescor primaveril.

A sinfonia de Shostakovich foi verdadeiramente a primeira sinfonia do novo mundo, sobre a qual varreu a tempestade de outubro. O contraste era marcante entre a música, cheia de alegria, o florescimento exuberante das forças jovens, as letras sutis e tímidas e a arte expressionista sombria de muitos dos contemporâneos estrangeiros de Shostakovich.

Ignorando o estágio habitual da juventude, Shostakovich atingiu a maturidade com confiança. Esta excelente escola deu-lhe essa confiança. Natural de Leningrado, foi educado dentro dos muros do Conservatório de Leningrado nas aulas do pianista L. Nikolaev e do compositor M. Steinberg. Leonid Vladimirovich Nikolaev, que criou um dos ramos mais frutíferos da escola pianística soviética, como compositor, foi aluno de Taneyev, por sua vez ex-estudante Tchaikovsky. Maximilian Oseevich Steinberg é aluno de Rimsky-Korsakov e seguidor de seus princípios e métodos pedagógicos. De seus professores, Nikolaev e Steinberg herdaram um ódio total pelo amadorismo. Nas suas aulas havia um espírito de profundo respeito pelo trabalho, pelo que Ravel gostava de designar com a palavra métier – ofício. É por isso que a cultura da maestria já estava tão elevada na primeira grande obra do jovem compositor.

Muitos anos se passaram desde então. Mais quatorze foram adicionados à Primeira Sinfonia. Surgiram quinze quartetos, dois trios, duas óperas, três balés, dois concertos para piano, dois para violino e dois para violoncelo, ciclos de romance, coleções de prelúdios e fugas para piano, cantatas, oratórios, músicas para muitos filmes e performances dramáticas.

O período inicial da criatividade de Shostakovich coincide com o final dos anos 20, uma época de discussões acaloradas sobre questões cardeais da cultura artística soviética, quando os fundamentos do método e do estilo se cristalizaram Arte soviética- realismo socialista. Como muitos representantes dos jovens, e não apenas da geração mais jovem da intelectualidade artística soviética, Shostakovich presta homenagem à sua paixão pelos trabalhos experimentais do diretor V. E. Meyerhold, pelas óperas de Alban Berg (Wozzeck), Ernst Kshenek (Jumping Over the Shadow , Johnny), apresentações de balé Fedora Lopukhov.

A combinação do grotesco agudo com a tragédia profunda, típica de muitos fenômenos da arte expressionista vindos do exterior, também atraiu a atenção do jovem compositor. Ao mesmo tempo, a admiração por Bach, Beethoven, Tchaikovsky, Glinka e Berlioz sempre vive nele. Ao mesmo tempo ele estava preocupado com o grandioso épico sinfônico Mahler: a profundidade dos problemas éticos nele contidos: o artista e a sociedade, o artista e a modernidade. Mas nenhum dos compositores de épocas passadas o choca tanto quanto Mussorgsky.

No inicio caminho criativo Shostakovich, em um momento de buscas, hobbies e disputas, nasce sua ópera “O Nariz” (1928) - uma das obras mais polêmicas de sua juventude criativa. Nesta ópera baseada no enredo de Gogol, através das influências tangíveis de “O Inspetor Geral” de Meyerhold, eram visíveis características musicais excêntricas e brilhantes que tornam “O Nariz” semelhante à ópera “Casamento” de Mussorgsky. “The Nose” desempenhou um papel significativo na evolução criativa de Shostakovich.

O início da década de 30 é marcado na biografia do compositor por uma série de obras de diversos gêneros. Aqui estão os balés “The Golden Age” e “Bolt”, música para a produção de Meyerhold da peça “The Bedbug” de Mayakovsky, música para várias apresentações do Teatro da Juventude Trabalhadora de Leningrado (TRAM) e, finalmente, a primeira entrada de Shostakovich na cinematografia, a criação de músicas para os filmes “Alone”, “Golden Mountains”, “Counter”; música para variedades e apresentações circenses do Leningrad Music Hall “Conditionally Killed”; comunicação criativa com artes afins: balé, teatro dramático, cinema; o surgimento do primeiro ciclo de romance (baseado em poemas de poetas japoneses) evidencia a necessidade do compositor de concretizar a estrutura figurativa da música.

O lugar central entre as obras de Shostakovich da primeira metade dos anos 30 é ocupado pela ópera “Lady Macbeth de Mtsensk” (“Katerina Izmailova”). A base de sua dramaturgia é a obra de N. Leskov, cujo gênero a autora designou com a palavra “ensaio”, como se assim enfatizasse a autenticidade, a confiabilidade dos acontecimentos, o retrato personagens. A música de “Lady Macbeth” é uma história trágica sobre uma era terrível de tirania e ilegalidade, quando tudo o que há de humano em uma pessoa, sua dignidade, pensamentos, aspirações, sentimentos, foi morto; quando os instintos primitivos eram impostos e governavam as ações e a própria vida, algemada, caminhava pelas intermináveis ​​​​estradas da Rússia. Em um deles, Shostakovich viu sua heroína - a ex-esposa de um comerciante, uma condenada, que pagou o preço total por sua felicidade criminosa. Eu vi e contei com entusiasmo o destino dela na minha ópera.

O ódio ao velho mundo, o mundo da violência, da mentira e da desumanidade, manifesta-se em muitas das obras de Shostakovich, em diferentes géneros. Ela é a antítese mais forte imagens positivas, ideias que definem o credo artístico e social de Shostakovich. Fé no poder irresistível do Homem, admiração pela riqueza do mundo espiritual, simpatia pelo seu sofrimento, uma sede apaixonada de participar na luta pelos seus ideais brilhantes - estas são as características mais importantes deste credo. Ela se manifesta de maneira especialmente plena em suas obras-chave e marcantes. Entre elas está uma das mais importantes, a Quinta Sinfonia, surgida em 1936, que deu início a uma nova etapa biografia criativa compositor, novo capítulo história da cultura soviética. Nesta sinfonia, que pode ser chamada de “tragédia otimista”, o autor aborda o profundo problema filosófico da formação da personalidade de seu contemporâneo.

A julgar pela música de Shostakovich, o gênero sinfônico sempre foi para ele uma plataforma a partir da qual apenas os discursos mais importantes e inflamados deveriam ser proferidos, visando atingir os mais elevados objetivos éticos. A plataforma sinfônica não foi erguida para eloquência. Este é o trampolim do militante pensamento filosófico, lutando pelos ideais do humanismo, denunciando o mal e a baixeza, como se mais uma vez afirmasse a famosa posição goethiana:

Só ele é digno de felicidade e liberdade,
Quem vai batalhar por eles todos os dias!
É significativo que nenhuma das quinze sinfonias escritas por Shostakovich se afaste da modernidade. O Primeiro foi mencionado acima, o Segundo é uma dedicatória sinfônica a outubro, o Terceiro é “Primeiro de Maio”. Neles, o compositor recorre à poesia de A. Bezymensky e S. Kirsanov para revelar mais claramente a alegria e a solenidade das festividades revolucionárias que neles resplandecem.

Mas já a partir da Quarta Sinfonia, escrita em 1936, alguma força estranha e maligna entra no mundo da alegre compreensão da vida, da bondade e da amizade. Ela assume diferentes disfarces. Em algum lugar ela pisa rudemente no chão coberto de vegetação primaveril, com um sorriso cínico ela contamina a pureza e a sinceridade, ela está com raiva, ela ameaça, ela prenuncia a morte. Está internamente próximo dos temas sombrios que ameaçam a felicidade humana nas páginas das partituras das três últimas sinfonias de Tchaikovsky.

Tanto no Quinto como no II movimentos da Sexta Sinfonia de Shostakovich, ela, esta força formidável, se faz sentir. Mas somente na Sétima Sinfonia de Leningrado ela atinge seu auge. De repente, uma força cruel e terrível invade o mundo dos pensamentos filosóficos, dos sonhos puros, do vigor atlético e das paisagens poéticas de estilo levitano. Ela veio para varrer este mundo puro e estabelecer a escuridão, o sangue, a morte. Insinuantemente, de longe, vem o farfalhar quase inaudível de um pequeno tambor, e em seu ritmo claro emerge um tema duro e angular. Repetindo-se onze vezes com mecanicidade monótona e ganhando força, adquire sons roucos, rosnados e um tanto desgrenhados. E agora, em toda a sua terrível nudez, o homem-fera pisa na terra.

Em contraste com o “tema da invasão”, o “tema da coragem” emerge e ganha força na música. O monólogo do fagote está extremamente saturado com a amargura da perda, fazendo lembrar os versos de Nekrasov: “Estas são as lágrimas das pobres mães, elas não esquecerão seus filhos que morreram no campo sangrento”. Mas por mais tristes que sejam as perdas, a vida se afirma a cada minuto. Essa ideia permeia o Scherzo – Parte II. E a partir daqui, através da reflexão (Parte III), leva a um final que soa triunfante.

O compositor escreveu sua lendária Sinfonia de Leningrado em uma casa constantemente abalada por explosões. Em um de seus discursos, Shostakovich disse: “Olhei para minha amada cidade com dor e orgulho. E ele ficou, chamuscado pelo fogo, endurecido pela batalha, tendo experimentado o profundo sofrimento de um lutador, e era ainda mais bonito em sua severa grandeza. Como não amar esta cidade, construída por Pedro, e não contar ao mundo inteiro sobre a sua glória, sobre a coragem dos seus defensores... A minha arma foi a música.”

Odiando apaixonadamente o mal e a violência, o compositor cidadão denuncia o inimigo, aquele que semeia guerras que mergulham as nações no abismo do desastre. É por isso que o tema da guerra prende por muito tempo o pensamento do compositor. Soa na Oitava, grandiosa na escala, na profundidade dos conflitos trágicos, composta em 1943, nas Décima e Décima Terceira sinfonias, no trio de piano, escrita em memória de I. I. Sollertinsky. Este tema penetra também no Oitavo Quarteto, na música dos filmes “A Queda de Berlim”, “Encontro no Elba”, “Jovem Guarda”. Num artigo dedicado ao primeiro aniversário do Dia da Vitória, Shostakovich escreveu: “ A vitória obriga nada menos do que a guerra travada em nome da vitória. A derrota do fascismo é apenas uma etapa no movimento ofensivo imparável do homem, na implementação da missão progressista do povo soviético.”

A Nona Sinfonia, a primeira obra de Shostakovich no pós-guerra. Foi tocada pela primeira vez no outono de 1945, até certo ponto, esta sinfonia não correspondeu às expectativas; Não há nele nenhuma solenidade monumental que possa incorporar na música as imagens do fim vitorioso da guerra. Mas há algo mais nisso: alegria imediata, piadas, risos, como se um peso enorme tivesse caído dos ombros, e pela primeira vez em tantos anos fosse possível acender a luz sem cortinas, sem escurecer, e todas as janelas das casas se iluminaram de alegria. E só na penúltima parte aparece uma dura lembrança do vivido. Mas a escuridão reina por um curto período de tempo - a música retorna novamente ao mundo da luz e da diversão.

Oito anos separam a Décima Sinfonia da Nona. Nunca houve tal ruptura na crônica sinfônica de Shostakovich. E mais uma vez temos diante de nós uma obra cheia de colisões trágicas, problemas ideológicos profundos, cativante com suas narrativas patéticas sobre uma era de grandes convulsões, uma era de grandes esperanças para a humanidade.

A Décima Primeira e a Décima Segunda ocupam um lugar especial na lista das sinfonias de Shostakovich.

Antes de passar à Décima Primeira Sinfonia, escrita em 1957, é necessário relembrar os Dez Poemas para coro misto(1951) baseado nas palavras de poetas revolucionários do século XIX - início do século XX. Poemas de poetas revolucionários: L. Radin, A. Gmyrev, A. Kots, V. Tan-Bogoraz inspiraram Shostakovich a criar música, cada compasso composto por ele e ao mesmo tempo semelhante às canções do underground revolucionário , reuniões de estudantes, que se ouviam nas masmorras de Butyrok, e em Shushenskoye, e em Lynjumo, em Capri, ao som das canções que eram e tradição familiar na casa dos pais do compositor. Seu avô, Boleslav Boleslavovich Shostakovich, foi exilado por participar do levante polonês de 1863. Seu filho, Dmitry Boleslavovich, pai do compositor, durante seus anos de estudante e depois de se formar na Universidade de São Petersburgo, esteve intimamente ligado à família Lukashevich, um de cujos membros, junto com Alexander Ilyich Ulyanov, estava preparando uma tentativa de assassinato contra Alexandre III. Lukashevich passou 18 anos na fortaleza de Shlisselburg.

Uma das impressões mais poderosas de toda a vida de Shostakovich data de 3 de abril de 1917, dia da chegada de V.I. Lenin a Petrogrado. É assim que o compositor fala sobre isso. “Presenciei os acontecimentos da Revolução de Outubro, estive entre aqueles que ouviram Vladimir Ilyich na praça em frente à estação Finlyandsky no dia da sua chegada a Petrogrado. E, embora eu fosse muito jovem, isso ficou gravado para sempre na minha memória.”

O tema da revolução entrou na carne e no sangue do compositor ainda na infância e nele amadureceu junto com o crescimento da consciência, tornando-se um de seus alicerces. Este tema cristalizou-se na Décima Primeira Sinfonia (1957), denominada “1905”. Cada parte tem seu próprio nome. A partir deles você pode imaginar claramente a ideia e dramaturgia da obra: “Praça do Palácio”, “9 de janeiro”, “Memória Eterna”, “Alarme”. A sinfonia é permeada pelas entonações de canções do underground revolucionário: “Ouça”, “Prisioneiro”, “Você foi vítima”, “Rage, tyrants”, “Mulher de Varsóvia”. Eles conferem à rica narrativa musical uma emoção especial e a autenticidade de um documento histórico.

Dedicada à memória de Vladimir Ilyich Lenin, a Décima Segunda Sinfonia (1961) – uma obra de poder épico – continua a história instrumental da revolução. Tal como no Décimo Primeiro, os nomes dos programas das partes dão uma ideia completamente clara do seu conteúdo: “Petrogrado Revolucionária”, “Razliv”, “Aurora”, “Amanhecer da Humanidade”.

A Décima Terceira Sinfonia de Shostakovich (1962) tem um gênero próximo ao oratório. Foi escrito para uma composição inusitada: uma orquestra sinfônica, um baixo coro e um baixo solista. A base textual das cinco partes da sinfonia são os versos de Evg. Yevtushenko: “Babi Yar”, “Humor”, “Na Loja”, “Medos” e “Carreira”. A ideia da sinfonia, o seu pathos é a denúncia do mal em nome da luta pela verdade, pelo homem. E esta sinfonia revela o humanismo ativo e ofensivo inerente a Shostakovich.

Após uma pausa de sete anos, em 1969, foi criada a Décima Quarta Sinfonia, escrita para orquestra de câmara: cordas, um pequeno número de percussão e duas vozes - soprano e baixo. A sinfonia contém poemas de Garcia Lorca, Guillaume Apollinaire, M. Rilke e Wilhelm Kuchelbecker. Dedicada a Benjamin Britten, a sinfonia foi escrita, segundo seu autor, sob a influência de “Canções e Danças da Morte” de M. P. Mussorgsky. No magnífico artigo “From the Depths of the Depths”, dedicado à Décima Quarta Sinfonia, Marietta Shaginyan escreveu: “... a Décima Quarta Sinfonia de Shostakovich, o culminar de sua obra. A Décima Quarta Sinfonia - gostaria de chamá-la de as primeiras “Paixões Humanas” da nova era - fala de forma convincente de quanto nosso tempo precisa tanto de uma interpretação aprofundada das contradições morais quanto de uma compreensão trágica das provações espirituais (“paixões”) , por onde passa a humanidade.”

A décima quinta sinfonia de D. Shostakovich foi composta no verão de 1971. Após uma longa pausa, o compositor retorna a uma partitura puramente instrumental para a sinfonia. A coloração clara do “scherzo de brinquedo” do primeiro movimento está associada a imagens da infância. O tema da abertura “Guilherme Tell” de Rossini “se encaixa” organicamente na música. A música triste do início da Parte II no som sombrio de uma banda de música dá origem a pensamentos de perda, da primeira dor terrível. A música da segunda parte é repleta de fantasia sinistra, de certa forma reminiscente mundo de fadas"O Quebra-Nozes". No início da Parte IV, Shostakovich recorre novamente à citação. Desta vez é o tema do destino da Valquíria, que predetermina o trágico clímax do desenvolvimento posterior.

Quinze sinfonias de Shostakovich são quinze capítulos da crônica épica do nosso tempo. Shostakovich juntou-se às fileiras daqueles que estão transformando o mundo ativa e diretamente. Sua arma é a música que se tornou filosofia, a filosofia que se tornou música.

As aspirações criativas de Shostakovich abrangem todos os gêneros musicais existentes - desde a canção de massa de "O Contador" até o oratório monumental "Canção das Florestas", óperas, sinfonias e concertos instrumentais. Uma parte significativa de seu trabalho é dedicada a música de câmara, uma de cujas obras, “24 Prelúdios e Fugas” para piano, ocupa lugar especial. Depois de Johann Sebastian Bach, poucos ousaram tocar num ciclo polifónico deste tipo e escala. E não se trata da presença ou ausência de tecnologia adequada, de um tipo especial de habilidade. Os “24 Prelúdios e Fugas” de Shostakovich não são apenas um corpo de sabedoria polifónica do século XX, são o indicador mais claro da força e da tensão do pensamento, penetrando nas profundezas dos fenómenos mais complexos. Este tipo de pensamento é semelhante ao poder intelectual de Kurchatov, Landau, Fermi e, portanto, os prelúdios e fugas de Shostakovich surpreendem não só pelo alto academicismo de revelar os segredos da polifonia de Bach, mas sobretudo pelo pensamento filosófico que verdadeiramente penetra no “profundezas das profundezas” de seu contemporâneo, as forças motrizes, as contradições e o pathos da era das grandes transformações.

Perto de sinfonias ótimo lugar A biografia criativa de Shostakovich inclui seus quinze quartetos. Neste conjunto, modesto em número de intérpretes, o compositor recorre a um círculo temático próximo daquele de que fala nas suas sinfonias. Não é por acaso que alguns quartetos surgem quase em simultâneo com as sinfonias, sendo os seus “companheiros” originais.

Nas sinfonias, o compositor dirige-se a milhões, continuando neste sentido a linha do sinfonismo de Beethoven, enquanto os quartetos se dirigem a um círculo de câmara mais restrito. Com ele compartilha o que excita, agrada, deprime, o que sonha.

Nenhum dos quartetos possui um título especial que ajude a compreender seu conteúdo. Nada além de um número de série. E, no entanto, o seu significado é claro para todos os que amam e sabem ouvir música de câmara. O primeiro quarteto tem a mesma idade da Quinta Sinfonia. Em sua estrutura alegre, próxima do neoclassicismo, com uma sarabande pensativa do primeiro movimento, um final cintilante de Haydn, uma valsa esvoaçante e um coro de viola russa comovente, prolongado e claro, pode-se sentir a cura dos pensamentos pesados ​​​​que dominaram o herói da Quinta Sinfonia.

Lembramos como o lirismo foi importante nos poemas, canções e cartas durante os anos de guerra, como o calor lírico de algumas frases sinceras multiplicou a força espiritual. A valsa e o romance do Segundo Quarteto, escritos em 1944, estão imbuídos disso.

Quão diferentes são as imagens do Terceiro Quarteto. Ele contém o descuido da juventude e as visões dolorosas das “forças do mal”, e o campo de tensão da resistência, e letras adjacentes a reflexão filosófica. O Quinto Quarteto (1952), que precede a Décima Sinfonia, e em maior medida o Oitavo Quarteto (1960) estão repletos de visões trágicas - memórias dos anos de guerra. Na música desses quartetos, como na Sétima e Décima sinfonias, as forças da luz e as forças das trevas opõem-se fortemente. A página de título do Oitavo Quarteto diz: “Em memória das vítimas do fascismo e da guerra”. Este quarteto foi escrito durante três dias em Dresden, onde Shostakovich foi trabalhar na música do filme Five Days, Five Nights.

Junto com os quartetos, que refletem “ Mundo grande“Com seus conflitos, acontecimentos, colisões de vida, Shostakovich tem quartetos que parecem páginas de um diário. No Primeiro eles são alegres; na Quarta falam sobre auto-absorção, contemplação, paz; na Sexta - revelam-se imagens de unidade com a natureza e profunda tranquilidade; na Sétima e Décima Primeira - dedicada à memória dos entes queridos, a música atinge expressividade quase verbal, principalmente nos clímax trágicos.

No Décimo Quarto Quarteto o traços de caráter Melos russos. Na Parte I imagens musicais Eles cativam pela maneira romântica de expressar os mais diversos sentimentos: desde a admiração sincera pela beleza da natureza até explosões de turbulência mental, retornando à paz e tranquilidade da paisagem. O Adagio do Décimo Quarto Quarteto faz recordar o espírito russo do coro de viola do Primeiro Quarteto. Na III – parte final – a música é delineada por ritmos dançantes, soando mais ou menos nítidos. Avaliando o Décimo Quarto Quarteto de Shostakovich, D. B. Kabalevsky fala do “início de Beethoven” de sua alta perfeição.

O décimo quinto quarteto foi apresentado pela primeira vez no outono de 1974. Sua estrutura é incomum; consiste em seis partes, uma após a outra sem interrupção. Todas as peças vão para em um ritmo lento: Elegia, Serenata, Intermezzo, Noturno, Marcha Fúnebre e Epílogo. O décimo quinto quarteto surpreende pela profundidade do pensamento filosófico, tão característico de Shostakovich em muitas obras do gênero.

A obra do quarteto de Shostakovich representa um dos ápices do desenvolvimento do gênero no período pós-Beethoven. Assim como nas sinfonias, aqui reina um mundo de ideias elevadas, reflexões e generalizações filosóficas. Mas, ao contrário das sinfonias, os quartetos têm aquela entonação de confiança que desperta instantaneamente uma resposta emocional do público. Esta propriedade dos quartetos de Shostakovich os torna semelhantes aos quartetos de Tchaikovsky.

Ao lado dos quartetos, um dos lugares mais altos do género camerístico é justamente ocupado pelo Quinteto para Piano, escrito em 1940, uma obra que combina um profundo intelectualismo, especialmente evidente no Prelúdio e na Fuga, e uma emocionalidade subtil, que faz lembrar em algum lugar a obra de Levitan. paisagens.

O compositor recorre cada vez mais à música vocal de câmara em anos pós-guerra. Seis romances aparecem baseados nas palavras de W. Raleigh, R. Burns, W. Shakespeare; ciclo vocal “Da Poesia Popular Judaica”; Dois romances com poemas de M. Lermontov, Quatro monólogos com poemas de A. Pushkin, canções e romances com poemas de M. Svetlov, E. Dolmatovsky, o ciclo “Canções Espanholas”, Cinco sátiras às palavras de Sasha Cherny, Cinco humorísticos às palavras da revista “Crocodile” ", Suíte baseada em poemas de M. Tsvetaeva.

Tal abundância de música vocal baseada em textos de clássicos da poesia e poetas soviéticos atesta a ampla gama de interesses literários do compositor. Na música vocal de Shostakovich, ficamos impressionados não apenas com a sutileza do senso de estilo e caligrafia do poeta, mas também com a capacidade de recriar as características nacionais da música. Isto é especialmente evidente nas “Canções Espanholas”, no ciclo “Da Poesia Popular Judaica”, nos romances baseados em poemas de poetas ingleses. As tradições das letras de romance russas, vindas de Tchaikovsky, Taneyev, são ouvidas nos Cinco Romances, “Cinco Dias” baseados nos poemas de E. Dolmatovsky: “O Dia do Encontro”, “O Dia das Confissões”, “O Dia dos Ressentimentos”, “O Dia da Alegria”, “O Dia das Memórias” .

Um lugar especial é ocupado por “Sátiras” baseadas nas palavras de Sasha Cherny e “Humoresques” de “Crocodile”. Refletem o amor de Shostakovich por Mussorgsky. Originou-se em primeiros anos e apareceu primeiro em seu ciclo “Fábulas de Krylov”, depois na ópera “O Nariz”, depois em “Katerina Izmailova” (especialmente no Ato IV da ópera). Três vezes Shostakovich recorre diretamente a Mussorgsky, reorquestrando e editando “Boris Godunov” e “Khovanshchina” e orquestrando “Songs and Dances of Death” pela primeira vez. E mais uma vez a admiração por Mussorgsky se reflete no poema para solista, coro e orquestra - “A Execução de Stepan Razin” aos versos de Evg. Yevtushenko.

Quão forte e profundo deve ser o apego a Mussorgsky, se, possuindo uma individualidade tão brilhante, que pode ser inequivocamente reconhecida por duas ou três frases, Shostakovich tão humildemente, com tanto amor - não imita, não, mas adota e interpreta o estilo de escrever à sua maneira um grande músico realista.

Era uma vez, admirando o gênio de Chopin, que acabava de surgir no horizonte musical europeu, Robert Schumann escreveu: “Se Mozart estivesse vivo, ele teria escrito um concerto de Chopin”. Parafraseando Schumann, podemos dizer: se Mussorgsky tivesse vivido, teria escrito “A Execução de Stepan Razin” de Shostakovich. Dmitri Shostakovich - excelente mestre música teatral. Perto dele gêneros diferentes: ópera, balé, comédia musical, shows de variedades (Music Hall), Teatro de Drama. Eles também incluem música para filmes. Citemos apenas algumas obras desses gêneros de mais de trinta filmes: “As Montanhas Douradas”, “O Contador”, “A Trilogia Maxim”, “A Jovem Guarda”, “Encontro no Elba”, “A Queda de Berlim ”, “The Gadfly”, “Cinco” dias - cinco noites", "Hamlet", "Rei Lear". Da música para performances dramáticas: “The Bedbug” de V. Mayakovsky, “The Shot” de A. Bezymensky, “Hamlet” e “King Lear” de V. Shakespeare, “Salute, Spain” de A. Afinogenov, “ Comédia Humana» O. Balzac.

Não importa quão diferentes sejam em gênero e escala as obras de Shostakovich no cinema e no teatro, elas estão unidas por uma característica comum - a música cria sua própria, por assim dizer, “série sinfônica” de incorporação de ideias e personagens, influenciando a atmosfera do filme ou desempenho.

O destino dos balés foi infeliz. Aqui a culpa recai inteiramente sobre a escrita inferior do roteiro. Mas a música, dotada de imagens vívidas e de humor, soando brilhantemente na orquestra, foi preservada na forma de suítes e ocupa lugar de destaque no repertório dos concertos sinfônicos. O balé “A Jovem e o Hooligan” com música de D. Shostakovich baseado no libreto de A. Belinsky, que baseou o roteiro do filme de V. Mayakovsky, está sendo apresentado com grande sucesso em vários palcos dos teatros musicais soviéticos.

Dmitri Shostakovich deu uma grande contribuição ao gênero do concerto instrumental. O primeiro a ser escrito foi um concerto para piano em dó menor com trompete solo (1933). Com sua juventude, travessura e angularidade jovem e encantadora, o concerto lembra a Primeira Sinfonia. Quatorze anos depois, surge um concerto para violino, de pensamento profundo, escopo magnífico e brilho virtuoso; seguiu-se, em 1957, o Segundo Concerto para Piano, dedicado ao seu filho, Maxim, destinado à performance infantil. A lista de literatura de concerto da pena de Shostakovich é completada pelos concertos para violoncelo (1959, 1967) e pelo Segundo Concerto para Violino (1967). Esses concertos são, menos ainda, projetados para “intoxicação com brilho técnico”. Em termos de profundidade de pensamento e drama intenso, eles estão próximos das sinfonias.

A lista de obras apresentada neste ensaio inclui apenas as obras mais típicas dos principais gêneros. Dezenas de títulos em diferentes seções de criatividade permaneceram fora da lista.

Seu caminho para o mundo glória - o caminho um dos maiores músicos do século XX, estabelecendo corajosamente novos marcos no mundo cultura musical. O seu caminho para a fama mundial, o caminho de uma daquelas pessoas para quem viver significa estar no meio dos acontecimentos de cada um do seu tempo, aprofundar-se no sentido do que se passa, assumir uma posição justa nas disputas, embates de opiniões, em luta e para responder com todas as forças dos seus gigantescos dons por tudo o que se expressa numa grande palavra – Vida.

De origem polonesa, Dmitry Shostakovich nasceu em São Petersburgo em 12 (25) de setembro de 1906, faleceu em Moscou em 9 de agosto de 1975.

Shostakovich Dmitry Dmitrievich (1906-1975) é um dos maiores compositores do nosso tempo, um notável pianista, professor e figura pública. Shostakovich recebeu o título de Artista do Povo da URSS (1954), Herói do Trabalho Socialista (1966), Prêmio Estadual URSS (1941, 1942, 1946, 1950, 1952, 1968), Prêmio Estadual da RSFSR (1974), Prêmio com o nome. Sibélio, Prêmio Internacional paz (1954). Membro honorário de academias e universidades em vários países ao redor do mundo.

De origem polonesa, Dmitry Shostakovich nasceu em São Petersburgo em 12 (25) de setembro de 1906, faleceu em Moscou em 9 de agosto de 1975. Meu pai é engenheiro químico e amante da música. A mãe é uma pianista talentosa, ela deu suas habilidades iniciais em tocar piano. Depois de estudar em uma escola particular de música em 1919, Shostakovich foi admitido no Conservatório de Petrogrado para estudar piano, e mais tarde começou a estudar composição. Ainda estudante, começou a trabalhar como performer durante a exibição de filmes “mudos”.

Em 1923, Shostakovich formou-se no conservatório como pianista (com L.V. Nikolaev) e em 1925 como compositor. Sua tese foi Primeira Simônia. Tornou-se o maior evento da vida musical e marcou o início da fama mundial do autor.

Já na Primeira Sinfonia pode-se perceber como o autor dá continuidade às tradições de P.I. Tchaikovsky, N. A. Rimsky-Korsakov, M.P. Mussorgsky, Lyadov. Tudo isso se manifesta como uma síntese de correntes condutoras, refratadas à sua maneira e de forma fresca. A sinfonia se distingue pela atividade, pressão dinâmica e contrastes inesperados.

Durante esses mesmos anos, Shostakovich deu concertos como pianista. Recebeu um diploma honorário no primeiro Concurso Internacional. F. Chopin, em Varsóvia, durante algum tempo enfrentou uma escolha - fazer da composição musical ou da atividade de concerto a sua profissão.

Após a Primeira Sinfonia, iniciou-se um curto período de experimentação e busca de novos meios musicais. Nessa época surgiram: a Primeira Sonata para Piano (1926), a peça "Aforismos" (1927), a Segunda Sinfonia "Outubro" (1927), a Terceira Sinfonia "Primeiro de Maio" (1929).

O aparecimento da música cinematográfica e teatral ("New Babylon" 1929), "Golden Mountains" 1931, as performances "The Bedbug" 1929 e "Hamlet" 1932) está associada à formação de novas imagens, especialmente caricaturas sociais. Uma continuação disso foi encontrada na ópera “The Nose” (de acordo com N.V. Gogol, 1928) e na ópera “Lady Macbeth de Mtsensk” (“Katerina Izmailova”) de acordo com N.S. Leskov (1932).

O enredo da história homônima de N. S. Leskov foi repensado por Shostakovich como um drama de natureza feminina extraordinária em uma ordem social injusta. O próprio autor chamou sua ópera de “sátira-tragédia”. Nela linguagem musical o grotesco no espírito de "The Nose" é combinado com elementos do romance russo e canções prolongadas. Em 1934 a ópera foi encenada em Leningrado e Moscou sob o título “Katerina Izmailova”; seguido por uma série de estreias nos cinemas América do Norte e Europa (a ópera foi apresentada 36 vezes em (renomeada) Leningrado, 94 vezes em Moscou, também foi encenada em Estocolmo, Praga, Londres, Zurique e Copenhague. Foi um triunfo e Shostakovich foi parabenizado como um gênio.)

Em janeiro de 1936, Stalin visitou a peça "Katerina Izmailova". A ópera o chocou. A reação foi expressa no artigo editorial “Confusão em vez de música”, publicado no Pravda e em longos anos determinou o caminho do desenvolvimento Música soviética. Poucos dias depois, o Pravda publicou outro editorial sobre tema musical“Falsidade do balé”; desta vez, o balé "The Bright Stream" (1935) de Shostakovich foi submetido a críticas contundentes.

Depois dos artigos do Pravda, a maioria das obras de Shostakovich escritas antes de 1936 praticamente desapareceram da circulação cultural do país. O compositor foi forçado a cancelar a estreia da sinfonia N4 marcada para o outono de 1936 (foi apresentada pela primeira vez em 1961). “Katerina Izmailova” foi “reabilitada” em sua terra natal apenas em 1962. Obras da década de 1920 (com exceção da Sinfonia nº 1 e algumas miniaturas) não foram executadas na URSS até meados da década de 1960, e “O Nariz” foi revivido apenas em 1974.

A Quarta (1934), Quinta (1937), Sexta (1939) sinfonias representam uma nova etapa interessante na obra de Shostakovich.

Desenvolvendo o gênero sinfônico, Shostakovich dá tudo ao mesmo tempo valor mais alto música instrumental de câmara.

A Sonata clara, brilhante, graciosa e equilibrada para violoncelo e piano (1934), Primeiro Quarteto de Cordas (1938), Quinteto para Quarteto de Cordas e Piano (1940) surgiram e se tornaram grandes eventos na vida musical.

A Sétima Sinfonia (1941) tornou-se um monumento musical à Grande Guerra Patriótica. A Oitava Sinfonia foi uma continuação de suas ideias.

Nos anos do pós-guerra, Shostakovich prestou cada vez mais atenção ao gênero vocal.

Em fevereiro de 1948, foi publicado o Decreto do Comitê Central do Partido Comunista dos Bolcheviques de Toda a União sobre a ópera “A Grande Amizade” de V. I. Muradeli, na qual a música dos principais compositores soviéticos, incluindo Prokofiev, Shostakovich, Khachaturian, foi declarada “formalista”. e “alienígena ao povo soviético”. A nova onda de ataques a Shostakovich na imprensa superou significativamente a que surgiu em 1936. Forçado a submeter-se ao ditame, Shostakovich, “percebendo seus erros”, executou o oratório “Canção das Florestas” (1949), a cantata “ The Sun Shines Over Our Motherland” (1952), música para vários filmes de conteúdo histórico e militar-patriótico, etc., o que aliviou parcialmente a sua situação. Paralelamente, foram compostas obras de maior mérito artístico: concerto N1 para violino e orquestra, ciclo vocal “Da Poesia Popular Judaica” (ambos de 1948) (este último ciclo não era de forma alguma consistente com a política anti-semita do Estado), quartetos de cordas N4 e N5 (1949, 1952), ciclo “24 Prelúdios e Fugas” para piano (1951); com exceção do último, todos eles foram executados somente após a morte de Stalin.

A sinfonia de Shostakovich fornece exemplos interessantes do uso herança clássica gêneros cotidianos, canções de massa (Décima Primeira Sinfonia “1905” (1957), Décima Segunda Sinfonia “1917” (1961)). Continuação e desenvolvimento do legado de L.-V. Décima Terceira Sinfonia de Beethoven (1962), escrita com poemas de E. Yevtushenko. O próprio autor disse que sua Décima Quarta Sinfonia (1969) usou as ideias das “canções e danças da morte” de Mussorgsky.

Um marco importante é o poema “A Execução de Stepan Razin” (1964), que se tornou o culminar de uma linha épica na obra de Shostakovich.

A Décima Quarta Sinfonia combinou as conquistas dos gêneros vocal de câmara, instrumental de câmara e sinfônico. Baseado em poemas de F. Garcia Loca, T. Appolinaro, W. Kuchelbecker e R.M. Rilke criou uma obra lírica e profundamente filosófica.

Conclusão bom trabalho O desenvolvimento do gênero sinfônico foi a Décima Quinta Sinfonia (1971), que combinou tudo de melhor que havia sido alcançado em vários estágios criatividade D.D. Shostakovich.

O enorme volume e o mais alto nível da criatividade de Shostakovich não são apenas uma contribuição para o destino e a história da música russa, mas também uma contribuição para o desenvolvimento da cultura mundial.

Uma questão permanece: na Rússia há um certo esfriamento em relação a Shostakovich, enquanto no Ocidente, entretanto, ele é cada vez mais chamado de primeiro entre iguais na família dos maiores compositores do século XX. Na Rússia, aparentemente, um pensamento não muito pessoal é desencadeado - “Aqui já existem problemas suficientes, por que então rasgar sua alma em pedaços em uma sala de concertos...”

Shostakovich era como um espelho: todos se viam nele, os seus. Esta é a qualidade dos maiores artistas. É por isso que os chamamos de “companheiros eternos”.

Dmitry Dmitrievich Shostakovich nasceu em São Petersburgo em 1906. Um jovem excepcionalmente talentoso recebeu uma educação musical no Conservatório de Petrogrado, onde foi admitido aos 13 anos. Ele estudou piano e composição, e também estudou regência ao mesmo tempo.

Já em 1919, Shostakovich escreveu sua primeira grande obra orquestral - o Scherzo fis-moll. O período após a revolução foi difícil, mas Dmitry estudou muito e assistiu aos concertos da Filarmônica de Petrogrado quase todas as noites. Em 1922, o pai do futuro compositor faleceu e a família ficou sem sustento. Então homem jovem Tive que trabalhar meio período como artista em um cinema.

Em 1923, Shostakovich formou-se no conservatório em piano e em 1925 em composição. Seu trabalho de formatura foi a Primeira Sinfonia. Sua estreia triunfante ocorreu em 1926, e já aos 19 anos Shostakovich tornou-se mundialmente famoso.

Criação

Na juventude, Shostakovich escreveu muito para o teatro; é autor da música de três balés e duas óperas: “O Nariz” (1928) e “Lady Macbeth de Mtsensk” (1932). Após críticas ferozes e públicas em 1936, o compositor mudou de direção e começou a escrever principalmente para salas de concerto. Entre a enorme massa de música orquestral, de câmara e vocal, destacam-se dois ciclos de 15 sinfonias e 15 quartetos de cordas. Estão entre as obras mais executadas do século XX.

No início da Grande Guerra Patriótica, Dmitry Dmitrievich Shostakovich começou a trabalhar na Sétima Sinfonia ("Leningrado"), que se tornou um símbolo da luta durante a guerra. Durante os anos de guerra, também foi escrita a Oitava Sinfonia, na qual o compositor homenageou o neoclassicismo. Em 1943, Shostakovich mudou-se de Kuibyshev, onde viveu durante a evacuação, para Moscou. Na capital, lecionou no Conservatório de Moscou.

Em 1948, Shostakovich foi severamente criticado e humilhado no Congresso dos Compositores Soviéticos. Ele foi acusado de “formalismo” e de “rastejar diante do Ocidente”. Tal como em 1938, tornou-se persona non grata. Ele foi destituído de seu cargo de professor e acusado de incompetência.

Shostakovich trabalhou em estreita colaboração com alguns dos maiores artistas de seu tempo. Evgeny Mravinsky tocou nas estreias de muitos de seus obras orquestrais, e o compositor escreveu alguns concertos para o violinista David Oistrakh e o violoncelista Mstislav Rostropovich.

Nos últimos anos, Shostakovich sofreu de problemas de saúde e foi tratado por muito tempo em hospitais e sanatórios. O compositor sofria de câncer de pulmão e de uma doença associada a lesões musculares. A música do seu último período, incluindo duas sinfonias, os seus últimos quartetos, os seus ciclos vocais finais e a sonata para viola op.147 (1975), é sombria, reflectindo muito tormento. Ele morreu em Moscou em 9 de agosto de 1975. Ele foi enterrado no cemitério de Novodevichy.

Vida pessoal

Dmitry Dmitrievich Shostakovich foi casado três vezes. Nina Vasilievna, a primeira esposa, era astrofísica de profissão. mas tendo abandonado a carreira científica, dedicou-se inteiramente à família. Este casamento gerou um filho, Maxim, e uma filha, Galina.

O segundo casamento com Margarita Kainova acabou muito rapidamente. A terceira esposa de Shostakovich, Irina Supinskaya, trabalhou como editora na editora Soviet Composer.

D. Shostakovich - clássico da música do século XX. Nenhum dos seus grandes mestres esteve tão intimamente ligado aos difíceis destinos do seu país natal, nem foi capaz de expressar com tanta força e paixão as gritantes contradições do seu tempo, ou avaliá-lo com um severo julgamento moral. É nesta cumplicidade do compositor com as dores e infortúnios do seu povo que reside o principal significado do seu contributo para a história da música no século das guerras mundiais e das grandiosas convulsões sociais, que a humanidade nunca tinha conhecido antes.

Shostakovich por natureza é um artista de talento universal. Não há um único gênero em que ele não tenha dito sua palavra de peso. Ele também teve contato próximo com aquele tipo de música que às vezes era tratado com arrogância por músicos sérios. Ele é o autor de uma série de canções que foram escolhidas pelas massas populares e até hoje suas brilhantes adaptações de canções populares e música jazz, de que gostou especialmente durante a formação do estilo - nos anos 20-30. Mas a principal área de aplicação das forças criativas para ele era a sinfonia. Não porque outros gêneros de música séria lhe fossem completamente estranhos - ele era dotado do talento insuperável de um compositor verdadeiramente teatral, e o trabalho no cinema lhe proporcionava o principal meio de subsistência. Mas as críticas rudes e injustas perpetradas em 1936 num artigo editorial do jornal Pravda intitulado “Confusão em vez de música” desencorajaram-no durante muito tempo de estudar. gênero de ópera- as tentativas feitas (a ópera “Os Jogadores” de N. Gogol) ficaram inacabadas e os planos não chegaram à fase de implementação.

Talvez seja precisamente aqui que os traços de personalidade de Shostakovich foram refletidos - por natureza ele não estava inclinado a formas abertas de expressão de protesto, ele cedeu facilmente a nulidades persistentes devido à sua inteligência especial, delicadeza e indefesa contra a tirania grosseira. Mas isso só aconteceu na vida - na sua arte foi fiel aos seus princípios criativos e afirmou-os no género onde se sentia completamente livre. Portanto, a sinfonia conceitual, onde ele poderia dizer abertamente a verdade sobre sua época, sem fazer concessões, tornou-se o centro da busca de Shostakovich. No entanto, não se recusou a participar em empreendimentos artísticos nascidos sob a pressão das estritas exigências à arte impostas pelo sistema de comando-administrativo, como o filme “A Queda de Berlim” de M. Chiaureli, onde o elogio desenfreado da grandeza e a sabedoria do “pai das nações” chegou ao limite. Mas a participação neste tipo de monumentos cinematográficos, ou em outras obras, às vezes até talentosas, que distorceram a verdade histórica e criaram um mito que agradou à liderança política, não protegeu o artista das represálias brutais cometidas em 1948. O principal ideólogo do regime stalinista , A. Zhdanov, repetiu os ataques grosseiros contidos em um antigo artigo do jornal Pravda e acusou o compositor, junto com outros mestres da música soviética da época, de aderir ao formalismo antinacional.

Posteriormente, durante o “degelo” de Khrushchev, tais acusações foram retiradas e as obras notáveis ​​do compositor, cuja execução pública tinha sido proibida, chegaram ao ouvinte. Mas o dramático destino pessoal do compositor, que sobreviveu a um período de perseguição injusta, deixou uma marca indelével na sua personalidade e determinou o rumo das suas buscas criativas, dirigidas a problemas morais existência humana na terra. Esta foi e continua a ser a principal coisa que distingue Shostakovich entre os criadores de música do século XX.

Dele caminho da vida Não foi agitado. Depois de se formar no Conservatório de Leningrado com uma estreia brilhante - a magnífica Primeira Sinfonia, ele começou a vida de compositor profissional, primeiro na cidade do Neva, depois durante a Grande Guerra Patriótica em Moscou. A sua actividade como professor no conservatório foi relativamente curta - não o abandonou por vontade própria. Mas até hoje seus alunos conservam a memória do grande mestre, que teve papel decisivo na formação de seus individualidade criativa. Já na Primeira Sinfonia (1925), duas propriedades da música de Shostakovich são claramente perceptíveis. Um deles afetou a formação de um novo estilo instrumental com sua inerente facilidade, a facilidade de competição entre instrumentos de concerto. Outra se manifestou no desejo persistente de dar à música o significado mais elevado, de revelar, por meio do gênero sinfônico, um conceito profundo de significado filosófico.

Muitas das obras do compositor que seguiram um início tão brilhante refletiram a atmosfera turbulenta da época, onde o novo estilo da época se forjou na luta de atitudes contraditórias. Assim, na Segunda e Terceira Sinfonias (“Outubro” - 1927, “Primeiro de Maio” - 1929) Shostakovich prestou homenagem ao cartaz musical, eles refletiam claramente a influência da arte marcial e de propaganda dos anos 20; (não é por acaso que o compositor incluiu fragmentos corais baseados em poemas dos jovens poetas A. Bezymensky e S. Kirsanov). Ao mesmo tempo, mostraram também uma teatralidade brilhante, tão cativante nas produções de E. Vakhtangov e Vs. Meyerhold. Foram suas performances que influenciaram o estilo da primeira ópera de Shostakovich, “The Nose” (1928), escrita com base na famosa história de Gogol. Daí vem não apenas a sátira e a paródia afiadas, chegando ao ponto do grotesco na representação de personagens individuais e da multidão crédula que rapidamente entra em pânico e é rápida em ser julgada, mas também aquela entonação comovente de “riso em meio às lágrimas”, que ajuda-nos a reconhecer uma pessoa mesmo em tal vulgaridade e, obviamente, uma nulidade, como o Major Kovalev de Gogol.

O estilo de Shostakovich não só recebeu influências emanadas da experiência da cultura musical mundial (aqui os mais importantes para o compositor foram M. Mussorgsky, P. Tchaikovsky e G. Mahler), mas também absorveu os sons da vida musical da época - que cultura popular do gênero "light", que controlava a consciência das massas. A atitude do compositor em relação a isso é ambivalente - às vezes exagera, parodia as voltas características das canções e danças da moda, mas ao mesmo tempo as enobrece, elevando-as às alturas da verdadeira arte. Esta atitude refletiu-se de forma especialmente clara nos primeiros balés “The Golden Age” (1930) e “Bolt” (1931), no Primeiro concerto de piano(1933), onde o trompete solo se torna um digno rival do piano junto com a orquestra, e mais tarde no scherzo e no final da Sexta Sinfonia (1939). Virtuosismo brilhante e excentricidades audaciosas combinam-se nesta obra com letras comoventes e a incrível naturalidade do desdobramento da melodia “sem fim” na primeira parte da sinfonia.

E, por último, não se pode deixar de mencionar o outro lado da atividade criativa do jovem compositor - trabalhou muito e com persistência no cinema, primeiro como ilustrador para demonstração de filmes mudos, depois como um dos criadores do cinema sonoro soviético. Sua canção do filme “Oncoming” (1932) ganhou popularidade nacional. Ao mesmo tempo, a influência da “jovem musa” também afetou o estilo, a linguagem, princípios composicionais seus concertos e obras filarmônicas.

O desejo de incorporar os conflitos mais agudos do mundo moderno com suas enormes convulsões e confrontos ferozes de forças opostas refletiu-se especialmente nas principais obras do mestre dos anos 30. Um passo importante nesse caminho foi a ópera “Katerina Izmailova” (1932), escrita sobre o enredo da história “Lady Macbeth de Mtsensk” de N. Leskov. A imagem da personagem principal revela uma complexa luta interna na alma de uma natureza integral e ricamente dotada pela natureza - sob o jugo das “abominações de chumbo da vida”, sob o poder de uma paixão cega e irracional, ela comete graves crimes, seguidos de retribuição cruel.

No entanto, o compositor alcançou seu maior sucesso na Quinta Sinfonia (1937) – a conquista mais significativa e fundamental no desenvolvimento da sinfonia soviética na década de 30. (uma virada para uma nova qualidade de estilo foi delineada na Quarta Sinfonia escrita anteriormente, mas não ouvida, - 1936). A força da Quinta Sinfonia reside no facto de as experiências do seu herói lírico se revelarem na mais estreita ligação com a vida das pessoas e, mais amplamente, de toda a humanidade, às vésperas do maior choque já vivido pelos povos do mundo - a Segunda Guerra Mundial. Isso determinou o drama enfatizado da música, sua expressão elevada inerente - o herói lírico não se torna um contemplador passivo nesta sinfonia, ele julga o que está acontecendo e o que está por vir com o mais alto tribunal moral. A posição cívica do artista e a orientação humanística da sua música reflectiram-se na sua indiferença ao destino do mundo. Também pode ser sentido em uma série de outras obras pertencentes aos gêneros da música de câmara. criatividade instrumental, entre os quais se destaca o Quinteto para piano (1940).

Durante a Grande Guerra Patriótica, Shostakovich tornou-se uma das primeiras fileiras de artistas que lutaram contra o fascismo. A sua Sétima Sinfonia (“Leningrado”) (1941) foi percebida em todo o mundo como a voz viva de um povo lutador que entrou numa batalha de vida ou morte em nome do direito de existir, em defesa dos mais elevados valores humanos. . Nesta obra, como na Oitava Sinfonia criada posteriormente (1943), o antagonismo dos dois campos opostos encontrou expressão direta e imediata. Nunca antes na arte da música as forças do mal foram delineadas tão claramente, nunca antes a mecanicidade monótona da ocupada “máquina de destruição” fascista foi exposta com tanta fúria e paixão. Mas a beleza espiritual e a riqueza do mundo interior de uma pessoa que sofre com os problemas de seu tempo são apresentadas com a mesma clareza nas sinfonias “militares” do compositor (como em várias de suas outras obras, por exemplo, no Piano Trio em memória de I. Sollertinsky - 1944).

Nos anos do pós-guerra, a atividade criativa de Shostakovich desenvolveu-se com renovado vigor. Como antes, a linha condutora de sua busca artística foi apresentada em telas sinfônicas monumentais. Depois da Nona (1945), um tanto mais leve, uma espécie de intermezzo, mas não sem claros ecos da guerra recém-terminada, o compositor criou a inspirada Décima Sinfonia (1953), na qual o tema foi levantado destino trágico artista, o alto grau de sua responsabilidade em mundo moderno. No entanto, o novo foi em grande parte o resultado dos esforços das gerações anteriores - razão pela qual o compositor ficou tão atraído pelos acontecimentos de um ponto de viragem na história russa. A revolução de 1905, marcada pelo Domingo Sangrento em 9 de janeiro, ganha vida no programa monumental da Décima Primeira Sinfonia (1957), e as conquistas do vitorioso 1917 inspiraram Shostakovich a criar a Décima Segunda Sinfonia (1961).

As reflexões sobre o significado da história, sobre o significado dos feitos de seus heróis, também foram refletidas no poema vocal-sinfônico de uma parte “A Execução de Stepan Razin” (1964), que se baseia em um fragmento do livro de E. Yevtushenko. poema “Central Hidrelétrica de Bratsk”. Mas os acontecimentos do nosso tempo, causados ​​​​por mudanças drásticas na vida das pessoas e na sua visão de mundo, anunciadas pelo XX Congresso do PCUS, não deixaram indiferente o grande mestre da música soviética - o seu fôlego vivo é palpável no Décimo Terceiro Sinfonia (1962), também escrita com palavras de E. Yevtushenko. Na Décima Quarta Sinfonia, o compositor recorreu a poemas de poetas de diferentes épocas e povos (F. G. Lorca, G. Apollinaire, W. Kuchelbecker, R. M. Rilke) - foi atraído pelo tema da transitoriedade vida humana e a eternidade das criações da verdadeira arte, diante da qual até a morte todo-poderosa retrocede. O mesmo tema serviu de base para a concepção de um ciclo vocal-sinfônico baseado em poemas do grande artista italiano Michelangelo Buonarroti (1974). E finalmente, na última, Décima Quinta Sinfonia (1971), as imagens da infância voltam à vida, recriadas diante dos olhos de um sábio criador que conheceu uma medida verdadeiramente imensurável do sofrimento humano.

Com todo o significado da sinfonia em criatividade pós-guerra Shostakovich, não esgota todas as coisas mais significativas que foram criadas pelo compositor nos últimos trinta anos de sua vida e trajetória criativa. Ele prestou especial atenção aos gêneros instrumentais de concerto e de câmara. Ele criou dois concertos para violino (e 1967), dois concertos para violoncelo (1959 e 1966) e um segundo concerto para piano (1957). EM melhores ensaios Este gênero incorpora conceitos profundos de significado filosófico comparáveis ​​àqueles expressos com força impressionante em suas sinfonias. A gravidade da colisão entre o espiritual e o não espiritual, os impulsos mais elevados do gênio humano e o ataque agressivo da vulgaridade, o primitivismo deliberado é palpável no Segundo Concerto para Violoncelo, onde uma melodia simples de “rua” é transformada irreconhecível, revelando seu essência desumana.

Contudo, tanto nos concertos como na música de câmara, revela-se a habilidade virtuosa de Shostakovich na criação de composições, abrindo espaço para a livre competição entre artistas musicais. Aqui o principal gênero que atraiu a atenção do mestre foi o tradicional quarteto de cordas (o compositor escreveu tantos quantos sinfonias - 15). Os quartetos de Shostakovich surpreendem pela variedade de soluções, desde ciclos multimovimento (Décimo Primeiro - 1966) até composições de movimento único (Décimo Terceiro - 1970). Em várias das suas obras de câmara (no Oitavo Quarteto - 1960, na Sonata para Viola e Piano - 1975), o compositor regressa à música das suas obras anteriores, conferindo-lhe uma nova sonoridade.

Entre as obras de outros gêneros podemos citar o monumental ciclo de Prelúdios e Fugas para piano (1951), inspirado nas celebrações de Bach em Leipzig, e o oratório “Canção das Florestas” (1949), onde pela primeira vez na música soviética foi levantado o tema da responsabilidade do homem na preservação da natureza ao seu redor. Você também pode citar Dez Poemas para Coro a Cappella (1951), o ciclo vocal “From Jewish Folk Poetry” (1948), ciclos baseados em poemas dos poetas Sasha Cherny (“Sátiras” - 1960), Marina Tsvetaeva (1973).

O trabalho no cinema também continuou nos anos do pós-guerra - a música de Shostakovich para os filmes “The Gadfly” (baseado no romance de E. Voynich - 1955), bem como para as adaptações cinematográficas das tragédias de W. Shakespeare “Hamlet” ( 1964) e “Rei Lear” (1971) tornaram-se amplamente conhecidos).

Shostakovich teve um impacto significativo no desenvolvimento da música soviética. Refletiu-se não tanto na influência direta do estilo do mestre e dos seus meios artísticos característicos, mas no desejo de um elevado conteúdo da música, na sua ligação com os problemas fundamentais da vida humana na terra. Humanista na sua essência, verdadeiramente artístico na forma, o trabalho de Shostakovich ganhou reconhecimento mundial e tornou-se uma expressão clara do novo que a música da Terra dos Sovietes deu ao mundo.