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As décadas de 30-40 do século XIX foram uma época de crise dos conceitos educacionais e subjetivo-românticos. Iluministas e românticos são unidos por uma visão subjetiva do mundo. Eles não entendiam a realidade como um processo objetivo que se desenvolve de acordo com suas próprias leis, independente do papel das pessoas. Na luta contra o mal social, os pensadores do Iluminismo confiaram no poder das palavras e do exemplo moral, e os teóricos do romantismo revolucionário confiaram na personalidade heróica. Ambos subestimaram o papel do fator objetivo no desenvolvimento da história.

Revelando contradições sociais, os românticos, via de regra, não viam nelas uma expressão dos reais interesses de determinados segmentos da população e, portanto, não vinculavam sua superação a uma luta social e de classes específica.

O movimento revolucionário de libertação desempenhou um papel importante na compreensão realista da realidade social. Até às primeiras revoltas poderosas da classe trabalhadora, a essência da sociedade burguesa e a sua estrutura de classes permaneceram em grande parte misteriosas. A luta revolucionária do proletariado permitiu retirar o selo de mistério do sistema capitalista e expor as suas contradições. Portanto, é bastante natural que tenha sido nas décadas de 30-40 do século XIX que Europa Ocidental O realismo está se estabelecendo na literatura e na arte. Expondo os vícios da servidão e da sociedade burguesa, o escritor realista encontra beleza na própria realidade objetiva. Seu herói positivo não é elevado acima da vida (Bazarov em Turgenev, Kirsanov, Lopukhov em Chernyshevsky, etc.). Via de regra, reflete as aspirações e interesses do povo, as opiniões dos círculos avançados da intelectualidade burguesa e nobre. A arte realista elimina a desconexão entre ideal e realidade, característica do romantismo. É claro que nas obras de alguns realistas existem vagas ilusões românticas onde estamos falando sobre a personificação do futuro (“O Sonho de um Homem Engraçado” de Dostoiévski, “O que fazer?” Chernyshevsky...), e em neste caso podemos falar com razão sobre a presença em seu trabalho de tendências românticas. O realismo crítico na Rússia foi consequência da reaproximação da literatura e da arte com a vida.

Os realistas do século 20 ampliaram amplamente os limites da arte. Eles começaram a retratar os fenômenos mais comuns e prosaicos. A realidade entrou em suas obras com todos os seus contrastes sociais e dissonâncias trágicas. Romperam decisivamente com as tendências idealizadoras dos karamzinistas e dos românticos abstractos, em cuja obra até a pobreza, como disse Belinsky, parecia “pura e lavada”.

O realismo crítico deu um passo à frente no caminho da democratização da literatura também em comparação com a obra dos iluministas do século XVIII. Ele teve uma visão muito mais ampla de sua realidade contemporânea. A modernidade feudal entrou nas obras dos realistas críticos não apenas como a arbitrariedade dos proprietários de servos, mas também como a situação trágica das massas – o campesinato servo, a população urbana despossuída. Nas obras de Fielding, Schiller, Diderot e outros escritores do Iluminismo, o homem da classe média foi retratado principalmente como a personificação da nobreza e da honestidade e, assim, se opôs aos aristocratas corruptos e desonestos. Ele se revelou apenas na esfera de sua elevada consciência moral. A sua vida quotidiana, com todas as suas tristezas, sofrimentos e preocupações, permaneceu essencialmente fora do âmbito da história. Somente entre os sentimentalistas de mentalidade revolucionária (Rousseau e especialmente Radishchev) e os românticos individuais (Hu, Hugo, etc.) este tema recebe elaboração.

No realismo crítico, houve uma tendência à superação completa da retórica e do didatismo, presentes na obra de muitos educadores. Nas obras de Diderot, Schiller, Fonvizin, ao lado de imagens típicas que incorporam a psicologia das classes reais da sociedade, havia heróis que incorporavam as características ideais da consciência iluminista. A aparência do feio nem sempre é equilibrada no realismo crítico pela imagem do próprio, obrigatória na literatura educacional do século XVIII. O ideal no trabalho dos realistas críticos é frequentemente afirmado através da negação dos feios fenómenos da realidade.

A arte realista desempenha a sua função analítica não só ao revelar as contradições entre os opressores e os oprimidos, mas também ao mostrar o condicionamento social do homem. O princípio da sociabilidade – a estética do realismo crítico. Os realistas críticos em seu trabalho levam à ideia de que o mal não está enraizado no homem, mas na sociedade. Os realistas não se limitam à crítica da moral e da legislação contemporânea. Levantam a questão da natureza desumana dos próprios fundamentos da sociedade burguesa e servil.

No estudo da vida, os realistas críticos foram além, não apenas Sue, Hugo, mas também os iluministas do século XVIII Diderot, Schiller, Fildini, Smolett criticaram duramente a modernidade feudal a partir de uma posição realista, mas suas críticas seguiram uma direção ideológica. Denunciaram as manifestações da servidão não na esfera econômica, mas principalmente nas esferas jurídica, moral, religiosa e política.

Nas obras dos iluministas, um grande lugar é ocupado pela imagem de um aristocrata depravado que não reconhece quaisquer restrições às suas concupiscências sensuais. A corrupção dos governantes é retratada em literatura educacional como produto das relações feudais, nas quais a nobreza aristocrática não conhece nenhuma proibição aos seus sentimentos. A obra dos iluministas refletia a falta de direitos do povo, a arbitrariedade dos príncipes que vendiam seus súditos a outros países. Os escritores do século XVIII criticaram duramente o fanatismo religioso (“A Freira” de Diderot, “Nathan, o Sábio” de Lessinia), opuseram-se às formas pré-históricas de governo e apoiaram a luta dos povos pela sua independência nacional (“Don Carlos” de Schiller, “Egmant” de Goethe).

Assim, na literatura educacional do século XVIII, a crítica à sociedade feudal ocorre principalmente em termos ideológicos. Os realistas críticos expandiram o alcance temático da arte das palavras. Uma pessoa, não importa a que estrato social pertença, é caracterizada por eles não apenas na esfera da consciência moral, mas também é retratada na atividade prática cotidiana.

O realismo crítico caracteriza o homem universalmente como um indivíduo específico historicamente estabelecido. Os heróis de Balzac, Saltykov-Shchedrin, Chekhov e outros são retratados não apenas nos momentos sublimes de suas vidas, mas também nas situações mais trágicas. Retratam o homem como um ser social, formado sob a influência de certas razões sócio-históricas. Caracterizando o método de Balzac, G.V. Plekhanov observa que o criador da Comédia Humana “assumiu” as paixões na forma que a sociedade burguesa de seu tempo lhes deu; Com a atenção de um cientista natural, ele observou como eles cresciam e se desenvolviam num determinado ambiente social. Graças a isso, tornou-se um realista no próprio sentido da palavra, e seus escritos representam uma fonte indispensável para o estudo da psicologia da sociedade francesa durante a Restauração e “Louis Philippe”. Porém, a arte realista é mais do que a reprodução de uma pessoa nas relações sociais.

Os realistas russos do século XIX também retrataram a sociedade em contradições e conflitos, o que refletiu o movimento real da história e revelou a luta de ideias. Como resultado, a realidade apareceu no seu trabalho como um “fluxo comum”, como uma realidade autopropulsada. O realismo só revela a sua verdadeira essência se a arte for considerada pelos escritores como um reflexo da realidade. Neste caso, os critérios naturais do realismo são profundidade, verdade, objetividade na revelação das conexões internas da vida, personagens típicos agindo em circunstâncias típicas e os determinantes necessários criatividade realista– historium, a nacionalidade do pensamento do artista. O realismo é caracterizado pela imagem de uma pessoa em unidade com seu ambiente, pela especificidade social e histórica da imagem, conflito, enredo e pelo uso generalizado de estruturas de gênero como romance, drama, história, história.

O realismo crítico foi marcado por uma difusão sem precedentes de épico e drama, que substituiu visivelmente a poesia. Entre os gêneros épicos, o romance ganhou maior popularidade. A razão do seu sucesso é principalmente que permite ao escritor realista implementar da forma mais completa a função analítica da arte, para expor as causas do mal social.

O realismo crítico deu vida a um novo tipo de comédia, baseada num conflito não tradicionalmente amoroso, mas social. Sua imagem é “O Inspetor Geral” de Gogol, uma sátira contundente à realidade russa dos anos 30 do século XIX. Gogol nota a obsolescência da comédia com temas amorosos. Na sua opinião, na “era mercantil”, “posição, capital monetário, casamento lucrativo” têm mais “eletricidade” do que amor. Gogol encontrou uma situação tão cômica que permitiu penetrar nas relações sociais da época e ridicularizar os ladrões cossacos e os subornadores. “A comédia”, escreve Gogol, “deve se unir, com toda a sua massa, em um grande nó. A trama deve abranger todos os rostos, e não apenas um ou dois, - abordar o que preocupa mais ou menos os personagens. Todo mundo é um herói aqui.”

Os realistas críticos russos retratam a realidade do ponto de vista das pessoas oprimidas e sofredoras, que em suas obras atuam como uma medida de avaliações morais e estéticas. A ideia de nacionalidade é o principal determinante do método artístico da arte realista russa do século XIX.

O realismo crítico não se limita a expor o que é feio. Ele também retrata os aspectos positivos da vida - trabalho árduo, beleza moral, poesia do campesinato russo, o desejo dos nobres avançados e da intelectualidade comum por atividades socialmente úteis e muito mais. Nas origens do realismo russo do século XIX está A.S. Pushkin. Um papel importante na evolução ideológica e estética do poeta foi desempenhado pela sua reaproximação com os dezembristas durante o seu exílio no sul. Ele agora encontra apoio para sua criatividade na realidade. O herói da poesia realista de Pushkin não está isolado da sociedade, não foge dela, está entrelaçado com os processos naturais e sócio-históricos da vida. A sua obra adquire especificidade histórica, intensifica a crítica às diversas manifestações de opressão social, aguça a atenção para a situação do povo (“Quando ando pensativo pela cidade...”, “O meu crítico rosado...” e outros).

Nas letras de Pushkin pode-se ver a vida social contemporânea com seus contrastes sociais, buscas ideológicas, a luta dos povos progressistas contra a tirania política e feudal. O humanismo e a nacionalidade do poeta, juntamente com o seu historicismo, são os determinantes mais importantes do seu pensamento realista.

A transição de Pushkin do romantismo para o realismo manifestou-se em “Boris Godunov” principalmente numa interpretação específica do conflito, em reconhecimento do papel decisivo do povo na história. A tragédia está imbuída de profundo historicismo.

Pushkin também foi o fundador da língua russa romance realista. Em 1836 ele completa " Filha do capitão" A sua criação foi precedida pelo trabalho sobre a “História de Pugachev”, que revela a inevitabilidade da revolta dos cossacos Yaik: “Tudo prenunciava uma nova rebelião - faltava um líder”. “A escolha deles recaiu sobre Pugachev. Não foi difícil para eles persuadi-lo.”

O desenvolvimento do realismo na literatura russa está associado principalmente ao nome de N.V. O auge de seu trabalho realista é “Dead Souls”. O próprio Gogol considerou seu poema uma etapa qualitativamente nova em sua biografia criativa. Em suas obras da década de 30 (“O Inspetor Geral” e outras), Gogol retrata fenômenos exclusivamente negativos da sociedade. A realidade russa aparece neles em sua morte e imobilidade. A vida dos habitantes do sertão é retratada como desprovida de racionalidade. Não há movimento nele. Os conflitos são de natureza cômica; não afetam as graves contradições da época.

Gogol observou alarmado como, sob a “crosta da terrena”, tudo o que era verdadeiramente humano desapareceu na sociedade moderna, como o homem se tornou menor e vulgarizado. Vendo a arte como uma força ativa de desenvolvimento social, Gogol não consegue imaginar uma criatividade que não seja iluminada pela luz de um elevado ideal estético.

Gogol nos anos 40 criticou a literatura russa período romântico. Ele vê a falha dela no fato de ela não ter dado imagem verdadeira Realidade russa. Os românticos, na sua opinião, muitas vezes precipitavam-se “acima da sociedade” e, se desciam sobre ela, era apenas para açoitá-la com o flagelo da sátira, e não para transmitir a sua vida como modelo para a posteridade. Gogol se inclui entre os escritores que critica. Ele não está satisfeito com a natureza predominantemente acusatória de sua atividade literária passada. Gogol agora se propõe a tarefa de uma reprodução abrangente e historicamente específica da vida em seu movimento objetivo em direção ao ideal. Ele não é nada contra a denúncia, mas apenas quando ela aparece combinada com uma imagem de beleza.

A continuação das tradições de Pushkin e Gogol foi obra de I.S. Turgenev. Turgenev ganhou popularidade após a publicação de “Notas de um Caçador”. As conquistas de Turgenev no gênero do romance são enormes (“Rudin”, “ Ninho Nobre", "A Eva", "Pais e Filhos"). Nesta área, o seu realismo adquiriu novas feições. Turgenev, um romancista, concentra-se no processo histórico.

O realismo de Turgenev foi expresso mais claramente no romance Pais e Filhos. O trabalho é caracterizado por conflitos agudos. Entrelaçados nele estão os destinos de pessoas com pontos de vista e posições de vida muito diferentes. Os círculos nobres são representados pelos irmãos Kirsanov e Odintsova, e os vários intelectuais pelos Bazarovs. Na imagem de Bazárov, ele personificava as características de um revolucionário, oposto a todos os tipos de faladores liberais como Arkady Kirsanov, que se apegava ao movimento democrático. Bazarov odeia a ociosidade, o sibaritismo, as manifestações de senhorio. Ele considera insuficiente limitar-nos a expor os vícios sociais.

O realismo de Turgenev se manifesta não apenas na representação das contradições sociais da época, nos confrontos entre “pais” e “filhos”. Está também na revelação das leis morais que regem o mundo, na afirmação do enorme valor social do amor, da arte...

O lirismo de Turgenev, traço mais característico de seu estilo, está associado à glorificação da grandeza moral do homem e de sua beleza espiritual. Turgenev é um dos escritores mais líricos do século XIX. Ele trata seus heróis com interesse apaixonado. Suas tristezas, alegrias e sofrimentos são como se fossem dele. Turgenev relaciona o homem não apenas com a sociedade, mas também com a natureza, com o universo como um todo. Como resultado, a psicologia dos heróis de Turgenev é a interação de muitos componentes das séries sociais e naturais.

O realismo de Turgenev é complexo. Mostra a concretude histórica do conflito, o reflexo do movimento real da vida, a veracidade dos detalhes, as “questões eternas” da existência do amor, da velhice, da morte - a objetividade da imagem e a tendenciosidade, o lírio penetrando em a alma.

Escritores democratas (I.A. Nekrasov, N.G. Chernyshevsky, M.E. Saltykov-Shchedrin, etc.) trouxeram muitas coisas novas para a arte realista. Seu realismo foi chamado de sociológico. O que tem em comum é a negação do sistema de servidão existente, a demonstração da sua destruição histórica. Daí a agudeza da crítica social e a profundidade da exploração artística da realidade.

Um lugar especial no realismo sociológico é ocupado por “O que deve ser feito?” N.G. Tchernichévski. A originalidade da obra reside na promoção do ideal socialista, de novas visões sobre o amor, o casamento e na promoção do caminho para a reconstrução da sociedade. Tchernichévski não só revela a contradição da realidade contemporânea, mas também propõe um amplo programa para a transformação da vida e da consciência humana. Valor mais alto o escritor dedica-se ao trabalho como meio de formação de uma nova pessoa e de criação de novas relações sociais. Realismo “O que fazer?” possui características que o aproximam do romantismo. Tentando imaginar a essência do futuro socialista, Tchernichévski começa a pensar de forma tipicamente romântica. Mas, ao mesmo tempo, Chernyshevsky se esforça para superar os devaneios românticos. Ele trava a luta pela concretização do ideal socialista baseado na realidade.

O realismo crítico russo revela novas facetas nas obras de F.M. Dostoiévski. EM Período inicial(“Pobres”, “Noites Brancas”, etc.) o escritor dá continuidade à tradição de Gogol, retratando o trágico destino do “homenzinho”.

Os motivos trágicos não só não desaparecem, mas, pelo contrário, intensificam-se ainda mais na obra do escritor dos anos 60-70. Dostoiévski vê todos os problemas que o capitalismo trouxe consigo: predação, fraudes financeiras, aumento da pobreza, embriaguez, prostituição, crime, etc. Ele percebeu a vida principalmente em sua essência trágica, em estado de caos e decadência. Isso determina o conflito agudo e o drama intenso dos romances de Dostoiévski. Parecia-lhe que qualquer situação fantástica não poderia ofuscar a natureza fantástica da realidade. Mas Dostoiévski procura uma saída para as contradições do nosso tempo. Na luta pelo futuro, ele aposta numa decidida reeducação moral da sociedade.

Dostoiévski considera o individualismo e a preocupação com o próprio bem-estar o traço mais característico da consciência burguesa, portanto o desmascaramento da psicologia individualista é a direção principal da obra do escritor. O auge da representação realista da realidade foi o trabalho de L.M. Tolstoy. A enorme contribuição do escritor para a cultura artística mundial não é fruto apenas da sua genialidade, é também consequência da sua profunda nacionalidade. Tolstoi, em suas obras, retrata a vida da perspectiva de “cem milhões de agricultores”, como ele mesmo gostava de dizer. O realismo de Tolstói manifestou-se principalmente na revelação dos processos objetivos de desenvolvimento de sua sociedade contemporânea, na compreensão da psicologia das várias classes, do mundo interior das pessoas de vários círculos sociais. A arte realista de Tolstoi foi claramente demonstrada em seu romance épico Guerra e Paz. Tendo baseado o trabalho no “pensamento do povo”, o escritor criticou aqueles que são indiferentes ao destino do povo, da pátria e vivem uma vida egoísta. O historicismo de Tolstói, que alimenta o seu realismo, caracteriza-se não só pela compreensão das principais tendências do desenvolvimento histórico, mas também pelo interesse pela vida quotidiana das pessoas mais comuns, que, no entanto, deixam uma marca notável no processo histórico.

Assim, o realismo crítico, tanto no Ocidente como na Rússia, é uma arte que tanto critica como afirma. Além disso, encontra elevados valores sociais e humanísticos na própria realidade, principalmente em círculos da sociedade de mentalidade democrática e revolucionária. Os heróis positivos nas obras dos realistas são buscadores da verdade, pessoas associadas à libertação nacional ou ao movimento revolucionário (Carbonari em Stendhal, Neuron em Balzac) ou que resistem ativamente à atenção corruptora da moralidade individualista (em Dickens). O realismo crítico russo criou uma galeria de imagens de lutadores pelos interesses do povo (Turgenev, Nekrasov). Esta é a grande originalidade da arte realista russa, que determinou o seu significado global.

Uma nova etapa na história do realismo foi a obra de A.P. Chekhov. A inovação do escritor não reside apenas no fato de ser um notável mestre da pequena forma ética. A atração de Tchekhov pela novela, pelo conto, tinha suas razões. Como artista, interessou-se pelas “pequenas coisas da vida”, todo aquele quotidiano que rodeia uma pessoa, influenciando a sua consciência. Ele retratou a realidade social em seu fluxo cotidiano e comum. Daí a amplitude das suas generalizações, apesar da aparente estreiteza do seu alcance criativo.

Os conflitos nas obras de Chekhov não são o resultado do confronto entre heróis que se chocam por um motivo ou outro, eles surgem sob a pressão da própria vida, refletindo suas contradições objetivas. Foram encontradas as características do realismo de Chekhov, que visa retratar as leis da realidade que determinam o destino das pessoas personificação vívida em O pomar de cerejeiras. A peça é muito ambígua em seu conteúdo. Contém motivos elegíacos associados à morte do jardim, cuja beleza é sacrificada por interesses materiais. Assim, o escritor condena a psicologia do mercantelium que o sistema burguês trouxe consigo.

No sentido estrito da palavra, o conceito de “realismo” significa um movimento histórico específico na arte do século XIX, que declarou a correspondência com a verdade da vida como base do seu programa criativo. O termo foi proposto pela primeira vez pelo crítico literário francês Chanfleury na década de 50 do século XIX. Este termo entrou no vocabulário de pessoas de diferentes países em relação a várias artes. Se, num sentido amplo, o realismo é uma característica comum no trabalho de artistas pertencentes a diferentes movimentos e direções artísticas, então, num sentido estrito, o realismo é uma direção separada, diferente das outras. Assim, o realismo se opõe ao romantismo anterior, na superação do qual, de fato, se desenvolveu. A base do realismo do século XIX foi uma atitude fortemente crítica em relação à realidade, razão pela qual recebeu o nome de realismo crítico. A peculiaridade desta direção é a formulação e reflexão de problemas sociais agudos na criatividade artística, um desejo consciente de pronunciar julgamentos sobre os fenômenos negativos da vida social. O realismo crítico concentrava-se em retratar a vida das camadas desfavorecidas da sociedade. A obra dos artistas desse movimento é como um estudo das contradições sociais. As ideias mais vívidas realismo crítico concretizado na arte francesa da primeira metade do século XIX, nas obras de G. Courbet e J.F. Millais ("Os Colhedores de Orelhas" 1857).

Naturalismo. Nas artes plásticas, o naturalismo não se apresentou como um movimento claramente definido, mas esteve presente na forma de tendências naturalistas: na rejeição da avaliação pública, na tipificação social da vida e na substituição da divulgação da sua essência pela autenticidade visual externa. Essas tendências levaram a características como superficialidade na representação dos acontecimentos e cópia passiva de pequenos detalhes. Essas características apareceram já na primeira metade do século XIX nas obras de P. Delaroche e O. Vernet na França. A cópia naturalista dos aspectos dolorosos da realidade, a escolha de todo tipo de deformidades como temas determinaram a originalidade de algumas obras de artistas que gravitam em torno do naturalismo.

Uma virada consciente da nova pintura russa em direção ao realismo democrático, à nacionalidade e à modernidade surgiu no final dos anos 50, juntamente com a situação revolucionária no país, com o amadurecimento social da intelectualidade das várias classes, com o iluminismo revolucionário de Chernyshevsky, Dobrolyubov , Saltykov-Shchedrin, com a poesia popular de Nekrasov. Em “Ensaios sobre o Período Gogol” (em 1856), Chernyshevsky escreveu: “Se a pintura está agora geralmente numa posição bastante lamentável, a principal razão Além disso, deve-se considerar a alienação desta arte das aspirações modernas." A mesma ideia foi citada em muitos artigos da revista Sovremennik.

Mas a pintura já começava a aderir às aspirações modernas - principalmente em Moscou. Escola de Moscou e não gozava de um décimo dos privilégios da Academia de Artes de São Petersburgo, mas era menos dependente de seus dogmas arraigados, a atmosfera nela era mais animada. Embora os professores da Escola sejam em sua maioria acadêmicos, os acadêmicos são secundários e vacilantes - eles não suprimiram com sua autoridade da mesma forma que na Academia F. Bruni, o pilar da velha escola, que certa vez competiu com Bryullov com sua pintura “A Serpente de Cobre”.

Perov, relembrando os anos de seu aprendizado, disse que eles vieram para lá “de toda a grande e diversa Rússia E onde tínhamos estudantes!.. Eles eram da distante e fria Sibéria, da quente Crimeia e de Astracã, da Polônia. , o Don, mesmo das Ilhas Solovetsky e Athos, e finalmente de Constantinopla Deus, que multidão diversa e diversa costumava se reunir dentro dos muros da Escola!..”

Talentos originais, cristalizados nesta solução, nesta mistura heterogénea de “tribos, dialectos e estados”, procuraram finalmente contar o que viviam, o que lhes estava vitalmente próximo. Em Moscovo este processo começou; em São Petersburgo foi logo marcado por dois acontecimentos decisivos que puseram fim ao monopólio académico na arte. Primeiro: em 1863, 14 graduados da Academia, liderados por I. Kramskoy, recusaram-se a escrever um filme de formatura baseado no enredo proposto para “A Festa em Valhalla” e pediram que eles próprios pudessem escolher as disciplinas. Eles foram recusados ​​e deixaram a Academia desafiadoramente, formando um Artel independente de artistas semelhantes às comunas descritas por Chernyshevsky no romance “O que fazer?” O segundo evento foi a criação em 1870

A Associação de Exposições Itinerantes, cuja alma era o mesmo Kramskoy.

A Associação dos Itinerantes, ao contrário de muitas associações posteriores, prescindiu de quaisquer declarações ou manifestos. O seu estatuto apenas estabelecia que os membros da Parceria deveriam gerir os seus próprios assuntos financeiros, não dependendo de ninguém a este respeito, e também organizar eles próprios exposições e levá-las a diferentes cidades (“mover-se” pela Rússia) para familiarizar o país com Arte Russa. Ambos os pontos foram de grande importância, afirmando a independência da arte das autoridades e a vontade dos artistas de comunicarem amplamente com as pessoas, não apenas na capital. O papel principal na criação da Parceria e no desenvolvimento do seu estatuto pertenceu, além de Kramskoy, Myasoedov, Ge - de São Petersburgo, e dos moscovitas - Perov, Pryanishnikov, Savrasov.

Em 9 de novembro de 1863, um grande grupo de graduados da Academia de Artes recusou-se a escrever trabalhos competitivos sobre o tema proposto pela mitologia escandinava e deixou a Academia. Os rebeldes foram liderados por Ivan Nikolaevich Kramskoy (1837-1887). Eles se uniram em um artel e começaram a viver como uma comuna. Sete anos depois dissolveu-se, mas nesta altura nasceu a “Associação de Inserções Artísticas Itinerantes”, uma associação profissional e comercial de artistas que detinham posições ideológicas semelhantes.

Os Peredvizhniki estavam unidos na rejeição do “academicismo” com sua mitologia, paisagens decorativas e teatralidade pomposa. Eles queriam retratar vivendo a vida. As cenas de gênero (cotidianas) ocuparam um lugar de destaque em seu trabalho. O campesinato gozava de particular simpatia pelos “Itinerantes”. Eles mostraram sua necessidade, sofrimento, posição oprimida. Naquela época - nos anos 60-70. Século XIX - lado ideológico

a arte era mais valorizada do que a estética. Só com o tempo os artistas se lembraram do valor intrínseco da pintura.

Talvez o maior tributo à ideologia tenha sido prestado por Vasily Grigorievich Perov (1834-1882). Basta recordar pinturas suas como “A Chegada do Chefe de Investigação”, “Tea Party in Mytishchi”. Algumas das obras de Perov estão imbuídas de uma tragédia genuína (“Troika”, “Velhos pais no túmulo de seu filho”). Perov pintou vários retratos de seus contemporâneos famosos (Ostrovsky, Turgenev, Dostoiévski).

Algumas das pinturas dos “Itinerantes”, pintadas a partir da vida ou inspiradas em cenas reais, enriqueceram as nossas ideias sobre a vida camponesa. O filme “On the World”, de S. A. Korovin, mostra um confronto numa reunião rural entre um homem rico e um homem pobre. V. M. Maksimov capturou a raiva, as lágrimas e a tristeza da divisão familiar. A festividade solene do trabalho camponês se reflete na pintura “Cortadores”, de G. G. Myasoedov.

O retrato ocupou o lugar principal na obra de Kramskoy. Ele escreveu Goncharov, Saltykov-Shchedrin, Nekrasov. Ele é dono de um dos melhores retratos Lev Tolstoi. O olhar do escritor não se afasta do espectador, não importa de que ponto ele olhe para a tela. Uma das obras mais poderosas de Kramskoy é a pintura “Cristo no Deserto”.

A primeira exposição dos “Itinerantes”, inaugurada em 1871, demonstrou de forma convincente a existência de uma nova direção que se concretizou ao longo dos anos 60. Houve apenas 46 exposições (em contraste com as pesadas exposições da Academia), mas cuidadosamente selecionadas e, embora a exposição não fosse deliberadamente programática, o programa geral não escrito emergiu com bastante clareza. Todos os gêneros foram representados - histórico, cotidiano, retrato de paisagem - e o público pôde julgar as novidades que os “Wanderers” trouxeram para eles. Apenas uma escultura teve azar, e essa foi a pequena escultura notável de F. Kamensky), mas este tipo de arte teve “azar” durante muito tempo, aliás, toda a segunda metade do século.

No início dos anos 90, entre os jovens artistas da escola de Moscou, havia, no entanto, aqueles que deram continuidade digna e seriamente à tradição civil itinerante: S. Ivanov com seu ciclo de pinturas sobre imigrantes, S. Korovin - o autor de a pintura “On the World”, onde é interessante e os conflitos dramáticos (realmente dramáticos!) Da aldeia pré-reforma são cuidadosamente revelados. Mas não deram o tom: aproximava-se a entrada na vanguarda do “Mundo da Arte”, igualmente distante dos Wanderers e da Academia. Como era a Academia naquela época? As suas anteriores atitudes artísticas rigorosas tinham desaparecido, ela já não insistia nas exigências estritas do neoclassicismo, na notória hierarquia dos géneros, era bastante tolerante com o género quotidiano, preferia apenas que fosse “bonito” em vez de “camponês” ( um exemplo de “belas” obras não acadêmicas - cenas da vida antiga do então popular S. Bakalovich). Na sua maior parte, a produção não académica, como acontecia noutros países, era salão burguês, a sua “beleza” era a beleza vulgar. Mas não se pode dizer que ela não apresentou talentos: G. Semiradsky, mencionado acima, e V. Smirnov, que morreu cedo (que conseguiu criar a impressionante pintura grande “A Morte de Nero”) eram muito talentosos; Não se pode negar certos méritos artísticos das pinturas de A. Svedomsky e V. Kotarbinsky. Repin falou com aprovação desses artistas, considerando-os portadores do “espírito helênico” em seus últimos anos, e Vrubel ficou impressionado com eles, assim como Aivazovsky, também um artista “acadêmico”. Por outro lado, ninguém menos que Semiradsky, durante a reorganização da Academia, pronunciou-se decisivamente a favor do gênero cotidiano, apontando Perov, Repin e V. Mayakovsky como exemplos positivos. Portanto, havia pontos de convergência suficientes entre os “Itinerantes” e a Academia, e o então vice-presidente da Academia I.I. Tolstoi, por cuja iniciativa os principais “Itinerantes” foram chamados para lecionar.

Mas o principal que não nos permite desconsiderar completamente o papel da Academia de Artes, principalmente como instituição de ensino, na segunda metade do século é o simples facto de muitos artistas de destaque terem saído das suas paredes. Estes são Repin, Surikov, Polenov e Vasnetsov, e mais tarde - Serov e Vrubel. Além disso, não repetiram a “revolta dos catorze” e, aparentemente, beneficiaram da sua aprendizagem. Mais precisamente, todos beneficiaram das lições do P.P. Chistyakov, que por isso foi chamado de “professor universal”. Chistyakova merece atenção especial.

Há até algo misterioso na popularidade universal de Chistyakov entre artistas que diferem muito em sua individualidade criativa. O tranquilo Surikov escreveu longas cartas do exterior para Chistyakov. V. Vasnetsov dirigiu-se a Chistyakov com as palavras: “Gostaria de ser chamado de seu filho em espírito”. Vrubel orgulhosamente se autodenominava Chistyakovita. E isso, apesar do fato de que, como artista, Chistyakov era de importância secundária, ele escreveu pouco. Mas como professor ele era único. Já em 1908, Serov escreveu-lhe: “Lembro-me de você como professor e considero você o único (na Rússia) verdadeiro professor das leis eternas e inabaláveis ​​​​da forma - que é a única coisa que pode ser ensinada”. A sabedoria de Chistyakov foi que ele entendeu o que pode e deve ser ensinado, como base da habilidade necessária, e o que não pode ser ensinado - o que vem do talento e da personalidade do artista, que deve ser respeitado e tratado com compreensão e cuidado. Portanto, seu sistema de ensino de desenho, anatomia e perspectiva não acorrentou ninguém, cada um extraiu dele o que precisava para si, havia espaço para talentos e buscas pessoais e uma base sólida foi lançada. Chistyakov não deixou uma declaração detalhada de seu “sistema”; ele é reconstruído principalmente a partir das memórias de seus alunos; Este era um sistema racionalista, sua essência era uma abordagem analítica consciente para a construção da forma. Chistyakov ensinou “a desenhar com forma”. Não com contornos, não com “desenho” e não com sombreamento, mas para construir uma forma tridimensional no espaço, indo do geral ao específico. Desenhando de acordo com Chistyakov, sim processo intelectual, “derivar leis da natureza” - era o que ele considerava a base necessária da arte, independentemente de qual fosse o “modo” e a “tonalidade natural” do artista. Chistyakov insistiu na prioridade do desenho e, com sua propensão para aforismos humorísticos, expressou-o desta forma: “O desenho é a parte masculina, o homem; a pintura é uma mulher.”

O respeito pelo desenho, pela forma construtiva construída, está enraizado na arte russa. Foi Chistyakov com seu “sistema” a razão, ou foi a orientação geral da cultura russa para o realismo a razão para a popularidade do método de Chistyakov De uma forma ou de outra, os pintores russos, incluindo Serov, Nesterov e Vrubel, honraram o? “leis imutáveis ​​e eternas da forma” e eram cautelosos com a “desmaterialização” ou submissão ao elemento amorfo colorido, não importa o quanto se ame a cor.

Entre os Peredvizhniki convidados para a Academia estavam dois pintores de paisagens - Shishkin e Kuindzhi. Foi precisamente nessa altura que começou a hegemonia da paisagem na arte, tanto como género independente, onde Levitan reinou, como como elemento igual da pintura quotidiana, histórica e, em parte, de retratos. Ao contrário das previsões de Stasov, que acredita que o papel da paisagem diminuirá, na década de 90 aumentou mais do que nunca. A “paisagem emocional” lírica prevaleceu, traçando sua ascendência até Savrasov e Polenov.

O grupo Peredvizhniki fez descobertas genuínas na pintura de paisagem. Alexey Kondratievich Savrasov (1830-1897) conseguiu mostrar a beleza e o lirismo sutil de uma simples paisagem russa. Sua pintura “As Torres Chegaram” (1871) fez com que muitos contemporâneos olhassem de novo para sua natureza nativa.

Fyodor Aleksandrovich Vasiliev (1850-1873) viveu uma vida curta. A sua obra, que foi interrompida logo no início, enriqueceu a pintura russa com uma série de paisagens dinâmicas e emocionantes. O artista era especialmente bom nos estados de transição da natureza: do sol à chuva, da calmaria à tempestade.

O cantor da floresta russa, a amplitude épica da natureza russa, tornou-se Ivan Ivanovich Shishkin (1832-1898). Arkhip Ivanovich Kuindzhi (1841-1910) foi atraído pelo pitoresco jogo de luz e ar. A misteriosa luz da lua em nuvens raras, os reflexos vermelhos do amanhecer nas paredes brancas das cabanas ucranianas, os raios oblíquos da manhã rompendo o nevoeiro e brincando em poças em uma estrada lamacenta - essas e muitas outras descobertas pitorescas são capturadas em suas telas.

A pintura de paisagem russa do século 19 atingiu seu auge na obra do aluno de Savrasov, Isaac Ilyich Levitan (1860-1900, Levitan é um mestre em paisagens calmas e tranquilas. Ele era um homem muito tímido, tímido e vulnerável, ele sabia como). relaxe apenas sozinho com a natureza, imbuído do clima de sua paisagem preferida.

Um dia ele veio ao Volga para pintar o sol, o ar e as extensões dos rios. Mas não havia sol, nuvens infinitas rastejavam pelo céu e as chuvas fracas pararam. O artista ficou nervoso até se envolver com esse clima e descobrir o encanto especial das cores lilases do mau tempo russo. Desde então, o Alto Volga e a cidade provincial de Ples tornaram-se firmemente arraigados em seu trabalho. Nessas paragens criou as suas obras “chuvosas”: “After the Rain”, “Gloomy Day”, “Above paz eterna" Lá também foram pintadas paisagens noturnas pacíficas: “Noite no Volga”, “Noite. Golden Reach", "Toque Noturno", "Morada Silenciosa".

Nos últimos anos de sua vida, Levitan prestou atenção ao trabalho de artistas impressionistas franceses (E. Manet, C. Monet, C. Pizarro). Ele percebeu que tinha muito em comum com eles, que suas buscas criativas iam na mesma direção. Assim como eles, preferia trabalhar não em ateliê, mas ao ar livre (ao ar livre, como dizem os artistas). Assim como eles, ele iluminou a paleta, banindo as cores escuras e terrosas. Tal como eles, procurou captar a natureza fugaz da existência, transmitir os movimentos da luz e do ar. Nisso eles foram além dele, mas quase dissolveram formas volumétricas (casas, árvores) em correntes de ar leve. Ele evitou isso.

“As pinturas de Levitan requerem uma visualização lenta”, escreveu K. G. Paustovsky, um grande conhecedor de sua obra, “Elas não atordoam os olhos. São modestas e precisas, como as histórias de Chekhov, mas quanto mais se olha para elas, mais doce se torna o silêncio das cidades provinciais, dos rios familiares e das estradas rurais.”

Na segunda metade do século XIX. marca o florescimento criativo de I. E. Repin, V. I. Surikov e V. A. Serov.

Ilya Efimovich Repin (1844-1930) nasceu na cidade de Chuguev, na família de um colono militar. Ele conseguiu entrar na Academia de Artes, onde seu professor foi P. P. Chistyakov, que treinou toda uma galáxia de artistas famosos (V. I. Surikov, V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel, V. A. Serov). Repin também aprendeu muito com Kramskoy. Em 1870, o jovem artista viajou ao longo do Volga. Ele usou numerosos esboços trazidos de suas viagens para a pintura “Barge Haulers on the Volga” (1872). Ela causou uma forte impressão no público. O autor ascendeu imediatamente à categoria dos mestres mais famosos.

Repin era um artista muito versátil. Uma série de pinturas de gênero monumentais pertencem ao seu pincel. Talvez não menos impressionante do que “Barge Haulers” seja a “Procissão Religiosa na Província de Kursk”. O céu azul brilhante, nuvens de poeira da estrada perfuradas pelo sol, o brilho dourado das cruzes e paramentos, a polícia, as pessoas comuns e os aleijados - tudo cabe nesta tela: a grandeza, a força, a fraqueza e a dor da Rússia.

Muitos dos filmes de Repin tratavam de temas revolucionários (“Recusa de Confissão”, “Eles Não Esperavam”, “Prisão do Propagandista”). Os revolucionários em suas pinturas se comportam de maneira simples e natural, evitando poses e gestos teatrais. Na pintura “Recusa de Confessar”, o homem condenado à morte parecia ter escondido deliberadamente as mãos nas mangas. O artista simpatizava claramente com os personagens de suas pinturas.

Várias pinturas de Repin foram escritas sobre temas históricos (“Ivan, o Terrível e seu filho Ivan”, “Cossacos redigindo uma carta ao sultão turco”, etc.) - Repin criou toda uma galeria de retratos. Ele pintou retratos de cientistas (Pirogov e Sechenov), dos escritores Tolstoi, Turgenev e Garshin, dos compositores Glinka e Mussorgsky, dos artistas Kramskoy e Surikov. No início do século XX. ele recebeu uma encomenda para a pintura “A Reunião Cerimonial do Conselho de Estado”. O artista conseguiu não só colocar composicionalmente um número tão grande de presentes na tela, mas também dar características psicológicas a muitos deles. Entre eles estavam tais figuras famosas, como S.Yu. Witte, K.P. Pobedonostsev, P.P. Semenov Tian-Shansky. Nicolau II é quase imperceptível na imagem, mas é retratado de forma muito sutil.

Vasily Ivanovich Surikov (1848-1916) nasceu em Krasnoyarsk, em uma família cossaca. O apogeu do seu trabalho ocorreu na década de 80, quando criou as suas três pinturas históricas mais famosas: “A Manhã da Execução Streltsy”, “Menshikov em Berezovo” e “Boyaryna Morozova”.

Surikov conhecia bem a vida e os costumes de épocas passadas e foi capaz de fornecer características psicológicas vívidas. Além disso, era um excelente colorista (mestre de cores). Basta lembrar a neve deslumbrantemente fresca e cintilante do filme “Boyaryna Morozova”. Se você se aproximar da tela, a neve parece “desmoronar” em pinceladas azuis, azuis claras e rosa. Esta técnica pictórica, quando dois ou três traços diferentes se fundem à distância e dão cor desejada, amplamente utilizado pelos impressionistas franceses.

Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911), filho do compositor, pintou paisagens, telas sobre temas históricos e trabalhou como artista teatral. Mas foram principalmente os seus retratos que lhe trouxeram fama.

Em 1887, Serov, de 22 anos, estava de férias em Abramtsevo, a dacha do filantropo S.I. Mamontov, perto de Moscou. Entre seus muitos filhos, o jovem artista era dono de si, participante de suas brincadeiras barulhentas. Um dia, depois do almoço, duas pessoas acidentalmente permaneceram na sala de jantar - Serov e Verusha Mamontova, de 12 anos. Sentaram-se à mesa onde havia pêssegos e durante a conversa Verusha não percebeu como a artista começou a esboçar seu retrato. O trabalho durou um mês, e Verusha ficou com raiva porque Anton (como Serov era chamado em casa) a fez ficar sentada na sala de jantar por horas.

No início de setembro foi concluída “Garota com Pêssegos”. Apesar do seu pequeno tamanho, a pintura, pintada em tons rosa-dourado, parecia muito “espaçosa”. Havia muita luz e ar nele. A menina, que sentou-se à mesa pelo que pareceu um minuto e fixou o olhar no espectador, encantou-se com sua clareza e espiritualidade. E toda a tela estava coberta por uma percepção puramente infantil da vida cotidiana, quando a felicidade não tem consciência de si mesma e há uma vida inteira pela frente.

Os moradores da casa de Abramtsevo, é claro, entenderam que um milagre havia acontecido diante de seus olhos. Mas só o tempo dá avaliações finais. Colocou “Girl with Peaches” entre os melhores retratos na pintura russa e mundial.

No ano seguinte, Serov quase conseguiu repetir sua magia. Ele pintou um retrato de sua irmã Maria Simonović (“Menina Iluminada pelo Sol”). O nome é um pouco impreciso: a menina está sentada na sombra e os raios do sol da manhã iluminam a clareira ao fundo. Mas na foto tudo está tão unido, tão unido - manhã, sol, verão, juventude e beleza - que fica difícil encontrar um nome melhor.

Serov tornou-se um pintor de retratos da moda. Escritores famosos, atores, artistas, empresários, aristocratas e até reis posaram diante dele. Aparentemente, nem todo mundo para quem ele escreveu estava determinado a isso. Alguns retratos da alta sociedade, apesar da técnica de execução em filigrana, revelaram-se frios.

Durante vários anos, Serov lecionou na Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura de Moscou. Ele era um professor exigente. Oponente das formas congeladas de pintura, Serov acreditava ao mesmo tempo que a busca criativa deveria se basear em um sólido domínio das técnicas de desenho e escrita pictórica. Muitos mestres notáveis ​​​​se consideravam alunos de Serov. Este é o M.S. Saryan, K.F. Yuon, P.V. Kuznetsov, KS Petrov-Vodkin.

Muitas pinturas de Repin, Surikov, Levitan, Serov e dos “Wanderers” acabaram na coleção de Tretyakov. Pavel Mikhailovich Tretyakov (1832-1898), representante de uma antiga família de comerciantes de Moscou, era uma pessoa incomum. Magro e alto, com barba espessa e voz calma, parecia mais um santo do que um comerciante. Ele começou a colecionar pinturas de artistas russos em 1856. Seu hobby tornou-se o principal negócio de sua vida. No início dos anos 90. o acervo atingiu o nível de museu, absorvendo quase toda a fortuna do colecionador. Mais tarde, tornou-se propriedade de Moscou. A Galeria Tretyakov tornou-se um museu mundialmente famoso de pintura, gráficos e escultura russa.

Em 1898, o Museu Russo foi inaugurado em São Petersburgo, no Palácio Mikhailovsky (criação de K. Rossi). Recebeu obras de artistas russos do Hermitage, da Academia de Artes e de alguns palácios imperiais. A abertura destes dois museus parecia coroar as conquistas da pintura russa do século XIX.

O realismo costuma ser chamado de movimento na arte e na literatura, cujos representantes buscavam uma reprodução realista e verdadeira da realidade. Em outras palavras, o mundo foi retratado como típico e simples, com todas as suas vantagens e desvantagens.

Características gerais do realismo

O realismo na literatura se distingue por uma série de características comuns. Em primeiro lugar, a vida era retratada em imagens que correspondiam à realidade. Em segundo lugar, a realidade para os representantes desta corrente tornou-se um meio de compreender a si mesmo e ao mundo ao seu redor. Em terceiro lugar, as imagens nas páginas das obras literárias distinguiam-se pela veracidade dos detalhes, especificidade e tipificação. É interessante que a arte dos realistas, com os seus princípios de afirmação da vida, procurasse considerar a realidade em desenvolvimento. Os realistas descobriram novas relações sociais e psicológicas.

O surgimento do realismo

O realismo na literatura como forma de criação artística surgiu no Renascimento, desenvolveu-se durante o Iluminismo e manifestou-se como direção independente apenas na década de 30 do século XIX. Os primeiros realistas na Rússia incluem o grande poeta russo A.S. Pushkin (às vezes até é chamado de fundador deste movimento) e nada menos excelente escritor N. V. Gogol com seu romance " Almas Mortas" Quanto à crítica literária, o termo “realismo” surgiu graças a D. Pisarev. Foi ele quem introduziu o termo no jornalismo e na crítica. O realismo na literatura do século XIX tornou-se característica distintiva daquela época, possuindo características e características próprias.

Características do realismo literário

Os representantes do realismo na literatura são numerosos. Os escritores mais famosos e destacados incluem escritores como Stendhal, Charles Dickens, O. Balzac, L.N. Tolstoi, G. Flaubert, M. Twain, F.M. Dostoiévski, T. Mann, M. Twain, W. Faulkner e muitos outros. Todos trabalharam no desenvolvimento método criativo realismo e materializou em suas obras seus traços mais marcantes em indissociável ligação com suas características autorais únicas.

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EVENTOS DE PERÍODO E MUDANÇAS NA LITERATURA 1. FINAL DE 1790 - 1800, período Karamzin. Jornal "Boletim da Europa" Karamzin. O surgimento de numerosas sociedades literárias. Desenvolvimento da poesia karamzinista (“absurdo poético”, “absurdo”, poesia familiar amigável, poesia elegante de salão, etc.) 2. 1810-ovo Formação do romantismo. “Boletim da Europa” editado por V.A. Disputa sobre gênero de balada, nacionalidade e linguagem literária. “Romantismo psicológico” de V.A. Zhukovsky, “romantismo sonhador” de K.N. Batyushkova. 3. Período Pushkin de 1820 a 1830. A evolução do romantismo nas obras de Pushkin. “Romantismo civil” dos dezembristas. Poetas do círculo Pushkin.

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Então, escritor...escritor russo - quem é ele?? (escreva a resposta em seu caderno) O primeiro escritor profissional foi A.S. Em meados do século XIX, todo grande poeta esclarece sua atitude em relação à tradição de Pushkin, porque Era impossível aparecer impresso sem esclarecer para si e para os outros, em voz alta ou insinuando, a atitude de alguém em relação às tradições de Pushkin. POR QUE? Veja as anotações no seu caderno...

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POESIA I terceiro 19 em PROSA II metade 19 em Dá lugar a POR QUÊ? POR QUE?? A poesia reage mais rapidamente às mudanças que ocorrem na sociedade (em termos práticos, escrever poesia às vezes leva mais de 10 anos);

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Em 1848, Nicolau I reforçou ainda mais a censura até que em 1855 começou um sombrio 7º aniversário; Sob Nicolau I, foi proibido abrir novas revistas. As revistas consistiam em vários departamentos: Literatura na verdade peça de arte Crítica Crônica bibliográfica Crônica moderna da Rússia A literatura não tinha o direito de se envolver na política. As revistas discutiram entre si. Este é um momento de democratização da literatura, cada vez mais pessoas alfabetizadas estão aparecendo, esses novos leitores estão ditando seus gostos. Eles ouvem esses gostos e se adaptam a eles. Para quem devo escrever? Com quem você pode contar? Quase todos os escritores, começando por Pushkin, enfrentaram esse problema. A democratização da literatura significou o surgimento de novos leitores e o influxo de novas forças literárias na literatura.

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Realismo como direção literária Realismo como método artístico, e o romance como gênero surgiu da necessidade de compreender aqueles processos complexos, que ocorreu na Rússia e no Ocidente no final do século XVIII - primeiro quartel do século XIX. A literatura seguiu o caminho de um estudo abrangente da vida. Como resultado da interação de todas as tendências literárias, sob a influência da situação política da literatura, um método artístico - o realismo - começa a tomar forma. Sua base é o princípio verdade da vida, o desejo de refletir plena e fielmente a vida. A.S. Pushkin é considerado o fundador desta direção. Baseava-se no patriotismo, na simpatia pelo povo e na busca de herói positivo na vida, fé no futuro brilhante da Rússia. O realismo russo da segunda metade do século XIX aborda questões filosóficas e coloca problemas eternos da existência humana.

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1800 1850 Década de 1870 Década de 1825 Situação social Educação Situação financeira Desenvolvimento Ciências Naturais 1900

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As principais características do realismo O realismo possui um certo conjunto de características que apresentam diferenças em relação ao romantismo que o precedeu e ao naturalismo que o segue. 1. Tipificação de imagens. O objeto de uma obra em realismo é sempre pessoa comum com todas as suas vantagens e desvantagens. Precisão na representação de detalhes característicos de uma pessoa, aqui regra chave realismo. No entanto, os autores não se esquecem de nuances como caracteristicas individuais, e eles estão harmoniosamente entrelaçados em toda a imagem. Isso distingue o realismo do romantismo, onde o personagem é individual. 2. Tipificação da situação. A situação em que se encontra o herói da obra deve ser característica da época descrita. Uma situação única é mais característica do naturalismo. 3. Precisão na imagem. Os realistas sempre descreveram o mundo como ele era, reduzindo ao mínimo a visão de mundo do autor. Os românticos agiram de maneira completamente diferente. O mundo em suas obras foi demonstrado através do prisma de sua própria visão de mundo. 4. Determinismo. A situação em que se encontram os heróis das obras dos realistas é apenas o resultado de ações cometidas no passado. Os personagens são mostrados em desenvolvimento, que é moldado pelo mundo ao seu redor. As relações interpessoais desempenham um papel fundamental nisso. A personalidade do personagem e suas ações são influenciadas por diversos fatores: sociais, religiosos, morais e outros. Muitas vezes, no trabalho, ocorre um desenvolvimento e uma mudança de personalidade sob a influência de fatores sociais e cotidianos. 5. Conflito: herói - sociedade. Este conflito não é único. É também característico dos movimentos que precederam o realismo: o classicismo e o romantismo. Porém, apenas o realismo considera as situações mais típicas. Ele está interessado na relação entre a multidão e o indivíduo, na consciência da massa e do indivíduo. 6. Historicismo. A literatura do século XIX demonstra o homem inseparavelmente de seu ambiente e período da história. Os autores estudaram o estilo de vida e as normas de comportamento da sociedade em um determinado estágio antes de escrever suas obras. 7. O psicologismo é a transmissão do autor ao leitor do mundo interior de seus personagens: sua dinâmica, mudanças nos estados mentais, análise dos traços de personalidade do personagem. Como o artista revela o mundo interior de seu herói? No romance “Crime e Castigo”, o leitor conhece as emoções e sentimentos de Raskolnikov através da descrição de sua aparência, do interior da sala e até da imagem da cidade. Para revelar tudo o que acontece na alma do personagem principal, Dostoiévski não se limita a apresentar seus pensamentos e afirmações. O autor mostra a situação em que se encontra Raskolnikov. Um pequeno armário, que lembra um armário, simboliza o fracasso de sua ideia. O quarto de Sonya, pelo contrário, é espaçoso e luminoso. Mas o mais importante, Dostoiévski Atenção especial presta atenção aos olhos. Em Raskolnikov eles são profundos e sombrios. Os de Sonya são mansos e azuis. E, por exemplo, nada é dito sobre os olhos de Svidrigailov. Não porque o autor tenha esquecido de descrever a aparência desse herói. Em vez disso, a questão é que, segundo Dostoiévski, pessoas como Svidrigailov não têm alma alguma.

Diapositivo 9

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O ensinamento de V. Belinsky sobre o caráter realista: 1. O artista não deve copiar a vida, o daguerreótipo é um sinal de prosa documental. A marca registrada de uma verdadeira obra de arte é a criação de tipos. (O típico é o geral expresso através do indivíduo) 2. Os heróis do realismo são multifacetados, contraditórios - o que significa que a monolinearidade e a estática são superadas

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O desenvolvimento do jornalismo no início do século As revistas Thick começam a desempenhar um papel cada vez mais importante como informantes e interlocutores inteligentes, e os nomes dos seus editores não se tornam menos populares do que os nomes dos escritores da moda. Diferindo na direção e nas opiniões dos editores, eles apresentaram ao público leitor as novidades da vida europeia, as novidades nos campos científicos e atividades aplicadas, e as obras de poetas e prosadores estrangeiros e nacionais. Os mais populares entre os leitores foram "Boletim da Europa" de Karamzin, "Filho da Pátria" de Grech, "Northern Bee" de Bulgarin, "Telescópio" de Nadezhdin, "Biblioteca para Leitura" de Senkovsky, "Notas da Pátria" por Kraevsky. Em 1832, 67 revistas e jornais foram publicados na Rússia. Entre elas havia 32 publicações em russo, principalmente revistas departamentais. Foram publicadas apenas 8 revistas literárias públicas na década de 1840-50. escritores, editores, que governavam as mentes e almas dos leitores, são ofuscados por crítico literário. Os leitores estão começando a precisar de um mentor experiente que possa ensiná-los a apreciar a verdadeira arte. No início do século, os salões literários desempenhavam o papel de clubes únicos onde se trocavam opiniões literárias, políticas e filosóficas, onde se aprendiam notícias da vida russa e estrangeira. Os mais famosos deles foram os salões de Olenin, Elagina, Rostopchina, Volkonskaya. O mesmo papel foi desempenhado pelas noites: sábados de Zhukovsky, Aksakov, quintas-feiras de Grech, sextas-feiras de Voeikov...

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Trabalho de casa Situação histórica na virada do século XVIII para o XIX Literatura russa no início do século XIX Realismo como movimento literário Obras de G.R Derzhavin Poesia de K.N.

O realismo é uma tendência na literatura e na arte que reflete de forma verdadeira e realista as características típicas da realidade, na qual não existem distorções e exageros diversos. Essa direção seguiu o romantismo e foi a antecessora do simbolismo.

Esta tendência teve origem na década de 30 do século XIX e atingiu o seu apogeu em meados dela. Seus seguidores negaram veementemente o uso de quaisquer técnicas sofisticadas, tendências místicas ou idealização de personagens em obras literárias. A principal característica dessa tendência na literatura é a representação artística Vida real com a ajuda de imagens comuns e familiares aos leitores, que para eles fazem parte de sua Vida cotidiana(parentes, vizinhos ou conhecidos).

(Alexey Yakovlevich Voloskov "Na mesa de chá")

As obras dos escritores realistas distinguem-se pelo seu início de afirmação da vida, mesmo que o seu enredo seja caracterizado por conflito trágico. Uma das principais características deste gênero é a tentativa dos autores de considerar a realidade circundante em seu desenvolvimento, de descobrir e descrever novas relações psicológicas, sociais e sociais.

Tendo substituído o romantismo, o realismo tem os traços característicos de uma arte que se esforça para encontrar a verdade e a justiça e quer mudar o mundo para melhor. Os personagens principais das obras de autores realistas fazem suas descobertas e conclusões após muita reflexão e profunda introspecção.

(Zhuravlev Firs Sergeevich "Antes da Coroa")

O realismo crítico desenvolveu-se quase simultaneamente na Rússia e na Europa (aproximadamente nos anos 30-40 do século XIX) e logo emergiu como a tendência líder na literatura e na arte em todo o mundo.

Na França, o realismo literário está associado principalmente aos nomes de Balzac e Stendhal, na Rússia com Pushkin e Gogol, na Alemanha com os nomes de Heine e Buchner. Todos vivenciam a inevitável influência do romantismo em sua obra literária, mas aos poucos se afastam dele, abandonam a idealização da realidade e passam a retratar um contexto social mais amplo, onde se passa a vida dos personagens principais.

Realismo na literatura russa do século XIX

O principal fundador do realismo russo no século 19 é Alexander Sergeevich Pushkin. Em suas obras " Filha do capitão", "Eugene Onegin", "Histórias de Belkin", "Boris Godunov", " Cavaleiro de Bronze"ele captura sutilmente e transmite com maestria a própria essência de todos eventos importantes na vida da sociedade russa, apresentada por sua caneta talentosa em toda a sua diversidade, colorido e inconsistência. Seguindo Pushkin, muitos escritores da época chegaram ao gênero do realismo, aprofundando suas análises experiências emocionais seus heróis e retratando seu complexo mundo interior (“Herói do Nosso Tempo” de Lermontov, “O Inspetor Geral” e “Almas Mortas” de Gogol).

(Pavel Fedotov "A Noiva Exigente")

A tensa situação sócio-política na Rússia durante o reinado de Nicolau I despertou grande interesse na vida e no destino de pessoas comuns entre progressistas figuras públicas daquela vez. Isso é notado nas obras posteriores de Pushkin, Lermontov e Gogol, bem como nos versos poéticos de Alexei Koltsov e nas obras dos autores dos chamados “ escola natural": É. Turgenev (ciclo de histórias “Notas de um Caçador”, histórias “Pais e Filhos”, “Rudin”, “Asya”), F.M. Dostoiévski (“Pobres”, “Crime e Castigo”), A.I. Herzen (“A pega ladrão”, “Quem é o culpado?”), I.A. Goncharova (“ Uma história comum", "Oblomov"), A.S. Griboyedov “Ai da inteligência”, L.N. Tolstoi (“Guerra e Paz”, “Anna Karenina”), A.P. Chekhov (histórias e peças “ O pomar de cerejeiras", "Três Irmãs", "Tio Vanya").

O realismo literário da segunda metade do século XIX foi denominado crítico; a principal tarefa de suas obras era destacar os problemas existentes e abordar questões de interação entre o homem e a sociedade em que vive.

Realismo na literatura russa do século 20

(Nikolai Petrovich Bogdanov-Belsky "Noite")

O ponto de virada no destino do realismo russo foi a virada dos séculos 19 e 20, quando essa direção estava passando por uma crise e um novo fenômeno na cultura se declarou em voz alta - o simbolismo. Surgiu então uma nova estética atualizada do realismo russo, na qual a própria História e seus processos globais. O realismo do início do século XX revelou a complexidade da formação da personalidade de uma pessoa, ela se formou sob a influência não apenas de fatores sociais, a própria história atuou como criadora de circunstâncias típicas, sob cuja influência agressiva caiu o personagem principal. .

(Boris Kustodiev "Retrato de D.F. Bogoslovsky")

Existem quatro tendências principais no realismo do início do século XX:

• Crítico: continua as tradições do realismo clássico de meados do século XIX. As obras enfatizam a natureza social dos fenômenos (as obras de A.P. Chekhov e L.N. Tolstoy);
• Socialista: mostrar o desenvolvimento histórico e revolucionário da vida real, analisando os conflitos nas condições da luta de classes, revelando a essência dos personagens dos personagens principais e suas ações cometidas em benefício dos outros. (M. Gorky “Mãe”, “A Vida de Klim Samgin”, a maioria das obras de autores soviéticos).
• Mitológico: exibição e reinterpretação de acontecimentos da vida real através do prisma de enredos de mitos e lendas famosos (L.N. Andreev “Judas Iscariotes”);
• Naturalismo: uma representação extremamente verdadeira, muitas vezes feia e detalhada da realidade (A.I. Kuprin “The Pit”, V.V. Veresaev “A Doctor’s Notes”).

Realismo na literatura estrangeira dos séculos 19 a 20

A fase inicial da formação do realismo crítico nos países europeus em meados do século XIX está associada às obras de Balzac, Stendhal, Beranger, Flaubert e Maupassant. Merimee na França, Dickens, Thackeray, Bronte, Gaskell - Inglaterra, a poesia de Heine e outros poetas revolucionários - Alemanha. Nestes países, na década de 30 do século XIX, crescia a tensão entre dois países irreconciliáveis inimigos de classe: a burguesia e o movimento operário, observou-se um período de crescimento em várias esferas da cultura burguesa, uma série de descobertas ocorreram nas ciências naturais e na biologia. Nos países onde se desenvolveu uma situação pré-revolucionária (França, Alemanha, Hungria), a doutrina do socialismo científico de Marx e Engels surgiu e se desenvolveu.

(Julien Dupre "Retorno dos Campos")

Como resultado de complexas polêmicas criativas e teóricas com os seguidores do romantismo, os realistas críticos tomaram para si as melhores ideias e tradições progressistas: temas históricos interessantes, democracia, tendências folclore, pathos crítico progressista e ideais humanísticos.

Realismo do início do século XX, que sobreviveu à luta dos melhores representantes dos “clássicos” do realismo crítico (Flaubert, Maupassant, França, Shaw, Rolland) com as tendências das novas tendências não realistas da literatura e da arte (decadência, impressionismo, naturalismo, esteticismo, etc.) está adquirindo novos traços de caráter. Ele se volta para fenômenos sociais a vida real, descreve a motivação social do caráter humano, revela a psicologia da personalidade, o destino da arte. A base da modelagem realidade artística deitar-se ideias filosóficas, o foco do autor está principalmente na percepção intelectualmente ativa da obra ao lê-la e depois na emocional. Exemplo clássico romance intelectual realista são as obras do escritor alemão Thomas Mann “A Montanha Mágica” e “Confissão do Aventureiro Felix Krull”, dramaturgia de Bertolt Brecht.

(Robert Kohler "Greve")

Nas obras de autores realistas do século XX, a linha dramática se intensifica e se aprofunda, há mais tragédia (criatividade Escritor americano"O Grande Gatsby" de Scott Fitzgerald, "Tender is the Night"), surge um interesse especial pelo mundo interior do homem. As tentativas de retratar os momentos conscientes e inconscientes da vida de uma pessoa levam ao surgimento de um novo artifício literário, próximo ao modernismo chamado “fluxo de consciência” (obras de Anna Segers, W. Keppen, Yu. O’Neill). Elementos naturalistas aparecem na obra de escritores realistas americanos como Theodore Dreiser e John Steinbeck.

O realismo do século 20 tem um colorido brilhante e afirmativo da vida, fé no homem e em sua força, isso é perceptível nas obras dos escritores realistas americanos William Faulkner, Ernest Hemingway, Jack London, Mark Twain. As obras de Romain Rolland, John Galsworthy, Bernard Shaw e Erich Maria Remarque foram muito populares no final do século XIX e início do século XX.

O realismo continua a existir como uma direção na literatura moderna e é uma das formas mais importantes de cultura democrática.

Os mestres realistas desta época confiaram inteiramente no seu trabalho nas fortes tradições dos seus antecessores, como Constable, Daumier ou E., Alexander Ivanov, Fedotov ou Perov.

Mas eles estavam agora resolvendo novos problemas de sua época e, portanto, enriqueciam constantemente o método realista com novas descobertas artísticas.

Idéias progressistas-democráticas e revolucionárias permearam direta ou indiretamente o trabalho de muitos artistas notáveis. Países diferentes e os povos estavam então em diferentes etapas históricas, mas o padrão comum para todos era que foi a maior ascensão do realismo que revelou a maior originalidade nacional da sua arte.

Assim, a escola romena de pintura tornou-se um fenômeno artístico significativo desde o final do século XIX, quando se desenvolveu a obra de Nikolai Grigorescu, um mestre lírico, criador de imagens sutis e atraentes de camponeses romenos.

Na Noruega, ao mesmo tempo que os notáveis ​​dramaturgos Ibsen e Bjornson, os notáveis ​​​​pintores Christian Krogh e Erik Werenschell atuaram, retratando profunda e verdadeiramente a vida das pessoas em seus pinturas de gênero e retratos.

Na República Checa, a luta por uma cultura democrática nacional criou o solo em que cresceram os magníficos mestres realistas Antonin Slavicek e Jan Stursa. A forma como Slavicek transmitiu a beleza única da antiga Praga e da natureza checa na pintura, e como Stursa a expressou na sua escultura força mental as melhores pessoas República Checa, não foi apenas grande sucesso arte nacional checa, mas também um elo importante na formação de um grande estilo realista na arte mundial desta época.

A sua participação no desenvolvimento do realismo nos países onde apenas no final do século XIX - início do século XX. o apogeu chegou arte nacional, contribuído pelo sueco Liedere Zorn, e pelo finlandês Albert Edelfelt, e pelo húngaro Mihaly Munkacsi, e pelo polonês Alexander Gierymsky e muitos outros mestres.

O trabalho dos artistas realistas nem sempre teve uma orientação social e crítica igualmente forte; nele podem-se encontrar todos os tipos de gradações de mentalidade - desde a agudeza política afiada e aberta de Krogh até a afirmação serenamente alegre de um espírito de sangue puro vida popular na casa de Zorn.

Mas mesmo com inconsistências, hesitações, colapsos, ilusões não resolvidas e esperanças injustificadas, a grande arte realista opôs-se resolutamente à frágil estética burguesa e à vulgaridade vulgar dos salões.

A variedade de caminhos da arte realista desta época e suas dificuldades são especialmente visíveis quando se compara o realismo alemão, americano e russo do final do século XIX e início do século XX.

Na Alemanha, que entrou num período de rápido desenvolvimento capitalista e expansão colonial após a Guerra Franco-Prussiana, muitos artistas caíram sob a influência da demagogia imperialista, das tentações de uma existência burguesa próspera ou adoptaram teorias misantrópicas nietzschianas.

Mesmo os maiores mestres realistas demonstraram inconsistência e dualidade no seu trabalho. Adolf Menzel, observador atento e sóbrio, interessado em vida social e notou vigilantemente as várias características do caráter humano, ao mesmo tempo que nutria ilusões sobre o passado e o presente monárquico do Império Alemão, idealizados Frederico II e Guilherme I; a sua grande contribuição para a arte alemã baseia-se principalmente em paisagens e em pinturas como "Memórias do Teatro Schimnaz" ou "Laminação de Ferro", que resultaram de uma observação atenta da vida e reflectiram a sua simpatia pelas pessoas comuns.

Outro excelente artista- Wilhelm Leibl foi um excelente retratista, possuidor dos segredos de uma cor clara, brilhante e ensolarada, mas, tendo chegado a idealizar os aspectos mais patriarcais e inertes da vida camponesa, perdeu a sinceridade e a sutileza espiritual inerentes ao seu melhores trabalhos.

Menshikov em Berezovo. DENTRO E. Surikov. 1881 - 1883

O destino do realismo americano foi diferente. Desenvolveu-se numa atmosfera de ideias progressistas emergentes após a vitória dos estados do norte sobre os sulistas proprietários de escravos. Os princípios humanísticos e democráticos de Abraham Lincoln e seus seguidores encontraram amplo eco na arte.

Entre os pintores realistas dos Estados Unidos do final do século XIX. Destacam-se três grandes mestres: Winslow Homer, Thomas Eakins e James McNeil Whistler.

Eles se opuseram dura e intransigentemente ao mundo da vida profissional das pessoas entre a natureza dura e bela (Homero) ou o alto humanismo da intelectualidade americana avançada (Eakins e Whistler) à ganância, predação, egoísmo e complacência burgueses.

Ao lado deles está o nome do escultor Augustus Saint-Gaudens, autor do melhor dos monumentos de Lincoln - em Chicago. A criatividade destes artistas talentosos lançou uma base sólida para o desenvolvimento da arte realista na América.

Nas primeiras décadas do século XX. um grupo de artistas, liderado por Robert Henry e incluindo também outros grandes mestres, como John Sloan, George Laquet e George Bellows, contou com eles em suas atividades. Os críticos burgueses assustados chamaram este grupo de “gangue revolucionário”.

Os choques entre a arte avançada e a arte reaccionária eram então tão intensos nos Estados Unidos como o foram em França durante os tempos de Daumier e Degas.

O realismo russo ocupa um lugar especial na arte mundial deste período. Direção realista adquiriu uma posição dominante na pintura russa, em contraste com o Ocidente.

Nem a autocracia czarista, nem a nobreza nobre em degeneração, nem a grande burguesia, imbuída dos sentimentos mais conservadores, foram capazes de se opor a algo significativo às forças artísticas avançadas.

As ideias democráticas revolucionárias tiveram uma enorme influência sobre os melhores artistas russos, e esta poderosa influência cresceu cada vez mais à medida que o centro do mundo se movia. movimento revolucionário na Rússia.

Nos anos 70-90 do século XIX. obras de pintura realista capturaram quase completamente os gostos e a imaginação das grandes massas de espectadores. Exposições acadêmicas fracas foram combatidas por exposições amplamente populares, que tiveram um grande, importância pública exposição da Associação de Exposições Itinerantes.

Tendo surgido em 1870, uniu a maioria dos melhores e maiores artistas realistas, começando com Repin e Surikov.

Outros mestres também estiveram próximos dos Wanderers, como Vereshchagin e Pavel Kovalevsky, que revelaram com veracidade a essência misantrópica da guerra, ou Pyotr Sokolov, um ilustrador maravilhoso literatura clássica e retratador da vida da aldeia.

Sobre virada do século XIX e séculos XX começou uma nova etapa no desenvolvimento do realismo russo. Uma nova geração de artistas, entre os quais Serov foi o mais destacado, enriqueceu o realismo russo com o brilho e a nitidez das soluções composicionais e colorísticas e com as características psicológicas das imagens humanas.

Artistas realistas russos, liderados por os maiores mestres A arte russa de I. E. Repin, V. I. Surikov, V. A. Serov introduziu muitas coisas novas em uma variedade de gêneros de pintura. Eles deram um panorama amplo da vida russa contemporânea, imbuídos de críticas contundentes ao sistema social, e encontraram imagens poéticas e profundas da natureza e da história russas.

Nas mãos de Repin, Kramskoy, Ge, um retrato psicológico foi profundamente desenvolvido, igualmente verdadeiro na representação dos mais diversos tipos sociais da Rússia, como a camponesa Mina Moiseev em Kramskoy ou membros do Conselho de Estado nos maravilhosos esboços de Repin.

Mais tarde, Serov deu ao retrato uma sutileza especial, com uma vigilância inspirada transmitindo gradações de estados mentais e personagens, desde as letras mais ternas de “Garota com Pêssegos” até a extravagância grotesca e o caráter social agudo dos retratos de Girshman ou Orlova.

O gênero cotidiano, no qual os elementos narrativos desempenhavam um papel importante, tornou-se o principal e definidor do conteúdo das pinturas de Savitsky, V. Makovsky e Yaroshenko, S. Ivanov, Kasatkin, Arkhipov e outros artistas que encarnaram diversas cenas da vida popular, às vezes calmo e brilhante, às vezes trágico e sombrio. EM

russo gênero cotidiano As mais difundidas são imagens diretas da luta revolucionária, excitada e tensa, quase sem paralelo na arte de outros países do mundo (“Prisão de Trânsito” de Yaroshenko; “No Muro dos Comunardos”, “Sob Escolta”, “Eles não esperaram”, “Recusa de confissão” de Repin, funeral de Bauman”, “Soldados, rapazes corajosos...” Serov, etc.).

A paisagem e a pintura histórica foram desenvolvidas profunda e diversamente na arte realista russa. “As torres chegaram” de Savrasov, “Lago” do maior mestre russo pintura de paisagem Levitan, “Outubro” de Serov - estes são os marcos mais delicados no caminho de crescimento e florescimento da paisagem russa do final do século XIX.

A pintura histórica, revelando o sentido poético e dramático dos grandes movimentos populares, tem sido enorme poder desenvolvido nas pinturas de Surikov (“Menshikov em Berezovo”, “Boyarina Morozova”, “Ermak”), que completou a reforma realista radical do gênero histórico, iniciada por Delacroix. Os pintores russos invadiram com ousadia e inovação áreas que até então eram de competência exclusiva de historiadores ou escritores (“ Idade da Pedra»V.Vasnetsova, pinturas históricas Serova, etc.).

Durante esses anos também houve grandes mestres, Relacionado cultura artística povos da Rússia e que muito fizeram para estabelecer princípios realistas nela, como Vasilkovsky e Svetoslavsky na Ucrânia, Fedders nos Estados Bálticos, Gabashvili e Agadzhanyan na Transcaucásia, etc.