Ajuda na Tele2, tarifas, dúvidas

artes plásticas classicismo e rococó

Nicolas Poussin - artista classicista

A Academia Francesa proclamou a obra do artista o auge do classicismo na pintura. Nicolas Poussin(1594-1665). Durante sua vida ele foi chamado de “o mais habilidoso e experiente de mestres modernos pincéis”, e após sua morte foi declarado “a tocha da pintura francesa”.

Sendo um brilhante expoente das ideias do classicismo, Poussin desenvolveu um método criativo, que se baseava na sua própria ideia das leis da beleza. Ele viu seu ideal na proporcionalidade das partes do todo, na ordem externa, na harmonia e na clareza das formas. Suas pinturas se distinguem por uma composição equilibrada, um sistema rígido e matematicamente verificado de organização do espaço, desenho preciso e um incrível senso de ritmo baseado no antigo ensinamento dos modos musicais.

Segundo Poussin, os principais critérios de verdade e beleza artística são a razão e o pensamento. Isto é o que ele pediu para criar “como a natureza e a razão ensinam”. Ao escolher os temas, Poussin deu preferência a feitos heróicos e feitos baseados em elevados motivos cívicos, e não em paixões humanas básicas.

O tema principal da arte, segundo o artista, é aquele que está associado à ideia do sublime e do belo, que pode servir de modelo e meio de cultivar as melhores qualidades morais na pessoa. Poussin dedicou sua obra à glorificação do homem heróico, capaz de conhecer e transformar a natureza com o poder de uma mente poderosa. Seus heróis favoritos são pessoas fortes e obstinadas, com alto qualidades morais. Freqüentemente, eles se encontram em situações dramáticas que exigem compostura especial, grandeza de espírito e força de caráter. O pintor transmitiu seus sentimentos sublimes por meio de poses, expressões faciais e gestos.

Dos temas históricos, Poussin escolheu apenas aqueles em que havia ação, movimento e expressão. Começou a trabalhar na pintura com um estudo cuidadoso da fonte literária (a Sagrada Escritura, as “Metamorfoses” de Ovídio ou “Jerusalém Libertada” de T. Tasso). Se cumprisse os objetivos traçados, o artista ponderava não a complexa vida interior dos personagens, mas o culminar da ação. A luta mental, as dúvidas e as decepções foram relegadas a segundo plano. A fórmula habitual do enredo de Poussin era: “A sorte está lançada, a decisão está tomada, a escolha está feita” (Yu. K. Zolotov).

As ideias do classicismo, em sua opinião, deveriam se refletir na composição da pintura.

Ele contrastou a improvisação com um arranjo cuidadosamente considerado de figuras individuais e grupos principais.

O espaço visual deve ser facilmente visível, os planos devem seguir-se claramente. Para a ação em si, apenas uma pequena área de fundo deve ser alocada. Na maioria das pinturas de Poussin, o ponto de intersecção das diagonais do quadro acaba sendo o seu centro semântico mais importante.

O sistema composicional das pinturas de Poussin baseava-se em dois princípios: o equilíbrio das formas (construindo grupos em torno do centro) e na sua relação livre (afastando-se do centro). A interação destes dois princípios permitiu alcançar uma extraordinária impressão de ordem, liberdade e mobilidade da composição.Ótimo valor

No sistema artístico de Poussin a cor ocupa um lugar. A interligação dos principais sons coloridos foi conseguida graças a um sistema de reflexos: a cor intensa no centro da composição costuma ser acompanhada por cores neutras e opacas. Nicolas Poussin é autor de inúmeras pinturas sobre temas mitológicos, históricos,

temas religiosos , bem como paisagens. Neles você quase sempre encontra mise-en-scène refinada, cheia de reflexão e drama. Voltando-se para o passado distante, ele não recontou, mas recriou e reinterpretou criativamente enredos conhecidos. Pintura de N. Poussin "Pastores Arcadianos"- um dos ápices da criatividade do artista, onde as ideias do classicismo encontraram plena e personificação vívida. Nele pode-se sentir o desejo do autor pela clareza escultural das formas, completude plástica e precisão do desenho, clareza e equilíbrio.

composição geométrica usando o princípio da proporção áurea. A severidade das proporções, o ritmo linear suave e claro transmitiam perfeitamente a severidade e sublimidade de ideias e personagens. sobre a fragilidade da existência terrena e a inevitabilidade da morte. Quatro pastores, moradores da feliz Arcádia (região do sul da Grécia, símbolo de prosperidade eterna, de uma vida serena, sem guerras, doenças e sofrimentos), encontram acidentalmente um túmulo entre os arbustos com a inscrição: “Eu estava em Arcádia. Mas agora não estou entre os vivos, assim como você, que está lendo esta inscrição, não estará.” O significado destas palavras faz-nos pensar... Um dos pastores baixou humildemente a cabeça, apoiando a mão na lápide. O segundo, ajoelhado, passa o dedo pelas letras, tentando ler a inscrição meio apagada.

O terceiro, sem tirar a mão das palavras tristes, lança um olhar interrogativo ao companheiro. A mulher à direita também olha calmamente para a inscrição. Ela colocou a mão em seu ombro, como se tentasse ajudá-lo a aceitar a ideia de seu fim inevitável. Assim, a figura da mulher é percebida como foco da paz espiritual, aquele equilíbrio filosófico ao qual a autora conduz o espectador.

Poussin se esforça claramente para criar imagens generalizadas próximas aos cânones da beleza antiga: elas são verdadeiramente perfeitas fisicamente, jovens e cheias de força. As figuras, que em muitos aspectos lembram estátuas antigas, estão equilibradas no espaço. Em sua escrita, o artista utilizou claro-escuro expressivo.

Profundo ideia filosófica, que está no cerne da imagem, é expresso de uma forma cristalina e classicamente estrita. Tal como num relevo romano, a ação principal ocorre numa área de primeiro plano relativamente rasa. A composição do quadro é extremamente simples e lógica: tudo se constrói sobre um ritmo cuidadosamente pensado de movimentos equilibrados e está subordinado às formas geométricas mais simples, conseguidas graças à precisão dos cálculos matemáticos. Os personagens estão agrupados quase simetricamente perto da lápide, conectados pelo movimento das mãos e pela sensação de uma pausa contínua. O autor consegue criar a imagem de um mundo ideal e harmonioso, organizado de acordo com as mais elevadas leis da razão.

O sistema de cores das pinturas de Poussin geralmente se baseava na crença do autor de que a cor é o meio mais importante para criar volume e profundidade no espaço. A divisão em planos costumava ser enfatizada pela consonância de cores fortes. O primeiro plano era geralmente dominado por amarelo e cores marrons, no segundo - quente, verde, no terceiro - frio, principalmente azul. Nesta foto, tudo está sujeito às leis da beleza clássica: o choque das cores do céu frio com o primeiro plano quente, e a beleza do corpo humano nu, transmitida mesmo em iluminação difusa, foi percebida de maneira especialmente impressionante e sublime contra o fundo da exuberante folhagem verde da paisagem serena.

No geral, a imagem estava imbuída de um sentimento de tristeza oculta, paz e idílica paz de espírito. A reconciliação estóica com o destino, uma aceitação sábia e digna da morte tornaram o classicismo de Poussin semelhante à visão de mundo antiga. A ideia da morte não causava desespero, mas era percebida como uma manifestação inevitável das leis da existência.

Mestres do “gênero galante”: pintura rococó

Os principais temas da pintura rococó são a vida requintada da aristocracia da corte, “festividades galantes”, imagens idílicas da vida de “pastor” tendo como pano de fundo a natureza intocada, o mundo de casos amorosos complexos e alegorias engenhosas. A vida humana é instantânea e passageira, por isso devemos aproveitar o “momento feliz”, apressar-nos para viver e sentir. “O espírito das coisinhas charmosas e arejadas” (M. Kuzmin) torna-se o leitmotiv do trabalho de muitos artistas do “estilo real”.

Para a maioria dos pintores rococó, Vênus, Diana, ninfas e cupidos eclipsam todas as outras divindades. Todos os tipos de “banhos”, “banheiros matinais” e prazeres instantâneos são agora quase o tema principal da imagem. Nomes de cores exóticas estão na moda: “a cor da coxa de uma ninfa assustada” (carne), “a cor de uma rosa flutuando no leite” (rosa claro), “a cor do tempo perdido” (azul). Claramente pensadas, as composições harmoniosas do classicismo dão lugar a designs elegantes e sofisticados.

Antoine Watteau(1684-1721) foi chamado pelos seus contemporâneos de “o poeta do lazer despreocupado”, “o cantor da graça e da beleza”. Em suas obras, ele capturou piqueniques em parques verdes, concertos musicais e teatrais no seio da natureza, confissões apaixonadas e brigas de amantes, encontros idílicos, bailes e máscaras. Ao mesmo tempo, suas pinturas contêm uma tristeza dolorosa, uma sensação de transitoriedade da beleza e da efemeridade do que está acontecendo.

Uma das pinturas famosas do artista - "Peregrinação à ilha de Citera", graças ao qual foi admitido na Real Academia de Pintura e Escultura e recebeu o título de “mestre das festividades galantes”. Adoráveis ​​​​senhoras e galantes cavalheiros reuniram-se na costa florida da baía marítima. Eles navegaram para a ilha de Citera - a ilha da deusa do amor e da beleza Vênus (identificada com deusa grega amo Afrodite), onde, segundo a lenda, ela emergiu da espuma do mar. O festival do amor começa com uma estátua de Vênus e cupidos, um dos quais se abaixa para colocar uma guirlanda de louros na mais bela das deusas. Ao pé da estátua estão empilhadas armas, armaduras, uma lira e livros - símbolos da guerra, das artes e das ciências. Bem, o amor realmente pode conquistar tudo!

A ação se desenrola como um filme, contando sequencialmente a caminhada de cada um dos casais apaixonados. Nas relações entre os personagens, reina a linguagem das dicas: de repente

olhares, um gesto convidativo de leque nas mãos da menina, um discurso cortado no meio da frase... A harmonia do homem e da natureza sente-se em tudo. Mas já é noite, o pôr do sol dourado colore o céu. O feriado do amor está acabando, enchendo de tristeza a diversão despreocupada dos casais apaixonados. Muito em breve eles retornarão ao seu navio, que os levará do mundo irreal para o mundo da realidade cotidiana. Um maravilhoso veleiro - o navio do amor - está pronto para navegar. Tintas quentes e suaves, cores suaves, pinceladas leves que mal tocam a tela - tudo isso cria uma atmosfera especial de charme e amor.

E novamente eu amo a terra porque

Por que os raios do pôr do sol são tão solenes,

Com um pincel leve Antoine Watteau

Tocou meu coração uma vez.

G. Ivanov

A pintura de Watteau pertence às verdadeiras obras-primas "Gilles" (Pierrô), criado como letreiro para apresentações de comediantes viajantes. Gilles é o personagem principal e preferido da comédia de máscaras francesa, semelhante a Pierrot, o herói da commedia dell'arte italiana. A criatura desajeitada e ingênua parece ter sido criada especialmente para o constante ridículo e truques do inteligente e astuto Arlequim. Gilles é retratado em um tradicional terno branco com capa e chapéu redondo. Ele fica imóvel e perdido diante do espectador, enquanto outros comediantes se acomodam para descansar. Ele parece procurar um interlocutor que o ouça e compreenda. Há algo comovente e vulnerável na pose absurda do comediante, com os braços caídos e o olhar fixo. Escondido na aparência cansada e triste do palhaço está o pensamento da solidão de um homem forçado a divertir e entreter um público entediado. A abertura emocional do herói faz dele uma das imagens mais profundas e significativas da história da pintura mundial.

Artisticamente, a pintura é brilhantemente executada. A extrema simplicidade do motivo e da composição é combinada aqui com um design preciso e cuidadosamente pensado esquema de cores. O manto branco fantasmagórico é pintado com movimentos de pincel cuidadosos e ao mesmo tempo ousados. Tons cintilantes de prata pálida, lilás-acinzentado e ocre-acinzentado fluem e brilham, quebrando-se em centenas de destaques trêmulos. Tudo isso cria uma atmosfera incrível para a percepção de profundidade significado filosófico pinturas. Como discordar da afirmação de um de seus contemporâneos: “Watteau pinta não com tintas, mas com mel, âmbar derretido”.

François Boucher(1703-1770) considerava-se um fiel aluno de Watteau. Alguns o chamavam de “artista das graças”, “Anacreonte da pintura”, “pintor real”. Este último viu nele um “artista hipócrita”, “que tem tudo menos a verdade”. Outros ainda observaram com ceticismo: “Sua mão colhe rosas onde outros só encontram espinhos”.

O artista pintou vários retratos cerimoniais da favorita do rei Luís XV, a Marquesa de Pompadour. Sabe-se que ela patrocinou Boucher e mais de uma vez lhe encomendou pinturas de temas religiosos para residências de campo e mansões parisienses. Na foto a heroína é apresentada rodeada de flores espalhadas e objetos luxuosos, que lembram seus gostos artísticos e hobbies. Ela reclina-se majestosamente contra o pano de fundo de cortinas exuberantes e solenes. O livro em suas mãos é uma clara sugestão de iluminação e compromisso com atividades intelectuais.

A Marquesa de Pompadour agradeceu generosamente ao artista, nomeando-o primeiro diretor da Manufatura Gobelin e depois presidente da Academia de Artes, dando-lhe o título de “o primeiro pintor do rei”.

François Boucher voltou-se mais de uma vez para a representação de cenas frívolas, cujos personagens principais eram pastoras tímidas e fofas ou belezas rechonchudas e nuas na forma de Vênus e Dianas mitológicas. Suas pinturas estão repletas de sugestões ambíguas, detalhes picantes (a bainha levantada de uma saia de cetim de uma pastora, a perna levantada coquete de uma Diana tomando banho, um dedo pressionado nos lábios, um olhar eloqüente e convidativo, cordeiros amontoados aos pés de amantes, beijar pombas, etc.). Pois bem, o artista conhecia muito bem a moda e os gostos de sua época!

Na história da pintura mundial, François Boucher continua sendo um magnífico mestre da cor e do design requintado. Composições engenhosamente desenhadas, ângulos incomuns dos personagens, ricos detalhes em cores, reflexos brilhantes de tintas transparentes aplicadas em pequenos traços leves, ritmos suaves e fluidos - tudo isso faz de F. Boucher um pintor insuperável. Suas pinturas se transformam em painéis decorativos, decoram os exuberantes interiores de corredores e salas, invocam o mundo da felicidade, do amor e de lindos sonhos.

Nicolas Poussin - artista classicista Nicolas Poussin A Academia Francesa proclamou a obra do artista o auge do classicismo na pintura.

(1594-1665). Durante sua vida ele foi chamado de “o mais habilidoso e experiente dos mestres modernos do pincel”, e após sua morte foi declarado “a luz da pintura francesa”.

Segundo Poussin, os principais critérios de verdade e beleza artística são a razão e o pensamento. Isto é o que ele pediu para criar “como a natureza e a razão ensinam”. Ao escolher os temas, Poussin deu preferência a feitos heróicos e feitos baseados em elevados motivos cívicos, e não em paixões humanas básicas.

O tema principal da arte, segundo o artista, é aquele que está associado à ideia do sublime e do belo, que pode servir de modelo e meio de cultivar as melhores qualidades morais na pessoa. Poussin dedicou sua obra à glorificação do homem heróico, capaz de conhecer e transformar a natureza com o poder de uma mente poderosa. Seus heróis favoritos são pessoas fortes e obstinadas, com elevadas qualidades morais. Freqüentemente, eles se encontram em situações dramáticas que exigem compostura especial, grandeza de espírito e força de caráter. O pintor transmitiu seus sentimentos sublimes por meio de poses, expressões faciais e gestos.

Dos temas históricos, Poussin escolheu apenas aqueles em que havia ação, movimento e expressão. Começou a trabalhar na pintura com um estudo cuidadoso da fonte literária (Sagrada Escritura, “Metamorfoses” de Ovídio ou “Jerusalém Libertada” de T. Tasso). Se cumprisse os objetivos traçados, o artista ponderava não a complexa vida interior dos personagens, mas o culminar da ação. A luta mental, as dúvidas e as decepções foram relegadas a segundo plano. A fórmula habitual do enredo de Poussin era: “A sorte está lançada, a decisão está tomada, a escolha está feita” (Yu. K. Zolotov).

As ideias do classicismo, em sua opinião, deveriam se refletir na composição da pintura. Ele contrastou a improvisação com um arranjo cuidadosamente considerado de figuras individuais e grupos principais.

O espaço visual deve ser facilmente visível, os planos devem seguir-se claramente. Para a ação em si, apenas uma pequena área de fundo deve ser alocada. Na maioria das pinturas de Poussin, o ponto de intersecção das diagonais do quadro acaba sendo o seu centro semântico mais importante.

O sistema composicional das pinturas de Poussin baseava-se em dois princípios: o equilíbrio das formas (construindo grupos em torno do centro) e na sua relação livre (afastando-se do centro). A interação destes dois princípios permitiu alcançar uma extraordinária impressão de ordem, liberdade e mobilidade da composição.

A cor tem grande importância no sistema artístico de Poussin. A interligação dos principais sons coloridos foi conseguida graças a um sistema de reflexos: a cor intensa no centro da composição costuma ser acompanhada por cores neutras e opacas.

Nicolas Poussin é autor de inúmeras pinturas sobre temas mitológicos, históricos, religiosos, bem como paisagens. Neles você quase sempre encontra mise-en-scène refinada, cheia de reflexão e drama. Voltando-se para o passado distante, ele não recontou, mas recriou e reinterpretou criativamente enredos conhecidos.

temas religiosos , bem como paisagens. Neles você quase sempre encontra mise-en-scène refinada, cheia de reflexão e drama. Voltando-se para o passado distante, ele não recontou, mas recriou e reinterpretou criativamente enredos conhecidos.- um dos pináculos da criatividade do artista, onde as ideias do classicismo encontraram concretização plena e vívida. Nele pode-se sentir o desejo do autor pela clareza escultural das formas, completude plástica e precisão do desenho, clareza e equilíbrio da composição geométrica usando o princípio da proporção áurea. O rigor das proporções e o ritmo linear suave e claro transmitiam perfeitamente a severidade e a sublimidade de ideias e personagens.

A imagem é baseada em um profundo pensamento filosófico sobre a fragilidade da existência terrena e a inevitabilidade da morte. Quatro pastores, moradores da feliz Arcádia (região do sul da Grécia, símbolo de prosperidade eterna, de uma vida serena, sem guerras, doenças e sofrimentos), encontram acidentalmente um túmulo entre os arbustos com a inscrição: “Eu estava em Arcádia. Mas agora não estou entre os vivos, assim como você, que está lendo esta inscrição, também não estará.” O significado destas palavras faz-nos pensar... Um dos pastores baixou humildemente a cabeça, apoiando a mão na lápide. O segundo, ajoelhado, passa o dedo pelas letras, tentando ler a inscrição meio apagada.

O terceiro, sem tirar a mão das palavras tristes, lança um olhar interrogativo ao companheiro. A mulher à direita também olha calmamente para a inscrição. Ela colocou a mão no ombro dele, como se tentasse ajudá-lo a aceitar a ideia de um fim inevitável. Assim, a figura da mulher é percebida como foco da paz espiritual, aquele equilíbrio filosófico ao qual a autora conduz o espectador.

Poussin se esforça claramente para criar imagens generalizadas próximas aos cânones da beleza antiga: elas são verdadeiramente perfeitas fisicamente, jovens e cheias de força. As figuras, que em muitos aspectos lembram estátuas antigas, estão equilibradas no espaço. Em sua escrita, o artista utilizou claro-escuro expressivo.

A profunda ideia filosófica subjacente à imagem é expressa de uma forma cristalina e classicamente estrita. Tal como num relevo romano, a ação principal ocorre numa área de primeiro plano relativamente rasa. A composição do quadro é extremamente simples e lógica: tudo se constrói sobre um ritmo cuidadosamente pensado de movimentos equilibrados e está subordinado às formas geométricas mais simples, conseguidas graças à precisão dos cálculos matemáticos. Os personagens estão agrupados quase simetricamente perto da lápide, conectados pelo movimento das mãos e pela sensação de uma pausa prolongada. O autor consegue criar a imagem de um mundo ideal e harmonioso, organizado de acordo com as mais elevadas leis da razão.

O sistema de cores das pinturas de Poussin baseava-se geralmente na crença do autor de que a cor é o meio mais importante para criar volume e profundidade no espaço. A divisão em planos costumava ser enfatizada pela consonância de cores fortes. Em primeiro plano predominavam geralmente as cores amarelo e marrom, no segundo - quente, verde, no terceiro - frio, principalmente azul. Nesta foto, tudo está sujeito às leis da beleza clássica: o choque das cores do céu frio com o primeiro plano quente, e a beleza do corpo humano nu, transmitida mesmo em iluminação difusa, foi percebida de maneira especialmente impressionante e sublime contra o pano de fundo da exuberante folhagem verde de uma paisagem serena.

No geral, a imagem estava imbuída de um sentimento de tristeza oculta, paz e paz de espírito idílica. A reconciliação estóica com o destino e a aceitação sábia e digna da morte alinharam o classicismo de Poussin com a visão de mundo antiga. A ideia da morte não causava desespero, mas era percebida como uma manifestação inevitável das leis da existência.

Mestres do “gênero galante”: pintura rococó

Os principais temas da pintura rococó são a vida requintada da aristocracia da corte, “festividades galantes”, imagens idílicas da vida de “pastor” tendo como pano de fundo a natureza intocada, o mundo de casos amorosos complexos e alegorias engenhosas. A vida humana é instantânea e passageira, por isso devemos aproveitar o “momento feliz”, apressar-nos para viver e sentir. “O espírito das coisinhas charmosas e arejadas” (M. Kuzmin) torna-se o leitmotiv do trabalho de muitos artistas do “estilo real”.

Para a maioria dos pintores rococó, Vênus, Diana, ninfas e cupidos eclipsam todas as outras divindades. Todos os tipos de “banhos”, “banheiros matinais” e prazeres instantâneos são agora quase o tema principal da imagem. Nomes de cores exóticas estão na moda: “a cor da coxa de uma ninfa assustada” (carne), “a cor de uma rosa flutuando no leite” (rosa claro), “a cor do tempo perdido” (azul). Claramente pensadas, as composições harmoniosas do classicismo dão lugar a designs elegantes e sofisticados.

Antoine Watteau(1684-1721) foi chamado pelos seus contemporâneos de “o poeta do lazer despreocupado”, “o cantor da graça e da beleza”. Em suas obras, ele capturou piqueniques em parques verdes, concertos musicais e teatrais no seio da natureza, confissões apaixonadas e brigas de amantes, encontros idílicos, bailes e máscaras. Ao mesmo tempo, suas pinturas contêm uma tristeza dolorosa, uma sensação de transitoriedade da beleza e da efemeridade do que está acontecendo.

Uma das famosas pinturas do artista - “Peregrinação à ilha de Citera”, graças ao qual foi admitido na Real Academia de Pintura e Escultura e recebeu o título de “mestre das festividades galantes”. Adoráveis ​​​​senhoras e galantes cavalheiros reuniram-se na costa florida da baía marítima. Eles navegaram para a ilha de Citera - a ilha da deusa do amor e da beleza Vênus (identificada com a deusa grega do amor Afrodita), onde, segundo a lenda, ela emergiu da espuma do mar. O festival do amor começa com uma estátua representando Vênus e cupidos, um dos quais se abaixa para colocar uma guirlanda de louros na mais bela das deusas. Ao pé da estátua estão empilhadas armas, armaduras, uma lira e livros - símbolos da guerra, das artes e das ciências. Bem, o amor realmente pode conquistar tudo!

A ação se desenrola como um filme, contando sequencialmente a caminhada de cada um dos casais apaixonados. Nas relações entre os personagens, reina a linguagem das dicas: de repente

olhares, um gesto convidativo de um leque nas mãos da menina, um discurso cortado no meio da frase... A harmonia do homem e da natureza sente-se em tudo. Mas já é noite, o pôr do sol dourado colore o céu. O feriado do amor está acabando, enchendo de tristeza a diversão despreocupada dos casais apaixonados. Muito em breve eles retornarão ao seu navio, que os levará do mundo irreal para o mundo da realidade cotidiana. Um maravilhoso veleiro - o navio do amor - está pronto para navegar. Tintas quentes e suaves, cores suaves, pinceladas leves que mal tocam a tela - tudo isso cria uma atmosfera especial de charme e amor.

E novamente eu amo a terra porque

Por que os raios do pôr do sol são tão solenes,

Com um pincel leve Antoine Watteau

Tocou meu coração uma vez.

G. Ivanov

A pintura de Watteau pertence às verdadeiras obras-primas "Gilles" (Pierrô), criado como letreiro para apresentações de comediantes viajantes. Gilles é o personagem principal e preferido da comédia de máscaras francesa, semelhante a Pierrot, o herói da commedia dell'arte italiana. A criatura desajeitada e ingênua parece ter sido criada especialmente para o constante ridículo e truques do inteligente e astuto Arlequim. Gilles é retratado em um tradicional terno branco com capa e chapéu redondo. Ele fica imóvel e perdido diante do espectador, enquanto outros comediantes se acomodam para descansar. Ele parece procurar um interlocutor que o ouça e compreenda. Há algo comovente e vulnerável na pose absurda do comediante, com os braços caídos e o olhar fixo. Escondido na aparência cansada e triste do palhaço estava o pensamento da solidão de um homem forçado a divertir e entreter um público entediado. A abertura emocional do herói faz dele uma das imagens mais profundas e significativas da história da pintura mundial.

Artisticamente, a pintura é brilhantemente executada. A extrema simplicidade do motivo e da composição é combinada aqui com um design preciso e um esquema de cores cuidadosamente pensado. O manto branco fantasmagórico é pintado com movimentos cuidadosos e ao mesmo tempo ousados ​​​​do pincel. Tons cintilantes de prata pálida, lilás-acinzentado e ocre-acinzentado fluem e brilham, quebrando-se em centenas de destaques trêmulos. Tudo isso cria uma atmosfera incrível para perceber o profundo significado filosófico da imagem. Como discordar da afirmação de um de seus contemporâneos: “Watteau pinta não com tintas, mas com mel, âmbar derretido”.

François Boucher(1703-1770) considerava-se um fiel aluno de Watteau. Alguns o chamavam de “artista das graças”, “Anacreonte da pintura”, “pintor real”. Este último viu nele um “artista hipócrita”, “que tem tudo menos a verdade”. Outros ainda observaram com ceticismo: “Sua mão colhe rosas onde outros só encontram espinhos”.

O pincel do artista inclui vários retratos cerimoniais da favorita do rei Luís XV, a Marquesa de Pompadour. Sabe-se que ela patrocinou Boucher e mais de uma vez lhe encomendou pinturas de temas religiosos para residências de campo e mansões parisienses. Na foto Na foto a heroína é apresentada rodeada de flores espalhadas e objetos luxuosos, que lembram seus gostos artísticos e hobbies. Ela reclina-se majestosamente contra o pano de fundo de cortinas exuberantes e solenes. O livro em suas mãos é uma clara sugestão de iluminação e compromisso com atividades intelectuais. A Marquesa de Pompadour agradeceu generosamente ao artista, nomeando-o primeiro diretor da Manufatura Gobelin e depois presidente da Academia de Artes, dando-lhe o título de “o primeiro pintor do rei”.

François Boucher voltou-se mais de uma vez para a representação de cenas frívolas, cujos personagens principais eram pastoras tímidas e fofas ou belezas rechonchudas e nuas na forma de Vênus e Dianas mitológicas. Suas pinturas estão repletas de sugestões ambíguas, detalhes picantes (a bainha levantada da saia de cetim da pastora, a perna levantada coquete da Diana no banho, um dedo pressionado nos lábios, um olhar eloqüente e convidativo, cordeiros amontoados aos pés de amantes, beijando pombas e etc.). Pois bem, o artista conhecia muito bem a moda e os gostos de sua época!

Na história da pintura mundial, François Boucher continua sendo um magnífico mestre da cor e do desenho requintado. Composições engenhosamente desenhadas, ângulos incomuns dos personagens, ricos detalhes em cores, reflexos brilhantes de tintas transparentes aplicadas com pequenos traços leves, ritmos suaves e fluidos - tudo isso faz de F. Boucher um pintor insuperável. Suas pinturas se transformam em painéis decorativos, decoram os exuberantes interiores de corredores e salas, invocam o mundo da felicidade, do amor e de lindos sonhos.

Perguntas e tarefas

1. Por que a obra de N. Poussin é considerada o auge do classicismo na pintura? Qual foi o motivo da proclamação do culto a este mestre? Qual tema e por que ele deu preferência? Você poderia comprovar a validade da avaliação do artista francês J. L. David, que falou de Poussin como um mestre “imortal” que “imortalizou na tela as mais sublimes lições de filosofia”?

2. Poussin observou: “Para mim não há pequenas coisas que possam ser negligenciadas... A minha natureza leva-me a procurar e a amar coisas perfeitamente organizadas, evitando a desordem, que é tão repugnante para mim como a escuridão é para a luz”. Como esse princípio é incorporado no trabalho do artista? Como isso se relaciona com a teoria do classicismo que ele desenvolveu?

3. O que une maiores mestres“gênero galante” - A. Watteau e F. Boucher? Qual é a diferença deles? Boucher pode ser considerado um verdadeiro aluno de Watteau?

Oficina criativa

1. Compare os autorretratos de artistas que você conhece com o “Autorretrato” de Poussin. O que exatamente torna esta peça diferente? Podemos dizer que foi feito de forma clássica?

2. Conheça a pintura “A Morte de Germânico” de Poussin, que lhe trouxe fama e é considerada uma obra programática do classicismo. Quais recursos sistema artístico Esse estilo está refletido nele? Quão legítima é a afirmação de que “só esta pintura seria suficiente para preservar o nome de Poussin na Eternidade” (A. Fusli)?

3. Realizar um estudo da evolução da paisagem na obra de Pousse-Saint. O que é papel artístico? Por que você acha que a natureza “tal como é” não satisfez o artista e ele nunca pintou paisagens da natureza? Como suas obras transmitem o contraste entre a existência eterna da natureza e a transitoriedade vida humana? Por que a presença de uma pessoa é sempre sentida em suas paisagens? Por que em muitas pinturas você pode ver figuras humanas solitárias olhando para o espaço circundante? Por que muitas vezes são trazidos à tona e seu olhar se dirige para as profundezas da paisagem?

4. E. Delacroix viu em N. Poussin “um grande pintor que entendia mais de arquitetura do que arquitetos”. Quão justo é esse ponto de vista? É possível dizer que a arquitetura muitas vezes se torna o principal e herói positivo suas obras? Você concorda que Poussin muitas vezes organiza o espaço de acordo com os princípios da performance teatral clássica?

5. É possível comprovar a validade das palavras de um dos pesquisadores de que “na arte material, Watteau conseguiu milagrosamente expressar o que parecia acessível apenas à música”? Isso é verdade? Ouça a música Compositor francês F. Couperin (1668-1733). Até que ponto está em consonância com a obra do artista, em que medida expressa o gosto e o estado de espírito da época rococó?

6. O educador francês Denis Diderot criticou ironicamente o trabalho de Boucher: “Que cores! Que variedade! Que riqueza de objetos e pensamentos! Este homem tem tudo, menos a verdade... Que monte de objetos heterogêneos! Você sente toda a sua falta de sentido; e ao mesmo tempo você não consegue se desvencilhar da imagem. Ela atrai você e você involuntariamente retorna para ela. Este é um estilo de rock tão agradável, uma extravagância tão inimitável e rara. Tem muita imaginação, efeito, magia e leveza!” Que avaliações de Diderot você compartilha e do que você discorda? Por que?

Tópicos de projetos, resumos ou mensagens

“Nicolas Poussin e a Antiguidade: tramas e imagens heróicas”; “O papel artístico e a evolução da paisagem na obra de Poussin”; “Motivos arquitetônicos nas obras de Poussin”; "Predecessores e Seguidores de Poussin"; “A obra de Poussin e as tradições do teatro do classicismo”; “Mestres do “gênero galante” (pintura rococó)”; "UM. Watteau é um pintor de alegria e tristeza”; “O domínio da cor nas obras de A. Watteau”; “Teatralidade e musicalidade da pintura de A. Watteau”; ““O Artista das Graças” F. Boucher”; “Traços característicos da arte decorativa e aplicada do Rococó”.

Livros para leitura adicional

Alemão M. Yu. M., 2001.

Glikman AS Nicolas Poussin. eu.; M., 1964.

Daniel S. M. Rococó. De Watteau a Fragonard. São Petersburgo, 2007.

Zolotov Yu. M., 1988.

Kantor A. M. et al. Arte XVIII século. M., 1977. (Pequena história das artes).

Kaptereva T., Bykov V. Arte França XVII século. M., 1969.

Kozhina E. F. Arte da França no século XVIII. L., 1971.

Nemilova I. S. Mistérios de pinturas antigas. M., 1996.

Rotenberg E. I. Europa Ocidental arte XVII século. M., 1971. (Monumentos de arte mundial).

Sokolov M. N. Imagens cotidianas na pintura da Europa Ocidental dos séculos XV-XVII. M., 1994.

Chegodaev A. D. Antoine Watteau. M., 1963.

Yakimovich A.K. Novos tempos: Arte e cultura dos séculos XVII-XVIII. São Petersburgo, 2004.

Na preparação do material, o texto do livro didático “Mundo cultura artística. Do século XVIII até o presente” (Autor G. I. Danilova).

CLASSICISMO - (do latim classicus - exemplar) - estilo artístico Arte europeia dos séculos XVII-XIX, uma das características mais importantes da qual foi o apelo à arte antiga como modelo mais elevado e a confiança nas tradições alta Renascença. A arte do classicismo refletia as ideias da estrutura harmoniosa da sociedade, mas em muitos aspectos as perdeu em comparação com a cultura do Renascimento. Os conflitos entre personalidade e sociedade, ideal e realidade, sentimentos e razão atestam a complexidade da arte do classicismo.

Formas de arte O classicismo é caracterizado pela estrita organização, equilíbrio, clareza e harmonia das imagens. A arquitetura do classicismo é caracterizada por um sistema de ordem inspirado em exemplares antigos, clareza e correção geométrica de volumes e traçados, pórticos, colunas, estátuas e relevos que se destacam na superfície das paredes. Ordem Jônica Ordem Dórica Ordem Coríntia

Na pintura, o desenvolvimento lógico do enredo, uma composição clara e equilibrada, uma transferência clara de volume, com a ajuda do claro-escuro o papel subordinado da cor e o uso de cores locais (Nicolas Poussin) adquiriram a importância principal. As façanhas de Rinaldo As façanhas de Rinaldo 1628

Pastores em Arcádia Pastores em Arcádia

O classicismo do século XVIII e início do século XIX (na história da arte estrangeira é frequentemente chamado de neoclassicismo), que se tornou um estilo pan-europeu, formou-se principalmente no seio de Cultura francesa, sob forte influência das ideias do Iluminismo. Drama corajoso de história e imagens de retrato inerente às obras do capítulo Classicismo francês, pintor Jacques Louis David. A travessia dos Alpes por Napoleão

Bertel Thorvaldsen JasonBertel Thorvaldsen Jason, Museu Thorvaldsen Copenhague Jean Antoine Houdon. Voltaire "Comédie Française", Paris

Classicismo russo na segunda metade do século XVIII - início do século XIX séculos incorporou um novo florescimento de cultura, sem precedentes em escopo, pathos nacional e conteúdo ideológico: conjuntos arquitetônicos e estruturas de V. Bazhenov, M. Kazakov, G. Quarenghi, A. Zakharov, K. Rossi, A. Voronikhin, esculturas de M. Kozlovsky, F. Shchedrin, I. Martos, pinturas de A. Losenko, A. Ivanov e outros.

Ivanov A.A. Aparição de Cristo a Maria Madalena após a ressurreição

MHC, 11º ano

Lição #8

Multar

arte do classicismo

e rococó

D.Z.: Capítulo 8, ?? (pág.83), televisão. atribuições (p.83-85)

© IA Kolmakov

OBJETIVOS DA LIÇÃO

• Introduzir alunos com traços característicos das artes plásticas do classicismo e do rococó;
• Desenvolver habilidade estudar o material de forma independente e prepará-lo para apresentação; continuar a desenvolver a capacidade de analisar uma obra de arte;
• Levantar a questão cultura de percepção das obras de arte.

CONCEITOS, IDEIAS

• N.Poussin;
• sistema composicional;
• "Pastores Arcadianos";
• A. Watteau;
• “Peregrinação à ilha de Citera”;
• "Gilles";
• F. Boucher;
• Na foto ;
• "gênero galante";
• racionalismo

Testando o conhecimento dos alunos

• Por que Versalhes pode ser considerado uma obra notável? Explique sua resposta.
• Como ideias de planejamento urbano XVIII classicismo V. encontraram sua concretização prática nos conjuntos arquitetônicos de Paris, por exemplo, a Place de la Concorde? O que a distingue das praças barrocas italianas de Roma do século XVII, por exemplo a Piazza del Popolo (ver p. 74)?
• Qual é a ligação entre a arquitetura barroca e a clássica? Que ideias o classicismo herdou do barroco?
• O que são antecedentes históricos para o surgimento do estilo Império? Que novas ideias de seu tempo ele se esforçou para expressar em obras de arte? Em quais princípios artísticos ele se baseia?

Atividades de aprendizagem universais

•  determinar revelar originalidade encontrar e avaliações de figuras culturais
•  determinar conteúdo estético, espiritual e expressão de ideias sociais em obras de arte do classicismo;
• revelar originalidade estilo criativo de artistas do classicismo e rococó em comparação com contemporâneos e figuras de épocas anteriores;
• encontrar utilizando diversos meios, destacar, estruturar e apresentar em forma de mensagem e apresentação as informações necessárias sobre a pintura do classicismo e do rococó;
• distinguir características características estilo individual do autor, avalie o estilo criativo do artista;
• conduta análise comparativa obras de mestres do “gênero galante” (A. Watteau e F. Boucher);
• destacar e caracterizar os conceitos mais importantes , leis e teorias das artes plásticas do classicismo (a exemplo da obra de N. Poussin);
• comentar sobre pontos de vista científicos e avaliações de figuras culturais

APRENDENDO NOVO MATERIAL

Atribuição de aula. Qual é o significado do classicismo nas artes plásticas para a civilização e a cultura mundial?

sub-perguntas

• Nicolas Poussin - artista classicista . Glorificação de uma pessoa heróica. Características características de pinturas (por exemplo pinturas famosas). O racionalismo como princípio fundamental da criatividade artística.
• Mestres do “gênero galante”: pintura rococó *. Os principais temas da pintura rococó e suas personificação artística(por exemplo obras famosas A. Watteau e F. Boucher)

Nicolas Poussin

artista classicista

A Academia Francesa proclamou a obra do artista o auge do classicismo na pintura. Nicolas Poussin (1594-1665). Durante sua vida, ele foi chamado de “o mais habilidoso e experiente dos mestres modernos do pincel” e, após sua morte, foi declarado “o farol da pintura francesa”.

Poussin malhou criativo

método, que é baseado em

coloque o seu

compreensão das leis

beleza.

Meu ideal ele viu em

proporcionalidade das partes do todo,

em ordem externa,

harmonia e clareza das formas.

N. Poussin. Auto-retrato.

Nicolas Poussin

artista classicista

Chamado para criar

então, “como eles ensinam

natureza e razão."

Ao escolher temas

deu

preferência

heróico

ações e feitos,

baseado em

deitar alto

civil

motivos, não

baixo

humano

paixões.

Assunto principal

considerada arte

o que está associado

ideia sobre

sublime e

maravilhoso isso

pode servir

modelo para

imitação e

significa

levantando o melhor

qualidades morais em

pessoa.

N. Poussin. Tancredo e Ermínia. Final da década de 1620, início da década de 1630 Museu Hermitage do Estado, São Petersburgo

Nicolas Poussin

artista classicista

De histórias históricas

escolheu apenas aqueles em que

houve ação, movimento e

expressão. Trabalhando em uma pintura

começou com atenção

estudando literatura

fonte (Sagrada Escritura,

As "Metamorfoses" de Ovídio ou

"Jerusalém Libertada"

T.Tasso). Se ele respondeu

Para os objetivos traçados, artista

Eu estava pensando em algo não complicado

a vida interior dos heróis,

o ápice da ação. Luta mental, dúvidas e

decepções foram deixadas de lado

segundo plano. História normal

A fórmula de Poussin foi:

"A sorte está lançada, a decisão

aceito, a escolha foi feita” (Yu.K.

Zolotov).

Poussin. Paisagem com Diógenes

Nicolas Poussin

artista classicista

Sistema de composição pinturas

Poussin foi construído sobre dois

princípios: equilíbrio

formulários (construindo grupos em torno

centro) e em seu livre

proporção (mudança em

lado do centro), que

tornou possível alcançar

impressão extraordinária

ordem, liberdade e

mobilidade da composição.

Grande valor em

sistema artístico

Poussin ocupa coloração .

Relação entre os principais

sons coloridos

foi conseguido graças a sistema

reflexos : cor intensa em

o centro da composição é geralmente

acompanhado por dim

cores neutras.

Poussin. Davi, o vencedor

Nicolas Poussin

artista classicista

N. Poussin.

árcade

pastores.

A imagem é baseada em

profundamente filosófico

o pensamento da mortalidade

existência terrena e

a inevitabilidade da morte. Quatro pastores

residentes da feliz Arcádia

(regiões do sul da Grécia,

que é um símbolo

bem-estar eterno,

vida serena sem

guerras, doenças e sofrimento),

acidentalmente encontrado entre

matagais

túmulo com a inscrição: "E eu

Eu estava na Arcádia. Mas agora

Eu não estou entre os vivos

nem você vai agora

lendo esta inscrição."

O significado destas palavras faz você pensar no mortal, repensar o presente...

A pintura de N. Poussin “Os Pastores Arcadianos” é um dos pináculos da obra do artista, onde as ideias do classicismo encontraram uma concretização plena e vívida. Nele pode-se sentir o desejo do autor pela clareza escultural das formas, completude plástica e precisão do desenho, clareza e equilíbrio da composição geométrica usando o princípio da proporção áurea.

Nicolas Poussin

artista classicista

Sistema colorístico de pinturas

Poussin geralmente era construído

a cor é o mais importante

meios para criar volume

e profundidade do espaço. Divisão em planos

foi enfatizado pela consonância

cores fortes. No primeiro

o plano prevaleceu na maioria das vezes

cores amarelo e marrom

o segundo - quente, verde, ligado

terceiro - frio, antes

tudo azul. Nesta foto

tudo está sujeito a leis

beleza clássica: cor

a colisão do céu frio com

primeiro plano quente,

beleza dos nus

corpo humano, transmitido

mesmo em iluminação difusa,

foi percebido especialmente

impressionante e sublime contra o fundo

folhagem verde exuberante

paisagem serena.

Nicolas Poussin. Narciso e Eco. Por volta de 1630

A. Batto.

Peregrinação

para a ilha de Citera. 1717

Louvre, Paris

Mestres

"gênero galante":

pintura rococó

Vênus, Diana, ninfas e

cupidos ofuscar tudo

outras divindades. Todos os tipos

"banho", "manhã"

banheiros" e instantâneo

prazeres são

agora quase

assunto principal

imagens.

Incluído na moda

nomes exóticos

cores: "cor do quadril"

ninfa assustada"

( corporalmente ), "a cor de uma rosa,

flutuando no leite"

( rosa pálido ), "cor

tempo perdido"

( azul ). Claramente

pensativo, esguio

composições do classicismo

dê lugar à graciosa

e design sofisticado.

Os principais temas da pintura rococó são a vida requintada da aristocracia da corte, "festividades galantes" imagens idílicas da vida de “pastor” tendo como pano de fundo uma natureza intocada, um mundo de casos amorosos complexos e alegorias engenhosas "estilo real"

Mestres

"gênero galante":

pintura rococó

Antoine Watteau (1684-1721)

contemporâneos chamados

"poeta do lazer despreocupado"

"cantora de graça e beleza." Em suas obras ele

piqueniques capturados em

parques perenes,

musical e teatral

concertos no meio da natureza,

confissões e brigas apaixonadas

amantes, idílico

encontros, bailes e máscaras.

Ao mesmo tempo, em suas pinturas

há uma tristeza dolorosa,

sensação de transitoriedade

beleza e efemeridade

o que está acontecendo.

Mestres

"gênero galante":

pintura rococó

"Peregrinação à ilha de Citera" graças ao qual A. Batto foi admitido na Real Academia de Pintura e Escultura e recebeu o título de “mestre das festividades galantes”. Adoráveis ​​​​senhoras e galantes cavalheiros reuniram-se na costa florida da baía marítima. Eles navegaram para a ilha de Citera - a ilha da deusa do amor e da beleza Vênus (identificada com a deusa grega do amor Afrodite), onde, segundo a lenda, ela emergiu da espuma do mar. A festa do amor começa na estátua com a imagem de Vênus e Cupidos.

“Watteau pinta não com tintas, mas com mel derretido

âmbar."

Mestres

"gênero galante":

pintura rococó

Para verdadeiras obras-primas

pertence à pintura Watt UM

"Gilles" ("Pierrô") criado em

como um sinal para

apresentações viajando

comediantes Gilles é o principal e

personagem favorito

Comédia francesa de máscaras,

análogo de Pierrot - o herói do italiano

comédia da arte . Desajeitado

parece uma criatura ingênua

especialmente criado para

demolir constantemente

ridículo e truques dos inteligentes e

astuto Arlequim. Gilles

retratado em branco tradicional

terno com capa e rodada

chapéu. Ele está imóvel e

fica perdido na frente do espectador,

enquanto outros comediantes

acomode-se para descansar.

A. Bammo. Gilles (Pierrô). Fragmento. 1720 Louvre, Paris

Mestres

"gênero galante":

pintura rococó

François Boucher (1703-1770) acreditava

ele mesmo como um aluno fiel de Watt. Sozinho

eles o chamaram de "o artista da graça"

"O Anacreonte da Pintura"

"pintor real" Segundo

o via como um “artista hipócrita”,

que tem tudo menos a verdade.

Outros ainda notaram com ceticismo: “Seu

mão coleta rosas onde outros

eles encontram apenas espinhos.”

Os pincéis do artista pertencem a vários

retratos cerimoniais do favorito

Rei Luís XV Marquesa de

Pompadour: patrocinado

Boucher, eu pedi a ele mais de uma vez

pinturas sobre temas religiosos

para residências rurais e

Mansões parisienses. Marquesa

agradeceu generosamente ao artista,

tendo-o primeiro nomeado diretor

Manufatura Gobelin, então

Presidente da Academia de Artes,

dando-lhe o título de "primeiro

o pintor do rei."

F. Boucher. Madame de Pompadour.

Mestres

"gênero galante":

pintura rococó

François Boucher voltou-se mais de uma vez para

representação de cenas frívolas,

cujos personagens principais foram

vaqueiras fofas e tímidas ou

belezas gordas e nuas em

na forma das mitológicas Vênus e Diana. Dele

as pinturas estão repletas de ambíguas

dicas.

Na história da pintura mundial François

Boucher ainda permanece

um magnífico mestre da coloração e

design requintado. Inteligente

composições resolvidas, incomuns

ângulos dos personagens, cores ricas

acentos, destaques brilhantes de cores transparentes,

aplicado em pinceladas pequenas e leves,

ritmos suaves e fluidos - tudo isso

torna F. Boucher insuperável

pintor. Suas pinturas giram

em painéis decorativos, decorar

interiores exuberantes de corredores e salas de estar,

eles chamam para o mundo da felicidade, do amor e

lindos sonhos. O artista é maravilhoso

conhecia a moda e os gostos de sua época!

F. Boucher. Café da manhã.

Perguntas de segurança

1. Por que a obra de N. Poussin é considerada o auge do classicismo na pintura? Qual foi o motivo da proclamação do culto a este mestre? Qual tema e por que ele deu preferência? Você poderia comprovar a validade da avaliação do artista francês J. L. David, que falou de Poussin como um mestre “imortal” que “imortalizou na tela as mais sublimes lições de filosofia”?

2. N. Poussin disse: “Para mim não há pequenas coisas que possam ser negligenciadas... A minha natureza leva-me a procurar e a amar as coisas perfeitamente organizadas, evitando a desordem, que é tão repugnante para mim como a escuridão é para a luz .” Como esse princípio é incorporado no trabalho do artista? Como isso se relaciona com a teoria do classicismo que ele desenvolveu?

3. O que une os maiores mestres do “gênero galante” - A. Watteau e F. Boucher? Qual é a diferença deles? Boucher pode ser considerado um verdadeiro aluno de Watteau?

Oficina criativa

1. Compare autorretratos de artistas que você conhece com o autorretrato

N. Poussin. O que exatamente torna esta peça diferente? Podemos dizer que foi feito de forma clássica? Dê razões para sua resposta.

2. Conheça a pintura “A Morte de Germânico” de N. Poussin, que lhe trouxe fama e é considerada uma obra programática do classicismo. Que características do sistema artístico deste estilo se refletem nele? Quão legítima é a afirmação de que “só esta pintura seria suficiente para preservar o nome de Poussin na Eternidade” (A. Fusli)?

3. Realizar um estudo da evolução da paisagem nas obras de N. Poussin. Qual é o seu papel artístico? Por que você acha que a natureza “tal como é” não satisfez o artista e ele nunca pintou paisagens da natureza? Como suas obras transmitem o contraste entre a existência eterna da natureza e a brevidade da vida humana? Por que a presença de uma pessoa é sempre sentida em suas paisagens? Por que em muitas pinturas você pode ver figuras humanas solitárias olhando para o espaço circundante? Por que muitas vezes são trazidos à tona e seu olhar se dirige para as profundezas da paisagem?

4. E. Delacroix viu em N. Poussin “um grande pintor que entendia mais de arquitetura do que arquitetos”. Quão justo é esse ponto de vista? É possível dizer que a arquitetura muitas vezes se torna o herói principal e positivo de suas obras? Você concorda que Poussin muitas vezes organiza o espaço de acordo com os princípios da performance teatral clássica? Explique sua resposta.

5*. Tente provar a veracidade das palavras de um dos pesquisadores,

que “Na arte material, Watteau milagrosamente conseguiu expressar o que parecia acessível apenas à música”. Isso é verdade? Ouça a música do compositor francês F. Couperin (1668-1733). Até que ponto está em consonância com a obra do artista, em que medida expressa o gosto e o estado de espírito da época rococó?

Tópicos de apresentações, projetos

• “Nicolas Poussin e a Antiguidade: tramas e imagens heróicas”;
• “O papel artístico e a evolução da paisagem na obra de N. Poussin;
• “Motivos arquitetônicos nas obras de N. Poussin”;
• “Predecessores e seguidores de N. Poussin”;
• “A obra de N. Poussin e as tradições do teatro do classicismo”;
• “Mestres do “gênero galante” (pintura rococó)”;
• "UM. Watteau é um pintor de alegria e tristeza”;
• “O domínio da cor nas obras de A. Watt”;
• “Teatralidade e musicalidade da pintura de A. Watteau”;
• “O Artista das Graças” F. Boucher”;
• "Traços característicos da arte decorativa e aplicada do Rococó."

• Hoje eu descobri...
• Foi interessante...
• Foi difícil...
• Aprendi...
• eu consegui...
• Fiquei surpreso...
• eu queria...

Literatura:

• Programas para instituições educacionais. Danilova G.I. Cultura artística mundial. – M.: Abetarda, 2011
• Danilova, G.I. 11º ano Nível básico: livro didático / G.I. Danilova. M.: Abetarda, 2014.
• Shilova Galina Gennadievna, professora da Escola Secundária nº 1 da Instituição Educacional Municipal, Okhansk, Território de Perm

MHC, 11º ano
Lição #6
Arte
classicismo e
rococó
DZ: Capítulo 6, ?? (pág.63), televisão.
tarefas (p.63-65), guia. (Com.
63) preencher caderno
© A.I. Kolmakov

OBJETIVOS DA LIÇÃO
dar uma ideia de arte
classicismo, sentimentalismo e
rococó;
amplie seus horizontes e habilidades analíticas
gêneros de arte;
educar nacional
autoconsciência e autoidentificação,
respeito pela criatividade musical
rococó.

CONCEITOS, IDEIAS

O. Fragonard;
classicismo;
G. Rigo;
rococó;
sentimentalismo;
hedonismo;
rocaillea;
mascarões;
V.L. Borovikovsky;
Império;
JJ Rousseau

Testando o conhecimento dos alunos

1. Quais são as características cultura musical barroco? Como
É diferente da música renascentista? Dê razões
sua resposta com exemplos específicos.
2. Por que C. Monteverdi é considerado o primeiro compositor barroco? EM
Como se expressou o caráter reformista de sua obra? O que
característica do “Excited Style” de sua música? Qual
Este estilo se reflete nas obras de ópera
compositor? O que une criatividade musical PARA.
Monteverdi com obras de arquitetura e pintura barroca?
3. O que distingue a criatividade musical de J. S. Bach? Por que ele
é geralmente considerado no âmbito da cultura musical barroca?
Você já ouviu música de órgão JS Bach? Onde?
Quais são suas impressões? Que grandes obras
compositores dos quais você é particularmente próximo? Por que?
4. Quais são os traços característicos da música barroca russa? O que
foram concertos partes do século XVII - início do XVIII V.?
Por que o desenvolvimento da música barroca russa está associado a
formação escola de compositor na Rússia? Qual
a espiritualidade impressiona você música coral EM.
Berezovsky e D.S. Bortnyansky?

Atividades de aprendizagem universais

determinar
identificar significativo
recursos essenciais
sinais de estilos
estilos de classicismo
classicismo
E
e rococó,
rococó, correlacionar
relacioná-los com um certo histórico
era;
era;
pesquisar
explorar relações de causa e efeito,
comunicações,
padrões
padrões de mudança
mudanças na arte
modelos artísticos
modelos do mundo;
paz;
avaliar
avaliar a estética
estético, espiritual
espiritual e
e artístico
artístico
valor
valor cultural e histórico
era cultural e histórica;
eras;
identificar
identificar maneiras
maneiras e
e significa
meio de expressão
expressões de público
ideias
ideias e
e estético
ideais estéticos
ideais da época
era em
em andamento
processo de análise
análise
funciona
obras de arte do classicismo,
classicismo, rococó e
sentimentalismo;
sentimentalismo;
encontrar
encontrar associativo
conexões associativas
comunicações e
e diferenças
diferenças entre
artístico
imagens artísticas do classicismo, barroco e
rococó,
Rococó, apresentado em vários
vários tipos
tipos de arte;
arte;
caracterizar
caracterizar o principal
principais características,
recursos, imagens
imagens e temas
tópicos
arte
arte do classicismo,
classicismo, rococó
Rococó e
e sentimentalismo;
sentimentalismo;
apresentar
apresentar hipóteses
hipóteses, insira
entrar em diálogo
dialogar, argumentar
discutir
ter
próprio ponto
ponto de vista
ver por
de acordo com o formulado
formulado
problemas;
problemas;
sistematizar
sistematizar e
e generalizar
resumir as descobertas
conhecimento adquirido
conhecimento sobre
sobre
principal
principais estilos e movimentos de arte
arte dos séculos XVII-XVIII
(Trabalho
(trabalhando com uma mesa)
mesa)

APRENDENDO NOVO MATERIAL
1. Estética
classicismo.
2. Rococó e
sentimentalismo.
Atribuição de aula. Qual é o significado para o mundo
civilizações e culturas têm estética
classicismo, arte rococó e
sentimentalismo?

sub-perguntas

1.
1.
2.
2.
Estética
Estética do classicismo.
classicismo. Apelo
Apelo ao antigo
antigo
herança
patrimônio e
e humanístico
ideais humanísticos do Renascimento.
Saída
Desenvolvendo o seu próprio
estética própria
programa estético.
programas.
Principal
O conteúdo principal da arte
arte do classicismo
classicismo e
e ele
dele
criativo
método criativo.
método. Características
Características do classicismo
classicismo em
em vários
vários
tipos
tipos de arte.
arte. Formação de um sistema de estilo
sistemas
classicismo
classicismo na França
França e sua influência no desenvolvimento
artístico
cultura artística
Culturas da Europa Ocidental
Países da Europa Ocidental.
países
Conceito
Conceito de
sobre estilo
Estilo império
Estilo império
Rococó
Rococó e
e sentimentalismo*.
sentimentalismo*. Origem
Origem do termo
prazo
"rococó".
"rococó". Origens
Origens da arte
estilo artístico
estilo e
e ele
dele
característica
traços característicos. Tarefas
Problemas rococó
Rococó (em
(por exemplo
exemplo
obras-primas
obras-primas de artes e ofícios
artes decorativas e aplicadas).
Sentimentalismo
Sentimentalismo como
como um
um dos
de artístico
movimentos artísticos
correntes
V
dentro de
no quadro do classicismo.
classicismo. Estética
Estética do sentimentalismo
sentimentalismo e
E
dele
seu fundador
fundador J.
J. J.
J. Rousseau.
Rousseau. Especificidades
Especificidades do russo
russo
sentimentalismo
sentimentalismo na literatura
literatura e pintura (V.L.
Borovikovsky)
Borovikovsky)

Estética
classicismo
Levitsky D.G.
Retrato
Denis Diderot.
1773-1774
obg. Museu
arte e
história
cidades
Genebra em
Suíça.
Novo artístico
estilo - classicismo (lat.
classicus exemplar) seguiu o clássico
conquistas da Antiguidade e
ideais humanísticos
Renascimento.
Arte Grécia Antiga E
A Roma Antiga tornou-se para
classicismo é o mais importante
fonte de temas e enredos:
apela ao antigo
mitologia e história,
links para autoridade
cientistas, filósofos e
escritores.
De acordo com o antigo
“...estudar a Antiguidade para
era uma tradição
aprenda a ver a Natureza"
o princípio foi proclamado
(Denis Diderot)
campeonato da natureza.

Estética
classicismo
O. Fragonap. Retrato
Denis Diderot. 1765-1769
Louvre, Paris
Princípios estéticos do classicismo:
1. Idealização do grego antigo
cultura e arte, com foco em
princípios e ideias morais
cidadania
2. Prioridade educacional
significados da arte, reconhecimento
o papel principal da razão no conhecimento
lindo.
3. Proporcionalidade, gravidade,
clareza no classicismo é combinada com
completude, completude
imagens artísticas,
universalismo e normatividade.
O conteúdo principal da arte
o classicismo tornou-se uma compreensão do mundo
como um mecanismo razoavelmente projetado,
onde uma pessoa foi designada
importante papel organizador.

10.

Estética
classicismo
Cláudio Lorrain. A Partida da Rainha
Savskaya (1648). Londres
Galeria Nacional de Arte
Método criativo
classicismo:
desejo de razoável
clareza, harmonia e
simplicidade estrita;
se aproximando
reflexão objetiva
o mundo circundante;
conformidade
correção e ordem;
subordinação de privados
o principal;
alta estética
gosto;
contenção e
calma;
racionalismo e
lógica nas ações.

11.

Estética
classicismo
Cada uma das formas de arte foi
tem seus próprios recursos especiais:
1. A base da linguagem arquitetônica
o classicismo se torna uma ordem (tipo
composição arquitetônica usando
certos elementos e
sujeito a um determinado tratamento de estilo arquitetônico), muito mais
C. Percier, PFL. Foppep.
Arco do Triunfo em
Coloque o Carrossel em Paris.
1806 (estilo - estilo Império)
semelhante em forma e proporções a
arquitetura da Antiguidade.
2. Obras de arquitetura se destacam
organização estrita
proporcionalidade e equilíbrio
volumes, geométrico
correção de linhas, regularidade
layouts.
3. A pintura é caracterizada por: clara
delimitação de planos, rigor
desenho, cuidadosamente executado
modelagem de volume de corte.
4. Papel especial na decisão
tarefa educacional desempenhada
literatura e especialmente teatro,
que se tornou a espécie mais difundida
arte desta época.

12.

Estética
classicismo
durante o reinado
G. Rigo. Retrato de Luís XIV.
1701 Louvre, Paris
"O Rei Sol" Louis
XIV (1643-1715) foi
algum ideal
modelo de classicismo, que
imitado na Espanha
Alemanha, Inglaterra e outros países
Europa Oriental, Norte
e América do Sul.
primeira arte
havia classicismo
inseparável da ideia
monarquia absoluta e
foi a personificação
integridade, grandeza e
ordem.

13.

Estética
classicismo
Catedral de Kazan em São Petersburgo (1801-1811) Arco. UM. Voronikhin.
Arte na forma do chamado classicismo revolucionário,
serviu aos ideais da luta contra a tirania, pelo estabelecimento
direitos civis do indivíduo, em consonância com a Revolução Francesa.
No último estágio de seu desenvolvimento, o classicismo
expressou os ideais do Império Napoleônico.
Ele encontrou sua continuação artística no estilo Império (do francês.
estilo Império - “estilo imperial”) – estilo tardio (alto)
classicismo na arquitetura e nas artes aplicadas. Originado em
França durante o reinado do imperador Napoleão I.

14.

Rococó e
sentimentalismo
Um traço característico do século XVIII.
na arte da Europa Ocidental
tornou-se um fato indiscutível
existência simultânea com
classicismo do barroco, rococó e
sentimentalismo.
Reconhecendo apenas harmonia e
ordem, o classicismo “endireitado”
formas barrocas extravagantes
arte, cessou tragicamente
perceber o mundo espiritual
pessoa, e o principal conflito
transferido para a esfera das relações entre
individual e
pelo estado. Barroco, desatualizado
você mesmo e chegue ao lógico
conclusão, cedeu
classicismo e rococó.
O. Fragonard. Feliz
possibilidades de balanço. 1766
Coleção Wallace, Londres

15.

Rococó e
sentimentalismo
Rinaldi Rococó:
interiores do Castelo de Gatchina.
Gatchina
Na década de 20 Século XVIII na França
desenvolveu novo estilo arte -
Rococó (rocaille francês - concha). Já
o próprio nome revelado
principal, traço característico esse
estilo - paixão pelo refinado
E formas complexas, peculiar
linhas que em muitos aspectos se assemelhavam
contorno da concha.
A casca então se transformou em
ondulação complexa com alguns
fendas estranhas, então em
decoração em forma de escudo ou
pergaminho meio desdobrado com
imagem de um brasão ou emblema.
Na França, o interesse pelo estilo
Rococó enfraquecido no final da década de 1760
anos, mas nos países da Central
Europa, sua influência foi
visivelmente até o final do século XVIII
séculos.

16.

Rococó e
sentimentalismo
O principal objetivo da arte rococó
- entregar sensualidade
prazer (hedonismo).
A arte deveria ter
gostar, tocar e
entreter, transformar
vida em refinado
baile de máscaras e “jardins do amor”.
Casos amorosos complicados
passatempos fugazes,
ousado, arriscado,
desafiando a sociedade
ações de heróis, aventuras
e fantasias, galante
Alegoria das artes plásticas,
entretenimento e férias
1764 – Óleo sobre tela; 103 x 130 cm.
determinou o conteúdo
Rococó. França.
obras de arte
Washington, Nat. galeria.
rococó.

17.

Rococó e
sentimentalismo
Traços característicos do estilo Rococó nas obras de arte:
graciosidade e leveza, complexidade, sofisticação decorativa
e improvisação, pastoralismo (idílio de pastor), desejo por
exótico;
ornamento em forma de conchas e cachos estilizados, arabescos,
guirlandas de flores, estatuetas de cupidos, cartelas rasgadas,
máscaras;
uma combinação de luz pastel e tons delicados com um grande
a quantidade de peças brancas e douradas;
o culto da bela nudez, que remonta à tradição antiga,
sensualidade sofisticada, erotismo;
culto às pequenas formas, intimidade, pequenez (especialmente em
escultura e arquitetura), amor por ninharias e bugigangas
(“Às ninharias encantadoras”) que enchiam a vida do galante
pessoa;
estética de nuances e sugestões, dualidade intrigante
imagens transmitidas com a ajuda de gestos leves, meias voltas,
movimentos faciais quase imperceptíveis, meio sorriso, nebuloso
olhar ou brilho úmido nos olhos.

18.

Rococó e
sentimentalismo
Móveis com estilo
rococó
O maior estilo florescente
Rococó alcançado em obras
artes e ofícios
Arte francesa (interiores
palácios
e trajes da aristocracia). EM
Na Rússia apareceu primeiro
tudo na decoração arquitetônica em forma de pergaminhos, escudos e
conchas rocaille intrincadas (decorativas
enfeites imitando
combinação de conchas extravagantes
e plantas estranhas), e
também maekarans (estuque ou
máscaras esculpidas em forma
rosto ou cabeça humana
besta colocada acima
janelas, portas, arcos, em
fontes, vasos e móveis).

19.

Rococó e
sentimentalismo
Tribunal Joseph-Desire
Kur). pintura. França
Sentimentalismo (sentimento - sentimento francês).
Em termos ideológicos, ele, como
classicismo, baseado em ideias
iluminação.
Um lugar importante na estética do sentimentalismo
foi ocupado pela imagem do mundo dos sentimentos e
experiências humanas (daí sua
Nome).
Os sentimentos foram percebidos como manifestações
princípio natural no homem, seu
estado natural, possível
apenas em contato próximo com
natureza.
Conquistas da civilização com muitos
tentações que corromperam a alma
“homem natural”, adquirido
claramente hostil por natureza.
Uma espécie de ideal
o sentimentalismo tornou-se a imagem do rural
cidadão que seguiu as leis
natureza intocada e vivendo em
harmonia absoluta com ela.

20.

Rococó e
sentimentalismo
Filósofo, escritor francês,
Pensador iluminista.
Também musicólogo, compositor e
botânico. Nascido: 28 de junho de 1712
ex., Genebra. Morreu: 2 de julho de 1778 (66
anos), Ermenonville, perto de Paris.
Fundador do sentimentalismo
considerado um educador francês
J. J. Rousseau, que proclamou o culto
sentimentos naturais, naturais e
necessidades humanas, simplicidade e
cordialidade.
Seu ideal era o sensível,
sonhador sentimental,
obcecado pelas ideias do humanismo,
"homem natural" com "bonito
alma", não corrompida
civilização burguesa.
A principal tarefa da arte de Rousseau
via isso como ensinar as pessoas
virtudes, chame-os para o melhor
vida.
O principal pathos de suas obras
constitui um elogio ao ser humano
sentimentos, altas paixões que vieram
em conflito com o público
preconceitos de classe.

21.

Rococó e
sentimentalismo
É mais legítimo considerar
sentimentalismo como um dos
movimentos artísticos,
operando dentro
classicismo.
Se o Rococó enfatiza
manifestação externa de sentimentos e
emoções, depois sentimentalismo
enfatiza o interior
o lado espiritual da existência humana.
Na Rússia o mais brilhante
personificação do sentimentalismo
encontrado na literatura e
pintura, por exemplo em
obras de V. L. Borovikovsky.
V.L. Borovikovsky. Lizynka e
Dashinka. Estado de 1794
Galeria Tretyakovaya, Moscou

22. Perguntas do teste

1. Qual é o programa estético da arte do classicismo? EM
Quais são as conexões e diferenças entre a arte?
classicismo e barroco?
2. Que modelos da Antiguidade e do Renascimento seguiram
a arte do classicismo? A partir de quais ideais do passado e
por que ele teve que recusar?
3. Por que o Rococó é considerado o estilo da aristocracia? Quais são os dele
características correspondiam aos gostos e humores de seus
tempo? Por que não havia espaço para expressão nisso?
ideais cívicos? Por que você acha que o estilo Rococó
atingiu seu auge nas artes e ofícios
arte?
4. Compare os princípios básicos do Barroco e do Rococó. É possível
considera o Rococó uma continuação do Barroco? O que há de novo no estilo
Rococó “agregado” ao Barroco? Quais são as diferenças
impacto emocional desses estilos em uma pessoa?
5*. Em que ideias de iluminação ele se baseou?
sentimentalismo? Quais são seus principais focos? Legalmente
É possível considerar o sentimentalismo no quadro de um grande estilo
classicismo?

23. Oficina criativa

24. Tópicos de apresentações, projetos

1.
2.
3.
4.
5.
6.
7.
8.
9.
“O papel da França no desenvolvimento da arte europeia
cultura."
“Homem, natureza, sociedade no programa estético
classicismo."
“Amostras da Antiguidade e do Renascimento na Arte
classicismo".
“A crise dos ideais barrocos e da arte do classicismo”.
“Rococó e sentimentalismo são estilos e
movimentos do classicismo."
“Características do desenvolvimento do classicismo na arte da França
(Rússia, etc.)".
"E. J. Rousseau como o fundador do sentimentalismo.”
“O culto do sentimento natural na arte
sentimentalismo."
“O futuro destino do classicismo na história do mundo
arte."

25. reflexão

Avalie seu trabalho em aula,
complete as frases:
Hoje eu descobri...
Foi interessante...
Foi difícil...
Aprendi...
eu consegui...
Fiquei surpreso...
eu queria...

26. Literatura:

Programas para instituições de ensino geral.
Danilova G.I. Cultura artística mundial. – M.:
Abetarda, 2011
Danilova, G.I. 11º ano Nível básico:
livro didático / G.I. Danilova. M.: Abetarda, 2014.
Kobyakov Ruslan. São Petersburgo