Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Ang teatro ng English Renaissance ay isinilang at binuo sa market square, na tumutukoy sa pambansang British na lasa at demokrasya nito. Ang pinakasikat na mga genre sa mga yugto ng lugar ay moralidad at farces. Sa panahon ng paghahari ni Elizabeth Tudor, ang mga misteryo ay ipinagbawal. Mula sa simula ng ika-16 na siglo, ang English theatrical art ay lumapit sa isang bagong yugto - ang simula ng pag-unlad ng humanistic drama, na nagsimulang magkaroon ng hugis laban sa background ng pampulitikang pakikibaka sa pagitan ng maharlikang kapangyarihan at ng Simbahang Katoliko.

Mula sa entablado ng teatro ay tunog na hindi nakikilala matalas na pagpuna at propaganda ng isang bagong makatao na ideolohiya, na nakasuot ng ugali ng mga interlude at moralidad. Sa dula ng humanist na si John Rastell na "Interlude on the Nature of the Four Elements" (1519), bilang karagdagan sa mga figure na tradisyonal para sa moralidad, mayroong mga sumusunod na karakter: Thirst for Knowledge, Lady Nature, Experience, at bilang isang oposisyon. sa kanila - ang diyablo Kamangmangan at ang patutot na uhaw sa kasiyahan. Ang hindi mapagkakasunduang pakikibaka ng mga tauhang ito sa dula ay nagtatapos sa tagumpay ng kaliwanagan laban sa obscurantism at kamangmangan.

John Bale - isang kilalang tao sa English Reformation at isang sikat na manunulat, may-akda ng dulang "King John". Sa pamamagitan ng pagdaragdag ng mga sosyal na tema sa moralidad, inilatag niya ang pundasyon para sa dramaturhiya sa genre ng historical chronicle.

Ang bagong teatro ay ipinanganak mula sa isang medieval na komedya. Ang makata ng korte, musikero at tagapag-ayos ng mga makukulay na salamin sa mata, si John Gaywood, ay bumuo ng komedya sa pamamagitan ng pagsulat ng mga satirical interlude. Sa mga ito, kinutya niya ang pandaraya ng mga monghe at nagbebenta ng mga indulhensiya, ang mga intriga ng mga klero, sakim sa tubo, ang mga tusong panlilinlang ng mga pari, na tinakpan ang kanilang mga kasalanan ng pakitang-tao na kabanalan. Bilang karagdagan sa pangunahing karakter - isang buhong - at mga negatibong karakter- mga taong simbahan - ang mga karaniwang tao na may simpleng pag-iisip at mabubuti ay lumahok sa mga maiikling eksena sa araw-araw. Ang satirical interludes noong unang bahagi ng ika-16 na siglo ay naging link sa pagitan ng medieval farcical theater at ng umuusbong na dramatic theater.

Ang pagpapakilala ng mga taong Ingles sa kulturang Italyano at sining ay nag-ambag sa aktibong persepsyon at pagpapasikat ng sinaunang kultura at ang mga nagawa ng sinaunang sibilisasyon. Reinforced Learning Latin at pagkamalikhain ng Seneca at Plautus ay humantong sa mga pagsasalin ng mga sinaunang trahedya at komedya sa Ingles. Ang mga pagtatanghal batay sa mga pagsasaling ito ay naging napakapopular sa kapaligiran ng maharlika at unibersidad.

Kasabay nito, hinangaan ng mga aristokrata at ng napaliwanagan na publiko ang mga sonnet ni Petrarch at ang mga tula ni Ariosto. Ang mga nobela nina Boccaccio at Bandello ay kilala sa isang lipunang raznochin. Sa royal court, ang mga pagbabalatkayo ay ipinakilala bilang nakakaaliw na mga kaganapan sa paglilibang, kung saan ang mga eksena mula sa Italian pastorals ay nilalaro.

Ang mga unang halimbawa ng pambansang komedya at trahedya ay lumitaw sa entablado noong kalagitnaan ng ika-16 na siglo. Si Nicholas Udol, ang may-akda ng unang Ingles na komedya, si Ralph Royster Doyster (c. 1551), ay isang edukadong hukuman na tagapag-ayos ng libangan at sinubukang turuan ang mga tao ng "mabuting tuntunin ng buhay" sa pamamagitan ng kanyang mga gawa.

Ang dulang Gorboduk (1562) nina Thomas Norton at Thomas Sequile ay unang isinagawa sa korte ni Queen Elizabeth at itinuturing na unang trahedya sa Ingles. Malinaw na ipinapakita nito ang imitasyon ng trahedya ng Roma: ang paghahati ng dula sa 5 mga gawa, pag-awit ng koro at monologo ng mga mensahero, mga madugong krimen, ngunit ang balangkas ay batay sa makasaysayang katotohanan mula sa kasaysayan ng medieval. Ang moral ng trahedya ay nasa alegorikong pantomime at interludes na ginampanan ng mga aktor sa pagitan ng mga kilos, na nagpapaliwanag ng mga hindi inaasahang plot twist.

Pagkatapos ng mga farcical misteryo at primitive farces, sa batayan ng sinaunang at Italyano dramaturgy, isang bagong English dramaturgy ay ipinanganak, kung saan mayroong isang komposisyonal na batayan, proporsyonalidad ng mga bahagi, lohika sa pagbuo ng aksyon at mga character.

Ang mga playwright ng bagong henerasyon ay halos lahat ay may edukasyon sa unibersidad at nagmula sa isang demokratikong kapaligiran. Nagkakaisa sa malikhaing pangkat tinatawag na "University Minds", sa kanilang mga gawa sinubukan nilang mag-synthesize ng mataas kulturang makatao aristokrata at katutubong karunungan kasama ang mga alamat nito.

Ang hinalinhan ni W. Shakespeare - ang sikat na English playwright na si John Lily (c. 1554-1606) - ay isang makata sa korte. Sa kanyang pinaka-kagiliw-giliw na komedya na "Alexander at Campaspe" (1584), na isinulat ayon sa kuwento ng istoryador ng Griyego na si Pliny, ipinakita niya ang pagkabukas-palad ni Alexander the Great, na, nakita ang pagmamahal ng kanyang kaibigan, ang artist na si Apelles, para sa bihag. Campaspe, sumuko sa kanyang kaibigan. Kaya, sa pakikibaka sa pagitan ng tungkulin at pakiramdam, ang tungkulin ay nanalo. Ang idealized na imahe ni Alexander sa dula ay sinalungat ng may pag-aalinlangan na pigura ng pilosopo na si Diogenes, katutubong karunungan at na ang sentido komun ay nagtatagumpay sa tiwala sa sarili at pagmamataas ng monarko at ng kanyang mga kasama.

Inilatag ni John Lily ang pundasyon para sa tinatawag na romantic comedy. Ipinakilala niya ang lyrical element sa dramatikong aksyon, na nagbibigay ng prosa speech ng maliwanag na mala-tula na lasa. Itinuro niya ang daan para sa hinaharap na pagsasanib ng dalawang genre ng komedya - romantiko at farcical.

Ang tunay na ninuno ng English Renaissance drama ay si Christopher Marlowe (1564-1593), isang kilalang playwright, may-akda ng mga gawa ng pilosopikal at ateistikong nilalaman. Ang anak ng isang manggagawa ng sapatos, na nakamit ang antas ng Master of Science sa pamamagitan ng kanyang tiyaga, siya ay nakikilala sa pamamagitan ng tapang at malayang pag-iisip. Mas gusto ni K. Marlo ang trabaho ng isang artista sa isang theater troupe kaysa sa karera ng isang pari na nagbukas sa harap niya pagkatapos niyang magtapos sa unibersidad sa Cambridge. Ang kanyang unang dramatikong gawain, ang Tamerlane the Great, ay puno ng mga ideyang ateistiko. Ang monumental na gawaing ito ay isinulat sa dalawang bahagi sa loob ng dalawang taon (bahagi I noong 1587 at bahagi II noong 1588). Ang "Tamerlane the Great" ay isang dramatized na talambuhay ng sikat na Eastern conqueror ng huling bahagi ng XIV century, Timur. Binigyan ni Marlo ang kanyang bayani ng lakas at hitsura ng isang maalamat na bayani. At, ang lalong mahalaga, ginawa niya ang marangal na pyudal na panginoon, na si Timur talaga, isang "mababang pastol", na sa pamamagitan lamang ng kapangyarihan ng kanyang kalooban, lakas at isip ay tumaas sa itaas ng mga lehitimong pinuno.

Ang dula ni K. Marlo "The tragic story of Doctor Faust" (1588) ( kanin. 22) ay nagpapakita ng kabilang panig ng buhay ng tao. Ang pagtanggi sa mga prinsipyo ng asetiko at walang pasubali na pagpapasakop sa pinakamataas na awtoridad para sa kapakanan ng pagkauhaw sa kaalaman at kagalakan ng buhay ay binihisan niya sa larawan ng ateista na si Dr. Faust. Ang drama ng liberated na kamalayan ni Dr. Faust at ang kalungkutan na sumunod dito ay humahantong sa kanya sa pagsisisi, habang itinatampok ang napakalaking lakas ng pakikibaka para sa kalayaan ng pag-iisip.

Ang huling trahedya ni K. Marlo "Edward II", na isinulat sa materyal ng mga kasaysayan ng kasaysayan, ay naging batayan ng drama sa Ingles, na matagumpay na binuo ni W. Shakespeare sa kanyang mga gawa.

Naniniwala ang hari at ang kanyang mga kasama na si K. Marlo at ang kanyang mga gawa ay nagdulot ng malubhang banta sa kapangyarihan. Kaugnay nito, naglabas ng kautusan para sa pisikal na pag-aalis ng manunulat ng dula. Noong Mayo 30, 1593, pinaslang si Marlowe ng isang ahente ng royal privy council.

Kasabay ng mga dula ni K. Marlowe, ang mga dula ng iba pang manunulat ng dula mula sa grupong University Minds ay itinanghal sa entablado: Thomas Kyd - "The Spanish Tragedy" (1587) at Robert Greene - "Monk Bacon and Monk Bongay", "James IV " at "George Green , Weckfield field watchman "(1592).

Ang malikhaing komunidad ng mga playwright mula sa grupong University Minds ay nauna sa isang bagong yugto sa pagbuo ng pambansang drama - ang pagsilang ng trahedya at komedya ng Renaissance. Unti-unti, lumitaw ang imahe ng isang bagong bayani - matapang at matapang, nakatuon sa humanistic ideal.

Sa pagtatapos ng ika-16 na siglo, ang English folk theater ay nagtipon ng malaking pulutong ng mga tao para sa kanilang mga pagtatanghal, hinihigop ang lahat ng mga rebolusyonaryong ideya at ginagaya ang magigiting na bayani na nagtanggol sa kanilang dignidad bilang tao sa pakikibaka. Ang bilang ng mga theatrical troupe ay patuloy na tumaas, ang mga pagtatanghal mula sa mga bakuran ng hotel at mga parisukat ng lungsod ay inilipat sa mga teatro na espesyal na itinayo para sa layuning ito.

Noong 1576, sa London, itinayo ni James Burbage ang unang teatro, na tinawag na "The Theatre". Sinundan ito ng pagtatayo ng ilang mga gusali ng teatro nang sabay-sabay: "Curtain", "Blackfriars", "Rose" at "Swan" ( kanin. 23). Sa kabila ng katotohanan na ipinagbawal ng city council of commons sa pamamagitan ng utos nito ang mga palabas sa teatro sa London mismo noong 1576, ang mga sinehan ay matatagpuan sa timog na bangko ng Thames, sa isang lugar na lampas sa kapangyarihan ng council of commons.

Ang malalaking kahoy na gusali ng mga pampublikong sinehan ay may iba't ibang hugis: bilog, parisukat o may walong sulok. Walang bubong ang building, maliit lang ang canopy sa ibabaw ng stage. Ang mga sinehan na ito ay kayang tumanggap ng hanggang 2,000 manonood. Ang karamihan ng mga manonood, na binubuo ng mga karaniwang tao, ay nanood ng pagtatanghal na nakatayo. Ang mga mayayamang mamamayan ay kumuha ng kanilang mga lugar sa mga gallery, na matatagpuan sa tatlong tier sa mga bilog na dingding ng teatro.

Noong 1599, itinayo ang Globe Theater, kung saan nagtrabaho si W. Shakespeare. Ang gusali ay may octagonal na hugis, ang entablado ay trapezoidal, ang base nito ay nakausli sa auditorium. Ang functional space ay nahahati sa tatlong bahagi: ang harap na bahagi ng entablado - ang proscenium; ang likuran, na pinaghihiwalay ng dalawang hanay na may hawak na pawid na kulandong; ang tuktok ay ang balkonahe sa itaas ng back stage. Ang kumplikadong istraktura na ito ay nakumpleto ng isang maliit na toresilya, kung saan ang isang bandila ay nakabitin sa panahon ng pagtatanghal. Ang entablado ay karaniwang pinalamutian ng mga carpet at banig, at ang kurtina, depende sa genre (komedya o trahedya), ay maaaring asul o itim. Ang gusali ng unang Globe Theater ay nawasak ng apoy noong 1613. Pagkatapos ng pagpapanumbalik, tumagal ito hanggang 1645 ( kanin. 24).

Ang mga aktor ng mga teatro sa London para sa karamihan, hindi mabibilang ang mga kilalang tao, na nasiyahan sa pagtangkilik ng mga maharlika, ay mga taong mababa ang kita at disenfranchised. Ang royal decree ay tinutumbas ang mga artista sa mga palaboy na walang tirahan at nagbigay ng kaparusahan sa mga tropa na walang mayayamang patron. Sa kabila ng matigas na saloobin sa mga teatro sa bahagi ng mga awtoridad, ang kanilang katanyagan ay tumataas taun-taon at tumaas ang kanilang bilang.

Ang anyo ng organisasyon ng mga theater troupes noong panahong iyon ay may dalawang uri: isang share partnership ng mga aktor na may self-government at isang pribadong negosyo na pinamumunuan ng isang entrepreneur na nagmamay-ari ng props at bumili ng mga karapatang magtanghal ng isang dula mula sa mga playwright. Ang isang pribadong negosyante ay maaaring umarkila ng anumang tropa, na inilalagay ang mga aktor sa pagkaalipin sa kanyang mga kapritso.

Ang tropa na pinamumunuan ni W. Shakespeare ( kanin. 25) at ang kanyang kaibigan, sikat na aktor na si Richard Burbage ( kanin. 26), ay tinawag na "Mga Lingkod ng Panginoon Chamberlain". Ang kita ng tropa ay ipinamahagi sa pagitan ng playwright at ng mga nangungunang aktor ng teatro alinsunod sa kanilang mga pagbabahagi.

Ang dami ng komposisyon ng tropa ay hindi hihigit sa 10-14 katao, na sa repertoire ng teatro ay kailangang maglaro ng ilang mga tungkulin. Ang mga babaeng papel ay ginampanan ng mga magagandang kabataang lalaki, na nakamit ang isang maaasahang pagganap na may kaplastikan ng mga paggalaw at liriko ng boses. Ang pangkalahatang paraan ng pag-arte ng mga aktor ay dumaan sa isang yugto ng paglipat mula sa epikong istilo at kahanga-hangang kalunos-lunos tungo sa isang pinipigilang anyo ng panloob na drama. Ang mga nangungunang aktor ng trahedya na genre sa panahon ni W. Shakespeare ay sina Richard Burbage at Edward Alleyn ( kanin. 27).

Richard Burbage, kanyang malapit na kaibigan at katulong, ipinagkatiwala ni W. Shakespeare ang mga pangunahing tungkulin sa kanyang mga trahedya. Si Burbage, na may mahusay na utos ng kanyang boses, ay hindi lamang mahusay na gumanap ng kanyang mga monologue, ngunit pinahusay din ang emosyonal na kulay ng papel sa mga sulyap at kilos. Sa genre ng komedya, ang mga aktor na sina Robert Armin, William Kemp ( kanin. 28) at Richard Tarlton. Ang pinaka-katangiang komedyante ay si Robert Armin, na gumanap bilang isang jester sa As You Like It ni Shakespeare at King Lear, na puno ng pilosopikal na kahulugan at dramatikong nilalaman.

Bilang isang playwright at direktor, si W. Shakespeare ay nag-synthesize sa kanyang trabaho ang lahat ng mga nagawa ng sining sa teatro na nilikha bago siya, at dinala ang sining na ito sa pagiging perpekto. Tinukoy niya ang pangunahing direksyon nito, na kung saan ay upang makamit ang isang salamin na salamin ng kakanyahan ng kalikasan ng tao, sa anumang anyo na ito ay nagpapakita mismo.

Para sa sining ng pagganap Ang panahong ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng makabuluhang emosyonal na intensidad ng pagkilos. Ang tono ng laro ay itinakda hindi sa pamamagitan ng malakas na pagbigkas at aktibong kilos, ngunit sa pamamagitan ng mayamang imahinasyon ng aktor at ang kakayahang ihatid ang estado na kanyang pinagdadaanan. Ang payo sa mga aktor, na ipinahayag ni W. Shakespeare sa pamamagitan ng Hamlet sa kanyang trahedya, ay isang walang hanggang gabay para sa lahat ng henerasyon ng mga aktor, hangga't nabubuhay ang makatotohanang sining ng teatro. Sa gawain ng mahusay na manunulat ng dulang Ingles, ang dramatikong teatro ng European Renaissance ay umabot sa tugatog ng pag-unlad nito. Itinulak ng gawa ni Shakespeare ang karaniwang mga hangganan at ipinakita sa mga susunod na henerasyon ng mga aktor ang mga paraan ng pagbuo at pagpapabuti ng dramatikong sining sa direksyon ng pagsisiwalat. espirituwal na mundo tao.

Sa kalagitnaan ng ika-17 siglo, isang mahabang burgis-puritan na rebolusyon ang nagwakas sa Inglatera, na humantong sa pagtatatag ng puritanismo sa lipunan. Ang isa sa mga dogma ng Puritan, na iginiit na ang isang tao ay hindi dapat sumuko sa kanyang kapalaran, ay naging kanyang ideological banner. Sa bansa noong panahong iyon, ayon sa mga kontemporaryo, naghari ang kahalayan at pagkabulok ng moralidad. Ang pagkakaibigan, budhi at tungkuling pampubliko ay ganap na nawala ang kanilang kahalagahan. SA huli XVII Sa simula ng ika-18 siglo, ang libertinage, o freethinking, ang naging nangungunang direksyon sa pilosopiyang Ingles, na higit na nakaimpluwensya sa drama at teatro. Nang maglaon, kinuha ang kalakaran na ito tiyak na anyo at naging kilala bilang wit. Pagkatapos ng pagpapanumbalik ng monarkiya ng Stuart sa Inglatera, ang pagpapatawa ay lubos na iginagalang sa maharlikang kapaligiran. Unti-unti, alinsunod sa katotohanang nabubuo ang isang bagong ideolohiyang burges, nagbago rin ang ugali sa pagpapatawa, lalo itong naging kritikal. Hindi ito maaaring maipakita sa sining. Mula sa pananaw ng mga sumusunod sa pagpapatawa, ang buhay ay isang kumplikadong sining na nangangailangan ng pag-iingat at pananaw mula sa isang tao. Ang mga kasinungalingan ay dapat na mahusay na pinagsama sa katotohanan, at katapatan at tuwiran na may tuso at panlilinlang. Ang kasal sa simbahan ay itinuturing na isang gapos na nagpapatotoo sa pagkaalipin ng isang lalaki.

Ang imoral na mga prinsipyo ay nagdulot ng makatwirang pagkagalit sa bahagi ng kagalang-galang na burges, gayundin ng mga manunulat at pilosopo. Habang lumalakas ang kapangyarihan ng burgesya at lumakas ang impluwensya nito, aktibong sinimulan nitong salakayin ang "matalino". Pangunahing ipinahayag ito sa kanyang pakikibaka sa teatro sa Ingles.

Bago ang pagpapanumbalik ng monarkiya sa Inglatera, sa panahon ng paghahari ni Cromwell, ang teatro ay ipinagbawal ng isang espesyal na utos ng parlyamentaryo. Itinuring ng gobyerno ng Puritan na ang teatro ay pinagmumulan ng imoralidad, pagkamakasalanan, at bisyo. Ang mga konseho ng munisipyo ay nagdala ng maraming akusasyon laban sa mga tropa ng teatro, kung minsan ay walang kinalaman sa alinman sa mga aktor o mga dula. Napakababa ng reputasyon ng mga teatro kaya hindi na dumalo sa kanila ang mga taong-bayan. Upang hindi mamatay sa gutom, napilitan ang mga aktor na umalis sa mga lungsod patungo sa mga malalayong probinsya, kung saan may kikitain sila. Nagkawatak-watak ang mga tropa ng teatro at mga paaralan, umalis sa lungsod ang mga guro ng oratory at stage arts, musika at sayaw. Ang mga awtoridad ng probinsiya ay tapat sa mga amateur na pagtatanghal na itinanghal ng mga may-ari ng mga kastilyo. At sa mga lungsod, ang teatro ay muling binuhay sa mga musikal at dramatikong pagtatanghal (masquerades).

Pagkatapos ng pagpapanumbalik ng monarkiya ng Stuart sa England, dumating ang isang kanais-nais na panahon para sa muling pagkabuhay ng teatro. Ang madla ng mga teatro sa lungsod ay eksklusibo ang aristokrasya at ang maharlika ng lungsod. Ang dramatikong sining ay nagpahayag ng anti-puritan at anti-burges na espiritu na sumiklab pagkatapos sa mahabang taon pag-uusig at sapilitang katahimikan. Sa marami satirical comedies ang papel ng hangal na simpleton o ang kabit na asawa ay palaging itinalaga sa malas na burges.

Ang teatro ng panahon ng Pagpapanumbalik ay naibalik sa mahabang panahon, at ang mga pagbabagong naganap dito sa panahong ito ay makabuluhan. Sa Inglatera, nabuo ang isang monopolyo sa teatro. Ang isang maharlikang patent ay inisyu para sa karapatang mag-organisa ng tropa ng teatro at lumikha ng isang teatro. At si Lord Chamberlain ang namamahala sa censorship, na umaabot sa mga aktibidad ng theater troupe. Ang bilang ng mga kumikilos na kumpanya at lugar ng teatro sa London ay kinokontrol at kinokontrol ng gobyerno ng Britanya. Ang partikular na atensyon ay binayaran sa repertoire ng mga sinehan.

Sa panahon ng Pagpapanumbalik sa England, isang espesyal na gusali ang itinayo upang ipakita ang mga pagtatanghal at mapaunlakan ang tropa ng teatro at props. Ito ay isang hugis-parihaba na sakop na silid na may malaking sukat, kung saan ang madla ay nasa mas komportableng mga kondisyon kumpara sa panahon ng pre-restoration. Sa likod ng entablado at isang proscenium ay lumitaw sa teatro, nakausli sa mga kuwadra at napapalibutan ng isang dobleng hanay ng mga kahon. Noong una, sa naturang mga sinehan, lalo na ang mga marangal na manonood ay nakaupo sa mga armchair sa mismong entablado, malapit sa mga artista. Lumikha ito ng ilang abala para sa mga gumaganap.

Para sa pagtatanghal ng dula, espesyal na ginawa ang mga tanawin, pati na rin ang iba't ibang mga aparato na naging posible upang gayahin ang mga flight at iba't ibang pagbabago. Ang mga artista ay lumitaw sa entablado sa mga papel na babae upang palitan ang mga kabataang lalaki ng teatro ng Shakespearean. Kabilang sa mga pinaka mahuhusay na babaeng artista sa panahon ng Pagpapanumbalik, si Nell Guin ay maaaring makilala ( kanin. 29), Mary Knapp, Elizabeth Barry (Larawan 30), Elinor Lee at iba pang rebolusyonaryong artista. Ang saklaw ng mismong pagtatanghal sa teatro ay naging mas malawak din. Bilang karagdagan sa tradisyonal na drama, pantomime o komedya ay maaaring ipakilala sa pagtatanghal. Ang mga intermisyon ng sayaw sa musika ay napakapopular. Nang maglaon, ang mga ballad opera ay idinagdag sa repertoire ng teatro. Ang mga klasikal na trahedya ay nagtamasa ng malaking tagumpay sa panahong iyon.

Ang iba't ibang mga pagbabago sa buhay pampulitika at panlipunan na naranasan ng England sa panahong ito ay makikita, sa turn, sa repertoire ng mga sinehan sa London. Ang bourgeoisie ay may kumpiyansa na dumating sa kapangyarihan, at ang madla ng ikatlong estate ay dumating sa teatro. Ang madla na ito, na sumasakop sa karamihan ng mga murang upuan sa bulwagan, ay maaaring tiyak at malakas na ipahayag ang kanilang opinyon sa pagtatanghal, aprubahan o booing ito.

Sa lipunan, ang galit ay nagsimulang lumitaw nang higit at mas madalas tungkol sa mga pagtatanghal na nagpapakita ng mga bisyo at imoralidad ng tao sa isang kaakit-akit na liwanag. Ang aklat ng reaksyunaryong mangangaral na si Jeremy Collier, A Brief Essay on the Immorality and Impiety of the English Stage, ay nagdulot ng gulo ng mga tugon at galit sa kapaligiran ng teatro. Sa kabila ng katotohanan na ang aklat ay binatikos nang husto ng mga tauhan sa teatro, nagbigay ito ng mga positibong resulta. Nagbago ang repertoire, na kasama na ngayon ang mga dramatikong gawa na may mga temang nagpapatunay sa mga burgis na birtud: kabanalan, pagtitipid at integridad.

Mahigpit na kinokontrol ng mga lipunang sibil para sa pagtugon sa moral ang nilalaman ng mga gawa na itinanghal ng mga sinehan sa London. Ang mga pagtatanghal ay dinaluhan ng mga espesyal na ahente na nanood ng pagtatanghal at nagtala ng anumang pag-atake laban sa moralidad. Dinala ng mga censor ang mga negosyante at aktor sa hustisya para sa mga paglabag na ito. Mula sa mga teksto ng mga dula, hindi lamang mga piraso na pumukaw ng kawalan ng tiwala sa bahagi ng mga censor, kundi pati na rin ang buong mga gawa ay walang awa na pinutol. Ang nangungunang aktor ng English stage ng Restoration period, si Thomas Betterton ( kanin. 31), na pinagbantaan ng paghihiganti dahil sa paglalaro ng imoralidad, ay napilitang muling isaalang-alang ang kanyang interpretasyon sa maraming tungkulin upang tumugma ang mga ito sa bagong sistema ng halaga.

Sa simula ng ika-18 siglo, nagbago ang teatro ng Ingles, na muling isinasaalang-alang ang moral at etikal na mga halaga nito. Ang pinakamalapit na pansin ay binabayaran hindi lamang sa mga bisyo ng tao, kundi pati na rin sa mga pagtatangka na maunawaan ang kanilang pinagmulan at panlipunang batayan. Sa teatro, maaaring pagtawanan ang mga bumubulusok na aristokrata at upstart burges, court hypocrites at nouveau riche merchant. Sa panonood ng buhay ng ibang tao sa entablado, inisip ng manonood ang kanyang sarili, at pagkatapos ay natagpuan ang mga kinakailangang sagot sa maraming mahahalagang tanong.

Ang teatro ay isang uri ng paaralan kung saan natutong kilalanin ng manonood ang tunay na benefactor at bisyo. Sa mga halimbawa ng mga dramatikong bayani, ginawa niya ang kanyang posisyon sa buhay at kilos. Ang teatro ng panahong ito ay isang mahalagang bahagi ng pambansang kultura ng England. Panawagan sa tema ng lipunan, ang pagkakalantad sa pinakamaliit na detalye ng mga bisyo ng tao at estado ay naging tradisyon ng teatro ng Ingles na dumating sa ating panahon. Sa tradisyong ito nakita ng magagaling na English playwright at theatrical figure ang kanilang pinagmulan at genetic roots.

Sa Inglatera, sa panahon pagkatapos ng pagpapanumbalik ng monarkiya ng Stuart, ang teatro at ang gawain ng mga manunulat ng dula ay nabuo sa maraming direksyon, ang pangunahing kung saan ay klasiko. Pormal lamang na ginagaya ang mga sinaunang akda, ang mga manunulat ng dulang Ingles ay naglalarawan ng aksyon nang higit na emosyonal, na nagbubusog sa mga dula ng mga pang-araw-araw na subtleties, na nagbibigay-diin sa mga katangian ng pambansang karakter at hindi kinakailangang mga detalye ng pinagmulan ng mga bayani ng mga dulang ito. Ang mga pagmumuni-muni sa pagbabago ng kanilang mga layunin, pagnanasa at mood ay ibinigay din dito.

Ang pinaka-kilalang klasiko sa panahong ito ay maaaring tawaging John Dryden (1631-1700) - isang makata, manunulat ng dula at kritiko sa panitikan ( kanin. 32). Sumulat siya ng 27 dula, kabilang ang mga trahedya, komedya at tragikomedya. Siya rin ay itinuturing na lumikha ng genre ng heroic drama. Ipinahayag niya ang kanyang mga kritikal na pananaw sa drama pangunahin sa mga prologue ng taludtod at mga epilogue sa kanyang sarili at mga dula ng ibang tao.

Ang mga dula ni Dryden ay puno ng marahas na hilig, huminga ng kalayaan at matayog na adhikain. Inihambing niya ang dramaturgy sa sinaunang iskultura. Sa kanyang pananaw, ang dramaturgy, na sumasalamin sa kalikasan, ay dapat na lampasan ito, upang sa pananaw sa entablado ay tama itong napagtanto ng manonood.

Sa panahon ng 1664-1675, isinulat niya ang pinakamahusay na mga halimbawa ng English heroic drama: "Queen of the Indians", "Emperor of the Indians, or the Conquest of Mexico by the Spaniards", "Tyrannical Love" at "The Conquest of Granada ng mga Kastila" na may hinahabol na anyo ng talata ng teksto at ang pahayag ng kanyang mga konsepto ng karangalan at tungkulin. Ang ilang mga trahedya ng manunulat ng dula ay nakakaapekto sa tema ng kawalang-kabuluhan ng pagiging at ang ilusyon ng makalupang kaligayahan.

Isa sa kanyang pinakamahusay na mga dula - "Don Sebastian" - ay nagpapakita ng tema ng ilusyon na kaligayahan ng pag-ibig at ang panlilinlang ng kaligayahan sa pag-ibig. Ang batang Portuges na haring si Sebastian, na nahuli, ay umibig sa barbarong reyna na si Almeida. Dahil sa pag-ibig, nakalimutan niya ang lahat. Di-nagtagal, nalaman ni Sebastian na ang nagbigay sa kanya ng kaligayahan ng pag-ibig at nagpalaya sa kanya mula sa pagkabihag ay ang kanyang sariling kapatid na babae. Ang ilusyon ng kaligayahan ay nawala, at ang mga kapus-palad na mga mahilig ay kusang nagretiro sa monasteryo.

Bilang karagdagan sa mga dula ni Dryden, ang repertoire ng bawat teatro sa Ingles ay kinakailangang kasama ang mga gawa ng dalawang iba pang sikat na aktor at manunulat ng dula - Nathaniel Lee (1653-1692) at Thomas Otway (1652-1685). Isang malakas na impresyon sa Emperador ng Russia na si Peter I sa kanyang pananatili sa London noong 1698 ay ginawa ng dula ni N. Lee na "Karibal na Reyna, o ang Kamatayan ni Alexander the Great". Ang kanyang mga drama na Mithridates at Theodosius ay sikat din.

Si Thomas Otway ay kilala sa kasaysayan ng English theater bilang may-akda ng "domestic trahedies" mula sa buhay ng middle class. Ang pinakasikat sa kanila ay ang The Orphan, or the Unhappy Marriage and Venice Saved, o ang Conspiracy Revealed. Ang kasanayan ni Otway ay binubuo sa paglalarawan ng kapangyarihan ng mga hilig at ang pagkabulag ng mga damdamin na nakapipinsala para sa isang tao.

Ang mga dula ng creative duet na sina John Fletcher (1579-1625) at Francis Beaumont (1584-1616) ay napakapopular. Ang unang edisyon ng isang koleksyon ng kanilang mga dula, na naglalaman ng 34 na piraso, ay nagmula noong 1647. Ang mga dulang "Filastre", "The King and Not the King", "The Tragedy of the Girl" ay ilang beses na muling nalimbag. Ang mga dulang ito ay mahusay na naglalarawan ng pag-ibig at lahat ng mga hilig ng tao na kasama nito. Ang mga komedya ng mga may-akda na ito ay talagang nakakatawa, at ang mga trahedya ay nagpalungkot at nag-alala sa akin kasama ang mga karakter.

Ang wikang Ingles sa mga gawa nina Beaumont at Fletcher ay dinala sa pagiging perpekto. Napag-usapan ito ng maraming beses sa ibang pagkakataon. mga kritikong pampanitikan na naniniwala na ang lahat ng mga salita na dumating sa araw-araw na pananalita pagkatapos ng kamatayan ng mga manunulat ng dulang ito ay kalabisan. Sa loob ng 40 taon ang kanilang mga dula ay nasa mga yugto ng mga teatro sa Ingles na may patuloy na tagumpay. Kasabay nito, sa bawat bagong panahon ng teatro, tiyak na kasama sa kanilang repertoire ang mga dulang "The Wayward Centurion", "How to Manage a Wife", "The Hunt for the Hunter", "The King and Not the King", "Filaster ”, na nilalaro sa orihinal, nang walang anumang hiwa o pagbabago.

Noong ika-18 siglo sa Inglatera mayroong isang hindi maliwanag na saloobin kay W. Shakespeare. Mga kilalang tagapagturo na si Joseph Addison ( kanin. 33) at Richard Style ( kanin. 34), na nakipaglaban para sa pagbuo ng isang pambansang teatro ng Ingles at laban sa pangingibabaw ng mga dayuhan, sa partikular na Italyano, opera, ay ipinagtanggol ang kanyang malikhaing pamana. Ngunit tinawag ng ilang kritiko, gaya ni Thomas Reimer, ang kanyang trahedya na "isang komedya na walang twist ng lasa."

Samakatuwid, maraming mga dulang Shakespearean ang binago ng mga may-akda upang umangkop sa modernong panlasa. Ginawa muli ni T. Otway ang dula ni Shakespeare na "Romeo and Juliet", pinalitan ang pamagat ng "The Life and Fall of Kai Maria", at D. Dryden - "Antony and Cleopatra" ("All for Love"). At kahit na ang pangalan ni Shakespeare ay patuloy na nasa mga poster, ang pagbabago ng teksto ng dula ay napakahalaga na ang pagtatanghal ay walang kinalaman sa orihinal. Maraming dula sikat na manunulat ng dula sa mga yugto ng London sila ay nasa parehong panahon pareho sa orihinal at sa isang remade na anyo, at ang mga manonood ay nasisiyahang panoorin ang parehong bersyon ng dulang "Romeo at Juliet": kasama ang kalunos-lunos na pagtatapos ni W. Shakespeare at ang masayang pagtatapos ni James Howard .

Ang socially satirical comedy of manners ay nagkaroon din ng lugar sa repertoire ng English theater. Isang maagang kinatawan Ang ganitong uri ng pagkamalikhain ay maaaring tawaging George Etheridge (1634-1691), na itinuturing na isang manunuya ng mga mores ng siglo at lumikha ng ilang mga dula na pumasok sa kasaysayan ng sining ng teatro ng England: "Comic revenge, o Love in a barrel ”, “She would, if she could” at "Slave of Fashion". Nang maglaon, ang ganitong uri ng komedya sa mga pag-aaral sa teatro ay tinawag na "ang komedya ng panahon ng Pagpapanumbalik."

Sikat na sikat ang mga komedya noong panahong iyon. Lalo na nagustuhan ng mga aktor na maglaro sa mga pagtatanghal ni William Wycherley (1640-1716) ( kanin. 35), na nakikilala sa pamamagitan ng katatawanan at matingkad na presensya sa entablado. Sa ilang mga yugto ng teatro, ilang mga sinehan ang nagtanghal ng kanyang dula na "The Village Wife" nang sabay-sabay, at pagkatapos ay isang tunay na mapagkumpitensyang pakikibaka para sa madla ay sumiklab sa pagitan ng mga may-ari ng teatro. Sa mga komedya ni William Congreve ( kanin. 36), na nagtamasa ng patuloy na tagumpay kasama ang publiko, na hinasa ang kanilang mga kasanayan sa entablado para sa maraming henerasyon ng mga aktor na Ingles. Sa mga dulang "The Old Bachelor", "Double Game" at "Love for Love", ang pagsusuri sa lipunan ay inilalagay sa unang lugar batay sa mahusay na layunin sa pang-araw-araw na mga katangian.

Ang pinakabagong komedya ni Congreve, That's How They Do It in the World, ay nagpapakita ng larawan ng isang tao sa modernong panahon - si Mirabella. Ang bentahe ng bayani ay nasa kanyang maayos na pangangatwiran, hindi walang lohika, at espirituwal na kabaitan. Ang wika ng dula ay napaka-elegante, walang mga walang laman na puns at bombastic na parirala.

Noong ika-18 siglo, ang repertoire ng mga teatro ng drama ay lumawak nang malaki. Ang mga pagtatanghal ay binubuo ng ilang mga gawa at pagkatapos ng pagtatanghal ay dinagdagan ng komedya, pantomime, musical divertisement o mga pagtatanghal ng mga payaso at akrobat. Ang pagtatapos ng pagtatanghal ay maaari ding palamutihan ng isang parody ng ilang sikat na dula o opera. Sa loob ng maraming taon ang parehong sikat na farces ay nilalaro, anuman ang programa ng buong gabi. Ang mga musical divertissement, o interlude, ay ang pinakasikat sa theatrical repertoire. Ang mga ito ay maaaring mga instrumental na konsiyerto o vocal performances, na mga literary plot ng nakakatawang nilalaman, na itinakda sa musika at may mga mapaglarong pangalan na "Love and a beer mug", "A shamed dandy", "Profesor of humorous sciences", atbp.

Bilang karagdagan sa ballad opera, farces at interludes, noong ika-18 siglo, ang naturang kababalaghan ay lumitaw sa theatrical performance bilang "mga buhay na larawan" at "ceremonial processions". procession ", na naglalarawan ng solemne seremonya ng koronasyon ni Anne Boleyn, ang pangalawang asawa ni Haring Henry VIII. Ang palabas na ito, na napakahusay na itinanghal, na may magagarang kasuotan ng mga aktor, ay naging isang independiyenteng numero ng konsiyerto. Nagkamit ito ng napakalaking katanyagan sa mga manonood at itinanghal anuman ang tema ng mga pagtatanghal na gaganapin sa araw na iyon.

Ang sentral na core ng isang oras na pagtatanghal sa teatro ay palaging isang dula, na pangunahing pinili ng tropa ng teatro at nag-ensayo nang mahabang panahon. Dahil sa tumaas na kumpetisyon, sinubukan ng mga may-ari ng teatro na isaalang-alang ang mga pangangailangan ng mass audience. Hanggang sa 1868, ang repertoire ay ipinamahagi sa pagitan ng mga sinehan ni Lord Chamberlain, na namamahala sa sambahayan ng korte ng hari at nagbigay ng pahintulot para sa paggawa ng dula. Ang sistemang ito ay nagpapahintulot sa mga sinehan na bumuo ng isang indibidwal na istilo. Ang Duke's Theater sa London ay sikat sa halo-halong repertoire nito, habang sa Royal Theater ang kagustuhan ay ibinigay kina W. Shakespeare at B. Johnson ( kanin. 3 7). Ang mga may-akda ng mga bagong dula ay parehong mga propesyonal na manunulat ng dula at mga baguhan na nagsulat ng mga dula hindi lamang para sa pera, kundi dahil din sa kanilang pagmamahal sa teatro. Isang maginoong manunulat ng dulang hindi nagsilbi sa teatro, sa madaling salita, isang "outside author", sa ilalim ng isang kasunduan sa teatro, muling gumawa ng mga sikat na dula o gumawa ng mga prologue at epilogue para sa mga pagtatanghal. Ang bawat teatro ay may sariling mga manunulat ng dula at "mga panlabas na may-akda". Marami ring kilalang aktor ang gumawa ng mga bagong pagtatanghal kung saan ang tropa ay nakibahagi nang may kasiyahan.

Kadalasan ang mga monarch ay nag-utos ng mga dula, na nag-aalok ng kanilang mga plot, na kung minsan ay ipinanganak nang hindi sinasadya, at kung minsan sa payo ng mga maharlika sa korte. Kasama ng mga mahuhusay at seryosong dula, ang mga sinehan ay nagdala ng isang malaking bilang ng mga manuskrito ng mababang kalidad na dramaturhiya, na sumailalim sa isang mahigpit na proseso ng pagpili, na nagdulot ng kawalang-kasiyahan sa maraming mga may-akda.

Ang dula, na inaprubahan ng theatrical group, ay kailangang tumanggap ng pahintulot mula sa royal censorship upang maitanghal sa teatro. Sa korte ng hari, ang mga tungkulin ng punong censor ay itinalaga kay Lord Chamberlain at ang punong master ng mga seremonya, na namuno sa institusyon ng censorship ng estado. Maaaring ipagbawal ang mga dula kung inilalarawan ng mga ito ang marahas na pagkamatay ng mga monarko o ang hindi naaangkop na paggamit ng mga sipi mula sa Bibliya. Ang isang eksena na nagsasalita tungkol sa panunuhol na umunlad sa maharlikang hukuman, na pinahintulutan ng mga censor, ay maaaring pukawin ang galit ng hari at magsama ng pagkakulong sa censor na nakaligtaan ang sedisyon. Ang mga ganitong kaso ay nasa kasaysayan ng English drama.

Nang, sa pagtatapos ng ika-17 siglo, ang mga aktibidad ng maraming lipunan para sa pagwawasto ng moralidad ay tumindi, ang theatrical censorship ay naging mas mahigpit din, na, sa panahon ng pagtindi ng pampulitikang pakikibaka sa pagitan ng Whigs at Tories sa loob ng bansa, ay nagkaroon ng matinding anyo. . Noong 1737 ipinasa ng pamahalaan ang Censorship Act. Naging batas ito sa mga lisensya sa teatro, ayon sa kung saan ang mga sinehan lamang na mayroong lisensya ng hari ang maaaring umiral. Ang lahat ng mga dula, nang walang pagbubukod, ay kailangang i-censor ng Lord Chamberlain. Sa mga dula, pinagbawalan ang mga may-akda na hawakan ang mga isyu sa pulitika at punahin ang mga opisyal ng gobyerno.

Bilang resulta ng naturang batas, lumitaw ang isang monopolyo ng estado sa mga sinehan, iyon ay, ang lahat ng mga sinehan sa London ay sarado, maliban sa mga sentral - Covent Garden at Drury Lane. Nawala sa entablado ang repertoire ng topical at critical nature, wala nang mga improvisational na dula na humipo sa mga problema ng foreign o domestic policy. Ngunit, sa kabila ng lahat ng mga hakbang ng censorship, ang mga manunulat ng dulang palabas at aktor, gamit ang mga tiyak na diskarte sa teatro at alegorya, ay ipinarating sa manonood kung ano ang hindi nila maipahayag nang hayagan.

Dalawang art consultant kay King George II, ang mga sikat na playwright at entrepreneur na sina William Davenant (1606-1683) at Thomas Killigru (1612-1683), na nakatanggap ng royal patent para sa monopolyong karapatang magbukas ng mga sinehan noong 1660, na hinati ang mga aktor sa London sa kanilang sarili. . Nakilala ang tropa ni Killigru bilang tropa ng Hari, at ang tropa ni Davenant ay naging tropa ng Duke ng York. Ang mga tropa na ito ay walang sariling mga gusali at inookupahan ang iba't ibang lugar na inangkop para sa mga pagtatanghal.

Sa simula pa lamang ng ika-17 siglo, ang Red Bull Theater ay itinayo sa timog-silangang labas ng London sa St. John Street. Ito ay isang bukas na uri ng teatro na walang bubong, na kung saan ang gawain ng tropa ay nakasalalay sa mga kondisyon ng panahon. Ang silid na ito ay inupahan ng iba't ibang tropa, ang ilan sa kanila ay walang mga lisensya, at pana-panahong isinasara ang teatro dahil sa paglabag sa batas. Sa theatrical environment ng "Red Bull" disorder at debauchery ang naghari, at daan-daang manonood ang hindi nagtipon sa auditorium. Ang mga aktor sa mahihirap na kasuotan ay gumaganap ng katamtaman, at kung minsan ay ganap na katamtaman. Noong 70s, ang "Red Bull" ay tumigil na umiral, at ang gusali ay dumaan sa fencing club.

Ang pagtatayo ng Cockpit Theater ay nagsimula rin noong simula ng ika-17 siglo. Ito ay isang medyo maluwang na brick building na matatagpuan sa gitnang lugar ng Drury Lane. Nakuha ng teatro ang pangalawang pangalan nito - "Phoenix" - pagkatapos ng sunog noong 1617 at isang mabilis na pagpapanumbalik. Ang teatro ay umiral nang mga 60 taon at na-demolish dahil sa hindi na nito natutugunan ang mga modernong pangangailangan.

Sa mga unang taon ng Pagpapanumbalik, lalo na noong 1629, ang ikatlong teatro sa London, ang Salisbury Court, ay itinayo. Noong 1652, ang kilalang tao sa teatro sa Inglatera, si William Beeston, ay naging may-ari nito, na, sa kabila ng mahigpit na pagbabawal, ay nakapagtanghal ng ilang mga pagtatanghal sa panahon ng malupit na rehimen ni Oliver Cromwell at itinuturing na isa sa mga pinakamahusay na guro sa teatro. Kinuha niya ang muling pagtatayo ng gusali ng teatro, na dinala sa isang nakalulungkot na estado sa panahon ng rebolusyon. Ayon sa kanyang proyekto, ang bubong ay itinaas ng 30 talampakan, at isang klase ng sayaw ang inayos sa silid sa itaas ng entablado. Ang mga lodge at stall na nakapalibot sa mga gallery ay makabuluhang pinalawak. Ang gusali ng teatro ay hindi napanatili pagkatapos ng sunog ng London noong 1666.

Noong Mayo 7, 1663, binuksan ang sikat na English theater na "Drury Lane", na ngayon ay ang nangungunang teatro sa London. Ang unang pagtatanghal na naganap sa entablado nito ay ang pagtatanghal nina F. Beaumont at D. Fletcher na "The Wayward Centurion". Ang teatro ay itinayo sa pagitan ng Drury Lane at Bridges Street.

Bilog ang hugis ng gusali. Ang teatro ay may maluluwag na stall at mga kahon na pinalamutian nang marangyang. Ang arko ng proscenium ay pinalamutian ng katangi-tanging dekorasyon. Sa kabila ng napakalaking distansya mula sa entablado hanggang sa mga kahon, ang makitid na mga pasilyo sa mga kuwadra at ang kapus-palad na lokasyon ng orkestra, ang teatro na ito ay may makabuluhang mga pakinabang kaysa sa mga nauna nito. Sa mga stall, ang mga bangko ay nakaayos sa concentric semicircles, na bumubuo ng isang ampiteatro. Ang parterre ay napapaligiran ng dalawang tier ng mga kahon, na pinaghihiwalay ng mga partisyon at naglalaman ng ilang mga hilera. komportableng upuan. Sa panahong ito, ang mga babae ay pinahintulutang manatili sa mga lodge kasama ng mga lalaki.

Karamihan sa mga manonood ay nakaupo sa mga kuwadra, na iluminado sa araw sa pamamagitan ng isang malaking glass dome na nakoronahan. itaas na bahagi gusali. Sa isa sa mga malakas na buhos ng ulan, bumagsak ang mga agos ng tubig sa ulo ng mga manonood, na nagdulot ng matinding galit ng publiko. Sa gabi, ang parterre ay sinindihan ng mga kandila. Ang mga bangko ng mga stall ay natatakpan ng berdeng tela.

Sa gitna ng mas mababang baitang ng mga kuwadra ay ang royal box, na pinalamutian ng isang ginintuang pigura ng Apollo at ang sagisag ng estado ng England. Kapag ang mga miyembro ng maharlikang pamilya ay wala sa pagtatanghal, ang mga tiket sa royal box ay ibinebenta sa lahat.

Noong Nobyembre 25, 1672, isang sunog ang sumiklab sa teatro, na ganap na nawasak kapwa ang lugar ng teatro at ang mga gusaling katabi nito. Ang Royal Theatre, na pinilit sa loob ng maraming taon upang makalikom ng mga pondo para sa isang bagong gusali, noong 1674 lamang ay nakatanggap ng isang gusali na dinisenyo ng sikat na arkitekto na si Christopher Wren. Ang silid ay walang espesyal at simple at walang sining. Ang parterre ay nasa anyo ng isang amphitheater, kung saan ang mga manonood ay nakaupo sa mga bangko na naka-upholster sa tela at walang likod. Ang mga tao ay nakaupo lahat nang sama-sama: marangal na mga kababaihan at mga ginoo, pati na rin ang mga kababaihan ng madaling birtud, na lumandi at nakipag-usap sa panahon ng pagtatanghal; ang ilan ay naglalaro ng baraha, hindi pinapansin ang mga artista. Direkta sa harap ng entablado, sa ilalim ng canopy ng mas mababang gallery, ang pinakamahal na upuan ay inilagay, at ang pinakamahihirap na manonood ay siksikan sa itaas na gallery.

Para sa tropa ng Duke of York noong 1671, ayon sa proyekto ng parehong Christopher Wren, isang teatro ang itinayo sa distrito ng London ng Dorset Garden, kung saan matatagpuan ang mga drama at opera house. Ito ay nakikilala sa pamamagitan ng kanyang arkitektura at marangyang palamuti. Tinatanaw ng harapan ng teatro ang mga pampang ng Thames at pinalamutian ng coat of arms ng Duke ng York. Ang pinakamataas na palapag ay inilaan para sa mga apartment ng mga sikat na artistang Ingles.

Ang teatro ay tumanggap ng humigit-kumulang 1200 na manonood at namangha sa kagandahan ng loob. Ang arko ng proscenium ay ginawa sa istilong Baroque ng sikat na woodcarver na si Grinling Gibbons at marangyang ginintuan. Ang interior ng auditorium ay mas maganda kaysa sa pinakamahusay na theatrical interior sa France at nagtatampok ng mas komportableng layout. Sa mga stall, na may hugis ng amphitheater, halos walang ingay. Ang parterre ay napapaligiran ng pitong kahon, na maaaring tumanggap ng 20 katao, na sinusundan ng 7 kahon ng unang baitang, at mas mataas pa - isang rayek.

Sa simula pa lamang ng ika-18 siglo, noong 1705, sa London, ang manunulat ng dulang si John Vanbrugh ( kanin. 38) ang unang opera house ay itinayo, na bilang parangal kay Queen Anne ay naging kilala bilang Queen's Opera House. Ang entablado, na napakalaki ayon sa mga ideyang iyon, at ang mga partikular na acoustics ay hindi angkop para sa mga dramatikong pagtatanghal, kaya ang mga mang-aawit at musikero ay nanirahan sa teatro. Ang teatro na ito ay umiral nang halos 85 taon. Hindi nakatakas sa kapalaran ng maraming mga sinehan sa London, nawasak ito ng isang sunog na sumiklab sa mga bodega nito noong Hunyo 17, 1789.

Sa panahon ng Pagpapanumbalik at karagdagang pag-unlad ng kultura sa Inglatera sa simula ng ika-18 siglo, ang mga teatro ay nagbago nang malaki. Ang kanilang arkitektura ay naging mas kumplikado alinsunod sa tumaas na mga kinakailangan. Mga interior ng teatro at panloob na dekorasyon sumasalamin sa yaman ng kanilang mga may-ari. Pinagsama ng disenyo ng entablado ang Shakespeare stage-platform at ang stage-box na may portal na naghihiwalay dito sa audience. Ang harapang bahagi ng entablado, na nakausli sa auditorium, ay naging hugis-itlog. Lumitaw ang backstage at mga tanawing ipininta ng mga artista.

Ang pangunahing bahagi ng pagtatanghal ay naganap sa proscenium. Mas malapit sa finale, ang mga aktor ay kailangang lumapit, sa hugis-itlog na bahagi ng entablado, na mas malapit sa manonood at mas mahusay na naiilawan. Ang panloob na bahagi ng entablado, kung saan matatagpuan ang tanawin, ay nasa takipsilim, na sa buong pagtatanghal ay lumikha ng isang pakiramdam ng mistisismo. Ang mga kandila, na nangangailangan ng napakalaking halaga para sa sapat na pag-iilaw, ay mahal at isang luho na pinahihintulutan lamang ng mga may-ari ng teatro ang kanilang sarili para lamang sa mga miyembro ng maharlikang pamilya. Ang mahinang kumikislap na liwanag, ang pag-indayog ng mga anino sa mga dingding ay nagdulot ng pakiramdam ng isang bagay na supernatural sa dula-dulaan. Ang eroplano ng entablado mismo ay may bahagyang slope patungo sa proscenium, na pinalamutian ng isang inukit na arko sa harap, kung saan naka-install ang mga bas-relief at mga eskultura, at ang mga bihasang manggagawa ay inukit ang masalimuot na mga burloloy, at lahat ng ito ay natatakpan ng pagtubog. Sa panahon ng Pagpapanumbalik, ang mga aktor na Ingles ay itinuturing na opisyal sa paglilingkod sa hari. Ang mga aktor ng royal theater ay nakasuot ng uniporme ng mga royal servant na gawa sa pulang tela na pinutol ng pulang pelus, ngunit sa katunayan sila ay itinuturing na mga kinatawan ng pinakamababang uri sa lipunan. Nakatanggap sila ng maliit na suweldo kung saan kailangan nilang magtrabaho nang husto.

Kailangang magkaroon ng pisikal na tibay ang mga aktor upang makatiis ng maraming oras ng pag-eensayo at pagtatanghal. Ang mga silid, kung saan mayroong maraming tao sa pagitan ng mga pagtatanghal, ay hindi pinainit. Ang isang hiwalay na silid na may fireplace ay ibinigay lamang sa mga pambihirang kaso. Kadalasan, kaagad pagkatapos ng isang matagumpay na premiere, kailangang ulitin ng acting troupe ang pagganap sa gabi sa court theater ng royal palace. Sa pamamagitan lamang ng isang mahusay na memorya, maaaring kabisaduhin ng aktor ang mga teksto ng ilang mga tungkulin sa isang pagganap o magkakaibang mga tungkulin ng ilang mga pagtatanghal sa isang maikling panahon.

Hindi posible na kumita ng pera sa panahon ng teatro, na naantala para sa tag-araw, nang umalis ang maharlikang pamilya sa London. Naantala ang trabaho dahil sa mga epidemya, sunog, baha, relihiyosong pista o pagluluksa sa maharlikang pamilya. Kaugnay ng censorship o simpleng pahayag ng hari o ng lord chamberlain, ang teatro ay isinara rin sa loob ng walang tiyak na panahon.

Karamihan sa mga artista ay umupa ng tirahan malapit sa teatro upang hindi gumastos ng pera sa paglalakbay. Ang mga mayayamang aktor ay kayang tumira sa mga prestihiyosong lugar ng London. Kung ang mga may-ari ng teatro ay interesado sa isang tiyak na artista (at kadalasan sila ay mga artista), kung gayon ang mga apartment para sa kanila ay nasa mismong gusali ng teatro o sa mga gusaling katabi nito.

Ang batas ng Ingles ay palaging nasa panig ng mga mayayaman sa kanilang mga pakikipag-away o mga tunggalian sa mga aktor, bagaman ang mga kaso na hinarap sa mga korte ay lumitaw dahil sa kanilang kasalanan. Walang katumbas na insulto o hiyain ang aktor. Ito ay itinuturing na normal sa mga marangal na uri.

Sa panahon ng Pagpapanumbalik, lumitaw ang mga artista sa entablado ng teatro sa Ingles, na pinapalitan ang mga batang babae na nakadamit ng pambabae. Upang gampanan ang mga papel na babae, ang mga kabataang lalaki ay kailangang matutunan ito sa loob ng ilang taon. Ang mga unang babaeng artista ay kailangang magkaroon ng sapat na lakas ng loob at sibil na tapang upang umakyat sa entablado sa isang puritanical na bansa gaya ng England, at ipakita ang babaeng imahe sa lahat ng kagandahan nito.

Ang mga unang artista ay dumating sa teatro mula sa mga pribadong pensiyon. Lahat sila ay may mababang pinagmulan at nag-aral sa mga boarding school sa literacy, diction, musika at sayaw. Sa rekomendasyon ng mga guro ng sayaw at mga pinuno ng mga pribadong koro, ang mga batang babae mula sa klase ng burges ay dumating sa teatro. Maraming magagaling na artista ang nanggaling sa mundo ng pag-arte. Sa panahon na ang edukasyon ng kababaihan ay nasa napakababang antas, ang propesyon ng isang artista ay nagsimulang magmukhang promising at nakatutukso sa maraming babae.

Binuksan ng teatro ang daan para sa kanila tungo sa isang daigdig na malaya mula sa paniniil sa tahanan at nagbigay ng malaking pagkakataon para sa personal na pag-unlad. Ngunit kasama nito mga kabataang talento, na hindi makapagbigay sa kanilang sarili ng pinakamababang pondo, nahulog sa ilalim ng impluwensya ng mayayamang mga ginoo at naging kanilang pinananatiling babae. Isang artista sa payroll ng isang mayamang ginoo - ang hindi pangkaraniwang bagay na ito ay karaniwan at ganap na ligal. Ang mga batang artista mismo ay naghangad na maging maingat na kababaihan, at kadalasan ang mga batang babae na tinuruan ng pag-arte sa loob ng ilang taon sa teatro ay umalis sa teatro sa loob ng 1-2 taon ng naturang pagpapanatili, pagkatapos nito, sa karamihan ng mga kaso, nakahanap sila ng kanlungan sa mga brothel sa London. Tanging ang mga taong buong pusong nakatuon sa kanilang propesyon sa pag-arte ang nanatili sa entablado. Karamihan ay asawa sila ng mga artista.

Ang mga artistang Ingles ay madalas na kailangang maglakbay sa ibang mga bansa upang maghanapbuhay. Minsan ang mga paglalakbay na ito ay lubhang nagbabanta sa buhay. Kadalasang kailangang magutom at maranasan ng mga artista ang lahat ng uri ng paghihirap. Nagsagawa sila, bilang panuntunan, sa mga parisukat at mga merkado sa ilalim bukas na langit. Sa kabila ng pagkakaiba ng wika, ang mga artistang Ingles sa iba't ibang bansa sa Europa ay tinanggap nang husto, ang kanilang klasikal na istilo ng pag-arte at pag-arte ay hinangaan ng kanilang mga kapanahon. Sa panahon ng Renaissance, ipinakita ng mga artistang Ingles ang kanilang sining sa Germany, Holland, Denmark at France.

Bilang karagdagan sa mga dramatikong aktor, ang mga English acrobat, mimes at mananayaw ay nagtungo sa France. Ang magkapatid na Woolton, na may pahintulot ng gobyerno ng Pransya, ay nagbukas ng isang sirko sa Dijon. Ang sikat na aktor na si Thomas Betterton ay bumisita sa France sa ngalan ng gobyerno ng Britanya. Kailangan niyang maging pamilyar sa repertoire at pag-aayos ng mga sinehan.

Dumating din ang mga Pranses na aktor sa paglilibot sa England, ngunit ang sopistikadong madla sa London ay tinatrato ang kanilang mga pagtatanghal nang may kaunting paghamak. Ang mga props sa teatro at ang entourage ng mga guest performer ay hindi mapagpanggap, at ang mga pagtatanghal ay naging mapurol at hindi kawili-wili. Ito ay dahil sa ang katunayan na ang karamihan sa mga aktor na mababa ang kita ay naglibot.

Ang mga papet na artista sa teatro ay ang unang dumating mula sa Italya hanggang sa Inglatera. Ang kanilang pagganap ay gumawa ng malaking impresyon sa hari, at ginawaran niya ang nangungunang aktor ng tropa ng papet na may medalya at isang gintong kadena. Ang mga artistang Italyano na sumama sa paglilibot ay nasiyahan sa espesyal na pabor ng hari. Para sa mga pagtatanghal, binigyan sila ng Whitehall in palasyo ng hari. Noong ika-18 siglo, nag-ugat ang Italian opera sa London, na dinaluhan pangunahin ng mga maharlika sa London. Ang kanyang repertoire, na idinisenyo para sa pinong lasa ng aristokrasya ng Ingles, ay nasakop ang mga sekular na bilog ng London.

Ang mga opera ay unang isinagawa sa Ingles, ngunit naging mahirap itong gumanap, na nagdulot ng pagkakaiba sa tema ng musika at pagsasalin sa Ingles Italyano na teksto. Nang maglaon, ang mga artistang Ingles at Italyano ay kumanta ng arias sa kanilang sariling wika, at kahit na kalaunan, lahat ng aria ay inaawit sa wikang Italyano. Ang madla ay may kaunting pag-unawa sa nilalaman at nakita kung ano ang nangyayari sa entablado bilang isang mekanikal na saya na hindi nagdulot ng alinman sa simpatiya o pagmuni-muni. Itinuring ng maraming kilalang Ingles na tagapagturo ang Italian opera bilang isang pagsalakay Pambansang kultura nagdudulot ng malaking pinsala sa kanya.

Ang mga bagong dula sa sulat-kamay na bersyon ay dinala para sa pagsasaalang-alang at pag-apruba nang direkta sa teatro. Karaniwan ang mga unang pagbasa ay isinagawa ng may-akda. Ang pang-unawa ng bagong dula ng mga aktor ay higit na nakasalalay sa kanyang mga dramatikong kakayahan. Kinailangang basahin ng may-akda ang ilang mga dula nang ilang beses upang maiparating sa mga aktor ang kanyang ideya at ang mga kalunos-lunos ng akda. Pagkatapos ng mga pagbasa ng may-akda, maraming dula ang kailangang i-edit at pagbutihin ng mga sikat na artista, na arbitraryong muling isinulat ang mga papel, na i-adjust ang mga ito sa ugali o karakter ng kanilang mga kasama. Minsan ang gayong mga pag-edit ay lubos na nagpabuti sa mga dula, at kung minsan ang mga dula ay halos ganap na muling isinulat upang punan ang mga ito ng "live na nilalaman".

Ang mga tungkulin ay ibinahagi sa direktang pakikilahok ng may-ari ng teatro, na siya mismo ay karaniwang isa sa mga nangungunang aktor. Ang isang artistang sikat sa panahong ito ay itinalaga sa pangunahing papel, hindi alintana kung makayanan niya ang papel na ito o hindi. Minsan ang pagganap ng isang sikat na artista ng isang papel na hindi karaniwan para sa kanyang papel ay ganap na nasisira ang impresyon ng pagganap. Ngunit nangyari na ang hari mismo ay nakibahagi sa pamamahagi ng mga tungkulin.

Kinikilala mahuhusay na manunulat ng dula may karapatang pumili ng mga aktor na lalahok sa kanilang mga pagtatanghal. Oo, at sumulat sila ng mga dula na isinasaalang-alang kung sino ang eksaktong gaganap sa papel na ito. Ngunit ang pangunahing papel ng aktor ay gumaganap pa rin ng isang mapagpasyang papel sa bagay na ito. Ang madla ay bumuo ng isang tiyak na stereotype ng karakter, at ang madla ay maaaring ayusin ang isang kaguluhan sa teatro kung hindi ang pangunahing aktor ay kasangkot sa pagganap, ngunit ang kanyang understudy. Pagkatapos ang pagtatanghal ay kailangang ihinto, dahil ang lahat ng uri ng mga bagay ay lumipad sa entablado, kabilang ang mga nasusunog na kandila.

Tumagal ng hindi bababa sa isang buwan upang ihanda ang premiere. Ang pagdidirekta tulad nito ay hindi pa umiiral sa panahong iyon, at sa panahon ng pag-eensayo ang teksto ay maaaring sumailalim sa iba't ibang hindi awtorisadong pagbabago. Matapos mapanood ang gayong mga pagtatanghal, nagreklamo ang mga manunulat ng dula na ninakawan sila ng hindi bababa sa isang libong linya. Kadalasan ang playwright ang pumalit sa tungkulin ng direktor ng dula. Inalagaan niya ang pagtatanghal at pagsasaayos ng trabaho sa mga tungkulin. Nakabuo din siya ng mga mise-en-scenes at galaw ng mga tauhan sa espasyo ng entablado, hanggang sa pagkumpas at kaplastikan.

Nagsimula ang rehearsals sa umaga at natapos bago ang pagtatanghal. Naganap sila sa iba't ibang paraan, madalas na maingay at hangal, ngunit kung minsan sila ay naging medyo propesyonal. Ang oras ng gabi pagkatapos ng mga pagtatanghal ay inilaan para sa pagsasaulo ng mga bagong teksto at pag-aaral ng mga sayaw. Makabuluhang mas kaunting oras at pagsisikap ng mga aktor ang ginugol sa pagpapatuloy ng dating nilalaro na dula sa repertoire ng teatro. Tumagal ito ng hindi hihigit sa dalawang linggo.

Minsan ang sobrang pagmamadali sa paghahanda ng mga pagtatanghal ay humantong sa katotohanan na hindi alam ng mga aktor ang teksto. Pagkatapos ay dinala nila ang gayong gag sa entablado na ang kanilang mga kasama ay hindi napigilang tumawa nang malakas at, iniwan ang imahe, naputol ang pagganap. Kadalasan sa mga tropa ng teatro ay may kakulangan ng mahigpit na disiplina at ang hindi pagpayag ng ilang mga aktor na magtrabaho sa kanilang diksyon. Bilang resulta, ang kanilang laro ay nagdulot ng iritasyon at kawalang-kasiyahan ng mga manonood, dahil sa bulwagan ay imposibleng makagawa ng isang salita mula sa sinabi ng naturang aktor.

Ang ilang mga aktor ay pinahintulutan ang kanilang mga sarili na maging mahusay sa pagdekorasyon ng mga teksto ng may-akda na may gayak na mga ekspresyon ng kanilang sariling komposisyon. Ang buong mga sipi ng naturang mga baguhang may-akda ay nagdulot ng hindi na maibabalik na pinsala sa mga pagtatanghal at sinira ang reputasyon ng manunulat ng dula. Ang isang masigasig na aktor, si John Lacy, ay inaresto sa utos ng hari. Ginawa ito dahil arbitraryo siyang nagpahayag ng mga talumpati na may malaking kalunos-lunos at pinalawak ang rehistro ng mga bisyo sa lunsod sa dulang "Change of Crowns", na dinaluhan ni Charles II. Ilang artista genre ng komiks pinahintulutan ang kanilang sarili na makipag-usap sa publiko sa loob ng ilang minuto. Walang silbi na pagbawalan sila, at ang mga may-akda, na isinasaalang-alang ang mga katangian ng gayong mga aktor, ay sumulat sa mga pahayag ng may-akda: "Magpatuloy sa parehong diwa" o "Sa pagpapasya ng tagapalabas."

Sa loob ng maraming dekada, ang paghahanda ng dula ay nanatiling mahinang punto ng English drama. Ang mga bayad na dress rehearsals ng mga dula na may imbitasyon ng madla ay nagsimulang isagawa noong ika-18 siglo. Noong una, ipinakilala sila ng mga opera house, at nang maglaon ay sa mga drama.

Ang kapalaran ng pagganap ay nakasalalay sa maraming mga pangyayari, ngunit ang tagumpay ay ganap na natukoy sa araw ng premiere. Ang teatro ay nakatanggap ng pinakamayamang bayad sa panahon mula Nobyembre hanggang Pebrero. Espesyal na pinili ang araw ng premiere. Tinitingnan nila kung may iba pang pampublikong kaganapan sa London sa araw na iyon na maaaring magpahamak sa teatro sa ganap na kawalan ng mga manonood sa bulwagan. Ang Sabado ay itinuturing na pinakamagandang araw para sa premiere.

Ang nag-udyok ay binigyan ng isang mahalagang lugar sa paghahanda ng pagtatanghal. Muli niyang isinulat para sa mga aktor ang bawat papel nang hiwalay at sa isang bayad ay itinali ang mga sheet sa anyo ng isang aklat na may pabalat. Sa mga pahina ng mga aklat na ito, ang mga nag-udyok ay gumawa ng mga tala at komento para sa mga aktor, na gumagawa ng kanilang sariling mga pagsasaayos sa takbo ng pagganap. Sa imbentaryo ng nag-udyok, bilang karagdagan sa papel, panulat at tinta, palaging may kampana at sipol. Sa pamamagitan ng tunog ng sipol, ang mga tanawin ay inilipat at inilipat, at ang kampana ay nagpaalam sa orkestra ng musikal na pagpapakilala.

Ang musika ay isang mahalagang elemento ng istruktura ng pagtatanghal. Lumikha siya ng isang espesyal na emosyonal na kapaligiran, na pinagsama ang mga performer sa madla. Ang pagpapalit ng musikal na tema ng trabaho sa panahon ng pagtatanghal, posible na bigyan ito ng iba't ibang mga semantic shade. Maraming mga playwright ang partikular na nakipagtulungan sa mga kompositor upang lumikha ng mga musikal na numero para sa kanilang mga dula, na napagtatanto kung gaano kahalaga ang papel ng musika at ang tunog ng mga indibidwal na instrumentong pangmusika.

Ang mga playwright ay lalo na mahilig sa violin, flute at oboe. Mas gusto ng aristokrasya ng London ang gitara, na nilalaro sa mga dula ng mga sekular na nagsasaya at mga babaero. Ang bilang ng mga biyolin sa mga orkestra sa teatro kung minsan ay umabot sa 24. Ang isang harpsichord ay palaging naroroon.

Ang lokasyon ng orkestra sa teatro ay nagbago nang maraming beses. Sa una ito ay inilagay sa itaas ng entablado, sa kailaliman espasyo ng entablado. Hindi makita ng madla ang mga musikero. Ang lugar kung saan matatagpuan ang mga musikero ay tinawag na "music attic". Maya maya pa ay bumaba siya at tumira sa pagitan ng entablado at ng mga stall, at kalaunan ay lumubog siya sa mas mababang antas, sa ilalim ng entablado. Ang lugar ng orkestra sa teatro ay nagbago nang maraming beses, lumipat mula sa mas mababang antas hanggang sa itaas at likod.

Ngunit ni isang pagtatanghal ay hindi ginanap nang walang musikal na saliw. Kung saan nagkaroon ng kaunting pagkakataon na gumawa ng isang musical number sa pagtatanghal, tiyak na ginamit ito. Ang mga musikal na pagsingit, vocal arias at mga eksena sa sayaw ay lumitaw sa mga dula ni Shakespeare at iba pang mga naunang may-akda. Ang paggamit ng musika ay nagbigay-buhay sa dula. Upang palamutihan ang pagtatanghal, ang mga manunulat ng dula ay espesyal na isinulat ang mga papel ng mga gypsies, libot na mang-aawit o masasayang bisita na kumanta at sumayaw, na nagdulot ng masayang muling pagkabuhay ng publiko.

Bago magsimula ang mga pagtatanghal, palaging pinapatugtog ang kaaya-ayang musika upang iligtas ang mga manonood sa pagkabagot sa paghihintay. Maraming mga manonood ang espesyal na dumating nang maaga upang tamasahin ang kahanga-hangang pagganap ng mga musikal na gawa.

Isang musical overture (kinakailangang "sa French style") ang nauna sa prologue ng performance. Tinapos ng Curtain Melody ang bawat kilos. Nagsimula ang himig na ito sa mga huling linya ng mga tauhan. Ang susunod na pagkilos ay nagsimula sa isang musikal na pagpapakilala. Ang pagtatapos ng pagtatanghal ay madalas na ipinagdiriwang karaniwang sayaw mga aktor na sumayaw ng sikat na sayaw ng Chaconne sa England. Sinabayan ng musika ang pagyuko ng mga aktor at ang papaalis na mga manonood hanggang sa walang natira sa auditorium.

Ang bilang ng mga musikal na numero sa pagtatanghal ay iba-iba depende sa genre ng dula. Kasama sa trahedya ang hindi hihigit sa dalawang kanta, ang komedya ay maaaring magkaroon ng higit sa lima. Walang kabiguan, kailangang tumugtog ng musika sa mga eksena ng kapistahan, kasal at libing. Sa komedya ni Thomas Durfey, mayroong higit sa dalawampung musikal na numero. Sa panahong ito, lumitaw ang isang bagong uri ng dramatikong pagganap, na sa ating panahon ay tinatawag na "operetta".

Ang mga magkasintahan ay nagdusa sa ilalim ng mga harana, ang mga tagapaglingkod ay gumawa ng mga satirikong taludtod tungkol sa kanilang mga amo, ang mga epikong bayani ay kumanta ng mga balada, at ang mga batang kalye ay nagpaparody sa mga mayayaman. Ang lahat ng ito ay nagtulak sa mga hangganan ng genre, pinayaman ang pagtatanghal ng mga bagong detalye, na nagpapakilala ng karagdagang pangkulay sa paglalaro ng mga aktor. Ang musika, functionally intertwined sa mga dialogues ng mga character, gumanap ang papel ng sikolohikal na paghantong ng pagganap. Ang ganitong pagganap ay hindi makakaapekto sa pinakamalalim na damdamin ng isang tao, habang ginigising ang kanyang pag-iisip.

Pareho mahalaga bahagi Ang mga dramatikong pagganap, tulad ng musika, ay mga miniature ng sayaw. At hindi mahalaga kung ito ay isang trahedya o isang komedya, isang ordinaryong komedya o isang parody na dula. Ang mga miniature ng sayaw na ito ay ginawang ballet, na naging isang malayang uri ng dramatikong sining.

Nagbigay ang mga manunulat ng dula at may-ari ng teatro pinakamahalaga dance repertoire ng hindi lamang mga pagtatanghal, kundi pati na rin ang mga intermisyon. Sa panahon ng mga intermisyon, na umaakit sa mga manonood sa pamamagitan ng mga incendiary melodies, ang administrasyon ay nagpapanatili ng isang mapayapang kapaligiran sa teatro, at sa gayon ay nakakagambala sa pinaka masigasig na mga manonood mula sa hindi maiiwasang mga away.

Ang mga poster ng London, kasama ang pangalan ng dula, ay nagpahiwatig ng mga pangalan ng mga sayaw na ihahandog sa publiko. Patok ang mga pambansang sayaw, kabilang sa mga ito ang Scottish, Spanish, Irish jig at mga komiks na sayaw ay nagtamasa ng espesyal na atensyon. Ang koreograpia ay isang mahalagang bahagi ng kasanayan ng isang dramatikong aktor. At lalong ginusto ng manonood na panoorin ang isang masayang musikal na palabas na may mga kanta at sayaw, hindi binibigyang pansin ang balangkas ng dula. Ang pangunahing layunin ng teatro - upang turuan ang mga damdamin at bumuo ng pag-iisip - nagbigay daan sa saya at libangan.

Noong Middle Ages, ilang araw bago magsimula ang pagtatanghal, ang mga bannermen, o heralds, na may mga bandila ng pagkakakilanlan, ay tumakbo sa paligid ng lungsod, sumisigaw ng pangalan ng miracle play, na dapat na ipakita ng isang naglalakbay na tropa ng teatro. Sa loob ng mahabang panahon, ang oral form ng mga nag-aanyaya na anunsyo ay napanatili, ang mga teksto na kung saan ay tumutula at binibigkas sa saliw ng mga instrumentong pangmusika. Sa London, ipinagbabawal ang malalakas na sound effect na kasama ng mga patalastas sa teatro, ngunit sa mga bayan ng probinsiya, ang mga tagapagbalita na may trumpeta at tambol ay palaging nagtitipon ng mas maraming manonood sa kanilang mga sinehan kaysa sa isang kampana ng simbahan na nagdala ng mga parokyano sa simbahan. Mahigit isang libong manonood ang maaaring magtipon para sa pagtatanghal ng mga gumagala na aktor sa loob ng ilang minuto.

Ang mga sinaunang tradisyon ng pag-anunsyo ng paparating na pagtatanghal sa teatro ay napanatili hanggang sa katapusan ng ika-18 siglo. Ang drummer at ang crier ay isang mahalagang bahagi ng lasa ng rural England noong panahong iyon. Habang ang drummer ay nakakuha ng atensyon ng mga naninirahan sa bayan gamit ang isang masalimuot na drum roll, ang herald ay sumigaw ng lahat ng impormasyon tungkol sa nalalapit na pagtatanghal at nagbigay ng mga programa na nagsasaad ng pangalan ng dula at ang oras ng pagsisimula ng pagtatanghal.

Sa London, isang bandila ang itinaas sa ibabaw ng gusali ng teatro sa araw na gaganapin ang pagtatanghal. Inihayag ng trumpeta ang oras ng pagsisimula nito, at ang trumpeta mula sa bintana ng attic ng teatro ay humihip ng tatlong beses sa mga regular na pagitan.

Ang unang poster ng teatro ay lumitaw sa France noong ikalawang kalahati ng ika-16 na siglo. Sa England, ang mga poster ay lumitaw nang maglaon, noong 1564 lamang. Ang mga sulat-kamay na poster ay karaniwang isinasabit sa mga poste malapit sa teatro, sa mga pintuan ng mga kolehiyo at institusyong pang-edukasyon, sa mga lugar na makapal ang populasyon. Sa poster, ang pangalan ng teatro at pagtatanghal ay nakatayo sa malalaking titik. Sa itaas na bahagi nito ay ang emblem ng estado na may inskripsiyong Latin na "Mabuhay ang hari!" Noong ika-18 siglo, nagsimulang ipahiwatig ng playbill ang komposisyon ng mga aktor na kasangkot sa pagtatanghal, at ang oras ng pagsisimula ng pagtatanghal. Ang pangalan ng playwright ay unang lumabas sa isang poster noong 1699. Ito ang pangalan ng may-akda ng komedya na "Double Play" na si William Congreve. Noong 1700, ipinagbawal ng Grand Court ng London ang mga sinehan na mag-post ng kanilang mga poster sa loob at paligid ng lungsod.

Ang mga anunsyo tungkol sa mga paparating na pagtatanghal, ang kanilang mga may-akda at aktor ay nagsimulang mag-print ng mga pahayagan. Sa parehong lugar, kasama ang impormasyon sa advertising, mahahanap ng isa ang address ng isang bookstore na nagbebenta ng teksto ng dula. Ang pang-araw-araw na pahayagan na The Daily Courant noong 1702 ay regular na naglalagay ng gayong mga anunsyo, nang maglaon, noong 1920s, ang mga ito ay inilimbag ng Daily Post at ng Daily Journal. Sa oras na iyon, ang mga patalastas sa teatro ay naglalaman, bilang karagdagan sa impormasyon tungkol sa mismong pagtatanghal, ang mga detalye tulad ng kung kaninong kahilingan (isa sa mga maharlikang tao o isang marangal na ginang) ang ibinigay, mga presyo para sa mga upuan sa mga stall, mga kahon at mga gallery, atbp. Sa ilang mga kaso, ang mga may-ari ng mga sinehan ay humiling sa mga publisher na maglagay ng ilang mga linya na nagpapakita ng pagganap ng mga aktor o nauugnay sa nilalaman ng dula.

Noong 1702, inalis ang pagbabawal sa pag-post ng mga poster ng teatro sa London. Ang mga itim at pulang poster ay muling nagsimulang lumitaw sa mga lansangan ng lungsod. Mas mahal ang mga pula at inilimbag, bilang panuntunan, sa araw ng premiere o performance ng benepisyo.

Sa mga lansangan, ang isang maliit na poster ay maaaring mabili mula sa isang orange na vendor, na, sa isang maliit na bayad, ay nag-ulat ng pinakabagong mga balita sa teatro o kumuha ng liham sa isa sa mga artista. Partikular na inupahan ng mga may-ari ng teatro ang mga nagtitinda na ito upang magbenta ng mga prutas at matamis sa panahon ng mga intermisyon at naniningil sila ng partikular na bayad para dito. Ang nasabing mga mangangalakal ay ang pinakamahalagang mapagkukunan ng impormasyon tungkol sa buhay sa likod ng entablado ng teatro, at ang pinakamagaling at maparaan sa kanila ay nakapag-ipon ng malaking kayamanan sa kalakalan at mga deal sa mga pahayagan.

Ang mga programa sa teatro sa mga sinehan sa London ay lumitaw noong 60s ng ika-18 siglo pagkatapos ng susunod na paglilibot ng mga aktor na Pranses. Ang kanilang makulay na disenyong 18-pahinang programa ay nagbigay ng isang detalyadong paglalarawan ng makinarya kung saan ang bayani ng dula, si Orpheus, ay bumaba sa impiyerno. Ang teksto sa pabalat ay nagsabi kung saan hiniram ang balangkas, pati na rin kung sino at saan eksaktong magpapakita ng pagtatanghal na ito. Upang makatipid ng oras, maaaring isama sa mga programang Ingles ang mga teksto ng mahahabang liham, na maaaring pamilyar sa mga manonood nang maaga, at ang pagkilos ng dula sa paraang ito ay hindi nakakaabala sa madla sa sapilitang nakakainip na mga eksena. Minsan ang prologue at epilogue ng dula ay inilimbag sa magkahiwalay na mga sheet at ibinebenta bago magsimula ang pagtatanghal. Sa pagtatapos ng bawat pagtatanghal, isang anunsyo ang ginawa tungkol sa susunod na pagtatanghal. Ang reaksyon ng publiko (pag-apruba o pagkagalit) sa mungkahi ng administrasyong teatro ay nagtatakda ng kapalaran ng paparating na pagtatanghal.

Inilarawan ng theatrical newspaper chronicle ang lahat ng nangyari sa mga yugto ng mga sinehan at sa likod ng mga eksena, hanggang sa pinakamaliit na detalye. Nakatuon din sa mga kaganapang naganap sa auditorium, hanggang sa mga away sa pagitan ng mga tipsy revelers. Ang mga utos ng Panginoon Chamberlain at ang mga pahayag ng royal censors ay inilagay din doon, at ang mga pagbisita sa mga sinehan ng matataas na dayuhang tao na madalas na panauhin sa mga sinehan sa London ay sakop din.

Ang auditorium ng teatro, na puno ng mga tao, ay isang salamin na imahe ng lipunang Ingles. Ito ay isang lugar ng mga pagpupulong sa negosyo at mga petsa ng pag-ibig. Maaaring ipagmalaki ng mga kabataan ang kanilang mga birtud at talento, at maaaring ipakita ng mga magulang ang kanilang mga anak na babae para sa edad na mapag-asawa. Ang pagbisita sa mga mayayamang tao sa kanayunan, na nakakita ng sapat na mga fashionista ng kabisera, ay nagdala ng mga bagong impression at naka-istilong damit sa kanilang mga tahanan.

Ang teatro ay nagtipon, kung minsan sa pinaka hindi inaasahang at makulay na mga kumbinasyon, ang mga tao mula sa iba't ibang klase, madamdamin at taos-pusong madamdamin tungkol sa dramatikong sining. Pinakamahusay na Lugar ang mga stall ay palaging inookupahan ng mga marangal na tao at mga kritiko. Sa mga kuwadra, ang mga manonood ay halo-halong, at samakatuwid ang mga kuwadra ay madalas na nagiging isang lugar para sa maingay na mga pagtatalo at away, na madalas na nagiging mga duels.

Ang gitnang gallery ay nakalaan para sa mga kababaihan ng madaling birtud, na lumitaw sa teatro na ang kanilang mga mukha ay natatakpan ng mga maskara. Ang itaas na gallery ay kinaroroonan ng mga katulong na kasama ng mga ginoo at mga libreng manonood.

Mahirap isipin ang reaksyon ng ganoong motley audience sa pagtatanghal, at ang mas mahirap ay ang gawain ng mga aktor na sakupin ang atensyon ng manonood. Ngunit ito, marahil, ay ang mahiwagang epekto ng sining sa teatro, kapag ang husay at emosyon ng mga aktor ay nabighani at dinadala sa espasyo ng pagtatanghal ang parterre na ito, kung minsan ay walang pigil sa mga hilig nito, at isang gallery na malayo sa pinong damdamin.

Kung mahilig ka sa teatro - ikaw ay nasa London. Dito makikita mo ang pinakamahusay na mga produksyon ng opera at ballet, ang pinakamahusay na musikal at ang pinakamahusay na drama - lahat ng parehong, ang may-akda ng pinakamahusay na dramatikong produksyon sa lahat ng panahon, William Shakespeare, itinanghal ang kanyang mga dula sa London.

Ngunit una sa lahat.

Ang Royal Opera House "Covent Garden" ay isa sa mga pinakalumang opera house sa mundo. Ang pinakamahusay na pagtatanghal ay gaganapin dito, kapwa ng lokal na tropa at mga bumibisitang artista, halimbawa, mula sa La Scala sa Milan o sa Bolshoi Theater sa Moscow. Kung ikaw ay nasa London sa Abril-Mayo at mahilig sa opera, ipinapayo ko sa iyo na tiyak na manood ng Verdi's La Traviata (Abril 19 - Mayo 20, 2014) o Puccini's Tosca (Mayo 10 - Hunyo 26, 2014). Kung pupunta ka sa London sa tag-araw, pagkatapos ay tumingin sa isa pang Puccini opera, La bohème. At para sa mga mahilig sa Russian ballet, ang Mariinsky Theater ay naglilibot sa London noong Hulyo at Agosto at nagtatanghal ng tatlong klasikal na ballet productions ng Romeo at Juliet, Swan Lake at Cinderella (mula Hulyo 28 hanggang Agosto 16).

Ang Royal Opera House na "Covent Garden" ay napakapopular sa mga British, lalo na mula sa pinakamataas na bilog. Dito madalas mong makikilala ang mga sikat na pulitiko at ang aristokrasya ng Ingles. Noong 2009, ang Royal Opera House ay nagtanghal ng isang sentenaryo na produksyon ng mga Ballets Russes ni Sergei Diaghilev, naupo ako sa mga stall sa tabi ng yumaong Margaret Thatcher.

Ang mga tiket sa Royal Opera House ay dapat mabili nang maaga - mas mabuti ilang buwan nang maaga. Mabibili ang mga ito nang direkta sa website ng teatro sa pamamagitan ng pagbabayad gamit ang isang bank card. Ang mga tiket sa Opera ay nagkakahalaga ng average na 120-200 pounds bawat tao, ang mga ballet ticket ay medyo mas mura - 70-110 pounds.

Imposibleng balewalain ang sikat na London West End - ang lugar ng kapanganakan ng lahat ng mga musikal sa London. Ito ay isa sa pinakamalaking musikal mga sentro sa mundo pagkatapos ng Broadway sa New York. Ang West End ay naging sentro ng teatro noong ika-19 na siglo, kung kaya't maraming mga produksyon ang pinapatugtog pa rin sa mga interior ng gusaling Victorian. Ang isang malaking bilang ng mga musikal ay nakabatay sa musika ng mga modernong (at hindi ganoon) na mga performer, kaya kung ikaw ay isang tagahanga ng, halimbawa, Michael Jackson, the Beatles, Queen, Abba, siguraduhing bumili ng tiket, hindi ka pagsisihan mo. Ito ay isang entertainment theater, ito ang teatro kung saan ka umalis, na sinisingil ng enerhiya ng musika at sayaw. Hindi bilang isang malaking tagahanga ni Michael Jackson, kahit papaano ay nagawa kong bisitahin ang musikal na Thriller. For most of the production, I danced by a chair, topati na rin ang karamihan sa iba pang mga manonood. SAimposible ang paglalakad!

Mayroong isang kategorya ng mga musikal na sikat na sikat na sila ay nasa mga sinehan sa loob ng maraming taon. Halimbawa, ang musikal Mga outcast ” (“Les Miserables”) ay nagpapatuloy sa loob ng 28 taon, at “ Phantom ng Opera ” (“The Phantom of the Opera”) sa loob ng 27 taon. Ang halaga ng mga tiket para sa mga musikal ay nasa average na 50 - 100 pounds bawat tao. Maaaring mabili ang mga tiket para sa mga ito at iba pang mga musikal.

Musikal na "Les Misérables" sa Queen's Theater sa London

Isang bihirang musikal ang nananatili sa entablado nang higit sa ilang taon. Ngunit ipagdiriwang ng English production ng Les Misérables ang ika-30 anibersaryo nito sa susunod na taon....

teatro sa Ingles

Noong ika-19 na siglo, ang teatro, tulad ng lahat ng iba pang larangan ng kulturang Ingles, ay nakatanggap ng bagong pag-unlad. Ang pinaka-talentadong trahedya na aktor na si Edmund Kean (1787-1833) ay nagpakilala sa romantikong trend sa theatrical art.

Edmund Keane ( kanin. 58) ay ipinanganak sa isang kumikilos na pamilya. Namatay ang kanyang mga magulang noong bata pa siya. Pinilit na maghanapbuhay, ang binata ay naglakbay kasama ang isang tropa na gumagala sa mga bayan at nayon ng Ingles. Ang mga libot na ito ay naging isang magandang paaralan para sa batang artista, na naglakbay sa maraming bahagi ng England sa edad na dalawampu. Nang tanungin tungkol sa kung ano ang kinakailangan upang maging isang mahusay na aktor, si Keane, na sikat na, ay sumagot: "Marunong magutom."

kanin. 58. Keane bilang Shylock

Naglalakbay kasama ang isang naglalakbay na teatro, sinubukan ni Edmund ang kanyang sarili sa iba't ibang mga tungkulin at dula ng iba't ibang genre.

Lumaki sa kahirapan, ang aktor ay nagkaroon ng paghamak sa mga walang ginagawa na aristokrata at mga pinuno na hindi gaanong nagmamalasakit sa kanilang sariling mga tao. Ang kredo sa buhay ng batang si Keane ay ipinahayag sa mga salitang: "I hate all the lords, except Lord Byron." Hindi mapapatawad ng mataas na lipunan ang gayong pag-uugali sa kanilang sarili at patuloy na hinahabol si Keane, na tinawag siyang artista ng karamihan.

Ang pagiging sikat sa entablado ng probinsiya, noong 1914 ay nakatanggap ang aktor ng isang imbitasyon na gumanap sa London sa Drury Lane Theater, na dumaranas ng mga mahihirap na panahon sa mga taong iyon. Ang kanyang debut sa teatro ng kabisera ay ang papel ni Shylock sa The Merchant of Venice ni Shakespeare. Ang pamumuno ni Drury Lane, na umaasa sa isang aktor ng probinsiya, ay hindi nabigo: sa kanyang kahanga-hangang pagganap, sinakop lamang ni Keane ang malaswang madla sa London.

Si Shakespeare ay naging paboritong manunulat ng dula ni Keene. Ang aktor ay naaakit sa kanya sa pamamagitan ng mga katangiang taglay niya mismo: isang kalunos-lunos na saloobin, isang mas mataas na pakiramdam ng kawalan ng katarungan, pagtanggi sa isang mundo kung saan ang ilan ay nakakakuha ng isang miserableng pag-iral, habang ang iba ay naliligo sa karangyaan.

Si Shakespeare ang nagbigay ng katanyagan kay Edmund. Nilalaman ng aktor ang mga larawan ni Shylock, Richard III, Romeo, Macbeth, Hamlet, Othello, Iago, Lear. Tinawag ng mga kritiko ang kanyang kahanga-hangang laro bilang pinakamahusay na komentaryo sa gawa ng sikat na manunulat ng dula, at ang makata na si Coleridge ay nagtalo: "Ang panonood ng laro ni Keane ay parang pagbabasa ng Shakespeare sa pamamagitan ng kidlat."

Ang imahe ni Shylock, na nilikha ni Keane sa The Merchant of Venice ni Shakespeare, ay gumawa ng malaking impresyon sa English audience. Ang kanyang bayani ay nakakagulat na pinagsasama ang isang ironic na saloobin sa mga tao sa paligid niya at isang mapait na pakiramdam ng kalungkutan, malalim na pananabik at nakakasira ng kaluluwa na poot, na nakatago sa likod ng panlabas na kababaang-loob. Ang Merchant of Venice, na itinanghal sa Drury Lane, ay nagdala ng katanyagan sa probinsiya kahapon bilang pinakamahusay na aktor sa England.

Itinuring ni Keane ang mga tungkulin nina Hamlet at Othello bilang kanyang pinakamahalagang mga gawa. Ang kanyang Prinsipe ng Denmark, malungkot at mapanglaw, ay nauunawaan na imposibleng labanan ang kasamaan na naghahari sa mundo. Hindi karaniwang nagtitiwala, taos-puso at integral sa kalikasan, inilalagay ni Othello ang pag-ibig higit sa lahat, at samakatuwid ang kanyang kamatayan ay nangangahulugan para sa kanya ng kumpletong pagbagsak ng lahat ng kanyang mga hangarin.

Mahusay na tagumpay na dinala ni Keane ang papel ng pawnbroker na si Overrich sa dula " Bagong daan magbayad ng mga lumang utang” ni F. Messinger. Hindi napigilan ng audience na nakunan ng performance ng aktor. Sa sobrang gulat daw ni Byron na dumalo sa performance ay nahimatay ito.

Upang makamit ang pang-unawa ng manonood, si Keane ay nagtrabaho nang mabuti at mahabang panahon sa bawat papel. Inayos niya ang lahat ng galaw at ekspresyon ng mukha sa harap ng salamin, paulit-ulit na bumalik sa pinakamahirap na yugto, nahasa. ang pinakamaliit na detalye papel nito. Ang paglalaro ng sports ay nakatulong sa kanya upang makamit ang pambihirang plasticity (Si Kane ay itinuturing na isa sa mga pinakamahusay na fencer sa England noong panahong iyon).

Ang huling gawain ng mahusay na aktor ay ang papel ni Othello. Sa pagbigkas ng parirala: "Tapos na ang trabaho ni Othello," nawalan ng malay at nahulog ang apatnapu't anim na taong gulang na aktor. Makalipas ang tatlong linggo ay wala na siya. Ang pagkamatay ni Keane ay minarkahan ang pagtatapos ng romantikong direksyon sa English theater.

Ang anak ni Edmund Keane, si Charles Keane (1811-1868), na pangunahing tumugtog sa melodramas, ay isa ring artista.

Ang panahon ng Victoria ay nagdala ng sarili nitong mga pagbabago sa kultural na buhay ng England. Para sa panitikan, ang mga taong ito ang panahon ng pagbuo kritikal na pagiging totoo(George Eliot, William Thackeray, Charles Dickens).

Ang pangalan ng manunulat na si Charles Dickens (1812-1870) ay nauugnay sa paglipat ng teatro ng Ingles mula sa klasiko tungo sa modernong drama. Ang mga dulang melodramatiko ay isinulat para sa teatro (Country Coquettes, 1836; The Lampmaker, unang inilathala noong 1879, atbp.).

Malaking tagumpay para kay Dickens ang manunulat ng dulang dinala ng sira-sirang komedya na The Strange Gentleman, na isinulat batay sa isa sa mga plot ng sanaysay na Essays ni Boz. Lahat ng mga dula ni Dickens, maliban sa The Lampmaker, ay itinanghal sa St. James Theater noong 1836-1837 season. Bilang karagdagan sa kanila, ang manunulat ay lumikha ng isang dula ng kanyang nobela " Malaking pag-asa", ngunit ang dula ay hindi itinanghal.

Ang mga dula ni Dickens ay sikat hindi lamang sa England, kundi pati na rin sa ibang bansa. Ang mga plot ng ilan sa kanyang mga nobela ay bumubuo ng batayan ng isang bilang ng mga opera.

Noong 1951, binuksan ng manunulat ang isang amateur na teatro na ang repertoire ay binubuo ng mga klasikal at kontemporaryong gawa. Maraming mga batang English playwright ang nagsimula ng kanilang malikhaing karera sa teatro na ito. Si Dickens, na may mahusay na kasanayan sa pag-arte, ay gumanap sa papel ng Shallow sa The Merry Wives of Windsor sa kanyang teatro. Ang manunulat ay nakakuha din ng malawak na katanyagan bilang isang mahusay na mambabasa na gumanap ng kanyang sariling mga gawa mula sa entablado.

Ang parehong edad ni Dickens, ang Ingles na makata at manunulat ng dulang si Robert Browning (1812-1889) ay nagsimulang magtrabaho para sa teatro sa edad na dalawampu't dalawa. Ang kanyang unang dula, ang Paracelsius, ay inilathala noong 1835. Pagkatapos ay dumating ang mga makasaysayang drama na Strafford (1837), The Return of the Druze (1839), King Victor at King Charles (1842), na isinulat para sa Covent Garden Theatre. Ang mga pangunahing tungkulin sa mga produksyong ito ay ginampanan ng aktor na si W. Macready.

Noong 1843, itinanghal ng Covent Garden ang The Spot on the Coat of Arms ni Browning. At noong 1853, isa pang dula ng may-akda na ito, ang Kaarawan ni Columbus, ay itinanghal sa kanyang entablado.

Ang mga romantikong gawa ni Browning, tulad ng kanyang mga makasaysayang dula, ay nasa tradisyon ng patula na drama nina J. G. Byron at P. B. Shelley. Sa panahong nangibabaw ang melodrama sa entablado ng Ingles, hinangad ni Browning na makuha ang atensyon ng publiko sa isang seryoso at makabuluhang pagtatanghal. Hindi naiintindihan ng mga kontemporaryo, ang manunulat ay unti-unting lumipat mula sa stage drama patungo sa genre ng tinatawag na play for reading.

Ang akda ni Edward Bulwer-Lytton (1803-1873), isang Ingles na manunulat at manunulat ng dula, na isa ring kilalang politikal na pigura, ay minarkahan din ng pagiging malapit sa modernong makatotohanang teatro. Ang kanyang mga paboritong genre ay mga nobela at drama ng mga makasaysayang tema. Kasabay nito, ang mga melodramatikong motif at pamamaraan ng panlabas na pagpapakitang-tao ay nag-alis ng tunay na historicism sa mga gawa ni Bulwer-Lytton.

Ang mga drama na The Beauty of Lyon (1838) at Richelieu (1839) ay nagdala ng katanyagan sa playwright. Sa pulitika na hinihiling at sa parehong oras ay nakakaaliw, maganda at puno ng dinamika, ang mga dulang ito ay agad na nakakuha ng atensyon ng mga pangunahing direktor sa Ingles noong panahong iyon. Ang "Richelieu", na itinanghal ni Henry Irving, ay hindi umalis sa entablado ng Lyceum Theatre ng kabisera sa loob ng mahabang panahon. At noong 1840s - 1860s, makikita ng madla ng Russia ang Bulwer-Litton drama (ang pangunahing mga karakter ay ginampanan ng mga aktor na sina V.V. Samoilov at N.K. Miloslavsky).

Si Edward Bulwer-Lytton ay naaakit hindi lamang ng mga makasaysayang dula, kundi pati na rin ng mga komedya na kinukutya ang mga kaugalian ng lipunang Victorian - "Hindi kami masama gaya ng nakikita namin" at "Pera" (1840). Bagama't hindi hinalungkat ng playwright panlipunang kritisismo, ang pagiging totoo ng kanyang mga gawa ay nakaakit ng atensyon ng madla. Ang mga komedya ng Bulwer-Lytton ay nasa repertoires ng mga teatro sa Ingles sa loob ng maraming taon.

Ang makasaysayang nobelang Rienzi ni Bulwer-Lytton ay interesado sa sikat na Aleman na kompositor na si Richard Wagner, na ibinatay ang balangkas nito sa opera ng parehong pangalan, na ipinakita sa madla noong 1840.

Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, sinimulan ng sikat na Ingles na manunulat, manunulat ng prosa at manunulat ng dulang si George Bernard Shaw (1856-1950) ang kanyang malikhaing aktibidad ( kanin. 59). Ipinanganak siya sa Dublin, sa pamilya ng isang mahirap na empleyado. Sa edad na dalawampu't, lumipat si Shaw sa London, kung saan siya ay naging isa sa mga tagapagtatag ng Fabian Society. Nagtatrabaho bilang kritiko sa musika at teatro, nagsulat si Bernard ng ilang hindi kilalang mga nobela. Ang kanyang unang dula, The Widower's House, ay lumabas noong 1892. Ang dula ay humipo sa mahahalagang isyung panlipunan at etikal, na mahigpit na pinupuna ang mga panginoong maylupa na umuupa ng pabahay sa mga slum. Hinimok ng playwright ang kanyang mga mambabasa na pagbutihin ang kanilang sarili at baguhin ang mundo sa kanilang paligid. Binati ng madla ang dulang "Widower's House", na itinanghal sa Independent Theatre, nang malamig, at pagkatapos ng dalawang pagtatanghal ay inalis ito sa entablado.

kanin. 59. George Bernard Shaw

Sa susunod na anim na taon, ang manunulat ng dula ay nagsulat ng siyam na dula (kabilang ang isang one-act). Ang malungkot na drama na "Heartbreaker" (1893), na nagsasabi tungkol sa isang kumikitang kasal na natapos sa kumpletong pagbagsak, ay hindi tinanggap para sa produksyon ng alinman sa mga sinehan ng kabisera. Noong 1894, lumitaw ang drama na "Man and Weapon", na inilantad ang kawalang-katauhan at kalupitan ng digmaan. Noong 1897, nilikha ang dulang "The Devil's Disciple", at noong 1898 ang dalawang-volume na koleksyon na "Pleasant and Unpleasant" ay nai-publish, na kinabibilangan ng mga dula mula sa iba't ibang taon ("Mrs. Warren's Profession", 1894; "Man and Weapon" , "Candida", 1897; "Ang pinili ng kapalaran", 1897; "Maghintay at tingnan", 1899, atbp.). Ang dulang "Mrs. Warren's Profession", na nagtataas ng paksa ng prostitusyon, ay ipinagbawal ng mga censor, ngunit nang maglaon, nang ito ay pinahintulutan na maitanghal, hindi ito umalis sa mga yugto ng teatro hanggang 1902. Si Candida ay isang malaking hit sa New York noong 1903. At sa kanyang tinubuang-bayan, hindi pa rin nasisiyahan si Shaw sa anumang kasikatan. Ang tunay na pagkilala sa publiko ng Ingles ay dumating sa kanya noong 1904, nang siya, kasama ang kanyang asawa, pati na rin ang aktor at direktor na si Harley Grenville-Barker, ay nagrenta ng gusali ng Royal Court Theater. Ang mga dula ni Shaw ay idinirehe nina Grenville-Barker at John Vedrenn. Sa 988 na pagtatanghal na nilalaro sa entablado ng Royal Court noong 1904-1907, mahigit pitong daan ang itinanghal batay sa mga gawa ni Shaw.

Kabilang sa pinakamahusay na mga gawa ng manunulat ng dula ay ang dulang "Man and Superman" (1905) - isang pilosopikal na komedya na nagpapakita sa manonood ng saloobin ng may-akda sa relihiyon, kasal, at pamilya. Ang ebolusyon ng lipunan ng tao ay ipinakita sa pamamagitan ng mga pagtatalo ni Don Juan, na natagpuan ang kanyang sarili sa underworld, kasama ang diyablo.

Ang pinakasikat na dula ni Shaw ay ang Pygmalion (1913), isang anti-romantic comedy na partikular na isinulat para sa aktres na si Patrick Campbell. Matapos ang pagkamatay ng playwright, nilikha nina Frederick Lowe at Alan Jay Lerner ang musikal na My Fair Lady batay sa kanyang mga motibo.

Kasama sa mga huling dula ni Shaw ang Heartbreak House (1919), Back to Methuselah (1922), pangkasaysayang drama"Saint Joan" (1923), "Apple Cart" (1930), atbp.

Ang palabas, na naging epitome ng English wit, ay lumikha ng higit sa 50 mga gawa para sa teatro. Nang pumanaw ang mahusay na manunulat ng dula, pinatay ng mga sinehan sa maraming bahagi ng mundo ang kanilang mga ilaw sa pagdadalamhati.

Ang isang makabuluhang kontribusyon sa pag-unlad ng teatro ng Ingles ay ginawa ng manunulat na si Oscar Wilde (1854-1900). Tulad ni Shaw, ipinanganak siya sa Dublin, ang anak ng isang kilalang surgeon. Nag-aral sa Oxford University. Ang mga unang gawa ni Wilde ay ang tula na "Ravenna" (1878) at ang koleksyon na "Mga Tula" (1881).

Ang manunulat ay naging tanyag sa kanyang mga liriko na kwento at mga engkanto ("Star Boy", atbp.), ang pilosopiko na nobelang "The Picture of Dorian Grey". Para sa teatro, lumikha si Wilde ng ilang mga dula na may kritikal na pokus sa lipunan (Lady Windermere's Fan, 1892; An Ideal Husband, 1895; The Importance of Being Earnest, 1899). Naka-on Pranses Ang dulang "Salome" ay isinulat, na inilathala sa England noong 1894, isinalin ni Alfred Douglas na may mga guhit ng pintor na si Aubrey Beardsley. Ang dulang ito ay naging batayan ng sikat na opera ni Richard Strauss na may parehong pangalan (1904).

Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, nagsimulang magsulat ang English playwright na si Henry Arthur Jones (1851-1929) para sa teatro. Mula sa isang mahirap na pamilyang magsasaka, kumikita siya sa pamamagitan ng pag-arte.

Hindi nakakuha ng katanyagan bilang isang aktor, si Jones ay bumaling sa playwriting, ngunit ang kanyang mga unang pag-play ay hindi rin nagdala ng nais na tagumpay. Ang mga sinehan ay tumanggi na kunin ang kanyang mga gawa, at noong 1878 lamang, sa isa sa mga panlalawigang sinehan, ang dula ni Jones na "It's just around the corner" ay tinanggap para sa produksyon.

Ang pinakahihintay na tagumpay ay dumating sa playwright matapos ang kanyang Silver King ay itinanghal sa Princess Theater. Kabilang sa mga pinakamahalagang gawa ni Juan ay maaaring tawaging mga dulang "Saints and Sinners", "The Dancer", "Rebellious Susanna", "The Triumph of the Hypnots", "Michael and His Lost Angel", "Proteksyon ni Mrs. Dane ". Marami sa mga drama ni Jones ang tumutuligsa sa banal na moralidad ng lipunang Victorian (The Liars, 1897; The Lies, 1914), bagama't ang pagkahumaling sa mga melodramatikong pamamaraan ay medyo nagpapababa ng kanilang kahalagahan. Ngunit, sa kabila nito, ligtas na sabihin na ang gawa ni Jones ay nagkaroon ng epekto sa pagbuo ng isang makatotohanang kalakaran sa sining ng teatro ng Inglatera sa pagtatapos ng ika-19 na siglo. Nakipagtulungan si Jones kay Bernard Shaw, at lubos na pinahahalagahan ng huli ang kanyang mga gawa.

Ang English stage art ng huling bahagi ng ika-19 na siglo ay nauugnay sa pangalan ng aktor at negosyante na si Arthur Voucher (1863-1927). Noong 1884, ang batang aktor, na sinanay sa Eton at kalaunan sa Oxford, ay naging isa sa mga tagapagtatag ng Oxford University Dramatic Society. Sa kanyang entablado, naglaro siya sa mga dula ni Shakespeare ("Henry IV", "Twelfth Night", "The Merry Wives of Windsor", "Julius Caesar").

Ang debut ng voucher ay ang papel ni Jacques sa komedya ni Shakespeare na As You Like It, na ginanap noong 1889 sa propesyonal na entablado sa Wolverhampton. Ang pagganap ay nagdala ng katanyagan sa aktor, at noong 1889-1894 ay naglaro siya sa iba't ibang mga teatro sa Ingles at Amerikano.

Noong 1895-1896, pinamunuan ng Voucher ang Royal Theater, at ang kanyang asawa, si E. Vanbrugh, ay isang nangungunang aktres na gumanap ng mga pangunahing tungkulin sa mga komedya at komedya. Sa pagitan ng 1900 at 1906, nagsilbi ang Voucher bilang artistikong direktor ng Garrick Theater. Sa panahong ito, marami siyang ginampanan sa mga dula ni Shakespeare (Shylock, Macbeth), A. Pinero, J. Gilbert, G. A. Jones. Noong 1910, sumali ang aktor sa tropa ng Beerbom Tree (Hiz majestis tietr), kung saan isinama niya ang mga larawan ni Henry VIII at ng Foundation sa mga dula ni Shakespeare na Henry VIII at A Midsummer Night's Dream. Isang napaka-temperamental at emosyonal na artist, ang Voucher ay lalo na matagumpay na naglaro ng maliwanag, katangiang mga tungkulin (John Silver sa "Treasure Island" batay sa nobela ni R. L. Stevenson).

Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, sinimulan ng aktor at negosyanteng si Gerald Hubert Edouard Busson Du Maurier (1873-1934) ang kanyang karera sa teatro. Ginawa niya ang kanyang debut bilang Fritz sa dulang "The Old Jew" ni Grnadi, na itinanghal noong 1895 sa Garrick Theater. Sa parehong taon, sumali siya sa Beerbom Three troupe at nagpunta sa tour sa Estados Unidos kasama nito. Noong 1899-1901 muli siyang bumisita sa Amerika, sa pagkakataong ito kasama ang sikat na artistang Ingles na si Patrick Campbell.

Ang pinakamahalagang yugto ng trabaho ng aktor sa panahong ito ay ang papel ni Sandford Cleave sa The Famous Mrs. Ebbsmith at Captain Ardale sa The Second Mrs Tanqueray ni Pinero. Noong 1902, si Du Maurier ay naging isang negosyante sa tropa ni Ch. Froman ("Duke of York Theater"), kung saan nilikha niya ang mga larawan ni Ernest Wooller ("Delightful Crichton" ni J. Barry), Hook and Darling (" Peter Pan ng parehong may-akda).

Higit sa lahat, nagtagumpay si Du Maurier sa mga comedic roles. Ang kakayahang kumilos nang natural, taos-puso at simpleng nakatulong sa aktor na makuha ang pagmamahal ng madla. Ang kanyang pinakamahusay na mga gawa ay ang mga larawan ng Montgomery Brewster sa McCachon's Brewster's Millions at Hugh Drummond sa Bulldog Drummond, isang pagsasadula ng nobela ni McNeil.

Sa panahon mula 1910 hanggang 1925, pinamunuan ni Du Maurier, kasama si F. Curzon, ang Wyndhams Theater, at mula 1925 hanggang 1929, kasama si G. Miller, ang namuno sa St. James Theater. Ang paggawa sa entablado ng dula ni Lonsdale na The Last Days of Mrs. Cheney (1925) ay nagdala ng malaking tagumpay sa teatro. Sa hinaharap, nagtanghal si Du Maurier ng ilan pang pagtatanghal sa iba't ibang mga sinehan (Wallace's Bell Ringer, 1926, Wyndham's Theater; Maugham's Letter, 1927, Playhouse Theater; Morton's Alibi batay sa nobela ni Christie, 1928, Prince of Wells tietr "; "Doctor Pygmalion Owen, 1932, "Playhouse tietr", atbp.).

Ang isang kilalang tao sa teatro ng Ingles noong huling bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo ay ang aktor, direktor at sikat na guro na si Frank Robert Benson (1858-1939). Mula sa isang maagang edad, siya ay aktibong lumahok sa lahat ng uri ng mga amateur na pagtatanghal. Ang kanyang unang propesyonal na yugto ay ang teatro sa London na "Lyceum", na pinamumunuan ni G. Irving. Pagkalipas ng isang taon, binuksan ng batang aktor ang kanyang sariling mobile theater, na nagbigay ng mga pagtatanghal hindi lamang sa London, kundi pati na rin sa Stratford, pati na rin sa iba pang mga lungsod ng probinsiya.

Ang paboritong manunulat ng dula ni Benson ay si Shakespeare. Sa loob lamang ng ilang taon, itinanghal ng direktor ang halos lahat ng mga dula ng mahusay na manunulat ng dula, maliban kina Titus Andronicus at Troilus at Cressida. Mula 1886 hanggang 1919 ang kumpanya, na pinamumunuan ni Benson, ay naglaro sa Shakespeare Memorial Theater sa Stratford-on-Avon. Sa tinubuang-bayan ni Shakespeare, kasama ang kanyang pakikilahok, ginanap ang taunang mga pagdiriwang ng mga dula ni Shakespeare.

Isang magaling na aktor at direktor, si Benson ay isa ring mahuhusay na guro na nagsanay ng maraming magagaling na artista. Siya ang may-akda ng gawain kasanayan sa pag-arte. Sumulat si Benson at isang aklat ng mga alaala. Sa mga huling taon ng kanyang buhay siya ay nakikibahagi sa paggawa ng pelikula.

Bilang aktor, sinimulan ng sikat na English actor, director at playwright na si Harley Grenville-Barker (1877-1946) ang kanyang karera sa teatro. Noong 1891 sumali siya sa tropa ni S. Thorne sa Marget. Nang sumunod na taon, si Grenville-Barker ay gumaganap na sa London Comedy Theatre.

Mula 1904 hanggang 1907, kasama ang manunulat ng dulang si Bernard Shaw, pinatakbo ng Grenville-Barker ang Royal Court Theatre, bahagi ng libreng kilusang teatro, na nakatuon sa seryosong realistikong drama.

Si Grenville-Barker, na nagsulong ng realismo sa entablado, ay nangarap na magbukas pambansang teatro na may permanenteng repertoire, ngunit, sa kasamaang-palad, ang pagtatangka na likhain ito ay hindi matagumpay.

Kabilang sa mga gawa ng Grenville-Barker, ang mga pagtatanghal batay sa mga dula ni Shakespeare ay sumasakop sa isang mahalagang lugar. Ang direktor ay naglathala ng isang 5-volume na gawain na "Paunang Salita kay Shakespeare", kung saan sinuri niya nang detalyado ang pinakamahirap na paglalaro ni Shakespeare para sa pagpapatupad ng entablado at ibinigay praktikal na payo sa kanilang produksyon sa modernong teatro. Ang mga dula ni Grenville-Barker na The Marriage of Anna Leith (1902), Voisey's Inheritance (1905), Madras House (1910), Weather in Khen, at iba pa ay kilala.

Pagkatapos ng Unang Digmaang Pandaigdig, tumanggap ang England ng ilang kolonya ng Aleman at bahagi ng mga lupain sa Gitnang Silangan na pag-aari ng Turkey. Ang ekonomiya ng Britanya, na pinahina ng digmaan, ay nagsimulang muling mabuhay, ngunit hindi ito nagtagal. Noong 1921, nagsimula ang paglaki ng inflationary at pagbaba sa pamantayan ng pamumuhay ng populasyon.

Noong 1924, naluklok ang pamahalaan ng Labour, ngunit, sa kabila ng lahat ng pagsisikap nito, hindi nagbago ang kalagayang pang-ekonomiya at pampulitika sa bansa, at ang mga Konserbatibong pumalit sa Laborites ay lalong nagpalala sa sitwasyon. Noong Mayo 1924, nagsimula ang isang pangkalahatang welga sa Inglatera. Ang mga halaman at pabrika ay ganap na tumigil, ang mga riles at mga minahan ay tumigil sa paggana. Nagawa ng gobyerno na mapawi ang tensyon sa bansa sa loob ng ilang panahon, ngunit noong 1929 ay sumiklab ang matinding krisis sa ekonomiya.

Ang 1930s ay mahirap din. Dumating si Hitler sa kapangyarihan sa Alemanya, at sa Inglatera, sa pagsasabwatan nina Baldwin at Chamberlain, na pumalit sa kanya, inilunsad ng British Union of Fascists ang mga aktibidad nito.

Nang magsimula ang Ikalawang Digmaang Pandaigdig, lumabas na ang England ay ganap na hindi handa para dito. Matapos ang pagkatalo sa Dunkirk, umalis sa kontinente ang ekspedisyonaryong puwersa ng Britanya. Ang pagkakaroon ng pagsakop sa France, ang mga Nazi ay naghahanda na upang ilunsad ang isang pagsalakay sa British Isles, ngunit sila ay napigilan ng labanan para sa Britain, napanalunan ng British na sasakyang panghimpapawid, at pagkatapos ay nagsimula. lumalaban laban sa USSR.

Noong Mayo 26, 1942, nilagdaan ng Inglatera at USSR ang isang kasunduan sa alyansa ng militar at kooperasyon sa panahon ng kapayapaan, ngunit sa loob ng ilang panahon ay naantala ni Churchill ang pagbubukas ng pangalawang harapan. Sa pagtatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig, ang patakaran ng mga Konserbatibo sa wakas ay nabigo ang mga tao, at sa mga halalan noong 1945 ang Partido ng Paggawa ay nanalo ng isang napakalaking tagumpay.

Ang kalagayang panlipunan sa bansa ay hindi maipapakita sa dulang Ingles noong unang kalahati ng ika-20 siglo. Sa mga taong ito, ang mga sikat na manunulat gaya nina Somerset Maugham at John Boynton Priestley ay nagtrabaho sa bansa.

kanin. 60. Somerset Maugham

Ingles na manunulat na si William Somerset Maugham (1874-1965) ( kanin. 60) ay ipinanganak sa Paris, sa pamilya ng legal na tagapayo ng embahada ng Ingles. Sa edad na sampung taong gulang, naiwan siyang walang mga magulang at pinalaki ng mga kamag-anak sa England. Dahil nagkasakit ng tuberculosis, nanirahan si Maugham sa timog France, at pagkatapos ay lumipat sa Alemanya, kung saan siya ay naging isang boluntaryo sa Unibersidad ng Heidelberg. Sa Alemanya, ang hinaharap na manunulat ay naging malapit kay Ibsen

at Wagner. Ang mga dula ni Ibsen ang gumising kay Maugham ng pagnanais na maging isang manunulat ng dula.

Pagbalik sa Inglatera, nagsimulang mag-aral si Maugham sa isang medikal na paaralan. Sa loob ng tatlong taon ay nagtrabaho siya bilang isang paramedic sa isang ambulansya, na nagbigay sa kanya ng kaalaman sa buhay ng mga ordinaryong tao (bilang bahagi ng kanyang propesyon, binisita ni Somerset ang pinakamahihirap na lugar ng London). Ang kanyang nobelang Lisa ng Lambeth, na isinulat noong 1897, ay nagsasabi tungkol sa mga slum sa London. Dinala niya ang batang manunulat ng unang katanyagan. Kasunod nito, lumikha si Maugham ng maraming nobela na nagbibigay ng malawak na panorama ng buhay ng lipunang Ingles (The Burden of Human Passion, 1915; Theater, 1937).

Ang teatro ay palaging nakakaakit kay Maugham, ngunit hindi madaling makamit ang tagumpay sa lugar na ito. Ang pagnanais para sa isang makatotohanang pagmuni-muni ng katotohanan kung minsan ay natatakot sa mga negosyante na malayo sa manunulat. Hindi nag-ambag sa katanyagan ng manunulat sa komersyal na sining at ang paggawa ng kanyang dula na "Man of Honor" (1903).

Sa wakas, noong 1907, nagawa ni Maugham na itanghal ang komedya na Lady Frederick, na tinanggap nang may sigasig ng madla. Pagkatapos nito, binuksan ng mga teatro sa London ang kanilang mga pinto sa manunulat ng dula, at sa parehong taon, 1907, lumitaw ang tatlo pang pagtatanghal batay sa kanyang mga dula.

Ang manunulat ng dula ay lumikha ng isang uri ng dula na tinawag niyang "matalino". Ang makabagong realidad ng kanyang trabaho ay ipinapakita sa pamamagitan ng sagupaan ng mga tauhan, at ang aksyon ay kadalasang naaantala upang mapag-usapan ng mga tauhan ang sitwasyon. Kapag lumilikha ng kanyang mga dula, madalas na ginagamit ni Maugham ang mga pamamaraan na katangian ng mga gawa nina Shaw at Ibsen, ngunit kadalasan ay bumaling siya sa English comedy ng panahon ng Restoration. Ito ay mula sa dramaturgy ng ikalawang kalahati ng ika-16 - unang bahagi ng ika-18 siglo na ang sining ng karakter at intriga ay dumating, na naroroon sa mga gawa ni Maugham. Sa marami sa kanyang mga dula, mayroon ding interes sa mga tradisyon ng teatro ng Pransya.

Ang mga unang dula ni Maugham na "Lady Frederick", "Mrs. Dot", "Jack Straw", na itinanghal sa mga sinehan sa London noong 1907, ay isinulat sa istilo ng salon comedy. Sa hinaharap, ang playwright ay lumayo mula sa magaan na pangungutya at bumaling sa mga seryosong makatotohanang drama tungkol sa "mga taong nakakaalam ng lahat." Noong 1913, lumitaw ang The Promised Land, na nagsasabi tungkol sa kapalaran ng mahirap na batang babae na si Nora. Pinalaki sa isang burges na Ingles na kapaligiran, napunta siya sa Canada, sa kanyang kapatid na magsasaka. Hindi karapat-dapat sa trabaho at sinusubukang kumilos na parang isang ginang, ginagalit niya ang asawa ng kanyang kapatid. Ngunit, sa pagiging asawa ng isang kalapit na magsasaka, unti-unting nagbabago si Nora at, nang mabigyan siya ng pagkakataong bumalik sa dati niyang buhay sa London, tumanggi siya, na napagtanto na hindi na siya makakapamuhay sa mga tamad at walang kwentang tao.

Ang tema ng buhay Ingles pagkatapos ng digmaan ay ang paksa ng dulang The Hearth and the Beautiful Wife (1919). Natapos ang Unang Digmaang Pandaigdig, at umuwi ang mayor, na itinuturing ng lahat na patay na. Ang kanyang asawang si Victoria ay ikinasal sa kanyang kaibigan, isa ring major. Ang mga kaibigan ay nakikipagkumpitensya sa maharlika, na nagbibigay sa bawat isa ng karapatang manatili sa magandang Victoria, ngunit siya ay naghiwalay pareho at naging asawa ng isang speculator na gumawa ng kayamanan sa mga supply ng militar. Ang supot ng pera na ito na nakatakas sa harapan ay nagmamaneho ng Cadillac at may pagkakataong makakuha ng anumang pagkain. pareho dating asawa walang kapantay na sabi ni Victoria na lagi nilang hinuhulaan ang kanyang kakulitan at kasakiman. Ito ang apuyan kung saan nakipaglaban ang mga British sa digmaan.

Ang tema ng kasal sa burges na lipunan ay ipinagpatuloy ng sikat na dula ni Maugham na The Circle (1919). Si Elizabeth, ang asawa ng isang batang politiko, ay nabigo sa kanyang asawa at hinahangaan ang kanyang ina, na hindi pa niya nakikita: sa kanyang kabataan, tumakas siya sa kanyang asawa kasama ang kanyang kaibigan, si Lord Proteus, na tumatakbo para sa punong ministro. Ngunit pagkatapos ng gayong pagkilos, ang pasukan sa lipunan ay sarado sa mga magkasintahan, at si Elizabeth lamang ang lihim na nag-imbita sa kanila sa kanyang lugar. Ano ang kanyang pagkabigo nang, sa halip na isang romantikong mag-asawa, nakita niya ang isang nagpapabata na matandang babae at isang masamang ugali, masamang matandang lalaki. Marami ang naging malinaw sa dalaga, ngunit hindi niya binitawan ang kanyang pagmamahal at umalis sa bahay ng isang maunlad na asawa upang sumama sa isang batang kolonyal na opisyal sa malayong Malaya.

Sa pagitan ng 1928 at 1933, apat pang Maugham play ang lumitaw: The Sacred Flame (1928), The Breadwinner (1930), Military Merit (1932), at Sheppey (1933). Ang abogado ng probinsiya sa drama na "For Military Merit" ay naniniwala na ang katarungan at kaunlaran ay naghahari sa lipunan, kahit na ang kanyang sariling pamilya ay namamatay sa ilalim ng presyon ng mga pangyayari.

Ang anak na si Sydney ay umuwi mula sa bulag sa digmaan, at isa sa mga kapatid na babae ang nag-aalaga sa kanya, bagaman ito ay tumitimbang at nagpapahirap sa kanya. Pinangarap niyang makasama ang kanyang kapalaran sa isang lalaki na kamakailan lang ay bumalik mula sa harapan, ngunit ang kanyang kasintahan, na hindi mahanap ang kanyang sarili sa lipunang ito, ay nagpakamatay, at ang kapus-palad na batang babae ay nawala sa kanyang isip. Ang kanyang kapatid na babae ay naging asawa ng isang demobilized na opisyal - isang mayabang at masamang tao. Nakakalungkot din ang kapalaran ng ikatlong anak na babae. Sinusubukang tumakas mula sa isang madilim na sitwasyon, tumakas siya sa bahay kasama ang isang mayamang speculator na gumawa ng kanyang kapalaran sa maruming mga transaksyon. Sinira ng digmaan ang kapalaran ng lahat ng miyembro ng pamilya. Ang mga salita ni Sidney ay puno ng kapaitan: “Alam kong lahat tayo ay naging mga tuta sa kamay ng mga katamtamang hangal na namuno sa ating mga bansa. Alam kong lahat tayo ay isinakripisyo sa kanilang kawalang-kabuluhan, kasakiman at katangahan. At ang pinakamasama ay, sa pagkakaintindi ko, wala silang natutunan.”

Nakakalungkot ang kwento ng bida sa dramang "Sheppy". Si Sheppey, isang middle-aged hairdresser, ay naging mapagmataas na may-ari ng isang malaking panalo.

Pangarap niyang tumulong sa mga nangangailangan, ngunit naniniwala ang kanyang anak na babae at ang kanyang kasintahan na ang perang ito ay makakatulong sa kanila na makapasok malaking pulitika, at humingi ng pagkilala kay Sheppey na baliw.

Nabigo ang non-commercial art production ng Sheppey, at nagpasya si Maugham na umalis sa playwriting at hindi na bumalik sa trabaho para sa teatro.

kanin. 61. John Boynton Priestley

John Boynton Priestley (1894-1984) ( kanin. 61) ay ipinanganak sa bayan ng Bradford (Yorkshire), sa pamilya ng isang guro. Noong 1914, naging estudyante siya sa Cambridge University, ngunit sa pagsiklab ng Unang Digmaang Pandaigdig, nagboluntaryo siya para sa harapan. Natapos ni Priestley ang kanyang pag-aaral sa Unibersidad pagkatapos ng digmaan. Hindi nagtagal ay nakakuha siya ng katanyagan bilang isang manunulat ng mga sanaysay, gayundin bilang isang iskolar sa panitikan at kritiko. Isinulat noong 1929, ang nobelang The Good Companions, na nagpapakilala sa mambabasa sa buhay ng mga itinerant na aktor, ay nagdala kay Priestley ng malaking tagumpay. Una at Pambihira magandang karanasan manunulat sa dramaturhiya ay ang dulang "Dangerous Turn", na itinanghal noong 1932.

Tulad ni Maugham, tumpak na naihatid ni Priestley ang mga uri ng tao at lumikha ng intriga. Kasabay nito, ang kanyang mga dula ay mas problemado kaysa sa mga gawa nina Maugham at Shaw.

Sa "A Dangerous Turn", inihayag ni Priestley, tulad ni Maugham, kung ano ang nakatago sa likod ng panlabas na kagalingan ng buhay. Kung ano ang lumilitaw sa likod ng mga layer ng kasinungalingan at panlilinlang ay tunay na kakila-kilabot. Ang playwright ay nagtatayo ng mga dula sa prinsipyo ng "closed room detective". Ang isang pagpatay ay ginawa sa isang makitid na bilog ng malapit na kakilala, lahat ay nasa ilalim ng hinala, at sa parehong oras silang lahat ay naging mga amateur detective.

Unti-unti, ang isang hanay ng mga paghahayag ay huminto, na nagsimula sa pamamagitan ng hindi sinasadyang pagbitaw ng mga salita sa isang party sa publisher na si Robert Kaplan, na nalaman na ang kanyang minamahal na kapatid na si Martin ay isang sex maniac at hindi nagpakamatay, tulad ng opisyal na pinaniniwalaan, ngunit pinatay ng isang babae. . Halos lahat ng kanyang mga kamag-anak ay sangkot sa kanyang pagkamatay. Nang malaman ni Robert ang kakila-kilabot na katotohanan, binawian siya ng buhay. Ngunit ito ay isang hypothetical na bersyon lamang ng mga kaganapan. Ang kasunod na kadiliman ay nawala, at ang kapaligiran ng unang pagkilos ay muling lumitaw sa harap ng mga mata ng manonood. Ang mga karakter ay nagpapatuloy sa parehong pag-uusap, at ang parirala na nagsilbing simula ng pagkakalantad ay hindi nabuo. "Mapanganib na pagliko" ligtas na naipasa, ang partido ay nagpapatuloy. Ngunit kung ano talaga ang nakatago sa likod ng kalmadong takbo ng buhay ay alam na ng manonood.

Noong 1937, lumitaw ang paglalaro ni Priestley na Time and the Conway Family, kung saan ginamit ng may-akda ang pamamaraan ng turn of events. Nagsisimula ang aksyon noong 1919 holiday ng pamilya. Isang palakaibigan at mayamang pamilya ang nagdiriwang ng kaarawan ni Kate. Dalawampu't isang taong gulang na ang dalaga, puno ng pag-asa para sa isang masayang kinabukasan at mga pangarap na maging isang manunulat.

Ang pangalawang batas ay tumutukoy sa 1937. Ang mga karakter ay pareho, ngunit lahat sila ay hindi masaya. Ang isang party na naganap maraming taon na ang nakalilipas ay isang kaganapan na nagpabalik sa buhay ng pamilya sa direksyon na humantong sa lahat ng mga miyembro nito sa isang malungkot na resulta.

Ang ikatlong aksyon ay muling tumutukoy sa 1919, ngunit ngayon sa manonood, na nalaman kung ano ang nangyari pagkalipas ng maraming taon, ang party ng pamilya ay hindi mukhang masaya at masaya.

Binanggit din ni Priestley ang motibo ng oras sa kanyang karagdagang mga dula: "Narito ako noon" (1937), "Music at night" (1938), "Johnson beyond the Jordan" (1939). Upang maging mas malalim ang mga katangian ng kanyang mga tauhan, inilalagay ng manunulat ang mga ito sa isang hindi pangkaraniwang tagpuan, na naghahayag ng dati ay nakatago hindi lamang sa iba, kundi pati na rin sa kanilang sarili.

Sa ilang mga dula, gumagamit si Priestley ng mga matatapang na eksperimento. Kaya, sa drama na "Mula sa Paradise Times" (1939), na naganap sa mga yugto ng mga sinehan sa maraming bansa sa Europa, pinasok ng mga aktor ang karakter sa harap ng mga mata ng madla at kahit na nagbabago ang mga tungkulin.

Lubos na pinahahalagahan ng English playwright ang gawa ni Chekhov. Ang kanyang impluwensya ay higit na maliwanag sa dulang "Eden End" (1934). Ang Eden End, na nakapagpapaalaala sa The Cherry Orchard ni Chekhov, ay nagsasabi sa kuwento ng isang babae na tumakas sa bahay ng kanyang mga magulang maraming taon na ang nakalilipas upang maging isang artista. Ngayon ay bumalik siya sa tahimik at komportableng tahanan ng kanyang ama, nangangarap na muling makaramdam ng saya. Ngunit ang nakaraan ay hindi na maibabalik, at ang mga tauhan ng dula, gaano man nila ito gustuhin, ay hindi makapagsimula ng bagong buhay.

Ang komedya ay sumasakop sa isang mahalagang lugar sa dramaturhiya ni Priestley. Sa genre na ito, ang manunulat ay lumikha ng isang bilang ng mga hindi pangkaraniwang nakakatawang mga gawa na pumupuna sa buhay ng lipunan. Ang kanyang mga komedya ay napakapopular sa mga bansang Europa, ngunit hindi nagdala ng maraming tagumpay sa manunulat ng dula sa kanyang tinubuang-bayan.

Ang komedya na The Rocket Grove (1933) ay malawak na kilala. Isang hindi kapansin-pansin at katamtamang may-ari ng isang maliit na bodega ng stationery ang biglang umamin sa kanyang pamilya na talagang pinamumunuan niya ang isang gang ng mga peke. Ang mga kamag-anak, nang marinig ang tungkol dito, ay nagpakita sa kanya ng bawat paggalang, kahit na dati nilang tinatrato siya nang may paghamak. Naniniwala silang lahat na hindi siya mas masahol pa sa malalaking financial tycoon na nagpabangkarote sa kanya noong krisis sa ekonomiya at ginawa siyang kriminal.

Ang ilang mga komedya ay nagpapatotoo sa interes ni Priestley sa buhay ng mga kinatawan ng ilang mga propesyon (Love by the Light of Jupiter, 1936; Good Night, Kids, 1941).

Ang dulang "Bees on board a ship" (1936) ay medyo magkahiwalay, na tinawag mismo ng may-akda na "isang farcical tragedy in two acts" at "isang political satire sa anyo ng isang komedya." Ang mga tripulante, na inabandona sa isang ocean liner na inabandona ng mga may-ari nito sa kapalaran nito sa panahon ng krisis sa ekonomiya, ay nagsisikap na iligtas ang kanilang barko mula sa lahat ng uri ng mga pagtatangka sa pagpatay. Sa pangwakas, namatay ang barko mula sa isang pagsabog na inayos ng kumpanya - ang may-ari ng liner.

Ang utopian na drama ni Priestley na They Came to the City (1943), na hango sa nobelang utopian ng English artist at manunulat na si William Morris, News from Nowhere, o the Age of Happiness (1891), ay hindi pangkaraniwan. Ang mga bayani ng dula ni Priestley ay nakatira sa isang lungsod kung saan walang pribadong pag-aari, sila ay masaya at masayahin. Gamit ang pamamaraan ng "shift in time", ipinakilala ng may-akda ang mga karakter sa paglalaro mula sa iba't ibang strata ng modernong lipunang Ingles, na naiiba ang pananaw sa hindi pangkaraniwang lungsod at mga naninirahan dito.

Dalawa pang dula ni Priestley ang natanggap na may malaking interes: The Inspector Came (1945) at The Linden Family (1947).

Sa unang dula, muling ginamit ng playwright ang kanyang paboritong pamamaraan ng "shifting in time". Malapit nang ipagdiwang ng pamilya ng industrialist na si Berling ang kasal ng kanilang anak na babae. Biglang lumitaw ang isang inspektor ng pulisya sa bahay, na sinisiyasat ang pagpapakamatay ng isang batang babae na nagngangalang Eva Smith. Lumalabas na lahat ng miyembro ng pamilya ay may kasalanan sa kanyang pagkamatay. Pinaalis siya ni Beurling sa kanyang negosyo, siniguro ng kanyang anak na si Eva ay pinalayas sa tindahan, at ang kanyang kasintahang babae ay nanligaw at iniwan ang kapus-palad. Higit pa sa lahat, tiniyak ng asawa ni Burling, na may impluwensya sa kawanggawa, na tinanggihan ng tulong ang dalaga.

Nang malaman ang lahat, umalis ang inspektor, at ang pamilyang Berling, nagulat na ang kanilang mga aksyon ay tumutukoy sa parehong batang babae, nagsimulang tumawag sa ospital at pulis. Nalaman nila na walang mga kaso ng pagpapakamatay, at ang inspektor na may ganoong pangalan ay hindi gumagana para sa pulisya. Ang mga Berling ay huminahon, ngunit, sa nangyari, masyadong maaga. Biglang tumunog ang telepono, at sinabi sa ulo ng pamilya na ang isang batang babae na dating nagtatrabaho sa kanyang pabrika ay namatay sa ospital, at isang inspektor ng pulisya ang darating upang linawin ang mga kalagayan ng pagkamatay.

Noong 1950s, nagpatuloy si Priestley sa paggawa sa playwriting, ngunit hindi na siya nakapagsulat ng anumang makabuluhang bagay.

Isang malaking kontribusyon sa pagbuo ng English drama ang ginawa ng makata na si Thomas Stearns Eliot (1888-1965) (Larawan 62), na nangarap na lumikha ng isang bagong patula na drama batay sa mga tradisyon ng sinaunang at medyebal na sining.

kanin. 62. Thomas Stearns Eliot

Si Eliot ay ipinanganak sa USA. Noong 1910 dumating siya sa Europa upang mag-aral sa Sorbonne. Ang kanyang pagbuo bilang isang manunulat ay naganap sa ilalim ng impluwensya ng mga modernong uso na lumitaw sa simula ng siglo. Hindi nasisiyahan sa modernong kulturang burges, sa kanyang paghahanap ay bumaling si Eliot sa neoclassicism, batay sa mga tradisyon ng unang panahon at sa Middle Ages.

Ang paglipat ni Eliot mula sa mga liriko patungo sa drama ay konektado sa kanyang masigasig na pagnanais na ihatid ang "tunay na espirituwalidad", ang mga mithiin ng humanismo sa higit pa ng mga tao. Ang layuning ito ay hinahabol ng lahat ng kanyang mga dula na lumabas noong 1930s at pagkatapos noong 1940s at 1950s (“Murder in the Cathedral”, 1935; “Family Convention”, 1938; “Cocktail Party”, 1949; “ personal na kalihim", 1953; "Ang Matandang Estado", 1958).

Ang tanong ng personal na pananagutan ng isang tao sa lahat ng nangyayari sa mundo ay itinaas ng dulang "Murder in the Cathedral", na isang matingkad na halimbawa ng mala-tula na trahedya ni Eliot. Sa paglikha ng kanyang akda sa panahon ng kapayapaan, ang manunulat ng dula ay tila nakikinita ang paparating na digmaang pandaigdig, na bago ay mayroon pang limang taon na natitira.

Ang "Murder in the Cathedral" ay nilayon na ipakita sa Canterbury Festival, kung saan ipinakita ang iba pang mga gawa na nagsasabi tungkol sa kapalaran ni Thomas Becket, ang Arsobispo ng Canterbury, na nabuhay noong ika-12 siglo. Tinulungan ni Becket si Henry II na lumaban para sa isang sentralisadong monarkiya, ngunit kalaunan ay naging isang kalaban ng hari, kung saan binayaran niya ang kanyang buhay. Pagkatapos ng kanyang kamatayan, ang arsobispo ay na-canonize ng simbahan bilang isang santo. Ang personalidad ni Becket ay nagdudulot pa rin ng kontrobersiya sa mga istoryador at manunulat. Ipinakita ni Eliot ang kanyang bayani bilang isang tao na ang mga aksyon ay hinimok ng pagnanais para sa mataas na espirituwalidad, kaya naman nakipaglaban siya sa mga batayang interes ng monarko at ng kanyang mga kampon. Sa pagtanggap ng pagkamartir, dinala ni Becket sa kanyang sarili ang mga kasalanan ng sangkatauhan at binuksan ang daan para sa mga tao sa humanismo at katotohanan.

Ang dula, na pinagsasama ang patula na wika sa prosa, ay batay hindi lamang sa makasaysayang materyal, kundi pati na rin sa mga katotohanan ng 1930s. Kaya, ang mga talumpati ng mga kabalyero na pumatay sa arsobispo ay halos kapareho sa mga talumpati ng dulong kanan na may mga banta ng isang "gabi ng mahabang kutsilyo" sa lahat na hindi sumasang-ayon sa kanilang mga ideya.

Ang pinakadakilang kinatawan ng English left-wing dramaturgy ay ang makata na si Whiston Hugh Auden (1907-1973) at ang nobelistang si Christopher Isherwood (ipinanganak noong 1904), na nagtangkang lumikha ng modernong patula na drama batay sa mga tradisyon ng English music hall. .

Noong 1933, isinulat ni Auden ang dulang Sayaw ng Kamatayan, na hinulaan ang katapusan ng modernong burges na lipunan. Noong 1936 ito ay itinanghal ng direktor na si Rupert Doone sa entablado ng Group Theatre ng London. Sa hinaharap, ang playwright ay nagtrabaho sa pakikipagtulungan sa Isherwood.

Ang dula nina Auden at Isherwood na The Dog Under the Skin (1935), na itinanghal noong 1936, ay natugunan ng interes. Ang gawaing ito, na kinabibilangan ng mga elemento ng parody, mataas na tula, agitprop, fairy tales, expressionism, sa parehong oras ay may pagkakaisa ng istilo.

Taun-taon, ipinapadala ng mga taganayon ng Pressen Embo ang isa sa mga binata sa paghahanap kay Sir Francis, ang tagapagmana ng ari-arian na biglang nawala. Ang turn ay dumating kay Alan Norman, isang tapat at simpleng tao. Kasama niya, ang asong si Francis, na nakatira sa isa o ibang pamilya, ay gumaling sa kanyang paglalakbay. Ang mga manlalakbay ay bumisita sa maraming bansa at nakilala iba't ibang tao ngunit walang nahanap na kapalit. Napagpasyahan na ni Alan na iwanan ang karagdagang paghahanap nang matuklasan niya na ang kanyang aso ay ang wanted na si Sir Francis. Ang balat ng aso ay nakatulong sa kanya upang matuto ng maraming, upang maunawaan kung gaano kabulok ang mga panlipunang pundasyon. Pagbalik sa kanyang nayon, nakita ni Francis na ang mga ideya ng pasismo dito ay nanaig sa lahat ng iba pa. Kasama ang isang grupo ng mga kabataan, umalis ang tagapagmana upang labanan ang kawalan ng katarungan at kasamaan.

Ang malaking interes ay ang dula nina Auden at Isherwood na On the Border (1938), na puno ng simbolismo, na nagsasabi tungkol sa dalawang pamilyang nakatira sa iisang silid. Sa pagitan nila ay namamalagi ang isang di-nakikitang linya na naging dahilan upang maging dalawang naglalabanang partido. Kabilang sa mga tauhan ng dula ay ang mga batang magkasintahan na kabilang sa mga pamilyang ito, na nagkakaisa lamang pagkatapos ng kamatayan, ang Cynic, na nagpapaliwanag ng kalikasan ng pasismo (ang pinuno ng tiwalang bakal), at ang Pinuno, ang demagogue, na pinakain ng mga Mapang-uyam.

Kasunod nito, umalis sina Auden at Isherwood sa kanilang mga naunang ideya. Noong 1966, ang nobelang Farewell to Berlin ni Isherwood (1939), na nagsasabi tungkol sa Alemanya bago ang mga Nazi ay dumating sa kapangyarihan, ay itinanghal sa musikal na Cabaret, at noong 1972 - ang sikat na pelikula na may parehong pangalan.

Ang Unang Digmaang Pandaigdig at ang panahon na sinundan nito ay sinira ang sistema ng mga theatrical entreprise na nabuo noong ika-19 na siglo, na pinamumunuan ng mga aktor na sina G. B. Tree, G. Irving, J. Alexander. Ang komersyal na teatro ng West End ay nakilala sa teatro na buhay ng Inglatera, na nag-aalok sa mga taong pagod sa digmaan ng masasayang at kamangha-manghang mga panoorin. Ang mga farces, melodramas, light comedies, pati na rin ang mga palabas sa musika ay napakapopular.

Ang sitwasyon sa daigdig ng teatro hindi nagbago sa mga taon pagkatapos ng digmaan. Ang mga magaan na genre ay naghari pa rin sa entablado, at ang mga seryosong dula ni Strindberg, Ibsen, Chekhov ay makikita lamang sa mga yugto ng maliliit na teatro sa London (Evryman, Barnes) at mga theater club. Ang Amerikanong kritiko na si T. Dickinson ay sumulat tungkol sa Ingles na teatro noong panahong iyon: “Ang British Isles ay nakahiwalay sa pulitika. Ang teatro sa Ingles ay nasa katulad na paghihiwalay. Noong 1920s, ang teatro ng Great Britain ay napatunayang higit na walang kakayahang tumugon sa malalim na mga impulses na gumabay sa teatro sa Kontinente.

Ang mga kabataang Ingles, na tumanggi sa mga tradisyon ng panahon ng Victoria at naghangad ng isang Amerikanong paraan ng pamumuhay, ay naiinip kay Shakespeare, na ang mga drama ay nawala mula sa yugto ng West End.

Ang mga pagtatanghal ng Cambridge Festival Theatre, na pinamumunuan ni Terence Gray noong 1926-1933, ay naging tunay na parodies ng dakilang Shakespeare. Kaya, sa The Merchant of Venice, inihatid ni Portia ang kanyang sikat na monologo tungkol sa awa na may naiinip na hitsura, isang ganap na walang ekspresyon na boses, at ang mga hukom na nakaupo sa kanyang harapan ay humikab. Ang mga maharlika sa Henry VIII, na itinanghal ni Gray, ay nakasuot ng mga costume na card jacks at queens, at sa halip na ilang karakter, ang mga manonood ay nakakita ng mga mock-up ng paglalaro ng baraha.

Kapansin-pansin na, sa pagtanggi sa mga klasiko, ang mga direktor ng Ingles noong panahong iyon ay madalas na bumaling sa komedya ng panahon ng Pagpapanumbalik. Kabilang sa mga ito ang sikat na aktor, direktor at may-ari ng Lyric Theater sa London, si Nigel Playfair, na nagtanghal ng ilang lumang komedya. Sa entablado ng Lyrica, itinanghal din ang mga pagtatanghal batay sa mga dula ng mga komedyante noong ika-18 siglo, na binigyang-kahulugan sa diwa ng panahon. Halimbawa, ang Beggar's Opera ni John Gay, na hindi umalis sa Lyric stage sa loob ng tatlong taon, ay nawala ang satirical focus at naging isang magaan, masayang panoorin. Sa interpretasyon ng Playfair, ang dula ni Gay ay kumakatawan sa isang walang malasakit at masayang edad, kung saan ang kapaligiran ay nakatulong upang maihatid ang mga kandilang sinindihan sa mga chandelier ng auditorium, ang mga peluka ng mga musikero ng orkestra ng teatro, pati na rin ang musika nina Handel at Purcell . Tumpak na inilarawan ni N. Marshall ang husay sa istilo ng Playfair bilang isang direktor: "Sa walang istilong Ingles na teatro noong panahong iyon, nagbigay siya ng isang halimbawa ng isang elegante at holistic na istilo ng entablado."

Ang bituin ng Lyric Theater ay ang aktres na si Edith Evans (1888-1976), na nagsimula sa mga tungkulin ng mga batang comedy heroine sa panahon ng Restoration. Malaking tagumpay noong 1924 ang nagdala sa kanya ng imahe ni Milliment sa dulang "Ginagawa nila sa mundo" batay sa dula ni Congreve. Si Milliment, tulad ni Sallen sa "Cunning Plan of the Dandies" ni Farker, ay isang hindi pangkaraniwang masayahin at magandang nilalang, na nagsisikap na malaman ang lahat ng kagalakan ng buhay.

Ang mga dula ni Bernard Shaw, na nilalaro sa mga entablado ng West End at sa mga pang-eksperimentong maliliit na sinehan, ay nagtamasa ng malaking tagumpay kasama ng mga tagapakinig na Ingles noong 1920s. Ang "Saint Joan", na itinanghal sa New Theater, ay nagdala sa mga tagalikha ng isang engrande tagumpay sa komersyo. Ang pagtatanghal ay hindi umalis sa entablado nang mahabang panahon, na tumagal ng higit sa dalawang daan at apatnapung pagtatanghal. Ang papel ni Jeanne ay ginampanan ng sikat na trahedya na aktres na si Sybil Thorndike (1886-1976).

Ang papel ni Jeanne ay inilaan para sa Sybil Thorndike ni Bernard Shaw mismo. Nag-ensayo siya sa kanya at sa iba pang mga aktor, sinusubukang i-impress sa kanila ang ideya na sila ay gumaganap ng isang modernong dula, at hindi isang costume drama na nakatuon sa nakaraan. Ginampanan ni Sybil Thorndike ang isang pangunahing tauhang babae na ang mga pangunahing tampok ay hindi pagmamahalan, ngunit isang matino na pag-iisip at moral na lakas. Sa pagtingin kay Zhanna, naunawaan ng madla na ang simpleng babaeng magsasaka na ito, na pinatunayan ang kanyang sarili sa matagal nang mga labanan, ay maaaring maging pangunahing tauhang babae ng modernong Unang Digmaang Pandaigdig.

Sa pagtatapos ng 1920s sa mga bilog sa teatro isinilang ang ideya na magdaos ng taunang mga pagdiriwang ng mga dula ni Bernard Shaw sa maliit na bayan ng Malvern. Ang unang Malvern Festival ay naganap noong unang bahagi ng 1929 at binuksan sa dula ni Shaw na The Apple Cart. Tungkulin bida gumanap ang aktres na si Edith Evans sa pagtatanghal na ito. Ang pagdiriwang ay tumagal hanggang sa pagsiklab ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig.

Si Barry Jackson (1879-1961), na namuno sa Birmingham Repertory Theatre, ay may malaking papel sa pag-aayos ng Malvern Festival. Ang teatro na ito ay binuksan noong 1913, kasabay ng mga repertoryong sinehan ng Bristol, Manchester, Liverpool. Hindi tulad ng mga komersyal, mayroon silang permanenteng tropa at naglagay ng mga seryoso at problemadong dula. Sa entablado ng Birmingham Repertory Theater mayroong mga pagtatanghal batay sa mga gawa ni D. Galsworthy, A. Strindberg, B. Frank, G. Kaiser at, siyempre, B. Shaw. Noong 1923, itinanghal ni Barry Jackson ang kanyang pentalogy Back to Methuselah, kung saan ang mga sikat na aktor sa London, kabilang si Edith Evans, ay naglaro kasama ang mga kinatawan ng Birmingham theater troupe. Nakisali rin si Shaw sa rehearsals.

Noong 1925, sa London, ipinakita ng tropa ni Barry Jackson ang "Hamlet" (direktor - G. Eilif). Ang mga madla sa London ay hindi kailanman nagulat nang labis: Si Hamlet ay nakasuot ng tracksuit, si Laertes sa Oxford na pantalon ay dumating sa entablado na may dalang maleta na may maliwanag na sticker: "Pasahero sa Paris." Si Polonius ay nakasuot ng tailcoat, at si Claudius ay nakasuot ng dressing gown ng scarlet na seda. Ang mga courtier ng hari ay naglaro ng tulay at umiinom ng whisky. Ang kaharian ng Denmark ay naging makabagong Inglatera kasama ang mga tradisyon nito. Ito ay sa matandang mapagkunwari na mundo na pumasok si Hamlet kasama ang kanyang katotohanan, na dinala mula sa mga trenches ng Unang Digmaang Pandaigdig.

Noong 1920s, lumabas ang mga dula ni Chekhov sa repertoire ng mga sinehan sa England. Ang isang mahalagang papel sa pag-pamilyar sa Ingles na madla sa mga gawa ni Chekhov ay ginampanan ng direktor na si Fyodor Komissarzhevsky (1882-1954), na inanyayahan noong 1925 ng negosyanteng si Philip Ridgway sa Barnes Theater. Ang unang pagtatanghal na itinanghal ng isang Russian director sa entablado ng Barnes ay si Ivanov (R. Farkerson ang pangunahing papel dito). Pagkatapos ay itinanghal ang Three Sisters (1926), na binigyang-kahulugan ni Komissarzhevsky bilang isang romantikong nakataas at hindi pangkaraniwang mala-tula na palabas. Gumamit ang direktor ng maliwanag na ilaw at mga epekto ng kulay, hindi karaniwan para sa istilo ni Chekhov. Sa parehong taon, 1926, nakita ng madla ng "Barnes" ang dalawa pang drama ni Chekhov - "Uncle Vanya" at "The Cherry Orchard".

Sa mga taong iyon, ang mga dula ni Chekhov ay itinanghal lamang sa mga maliliit na sinehan, at noong 1930s lamang ay nakita nila ang halos buong pampublikong Ingles. Kasabay nito, isang buong kalawakan ang lumitaw sa bansa mga mahuhusay na artista. Kasama ang mga bituin noong 1920s (Sybil Thorndike, Edith Evans, atbp.), Laurence Olivier, John Gielgud, Peggy Ashcroft, Ralph Richardson, Alec Guinness ay sumikat sa English stage. Makikita mo silang tumutugtog pangunahin sa Old Vic at Gielgud's entreprise sa New and Queens theaters.

Matatagpuan sa Waterloo Road, ang Old Vic ay binuksan noong ika-19 na siglo, ngunit naging malawak na kilala bago ang Unang Digmaang Pandaigdig. Noong 1918-1923, ang mga dula ni Shakespeare ay ginanap sa entablado nito, kung saan naglaro ang pinakamahusay na mga aktor sa Ingles, na tumanggi sa mataas na bayad ng West End para sa kapakanan ng tunay na sining. Inimbitahan si Edith Evans sa lahat ng mga sinehan ng West End, ngunit mas gusto niya ang maliit na suweldo sa Old Vic. Sa mga dula ni Shakespeare, ginampanan niya ang maraming papel, kabilang ang Katarina, Viola, Rosalind.

Shklovsky Viktor Borisovich