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Wolfgang Amadeus Mozart, nome completo Joannes Chrysostomus Wolfgang Amadeus Theophilus Mozart, nasceu em 27 de janeiro de 1756 em Salzburgo. Ele era o sétimo filho de Leopold e Anna Maria Mozart, nascida Pertl.

Seu pai, Leopold Mozart (1719-1787), compositor e teórico, foi violinista da orquestra da corte do Arcebispo de Salzburgo desde 1743. Dos sete filhos de Mozart, dois sobreviveram: Wolfgang e sua irmã mais velha, Maria Anna.

Na década de 1760, o pai abandonou a continuação da carreira e se dedicou à criação dos filhos.

Graças às suas fenomenais habilidades musicais, Wolfgang tocava cravo desde os quatro anos de idade, começou a compor aos cinco ou seis anos, criou suas primeiras sinfonias aos oito ou nove anos e suas primeiras obras para teatro musical aos 10-11.

Desde 1762, Mozart e sua irmã, a pianista Maria Anna, acompanhados pelos pais, percorreram a Alemanha, Áustria, França, Inglaterra, Suíça, etc.

Muitas cortes europeias conheceram a sua arte, em particular, foram recebidas na corte dos reis francês e inglês Luís XV e Jorge III. Em 1764, as obras de Wolfgang foram publicadas pela primeira vez em Paris - quatro sonatas para violino.

Em 1767, a ópera escolar Apollo e Hyacinth de Mozart foi encenada na Universidade de Salzburgo. Em 1768, durante uma viagem a Viena, Wolfgang Mozart recebeu encomendas de óperas no gênero da ópera italiana buffe ("The Feigned Simpleton") e do Singspiel alemão ("Bastien and Bastienne").

A estadia de Mozart na Itália foi especialmente frutífera, onde se aprimorou no contraponto (polifonia) com o compositor e musicólogo Giovanni Battista Martini (Bolonha) e encenou as óperas “Mithrídates, Rei do Ponto” (1770) e “Lucius Sulla” (1771) em Milão.

Em 1770, aos 14 anos, Mozart foi condecorado com a Ordem Papal da Espora Dourada e eleito membro da Academia Filarmônica de Bolonha.

Em dezembro de 1771 retornou a Salzburgo e, a partir de 1772, serviu como acompanhante na corte do príncipe-arcebispo. Em 1777, deixou o serviço militar e foi com a mãe para Paris em busca de um novo lugar. Após a morte de sua mãe em 1778, ele retornou a Salzburgo.

Em 1779, o compositor voltou a servir o arcebispo como organista da corte. Durante este período, compôs principalmente música sacra, mas por ordem do eleitor Karl Theodor escreveu a ópera “Idomeneo, Rei de Creta”, encenada em Munique em 1781. Nesse mesmo ano, Mozart escreveu sua renúncia.

Em julho de 1782, sua ópera “O Rapto do Serralho” foi encenada no Burgtheater de Viena, que foi um grande sucesso. Mozart tornou-se o ídolo de Viena, não apenas nos círculos da corte e da aristocracia, mas também entre os frequentadores de concertos do terceiro estado. Os bilhetes para os concertos (as chamadas academias) de Mozart, distribuídos por assinatura, estavam totalmente esgotados. Em 1784, o compositor deu 22 concertos durante seis semanas.

Em 1786, aconteceram as estreias da curta comédia musical de Mozart "O Diretor de Teatro" e da ópera "As Bodas de Fígaro" baseada na comédia de Beaumarchais. Depois de Viena, "As Bodas de Fígaro" foi encenada em Praga, onde teve uma recepção entusiástica, assim como a ópera seguinte de Mozart, "O Libertino Punido ou Don Giovanni" (1787).

Para o Teatro Imperial de Viena, Mozart escreveu a alegre ópera “Eles são todos assim, ou a escola dos amantes” (“Isso é o que todas as mulheres fazem”, 1790).

Ópera "La Clemenza di Titus" enredo antigo, programado para coincidir com as celebrações da coroação em Praga (1791), foi recebido com frieza.

Nos anos 1782-1786, um dos principais gêneros da obra de Mozart foi o concerto para piano. Durante este tempo escreveu 15 concertos (nºs 11-25); todos eles foram destinados às apresentações públicas de Mozart como compositor, solista e maestro.

No final da década de 1780, Mozart serviu como compositor da corte e maestro da banda do imperador austríaco José II.

Em 1784 o compositor tornou-se maçom, Idéias maçônicas pode ser rastreado em várias de suas obras posteriores, especialmente na ópera " flauta mágica" (1791).

Em março de 1791, Mozart fez sua última apresentação pública, apresentando um concerto para piano (Si bemol maior, KV 595).

Em setembro de 1791, completou sua última obra instrumental - um concerto para clarinete e orquestra em lá maior, e em novembro - a Pequena Cantata Maçônica.

No total, Mozart escreveu mais de 600 obras musicais, incluindo 16 missas, 14 óperas e singspiels, 41 sinfonias, 27 concertos de piano, cinco concertos para violino, oito concertos para instrumentos de sopro com orquestra, muitos divertimentos e serenatas para orquestra ou conjuntos instrumentais diversos, 18 sonatas para piano, mais de 30 sonatas para violino e piano, 26 quartetos de cordas, seis quintetos de cordas, diversas obras para outros composições de câmara, uma quantidade incalculável peças instrumentais, variações, canções, pequenas composições vocais seculares e eclesiásticas.

No verão de 1791, o compositor recebeu uma encomenda anônima para compor o Requiem (como se descobriu mais tarde, o cliente era o conde Walsegg-Stuppach, que ficou viúvo em fevereiro do mesmo ano). Mozart trabalhou na partitura enquanto estava doente, até que suas forças o abandonaram. Conseguiu criar as seis primeiras partes e deixou a sétima parte (Lacrimosa) inacabada.

Na noite de 5 de dezembro de 1791, Wolfgang Amadeus Mozart morreu em Viena. Como o rei Leopoldo II proibiu os enterros individuais, Mozart foi enterrado em vala comum no Cemitério de São Marcos.

O Requiem foi completado pelo aluno de Mozart, Franz Xaver Süssmayr (1766-1803), de acordo com as instruções recebidas do compositor moribundo.

Wolfgang Amadeus Mozart foi casado com Constance Weber (1762-1842) e tiveram seis filhos, quatro dos quais morreram na infância. O filho mais velho, Karl Thomas (1784-1858), estudou no Conservatório de Milão, mas tornou-se oficial. O filho mais novo, Franz Xaver (1791-1844), é pianista e compositor.

A viúva de Wolfgang Mozart deu os manuscritos do marido ao editor Johann Anton Andre em 1799. Posteriormente, Constanza casou-se com o diplomata dinamarquês Georg Nissen, que com a sua ajuda escreveu uma biografia de Mozart.

Em 1842, o primeiro monumento ao compositor foi inaugurado em Salzburgo. Em 1896, um monumento a Mozart foi erguido em Viena, na Albertinaplatz, e em 1953 foi transferido para o Jardim do Palácio.

Um dos famosos monumentos de Mozart localizados em todo o mundo é o bronze

Embora Mozart tenha escrito mais de 50 sinfonias, algumas delas (as primeiras) foram perdidas. Minha primeira sinfonia grande compositor escreveu aos oito anos e criou todas as suas obras neste gênero em 25 anos. É difícil determinar quais sinfonias foram escritas por Mozart, embora exista uma lista numerada de 41 obras. Mas três deles são reconhecidos como obras de outros compositores, a autoria do quarto é duvidosa. Fora da lista oficial existem cerca de 20 sinfonias genuínas, ambas de Mozart, e muitas obras sinfónicas cuja autoria é questionável.

As primeiras sinfonias de Mozart serviram de introdução ou encerramento da obra musical principal. As obras tardias deste gênero musical tornaram-se o principal acontecimento da noite do concerto.

O gênero sinfônico foi inventado Compositores italianos. No século XVIII, foi adotado por mestres musicais na Alemanha e na Áustria. Por volta de 1760, compositores em terras alemãs começaram a acrescentar um minueto à composição, colocando-a entre o movimento lento e o final. O gênero da sinfonia de quatro movimentos nasceu em suas mãos. A crescente complexidade do conteúdo das obras musicais obrigou os compositores a aprofundar o conteúdo de cada uma das quatro partes da sinfonia. Foi assim que nasceu o gênero sinfônico vienense no século XVIII.

Em 1764, Mozart, aos oito anos, escreveu sua primeira sinfonia. Ele já era conhecido na Europa como uma criança prodígio. A notação musical original da primeira sinfonia do compositor austríaco está agora guardada na biblioteca da Universidade Jaguelônica (Cracóvia).

Wolfgang e seu pai Leopold viajaram por toda a Europa. Na Inglaterra, Mozart Sr. adoeceu e pai e filho ficaram em Londres. Lá, o jovem músico escreveu sua primeira sinfonia, e uma placa memorial em uma casa na Ebury Street lembra esse evento às pessoas modernas. A Sinfonia nº 1 foi apresentada pela primeira vez em fevereiro de 1765. A composição musical do jovem Mozart foi influenciada pelo estilo de seu pai e do compositor londrino Johann Christian Bach, com quem os Mozarts estavam familiarizados.

Mozart escreveu o primeiro obras sinfônicas dentro da tradição italiana. Mas foi guiado pelas sinfonias de Johann Christian Bach, um alemão que escreveu sob a influência da tradição italiana. Mozart escreveu sob a influência de Bach enquanto morava e estudava em Londres quando era adolescente. Bach alternou forte e piano no início de suas sinfonias, e Mozart usou essa técnica na maioria de suas sinfonias.

Em 1767, o jovem Mozart visitou Viena. Conhecendo vienense tradição musical enriqueceu-o composições musicais: um minueto apareceu nas sinfonias, e o grupo de cordas foi reabastecido com duas violas. Em 1768, o jovem compositor escreveu quatro sinfonias utilizando sua experiência.

De 1770 a 1773, Wolfgang Amadeus Mozart trabalhou arduamente e viajou. Durante este tempo ele escreveu 27 sinfonias. Nos anos seguintes ele não escreveu um ensaio nesse gênero. Finalmente, em 1778, ainda em Paris, o compositor recebeu a encomenda de escrever uma sinfonia para a abertura temporada de concertos no dia de Corpus Christi em “Concertos Espirituais”. O novo trabalho envolveu a utilização número grande instrumentos, Mozart até escreveu no manuscrito: “Sinfonia para dez instrumentos”.

Mozart escreveu esta obra, numerada KV297, concentrando-se em exemplos franceses de sinfonias. De regresso a Salzburgo, o compositor compôs mais duas obras deste género, próximas do “estilo vienense”. Em 1781-1788, Wolfgang viveu em Viena e em sete anos na capital austríaca criou cinco obras sinfônicas.

Em agosto de 1788, Mozart concluiu os trabalhos na Sinfonia de Júpiter, que é a 41ª e última da lista oficial de suas obras sinfônicas. A sinfonia recebeu o nome, como escreveu o filho do compositor, Franz Mozart, do empresário Johann Salomon.

A razão tem a ver com música e ciência. O final da obra lembra a sinfonia de Karl Ditters "The Fall of Phaeton". Salomão sabia que os gregos chamavam o planeta Júpiter de Phaethon, por isso, com um pouco de ironia, deu à sinfonia de Mozart um nome majestoso. A última sinfonia de Mozart foi aclamada pela crítica e logo foi reconhecida como uma obra-prima.

Existe uma lista de 39 sinfonias que foram originalmente atribuídas ao compositor austríaco. Sua autoria foi posteriormente rejeitada ou questionada.

Existem várias razões pelas quais algumas obras musicais foram erroneamente atribuídas a Mozart:

• O jovem austríaco transcreveu partituras de outros compositores para estudá-las. Quando foram descobertas gravações de sinfonias escritas por Mozart, elas foram erroneamente atribuídas a ele. Assim, Wolfgang foi creditado com diversas obras de seu pai Leopold Mozart.
• Tendo se tornado um compositor reconhecido, Mozart incluiu sinfonias de jovens músicos nas partituras de seus concertos. Embora ele apresentasse ao público o verdadeiro autor, às vezes a confusão persistia.
• Poucas notações musicais foram publicadas no século XVIII e versões manuscritas circularam amplamente, contribuindo para a confusão.
• Algumas das sinfonias de Mozart foram perdidas. Portanto, as descobertas de manuscritos de obras musicais em locais associados ao maestro austríaco foram atribuídas a ele às pressas até que fossem encontradas refutações.

A complexidade da questão de quantas sinfonias Mozart escreveu mostra que mesmo um gênio em início de carreira não está isento de imitações. A confusão sobre as sinfonias atribuídas ao compositor se deve, em parte, às suas experiências de aprendizagem utilizando obras de outros mestres.

Mozart, junto com Haydn, criou um clássico ciclo sonata-sinfônico associado a gêneros como sinfonia, sonata, concerto, quarteto, quinteto, etc. Ao mesmo tempo, seu ciclo sonata-sinfônico representa uma nova etapa no desenvolvimento desta estrutura. , que se manifesta mais claramente na criatividade sinfônica.

A maioria das sinfonias foi escrita por Mozart antes do período vienense. Nas primeiras sinfonias há uma ligação com as primeiras sinfonias de Haydn e dos compositores da escola de Mannheim. Contudo, a individualidade do estilo de Mozart já é evidente nestas sinfonias. Para o máximo trabalhos interessantes Este gênero inclui as últimas sete sinfonias criadas em Viena. Em geral, as sinfonias de Mozart representam um tipo de sinfonismo posterior em comparação com Haydn. Seu tom é mais intenso, animado, dramático, o que se reflete na forma das obras. Mozart realça o contraste entre os temas, especialmente entre as partes principal e secundária. Os jogos paralelos, via de regra, são baseados em novos materiais temáticos. Mas os temas, apesar do contraste, complementam-se. O compositor frequentemente introduz contraste intratemático, ou seja, contraste entre diferentes elementos do mesmo tema.

As sinfonias de Mozart são ricas em temas temáticos; Os desenvolvimentos são curtos e concisos. As técnicas de desenvolvimento são muito diferentes: fragmentação, variação, técnicas polifônicas, etc. Há muitas inovações nas reprises em relação à exposição.

Nas sinfonias de Mozart há uma ligação com a criatividade operística: 1) alguns temas aproximam-se da bufonaria; 2) muitos temas são construídos com base no princípio do diálogo operístico.

A orquestra, como a de Haydn, é dupla. As melhores sinfonias do compositor foram criadas em 1788, são as sinfonias nº 39 (mi bemol maior), nº 40 (sol menor) e nº 41 “Júpiter” (dó maior).

SINFONIA Nº 40.

A sinfonia é composta por 4 movimentos, sua tonalidade é Sol menor.

Não há introdução.

Primeira parte– sonata Allegro, Sol menor . Festa principal– ao mesmo tempo melodioso e excitado, contém um segundo motivo, um movimento ascendente no compasso 6, seguido de um preenchimento passo a passo descendente. A tonalidade é o principal. Lote lateral– mais elegante, que está associado às entonações cromáticas. A tonalidade é Si bemol maior. O desenvolvimento baseia-se apenas no tema da parte principal, que, graças às técnicas de isolamento e polifonia, bem como à instabilidade tonal, adquire um carácter mais intenso e dramático. Na reprise, as diferenças significativas em relação à exposição são, em primeiro lugar, o desenvolvimento mais amplo da parte de ligação e, em segundo lugar, a manutenção da parte lateral na tonalidade principal, o que lhe confere um tom mais melancólico.

Segunda parte– Andante, Mi bemol maior. A forma é sonata. Personagem - brilhante, calmo, as partes principal e lateral têm pouco contraste. EM festa principal– repetições sonoras e paradas ascendentes típicas de Mozart, no lado– motivos de quart descendente.

A terceira parte– Minueto, Sol menor. Forma – 3 partes com trio. As partes extremas representam não tanto uma dança, mas um interior condição psicológica com um toque de drama. Ao final do primeiro tema, ouve-se um movimento cromático descendente, que esteve presente na parte lateral do primeiro movimento. A parte do meio é mais tradicional e tem caráter dançante.

Quarta parte– finale, Sol menor. A forma é sonata. Festa principal consiste em dois elementos contrastantes: o primeiro é executado apenas pelas cordas do piano e é construído sobre os sons da tríade tônica, o segundo é executado por toda a orquestra no forte e inclui canto . Lote lateral fica próximo à parte lateral do primeiro movimento, também é elegante, graças aos movimentos cromáticos, e também foi escrito em paralelo maior, e na reprise - no tom principal, o que lhe confere o mesmo tom melancólico.

O TRABALHO DO TECLADO DE MOZART.

A obra para teclado de Mozart é representada por vários gêneros: sonatas, variações, fantasias, rondos, etc. Nessas obras, o compositor, por um lado, deu continuidade às tradições de Johann Sebastian Bach, de seu filho Philip Emmanuel, bem como de Haydn, e por outro, mostrou uma atitude inovadora em relação a eles.

SONATA EM MAIOR.

A Sonata em Lá Maior consiste em 3 movimentos. Sua característica incomum é que nem um único movimento é escrito em forma de sonata.

Primeira parte– tema com variações, lá maior. O tema é apresentado no gênero siciliano. O personagem é brilhante, lírico, melodioso. A textura é transparente, a forma é reconhecível em duas partes. As variações são clássicas, porque eles mantêm as principais características do tema: modo, tonalidade, andamento, tamanho, forma, plano harmônico. Ao mesmo tempo, novos elementos aparecem em cada variação: na primeira variação - baixo sincopado, atrasos cromáticos, na segunda - tercinas acompanhadas e melismas graciosos na voz superior, na terceira - maior é substituída por notas menores, até semicolcheias aparecem as durações, na quarta - mãos cruzadas, na quinta - o andamento fica mais lento (Adagio em vez de Andante), e as durações são menores (trinta segundos), na última sexta variação o andamento fica mais rápido (Allegro), o tamanho muda (4/4 em vez de 6/8).

Segunda parte– Minueto, Lá maior, forma – 3 partes com trio, dá continuidade ao caráter dançante do primeiro movimento.

A terceira parte– rondo em estilo turco, La Menor. A forma é composta por três partes com um refrão adicional, que é apresentado em lá maior e imita algumas características das marchas dos janízaros. A parte do meio soa na tonalidade de Fá sustenido menor. O movimento final termina com uma coda em lá maior.

SONATA EM DÓ MENOR.

A Sonata é única porque começa com uma grande introdução – a Fantasia. Fantasia consiste em 6 seções, construídas com base no princípio da alternância contrastante. Seções instáveis ​​alternam com seções estáveis, seções lentas com seções rápidas, seções maiores com seções menores.

Seção 1, Dó menor – instável, tensa, dramática com tema contrastante; Seção 2, Ré maior – lírico leve; Seção 3 – rápida, dramática, com mudanças contrastantes de tonalidade e temática temática; A seção 4, Si bemol maior, assemelha-se à 2ª; A seção 5 inclui uma sequência quarto-quinto, rápida, intensa; na 6ª seção, repete-se o material da 1ª seção, o que confere unidade e completude a toda a parte.

Primeira parte, sonata Allegro, dó menor . Festa principal– dramático, contrastante, seu contraste decorre do primeiro tema de Fantasia . Vinculando parte inclui um novo tema intermediário que antecipa o tema paralelo . Lote lateral contém uma imagem nova, mais leve e lírica em relação à parte principal, sua tonalidade é Mi bemol maior . Desenvolvimento– curto, inclui 25 compassos, desenvolve os temas principais e intermediários . Reprise mudou significativamente, nele o tema intermediário da exposição é substituído por um novo, o tema secundário é apresentado na tonalidade principal. A primeira parte termina código, que se baseia no primeiro elemento do partido principal.

Segunda parte, Adagio, Mi bemol maior, forma – 3 partes. O personagem é calmo, narrativo, o tema é colorido com padrões elegantes.

A terceira parte, Assai allegro, dó menor, forma – rondó sonata. As partes principal e lateral são contrastantes: o caráter inquieto e excitado da parte principal é contrastado pela parte lateral principal leve.

W. A. ​​​​MOZART. RÉQUIEM.

“Requiem” é a maior criação de Mozart, que, juntamente com “Paixão” de Bach, é uma das tragédias impressionantes da arte musical do século XVIII.

"Réquiem" é chamado de " canção do cisne"compositor. Esta é a sua última composição, que não teve tempo de terminar. O trabalho nesta obra foi concluído pelo amigo e aluno de Mozart, Süssmayer, com base nos esboços e esboços do compositor, bem como com base no que o próprio Mozart tocou para ele. "Requiem" foi criado simultaneamente com a ópera "A Flauta Mágica". É difícil imaginar mais duas obras diferentes. “A Flauta Mágica” é um conto de fadas brilhante e alegre, “Requiem” é uma trágica missa fúnebre.

Mozart voltou-se para o gênero de cantatas e oratórios antes. Ele escreveu motetos, cantatas e missas. Apesar dos textos espirituais, essas obras estão infinitamente distantes da música sacra e pouco diferem da obras seculares. Um exemplo é o final do moteto solo “Aleluia” - uma típica ária virtuosa do tipo operístico.

Em suas obras sobre textos espirituais, Mozart pregou as ideias do Iluminismo e apelou à fraternidade e ao amor universais.

As mesmas ideias foram refletidas em Requiem. Aqui o compositor revela mundo mais rico experiências humanas, encarna o amor pela vida, pelas pessoas.

O próprio gênero da massa pressupõe a presença da polifonia. Mozart estudou detalhadamente a arte de J.S. Bach, técnicas polifônicas amplamente utilizadas em sua obra.

Isto é evidenciado por obras como os concertos para piano em Ré menor e Dó menor, a fantasia em Dó menor e o grand finale da sinfonia de Júpiter.

"Requiem" é o ápice da maestria polifônica de Mozart. Esta obra reflete quase todas as técnicas da escrita polifônica: imitação, contraponto, dupla fuga, etc.

“Requiem” é composto por 12 números, dos quais 9 números foram escritos para coro e orquestra, 3 para quarteto de solistas. A obra inclui números tradicionais característicos de qualquer missa (“Senhor tenha piedade”, “Santo”, “Cordeiro de Deus”), bem como partes obrigatórias que pertencem apenas à missa fúnebre (“Descanso Eterno”, “Dia da Ira” , “Trompeta Maravilhosa” , "Tearful").

1 parte consiste em 2 seções: 1 seção – lenta – “Requiem aeternam” (“Paz Eterna”), 2ª seção – rápida – fuga dupla “Kyrie eleison” (“Senhor tenha piedade”);

parte 2– “Dies irae” - “Dia da Ira”. Esta é uma foto Apocalipse;

Parte 3– “Tuba mirum” - “Trompete maravilhoso.” Começa com uma fanfarra de trompete, depois os solistas (baixo, tenor, contralto, soprano) entram um a um e todo o quarteto soa junto;

Parte 4– “Rex tremendae” - “Senhor Terrível”;

Parte 5– “Recordare” - “Lembrar”;

Parte 6– “Confutatis maledictis” – “Rejeitar aqueles que estão condenados” é um exemplo improvável coragem e inovação no campo da harmonia;

Parte 7– “Lacrymoza” – “Tearful”, este é o culminar lírico-dramático de toda a obra;

Parte 8– “Domine Yesu” - “Senhor”;

Parte 9– “Hostias” – “Vítimas”;

Parte 10– “Sanctus” - “Santo”;

Parte 11– “Benedictus” - “Bem-aventurado”;

Parte 12– “Agnus Dei” - “Cordeiro de Deus”.

LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770 – 1827).

Música revolução Francesa. Francês revolução burguesa 1789 foi o início de uma etapa muito importante no desenvolvimento da história. Ela teve uma enorme influência em vários aspectos da vida, incluindo a música. Durante a era da Revolução Francesa, a música adquiriu um caráter democrático de massa. Foi nessa época que foi criado o Conservatório de Paris. Apresentações teatrais foram encenadas nas ruas e praças, e celebrações em massa foram realizadas.

Os novos tempos exigiram uma atualização do estilo. Cartaz, arte extremamente generalizada vem à tona. EM obras musicais o ritmo das campanhas, marchas, formas simples acompanhamento.

Ruas e praças exigiam grandes orquestras com um som poderoso, então o grupo de instrumentos de sopro se expandiu significativamente.

Surgiram novos gêneros musicais, em particular a canção de massa. Os exemplos incluem “Marseillaise” de Rouget de Lisle, “Carmagnola”. Cantatas, oratórios e óperas foram repletos de novos conteúdos. No campo da ópera apareceu novo gênero- uma ópera de “salvação e horror”, que mostrava a luta para salvar o herói, terminando sempre com a vitória do bem sobre o mal. Ao mesmo tempo, o enredo dessas óperas incluía cenas de terror e situações dramáticas. A primeira dessas obras foi a ópera “Horrores do Mosteiro”, de Henri Berton. A ópera de “salvação e horror” apresentada gênero de ópera muitas coisas novas: 1) pessoas comuns, e não indivíduos excepcionais, tornaram-se heróis; 2) a esfera entoacional se expandiu, aproximando-se da música cotidiana; 3) o papel do sinfonismo e do desenvolvimento transversal aumentou.

Características da criatividade de Beethoven. A Revolução Francesa, apesar da importância de toda a cultura como um todo, não produziu mais do que um notável compositor francês que refletisse as suas ideias. Um representante brilhante tornou-se um compositor Música alemã Ludwig Van Beethoven, cuja arte transcende o seu tempo. A obra de todos os românticos, músicos russos e compositores do século XX está ligada à obra de Beethoven.

Beethoven foi contemporâneo dos poderosos movimentos revolucionários da virada dos séculos XVIII e XIX, e seu trabalho foi associado tanto às ideias da Revolução Francesa quanto ao movimento revolucionário na Alemanha e em outros países europeus.

As origens da obra de Beethoven: 1) Cultura francesa. Ele a conheceu em Bonn, que fica perto da França e onde a música era ouvida com frequência. Compositores franceses, especialmente Grétry e Montseny. Além disso, Beethoven esteve próximo dos slogans da Revolução Francesa - “Liberdade, Igualdade e Fraternidade”;

2) Filosofia alemã associado ao movimento Sturm und Drang e ao culto da personalidade forte;

3) o mais rico Cultura musical alemã, o trabalho de seus destacados representantes - Bach, Handel, Gluck, Haydn, Mozart.

Beethoven é o último representante Classicismo vienense. Muito o torna semelhante aos seus antecessores, mas também o distingue deles. A principal diferença é o uso de temas civis . O tema principal da obra de Beethoven - assunto "herói" e pessoas ». O herói sempre vence, mas sua luta é difícil e ele precisa superar muitos obstáculos.

O novo tema também deu origem a novos meios de expressão, incluindo uma nova interpretação do ciclo sonata-sinfônico:

1) o protagonismo é dado ao patético, heróico, imagens dramáticas;

2) os trabalhos são repletos de desenvolvimento contínuo. O desenvolvimento prevalece sobre a exposição;

3) entre os temas não há apenas contraste, mas conflito, principalmente entre os temas dos partidos principal e secundário;

4) utiliza-se o princípio do contraste derivativo, ou seja, o contraste é combinado com a unidade pelo que se manifesta na comunhão de entonações entre as partes principais e secundárias (temas independentes, entonações comuns);

5) os temas heróicos são frequentemente construídos sobre os sons das tríades e incluem ritmos semelhantes aos da marcha.

Outro tema importante na obra de Beethoven é letra da música . O compositor transmite todas as sutilezas dos sentimentos e humores humanos. Mas a franqueza de uma declaração lírica é sempre restringida pela vontade da mente. Não é por acaso que R. Rolland chamou Beethoven de “um riacho de fogo em um canal de granito”. Essa qualidade das letras do compositor se manifesta na severidade da forma, na consideração e na completude das partes.

O terceiro tema principal da música de Beethoven é tema natureza , à qual são dedicadas muitas das suas obras, incluindo a 6ª sinfonia “Pastoral”, 15ª sonata “Pastoral”, 21ª sonata “Aurora”, andamentos lentos de sonatas, sinfonias, concertos, etc.

Beethoven trabalhou em quase todos os gêneros musicais. Escreveu 9 sinfonias, 32 sonatas para piano, 10 sonatas para violino, 5 concertos para piano, aberturas, incluindo “Egmont”, “Coriolanus”, “Leonora No. 3”, a ópera “Fidelio”, o ciclo vocal “To a Distant Beloved” , missas e etc. Mas os principais gêneros de sua obra são sinfônicos e instrumentais de câmara.

Beethoven resumiu a era mais importante da história da música - o classicismo, e ao mesmo tempo abriu caminho para nova era– romantismo. Isso é evidenciado pelas seguintes características de sua obra: 1) a ousadia da linguagem harmônica, o uso de relações tonais maiores-menores distantes, mudanças bruscas de tonalidades; 2) formas mais livres, um desvio dos cânones clássicos, especialmente nas sonatas posteriores; 3) síntese das artes, principalmente música e literatura (final da 9ª sinfonia); 4) voltando-se para um gênero romântico como o ciclo vocal (“Para uma amada distante”), etc.

Criatividade no piano Beethoven. “A música deve acender o fogo no coração das pessoas” - estas palavras de Beethoven dão uma ideia da grandeza das tarefas que se propôs a si e à arte em geral. O pensamento sobre a história, sobre o destino dos povos, inspirado no espírito da revolução, está na base do tema temático de todas as obras de Beethoven, incluindo as suas sonatas para piano. Segundo B. Asafiev, “as sonatas de Beethoven são toda a vida de uma pessoa”.

Beethoven trabalhou em sonatas para piano ao longo de sua vida. Sendo um grande virtuoso, mostrou as inesgotáveis ​​capacidades expressivas de um instrumento que naquela época ainda não era perfeito. Se a sinfonia era para Beethoven a esfera das ideias monumentais, então nas sonatas ele transmitia a vida interior de uma pessoa, o mundo de suas experiências e sentimentos. Beethoven escreveu 32 sonatas para piano, e já na primeira sonata em Fá menor, brilhante traços de personalidade, diferente de Haydn e Mozart. Beethoven corajosamente quebra formas tradicionais e resolve o problema de uma nova maneira gênero sonata, assim como Bach destruiu os fundamentos da polifonia estrita e criou um estilo polifônico livre.

As sonatas de Beethoven demonstram a evolução desse gênero na obra do compositor. Nas primeiras sonatas o ciclo varia de 3 a 4 partes, no período intermediário predominam as 3 partes, surge uma tendência à compressão do ciclo e aparecem sonatas de 2 partes (19, 20). Nas sonatas posteriores, cada composição é individual.

SONATAS PARA PIANO DE BEETHOVEN.

SONATA Nº 8 “PATÉTICA”».

Primeira parte começa devagar introduções (Introdução, Sepultura ) , que contém a imagem principal da obra - dramática, intensa. Este é o centro semântico do conteúdo da sonata, que atesta a inovação de Beethoven e traça o caminho para a criação da música leitmotiv. A entonação inicial é um movimento ascendente progressivo terminando com uma segunda descendente. A natureza dramática do tema está associada à harmonia do acorde de sétima diminuta, ao ritmo pontilhado e às entonações bem definidas. Na introdução há contraste e justaposição de duas imagens - dramática e lírica. A colisão e alternância de princípios contraditórios é a essência da Introdução. No desenvolvimento posterior, a entonação inicial muda para um modo maior (Mi bemol maior) e soa piano e os acordes ameaçadores subsequentes –forte. Assim, cria-se não apenas contraste figurativo, mas também dinâmico.

Festa principal apresentado na tonalidade principal (dó menor). O que é incomum é que ele é construído sobre um ponto de órgão tônico e contém um desvio em S, o que é mais típico para as seções finais . Lote lateral consiste em dois tópicos. O primeiro tema - rápido, animado - não soa no tom tradicional (Mi bemol maior), mas em Mi bemol menor. No baixo há um ponto de órgão D, o que também não é típico das seções de exposição. O ponto do órgão é típico de construções de desenvolvimento. O segundo tema da parte lateral restaura a tonalidade mais familiar do paralelo maior e é apresentado em mi bemol maior. Ela está mais calma, porque... inclui longas durações e é mais esclarecido. O desenvolvimento começa com o tema introdutório, que é significativamente abreviado, e desenvolve principalmente o tema da parte principal. A reprise repete o material da exposição, mas em diferentes relações tonais: o primeiro tema da parte lateral está na tonalidade de Fá menor em vez de Dó menor. A tonalidade principal retorna no segundo tema da parte lateral. A primeira parte termina com uma coda, na qual o tema de abertura é ouvido novamente.

Segunda parte– o centro lírico da sonata. É apresentado na tonalidade de lá bemol maior e possui uma estrutura de três partes. Este é um exemplo do lirismo típico de Beethoven: o tema é melódico, mas tem um caráter rígido e contido. Na parte intermediária, a música ganha um som mais intenso, pois começa em lá bemol menor, é de natureza instável e inclui trigêmeos. A reprise é dinâmica, em que o tema original tem como pano de fundo um movimento triplo emprestado do movimento intermediário.

A terceira parte escrito na tonalidade principal, a forma é rondo sonata. A principal diferença da forma sonata é que ao final da exposição, após a parte final, o tema da parte principal é executado novamente. A parte principal é ouvida novamente no final da reprise. Em vez de desenvolvimento - um episódio em lá bemol maior. O tema da parte principal está entonacionalmente relacionado ao primeiro tema da parte lateral da primeira parte. A parte lateral é disposta em paralelo maior.

SONATA Nº 14 “LUA”

Esta sonata foi composta em 1801 e publicada em 1802. É dedicado à Condessa Giulietta Guicciardi. O nome “lunar” foi dado à sonata pelo poeta contemporâneo de Beethoven, Ludwig Relstab, que comparou a música da primeira parte da sonata com a paisagem do Lago Firwaldstätt numa noite de luar.

Beethoven criou esta sonata durante um período difícil de sua vida. Por um lado, a fama já lhe tinha chegado como compositor e virtuoso, era convidado para as casas da mais eminente nobreza e tinha muitos mecenas. Por outro lado, ficou assustado com o aparecimento da surdez, que progredia cada vez mais. A tragédia de um músico que perdeu a audição foi agravada pela tragédia de um homem que vivenciou a sensação amor não correspondido. O sentimento por Juliet Guicciardi foi, aparentemente, a primeira paixão amorosa profunda de Beethoven e a primeira decepção igualmente profunda. Em outubro de 1802, o compositor escreveu o famoso “Testamento de Heiligenstadt” - um documento trágico de sua vida, no qual pensamentos desesperados sobre a perda auditiva se combinam com a amargura do amor enganado.

“Moonlight Sonata” é uma das primeiras composições de Beethoven depois de sofrer uma crise mental e criativa.

A sonata é escrita em dó sustenido menor e consiste em 3 movimentos.

Primeira parte incomum. Em vez da sonata allegro geralmente aceita, o Adagio soa aqui. O próprio compositor define isso como uma fantasia. E, de fato, a primeira parte é apresentada de forma prelúdio-improvisada, característica da fantasia. A primeira parte começa com uma breve introdução, na qual, tendo como pano de fundo um baixo sustentado, acordes de três notas decompostos em um som rítmico triplo. Então aparece a melodia principal, de natureza severamente focada. É caracterizado pela repetição de sons, ritmo pontilhado e dinâmica silenciosa. O formulário está se aproximando de três partes. Na seção intermediária, o tema adquire um caráter mais intenso e dramático; são introduzidas consonâncias reduzidas e transições para outras tonalidades. A reprise é compactada e se baseia no desbotamento gradual do tema.

Segunda parte - Allegretto, Ré bemol maior. É considerado um retrato de Giulietta Guicciardi. A segunda parte é lúdica, graciosa com elementos de dança. R. Rolland a chamou de “uma flor entre dois abismos”, porque contrasta fortemente com as partes extremas. A forma da segunda parte é um complexo de três partes com um trio. O tema principal é apresentado em estrutura de acordes, em ritmo de 3 tempos.

A terceira parte– Presto agitato, dó sustenido menor. Este é o centro de gravidade de toda a sonata. O terceiro movimento foi escrito em forma de sonata desenvolvida. A parte final é caracterizada por energia, tensão e drama incontroláveis. R. Rolland define-o como uma torrente de granizo, “que açoita e abala a alma”. A sua caracterização da festa principal é igualmente figurativa, que compara a ondas que rolam e quebram nas lajes de granito. Com efeito, a parte principal é construída sobre um movimento ascendente ao longo dos sons de uma tríade decomposta acompanhada por uma quinta tônica, que termina com toques de acordes. A segunda frase do partido principal evolui para um partido de ligação, que se transforma diretamente em um partido secundário. A parte lateral tem uma linha melódica pronunciada e é de natureza rebelde e impetuosa. A parte lateral foi escrita não no tradicional paralelo maior, mas no tom do menor dominante, ou seja, Sol sustenido menor. A parte final é bastante desenvolvida, apresentada em acordes. O desenvolvimento representa um desenvolvimento intensivo dos temas dos partidos principais e secundários. Na reprise, todos os temas são tocados no tom principal. O final se distingue por uma coda desenvolvida, que é, por assim dizer, um segundo desenvolvimento. Essa técnica é característica das sinfonias de Beethoven e indica a penetração do princípio sinfônico no gênero sonata.

SONATA Nº 23 “APPASSIONATA”».

A Sonata Appassionata é dedicada ao fervoroso admirador de Beethoven, o Conde Franz Brunswik. Beethoven começou a compô-la em 1804 e provavelmente a terminou em 1806. Foi publicado em 1807.

O título "appasionata" não pertence ao próprio compositor, mas à editora Kranz de Hamburgo. No entanto, este nome expressa bem a essência da obra e, portanto, está firmemente ligado a ela. Beethoven começou a criar a sonata durante um ano difícil para si. Ele experimentou os mesmos sentimentos de quando criou a Sonata “Moonlight”. Surdez progressiva e insuportável para um músico, dolorosas adversidades de amor e amizade, constante solidão mental - tudo isso criou os pré-requisitos para uma obra sombria e trágica. Mas o espírito poderoso de Beethoven ajudou-o a superar essas provações. Portanto, a sonata não é apenas dramática, mas repleta de enorme vontade e energia.

A sonata é escrita em Fá menor e consiste em 3 movimentos. Primeira parte - Allegro assai, forma sonata. Aqui, pela primeira vez, o compositor abandonou a exposição repetida, de modo que todo o primeiro movimento soa de uma só vez. Festa principal consiste em 3 elementos contrastantes. O primeiro elemento representa um movimento uníssono ao longo dos sons da tríade tônica, primeiro em movimento descendente, depois em movimento ascendente. As mãos direita e esquerda executam o elemento inicial a uma distância de duas oitavas. O segundo elemento tem a forma de um trinado. O terceiro é um motivo de quatro notas, que lembra por natureza o tema do destino da 5ª sinfonia. O partido principal não só apresenta o material, mas também o desenvolve imediatamente. Lote lateral apresentado na tonalidade de lá bemol maior, está entonacionalmente relacionado ao primeiro elemento da parte principal, mas contém uma imagem independente - majestosa, rigorosa e corajosa. Este é o princípio do contraste derivado. Desenvolvimento desenvolve temas na mesma sequência da exposição, mas se distingue pela instabilidade tonal e textura diferente, sendo percebido de forma mais dramática. Antes da reprise, ouvem-se golpes poderosos do “motivo do destino”. O mesmo motivo permeia reprise- o partido principal é construído sobre isso. A parte lateral da reprise é apresentada em Fá maior. O resultado do desenvolvimento da primeira parte é código. A primeira parte distingue-se pela grande escala e intensidade de desenvolvimento, o que diferencia a “Appassionata” das restantes sonatas do compositor.

Segunda parte – Andante com moto, Ré bemol maior. Seu caráter contrasta com a primeira parte, soa calmo, contemplativo, tipo Beethoven, liricamente rigoroso. A forma é variável. O tema é apresentado no registro grave em textura coral e cordal. As variações são baseadas na aceleração rítmica gradual, ou seja, com cada variação na duração eles ficam mais curtos: colcheias, semicolcheias, trinta segundos. No final da segunda parte, um acorde de sétima diminuta soa secreta e cautelosamente, e então a terceira parte começa sem interrupção.

A terceira parte– Allegro ma non troppo, Fá menor. O final tem muito em comum com a primeira parte, tanto em termos de personagem quanto de técnicas de desenvolvimento. Os contemporâneos de Beethoven viram nesta sonata uma semelhança com "A Tempestade" de Shakespeare e, portanto, a chamaram de "Shakespeariana". Maiores Razões Isto é o que a terceira parte forneceu. O final é ainda mais brilhante que a primeira parte e lembra um único redemoinho. A forma é sonata, mas todas as seções parecem fundidas. Na coda do final, o andamento acelera e aparece a tonalidade de lá bemol maior, o que dá motivos para considerá-la a finalização não só do movimento final, mas de toda a sonata. Este é o resultado de um drama humano, cheio de contradições internas e que termina com a morte do herói. Mas, apesar do final trágico, não há pessimismo na sonata, pois o herói no final de sua jornada encontrou o sentido da vida e, portanto, “Appassionata” é considerada uma “tragédia otimista”.

SINFONIA Nº 5.

Criatividade sinfônica. O sinfonismo de Beethoven cresceu no solo preparado por Haydn e Mozart, em cuja obra foram finalmente formados os princípios da estrutura e desenvolvimento do ciclo sonata-sinfônico e da forma sonata. Mas as sinfonias de Beethoven representam um estágio novo e superior do sinfonismo. Isso é evidenciado pela escala das sinfonias, que supera significativamente a escala das sinfonias de seus antecessores, e pelo conteúdo interno, via de regra, heróico e dramático, e pela sonoridade orquestral devido ao aumento da composição da orquestra e , sobre tudo, grupo de cobre. O desenvolvimento do sinfonismo de Beethoven foi influenciado pela música da Revolução Francesa com suas imagens heróicas, ritmos de marchas e campanhas, entonações de fanfarra e poderoso som orquestral. Além disso, o contraste interno das sinfonias está associado aos princípios da dramaturgia operística.

Beethoven criou nove sinfonias. Comparado com Haydn e Mozart, isso não é muito, mas há razões para isso. Em primeiro lugar, Beethoven começou a escrever sinfonias apenas aos trinta anos, antes disso, não se atreveu a recorrer a este gênero, percebendo a total responsabilidade de escrever sinfonias; Em segundo lugar, pela mesma razão, escreveu sinfonias durante bastante tempo: a 3ª sinfonia demorou um ano e meio, a 5ª sinfonia demorou quatro anos, a 9ª sinfonia demorou dez anos. Todas as sinfonias representam a evolução consistente deste gênero na obra do compositor. Se a primeira sinfonia apenas delineou as características do sinfonismo de Beethoven, então a nona sinfonia é o culminar do desenvolvimento deste gênero. Beethoven incluído no final desta sinfonia texto poético- “Ode to Joy” de Schiller, antecipando assim a era romântica com a sua síntese das artes.

Sinfonia nº 5- um dos ápices do sinfonismo de Beethoven. A sua ideia principal é a de uma luta heróica, cheia de tensão dramática e ansiedade, mas que termina numa vitória convincente. Portanto, a dramaturgia da sinfonia é construída “das trevas à luz através da luta e do sofrimento”.

A quinta sinfonia é escrita em dó menor e consiste em 4 movimentos. Os quatro compassos desempenham um papel importante na sinfonia. introdução , em que soa o “motivo do destino”. Nas palavras do próprio compositor, “é assim que o destino bate à porta”. Esta introdução desempenha na sinfonia o mesmo papel que o leitmotiv desempenha na ópera. O motivo do destino permeia todas as partes desta obra.

Primeira parte– Allegro com brio, dó menor. A forma é sonata. Festa principal– dramático, rebelde, desenvolve o tema da introdução. Vinculando parte representa uma nova etapa no desenvolvimento do partido principal, terminando com movimentos de fanfarra que antecipam o partido secundário. Lote lateral(Mi bemol maior) – mais lírico, suave, contrastando com a parte principal. Gradualmente, torna-se dramatizado. Jogo finalé baseado no material da parte principal, mas parece mais corajoso e heróico. Desenvolvimento– desenvolvimento contínuo das entonações da parte principal. No auge do clímax do desenvolvimento começa reprise. O que há de novo na reprise em relação à exposição é, em primeiro lugar, o solo de oboé dentro da parte principal e, em segundo lugar, a realização de uma parte lateral em dó maior e uma nova orquestração. Código afirma o tema do partido principal, ainda não dá uma conclusão, a vantagem está do lado das forças malignas e hostis.

Segunda parte– Andante con moto, Lá bemol maior. A forma é composta por variações duplas, como no segundo movimento da Sinfonia em Mi bemol maior de Haydn (Sinfonia nº 103, com tremolo de tímpanos). O primeiro tema é suave, musical, ondulante. O segundo tema da primeira apresentação tem caráter próximo ao da primeira; na segunda apresentação adquire um caráter fanfarrão, heróico pela sonoridade alta (ff), som de banda de música. Os tópicos são então variados um por um.

A terceira parte– Alegro, dó menor. Este é um scherzo escrito em uma forma complexa de 3 partes com um trio. O caráter da música nos movimentos extremos não corresponde à definição de scherzo como piada. Este scherzo parece dramático. A primeira parte compara dois tópicos. O primeiro tema consiste em dois elementos: o primeiro elemento representa um movimento ascendente uníssono ao longo dos sons da tríade tônica, o segundo elemento é um movimento cordal mais suave. O segundo tema é martelante, obsessivo e baseia-se no “motivo do destino”. Trio - Dó maior - mais consistente com o caráter tradicional do scherzo. O tema é pesado, áspero, dançante com um toque de humor folclórico saudável. É apresentado no som uníssono de violoncelos e contrabaixos. A reprise é dinâmica, suaviza sob a influência do trio, sua orquestração é mais transparente.

Quarta parte, final – Allegro, Dó maior. O caráter do final é alegre e festivo. A forma é sonata, onde a parte principal e a parte secundária não entram em conflito, mas se complementam. A coda do final é a conclusão de toda a sinfonia. As forças do mal são finalmente derrotadas e a humanidade libertada regozija-se com a tão esperada vitória.

Fora do comum Compositor austríaco W. A. ​​​​Mozart é um dos representantes da escola. Seu dom se manifestou com primeira infância. As obras de Mozart refletem as ideias do movimento Sturm und Drang e do Iluminismo alemão. A experiência artística de diversas tradições e escolas nacionais traduz-se em música. Os mais famosos, cuja lista é enorme, ocuparam o seu lugar na história arte musical. Escreveu mais de vinte óperas, quarenta e uma sinfonias, concertos para instrumentos diferentes com obras orquestrais, instrumentais de câmara e piano.

Breves informações sobre o compositor

Wolfgang Amadeus Mozart (compositor austríaco) nasceu em 27 de janeiro de 1756 na bela cidade de Salzburgo. Além de compor? ele foi um excelente cravista, maestro, organista e violinista virtuoso. Ele tinha uma memória absolutamente incrível e uma paixão pela improvisação. Wolfgang Amadeus Mozart é um dos maiores não só do seu tempo, mas também do nosso tempo. Sua genialidade se refletiu em obras escritas em diversas formas e gêneros. As obras de Mozart ainda são populares hoje. E isso indica que o compositor passou no “teste do tempo”. Seu nome é mais frequentemente mencionado junto com Haydn e Beethoven como representante do classicismo vienense.

Biografia e caminho criativo. 1756-1780 anos de vida

Mozart nasceu em 27 de janeiro de 1756. Comecei a compor cedo, por volta dos três anos. Meu pai foi meu primeiro professor de música. Em 1762, parte com o pai e a irmã numa grande viagem artística pelos cidades diferentes Alemanha, Inglaterra, França, Suíça, Holanda. Nessa época foram criadas as primeiras obras de Mozart. A lista deles está se expandindo gradualmente. Desde 1763 ele mora em Paris. Cria sonatas para violino e cravo. No período 1766-1769 viveu em Salzburgo e Viena. Ele gosta de mergulhar no estudo das composições de grandes mestres. Entre eles estão Handel, Durante, Carissimi, Stradella e muitos outros. Em 1770-1774. localizada principalmente na Itália. Ele conhece o então famoso compositor Josef Mysliveček, cuja influência pode ser traçada na obra posterior de Wolfgang Amadeus. Em 1775-1780 viajou para Munique, Paris e Mannheim. Enfrentando dificuldades financeiras. Perde a mãe. Muitas das obras de Mozart foram escritas durante este período. A lista deles é enorme. Esse:

• concerto para flauta e harpa;
• seis sonatas para teclado;
• vários coros espirituais;
• Sinfonia 31 em Ré maior, conhecida como Sinfonia de Paris;
• doze números de balé e muitas outras composições.

Biografia e caminho criativo. 1779-1791 anos de vida

Em 1779 trabalhou em Salzburgo como organista da corte. Em 1781 em Munique com grande sucesso Aconteceu a estreia de sua ópera "Idomeneo". Esta foi uma nova reviravolta no destino da personalidade criativa. Então ele mora em Viena. Em 1783 casou-se com Constance Weber. Nesse período eles saem mal obras de ópera Mozart. A lista deles não é tão longa. São as óperas L'oca del Cairo e Lo sposo deluso, que permaneceram inacabadas. Em 1786, seu excelente “As Bodas de Fígaro” foi escrito com base em um libreto de Lorenzo da Ponte. Foi encenado em Viena e teve grande sucesso. Muitos acreditavam que isso melhor ópera Mozart. Em 1787 foi publicada uma ópera de igual sucesso, também criada em colaboração com Lorenzo da Ponte. Depois recebeu o cargo de “músico de câmara imperial e real”. Pelo qual ele recebe 800 florins. Escreve danças para bailes de máscaras e ópera cômica. Em maio de 1791, Mozart foi contratado como regente assistente da Catedral. Não foi remunerado, mas proporcionou a oportunidade, após a morte de Leopold Hofmann (que estava muito doente), de ocupar seu lugar. Entretanto, isso não aconteceu. Em dezembro de 1791 compositor genial morreu. Existem duas versões sobre a causa de sua morte. A primeira é uma complicação após uma doença com febre reumática. A segunda versão é semelhante à lenda, mas é apoiada por muitos musicólogos. Este é o envenenamento de Mozart pelo compositor Salieri.

Principais obras de Mozart. Lista de ensaios

A ópera é um dos principais gêneros de sua obra. Possui ópera escolar, singspiel, ópera séria e buffa, além de grande ópera. Da caneta do compo:

• ópera escolar: "A Metamorfose de Jacinto", também conhecida como "Apolo e Jacinto";
• séries de óperas: "Idomeneo" ("Elias e Idamant"), "A Misericórdia de Tito", "Mithrídates, Rei do Ponto";
• óperas buffa: “O Jardineiro Imaginário”, “O Noivo Enganado”, “As Bodas de Fígaro”, “São Todos Assim”, “O Ganso do Cairo”, “Don Giovanni”, “O Simplório Fingido”;
• Singspiel: "Bastien e Bastienne", "Zaida", "O Rapto do Serralho";
• grande ópera: "ópera A Flauta Mágica";
• balé pantomima "Trinkets";
• missas: 1768-1780, criadas em Salzburgo, Munique e Viena;
• Réquiem (1791);
• oratório “Vetúlia Libertada”;
• cantatas: “David Penitente”, “A Alegria dos Maçons”, “A Ti, Alma do Universo”, “Pequena Cantata Maçônica”.

Wolfgang Amadeus Mozart. Obras para orquestra

As obras para orquestra de W. A. ​​​​Mozart são impressionantes em sua escala. Esse:

• sinfonias;
• concertos e rondós para piano e orquestra e violino e orquestra;
• concertos para dois violinos e orquestra na tonalidade de dó maior, para violino e viola e orquestra, para flauta e orquestra na tonalidade de oboé e orquestra, para clarinete e orquestra, para fagote, para trompa, para flauta e harpa (dó maior );
• concertos para dois pianos e orquestra (Mi bemol maior) e três (Fá maior);
• divertissements e serenatas para Orquestra Sinfónica, corda, conjunto de sopros.

Peças para orquestra e conjunto

Mozart compôs muito para orquestra e conjunto. Trabalho famoso:

• Galimathias musicum (1766);
• Maurerische Trauermusik (1785);
• Um spa musical (1787);
• marchas (algumas delas acompanhadas de serenatas);
• danças (contradanças, landrês, minuetos);
• sonatas de igreja, quartetos, quintetos, trios, duetos, variações.

Para cravo (piano)

As obras musicais de Mozart para este instrumento são muito populares entre os pianistas. Esse:

• sonatas: 1774 - Dó maior (K 279), Fá maior (K 280), Sol maior (K 283); 1775 - Ré maior (K 284); 1777 - Dó maior (K 309), Ré maior (K 311); 1778 - Lá menor (K 310), Dó maior (K 330), Lá maior (K 331), Fá maior (K 332), Si bemol maior (K 333); 1784 - Dó menor (K 457); 1788 - Fá maior (K 533), Dó maior (K 545);
• quinze ciclos de variações (1766-1791);
• rondó (1786, 1787);
• fantasias (1782, 1785);
• peças diferentes.

Sinfonia nº 40 de W. A. ​​​​Mozart

As sinfonias de Mozart foram compostas de 1764 a 1788. Três este último tornou-se a maior conquista deste gênero. No total, Wolfgang escreveu mais de 50 sinfonias. Mas de acordo com a numeração da musicologia russa, a última é considerada a 41ª sinfonia (“Júpiter”).

As melhores sinfonias de Mozart (nºs 39-41) são criações únicas que desafiam a tipificação então estabelecida. Cada um deles contém uma ideia artística fundamentalmente nova.

A Sinfonia nº 40 é a mais trabalho popular esse gênero. O primeiro movimento começa com uma melodia animada de violinos numa estrutura de perguntas e respostas. A parte principal lembra a ária de Cherubino da ópera "As Bodas de Fígaro". A parte lateral é lírica e melancólica, contrastando com a parte principal. O desenvolvimento começa com uma pequena melodia de fagote. Surgem entonações sombrias e tristes. Começa ação dramática. A reprise aumenta a tensão.

Na segunda parte prevalece um clima calmo e contemplativo. A forma sonata também é usada aqui. O tema principal é executado por violas e depois retomado por violinos. O segundo tópico parece estar “flutuando”.

A terceira é calma, gentil e melodiosa. O desenvolvimento nos traz de volta ao clima de excitação, surge a ansiedade. A reprise é novamente uma reflexão brilhante. O terceiro movimento é um minueto com características de marcha, mas em três quartos. O tema principal é corajoso e decisivo. É executado com violinos e flauta. Sons pastorais transparentes emergem no trio.

O final em ritmo acelerado continua a progressão dramática, alcançando Ponto mais alto- clímax. Ansiedade e excitação são inerentes a todas as seções da quarta parte. E apenas os últimos compassos fazem uma pequena declaração.

W. A. ​​​​Mozart foi um excelente cravista, maestro, organista e violinista virtuoso. Tinha um ouvido absoluto para música, uma excelente memória e uma vontade de improvisação. Suas excelentes obras ocuparam seu lugar na história da arte musical.

Mozart, o sinfonista, não é inferior a Mozart, o dramaturgo operístico - O compositor voltou-se para o gênero sinfônico ainda muito jovem, dando os primeiros passos em seu desenvolvimento. Juntamente com Haydn, ele esteve nas origens do sinfonismo europeu, enquanto as melhores sinfonias de Mozart apareceram ainda antes. Sem duplicar Haydn, Mozart resolveu o problema do ciclo sinfônico à sua maneira.

A obra de Mozart no gênero sinfônico durou um quarto de século: de 1764, quando o compositor de 8 anos escreveu e regeu suas primeiras sinfonias em Londres, até o verão de 1788, marcado pelo aparecimento de suas três últimas sinfonias. . Foram eles que se tornaram a maior conquista de Mozart no campo da música sinfônica. O número total de suas sinfonias ultrapassa 50, embora de acordo com a numeração contínua aceita na musicologia russa, a última sinfonia - “Júpiter” - seja considerada a 41ª. O aparecimento da maioria das sinfonias de Mozart remonta aos primeiros anos de sua obra. Durante o período vienense, apenas as últimas 6 sinfonias foram criadas, incluindo: “Linzskaya” (1783), “Praga” (1786) e três sinfonias de 1788.

As primeiras sinfonias de Mozart foram fortemente influenciadas pela obra de I.K. Bach. Manifestou-se tanto na interpretação do ciclo (3 pequenas partes, ausência de minueto, pequena composição orquestral) como em vários detalhes expressivos (melodia dos temas, contrastes expressivos de maior e menor, protagonismo do violino).

As visitas aos principais centros sinfónicos europeus (Viena, Milão, Paris, Mannheim) contribuíram para a evolução do pensamento sinfónico de Mozart:

• o conteúdo das sinfonias é enriquecido;
• os contrastes emocionais tornam-se mais brilhantes;
• mais ativo - desenvolvimento temático;
• a escala das peças aumenta;
• A textura orquestral torna-se mais desenvolvida.

O auge do sinfonismo juvenil de Mozart são as sinfonias nº 25 (uma de suas duas sinfonias menores. Como a nº 40 - em sol menor) e nº 29 (lá maior). Após a sua criação (1773-1774), o compositor mudou para outros gêneros instrumentais(concerto, sonata para piano, conjunto de câmara e música instrumental do quotidiano), recorrendo apenas ocasionalmente à música sinfónica.

Ao contrário das Sinfonias de Londres de Haydn, que geralmente desenvolvem um tipo sinfonismo, as melhores sinfonias de Mozart (nºs 38-41) desafiam a tipificação, são absolutamente únicas. Cada um deles incorpora fundamentalmente novo ideia artística:

• O nº 39 (Es-dur) é um dos mais alegres e ensolarados de Mozart, mais próximo do tipo de Haydn;
• leva aos românticos, em particular aos;
• antecipa o heroísmo de Beethoven. Por mais que a sinfonia g-mol-th esteja concentrada em um círculo de imagens, o mundo figurativo da sinfonia “Júpiter” é igualmente multifacetado.

Duas das últimas quatro sinfonias de Mozart têm introduções lentas, as outras duas não. A Sinfonia nº 38 (“Praga”, Ré maior) tem três movimentos (“sinfonia sem minueto”), as restantes têm quatro.

Para o máximo características características A interpretação de Mozart do gênero sinfônico pode ser atribuída a:

A) dramaturgia de conflitos. Contraste e conflito aparecem nas sinfonias de Mozart em vários níveis - partes do ciclo, temas individuais, vários elementos temáticos dentro Tópicos. Muitos dos temas sinfônicos de Mozart inicialmente agir como " natureza complexa": são construídos sobre vários elementos contrastantes (por exemplo, os temas principais do final do século 40, primeiro movimento da sinfonia de Júpiter). Estes contrastes internos são o estímulo mais importante para o desenvolvimento dramático subsequente, em particular nos desenvolvimentos.

b) preferência pela forma sonata . Via de regra, Mozart recorre a ela Em tudo partes de suas sinfonias, exceto o minueto. É a forma sonata, com o seu enorme potencial de transformação dos temas iniciais, que é capaz da mais profunda divulgação mundo espiritual pessoa. No desenvolvimento da sonata de Mozart pode adquirir significado independente qualquer tópico exposições, incl. conexão e final (por exemplo, na sinfonia “Júpiter”, no desenvolvimento da primeira parte são desenvolvidos os temas de z.p. e sp, e na segunda parte - s.t.)

Mozart não se esforça para usar muitos temas em seus desenvolvimentos (nas partes extremas da Sinfonia nº 40 - monotemático desenvolvimento); porém, tendo escolhido um tema, ele o satura com o máximo de drama.

V) o enorme papel da tecnologia polifônica. Várias técnicas polifônicas contribuem muito para o drama, especialmente em obras posteriores (o exemplo mais marcante é o final da Sinfonia de Júpiter).

G) partida de abrir gênero em minuetos e finais sinfônicos. Ao contrário das obras de Haydn, a definição de “gênero cotidiano” não pode ser aplicada a elas. Pelo contrário, Mozart em seus minuetos muitas vezes “neutraliza” o princípio da dança, preenchendo sua música com drama (na sinfonia nº 40) ou lirismo (na sinfonia “Júpiter”).

e) final superando a lógica da suíte ciclo sinfônico, como uma alternância de diferentes partes. Os quatro movimentos da sinfonia de Mozart representam uma unidade orgânica (isso ficou especialmente evidente na Sinfonia nº 40).

e) estreita conexão com gêneros vocais. Clássico música instrumental foi formado sob forte influência da ópera. Em Mozart esta influência da expressividade operística é sentida com muita força. Manifesta-se não apenas no uso de entonações operísticas características (como, por exemplo, no tema principal da 40ª sinfonia, que é frequentemente comparado ao tema de Cherubino “Não sei dizer, não sei explicar...” ). Música sinfônica A obra de Mozart é permeada por justaposições contrastantes do trágico e do bufão, do sublime e do comum, o que se assemelha claramente às suas obras operísticas (a exposição contrastante do primeiro movimento da sinfonia de Júpiter pode ser completamente comparada ao final operístico, em que o o aparecimento de um novo personagem muda imediatamente o caráter da música).

Na musicologia estrangeira, uma numeração diferente e mais precisa foi estabelecida de acordo com o catálogo revisado de Köchel-Einstein.

eu mesmo Bach baseou-se em exemplos italianos do gênero sinfônico.