Grandes pianistas do passado e do presente. Os pianistas mais ricos do mundo Ranking mundial dos melhores pianistas do nosso tempo

MSE "Escola de Artes do Distrito de Shemonaikha Akimat"

Projeto de pesquisa

Grandes pianistas - intérpretes

Séculos 19, 20, 21

Preparado pela: Tayurskikh Daria 5ª série

Podfatilov Denis 3ª série

Líder da equipe:

professora de arte

Dobzhanskaya Yu.B.

G. Shemonaikha, 2016.

Introdução…………………………………………………………...2

Século XIX…………………………………………………………..3

Século XX…………………………………………………………………………..13

Século XXI ……………………………………………………………………….24

Conclusão…………………………………………………..............

... "piano - é o começo e o fim de tudo, não tanto um instrumento musical, mas um modo de vida, e o significado não está na música pela música, mas na música pelo piano.”

Herold Schönberg

Pianistas– Esse músicos, especializada em performance de piano obras musicais.

Grandes pianistas. Como as pessoas se tornam grandes pianistas? Isso é sempre uma enorme quantidade de trabalho. E tudo começa na infância. Muitos pianistas e compositores começaram a estudar música aos 4 ou até 3 anos.Depois, quando se forma um formato de palma “larga”, o que no futuro ajuda a tocar com maestria.

Dependendo da época de desenvolvimento da música para piano, às vezes eram apresentadas exigências diametralmente opostas aos pianistas. Além disso, a profissão de músico coincide inevitavelmente com a profissão de compositor. A maioria dos pianistas compõe sua própria música para piano. E apenas raros virtuosos conseguiram se tornar famosos executando exclusivamente melodias de outras pessoas.
Em qualquer caso, como qualquer músico, é importante para um pianista ser sincero e emotivo, para poder perder-se na música que executa.

A história da música para piano é bastante interessante. Existem várias etapas, cada uma com suas próprias tradições. Freqüentemente, os cânones de uma época foram definidos por um (menos frequentemente vários) compositores que tocavam um instrumento com maestria (no início era o cravo e, mais tarde, o piano).

Portanto, destacando três épocas da história do pianismo, recebem os nomes dos compositores mais famosos - Mozart, Liszt e Rachmaninoff. Se usarmos a terminologia tradicional dos historiadores, estas foram as eras do classicismo, depois do romantismo e do início do modernismo, respectivamente.

Cada um deles permaneceu durante séculos como um grande compositor, mas em sua época cada um também definiu tendências-chave no pianismo: classicismo, romantismo e início do modernismo. Ao mesmo tempo, outros grandes pianistas atuaram simultaneamente com cada um deles. Alguns deles também foram grandes compositores. Estes foram: Franz Schubert, Ludwig van Beethoven, Johann Brahms, Frederic Chopin, Charles Valentin Alkan, Robert Schumann e outros.

Se você fizer uma viagem pela história da ciência do piano, poderá aprender muitas coisas interessantes. Por exemplo, que em tempo diferente Ao longo dos séculos, as principais tradições na execução do piano foram determinadas por um ou mais grandes compositores que eram fluentes no cravo e que mais tarde, com o advento do piano, eram excelentes pianistas.

Muitos pianistas famosos divertiram e encantaram ouvintes e amantes da música ao longo da história. O piano tornou-se um dos mais instrumentos populares desde a sua invenção, graças à sua versatilidade e som agradável. Embora a história tenha preservado vários nomes de pianistas magníficos, qualquer crítica dos pianistas mais famosos é muito subjetiva e é difícil encaixar os nomes de tais intérpretes em uma lista.

No entanto, ainda existem pianistas que conseguiram chegar ao auge da fama e reconhecimento mundial.

XIXséculo

Na segunda metade do século XIX vida musical nova ferramenta incluída piano. O inventor deste “cravo com piano e forte” foi um mestre paduano

Bartolomeo Cristofori.

Melhorando gradualmente, o piano assumiu um lugar dominante na prática musical. Um instrumento com mecânica de martelo possibilitou produzir sons de intensidades variadas e aplicar gradativamente crescendoEdiminuendo. Estas qualidades do piano correspondiam ao desejo de expressividade emocional do som, de transmissão no seu movimento e desenvolvimento de imagens, pensamentos e sentimentos que preocupavam as pessoas.

Com o advento do piano e sua introdução na prática performática, nasceram novos representantes.

século 19 apresentou uma galáxia de compositores notáveis que expandiram significativamente os limites dos meios técnicos e expressivos do piano. Nas maiores cidades, centros europeus de cultura musical e performática, grandes escolas de piano, Esse:

Londres(Muzio Clementi, Johann Baptist Kramer, John Field);

vienense(Ludwig van Beethoven, Johann Nepomuk Hummel, Karl Czerny, Ignaz Moscheles, Sigismund Thalberg, etc.);

Parisiense, mais tarde conhecido como Francês(Friedrich Kalkbrenner, Henri Hertz, Antoine François Marmontel, Louis Diemer, etc.);

Alemão(Carl Maria Weber, Ludwig Berger, Felix Mendelssohn-Bartholdy, Robert Schumann, Hans Bülow, etc.);

russo(Alexander Dubuk, Mikhail Glinka, Anton e Nikolai Rubinstein, etc.).

Estilo de performance do século 19

A história do desenvolvimento da técnica pianística é a história das culturas e estilos. Entre as habilidades indispensáveis de um pianista dos séculos XVIII e XIX deveria estar a improvisação, então o pianista ainda não havia se separado do compositor, e se ele executasse a música de outra pessoa, então a regra era considerada muito livre, individualmente no tratamento criativo do texto musical, houve uma prática de coloração e variações, o que hoje é considerado inaceitável.

O estilo dos mestres do século XIX estava repleto de tal obstinação artística que o consideraríamos completamente de mau gosto e inaceitável.

Um papel destacado no desenvolvimento da música para piano e da cultura pianística pertence a Escolas de Londres e Viena.

O fundador da London School foi o famoso virtuoso, compositor e professor

Múzio Clementi (1752 -1832)

Múzio Clementi e seus alunos tocavam piano inglês, que tinha um ótimo som e exigia um pressionamento claro e forte das teclas, já que esse instrumento tinha um teclado muito compacto. O piano vienense, desenhado pelo mestre Johann Stein e preferido por Mozart, tinha um som mais melodioso, embora não tão forte, e possuía um teclado relativamente leve. Portanto, tendo se tornado diretor e depois coproprietário de uma das maiores empresas de pianos da Inglaterra, Clementi conseguiu melhorias nos instrumentos ingleses, conferindo-lhes maior melodiosidade e tornando o teclado mais leve. O ímpeto para isto foi o encontro pessoal de Clementi com Mozart em 1781 em Viena, onde a sua peculiar competição como compositores e pianistas teve lugar na corte do imperador austríaco. Clementi ficou impressionado com a sinceridade da execução de Mozart e seu "canto ao piano".

Múzio Clementi - autor de inúmeras obras para piano e grande professor, criou sua própria escola de piano. Foi o autor dos primeiros exercícios e estudos técnicos instrutivos da história do piano, dando uma ideia dos seus princípios metodológicos.

O próprio Clementi e seus alunos (I. Kramer, D. Field - um dos alunos mais talentosos, E. Brekr) - grandes virtuosos do início do século 19 - foram distinguidos pela excelente técnica dos dedos. Clementi, junto com seus alunos, criou uma metodologia progressiva focada no desenvolvimento de novas formas de interpretação do instrumento, na utilização do som de “concerto” completo e na perspectiva do relevo. Obra pedagógica de M. Clementi “Step to Parnassus, ou a arte de tocar piano, consubstanciada em 100 exercícios de estilo rigoroso e elegante.” Este trabalho é uma escola fundamental para o desenvolvimento de habilidades pianísticas; 100 exercícios surpreendem pela variedade de conteúdos e pela abrangência das tarefas de execução atribuídas. Muitos representantes da escola londrina foram ousados inovadores no campo do pianismo, que utilizaram em suas composições, além de passagens de dedo, notas duplas, oitavas, formações de acordes, ensaios e outras técnicas que conferiam brilho e variedade ao som.

A escola Clementi deu origem a certas tradições na pedagogia do piano:

o princípio de muitas horas de exercícios técnicos;

brincar com dedos “isolados”, em forma de martelo, com a mão estacionária;

rigor de ritmo e dinâmica contrastante.

Os fundadores da Escola de Viena foram grandes compositores pianistas: Haydn, Mozart e Beethoven.

Um proeminente representante da pedagogia progressista do piano gozou de grande fama

Karl (Karel) Czerny (1791-1857)

A "Escola Teórica e Prática de Piano" de Czerny tem muitas semelhanças com o "Manual" de Hummel. Falando detalhadamente sobre a técnica de tocar, sobre as formas de seu desenvolvimento e a aquisição das habilidades necessárias ao pianista, ele enfatiza na terceira parte de sua obra que tudo isso é apenas “um meio para atingir o verdadeiro objetivo da arte , o que, sem dúvida, é colocar a alma na performance e no espírito e, assim, influenciar os sentimentos e pensamentos dos ouvintes.”

Deve-se concluir que os métodos de ensino do século XIX foram reduzidos a tarefas puramente técnicas, que se baseavam no desejo de desenvolver a força e a fluência dos dedos através de muitas horas de treinamento. Junto com isso, na primeira metade do século XIX, os mais talentosos intérpretes, em sua maioria alunos de Clementi, Adam, Czerny, Field e outros professores destacados, que alcançaram alto virtuosismo, desenvolveram com ousadia novas técnicas de tocar piano, alcançando o força do som do instrumento, brilho e brilho de passagens complexas. De particular importância na textura de suas obras foram as estruturas de acordes, oitavas, notas duplas, ensaios, técnicas de mudança de mão e outros efeitos que exigiam a participação de toda a mão.

Paris do século 19 - é o centro da cultura musical e da habilidade virtuosa. O fundador da escola parisiense de piano é considerado compositor, pianista, professor

Friedrich Kalkbrenner (1785-1849)

Sua obra “Método de aprendizagem de piano com peça de mão” (1830) fundamentou o uso de dispositivos técnicos para o desenvolvimento Vários tipos técnicas (finas, alongamentos musculares, etc.). Recurso escolas deste tipo são uma comunidade de professores pedagógicos autoritários instalações. O treinamento começou com o desenvolvimento da posição correta no instrumento e o domínio das fórmulas técnico-motoras mais simples, e só muito mais tarde os alunos começaram a aprender peças musicais.

O desejo de virtuosismo levou à aceleração do ritmo das aulas, ao abuso de exercícios de natureza mecânica, o que levou a doenças ocupacionais e à diminuição do controle auditivo.

Alemanha do século XIX A influência da atividade crítico-literária e pedagógica na estética romântica deste país é significativa

Roberta Schumann (1810-1856)

Um lugar significativo na obra de Robert Schumann foi ocupado pelo desenvolvimento das questões da formação de um músico - um verdadeiro artista de um novo tipo, fundamentalmente diferente dos virtuosos da moda. O compositor considera este um dos meios mais eficazes de promoção da cultura musical.

Os problemas da pedagogia musical são abordados nas obras de R. Schumann “Regras de Casa e Vida para Músicos”, “Apêndice ao Álbum para Jovens”, no prefácio de Estudos após os Caprichos de Paganini Or.Z. as principais questões musicais e pedagógicas são as seguintes: a interação da educação ética e estética, a aquisição de conhecimentos profundos e versáteis que constituem a base de qualquer formação, a formulação dos princípios da arte séria e da crítica à direção do salão e à paixão por “técnica pela tecnologia” na composição e nas artes cênicas;

As visões musicais e pedagógicas de Schumann serviram e continuam a servir como base para métodos modernos avançados. A música para piano do compositor ainda é ativamente utilizada em programas educacionais de todos os níveis.

É impossível não falar de um grande compositor e virtuoso pianista polonês

Frederico Chopin (1810-1849)

Na primeira metade do século XIX, Frédéric Chopin tornou-se o primeiro compositor a escrever música exclusivamente para piano. Ser Criança superdotada Chopin escreveu muitas peças para piano belas e complexas que encantaram muitos estudantes e intérpretes de piano por muitos anos. Chopin rapidamente conquistou Paris. Ele imediatamente surpreendeu o público com sua atuação original e inusitada. Naquela época, Paris estava inundada de músicos de vários países. Os mais populares eram pianistas virtuosos. Sua execução se destacou pela perfeição técnica e brilho que surpreendeu o público. É por isso que o primeiro concerto de Chopin soou como um contraste tão nítido. Segundo as lembranças dos contemporâneos, sua atuação foi surpreendentemente espiritual e poética. O famoso músico húngaro Franz Liszt relembra o primeiro concerto de Chopin. Iniciando também a sua brilhante carreira como pianista e compositor: “Lembramos a sua primeira actuação no Pleyel Hall, quando os aplausos, que aumentavam com força redobrada, pareciam incapazes de exprimir suficientemente o nosso entusiasmo face ao talento, que, a par da alegria inovações no campo de sua arte, abriu uma nova fase no desenvolvimento do sentimento poético." Chopin conquistou Paris, assim como Mozart e Beethoven conquistaram Viena. Tal como Liszt, foi reconhecido como o melhor pianista do mundo.

Compositor, pianista, maestro e professor húngaro

Francisco Liszt (1811-1886)

Contemporâneo e amigo de F. Chopin. O professor de piano de Ferenc foi K. Czerny.

Apresentando-se em concertos desde os nove anos de idade, Liszt tornou-se famoso como um pianista virtuoso.

Em 1823-1835. viveu e deu concertos em Paris, onde também decorreram as suas atividades de ensino e composição. Aqui o músico conheceu e se aproximou de G. Berlioz, F. Chopin, J. Sand e outras figuras proeminentes da arte e da literatura.

Em 1835-1839 Liszt viajou para a Suíça e Itália e durante este período aperfeiçoou a sua habilidade como pianista.

Na sua obra de composição, Liszt apresentou a ideia de uma síntese de diversas artes, principalmente música e poesia. Daí o seu princípio fundamental ser programático (a música é composta para um enredo ou imagem específica). O resultado de uma viagem pela Itália e do conhecimento da pintura de mestres italianos foi o ciclo de piano “Anos de peregrinação”, bem como a sonata de fantasia “Depois de ler Dante”.

Franz Liszt também deu uma enorme contribuição para o desenvolvimento da música para piano de concerto.

Cultura musical da Rússia no século XIX. parece uma espécie de “máquina do tempo”. Em cem anos, a Rússia percorreu uma jornada de três séculos, durante a qual o desenvolvimento suave e gradual da economia nacional escolas de compositores grandes países da Europa Ocidental. E só nessa época os compositores russos conseguiram tomar posse da riqueza acumulada no verdadeiro sentido da palavra Arte folclórica e reviver dumas do povo nas belas e perfeitas formas da música clássica.

No final do século XVIII - início do século XIX. A pedagogia musical na Rússia está dando os primeiros passos: uma escola russa de piano está sendo formada. Caracteriza-se pelo desenvolvimento ativo de métodos de ensino estrangeiros e, ao mesmo tempo, o desejo dos professores russos avançados de criar uma escola nacional de pianismo.

Ao contrário da Europa Ocidental, a Rússia não conheceu uma cultura de cravo altamente desenvolvida, embora o cravo fosse conhecido desde o século XVI. Os ouvintes russos demonstravam grande interesse exclusivamente pela música vocal, e os instrumentos de teclado que existiam na Rússia eram usados para acompanhar o canto e a dança. Somente no final do século XVIII. O interesse em aprender a tocar cravo está crescendo. A Escola Clavicórdia de Simon Lelein e trechos da “Escola Clavier” de Daniel Gottlieb Türk foram publicados em russo.

O início do século XIX remonta à publicação do tratado de Vincenzo Manfredini “Regras harmônicas e melódicas para o ensino de todas as músicas”. Junto com isso, na primeira metade do século XIX, várias escolas de piano de músicos estrangeiros foram publicadas em russo: “Escola de Tocar Piano” de M. Clementi (1816), “Escola Prática Completa de Piano” de D. Steibelt ( 1830), “Escola” de F. Gunten (1838), etc.

Entre os destacados músicos-professores da primeira metade do século XIX. havia I. Prach, John Field, Adolf Henselt, A. Gerke, Alexander Villuan.

Durante esses anos, também foram produzidas na Rússia escolas de autores nacionais, cujos compiladores buscaram aproximar os métodos de ensino das tarefas de formação de músicos russos. Repertório da “Escola” de I. Pracha (tcheco, nome verdadeiro Jan Bohumir, ano de nascimento desconhecido, falecido em 1818; compositor, por muito tempo trabalhou em São Petersburgo em vários instituições educacionais professor de música) incluiu, por exemplo, muitas obras de autores russos.

No manual original I.Praça“A Escola Completa de Piano...” (1806) levou em consideração as especificidades da cultura performática russa; foram levantadas questões sobre a educação musical infantil. Prach deu uma contribuição significativa para o desenvolvimento da pedagogia do piano. Especifica posições teóricas baseadas em instruções metodológicas, causando diferentes métodos de execução (figurações harmônicas, arpejos e acordes, oitavas quebradas, etc.) com exemplos que ilustram uma determinada técnica ou movimento.

Atividade Campo J. como músico e professor foi de grande importância para a pedagogia pianística russa. Ele treinou uma galáxia de músicos famosos, como M. Glinka, A. Verstovsky, A. Gurilev, A. Gerke e muitos outros. A Escola de Campo foi, claro, de grande importância. Ele pode ser considerado o fundador da principal escola de piano. Nos anos 20-30. século 19 Em seus estudos, Field buscou subordinar o trabalho técnico a objetivos artísticos: fraseado expressivo, acabamento filigranado do som de cada nota, revelando o conteúdo da obra.

A. HenseltEA. Gehrke

Eles ensinaram em instituições de ensino geral e no Conservatório de São Petersburgo. Seu método pedagógico refletia a direção progressista da escola russa de piano, a saber: desenvolvimento de horizontes a partir da utilização de amplo repertório, desejo de fomentar a independência dos alunos. Eles eram oponentes ferrenhos dos métodos de “treinamento” e “perfuração”.

A. Villuan era um professor de mentalidade progressista. Seu papel histórico é que ele desvendou o talento musical de A. Rubinstein quando criança e conseguiu dar o rumo certo ao seu desenvolvimento. Os melhores lados O método pedagógico de Villouin, manifestado nas suas atividades práticas, refletiu-se na sua “Escola” (1863). O método de produção sonora que descobriu - “cantar” ao piano - tornou-se um dos mais poderosos meios artísticos jogos de A. Rubinstein. Capas "escolares" uma grande quantidade conhecimentos relacionados à formação técnica e à educação musical de um pianista. Particularmente valiosas são as opiniões de Villouin sobre como alcançar um som de piano melodioso e profundo, sobre o desenvolvimento do legato, para o qual são utilizadas técnicas bem fundamentadas que não perderam seu significado até hoje.

Na história da arte pré-revolucionária e pós-revolucionária russa, o papel principal pertence a Conservatórios de São Petersburgo e Moscou

maiores centros de cultura musical do país. As atividades de ambos os conservatórios desenvolveram-se em estreito contacto, o que foi determinado não só pela uniformidade das suas tarefas, mas também pelo facto de os alunos do Conservatório de São Petersburgo trabalharem frequentemente em Moscovo e os moscovitas se tornarem professores do Conservatório de São Petersburgo. .

Assim, P. I. Tchaikovsky formou-se no Conservatório de São Petersburgo e tornou-se um dos primeiros professores do Conservatório de Moscou; L. Nikolaev (aluno de V. Safonov no Conservatório de Moscou) - mais tarde um dos principais representantes da escola de piano em Leningrado; Os alunos de Nikolaev, V. Sofronitsky e M. Yudina, trabalharam em Moscou por vários anos.

Fundadores dos Conservatórios de São Petersburgo e Moscou, irmãos

Anton e Nikolai Rubinstein,

Durante os anos de liderança dos conservatórios, lançaram as bases fundamentais para a formação de jovens músicos. Seus alunos (A. Ziloti, E. Sauer - alunos de Nikolai; G. Cross, S. Poznanskaya, S. Drukker, I. Hoffman - alunos de Anton) tornaram-se os primogênitos em uma galáxia de jovens artistas que ganharam reconhecimento de comunidade musical mundial.

Através dos esforços dos irmãos Rubinstein, a pedagogia pianística russa foi adquirida no último terço do século XIX. enorme autoridade e reconhecimento internacional. É a eles que a Rússia deve ter ocupado um dos primeiros lugares no ensino de piano.

Podemos concluir que tanto os músicos-professores avançados da Europa Ocidental e da Rússia do século XIX procuravam formas razoáveis e originais de influenciar o aluno. Eles procuravam maneiras eficazes de agilizar o trabalho técnico. Utilizar criativamente as tradições da música de cravo e as ideias que se desenvolveram nos séculos anteriores sobre a essência do processo de formação da técnica performática de um pianista, a metodologia do século XIX. chegou à justificativa de um princípio de execução apropriado - o uso holístico do aparelho pianístico. Foi no século XIX que se criou uma base verdadeiramente grandiosa de estudos e exercícios, que até hoje continua indispensável no ensino do piano.

A análise do material musical mostra que seus criadores têm o desejo de buscar movimentos naturais de execução, princípios de digitação associados às características estruturais da mão humana.

Ao mesmo tempo, importa referir que o século XIX. deu à pedagogia e à educação musical um sistema de ideias brilhantes e promissoras e, acima de tudo, o desejo de educar um músico bem-educado através do desenvolvimento expedito de sua individualidade criativa.

XXséculo

20 século - o apogeu da arte do piano. Este período é extraordinariamente rico em pianistas excepcionais e talentosos.

No início do século 20 eles ficaram famosos Hoffmann E Cortot, Schnabel E Paderewski. E naturalmente, COM. Rachmaninov, gênio Era de Prata, que marcou uma nova era não só na música para piano, mas também na cultura mundial como um todo.

A segunda metade do século 20 é a era de pianistas famosos como Svyatoslav Richter, Emil Gilels, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Wilhelm Kempff.A lista continua...

Estilo de performance do século 20

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Este é o desejo de uma compreensão profunda do texto musical e de uma transmissão precisa da intenção do compositor, e de uma compreensão do estilo e caráter da música como base para uma interpretação realista das imagens artísticas incorporadas na obra.

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Final do século XIX - início do século XX. - um período extremamente agitado na história da cultura artística mundial. O confronto entre a cultura democrática das massas, que entravam cada vez mais na luta pelos seus direitos sociais, e cultura de elite burguesia.

Os maiores artistas desta época reconheceram as características da crise na evolução nova música: “Vivemos numa época em que a base da existência humana está passando por um choque”, argumentou I.F Stravinsky, o homem moderno está perdendo o senso de valor e estabilidade.... Visto que o próprio espírito está doente, então a música do nosso tempo. e especialmente o que isso cria, o que ele considera verdadeiro, traz consigo sinais de insuficiência patológica.” Confissões semelhantes puderam ser ouvidas mais de uma vez da boca de outros grandes músicos.

Mas, apesar dos impactos da crise da época, a música atingiu novos patamares brilhantes. A pedagogia do piano foi enriquecida com muitos trabalhos interessantes. A atenção dos autores dos trabalhos publicados voltou-se para questões de habilidade artística dos alunos.

Os professores de pianista mais proeminentes G. Neuhaus, G. Hoffman, I. Kogan desenvolveram métodos para uma aprendizagem bem-sucedida dos alunos.

Heinrich Gustavovich Neuhaus (1888-1964) - pianista, professora, escritor musical. Fundador da maior escola de pianistas soviética. Tudo o que ele escreve está imbuído de um amor apaixonado pela arte, pela música para piano e pela performance.

Mais interesse apresenta-nos um livro chamado “Sobre a Arte de Tocar Piano”.

O livro é escrito em linguagem viva e figurativa, repleto de julgamentos sobre muitos compositores, intérpretes e professores. Coloca novos problemas e questões que preocupam todos os pianistas. Contém muitas páginas que têm o carácter de uma autobiografia musical, dedicadas às memórias do próprio percurso criativo. No entanto, nesta improvisação, emergem claramente as visões do autor sobre a arte pianística e as tarefas de um professor. Em suas obras, Neuhaus escreve sobre a imagem artística, o ritmo, o som, o trabalho da técnica, a digitação e a pedalada, as tarefas do professor e do aluno e a atividade concertística do músico.

Com grande persuasão, mostra que o método denominado “livro didático”, que dá principalmente uma receita - “regras duras”, mesmo que verdadeiras e comprovadas, será sempre apenas um método inicial, simplificado, em constante necessidade de desenvolvimento, esclarecimento , quando confrontado com a adição da vida real, ou, como ele mesmo diz, “numa transformação dialética”. Ele se opõe dura e temperamentalmente ao “método de coaching” e à “sucção interminável dos mesmos trabalhos” no trabalho pedagógico, contra a falsa posição de que “a direção pode fazer tudo com os alunos”. Ele se esforça para resolver dialeticamente não apenas problemas musicais e performáticos gerais, mas também questões técnicas mais específicas.

Definindo o papel do professor, Neuhaus acredita que o professor deve se esforçar para ser não tanto um professor de piano, mas sim um professor de música.

No seu trabalho pedagógico, Neuhaus deu especial atenção à relação entre “musical” e “técnico”. Assim, ele, em primeiro lugar, buscou a superação da incerteza técnica e da rigidez dos movimentos do aluno na esfera de influência no psiquismo do aluno, nos caminhos da própria música. Ele fez o mesmo ao recomendar métodos para trabalhar em “locais difíceis” a seus alunos. Na sua opinião, tudo o que é “difícil”, “complexo”, “desconhecido” deveria, se possível, ser reduzido a algo mais “fácil”, “simples”, “familiar”; ao mesmo tempo, aconselhou fortemente não abandonar o método de dificuldade crescente, pois com a ajuda deste método o jogador adquire as competências e experiência que lhe permitirão resolver completamente o problema.

Por fim, Neuhaus esforçou-se em tudo para aproximar o aluno da música, para lhe revelar o conteúdo da obra apresentada, e não só para lhe inspirar uma imagem poética viva, mas também para lhe dar uma análise detalhada da forma e a estrutura da obra - melodia, harmonia, ritmo, polifonia, textura - enfim, revela ao aluno as leis da música e as formas de sua execução.

Falando sobre ritmo Como um dos elementos mais importantes que compõem o processo de execução, Neuhaus enfatiza a enorme importância do “sentido do todo”, a capacidade de “pensamento longo”, sem a qual o pianista não pode tocar satisfatoriamente qualquer obra importante do ponto de vista. visão da forma.

Grande erro O autor considera o pianista uma subestimação som (escuta insuficiente do som) e sua revalorização, ou seja, “saborear sua beleza sensual”. Ao colocar esta questão desta forma, Neuhaus redefine o conceito de beleza do som - não de forma abstrata, sem ligação com estilo e conteúdo, mas deduzindo-o a partir de uma compreensão do estilo e caráter da música que está sendo executada.

Ao mesmo tempo, enfatiza que o trabalho musical e a “confiança musical” por si só não resolvem a questão do domínio da técnica pianística. O treinamento físico também é necessário, incluindo jogar devagar e com força. “Ao fazer esse trabalho”, acrescenta, “devem ser observadas as seguintes regras: certifique-se de que o braço, todo o braço, da mão à articulação do ombro, esteja completamente livre, não “congela” em lugar nenhum, não fica comprimido, não “endurece”, não perde o seu potencial (!) flexibilidade, mantendo a calma total e utilizando apenas os movimentos estritamente “necessários”.

Determinando sua visão sobre dedilhado, Neuhaus escreve que o melhor dedilhado é aquele que permite transmitir com mais precisão o significado de uma determinada música. Ele considera a digitação associada ao espírito, caráter e estilo musical do autor a mais bela e esteticamente justificada.

Neuhaus define o problema de maneira semelhante pedalização. Ele diz, com razão, que as regras gerais sobre como pedalar se relacionam com a pedalada artística, assim como alguma seção da sintaxe se relaciona com a linguagem de um poeta. Essencialmente, na sua opinião, não existe pedal correto. O pedal artístico é indissociável da imagem sonora. Estas reflexões são apoiadas no livro por uma série de exemplos interessantes, dos quais fica clara a importância que o autor atribuía às diversas técnicas de pedalada.

Só podemos dizer que Neuhaus via a técnica do pianista como algo organicamente ligado à compreensão da música e às aspirações artísticas. Esta, de fato, é a base da escola performática soviética em geral e, em particular, da escola Neuhaus, que treinou intérpretes maravilhosos como S. Richter, E. Gilels, J. Zak e muitos outros pianistas notáveis.

Artigos e livros representam uma contribuição única para a escola de piano soviética

Grigory Mikhailovich Kogan (1901-1979)

No livro “At the Gates of Mastery” o autor fala sobre os pré-requisitos psicológicos para o sucesso do trabalho pianístico. Neste trabalho, identifica “três elos principais”: uma visão clara do objetivo, foco neste objetivo e uma vontade persistente de alcançá-lo. Ele observa, com razão, que esta conclusão não é nova e não se aplica apenas aos pianistas, mas a qualquer campo da arte e da atividade laboral humana.

No prefácio do livro, ele fala sobre a importância do psiquismo do pianista, sobre o papel da correta sintonia psicológica em seu trabalho, condição necessária para uma prática bem-sucedida. Este tema é de grande interesse não só para os intérpretes, mas também para os professores, dos quais depende muito na formação do psiquismo do aluno e na sua sintonia psicológica.

Falando sobre objetivo, vontade, atenção, concentração, autocontrole, imaginação e outros elementos que determinam o sucesso no trabalho de um pianista, Kogan acrescenta a eles a necessidade de um desejo apaixonado de se expressar em forma perfeita concebido e amado imagens musicais. Dedica especial atenção à questão da “calma criativa” e à excitação do intérprete antes de uma actuação e durante um concerto.

Considerando as várias etapas do trabalho de um pianista numa peça, Kogan caracteriza detalhadamente três etapas deste processo: 1) visualização e reprodução preliminar, 2) aprendizagem em peças, 3) “montagem” da obra como A fase final .

Kogan se debruçou detalhadamente sobre questões de fraseado, dedilhado, reagrupamento técnico e representação mental de dificuldades. Quase tudo o que ele analisou se baseia nos princípios pianísticos de Busoni.

O livro também contém uma análise de alguns aspectos das artes cênicas, que têm recebido relativamente pouca atenção na literatura metodológica. Estas incluem, por exemplo, a questão do subtexto verbal de vários episódios em obras para piano, que pode servir como um “guia auxiliar de entonação”, permitindo “encontrar mais facilmente a distribuição natural da respiração, uma “pronúncia” convincente de individual entonações.”

Tendo estudado a herança pedagógica de Kogan, podemos concluir que as obras de Kogan caracterizam em grande parte as diretrizes metodológicas fundamentais da moderna escola pianística soviética na arte performática do piano.

Um dos maiores pianistas do início do nosso século, é a glória das artes performativas do século XX

Joseph Hoffman (1876-1957)

O destino do artista em turnê - fenômeno que preserva de forma civilizada as tradições dos músicos itinerantes - passou a ser o destino de Hoffmann por muito tempo. Hoffman também estava envolvido em atividades de ensino, mas elas não eram tão brilhantes quanto as de atuação.

Hoffmann atribuiu grande importância ao período de treinamento. A necessidade de um Professor, a exigência de confiar nele, sua importância para a formação de um intérprete - esses são os motivos que aparecem repetidamente nas páginas dos livros de Hoffmann. O próprio Hoffmann teve sorte com seus professores - eram o famoso pianista e compositor Moritz Moszkowski (autor de brilhantes estudos virtuosos e peças de salão) e o famoso Anton Rubinstein, cujo encontro se tornou um dos principais eventos na vida criativa de Hoffmann.

Outro acontecimento importante na vida de Hoffmann, que influenciou radicalmente sua destino criativo, modo de pensar, modo de vida, tornou-se a mudança para a América (e mais tarde a adoção da cidadania americana). Conseqüentemente - uma visão sóbria e prática da vida, uma abordagem empresarial para qualquer problema, inclusive criativo; Essa praticidade puramente americana é perceptível tanto em livros quanto em artigos.

Em seu livro publicado em 1914, intitulado “Piano Playing Answers to Questions about Piano Playing”, é importante que Hoffmann tenha destacado disposições gerais, promovendo uma boa execução de piano. Ele destaca a vantagem de praticar pela manhã. É aconselhável não estudar mais de uma hora, ou no máximo duas horas seguidas. Tudo deve depender da sua condição física. Ele também aconselha alterar o horário e a sequência das obras em estudo. O foco do pianista está nas discussões sobre a “tecnologia” de tocar piano, que ele entendeu de forma brilhante. Hoffmann considera importante o trabalho sem instrumento (também com e sem notas).

Particularmente importantes são os pensamentos de Hoffmann sobre a “técnica mental” – a necessidade de começar a análise de uma peça com uma análise da forma e da textura; além disso, no processo de análise, cada passagem “deve ser completamente preparada mentalmente antes de ser experimentada no piano”.

Hoffman é muito moderno em muitas características do seu estilo. Está perto de nós na sua praticidade - tudo é essencialmente, nada supérfluo.

Gênio da Idade de Prata, grande pianista, compositor, maestro

Sergei Rachmaninov (1873-1943)

Começou a estudar música sistematicamente aos cinco anos de idade idade. Em 1882, Sergei ingressou no São Petersburgo conservatório. Em 1885 mudou-se para Moscou e tornou-se aluno do Conservatório de Moscou, onde estudou primeiro com o famoso pianista-professor N. S. Zverev (cujo aluno também foi o compositor e pianista russo Alexander Nikolaevich Scriabin), e a partir de 1888 com o pianista e maestro Alexander Ilyich Ziloti (piano); compositor, pianista e maestro Anton Stepanovich Arensky (composição, instrumentação, harmonia); compositor, pianista e figura musical e pública Sergei Ivanovich Taneyev (contraponto à escrita estrita).

Rachmaninov é um dos maiores músicos da virada dos séculos XIX e XX. A sua arte distingue-se pela veracidade vital, orientação democrática, sinceridade e plenitude emocional da expressão artística. Rachmaninov seguiu as melhores tradições dos clássicos musicais, principalmente russos. Ele era um cantor comovente de natureza russa.

Em suas obras, impulsos apaixonados de protesto irreconciliável e contemplação silenciosa, alerta trêmulo e determinação obstinada, tragédia sombria e hino entusiasmado coexistem intimamente. A música de Rachmaninov, que possui uma riqueza polifônica melódica e subvocal inesgotável, absorveu as origens da canção folclórica russa e algumas características do canto Znamenny. Um dos fundamentos originais do estilo musical de Rachmaninov é a combinação orgânica de amplitude e liberdade de respiração melódica com energia rítmica. O tema da pátria, central para criatividade madura Rachmaninov. O nome de Rachmaninov como pianista está no mesmo nível dos nomes de F. Liszt e A. G. Rubinstein. Técnica fenomenal, profundidade de tom melodiosa, ritmo flexível e imperioso estavam completamente subordinados à execução de Rachmaninov.

A fama de Rachmaninov como pianista foi muito grande e logo se tornou verdadeiramente lendária. Um sucesso especial gostou de suas interpretações de sua própria música e de obras de compositores românticos - Fryderyk Chopin, Robert Schumann, Franz Liszt. A atividade concertística de Rachmaninov como pianista virtuoso itinerante em cidades e países continuou sem interrupção por quase 25 anos.

Na América, para onde por coincidência se mudou para morar, alcançou o sucesso estrondoso que já acompanhou um intérprete estrangeiro até aqui. Os ouvintes foram atraídos não apenas pelas habilidades de alto desempenho de Rachmaninov, mas também por sua maneira de tocar e ascetismo externo, atrás dos quais se escondia a natureza brilhante de um músico brilhante. “Uma pessoa capaz de expressar seus sentimentos de tal maneira e com tanta força deve antes de tudo aprender a dominá-los perfeitamente, a ser seu mestre...” foi escrito em uma das resenhas.

As gravações de gramofone da execução de Rachmaninov dão uma ideia de sua técnica fenomenal, senso de forma e atitude excepcionalmente responsável em relação aos detalhes. O pianismo de Rachmaninoff influenciou mestres notáveis da execução do piano como Vladimir Vladimirovich Sofronitsky, Vladimir Samoilovich Horowitz, Svyatoslav Teofilovich Richter, Emil Grigorievich Gilels.

Pianista-virtuoso americano de origem judaico-ucraniana, um dos maiores pianistas do século XX

Vladimir Samoilovich Horowitz

(1903-1989)

Nasceu na Rússia desde 1928 nos EUA. Representante estilo romântico performances (obras de F. Liszt, inclusive em suas próprias transcrições, Fryderyk Chopin, compositores russos, etc.).

Vladimir Horowitz estudou com V. Pukhalsky, SV Tarnovsky e F. M. Blumenfeld na Escola de Música de Kiev, que foi transformada no Conservatório de Kiev em setembro de 1913. Ao se formar em 1920, V. Horowitz nunca recebeu o diploma, pois não possuía o certificado de conclusão do ginásio. Ele realizou seu primeiro concerto solo em Kharkov em 1920 (mas o primeiro concerto público documentado ocorreu em dezembro de 1921 em Kiev). Depois deu concertos em várias cidades da Rússia juntamente com um jovem violinista de Odessa, Nathan Milstein, pelos quais muitas vezes era pago em pão e não em dinheiro, devido à difícil situação económica do país.

Desde 1922, Horowitz, dando concertos em cidades da Rússia, Ucrânia, Geórgia e Armênia, acumulou um repertório gigantesco. Por exemplo, durante três meses (novembro de 1924 - janeiro de 1925) ele executou mais de 150 obras na famosa “série de Leningrado”, composta por 20 concertos. Apesar de seu sucesso inicial como pianista, Horowitz afirmou que queria ser compositor, mas escolheu a carreira de pianista para ajudar sua família, que havia perdido toda a fortuna na Revolução de 1917. O sucesso dos “filhos da Revolução” (como Lunacharsky os chamou num dos seus artigos) foi impressionante. Clubes de fãs desses jovens músicos surgiram em muitas cidades.

Em setembro de 1925, Vladimir Horowitz teve a oportunidade de ir para a Alemanha (oficialmente estava saindo para estudar). Antes de partir, estudou e tocou o 1º concerto de P. I. Tchaikovsky em Leningrado. Graças a esta composição tornou-se famoso na Europa. Este concerto desempenhou um papel “fatal” na vida do pianista: todas as vezes, alcançando o triunfo na Europa e na América, Horowitz executou o 1º concerto de Tchaikovsky. Seguindo o pianista, Milstein também partiu para a Alemanha em dezembro de 1925. Na Europa, ambos os músicos rapidamente ganharam fama como virtuosos brilhantes. Horowitz foi escolhido Autoridades soviéticas representou a Ucrânia no primeiro Concurso Internacional Chopin em 1927, mas o pianista decidiu ficar no Ocidente e, portanto, não participou da competição. Até 1940, ele percorreu quase todos os países europeus com concertos e foi um sucesso estrondoso em todos os lugares. Em Paris, quando V. Horowitz tocava, os gendarmes eram chamados para acalmar o público, que quebrava cadeiras em êxtase. Em 1928, Vladimir Horowitz fez uma apresentação brilhante no Carnegie Hall em Nova York e percorreu muitas cidades americanas com sucesso retumbante.

Pianista russo com raízes alemãs

Svyatoslav Teofilovich Richter

(1915 – 1997)

Passou a infância e a juventude em Odessa, onde estudou com o pai, pianista e organista formado em Viena, e trabalhou como acompanhante na casa de ópera. Ele deu seu primeiro concerto em 1934. Aos 22 anos, formalmente autodidata, ingressou no Conservatório de Moscou, onde estudou com Heinrich Neuhaus. Em 1940 fez sua primeira aparição pública em Moscou, interpretando a 6ª Sonata de Prokofiev; posteriormente tornou-se o primeiro intérprete de suas 7ª e 9ª sonatas (esta última dedicada a Richter). Em 1945 ele ganhou o Concurso All-Union de Músicos Performativos.

Desde os primeiros passos no campo profissional foi percebido como um virtuoso e músico de excepcional calibre.

Durante várias gerações de soviéticos e Músicos russos e amantes da música, Richter não foi apenas um excelente pianista, mas também portador da mais alta autoridade artística e moral, a personificação de um moderno músico-educador universal. O enorme repertório de Richter, expandindo-se até anos recentes dele vida ativa, liguei a música épocas diferentes, do Cravo Bem Temperado de Bach e das Suítes de Handel ao Concerto de Gershwin, Variações de Webern e Movimentos de Stravinsky.

Em todas as áreas do repertório, Richter provou ser um artista único, combinando absoluta objetividade na abordagem do texto musical (seguindo cuidadosamente as instruções do autor, controle confiante sobre os detalhes, evitando exageros retóricos) com um tom dramático e espiritual invulgarmente elevado. foco de interpretação

A grande consciência de Richter sobre a responsabilidade para com a arte e a capacidade de se dedicar manifestaram-se no seu compromisso especial com a performance em conjunto. No estágio inicial da carreira de Richter, seus principais parceiros de conjunto eram o pianista, estudante de Neuhaus, Anatoly Vedernikov, a cantora Nina Dorliak (soprano, esposa de Richter), a violinista Galina Barinova, o violoncelista Daniil Shafran, Mstislav Rostropovich (sua colaboração perfeita e verdadeiramente clássica por si só). maneira - todas as sonatas para violoncelo de Beethoven). Em 1966, começou a parceria entre Richter e David Oistrakh; em 1969 eles estrearam a Sonata para Violino de Shostakovich. Richter foi um parceiro frequente do Quarteto. Borodin colaborou de boa vontade com músicos da geração mais jovem, incluindo Oleg Kagan, Elizaveta Leonskaya, Natalia Gutman, Yuri Bashmet, Zoltan Kocsis, os pianistas Vasily Lobanov e Andrei Gavrilov. A arte de Richter como solista e instrumentista é imortalizada em um grande número de gravações de estúdio e concertos.

Pianista soviético, Artista do Povo da URSS

Emil Grigorievich Gilels (1916-1985)

Emil começou a tocar piano aos cinco anos e meio; seu primeiro professor foi Yakov Tkach. Tendo alcançado rapidamente um sucesso significativo, Gilels fez sua primeira aparição pública em maio de 1929, interpretando obras de Liszt, Chopin, Scarlatti e outros compositores. Em 1930, Gilels ingressou no Instituto de Música de Odessa (hoje Conservatório de Odessa).

E no ano seguinte ele vence o Concurso de Piano Ucraniano e, um ano depois, conhece Arthur Rubinstein, que fala com aprovação de sua atuação.

A fama chegou ao músico após sua vitória em 1933 no Primeiro Concurso All-Union de Músicos Performativos, que foi seguido por numerosos concertos em toda a URSS. Depois de se formar no Conservatório de Odessa em 1935, Gilels ingressou na pós-graduação no Conservatório de Moscou na classe de Heinrich Neuhaus.

Na segunda metade da década de 1930, o pianista alcançou grande sucesso internacional: ficou em segundo lugar no concurso internacional de Viena (1936), perdendo apenas para Yakov Flier, e dois anos depois vingou-se dele, vencendo o Concurso Ysaïe em Bruxelas, onde Flier permaneceu no terceiro lugar. Retornando a Moscou, Gilels começou a lecionar no conservatório como assistente de Neuhaus.

Durante a guerra, Gilels participou de trabalhos de patrocínio militar; no outono de 1943, deu concertos; sitiada Leningrado, após o fim da guerra retornou às atividades ativas de concerto e ensino. Ele frequentemente se apresentava com sua irmã mais nova, a violinista Elizaveta Gilels, bem como com Yakov Zak. Em 1950] formou um trio de piano junto com Leonid Kogan (violino) e Mstislav Rostropovich (violoncelo), e em 1945 deu concertos no exterior pela primeira vez (tornando-se um dos primeiros músicos soviéticos autorizados a fazer isso), excursionou na Itália, Suíça, França e países escandinavos. Em 1954, foi o primeiro músico soviético a se apresentar no Pleyel Hall, em Paris. Em 1955, o pianista tornou-se o primeiro músico soviético a vir dar concertos nos EUA, onde realizou o Primeiro concerto de piano Terceiro Concerto de Tchaikovsky e Rachmaninov com a Orquestra de Filadélfia dirigida por Eugene Ormandy, e logo deu um concerto solo no Carnegie Hall, que foi um grande sucesso. Nas décadas de 1960 e 1970, Gilels foi um dos músicos soviéticos mais requisitados no mundo, passando cerca de nove meses por ano em concertos e em digressões no estrangeiro.

Para resumir, gostaria de observar que os princípios metodológicos e os livros dos representantes mais proeminentes do pianismo soviético mostram que as opiniões desses músicos, apesar da individualidade de sua abordagem à execução e à pedagogia do piano, tinham muito em comum. Este é o desejo de uma compreensão profunda do texto musical e de uma transmissão precisa da intenção do compositor, e de uma compreensão do estilo e caráter da música como base para uma interpretação realista das imagens artísticas incorporadas na obra.

Uma declaração típica a esse respeito é G. G. Neuhaus: “Estamos todos falando da mesma coisa, mas com palavras diferentes.” Esta generalidade determina os princípios da escola de pianistas soviética, que treinou pianistas maravilhosos e professores excepcionais.

XXIséculo

Como era e como era a arte performática do piano durante o século XX?

O que há de novo em início do XXI século?

Como é comum tocar piano agora, na segunda década do século XXI?

Estilo de desempenho do século 21

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No início do século 21, duas direções principais da arte performática musical continuam a existir - o virtuosismo transcendental e a interpretação significativa. No final do século XX, essas direções tornaram-se cada vez mais concentradas, isolando-se umas das outras. No entanto, um novo fenómeno surgiu quando os pianistas puderam servir simultaneamente ambas as correntes da arte performativa.

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Sobre tradições performáticas influências mania de competição total, em Neste caso, o excepcional nível competitivo de execução de obras musicais torna-se um padrão cada vez mais comum que deve ser seguido, inclusive no palco de concertos.

Os ideais de gravação sonora e o nível competitivo de performance, influenciando as tradições de concerto, exigiram um aumento significativo na qualidade da execução do piano. Cada peça do programa, e não apenas os encores, deve soar ao nível de uma obra-prima da arte performática. O que foi possível em estúdio pela engenharia de som e edição computacional a partir de diversas opções de performance, no palco deveria acontecer neste exato minuto, aqui e agora.

Competições e festivais internacionais contribuem para a globalização da arte pianística.

Na maioria das vezes aprendemos seus nomes após a competição de Tchaikovsky. Esta competição trouxe fama a pianistas como: Van Cliburn, Vladimir Ashkenazy, Vladimir Krainev, Mikhail Pletnev, Boris Berezovsky, Nikolai Lugansky, Egeny Kissin, Denis Matsuev, Zhaniya Aubakirova...

Pianista americano que conquistou corações russos

Primeiro vencedor do Concurso Internacional Tchaikovsky (1958)

Van Cliburn (1934-2013)

O pianista americano Van Cliburn (também conhecido como Harvey Levan Clyburn) é talvez o músico estrangeiro mais querido do nosso país. Foi o público russo o primeiro a apreciar as capacidades performáticas de Van Cliburn; foi depois da sua visita à Rússia que ele se tornou um músico mundialmente famoso.

Recebeu suas primeiras aulas de piano aos três anos na casa de sua mãe. Quando Cliburn tinha seis anos, a família mudou-se para o Texas, onde ganhou um concurso aos treze anos e logo fez sua estreia no Carnegie Hall.

Em 1951 ingressou na Juilliard School, na turma de Rosina Levina, e nos anos seguintes recebeu diversos prêmios em prestigiadas competições americanas e internacionais.

O nome de Cliburn ganhou fama mundial após sua vitória sensacional no primeiro Concurso Internacional Tchaikovsky em Moscou, em 1958. O jovem pianista conquistou a simpatia dos jurados e do público. Isto foi ainda mais surpreendente tendo em conta que a ação ocorreu no auge da Guerra Fria. Ao retornar à sua terra natal, Cliburn teve uma recepção magnífica e entusiástica. O músico estava imbuído de amor e respeito pela URSS e depois da competição veio dar concertos mais de uma vez.

Van Cliburn fez turnês em seu país natal e no exterior. Ele já se apresentou diante da realeza e de chefes de estado, e diante de todos os presidentes dos EUA. Ele se tornou o primeiro intérprete de música clássica a ter um álbum de platina. Sua execução do Primeiro Concerto para Piano de Tchaikovsky vendeu mais de um milhão de cópias.

Desde 1962, o Concurso de Piano Van Cliburn é realizado em Fort Worth, Texas.

Pianista russo, professor de música, figura pública

Vladimir Vsevolodovich Krainev

(1944-2011)

O talento musical de Vladimir Krainev manifestou-se na escola secundária especializada de música em Kharkov, onde ingressou aos 5 anos. Dois anos depois, sua primeira apresentação aconteceu no grande palco- junto com a orquestra executou o concerto de Haydn e o Primeiro Concerto de Beethoven.

Com o apoio dos professores de Kharkov, Krainev entrou na Central de Moscou Escola de música no Conservatório. Tchaikovsky à turma de Anaida Sumbatyan. Em 1962 ingressou no Conservatório. Tchaikovsky na classe de Heinrich Neuhaus, e após sua morte estudou com seu filho Stanislav Neuhaus, com quem completou seus estudos de pós-graduação em 1969.

O reconhecimento mundial chegou a Vladimir Krainev no início da década de 1960, quando ganhou os principais prémios nas principais competições internacionais em Leeds (Grã-Bretanha, 1963) e Lisboa (Portugal, 1964). Após uma apresentação em Leeds, o jovem pianista recebeu um convite para uma turnê pelos EUA. Em 1970, obteve uma brilhante vitória no IV Concurso Internacional em homenagem a P.I. Tchaikovsky em Moscou.

Desde 1966, Vladimir Krainev é solista da Filarmônica Estatal de Moscou. Desde 1987 - professor do Conservatório de Moscou. Desde 1992 - professor Ensino médio música e teatro em Hannover (Alemanha).

Vladimir Krainev viajou intensamente pela Europa e pelos EUA, apresentando-se com maestros de destaque como Gennady Rozhdestvensky, Carlo Maria Giulini, Kurt Masur, Yuri Temirkanov, Vladimir Spivakov, Dmitry Kitayenko, Saulius Sondeckis.

Krainev foi o organizador do festival “Vladimir Krainev Convida” na Ucrânia e do Concurso Internacional para Jovens Pianistas em Kharkov (desde 1992), em sua homenagem.

Em 1994, o pianista criou a Fundação Internacional de Caridade para Jovens Pianistas. A Fundação prestou assistência e apoio a futuros músicos profissionais, criou condições para a sua criatividade na Rússia e no estrangeiro, organizou digressões e concertos de jovens músicos, apoiou instituições educacionais cultura e arte.

Famoso maestro e pianista, Artista do Povo da RSFSR, fundador e diretor de 1990 a 1999 e de 2003 até o presente da Orquestra Nacional Russa. Vencedor da medalha de ouro no Concurso Internacional Tchaikovsky de 1978 e do Prêmio Grammy de 2004.

Mikhail Vasilievich Pletnev nasceu em1957

Pletnev passou a infância em Saratov e Kazan e, aos 7 anos, começou a frequentar a escola de música no Conservatório de Kazan para estudar piano. A partir dos 13 anos estudou na Escola Central de Música do Conservatório Tchaikovsky de Moscou. Em 1973, Pletnev, de 16 anos, venceu o Grande Prêmio do Internacional competição juvenil em Paris e no ano seguinte ingressou no Conservatório de Moscou, estudando com os professores Yakov Flier e Lev Vlasenko.

Em 1977, Pletnev ganhou o primeiro prêmio no Concurso All-Union de Piano em Leningrado e, em 1978, ganhou a medalha de ouro e o primeiro prêmio no Concurso Internacional Tchaikovsky de Moscou. Em 1979, Pletnev formou-se no conservatório e, em 1981, formou-se na pós-graduação, após o que se tornou assistente de Vlasenko e, posteriormente, começou a lecionar em sua própria aula de piano.

Tendo-se tornado solista do Concerto Estatal em 1981, Pletnev ganhou fama como pianista virtuoso; a imprensa notou as suas interpretações da obra de Tchaikovsky, mas também as suas interpretações de Bach, Beethoven, Rachmaninov e outros compositores. Pletnev colaborou com maestros famosos como Vladimir Ashkenazy, Alexander Vedernikov, Mstislav Rostropovich, Valery Gergiev, Rudolf Barshai e as orquestras sinfônicas mais famosas do mundo, incluindo a Sinfônica de Londres e a Filarmônica de Los Angeles.

Em 1980, Pletnev estreou-se como maestro e, dez anos depois, em 1990, com a ajuda de doações estrangeiras, criou a Orquestra Sinfónica Nacional Russa independente (mais tarde rebatizada de Orquestra Nacional Russa, RNO) e até 1999 foi a sua artística diretor, regente principal e fundo presidente. Em 2008, Pletnev tornou-se maestro convidado da Orquestra Sinfônica da Suíça Italiana (Orchestra della Svizzera italiana). Em 2006, Pletnev criou o Fundo de Apoio cultura nacional. De 2006 a 2010, Pletnev foi membro do Conselho Presidencial da Federação Russa para Cultura e Arte e, de 2007 a 2009, foi membro da Comissão da Federação Russa para a UNESCO.

Pianista cazaque, professor, professor e reitor do Conservatório Nacional do Cazaquistão em homenagem a Kurmangazy,

Artista do Povo do Cazaquistão, laureado em concursos internacionais, professor

Zhania Yakhiyaevna Aubakirova nasceu em 1957

Graduado pelo Conservatório Estadual de Alma-Ata. Kurmangazy, Conservatório Estadual de Moscou. P. I. Tchaikovsky e pós-graduação (com o Professor L. N. Vlasenko).

Desde 1979 - concertino do Estado teatro acadêmicoÓpera e Ballet com o nome. Abai e assistente estagiário no Conservatório Estadual de Moscou. P.I.Tchaikovsky. 1981 - professor sênior, professor associado, chefe do departamento de piano especial do Conservatório Estadual de Alma-Ata. Kurmangazy. Desde 1983 - solista da Filarmônica do Estado do Cazaquistão. Dzhambula. Desde 1993 - Professor do Conservatório Estadual de Almaty. Kurmangazy. 1994 - foi fundada a “Escola de Autores de Zhania Aubakirova”, trabalhando com métodos e tecnologias educacionais modernas. Desde 1997 - Reitor do Conservatório Nacional do Cazaquistão em homenagem a Kurmangazy. Sob sua liderança, o conservatório tornou-se a principal universidade de música do país e o centro cultural e educacional da república; em 2001, recebeu o status nacional;

1998 - Por iniciativa de Zhaniya Aubakirova, foi organizada a agência musical “Clássicos”, que com grande sucesso realizou as “Estações Cazaques na França”, organizou concertos em mais de 18 países, gravou mais de 30 CDs e mais de 20 musicais filmes sobre artistas cazaques. 2009 - em novembro, a Orquestra Sinfônica Estudantil do Conservatório Nacional do Cazaquistão. Kurmangazy fez um tour de cinco As maiores cidades EUA: Los Angeles, São Francisco, Washington, Boston e Nova York. Jovens músicos, juntamente com seu reitor, Artista do Povo da República do Cazaquistão Zhaniya Aubakirova, se apresentaram nos salões mais famosos do mundo - o Kennedy Center e o Carnegie Hall.

Concertos solo e apresentações de Zhania Aubakirova com orquestras famosas, promovendo clássicos musicais mundiais e obras de compositores cazaques, são realizados regularmente no Cazaquistão, nas maiores salas de concerto da França, Inglaterra, Alemanha, Japão, Rússia, Polônia, Itália, EUA, Israel, Grécia e Hungria. Os grandes salões do Conservatório Tchaikovsky de Moscou e da Filarmônica de São Petersburgo, a Casa da Música de Moscou.

Excelente pianista do nosso tempo

Boris Berezovskynascido em 1969

Ingressa no Conservatório de Moscou na classe do destacado pianista Eliso Virsaladze. Depois de algum tempo, Berezovsky se sente “lotado” na aula de Eliso Virsaladze, onde só se toca repertório tradicional, então ele começa a ter aulas particulares com Alexander Sats. Sats abre novos horizontes da música clássica russa para Boris Berezovsky. Com ele, Berezovsky começa a interpretar Medtner, muitos Rachmaninov e muitos outros. Mas Boris Berezovsky nunca conseguiu concluir seus estudos no Conservatório de Moscou; foi expulso por participar do Concurso Tchaikovsky enquanto passava nos exames finais. Mas esta circunstância não o impediu de se tornar o intérprete mais virtuoso e requisitado do nosso tempo.

Há mais de dez anos, Boris Berezovsky toca com as orquestras mais famosas do mundo: a Orquestra da BBC, as Filarmônicas de Londres e Nova York, a Nova Orquestra Filarmônica do Japão, as Orquestras Sinfônicas de Birmingham e Filadélfia. Berezovsky participa constantemente de vários festivais de música de câmara, e seu concertos solo pode ser ouvido em Berlim e Nova York, Amsterdã e Londres. Fala inglês fluentemente e Francês.

O pianista possui uma discografia bastante extensa. As últimas notas seus shows receberam as mais altas avaliações da crítica. Os prêmios da Associação Alemã de Gravação alta recompensa Sonatas de Rachmaninov interpretadas por Boris Berezovsky. As gravações das obras de Ravel foram incluídas nas paradas clássicas do Le Monde de la Musique, Diapason, BBC Music Magazine e Independent.

Boris Berezovsky é o vencedor da medalha de ouro no 9º Concurso Internacional Tchaikovsky, é chamado de “novo Richter”, o som de Berezovsky, com pianíssimo transparente e um espectro rico tons dinâmicos, é reconhecido como o pianista mais talentoso de sua geração. Hoje você pode ouvir cada vez mais Boris Berezovsky nos principais palcos de concertos da Rússia.

Um dos artistas inspirados e inteligentes, russo pianista , professor, solista Filarmônica Estatal de Moscou , Artista do Povo da Rússia

NikolaºLeãó HIVPradoś Inglês nasceu em1972

Sua execução conseguiu absorver tudo de melhor que a escola central de música e o conservatório de Moscou poderiam oferecer.

Este inspirado intérprete, possuidor de uma brilhante técnica de execução, possui agora um raro dom para uma abordagem criativa do material, um dos poucos, ele é capaz de trazer à luz a centelha de Deus nas obras de Beethoven, revelar o raro “inferal som” de Mozart, toque qualquer material digno para que o espectador cansado redescubra melodias tocadas milhares de vezes em uma encarnação completamente diferente.

Agora, na Rússia, existem muitos profissionais que podem mostrar alta classe. No entanto, em nada inferior aos seus eminentes colegas, Lugansky continua a ser um fenómeno único em musica russa.

Você pode tocar os clássicos de diferentes maneiras: cada escola - francesa, alemã, italiana - oferece sua própria solução para problemas agudos com um som único.

Mas qualquer pianista verdadeiramente virtuoso “cria os seus próprios clássicos”, o que é uma prova de genialidade. Nikolai Lugansky foi chamado de “pianista de Richter” no início de sua carreira musical, depois também comparado a Alfred Cortot.

Nikolai Lugansky continua a ser um fenómeno único na música russa.

Famoso pianista russo, músico clássico

Evgeniy Igrevich Kissin nasceu em 1971

Aos 6 anos ingressou na Escola de Música Gnessin. A primeira e única professora é Anna Pavlovna Kantor.

Inicialmente, como uma criança prodígio, ele se apresentou sob o nome de Zhenya Kissin. Aos 10 anos tocou pela primeira vez com uma orquestra, executando o 20º concerto de Mozart. Um ano depois ele deu seu primeiro concerto solo. Em 1984 (aos 12 anos) executou o 1º e o 2º concertos para piano de Chopin em Grande salão Conservatório de Moscou.

Em 1985, Evgeny Kisin foi pela primeira vez ao exterior para shows e em 1987 estreou-se em Europa Ocidental no Festival de Berlim. Em 1988 ele se apresentou com Herbert von Karajan no Concerto de ano novo Orquestra Filarmônica de Berlim, executando o 1º concerto de Tchaikovsky.

Em setembro de 1990, Kissin estreou-se nos EUA, onde executou o 1º e o 2º concertos de Chopin com o New York Orquestra Filarmônica dirigido por Zubin Mehta. Uma semana depois, o músico dá um concerto solo no Carnegie Hall. Em fevereiro de 1992, Kissin participa da cerimônia prêmio Grammy em Nova York, transmitido pela televisão para uma audiência estimada em um bilhão e seiscentos milhões de telespectadores. Em agosto de 1997, ele deu um recital no festival Proms no Albert Hall de Londres - a primeira noite de piano nos mais de 100 anos de história do festival.

Kissin conduz atividades intensivas de concertos na Europa, América e Ásia, reunindo constantes multidões com ingressos esgotados; tocou com as principais orquestras do mundo sob a batuta de maestros como Claudio Abbado, Vladimir Ashkenazy, Daniel Barenboim, Valery Gergiev, Carlo Maria Giulini, Colin Davis, James Levine, Lorin Maazel, Ricardo Muti, Seiji Ozawa, Mstislav Rostropovich, Evgeniy Svetlanov, Yuri Temirkanov, Georg Solti e Maris Jansons; entre os parceiros de música de câmara de Kissin estão Martha Argerich, Yuri Bashmet, Natalya Gutman, Thomas Quasthoff, Gidon Kremer, Alexander Knyazev, James Levine, Misha Maisky, Isaac Stern e outros.

Evgeny Kissin também realiza noites de poesia em iídiche e russo. Um CD com gravações de obras de poesia moderna em iídiche interpretadas por E. Kissin “Af di klavn fun yidisher poesia” (Sobre as tonalidades da poesia judaica) foi lançado em 2010. Segundo o próprio Kissin, ele tem uma forte identidade judaica desde a infância e publica materiais pró-Israel em seu site pessoal.

Pianista russo, figura pública, Artista do Povo da Rússia

Denis Leonidovich Matsuev nasceu em 1975

Denis Matsuev passou a infância em sua terra natal, Irkutsk. Nascido em uma família criativa, um menino com primeiros anos estudou música. Primeiro, ele foi para a escola secundária municipal nº 11 em homenagem a V.V. Mayakovsky e, ao mesmo tempo, começou a frequentar a escola de arte local. Aos dezesseis anos, Denis Matsuev ingressou na Irkutsk Music College. No entanto, ele rapidamente percebeu que seu talento precisava de um polimento mais aprofundado. No conselho de família foi decidido mudar-se para a capital. Os pais entenderam que seu talentoso filho poderia ter uma carreira de muito sucesso. biografia criativa. Denis Matsuev mudou-se para Moscou em 1990.

Em 1991, ele foi laureado pela International Public Charitable Foundation chamada “New Names”. Graças a esta circunstância, já na juventude visitou mais de quarenta países do mundo com concertos. As pessoas mais importantes vieram ouvir a sua execução virtuosa: a Rainha da Inglaterra, o Papa e outros. Em 1993, Denis Matsuev conseguiu ingressar no Conservatório Estadual de Moscou. Ao mesmo tempo, atuou em programas da fundação pública Novos Nomes, que aconteceram sob a liderança do patrono de Denis, Svyatoslav Belz. Em 1995, o artista foi aceito como solista no Moscow Filarmônica Estadual. Isso permitiu que Denis Leonidovich expandisse o escopo de suas atividades de concerto.

Juntamente com a sua vitória no Décimo Primeiro Concurso Internacional Pyotr Ilyich Tchaikovsky, a fama mundial chegou ao músico. Sua biografia foi decorada com este evento fatídico em 1998. Denis Matsuev tornou-se um dos pianistas mais populares do mundo. Suas atuações magistrais causaram grande ressonância no mundo. O artista passou a ser convidado para os eventos de maior prestígio. Por exemplo, ele se apresentou na cerimônia de encerramento das Olimpíadas de Sochi.

Desde 2004, Denis Matsuev apresenta anualmente sua assinatura pessoal. As melhores orquestras sinfônicas da Rússia e do exterior tocam junto com o músico de lá.

Ele faz muito pelo seu país. No esforço de incutir nas pessoas o amor pela música, o artista organiza todo tipo de festivais e competições. Além disso, ele se esforça para realizá-los em diferentes regiões da Rússia, para que todos os residentes do país possam tocar a arte erudita e ouvir apresentações brilhantes das melhores obras musicais.

Concluindo, resumimos os principais rumos e tendências no desenvolvimento da arte pianística no século XXI. Nas direções virtuosas e significativas da arte pianística, encontram-se os seguintes fatores que acompanham o desenvolvimento: foco na qualidade e estética da gravação sonora, aumento da expressividade da conjugação tonal, ampliação das possibilidades no campo da agogia e timbre do som, desaceleração do andamento e redução do nível dinâmico médio de performance, polifonização da textura. Esses fatores contribuem para o crescimento da profundidade e a renovação moderna do conteúdo da performance. Paralelamente, o repertório de concertos para piano está sendo atualizado devido à descoberta de novas obras altamente artísticas que antes não eram apreciadas.

No entanto, é a generalização e o significado da entonação as principais tendências no desenvolvimento da arte pianística do século XXI.

Esta lista de pianistas atuantes mostra que o piano oferece inspiração virtualmente ilimitada. Durante três séculos, os intérpretes de música para piano encantaram os ouvintes e inspiraram-nos nas suas próprias façanhas no mundo da música.

Não importa a que época o músico pertencia, o que o tornou grande não foi apenas o seu talento, mas também a sua total absorção pela música!!!

PSTendo estudado a literatura sobre o assunto, chegamos à conclusão de que o desenvolvimento das escolas de piano desde o momento da sua formação até os nossos dias foi determinado pela versatilidade espiritual da personalidade do mestre, e as buscas pedagógicas serviram de base criativa e, em na verdade, um incentivo à criatividade. Músicos educacionais progressistas apoiavam tudo o que consideravam valioso na arte; elevados ideais cívicos, propósito missionário de criatividade.

Os pensamentos dos principais músicos e professores sempre tiveram como objetivo desenvolver princípios de ensino que atendessem às ideias sobre as tarefas da performance. Isso determinou em grande parte o conteúdo dos trabalhos científicos dedicados a tocar o instrumento.

Os antigos tratados da era do clavierismo falavam sobre composição musical, técnicas de improvisação e arranjos composições musicais, sentado atrás do instrumento, dedilhado e regras do jogo. Tudo isto se explica pelo facto de na era pré-piano o intérprete ser o compositor, apresentando aos ouvintes as suas próprias obras e as suas capacidades de improvisação. A profissão de intérprete-intérprete (mas não de compositor musical) naquela época ainda não havia surgido como uma forma especial atividade criativa músico. Só no século XIX, a par da adesão de um novo instrumento ao palco dos concertos - o piano - e da paixão pelo virtuosismo do tocar, se assistiu a uma gradual diferenciação de músicos, compositores, intérpretes e professores que ensinavam a tocar este instrumento.

O conteúdo dos trabalhos científicos sobre arte musical também mudou em muitos aspectos. Vários estudos, livros didáticos e trabalhos sobre métodos de ensino deixaram de considerar todas as questões relacionadas à criatividade musical, performance e pedagogia. O tema de cada obra era apenas uma área específica da musicologia. Os autores de livros sobre arte pianística estavam interessados principalmente nas questões de domínio da técnica pianística, e a maioria deles se dedicava a esses tópicos. trabalhos metodológicos e auxiliares de ensino. Assim, durante muitos anos, os trabalhos teóricos sobre execução pianística foram reduzidos aos problemas de estabelecer técnicas racionais de execução que permitissem alcançar uma técnica virtuosa. Somente no final dos séculos XIX e XX é que músicos de destaque se voltaram para as questões artísticas da arte performática, que determinaram as tarefas de interpretação, compreensão do estilo e do conteúdo das obras musicais. Esses problemas também estavam relacionados a questões de técnica de tocar piano. O objetivo mais importante do professor era formar um músico cuja arte performática não fosse uma demonstração de habilidade técnica, mas a capacidade de transmitir o significado mais íntimo de uma obra de arte em formas de expressão vivas e figurativas.

Especializado em execução pianística de obras musicais.

Um fato interessante é que para a profissão de pianista é especialmente importante começar a tocar música desde muito cedo, por volta dos três ou quatro anos. Em seguida, forma-se um formato de palma “larga”, que no futuro ajuda a tocar com maestria.

Dependendo da época de desenvolvimento da música para piano, às vezes eram apresentadas exigências diametralmente opostas aos pianistas. Além disso, a profissão de músico inevitavelmente se cruza com. A maioria dos pianistas compõe sua própria música para piano. E apenas raros virtuosos conseguiram se tornar famosos executando exclusivamente melodias de outras pessoas.

Em qualquer caso, como qualquer músico, é importante para um pianista ser sincero e emotivo, para poder perder-se na música que executa. Segundo Harold Schonberg, um famoso crítico musical, não é apenas um instrumento, é um modo de vida, o que significa que o sentido da vida de um pianista não é apenas a música, mas a música pelo piano.

Mozart, Liszt e Rachmaninov - clássicos da arte do piano

A história da música para piano é bastante interessante. Existem várias etapas, cada uma com suas próprias tradições. Freqüentemente, os cânones da época eram estabelecidos por alguém (menos frequentemente vários) que tocava um instrumento com maestria (no início era o cravo e, mais tarde, o piano).

Pianistas famosos dos séculos XVIII e XIX

Em cada um destes períodos trabalharam também outros pianistas, muitos dos quais foram simultaneamente compositores de obras musicais e deixaram uma marca indelével na história da música para piano. São dois em três" Clássicos vienenses» Schubert e Beethoven, os alemães Brahms e Schumann, o polaco Chopin e o francês Charles Valentin Alkan.

Johannes Brahms

Durante este período, os pianistas eram obrigados principalmente a ser capazes de improvisar. A profissão de pianista estava intimamente ligada à composição. E mesmo quando realizava obras alheias, a sua própria interpretação, uma interpretação livre, era considerada correta. Hoje tal desempenho seria considerado de mau gosto, incorreto e até mesmo inepto.

Pianistas famosos dos séculos 20 e 21

O século 20 é o apogeu da arte do piano. Este período é extraordinariamente rico em pianistas excepcionais e talentosos.

No início do século XX, Hoffmann e Cortot, Schnabel e Paderewski tornaram-se famosos. E, claro, Rachmaninov, o gênio da Idade de Prata, que marcou uma nova era não só na música para piano, mas também na cultura mundial como um todo.

A segunda metade do século XX é a era de pianistas famosos como Svyatoslav Richter, Emil Gilels, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Wilhelm Kempff...

Svyatoslav Richter

Pianistas de destaque como o americano Van Cliburn, que se tornou o primeiro laureado do Concurso Internacional Tchaikovsky em 1958, continuam a sua criatividade musical no início do século XXI. Vale destacar o músico que venceu o mesmo concurso no ano seguinte - o mais popular pianista pop Vladimir Ashkenazy.

Todo amante da música clássica pode citar seu favorito.

Alfred Brendel não era uma criança prodígio e seus pais não tinham nada a ver com música. Sua carreira começou sem muito alarde e se desenvolveu lentamente. Talvez este seja o segredo de sua longevidade? No início deste ano, Brendel completou 77 anos, mas ainda assim agenda de concertosàs vezes inclui de 8 a 10 apresentações por mês.

Uma apresentação solo de Alfred Brendel na sala de concertos foi anunciada para 30 de junho Teatro Mariinsky. O pianista deste concerto não foi encontrado no site oficial. Mas há uma data para o próximo concerto em Moscou, que acontecerá no dia 14 de novembro. No entanto, Gergiev se distingue pela capacidade de resolver problemas insolúveis.